Archives 2006 08

Estudiando piano Page 1 of 117
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Estudiando piano
Archivo: Agosto 2006
31/08/2006 GMT 1
Nota mi
todopiano @ 21:35
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Em7 . Mi menor séptima. II grado de la tonalidad de re mayor Cuatriada.
todopiano @ 20:56
E-7: Cuatriada de la tonalidad de re mayor 2º grado mi menor séptima.
MI SOL SI RE (RE ES EL SEPTIMO GRADO)
F# ES EL 9º GRADO.
C# ES EL SEXTO GRADO.
DE MI A SOL HAY UNA TERCERA MENOR ES CUATRIADA MENOR CON LA SEPTIMA MENOR.
http://estudiandopiano.nireblog.com/archives/2006/08 27/07/2009
Conciertos de Brademburgo (bach)
todopiano @ 15:02
CONCIERTOS DE BRANDENBURGO
JOHANN SEBASTIAN BACH
<
Powered by Castpostp>El Concierto de Brandenburgo nº 4 en Sol mayor, BWV 1049 es un concierto típicamente alemán de “reunión de gustos”, que combina
magistralmente elementos franceses e italianos, con un grupo solista formado por dos flautas dulces y violín. El tierno y desenfadado primer movimiento hace pensar en
una escena campestre, con las flautas dulces imitando una pareja de aves cantoras sobre la que destaca la parte del violín, llena de virtuosismo. Contrasta el segundo
tiempo, una solemne zarabanda en tono menos a la que sigue un Presto, que se caracteriza también por su seriedad y que constituye una síntesis genial de las formas
típicamente barrocas de la fuga y el concierto.
El Concierto de Brandenburgo nº 5 en Re mayor, BWV 1050 es el más notable e importante de la colección. A falta de un futuro descubrimiento que invalide esta
afirmación se puede decir que el quinto Concierto de Brandenburgo es el primer concierto para teclado que se conoce, anterior con mucho a los conciertos para órgano
de Haendel, aunque ciertamente tienen como antecedentes algunos fragmentos con órgano o clavicémbalo concertante del propio Haendel o de otros compositores, pero
que, en cualquier caso, no puede decirse que son verdaderos conciertos.
Aunque la flauta travesera y el violín también comparten el cometido de solistas, la parte reservada al calvicémbalo es comparativamente más importante, con una
notable cadenza de sesenta y cinco compases en el primer movimiento. El delicado segundo movimiento, marcado Affettuoso, está confiado únicamente a los tres
solistas, mientras calla la orquesta. El tercer movimiento, Allegro, es un animado tiempo de danza, que da a los solistas sobradas ocasiones de lucimiento.
Por el contrario, el Concierto de Brandenburgo nº 6 en Si bemol mayor, BWV 1051 es el más arcaizante del conjunto. Instrumentado para dos violas, dos violas da
gamba y bajo continuo, la significativa ausencia de los violines confiere a este concierto una calidad tímbrica particularmente oscura y velada y hace pensar en obras de
la época renacentista, cuando la viola era todavía un instrumento más apreciado y difundido que el violín. Es el más camerístico de los seis conciertos de la colección y
se cree que Bach lo compuso para su interpretación en la intimidad del círculo privado del príncipe Leopoldo de Anhalt_Köthen, el cual tocaba la viola da gamba y
gustaba de hacer música junto con los miembros de su orquesta. Así pues, Bach escribió la parte de la segunda viola da gamba teniendo en cuenta las capacidades del
príncipe, ya que no plantea excesivas dificultades, en tanto que la parte de la primera viola da gamba, de exigencias mucho mayores, debió de estar pensada para uno de
los más grandes virtuosos de la época, Christian Ferdinand Abel, quien, junto con Bach, formaba parte de la orquesta del príncipe. Dado que Bach sentía especial
preferencia por la viola, instrumento que solía tocar en la orquesta del príncipe, es muy probable que se reservara la parte de primera viola, que es la de mayor relieve.
El primer movimiento, sin indicación precisa de tiempo, es de gran complejidad contrapuntística. El segundo movimiento, Adagio ma non tanto, está confiado
únicamente a las violas y el bajo continuo, mientras callan las violas da gamba. El tercer movimiento, Allegro, presenta rasgos en común con el último movimiento del
tercer concierto de esta colección: se trata igualmente de una giga enérgica y vivaz.
A pesar de todo el arte, toda la inspiración y toda la ciencia musical que Bach derrochó en su composición, se sabe que estos Conciertos de Brandenburgo nunca fueron
interpretados en la residencia del margrave, y que su autor jamás percibió el más mínimo honorario por ellos. Sin embargo, hay que pensar que esto se debió no tanto al
desinterés de Christian Ludwig, como al hecho de que sobrepasaban con mucho las posibilidades del destinatario: efectivamente, la orquesta del Margrave carecía de
efectivos suficientes y, sobre todo, capacitados, para hacer frente a la extremada complejidad y a las altísimas exigencias técnicas de estas obras. A la muerte del
Margrave, en 1734, el manuscrito autógrafo de los seis Conciertos de Brandenburgo fue tasado en la cantidad de veinticuatro grossos. Tras diversos avatares, dicho
manuscrito fue finalmente adquirido por un antiguo discípulo de Johann Sebastian, el compositor Johann Philipp Kirnberger (1721-1783), quien se lo regaló a su
alumna la princesa Amalia de Prusia, hermana de Federico el Grande. En la actualidad el manuscrito se conserva en la Biblioteca Estatal de Berlín.
Fuentes CD.
Escala do
todopiano @ 12:24
Escalado Ver/Escribir Comentarios Meneame | del.icio.us
Escala de do mayor. Ejercicio de piano
todopiano @ 11:16
http://piano.vnunetblog.es/educacion_musical/images/escalado.jpg
Notas . Las notas musicales
todopiano @ 10:52
Estan representadas por signos que se escriben en los espacios o en las lineas del pentagrama.
Cada nota representa un sonido musical.
En la música moderna son : C , D , E, F , G, A, B : do, re, mi, fa, sol, la , si
30/08/2006 GMT 1
Mi menor ,2º grado de la tonalidad de re modo mayor
todopiano @ 15:36
http://lomejordelmundo.blogcindario.com/ficheros/mimenor.mid
Las tonalidades. Diferentes armaduras para diferenciar la tonalidad.
todopiano @ 11:08
La armadura, los sostenidos y bemoles correspondientes a las diversas tonalidades.
Armadura
todopiano @ 10:57
Una escala de do en su armadura no tiene ningun sostenido ni bemol. Una tonalidad diferente a do tiene en su armadura las alteraciones necesarias para que cumpla las
reglas de hacer bien las escalas correspondientes.
EJEMPLO: TONALIDA DE RE MAYOR . La tónica es re La escala tiene que ser en el primer grado Tono, tono, semitono, tono, tono , tono semitono , vamos a
confeccionarla:
1. TONO : RE-MI (HAY UN TONO)

2. TONO: MI -FA (NO HAY TONO SINO MEDIO TONO) Que hacemos subir con un # el fa y quedaría así : MI-FA# . Por no poner en la partitura el fa# ,lo
ponemos en la armadura en el sitio que corresponde al fa , entonces todos fa que salen en la partitura se sobreentiende que tenemos que poner el #.
3. SEMITONO : FA#-SOL (HAY UN SEMITONO)
4. TONO: SOL-LA (HAY UN TONO).
5. TONO: LA-SI (HAY UN TONO).
6. TONO: SI -DO , hacemos lo mismo que de MI_FA# , subimos el do a do#, y entonces ya tenemos otro sotenido en la armadura: SI-DO#.
7. SEMITONO: DO#-RE (HAY UN SEMITONO.
Ya tenemos la escala de re primer grado de la tonalidad de re en el modo mayor.
Daros cuenta los término que he usado: ESCALA, PRIMER GRADO, TONALIDAD, MODO MAYOR. En el artículo anterior los nombro (TONALIDAD)
TABLA CON TODAS LAS ALTERACIONES:
Tonalidad
todopiano @ 10:41
Conjunto de sonidos cuyo funcionamiento está regido por un sonido principal llamado tónica.
La tonalidad de basa en siete sonidos llamados grados y son los siete nombre de las notas.. Se identifican con números romanos (En la música moderna).
I,II,III,IV,V,VI,VII (Grados).
Hay dos clases de modos en una tonalidad mayor y menor.
GRADOS TONALES : Son los que definen el tono ellos son el I; IV; V.
GRADOS MODALES : Definen el modo del tono si es mayor o menor , y son el III principalmente y los II, VI y VII.
La tonalidad en el modo mayor , es la que normalmente decimos: decimos entá en el tono de do se sobreentiende que es mayor a no ser que indiquemos lo
contrario. En esta tonalidad hay entre el III grado y el IV grado medio tono , y entre el VII y el VIII tambien hay medio tono en los demás hay un tono entero (en
el primer grado de la tonalidad) . La escala es en el primer grado tono, tono, semitono, tono , tono, tono, semitono. DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI-DO. La nota do
es la tónica.
Diversas tonalidades
29/08/2006 GMT 1
El puntillo
todopiano @ 21:35
Partitura: Fuga Juan Sebastian Bach
todopiano @ 16:49
Partitura en la red , hay a miles:
http://www.mutopiaproject.org/ftp/BachJS/BWV865/BWV865_Fuga20/BWV865_Fuga20-let.pdf
Tonalidad de do.Escalas.Tabla
todopiano @ 16:38
Las tonalidades en general las colocaré primero en una tabla, y luego las visionaré en dibujos de piano, pentagrama, algún video, armadura.
Ejemplo ir aquí
http://estudiandopiano.nireblog.com/post/2006/08/24/do-mayor
Metrónomo
todopiano @ 15:27
Aparato que sirve para medir el tiempo.
Loulié fué el primer inventor del metrónomo en 1696.

La más común en uso es la del mecanismo a cuerda de Maelzel (1772-1838), Beethoven se interesó mucho por este invento.Sin embargo se creé que perteneción a un
tal Winkel.Es de forma triangular con una varilla que va oscilando de un lado para otro y que marca con una campanilla el tiempo del dos por cuatro, tres por cuatro o
cuatro por cuatro. O sea que suena cada dos,tres o cuatro tiempos. Lo que marca MM= 100, es la negra a 100 tiempos por minuto; MM=60 quiere decir 60 tiempos de la
negra por minuto. No se debe interpretar la partitura con una ley rígida sino lo que el interprete aconseje. La velocidad puesta por Schuman por ejemplo es imposible de
ejecutar. Normalmente hoy día los profesores de música le indican al principio que se use el metrónomo, no obstante cuando ya has cojido tu metronomo que llevas en
tu cuerpo no será necesario usarlo. Tú eres el que tienes que llevar el ritmo. Normalmente cuando oyes a algun interprete no se pone el metrónomo ya lo lleva en su
cuerpo. Al principio yo creo que si es necesar
Las claves.Clave sol , clave fa.
todopiano @ 10:56
Son unos signos que definen las notas escritas en el pentagrama. Las claves que se usan son la de sol en segunda linea ( la nota que la cubre se llama sol), y la de fa ( la
nota es fa).
musica
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Clave de fa en cuarta linea
todopiano @ 10:51
La clave de fa:
Relleno
todopiano @ 03:55
Acción de añadir notas destinadas a completar un acorde del que sólo están escritos el bajo y el agudo . Según un artículo del Mercure (1677), Lulli hacía rellenar por
sus alumnos las partes intermedias de su armonía.
ADAGIO
todopiano @ 03:50
Adagio
Ad agio, cómodamente con descanso, lentamente.
Indica el movimeinto de una fragmento musical, sirviéndole a menudo de título. Los clásicos no estan de acuerdo
respecto al grado de velocidad que debe tener la ejecución de un adagio .Clementi , contra la opinión general , hace
del adagio el más lento de los movimientos , y le sitúa en este órden antes que el largo. Con frecuencia se añade al
adagio un calificativo que precisa su sentido ocasional, adagio cantabile, adagio sostenuto (claro de luna de
Beethoven) adagio ma non tropo e molto cantabile (<BEETHOVEN: sonata patética, cuarteto op. 127)
. BACHemplea tambien el superlativo adgissimo como por ejemplo en el emocionante coral de órgano : Jesu
Leiden, Peine und tod.
Tambien título o denominación que se da a una composición concebida en movimiento lento o adagio, y que en
ocasiones es colocada como tiempo lento en las formas sinfónicas., sinfonía, concierto, sonata,
cuarteto,constituyendo una de las partes importantes de la obra, que en otras ocasiones, en lugar de adagio se
denominan: andante, lento, largo o larghetto. Se da acepción de substantivo a la indicación del movimeinto en que debe ejecutarse la composición.
El término adagio (de origen italiano) es una indicación de tempo, que generalmente va acompañada de una indicación metronómica:
en partituras antiguas: 54 negras por minuto,

en los metrónomos electrónicos: 48 a 66 negras por minuto, y
en partituras actuales: 50 negras por minuto.
El tempo adagio es más lento que el andante (60 negras por minuto) y más rápido que el largo (40 negras por minuto), el grave y el larghetto.
Por extensión, un adagio es una pieza musical cuyo tempo es lento. Generalmente se llama así al segundo o tercer movimiento de una sinfonía o un concierto.
Karl Philipp Emanuel Bach
todopiano @ 03:48
Karl Philipp Emanuel Bach
(Weimar, 1714-Hamburgo, 1788) Compositor alemán. Quinto hijo de J.S. Bach y de Maria Barbara. Fue clavecinista de la corte de Federico el Grande y sucesor de
Telemann, su padrino, como maestro de capilla de las principales iglesias de Hamburgo. Como teórico del clave, se anticipó a la moderna técnica pianística con su
Ensayo acerca de la verdadera manera de tocar el clave (1753-1762). Precursor del romanticismo por su defensa de la libertad del artista, ayudó a la consolidación de la
forma de la sonata con la introducción del segundo tema. Su amplia obra, profana y religiosa, influyó en Haydn y en Beethoven.
La carrera de Philipp Bach tiene cierta uniformidad. Fue a Francfort-del-Oder con la intención de estudiar allí la carrera de Derecho, pero cambió de idea fundando en
esta ciudad una sociedad de canto. En 1738 marchó a Berlín donde fué nombrado , dos años más tarde, clavecinista de Federico el Grande. En 1767, Bach presentó su
dimisión para aceptar el puesto que dejaba Teleman en Hamburgo como director de música sagrada. Murió tuberculoso en la ciudad rodeado de la más profunda
consideración.
Las obras de Karl-Philipp-E. Bach poseen un estilo enteramente distinto y contrario al polifónico de las obras de su padre, lo que tal vez tenga su explicación en el
hecho de que por estar Karl-Philipp- Emanuel Bach destinado en un principio a la carrera de Leyes, pudo seguir, libre de las imposiciones de su padre, su afición al
estilo galante de la música francesa de clavecín.En efecto, la música de Karl-Philipp-E. Bach presenta por su carácter, su esencia melódica y la profusión de adornos,
una fuerte influencia de la música francesa de aquel tiempo.
Karl- Philipp-Emanuel Bach contribuyó grandemente al progreso de la técnica de la composición ed el dominio de la sonata para piano. Ha escrito un tratado de
clavecin, cuya importancia no ha desaparecido aún. Este tratado es una de las fuentes principales de documentación sobre la ejecución de los adornos musicales y de
ciertos efectos especiales en el siglo XVIII.Emanuel Bach ha escrito un número considerable de obras para piano (210 piezas, 52 Conciertos, Sonatas etc.); aunque
menos notable en el dominio de la música religiosa, fue igualmente fecundo, como lo demuestran sus 22 Pasiones.
Rameau, Jean Philippe
todopiano @ 03:37
Jean Philippe Rameau Compositor, clavecinista y teórico francés.Consagróse a la música desde muy joven, después de renunciar a la
carrera de la magistratura. Fue casi totalmente autodidacta, en especial respecto a la armonía y composición. Tras un breve viaje a Italia
(1701), se le nombró organista en las catedrales de Aviñón y Clermont-Ferrand;.
Después estuvo en París (1706), donde publicó su primera serie de composiciones para clavecín, y actuó tambien de organista. Lo
fue asimismo en Dijón (1709-1714), Lyón (1714-1715) y Clemont -Ferrand otra vez. A la edad de 40 años era conocido tan sólo
por un reducido número de personas; dedicábase con preferencia a meditaciones filosóficas sobre la música, de donde nacieron
una serie de obras teóricas que luego tenían que ser célebres, como su Traitè d`harmonie que causó verdadera sensación en los
ambientes musicales. Rameau pasó entonces (1723) a París,donde se instaló definitivamente como organista, y a partir de entonces fue
publicando con gran frecuencia obras teóricas y composiciones que tuvieron gran éxito; hicieron célebre rápidamente su nombre y le
procuraron multitud de discípulos de tal modo que al cabo de pocos años quedó convertido en la primera figura del mundo musical
parisiense. En esta época empezó a componer breves obras escénicas , que iniciaron la brillante carrera de compositor deóperas y
ballets que tenía que hacerle famoso después.
El fermier géneral La Pouplinière le protegió generosamente y le nombró director de su orquesta particular y de
sus conciertos, y gracias a él pudo presentar sus obras en la öpera, que se manifestaba reacia ante los autores
nuevos. Sus composiciones dieron lugar a vivas discusiones y controversias. Entre tanto, él actuaba tambien en
la corte, donde el Rey le nombró compositor de cámara. Rameau es considerado uno de los mayores
compositores de la escuela francesa, cuyas óperas tienen una enorme importancia histórica, y uno de los más
grandes doctrinarios de la ciencia musical; en este aspecto se le considera fundador de la teoría armónica
propiamente dicha teoría del encadenamiento natural de los acordes. Rameau fue un innovador y no solo en la
teoría, sino también en la práctica de la armonía; sus atrevidas modulaciones y sus composiciones a varias
partes señalan un notable progreso respecto a sus predecesores. Fue uno de los primeros en utilizar los recursos
de los matices de la orquesta, y ampliando la estructura de la obertura inició el camino que luego habían de
seguir las sinfonías de Haynd y Mozart A pesar de que sus óperas no se representaban mucho tiempo, debido
en gran parte a que los libretos eran muy flojos, y en parte para su debilidad en escribir para la voz. Rameau es
uno de los grandes maestros de la música francesa. Nació en Dijón el 25 de septiembre de 1683, y murió en París, el 12 de septiembre de 1764.
OBRAS DE JEAN- PHILIPPE RAMEAU
OPERAS
Hippolyte et Aricie (1733)
Castor et Pollux (1737)
Dardanus (1739).
Le temple de la Gloire (1745).
Zaïs (1748).
Zoroastre (1749).
Acante et Céphise (1751).
Lysis et Delia (1754).
Daphné et Eglé (1753).
La naissance dÓssiris (1754).
Zephire (1757).
Nelée et Mithis (1757).
Le retour dÁstrée (1757)
Les surprises de lámour (1759).
Les sybarites (1760)
Les paladins (1760)
BALLETS
Les indes galantes (1735)
Les fêtes d´Hebé (1739)
Les fêtes de Polymnie (1745)
La princesa de Navarre (1747)
Les fêtes de l´Hymen et de lámour (1747)
Zaïs (1748)
Pygnalion (1748).
Platée (1749).
La Guilande (1751).
Anacréon (1757).
OBRAS PARA CLAVECIN
Premier livre des piéces de clavecin
Pièces de clavecin avec una méthode pour la mécanique des doigts.
Pièces de clavecin avec des remarques sous les differentes genres de pièces de musique.
Nouvelles suites de pièces de clavecin.
Pièces de clavecin en concert
pièces de clavecin avec une table pour les a´gréments.
Cantatas
Motetes
obras teoricas
Traité d´harmonie rèduite à ses principes naturels.
Plan abrégé dúne méthode nouvelle dáccompagnement.
Génération harminique.
Code de musique pratique.
Demonstration du principe de l´harmonie.
Articulo Sobre Bach
todopiano @ 03:35
MUSIKALISCHER ALMANACH (Almanaque musical) de 1796
Editado por J. F. Reiichard
BACH (Johann Sebastian) , compositor vocal e instrumental , organista y pianista. Nacido en Eisenach, marzo 21 de 1685, muerto en
Leipzig, el 28 de julio de 1750.
Jamás ningún compositor, ni aun los mejores y los más profundos entre los italianos, agotó todas las posibilidades de la armonía como lo
hizo este gran artista. Bach empleaba todo el arte armónico adecuado y cada artificio armónico inadecuado , en serio y en broma, con tal
audacia y personalidad, que los más grandes armonistas, si hubieran sido llamados para suplir un solo compás que faltara en una de sus
grandes obras, no hubieran tal vez estado seguros de suplirlo exactamente tal como Bach lo hiciera.
Sus obras para clave y órgano duraran tanto como duren esos espléndidos instrumentos , representando la más alta escuela para organistas y clevecinistas, así como él,
en su calidad de artista ejecutante, era el más excelso modelo para organistas y clavecenistas. Invento la digitación adecuada y segura y el estilo significativo de
ejecución, con el cual combinó sabiamente la técnica ornamental de los artistas franceses de su tiempo e hizo asi necesario e importante el perfeccionamiento del
PIANO, en cuya tarea estuvo Silbermann tan afortunadamente de su parte.
Sus obras vocales, si bien están llenas de inventiva y de la más sabia composición, y llenas tambien de fuertes y genuinos rasgos en lo que atañe a la expresión , revelan
sin embargo una carencia excesiva de buen gusto , de conocimiento del lenguage y de la poesía, y por lo tanto tienen completamente la forma convencional de su
época , de modo que dificilmente pueden mantener su validez. Sin embargo tambien ellas permanecerán , para todos los tiempos, como verdaderos estudios para artistas
atentos y aplicados y excelentes piezas de ejercicio para coros.
verdi
todopiano @ 03:30
Giuseppe Verdi
Compositor italiano. Coetáneo de Wagner, y como él un compositor eminentemente dramático, Verdi fue el gran dominador de la
escena lírica europea durante la segunda mitad del siglo XIX. Su arte, empero, no fue el de un revolucionario como el del alemán,
antes al contrario, para él toda renovación debía buscar su razón en el pasado. En consecuencia, aun sin traicionar los rasgos más
característicos de la tradición operística italiana, sobre todo en lo concerniente al tipo de escritura vocal, consiguió dar a su música
un sesgo nuevo, más realista y opuesto a toda convención no justificada.
Nacido en el seno de una familia muy modesta, tuvo la fortuna de contar desde fecha temprana con la protección de Antonio
Barezzi, un comerciante de Busseto aficionado a la música que desde el primer momento creyó en sus dotes. Gracias a su ayuda, el
joven pudo desplazarse a Milán con el propósito de estudiar en el Conservatorio, lo que no logró porque, sorprendentemente, no
superó las pruebas de acceso.
Tras estudiar con Vincenzo Lavigna, quien le dio a conocer la música italiana del pasado y la alemana de la época, fue nombrado
maestro de música de Busseto en 1836, el mismo año en que contrajo matrimonio con la hija de su protector, Margherita Barezzi.
El éxito que en 1839 obtuvo en Milán su primera ópera, Oberto, conte di San Bonifacio, le procuró un contrato con el prestigioso
Teatro de la Scala. Sin embargo, el fracaso de su siguiente trabajo, Un giorno di regno, y, sobre todo, la muerte de su esposa y sus
dos hijos, lo sumieron en una profunda depresión en la que llegó a plantearse el abandono de la carrera musical.
No lo hizo: la lectura del libreto de Nabucco le devolvió el entusiasmo por la composición. La partitura, estrenada en la Scala en 1842, recibió una acogida triunfal, no
sólo por los innegables valores de la música, sino también por sus connotaciones políticas, ya que en una Italia oprimida y dividida, el público se sintió identificado con
el conflicto recreado en el drama.
Con este éxito, Verdi no sólo consiguió su consagración como compositor, sino que también se convirtió en un símbolo de la lucha patriótica por la unificación política
del país. I lombardi alla prima Crociata y Ernani participaron de las mismas características. Son éstos los que el compositor calificó como sus «años de galeras», en los
cuales, por sus compromisos con los empresarios teatrales, se vio obligado a escribir sin pausa una ópera tras otra.
Esta situación empezó a cambiar a partir del estreno, en 1851, de Rigoletto, y, dos años más tarde, de Il Trovatore y La Traviata, sus primeras obras maestras. A partir
de este momento compuso sólo aquello que deseaba componer. Su producción decreció en cuanto a número de obras, pero aumentó proporcionalmente en calidad. Y
mientras sus primeras composiciones participaban de lleno de la ópera romántica italiana según el modelo llevado a su máxima expresión por Donizetti, las escritas en
este período se caracterizaron por la búsqueda de la verosimilitud dramática por encima de las convenciones musicales.
Aida (1871) es ilustrativa de esta tendencia, pues en ella desaparecen las cabalette, las arias se hacen más breves y cada vez más integradas en un flujo musical continuo
–que no hay que confundir con el tejido sinfónico propio del drama musical wagneriano–, y la instrumentación se hace más cuidada. Prácticamente retirado a partir de
este título, aún llegó a componer un par de óperas más, ambas con libretos de Arrigo Boito sobre textos de Shakespeare: Otello y Falstaff, esta última una encantadora
ópera cómica compuesta cuando el músico frisaba ya los ochenta años. Fue su canto del cisne.
Biografias
PROXIMO CONCIERTO DE ELBIS Y LOS IBERICOS: ESGRATIS
todopiano @ 03:29
LOS IBERICOS
Conjunto Aragonés
PROXIMA ACTUACION
Salón de Actos del Edificio de la CREA.

Jueves 27 abril de 2006, a las 19:30 h.
PULSA PARA MAS DETALLES
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El "boom" musical que El Bis y Los Ibéricos representan en escena, se empezó a fraguar en los míticos 60's, con la fundación de Los Ibéricos y sus cuidadas versiones
de la mejor música instrumental de la época (The Shadows, Ventures, Spotnicks, etc.)
De los antiguos Ibéricos, que prestan su nombre al grupo actual, siguen resistiendo dos de los fundadores, Jesús Lacoma (guitarra solista) y José Francisco Orna
(guitarra bajo). Completan la formación, la batería de José Antonio Ruizalejos y los teclados de José Luis Catalán.
En el año 2001 se incorpora Carlos Gargallo, auténtico "showman", fiel réplica y seguidor incondicional de ELVIS PRESLEY. Carlos adopta el nombre artístico de EL
BIS y, desde ese momento, pasa a encabezar los carteles cual reencarnado Rey del Rock.
Una cuidadosa puesta en escena y un correcto montaje musical y el impresionante derroche de facultades que EL BIS prodiga en sus actuaciones, mantienen un altísimo
nivel en el escenario. En algún paréntesis aparece la magia instrumental de LOS IBERICOS para, seguidamente, recuperar el alto voltaje y explotar con fuerza ante el
espectador.
Los asistentes disfrutan la diferencia entre la música en lata y la música en vivo. Diferente. De muchos octanos. Algo que no te debes perder.
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www.zaragoza-ciudad.com/losibericos
Aragoneses
© INTERNET ZARAGOZA
Saeta
todopiano @ 03:22
Dase este nombre a unas singulares y celbérrimas coplas de Pasión que se cantan sobretodo
en Andalucía al paso de las procesiones de Semana Santa, cuyas letras hacen referencia, no
sólo a la conmemoración del gran drama del Gólgota, sino también a la imagen a que va
dedicada la saeta en el momento de su paso por el lugar donde se halla la persona, que con
vibrante y emocionada voz entona el canto, exaltado por profunda devoción. Las letras que
los cantores aplican a las melodías indican bien claramente el momento del drama o imagen
que el cantor, destacándose de la multitud, ha utilizado para dar expresión concreta a su
canto:
Míralo por ayí viene
er mejor de los nasidos.
o ésta
Caminando el buen Jesús
por la calle de la amargura
o esta otra:
Al pie de la cruz está
la Virgen de la Esperanza
El elevado sentimiento místico de estas expresiones por la sencilla gente del pueblo, constituye la más conmovedora demostración de la fe cristiana, que puede
admirarse al paso de las famosísimas y veneradas imágenes o pasos
por las calles andulazas, y otras partes de España,lenta y silenciosamente en las horas vespertinas. Las melodías aplicadas por el pueblo a la saeta son siempre variantes
de un tipo, que, a pesar de conservar la estructura fundamental primaria, se deshace en mil giros y adornos, especie de irisaciones altamente interesantes, porque en ellas
el cantor popular ha puesto su más alta inspiración lirica y la extraordinaria fuerza emotiva de la imagen evocada por la letra. El texto no tiene forma fija, pues puede ser
de dos, tres, cuatro, y hasta más versos, dependiendo todo de la emoción religiosa en el momento de la creación poética y de las facultades del cantor, que procura
lucirse, haciendo alarde de ellas, pues sabe que todos los oidos le escuchan ávidamente . Existe la tonada llamada clásica o antigua y la llamada moderna, que no es
otra que una variante, algo más diluida, de la tonada clásica.El ejemplo siguiente es una saetacuya linea melódica es obtenida por ligera variación de la melodía clásica:
Los siete acordes diatonicos de do mayor: VI grado lam
todopiano @ 03:18
Jácara
todopiano @ 03:12
JACARA
Especie de tonada, muy en boga en el siglo XVI, que se tocaba para ser cantada y bailada. Por extensión se dió esta
denominación a toda reunión de gente que, manifestando alegría, anda por la noche cantando y moviendo algazara
por las calles.
Baile popular del siglo XVII . Se bailaba por parejas, aunque sin establecer nungún contacto. El gran compositor
Barbieri dejó escrita una detallada exposición de la forma con que era ejecutado.
JACARA
Coplas
- Sin principio en el principio otros dos y este mancebo estaban como uno solo
- Su padre, el otro y el mesmo /una heredad que tenían /
de frutas, flores y troncos / obra de dios en lo vello / a un buen hombre se la dieron
- Dicen que se le regale / con quanto tubiere dentro / y le mandan que no coma
- Por Dios es buen mandamiento / mas el era ynocente / y quebrantando el precepto /
de rayz tuvo la culpa / puesto erro como comiendo
D7 cuatriada : piano
todopiano @ 03:10
musica
Lamentación
todopiano @ 02:57
En la liturgía católica , se denomina así al texto de las tres primeras lecciones del oficio de Maitines para los tres últimos
días de Semana Santa, llamado vulgarmente Tinieblas
que está tomado de las Lamentaciones de Jeremías. Sus nueve parte sucesivaso lecciones se distinguen por la serie de
las letras hebreicas aleph, beith, etc. Se canta sobre una fórmula salmódica especial escrita en la edicción benedictina de
Solesmes según las fuentes antiguas.
Desde el siglo XV se compusieron obras polifónicas para ser utilizadas en la celebración del oficio de Tinieblas, y el
impresor Petrucci publicó una colección de ellas en Venecia, en 1506. En la que imprimieron en París Le Roy y Ballard
en 1557 figuran, junto a las obras de Arcadelt, Fevin,, P. de la Rue y Claudin de Sermisy;; las lamentaciones
compuestas hacia 1515 por Elzeart Genet, llamado II Carpentrasso, para el servicio de la Capilla Pontificia, en el que
estuvieron en uso hasta la aparición del libro de lamentaciones dedicado a Sixto V(1599) por Palestrina.. Después de este
compositor, el repertorio litúrgico de Semana Santa fue enriquecido por lamentacionesy responsos por Vittoria,
Ingegnieri, Allegri, Biordi, etc. La elección de los cantos ejecutados en la Capilla Sixtina fue varias veces cambiada por
orden de los soberanos Pontifices, hasta que, en 1815,Boini estableció una nueva tradición , que fijaba para el Miércoles
Santo la ejecución de las lamentaciones de Palestrina; para el jueves , de las anónimas atribuidas a este compositor, y
para el Viernes , de las de Allegri. En las celebraciones del oficio de Tinieblas instituidas en París en 1894 por los
cantores de San Gervasio, sobre el modelo de la Capilla Sixtina, las lamentaciones son cantadas en canto gregoriano y
los responsos con la música de Vittoriao la de Ingegnieri, atribuida mucho tiempo a Palestrina. Se ha dado a veces , el
título de lamentaciones a obras no litúrgicas, la más célebre es sin duda la bella cantata semirreligiosa y semipolítica de
Gounod, Gallia (1871)
Editado por José Luis (bach24111)

Las claves
todopiano @ 02:57
Son unos signos que definen las notas escritas en el pentagrama. Las claves que se usan son la de sol en segunda linea ( la nota que la cubre se llama sol), y la de fa ( la
nota es fa).
musica
http://files.tagworld.com/7b81d2036ecaccb948e491c216558cbd0d37.jpeg
Mi mayor-escala-triada-cuatriada
todopiano @ 02:53
Rabel
todopiano @ 02:37
Rabel
Instrumento de arco, usado a fines de la Edad Media. A través de la obscuridad y la confusión de los documentos, más bien
literarios que musicales, que los mencionan, se le puede creer idéntico a la rubeba, y una de las mejores razones para creer en
esta sinonimia es que los poetas aficionados a hacer listas de instrunmentos no nombran a la vez el rabel y la rubeba. Bajo una
y otra denominación, el instrumento era una reducción de la antigua viola de arco, pero en él el mástil era la prolongación de
la tabla. El dorso era combado, y se aplanaba hasta el clavijero. Para tocar, se sostenia el instrumento como el violín. Llevaba
dos o tres cuerdas y, según el texto de Aymeric de Peirac (s. XIX), citado por Du Cange, daba sonidos agudos que imitaban la
voz femenina. Una particularidad del rabel, revelada por sus representaciones figuradas del siglo XV, es que el batidor, que era
tan ancho como la caja, se avanzaba lo bastante para formar casi una doble tabla. El rabel gozó de gran favor hasta el siglo
XVI. Lo tocaban los músicos de aldea en las fiestas populares, y en los bailes y conciertos de corte, los músicos ordinarios del
Rey. El invento y adopción del violin(s.XVI) le hicieron caer en completo descrédito. Los tocadores de rabel fueron numerosos
en las orquestas de los príncipes, a partir del siglo XV. Lancelot Levasseur era " rabel ordinario del rey" Francisco I en 1523-
1535.
Zamacueca
todopiano @ 02:32
Es conocido con este nombre un baile propio de la América del Sur bailado entre indios, zambos y chichimecas, popular en el Perú y Chile, dándose el nombre de
zamacuero a la persona diestra en ese baile el cual se le conoce también simplemente con el apelativo de Cueca. Se baila puesta la pareja, hombre y mujer , frente a
frente con un pañuelo cada cual en la mano, que agitan con gracia al aire y van dando vueltas con un paso muy semejante a la habanera.
Clavicémbalo
todopiano @ 02:28
Instrumento de cuerdas punteadas con teclado; se caracteriza especialmente :

