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Música de China
Historia
El legendario creador de la música según la mitología china fue Ling Lun, quien hizo cañas
de bambú de manera que sonaran como pájaros.
De acuerdo con Mencio, un poderoso legislador le preguntó una vez si era moral que
prefiera la música popular frente a la clásica. La respuesta fue que lo único importante era
que ame a sus súbditos. El órgano encargado de la música imperial, establecido durante la
Dinastía Qin (221 a. C. - 207 a. C.), fue grandemente expandida bajo el Emperador Han
Wu Di (140 a. C. - 87 a. C.), además se le encargó supervisar la música cortesana y la
música militar y determinar qué música folclórica sería oficialmente reconocida. En las
dinastías subsecuentes, el desarrollo de la música china fue fuertemente influida por la
música foránea, en especial, la centroasiática
El primer europeo que llegó a China con un Instrumento musical fue el presbítero Jesuita
Matteo Ricci, quien presentó un clave a la corte imperial Ming en 1601, y enseñó a cuatro
eunucos a tocarlo.1
El Nuevo Movimiento Cultural de los años 1910s y 1920s evocó en grado sumo un
duradero interés en la música occidental. Un número de músicos chinos retornaron del
exterior luego de estudiar para tocar música clásica Occidental, componiendo su trabajo
basándose en el sistema de notación musical del poniente. El Kuomintang (中國國民黨)
trató de subsidiar las adopciones de la música moderna a través del Conservatorio de
Música de Shanghái (上海音乐学院) pese a la crisis en curso. Los filósofos culturales del
Siglo XX como Xiao Youmei, Cai Yuanpei, Feng Zikai y Wang Guangqi querían ver a la
música china adaptada al mejor estándar posible. Existían varias diferentes opiniones
respecto al mejor estándar1
Las Orquestas Sinfónicas fueron formadas en las mayores ciudades y tocaron ante amplias
audiencias en los salones y en la radio. Muchos de los intérpretes adicionaron influencias
desde el jazz a la música tradicional, agregando xilófonos, saxos y violines, entre otros
instrumentos. Lü Wencheng, Li Jinhui, Zhou Xuan, Qui Hechou, Yin Zizhong y He Dasha
fueron de los intérpretes y compositores más populares durante este período.
Luego del foro Yan'an 1942 sobre Arte y Literatura fue lanzada una campaña a gran escala
en las áreas controladas por los comunistas para adaptar la música folclórica con el fin de
crear canciones revolucionarias para educar a la población rural, profundamente iletrada, en
los objetivos del partido. Formas musicales consideradas supersticiosas o
antirrevolucionarias fueron reprimidas y armonías y líneas de bajos fueron adicionadas a las
canciones tradicionales. Un ejemplo es El Oriente es Rojo, una canción folclórica
proveniente desde el norte de Shanxi, la cual fue modificada en un himno nacionalista. De
nota particular es el compositor Xian Xinghai, quien estaba activo durante este período, y
compuso la Cantata del Río Amarillo el cual es el más afamado de todos sus trabajos.
La era dorada del Shidaiqu y las "Siete grandes estrellas de la canción" llega al final cuando
el Partido Comunista denuncia a la música popular china como "música amarilla"
(pornográfica).2 Los maoístas consideraban la música popular como el declinar en la forma
artística en la China continental. En 1949 el Kuomintang se trasladó a Taiwán y se
estableció la República Popular China . Las canciones revolucionarias serían
profundamente promovidas por el Estado. Los maoístas, durante la Revolución Cultural,
sostuvieron la música revolucionaria como el único género aceptable; debido a la opresión
2
y la propaganda, este género opacó a todos los otros y vino a definir en la práctica la
música continental. Esto continúa siendo, de algún modo, un proceso en curso, pero
algunos escolares y músicos están tratando de recuperar lo que estaba perdido y reconstruir
la herencia musical.
Luego de las protestas de la Plaza de Tian'anmen de 1989, un estilo con un nuevo tempo
más rápido, el Viento Noroeste (xibeifeng, 西北風), fue lanzado por el pueblo para
responder al gobierno. La música progresaría en Rock chino, el cual se mantendría popular
en los noventa. De cualquier manera, la música en China es propiedad estatal de la misma
forma que la TV, los medios, y los principales salones de conciertos, que son controlados
por el Partido Comunista. El gobierno ha elegido no sostener el rock chino limitando su
exposición y tiempos de emisión. Como resultado, el género nunca ha llegado a
establecerse completamente.
Actualidad
China posee un alto nivel de piratería con los asuntos de propiedad intelectual.3 Como
resultado, la mayoría de los álbumes son sacados a la venta en Taiwán o Hong Kong
primero. Esta es una de las decisiones de negocios tomada más a menudo por las compañías
productoras. Normalmente, hay algún retraso antes de que los productos sean lanzados en
el continente, con ocasionales excepciones, como el trabajo de Cui Jian, quien fue sacado a
la venta en Taiwán, Hong Kong y el Continente simultáneamente.4 Consecuentemente, este
retraso en el tiempo de lanzamiento procura así el más grande incentivo para la piratería,
desde que los individuos preferirían piratear desde el exterior. El mercado moderno, no solo
es dificultado por cuestiones legales, como por otros factores como el margen de ganancia,
el ingreso, y otras cuestiones económicas.
Hoy, la música rock se centra en casi exclusivamente en Pekín y Shanghái, y tiene muy
limitada influencia en la sociedad china. Wuhan y Sichuan son consideradas bolsas de
cultura musical rockera mientras tanto. Esto apunta a una importante diferencia cultural,
política y social que existe entre China, el Occidente, y también entre diferentes partes
dentro de China. Mientras el rock existió en china por décadas, el hito que puso el género
en al plano internacional fue cuando Cui Jian tocó con The Rolling Stones en 2003, a la
edad de 42.
Música tradicional
3
Músicos Chinos en un restaurante de Shanghái.
Instrumental
Instrumentos
Cuerdas frotadas
erhu, zhonghu, dahu, banhu, jinghu, gaohu, gehu, yehu, cizhonghu, diyingehu,
leiqin
Cuerdas punteadas
La etnia han forma alrededor del 92% de la población de China. La Música étnica Han
consiste de música heterofónica, en la cual los músicos tocan versiones de una misma línea
melódica. La percusión acompaña la mayor parte de la música, la danza y la ópera.
Ópera china
La Ópera china ha sido enormemente popular durante siglos, en especial la Ópera de Pekín.
La música a menudo es gutural, con vocales de tono alto, usualmente acompañada por una
suona, un jinghu, otros tipos de instrumentos de cuerda y percusión. Entre Otros tipos de
ópera encontramos la Pingju, la Ópera cantonesa, la Ópera de marionetas, el Kunqu, la
Ópera Sichuan, la Qinqiang, la ópera ritual de máscaras y la Huangmei xi.
Música folclórica
La música folclórica Han se consolidó en las bodas y funerales. Usualmente incluye una
forma de oboe llamado suona y ensambles de percusión llamados chuigushou. La música es
diversa, a veces alegre, a veces lúgubre y otras basada en la música pop occidental o música
de TV. Los ensambles constituidos de shengs (especies de armónicas), suonas, dizis e
instrumentos de percusión como los yunluos, son populares en las aldeas del Norte; su
música deriva desde la música imperial del templo en Pekín, Xi'an, Wutai shan y Tianjin.
La música de tambores de Xi'an, constituida por instrumentos de viento y de percusión, es
popular en los alrededores de dicha ciudad, y ha recibido algo de popularidad fuera de
China en una forma altamente comercializada. Otro importante instrumento es el sheng, el
cual es el antecesor de todos los instrumentos occidentales de lengüetas, como el acordeón.
Los desfiles liderados por los tipos occidentales de Brass band, a menudo compiten en
volumen con las bandas shaum/chuigushou.
Media sección de la versión de la Dinastía Song (960 - 1279) de Los Deleites Nocturnos de Han Xizai,
original de Gu Hongzhong;5 se ven mujeres danzando y una en la derecha toca una pipa para entretener a los
huéspedes.
5
Al sur de Fujian y Taiwán, el Nanyin o Nanguan es un género musical de baladas
tradicionales. Éstas son cantadas por una mujer acompañada por una flauta xiao, una pipa y
otros instrumentos tradicionales. La música es generalmente triste y de luto y típicamente
trata de mujeres afligidas por amor. Más al sur, en Shantou, Hakka y Chaozhou, los
ensambles erxian y zheng son populares.
Los ensambles Sizhu usan flautas e instrumentos de cuerda, punteada o frotada, para hacer
música armoniosa y melodiosa, que se volvió popular en al Oeste entre algunos oyentes.
Estos son populares en Nankín y Hangzhou, y en todo el sur del Yangysé. El Sizhu ha sido
secularizado en las ciudades, pero se mantiene espiritual, en las áreas rurales.
Música regional
Tíbet
La música forma una parte integral del Budismo Tibetano Mientras el canto permanece tal
vez como la forma más conocida de la música budista tibetana, formas complejas y vívidas
son asimismo desplegadas. Los monjes usan la música para recitar varios textos sagrados y
celebrar una variedad de festivales durante el año. la forma más especializada de canto es el
llamado yang, el cual se conforma de pequeñas sílabas, no posee temporización y es
dominado por tambores resonantes y sostenidos. Otras formas de canto son únicas para el
Tantra como para las cuatro principales escuelas monásticas: Gelugpa, Kagyupa,
Nyingmapa y Sakyapa. De estas escuelas, la Gelugpa es considerada una forma más sobria
y clásica, mientras que la Nyingmapa es ampliamente descripta como romántica y
dramática. La Gelugpa es tal vez la más popular.
La música secular tibetana sobrevivió a la Revolución Cultural más intacta que la espiritual,
en especial debido al Instituto Tibetano de Artes Interpretativas (ITAI), el cual fue fundado
por el Dalái Lama poco después de su auto-exilio. El ITAI originalmente se especializó en
la forma lhamo de ópera, la cual ha sido modernizada desde entonces con el agregado de
influencias, occidentales y otras. Otros géneros seculares incluyen el nangma y el toshe, los
cuales son a menudo acompañados por una variedad de instrumentos diseñados para una
música bailable y altamente rítmica. El karaoke Nangma es popular en el Lhasa moderno.
