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Marcel

 Carné  
 
Sa  Jeunesse  :  
 
Marcel   Carné   est   né   en   1906   a   Paris,   dans   la   quartier   des   Batignolles   (5).     Son  
père   était   un   ébéniste   et   sa   mère   est   décédée   quand   il   était   cinq   ans   donc   il   était  
élevé   par   sa   grand-­‐mère   et   sa   tante   paternelle.   Quand   même   il   avait   une   passion  
pour   le   cinéma   dans   sa   jeunesse,   il   a   commencé   une   école   d’ébéniste   sous   la  
pression   de   son   père   (4).   En   effet   il   a   appris   la   mentalité   d’artisan   là,   prendre  
soin  de  chose  pour  obtenir  une  grande  qualité.  Apres  une  année,  il  a  abandonné  
l’école   et   commencée   a   travailler,   premièrement   dans   une   banque,   après   dans  
une   épicerie   et   pour   une   compagnie   d’assurance.   Il   a   étudié   la   photo   et   la  
cinématographie  élémentaire  a  l’Ecole  des  arts  et  métiers  deux  soirs  par  semaine  
et  le  dimanche.    (2).    
 
Parcours  cinématographique    
 
Avec  Jacques  Feyder  :  
 
En   1928,   Grace   a   Françoise   Rosay,   l’épouse   du   réalisateur   d’origine   belge,  
Jacques   Feyder,   après   un   rencontre   par   hasard   et   conversation   sur   cinéma,   il   a  
commence  sa  carrière  du  cinéma  a  cote  de  Jacques  Feyder.  Il  a  devient  assistant  
operateur  dans  le  film,  Les  Nouveaux  Messieurs  de  Feyder  (2,  5).    
 
Dans   ce   période,   il   a   observe   ce   qui   se   passe   dans   le   tournage   et   après   le  
tournage  il  aussi  a  assisté  au  montage  de  Feyder  qui  lui  a  permettre  d’apprendre  
le  rythme  cinématographique  (2).  
 
Sur  l’expérience  avec  Feyder,  Carné  dit  :    
«  Je   dois   a   peu   près   tout   a   Feyder.   Il   m’apprit   ce   qu’est   un   film,   depuis   sa  
préparation   jusqu’à   la   mise   en   scène   proprement   dite   et   aussi   la   direction  
des  acteurs….La  meilleure  école  de  cinéma,  c’est  la  pratique.  »  (5).  
 
En   gros,   Feyder   a   appris   a   Carné   travailler   ses   instincts   plutôt   que   s’appuyer   des  
théories  du  cinéma  et  faire  confiance  de  soi  même,  étant  un  modèle  d’artisanat  
d’exigeant.   Il   lui   aussi   montre   les   moyens   de   travailler   avec   de   grands   acteurs   en  
éveillant   leurs   meilleures   capacités.   De   plus,   il   attire   l’attention   de   Carné   sur  
l’importance  de  la  peinture  pour  faire  une  remarquable  composition  des  images  
(2).    
 
Marcel  Carne  était  le  première  assistant  du  Jacques  Feyder  sur  plusieurs  films  de  
lui   comme  :   Le   Grand   Jeu   (1933),   Pension   Mimosas   (1934),   La   Kermesse  
héroïque  (1935)(1).  
 
 
Critique  dans  Ciné-­‐magazine  :  
 
Apres   faire   son   service   militaire   il   a   continue   a   travailler   dans   la   position  
d’assistant   operateur   mais   pas   contente   de   cette   période   (2).   Marcel   Carne   a  

  1  
travaillée   aussi   comme   un   journaliste   et   critique   de   cinéma   (1).   En   1929,   il   a  
gagne   le   concours   de   Ciné-­‐magazine   ouvert   aux   critiques   amateurs   et   donc   il   a  
travaille  comme  critique  jusqu'à  1933  (2).  
 