1º , por el modo de atacar las cuerdas , que son arañadas desde abajo por picos de plumas u otra materia, que hacen el oficio de plectros;
2º , por el número de sus cuerdas, sencillas o pareadas, que es igual al de sus teclas.
3º, Por la forma externa de su caja , que tiene el aspecto de un arpa en posición horizontalo, en terminos geométricos, de un triángulo
rectángulo con la hipotenusa cóncava. Los puntos 1º y 2º establecen la diferenciación entre el clavicémbalo y el clavicordio; el 3º su
diferencia con la espineta y el virginal, diferencia que ha originado sus denominaciones inglesas de arpicordio y harpsichord y la
alemana Flügel (ala), que ha quedado adoptada para el piano de cola moderno. Se le han dado, entre otros, los nombres de
gravicémbalo, y por abreviatura el de cémbalo; clavicymbel y clavicymbalum, que es el nombre original. En Alemania , en el siglo
XVI, se designó con el nombre de clavicitherium una variedad de clavicémbalo vertical. El clavicémbalo derivado del salterio parece
ser que nació en el siglo XVI. Desde principios del XV poseía una extensión de 45 sonidos ( unas 4 octavas); sus cuerdas dobles, de
metal, estaban dispuestas de izquierda a derecha del teclado en orden decreciente de longitud; el teclado ocupaba, perpendicularmente a
las cuerdas, la extremidad más ancha de la caja.Ësta era todavía, un siglo más tarde, la disposición de un instrumento fabricado por
Jerôme de Bolonia y fechado en Roma en 1521, que se halla en el South Kensington Museum. En 1636, Mersenne consideró la doble
cuerda al unísono para cada tecla, como una de las propiedades distintivas del clavicémbalo.Esta doble cuerda necesitaba de un doble martinete al final de cada palanca,
que pulsaba simultáneamente las dos cuerdas. En un principio se intento agrandar y modificar el clavicémbalo. Hans Ruckers y sus hijos Juan y Andrés de Amberes,
se distinguieron desde finales del siglo XVI en la fabricación de este instrumento.
El Kuntgewerbe Museum de Berlin posee un clavicébalo de Hans Ruckers
condoble teclado, formado po la reunión de dos instrumentos en una sola caja de 1,80 m. de longitud. El primer teclado, que tiene 4 octavas, acciona sobre las cuerdas
agrupadas de tres en tres al unísono, si bien parece ser que la tercera ha sido añadida. El segundo teclado, que tiene una tercera menos en el agudo, corresponde a las
cuerdas sencillas; canbiando de teclado, el ejecutante realizaba contrastes de sonoridad. Se busco la manera de mejorar el timbre del instrumento empleando cuerdas de
tripa, o bien, como hizo Richard , en París (1620), cubriendo los picos de pluma con trocitos de tela. Pero no se consiguió un cambio sensible hasta 1768, en que Pascal
Taskinideó reemplazar estos picos por pequeñas piezas de cuero de búfalo. Este procedimiento que imprimia a las cuerdas una sacudida menos seca, fue aplicado a los
instrumentos antiguos restaurados y a los clavicémbalos nuevos por Österlein, en Berlin, desde 1773, y por Érard , en París , desde 1776.
Los progresos realizados respecto a la extensión del teclado fueron más rápidos. A fines del siglo XVII , Nicolás Dumont, constructor francés , construía clavicémbalos
à ravalement, porque su teclado descendía una quinta en aval relativamente a los instrumentos similares y alcanzaba por consiguiente hasta 5 octavas. Surgieron
asimismo otros inventos que no estaban llamados a sobrevivir. Praetorius (1619) habla de un clavicémbalo cuyas cuerdas , en número de cuatro por tecla, estaban
afinadas como los tubos de un juego de mixtura del órgano y sonaban 1º la fundamental; 2º el unisono; 3º la quinta; 4º la octava. Se hicieron pruebasde clavicémbalo
con ruedas o arquillos circulares que hacía vibrar las cuerdas por frotación,y después clavicémbalos provistos de juegos de flauta que se denominaban clavecins
organises,. El clavicémbalo perpendicular de Despinois (1733) y el clavicémbalo vertical de Obert (en el mismo año) eran reproduciones grandes del antiguo
clavicitherium, caido en olvido desde hacia dos siglos. Se cita todavía la celestina harpsichord, de W. Southwell, de Dublin (1779), que tuvo cierto éxito durante algunos
años. El clavicémbalo de martillos
, inventado a principios del siglo XVIII, y que debía cien años más tarde adquirir la única supremacia bajo el nombre de piano forte, procede del clavicordio y no del
clavicémbalo.
No puede dejarse de recordar la importancia dada por los constructores, a la decoración exterior de estos instrumentos, destinado con frecuencia a adornar los salones de
nobles y ricos aficionados. Algunos interesantes ejemplares de antigua factura han debido su conservación a las pinturas realizadas en ellos por excelentes artistas. Con
el fin de posibilitar la fiel reconstrución de los conciertos de antaño, las grandes manufacturas de pianos Érard, Pleyel,Gaveau etc.
han añadido a su industriahabitual la fabricación de clavicémbalos
. Durante un periodo de unos tres siglos, el clavicémbalo ha desempeñado en la práctica musical una función de extrema importancia. No solamente fueron destinados a
él obras de los virtuosos clavecinistas desde mediados del siglo XVI hasta después de la muerte de J.S. Bach (1750) y de la de Rameu
(1764) (puesto que la preponderancia del clavicordio y del clavicémbalode martillos no se estableció hasta Emanuel Bach y Mozart), sino que compartio
primeramente con el laud y la tiorba, y después solo con el órgano, la realización, entonces esencial, del bajo continuo.Hasta tal punto, que casi no se concebia una
ejecución de música de cámara, de comcierto de teatro e incluso de iglesia , sin el clavicémbalo.El director de orquesta se sentaba al clavicémbalo. a su alrededor se
agrupabal los instrumentos que constituian el llamado petit choeur. Cuando, en las ejecuciones de música antigua , se le reemplaza actualmente por el piano, se
desnaturaliza la sonoridad del conjunto. Los defecto que, a la larga, hicieron abandonar el clavicémbalo, su sequedad, su frialdad, la casi imposibilidad de lograr en él
matices de intensidad, excepto los efectos de eco, que resultaban del contraste de los dos teclados, contribuyeron a la creación de un estilo especial de composición en el
cual fueron producidas obras maestras, pues estos defectos que el mismo Couperin reconocía en parte , estaban, según él, compensados por otras tantas ventajas: la
precisión, la limpieza, la brillantez. Para lograr destacar estas excelencias eran necesarios el ejecutante un ataque impecable y una finura de detalles llevada al límite.
Ningún dibujo melódico podía ser tratado ni ejecutado como accesorio; la disposición de las partes contraputísticas , su número, su complicación, derivan de los efectos
dinámicos; las notas adornos alrededor de la principales daban la ilusión de sonidos sostenidos. El espíritu, el humor de los detalles pintorescos, embargaban a los
auditores que no pedian aún a la música instrumental el que expresase un contenido sentimental muy profundo. El estilo del clavecin alcanzó su apogeo durante el siglo
XVIII merced a Couperin y Rameau, en Francia; a Froberger, Kuhnau, Haendel y Bach , en Alemania; a Domenicop Scarlatti en Italia.
Acorde de 5 notas
todopiano @ 02:26
ACORDE CINCO NOTAS mid.
Triada mi menor (tonalidad sol mayor)
todopiano @ 02:19
errores: el re del piano es un mi pues es triada. Esta bien poner el re que es la séptima del mi, pero como son triadas será: sol si mi y si mi sol
Clara Wiek Schuman
todopiano @ 02:07
Schumann, Clara
Fecha de Nacimiento: 1819-9-13 en Leipzig

Fecha de Muerte: 1896-5-20 en Frankfurt
Nacionalidad: Alemana
Período: Romántico
Biografía:
Pianista y compositora alemana, Clara Wieck fue esposa de Robert Schumany una de las más famosas pianistas del siglo XIX. Como muchas otras mujeres
compositoras, Clara nació en una familia de músicos. Su madre había sido una exitosa pianista y su padre, Friedrich Wieck, era un famoso profesor de piano. Fue él
quien le impulsó a componer e interpretar.
En 1840 se casó con uno de los estudiantes de su padre, Robert Schumann, contra los deseos de Friedrich. El resultado fue tanto un matrimonio feliz (a pesar de los
problemas de Robert) como una fructífera sociedad artística. Clara componía variaciones sobre temas de Robert y viceversa, juntos crearon un ciclo de canciones sobre
poemas de Friedrich Rückert (Op.12 de Clara, Op.37 de Robert). Después de la muerte de Robert en 1856, Clara continuó con una activa carrera como concertista y
promovió sobretodo la música de Brahms, con quien mantuvo una relación por el resto de su vida.
La música de Clara Schumann es típica de la era romántica temprana. Mucha fue escrita y pensada en su talento como intérprete (conciertos para piano y obras para
piano solo), pero también hay una cantidad de canciones y un famoso trío (Op.17). La mayor parte de la música para piano consiste de pequeñas obras como preludios y
danzas, mostrando una original cualidad lírica y un sólido aunque conservador manejo de las formas.
Re mayor. Escala. Acordes. Primer grado. D.
todopiano @ 02:03
Comienzo con la tonalidad de re mayor. ( Lleva mucho trabajo ) . Pero lo acabaré. Conforme lo exponga lo iré repasando. En la armadura sólo dos sosttenidos: F# y
Do# ,subimos medio tono el último sostenido y nos encontramos en re. Lo repetiré siempre porque al final, se queda.
ESCUCHAR MID. CUATRIADA RE MAYOR PRIMER GRADO

ESCALA RE MAYOR MID.
triadas
todopiano @ 02:02
musica
Ver partituras y fotos
todopiano @ 02:02
Upload photos at Bolt.
Se puede parar, que vaya mas despacio, ir a la foto, ir a la página.
Upload photos at Bolt.

Modos gregorianos
todopiano @ 01:55
EL MODO MAYOR
Notas diatónicas y cromáticas: Las notas diatonicas son siete y vienen definidas por los nombres naturales Do Re Mi Fa Sol La Si Do, con las alteraciones adecuadas
según sea el centro tonal escogido. El resto de las notas son cromáticas, ha cinco sonidos cromáticos y diez notas cromáticas debido a la enamonia Igual sonido con
diferente nota) DO# y REb son notas diferentes pero tienen el mismo sonido.
MELODIA DIATONICA : Foremeda únicamente por grados diatónicos a una escala determinada.
ARMONIA DIATONICA: La parte de la música que trata el estudio de los sonidos simultaneos, así, armonía ditónica será la formada por grupos de sonidos diatónicos.
Contactos El Bis y Los Ibericos
todopiano @ 01:04
Nuevo concierto El Bis Y los Ibericos
todopiano @ 00:59
PROXIMA ACTUACION
Honey Don't Cry, American Bar & Grill

Avda. del Rosario 9, Cuarte de Huerva
Sabado 27 de mayo a las 22:30 h. y 00:00 h.
Teclado piano:escala de do
todopiano @ 00:52
musica
Compositores contémporaneos de Bach
todopiano @ 00:38
Compositores contemporáneos de J. S. Bach (1685-1750)
Albinoni Tomaso Giovanni 1671 - 1751 Venecia (Italia)

Biber Heinrich Ignaz Franz von 1644 - 1704 Wartenberg (República Checa)
Blow John 1648 - 1708 Newark (Inglaterra)
Böhm Georg 1661 - 1733 Hohenkirchen (Alemania)
Bononcini Giovanni Battist 1670 - 1747 Modena ( Italia)
Buxtehude Dietrich 1637 - 1707 Oldesloe (Dinamarca)
Caldara Antonio 1670 - 1736 Venecia (Italia)
Campra André 1660 - 1744 Aix-en-Provence (Francia)
Charpentier Marc Antoine 1644 - 1704 París (Francia)
Corelli Arcángelo 1653 - 1713 Fusignano (Italia)
Couperin François 1668 - 1733 París ( Francia)
Fischer Johann Kaspar Ferdinand 1665 - 1746 Alemania
Fux Johann Joseph 1660 - 1741 Hirtenfeld (Austria)
Geminiani Francesco 1687 - 1762 Lucca (Italia)
Graupner Christoph 1683 - 1760 Kirchberg (Alemania)
Glück Christoph Willibald 1714 - 1787 Erasbach (Alemania)
Haendel Georg Frederich 1685 - 1759 Halle (Alemania)
Heinichen Johann David 1683 - 1729 Krössuln (Alemania)
Keiser Reinhard 1674 - 1739 Teuchern (Alemania)
Kerll Kaspar Johann 1627 - 1693 Austria ?
Kuhnau Johann 1660 - 1722 Geising (Alemania)
Krieger Johann Philipp 1649 - 1725 Nürnberg (Alemania)
Lalande Michel Richard 1657 - 1726 París (Francia)
Legrenzi Giovanni 1626 - 1690 Clusone (Italia)
Locatelli Pietro Antonio 1695 - 1764 Bergamo (Italia)
Lotti Antonio 1667 - 1740 Venecia (Italia)
Lully Jean-Baptiste 1632 - 1687 Florencia (Italia)
Marais Marin 1656 - 1726 París (Francia)
Marcello Benedetto 1686 - 1739 Venecia (Italia)
Marchand Louis 1669 - 1732 Lyon (Francia)
Mattheson Johann 1681 - 1764 Hamburgo (Alemania)
Montéclair Michel Pignolet de 1667 - 1737 Andelot (Francia)
Muffat Georg 1653 - 1704 Mégève (Francia)
Pachelbel Johann 1653 - 1706 Nuremberg (Alemania)
Pasquini Bernardo
1637 - 1710 Massa da Valdinievole (Italia)
Pergolesi Giovanni Battista 1710 - 1736 Lesi (Italia)
Purcell Henry 1659 - 1695 Londres (Inglaterra)
Quantz Johann Joachim 1697 - 1773 Oberscheden (Alemania)
Rameau Jean Philippe 1683 - 1764 Dijon )Francia)
Rebel Jean-Féry 1666 - 1747 París (Francia)
Reincken Jan Adams 1623 - 1722 Wilshausen (Alemania)
Roman Johan Helmich 1694 - 1758 Stockholm (Suecia)
Sammartini Giovanni Battista 1701 - 1775 Milán (Italia)
Scarlatti Alessandro 1660 - 1725 Palermo (Italia)

Scarlatti Domenico 1685 - 1757 Nápoles (Italia)
Steffani Agostino 1654 - 1728 Castelfranco (Italia)
Tartini Giuseppe 1692 - 1770 Pirano (Italia)
Telemann Georg Philipp 1681 - 1767 Magdeburgo (Alemania)
Torelli Giuseppe
1658 - 1709 Verona (Italia)
Vivaldi Antonio 1678 - 1741 Venecia (Italia)
Walther Johann Gottfried
1684 - 1748 Erfurt (Alemania)
Weiss Sylvius Loepold 1686 - 1750 Breslau (Polonia)
Zelenka Jan Dismas 1679 - 1745 Lunovice (República Checa)
Mi primer video
todopiano @ 00:16
Voy aprendiendo. En internet y a tocar el piano.
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prueba fotografica
todopiano @ 00:01
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28/08/2006 GMT 1
El músico del pueblo
todopiano @ 23:55
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Historia de la música Franco Abiatti
todopiano @ 23:48
HISTORIA DE LA MUSICA
FRANCO ABBIATI
TOMO PRIMERO 546 PAGINAS :IMPRESO EN MEXICO 1958
EDITORIAL UTEHA
Db
todopiano @ 23:35
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Piano en linea
todopiano @ 23:32
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Fm , tercer grado de reb.
todopiano @ 23:30
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Fa menor
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Acorde de do en piano
todopiano @ 23:29
Concierto ElBis y os Ibericos Crea de Zaragoza
todopiano @ 23:25
Concierto importante de ELBIS Y LOS IBERICOS en la CREA
Fecha: 27 abril 2006
Tabla genealógica de Juan Sebastian Bach (4)
todopiano @ 23:16
El segundo y tercer hijo de Christoph (26) eran aquellos notables mellizos cuyas particularidades relata Philipp Emanuel en la Necrología y que
se encuentran reproducidas en el libro de Forkel. El mayor es Johann Ambrosius , el padre de Juan Sebastian; el menor , Johann Cristoph (32),
se formó con su padre y ejerció su profesión en Arnstadt donde fué músico de la corte y del municipìo. Su hijo mayor, Johann Ernst (33) sucedió
a Joh. Sebastian en el puesto de organista de Arnstadt cuando éste , en 1707, siguió el llamado a Mühlhausen. Otro hijo (34) de Joh, Christoph,
llamado como su padre, fué tambien organista.
Johann Ambrosius (35) nació en Erfurt. Aprendió con su padre el violin y la viola, instrumentos que enseñó luego a su hijo
Johann Sebastian. En 1667 fué nombrado miembro de la compañía de los músicos municipales en su ciudad natal, bajo su tío
Johann (9); en el año siguiente se casó con Elisabeth Lämmerhirt, hija de un peletero y concejal de la ciudad, con la cual tuvo
seis hijos y dos hijas. En 1671 Jon. Ambrosius se trasladó a Eisenach, donde sucedió a su primo Jon. Christian (10). Aquí pasó
el resto de su vida como músico municipal y de la corte. Después de la muerte de su mujer, en 1694, se casó por segunda vez,
pero murió ya al año siguiente. De sus hijos tres adquirieron importancia como músicos.
El mayor , Johann Christoph (36) fué alumno del conocido organista Johann Pachelbel, en Erfurt. En 1694 se hizo cargo del
puesto de organista en la pequeña ciudad de Ohrdruf donde al año siguiente acogió a sus dos hermanos menores huérfanos. Sus cinco hijos (37 a
41) fueron todos músicos, chantres y organistas, como tambien cuatro de sus nietos ( según Terry).
El tercer hijo de Joh. Ambrosius, Johann Jakob (42) quien llevaba tres años a Joh. Sebastian,
hizo su aprendizaje entre los músicos municipales de Eisenach. En 1704 se enganchó en el
ejercito sueco como oboísta. En ocasión de su partida para el servicio bajo las banderas del
rey Carlos XII, Jon. Sebastian compuso el Capriccio sopra la lontanaza del suo fratello
dilettissimo.
Estuvo presente en la batalla de Poltava, donde Carlos XII fué derrotado por los rusos ; viajó
hasta Turquía con su soberano y, finanmente, se radicó en Estocolmo como músico de la
corte. Fecha y circunstancias de su muerte son desconocidas. No dejó hijos.
Figuras musicales y notas musicales
todopiano @ 23:01
Un piano de 88 teclas ,entre blancas y negras, contiene 7 octavas, o sea que la escala de do se repite 7 veces.
Vista de un teclado y sus notas.
Cada tecla del piano le corresponde una nota musical, que se va repitiendo cada vez más alta ,si empiezas por el teclado izquierdo.
Figuras: Son las diversas formas que adoptan las notas para determinar su duración. Se llaman: redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa, semifusa.
Notas: Signo gráfico que representa y determina y determina la altura de los sonidos musicales. Las notas son: do, re, mi fa,sol,la,si. Se colocan sobre lineas y espacios,
determinando la altura relativa según las distintas posiciones que adopten sobre el pentagrama.
Sobre las lineas se llaman: mi,sol.si.re,fa.
Entre los espacios : fa,la,do,mi(espacio cuarto).
solamente una vez
todopiano @ 22:56
musica
Solamente una vez Mid.
El ragtime
todopiano @ 22:42
Resumen de la tonalidad de Db modo mayor
todopiano @ 22:41
Una vez vista la tonalidad de do mayor ,paso a la de Reb en el modo mayor. Una vista general de las triadas y cuatriadas correspondientes y como la desarrollaré.
Resumen de la tonalidad de Re bemol en el modo mayor.
La escala de Db = Db,Eb,F,Gb,Ab, Bb,C,Db
EL PIANO
todopiano @ 22:36
EL PIANO
http://bach2411111.blogcindario.com
Escala de do
todopiano @ 22:35
Para comenzar una escala la de do.
Tonalidades (alteraciones)
todopiano @ 22:33
TONALIDADES DEL MODO MAYOR
C Mayor :ninguna alteración

Db Mayor : Bb,Eb,Ab,Db,Gb
D Mayor : F#,C#
Eb Mayor: Bb,Eb.Ab
E Mayor: F#,C#,G#,D#
F Mayor: Bb
Gb Mayor : Bb, Eb, Ab, Db, Gb, Cb
G Mayor: F#
Ab Mayor: Bb, Eb, Ab, Db
A Mayor: F#, C#, G#
Bb Mayor: Bb, Eb
B Mayor: F#, C#, G#, D#, A#
C(do) D(re) E(mi) F(fa) G(sol) A(la) B(si)
Minueto en sol mayor
todopiano @ 22:33
El minueto de Bach con triadas. Notación moderna.Melodia de Bach . Triadas de José Luis.
Estudiar este minueto nivel 1.

Primero despacio y con manos separadas.
Despacio.
Practicar arpegios de sol mayor (fa# en la armadura).
Modular a si : si,re#,fa#.
Do mayor cuarto grado de sol. Mi menor sexto grado de sol. Si menor tercer grado de sol.
Como se enseñaba la música en 1950
todopiano @ 22:32
musica
Filatelia musical: Los órganos de Silbermann
todopiano @ 22:32
Organos de Silbermann : 4 sellos preciosos de la extinguida república democrática alemana, hoy Alemania.
el blues
todopiano @ 22:30
BluesEl Blues es un género musical de Estados Unidos.

A las orillas del Mississippi, alrededor de 1900, en un barrio llamado Storyville (abarrotado de locales de música en directo), los esclavos compraban instrumentos a los
militares estadounidenses. Estos esclavos no tenían conocimientos musicales y tocaban los instrumentos simulando la voz humana. Con ello desarrollaron nuevas
técnicas. Así empezaron a surgir las primeras bandas.
El blues nace, principalmente, en las plantaciones de algodón del sur de Estados Unidos. Los esclavos traídos de África cantaban los llamados hollers, worksongs o
"canciones de trabajo" que más tarde se convertiría en todo un género musical, el Blues. Estas "canciones de trabajo" cumplían varios objetivos, como transmitirse
mensajes secretos entre ellos o intentar aplacar el dolor y el sufrimiento que suponía trabajar en las plantaciones de algodón o en la construcción de carreteras y
ferrocarriles.
Es una composición de doce compases de estructura sencilla con ritmos sincopados, de temática diversa.
El Blues ha nutrido al nacimiento y al desarrollo de numerosos estilos musicales de hoy en día: desde el Jazz y el Gospel, pasando por el Rock and Roll, hasta el Soul y
el Rhythm & Blues.
Definición:
Melódicamente, el blues está caracterizado por el uso de la tercera disminuida y el acorde dominante (llamadas nota de blues o "Blue notes") de la escala mayor. El uso
de las "blue notes" y el uso de la técnica call-and-response (donde un instrumento suena, después otro lo hace en forma de respuesta), fueron los patrones que le dieron
la distinción.
La escala de blues es muy utilizada en otros tipos de música, como la música popular, en las baladas e incluso en las orquestas.
En cuanto a letra se refiere, el blues consiste usualmente en una línea repetida dos veces y en la tercera línea, una frase para rimar, por ejemplo:
Historia:
Las primeras formas de Blues evolucionaron en el delta del Mississipi, en el sur de los EEUU, a finales del siglo XIX y comienzos del XX.
Esta música se caracterizaba por el uso de instrumentos similares como la guitarra acústica, el piano y la armónica (conocida como el harpa del blues).
Las canciones tenían una estructura y forma diferente la cual podía ser de 4, 8 o 12 compases (Twelve bar blues), siempre basados en la tónica, subdominante y
dominante de la tonalidad.
El blues prácticamente hablaba sobre los infortunios del compositor, muchas de las primeras letras eran muy realistas, lo cual contrastaba con la música de la época.
Hacia el 1908, aproximadamente, el blues comenzó a sonar en New Orleans interpretado, obviamente, por bandas blancas.
Por estas mismas fechas, W.C. Handy, tomó el blues y lo hizo respetable, pues el estudiado músico y compositor, se aferró a él, y lo popularizó de tal forma que hoy se
le conoce como uno de los "padres del blues".
Handy fue uno de los primeros en transcribir y en orquestar blues como si fuese una sinfonía, con grandes bandas y cantantes.
Hacia el 1917-20, el blues era ya una realidad en todo EEUU, ya formaba parte de la música popular norteamericana, y con el crecimiento de la industria, también hubo
crecimiento de intérpretes tales como Blind Lemon Jefferson y Blind Blake, quienes grabaron para Paramount, entre otros...
Hacia el 1940-50, el nacimiento de los instrumentos eléctricos, las ciudades como Chicago, Detroit y Kansas, eran populares por su blues, y artistas como Howlin' Wolf,
Muddy Waters, Jimmy Reed, Little Walter y John Lee Hooker se convirtieron en inmortales.
Pero para esta época, debido a la evolución del blues, el rock n'roll comenzó a nacer...
La música blues, más tarde, se convirtió en una música de orgullo, en una música sinónimo de derechos civiles, de la libertad de expresión, muchos movimientos
llevaban al blues consigo y esto consiguió que hubiese un resurgimiento, una vuelta a las raíces, y es cuando aparecen nombres como Eric Clapton, Canned Heat, Janis
Joplin, Jimi Hendrix, influenciados por el rock, pero siempre retomando sus inicios, llevaron el blues a la gente joven.
Intérpretes destacados
Robert Johnson (Uno de los primeros Bluesman con talento. La leyenda cuenta como supuestamente hizo un pacto con el Diablo, en una encrucijada a medianoche,
para tocar la guitarra como un maestro. Años más tarde, siendo joven aún, murió en extrañas circunstancias, lo que hizo que el mito del pacto con el Diablo tomara
mayor relevancia).
Howlin' Wolf
Muddy Waters
Freddie King
Albert King
T-Bone Walker
John Lee Hooker
B.B. King (Blues boy, este apodo surgió cuando estuvo trabajando en una emisora de radio en la cual él ponía música: sólo blues).
Stevie Ray Vaughan (Bluesman por excelencia. Uno de los máximos exponentes de este estilo, caracterizado por la pasión de sus temas, un excepcional dominio de la
guitarra eléctrica y la expresividad que demostraba en sus conciertos. Con su muerte, en un accidente de helicóptero, el Blues perdió a un gran guitarrista).
Roben Ford
Dr. John
Taj Mahal
Albert Collins
John Mayall
Eric Clapton (Slow Hand, este apodo surgió debido a que siempre era el que más excusas ponía para pagar las rondas en los bares).
Bueno creo que la verdadera historia es que Slow Hand viene de una frase hecha: "slow hand clap" significa aplaudir a algo que te aburre... en definitiva más o menos
quiere decir que en el movimiento de sus manos no se muestra esfuerzo. Mejor preguntad a alguien de procedencia inglesa. Otra posible procedencia de este apodo son
las lentas palmadas con las que se acompañaba a Clapton mientras cambiaba las cuerdas de su guitarra en pleno concierto, algo común ya que solía romperlas debido a
la furia de sus interpretaciones.
La escala de do
todopiano @ 22:27
concierto el bis y los ibericos Platya dÁro
todopiano @ 22:27
Bonito coche
Coche
Coches antiguos americanos
Probando sonido
Entrada recinto coches antiguas americanos platya DÁro
HOTEL
EL BIS
Llegando a Platya DÁro
musica
Sucesión de acordes
todopiano @ 22:24
musica
Imagen
Canon acordes mid.
Blas de Castro
todopiano @ 22:16
Blas de Castro, Juan
(¿Barrachina?, T., ca. 1561 - Madrid, 6-VIII-1631). Compositor, cantor y tañedor de guitarra y tiorba. Fue amigo íntimo de Lope de Vega, a quien debemos las
primeras noticias sobre su origen gracias al Elogio en la muerte de Juan Blas de Castro que publicó, con toda probabilidad, nada más morir el músico y que fue recogido
póstumamente en La Vega del Parnaso (1637). En él, Lope llama a Juan Blas, famoso aragonés y recuerda su estrecha y vieja amistad desde las verdes juventudes de
ambos en Alba de Tormes, lo que hace suponer que eran coetáneos. Basándose en el Elogio..., Francisco Asenjo Barbieri ofreció la primera biografía del músico en La
Gaceta Musical Barcelonesa (1863-1864) y, posteriormente, localizó su partida de defunción, testamento, inventario y otros documentos que le vinculaban
estrechamente a la localidad de Barrachina, en Teruel, donde poseía a su muerte una heredad y un esclavo negro que cuidaban su hermano y su sobrino, Antonio Blas y
Pascual Blas. En otra población cercana a Barrachina, Villadoz, vivía asimismo una hermana suya, Catalina Blas. Establecido, pues, el origen aragonés de Juan Blas,
Barbieri realizó una biografía mucho más completa que ha permanecido inédita hasta hace bien poco.
El documento más antiguo que se ha conservado de Juan Blas de Castro data de 1592. Se trata de un recibo que nuestro músico firma en Alba de Tormes por treinta
reales que le concede su señor el duque de Alba para cuerdas de biguela. Ello atestigua que Juan Blas, que tendría entonces treinta años cumplidos, servía como músico
de cámara a don Antonio Álvarez de Toledo, V duque de Alba, al menos desde el 1 de agosto de dicho año, fecha en que éste firma la libranza. En Alba de Tormes,
Juan Blas cantaba, tañía y ponía música a los versos de Lope de Vega, gentilhombre de cámara del duque, iniciando así una colaboración y una amistad que durarán
toda la vida. En el ambiente bucólico e ideal de Arcadia, escrita por estos años, Lope pone en manos de Brasildo (= Juan Blas) una vigueta de arco, que podía ser el
instrumento con que servía al duque en la vida real. Sin embargo, en 1605 aparecerá documentalmente tañendo la tiorba; Suárez de Figueroa le colocará expresamente
entre los músicos de guitarra en su Placa Universal... (1615); y, entre los objetos dejados a su muerte, se cuentan tres guitarras, más un mazo de cuerdas para este
instrumento; por todo lo cual es más probable que el término viguela del recibo de 1592 designe, como ya es frecuente en esta época, una verdadera guitarra, y que la
vihuela de arcode Arcadia sea una mera alegoría.
No sabemos nada de Juan Blas antes de su aparición en Alba de Tormes. Es probable que estuviera al servicio de algún noble aragonés como músico de cámara y que
fuera reclutado por don Diego de Toledo, hermanastro del duque de Alba y amante de las artes, durante su estancia en Zaragoza a finales de 1591 y principios de 1592,
de donde partió para trasladarse a la corte ducal de Alba de Tormes; pero es solamente una hipótesis.
Cuando Lope de Vega regresa a la corte, debió de arrastrar consigo a su amigo el músico, pues en La bella malmaridada de aquél, fechada en Madrid el 17 de diciembre
de 1596, aparece Juan Blas cantando composiciones suyas junto a otros músicos, al servicio todos del príncipe, el futuro Felipe III:
« .........................
los músicos de Su Alteza,
.........................
cantan y dan dulce guerra,
llevando el cielo en compás,
a los tonos de Juan Blas,
que es un ángel en la tierra
.........................»
En 1597 es nombrado con otros cuatro compañeros músico de cámara de Felipe II, sin plaza pero con una ración. Muerto el monarca en 1598, Felipe III les hace merced
de un vestido anual sobre la ración y, por fin, el 15 de junio de 1599, durante la estancia del séquito real en Barcelona, entran a formar parte de la casa del rey con
plenos derechos y con un sueldo anual de treinta mil maravedíes. A Juan Blas se le concede además, el mismo día, una plaza de ujier de cámara que importaba al año
cuarenta y tres mil ochocientos maravedíes, lo que parece indicar que gozaba de primacía sobre sus compañeros. Esto se hace más evidente aún por el testimonio que
tenemos sobre su participación en las fiestas de junio de 1605, cuando la corte residía en Valladolid, donde aparece: « Juan Blas, músico de la cámara de Su Magestad,
con su teoría, y los demás músicos de cámara, sus compañeros, con guitarra; cantaron a tres y a cuatro voces admirables tonos, al fin, como de Juan Blas...»
Nuestro músico actuaba, sin duda, como maestro de los músicos de cámara, y sus tonos eran celebrados en el ambiente cortesano. El favor que le dispensara Felipe III
debió de ir en aumento, ya que en 29 de agosto de 1618 le concedió dos mil ducados (equivalentes a veinticinco años de sueldo como músico de cámara) a cobrar en
años sucesivos, aunque de ellos percibió sólo una mínima parte. En 1619 acompañó al monarca y príncipes a Portugal, a raíz de lo cual debió de concedérsele la plaza
de músico de cámara de Portugal, «sobresueldo» que podemos situar en setenta y cinco mil maravedíes anuales (pagados en reales de plata) provenientes de las rentas
que el vecino reino suministraba a la Corona de Castilla y que, como se ve, superaba el importe de las plazas de músico y ujier de cámara juntas.
Con la subida al trono de Felipe IV (1621), la música vocal profana, esto es, la música de cámara propiamente dicha, experimentó un mayor auge en la corte.
Compositores como Mateo Romero, maestro de la real capilla, Gabriel Díaz, Álvaro de los Ríos, Manuel Machado y Miguel de Arizo, junto al veterano Juan Blas
de Castro, proveían de tonos a la casa real para las veladas de cámara. Una antología de estos tonos a dos, tres y cuatro voces fue el cancionero que confeccionó
Claudio de la Sablonara (1624-1625), copista de música del monarca, gracias al cual nos han llegado dieciocho de las veinte composiciones conservadas de Juan Blas.
Tras veinticinco años de residencia fija en Madrid, murió Juan Blas el 6 de agosto de 1631 en su casa de la calle del Baño (hoy Ventura de la Vega), y fue enterrado en
los agustinos recoletos. Dejó setecientos sesenta y un tonos en papeles sueltos, un librillo de tonos, un libro grande de tonos (estos dos últimos quizá no fueran debidos a
su pluma), tres guitarras y un mazo de cuerdas para este instrumento. Felipe IV ordenó dar seiscientos reales para ayuda de su entierro. A cambio, se quedó con todas las
composiciones de su músico de cámara, que irían a parar al real alcázar, donde perecerían en el incendio de 1734.
El prestigio alcanzado por Juan Blas de Castro en su época fue enorme. Lope de Vega, amigo incondicional, le menciona en sus cartas cuatro veces y en las obras
siguientes: La bella malmaridada (1596), Arcadia (1598), Los amantes sin amor (ca. 1600-1603), El caballero de Illescas (ca. 1602), El peregrino en su patria (1604), La
Jerusalén conquistada (1609), El acero de Madrid (ca. 1608-1612), Pastores de Belén (1612) La Filomena (1621. Epístolas II y VIII), La Circe (1624. «La prudente
venganza»), La Dorotea (1632) y La Vega del Parnaso (1637. «Elogio en la muerte de Juan Blas de Castro»). También le elogian los autores que siguen: Cristóbal
Suárez de Figueroa, Plaza Universal de todas ciencias y artes (1615); Antonio Hurtado de Mendoza, El examinador Miser Palomo (1617) y Fiesta que se hizo en
Aranjuez... (1623); y Tirso de Molina, Cigarrales de Toledo (1621). Aunque las composiciones de Juan Blas estaban destinadas al ámbito restringido de palacio, donde
también cantaba y tañía como los demás músicos de cámara, el público madrileño pudo admirar una parte de su producción a través del teatro. Así parecen confirmarlo
Lope de Vega en Los amantes sin amor y Tirso de Molina en Cigarrales de Toledo. El primero pone en boca de un galán en cierto momento de la comedia: «Vaya otra
cosa, / y sea tono de Juan Blas». El segundo da cuenta del estreno de El vergonzoso en palacio, y afirma: «No pongo aquí... las letras, bailes y entremeses...; baste, para
saber que fueron excelentes, el dar por autores de los tonos a Juan Blas, único en esta materia, a Álvaro, si no primero, tampoco segundo, y al licenciado Pedro
González...»
La música de Juan Blas, como toda la producción profana de finales del siglo XVI y primer tercio del siglo XVII, tiene carácter de transición. Por una parte, se halla
muy ligada a la canción polifónica y al madrigal de mediados del siglo XVI, con un concepto armónico-tonal tradicional heredado de la polifonía clásica. Por otra en
cambio, se encuentran en ella rasgos que la emparentan con el nuevo estilo barroco: predominio del estilo homofónico vertical sobre el contrapunto horizontal; una
polarización evidente en muchos casos entre la línea melódica y el bajo acompañante, convertido, de hecho, en bajo continuo en los pasajes a solo y a dúo, empleo más
libre de la disonancia; utilización de la séptima de dominante como acorde con entidad propia, y de la séptima de sensible como recurso expresivo en ciertos puntos
cadenciales. Muchas fórmulas melódico-rítmicas empleadas por Juan Blas prefiguran con toda claridad el tono humano de la segunda mitad del siglo XVII.
Fuentes: Enciclopedia Aragonesa

