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Master
Scènes du monde,
histoire et création
Liste des
enseignements
2019‐20
M1
LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2019/2020
MASTER
De nombreuses dramaturgies contemporaines sont tournées vers les spectateurs, si bien que la dimension dialogique de
la scène s’en trouve renforcée. On peut se demander si cette ouverture de la scène aux spectateurs ne promeut pas
l’être-ensemble selon la conception du philosophe Jean-Luc Nancy : l’être-ensemble n’est pas vu comme une entité close,
contrairement à la communauté, c’est un mouvement de sens en devenir. S’interroger sur lui, c’est questionner ce qui
nous lie, à la fois en termes de co-présence, de sens et d’intersubjectivité. L’être-ensemble ressort de ce fait aussi de ce
qui fait « le politique », en amont de « la politique ».
Cependant, alors que le développement d’un être-ensemble semble constituer une des principales forces des arts
performatifs depuis le théâtre antique au sein de la Cité, il tourne facilement au mythe, nourrissant notre plaisir
d’appartenance et notre bonne consience, y compris dans des projets participatifs. La question est donc de savoir
comment solliciter les spectateurs, développer un être-avec sans les enfermer ou les manipuler. Nous nous pencherons
sur de nombreux travaux contemporains en théâtre, performance et danse, qui essaient de promouvoir un
être-en-commun de façon plus libre, mais aussi plus incertaine qu’autrefois. Ils pourront recourir à la participation, à
d’autres formes d’interaction, ou simplement en appeler à la pensée du spectateur.
Le séminaire s’appuira sur des lectures communes, et qui seront accompagnés d’études de travaux scéniques et de
discussions avec des artistes.
Bibliographie indicative : Jean-Luc Nancy, La Communauté désoeuvrée, Paris, 1986, et Être singulier pluriel, Paris,
Galilée, 1996 ; Claire Bishop, Artificial Hells. Participatory art and the politics of spectatorships, London, 2012 ; Shannon
Jackson, Social Works : Performing Art Supporting Publics, Taylor and Francis, 2011 ; Nicolas Bourriaud, L’esthétique
relationnelle, Paris, 1998/ 2002 ; Judith Butler, Qu’est-ce que la critique ?, disponible sur Cairn ; Nikolaus Müller-Schöll,
Perfoming politics, Berlin, Theater der Zeit, 2012 ; Kai van Eikels, Die Kunst des Kollektiven, Munich, Wilhelm Fink, 2013 ;
S. Clidière, A. de Morant-Wallon, Extérieur Danse. Essais sur la danse dans l’espace public, 2012.
2e semestre AMPHI A4
UE4 Ecritures et processus de plateau
Toutes les semaines
EC7 Séminaire ou séminaire atelier ou stage
code apogée EAA2EDCC
Ce séminaire innovant qui alterna des séances discursives et théoriques avec des séances-ateliers émane du projet de
recherche « Performer les savoirs/Performing Knowledge » porté par Chloé Déchery et Marion Boudier et propose de
combiner deux approches ; une approche esthétique et épistémologique qui reposera sur des analyses d'œuvres très
contemporaines (spectacles, pièces, performances, processus) qui activent, mettent en scène, détournent, voire défont et
déconstruisent les gestes de la recherche et les modalités de transmission du savoir (lire, écrire, communiquer, ou bien
encore : écrire au tableau, faire une présentation Powerpoint ou parler dans un microphone) et une approche
expérimentale et pratique qui permettra aux étudiant.e.s d’explorer, à partir d’outils, de techniques et de protocoles issus
de diverses pratiques somatiques, performatives et théâtrales, de traverser, appuyer, étayer et nourrir une pratique de
recherche personnelle. Ce faisant, on pourra mettre à l’épreuve du plateau et de pratiques théâtrales ou performatives ce
que déterminer un objet de recherche, collecter des données, entreprendre un travail d’archive, enquêter, mener un
entretien, constituer un corpus peuvent vouloir dire et engendrer.