Il   a   écrit   un   article   intitulé   «  Quand   le   cinéma   descendra-­‐t-­‐il   dans   la   rue  ?  »   en  
1933,   dans   le   quel   il   montre   son   approche   affirmatif   pour   populisme.   Il   pense  
que   traiter   la   vie   simple   de   «  petit   peuple  »,   est   de   grande   valeur,   plutôt   que   la  
noblesse  irréelle  (2).      
 
Le  Premier  Courte  Métrage  :  
 
Avec   le   scénariste   Jean   Aurenche   et   le   dessinateur   Paul   Grimault   il   a   réalisé  
quelques   films   publicitaires.   La   production   de   ces   films   lui   apprend   de   faire   le  
découpage  technique  d’un  scenario,  le  tournage  et  le  montage.  Quand  il  critique  
les   films   en   tant   que   le   critique   dans   le   magazine   Ciné-­‐magazine,   il   a   décidé   de  
tourner  ses  films  pour  prouver  sa  valeur  comme  un  réalisateur,  alors  il  a  acheté  
un   caméra   et   a   réalisé   son   première   film,   un   documentaire   de   dix-­‐sept   minute,  
Nogent,  eldorado  du  dimanche   (2)   (J’ai   vu   la   durée   de   ce   film   sur   Vimeo   est   15  
minutes,  peut  être  il  y  une  autre  version).  
 
Si   on   regarde   le   film   on   peut   remarquer   que   c’est   un   peu   expérimental,   son  
utilisation   des   angles   de   camera,   focus   parfois   le   cadrage.   Je   trouve   ça   un   peu  
intéressant,  parce  que  les  images  qu’ils  ont  choisies  et  aussi  le  cadrage  sont  très  
différents   que   les   longs   métrages   de   lui.   Dans   ce   film   il   utilise   angle   contre  
plongée   et   plongée   sur   la   mer   (vue   d’haut),   le   toboggan.   Il   a   pris   de   vue     derrière  
des   feuilles,   cadrage   dans   le   porte-­‐voix,   ils   sont   impressionnants.   Il   a   créé   une  
ambiance  pleine  d’espoir  étonnamment.    
 
Il   a   fait   un   montage   vite,   ça   aussi   a   cause   de   petite   capacité   du   camera   qui   ne  
permets   pas   plus   sept   mètres   de   pellicule,   ainsi   le   plus   longueur   du   séquence  
peut  être  maximum  20  seconds.  Ça  donne  le  rythme  (2).    
 
On   peut   voir   quelque   similarité   avec   le   documentaire   Berlin,   symphonie   d’une  
grande  ville,  surtout  les  séquences  dans  lesquels  il  y  a  le  train.  Aussi  dans  cette  
époque   la   on   voit   les   avant-­‐gardiste   en   France   qui   ont   réalisés   les   films   plus  
expérimental  avec  le  cadrage,  l’angle,  montage  etc.    
 
Donc,   dans   ce   contexte   son   film   prends   une   bonne   réaction.   Le   film   est   trouvé  
«  intelligent  »  et  «  sensible  »  (2).    
 
Nogent,  eldorado  du  dimanche,   est   fini   avec   le   séquence   dans   lequel,   on   voit   un  
accordéoniste   aveugle   et   le   soleil   a   brille   son   accordéon.   Turk   a   remarqué   une  
interprétation  intéressante    dans  son  livre  sur  cette  final  :    
 
«Exemple  d  ‘autoréférence  très  rare  dans  l’œuvre  de  Carne,  cette  figure  nous  
incite   a   appréhender   la   vision   personnelle   de   ce   réalisateur   insaisissable  
comme   tirant   sa   substance   des   plaisirs   ordinaires   des   masses   tout   en   s’en  
distinguant   clairement.   En   effet   l’image   du   musicien   nous   offre   un   emblème  
de  la  carrière  du  réalisateur.  Car  l’art  de  Carne,  on  le  verra,  ne  se  préoccupe  

  2  
pas  du  banalement  visible,  de  l’objectivement  réel.  Son  but,  au  contraire,  est  
d’illuminer  l’invisible.  »  (2)    
 
 
Marcel   Carné   bénéficie   ce   coutre   métrage   poétique   qui   lui   apporte   une   petite  
réputation  de  metteur  en  scène  (1).    
 