Instrumentos de Ghana
todopiano @ 22:13
Notas tecla piano
todopiano @ 22:10
Filatelia musical: sellos de Mozart y familia
todopiano @ 22:06
Sello de Mozart de Mónaco: 3 sellos en uno

Pentagrama. Clave de Sol y clave de Fa
todopiano @ 21:57
El pentagrama consta de 5 lineas horizontales en donde se colocan los signos musicales : notas, silencios, y demas signos musicales con los cuales se escribe la música.
B-7(b5) Triad, cuatriada , escala
todopiano @ 21:50
Mib mayor: escala y triada : partitura.
todopiano @ 21:45
SAX HA INVENTADO EL SAXOFON
todopiano @ 21:43
Hijo de un fabricante de instrumentos musicales, Antoine Joseph Sax, conocido por Adolphe Sax, nació en Dinant, Bélgica, el 6 de
noviembre de 1814. Iniciado desde muy joven en la fabricación de instrumentos y en la interpretación del clarinete, percibe las
imperfecciones de éste y se dedica a remediarlas.
Un ideal obsesionaba a Sax mientras dirigía el taller de su padre: inventar un instrumento de viento que por el carácter de su voz pueda
aproximarse a los instrumentos de cuerda, pero que tenga más fuerza e intensidad"(1)
Trabajando sobre modificaciones para lograr una mayor calidad de sonido y resolver algunos de los problemas acústicos del clarinete,
Sax construye lo que hoy se conoce como Saxofón.
"Mejor que cualquier otro instrumento, el saxofón es susceptible de modificar su sonido a fin de poder dar las cualidades que convengan
o de poder conservar una igualdad perfecta en toda su extensión. Lo he fabricado -añade el inventor- de cobre y en forma de cono
parabólico. El saxofón tiene por embocadura una boquilla de caña simple. La digitación es como la de la flauta y la del clarinete. Por otra
parte, se le pueden aplicar todas las digitaciones posibles"(2)
En los primeros años era el propio Sax quien ejecutaba el saxofón. En 1841, en la ciudad de Bruselas, tocó el saxofón bajo por primera
vez ante público.
En 1842 el joven fabricante llega a París con su saxofón embrionario, recibiendo una cálida acogida de parte de importantes
compositores. Tras constantes trabajos para perfeccionarlo, la familia de saxofones fue patentada en París, el 28 de junio de 1846.
Héctor Berlioz compuso en 1844 la primera obra conocida para saxofón: el sexteto Canto Sagrado, estrenada el 3 de febrero del mismo año en la sala Hertz, bajo la
dirección del propio Berlioz y con Adolfo Sax interpretando la parte de saxofón. El entusiasmo de Berlioz por la sonoridad del nuevo instrumento quedó expresado en
un trabajo que publicó en 1842 en el Journal des Debats y que señala: "es de tal naturaleza que que no conozco ningún instrumento actualmente en uso que pueda
comparársele, a ese respecto. Es pleno, blando, vibrante, de enorme fuerza y susceptible de endulzar" Y concluyó en estos términos: "Los compositores le deberán
mucho al señor Sax, cuando sus instrumentos alcancen un uso general. Que persevere; no le faltarán los estímulos de los amigos del arte".(3) Pero no sólo Berlioz tuvo
frases elogiosas para el saxofón. Rossini, tras oírlo en 1844 expresó: "Nunca he escuchado nada tan bello"(4) Mayerbeer, por su parte, señaló: "Es este para mí el ideal
del sonido".(5)
El saxofón comenzó a aparecer en composiciones sinfónicas y operísticas de la época, por solo mencionar algunas podemos citar: Le Dernier Roi de Juda, de Georges
Kastner (1810-1867), estrenada en 1844; Hamlet de Ambroise Thomas (1811-1896), creada en 1868; El rey de Lahore y La Virgen, de Jules Massenet (1842-1912), en
1877 y sobre todo La Arlesiana, de Georges Bizet (1838-1875), en 1872, donde alcanzó gran éxito.
El interés que despertaba el nuevo instrumento acarreó a su inventor múltiples sinsabores frente a la reacción de otros fabricantes de instrumentos e incluso de
intérpretes, que veían en la aparición del saxofón un peligro. A pesar de ello las bandas militares acogieron entusiastamente al saxofón desde 1845 y tras breves años de
exclusión provocado por cambios de régimen en Francia, resurge nuevamente en esas formaciones en 1853, al punto de que Adolfo Sax fue nombrado, en 1854,
"fabricante de instrumentos musicales de la Casa Militar del Emperador".
En 1857 se crearon cátedras especiales para integrantes de las bandas militares en el Conservatorio de París, abriéndose la clase de saxofón, encargada a Adolfo Sax.
Entre 1857 y 1870 se formaron en ella 130 saxofonistas. Se compusieron más de treinta obras como piezas de concurso del Conservatorio, escritas en su mayoría por
Jean Baptiste Singelée y Jules Demerssemann. Otros compositores que crearon piezas para saxofón en la época fueron Cressanois, Savari, Petit, Genin, Signard y Colin,
la mayoría de ellos directores de bandas. Las obras escritas para saxofón a fines del siglo XIX eran fundamentalmente fantasías y variaciones sobre temas diversos
(especialmente de óperas)
Razones financieras provocaron el cierre de la clase de saxofón creada por Sax en 1870, pese a la protesta de Thomas, en ese entonces Director del Conservatorio.
Ese hecho influyó negativamente al desarrollo del saxofón, ya que sin virtuosos un instrumento musical no puede imponerse y ello lo demuestra la escasez de obras
entre 1905 y 1930.
Un papel esencial en la creación de un repertorio para saxofón a comienzos del siglo XX corresponde a Elise Hall, nacida en Francia en 1853 y casada con un eminente
médico norteamericano.
Por razones de enfermedad, (tenía una deficiencia auditiva y fue aconsejada por los médicos a estudiar un instrumento de viento) comenzó a estudiar saxofón a los 47
años, dedicando su vida a desarrollar el Club Orquestal de Boston y a difundir el instrumento que amaba.
En tanto jefa benefactora del Club, comisionó cerca de 20 obras para saxofón, de entre las que se destacan: la Rapsodia, para orquesta y saxofón alto, de Claude
Debussy (1903-1905)), La Coral Variada, de Vincent d’Indy (1903) y la Leyenda Op. 66 de Florent Schmitt (1918), por solo citar las más afamadas entre otras de
diversos compositores, tales como Loeffler, Gilson, Caplet, etc.
Fue con notable desgano que Debussy recibió el encargo de escribir una obra para saxofón. Elise Hall era persistente. En 1904 tocó en París la Coral Variada, de D’Indy
y Debussy declaró que resultaba ridículo ver a una mujer vestida de rosado tocando un instrumento difícil de manejar.
En una carta a su amigo Pierre Louys se excusa por la demora en escribirle, por su preocupación con la composición de un trabajo que describe como una Fantasía, que
le habían pagado un año antes y que se había comido ya. Durante algunos días escribió: " Dado que esta Fantasía ha sido encargada, pagada y comida desde hace un
año, me parece que estoy retrasado... El saxofón es un instrumento de caña cuyas costumbres no conozco bien. ¿ Ama el romántico dulzor de los clarinetes?" Un año
después escribió:
"Mrs E. Hall, la Mujer-Saxofón, me reclama cortesmente su Fantasía, quisiera contentarla, pues merece una recompensa por su paciencia".
En otra carta a Messager, elogia la permanente paciencia de la Mujer-Saxofón: "La tenacidad de los americanos es provervial y la dama del saxofón ha desembarcado
hace ocho o diez días en París, calle Cardinet 58, requiriéndome noticias de su trozo. Naturalmente, le aseguré que, después de Ramsés II, eso era lo que más ocupaba
mi atención. No obstante, he tenido que dedicarme a la tarea y héme aquí buscando desesperadamente combinaciones, las más inéditas y apropiadas al intento de
destacar ese instrumento acuático..." (7) La persistencia de la Sra Hall fue finalmente recompensada con una obra que para siempre preservó su nombre en la música,
porque lleva la inigualable marca de Debussy y la altura de sus poderes evocativos. Sax murió en París en 1894. Su muerte, sumada a la de sus principales aliados
(Berlioz, Kastner,...), provocó un letargo para el saxofón.
Teclas piano
todopiano @ 21:41
Minueto en sol del album de Ana Magadalena Bach
todopiano @ 21:34
Eb- 2º grado de la tonalidad de Db Escala
todopiano @ 21:31
musica
Jingle Bells
todopiano @ 21:24
musica
Historia del piano
todopiano @ 21:21
EL PIANO
Antiguamente, pianoforte o clavicémbalo. Instrumento de cuerdas percutidas,con teclado,provisto de dispositivos mecánicos que permiten obtener los diferentes
matices, de donde procede el nombre de pianoforte, que al principio no fue más que un calificativo del clavicémbalo de martillos.Fué inventado casi simultaneamente a
principios del siglo XVIII por Bartolomeo Cristofori, en Florencia ; por Marius, en París, y por Gottlob Schróter, en Sajonia. Se coincide en considerar a Cristofori
como el primer fabricante de instrumentos que sustituyó los martinetes de clavicordio por martillos, pero golpeando las cuerdas por encima y que invento el apagadosr.
Dió a conocer su invento en 1711 bajo el nombre de gravicembalo col piano e forte. Marius que en 1716 lo presentó lo llamó clavecins à maillets. Shroeter en 1721 ,
presentó al Elector de Sajoniaun sistema particular de martillos que él aplicó a partir de 1717; el ensayo de Schroeter fue continuado y perfeccionado por Gottfried
Silbermann fabricante de órganos en Freyberg (Sajonia) , quien, a partir de 1720 , fabricó los primeros Hammerclavier ,pero no merecieron la aprobación de Juan
Sebastian Bach; él fué el primer y principal propagador de este antepasado del piano moderno en Alemania, en donde los pianos de mesa aparecieron en 1758. Zumpe ,
uno de los obreros de Silbermann, llevó a Inglaterra en 1760 los procedimeintos de su maestro. Por primera vez se oyó el pianoforte en Londres en 1767
Hacia 1770. el hijo menor de Bach ,Johann Christian, fué el primero que tocó en público en un pianoforte. Más de medio siglo pues tardó el instrumento en desalojar el
clave de la práctica y del favor de los músicos y del público.
En 1768 Harry Walsh dió un concierto en Bublin (Iralanda) para presentar el tan admirado instrumento llamado el forte piano, y el fabricante de órganos y
clavichémbalos F. Weber , amigo de Häendel, estableció en 1770 la primera manufactura de pianos. El nuevo instrumento se hizo de uso general en Inglaterra , en
donde empezó a sustituir al clavicémbalo en la orquesta . Aún existe en la actualidad un piano de Weber, que lleva fecha de 1774. En 1765, en Londres se hizo probar al
joven Mozart un piano de dos teclados , del fabricante de intrumentos musicales Tschudi, imtento que no tuvo el menor exito. El piano penetró en Francia hacia 1760,
desde Londres, donde su fabricación era muy activa . M. de Brinqueville ha citado una mención de venta de un piano en París , ya en 1759. En 1769-70, Virvés hijo, de
nueve años de edad tocó en París en el Concert Spirituel , con un nuevo instrumentos de martillos, especie de clavicénbalo, de forma semejante a los de Inglaterra , y
que fué hecho en Alemania siguiendo los principios de señor Virvés; éste era organista en Saint Germain lÀuxerrois ; se ocupaba activamente en la fabricación de
instrumentos de música, y estuvo trabajando en tal instrumento desde 1766. En 1772, el célebre organista Balbastre presentó él mismo a los oyentes del Concert
Spirituel un nuevo fortepiano aumentado con un mecanismo de flauta.
Los anuncios de los periodicos franceses ofrecen a munudo pianos, a partir de 1772 aproximadamente. En 1776, ya había dejado de ser un objeto raro.La supremacia en
la fabricación fué conquistada bien pronto en Francia por el alsaciano Sébastien Érard, establecido en París en 1775, y que, junto con su hermano, empezó
construyendo sus pianos con dos cuerdas y cinco octavas.Construyó su primer piano en 1777, y en pocos años sus instrumentos superaron a todos los de Francia,
Inglaterra y Alemania. Hacia 1786 estaba definitivamente asegurado el uso del pianoforte y Érard dió más impulso a sus inventos; construyó pianosde mesa de tres
cuerdas. modificó el calíbre de éstas, agregó un doble pivote al mecanismo de los martillos, produjo en 1790 ,pianos de mesa de gran tamaño, y en 1796, pianos de cola
de tres cuerdas y cinco octavas. Pascal Taskin tabién fafricó algunos pianos hacia 1786-1790.
PIANO
En dicha época, en el mecanismo no figuraba ningún sistema de escape, aunque el principio de éste se cococia desde hacia mucho tiempo. Los martillos estaban
guarnecidos de cuero; el fabricante Pape, de origen alemán, pero establecido en París, fue quien revistió por primera vez los martillos de fieltro, hacia la misma época.
En un piano de Taskin conservado en el museo de Belin, cada sonido lo da una sola cuerda doblada en una de sus extremidades, en lugar de darlo dos cuerdas vecinas y
separadas; esta cuerda única está retenida en su doblez por un gancho con rosca, que regula sus tensión. Fue este un invento de Taskin que fue reproducido después ,
pero que no se extendió mucho. En 1789, Southwell, de Dublin, que habia sucedido a Weber, inventó en piano vertical, y lo amplió a seis octavas, de fa a fa,,
extendiendo su parte aguda; presentó su instrumento en Londres en 1793, y pronto se atrajo las felicitaciones de HAYDN;
Piano de la fábrica de Broadwood en el que compuso Beethoven sus últimas sonatas. Backer y Broadwood, importantes fabricantes londinenses de
instrumentos de música, rivalizaron con sus colegas de Irlanda; este último que perfeccionó el sistema de mecanismo seguido por Cristofori y SILBERMANN ( origen
del mecanismo llamado inglés), presentó a su vez un piano de seis octavas, pero de do a do. A partir de 1795 o 1976, el ilustre pianista CLEMENTI emprendió la tarea
de perfeccionar el instrumento, y por espacio de seis años se dedicó exclusivamente a la construcción de pianos; existen todavia pianos de su marca, cuya firma continuó
por espacio de mucho tiempo su explotación, y se alaba la elegancia discreta de su forma y la admirable nitidez de sus sonidos, por los que algunas muestras
supervivientes aún son todavía un motivo de orgullo. En la misma época , el excelente maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo Ignacio Pleyel, cuyo cargo fue
suprimido por la revolución, marchó a París , atraido quizá por S, Érard (1795)y, después de fundar un almacén de música, a partir de 1805-1807, púsose a fabricante
de pianos. I. Pleyel introduce en la construcción de este instrumento perfeccionamientos en parte personales y en parte tomados del inglés Broadwood. En 1810
anunció su piano con tamboril, en el que un pedal golpea una membrana provista o no de cascabeles; entonces se aseguraba que no es posible imaginar el atractivo que
esta adicción da al piano.
Pero fue Érard , en 1822, quien alcanzó el punto de perfeccionamiento de la fabricación mediante el invento de su mecanismo de doble escape, que
estuvo buscando por espacio de cuarenta años. A partir de aquel momento rivalizaron las manufacturas de Pleyel y de Érard, y las casas de eston nombres figuran aún ,
en la actualidad, entre las primeras marcas del mundo.
Imagen romántica de Beethoven componiendo su sonata Claro de Luna.

Filatelia musical: Hertor Berlioz
todopiano @ 21:20
Sello de Francia 1983- sobre autores clásicos
musica
Sonata poco a poco. Tercero y cuarto compases
todopiano @ 21:11
musicaEsta sonata la estoy estudiando poco a poco estos son el tercer y cuarto compases.
Sonata Mid.
PRUEBA PARTITURA
todopiano @ 21:08
Bajo y voicing (desafinado)
Lo toco de esta forma en el bajo, los voicings los toco en piano-
No sé como bajarme mis arreglos de canciones a midi para que suenen .

Si alguien me pudiera hechar una mano:
Correo : jlcatalanpablo@hotmail.com
Llevo solo 2 meses con esto de los blog y no tengo ni idea.
gracias.
Filatelia musical : La mandolina
todopiano @ 20:56
Mandolina (instrumento de cuerdas)
musica
La mandolina
MANDOLINA
Mandolin , MandolinaMandolina
Instrumento parecido al laúd pero de valor artístico mucho menor , usado actualmente sobre todo por los que desean tocar música sencilla sin mayor molestia. El tipo
conocido como "napolitano" tiene ocho cuerdas de alambre, afinadas en pares , sobre las mismas notas que las del violín; el tipo "milanés" tiene diez cuerdas templadas
de manera similar. Son puestas en vibración, no por los dedos sino por medio de un plectro; se toca usualmente en trémolo; la prolongación del sonido por este recurso
diferencia a la mandolina de otros instrumentos como el laúd y la guitarra, en las que las cuerdas son punteadas y los sonidos se extinguen enseguida.
Algunos de los grandes compositores han escrito en ocasiones para mandolina, generalmente como concomitante de algún incidente dramático: Händel en su oratorio
Alexander Balus(1748); Grétry en LÁmant jaloux (1778) ; Paesiello en su Barbero de Sevilla(1780); Mozart escribió tambien dos canciones separadas con
acompañamiento de mandolina; Beethoven compuso por lo menos cinco piezas para mandolina y piano.
La mandolina figuró en un tiempo en algunas orquestas; desapareció de la de Stuugart solo en 1755. Estuvieron en boga durante el siglo XVIII sonatas para mandolina y
violín, mandolina y vionlocelo, dos mandolinas y violoncelo, etc. Schönberg yntroduce una mandolina en su serenata.
José Luis (Diccionario Oxford de la música). (1964). Una`pequeña reseña de pieza
De Wikipendia
La mandolina es un instrumento musical de cuerda. El número y tipo de cuerdas de la mandolina ha sido variable según el tiempo y el lugar, pero la configuración
predominante hoy en día es la de la mandolina napolitana, con cuatro cuerdas dobles afinadas como el violín (sol-re-la-mi). A diferencia del violín, las cuerdas de la
mandolina se pulsan con una púa o plectro. La caja de resonancia puede ser cóncava o plana.
Mandolina
Historia
A finales del siglo XVI, en Italia, aparece el instrumento conocido como mandola, precursor de la mandolina. El término mandolino, nombre italiano del instrumento, se
cita por vez primera en 1634, refiriéndose, según parece, a una variante de la mandola, de menor tamaño. Durante el siglo XVII se fabricaron mandolinas en Italia; en el
Museo Stradivariano de Cremona se conservan los patrones de construcción de varias mandolinas, con anotaciones a mano del propio Antonio Stradivari, el famoso
constructor de violines.
A partir de finales del siglo XVII, muchos grandes compositores comienzan a utilizar la mandolina en sus obras: es el caso de Antonio Vivaldi (1678-1741),quien
compuso obras para mandolina y orquesta; Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), quien la utilizó en su ópera Don Giovanni, Ludwig van Beethoven(1770-1827) o
Nicolo Paganini (1782-1840).
Actualmente, la mandolina está muy extendida en la música folk británica e irlandesa, en la música country y bluegrass de Estados Unidos, y en el choro y la samba
brasileños. También se encuentra en algunos conjuntos de música tradicional portuguesa, mientras que en España ha sido desplazada por la bandurria y no es frecuente
su uso en la música tradicional. Se encuentra también en los conjuntos folclóricos de algunos países latinoamericanos, sobre todo de Chile, Bolivia, Perú, Colombiay
Venezuela. la forma de afinar la madolina es la del violín, es decir, la siguiente: Sol, Re, La y Mi, siendo Mi la más aguda y Sol la más grave. La sucesión se da por
intervalos de quinta justa entre una cuerda y otra. Por convención, se llama primera cuerda a la más aguda (mi), siguiendo en progresión ascendente hasta la cuarta
cuerda (sol). Hay que destacar que se debe afinar cada par de cuerdas al unísono, ya que la mandolina suele contar con órdenes dobles de cuerdas, a fin de hacer posible
la ejecución libre del trémolo, efecto necesario a fin de alargar un sonido o a fin de hacerlo más suave.
Variantes
Existen numerosas variantes del instrumento, pero todos ellos pueden integrarse en tres tipos principales:
• Mandolina italiana: es la utilizada en la música clásica. Actualmente en desuso.
• Mandolina folk: a diferencia de la italiana, tiene la boca redondeada para aumentar la sonoridad. Variantes de este tipo son los bandolines brasileños y las mandolinas
irlandesas.
• Mandolina bluegrass: empleada en el estilo musical conocido como bluegrass. Muy utilizada en la actualidad.
Notacion neumatica
todopiano @ 20:56
musica
Los juglares
todopiano @ 20:56
Perseguidos constantemente por la iglesia, los juglares son personajes errantes que van de aldea en aldea, de castillo en castillo,
asombrando y divirtiendo a un público (señores y vasallos) analfabeto. Herederos de los mimos y joculatores de la Roma clásica y
pagana, mitad poetas mitad saltimbaquis, mezclan en sus actuaciones la declamación y el malabarismo, la música y la sátira, la lírica y
las gestas épicas.
Ellos son los únicos trasmisores de la música popular no litúrgica, pero enseguida la enriquecen con los procedimientos más avanzados
del canto eclesial e incorporan y explotan las novedades surgidas de la práctica de tropos y secuencias.
A veces eran clérigos , personas de cierto nivel cultural, que habían abandonado la vida religiosa y vagabundeaban de un lado a otro
intentando sacar partido de su superioridad cultural. Se llamaban entonces goliardos, por el Obispo Golías, personaje legendario que,
según ellos, habría creado su oficio. Cantaban y recitaban en latin y en lengua vulgar, y en su repertorio figuraba la poesía más refinada o dramática junto con las
canciones al vino, a las mujeres, contra los eclesiásticos, y un sinfin de cosas curiosas, según podemos ver en algunos códices que contienen sus obras como los de
Ripoll o las conocidas Carmina Burana (canciones del monasterio de Beuren, en Alemania)
Aparte de sus habilidades circenses,los juglares en general se acompañaban con instrumentos musicales prohibidos por la iglesia a causa de su antigua vinculación a la
vida pagana. Había juglares de muy diferentes tipos y calidad, desde los más simples y vulgares, llamados cazurros o remedadores, hasta los más pulidos en su arte, muy
próximos o confundidos con los trovadores.
Música y sociedad.
Mas informacion
LITERATURA GOLIARDESCA
2006-08-28 20:49:00
todopiano @ 20:49
Hector Berlioz
(La Côte-Saint-André, Francia, 1803-París, 1869) Compositor francés. El Romanticismo tiene en Hector Berlioz una de sus
figuras paradigmáticas: su vida novelesca y apasionada y su ansia de independencia se reflejan en una música osada que no
admite reglas ni convenciones y que destaca, sobre todo, por la importancia concedida al timbre orquestal y a la inspiración
extramusical, literaria. No en balde, junto al húngaro Franz Liszt, Berlioz fue uno de los principales impulsores de la llamada
música programática.
Hijo de un reputado médico de Grenoble, fue precisamente su padre quien le transmitió su amor a la música. Por su consejo, el
joven Hector aprendió a tocar la flauta y la guitarra y a componer pequeñas piezas para diferentes conjuntos. Sin embargo, no
era la música la carrera a la que le destinaba su progenitor; y así, en 1821 Berlioz se trasladó a París para seguir los estudios de
medicina en la universidad. No los concluyó: fascinado por las óperas y los conciertos que podían escucharse en la capital gala,
el futuro músico abandonó pronto la carrera médica para seguir la musical, en contra de la voluntad familiar. Gluck, primero, y
Weber y Beethoven, después, se convirtieron en sus modelos musicales más admirados, mientras Shakespeare y Goethe lo eran
en el campo literario.
Admitido en el Conservatorio en 1825, fue discípulo de Jean François

Lesneur y Anton Reicha y consiguió, tras varias tentativas fracasadas, el
prestigioso Premio de Roma que anualmente concedía esa institución. Ello fue en 1830, el año que vio nacer la obra
que lo consagró como uno de los compositores más originales de su tiempo: la Sinfonía fantástica, subtitulada
Episodios de la vida de un artista. Página de inspiración autobiográfica, fruto de su pasión no correspondida por la
actriz británica Harriet Smithson, en ella se encuentran todos los rasgos del estilo de Berlioz, desde su magistral
conocimiento de la orquesta a su predilección por los extremos –que en ocasiones deriva en el uso de determinados efectismos–, la superación de la forma sinfónica
tradicional y la subordinación a una idea extramusical.
escala cromática
todopiano @ 20:45
La escala cromática
A finales del siglo XIX, y dado el hecho del uso cada vez más frecuente de los sostenidos y los bemoles, la música occidental comenzó a basarse no en la escala
diatónica, sino en la cromática: 12 notas en una octava, separadas por un semitono: do, do#, re, re #, mi, fa, fa #, sol, sol #, la, la #, si (y do).
Escala descendente: si, sib, la, lab, sol, solb, fa, mi, mib, re, reb, do (y si)
Total 12 sonidos.
Alleluias: San Gregorio: Canto Gregoriano
todopiano @ 20:39
Los alleluias son pequeñas composiciones heredadas de las aclamaciones hebreas que en la música occidental tendrán una gran importancia, sobre todo germen de la
música profana posterior.En sus comienzos , los alleluias aparecen estar en dependencia de la melopea clásica, en que la cítara o la lira hacía un breve ritornello
instrumental al final de cada versiculo.
Este ritornello pudo inducir, a las primeras comunidades , a aplicarles al final de los versiculos, o de las antifonas, unos melismas cadenciales cantados sobre la palabra
alleluia que en los tiempos antiguos recibió el nombre de jubilus. Posteriormente, la importancia de estas terminaciones fue adquiriendo entidad propia y consiguió su
total independencia. La época que va desde el siglo V hasta el VII, siglos de oscuridad y de afianzamiento, es un periodo donde la música eclesiástica sirve
incondicionalmente al texto litúrgico. Es también la época de las liturgias regionales, que en el siglo, que en el siglo VI deberán ser unificadas durante el pontificado de
San Gregorio I (540-604, papa desde 590), pero no son sin una fuerte oposición por las demás liturgias regionales, como la mozárabe en España y la ambrosiana en
Milán.
Mas la expansión de los benedictinos con Agustín en Inglaterra fue elemento de trascendental importancia, ya que de Inglaterra pasaron al territorio de los francos,
donde con Carlomagno la regla benedictina unificó la vida monacal de toda Europa, y con ella la liturgia y la reforma de San Gregorio se hicieron ley para toda la
iglesia. El primer documento ,Ordini Romani, fue encontrado en un manuscrito de la abadia de St. Gallen. En él se nos describe el ceremonial romano desde el siglo VI
al IX, donde se da relación de los papas que contribuyeron a la creación de un cantoral para todo el año. Dichos papas fueron León I, Gelasio, Simaco, Juan, Bonifacio,
Gregorio I y Martin I.
La tradición de ligar a San Gregorio con la historia de la música eclesiástica de occidente reside en la biografía que Juan Diácono escribiera sobre el pontifice 300 años
después de la muerte de aquél. Las ilustraciones antiguas , en las cuales el papa Gregorio, sentado, escribe al dictado las notas que el Espiritu Santo le dicta, son
interpretaciones de esta tradición creada por el biógrafo. Pero no creamos que por ello toda la tradición es sólo leyenda.
San gregorio recopiló y unifico los cantos existentes; creó con sus ayudantes, otros cantos; los difundió por medio de los monjes por toda Europa; unifico la liturgia y su
lengua; creó en Roma, la escuela de cantores que, prácticamente se ha prolongado hasta nuestros días, en las capillas Sixtina y Gulia, que corren con la música que se
hacen en los actos de culto.
CANTO GREGORIANO
En los orígenes del canto gregoriano, se encuentra el repertorio romano compuesto esencialmente durante los siglos V y VI por la schola cantorum.
En la segunda parte del siglo VIII, el soberano del reino franco decreta que se adopten las costumbres litúrgicas romanas que él ha podido apreciar en la ciudad eterna.
El texto manuscrito de los cantos romanos fue tomado como texto de referencia. En general, el canto romano y su arquitectura modal fueron aceptados por los músicos
galicanos, pero éstos lo vistieron con una ornamentación completamente diferente.
Este resultado híbrido de los cantos romanos y galicanos es lo que llamamos hoy canto gregoriano.
Con el tiempo, se va disminuyendo el papel y la capacidad de la memoria en la civilización europea, y este fenómeno tiene consecuencias desastrosas para el canto,
puesto que sin tradición oral, la música hay que escribirla. La decadencia es total a fines de la edad media: en esta época, los manuscritos están llenos de "una pesada y
fastidiosa sucesión de notas cuadradas". El Renacimento le da el golpe final: las melodías son "coregidas" por los musicólogos oficiales y las largas vocalizaciones
reducidas a unas cuantas notas.
En 1833, un joven sacerdote de Le Mans, Dom Prosper Guéranger, se decide a restaurar la vida monástica benedictina en el priorato de Solesmes, después de cuarenta
años de interrupción debido a la Revolución francesa. Entre sus proyectos está el abordar la restauración del canto gregoriano. Esto lo hace con entusiasmo. Empieza
por la ejecución y pide a sus monjes que respeten en su canto, sobre todo el texto: pronunciación, acentuación, y atención. Todo esto para mejorar la inteligibilidad del
canto, lo cual hace posible una verdadera oración.
VISITAR
Melopea
Melisma
Filatelia: Homenaje a Bach
todopiano @ 20:37
musica
Todo sobre la musica: Ars Nova
todopiano @ 20:35
Todo sobre la musica: Ars Nova
Voicing en todas tonalidades:Nivel 3 piano
todopiano @ 20:29
Los voicings en todas tonalidades
clase piano voicing Mid.
Armonización de una melodía nota a nota
todopiano @ 20:10
Cada nota melódica puede ser armonizada con tres acorde diatónicos, ya que ésta puede ser considerada fundamental , terrcera o quinta de un acorde.
La nota melódica do en la tonalidad de Fa mayor se puede armonizar como el primera grado de do en la triada de do, el tercero en la triada de la menor o el quinto en la
triada de fa.
DO MI-SOL-DO (DO EN LA NOTA MAS AGUDA COMO MELODIA)
LAm MI-LA-DO (DO TERCER GRADO DE LA EN LA MELODIA NOTA MAS GRAVE)

FA FA-LA-DO (DO QUINTO GRADO)
Scontrino, Antonio
todopiano @ 20:05
Compositor italiano. Fué un musico verdaderamente precoz, pues a la edad de 7 años ya tocaba el violoncelo en una
orquesta dirigida por su padre. Empezó luego los estudios sistemáticos de música en el Conservatorio de Palermo, en
donde estuvo por espacio de nueve años, tras los cuales inició un viaje de conciertos por toda Italia del Sur. Pasó luego a
Munich, donde estudió la música alemana, y seguidamente fue a Inglaterra, colaboró con la orquesta Maplesón, y por
último regresó a su país, donde primero se estableció como profesor en Milán, y luego se le nombró sucesivamente
profesor del Consevatorio de Palermo y del Real Instituto Musicale de Florencia. Como compositor son importantes sus
obras para orquesta, entre las cuales figuran la obertura de la obra de Marenco Celeste, ilustraciones musicales para la
Francesca da Rimini,, de DÁnnunzio, una Sinfonía Marinesca, una Sinfonia romántica, etc. Compusos también obras
para instrumentos de cuerda, solos o con piano, unas cincuenta canciones( entre ellas el ciclo La vie interieure) , música
religiosa, obras corales y para voces solas, y cinco óperas: Il progettista, Matelda, Sortilegio, Cortigiana y Gringoire..
Nació en Trápani (Sicilia) en 1850; murió en Florencia en 1922.
Bach y la enseñanza de la composición
todopiano @ 19:58
musicaBACH Y LA ENSEÑANZA DE LA COMPOSICION

( Joh. Ph. Kirnberger en Reflexiones sobre los diferentes métodos de la composición : "Gedanken über die verschiedenen lehrarten in
der komposition" 1782.
Johann Sebastian Bach siempre compone en un estilo totalmente puro y cada pieza suya tiene una completa unidad de carácter. Ritmo ,
melodía, armonía, es decir, todo cuanto hace a una composición hermosa, lo posee él plenamente, como lo atestiguan sus obras. Su
método es el mejor porque procede progresivamente , paso a paso, de los más fácil a lo más dificil y, como resultado, aun el paso a la
fuga no tiene más dificultad que la que hay que pasar de un paso al próximo. Por esta razón yo considero el método de Johann
Sebastian Bach como el mejor y el único. Es de lamentar que este gran hombre nunca escribiera nada teórico sobre músicay que su
enseñanza sólo haya llegado a la posteridad a través de sus discípulos. Yo he pensado en reducir a principios el método de Joh. Seb.
Bach y en exponer sus enseñanzas ante el mundo, lo mejor que me sea posible en mi Arte de la composición pura . ( Kunst des reinen
Satzes).
Prelude_And_Fugue_In_G.mid
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Los grandes pianistas de la historia
todopiano @ 19:58
musica(El nombre de Jan Ladislav Dussek (1760-1812) , pianista compositor que gozó en sus tiempos de difundida
fama, hoy ya no perdura más que por su Método (publicado en 1796), el cual ofrece aún alguna utilidad). Entre los
contemporáneos de Clementi, que desarrollaron las conquistas del Maestro , encontramos cinco nombres, que
forman un grupo que podríamos denominar técnico, por la acción desarrollada en el sentido de una rápiada
perfección del mecanismo pianístico. Estos son : Johann Baptist Cramer (1771-1858), Johann Nepomuk
Hummel /1778-1837), John Field (1782-1837), Friedrich Wilhem Michael Kalkbrenner (1784-1849) e Ignaz
Moscheles (1794-1870). Estos cinco maestros, todos pianistas compositores, han dejado una huella de indudable
importancia en la historia pianística, constituyendo la unión , por asi decirlo para definir sintéticamente su acción ,
entre el pianismo de Clementi y el de Chopin.. Aunque tales maestros hayan sido muy mediocres compositores, no
es menos cierto de loa que ha perdurado de su producción, basta para ilustrar fehacientemente la utilidad de sus
actividades pianísticas. Hummel es sin duda quien de los cinco tuvo mayor influencia sobre Chopin, como se puede
comprobar en dos conciertos juveniles del gran polaco. Cramer había permanecido más cerca de Clementi, Field,
discípulo de Clementi, ejerció tambien una cierta influencia sobre Chopin, no solamente inventando antes que éste,
la forma del Nocturno, sino sobre todo por el estilo pianístico, de suprema elegancia y de exquisita gracia.
Kalkbrenner, autor de innumerables piezas pianísticas, como la mélancolie et la gaîté, La solitude, Le brigantin ou
le voyage sur mer...
fué gran técnico, contribuyendo francamente en la actividad del grupo. Moscheles, aún hoy, deja al estudioso sumo provecho, y el primer Chopin lleva rastros evidentes
de su influencia, aunque no tan visible como la de Hummel.
Alfredo Casella (el piano).