Una forma clásica llamada gar es muy popular y se distingue por la música ornada,
elegante y ceremonial que honra a dignatarios u otras personas respetadas.
La música folclórica tibetana incluye canciones lu a capella, las cuales son distintivamente
altas, débiles con vibraciones glotales, como los ahora raros bardos épicos que cantan los
cuentos de Gesar, el héroe más popular del Tíbet.
6
La música tibetana ha influenciado las composiciones pioneras de Philip Glass y, más
influencialmente, Henry Eichheim. Los artistas posteriores conformaron fusiones New Age
de los pioneros Henry Wolff y Nancy Hennings. Estos dos colaboraron en Tibetan Bells,
quizá la primera fusión de New Age e influencias tibetanas, en 1971. La banda sonora
original de Kundun, de Glass, probó la influencia en los noventa, mientras la popularidad
del Budismo adaptado a occidente (por ejemplo Richard Gere, Yungchen Lhamo, Steve
Tibbetts, Choying Drolma, Lama Karta y Kitarō y Nawang Khechong) ayudó a popularizar
la música tibetana.
Guangxi
Guanxi en una región de China. Su más famosa música de música moderna en Sister Liu,
quien fue la protagonista de una película de los sesenta que introdujo a las culturas de
Guanxi al resto del mundo.
El pueblo Gin es conocido por su instrumento llamado 独弦琴 (pinyin: dúxiánqín; lit.
"Cítara de cuerda única"), un instrumento de cuerda con sólo una cuerda, del cual se dice,
corresponde al siglo VIII.
Yunnan
Músicos Nakhi.
7
Yunnan es un área del sudeste de China étnicamente diversa. Quizá lo más conocido de la
provincia sea el lusheng, un tipo de instrumento de viento como la armónica, usado por el
pueblo Miao de Guizhou para canciones de cortejo pantatónicas antifonales.
Los Hani de la prefectura Honghe son conocidos por un tipo único de canciones corales,
microtonales para la trasplantación de arroz.
Los Nakhi de Lijiang tocan un tipo de canción y danza llamado baisha xiyue, el cual fue
supuestamente traído por Kublai Khan en 1253. El Dongjing es un tipo de música
relacionada a las formas chinas del sur y hoy en día es popular.
Sichuan
Manchuria
Manchuria es una región del Noreste Chino, habitado por grupos étnicos como los Manchú.
El instrumento folclórico más prominente es el tambor octogonal, asimismo, la canción de
cuna youyouzha es también bien conocida.
Xinjiang
En Xinjiang predominan los Uyghur, un pueblo túrquico relacionado con otros de Asia
central. La forma musical de los Uyghur más conocida es la On Ikki Muqam, un categoría
de doce secciones relacionadas con las formas uzbekas y tayikas. Estas sinfonías complejas
varían ampliamente entre las categorías de la misma muqam, y son construidas en una
escala de siete notas. Entre los instrumentos encontramos al dap, un tambor, Dulcémeles,
Fiddles (violines) y Laúdes; los intérpretes tienen lugar para embellecimientos personales,
especialmente en la percusión. El intérprete más importante es Turdi Akhun, quien grabó la
mayoría de los muqams en los cincuentas.
Kuaiban
Música moderna
Estos son los géneros que comenzaron luego de 1912 para coincidir con la Nueva China.
Música popular
El pop chino (c-pop) originalmente empieza con el género shidaiqu, fundado por Li Jinhui
en el continente; tuvo influencias occidentales del jazz como de Buck Clayton. Luego del
8
establecimiento del Partido Comunista, la compañía productora Baak Doi, terminó
abandonando Shanghái en 1952.6 Los setenta vieron el crecimiento del cantopop en Hong
Kong y luego, del mandopop en Taiwán. El continente, se mantuvo al margen por décadas
con un mínimo grado de participación. Sólo en los años recientes, la juventud de la China
continental se convirtió en consumidor del mandopop taiwanés. Igualmente China no es
considerada un centro de una considerable producción, a pesar de tener su gran población. 7
Cuando el ícono de Hong Kong Anita Mui interpretó en China la canción Bad Girl durante
los noventa, le fue prohibido volver a los escenarios por mostrar una actitud rebelde.8 Para
los estándares occidentales, la interpretación no fue más rebelde que, por ejemplo, las
hechas por Madonna; Mui había basado muchos de sus movimientos en su estilo. Muchos
artistas de la parte continental, a menudo tratan de comenzar su éxito comercial en Hong
Kong o Taiwán primero, y luego volver al continente como una parte de la cultura gangtai.
A partir del siglo XX, la música popular en la China continental se volvió más popular. En
especial, al principio del siglo XXI, los artistas de esta misma parte de china comenzaron a
producir un amplio rango de canciones populares mandarines junto con muchos nuevos
álbumes.
Muchos de estos artistas interpretaron para la promoción de los Juegos Olímpicos de Pekín
2008.
El ampliamente conocido antecesor del rock chino es Cui Jian.4 En los finales de los años
ochenta, tocó el primer rock chino llamado: Yi wu suo you (traducido como "No tengo
nada"). Fue la primera vez que una guitarra eléctrica fue usada en China. Se convirtió en el
intérprete más famoso de su tiempo, y por 1988, tocó en el concierto emitido mundialmente
en conjunción con los Juegos Olímpicos de Seúl 1988.4 Sus letras socialmente críticas le
hizo ganarse la ira del gobierno y muchos de sus conciertos fueron prohibidos o cancelados.
Luego de las Protestas de la Plaza de Tian'anmen de 1989, tocó con una venda roja
alrededor de su cabeza como una acción contra el gobierno.
A continuación, dos bandas se hicieron famosas: Hei Bao (traducido como "Pantera negra")
y 唐朝 (Táng Cháo en Pinyin, traducido como "Dinastía Tang"). Ambas empezaron
durante finales de los ochenta, principios de los noventa. Hei Bao es una banda de la vieja
escuela del rock. Táng Cháo fue la primera banda china de Heavy metal. Su primer CD
combina elementos de la tradicional Ópera china y la vieja escuela del Heavy Metal. El
álbum, lanzado entre 1991 y 1992 fue un importantísimo avance. Desafortunadamente, un
miembro murió poco después del lanzamiento.
Alrededor de 1994-96, la primera banda de Thrash metal, Chao Zai, fue formada. Lanzaron
tres CD, el último en cooperación con el cantante pop Gao Chi. Al mismo tiempo las
primeras bandas de nuevo metal fueron formadas e inspiradas por bandas occidentales
como Korn, Limp Bizkit o Linkin Park. China tendría la propia con Yaksa, Niuqu De Jiqi,
AK-47 y Overheal Tank.
9
Música nacional
Notas
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2. ↑ Broughton, Simon. Ellingham, Mark. Trillo, Richard. [2000] (2000) World
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0
3. ↑ BuildingIPvalue. "BuildingIPvalue." Recent developments in intellectual property.
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4. ↑ a b c Gunde, Richard. [2002] (2002) Culture and Customs of China. Greenwood
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5. ↑ Ebrey, Cambridge Illustrated History of China, 148.
6. ↑ Shoesmith, Brian. Rossiter, Ned. [2004] (2004). Refashioning Pop Music in Asia:
Cosmopolitan flows, political tempos and aesthetic Industries. Routeledge
Publishing. ISBN 0-7007-1401-4
7. ↑ Keane, Michael. Donald, Stephanie. Hong, Yin. [2002] (2002). Media in China:
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8. ↑ Baranovitch, Nimrod. China's New Voices. University of California press. ISBN
0-520-23450-2
Referencias
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Ltd, Penguin Books. ISBN 185828636025.
Introducción
La música china es tan antigua como su civilización. Entre los instrumentos procedentes de
excavaciones en emplazamientos de la dinastía Shang (1766-1122 a.C.) se pueden
encontrar campanas de piedra y bronce, flautas de Pan, etc.
La música china difiere mucho de la occidental por su ritmo, compás, tono y adornos, que
le dan su sonido inconfundible. Esto se debe ante todo al peculiar sonido y estilo
interpretativo de los instrumentos musicales tradicionales de China.
Son instrumentos hechos con cuerdas de seda. Antes de las dinastías Shang y Chou,
solamente habían dos tipos de instrumentos de cuerda, el violín chino o chin, y el arpa o su.
Después de las dinastías Chin y Han, aparecieron la cítara o cheng; el kung-hou, un
instrumento de veintitrés cuerdas; el laúd bajo yuan-hsien; el laúd de chin; el laúd de tres
cuerdas o san-hsuan; el pi-pa o laúd chino; y el violín de dos cuerdas hu-chin.
Los principales instrumentos musicales hechos de bambú son la flauta vertical o hsiao, la
flauta horizontal o ti, y el oboe cilíndrico o kuan. La diferencia entre el hsiao y el ti es la
posición en que se tocan, ya que ambos están hechos de bambú. El hsiao se toca como si
fuera un piccolo, mientras que el ti se toca igual como una flauta. Existe una sutil diferencia
en la calidad del sonido y el tono de estos dos instrumentos, debido a que el ti posee una
membrana vibratoria, mientras que el hsiao carece de ella. Entre los instrumentos antiguos,
12
el más importante es el pai-hsiao, que es utilizado para emitir el tono estándar. Aparte del
hsiao y ti, tenemos el hu, que es un tipo de caramillo con un sonido más apagado y grave
que los dos anteriores. Lo que antiguamente se llamaba el pi-li es el kuan un caramillo
contemporáneo con sonido agudo muy claro que juega el papel definitivo de líder en las
grandes orquestas.