Apres   voir   son   film   Nogent,   eldorado   du   dimanche,   René   Clair   (Carné   est  
beaucoup  inspiré  par  lui,  1)  est  très  affecté  et  lui  offre  un  travail  comme  second  
assistant   réalisateur   pour   le   film   Sous  les  toits  de  Paris,   le   premier   classique   du  
cinéma  sonore  en  France  (2).  
 
Le  premier  long  métrage  :  Jenny  
 
Jenny   était   son   premier   long   métrage   qui   a   été   réalisé   en   1936.   C’est   un  
mélodrame   intensif   et   émotionnel   avec   une   ambiance   lourd   (1).   Quand   même   ce  
film   était   une   œuvre   de   commande,   c’était   important   pour   lui,   parce   il   a   travaille  
les   noms   célèbres   (5).   Jenny   est   interprété   par   l’actrice   Françoise   Rosay   (1).  
Jacques   Prévert   (scénario),   Joseph   Kosma   (compositeur),   et   de   chef   opérateur  
Roger   Hubert   sont   présentées   dans   la   production   (5).   Ce   film   a   obtenu   un   succès  
qui  aussi  fait  jeune  cinéaste  un  peu  connu  (1).      
 
Il  a  travaille  avec  Jacques  Prévert,  scénariste,  poète,  pour  un  long  période  jusqu’à  
les  films  Les  Portes  de  la  nuit  (1946)  et  La  Marie  du  Port  (1949)  (1).  C’était  une  
collaboration   exemplaire   qui   nous   offre   les   chefs   d’œuvres   inoubliables   du  
période.    
 
Drôle  de  drame  :  
 
Son  deuxième  film,  Drôle  de  drame  (1937)  a  un  autre  style,  qui  en  faite  apporte  le  
cinéma   un   esprit   satirique   et   inconnu  jusqu’à   ce   temps   (1).   C’est   un   adaptation  
de  l’écrivain  anglais,  Storer  Clourston  (5).  Les  répliques,  d’une  note  humour  noir,  
deviennent   très   fameuses.   Quelques   de   ceux  :   «  Bizarre,   bizarre  »   de   Jouvet   et  
Simon   dans   le   scène   avec   le   canard   à   orange  ;   «  A   force   de   dire   des   choses  
horribles,  il  arrive  des  choses  horribles  !  »  de    Simon  (1).    
 
   
Le  Réalisme  Poétique  :  
 
Quand   même   la   collaboration   de   Carné   et   Prévert   n’est   pas   acceptée   comme  
l’inventeur  du  Réalisme  Poétique,  on  peut  dire  que  les  films  d’eux,  ils  sont  l’uns  
de  plus  remarquables  de  ce  genre  dans  l’histoire  du  cinéma  (1).        
 
Le  Quai  des  brumes   (1938),   est   un   film   classique   et   significatif   pour   le   courant   du  
Réalisme  Poétique  (1).  Ce  film  est  l’un  de  film  de  Carné  qui  a  beaucoup  de  succès  
et  gagne  le  prix  Delluc  et  le  Grand  Prix  National  du  Cinéma  Français  et  également  
partage   le   prix   Méliès   avec   La   Bête   Humaine   de   Jean   Renoir   (2).   Il   a   aussi   reçu  
une  médaille  spéciale  au  Festival  de  Venise  (5).    
 