Jelly Roll Morton
todopiano @ 19:57
En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo
nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe. Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en
la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió
por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson. Tras la
muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar
pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión.
En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago
y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco. Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos,
y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si
en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz
de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus
primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.
Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del
Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición
entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un
contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor
testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo
centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva
música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.
Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de
prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar
para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento
sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un
episodio de afección asmática.
Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y
Duke Ellington.
Cortesía de:JAZZ VINO Y LITERATURA

Partitura (José Luis)
todopiano @ 19:54
Letra en inglés
Jingle Bells
Jingle Bells, Jingle Bells
Dashing through the snow,
In a one horse open sleigh
O'er the hills we go,
Laughing all the way.
Bells on bobtail ring
Making spirits bright.
What fun it is to ride and sing
A sleighing song tonight.
Chorus:
Jingle bells, jingle bells,
Jingle all the way!
Oh what fun it is to ride
In a one horse open sleigh
Jingle Bells.mid
TRIADAS
ARMADURAS
CLAVES
INTERVALOS
NOTAS MUSICALES
PENTAGRAMA
Recordar: teoría musical

Pinchar en las partituras para ver mejor.
José Luis
TRIADAS :CLASES
todopiano @ 19:53
triadas
Ejercicio de dedos. Repetición de notas
todopiano @ 19:51
Ejercicio para los dedos.
No subir los brazos. solo los dedos.
Repetirlo muchas veces y cogereis agilidad en los dedos, sobre todo hacer más los de la mano izquierda.
La canción en el mundo medieval. Ars Nova. Historia de la música
todopiano @ 19:43
La canción polifónica profana del siglo XIV , o cantinela, se elabora a partir de las formas con estribillo: (RONDO, VIRELAI, BALADA) y de las estructuras del
conductus y del motete.La mayoria de las veces está escrita para tres voces: una voz superior animada, escrita en primer lugar, que lleva el texto y está determinada por
la forma de este último; dos voces inferiores instrumentales, el tenor - indisociable del superius, al que sirve de apoyo melódico- , escrito en segundo lugar, y el
contratenor, completamente armónico y poco melódico.
RONDO
VIRELAI
BALADA
CONDUCTUS
MOTETE
TENOR
LA CHACE
CONTRATENOR
F. historía de la música: (Espasa).
Dia europeo de la Música 21 de junio 2006
todopiano @ 19:29
musica
José Luis
Conmemoración del día de la música(Europa).

El nacimiento del jazz
todopiano @ 19:23
El nacimiento del Jazz

El nacimiento del jazz, por mucho que verdaderos talentos de la investigación se hayan empeñado en datarlo, se
pierde en esa confluencia de formas y estilos musicales de la cultura afroamericana que se produce a finales de
siglo XIX. El Gospel. el Blues, los MINSTRELS, PAYASOS NEGROS< EL RAGTIMEmás tardío e
invención de Scott Joplin, crearon el transfondo sobre el queJELLY ROLL MORTON se permitiría
autoproclamarse "inventor del jazz".
EL JAZZ
Intervalo 8ª : seis tonos
todopiano @ 19:12
INTERVALO 8ª _ INTERVALOS SIMPLES-INTERVALOS COMPUESTOS
Cuando la distancia entre dos notas que forman intervalo es inferior a la octava, el intervalo es simple y compuesto en caso contrario. En el caso de la octava justa, para
algunos tratados , es el último intervalo simple, para otros , el primero compuesto, sin más importancia.
Para medir un intervalo compuesto es mejor reducirlo a uno simple y añadir luego seis tonos (una octava, que tiene siete grados).
Si es de tercera mayor DO_MI(8ª) - lo pasamos a simple DO_ MI (3ª) que es una tercera mayor , le sumamos 7 que son los grados de la octava, y tenemos 7+3= 10,
luego tenemos una 10ª mayor.
Genealogía (3) Juan Sebastian Bach
todopiano @ 19:06
La rama más importante del árbol genealógico nace del segundo hijo de Hans (8), Christoph (26), abuelo de Joh. Sebastian. Se han podido reunir sólo muy escasos
datos referentes a él. Fué lacayo del duke de Weimar, cargo que implicaba el de músico en la corte ducal. Más tarde se trasladó a Erfurt donde junto con su hermano
Johann (9) fué miembro de la "compañía de los músicos ".
Finalmente lo encontramos en Arnstadtdonde vivía su hermano Heinrich (17); allí murió como músico de la corte
condal y del municipio.
Sus tres hijos que le sobrvivieron, fueron todos músicos - El mayor, Georg Christoph (27) , nacido en Erfurt, fué
chantre en varias ciudades , en último término en Schweinfurt donde murió. uno de sus hijos, Johann Valentin (28) ,
ocupó el mismo puesto (según nota de Philipp Emanuel ). Más importantes fueron sus dos hijos , Johann Lorenz (29)
y Johann Elias (30) . Joh. Lorenz fué organista en Lah,, en Franconia;
Joh. Elias estudió en Leipzig donde vivía en casa de su primo Joh Sebastian a quien ayudó
como secretario en su correspondencia y otros quehaceres. Más tarde fué, como su padre y su
hermano, chantre en la ciudad de Schweinfurt. Entre sus tres hijos se destacó el segundo,
Johann Michael (31); siguiendo la tradición de la familia fué en un principio chantre pero
luego viajó por el mundo visitando Holanda, Inglaterra y América. Finalmente se estableció
como abogado en una ciudad de Meklemburgo. Escribió varios conciertos para uno y dos claves
y orquesta, cantatas, un melodrama y tratado de bajo gene
Sostenidos y bemoles en la armadura
todopiano @ 18:51
Historia del piano (4)
todopiano @ 18:49
Como se hizo con cierto número de clavicémbalos antiguos, se fabricaron para el piano teclados de pedales o pedaleros, Schumann, en Alemania (en 1845, y Boëly, en
Francia, en el transcurso de toda su carrera escribieron tan solo unas piezas para pianocon teclado de pedales (última edición de Boëly ,op. 18, 1855). No es necesario
hacer resaltar el creciente favor del pianoforte a partir de la época de su perfeccionamiento, desde 1770 aproximadamente. Mientras Voltaire comparaba
desdeñosamente su sonido con el de un caldero (1774), y hacia resaltar, en cambio, la exquisita sonoridad de los clavicembalos, los virtuosos se habituaron poco a poco
al nuevo instrumento. Las promeras sonatas de Haydn, de Mozart y de Clementi aún estan compuestas para clavicémbalo; a partir de 1777 se ve que ordinariamente
llevan la indicación : para clavicémbalo o pianoforte; poco a poco pasa a último término el primero. Beethoven escribe únicamente para piano ( su primera sonata es de
1795). En 1822, Cherubini, director del Conservatorio de París, ya se manifestaba alarmado por el excesivo número de alumnos de piano ( 41 mujeres y 32 hombres )
que estaban presentes en el momento de su llegada; encuentra que esta abundancia es abusiva y perniciosa y se propone reducir a 15 o 20 para unos y otros el número de
admisiones. Una disposición publicada unos días después de la fecha de su carta fijaba dicho número en 15 alumnos y 3 oyentes para cada sexo ( 31 mayo 1822).
La música de piano se escribe sobre dos pentagramas
, por lo común uno para cada mano, y que se reparten a la vez la extensión del teclado y el cometido de cada mano. Suele escribirse con clave de sol en segunda linea la
parte destinada a la mano derecha, y con clave de fa en cuarta linea, la parte correspondiente a la mano izquierda. Boëly, en la primera edición de sus Caprices (1812) ,
usaba todavía la clave de do en cuarta linea para ciertos pasajes de la mano izquierda, que en agudo iban más allá de la extensión de la clave de fa. Pero como iba
perdiéndose entre los pianistas el uso de la clave de do, en la segunda edición de la misma obra hubo que sustituirla por las demás claves que se habian hecho corrientes.
Para reemplazar la clave de do, y en especial para hacer más clara la disposición armónica de las partes y la de una melodía central esencial, algunos pianistas
románticos empezaron hacia 1830 a escribir en ciertos casos algunos compases en tres pentagramas: Liszt, Schumann, Henselt. En nuestros días la escritura de
música de piano en tres pentagramas es cada vez más frecuente, tanto para distinguir el movimiento de las partes y hacer resaltar un tema, como para evitar las lineas
adicionales en la clave de fa, y facilitar la lectura de los pasajes que exigen un cruce de manos. Ejemplos de disposición de tres pentagramas vense en Las Goyescas
(1912), números 2 y 4; sonata dÍndy, op. 63 (1907). En la música moderna no suelen usarse tres pentagramas, ni en el jazz, solo se usan los dos pentagramas.
En cuatro pentagramas , Preludio , de Rachmaninov.
Piano de boca : término criollo con el que se designa una armónica con lengüeta de metal.
.
Piano mecánico : inventado y contruido en París por Debain, hacia 1850. Su sistema consistía en añadir a un piano vertical una segunda serie de martillos puestos en
movimiento por un sistema de palancas. Se construyeron otros pianos sobre principios análogos. El modelo llamado simplemente piano de manubrio se extendió mucho
en Italia e Inglaterra. Desde fines del siglo XIX se produjeron gran número de sistemas diferentes, que se disputaron la clientela de aficionados no músicos , de cafés; la
pianola, patentada en 1898 funciona con mecanismo de aire comprimido. Consiste en un aparato adaptado al teclado de un piano ordinario y movido por un sistema de
pedales, que acciona el desarrollo o despliegue de papeles perforados que contienen la notación de la obra que ha de ejecutarse. Cada agujero determina el movimiento
de una semitecla que golpea la tecla deseada del piano y substituye los dedos del ejecutante. Dos dispositivos combinados regulan el grado de velocidad de este
martilleo. Los fabricantes han imaginado varios perfeccionamientos para obtener matices de movimiento e intensidad. El sistema llamado metrostilo consiste en un
trazado sinuoso que en toda su longitud lleva el rollo de papel perforado, y que sirve de guía a una aguja moderadora.
VISITAR: HISTORIA DEL PIANO

Bach, Johann Sebastian
todopiano @ 18:46
Juan Sebastian Bach
CIUDADES DONDE RESIDIO BACH_______________GENEALOGIA

De Hans Bach(1) que no figura en la genealogía, se sabe solamente que vivía en Wechmar, pueblo cercano a Gotha, alrededor de 1561. Se supone que fué el tatarabuelo
de Johnn Ambrosius, el padre de Juan Sebastian Bach, su existencia resta probabilidad a la tesis según la cual la familia de los Bach es oriunda de Hungría. Esta teoría
se basa en la noticia de que Vitus (2) fué panadero de Hungria, país que tuvo que abandonar por su culto luterano. Vitus se radicó presisamente en Wechmar donde
siguió ejerciendo de panadero; su afición a la música, relatada en la genealogía , es citada por Forkel. Poco se sabe
de otro miembro de la misma rama, Kaspar(3) que entre 1620 y 1640 figura como músico municipal en gotha y Arnstadt.
Lips (4), hijo mayor de Vitus, sobrevivió a su padre solo un año; dejo tres hijos cuyos dones musicales están atestiguados por el hecho de que el entonces conde reinente
de Schwarzburg-Anrnstadt los mandó a sus espensas a Italia para que perfeccionaranen la música. De esta rama lateral , que se prolongara ahasta nuestra época,
nacieron numerosos músicos de los cuales adquirió particular renombre Johann Ludwing (5)
Chantre y director de la capilla de Meiningen , alrededor del 1708 Juan Sebastian Bach apreció mucho a este músico, cuyo hijo Samuel Anton (6) fué durante un tiempo
su alumno y posteriormente , organista en la corte de Meiningen. Otro descendiente de la misma rama , Johann Philipp (7), muerto en 1846, ocupó el mismo puesto.
El hijo menor de Vitus, Hans, (8), ein Spielmann :(músico popular) aprendió la profesión con un trompetista municipal de Gotha ; más tarde volvió a Wechmar pero fué
llamado muy a menudo a otra ciudades, Erfurt, Eisenach, Arndtadt, para reforzar la banda municipal. Murió en una epidemia en 1626, Fué el bisabuelo de Joh.
Sebastian. En sus tres hijos se afirmó definitivamente la profesión musical de la familia.
El fijo mayor Johann (9), después de un largo aprendizaje en Suhl, ciudad de la selva de Turingia, ocupó el puesto de organista en Schweinfurt sobre el Meno, t más
adelante fué nombrado director de músicos municipales en Erfurt y, simultáneamente , organista en la iglesia de los Predicadores en la misma ciudad. Tuvo 4 hijos.
El hijo mayor, Johann Christian (10) sucedió a su padre en el mismo puesto. Sus dos hijos Johann Jakob (11) y Johann Christoph (12) eran también músicos; el primero
en Eisenach, junto a Johann Ambrosius, el padre de Joh. Sebastian. El segundo fué chantre en el pueblo de Gehren. Los tres hijos de Joh. Christoph fueron tambien
músicos en diferente ciudades de Turingia.
Johann Aegidius (13) , segundo hijo de Johann (9)fué músico muy hábil; tocó la viola en la banda que dirigía su padre en Erfurty luego obtuvo el puesto de organista en
la iglesia de San Miguel en la misma ciudad. De sus cinco hijos dos le sobrevivieron. El mayor Johann Bernhard (14), fué nombrado organista y compositor que actuó
en Erfurt, Magdeburgo y, finalmente , en Eisenach, donde sucedió a su primo Johann Christoph (18). Alli fué nombrado tambien músico de cámara de la corte . Joh.
Sebastian copió gran parte de sus obras y las ejecutó en Leipzig. Se han conservado de él piezas para clave y órgano , y Suites para orquesta.
Su vida
CIUDADES DONDE PASO SU VIDA.

Hay una nave en la Georgenkirche de Eisenah en la que que se alza
una pila bautismal erigida en el año 1503. en la que se celebró una ceremonia el día 23 de marzo de 1685, y hoy aún la nombra
el pastor que celebra algún Bautismo. Ese día el músico municipal Johann Ambrosius Bach bautizó a su hijo con el nombre de
Johann Sebastian. Los padrinos fueron el músico municipal Sebastian Nagel y Johann Georg Koch, que erá guardabosques
ducal en Eisenach.
Primeros años (1685-1703)
Nació en Eisenach (Turingia, Alemania) el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Scarlatti y Haendel) en el seno de una
familia que durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia. La madre de Bach murió cuando él tenía 9 años de edad.
Un año más tarde murió su padre Johann Ambrosius Bach (1645-1695), que era músico de la ciudad y le había enseñado los
rudimentos de la música. El joven Bach fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph Bach (1670-1722), 16
años mayor que él, por entonces organista de Ohrdruff. De él aprendió Bach a tocar el órgano y la composición. En 1700
comenzó a trabajar como miembro del coro de la iglesia de San Miguel, en Lüneburg.
Cantatas sacras BWV 1 AL 200

Cantata BWV 4 (1707)
Cantatas profanas BWV 201 AL 224

La disputa de Febo y Pan BWV 201 (1729)
Eolo apiciguado BWV 205 (1725)
Cantata de Caza BWV 208 (1713)
Cantata del Cafe BWV 211 (1735)
Cantata de Campesinos BWV 212 (1742)
Motetes BWV 118, 225 AL 231

Motetes BWV 118, 225-230
Misas BWV 232 AL 243

Misa en si menor BWV 232 (1724-1748)
Magnificat BWV 243
Pasiones y oratorios BWV 11, 244 AL 249

Pasión según San Mateo BWV 244 (1727)
Pasión según San Juan BWV 245 (1724)
Oratorio de Navidad BWV 248 (1734-1735)
Oratorio de Pascua BWV 249 (1735)
Corales, arias y quodlíbets BWV 250 AL 524

Quodlíbet BWV 524 (1707-1708)
Musica instrumental BWV 525-1120
Música para órgano BWV 525 AL 771, 1027a, 1090 al 1120

6 Sonatas BWV 525-530 (1727)
Preludios, toccatas y fugas BWV 542, 543, 548, 564, 565
Fugas BWV 575, 578
Pasacalle y fuga BWV 582 (1715?)
Ejercicio BWV 598
Orgelbüchlein BWV 599-644
Corales Schubler BWV 645-650 (1746)
18 Corales de Leipzig BWV 651-668
]
Música para clavecín BWV 772 AL 994
Sinfonías e invenciones BWV 772-801 (1724?)
[3] Sinfonía nº 15 BWV 801
4 Duetos BWV 802-805
Suites francesas y inglesas BWV 806-817
6 Partitas BWV 825-830 (1725-1731)
Obertura Francesa BWV 831
Clave bien temperado, libro 1 y 2, BWV 846-893 (1722, 1742)
Fantasía cromática y fuga BWV 903
Concierto italiano BWV 971
16 Conciertos BWV 972-987 (1714-1716)
Variaciones de Goldberg BWV 988 (1741)
Música para laúd BWV 995 AL 1000

Suites BWV 995-997
[4] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº1 Preludio.
[5] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº2 Fuga.
[6] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº3 Sarabande.
[7] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº4 Gigue.
[8] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº5 Double.
Música para instrumentos solistas BWV 1001 AL BWV 1013

6 sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006 (1722)
6 suites para violonchelo solo BWV 1007-1012
Música de cámara BWV 1014 al 1040

6 sonatas para violín y clavecín BWV 1014-1019 (1725)
3 sonatas para viola da gamba y clavecín BWV 1027-1029
Sonatas para flauta y clavecín BWV 1030-1035
Musica orquestal BWV 1041 AL 1071

3 Conciertos para violín BWV 1041-1043
6 Conciertos de Brandeburgo BWV 1046-1051
Conciertos para clavecín solista y cuerda BWV 1052-1065 (1735)
4 Suites BWV 1066-1069
Música canónica y especulativa BWV 1072 AL 1089

Cánones BWV 1072-1078
Ofrenda Musical BWV 1079 (1747)
El arte de la fuga BWV 1080 (1749-1750)
Citas sobre su figura

"Lo que Newton fue como cientifico,Bach lo fue como musico"(C.F Daniel Schubart,S.XVIII)
"Nuestro Bach es el mejor intérprete de órgano y clavecín que ha existido" (anónimo, s. XVIII).
"Esto [la música de Bach] es algo que hay que aprender" (Wolfgang Amadeus Mozart).
"Solamente hay uno de quien los demás podríamos sacar algo nuevo: Johann Sebastian Bach" (Robert Schumann).
"La música le debe tanto, como su religión a su fundador" (Robert Schumann).
"La chacona BWV 1004 es en mi opinión una de las más maravillosas y misteriosas obras de la historia de la música. Adaptando la técnica a un pequeño instrumento,
un hombre describe un completo mundo con los pensamientos más profundos y los sentimientos más poderosos. Si yo pudiese imaginarme a mí mismo escribiendo, o
incluso concibiendo tal obra, estoy seguro de que la excitación extrema y la tensión emocional me volverían loco" (Johannes Brahms).
"Esta semana he ido a escuchar tres veces la Pasión según san Mateo del divino Bach, y en cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una
persona que —como yo— ha olvidado completamente el cristianismo no puede evitar oírla como si se tratase de uno de los evangelios" (Friedrich Nieztsche).
"Es imposible describir la inmensa riqueza de su música, su naturaleza sublime, y su valor universal, comparándola con cualquier otra cosa en el mundo" (Richard
Wagner).
"Considero superfluo querer describir los excepcionales méritos del Signor Bach, ya que su fama es conocida, tanto en Alemania como en nuestra querida Italia. Sólo
quiero decir que sería difícil encontrar un mejor profesor. Hoy en día él podría presumir con razón de que es el mejor de toda Europa" (Giovanni Battista Martini).
"Es el amado Dios de la música, a quien todos los compositores deberían elevar una oración antes de ponerse a trabajar" (Claude Debussy).
"El principio y el fin de toda la música" (Max Reger).
"[Bach es] el exponente del más alto grado de perfección que puede lograr el hombre" (Paul Hindemith).
"Inicialmente estaba Bach..., y entonces todos los otros" (Pau Casals).
"A pesar de todo mi amor para muchos otros —y Beethoven y Mozart no son lo menos— puedo solamente estar de acuerdo con Casals: Bach los domina a todos" (Paul
Tortieler).su vida
Noticia musical de 1774.
Johann Philipp Kirnberger (arte de la composición pura)
DE LA COMPOSICION A 4 VOCES
Pero la mayor pureza de la composicion no basta para hacer perfecto un canto a cuatro voces; cada voz debe tener su propia melodía fluída e individual y, al mismo
tiempo, todas las voces deben conbinarse agradablemente.
Primero, por lo tanto cada voz debe tener su propia melodía fluída e individual. No hay que creer que se ha hecho una composición a cuatro voces porque se haya
evitado que varias voces prosigan en octavas consecutivas. No hay tal vez en toda la ciencia de la composición nada más dificil que esto; no solo dar a cada una de las
cuatro voces su propia melodía fluída, sino consevar a todo trozo un carácter uniforme, de modo que de su unión pueda nacer un todo único y perfecto. En esto el
desaparecido director de orquesta Bach, de Leipzig, sobresalía tal vez entre todos los compositores del mundo, por lo cual sus corales, asi como todas sus obras deben
ser altamente recomendadas a todos los compositores, como los mejores modelos para un estudio concienzudo. Aun compositores de experiencia se persuadirán
fácilmente de este hecho, tratando de agregar al bajo y soprano de uno de esos corales un contralto y tenor, haciendo esas voces tan cantables y justas en expresión como
las otras dos.
(Die Kunst des reinen Satzes) 1774Notcia musical de 1774
BREVE BIOGRAFIA DE BACH (LA IRE AMPLIANDO POCO A POCO)

Johann Sebastian Bach
(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian
Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera
mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a
Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.
A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su
dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su
vida.
Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado, entre ellos Heinrich Schütz, al tiempo que se
familiarizaba con las nuevas formas instrumentales francesas que podía escuchar en la corte.
A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en
varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig
(1723-1750).
Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones
locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en
la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también
pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.
En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen,
uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música
orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para
violín solo y las seis suites para violoncelo solo.
Articulo sobre Bach
BACH (Johamm Sebastian) , compositor vocal e instrumental , organista y pianista. Nacido en Eisenach, marzo 21 de 1685, muerto en Leipzig, el 28 de julio de 1750.
Jamás ningún compositor, ni aun los mejores y los más profundos entre los italianos, agotó todas las posibilidades de la armonía como lo hizo este gran artista. Bach
empleaba todo el arte armónico adecuado y cada artificio armónico inadecuado , en serio y en broma, con tal audacia y personalidad, que los más grandes armonistas, si
hubieran sido llamados para suplir un solo compás que faltara en una de sus grandes obras, no hubieran tal vez estado seguros de suplirlo exactamente tal como Bach lo
hiciera.
ejecución, con el cual combinó sabiamente la técnica ornamental de los artistas franceses de su tiempo e hizo asi necesario e importante el perfeccionamiento del piano,
en cuya tarea estuvo Silbermann tan afortunadamente de su parte.
atentos y aplicados y excelentes piezas de ejercicio pa
La farandola
todopiano @ 18:41
dola.mid
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Los siete acordes diatónicos : Do mayor
todopiano @ 18:41
José Luis
Progresión armónica
todopiano @ 18:40
El diapason
todopiano @ 18:39
Julio Jaramillo (filatelia)
todopiano @ 18:36
Julio Alfredo Jaramillo Laurido, nació el 1ro de Octubre de 1935, en un pequeño departamento en Gómez Rendon y
Villavicencio en la ciudad de Guayaquil.
El dia de su muerte, 9 de Febrero de 1978 la multitud ocupo varias cuadras a la redonda e interrumpio el trafico. y seguia
llegando la gente y muchos grupos comenzaron a cantar Fatalidad y Nuestro Juramento.
Julio Jaramillo camino por las mismas calles que nosotros, se guarecio bajo los mismos portales y canto debajo de los
mismos balcones, y aun asi tuvimos que esperar el cariño que vimos en su entierro para comprender el significado que
tuvo su vida y su trayectoria musical.
Recien nos dimos cuenta que del error que habiamos cometido cuando lo dejamos partir, de la forma que lo hicimos, a
buscar en otros paises el reconocimiento que aqui se le negaba. El artista fue velado en el Palacio Municipal de
Guayaquil. Una vez en el Salon de la ciudad se organizo un acto sencillo. El Alcalde Raul Baca no estaba, nadie recuerda
tampoco a un concejal, a ningun representante del Gobierno militar.
Julio Jaramillo
Jaramillo es una leyenda y a la hora de calificar a los valores que Ecuador ha tenido a lo largo de esta centuria, sin duda
alguna sera considerado como el cantante del siglo.
Nuestro JuramentoCancion que lo hizo famoso y su disco rompió records de venta que aun hoy, habiendo transcurrido
mas de cuarenta años, cuesta mucho alcanzar.
De pronto, Ecuador fue mas visible que nunca en el mapa. Desde Mexico hasta Bueno Aires, pasando por Lima y Caracas
sus discos estaban de moda.
Julio no se dio cuenta de lo que estaba ocurriendo hasta que llego a Montevideo y una multitud de fanaticos lo fue a
recibir para volverlo a bautizar como Mr Juramento
Su Musica y Canciones
Rondando tu esquina
Un disco mas y Niegalo todo
Odiame
Nuestro Juramento
Juramento
Carnaval de la Vida
Fatalidad
Alma Mia
Mas canciones de
Julio Jaramillo
Coleccion de Oro
Boleros Inmortales
banjo
todopiano @ 18:14
El banjo es un instrumento musical constituido por una caja metálica, chata y circular, cubierta en la parte superior por un pergamino y abierta en la inferior, con un
largo mástil. El número de cuerdas puede variar de cuatro a nueve, y se pulsan con un plectro o con los dedos.
Este instrumento da un sonido muy característico a las bandas de country en sus distintas modalidades, y la velocidad de pulsación de sus cuerdas varía de unos estilos a
otros, por ejemplo, en el bluegrass el ritmo es tan rápido que causa admiración.
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Banjo"
Vitry, Philippe de,
todopiano @ 18:08
Sacerdote e ilustre compositor francés que llegó a ser obispo de Meaux después de haber sido capellán de dos monarcas. Es célebre por haber intrOducido en Francia
el Ars Nova. Aunque se carece de suficiente documentación exacta, parece que simplificó los complicados procedimientos de notación de los compositores italianos de
su época, inaugurando de este modo un sistema de notación que llegaría a ser secutar. Se le atribuyen varias obras y tratados teóricos importantes , pero hasta ahora no
se ha podido asegurar su autenticidad de manera fehaciente . Nació en Vitruen, Champagne, en 1321 ; murió en París en 1361.
Neuma
todopiano @ 18:00
Figura de nota. Fórmula meódica ornamental añadida a los cantos litúrgicos. En el tranascurso de La Edad Media,
con el fin de conseguir que el oficio pareciese más solemne, se tenia la costumbre de añadir a las antífonas y ciertos
responsos vocalizaciones de recambio frecuentemente interminables, llamadas neumas. Estas vocalizaciones tan
pronto se intercalaban entre ciertas palabras como se adptaban a la última sílaba. No tenían en si mismas ninguna
significación. Un canon del Sínodo de Reims , en 1583, ordenó su supresión sin que se tocasen, no obstante, las
propias melodías. Estas clases de neumas se usan todavía en ciertos países.
ELVIS PRESLEY EN SELLO FILATELICO
todopiano @ 17:36
SELLO FILATELICO DE ELVIS PRESLEY
FOTOS ELBIS Y LOS IBERICOS
todopiano @ 17:26
prueba
todopiano @ 17:24
musicamusica
EL BIS Y LOS IBERICOS
todopiano @ 17:23
MI CONJUNTO
El fandango
todopiano @ 17:17
El fandango
FANDANGO MID.
Danza cantada española. A tres tiempos y en un movimiento bastante rápido. Entre los tipos de danza castizamente españoles es uno de los más antiguos, de los más
usados y más celosamente conservados. Con la rondeña, la malagueña,las murcianas, y las granadinas, forma un grupo que se confunde bajo la única denominación
de fandango, no diferenciándose entre si más que en alguna variante en la armonía del acompañamiento y en la tonalidad. Se acompaña con guitarra y castañuelas.
Entre copla y copla, la guitarra acompañante acostumbra ejecutar, a veces improvisándolos, pequeños y oportunos interludios. En Cataluña , durante la primera mitad
del siglo XIX, el fandango adquirió cierta popularidad en algunos pueblosnde la región norte de la provincia de Lérida , acompañandose los bailadores con castañuelas
de boj hechas por ellos mismos. Igual puede decirse de las provincias de Castellon de la Plana y de Alicante, donde era bailado en esta última al son de la guitarra, del
guitarro y de las imprencindibles < i>castañuelas. Según Gevaert, su ritmo tradicional es el mismo que el de la rondeña y de la malagueña, esto es
ternario, con movimiento rápido; marcado por dos tocadores de castañuelas que repiten dos veces los cuatro compases de la partitura, entre cada copla cantada. Sin
embargo otros cantores emparentan el fandango con las seguidillas y le atribuyeron otra fórmulas rítmicas: Hawkins (1776) , que lo declara una danza favorita de los
españoles, presenta un modelo de 6/8. Hacia el mismo tiempo, http://www.galeon.com/gluck/indice.htm">%20style="text-decoration:underline">GLUCKen su ballet
Don Juan (1761) y Mozart en Las bodas de Figaro (1786) emplearon modificándola más o menos , una melodía conocida en Viena bajo el título de fandango.
A. Adam incluyó en su ópera bufa Le toreador (1849) un fandango de fantasia. El Capricho español de Rimsky-Korsakov, termina con un fandango asturiano (1887).
El número tres de la encantadora suite de Enrique Granados, Goyescas, de la que nació la ópera del mismo nombre, lleva el título del fandango del candil y la
advertencia o leyenda escena cantada y danzada lentamente con mucho ritmo. el dibujo inicial el cual se basa todo el fragmento corresponde al ritmo designado por
Gevaert como propio de las seguidillas.
Cante Aunque en el principio fue cante para bailar, en la actualidad muchas de sus variantes son cantes para escuchar. Los temas suelen ser de carácter sentencioso,
algunos con importante carga político-social o de tema amoroso. Se puede cantar acompañado con instrumentos o “a palo seco”, es decir, golpeando en una mesa con el
puño cerrado para el primer tiempo y abriendo los dedos progresiva y rítmicamente para los otros dos.La pluralidad de fandangos es inmensa aunque podrían
sintetizarse en tres grupos:
a) Fandangos regionales (de Huelva, de Lucena, de Málaga...).
b) Fandangos personales o de creación propia (de El Gloria, de Pérez de Guzmán, de Vallejo, de Cepero...).
c) Por derivación nacen las malagueñas, rondeñas, granaínas y murcianas. Algunos de los primeros intérpretes fueron El Niño de Cabra, Rafael Pareja, Pérez de
Guzmán, El Gloria, etc., pero es Pepe Marchena quien aleja el fandango de los moldes clásicos regionales y lo populariza por completo. Manolo Caracol sigue otra
línea, también personalista, pero llena de sentimiento y de jondura gitana. Las coplas son de cuatro o cinco versos octosílabos, que en ocasiones se convierten en seis
por repetición de alguno de ellos.
http://www.twosteptidewater.com/photo-album/fandango.gif"> style="text-decoration:underline">BAILE
100 compositores clásicos más conocidos
todopiano @ 17:01
100 COMPOSITORES
Albinoni, TomasoAlbéniz, IsaacAllegri, GregorioAnderson, LeroyBach, Carl Philipp EmanuelBach, Johan ChristianBach, Johann SebastianBach, P.D.Q.Barber,
SamuelBartók, BélaBeethoven, Ludwig vanBerlioz, HectorBernstein, LeonardBingen, Hildegard vonBizet, GeorgesBoccherini, LuigiBorodin, AlexanderBrahms,
JohannesBritten, BenjaminBrouwer, LeoBruch, MaxBruckner, AntonChopin, FrédéricCopland, AaronCorelli, ArcangeloCouperin, FrançoisDebussy, ClaudeDelibes,
LeoDowland, JohnDvorák, AntonínElgar, EdwardFalla, Manuel deFauré, Gabriel
Franck, CésarGershwin, GeorgeGinastera, AlbertoGounod, CharlesGranados, EnriqueGrieg, EdvardHandel, George FridericHaydn, Franz JosephHindemith, PaulHolst,
Gustav vonJoplin, ScottKhachaturian, AramKreisler, FritzLasso, Orlando diLauridsen, MortenLehár, FranzLiszt, FranzMahler, GustavMendelssohn-Bartholdy,
FelixMessiaen, OlivierMonteverdi, ClaudioMozart, Wolfgang AmadeusMussorgsky, ModestOffenbach, JacquesOrff, CarlPachelbel, JohannPaganini,
NiccolòPalestrina, Giovanni Pierluigi daPergolesi, Giovanni BattistaPiazzolla, AstorPoulenc, FrancisPres, Josquin desProkofiev, Sergei
Puccini, GiacomoPurcell, HenryPärt, ArvoRachmaninov, SergeiRavel, MauriceRimsky-Korsakov, NikolaiRossini, GioachinoRutter, JohnSaint-Saëns, CamilleSatie,
EricScarlatti, DomenicoSchubert, FranzSchumann, RobertSchönberg, ArnoldScriabin, AlexanderShostakovich, DimitriSibelius, JeanSmetana, BedrichSor,
FernandoSousa, John PhilipStrauss, Johann (jr)Strauss, Johann (sr.)Strauss, RichardStravinsky, IgorTchaikovsky, PeterTelemann, Georg PhilippTárrega,
FranciscoVaughan Williams, RalphVerdi, GiuseppeVictoria, Tomás Luis deVilla-Lobos, HeitorVivaldi, AntonioWagner, RichardWeber, Carl Maria von
Nueva canción "El rock de la carcel"
todopiano @ 16:58
EL ROCK DE LA CARCEL
Ya está en nuestro repertorio.
Jailhouse Rock
Este es un temazo. El rock de la cárcel ha sido versionado en todas las épocas, por infinidad de músicos. Aquí tenéis una versión que hicieron The Blues Brothers (1980)
y que fue incluida en la película "Granujas a todo ritmo" (te partes con ella). Con esta canción montan una escena final tremenda, en la cárcel claro. Fijaos en la sección
de vientos que van haciendo un riff muy potente, lo que le da nuevos timbres a está cancion
C#m
todopiano @ 16:51
musica
Diana
todopiano @ 16:49
Toque de corneta militar que es ejecutado al amanecer en los cuarteles y campamentos con el que se anuncia el
comienzo de los actos de servicio. El que en España usan los cuerpo montados es el siguiente:
concierto
todopiano @ 16:43
El Joropo
todopiano @ 16:43
EL JOROPO
VENEZUELA
El joropo es el baile y la música que identifica a esta tierra llena de trabajo y tesón. Complejo en su ejecución, es uno de los ritmos que más desconcierta a aquellos que
han estudiado la música universal a escala académica y se considera uno de los El Joropo es actualmente un símbolo emblema de identidad nacional. Sus orígenes se
remontan a mediados de 1700 cuando el campesino venezolano prefirió utilizar el término “joropo” en vez de “fandango” para referirse a fiestas y reuniones sociales y
familiares. Fandango es un término de origen español, el cual identifica unos de los cantos y bailes más populares dentro del flamenco. El joropo parece haber tomado
del fandango el sentido de la fiesta ó baile... abandonando el galanteo amoroso propio del fandango y adopta el asido de manos y los giros del vals... Así se conserva
hasta ahorabailes a manos tomadas más vistosos y ricos en movimientos básicosEn casi toda la geografía nacional, el joropo puede observarse en sus múltiples formas
de bailarlo y tocarlo. El joropo llanero, el tuyero y el oriental conforman el desglose de este pegajoso género que impacta a grandes y a pequeños. Sus instrumentos y
ritmos varían de población en población, pero su pasión suele ser la misma.
Algunas versiones acerca del origen de la palabra Joropo relatan que proviene de "xarop", palabra árabe que significa jarabe. Se piensa además que el joropo proviene
del viejo continente, pues posee formas y maneras afines al flamenco y a otros bailes andaluces. Esta semejanza se debe a la fusión cultural que se dio en Venezuela
para la época de la colonización.
Los zapateos, las rápidas vueltas y las llamativas y complicadas figuras que los joroperos o bailadores hacen, van al compás de una música que desborda vida. Una vida
que entre llanos y montañas ha sido la cuna de un género conocido por todos, pero entendido por pocos.
La intención que los bailadores expresan durante la ejecución del baile es el dominio general del hombre sobre la mujer. Las figuras y los zapateos le corresponde
guiarlos a él, mientras que la mujer demuestra una fina habilidad para seguirlo.
Entre los instrumentos característicos del joropo se encuentran el cuatro, la bandola llanera, las maracas y el arpa llanera o central.
- DIFERENCIAS ENTRE CADA JOROPO -
- Joropo Llanero. Se baila y toca en Barinas, Portuguesa y Apure, entre otros. Es considerado como el más recio del grupo. Se caracteriza por zapateos fuertes del
hombre y escobillados muy sutiles de la mujer. Los instrumentos típicos son el cuatro, la bandola llanera o el arpa llanera y las maracas.
- Joropo Tuyero o central. Se ejecuta en los llanos centrales del país. Es mucho más pausado y sus zapateos son menos fuertes, pero en el ámbito rítmico su complejidad
aumenta, debido a que se superponen compases a distintos tiempos. El arpa tuyera, el cuatro y las maracas son quienes acompañan a los joroperos en cada fiesta.
- Joropo Oriental. Para la celebración de la Cruz de Mayo en el oriente del país, se acostumbra tocar joropos que a diferencia de los anteriores, dan mayor espacio al
movimiento de caderas. Los bailadores dibujan un círculo que va girando en contra de las agujas del reloj, haciendo figuras preestablecidas por tradición. Este joropo
entra en el grupo de manifestaciones colectivas.
Cantantes más conocido de este ritmo
Reinaldo Armas
El Carrao de Palmarito
Simón Díaz
Scarlet Linares
Reina Lucero
Cristina Maica
Eneas Perdomo
Freddy Salcedo
Luis Silva
Cholo Valderrama
Visite Venezuela
Aprendiendo para mejorar los artículos
todopiano @ 16:42
PRIMERO.swf
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Filatelia musical;Francesco Azopardi: Tema Europa
todopiano @ 16:39
Sello del tema Europa de 1985; el tema fue de música , y todos los paises europeos sacaron una serie de
sellos con referencia a la música:
Este es de Malta .
FRANCESCO AZOPARDI: Compositor (1748-1809)
CONCIERTO TARAZONA
todopiano @ 16:38
Sellos sobre Elvis: Filatelia musical
todopiano @ 16:36
ELVIS EN FILATELIA.
Muchos paises han sacado sellos de Elvis como un reclamo para llenar un poco las arcas medio vacias de dinero. Normalmente los pauses del tercer mundo
han visto un filón en la publicación de estos sellos. Hay mucha gente , como yo que somos adictos a estos sellos. Se revalorizan con bastante facilidad, pues
están muy buscados.
Editado por José Luis