Hay un tipo de calabaza llamado pao-kua cuyo cascaron seco era usado en tiempos antiguos
para hacer instrumentos musicales. En esta categoría tenemos el yu y el sheng. El sheng es
un instrumento armónico, y el yu es muy similar pero más grande y con más tubos. Antes
del Período de los Estados Combatientes (403-221 a.C.), estos instrumentos eran muy
populares. Existe una anécdota sobre el yu durante el período de primavera y otoño, donde
el rey Hsuan de Chi le gustaba tanto la música del yu que exigía que hubieran muchos en la
orquesta. Nan Kuo, que no sabía tocar yu, pudo confundirse entre los músicos. Al morir el
rey, su sucesor en el trono también le gustaba escuchar música del yu, pero exigía que los
músicos tocasen el instrumento uno por uno. Por temor a ser descubierto y castigado, Nan
Kuo tuvo que huir del reino. Como resultado, ha quedado un refrán que hace alusión al
hecho y se usa para describir a personas que se encuentran en un puesto sin tener las
calificaciones correspondientes. Por otro lado, también podemos ver que el yu y el sheng
eran instrumentos muy comunes en el pueblo chino hace varios milenios.
Entre los instrumentos musicales hechos con cuero de animales se destaca el tambor o ku,
que es uno de los más antiguos en China. El tambor tiene muchas funciones, siendo
utilizado como marcador de ritmo para danzas en tiempos de paz, y como instrumentos
indispensable en la banda china en tiempos de guerra.
Entre los primeros tipos de instrumentos musicales hechos de madera tenemos el chu, el wu
y el pai-pan. Posteriormente aparecieron el "pez de madera" o mu-yu, y el pan-tzu. El chu
es un instrumento musical usado para marcar el inicio de los ritos religiosos, mientras que
el wu sirve para dar fin a la intervención musical. Aparte de los templos de Confucio, es
raro ver estos instrumentos en las orquestas de música china.
13
Figura 5 - Instrumentos de Madera Figura 6 - Tambor o ku
Las ocho categorías de instrumentos musicales chinos han pasado a través de muchos
cambios en los últimos cuatro milenios. Ellos llevan el tono singular de la música china y
con técnicas de ejecución complejas y refinadas, pueden producir sonidos exquisitos y
suaves que caracterizan la tradición musical china, una herencia cultural de la que el pueblo
chino se siente orgulloso.
Tras un largo período de evolución, las tradicionales ocho categorías resultan hoy
inadecuadas para clasificar los instrumentos musicales chinos. Por ejemplo, hoy día un
hsiao o ti puede ser hecho de bambú, bronce o jade. Los instrumentos musicales chinos se
dividen ahora de acuerdo a cómo se tocan en instrumentos de viento, instrumentos de
cuerdas e instrumentos de percusión.
La flauta transversal, ti
Los instrumentos de viento que eran tocados en forma horizontal en el pasado eran
denominados ti o heng-ti. El ti o flauta transversal, es uno de los tipos de flautas de bambú
más antiguos. La leyenda narra que en el reinado del Emperador Wu (157-187 d.C.), en
pleno apogeo de la dinastía Han, el ti fue introducido en la capital imperial en Chang An,
después que el gran general Chang Ching lo trajo desde el reino de Sheng-jung, situado al
Occidente. La flauta ti también cumple la función de conducir la melodía.
14
Figura 7 - Flauta Transversal, ti
Ha estado presente en China durante muchos siglos y en muchas áreas. Existen muchas
variedades, que pueden ser divididas en tres tipos: el pan-ti, el chu-ti y el lu-ti. El pan-ti era
originalmente un importante instrumento de acompañamiento de la ópera pan-tzu, de allí su
nombre. El pan-ti tiene un cuerpo delgado y corto, su proyección sonora es alta y fuerte, de
allí que es una flauta usada para las notas altas.
El chu-ti es también llamado ti medio. El cuerpo del chu-ti es más grueso y largo, su sonido
es más amplio y suave, y es ampliamente usado en el sur de China. Es el principal
instrumento de acompañamiento de la música kun-chu, de allí su nombre, que quiere decir
flauta de chu. Puede ser tocado solo o en acompañamiento.
La estructura del pan-ti, el chu-ti y el lu-ti es muy similar, a excepción que el pan-ti y el
chu-ti tienen seis orificios, mientras que el lu-ti tiene once, y además carece de un hueco
para la membrana vibratoria. La flauta transversal o ti está compuesta de varias partes. El
cuerpo del ti está hecho de bambú, que ha sido ahuecado quitándole los nudos y divisiones
que tiene, de modo que quede un tubo. Posee un tapón hecho de corcho, que está insertado
en el extremo del tubo donde se encuentra el hoyo para soplar o boca. El hueco de la
membrana es el segundo hoyo desde el extremo izquierdo de la flauta y se usa para colocar
la membrana vibratoria. La función de esta membrana es cambiar el tono. Una flauta sin
dicha membrana no tiene un tono tan bueno. La membrana está hecha de una especie de
cáñamo, que ha sido frotada en una fina lámina que produce un sonido claro y seco al pasar
el aire por ella.
Hay un total de seis hoyos, enumerados del uno al seis de derecha a izquierda. Usando los
dedos para tapar o abrir estos hoyos se producen las diferentes notas. El principal hoyo de
nota es la apertura superior que produce el sonido y que puede ser usado para ajustar el
tono y determinar el alcance más agudo del instrumento. El hoyo de nota auxiliar es el
segundo hoyo a la derecha del hoyo principal, tiene un sonido hermoso y puede usarse para
aumentar el volumen, también se usa para introducir el piao-suei, un adorno que se amarra
para que la flauta luzca más atractiva. El hai-ti o hai-nao es una cámara dentro del cuerpo
de la flauta que se extiende desde el tapón hasta el centro del hueco de soplar para evitar
que el aire no fluya hacia arriba, sino que se concentre para producir el sonido.
15
Figura 8 - Flauta Transversal
El sheng
Entre los instrumentos de viento chinos, el sheng es uno de los más antiguos. Su forma y
tono únicos pueden ser usados para armonizar y realizar sencillas melodías que sirvan de
acompañamiento para la melodía principal.
Figura 9 - Sheng
El sheng es un instrumento muy peculiar y ocupa una posición muy importante en los
instrumentos musicales chinos. Utiliza una lengüeta fija de tono alto y un tubo con volumen
de aire fijo, produciendo el sonido mediante la coordinación de los dos tipos de vibraciones.
En la actualidad, el número de caramillos en este órgano bucal chino varía de trece a treinta
y seis, pero el más común es el sheng de diecisiete caramillos. Debido a que varía el
número de lengüetas, también se puede clasificar en sheng de diecisiete lengüetas, de trece
lengüetas y de catorce lengüetas. En tiempos antiguos, el sheng de trece lengüetas era
popular en el sur de China y era conocido como su-sheng. En el norte, era popular el sheng
de diecisiete lengüetas y era denominado sheng norteño y el sheng de la región
sudoccidental era llamado lu-sheng.
16
El sheng se divide esencialmente en dos partes. La primera parte consiste de 17 tubos con
diferentes longitudes, conocidos como caños del sheng. La otra parte es la base donde se
fijan los tubos de bambú.
Los tubos del sheng están hechos de finas varillas de bambú. Se perforan hoyos redondos
para los dedos en los caños de bambú, así como el hoyo del sonido. Los hoyos para los
dedos son usados para controlar el sonido que surge del caño. Si lo cierra, eso permite que
el tubo produzca resonancia, entre el aire y la lengüeta. La lengüeta puede ser vibrada para
que produzca sonido por inhalación o exhalación. Por otro lado, si se abre el hoyo, se
elimina la resonancia y no se produce sonido.
Este método de producir sonido cubriendo el hoyo y apagarlo al abrir el hoyo es una
característica especial del sheng. La sección del caño encima del hoyo de nota no es
meramente para decoración, sino que tiene una función auxiliar en la producción del
sonido. Los tubos del sheng se dividen tubos largos, medianos y cortos, siendo la longitud
determinada por la nota que se quiera producir. Después que los tubos o caños sean
colocados en la base, parecieran dos colas de fénix juntas. Todos los tubos están inclinados
levemente hacia adentro, las partes medias y bajas se encuentra a nivel y rectas, y la forma
se asemeja a dos manos en ofrenda, creando una apariencia hermosa.
El pie del sheng es la unión entre los tubos y la base, y juega una función importante en la
producción del sonido. En la base, denominada sheng-tou, se encuentra la boca del
instrumento. Su función es estabilizar y unir las diferentes partes del instrumento. Tiene
una tapa redonda con un hoyo encima donde se inserta al pie, que a su vez empata con el
tubo.
Figura 10 - Sheng
Se dice que antes de la dinastía Ying, ya existía en China un instrumento de viento parecido
a la siringa china o pai-hsiao. Un caramillo que era soplado solo se llamaba shu, que es lo
mismo que el ti. Posteriormente, toda flauta tocada verticalmente se le denomina hsiao,
mientras que una flauta tocada horizontalmente se llama ti.
17
Figura 11 - Pintura representativa de dos ejecutantes de flautas
La mayor diferencia entre el hsiao y el ti es que el primero tiene el hoyo más alto en la parte
posterior del tubo y se sopla directamente sobre el instrumento. En la antigüedad, el hsiao
era en la siringa china o pai-hsiao, que consistía de varios caramillos juntos, y cada uno
sólo producía una nota. Posteriormente se descubrió que perforando hoyos a diferentes
distancias en un tubo largo se puede obtener diversas notas. Así, el hsiao en forma de
siringa se transformó en el hsiao de un solo tubo.
La flauta vertical o hsiao está hecho de un solo tubo de bambú, con el nudo de la parte
superior presente, mientras que los otros nudos son ahuecados para lograr un tubo vacío. El
hueco de soplar se encuentra en la parte superior y es en forma de V o U. El hsiao es un
poco más largo que el ti y no tiene un hoyo de membrana vibratoria entre el hoyo de soplar
y los hoyos de nota, y el hoyo de soplar es mayor que el ti. El hoyo de soplar está
generalmente en un extremo del cuerpo, que tiene seis hoyos de nota y dos aperturas de
base. Cinco de los hoyos de nota se encuentra en el frente y uno detrás. Están numerados de
uno a seis, de abajo hacia arriba. El hsiao está hecho con bambú púrpura y se busca un
segmento de cuatro a cinco nudos.