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En  faite,  le  film,  Le  Quai  des  brumes,  premièrement  a  prévu  à  tourner  à  Berlin  en  
tant   qu’un   produit   de   la   U.F.A.   avec   des   techniciens   allemands.   Mais,   après,   les  
services   de   Goebbels   ont   refuse   le   scenario   parce   qu’il   s’agit   un   héro   qui   est  
déserteur.   A   la   fin,   les   droits   de   film   ont   vendu   à   un   producteur   Gregor  
Rabinovitch  qui  est  quitte  Allemagne  pour  échapper  la  persécution  de  nazisme.  
Donc   le   film   a   été   réalisé   en   France,   au   Havre   avec   Jean   Gabin   pour   le   rôle  
principal   masculin   et   Michèle   Morgan   pour   animer   Nelly,   le   rôle   principale  
féminin  (3).  Jean  Gabin  et  Michèle  Morgan  deviennent  l’un  de   couples  mythiques  
du  cinéma  français  avant  la  guerre  (5).  Le  scénario  est  écrit  par  Jaques  Prévert  en  
s’appuyant  sur  le  roman  de  Pierre  Mac  Orlan  (3).    
 
On   peut   constater   que   le   climat   de   solitude,   de   désert   affectif,   de   désespérance  
est  décrit  successivement.  L’image  est  noire,  sombre,  fluide  et  il  y  a  un  équilibre  
entre   le   réalisme   stylisé   des   décors,   la   poésie   dramatique   des   lumières.   C’est  
aussi  remarquable  que  la  transition  harmonieuse  du  montage  qui  nous  donne  le  
sentiment  de  la  fluidité  entre  les  diffèrent  points  de  la  rage  et  la  tendresse  (3).      
 
En   effet,   si   on   compare   Le  Quai  des  brumes   avec   son   précédents   films,     Ce   n’est  
pas  le  cas  que  la  construction  de  son  intrigue,  autrement  dit  que  l’histoire  est  le  
raison   de   son   progression,   mais   plutôt   l’image,   le   caractère   irréel   des   ombres,  
des  lumières  de  studio,  le  caractère  chimérique  de  la  fumée,  la  brume.  Donc  c’est  
un   davantage   un   film   de   réalisateur   que   de   scénariste,   l’image   est   plus   dominant  
que  la  parole,  et  ainsi  le  cinématographie  (2).    
 
Pourtant   il   y   aussi   quelques   dialogues   emblématique   comme  :   «  T’as   de   beaux  
yeux,  tu  sais  »    (3).    
 
Bref,   Le   Quai   des   brumes,   Carné   et   Prévert   ont   construit   une   composition   de  
paroles  et  d’images  du  courant  «  réalisme  poétique  »  (2).      
 
Hôtel  du  Nord  a  été  réalisé  en  même  année.  Dont  on  voit  cette  fois  Jean  Aurenche  
et  Henri  Jeanson  comme  le  noms  de  scénaristes  plutôt  que  Prévert.  Le  scenario  
s’appuie  sur  le  roman  d’Eugene  Dabit  (5).  C’est  un  récit  dramatique  aussi  :  deux  
amoureux   veulent   se   suicider   dans   un   petit   hôtel.   La   qualité   de   reconstitution  
des   décors   d’Alexandre   Trauner   était   merveilleuse.   En   la   rôle   amoureuse  
malheureuse  Arletty,  après  ce  film,  devient  «  l’actrice  de  Carné»  (1).    
 
En   1939,   Le   Jour   se   Levé   est   réalisé,   un   sujet   dramatique   avec   Jean   Gabin   et  
scénarisé   par   Prévert.     Alexandre   Trauner   a   préparé   une   ambiance   tragique  
(encore  plus  déprimant  et  fataliste  que  celle  du  Le   Quai   des   brumes)  et  touchant  
avec   le   décor.   Ce   film   a   eu   aussi   grand   succès   à   Paris,   au   cinéma   «Madeleine  »,  
juste   avant   de   guerre   (5)   Dans   le   film   une   atmosphère   morose   est   crée   avec   la  
pluie  fine  et  froide  en  montant  plus  les  visages  tristes,  les  fumées  d’usine,  le  petit  
café  affreux.  En  effet  c’est  l’époque  aussi  avec  ce  type  de  climat.  On  peut  se  sentir  
l’émotion  et  la  lourde  sensualité.  Ce  film  est  l’un  des  premiers  films  dans  lequel  il  
y  a  beaucoup  de  flash-­‐back  avec  la  mise  en  scène  très  moderne  (1).      
 