Ab : triada, escala, cuatriada
todopiano @ 16:02
Prueba html
todopiano @ 16:00
lo mejor del mundo :la música
Tablas básicas
Cabereca 1 Cabereca 2 Cabereca 3

Dato 1 Dato 2 Dato 3
Dato 4 Dato 5 Dato 6
ACORDES CUATRIADAS
todopiano @ 16:00
BEETHOVEN
todopiano @ 15:54
IR A
http://bach2411111.blogcindario.com/2006/04/00127-beethoven.html
MAS SOBRE BACH- BEETHOVEN EN

____________________________
http://www.geocities.com/fcueto/Musica/LvBeethoven.htm
Beethoven
Ludwig van Beethoven (1770-1827) Se dice que la noche del 16 de diciembre de 1770 una tremenda tempestad se desencadenaba de las Siete Montañas y descargaba su
furia sobre la ciudad de Bonn, (Alemania), a las orillas del Rhin; el viento helado azotaba las puertas y ventanas de las casas, en tanto que la lluvia caía pertinaz y
torrencialmente. En esta habitación nació Beethoven el 16 de diciembre de 1770. La foto la tomé "clandestinamente" por lo que no pude alinear la cámara
correctamente. En una pequeña bohardilla nacía un niño al que su padre, llamado Johann Beethoven, llevaría a bautizar al día siguiente a la iglesia de San Remigio,
imponiéndole el nombre de Ludwig, mismo que tenía su abuelo. Su madre era Magdalena Keverich. Este niño desde pequeño mostró notables disposiciones para la
música, por lo cual su padre, tenor de la corte y muy dado a la bebida, obsesionado por el ejemplo de Mozart, quiso hacer de él un prodigio, obligándolo a estudiar
desconsideradamente, encerrándolo durante muchas horas y maltratándolo severamente cuando no cumplía con las tareas agobiadoras que le señalaba. Mi hermano y mi
padre en el jardín de la casa donde nació Beethoven. En 1778 lo presentó en Colonia en un concierto de piano, y en 1781 lo llevó a una gira a Holanda, que fue un
fracaso. Beethoven recibió lecciones, además de su padre, de Pfeiffer, van der Eeden, Rovantino, los PP. Koch y Zeese; Neefe le hizo estudiar el "Clavecín bien
temperado" de J. S. Bach, que en esa época (1781) sólo existía en copias manuscritas, las sonatas de Carlos Felipe Emmanuel Bach, y las de Muzio Clementi. En el
invierno de 1786 visitó Viena, conoció a Wolfgang Amadeus Mozart de quien recibió algunas lecciones, y el cual dijo así a alguno de sus amigos: "Escuchen a este
joven; no lo pierdan de vista que alguna vez hará ruido en el mundo". La enfermedad de su madre lo obligó a volver a Bonn, donde ella murió en 1787. Así escribía al
Dr. Schade el 15 de septiembre de ese año: "Era tan buena conmigo, tan digna de ser amada, mi mejor amiga". Obligado a hacerse cargo de sus hermanos se vio en la
necesidad de pedir el retiro de su padre y a que se le entregara la pensión correspondiente para que no fuese disipada. Las penas y sufrimientos que pasó fueron
considerables, sin embargo, encontró un generoso consuelo en la familia Breuning, sintiendo un afecto especial por "Lorchen", (la gentil Eleonora, a quien dio clases de
música, recibiendo en cambio conocimientos de literatura), que se casaría más tarde con el Dr. Wegeler, y con los cuales mantuvo durante toda su vida una estrecha
amistad. Asimismo halló un decidido protector en el conde Waldstein, hombre de gran cultura y pianista distinguido, que había ido a residir a Bonn por razones
políticas; este personaje después de haber oído a Beethoven, lo proclamó como el heredero legítimo de Mozart y Haydn, y lo ayudó eficazmente para que pudiera
radicarse en Viena, recomendándolo ampliamente para que pudiese abrirse camino. Madre de Beethoven Abuelo de Beethoven En 1792 dejó Bonn, ciudad que nunca
olvidaría, el lugar de "nuestro padre el Rhin; mi patria, la hermosa región en donde yo vi la luz primera, siempre tan bella, tan clara delante de mis ojos, como cuando yo
la dejé"; (Carta a Wegeler, 29 de junio de 1801), "con sus chopos envueltos por la bruma, su maleza, sus sauces, sus árboles frutales"... y sus "Siete Montañas azuladas
que dibujan sobre el cielo sus perfiles atormentados, coronados por las esbeltas y bizarras siluetas de los viejos castillos en ruinas". (Romain, Rolland, Beethoven).
Llegó a Viena en el mes de noviembre, con gran número de obras, (la primera escrita a los diez años), que publicó más tarde, después de haberlas revisado, o que
refundió en otras que compuso en esa ciudad. Las recomendaciones que traía le abrieron los salones aristocráticos. Recibió clases de Haydn, Schenck, Salieri
(composición vocal), Schuppanzigh (violín), Alberchtsberger y Aloys Föster (escritura de cuartetos y quintetos). Su primer concierto como pianista lo dio el 30 de
marzo de 1795; pero no fue sino hasta el 2 de abril de 1800, cuando se presentó ante el gran público presentando su Gran Concierto para pianoforte, su Septuor y su
Primera Sinfonía. Alcanzó un éxito considerable. Sin embargo, ya Beethoven había experimentado los síntomas de su penosa enfermedad, la sordera, desde 1796. A
todos los sufrimientos que había sentido, añadía la tortura física y psicológica de ir perdiendo el sentido más necesario para su profesión. El mismo año escribió en su
Diario Intimo: "¡Valor! A pesar de todas las flaquezas del cuerpo, mi genio triunfará... ¡Veinticinco años! Los tengo ya, y es necesario que en este año el hombre se
revele todo entero". Ya en esta época los rasgos de su carácter están bien definidos: existe en su alma una bondad sin límites; amor a la verdad y a la humanidad;
conciencia de su valor; una tenacidad de férrea que no desmaya ante ningún obstáculo. Por otra parte su sensibilidad se manifiesta en exaltados impulsos de fuerza, de
alegría, de tristeza y de profunda melancolía, que arrancan del corazón y que hacen vibrar, con la potencia de su sinceridad, las cuerdas de sus semejantes. "Beethoven",
ha escrito Aldoux Huxley, "enseñó a la música a palpitar con su pasión intelectual y espiritual". Y pudiera afirmarse que ya las obras escritas en aquellos días contienen
el germen de la nueva aurora de la música: aparece el romanticismo más puro, y no el que "ha seguido palpitando desde entonces con la pasión de los hombres
inferiores". Entre 1796 y 1800 compone mas de 90 obras, entre las que están la 1a sinfonía (además de la llamada "cero" o "Jena" de dudosa autenticidad), 3 conciertos
para piano, seis cuartetos, el Septuor, variaciones, Sonatas (incluyendo la Pathetique), etc. Beethoven decía: "Vivo en medio de la música; en cuanto termino algo,
comienzo otra cosa. En la forma que ahora escribo, hago o menudo tres o cuatro cosas a la vez". El genio afloraba con fuerza, aunque "ya el dolor había llegado a su
puerta; se había apoderado de el para nunca mas dejarlo". Partitura Original de Beethoven Se señala el año de 1801, como el de la iniciación de lo que se ha llamado el
segundo periodo de la obra de Beethoven. Etapa de su vida en que alternaba días felices, con los sufrimientos mas despiadados; las esperanzas mas sonrientes con los
desengaños mas desalentadores; el optimismo y el pesimismo, todo ello dentro de la taladrante realidad de una sordera progresiva e incurable. De 1801 data su pasión
por Giulietta Guicciardi, a quien inmortalizo con la dedicatoria de su Sonata "Quasi una fantasia", que será más tarde sobrellamada "Claro de Luna". Pero de este ultimo
año, (6 de octubre) fue su "Testamento de Heiligenstadt", en el que declara: "La experiencia de estas cosas me puso pronto al borde de la desesperación y poco faltó
para que yo mismo hubiese puesto fin a mi vida. Sólo el arte me ha detenido. ¡Ah! Me parecía imposible abandonar este mundo antes de haber realizado todo lo que me
siento obligado a realizar. ¡Oh Dios, Tú miras desde lo alto en el fondo de mi corazón, y lo conoces, sabes que en él moran el amor a los demás y el deseo de hacerles el
bien! Vosotros, hombres, si leéis un día esto, pensad que habéis sido injustos conmigo... hizo cuanto estaba a su alcance para ser admitido en el rango de los artistas y de
los hombres de elección". "Al día siguiente de la violenta crisis de Heiligenstadt", escribe Edouard Herriot, "la 2a Sinfonía", ejecutada por primera vez el 5 de abril de
1803, "no traduce ninguna debilidad... las proporciones mismas de la obra, atestiguan el vigor de ese genio indomable que rehúsa sacrificar a las exigencias de la moda
la abundancia y la originalidad de sus ideas". Este llamado segundo periodo, al que se le señala como límite el año de 1814, comprende la producción de cerca de 150
obras: incluye hasta la octava Sinfonía; en las sonatas para piano hasta la opus. 90; en los cuartetos hasta el XI opus 95; el concierto para violín, el 5o concierto para
piano, la ópera "Fidelio", lieder, romanzas, tríos, etc. La 3a sinfonía estaba dedicada a Napoleón Bonaparte. Una anécdota, relatada por Fernando Ries, discípulo de
Beethoven, dice así: "La sinfonía estaba sobre la mesa. La primera página contenía dos nombres: arriba, 'Bonaparte'; debajo, 'Beethoven'. Ni una palabra más. Ignoro si
la laguna debía llenarse. Fui el primero que anunció al maestro la nueva de que Bonaparte se había proclamado emperador (18 de mayo de 1804). Enfurecido
Beethoven, exclamó: "¡No es más que un hombre vulgar! ¡Sólo satisfará su ambición y como tantos otros hollará los derechos del hombre para ser un tirano!" Se dirigió
hacia la mesa, arrancó la primera página del manuscrito y la arrojó al suelo. Después escribió un nuevo título: Sinfonía Eroica". En 1821, cuando murió Napoleón,
Beethoven dijo: "Hace diecisiete años que compuse su oración fúnebre". Esta 3a sinfonía fue tocada por primera vez el 7 de abril de 1805. En ese mismo año estrenó su
ópera Fidelio. En 1806 compuso la 4a sinfonía, que algunos críticos han creído que fue inspirada en el amor de Teresa de Bruswick, aun cuando otros musicógrafos han
investigado minuciosamente el supuesto amor de Beethoven, y lo han rechazado categóricamente calificándolo como un infundio, basado en un relato de dudosa
autenticidad publicado en 1890 y narrado por Mariam Tengert, que se decía confidente de Teresa. De 1806 son los tres Cuartetos opus 59, el Concierto para Violín y la
sonata "Appasionata". (Para un estudio de las sonatas de Beethoven, ver artículo por Manuel Alejandro) En 1807 compone la 5a Sinfonía, cuya primera ejecución tuvo
lugar el 22 de diciembre de 1808, y que es, seguramente la más tocada en la actualidad. Aunque no es absolutamente seguro, dícese que Beethoven expreso del primer
tema de esta obra: "Así llama el destino a nuestra puerta". Berlioz escribió de ella: "es la primera en la cual Beethoven ha dado libre curso a su vasta imaginación... es su
pensamiento íntimo lo que va a desarrollar, sus dolores secretos, cóleras reconcentradas, melancólicos ensueños, nocturnas visiones, ímpetus de entusiasmo..." En la
misma fecha que la quinta, fue estrenada la sexta, llamada "Pastoral". Beethoven se encargó de poner los siguientes subtítulos a cada tiempo: Despertar de apacibles
sentimientos al llegar al campo. Escena junto al arroyo Alegre reunión de campesinos Tempestad Canto de pastores. Alegres y agradecidos sentimientos después de la
tempestad (Aunque él mismo aclara: "Expresión de sentimientos, mejor que pintura") Esta sinfonía da testimonio del amor que sentía hacia la naturaleza; escribió en
uno de sus cuadernos íntimos en 1815: "Dios Todopoderoso, soy feliz en la selva donde cada árbol habla por ti". La 7a Sinfonía fue iniciada hacia fines de 1811 o
principios de 1812: cuatro años que la separan de la 6a, pero en este intermedio compone obras tan importantes como el 5o concierto para piano "El Emperador", los
cuartetos X y XI, la obertura "Egmont", las sonatas op. 78 y 81, etc. Esta 7a sinfonía fue calificada "como un milagro del genio", y Wagner la llamo "la apoteosis de la
danza". La 8a sinfonía es una de las obras más juguetonas y alegres de Beethoven, pero revela una técnica magistral: desde el primero hasta el último compás corre por
esta obra una gracia flexible, gallarda y ondulante que cobra agilidad en el último tiempo; mientras que en el "Allegretto scherzando" recuerda la invención del
metrónomo, debida a Mälzel. En el lapso que hemos comentado la fama de Beethoven creció hasta su máximo. Cuando se efectuó el Congreso de Viena era el hombre
más popular. Escribía a su amigo Amenda: "En tus cartas no necesitas poner más dirección que mi nombre" (Esto sin contar con que se cambiaba constantemente de
casa). Era asistente habitual a los paseos del "Prater" y sus caminatas por lo que actualmente se llama "Sendero Beethoven" eran conocidas por todos. En 1815 fue
honrado por Viena con la "ciudadanía honoraria". De 1811 data su último ensueño amoroso: cortejó a la bella cantante Amelia Sebald, que se casó más tarde con un
consejero de Estado. En la vida amorosa de Beethoven se señalan, además de las anteriormente citadas: una "bonita y alegre rubia" por la que en su juventud sintió un
amor "Wertheriano", Teresa Malfatti, con la que pensó contraer matrimonio, como lo comprueba una carta fechada el 2 de mayo de 1810 en la que solicita al Dr.
Wegeler, documentos personales para ese fin, y el pedimento hecho a través de su amigo Gleichenstein al padre de Teresa y que recibió como contestación la siguiente
observación de un tío de la propia interesada: "Beethoven es un hombre muy torpe de entendimiento, aunque puede ser el más grande de los genios". Bettina Brentano a
quien el maestro conoció en 1810, y la cual llegó hasta el grado de hacer públicas dos cartas sin fecha de las que hasta ahora no se han encontrado los originales (no
obstante que ella aseguraba que se encontraban entre su valiosa correspondencia como reliquias sagradas). A los 43 años renunció a su anhelo hogareño, no sin apurar
antes la copa de la amargura, de la decepción y aún de la burla, aunque conservándose siempre en un plano de dignidad e idealismo. Konzerthalle en Augarten, Viena
Datos acerca de su aspecto físico lo señalan así: "Era bajo, moreno, con el rostro achatado y picado de viruelas, la boca delicada, con el labio inferior saliente y hoyuelo
profundo en el mentón; sonreía bondadosamente y había en su conversación, a menudo, un tono amable y alentador. En cambio su risa era desagradable, violenta y
gesticulante, rápida" (Moscheles). Cuando se le sorprendía sentado al piano, "Los músculos de su rostro se le saltaban, sus venas se hinchaban, los ojos salvajes se
hacían dos veces más terribles "(Klöber). "Sus ojos parecían que cambiaban de color: en ocasiones se veían grises, azules o verdes". : ¡Alegría! El más bello fulgor
divino... Todos los hombres serán hermanos... ¡Un abrazo confunda al mundo entero! ¡Hermanos, sobre la bóveda estrellada debe morar un Padre amante!" Cuando
llega a su clímax el "Adagio molto e cantabile" de la misma obra, (el tercer movimiento), el propio compositor ha de detener su vuelo para no llevarnos a la postración
más aniquiladora después del camino que nos ha hecho recorrer para llegar a esas alturas raramente alcanzadas. En 1826, Beethoven fue operado para curarlo de
hidropesía; no volvió a mejorarse. Cerca de las seis de la tarde del 26 de marzo de 1827, exhalaba su último aliento: en ese momento estallaba una violenta tempestad
sobre la ciudad de Viena. Podría decirse, sin que queramos con esto recurrir a una metáfora vulgar, que el rayo que anunció su nacimiento, extendía, a su muerte, los
truenos de su música inmortal. Más de veinte mil personas se reunieron para acompañarlo a su última morada. Grillpazer, al terminar la oración fúnebre, dijo: "Éste por
quien llevamos luto, se encuentra desde ahora en adelante, entre los grandes de todos los tiempos. Recordemos esta hora y pensemos: estábamos allí cuando le
enterraron, y, cuando él nos dejó, lloramos". powered by miarroba.com.
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GETZ , Stanley, STAN
todopiano @ 15:47
(Filadelfia, Pennsylvania, 1927- Malibú, California, 1991)
El saxofonista Stan Getz fue, a lo largo de su carrera, uno de los músicos de jazz más perseguido por la eterna manía de las etiquetas. Su gran
popularidad como uno de los creadores del cool y sobre todo, el éxito mundial de su incursión en la bossa nova , le encasillaron para siempre. Su sonido, sin embargo,
fue evolucionando con el tiempo y llegó a convertirse en auténtico ejemplo , hasta el punto que recibió el apodo de The Sound. Su primer éxito notable lo consiguió con
otros tres saxofonistas tenores (Jimmy Giuffre, Zoot Sims y Herbie Stewart), con quienes integrarían los Four Brothers, una de las formaciones cumbre del cool a
finales de los cuarenta, que participó tambien en la orquesta de Woody Herman.
Durante la década siguiente Stan Getz lideró sus propias formaciones tanto en Estados Unidos como en Europa y debió afrontar diversos problemas de salud y legales.
A pesar del notable reconocimiento del que disfrutaba y que le permitia grabar junto a los más grandes del jazz, su fama llegaría al abordar, a principios de lo sesenta, el
género de la bossa nova junto a músicos como Charlie Byrd o Joao Gilberto y la cantante Astrud Gilberto, con la cual grabaría una celebérrima versión The Girl
fron Ipanema, que daría la vuelta al mundo en pleno éxito de esa música brasileña que grandes figuras , como el compositor Antonio Carlos Jobim , difundirian con
enorme fortuna.
La bossa nova y sobre todo , la respuesta comercial obtenida, despertó el interés de numerosos músicos de jazz, pero Stan Getz se ha convertido en el paradigma de esa
fusión.
Aunque ya le sería difícil evitar las peticiones del público que seguía viéndole como adaliz del jazz samba, Stan Getz supo reconducir su carrera a nuevos terrenos en
los que , junto a músicos como Chik Corea, Gary Burton o Bill Evans , pudo dar muestras del talento y personalidad que le caracterizan.
DISCOGRAFIA
Anniversary (live at copenhagen) vol 1
Serenity (Live at Copenhage, vol. 2)
Una magnifica fiesta de cumpleaños que Getz celebró con esta excelente grabación recopilada en dos discos, para la que contó con un trio integrado por Kenny Barron,
Rufus Reid y Victor Lewis. Espléndidos.
The Peacoks
Un disco excelente y repleto de sorpresas más que agradables que incluyen desde el piano de Jimmy Rowies al contrabajo de Buster Willians pasando por una
intervención de Jon Hendricks.
Line For Lyons
Mano a mano gratificante de las dos figuras que habían aparecido como las grandes esperanzas blancas del jazz cool. Dos gatos viejos dando una buena muestra de su
sabiduria.
Live at Montmartre Vol1
Live a Montmartre Vol 2.
Otro de los conciertos justamente délebres de Stan Getz, en el famoso club de jazz Montmartre de Copenhague, en 1977.
Stan Getz & Bill Evans
Uno de los discos que no deben faltar en una discoteca de Jazz . Una joya.
The Brothers
Los Four Brothers que hicieron temblar la orquesta de Woody Herman marcaron una época de la historia del jazz. Esta recopilación de temas, grabados entre 1948 y
1952, restituye parte de las razones de su celebridad.
The Girl Fron Ipanema, The Bossa Nova Years
Un estuche de cuatro compactos para los enamorados de la bossa nova.
Fuentes: la discoteca ideal del jazz. (Joan Riambau)
Como cuentan la vida de Bach en su tiempo
todopiano @ 15:44
DE J: G: WALTHER (1732)
Las letras : B A C HBach (Johann Sebastian), hijo de Johann Ambrosius
Bach que fué músico de la corte y del municipio de Eisenach: nació en este lugar el 21 de marzo del año 1685; aprendió los primeros rudimentos en el clave de su
hermano mayor , Johann Christoph Bach, antes organista y maestro de la escuela en Ohrdruf; fué nombrado organista, por primera vez, en el año 1703 en Arnstadt, ,
en la Iglesia Nueva, y en 1707 en Mühlhausen, en la Iglesia de S, Blas; en el año 1708 pasó a Weimar donde fué nombrado müsico de cámara de su Alteza y organista
de la corte, y, en 1714, maestro de concierto; en 1717 director de orquesta de la corte de Koethen; y en 1723, después de la muerte de Kuhnau, director de música en
Leipzig; también director de orquesta de la corte de Sajonia-Weissenfels. De sus excelentes obras para clave aparecieron, grabadas de cobre: en el año 1726, una Partita
en Si bemol mayor, con el título " Clavier Uebung (trozos para ejecutar en el clave) cossistiendo en preludios,alemandas, correntes,sarabandas,gigas, minués etc.".
Esta fué seguida por la 2ª, en Do menor; la 3ª en la menor; la 4ª, en Re mayor; la 5ª en Sol mayor; y la 6ª en Mi menor, con la cual concluye, probablemente, el opus. La
familia Bach, según parece, es oriunda de Hungria, y todos los que han llevado este apellido, hasta donde se sabe, se han dedicado , preferentyemente, a la música, lo
que tal vez viene del hecho que hasta las letras B A
C H son melodicas en su orden ( en su nomenclatura castellana : Si bemol, La , Do, Si, ). ( esta observación es un descubrimiento del Sr. Bach de Leipzig
Las teclas del piano.
todopiano @ 15:43
Hay teclas negras y blancas.
Si tocas las teclas negras haces una ESCALA PENTATONICA. Esta escala ya la explicaré ,pues se usa mucho en la música moderna.
Asi suenan en el piano:
notastodas1.mid
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Si os dais cuenta hay notas que suenan igual, son notas con el mismo sonido pero diferente nota, se les llaman : notas enarmónicas.
Son 88 teclas las que tiene el piano moderno .Colores blancos y negros. 7 octavas.
do1-do2-do3-do4-do5-d6-do7
sello bach
todopiano @ 15:38
Concierto de cuarte 27 abril 2006
todopiano @ 15:34
EL JAZZ UN NUEVO Y EXCITANTE IDIOMA MUSICAL
todopiano @ 15:33
El Jazz
Andrés Saborío-Bejarano*
* Artista polifacético costarricense dedicado exclusivamente a la creación musical, pictórica y literaria. Comparte
esta actividad con la de pianista acompañante de cantantes e instrumentistas. Licentia Docendi e integrante de la
Corporación de Maestros del Colegio de Artes Plásticas, es miembro del Consejo Académico en Música, Catedrático de la U.A.C.A, profesor de piano, composición y
Ciencia Musical en el Conservatorio de Castella y director del Estudio Privado de Enseñanza ArtísticaAdemás de concedérsele Premios Nacionales y Reconocimientos
Internacionales, su nombre se incluye como compositor actual, en la sección Música de la Enciclopedia Océano: Costa Rica (2 tomos). También hay referencias suyas
en un diccionario español sobre artistas músicos costarricenses y en catálogos de foros de compositores del Caribe.
El Jazz constituye una fraternidad completamente distinta... La improvisación posee su propio mundo, necesariamente libre y amplio, puesto que sólo así, en un tiempo
imprecisamente delimitado, puede ser elaborada...
Igor Stravinsky
La palabra “JAZZ”, tiene su origen en distintas teorías y fue empleada por primera vez en Chicago en 1916. Se dice que procede de una palabra criolla que significa
“apresurarse”, mientras que otras la derivan del francés jaser (charlar). Otros creen se trata de la abreviatura de Jasbo, patronímico de un músico negro.
Sousa sostenía que se trataba de un fin de revista. Las teorías son muchas, pero sin pruebas contundentes.
Lo que sí podemos verificar es que en 1619 una nave holandesa atracó en Jamestown, Virginia, desembarcando el primer contingente de veinte esclavos negros. El
proceso esclavista duró casi dos siglos, llegando a la alarmante cifra de nueve millones de esclavos en países ricos económicamente hablando, como Holanda e
Inglaterra, más adelante casi todos los países europeos entraron al comercio de esclavos, pues les proporcionaba cuantiosas ganancias monetarias. No fue sino hasta
1865 que la Guerra Civil culminó con la abolición de la esclavitud en los Estados Unidos.
La música jazz tuvo su génesis entre los negros americanos, muchos de ellos provenientes de África, teniendo por cuna de nacimiento la gran ciudad de Nueva Orleans
en el XIX y a principios del siglo XX. Afirma el antropólogo y musicógrafo Ernest Borneman que la música sincopada cristalizó alrededor de dicha ciudad por
definidas razones sociales y económicas.
música popular
La música de los esclavos negros se caracterizaba por el predominio del ritmo y por las transiciones del canto al discurso, de la música instrumental al baile y del tono
serio al jocoso.
Entre las danzas primitivas que practicaban los negros encontramos las llamadas “juba”, “bamboula”, “vodum”, “congo” y “calinda”. Algunas de estas danzas, bailadas
por siglos en el África, constituían un desahogo a la tremenda situación sufrida por los esclavos.
La música y el baile eran muy importantes para los negros en las plantaciones americanas, llegando a asimilar con el tiempo los himnos y cánticos religiosos del blanco.
Así, mientras el lado negro del jazz brota de la música africana primitiva, la línea de ascendencia del lado blanco puede trazarse hasta los himnos wesleyanos del
resurgimiento metodista. Los elementos, tanto europeos como africanos, se fusionaron en el canto popular del negro americano, muy particularmente expresada en sus
cantos de plantación, negros espirituales, los blues, los nigger minstrels, espectáculos éstos en que los blancos se caracterizaban de negros.
cantos de plantación: “work songs” (cantos de trabajo)
Estos cantos se hacían en las plantaciones por las cuadrillas de esclavos encadenados, eran sumamente rítmicos y empleaban un redoble repetido que acentuaba la fase
regular de la tarea que realizaban en el momento.
negros espirituales
Los negros hallaron un gran consuelo en el cristianismo, estos cantos son genuinamente religiosos, estrechamente relacionados con los ritos africanos. Con frecuencia se
desarrollan en forma de conversación medio improvisada entre un director y el coro de congregantes; habilidad de improvisación y el sincopado son los elementos más
importantes del ritmo.
Posteriormente y por su calidad artística, los cánticos negros espirituales han sido interpretados por grandes cantantes solistas y coros en todas las salas de concierto del
mundo.
gospel songs
Son cantos religiosos interpretados al menos por un cuarteto, destinado a los solistas evangélicos que relatan a los fieles un pasaje de las Sagradas Escrituras. Los
principales Gospel Songs son entonados por cuatro mujeres.
boogie-woogies
Forma pianística particular del blues. Hacia principios de siglo, en los alrededores de Chicago, una forma pianística del blues de doce compases habría de ver la luz: el
boogie-woogie.
Esta manera de tocar se caracteriza por el hecho de que el pianista, en lugar de tocar los acordes para sostener la melodía, desdobla con la mano izquierda el ritmo de
cuatro tiempos en 8/8 creando bajos movimientos, contornos armónicos y cálida impresión rítmica.
Es un estilo pianístico primitivo que consiste en repetir con la mano derecha, sobre un tema de blues, figuras melódico-rítmicas muy simples, mientras la mano
izquierda enuncia un ritmo característico (corchea puntilleada – semicorchea) y perpetuo.
grandes orquestas
A principio de siglo destacaron:
Duque Ellington y su orquesta,
Louis Armstrong y su orquesta,

Ella Fitzgerald, Sy Olivier y su orquesta,
Jazz Band de Bunk Johnson,
Bob Crosby y su orquesta,
King Oliver y su orquesta,
Gillespie y su orquesta.
...
blueS: (canción nostálgica; 1910- )
Tema del folklore negro-americano. Pequeños trozos de doce compases formados por tres frases de cuatro compases cada una, las dos primeras son idénticas entre sí, la
tercera sirve como conclusión tanto melódica como dramática, lo que nos da la forma A.B.A.
Los blues constituyen los cimientos del jazz; los temas de los cantos blues procedían de los cantos de plantación y de los espirituales, mientras su forma musical, una
escala mayor diatónica con adición de terceras y séptimas menores era debida exclusivamente al desconocimiento africano de la armonía europea.
Es en el blues donde hallamos el estilo vocal negro primitivo con sus famosas inflexiones. Estas consisten en bajar un medio tono del tercer grado y del séptimo grado
de la escala, lo que crea un equívoco entre las tonalidades de mayor y menor, originando una ambigüedad sonora en cuanto que las notas naturales son conservadas a
veces.
Armónicamente el blues ortodoxo se ejecuta así: Cuatro compases sobre la tónica (con descenso de medio tono del séptimo grado durante el último compás), dos
compases sobre la subdominante, dos compases sobre la tónica, dos compases de séptima de dominante y, finalmente, se concluye con dos compases sobre la tónica.
Sobre este cuadro armónico casi inmutable, se ha constituído una cantidad de melodías diferentes e improvisado un sinnúmero de canciones.
nigger minstrels: (payasos negros)
Estos tuvieron su origen en 1820, con cantantes y músicos blancos, que representaban en el escenario escenas de cara negra. Su música estaba inspirada en las canciones
y bailes sincopados de los negros, pero contenía también elementos de música europea, especialmente de canciones escocesas y trozos populares de ópera. Más
adelante, los espectáculos cómicos ambulantes abarcaban una función que duraba toda la velada a base de canciones, chascarrillos y escenas sueltas. Los Minstrels
Shows fueron popularísimos en los EE.UU. alrededor de 1850.
ragtime: (1890-1915)
El padre de este género musical es el pianista y compositor de color Scott Joplin (1868-1917).
El ragtime, que en un principio fue música basada en ritmos sin ninguna melodía apreciable, tuvo su origen en los intentos realizados por los pianistas negros de Nueva
Orleans para copiar la destreza de las bandas de música y variar el acento del redoble fuerte al débil al interpretar las marchas.
Muchos compositores encontraron la inspiración para sus obras en las danzas de los negros, en las polcas, quadrilles, minués y valses que estaban en boga en Nueva
Orleans, Memphis y Saint-Louis, añadiendo complicaciones rítmicas negroides típicas, en contraposición con el compás de dos por dos o de cuatro cuartos.
peculiaridades del ragtime
Un ritmo vivo e incesante, una relación casi exclusiva al piano, el toque acentuado del bajo independiente que cambia continuamente el acento, la animación debida a la
permanente oposición entre los contrastes rítmicos de la parte alta y el tiempo bajo estricto o sincopado, son la clave de toda la música negra y, por tanto, del jazz.
La antigua música de ragtime se convirtió en acompañamiento de una melodía folklórica, resultando una composición en tres “copas”: En la inferior, un ritmo fijo casi
de marcha, con un incansable redoble a contratiempo; sobre ésta un acompañamiento sincopado, animado, rítmico y cambiante y, sobre ambas, una sencilla melodía
cantable.
nueva orleans
Por tener esta ciudad cosmopolita pocos prejuicios de raza, fueron muchos los negros que acudieron a Nueva Orleans luego de la abolición oficial de la esclavitud en
1865; unos se hicieron barberos y otros encontraron empleos como músicos, adquiriendo los instrumentos de viento que vendían los músicos militares blancos después
de la guerra civil. Como nadie les enseñaba a hacerlo, tuvieron que averiguar por sí mismos la manera de tocar dichos instrumentos y como resultado, descubrieron
originales formas de ejecutarlos.
las bandas
Con el tiempo fueron cada vez más numerosos los negros que encontraban empleo como músicos de baile en los centros nocturnos de Story Ville – Nueva Orleans.
La banda del cornetín negro Buddy Kid Bolden, ha sido considerada como la primera en formarse; interpretaban todos los números de ragtime, tocaban con un estilo
totalmente nuevo música sin precedentes, la expresión de su nuevo humor y sus emociones surgían en una forma libre de la improvisación colectiva, acompañada por
los más sorprendentes efectos polirrítmicos del contrapunto.
Otro de los principales precursores del jazz en Nueva Orleans fue el trompetista Manuel Pérez con su Banda Imperial; existieron también la Olympia Band, la Kid Ory’s
Creole Band y la Eagle Band.
Famosos introductores del jazz en el período de Nueva Orleans son:
– Louis Armstrong – Trompetas: Aguda y normal o corneta y voz cantante.
– Sidney Bechet – Clarinete
– Honosé Dutrey – Trombón
– Jelly Roll Morton – Piano
La característica principal del estilo de esta música fue la improvisación colectiva, simultánea, generalmente de la corneta, el clarinete y el trombón, que eran llamados
voces. La interpretación negra era siempre vocal, trataban de “cantar” con sus instrumentos, como en otro tiempo lo hicieron en las plantaciones. Con técnicas como la
entonación variada, desde el suave glissando hasta el llamado “tono sucio”, en el cual la vibración de la lengua o suave paladeo produce un sonido áspero en la música.
La corneta era llamada “directora”, ya que el corneta en la mayoría de los casos era el director de la orquesta. El trombón se utilizaba como instrumento que
acompañaba, pero la sección rítmica corriente consistía en contrabajo o saxófono con el posible aditamento de una guitarra o un banjo. El jazz improvisado de este tipo
es llamado “hot”, en contraste con el straight jazz, que se interpreta según un arreglo escrito de antemano.
dixieland
Las orquestas blancas de Nueva Orleans trataron de imitar el jazz negro. La Ragtime Band de Jack Laine, generalmente considerado como padre de la música de jazz
blanca, creó el estilo que lleva el nombre de Dixieland. Esta expresión se emplea para designar la música de jazz interpretada casi en el estilo de Nueva Orleans por
músicos blancos.
la original dixieland jazz band:
Esta orquesta tocó en el café Schiller de Chicago durante 1915 y poco después se dio a conocer en Nueva York; constaba de
trompeta, clarinete, trombón, piano y cajas; estaba dirigida por el trompeta “Nick”. En 1917 se hizo famosa al grabar en discos
música de jazz.
chicago: “H-61”.
Al cerrar el gobierno de los EE.UU., los establecimientos de diversión en