El so-na es una especie de oboe que sirve de instrumento reverberante. En realidad, so-na
es la trascripción de un vocablo extranjero. En el pasado, era usado para música marcial,
pero en la actualidad se usa comúnmente en ceremonias matrimoniales, pompas fúnebres o
18
procesiones religiosas. El sonido del so-na es sumamente alto, sin embargo, se toca en
interiores para expresar una cálida bienvenida a través de su tono alto y claro. Además, su
nota baja también puede impartir una sensación sombría.
El so-na usa una lengüeta doble para producir los sonidos y es relativamente un instrumento
de viento sonoro. Se usa con frecuencia para actuaciones en exteriores. Esta compuesto de
cinco partes, incluyendo la boquilla, la placa de aire, el afinador, el caño y el tazón. En el
caño hecho de madera hay ocho hoyos de nota. En la parte anterior del caño se encuentra
un pequeño afinador de bronce. Sobre el afinador está la placa de aire y la boquilla hecha
de caña brava. El tazón se encuentra en la parte posterior del caño.
El oboe cilíndrico o kuan es también un instrumento musical antiguo. El kuan era conocido
en la antigüedad como pi-li. Es un instrumento directriz en la orquesta, por eso es llamado
también tou-kuan, o primer tubo. Tiene sonido relativamente fuerte y el tono es alto,
brillante y compacto. Juega un papel importante en los tonos intermedios de piezas
sinfónicas.
El oboe cilíndrico está compuesto de dos partes: la boquilla y el cuerpo. El cuerpo consta
con ocho hoyos, siete al frente y uno detrás. La ubicación de la boquilla se encuentra arriba
y los hoyos están enumerados del uno al ocho desde abajo hacia arriba, con el número siete
en la parte de atrás. También existe un kuan de nueve hoyos, siete adelante y dos detrás.
19
Figura 15 - Ejecución del oboe cilíndrico
El pa-wu
Figura 16 - Pa-wu
Comparados con las otras categorías de instrumentos musicales chinos, existe una mayor
diversidad de instrumentos de cuerda. A través de la larga tradición del pueblo chino, estos
instrumentos han evolucionado en forma y en técnicas, convirtiéndose en instrumentos con
características chinas. Los instrumentos de cuerda se clasifican de acuerdo a la forma en
que se tocan y se pueden dividir en instrumentos de cuerda por percusión, instrumentos de
cuerda de pulseo e instrumentos de cuerda con arco.
El yang-chin es el único instrumento de cuerda por percusión que existe hoy. En el pasado
se le conocía como el chin extranjero debido a que proviene originalmente del Medio
Oriente. Fue introducido a China recién durante la dinastía Ming, y por que su forma se
asemeja a una mariposa, ha sido también llamado chin mariposa. El tono del yang-chin es
claro y natural.
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Figura 17 - El yang-chin. Instrumento de Cuerda por percusión
Los instrumentos de cuerda de pulseo más comunes son el liu-chin, el pi-pa o laúd chino, el
laúd bajo yuan-hsien; el laúd redondo o yueh-chin; el laúd de tres cuerdas o san-hsuan; el
ku-chin o cítara de siete cuerdas; y la cítara china o ku-cheng.
Liu-chin
La estructura del liu-chin es en gran parte similar a la del laúd chino o pi-pa, a excepción
que el liu-chin es más pequeño y no tiene trastes en el cuello o tubo. En la tapa y cuello del
instrumento se encuentran 24 marcadores de sonido en reemplazo de los trastes. Hay dos
hoyos de sonido en la tapa, así como una ventana de sonido.
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El pi-pa o laúd chino
El laúd chino o pi-pa consta de la cabeza, las clavijas, el cuerpo, los trastes altos y bajos, las
cuerdas y el puente. La cabeza es la parte decorativa del instrumento. Las clavijas tienen un
orificio donde se insertan las cuerdas, cuentan con un eje largo para facilitar la tensión de
las cuerdas. Las cuerdas se fijan en las clavijas y pasan por cuerpo para ser amarradas a la
base. El cuerpo tiene indicaciones para fijar la posición de las cuerdas. Hay cuatro o seis
trastes altos en el cuello del laúd, y están enumerados subsecuentemente del uno al seis.
Los trastes fijan la ubicación de las notas y al presionar cierto traste se produce la nota
debida.
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Laúd Bajo o yuan-hsien
Aunque el laúd bajo o yuan-hsien tiene una larga historia, sigue manteniendo su forma y
estilo antiguo, siendo un instrumento de cuatro cuerdas y doce posiciones. Externamente, el
laúd bajo tiene una cabeza que es meramente decorativa. El cuello tiene un pedazo de papel
donde están marcados la posición de las doce notas en ausencia de los trastes. El cuerpo del
laúd es una caja de resonancia redonda y chata. En la tapa tiene un puente insertado para
sostener las cuerdas y también hay un hoyo de sonido. Existen cuatro clavijas para las
cuatro cuerdas del instrumento.
La estructura del laúd redondo o yueh-chin es muy similar a la del yuan-hsien, con cabeza,
cuello, clavijas y cuerdas. El cuerpo del instrumento es una caja de resonancia redonda con
dos hoyos de sonido básicos en la parte de abajo, así como dos soportes de sonido para
mantenerlos en posición.
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Figura 22 - Laud redondo o yuen-chin Figura 23 - Laud de tres cuerdas
Los san-hsuan que se ven generalmente son el laúd de tres cuerdas grande y el laúd de tres
cuerdas pequeño. El laúd grande se usa en la música de baladas del norte, mientras que el
pequeño es más común en las actuaciones del sur. La estructura de ambas es muy similar.
El tambor del laúd es la caja de resonancia. La parte superior del tubo del laúd tiene tres
clavijas. La sección media es la tabla de pulseo, y la parte baja conecta con el cuerpo o
tambor, integrando así la estructura principal del san-hsuan. Las cuerdas se afinan usando
las clavijas y hay tres cuerdas en el instrumento. De acuerdo a lo alto o bajo del tono, las
cuerdas tienen diferentes grosores. La almohada de las cuerdas es el punto donde descansan
las cuerdas. El puente es usado para transmitir las vibraciones de las cuerdas al tambor. El
plectro se usa para pulsear las cuerdas.
La cítara de siete cuerdas o ku-chin era conocido antes simplemente como chin y es un
instrumento musical sumamente antiguo y para distinguirlo de las otras clases de cítaras, se
le ha añadido el término ku, que quiere decir antiguo o viejo. El ku-chin original tenía sólo
cinco cuerdas, pero aumentó a siete durante la dinastía Chou (Zhou), por eso, se le llama
cítara de siete cuerdas.
De todos los instrumentos de cuerda de pulseo, la construcción del ku-chin o cítara de siete
cuerdas es la más compleja y cada parte del instrumento lleva un nombre que es
reminiscencia del pasado. El cuerpo principal del ku-chin está compuesto por dos piezas
rectangulares de madera que se montan para formar una gran caja de resonancia. La
plancha inferior tiene dos hoyos de sonido. La cara de la cítara es donde se pulsea el
instrumento y tiene siete cuerdas. Existen trece trastes hechos de concha nácar, para marcar
la posición de las notas. Los trastes están ordenados desde el uno en el extremo derecho
hasta el trece en el extremo izquierdo de la cítara. El orden de las cuerdas comienza por
24
donde la cuerda toca con el primer traste a la derecha, que tiene el tono más bajo y la
cuerda más gruesa. Las cuerdas van bajando, siendo más delgadas y con tonos más altos.
La citara o ku-cheng
La cítara o ku-cheng es básicamente similar al ku-chin, tiene la apariencia de una larga caja
cuadrada ligeramente abultada en el medio. Todo el cuerpo sirve como caja de resonancia,
siendo el fondo plano mientras que la parte superior es redonda. Hay tres hoyos de sonido
en el fondo. Las cuerdas están uniformemente distribuidas y cada cuerda está templada por
una estaca. Las estacas están colocadas en forma escalonada para obtener las diferentes
notas. La faja de madera que sobresale en la cabeza de la cítara se llama yueh-shan y es el
sitio donde se fijan las cuerdas. A un extremo de la faja se encuentran orificios por donde se
introducen las cuerdas. Las clavijas son precisamente las estacas, que sirven para templar
las cuerdas y afinar el instrumento.
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Instrumentos de Cuerda y Percusión
Este tipo de instrumentos musicales combina las cualidades especiales de los
instrumentos de cuerda y los instrumentos de percusión. A través de esa
combinación es posible lograr una fusión de sonidos única.
Si bien solo se conoce sólo un instrumento de este tipo, su aporte a la música china es tan
importante; ue es considerado uno de los elementos fundamentales de esta.
El yang-chin tiene una caja aplanada en forma escalonada hecha de madera de álamo, que
sirve como caja de resonancia. Se recorta un pequeño orificio en la parte frontal para que
sirva como hoyo de sonido. Se colocan varios puentes sobre la caja de resonancia. Los
yang-chin se dividen en tipos de 3 y 4 puentes. Las cuerdas del instrumento están hechas de
acero, generalmente acero inoxidable. Por otro lado, hay un mazo de bambú que se usa para
tocar las cuerdas. El mazo está hecho con láminas de bambú, y debe ser suave y altamente
flexible. En la parte delantera tiene un pequeño pedazo de esponja, cuero artificial o cinta
adhesiva, y es la parte que entra en contacto con las cuerdas.
26
Figura 29 - El yang-chin
Los instrumentos de percusión chinos tienen una larga historia y una fuerza de presencia
que se remonta a unos tres mil años. Ya en esa época existía una gran variedad de ellos, que
con el tiempo fueron absorbiendo otros más sonoros del extranjero, como el badajo o pan,
el yun-lo o gong de nubes, la matraca del sereno o pan-tzu, etc.