Un.e chercheurs.euse, artiste, artiste-chercheur et/ou docteur en recherche-création sera invité.e. à chaque séance pour
présenter son travail de recherche et de création et ainsi contribuer à l’état de la recherche. Des éléments de mise en
pratique et d’expérimentation seront systématiquement proposés et les étudiant.e.s seront amené.e.s à préparer des
lectures et exercices (écriture, tâche, partition, protocole) en amont de chaque nouvelle séance.
Modes d’évaluation :
- Présentation performative d’un objet de recherche (travail individuel, 10 minutes)
- Animation d’une séance-atelier autour d’une question de recherche (travail collectif, 1h)
Ce workshop vise à :
-Introduire des théories/histoires féministes et queer à usage pratique - Regarder, décrire et analyser quelques
performances queer et féministes (des années 1960 à aujourd’hui) et prendre connaissance de certains textes clefs sur les
constructions des rapports de pouvoir, des masculinités et des féminités
-Proposer aux étudiant.e.s un training physique et somatique (qui s’appuie sur la danse, le cirque, le butô) qui vise à
atteindre un état de sensibilité, de présence et de reliance nécessaire à l’étape suivante : la création d’une composition
autobiographique / autofictionnelle.
-Créer des performances autobiographiques / autofictionnelles selon une organisation du travail artistique où les un.e.s
sont tour à tour les intercesseurs.seuses et technicien.ne.s des autres
-Diffuser les performances des étudiant.e.s dans des conditions professionnelles.
-Faire un retour sur expérience.
Calendrier spécial :
30h de cours hebdomadaires les 27 janvier, 3, 10, 17, 24 février, 2, 9, 16, 23, 30 mars de 15h à 18h et le 6 et 7 avril de
12h à 18h puis le 11 avril toute la journée à partir de 10h pour une présentation le soir au Générateur à Gentilly.
Ce worshop est ouvert à 14 étudiant.e.s de Master 1 Scènes du monde, histoire et création qui peuvent s’engager dans un
travail physique soutenu, et sont dans une recherche personnelle, académique ou artistique en lien avec les études sur le
genre et les thématiques abordées. La présence à l’ensemble des séances de travail est indispensable à la validation du
cours.
Nous demandons aux étudiant.e.s intéressé.e.s d'écrire à Raphaëlle Doyon - doyonraphaelle@gmail.com et Biño
Sauitzvy - binosauitzvy@yahoo.fr, en précisant leur motivation. Un rendez-vous individuel sera ensuite proposé au mois
de novembre ou décembre 2019.
LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2019/2020
MASTER
Il semblerait qu’en Europe, Russie ou Etats-Unis tout au moins, le travail théâtral contemporain ait majoritairement banni
l’imitation. Au début du XXème siècle, Stanislavski entendit poser les jalons de l’acteur moderne en critiquant l’école
française d’interprétation héritée de Diderot fondée sur la copie. Vitez jugeait qu’en « faisant semblant », en essayant de «
faire comme on voit faire », l’amateur se livre à une « naïve singerie de l’incarnation des grands acteurs. » En occident
l’idée de copie paraissait donc peu compatible avec les recherches d’innovation et d’originalité du jeu théâtral. Faut-il pour
autant rejeter le principe d’imitation alors que dans les traditions scéniques orientales, notamment asiatiques, le mode de
transmission reste empiriquement fondé sur l’imitation, le modelage corporel et l’imprégnation, avec cette conviction
unanimement partagée (et vérifiée par les neurosciences) que non seulement on ressent avec le corps, mais qu’on pense
par le corps. De même que sympathie ne doit pas être confondue avec empathie, « la reconnaissance de la différence
n’est-elle pas une condition de l’émergence du comportement imitatif, qui lui-même favorise la relation émotionnelle ?
Résolument interdisciplinaire, cet atelier vise à la connaissance des processus de travail de l’acteur et à l’amélioration de
ses capacités en contexte d’expérimentation scientifique ou technologique.