Lenteurs  de  scènes,  la  tristesse  des  décors  et  la  façon  il  traité  le  réel  est  associées  
son   admiration   a   cinéma   muet   allemand.   Carné   dit   qu’il   aime   et   impressionné  

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beaucoup   par   des   expressionnistes   allemands,   particulièrement,   Fritz   Lang.   Le  
langage   plastique,   utilisation   de   la   lumière   et   des   ombres,   sublimation   de   la  
réalité  sont  des  éléments  qu’il  est  touché.  Surtout  le   Dernier   des   hommes  (1924)  
est  le  film  a  lui  affecté.  Aussi  on  peut  trouver  l’atmosphère  de  Kammerspiel  (en  
français,   film   de   chambre),   un   courant   de   l’histoire   du   théâtre   et   du   cinéma  
allemand  des  années  1920,  dans  sa  sombre  trilogie;  Le   Quai   de   brumes,  Hôtel   du  
Nord  et  Le  jour  se  lève.    Ils  sont  décrits  par  son  ambiance  et  les  décors  qui  reflet  le  
subconscience  des  personnage,  l’unité  de  temps,  de  lieu  et  d’action.  Il  a  appris  les  
effets   d’une   prise   de   vue   a   travers   d’une   vitre,   les   reflets   sur   asphalte   mouille  
peut   apporter   l’ambiance   d’effroi.   Avec   lente   mouvements   de   camera,   varie  
d’angles,   il   souligne   le   poétisme   de   vues   avec   les   détailles   et   les   gestes   plus  
existantes.   Il   a     appris   créer   un   system   clos,   qui   correspond   la   réalisme   poétique.  
On   peut   constater   que   la   trace   de   style   fermée   dans   la   composition   statique   peut  
être  trouvée  aussi  dans  les  films  de  Carné  (2).    
 
 
Apres,   il   y   avait   7   projet   de   lui,   qui   ne   sont   pas   réalisés  :   Le   Facteur   Sonne  
Toujours   Deux   Fois,   L’école   Communale,   Les   évades   de   l’an   400,   Les    Bottes   de   Sept  
Lieues,  Juliette  ou  la  clef  des  songes,  Nana  et  Milord  l’Arsouille  (5).    
 
Il  a  dit  pour  ces  filmes  :  
«  Mes   plus   beaux   films   peut   être   ceux   que   j’ai   préparé   sans   pouvoir   les  
tourner  »    
 
Le  période  après  1939  :  
 
Contexte  Historique    
 
Apres   1939,   on   voit   un   dérangement   dans   la   production   des   films   en   France,   à  
cause   de   la   guerre,   et   le   nazisme,   les   réalisateurs,   producteurs   sont   quittés   en  
France   soit   dans   les   pays   d’Europe   libre   d’oppression   d’allemand,   soit   aux   Etats-­‐
Unis   ou   Hollywood.   La   production   et   la   diffusion   étaient   lente   et   en   zone   nord  
sous  le  control  des  Allemands  et  en  zone  sud,  sous  le  control  du  gouvernement  
de   Vichy.   On   constate   aussi   une   réorganisation   corporative   pour   éliminer   les  
étrangers   et   tous   les   Français   d’origine   juive.   C.O.I.C   (Comite   d’Organisation   de  
l’ındustrie  Cinématographique)  est  crée  et  premièrement  dirigé  par  producteur  
célèbre,  Raoul  Ploquin  (4).    
 