Ellos han sido ampliamente usados en la música folklórica. Aparte de poder actuar
independientemente, pueden ser integrados en orquestas junto con instrumentos de viento y
cuerda, donde a pesar de la diferencia entre ellos, logran expresar un fuerte acento local.
Los gones, tambores y címbalos son los principales instrumentos, pero también tenemos los
instrumentos de madera, campanas y carrillones.
El gong o lo
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El Tambor o ku
La música de gones y tambores ofrece uno de los aspectos más interesantes y únicos en los
instrumentos musicales tradicionales chinos. Durante el Año Nuevo y otras ocasiones
festivas, esos pequeños ángeles de la felicidad que generan la atmósfera jubilosa se llaman
los instrumentos de percusión.
Son múltiples las aplicaciones del tambor o ku y también existen muchas variedades de
tambores con diferentes nombres. En la actualidad, los más comunes son los tambores
grandes, tambores pequeños y tambores alineados. De ellos, un tipo desarrollado en los
últimos años merece atención especial. El mismo combina varios tambores grandes y
pequeños para lograr variaciones del ritmo.
Figura 31 - Tambor o ku
La estructura de los tambores es bastante similar, todos tienen dos pedazos de cuero de res
estirados en el tope y fondo de un armazón de madera. La cara del tambor es firme, pero
tiene flexibilidad. Se coloca generalmente sobre una base de madera mientras se toca con
palillos de madera para producir el sonido.
La forma en que se golpea el tambor puede alterar el ritmo y el tono. Tan-ta o golpe
sencillo usa un solo palillo para tocar el tambor. Hsuan-ta o golpe doble usa dos palillos
para golpear el tambor al mismo tiempo. Meng-ta o golpe sofocado consiste en colocar un
palillo o la palma de la mano sobre la cara del tambor, mientras lo golpea con otro palillo.
tun-ying o staccato es golpear el tambor e inmediatamente colocar la mano en la cara del
tambor para detener el sonido.
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el tambor produzca un sonido restringido. Kun-chin o ritmo rodante usa los dos palillos
para golpear alternadamente el tambor, en forma continua y rápida. Golpear con el palillo
en diferentes partes de la cara del tambor produce diferentes sonidos, permitiendo
diferentes tonos. Por lo general, el sonido en el medio del tambor es relativamente bajo y
mientras más se acerca al borde, el sonido es más alto y firme.
Los címbalos o pa
Figura 33 - Címbalos
Los címbalos o pa siempre han añadido colorido a los gones y tambores para resaltar el
efecto dramático. Se les conoce también como tung-pa o címbalos de bronce. Hay címbalos
de diferentes tamaños, desde grandes hasta chicos. Están hechos de platos de bronce con
una protusión en el centro. El sonido es claro y seco, acompañando generalmente a los
gones pequeños para impartir un ánimo ligero y alegre.
El nao es un tipo de címbalo que es idéntico en forma al pa, pero tiene una área más grande
y un "ombligo" más delgado en el centro y bordes mayores. Ya desde la dinastía Sung, el
címbalo de bronce usado por los budistas ha sido denominado nao.
Para tocar el instrumento, se toman los címbalos con ambas manos y se colocan a la altura
del pecho, generando un sonido claro y limpio al golpearlos. Los métodos para usar los
29
címbalos son los siguientes: el golpe plano o ping-chi, que juntan los címbalos frente a
frente de un fuerte golpe y se separan. El golpe apagado o meng-chi consiste en no apartar
los címbalos inmediatamente después del golpe. El golpe de palillo o tsui-chi consiste en
golpear con un palillo de tambor al címbalo para producir un sonido brillante. El golpe de
roce o ma-chi se logra rozando los dos címbalos continuamente para producir un zumbido,
que puede representar el agua o ansiedad. El golpe de costado o pien-chi hace chocar el
costado de un címbalo con el otro para producir un sonido ligero. El golpe cruzado o chiao-
chi consiste en chocar los címbalos perpendicularmente para crear un sonido corto.
El pan o badajo
El pan o badajo es también llamado pan sonoro o golpeador. La pieza central de madera
dentro del badajo es un poco más gruesa y aplastada en los dos costados. La pieza superior
y la inferior son más delgadas con el centro de un lado más alzado. Los dos extremos están
amarrados con un cordel. La parte alzada de la pieza inferior encaja con la pieza central y
produce el sonido cuando golpea a la pieza central.
El badajo se usa con frecuencia para acompañar cantos recitados o reforzar música de
percusión. La matraca del sereno o pan-tzu es un instrumento de acompañamiento de la
ópera pan-tzu. Se usa para repicar y añadir una atmósfera más fuerte al drama. También
sirve para causar un mayor impacto de la orquesta.
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El mu-yu o "pez de madera" era originalmente un instrumento de acompañamiento para las
ceremonias religiosas, posteriormente se ha convertido en instrumento de acompañamiento
de orquesta. Su nombre se debe a que está hecho de madera y externamente tiene la forma
de un pez. Existen mu-yu grandes y pequeños, los grandes tienen un tono grave, mientras
que los pequeños tienen un tono agudo.
Se usa un martillo de madera para golpear la parte de madera del instrumento, produciendo
el sonido propio dentro de una orquesta, que por lo general tiene mu-yu grandes y
pequeños. Con frecuencia, el mu-yu se alterna con el badajo para marcar los compases altos
y bajos.
Las campanas son instrumentos musicales metálicos muy antiguos en China, mientras que
los carrillones de piedra son instrumentos hecho de material pétreo. Existe un número de
variedades de estos dos tipos de instrumentos, siendo la mayoría de ellos usados en las
ceremonias de los templos. Vale la pena mencionar el pien-chung o campanas en serie; el
pien-ching o carrillones en serie; y el tung-ching o carrillón de bronce.
Figura 38 - Campanas
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El pien-chung o campanas en serie es una especie de marimba con campanas de diferentes
tamaños. La mayoría de ellas tienen 16 campanas de diferentes tamaños o grosor, que
cuelgan de un marco en dos filas de ocho campanas cada una. Cada campana reproduce una
nota y están ordenadas en medias notas.
Mientras más pequeñas sean las campanas, más altos es el sonido que produce. Lo mismo
ocurre con los carrillones de piedra, que también están integrados por una serie de 16 piezas
de diferentes grosores y tamaño con notas propias. Están ordenados en medias notas, en dos
filas de ocho piezas cada una. Existen doce tipos de tung-ching o carrillones de bronce. El
sonido que producen es seco y claro, y su tono es cálido. Es uno de los instrumentos
musicales chinos que producen el sonido más fino.
Bibliografía
Global Chinese Language and Culture Center. Una introducción a los instrumentos
musicales chinos tradicionales. http://educ.ocac.gov.tw
Caracas
32
Desde las Dinastías Xia y Shang, las sabidurías ya habían establecido las normas de
rituales y música para promover principios éticos y morales, así como para mantener
el orden social, formando un sistema de ritual y música bastante completo. Ahora,
después de miles de años de influencia en la historia de la civilización china, aún
cuenta con una fuerte vitalidad.
33
El sistema de ritos y música reforzó y estabilizó esta estricta jerarquía patriarcal. Cada
persona de cada grado en la jerarquía disfrutaba de los tipos de ritos y de la música
asignada a su grado particular. Los objetos de música y baile, los tipos y número de
instrumentos musicales, y el número de músicos para cada grado estaba limitados
estrictamente, por lo que exceder los límites era considerado como una grave ofensa.
Según la tradición, dichas normas fueron promulgadas por el gran gobernador de la
dinastía, el Duque de Zhou. Él sintetizó las normas de rituales desde tiempos remotos a la
Dinastía Shang, reconstruyendo y desarrollándolas en un curso de acción y marco de las
leyes del Estado. La opinión de Confucio un siglo más tarde fue que la música era la mejor
forma de reflejar los modales de una nación, y que en los tiempos antiguos, la autoridad
era manifestada por igual en los ritos y ceremonias y en leyes y en declaraciones. El
sistema de ritos y música duró durante los siguientes 2.000 años, hasta que fue abolido con
el final de la Dinastía Qing, la última dinastía feudal de China.
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La connotación del ritual y cultura de música
La esencia del rito es “diferencia”, es decir que da igual sea rico o pobre, honrado o
humilde, joven o viejo, íntimo o distante, la gente de cada grupo tiene que seguir sus
regulaciones de conducta, y no deberían excederse. El deber, poder y ocupación de cada
uno están confirmados por el estatus social clasificado bajo este sistema de orden.
Poner énfasis en la diferencia sin armonía, la sociedad iría opuesto. ¿Cómo promover la
gran armonía y tolerancia en esta sociedad de reprensión? A través de música. Actúa como
un ligamento, llevando a las personas a una vida armoniosa. Si el monarca y los oficiales
escuchan música juntos en la gran sala, los oficiales serán más respetuosos al líder; si
jóvenes y ancianos del mismo clan escuchan la música juntos en el pueblo, los jóvenes
serán más obedientes; si padre e hijo escuchan la música juntos en casa, se volverán más
íntimos. Por lo tanto, el Duque de Zhou estableció las normas de “música” junto con el de
“ritos”. Los ritos para diferenciar y música para una síntesis armoniosa, éstos dos están
interconectados inseparablementes y juegan una parte juntos.
El sistema ritual y de música de la Dinastía Zhou reguló el comportamiento de la gente
para seguir el orden social y moral, lo que no sólo mantuvo a la dinastía durante 800 años,
pero también estableció una base sólida para el último establecimiento de una cultura
unificada establecida por los imperios Qin y Han.
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Música de Japón
Japón posee una rica cultura musical que comprende una variada paleta de estilos
tradicionales como también una diversa oferta de estilos exportados que incluyen rock,
electro, punk, folk, metal, reggae, salsa, y tango como también música country y hip hop.
En el siglo XVI, los komuso, grupo de monjes budistas Zen, desarrollaron una
práctica de meditación sonora. A esta práctica de meditación individual, que consistía en
meditar mientras soplaban ciertos sonidos en un Shakuhachi - una flauta japonesa que se
sujeta verticalmente como una flauta dulce en lugar de como la tradicional flauta travesera -
y la llamaron suizen. Los sonidos no eran improvisados y el objetivo de estos monjes Zen
era llegar a la iluminación a través del sonido del shakuhachi. El shakuhachi no era
considerado un instrumento musical, gakki, sino uno de práctica religiosa budista, hooki.