Le travail des acteurs ne se réduit pas au calque d'un modèle. Chercher d’emblée le résultat conduit à se limiter aux
apparences du comportement à imiter : il s'ensuit une copie superficielle, stéréotypée. Or sur un plateau, la cause peut
être fictive, mais une juste réaction à celle-ci peut provoquer une émotion bien réelle. L’enjeu est bien de restituer la
complexité des caractéristiques cognitives, comportementales, sensorielles et immersives de l’expérience clinique, pour en
créer des paradigmes pertinents. Intentionnalité, adaptation et réactivité s’avèrent des capacités primordiales à
développer. Le processus d’imitation exige donc ici de passer par une déconstruction du modèle pour en scénariser les
paramètres.
Objectifs : Comment, sur un espace-temps délimité, cadré, où des personnes évoluent en présence d'une assemblée,
copier, restituer, calquer, ou déconstruire, reconstruire autrement, scénariser, transposer, composer, styliser, etc. Cette
question de l'imitation pointera différents axes : la réalisation esthétique dans son traitement du réel, le travail interactif des
acteurs (ices), la direction d'acteurs, le rapport scène-salle, et les questions relevant des apprentissages et des
entraînements...
Les questions se resserreront au fil de nos séances, en fonction de ce qu'ensemble nous soulèverons, et pourrons par
l'expérimentation et la théorie, éclairer.
Protocoles
- Nous rassemblerons des séquences-vidéos issues de documentaires (tels les films de Raymond Depardon) ou de
captations personnelles de situations saisies sur le réel, où il se passe quelque chose de remarquable entre des
personnes, leur action commune faisant manifestement apparaître qu’elles sont aux prises à un enjeu fort, dont l’issue
sera sans doute déterminante pour chacune d’elles.
Les séquences choisies devront être d’une durée de 2 à 3 minutes maximum. Ces matériaux documentaires de 2 ou 3
minutes viseront à correspondre à des thématiques dont les enjeux tiennent à coeur, pour avoir le projet de porter les
situations sur une scène de théâtre et traiter celles-ci de manière performative, poétique, ludique, dans des intentions de
projets de création.
- Puis nous formerons des groupes de travail.
Pour cette recherche-création en "miniature" sur un temps réduit, il s’agira d’expérimenter comment passer du rejeu, de
l’imitation de la vie à son éventuelle transposition dans un espace-temps cadré, celui de la scène.
Sans disposer du temps qui serait sans doute nécessaire pour mener à terme celle-ci, nous tenterons de lancer des
protocoles d'expérimentation de processus de création scénique, pour les questionner, par l'épreuve du plateau, et
parvenir à les modéliser. Ce qui devrait permettre à chacun et chacune de développer les outils, d’en acquérir les
capacités.
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MASTER
Attention : une rencontre et un workshop avec l’écrivain et metteur en scène Giuliano Scabia sont prévus dans le cadre du
cours ou en décembre 2019 ou en janvier 2020. Dates à communiquer ultérieurement.
Tous les étudiants doivent s’inscrire à la séance prévue par leur directrice/directeur de recherche pour une présentation
orale de leur travail en cours et assister au moins à 2 autres séances.
Rappel : trois séances obligatoires, dont celle animée par votre directeur.e de mémoire. Celle/Celui-ci vous précisera le
déroulement de la séance et les modalités de votre participation.
Corpus abordé
Jean-Philippe Rameau, Les Indes Galantes (mise en scène de Clément Cogitore, Opéra de Paris, 2019)
William Shakespeare, Le Songe d’une nuit d’été (mises en scène de Max Reinhardt à Benjamin Britten, Peter Brook,
Robert Carsen…)
Lord Byron, Sardanapale
Richard Wagner, L’Anneau du Nibelung, trad. Henri Christophe, Symétrie, 2015 (et mises en scène de Patrice Chéreau à
Frank Castorf, Wadsworth…).