A   cette   époque   la,   en   zone   nord   après   1940   et   en   zone   sud   après   1942,   on   a  
interdit   tous   les   films   anglo-­‐saxons   et   ensuite   les   films   français   plus   de   4   ans  
aussi  sont  interdit.  On  reste  seulement  la  production  allemande  et  les  films  qui  
ne   répondent   pas   le   gouts   français.   Alors,   l’Occupation,   efface   le   cinéma  
américain   en   France   et   malgré   les   restrictions   et   les   censures   on   voit   une  
période,   un   âge   d’or   a   commencé.   On   voit   un   une   augmentation   énorme   de   la  
fréquentation,  de  220  millions  de  spectateurs  en  1938  à  304,5  millions  en  1943.    
Il   y   avait   une   collaboration   commencée   avant-­‐guerre   entre   professionnels  
français  et  allemands,  les  studios  de  la  UFA  a  Berlin  ont  participe  la  production  
de  films  français.  Ça  permet  de  simplifier  Alfred  Greven,  directeur  de  la  société  

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allemande  Continental,  créée  en  1940  a  Paris  pour  production  des  films  français  
entre  les  années  1940  et  1944  (4).    
 
Alors,   cinéma   est   devient   un   divertissement   dans   cette   période   pour   la   société  
français.   Et   Marcel   Carné,   qui   ne   connaît   pas   l’anglais,   il   reste   en   France   et   a  
réalisé  ses  films  dans  cette  période  sombre  (4).        
 
Pendant   la   guère,   en   1942,   dans   les   conditions   difficultés,   il   a   pu   tourne   Les  
Visiteurs  du  Soir    qui  a  eu  succès  aussi  dans  la  presse  (5).    
 
Il  a  décrit  ce  période  comme  ça  (5)  :    
«  Nous   manquions   de   tout   et   les   choses   le   plus   difficiles   à   obtenir   étaient  
justement   celles   dont   nous   avions   le   plus   impérieux   besoin…   Les   figurants  
étaient  si  mal  nourris  qu’il  fallut  mettre  un  enduit  purgatif  sur  les  mets  du  
banquet  pour  éviter  pillage.  »  
 
 
Chef  D’œuvre  :  Les  Enfants  Du  Paradis  :  
 
En  1945,  on  voit  son  chef  d’œuvre  est  arrivée  :  Les  Enfants  Du  Paradis  (5).  Marcel  
Carné  est  accepté  comme  une  sorte  de  monument  national  surtout  pour  ses  films  
réalisés  entre  les  années  1937  et  1945,  mais  le  film  Les   Enfants   du   Paradis,  et  le  
film  qui  répand  sa  nom  dans  le  monde.    D’après  le  livre  de  Turk,  c’est  un  ouvrage  
exceptionnel,   parce   qu’il   a   révélé   les   aspects   problématiques   comme   les  
«  attributions   incertaines   de   sa   paternité,   les   sous-­‐entendus   politiquement  
ambigus  de  son  esthétique  et  sa  représentation  ambivalente  de  sexes  »  (2).    
   
L’idée   est   née   dans   une   conversation   entre   Jean-­‐Louis   Barrault   et   Carné   et  
Prévert   a   Nice.   Barrault   a   racontait   une   partie   dramatique   de   la   vie   du   mime  
Jean-­‐  Baptiste  Gaspard  Debureau  (5,  2).    
 
Dans  ce  film,  Arletty  a  joue  peut  être  le  meilleure  rôle  dans  toute  sa  carrière  (5).  
 
Sous  l’Occupation  le  film  a  été  réalisé  avec  beaucoup  d’obstacles.    Il  y  a  des  Juifs  
dans  l’équipe,  Trauner  et  Kosma,  qui  ont  du  travailler  dans  la  clandestinité  (2).  
 