En 1871 este grupo de monjes es proscripto y entonces el sonido del shakuhachi comienza
a ser transmitido en calidad de música con el nombre de música original, honkyoku.1
En Japón existe una innumerable variedad de tipos de música tradicional. Dos de los
estilos más antiguos son shōmyō, u "hombre gordo que canta", y gagaku, o música
orquestal de la corte, ambos estilos provienen de los períodos Nara y Heian.
Las honkyoku ("piezas originales") se remontan al siglo 19 a. C.. Estas son piezas
para solo de shakuhachi ejecutadas por los monjes de la secta mendicante Fuke de
budismo Zen. Estos monjes, llamados komusō ("monjes de la vacuidad"), ejecutaban
honkyoku para las limosnas e iluminación. La secta Fuke dejó de existir hacia finales del
siglo XIX, pero actualmente continúa una tradición escrita y oral de numerosos honkyoku ,
si bien esta música es hoy a menudo ejecutada en conciertos o escenarios musicales.
36
El teatro musical se desarrolló en Japón desde épocas muy antiguas. El noh (能) o nō
se generó a partir de varias tradiciones populares y hacia el siglo XIV se había
convertido en un arte altamente refinado. Kan'ami (1333-1384) y Zeami (1363?-1443)
lo elevaron a su posición de máxima sofisticación. En particular Zeami fue autor del
núcleo del repertorio Noh y fue autor de muchos tratados sobre los secretos de la
tradición Nō (que recién fueron ampliamente difundidos a partir de la edad
moderna).
Otra forma de teatro japonés es el teatro de títeres o marionetas, a menudo llamado bunraku
(文楽). Este teatro de marionetas también posee raíces populares y se desarrolló
especialmente durante Chonin en el período Edo (1600-1868). Generalmente es
acompañado por versos recitados, en varios estilos de jōruri acompañados de música
shamisen.
Durante el período Edo los actores (a partir de 1652 solo adultos varones) actuaban en el
teatro kabuki que era muy popular y colorido. El kabuki, incluía todo tipo de
representaciones desde obras históricas hasta piezas musicales con números de danza,
era a menudo acompañado por cantos en estilo nagauta y actuaciones shamisen.
El biwa, que es una forma de laúd de cuello corto, era tocado por grupos de músicos
itinerantes (biwa hōshi) que lo usaban para acompañar sus historias. La más famosa de
dichas historias es el Cantar de Heike, un relato del siglo 19 a. C. sobre el triunfo del clan
Minamoto sobre el Taira. Hacia el siglo XIII los Biwa hōshi se comenzaron a organizar en
una especie de asociación de oficios (tōdō) para hombres con deficiencias visuales. Esta
asociación eventualmente llegó a controlar una gran porción de la cultura musical de Japón.
Lafcadio Hearn cuenta en su libro Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things "Mimi-
nashi Hoichi" (Hoichi el desorejado), una historia japonesa sobre fantasmas y un biwa
hōshi ciego que toca "Cantar de Heike".
Desde la era medieval, las mujeres ciegas que eran músicos, llamadas goze, también
recorrían los campos, entonando canciones y tocando música acompañadas por un
tambor pequeño. A partir del siglo XVII ellas tocaban el koto o el shamisen. Las
organizaciones goze se difundieron por toda la región, y hasta hace muy poco tiempo
existieron en lo que hoy es la prefectura de Niigata.
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Taiko
Ejecutante de Taiko.
Se dice que los conjuntos de ejecutantes modernos de taiko fueron inventados por Daihachi
Oguchi en 1951. Oguchi que tocaba el tambor en eventos de jazz, incorporó sus
conocimientos musicales en la constitución de conjuntos con gran número de ejecutantes.
Su estilo energético hizo que su grupo alcanzara gran popularidad en Japón, convirtiendo a
la región de Hokuriku en el centro de la música taiko. Entre los músicos que surgieron por
dicha época se destacan Sukeroku Daiko y su compañero Seido Kobayashi. Hacia 1969
surgió el grupo Za Ondekoza que fue fundado por Tagayasu Den; Za Ondekoza promovió
la incorporación de ejecutantes jóvenes que plantearon algunas innovaciones a la música
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taiko, y se difundió en festivales y fiestas comunales. Durante la década de 1970, el
gobierno japonés proveyó de soporte económico a ciertas actividades que formaban parte
de la cultura japonesa, y como consecuencia se formaron muchos grupos de taiko. Hacia
finales del siglo XX, los grupos taiko se difundieron por el mundo, especialmente en
Estados Unidos. GOCOO es el nombre de una banda moderna de taiko.
En el minyō, los cantantes se suelen acompañar con el laúd de tres cuerdas llamado
shamisen, tambores taiko, y una flauta de bambú llamada shakuhachi. Otros
instrumentos que a veces se utilizan son una flauta traversa conocida por el nombre
de shinobue, una campana llamada kane, un tambor pequeño llamado tsuzumi, y una
cítara de 13 cuerdas llamada koto. En Okinawa, el principal instrumento es el
sanshin. Si bien todos estos son instrumentos tradicionales japoneses, en instrumentaciones
modernas se observa a veces el uso de guitarras eléctricas y sintetizadores, dependiendo del
estilo y edad del cantante, a veces los cantantes enka incorporan elementos del repertorio
tradicional min'yō (Enka es un género musical japonés).
Existen varios términos comúnmente asociados al min'yō tales como ondo, bushi, bon uta,
y komori uta. Un ondo por lo general es una canción folclórica con una melodía distintiva
que puede ser entendida como teniendo un ritmo de 2/4 (si bien los músicos por lo general
no agrupan las notas). La música folclórica típica que se escucha en las danzas de los
festivales Obon por lo general es un ondo. Un fushi es una canción con una melodía
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característica. Su nombre, que se pronuncia "bushi", significa "melodía" o "ritmo."
Muy raras veces la palabra se utiliza aislada, en cambio es acompañada por un prefijo que
se refiere a una ocupación, ubicación o nombre personal. Bon uta, tal como lo indica su
nombre son canciones para Obon, el festival de faroles de los muertos. Komori uta son
canciones de cuna para niños. Los nombres de las canciones min'yo a menudo
incluyen un término descriptivo por lo general al final, por ejemplo Tokyo Ondo,
Kushimoto Bushi, Hokkai Bon Uta, y Itsuki no Komoriuta.
Muchas de estas canciones enfatizan ciertas sílabas como también incluyen gritos
agudos (kakegoe). Por lo general el kakegoe son gritos de alegría pero en el min'yō, a
menudo son incluidos como parte del coro. Hay numerosos kakegoe, y varían según la
región. Por ejemplo en Okinawa Min'yō, se escuchará la expresión "ha iya sasa!". Mientras
que en las zonas centrales de Japón, son más comunes las expresiones "a yoisho!," "sate!,"
o "a sore!". Algunas otras son "a donto koi!," y "dokoisho!"
Las ventas de álbumes, sencillos, y recientemente DVD, son medidas por la empresa
Oricon, que también se encarga de crear un ranking con lo más vendido de Japón de
manera diaria, semanal, mensual y anual.
A pesar de que grandes sellos como Sony Music, Warner o Columbia se esfuerzan por
tratar de insertar al mercado música occidental, casi no tienen cabida dentro de Oricon,
estando prácticamente siempre los primeros lugares en la lista ocupados por artistas
japoneses.
A los japoneses se les conoce por el gran respeto hacia la caligrafía y escritura. Se observa
en algunos títulos de canciones, principalmente desde la década de 1980, que los artistas se
han ido liberando, comenzando primero a utilizar títulos en idiomas latinos para algunas de
sus canciones (aunque estuvieran en japonés), y después incluso la utilización de títulos
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completamente en mayúsculas y todos en minúsculas, o incluso juegos entre ellas para
hacerlas más desordenadas, y de alguna forma más "llamativas" para el público. Incluso
nombres de bandas alternativas de rock y pop japonés se valen de estas técnicas de
marketing. Los ejemplos más clásicos es el título ya típico entre artistas japoneses
completamente en mayúsculas, o también se incluye la incorporación de "~" u "-", que
también son símbolos frecuentemente usados dentro de canciones, aunque también se
utilizan símbolos que no se encuentran presentes dentro de nuestro sistema como ☆ y ♥,
para hacer títulos aún más llamativos.
Los títulos de las canciones son estrictamente respetados con sus distintas formas de
ortografía y caligrafía en el mercado, y a excepción de páginas no muy cultas respecto a la
cultura musical japonesa se pueden encontrar títulos como "HANABI" escrito "Hanabi" o
"RUN☆RUN☆RUN" escrito "Run*Run*Run*", pero son la minoría (en especial sitios de
internet de habla inglesa donde comercializan música asiática).
Los videos musicales en Japón son comúnmente conocidos como PV (Promotional Video);
esto fue adoptado del mercado occidental antes de que se instalara el término más moderno
de MV (Music Video), y PV quedó marcado en la consciencia del consumidor para
relacionar inmediatamente el término con el vídeo musical de una canción.
CD con DVD
Desde hace algunos años ya es común la incorporación de DVD como productos anexos a
álbumes y sencillos sin discriminación. Esta maniobra es realizada más que nada por el
sello independiente más importante del país Avex Trax. Los DVD incluyen generalmente
los PVs de las canciones que también están incluidas en dicho CD (álbum o single), y
también en contadas ocasiones escenas de detrás de cámara de los videos o alguna
entrevista.
Referencias
De todas las subclases de música tradicional japonesa, las más seguidas hoy son
sokyoku, nagauta, kouta y yokyoku.
Sokyoku es una música tocada con una especie de arpa. Actualmente se ha mezclado con
música Occidental.