Anton Tchekhov, L’homme des bois (1e version de Oncle Vania)
Brecht, La Vie de Galilée (mises en scène d’Antoine Vitez à Eric Ruf) et Back to Earth (Bruno Latour, Frédérique
Aït-Touati)
Évaluation
Et
Validation du séminaire :
Exercices réalisés lors des séminaires et projet final : fiction d’une exposition, d’une œuvre ou d’un musée, présentée dans
le cadre d’un exposé oral.
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MASTER
Ce séminaire intensif (du lundi 20 au samedi 25 janvier 2020 soirées inclues) commun aux étudiants du parcours Scène
du monde et PCAI est organisé avec le soutien et dans les murs du 104 et de la Comédie Française, référence historique
des théâtres subventionnés. Ces partenariats nous permettent de saisir de l’intérieur la complémentarité et l’engagement
des différents acteurs des métiers de la scène qui portent ensemble la fabrique du théâtre et de comprendre les valeurs
fondamentales des théâtres publics ainsi que leurs missions.
Inscription. Le nombre de place étant limité pour satisfaire au règlement du théâtre, les inscriptions à ce séminaire devront
être enregistrées OBLIGATOIREMENT sur place au secrétariat du département théâtre à la rentrée. Les inscriptions
définitives sont confirmées ensuite par mail par le secrétariat de master du département, qui enverra alors le programme
provisoire. Les étudiants bénéficiant d’une dispense d’assiduité ne peuvent être inscrits à ce séminaire intensif.
1. D’une participation assidue, active et documentée (actualité des théâtres publics et critiques des spectacles en
particulier ceux de la CF) à toutes les séances de ce séminaire intensif. Compte tenu des mesures de sécurité en vigueur
dans les théâtres, les étudiants sont impérativement tenus d’arriver à l’heure exacte convenue. Il est donc très important
de bien vérifier la composition de votre emploi du temps et votre disponibilité. Retards et absences sans justificatifs sérieux
seront fortement pénalisés.
2. De la rédaction de l’analyse critique d’un article de presse proposé sur le site Moodle du séminaire. Ce travail écrit de
3 pages dactylographiées (times 12, interlignes 1,5, 2 500 lignes / page) devra être adressé par mail (pas de format PDF
SVP) à Marie-Ange Rauch au plus tard le lundi 27 janvier à minuit la date du mail faisant foi). Il devra impérativement être
rédigé aux normes du guide méthodologique (citations, notes de bas de page, bibliographie...) en ligne sur le site du
département. Aucun devoir mal présenté, mal rédigé ou en retard ne pourra être noté en session 1.
L’usage des téléphones portables est proscrit pendant les séminaires, les visites du théâtre et les spectacles.
M2
LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2019/2020
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UE6 FONDAMENTAUX II
code apogée EC10BIS Langue vivante
Voir l'offre dans la brochure dédiée aux cours de langue.
Inscription auprès du Centre de langue.
Ce séminaire-atelier vise à combiner les principes de l’atelier d’écriture créative, de la conception dramaturgique et de la
mise en jeu.
Enjeux :
Un ensemble de personnes, qui a priori ne se connaissaient pas, se retrouvent régulièrement pour créer et jouer des
histoires dans espace-temps conçu pour le partage d’imaginations, de rêveries, de visions. Déjà, sans qu’il leur soit besoin
de jouer quoi que ce soit, leur seule présence est en soi métaphorique. Ils et elles peuvent être d’origines, d’horizons, de
générations très divers : à partir de la mise en commun de leurs propres récits personnels, et de la confrontation des
intentionnalités, que vont-ils faire surgir, qui leur soit spécifique ?
Quelques principes conducteurs :
Actrices et acteurs y sont tous et toutes invités à être aussi auteurs.