On  a  reconstruit  du  boulevard  du  Temple,  il  y  avait  un  immense  décor.  D’après  le  
livre   de   Turk,   la   décor   a   comporté   près   de   cinquante   façades   de   théâtres   et  
immeubles,   350   tonnes   de   plâtre   et   500   m2   de   vitres.   La   construction   a   fait  
pendant  3  mois  (2).  
 
Le  tournage  est  arrêté  dans  le  troisième  jour,  parce  que  la  Sicile  est  invasé  par  les  
Américaines.   Et   les   allemands   ont   été   alertés   qu’ils   ont   rapatrié   acteurs,  
techniciens  et  matériels  de  tournage  a  Paris.    En  plus,  l’occupation  de  Nice  par  les  
Italiens  a  été  passée  sous  contrôle  allemand  (2).    
 
Carné   a   dit  dans   le   vidéo   des   archives   de   la   RTS   :   «  il   avait   l’autorisation   de  
tourner   Grandes   scènes   sur   le   boulevard   et   avait   déjà   préparé   les   éclairages   et  

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tout,   et   quand   il   est   venus,   c’était   les   allemands   et   on   n’a   pas   eu   l’autorisation»  
(6).  
Alors,   Les   Nazis   ont   interdit   les   coproductions   avec   les   Italiennes.   Comme   les  
autorités  a  découvert  des  origines  de  Paulvé,  qui  financer  le  projet,  la  production  
de  film  est  arrêté,  jusqu’à  Pathé  a  accepte  financier  le  tournage  (2).    La  situation  
politique   aussi   a   influence   le   travail   pendant   le   tournage.   Carné   a   raconté   le  
tournage  dans  les  archives  de  la  RTS  (6)  comme  :  «  ..Il  y  avait  des  figurants    qui  
adhéré  au  syndicat  des  allemands,  syndicats  collaborateurs,  alors  tous  les  jours  il  
y  avait  un  contrôle,  pas  de  trop  de  difficulté,  mais  on  a  eu  des  incidents..»              
 
On   voit   la   prédominance   relative   d’un   éclairage   plat   et   diffus,   les   plans  
d’ensemble  impersonnel,  sa  monumalité  revendiquée.  Dans  les  images  final,  il  y  
un   individu,   situe   au   milieu   du   cadre,   immobile   et   muet.   Selon   Turk,   «  cette  
composition   exprime   le   dilemme   existentiel   au   cœur   du   film  :   l’isolement  
inévitable   qui   accompagne   tout   tentative   de   se   dégager   de   l’écoulement   du  
temps  »  (2).  
 
En  racontant  l’histoire  passé  dans  le  XIX  ième  siècle,  dans  le  milieux  du  théâtre  
du  cette  époque,  en  faite  Carné  et  Prévert,  a  travers  ce  film,  ils  ont  abordés  leur  
idées   politique,   sous   la   camouflage   efficace   des   personnages   dan   le   film.     Donc,   il  
y  a  une  dimension  politique  dans  un  période  ou  tout  débat  direct  est  proscrit.  A  
travers  Garance,  ils  ont  nous  montrés  la  France,  la  société  sous  l’Occupation.  Ils  
on   défendu   «  l’idée   d’une   liberté   morale   que   les   conditions   concrètes   d’existence  
ne  peuvent  atteindre  »  (4).  
 
Carné   a   utilise   des   objets   symbolique   au   service   du   texte   comme   un   miroir,   un  
bouquet   de   fleurs,   un   lit,   un   paravent.   On   voit   aussi   dans   la   première   époque,   les  
mouvements  camera  sont  statiques  comme  le  cinéma  des  premiers  temps.  Alors  
que   la   deuxième   parti,   performances   théâtral,   on   voit   la   mobilité   de   camera   en  
suivant  l’acteur  et  relative  au  dialogue  comme  dans  le  cinéma  classique,  même  la  
pantomime  est  prise  de  point  de  vue  divers.  Les  plans  sont  souvent  américains,  
en  permettant  de  voir  leurs  costumes  et  leurs  gestes.  Les  gros  plans  sont  rares.  
Mais   éclairage   est   concentré   sur   les   visages   et   même   les   costumes.   Alors,   cette  
esthétique  néo-­‐classique  réanime  la  société  pour  le  mettre  a  l’abri  des  injures  du  
temps  (4).    
 