Kouta son canciones cortas aparecidas en el siglo XIX que derivan de canciones cortas
tradicionales del XV y XVI. Las canciones se cantan a un ritmo rápido con voz baja
acompañada de música shamisen(similar al laúd) tocada con los dedos en vez de con una
púa como se toca normalmente.
Yokyoku son las canciones que se cantan en el teatro noh que ya he comentado. Las
canciones están formadas por versos con un ritmo determinado. Los instrumentos
musicales son flautas, tambores grandes y tambores de mano.
MÚSICA JAPONESA
Música tradicional de Japón, interpretada por pequeños conjuntos de instrumentos y voces.
Las composiciones suelen tener una estructura de tres partes llamadas jo-ha-kyu. Su
estructura consta de una introducción, una parte a modo de relajamiento en la sección
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central, y un efecto de aceleración hacia el final de la obra. Esta disposición se conserva en
gran parte de la música japonesa y se aplica tanto a las frases musicales individuales como
a las composiciones en su conjunto.
Música de culto
La música del sintoísmo, la antigua religión japonesa, se llama kagura (la buena
música). Se utiliza en las ceremonias religiosas o en las funciones imperiales y también
en los festivales folclóricos sintoístas. Las canciones y danzas están destinadas a alabar
a los dioses y a entretenerlos. La música de los festivales estacionales se interpreta con
tambores, carracas y flautas; los bailarines interpretan esta música dentro y fuera de
los templos. Sus actuaciones están intercaladas con cantos a los dioses.
Música cortesana
La antigua música cortesana de Japón (gagaku) tiene sus orígenes en el siglo VIII.
Proviene principalmente de China y Corea. Las orquestas gagaku pueden contar con
hasta 17 músicos entre los instrumentos de madera (vientos), de cuerdas pulsadas y
percusión. Entre los vientos se incluye una flauta, generalmente del tipo conocido
como ryûteki; un tubo corto de doble lengüeta llamado hichiriki; y un shô, un órgano
de boca sin lengüetas que tiene 17 tubos de bambú insertados en una caja de (aire)
globular con un agujero para soplar.
La música de gagaku utiliza seis modos o escalas de origen chino, todas ellas derivadas
de dos escalas pentatónicas básicas: ryo (re, mi, fa sostenido, la, si y re, además de sol
y do sostenido como notas auxiliares) y ritsu (sol, la, do, re, mi y sol, además de si y fa
como auxiliares). Los compases de la música de gagaku son básicamente de dos
tiempos.
El sho
El shô es un órgano de boca japonés derivado del shêng chino. Consta de 17 flautas de
bambú y una cámara de aire de madera. Se utiliza en la música antigua de corte
denominada gagaku.
Música dramática
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La música para teatro a principios de la edad media estuvo influida por la música
budista primitiva. Consistía en acompañamientos al laúd de unas narraciones
llamadas heikebiwa y de música para el teatro No. Los acompañamientos al laúd
establecían unas estructuras melódicas y rítmicas que solían representar emociones o
situaciones específicas.
La música del No contiene partes para voces y para instrumentos. Los actores o un
coro cantan mientras los instrumentistas les acompañan con un tambor de hombro
(ko- tsuzumi) y un tambor de cadera (ô- tsuzumi). El conjunto instrumental completo
(llamado hayashi) incluye también una flauta (nô-kan), que señala las divisiones
formales dentro del drama, añade color a los momentos líricos y acompaña a las
danzas, para las cuales también se usa el tambor taiko.
La forma más popular de teatro tradicional japonés es el kabuki, que se estima que nació en
1596, y logró establecerse a mediados del siglo XVII.
Música de cámara
A partir de 1500 se hizo popular la música para los instrumentos solistas shamisen y
koto. Originariamente, la música de ambos instrumentos era una colección de
canciones cortas no relacionadas entre sí (kumiuta). Sin embargo, la música koto
desarrolló algunas formas que son totalmente instrumentales y otras que son en parte
vocales. Un ejemplo de forma totalmente instrumental es el danmono, que es un tema
con variaciones. Un ejemplo de combinación instrumental y vocal es el jiuta, en el que
se alternan las voces y los instrumentos.
En los interludios instrumentales se usan de uno a tres kotos, a los que suele añadirse
un shamisen y un shakuhachi, una flauta vertical. La música de shamisen es de dos
tipos: piezas líricas para el entretenimiento hogareño (utaimono); y la música teatral
para el drama kabuki y las obras de marionetas. El koto suele afinarse en una de las
dos escalas pentatónicas de origen local: la in (re, mi bemol, sol, la, si bemol y re, con
notas auxiliares fa y do) y el yo (re, fa, sol, la, do y re, con mi y si bemol auxiliares).
La era moderna
A pesar de ello, la antigua música tradicional sigue siendo popular. Uno de los profesores
responsables de la introducción de los modos europeos fue Suzuki Shinichi, que estudió en
Berlín. Fue él quien diseñó un método muy aclamado de enseñanza musical para la infancia
(especialmente el violín).
Takemitsu Toru uno de los compositores modernos más conocidos de Japón, se atrevió a
producir una nueva música con instrumentos japoneses utilizados a la manera occidental.
Réquiem para cuerdas (1957) es una de sus obras más interpretadas. November Steps II
(1967) es un concierto doble para orquesta e instrumentos japoneses, encargado por la
Orquesta Filarmónica de Nueva York. También ha compuesto varias piezas para el pianista
estadounidense Peter Serkin.
Shamisen
El shamisen es un laúd japonés de cuello muy largo y plano. Tiene el vientre de piel de gato
y tres cuerdas que se tocan con un plectro de hueso denominado bachi. El shamisen es un
instrumento tradicional del teatro kabuki.
Música folclórica
La música folclórica japonesa, de origen muy antiguo, existe básicamente bajo las formas
de una música de carácter religioso, canciones de trabajo y acompañamientos a la danza.
Los entretenimientos folclóricos, como los bailes de máscaras, el teatro folclórico y las
danzas comunales, incluyen partes musicales y acompañamientos. Las tribus del norte de
Japón como los ainu, tienen una tradición musical distinta que sugiere vínculos ancestrales
con el norte de Asia.
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La monarquía
La República
Se encuentra también en la ley de las Doce Tablas, instituidas en el año 302 de Roma, que
el maestro de los funerales podía emplear en ellos doce tocadores de flauta. Solo cuando se
instituyeron los juegos escénicos en el año 415 es cuando se tuvo la música en algún honor.
Según escribe Horacio, Lucio fue el primero que en el año 510 inventó en Roma una
comedia que solo consistía en recitar versos acompañados de tocadores de flauta y después
por otros de cuerda. Bajo el consulado de Emilio año 560 de Roma la música pareció con
mayor brillo y se introdujo en los festines y entonces se concedieron privilegios a todos los
músicos de los demás países que quisieran establecerse en Roma. Poco tiempo después
Manlio, para que su triunfo fuera mas magnífico, hizo venir de diferentes países y sobre
todo de Grecia los músicos más afamados y desde entonces, la música contribuyó en gran
parte al esplendor de las fiestas y sacrificios.
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El Imperio
En el espectáculo de Naumaquia que dio César en el lago Fuccino cerca de Roma, se dijo
que había en él muchos millares de músicos y mujeres que cantaban y tocaban
instrumentos. En la pompa fúnebre de este dictador, los músicos arrojaron sobre su hoguera
sus instrumentos y los trofeos con que acostumbraban hermosear el Teatro.
Augusto no fue apasionado de la música, pero su reinado no fue desfavorable á este arte.
Considerando que los espectáculos eran un medio excelente para contener y distraer al
pueblo, no solamente dio a menudo fiestas semejantes a las sobredichas sino que también
mandó que todas las piezas de teatro y de música, antes de ejecutarse en público, fueran
examinadas y aprobadas por unos magistrados particulares llamados Edites. Desde el
tiempo de este emperador data el uso de manifestar su satisfacción o su descontento por
medio de aplausos o de silbidos: recompensaba a aquéllos que en los espectáculos públicos
superaban a los otros y era el primero en demostrar su satisfacción aplaudiéndolos.
Nerón devolvió a la música todo su esplendor cultivándola él también como profesor. Tenía
hermosa voz, cantaba muy bien y tocaba la lira y la cítara de manera que podía disputar el
premio en los juegos públicos. Sería larga de enumerar las extravagancias de este
Emperador para ser tenido por músico hábil. Su locura llegó a tal extremo por la música
que la reputó como el principal elemento de la felicidad del imperio y esto contribuyó a que
los Romanos la despreciaran en lo sucesivo.
Desde entonces nada se encuentra que nos pueda dar un conocimiento exacto de lo que fue
la música entre los Romanos hasta la decadencia del Imperio, después de la cual se
apoderaron los griegos que fueron a fijar su residencia en Roma.
Referencias
Diccionario enciclopédico de música, Carlos José Melcior, 1859
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Entre estos virtuosos, destacaban los griegos como: Terpnos, gran citarista ( maestro de
Nerón,) Polón y Mesomedes de Creta, entre otros.
En el origen de Roma, aparecen los ludiones ,actores de origen etrusco que bailaban al
ritmo de las tibiae, un tipo de oboe, instrumento parecido al aulós griego, a veces
acompañado de canto vocal.
Otros artistas, bailarines, reciben el nombre de histriones, que significa bailarín en etrusco.
De estos tipos de música no nos queda prácticamente nada, excepto breves fragmentos, que
Terencio usó en una de sus representaciones teatrales. El Carmen Saecularis, canto en estrofas para
coro de niños y niñas, se estrenó en el años 17 a. C.
Durante el reinado de Servio Tulio (578-534 a.C), sexto rey de Roma, fueron instituidos los
Grupos de músicos en las Legiones Romanas. Se establecieron así, los Cornicem (tocadores
del Cornu) y los Tubicem (tocadores de la Tuba). Tenían graduación de suboficiales del
ejército, lo mismo que los abanderados. Posteriormente, hacia el año 400 a.C., estos grupos
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militares y ceremoniales romanos estarán integrados por flautas, cornos y trompetas de muy
variadas formas y tamaños e instrumentos peculiares como la flauta Siringa (Syrinx) y el
Lituo (Lituus) o trompeta curva.