Story Ville – Nueva Orleans, el jazz quedó sin casa cuna, refugiándose
entonces en la ciudad de Chicago, en el barrio negro llamado Black Belt,
donde el jazz de color tuvo una enorme acogida, principalmente la Orquesta
de King Olivier en 1917 y el “Chicago Jazz Style” de los blancos, así resultó la primera orquesta blanca de jazz New
Orleans Rhythm Kings, de Paul Mares.
La Orquesta The Wolverines fue la que introdujo al jazz el saxofón como un nuevo instrumento.
También en las ciudades de Kansas City y Nueva York tuvo mucho auge el jazz, destacándose grandemente la Orquesta
del “Duque” Ellington, creador de un estilo nuevo y seductor llamado jungle y siendo considerado como el compositor
más famoso que haya producido el mundo del jazz.
algunos creadores importantes de jazz
En Nueva Orleans, Nick La Rocca, en Florencia, William Christopher (padre del blues), en Chicago, Benny Goodman (padre del swing), en Nueva York, Earl Powel, y
en Kansas City, Charlie Parker.
el jazz en sala de conciertos, junto a la música clásica
El jazz sinfónico fue creado por Paul Whiteman; su mayor éxito se registra en 1924, cuando lanzó la Rhapsody in Blue de Gershwin (ver artículo “Recordando al genial
George Gershwin, en el centenario de su natalicio”, del Acta Académica #22, Mayo 1998).
Composición de las bandas – jazz:
Las primeras bandas eran tríos o cuartetos (corneta, clarinete, trombón y piano). Los conjuntos instrumentales de las orquestas de Jazz – Band, se componían así:
violines, saxofones, banjo, acordeón, cornetines, trombones, piano y una serie de instrumentos de percusión como redoblante , bombo, platillo, triángulo, gongos,
campanillas, juego de timbres, pitos, bocinas de automóvil, castañuelas, xilófono, etc., todo cuanto puede utilizarse para marcar el ritmo, dentro de una gran variedad de
matices y de efectos de sonoridad.
swing
Del verbo inglés to swing, balancear. Se empleó por primera vez este término en 1955, por la banda de swing del clarinetista Benny Goodman.
El swing es bailable y se distingue de la música dulce escrita de antemano, en que el swing da lugar a la libre improvisación. Goodman fue el que llevó a su máxima
expresión este estilo de música.
Mundial exponente del “swing escrito”, por medio de magistrales sonoridades de su famosa orquesta popular bailable, fue el talentoso arreglista y trombonista
americano Glenn Miller (1904 – 1944).
la bifurcación
Cuando Ellington y el estilo swing se hallaban en el cenit, el jazz puro encontró que seguía un camino doble. Por una parte había una nueva generación de músicos que
deseaba desarrollar el estilo de jazz de la época, por otro lado, se realizó el intento de volver a las olvidadas fuentes del jazz, sobre todo a la música de Nueva Orleans.
De esto surgió el grupo “Du Walters”, que modeló su agrupación instrumental y su repertorio sobre las antiguas orquestas de Nueva Orleans, produciéndose lo que se
llamó: “El Resurgimiento de Nueva Orleans” y que recibió el apoyo, no sólo de Norteamérica, sino de todos los países interesados por el jazz.
Por otra parte, Bob Crosby, en contraste con las tendencias de otros directores blancos de orquesta, buscó su inspiración desde 1935 en el tradicional estilo Dixieland.
Al mismo tiempo han hecho su aparición varias tendencias nuevas, en parte traídas por una especie de conjunto de experiencias anteriores en el campo del jazz y en
parte influidas por relativas tendencias de Sudamérica, la música cubana y la africana nativa.
el bop:
El be-bop, el re-bop y el bop sencillo, fueron iniciados durante la segunda guerra mundial por los precursores de la antigua generación del jazz. Aquí surgió un estilo
con mayor libertad para los solistas, con armonías más osadas e imaginativas y ritmos más complicados, con el ritmo base en el bajo y variando constantemente las
figuras rítmicas en los timbales, en el tambor tenor y en el tambor bajo. Ciertos pasajes casuales en estilo más refinado son bruscamente interrumpidos por pasajes
rápidos y violentos con acentos inmotivados y sorprendentes.
Esta ruptura con la tradición, cuya semilla había sido sembrada durante el período del swing, fue proseguida por figuras nuevas como el saxofonista Charlie Parker. Al
principio el bop era muy limitado, cada número consistía generalmente en un caso de introducción con el saxofón y la trompeta al unísono (melodía conocida), una serie
de improvisaciones a solo y la conclusión con la recapitulación del coro.
En 1946, Gillespie empezó a grabar en discos con una orquesta mayor, siendo los números bastante diferentes, elaborados por adaptadores como Walter Fuller y John
Lewis.
el cool
Como reacción contra el violento estilo del bop, algunos intérpretes se volvieron hacia una forma más fría de tocar. Aún en el bop existía la tendencia de que las frases
de la melodía se arrastraran detrás de las pulsaciones del ritmo base, esta tendencia siguió en aumento al mismo tiempo que se variaba a un tono más sutil, casi libre del
vibrato.
En la interpretación más equilibrada y refinada, las armonías se esparcen lo más ampliamente posible en el estilo cool (frío) y se explotan todas las posibilidades de
propagar el acorde básico; el ritmo se construye alrededor del contrabajo en su más bajo registro, con un débil acompañamiento que se desliza desde las escobillas sobre
el tambor tenor; Stan Getz es un exponente de primera categoría de este estilo.
el progresivo
Es una derivación, prolongación y ampliación de la música bop y cool con influencia hispanoamericana, en que se desarrollan hasta lo último de los efectos del sonido.
la aportación del jazz
La música seria ha de agradecer al jazz las evoluciones rítmicas, una concepción más libre de la tonalidad, el enriquecimiento armónico y una comprensión mucho
mayor de las posibilidades de los instrumentos orquestales. Además, por primera vez en muchos años, el jazz ha hecho comprender y amar la polifonía a un gran sector
del público. Ha hecho revivir el interés por la libre inspiración, despertando así el antiguo concepto del músico, no solo en cuanto a instrumentistas capaces de
interpretar las notas que tienen delante, sino como verdaderos creadores en el arte de la improvisación.
músicos de jazz
Recocidos músicos de la “primera década” del jazz son: Thomas Turpin, Arthur Marshall y James Scott. De la “época moderna” del jazz, se encuentran Artie Mattews,
Eubie Blake, Zez Confrey y Charles Luke. Y de la “década final”, mencionaré a Joseph Lamb.
la influencia del jazz
Ya en 1908, Claude Debussy utilizó derivación del ritmo de ragtime: El cakewalk, en Golliwogg Cake Walk de su Children´s Corner y dos años más tarde en Le
Ménestrel.
Las visitas realizadas por las orquestas de jazz después de la primera guerra mundial, ocasionaron un considerable revuelo entre los músicos serios de todo el mundo.
En 1919, el director suizo Ernest Ansermet escribió emocionado sobre la “asombrosa perfección, el enorme gusto y el entusiasmo” con que tocaba la Southern
Syncopated Orchestra y apuntó referente a los solos de clarinete de Rechet: “su forma esclaviza, es brusca, áspera, con una determinación abrupta y despiadada como la
del Segundo Concierto de Brandenburgo de Bach”.
Stravinsky hace uso copioso de los ritmos del jazz.
De la influencia del jazz sobre la música moderna puede decirse que numerosos compositores reconocen su valor, acentuando principalmente la importancia de los blues
y de los modos del jazz.
Entre otros compositores serios o de “influencia clásica”, que han experimentado con el jazz, se puede citar a Louis Moreau Gottschalk, Louis Chauvin, Robert
Hampton, Erik Satie, Charles Ives,...
estructura del jazz
MELODÍA: Su base está en las escalas mayor y menor, escalas pentatónicas, escalas con terceras y séptimas añadidas.
ARMONIA: La mayoría del jazz utiliza los acordes mayores y menores corrientes en los blues y en la música primitiva de Nueva Orleans, en su mayoría sencillas
terceras y acordes de séptimas.
RITMO: El ritmo básico predominante es el 4/4 (cuatro por cuatro), pero los cuatro tiempos han sido acentuados de diversas formas, a veces con igual énfasis en todos
los tiempos, en otros casos acentuando el segundo y el cuarto tiempo.
También es corriente en este tipo de música, una cierta ritualidad africana, implícita en frases rítmicas utilizadas reiterativamente y de modo casi hipnótico.
FORMA: La forma del blues es en tres por cuatro, quizá como minué o vals, y el ragtime, con estructura de marcha, pero la mayoría de las composiciones de jazz
consisten en 16 ó 32 compases, divididos en cuatro partes.
ORQUESTACIÓN: Consta de un sector dedicado a la melodía y otro destinado al ritmo. La instrumentación es variada y explota recursos poco convencionales.
Además de instrumentos anotados anteriormente, se emplean el vibráfono y la familia entera de los saxofones.
Otros instrumentos utilizados son el órgano, el sintetizador y, además del fagot, el oboe, cuya entonación usual se modifica a semejanza de ciertos instrumentos árabes.
Por otra parte, el violín ha tenido valiosos intérpretes jazzísticos, como el italiano Joe Venuti, los franceses Stéphane Grappelli, Jean-Luc Ponty y Didier Lockwood, los
americanos Stuff Smith y, en menor medida, Don ‘Sugarcare’ Harris; la tuba, tocada por hábiles instrumentistas, como Bill Barber, Howard Johnson, Joe Daley y Bob
Stewart; el violonchelo, etc.
La música oriental ha aportado al jazz, entre algunos instrumentos chinos, el chyn y el jeng, que son salterios de 5 y 13 cuerdas.
CONTRAPUNTO: Creo que el elemento contrapuntístico es de lo más fascinante en el jazz. Cuando no hay destaque de parte solista, cada instrumento presenta su línea
melódica “chocando y produciendo consonancias y disonancias”, con respecto a las líneas melódicas de los otros instrumentos músicos. Se ocasiona así una increíble
polifonía, donde se explotan patrones tímbricos, melódicos, armónicos y rítmicos.
Registro, tesitura y ámbito
todopiano @ 15:28
REGISTRO: Se refiere al rango o extensión general de todos los sonidos desde el extremo más grave hasta el más agudo.
LA TESITURA: Se refiere a todas las notas que puede tocar un instrumento determinado. Las notas más graves de la flauta por ejemplo, se encuentran en el registro
intermedio.
EL AMBITO: es la extensión que abarcan todas las notas de una melodía, desde la más grave hasta la más aguda.
AVER
todopiano @ 15:21
sello
todopiano @ 15:21
Bruce
todopiano @ 15:21
Arcangelo Corelli
todopiano @ 15:19
Arcangelo Corelli(Fusignano, Italia, 1653-Roma, 1713) Compositor italiano. Siendo muy joven se trasladó a Bolonia, ciudad
en la cual estudió violín con destacados maestros, entre quienes despertó un gran interés debido a sus aptitudes. En 1675 pasó a
Roma, e inmediatamente ganó cierta notoriedad, lo que le valió ser recibido por la reina Cristina de Suecia y entrar al servicio
del cardenal Pietro Ottoboni.
Se dedicó a la dirección musical y a la composición, creando una obra escasa pero de gran valor e influencia en la historia de la
música. Su obra es, en cierto modo, insólita para la época, pues dedicó sus esfuerzos exclusivamente a la música instrumental,
con preferencia al violín, obviando la música dramática. Corelli fue el primer compositor que alcanzó la fama musical sin
dedicarse a la música cantada.
En 1681 publicó su primera colección de sonatas en forma de trío, destinadas a tocarse en iglesia, al igual que la tercera (1689);
la segunda (1685) y la cuarta (1694) fueron compuestas para cámara. Publicó así mismo una colección de sonatas para violín y
bajo (1700), y finalmente sus célebres concerti grossi, publicados póstumamente en 1714. Su obra alcanza la madurez del estilo
barroco italiano, con la culminación del concerto grosso y la composición de la forma sonata preclásica, que tan importante iba
a ser a lo largo del siglo XVIII.
Al mismo tiempo, su desarrollo técnico del violín convirtió sus composiciones en el fundamento de la escuela violinística
clásica, que hoy día mantiene aún su vigencia pedagógica. Corelli murió en la cumbre de la fama, y fue inhumado en el Panteón
de Roma.http://www.carolinaclassical.com/paco/victamic.mid
El organum
todopiano @ 15:09
EL ORGANUM
Se llama así la práctica de doblar una o varias veces el canto llano tradicional. Recibe varios nombres : Diatonía, discantus, contrapunctum, según que la voz añadida
se contrajese a dos o que se añadiese una voz superior. La melodía descansaba sobre lo que se llamaba vox principalis, en tanto que la voz organalis discurría una quinta
por debajo de aquélla. El ejemplo siguiente , tomado del Música Enchiriadis, del siglo X, nos muestra claramente lo que quiero decir. El canto llano está confiado al
tenor agudo como vox principalis, con su transposición a su quinta inferior, llamado intervalo justo porque a él se acomoda muy bien la voz humana, a cargo del bajo ,
llamada vox organalis. Si estas dos voces se doblan ahora en octava, la principal hacia abajo por un bajo y la organalis por una voz alta, tenemos ya el ejemplo de una
composición porlifónica a cuatro voces.
Santiago de Compostela y San Marcial, de Limoges, dentros importantes de peregrinación en Europa en la época medieval, tuvieron sus grandes escuelas de Música, así
como otras grandes abadías europeas: St. Gallesn, París, Metz, Cluny.... El Congaudent Catolici de la catedral de Santiago es la pieza a tres voces más antigua de
Europa, o por lo menos, la más antigua de las que se conocen.
La más importante colección de organa además de los indicados, es el Tropario de Winchester, del siglo XI, con 164 composiciones ( alleluias, tractus, kiries y
glorias) y cuyo estilo se difunde por todos los monasterios principales de Europa.
INICIACION AL PIANO JAZZ
todopiano @ 15:07
Este método se dirige a los pianistas y teclistas que quieran tener conocimientos en el tema y sobre como tocar.
Hay una armonía básica que yo la iré explicando en mi blog. Luego se estudian los acorde de séptima y su uso.
En mi curso de piano iré poco a poco con los acordes: primero las triadas que son acordes de tres notas, luego las cuatriadas que
son acordes de cuatro notas de ahi vienen los acorde de séptima.
Es un libro sencillo en el que se practican bastante los acorde de séptima, con varios ritmos.
Además lle va u cd que podrás tocar el piano con otros instrumentos de acompañamiento.
Lo encontraras en tiendas especializadas de música de jazz, si no lo tienen les dices que te lo pidan .
En internet pinchas partituras y te saldran tiendas que lo venden tambien.
Lo recomiendo para los que empiezan.
sediles
todopiano @ 15:06
FRANCISCO "ESE HOMBRE"
REBOLLONES (BUENA EPOCA ES SEDILES)
LA TORDILLA . QUE TIEMPOS AQUELLOS
HACE 50 AÑOS JOSELUIS Y SU ABUELO
QUE CAZA .CUANTAACAZA HABIA
Estudiando piano. Pequeño estudio en do mayor
todopiano @ 15:04
Ejercicio para estudiar poco a poco. En do mayor . No hay sostenidos ni bemoles en la armadura.
Lo haré despacio. Manos separadas. Juntaré las manos luego despacio. Iré aumentando la velocidad.
Repasaré la escala de do : do,re,mi,fa,sol,la,si,do

Repasaré triada de do : do,mi,sol (Arpegios).
Cuatriada de do : do,mi,sol,si: el si el séptimo grado de la escala. Es un acorde de mayor séptima.
Repasar teoria musical: triadas, cuatriadas.
Seguiré repasando los ejercicios anteriores.

Seguiré con la tonalidad de re mayor : dos sostenidos en la armadura fa# y do#.
Gaita
todopiano @ 14:57
Instrumento de viento con depósito de aire, perteneciente a la familia de las cornamusas. Su timbre es parecido al oboe, aunque más agrio i chillón. Consta de un tubo
de insuflacción o portaviento, por el que, a traves de una válvula que se abre de fuera adentro, se hace penetrar el aire en el depósitoen el cual están enclavados dos
caramillos provistos en su extremo inferior de lengüetas de caña; estos caramillos o pequeños oboes denomínanse grande y pequeño bordón, y en algunas provincias
españolas ronconesy suenan a la octava uno de otros; a veces a la quinta y a la tónica. Otro tubo agujereado facilita la obtención de las notas al ejecutante, mediante la
aplicación de los dedos tapando y destapando los agujeros. Para que el aire del depósito salga por los bordones el gaitero aprieta la bolsa con el codo. Los bordones o
tudeles están ajustados al depósito de aire de manera que puedan acotarse o alargarse a voluntad del ejecutantepara ser puestos a tono entre si o con otros instrumentos.
El tubo agujereado o caramillo, llamado gralla en Mallorca, lleva el canto, y los dos bordones el acompañamiento en forma de pedal continuo. El origen de la gaita se
remonta a lejana antigüedad, pues era conocida, no sólo por los romanos, sino tambien por algunos pueblos anteriores a éstos en Asia, y por los celtas y escandinavos en
el oeste y norte de Europa. En Escocia e Irlanda la gaita ha pasado a ser un instrumento nacional, y en la baja Bretaña y en algunas provincias españolas , especialmente
en Galicia y Asturias, anima típicamente con sus sones las fiestas populares. En Italia , el becco potacci, y en Francia (Bretaña) el biniou y la chavrette son variantes
de la gaita.En Cataluña se le da el nombre de cornamusa, sac de gemecs, criatura verda y coixinera, por el color del paño otela que cubre el pellejo. Grileira: variedad
de gaita gallega afinada en re. Salamanquina: instrumento de viento, popular en Salamanca, y distinto, no obstante su nombre, de la gaita. Consiste en un tubo de
madera, con una boquilla cortada en bisel y guarnecida de asta en la parte superior. Tiene tan solo tres agujeros , y, gracias a los armónicos , que se obtienen
quinteando, se pueden ejecutar en ella todas las notas de la escala diatónica.
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Historia de la música : Himnos, antífonas.
todopiano @ 14:50
Los himnos:
Los himnos compuestos en un principio como réplicas a las canciones de los herejes, contenidos en el antifonario romano, surgieron unas veces adaptando textos de
carácter sagrado a melodías profanas; otras, eran formas poéticas acomodadas al canto: el poeta Bardasano y su hijo Armonios, en tiempo de Marco Aurelio,
escribieron unas cantinelas sobre unos textos en verso, de gran aceptación en las comunidades siriacas que perduraron hasta el siglo IV. Los obispos de aquellas
regiones, queriendo combatir tales cantos , comprendieron que la mejor forma de hacerlo era componer otros que suplantaron a los profanos.
El mismo San Efrén (320-379) compuso alguno de estos himnos usando la misma música de Armonios. San Gregorio Nacianceno imitó este ejemplo.
A través del obispo Hilario de Potiers (367) de las Galias, la práctica pasó a occidente . Se trata de textos en forma estrófica, en latín acentuado, en un lenguaje
intermedio entre prosa y verso.
Ante saecula qui mánens
semperque nate
semper ut est pater
El verdadero creador de los Himnos de la iglesia de occidente fue San Ambrosio , arzobispo de Milán (340-397). Con la dulzura , apta por su sencilled para convertirse
pronto en música profana, hizo auténticas creaciones que alcanzaron extraordinaria difusión y que San Agustin en su época todavía las cita.
Los himnos conpuestos por San Ambrosio o sus ayudantes no tienen ya ningún gusto helénico, dados sus sentidos religioso y poético, pero las fórmulas por él
empleadas están en conexión con las música de la antigüedad pagana. Aunque la práctica de la iglesia las haya identificado con las fiestas de la Navidad y de la Pascua,
no estan sujetas a ningún tipo de conexión exclusivo con el texto. Todas estas melodías tuvieron una amplia difusión en occidente, aunque la liturgia romana no las
habia aceptado en pleno siglo XIII.. Expresión de esta sencillez en los himnos anbrosianos son los que todavia hoy existen en la iglesia católica: Pange lingua, de
Venancio Fortunato y el Ut queant laxis, de Pablo Diácono.
LÁS ANTIFONAS
Las antifonas son composiciones musicales pensadas para los servicios religiosos . Son cantinelas entonadas por el cantor que de esta forma da el tono al resto del coro;
se trata, pues, de una especie de diapason. Una vez entonada por el cantor la antífona, el coro, dividido en dos grupos, canta el salmo. Al final todos cantan la primitiva
antífona. El esque seria como sigue:
A) Antifona (entonada por el cantor)
B) Salmo cantado (por los dos coros)
C) Antifona (repetida esta vez por todos).
Se consigue de esta manera un esbozo de forma, que vino exigido por la falta de instrumentos musicales (como el órgano hoy) que pudieran meter en tono a los
cantores.
Con el tiempo, esta antífona, que muchas veces solo fue la palabra alleluia, adquirió importancia pos si misma y sus melismas con una vocal sirvieron para cierta
emancipación de las palabra.
Este tipo de canto antifónico comenzó a practicarse en la iglesia de Antioquia y de allí pasó a la liturgia ambrosiana de Milán. Al contrario que los himnos, este tipo de
canto fue acogido por Roma , y ya en los tiempos de Celestino I (422-432) se practicaba de manera habitual. La sede de la incipiente escuela musical romana se afincó
en San Juan y San Pablo y éste es el primer conato de la Schola papal.
La influencia del mundo helénico a través de la simbologia de los pitagóricos tuvo su decisiva importancia en los modos que el canto gregoriano aceptó y que incluso
hace referencia a ellos: dorio,hipodorio, frigio, hipofrigio, lidio, hipolidio, misolidio, hipomisolidio, , son una constante referencia a aquella cultura que tanto desentraño
la investigación musical.
AMPLIARCANTO GREGORIANO
SAN EFREN
SAN AMBROSIO
ALLELUIAS
PABLO DIACONO
Pablo el Diácono
(Paulus Diaconus; también llamado Casinensis, Levita, y Warnefridi).
Historiador, nacido en Friuli, aproximadamente en el año 720; murió el 13 de abril, probablemente del 799. Era descendiente de una familia Lombarda noble, y no es
desconocido que fue educado en la corte del Rey Rachis en Pavia, bajo la dirección de Flavianus el humanista. En el 763 lo encontramos en la corte del Duque de
Archis en Benevento, luego del colapso del reino Lombardo, como monje en el monasterio de Monte Casino, y en el 782 en la suite de Carlomagno, de quien obtuvo,
por medios de una elegía la amnistía de un hermano tomado prisionero en el 776, como consecuencia de la insurrección de Friuli. Después del 787 estuvo de nuevo en
Monte Casino, donde con toda seguridad murió. Su primera obra literaria, evidentemente escrita mientras que aún estaba en Benevento, y hecha por petición de la
Duquesa Adelperga, fue la “Historia Romana”, una versión ampliada y mejorada de la historia Romana de Eutropius, cuya labor él continuó independientemente en
Libros XI al XVI, hasta el tiempo de Justiniano. Esta compilación, ahora de ningún valor, pero que durante la Edad Media se difundió en muchas ediciones manuscritas
y que fue frecuentemente consultada, fue editada con el trabajo de Eutropius por Droysen en “Mon. Germ. Hist.: Auct. Antiq. II (1879), 4-2224. Además, en la instancia
de Angilram, Obispo de Metz, compiló una historia de los obispos de Metz “Liber de episcopis Mettensibus o Liber de ordine et numero episcoporum in civitate
Mettensi, extendiéndose al 766, en el cual da un importante recuento de la familia y antecesores de Carlomagno, especialmente de Arnulfo (P. L., XCV, 699-722).
La más importante obra histórica que nos ha llegado de su pluma es la historia de los Lombardos, “Historia gentis Langobardorum. Libri VI”, la mejor de la varias
ediciones de esta obra es la de Bethman y Waitz en Mon. Germ. Historia: Escrito. Rerum Langobardarum (1878), 45-187; escuela ed. (Hannover, 1878); Ger. tr. Abel
(Berlin, 1849; segunda, Lepzig, 1878); Faubert (Paris, 1603); Viviani (Udine, 1826). No obstante los muchos defectos, especialmente en la cronología, la obra
incompleta, abarcando solo el periodo entre el 568 y el 744, es aún de gran importancia, mostrando descaro, con su estilo lúcido y su dicción simple los factores más
importantes, y preservando para nosotros muchos motos de la antigüedad y tradiciones populares, repletas con un interés entusiasta en las cambiantes fortunas de la
gente Lombarda. Es evidente que esta obra haya estado en constante uso hasta el siglo quince, debido a las numerosas copias manuscritas, y continuaciones. En adición
a estas obras históricas, Paulus también escribió un comentario acerca de la Regla de San Benedicto, y una ampliamente usada colección de homilías tituladas
“Homiliarium”, las cuales han sido conservadas en forma revisada. Varias cartas, epitafios, y poemas aún existen y fueron editados por Dümmler en “Mon. Germ.
Historia: Poetate lat. Aevi Carolini”, 1, 1881.
Fuente : historia ,autores de la iglesia.
lo mejor del mundo : la musica: 4.TEORIA MUSICAL: EL COMPAS
todopiano @ 14:44
lo mejor del mundo : la musica: 4.TEORIA MUSICAL: EL COMPAS
LA MUSICA ES SALUD
todopiano @ 14:42
Un estudio cientifico revela la importancia de la música
El estudio desprende que es tan importante como comer o respirar
[Universidad de Mexico] Uno de los retos del filósofo y musicólogo Luc Delannoy consiste en ''demostrar científicamente que la música es indispensable para la
sobrevivencia del ser humano. Tanto como respirar y comer". Para ello, desde hace 15 años se adentró en el estudio y la aplicación de las neurociencias, en específico de
la neuromusicología, campo que permite entender cómo funciona el aprendizaje y proponer métodos de enseñanza distintos, así como evitar problemas físicos, motores
o neurológicos.
Organo de St. Nicolas
todopiano @ 14:41
Bonito sello del órgano de St. Nicolas en Francia. (Wasquehal). Sello de 4 francos. del año 1991.
">
Andres Calamaro "Tinta Roja"
todopiano @ 14:36
CALAMARO: Es un privilegio emocionarse con la música.
El argentino evoca a Gardel y a Piazzolla en Tinta Roja.
Grabando tuvimos momentos de emoción intensa, de tener que imprimir con pudor lágrimas de varón.....
No siempre pasa, pero es un privilegio emocionarse todavia con la música. Lo decia ayer Andrés Calamaro en relación con, y durante la presentación de, su ultimo
trabajo, Tinta Roja. Un disco donde no usamos mucho la técnica vocal, pero que traté de cantar don respeto. Y no es para menos. Porque el que fuera líder de los
Rodriguez se atreve una vez más, después de haber experimentado el el cantante (2004) , con tangos. No sé si es verdad, pero lo quiero decir: es el tango el que nos
eligió a nosotros, bromea Calamaro respecto al contenido. Es por eso que no incluye tangos cualesquiera (el más viejop es de los años veinte) y canta, puestos a
seleccionar, a los mismisimos Carlos Gardel y Astor Piazzolla, El sur, El día que me quieras, Mano a mano, Como dos extraños, y Melodía de arrabal son, entre
otros, algunos de los inolvidables tango incluidos en un CD que desde ayer se puede encontrar en las tiendas y que, por supuesto, tambien recoge el tema que le da
titulo: Tinta Roja.
Esto si que nadie espere encontrarse tango en estado puro. Es más , lo interesante de este disco es ver si va a ser de tango, de rck, de flamenco o de las tres cosas a la
vez, bromea Calamaro. Porque mientras por un lado evoca a grandes tangueros de todos los tiempos, por otro incluye la guitarra flamenca de Niño Josele y la voz de
Montse Cortés. Finalmente, como no podía ser de otra manera tratandose de Calamaro, el rock está en todas partes, como la televisión, incluso está en este disco,
asevera. Y garantiza además, que su relación con este género lejos de estar muerta, es de padre e hijo, o de hermanos. De hecho, mantiene : Nunca dejé el rock,
sospecho que es lo único que sé tocar.
Ana lobo " metro, spain.

Escuchar el disco
Rosca
todopiano @ 14:30
Rosca
Baile popular español propio y muy celebrada entre la gente charra en la región de Slamanca. Se acostumbra bailar en fiestas públicas
señaladas y en fiestas intimas como bodas, bautizos, aniversarios, en las que se sortea entre el público o entre los asistentes una rosca
(pastel de hijaldre , mazapan, etc.) Esta danza la ejecutan una pareja, hombre y nujer, buenos bailarines , haciéndolo alrededor de la
mesa sobre la cual es colocada la rosca que ha de ser objeto del sorteo.
Triada de Mib mayor (Tonalidad Eb mayor) 1º grado
todopiano @ 14:26
Triada Mib mayor, escala Mib mayor , primer grado.

Mozart, María Anna
todopiano @ 14:17
Pianista alemana, hija de Johann y hermana de Wolfgang, y llamada también Nannerl. Fue una ejecutante de gran talento, y acompañó a su
hermano en sus primero viajes artísticos. Ambos se tenían un gran afecto , que duró toda su vida . Casó con el Barón Von Berchtold , y al
morir éste, ejerció de profesora de piano. En 1820 quedó ciega. Nació y murió en Salzburgo (1751-1829)
Editado por José Luis.
Britten, Benjamin
todopiano @ 14:17
Britten
Compositor inglés, discípulo de John Ireland, A. Benjamin y Fr. Bridge.Se han dado audiciones de sus obras en Florencia, Barcelona,
Londres y Salzburgo. Estudió en el Royal College of music de Londres. Ha compuesto música para peliculas, para la escena y para la radio.
De la extensa lista de sus obras publicadas hay que mencionar : Sinfonietta para orquesta de cámara; Phantasy para oboe, violin, viola y
violoncelo; A boy was born, variaciones para coro; Soirées musicales para orquesta; Symple Symphony para orquesta de cuerda; Holiday tales, suite para piano;
Friday afternoon, canciones escolares; Kermesse canadiense, para instrumentos de viento, percusión y arpa;Illuminations para canto y orquesta; Our hunting fathers,
ciclo sinfónico para soprano y orquesta; Variations on thema of Frank Bridge; On this island, canciones; Te Deum, para coro y órgano; musica incidentalpara The
ascent of F-6;Ballad of heroes, para tenor (o soprano) solo, coro y orquesta; Paul Bunyant y the rope of Lucrecia,óperas; Sinfonia da Requiem, Scottish ballads
para piano. Entre sus últimas obras estrenadas la más importante es la ópera Peter Grimes (1945) . Nació en Lowestoft en 1913 (Gran Bretaña) . Murió el 4 diciembre
de 1976 en Aldeburgo.
El clarinete
todopiano @ 14:09
musica
Instrumento de viento, de madera, con tubo cilíndrico y lengüeta simple. Se admite generalmente que fué inventado hacia 1670-1700 po Donner, de Nuremberg , como
un perfeccionamiento del caramillo. Sin embargo Mattheson lo desconocía todavía en 1713. Walther, en 1732, hace constar que desde lejos suena como una trompeta.
En 1759 son mencionados en Francfort dos tocadores de clarinete. En 1749 y 1751, Rameau puso partes de clarineteen la orquesta de Zoroastro y de Acanto y Cefisa..
En el Concert Spirituel de París intervienen clarinetes desde 1754 en las sinfonías de Ruggi, Schencker y Stamitz. Este último los introdujo en Mannheim, en 1758. En
esta época se trataban las partes de clarinetes como partes de oboe, y se las designa algunas veces con el nombre de clarini, que se presta a confusiones. Hacia 1770 , se
separó el sentido de estas dos palabrasy la música especial para clarinete solo o clarinete y orquesta apareció claramente definida. Este progreso coincidió con el
perfeccionamiento del instrumento, que no llevaba al principio más que dos llaves y fué provisto de otra más hacia 1760. Su construción, en esta época estaba todavia
sujeta a diversidades de forma y de dimensiones. Se construía corrientemente en boj, y algunas veces en ébano, de diversos tonos, con cuerpos de recambio. Los
clarinetes del constructor Amlingue , de París (1782), tienen 5, 6 ó 7 llaves. Se atribulle al virtuoso Iwan Müller la invención del clarinete de 13 llaves (1811) que
permitía tocar en diferentes tonos sin necesidad de cuerpos de recambio. Aplicándole el sistema Boehm, que lleva como en la flauta un gran número de llaves y de
anillos móviles, Klosé reformó la digitación del clarinete (1843). El número de modelos existentes de este instrumento alcanza a unos quince. Se les clasifica en
pequeños clarinetes, que constituyen el soprano agudo de la familia construidos en la bemol,fa, mi bemol y re; el tipo en mi bemol es el que forma parte de las bandas
militares; clarinetes ordinarios, que equivalen al soprano y se construyen de do, si, si bemol y la; el modelo en si, empleado por Mozart en una de sus obras, ha caido
en desuso hace mucho tiempo; el modelo en do tiende a desaparecer de la orquesta sinfónica, en la que subsisten regularmente los clarinetes en si bemol y la
; el primero de sonoridd brillante, es el instrumento de los virtuosos; el clarinete en la posee una suavidad incomparable (Gevaert), una incomparable nobleza (Widor);
clarinete alto en fa y en mi bemol, llamado en Francia cor de basset, por derivación de su nombre alemán Basset-horn. Se dice que fue inventado en Baviera, en 1770;
su timbre grave y dulce constrasta con el de los clarinetes ordinarios; clarinete bajo en si bemol y la, inventado , según unos, por el alemán Greuser (1793), y según
otros por el italiano Papalini. A. Sax , hacia 1836, consiguió que fuese adoptado un model que llevaba 21 llaves sobre un instrumento de boj; pero su ensayo de clarinete
bordón o clarinete contrabajo que sonaba una octava más baja que el clarinete bajo, no logró imponerse, como tampoco el de Fontaine-Besson, que propuso la creación
de clarinetes contrabajosprovistos de un dispositivo de embocadura y terminados por un tubo de metal, cónico y acodillado; el clarinete de amor, del que se conservan
algunos modelos del siglo XVIII en los museos, era un tipo intermedio entre el clarinete ordinario y el clarinete alto.La parte de clarinete en todas estas variedades se
escribe en do. La extensión de este instrumento se divide en tres registros, llamado agudo, medio y chalumeau. El clarinete en do, tomado como tipo comparativo, da
cuatro octavas y una cuarta , que suenan y escriben en notas reales.
La escala es cromática. El clarinete alto o cor de basset tiene el mismo ambitus que el clarinete en do, una séptima más baja. Debido a su taladro cilíndrico, el clarinete
no octavea, sino que quintea, es decir, que para producir sonidos armónicos salta a la duodécima de la nota fundamental o dobla la quinta. En el clarinete en do, los
sonidos se producen, como tercer armónico, a partir del si natural, clave de sol, y los últimos, en el agudo, dificiles de dar como armónicos 5º y 9º. Este instrumento se
presta a la ejecución de lineas melódicas rápidas, escalas cromáticas, trinos, arpegios, baterias, notas repetidas, etc. Alcanza los matices de más delicada entensidad y los
contrastes más patentes. Mozart fue el primer compositor que empleó el clarinete aprovachando todos sus recursos. En sus obras de música de cámara destacan
especialmente un adagio para dos clarinetes y tres cors de basset (clarinetes altos) (1782) y un quinteto en la para clarinetes e instrumentos de cuerda, escrito para el
clarinetista Stadler /1789), cuyo larghetto , por lo menos, es universsalmente célebre. Su Sinfonia en mi bemol, en la que estan ausentes los oboes, brinda un papel
interesante a los clarinetes. Beethoven no escribió casi ninguna obra para orquesta en que no figurasen.
Weber demostró una predilección por este instrumento. Berlioz, que describía su timbre como la voz del amor heroico lo eligió para expresar el dolor de Andrómaca
ante la tumba de Héctor, en la caida de Troya (1856). Wagner empleó casi todos los tipos de clarinetey les hizo a menudo interpretar sus temas más penetrantes. Las
obras de los maestros rusos , y especialmente las de Rimsky-Korsakov, ofrecen numerosos ejemplos del empleo de los diversos de clarinetes
En la música de cámara de los compositores de finales del siglo XIX, merecen recordarse de un modo especial el Triopara piano, clarinete y violoncello de V. dÍndy
op. 29 (1987), y el Quinteto de Brahms para clarinete e instrumentos de cuerda op. 115 (1892) . Los clarinetes empleados por masas desempeñan actualmente el papel
de los violines en las orquestas de instrumentos de viento militares o civiles. Para dichas orquestas se construyen generalmente clarinetes de cobre. Entre los arreglos
que componen el repertorio de estas bandas hay algunos verdaderamente logrados y que representan un alarde de técnica en la instrumentación, como el famoso Vals de
Chopin para 24 clarinetes. Merecen citarse elogiosamente , en este sentido las adptaciones realizadas para la Banda Munipal de Barcelona, por el maestro Juan Lamotte
de Grignon. Han sido publicados diversos métodos para clarinetepor Lefèbre (1802), Venderhagen , Baermann, Klosé, Berr (1836).... Los tratados de Instrumentación
de Gevaert (2ª edición) y de Widor (4ª edición 1910) contienen cuadros con gráficos de notas indicando la extensión de cada variedad de clarinete de la concordancia de
su notación en do con sonidos reales y de las fórmulas de trinos que les son accesibles.
Fuentes : diccionario de la música , Michel Brenet. Iberia.