Des  Autres  Films  :  
 
Apres  les  deux  film  avec  le  grands  succès    commerciaux,  on  voit  un  échec  public  
dans   son   film   suivant,   Portes   de   la   Nuit   en   1946.   Selon   Carné,   cet   échec   était  
associé   avec   le   changement   de   rôles   principaux   Jean   Gabin   et   Marlene   Dietrich  
par   Yves   Montand   et   Nathali   Nattier.   En   1949,   avec   le   minimum   risque   de  
financier,  le  maximum  perfection  technique,  Jean  Gabin  pour  le  rôle  principal,  il  a  
tourné  le  film,  La  Marie  du  Port.  Et  le  film  suivant,  avec  la  réussit  artistique  mais  
en  même  temps  l’échec  commercial,  Juliette  ou  la  clé  des  songes  a  été  réalisé  (5).    
 
Thérèse  Raquin,  en  1953,  c’est  le  film  que  Carne  abandonne  ce  style  de  réalisme  
poétique  et  son  film  est  reçu  le  Lion  d’Argent  a  la  Biennale  de  Venise  (5).    
 

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Les   exemples   d’autres   films   sont   L’Air   de   Paris   (1954),   Le   Pays   d’ou   Je   Viens  
(1956)  ;   Les   Tricheurs   (1958),   l’un   de   films   les   plus   importants   après-­‐guerre  ;  
Terrain   Vague   (1960)  ;   Du   Mouron   pour   les   Petits   Oiseaux   (1962)  ;   Trois  
Chambres   a   Manhattan   (1965)  ;   Les   Assassins   de   l’ordre   (1970),   La   Merveilleuse  
Visite  (1974),  a  reçu  le  Prix  du  Film  Fantastique  a  Hollywood  (5).    
 
La   dernier   partie   de   sa   carrière,   il   se   face   quelques   difficultés   pour   trouver   le  
financement  pour  réaliser  ses  films  et  il  était  un  peu  isolé  (4).    
 
Marcel  Carne  est  mort  en  1996  (5).    
 
Scénariste  Dider  Decoin  dit  pour  Marcel  Carné  (5)  :  
«  Carné  croit  aux  rêves.  Dans  sa  caméra,  il  met  des  rêves,  encore  des  rêves,  
toujours  des  rêves.  Mais,  malin  comme  un  singe,  il  se  rappelle  que  les  rêves  
sont  les  racines  de  la  réalité.  »    
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

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REFERENCES  :  
 
1. Gilles,   C.   Les   Ecrans   Nostalgiques   du   Cinéma   Français   Toma   III   L’Avant-­‐
Guerre  1937-­‐1939.  L’Harmattan,  2002.  
2. Turk,   E.B.   Marcel   Carne   et   l’âge   d’or   du   cinéma   français   1929-­‐1945.  
L’Harmattan,  2002.      
3. Billard,   P.   L’Age   Classique   du   Cinéma   Français   Du   cinéma   parlant   a   la  
Nouvelle  Vague.  Flammarion,  1995.    
4. Sellier,   G.   Les   Enfants   du   Paradis   Marcel   Carné   et   Prévert   Jacques.   Edite  
par  Nathan.  1992.  
5. URL  :   http://www.marcel-­‐carne.com/marcel-­‐carne-­‐sa-­‐vie/biographie-­‐de-­‐
marcel-­‐carne/.  Consulté  le  21.03.2019.  
6. URL  :  https://youtu.be/LxC0SXjCPmE  Consulté  le  27.03.2019.  
 
 
 
 
 
 

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