Lucio Cornelio Sila (138-80 a.C) tuvo entre sus servidores al rico liberto Crisógono, el cual
contaba entre sus propios esclavos a un gran número de instrumentistas y cantantes que se
encargaban diariamente de mantener un permanente ambiente musical en su residencia. En
general muchos esclavos eran entrenados como músicos.
Más tarde, con las conquistas romanas, la música se enriquece gracias a las aportaciones de
Egipto, Siria e Hispania. Vuelven a aparecer la citarodia, versos recitados con cítara, y
otras veces, un virtuoso tocaba la cítara en concierto, lo que se conoce como citarística. Se
sabe que había concursos de estas modalidades.
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En tiempos del Emperador César Augusto (63 a.C-14 d.C.), el Aulos, instrumento heredado
de los griegos, aumentó sus dimensiones y llegó a ser un instrumento del tamaño similar al
de las tubas. Y el historiador Ammiano Marcelino (340-400 d.C.), nos habla del uso, de
grandes liras que debían transportarse en carros. Y también aumentó el número de
ejecutantes, de manera que formaban conjuntos de músicos impresionantes, tradición que
ya existía en Egipto. Lucio Anneo Séneca, preceptor de Nerón habla de la cantidad de
instrumentos, incluido el hydraulis,
Pero quizá donde mejor se puede apreciar el género musical es como acompañamiento al
teatro, en lugares como circos, teatros y anfiteatros, como en Grecia. Al contrario que en
Grecia, las partes de coro no eran tan importantes en Roma. Había partes cantadas con
acompañamiento de tibiae generalmente, que podían ser simples o dobles, repitiéndose
éstas dos veces. Las pares tenían una afinación igual a las otras. En Roma, las partes
recitadas, llamadas deverbia iban seguidas de cantica o partes cantadas por un solista o un
dúo. En los intermedios se ofrecían recitales
Los autores más famosos fueron Plauto, cuyas obras más conocidas son Anfitrión,Los
Cautivos, El Cartaginés y los Menaecmi, y Terencio que escribió Andria, Los Hermanos,
Formión… que dieron a la música vocal, sobre todo, un papel fundamental en sus obras. En
la tragedia, el principal autor fue Séneca. Entre las obras del filósofo quedaron 14 tragedias,
Medea, Las Troyanas y Agamenón son algunos de los títulos.
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La música, así como el arte en general, la ciencia y la filosofía pasarían a ser una parte
fundamental de la civilización romana. Pero Roma no aportó nada a la música griega.
Simplemente se la hizo suya.
Entre éstos, había artistas muy importantes en aquellos tiempos, los cuales tenían mucha
fama y estaban muy bien pagados. Acostumbraban a llevar una vida más bien festiva, al
igual que su trabajo. De los músicos más populares, destacaban los griegos como: Terpnos,
gran citarista y maestro de Nerón, Polón y Mesomedes de Creta, entre otros.
En cuanto a los instrumentos musicales más utilizados en la Antigua Roma, éstos provenían
de diferentes pueblos de la Antigüedad. Y es que la civilización romana tuvo bajo su
hegemonía a culturas distintas, las cuales influenciaban y enriquecían a Roma, a través de
sus hábitos, costumbres y tradiciones. Así, los instrumentos solistas que más se usaban eran
la lira y la citara.
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El primero consiste en una especie de arpa, aunque la lira es más pequeña que un arpa
convencional. Se trata del primer instrumento al que la “Biblia” hace referencia y es el
único de cuerda que sale en el “Pentateuco”. Estaba, generalmente, hecho de madera y tenía
diez cuerdas. Su forma variaba y su tamaño también, primando así el sonido más que la
estética. Algunas de ellas eran bastante pequeñas como para tocarse mientras se andaba. El
timbre resultaba dulce al oído y la expresión de su música se consideraba como un signo de
felicidad.
Con respecto a la citara, hay quienes creen que el decacordio es lo mismo que este
instrumento. La citara es una derivación de la lira siendo ésta más amplia y profunda que la
otra. Por lo tanto también tiene más sonoridad.
Otro instrumento muy importante, pero considerado no muy adecuado para la educación
era el aulos. Éste, normalmente, se dejaba en manos de los músicos más profesionales. Se
trataba de una flauta doble con agujeros y una lengüeta. Nerón quería ser considerado como
un profesional cuando tocaba la citara ante la gente. Cuentan que en su lecho de muerte
decía todo el rato: “Qué artista va a perecer conmigo”.
La música tenía un papel imprescindible en las obras teatrales. Las partes cantadas se
acompañaban de tibiae, que podían ser simples o dobles. Las pares tenían igual afinación
que las otras. Las tibiae impares estaban afinadas a octavas una de la otra. Al contrario que
las representaciones en Grecia, en el teatro romano no tenía importancia el coro. Aunque
había alguna excepción. Las partes recitadas o “deverbia” eran seguidas de partes cantadas
o “cantica” por un solista o dúo. Durante los intermedios en los diferentes actos se ofrecían
interludios musicales a cargo del tibicen.
A partir del año 389 de la fundación de Roma (364 a.C) con la institución de los Ludi
Scenici para aplacar los estragos de la peste ocurre un hecho importante para la música
romana. Los Ludiones, unos actores de origen etrusco, bailaban al ritmo de las tibiae,
correspondientes a los aulos griegos. Entonces, los romanos, impresionados por un
espectáculo tal, se pondrán a imitar estas danzas y le añadirán un elemento nuevo: la
melodía vocal. A estos artistas se les llamaba Histriones, lo cual significa “bailarines” en
etrusco. La verdad es que no ha llegado hasta nosotros ninguna pieza musical, exceptuando
un pequeño fragmento de una comedia de Terencio, cuyo título es “Hecyra”, que pertenece
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a la primera mitad del siglo II a.C. Pero existen numerosos tratados musicales del periodo,
lo cual nos permite acercar a dicha teoría musical.
Aunque la música romana se limita a adoptar la griega, como hemos visto, sí hay algunas
variaciones. Hay una gran improvisación, sin una notación fija. Poco a poco, van a cobrar
importancia los instrumentos de viento-metal. Las melodías y canciones son esenciales en
todo lo público, desde las fastuosas celebraciones hasta el terreno educativo. Pero lo que
queda claro, con innovaciones o sin ellas, es que Roma supo apreciar la música.
Los romanos adaptaron las teorías de los griegos a sus necesidades y prácticas musicales.
El aulós griego se transformó en la tibia romana, instrumento que ocupó un lugar destacado
en las ceremonias religiosas, en la música militar y en el teatro. Sin embargo, los intérpretes
más destacados eran los esclavos intelectuales sometidos a los señores romanos que
provenían de las provincias griegas. Puede decirse que la música en el Imperio Romano
confirmó lo conocido en la Grecia Clásica, como el canto monofónico (a una sola voz o en
coros unísonos), la relación entre la música y el ritmo prosódico (de los acentos y ritmos
propios del texto hablado o recitado) y la improvisación al tocar un instrumento, poniendo
en práctica fórmulas musicales conocidas y reguladas.
En los teatros romanos, que imitaban a los griegos, se representaban obras y se daban
conciertos musicales gratuitos. En lugar de componer ellos mismos la música de las puestas
en escena (como los dramaturgos griegos), en Roma se asignaba esa tarea a otros creadores.
Por ejemplo Flaco, hijo de Claudio, fue el autor de músicas para las obras de Terencio.
También se destacaron músicos provincianos, como los griegos Terpnos (gran intérprete de
cítara y maestro de Nerón), Menícrates, Polión y Mesomedes, autor de himnos a Helios y
Némesis. La música no estaba restringida, como en otras culturas, a los hombres. Luciano,
el escritor, elogia las habilidades como cantantes y tocadoras de cítara de las mujeres
aristócratas como así también de las cortesanas.[center]
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LA MÚSICA EN LA ROMA ANTIGUA
De la música en la Roma antigua sabemos menos cosas. Existe una enorme cantidad de
imágenes, algunos instrumentos y miles de descripciones escritas, pero no han sobrevivido
composiciones musicales sobre textos latinos del período de Roma.
Los romanos recogieron de Grecia una buena parte de su cultura musical, especialmente
después de que las islas griegas pasaran a ser provincia romana en el 146 a.C. Como en
Grecia, la poesía lírica era a menudo cantada. La tibia (versión romana del
aulos) desempeñaba un papel importante en los ritos religiosos, en la música militar y en
las representaciones teatrales, incluidos los preludios e interludios musicales, las canciones
y las danzas. La tuba, una trompeta larga y recta heredada de los etruscos (primeros
habitantes de la península itálica), era utilizada en ceremonias religiosas, militares y de
Estado. Los instrumentos más característicos eran un corno grande y circular en forma de G
llamado cornu, así como una versión más pequeña, la buccina. La ilustración 1.6 muestra
tibias y cornus tocados en una procesión funeraria. La música formaba parte de la mayor
parte de las ceremonias públicas, se ofrecía como entretenimiento público y era parte
integrante de la educación. Cicerón, Quintiliano y otros escritores estipularon que las
personas cultivadas deberían tener educación musical.
Durante la época de apogeo del Imperio Romano, en los siglos I y II d.C., el arte, la
arquitectura, la música, la filosofía y otros aspectos de la cultura griega fueron importados a
Roma y a otras ciudades. Los escritores antiguos nos hablan de famosos virtuosos, de
grandes coros y orquestas y de grandiosas fiestas y concursos musicales. Numerosos
emperadores apoyaron y cultivaron la música, Nerón llegó a tener aspiraciones de lograr la
fama como músico y concursó en varios certámentes. Sin embargo, con el declive
económico del Imperio en los siglos III y IV cesaron la producción musical a gran escala y
los suntuosos gastos de los siglos precedentes. Sea cual sea la influencia directa de la
música de Roma en los desarrollos europeos ulteriores, parece en cualquier caso no haber
dejado apenas rastro alguno.
ILUSTRACIÓN 1.6
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