Guzla
todopiano @ 13:59
Instrumento de música de una sola cuerda a modo de rabel.

Dulcimer
todopiano @ 13:53
Instrumento que dió paso al clavicordio y luego al piano.
El trino
todopiano @ 13:53
el trino:
Variación
todopiano @ 13:52
Modificación de un tema o frase musical para presentarlos bajo aspecto diferente. El origen de la variación se encuentra en las composiciones de la Edad Media, desde
la época gregoriana, en que las melodias litúrgicas , aun los jubili de los versiculos vocalizados, se presentan bajo formas diferentes , según la frase, la palabra que
revisten, la fiesta que se celebra. Otros musicólogos han mencionado su existencia en las composiciones polifónicas de la primera época; en todos los casos, las misas de
Du Fay, en el siglo XV, ofrecen el primer empleo de una forma cíclica que es uno de los diversos aspectos de la variaciónde un motivo, tomado de un tema ya existente
con anterioridad. En el siglo XVI , la forma del tema variado, en variaciones sucesivas que forman otras tantas estrofas, , es cultivado por los maestros polifonistas en la
composición del coral; Caude el Joven ...
Los instrumentistasse apoderan de este principio y lo apropian a la valoración del virtuosismo. La variación instrumental ya existía , pues, en el siglo XVI. W. Bird
escribió en 1591 unas series de variaciones para virginal, sobre melodías populares entonces en Inglaterra. Antes que él, el organista español Antonio de Cabezón,
maestro de capilla de Carlos V, fallecido en 1566, habia escrito bajo el título de diferencias, varias series de variaciones sobre melodías que su titulo designaba, y que se
publicaron como obras póstumas en 1578. Antes de Cabezón se encuentran variaciones en los libros de laúd españoles, especialmente en el de Valderrábano 1547. Una
obra del alemán Paul Peurl (1611)) ofrece el más antiguo o uno de los más antiguos ejemplos de la suite instrumenttal construida sobre un solo tema, variado de
diferentes maneras. En Frescobaldi, el arte de la variación temática está ya muy desarrollado. En la Canzone número 3 de su segundo libro de Toccatte (1637), se le ve
exponer un tema en 4/4 , y después de 14 compases, producirlo de nuevo en 3/4, y luego repetirlo en 4/4 con un contratema más rápido , y pasar seguidamente a 6/4 para
una variación del tema y terminar con una brillante peroración. Además en un ricercar de sus Fiori musicali(1635) , Frescobaldi se complace en hacer reaparecer un
tema en varios tonos sucesivamente.Pero en sus Partite ( a partir de 1614), ya escribe variaciones reales, y la partida sobre Romanesca, entre otras presenta catorce
brillantes variaciones sobre el tema de esta danza. Una courante del organista belga Peter Cornet (1625) se presenta con variaciones en un manuscrito publicado por
Guilmant. En la segunda mitad del siglo XVII existen simultáneamente dos tipos de variaciones : las doubles, o disminuciones, que, como su nombre indica, bordan el
tema palabra por palabra, envolviéndolo con rasgos y notas de paso, en que los valores disminuidos se precipitan de estrofa en estrofa. El ejemplo más conocido parece
ser la melodía en mi mayor del primer libro de obras para clavecín de Haendel (edic. 1720) , a la que se da el nombre de The harmonious blacksmith.Las melodías con
segundos couplets en disminución de Michel Lambert, publicadas entre 1661 y 1689, representan el mismo género de variación en la música vocal francesa.Esta forma
de variaciónfue explotada a fines del siglo XVIII por gran número de autores sin talento: Gelinek y otrosgozaban entonces del favor de los aficionados, que encontraban
en ella éxitos fáciles. Los cantantes italianos de los siglos XVII y XVIII se convertían , con sus procedimientos de variación, en substitutos de los compositores. Se
juzgaba de su talento por la fecundidad de su imaginación en el procedimeinto de la variación. Entre los antiguos dijo Tosi en 1723, los mejores artistas se
comprometían a introducir cambios, en cada velada, no solo en las melodías patéticas, sino en algunos allegros de las óperas que cantaban. Si los cantantes no conocían
el arte de variar las melodías , no se podía apreciar la capacidad de su inteligencia; por la calidad de las variaciones se conocía fácilmente cuál , de entre dos cantantes ,
era el mejor. A. Poglietti dedicó al emperador Leopoldo I, en 1663, una serie de 23 variaciones sobre una melodía alemana relativa a la edad de S. M., que cumplió
veintitrés años en aquella fecha.
Ars Nova
todopiano @ 13:51
La situación creada por la práctica musical a varias voces hace que las especulaciones teóricas se orienten hacia aspectos muy precisos. Mientras que la música es
monódica, basta con que alguien indique mediante un gesto la marcha de la melodia que todos cantan por igual ; pero en la música polifónica, en el que se cantan al
mismo tiempo melodías diferentes, es necesario saber con exactitud cuánto dura cada nota para que las distintas voces coincidan en los movimientos previstos por el
compositor.
Los teóricos del Ars Antiqua se preocupaban por encontrar una escritura musical que satisficiese las crecientes exigencias de una polifonia que se desarrollaba con gran
rapidez. Entre ellos hay que destacar a Pierre de la Croix, Gean de Garlande y Francón de Colonia, quienes codifican en sus escritos la ciencia musical de sus
contemporáneos y fijan las normas que habían de servir, un siglo después , a los músicos del Ars Nova.
Los teóricos del siglo XIV , Philippe de Vitry , Jacobo de Lieja y Johannes de Muris. comprendían lo enunciado por los anteriores y perfeccionan un sistema de
escritura que consiste en dar a cada nota un valor fijo en relacción con las demás, de manera que al superponerse las voces podemos fijar con precisión la duración de
cada nota y hacer coincidir las flexiones con las demás voces.
Esto es lo que se llama notación mensural , o sea, con indicación estricta de la duración de las notas según el dibujo de la figura . Este sistema pervive hasta nuestros
días con muy escasas modificaciones ; sus principales figuras en el siglo XIV eran.
Máxima.
Longa
Breve.
Semibreve.
Minima.
Seminima.
Anteriormente, cada una de estas notas se dividía en tres de la inmediata siguiente, consiguiendo así un ritmo ternario, que se suponia relacionado con la Santisima
Trinidad, pero en el Ars Nova aparece la posibilidad de que cada nota se divida en dos de la siguiente (como en la actualidad) dando entrada a los ritmos binarios y a
todas las posibilidades combinatorias.
Música y sociedad.
Antuación Elbis y los Ibericos:Cuarte
todopiano @ 13:46
Actuación en Cuarte de huerva

ELBIS Y LOS IBERICOS
Este soy yo tocando el teclado
Elvis en su actuación.
El "Roman de Fauvel"
todopiano @ 13:15
El Roman de Fauvel (1314-1316) es un extenso poema alegórico sobre las costumbres de la época. Loa autores del texto literario -Gervais du Bus y Chaillou du Pestain-
describen la vida de un asno llamado Fauvel cuyo nombre es acróstico en los principales vicios observados en este mundo :
Flatterie (Adulación)
Avarice (Avaricia)
Vilenie (Villania)
Varieté (Veleidad)
Envie (Envidia)
Lâcheté (Cobardía
La música interviene en forma de interpolaciones muy ligadas al texto, principalmente de los motetes polifónicos ( de Felipe de Vitry, en particular) y de las
monodías . El volumen de las piezas musicales es mucho más abundante que en el Jeu de Robin et de Marión ( hay más de un centenar ), y se puedan considerar estas
adiciones como una verdadera antología de los géneros musicales en uso.
Pirófono
todopiano @ 13:11
Aparato presentado como instrumento de música por su inventor , Fréderic Kastner (Les flames chantantes , París 1875), y que no pasó de ser una curiosidad acústica.
Basado sobre las propiedades sonoras de las llamas de hidrógeno reguladas en tubos de dimensiones apropiadas , y que un mecanismo accionado por un teclado
acercaba o separaba a voluntad, formaba una especie de órgano luminoso y sonoro a la vez , cuyo recuerdo han conservado los tratados de física.
El puntillo
todopiano @ 13:04
Si os fijais en el midi suena igual el do y el sol con puntillo, que el do y el sol ,notas blancas con la negra que lleva una ligadura.
Una redonda con puntillo = una redonda+una blanca.
Una negra con puntillo = una negra+una corchea.
Una corchea con puntillo = una corchea+una semicorchea.
O sea que el puntillo aumenta medio valor de la nota que esta colocado el puntillo.
Fredón
todopiano @ 13:04
Adorno melódico sin forma rigurosamente determinada y sin signo especial de notación J.J. Roussau (1753) le considera sinónimo de roulade (trino) . Pero el sentido
del vocablo es más general y se aplica aincluso a motivos de aspecto adornado y ligero. Asimismo esta palabra designaba antiguamente una especie de temblor
desagradable de la voz, y por derivación se decía fredonnner al canturrear por lo bajo o interiormente algún tema melódico.
Kenong
todopiano @ 13:01
Instrumento musical javanés. Está formado por una caja cuadrada de cobre sobre la cual descansan cuatro cuerdas tendidas en
cruz. Se toca golpeando con un mazo de madera.
Barbieri, Francisco Asenjo
todopiano @ 12:58
Compositor español que contribuyó en gran manera a la creación de la zarzuela española, en oposición a la ópera italiana. Estudio en el
conservatorio de Madrid con los maestros Pedro Albéniz y Carnicer. Sus primeros años de músico fueron verdaderamente dificiles, pues
muerto su padre siendo él muy joven hubo de ingresar en las milicias como clarinetistas y luego se ganó la vida como pianistas en los cafés,
como copista de música apuntador en el teatro y corista. Estos dos últimos oficios le permitieron conocer bien el teatro, y entonces fue cuando
se le ocurrio escribir para el mismo. Su primera zarzuela estrenada fue Jugar con fuego (1851); obtuvo tan gran éxito que ella le animó a
proseguir en el camino emprendido, y sucesivamente compuso multitud de otras zarzuelas, algunas de las cuales se hicieron rápidamente
célebres y han sido representadas innumerables veces, aun en nuestra época; entre éstas destacan Pan y toros y el barberillo de Lavapies. Otra
obra célebre de este músico en su monumental antología Cancionerio musical de los siglos XV Y XVI, en el que figuran 459 canciones de
varios compositores españoles. En 1859 fundó los Conciertos espirituales En el Teatro de la Zarzuela de Madrid, y posteriormente dirigió
otra organización de concierto de música clásica, de los cuales se originó la famosa Sociedad de Conciertos. Fue miembro de las Academias
de Bellas Artes y de la Lengua. Es conocidó además, como excelente musicólogo. Publicó en revistas y periódicos numerosos trabajos de
importancia sobre temas musicales: Reseña histórica de la Zarzuela, Contestación al maestro Hernando
y Últimos amores. Como compositor su actividad fue muy grande, pues es autor de 77 zarzuelas (que son las obras que más fama le dieron) , obras sinfónicas, motetes,
canciones... Editó las comedias de Juan del Enzina. Nació y murió en Madrid (1823-1894).
ZARZUELAS PRINCIPALES DE FRANCISCO A. BARBIERI
Tramoya (1850), Escenas de Chamberí (1850), Jugar con fuego (1851), La hechicera (1852), El Manzanares (1852), La espada de Bernardo (1853), El Marqués de
Caravaca (1853), Don simplicio Boadilla (1853), Galanteos de Venecia (1853), Aventura de un cantante (1854), Los diamantes de la Corona (1854), Un día de
Reinado (1854), El Sargento Federico (1855), Mis dos mujeres (1855), Los dos ciegos (1855), El vizconde (1855), Gato por liebre (1856), El diablo en el poder (1856),
Entre dos aguas (1856), El relámpago (1857), Por conquista (1858), Un caballero particular (1858), Un robo de las Sabinas (1859), Un niño (1859), Compromisos de
no ver (1859), Entre mi mujer y el negro (1859), Un tesoro escondico (1861), El secreto de una dama (1862), Los herederos (1862), Dos pichones del Turia (1863),
Pan y toros (1864), Gibraltar en 1890 (1865), De tejas arriba (1866), El pavo de Navidad(1866), Revista de un muerto (1866), El rábano por las hojas (1866), El pan
de bodas (1868), El soprano (1869), Robinson (1870), Don pacífico (1871), Los holgazanes (1871), El hombre es débil (1871), Sueños de oro (1872), El tributo de las
cien doncellas (1872), El proceso del cancán (1873), El testamento azul (1874), El domador de fieras (1874), Los comediantes de antaño (1874), El barberillo de
Lavapies (1874),La vuelta al mundo (1876), La confitera (1876), Juan de Urbina (1876), Los carboneros (1877), Artistas para la Habana (1877), El loro y la lechera
(1877), El diablo cojuelo (1878), El triste Chactas (1878), ¡ojo a la niñera¡ (1879), Los chichones (1879), ¡Anda valiente¡ (1880), A Sevilla por todo (1880), La
filoxera (1882), De Jetafe al Paraiso (1883), Novillos en Polvoranca (1882) y algunas más.
Jhon Abercrombie
todopiano @ 12:49
El guitarrista y bajista, John Abercrombie, inició sus estudios musicales a los catorce años, si bien su autentico
aprendizaje no comenzó hasta 1962, cuando entró en la Berklee School of Music. Estudió allí hasta 1966, bajo la
dirección de Jack Peterson iniciando así una afortunada carrera como sideman y como solista. Después de tocar con
el organista Johny Hammond, entró a formar parte de los "Dreams" un grupo de jazz-rock al que pertenecían
también el batería Billy Cobham y el trompetista Randy Brecker; mas tarde se unió al batería Chico Hamilton, y al
saxofonista Gato Barbieri para actuar en una edición del Festival de Jazz de Montreux.
En 1975 se incorpora al grupo New Directions del batería Jack DeJohnette con quien posteriormente y junto al
contrabajista, Dave Holland, funda el grupo "Gateway". Abercrombie colabora también con el trompetista italiano,
Enrico Rava, en cuyo grupo actuaría durante un largo periodo de tiempo. Instrumentista virtuoso y creativo,
Abercrombie toca también además de la guitarra, el bajo eléctrico y un raro instrumento escasamente utilizado en
jazz: la mandolina eléctrica. En mayo de 2003 participó en España en la 22 edición del Festival de Jazz del San Juan
Evangelista, junto al organista Dan Wall y al batería Adam Nussbaum.
Mis discos de John Abercrombie

Albinoni Tomaso
todopiano @ 12:47
Tomaso Albinoni
Tomaso AlbinoniTomaso Albinoni (14 de junio, 1671, Venecia, Italia - 17 de enero, 1751, Venecia) fue un compositor italiano de música
barroca. Escribió alrededor de cincuenta óperas, pero es mayormente conocido por su música instrumental, especialmente sus conciertos para
oboe.
Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastian Bach el cual escribió al menos dos fugas sobre temas de Albinoni y utilizó
constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos.
El Adagio de Albinoni es una reconstrucción de 1945 debida a Remo Giazotti sobre un fragmento de un movimiento lento de una sonata para
trio.
Obras
Concierto para violín y orquesta (1710)

Concierto para oboe, opus 9 nº 2 (1722)
Concierto para oboe, opus 9 nº 8 (1722)
Sonata en Sol Menor (1740)
Modulación
todopiano @ 12:42
Es el cambio de una Tonalidad o Modalidad a otra.
Se consigue una modulación cuando se libera la función inicial de la tónica y se pasa a otra, para que ésta retome dicha funcón ( de tónica).
Según sea la modulación puede considerarse como:
-Transitoria : cuando solo sirva para alcanzar un grado de la escala.

-Definitiva:: Cuando un grado de la escala retoma el mando y se convierte en un nuevo centro tonal, o sea una nueva tónica.
Jean Baptiste Lully
todopiano @ 12:40
Jean-Baptiste Lully
Jean-Baptiste LullyJean Baptiste Lully (nacido Giovanni Battista Lulli) (Florencia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de
marzo de 1687), compositor francés de origen italiano, Superintendente Real de la Música de Luis XIV.
Por su talento musical y de organizador, así como de cortesano intrigante, Lully dominó toda la vida musical en Francia en la
época del Rey Sol. Fue creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la tragedia lírica, el gran motete y la
obertura a la francesa. Su influencia sobre el conjunto de la música europea de su tiempo fue grande.
Biografía
Tras su llegada a Francia en 1643, entró como ayuda de cámara al servicio de Mademoiselle de Montpensier, que deseaba
perfeccionar sus conocimientos de la lengua italiana.
A la edad de trece años ya manifestó serias dotes para la música, y así aprendió a tocar el violín. Luego se reveló como un
excelente bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi, que se componía de 24 instrumentos. En
1653, Lully bailó con el rey: el Ballet de la Nuit.
Obtiene rápidamente la dirección de una nueva formación: La Bande des Petits Violons. Perfecto cortesano y hábil hombre de negocios, muy pronto se convirtió en el
primer compositor de la corte, y sus aires y bailes consagraron su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a ser compositor de cámara, y finalmente Superintendente
Real de la Música.
Naturalizado francés en 1661, se casó algunos meses después con Madeleine Lambert, cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier.
A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, creando el género de la comedia ballet, sin renunciar por ello a los bailes de cortesanos.
Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la Academia Real de Música. Colmado de honores y riquezas, compuso entonces una ópera al año más o menos, sometiendo
con su autoridad a todos los compositores dramáticos de su época: Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault.
En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del rey. Murió por una gangrena en París, en 1687, a consecuencia de una herida que se hizo en
el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella. La fama de Lully se debe
principalmente a su contribución a la música religiosa y escénica.
Algunas de sus obras

Algunas de sus primeras obras, de la época en que era sobre todo violinista, y posteriormente compositor de bailes y de aires en estilo italiano son:
Les Amours Déguisés, 1664

La Naissance de Vénus, 1665
Les Muses, 1666
Vienen después las comédies ballets, realizadas en colaboración con Molière:
Le Mariage forcé, 1664

L'Amour Médecin, 1665
Georges Dandin, 1668
M. de Pourceaugnac, 1669
Le Bourgeois gentilhomme, 1670
En la última etapa de su vida, compuso trece tragedias líricas, la mayoría sobre textos de Quinault:
Cadmus et Hermione, 1673

Alceste, 1674
Thésée, 1675
Atys, 1676
Isis, 1677
Psyché, 1678
Bellérophon, 1679
Proserpine, 1680
Persée, 1682
Phaëton, 1683
Amadis, 1684
Roland, 1685
Armide, 1686
Achille y Polyxène, 1687 - incompleta
así como una pastoral heroica
Acis et Galatée 1686