Prolongeant un travail fondamental basé sur la respiration et la sophrologie, nos protocoles d’expérience visent tout
d'abord à provoquer rencontres vivantielles entre les personnes réunies, contacts physiques, découvertes et manipulations
d’objets, affûtant sensorialité et imagination, pour stimuler, favoriser réminiscences et associations métaphoriques. Il est
entendu que personne n’ira vérifier si ce qui est proposé relève plutôt du vécu, de l’autofiction ou de la fantaisie, pourvu
que ce soit crédible.
Chaque écrit personnel est partagé, offert à l’écoute et versé au pot commun, pour de possibles réécritures et
réappropriations par autrui.
Il s’agirait d’articuler histoires vécues et mythes, relier les faits divers aux grandes histoires de l’humanité. Alternant voie de
l’action psychologique et voie épique, nous chercherons comment éprouver l’intime à ciel ouvert en présence et en relation
avec un public, comment explorer les contradictions humaines, s’interroger sur les potentialités du théâtre à transformer,
déplacer les points de vue, modifier les rapports…
Une phase d’élaboration dramaturgique s'ensuivra, combinant analyses et improvisations, visant à explorer les enjeux,
entrevoir de possibles rendez-vous, convenir d’un fil conducteur, relais, tracer des trajectoires, procéder à collage et
montage de situations dialoguées, récits, monologues.
Au cours de l’élaboration des partitions communes, pour une recherche chorale, organique et vivante, avec par moments
surgissement du chant, une attention toute particulière est portée sur le souffle, le rythme, la prosodie.
Nos dramaturgies résulteront donc du tissage des écrits respectifs produits au fil des séances, à l’issue d’expériences
menées ensemble sur la scène. Notre visée est de tendre vers une rhapsodie de notre temps, où les petites histoires font
l’histoire, notre histoire.
EC9 Séminaire
Calendrier spécial hors des créneaux horaires du cours hebdomadaire : jeudi 28 novembre 10H-13H et 14H-17H
Lieux des cours hors Paris 8 :
Les 2-9 octobre, 6-13-27 novembre à la BnF, 58 rue de Richelieu, rotonde des arts du spectacle, 1er étage, aile Richelieu ;
le 28 novembre au Musée national des arts asiatiques-Guimet–hôtel Heidelbach, 19 place d’Iéna.
A l’occasion du premier congrès de l’EASTAP (European Association for the Study of Theatre and Performance)
Décentrer notre vision de l'Europe : l'émergence de nouvelles formes (Paris, 25 au 27 octobre 2018), nous avons
reconstitué l’Observatoire en y associant des étudiant.e.s du Master 2 Scènes du monde, création, savoirs critiques.
Collectivement, nous avons crée un site Internet où ont été publiés des entretiens, des articles, des dessins concernant les
communications et les workshops du colloque :
https://www.observatoirecritique.fr.
Pour 2019-2020, nous souhaitons renouveler cette expérience en ouvrant l’observation à plusieurs événements
scientifiques observés, ainsi qu’à des spectacles. Des réunions de préparation et de suivi sont également à prévoir.
Évaluation :
1. Un exposé oral (30 mn) ou un travail écrit (12 pages) à rendre au plus tard au dernier cours.
Le travail doit considérer les œuvres étudiées en cours. Le choix du sujet doit être fait en concertation avec la responsable
du séminaire. Plusieurs approches possibles :
Analyse scénique d’une œuvre étudiée en cours.
Etude du passage du texte littéraire à l’œuvre lyrique.
Comparaison de l’œuvre lyrique choisie avec d’autres adaptations scéniques (théâtre, danse…) du même support
littéraire.
Écriture – projet de création. A discuter.
Tout exposé doit s’accompagner d’un travail écrit individuel remis en parallèle de l’exposé.
Jeunes chercheurs et doctorants sont les bienvenus. Cours ouvert aux étudiants ArTeC.
LISTE DES ENSEIGNEMENTS 2019/2020
MASTER
Exercices
EC9bis Séminaire
Partenaires institutionnels : Festival d’Automne, Théâtre de la Colline, Centquatre, Banque de France, Cité de l’économie
et de la monnaie, BNF, Département Médailles et monnaies.