Ivanov , Lev
todopiano @ 12:39
Imagen
Bailarin y coreógrafo ruso, nació en 1834. Diplomado de la Escuela Imperial de Danza , de San Petersburgo, alcanzó a ser parteneire de la famosa Fanny
Elsser , ocupando sucesivamente otros destacados puestos , con Perrot y, sobre todo, de su maestro Pepita. Colaboró con éste en muchas y notables coreografias, como
El lago de los cisnes y El tulipán de Harlem, Autor, solo, de las coreografias de El bosque encantado , Fiesta de bateleros, La flauta mágica...
los mejores discos de jazz2
todopiano @ 06:10
los mejores discos de jazz
todopiano @ 05:49
musica
CONCIERTO ELBIS Y LOS IBERICOS
todopiano @ 05:34
d7 nueva forma
todopiano @ 05:09
Cuatriada D7 Mid.
El primer conjunto de rock de la historia
todopiano @ 04:57
musica
gif musicales
todopiano @ 04:53
ORQUESTA PIANISTA
ORQUESTA
Las notas del piano,nombre y colocación
todopiano @ 04:51
El pentagrama
todopiano @ 04:40
Entre los espacios se colocan las notas : FA,La,Do,MI,
el arpa
todopiano @ 04:30
<
El Arpa
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Pertenece al grupo de cuerdas pulsadas. Es uno de los instrumentos más antiguos que se
conocen; todavía hoy puede encontrarse, de muy diversas formas, como instrumento popular
en algunas partes de África, Europa y Oriente.Han hallado presentaciones figuradas del
mismo intrumento en la necrópolis de Tebas, Y pertenecientes al siglo XVIII a.j.c. El arpa es
motivo de inspiración de los más grandes artistas del cristianismo en sus más variadas
expresiones, ningún otro instrumento es tantas veces representado siempre asociado con lo
celestial, virtuoso y sublime.
El arpa medieval europea ha sufrido la gran limitación de estar afinada en una sola escala. En caso de requerirse alguna alteración, el arpista tenía que presionar con los
dedos una cuerda a la vez que tocaba, lo que constituía un sistema poco refinado. Entre 1600 y 1800 los constructores dedicaron sus esfuerzos a intentar conseguir las
notas que "faltaban" sin complicar en exceso las técnicas de ejecución. Alrededor de 1810 Sebastien Erard (1752-1831) dio con la solución más satisfactoria al
perfeccionar el arpa con pedal de doble acción. Este diseño se sigue utilizando en la mayoría de las arpas modernas.
Aunque fue bastante utilizada en la música orquestal del período romántico, el repertorio para arpa solista es más bien escaso. No obstante, fue el instrumento favorito
de algunos compositores del final del siglo XIX y principios del XX, como Ravel y Debussy, que supieron aprovechar sus delicados tonos para enriquecer el colorido
impresionista de gran parte de su música.
En 1902 se abrió una clase de arpa cromática en el Conservatorio de Bruselas; la que se inauguró en 1903 en el conservatorio de París fué una de las más combatidas ,
sin que de ello se pueda sacar la conclusión de que el arpa cromática haya dicho la última palabra.
El principio extremadamente sencillo de su construcción ha hecho que desde su lejano origen conservara la forma de un triángulo más o menos regular y adornado, a
cuyos dos lados se sujetan naturalmente las extremidades de las cuerdas dispuestas por orden de longitud decreciente. A pesar de la afinación, muchas veces reiterada de
que los germanos habían conocido el arpa, no se ha podido encontrar rastro de ella en ningún documento relativo a los mismos. En cambio , el número de
representaciones de este instrumento halladas en monumentos de la escultura o de la pintura demuestra que desde el siglo VIII era conocido por los habitantes de las
islas Británicas. En aquella época, el arpa era portátil, y el ejecutante la sostenía sobre su rodilla izquierda, pasando una mano a cada lado para pulsar las cuerdas, que, al
parecer, eran en número de diez o doce.
En el escudo de Irlanda figura el arpa legendaria de O¨Brien, vencedor de los daneses a fines del siglo X, y el Trinity College ,
de Dublin, conserva como una reliquia nacional un instrumento que hasta no hace mucho se reputaba perteneciente a dicha
figura histórica, pero que hoy se considera más moderno , por lo menos del siglo XIII.
MIS ENLACES
todopiano @ 04:09
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todopiano @ 04:01
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27/08/2006 GMT 1
Figuras musicales.
todopiano @ 23:12
Las notas musicales las representamos con figuras.
La verticalidad de la nota en el pentagrama nos dice su nombre, do,re, mi, fa ,sol,la,si ...Si están en la primera linea o la segunda,entre dos lineas, se llaman mi,sol, o
entre estas dos está el fa.
Las figuras nos dicen la duración en el tiempo, las partes de tiempo o pulso que tiene cada nota musical
Una redonda en la primera linea del pentagrama nos indica que es un mi que dura cuatro pulsos o tiempos. La velocidad es diferente de cada melodía.
Marcaremos estos cuatro tiempos ,uno con la mano arriba, dos con la mano abajo, tres la mano hacia la izd. y cuatro la mano hacia la derecha, y cantaremos la nota mi y
que dure esos cuatro tiempos.
El pentagrama. Qué es.
todopiano @ 22:46
El primer paso que tenemos que dar para saber algo de música es conocer los temas teoricos de la música. Para escribir la música necesitamos un vocabulario musical
que vendrà dado por las notas musicales. Las notas musicales se colocan en un conjunto de cinco lineas llamadas pentagrama.
Las notas que ponemos en el pentagrama nos dirán como se canta cualquier melodia musical.
Primer tema : EL PENTAGRAMA -CINCO LINEAS DONDE SE ESCRIBE LA MUSICA:
conjunto
Ampliar:
http://estudiandopiano.nireblog.com/post/2006/08/26/notaspentagramaespaciosfiguras-musicales-negra
Nota fa en el piano.
todopiano @ 22:27
26/08/2006 GMT 1
Extensión de las notas en la clave de sol.
todopiano @ 22:32
Juan Sebastian Bach
todopiano @ 22:13
Juan Sebastian Bach
______________GENEALOGIA
De Hans Bach(1) que no figura en la genealogía, se sabe solamente que vivía en Wechmar, pueblo cercano a Gotha, alrededor de 1561. Se supone que fué el tatarabuelo
de Johnn Ambrosius, el padre de Juan Sebastian Bach, su existencia resta probabilidad a la tesis según la cual la familia de los Bach es oriunda de Hungría. Esta teoría
se basa en la noticia de que Vitus (2) fué panadero de Hungria, país que tuvo que abandonar por su culto luterano. Vitus se radicó presisamente en Wechmar donde
siguió ejerciendo de panadero; su afición a la música, relatada en la genealogía , es citada por Forkel. Poco se sabe
de otro miembro de la misma rama, Kaspar(3) que entre 1620 y 1640 figura como músico municipal en gotha y Arnstadt.
Lips (4), hijo mayor de Vitus, sobrevivió a su padre solo un año; dejo tres hijos cuyos dones musicales están atestiguados por el hecho de que el entonces conde reinente
de Schwarzburg-Anrnstadt los mandó a sus espensas a Italia para que perfeccionaranen la música. De esta rama lateral , que se prolongara ahasta nuestra época,
nacieron numerosos músicos de los cuales adquirió particular renombre Johann Ludwing (5)
Chantre y director de la capilla de Meiningen , alrededor del 1708 Juan Sebastian Bach apreció mucho a este músico, cuyo hijo Samuel Anton (6) fué durante un tiempo
su alumno y posteriormente , organista en la corte de Meiningen. Otro descendiente de la misma rama , Johann Philipp (7), muerto en 1846, ocupó el mismo puesto.
El hijo menor de Vitus, Hans, (8), ein Spielmann :(músico popular) aprendió la profesión con un trompetista municipal de Gotha ; más tarde volvió a Wechmar pero fué
llamado muy a menudo a otra ciudades, Erfurt, Eisenach, Arndtadt, para reforzar la banda municipal. Murió en una epidemia en 1626, Fué el bisabuelo de Joh.
Sebastian. En sus tres hijos se afirmó definitivamente la profesión musical de la familia.
El fijo mayor Johann (9), después de un largo aprendizaje en Suhl, ciudad de la selva de Turingia, ocupó el puesto de organista en Schweinfurt sobre el Meno, t más
adelante fué nombrado director de músicos municipales en Erfurt y, simultáneamente , organista en la iglesia de los Predicadores en la misma ciudad. Tuvo 4 hijos.
El hijo mayor, Johann Christian (10) sucedió a su padre en el mismo puesto. Sus dos hijos Johann Jakob (11) y Johann Christoph (12) eran también músicos; el primero
en Eisenach, junto a Johann Ambrosius, el padre de Joh. Sebastian. El segundo fué chantre en el pueblo de Gehren. Los tres hijos de Joh. Christoph fueron tambien
músicos en diferente ciudades de Turingia.
Johann Aegidius (13) , segundo hijo de Johann (9)fué músico muy hábil; tocó la viola en la banda que dirigía su padre en Erfurty luego obtuvo el puesto de organista en
la iglesia de San Miguel en la misma ciudad. De sus cinco hijos dos le sobrevivieron. El mayor Johann Bernhard (14), fué nombrado organista y compositor que actuó
en Erfurt, Magdeburgo y, finalmente , en Eisenach, donde sucedió a su primo Johann Christoph (18). Alli fué nombrado tambien músico de cámara de la corte . Joh.
Sebastian copió gran parte de sus obras y las ejecutó en Leipzig. Se han conservado de él piezas para clave y órgano , y Suites para orquesta.
El hijo de Joh. Bernhard, Johann Ernst (15) fué alumno de la escuela de Snto Tomás en 1737, es decir bajo Joh. Sebastian. Estudió luego abogacia en Leipzig y ejercio
esta profesión en Eisenach donde actuó tambien como organista. En 1756 fué nombrado director de orquesta de la corte de Weimar pero, según un agregado de Philipp
Emmanuel en la Genelogía, vive alejado de la corte muy tranquila y placenteramente. Recibe una pensión de la corte, tiene hijos que, probablemente , no tienen talento
para la música. Fué compositor importante que dejó cantatas,motetes, un oratario de la Pasión, piezas para clave y para cuerdas y una colección de melodías sobre
fábulas del poeta Gellert, publicadas en edición moderna.
El hijo menor de Jon. Aegidius (13) , Johann Christoph (16) , sucedió a su padre en el cargo de director de los músicos en Erfurt. De los tres hijos solo uno fué músico.
Pasando ahora a las otras dos ramas de la familia que nacen en Hans (8), nos ocuparemos en primer término de su hijo menos, Heinrich (17), nacido en Wechmar en
1615. Durante mas de 50 años, hasta su muerte, ocupó el puesto de organista en Arnstadt. Philipp Emanuel anota en la Genealogía que fué un buen compositor y de
espíritu alegre. Se conocen de él algunos trozos vocales y para órgano.
Sus dos hijos mayores el menor, Johann Günther (20), tambien organista, murió a la edad de 30 años,- fueron compositores de grandes méritos. El primero , Johann
Christoph (18), es mencionado expresamente por Philipp Emanuel: éste es el grande y expresivo compositor. Fué organista en Eisenach. Una larga lista de obras sacras ,
vocales e instrumentales, en parte conservadas, atestiguan la capacidad creadora de este Bach que fué tambien muy apreciado por Joh Sebastian. Su hermano, Johann
Michael (19), fué organista en Gehren, cerca de Arnstadt.Como compositor limitó su actividad, lo mismo que su hermano, al repertorio de iglesia; escribió cantatas,
motetes, y preludios para órgano. Entre sus hijos mencionemos sólo a María Bárbara (25) que fué la primera mujer de Joh. Sebastian.
En los cuatro hijos de Joh, Christoph (18) la rama descendiente de Heinrich (17) alcanza su mayor expansión.Todos fueron músicos: el mayor , Johann Nicolaus (21)
fué organista del municipio y de la Universidad de Jena. Fué muy apreciado como constructor de órganos y claves y compuso obras de toda índole, entre ella una
opereta. Su hermano Johann Chistoph (22) nunca se avino a buscar empleo fijo sino que encontró su mayor placer en viajar. Fué maestro de clave en Erfurt, en
Rotterdam y en Inglaterra. Tuvo un hijo, clavecenista. El tercer hermano , Johann Friedrich (23) fué organista; en 1708 sucedió en esta calidad a Joh. Sebastian en la
iglesia de S. Blas en Mühlhausen. Del cuarto, Johann Michael (24) se sabe solamente que aprendió el oficio de constructor de órganos, pero más tarde partió para los
países nórdicos sin volver nunca más; así que no se tienen noticias de él.
El segundo y tercer hijo de Christoph (26) eran aquellos notables mellizos cuyas particularidades relata Philipp Emanuel en la Necrología y que
se encuentran reproducidas en el libro de Forkel. El mayor es Johann Ambrosius , el padre de Juan Sebastian; el menor , Johann Cristoph (32),
se formó con su padre y ejerció su profesión en Arnstadt donde fué músico de la corte y del municipìo. Su hijo mayor, Johann Ernst (33) sucedió
a Joh. Sebastian en el puesto de organista de Arnstadt cuando éste , en 1707, siguió el llamado a Mühlhausen. Otro hijo (34) de Joh, Christoph,
llamado como su padre, fué tambien organista.
Johann Ambrosius (35) nació en Erfurt. Aprendió con su padre el violin y la viola, instrumentos que enseñó luego a su hijo
Johann Sebastian. En 1667 fué nombrado miembro de la compañía de los músicos municipales en su ciudad natal, bajo su tío
Johann (9); en el año siguiente se casó con Elisabeth Lämmerhirt, hija de un peletero y concejal de la ciudad, con la cual tuvo
seis hijos y dos hijas. En 1671 Jon. Ambrosius se trasladó a Eisenach, donde sucedió a su primo Jon. Christian (10). Aquí pasó
el resto de su vida como músico municipal y de la corte. Después de la muerte de su mujer, en 1694, se casó por segunda vez,
pero murió ya al año siguiente. De sus hijos tres adquirieron importancia como músicos.
El mayor , Johann Christoph (36) fué alumno del conocido organista Johann Pachelbel, en Erfurt. En 1694 se hizo cargo del
puesto de organista en la pequeña ciudad de Ohrdruf donde al año siguiente acogió a sus dos hermanos menores huérfanos. Sus
cinco hijos (37 a 41) fueron todos músicos, chantres y organistas, como tambien cuatro de sus nietos ( según Terry).
El tercer hijo de Joh. Ambrosius, Johann Jakob (42) quien llevaba tres años a Joh. Sebastian,
hizo su aprendizaje entre los músicos municipales de Eisenach. En 1704 se enganchó en el ejercito sueco como oboísta. En ocasión de su partida para el servicio bajo las
banderas del rey Carlos XII, Jon. Sebastian compuso el Capriccio sopra la lontanaza del suo fratello dilettissimo.
Estuvo presente en la batalla de Poltava, donde Carlos XII fué derrotado por los rusos ; viajó hasta Turquía con su soberano y, finanmente, se radicó en Estocolmo como
músico de la corte. Fecha y circunstancias de su muerte son desconocidas. No dejó hijos.
De Johann Sebastian (43), hijo menor de Joh. Ambrosius, la Genealogía menciona sólo las fechas de su nacimiento y de sus diferentes empleos. Philipp Emanuel
agregó la fecha de la muerte así como amplió también los datos referentes a sus hermanos en cuanto son posteriores al 1735, año que parece haber sido el de la
redacción del original de la Genealogía.
De los 20 hijos (11 varones y 9 mujeres) que tuvo Jon. Sebastian en sus dos matrimonios, 11 murieron poco de haber nacido o en los primeros años de su vida. La
Genealogía hace mención sólo de 6 hijos que tuvieron importancia por su talento musical.
El mayor hijo varón , Wilhelm Friedemann (44), nació en Weimar. Tenía disposiciones extraordinarias para la música ; su fuerza principal eran el órgano y el clave.
Después de haber recibido una educación musical muy completa por su padre y haber cursado estudios en la Universidad de Leipzig, ocupó, en 1733, el puesto de
organista en la iglesia de Santa Sofía de Dresde. Fué muy activo entonces como compositor y maestro. Su próximo empleo fué el de organista en la iglesia de Nuestra
Señora en Halle , antaño lugar de actuación de Zachau, maestro del joven Haendel quien había nacido en esta ciudad. Aquí tuvo que atender muchas e interesantes
tareas. En 1764 renunció, sin embargo, a este puesto, y su inquieto temperamento lo hizo llevar, desde entonces hasta su muerte, una vida sin empleo fijo. En 1773
visitó a Forkel en Göttingen, y en esta ocasión, habrá suministrado valioso material de sus recuerdos para la biografía del padre. Finalmente, en 1774, se trasladó a
Berlín donde permaneció los últimos diez años de su vida. Sus numerosas obras comprenden sonatas,, fantasías, polonesas.... para clave; preludios a corales y fugas
para órgano; conciertos para uno y para dos claves con orquesta; música de cámara principalmente para flauta con acompañamiento; 9 sinfonías; 21 cantatas; una
Misa y muchas más... Tuvo dos hijos, muertos en la primera infancia y una hija que le sobrevivió.
Wilhelm Friedemann sigue en orden de edad, Carl Philipp Emanuel (45), el famoso compositor y clavecinista de rey Federico el Grande de Prusia. Nació también en
Weimar ; uno de sus padrinos fué el entonces ya muy célebre George Philipp Telemann. Philipp Emanuel era de talento precoz y, lo mismo que su hermano Wilhelm
Friedemann, tuvo la suerte de recibir la enseñanza de su padre en la composición y el clave. Después de estar en la escuela de Santo Tomás, pasó a Francfort sobre el
Oder, donde cursó estudios en la Universidad. En 1740, poco después de subir al trono, Federico de Prusia lo llamó a la corte en calidad de clavecinista de su orquesta.
Atendió Ph. Emanuel este cargo durante 27 años, hasta 1767, cuando, por la muerte de Telemann, estuvo vacante el puesto de chantre de las cinco iglesia principales
de Hamburgo. Ph. Emanuel dejó el puesto, no siempre comodo, en la corte de Potsdam, y en Hamburgo pudo dedicarse a una actividad más amplía y fecunda. Murió
allí en 1788. Tuvo una hija y dos hijos; el mayor fué abogado; el menor, pintor, falleció ya en 1778, a la edad de 30 años. El elnco de las obras de Ph. Emanuel es
extensísimo y comprende cerca de 700 números de toda clase de música, con excepción de óperas. Notable es además su método Versuch über die wahre Art das
Klavier zu spielen ( Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el piano), en 2 partes (1753 y 1762), una de las fuentes principales para el conocimiento de la técnica
clavecinísta y la práctica musical, en general, de la época. Es sabida la gran admiración que profesaron por Ph. Emanuel , Haydn y Mozart, cuyo arte debe muchos
elementos a este genial hijo de Juan Sebastian Bach.
ESCUCHAR MUSICA DE PHILIPP EMANUEL
Airoso 7 variaciones Mid.
Sonata Mid.
Concierto en Re flauta Mid.
Fuentes: Ernesto Epstein . Ricordi. Pequeña antología biográfica de Bach.
Su vida
CIUDADES DONDE PASO SU VIDA.
Hay una nave en la Georgenkirche de Eisenah en la que que se alza
una pila bautismal erigida en el año 1503. en la que se celebró una ceremonia el día 23 de marzo de 1685, y hoy aún la nombra
el pastor que celebra algún Bautismo. Ese día el músico municipal Johann Ambrosius Bach bautizó a su hijo con el nombre de
Johann Sebastian. Los padrinos fueron el músico municipal Sebastian Nagel y Johann Georg Koch, que erá guardabosques
ducal en Eisenach.
Primeros años (1685-1703)
Nació en Eisenach (Turingia, Alemania) el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Scarlatti y Haendel) en el seno de una
familia que durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia. La madre de Bach murió cuando él tenía 9 años de edad.
Un año más tarde murió su padre Johann Ambrosius Bach (1645-1695), que era músico de la ciudad y le había enseñado los
rudimentos de la música. El joven Bach fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph Bach (1670-1722), 16
años mayor que él, por entonces organista de Ohrdruff. De él aprendió Bach a tocar el órgano y la composición. En 1700 comenzó a trabajar como miembro del coro de
la iglesia de San Miguel, en Lüneburg.
Obras
Cantatas sacras BWV 1 AL 200
Cantatas profanas BWV 201 AL 224
La disputa de Febo y Pan BWV 201 (1729)
Eolo apiciguado BWV 205 (1725)
Cantata de Caza BWV 208 (1713)
Cantata del Cafe BWV 211 (1735)
Cantata de Campesinos BWV 212 (1742)
Motetes BWV 118, 225 AL 231
Motetes BWV 118, 225-230
Misas BWV 232 AL 243
Misa en si menor BWV 232 (1724-1748)
Magnificat BWV 243
Pasiones y oratorios BWV 11, 244 AL 249
Pasión según San Mateo BWV 244 (1727)
Pasión según San Juan BWV 245 (1724)
Oratorio de Navidad BWV 248 (1734-1735)
Oratorio de Pascua BWV 249 (1735)
Corales, arias y quodlíbets BWV 250 AL 524
Quodlíbet BWV 524 (1707-1708)
Musica instrumental BWV 525-1120
Música para órgano BWV 525 AL 771, 1027a, 1090 al 1120
6 Sonatas BWV 525-530 (1727)
Preludios, toccatas y fugas BWV 542, 543, 548, 564, 565
Fugas BWV 575, 578
Pasacalle y fuga BWV 582 (1715?)
Ejercicio BWV 598
Orgelbüchlein BWV 599-644
Corales Schubler BWV 645-650 (1746)
18 Corales de Leipzig BWV 651-668
Música para clavecín BWV 772 AL 994
Sinfonías e invenciones BWV 772-801 (1724?)
[3] Sinfonía nº 15 BWV 801
4 Duetos BWV 802-805
Suites francesas y inglesas BWV 806-817
6 Partitas BWV 825-830 (1725-1731)
Obertura Francesa BWV 831
Clave bien temperado, libro 1 y 2, BWV 846-893 (1722, 1742)
Fantasía cromática y fuga BWV 903
Concierto italiano BWV 971
16 Conciertos BWV 972-987 (1714-1716)
Variaciones de Goldberg BWV 988 (1741)
Música para laúd BWV 995 AL 1000
Suites BWV 995-997
[4] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº1 Preludio.
[5] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº2 Fuga.
[6] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº3 Sarabande.
[7] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº4 Gigue.
[8] Suite BWV 997 en Do menor para laúd nº5 Double.
Música para instrumentos solistas BWV 1001 AL BWV 1013
6 sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006 (1722)
6 suites para violonchelo solo BWV 1007-1012
Música de cámara BWV 1014 al 1040
6 sonatas para violín y clavecín BWV 1014-1019 (1725)
3 sonatas para viola da gamba y clavecín BWV 1027-1029
Sonatas para flauta y clavecín BWV 1030-1035
Musica orquestal BWV 1041 AL 1071
3 Conciertos para violín BWV 1041-1043
6 Conciertos de Brandeburgo BWV 1046-1051
Conciertos para clavecín solista y cuerda BWV 1052-1065 (1735)
4 Suites BWV 1066-1069
Música canónica y especulativa BWV 1072 AL 1089
Cánones BWV 1072-1078
Ofrenda Musical BWV 1079 (1747)
El arte de la fuga BWV 1080 (1749-1750)
Citas sobre su figura
"Lo que Newton fue como cientifico,Bach lo fue como musico"(C.F Daniel Schubart,S.XVIII)
"Nuestro Bach es el mejor intérprete de órgano y clavecín que ha existido" (anónimo, s. XVIII).
"Esto [la música de Bach] es algo que hay que aprender" (Wolfgang Amadeus Mozart).
"Solamente hay uno de quien los demás podríamos sacar algo nuevo: Johann Sebastian Bach" (Robert Schumann).
"La música le debe tanto, como su religión a su fundador" (Robert Schumann).
"La chacona BWV 1004 es en mi opinión una de las más maravillosas y misteriosas obras de la historia de la música. Adaptando la técnica a un pequeño instrumento,
un hombre describe un completo mundo con los pensamientos más profundos y los sentimientos más poderosos. Si yo pudiese imaginarme a mí mismo escribiendo, o
incluso concibiendo tal obra, estoy seguro de que la excitación extrema y la tensión emocional me volverían loco" (Johannes Brahms).
"Esta semana he ido a escuchar tres veces la Pasión según san Mateo del divino Bach, y en cada una de ellas con el mismo sentimiento de máxima admiración. Una
persona que —como yo— ha olvidado completamente el cristianismo no puede evitar oírla como si se tratase de uno de los evangelios" (Friedrich Nieztsche).
"Es imposible describir la inmensa riqueza de su música, su naturaleza sublime, y su valor universal, comparándola con cualquier otra cosa en el mundo" (Richard
Wagner).
"Considero superfluo querer describir los excepcionales méritos del Signor Bach, ya que su fama es conocida, tanto en Alemania como en nuestra querida Italia. Sólo
quiero decir que sería difícil encontrar un mejor profesor. Hoy en día él podría presumir con razón de que es el mejor de toda Europa" (Giovanni Battista Martini).
"Es el amado Dios de la música, a quien todos los compositores deberían elevar una oración antes de ponerse a trabajar" (Claude Debussy).
"El principio y el fin de toda la música" (Max Reger).
"[Bach es] el exponente del más alto grado de perfección que puede lograr el hombre" (Paul Hindemith).
"Inicialmente estaba Bach..., y entonces todos los otros" (Pau Casals).
"A pesar de todo mi amor para muchos otros —y Beethoven y Mozart no son lo menos— puedo solamente estar de acuerdo con Casals: Bach los domina a todos" (Paul
Tortieler).su vida
Noticia musical de 1774.
Johann Philipp Kirnberger (arte de la composición pura)
DE LA COMPOSICION A 4 VOCES
Pero la mayor pureza de la composicion no basta para hacer perfecto un canto a cuatro voces; cada voz debe tener su propia melodía fluída e individual y, al mismo
tiempo, todas las voces deben conbinarse agradablemente.
Primero, por lo tanto cada voz debe tener su propia melodía fluída e individual. No hay que creer que se ha hecho una composición a cuatro voces porque se haya
evitado que varias voces prosigan en octavas consecutivas. No hay tal vez en toda la ciencia de la composición nada más dificil que esto; no solo dar a cada una de las
cuatro voces su propia melodía fluída, sino consevar a todo trozo un carácter uniforme, de modo que de su unión pueda nacer un todo único y perfecto. En esto el
desaparecido director de orquesta Bach, de Leipzig, sobresalía tal vez entre todos los compositores del mundo, por lo cual sus corales, asi como todas sus obras deben
ser altamente recomendadas a todos los compositores, como los mejores modelos para un estudio concienzudo. Aun compositores de experiencia se persuadirán
fácilmente de este hecho, tratando de agregar al bajo y soprano de uno de esos corales un contralto y tenor, haciendo esas voces tan cantables y justas en expresión como
las otras dos.
(Die Kunst des reinen Satzes) 1774Notcia musical de 1774
BREVE BIOGRAFIA DE BACH (LA IRE AMPLIANDO POCO A POCO)
(Eisenach, actual Alemania, 1685-Leipzig, 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastian
Bach nació en el seno de una dinastía de músicos e intérpretes que desempeñó un papel determinante en la música alemana durante cerca de dos siglos y cuya primera
mención documentada se remonta a 1561. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad, la música rodeó a
Johann Sebastian Bach desde el principio de sus días.
A la muerte de su padre en 1695, se hizo cargo de él su hermano mayor, Johann Christoph, a la sazón organista de la iglesia de San Miguel de Ohrdruf. Bajo su
dirección, el pequeño Bach se familiarizó rápidamente con los instrumentos de teclado, el órgano y el clave, de los que sería un consumado intérprete durante toda su
vida.
Su formación culminó en el convento de San Miguel de Lüneburg, donde estudió a los grandes maestros del pasado, entre ellos Heinrich Schütz, al tiempo que se
familiarizaba con las nuevas formas instrumentales francesas que podía escuchar en la corte.
A partir de estos años, los primeros del siglo XVIII, Bach estaba ya preparado para iniciar su carrera como compositor e intérprete. Una carrera que puede dividirse en
varias etapas, según las ciudades en las que el músico ejerció: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig
(1723-1750).
Si en las dos primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, sus proyectos chocaron con la oposición de ciertos estamentos de la ciudad y las propias condiciones
locales, en Weimar encontró el medio adecuado para el desarrollo de su talento. Nombrado organista de la corte ducal, Bach centró su labor en esta ciudad sobre todo en
la composición de piezas para su instrumento músico: la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas para órgano datan de este período, al que también
pertenecen sus primeras cantatas de iglesia importantes.
En 1717 Johann Sebastian Bach abandonó su puesto en Weimar a raíz de haber sido nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen,
uno de los períodos más fértiles en la vida del compositor, durante el cual vieron la luz algunas de sus partituras más célebres, sobre todo en el campo de la música
orquestal e instrumental: los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo, el primer libro de El clave bien temperado, las seis sonatas y partitas para
violín solo y las seis suites para violoncelo solo.
Articulo sobre Bach
BACH (Johamm Sebastian) , compositor vocal e instrumental , organista y pianista. Nacido en Eisenach, marzo 21 de 1685, muerto en Leipzig, el 28 de julio de 1750.
Jamás ningún compositor, ni aun los mejores y los más profundos entre los italianos, agotó todas las posibilidades de la armonía como lo hizo este gran artista. Bach
empleaba todo el arte armónico adecuado y cada artificio armónico inadecuado , en serio y en broma, con tal audacia y personalidad, que los más grandes armonistas, si
hubieran sido llamados para suplir un solo compás que faltara en una de sus grandes obras, no hubieran tal vez estado seguros de suplirlo exactamente tal como Bach lo
hiciera.
ejecución, con el cual combinó sabiamente la técnica ornamental de los artistas franceses de su tiempo e hizo asi necesario e importante el perfeccionamiento del piano,
en cuya tarea estuvo Silbermann tan afortunadamente de su parte.
atentos y aplicados y excelentes piezas de ejercicio para alumnos.
Juan Sebastian Bach que fué músico de la corte y del municipio de Eisenach: nació en este lugar el 21 de marzo del año 1685; aprendió los primeros rudimentos en el
clave de su hermano mayor , Johann Christoph Bach, antes organista y maestro de la escuela en Ohrdruf; fué nombrado organista, por primera vez, en el año 1703 en
Arnstadt, , en la Iglesia Nueva, y en 1707 en Mühlhausen, en la Iglesia de S, Blas; en el año 1708 pasó a Weimar donde fué nombrado müsico de cámara de su Alteza y
organista de la corte, y, en 1714, maestro de concierto; en 1717 director de orquesta de la corte de Koethen; y en 1723, después de la muerte de Kuhnau, director de
música en Leipzig; también director de orquesta de la corte de Sajonia-Weissenfels. De sus excelentes obras para clave aparecieron, grabadas de cobre: en el año 1726,
una Partita en Si bemol mayor, con el título " Clavier Uebung (trozos para ejecutar en el clave) cossistiendo en preludios,alemandas, correntes,sarabandas,gigas,
minués etc.". Esta fué seguida por la 2ª, en Do menor; la 3ª en la menor; la 4ª, en Re mayor; la 5ª en Sol mayor; y la 6ª en Mi menor, con la cual concluye,
probablemente, el opus. La familia Bach, según parece, es oriunda de Hungria, y todos los que han llevado este apellido, hasta donde se sabe, se han dedicado ,
preferentyemente, a la música, lo que tal vez viene del hecho que hasta las letras B A
C H son melodicas en su orden ( en su nomenclatura castellana : Si bemol, La , Do, Si, ). ( esta observación es un descubrimiento del Sr. Bach.
BACH Y HAENDEL
Charles Burney en A General History of Music, 1789.Los términos mismos de canon y fuga, implican sujeción y laboriosidad. Haendel fué, tal vez, el único gran autor
de fugas sin pedantería. Rara vez trató motivos áridos o vulgares; sus temas eran casi siempre fáciles y agradables.
Sebastian Bach, al contrario, como Miguel Angel en la pintura, desdeñaba tanto la facilidad, que su genio nunca se inclinó hacia lo fácil y gracioso. Yo no he visto
nunca una fuga de este sabio e importante autor sobre un motivo que fuese sencillo y Chantant; o aun un pasaje fácil y obvio que no estuviese recargado por
acompañamientos rudos y dificiles.
BACH Y LA ENSEÑANZA DE LA COMPOSICION
( Joh. Ph. Kirnberger en Reflexiones sobre los diferentes métodos de la composición : "Gedanken über die verschiedenen lehrarten in der komposition" 1782.
Johann Sebastian Bach siempre compone en un estilo totalmente puro y cada pieza suya tiene una completa unidad de carácter. Ritmo , melodía, armonía, es decir, todo
cuanto hace a una composición hermosa, lo posee él plenamente, como lo atestiguan sus obras. Su método es el mejor porque procede progresivamente , paso a paso, de
los más fácil a lo más dificil y, como resultado, aun el paso a la fuga no tiene más dificultad que la que hay que pasar de un paso al próximo. Por esta razón yo considero
el método de Johann Sebastian Bach como el mejor y el único. Es de lamentar que este gran hombre nunca escribiera nada teórico sobre músicay que su enseñanza sólo
haya llegado a la posteridad a través de sus discípulos. Yo he pensado en reducir a principios el método de Joh. Seb. Bach y en exponer sus enseñanzas ante el mundo,
lo mejor que me sea posible en mi Arte de la composición pura . ( Kunst des reinen Satzes).
DE UNA CARTA DE MOZART A SU HERMANA
Viena , 20 de abril de 1789
Aquí te mando un preludio y una fuga a tres voces, la causa de que esta fuga saliera a ala luz es en verdaz mi querida Constancia. El barón van Swieten, a cuya casa voy
todos los domingos, me prestó todas las obras de Haendel y de Sebastian Bach (después que yo se las había tocado) . Cuando Constancia oyó las fugas, casi se
enamoró de ellas; no quiere más que fugas, ante todo las de Haendel y Bach. Luego, como me oía a menudo improvisar fugas, me preguntó si no había anotado ninguna
y como le dije que no , me retó mucho porque yo no quise escribir precisamente lo más artístico y hermoso que hay en el mundo, y no cedió en sus ruegos hasta que le
esbozara una fuga. Y así nació ésta.... Con toda la intención le puse "Andante Maestoso" para que no sea tocada demasiado rápido; pues cuando una fuga no es tocada
despacio, no se pueden advertir claramente las entradas del tema y asi se malogra su efecto.
ESCUCHAR: concierto Brandenburgo nº3 En formato midi:
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CONCIERTO BRANDENBURGO 5
JESÚS ALEGRIA DE LOS HOMBRES
Compositores contemporáneos de J. S. Bach (1685-1750)
Albinoni Tomaso Giovanni 1671 - 1751 Venecia (Italia)
Biber Heinrich Ignaz Franz von 1644 - 1704 Wartenberg (República Checa)
Blow John 1648 - 1708 Newark (Inglaterra)
Böhm Georg 1661 - 1733 Hohenkirchen (Alemania)
Bononcini Giovanni Battist 1670 - 1747 Modena ( Italia)
Buxtehude Dietrich 1637 - 1707 Oldesloe (Dinamarca)
Caldara Antonio 1670 - 1736 Venecia (Italia)
Campra André 1660 - 1744 Aix-en-Provence (Francia)
Charpentier Marc Antoine 1644 - 1704 París (Francia)
Corelli Arcángelo 1653 - 1713 Fusignano (Italia)
Couperin François 1668 - 1733 París ( Francia)
Fischer Johann Kaspar Ferdinand 1665 - 1746 Alemania
Fux Johann Joseph 1660 - 1741 Hirtenfeld (Austria)
Geminiani Francesco 1687 - 1762 Lucca (Italia)
Graupner Christoph 1683 - 1760 Kirchberg (Alemania)
Glück Christoph Willibald 1714 - 1787 Erasbach (Alemania)
Haendel Georg Frederich 1685 - 1759 Halle (Alemania)
Heinichen Johann David 1683 - 1729 Krössuln (Alemania)
Keiser Reinhard 1674 - 1739 Teuchern (Alemania)
Kerll Kaspar Johann 1627 - 1693 Austria ?
Kuhnau Johann 1660 - 1722 Geising (Alemania)
Krieger Johann Philipp 1649 - 1725 Nürnberg (Alemania)
Lalande Michel Richard 1657 - 1726 París (Francia)
Legrenzi Giovanni 1626 - 1690 Clusone (Italia)
Locatelli Pietro Antonio 1695 - 1764 Bergamo (Italia)
Lotti Antonio 1667 - 1740 Venecia (Italia)
Lully Jean-Baptiste 1632 - 1687 Florencia (Italia)
Marais Marin 1656 - 1726 París (Francia)
Marcello Benedetto 1686 - 1739 Venecia (Italia)
Marchand Louis 1669 - 1732 Lyon (Francia)
Mattheson Johann 1681 - 1764 Hamburgo (Alemania)
Montéclair Michel Pignolet de 1667 - 1737 Andelot (Francia)
Muffat Georg 1653 - 1704 Mégève (Francia)
Pachelbel Johann 1653 - 1706 Nuremberg (Alemania)
Pasquini Bernardo
1637 - 1710 Massa da Valdinievole (Italia)
Pergolesi Giovanni Battista 1710 - 1736 Lesi (Italia)
Purcell Henry 1659 - 1695 Londres (Inglaterra)
Quantz Johann Joachim 1697 - 1773 Oberscheden (Alemania)
Rameau Jean Philippe 1683 - 1764 Dijon )Francia)
Rebel Jean-Féry 1666 - 1747 París (Francia)
Reincken Jan Adams 1623 - 1722 Wilshausen (Alemania)
Roman Johan Helmich 1694 - 1758 Stockholm (Suecia)
Sammartini Giovanni Battista 1701 - 1775 Milán (Italia)
Scarlatti Alessandro 1660 - 1725 Palermo (Italia)
Scarlatti Domenico 1685 - 1757 Nápoles (Italia)
Steffani Agostino 1654 - 1728 Castelfranco (Italia)
Tartini Giuseppe 1692 - 1770 Pirano (Italia)
Telemann Georg Philipp 1681 - 1767 Magdeburgo (Alemania)
Torelli Giuseppe
1658 - 1709 Verona (Italia)
Vivaldi Antonio 1678 - 1741 Venecia (Italia)
Walther Johann Gottfried
1684 - 1748 Erfurt (Alemania)
Weiss Sylvius Loepold 1686 - 1750 Breslau (Polonia)
Zelenka Jan Dismas 1679 - 1745 Lunovice (República Chec
BIOGRAFIA POR FORKEL
INSTRUMENTOS QUE USO JUAN SEBASTIAN BACH EN SUS OBRAS
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El más impotante el clavecin
El órgano tambíen fué muy importante
El corno de caza para esos bajos tan importantes.
Otro timbre bajo en sus obras el basson
La tranquilidad en las lineas melódicas : el contrabajo
Los avisos de una nueva melodia de un contrapunto,una respuesta la corneta
Suavidad en las frase, en los temas El corno inglés
Interminable la belleza tímbrica de este instrumento : Flauta
Dulzura en la melodias como su nombre indica : flauta dulce
Acompañamienro con cuerdas :laud
Vamonos de caza : oboe de caza
A mi amor elegido le toco una melodia : oboe de amor
La belleza suprema en la melodias : oboe
Instrumento viento madera el taille
Hay que dar ritmo a las obras : los timbales.
La grandiosidad de las obras llega el sumun de una obra. los metalesl : el trombon
Que alegria me das cuando suenas : la trompeta
No te escondas y repica a la trompeta Trompetin
Que personalidad tienes ,quieres aparecer en el momento preciso para poner orden a las cosas. la trompa
Estos son los que llevan a la obra lo más exigente de la sonoridad, son los presidentes de la obra los que fluyen con endiablada velocidad y sonoridad las cuerdas: La
viola
Muy antiguo: la viola de gamba
Gran sonoridad, suave en sus interpretaciones, contrapuntos encadenados: La viola de amor
El jefe, el que dirige: el violin
Los graves salidos de un pais imaginario: el violoncelo
Otro violin diferente
Johann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685 , en Eisenach, donde su padre, Johann Ambrosius, era músico de la corte y del municipio.
Tenía éste un hermano mellizo, Johann Christoph, músico de la corte y del municipio de la ciudad de Arnstadt, tan parecido a él, que aún sus respectivas esposas sólo
los reconocían por las vestimentas. Estos mellizos son, tal vez, únicos en su género y los más notables entre los conocidos. Se amaban entrañablemente; sus voces, su
manera de pensar, es estilo de su música, su arte de la ejecución, etc. todo era en ellos idéntico. Si uno de ellos enfermaba, también lo hacía el otro. Murieron también
con poco intervalo. Eran un motivo de admiración para todo el que los veía.
Notas.Pentagrama.Espacios.Figuras musicales :negra
todopiano @ 15:51
Ejercicio do 5 notas (2)
todopiano @ 13:42
http://media.twango.com/m1/original/0009/1635edcbe3ba42cb8272888bd0172f7a.mid
Letra canción
todopiano @ 11:26
Mercedes Sosa - Alfonsina y el MarLa Memoria Un lugar donde las Utopías son
posibles
La Música de la Memoria
Mercedes Sosa - Alfonsina y el Mar
De Ariel Ramirez y Felix Luna
Por la blanda arena que lame el mar

su pequeña huella no vuelve más
y un sendero solo de pena y silencio llegó
hasta el agua profunda
y un sendero solo de penas puras llegó
hasta la espuma
Sabe Dios que angustia te acompañó

qué dolores viejos calló tu voz
para recostarte arrullada en el canto
de las caracolas marinas
la canción que canta en el fondo oscuro del mar
la caracola
Te vas Alfonsina con tu soledad

¿qué poemas nuevos fuiste a buscar?
Y una voz antigua de viento y de mar
te requiebra el alma
y la está llamando
y te vas, hacia allá como en sueños,
dormida Alfonsina, vestida de mar.
Cinco sirenitas te llevarán

por caminos de algas y de coral
y fosforescentes caballos marinos harán
una ronda a tu lado.
Y los habitantes del agua van a nadar pronto a tu lado.
Bájame la lámpara un poco más

déjame que duerma, nodriza en paz
y si llama él no le digas que estoy,
dile que Alfonsina no vuelve.
y si llama él no le digas nunca que estoy,
di que me he ido.
Te vas Alfonsina con tu soledad

¿qué poemas nuevos fuiste a buscar?
Y una voz antigua de viento y de mar
te requiebra el alma
y la está llamando
y te vas, hacia allá como en sueños,
dormida Alfonsina, vestida de mar.
MIDI alfonsina_y_el_mar_2.mid
25/08/2006 GMT 1
Acorde cuatriada: Bb-7
todopiano @ 23:41
c-7b5.wav
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Re bemol. Clase video piano
todopiano @ 22:56
Suite inglesa en la menor de Juan Sebastian Bach
todopiano @ 21:39
Acordes imagine
todopiano @ 21:04
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Imagine acordes
todopiano @ 21:00
Ejercicio piano .Do-re-si (1)
todopiano @ 20:44
Ejercicio sencillo para empezar a tocar el piano.
La mano sin separar de las teclas tenerla plana curvando un poco los dedos.Para atacar el do de la mano derecha subir el dedo pulgar (no la mano) y bajarlo .Subirlo
nuevamente y bajarlo.
La mano no debe estar tensa, hacer este ejercicio en la mesa, subir y tocar la mesa. Y asi con todos los dedos. el cuerpo tiene que estar recto no curvarlo sino os
cansareis más.
La bemol
todopiano @ 19:34
lA BEMOL
Claro de luna 5,6,7 compases
todopiano @ 17:37
Después de los 4 primeros compases de claro de luna , estoy aprendiendo los 3 siguientes.
Los 4 primeros ya los sé de memoria , es un logro, ahora voy con los 3 siguientes.
La melodía se hace a la vez con el arpegio, y con la mano derecha.
La mano izquierda hace el bajo, normalmente hace el primer grado o el tercero o quinto, del acorde correspondiente. A veces hace dos notas del acorde otras hace tres
notas.
Lo hago con manos separadas, para fijarme en que acorde estoy.Luego las junto pero muy despacio.Al final hago los 7 compases que voy aprendiendo.
Hago tambien la escala de do sostenido menor para saber la tonalidad y las alteraciones, aunque esta sonata hace las escalas melodicas y armónicas de la tonalidad
menor.
Canon
todopiano @ 17:35
24/08/2006 GMT 1
Baile el gato
todopiano @ 21:46
Do mayor
todopiano @ 21:41
El piano.Historia. Grandes pianistas
todopiano @ 21:22
EL PIANO
Se puede afirmar que los origenes del piano se pierde en la noche de los tiempos. Es tradición en varios tratados históricos, de precisar tales origenes en el monocordio
inventado por Pitágoras, instrumento que usaba para la determinación experimental de la leyes de las cuerdas vibrantes, consistente en una cuerda de metal o de tripa
tendida sobre una caja de resonancia. Y aunque pueda parecer verosimil, que de tal instrumento (con el consiguiente aumento progresivo del número de cuerdas) haya
tenido origen, no solo el piano , sino tambien todos los de cuerda que aparecieron en la Edad Media, hoy en día parece mucho más cercana a la verdad hitórica que su
origen remonte a otro instrumento, ya conocido en los primeros tiempos griegos bajo el nombre de sambyke, el cual no era más que la antiquisima sabekka o sambuka
babilonense, conocida tambien por los Asirios. En Alemania lo encontramos en los tiempos de las cruzadas, con el nombre de : sambjut, y más tarde :psalter (salterio).
En Italia este mismo instrumento era conocido ya, varios siglos antes, siendo muy probable que los italianos lo hayan heredado de las costumbres griegas. El salterio
comprndía un número bastante de cuerdas; en efecto , según el gramático Pólux de Naucrates (fin del siglo II d. C.) la sambike poseía treinta y cinco cuerdas tocándose
ya directamente con el dedo o bien con el auxilio de un plectro. Pretorio en su Organographia lo denomina instrumento de puerco, porque su forma recuerda una tanto, a
la de una cabeza porcina. Y Atanasio Kircher escribia en su Musurgia, que el salterio tocado por una mano experta no le iba en zaga a ningun otro instrumento, tanto
por la pureza argentina del sonido, como por la perfección de la entonación. Ningún ejemplar de este instrumento nos ha llegado , pero es posible tener una clara idea
del mismo, gracias a las numerosas pinturas y esculturas antiguas. Entre aquellas preciosas imágenes hemos de recordar la que se encuentra en el Triunfo de la muerte
de Orcagna, en el cementerio de Pisa en la que el salterio esta representado con las cuerdas divididas en grupo de tres, afinado evidentemente cada grupo al unisono,
para obtener mayor intensidad de sonido, precisamente como el piano moderno.
Antiguamente, pianoforte o clavicémbalo. Instrumento de cuerdas percutidas,con teclado,provisto de dispositivos mecánicos que permiten obtener los diferentes
matices, de donde procede el nombre de pianoforte, que al principio no fue más que un calificativo del clavicémbalo de martillos.Fué inventado casi simultaneamente a
principios del siglo XVIII por Bartolomeo Cristofori, en Florencia ; por Marius, en París, y por Gottlob Schróter, en Sajonia. Se coincide en considerar a Cristofori
como el primer fabricante de instrumentos que sustituyó los martinetes de clavicordio por martillos, pero golpeando las cuerdas por encima y que invento el apagadosr.
Dió a conocer su invento en 1711 bajo el nombre de gravicembalo col piano e forte. Marius que en 1716 lo presentó lo llamó clavecins à maillets. Shroeter en 1721 ,
presentó al Elector de Sajoniaun sistema particular de martillos que él aplicó a partir de 1717; el ensayo de Schroeter fue continuado y perfeccionado por Gottfried
Silbermann fabricante de órganos en Freyberg (Sajonia) , quien, a partir de 1720 , fabricó los primeros Hammerclavier ,pero no merecieron la aprobación de Juan
Sebastian Bach; él fué el primer y principal propagador de este antepasado del piano moderno en Alemania, en donde los pianos de mesa aparecieron en 1758. Zumpe ,
uno de los obreros de Silbermann, llevó a Inglaterra en 1760 los procedimeintos de su maestro. Por primera vez se oyó el pianoforte en Londres en 1767
Hacia 1770. el hijo menor de Bach ,Johann Christian, fué el primero que tocó en público en un pianoforte. Más de medio siglo pues tardó el instrumento en desalojar el
clave de la práctica y del favor de los músicos y del público.
En 1768 Harry Walsh dió un concierto en Bublin (Iralanda) para presentar el tan admirado instrumento llamado el forte piano, y el fabricante de órganos y
clavichémbalos F. Weber , amigo de Häendel, estableció en 1770 la primera manufactura de pianos. El nuevo instrumento se hizo de uso general en Inglaterra , en
donde empezó a sustituir al clavicémbalo en la orquesta . Aún existe en la actualidad un piano de Weber, que lleva fecha de 1774. En 1765, en Londres se hizo probar al
joven Mozart un piano de dos teclados , del fabricante de intrumentos musicales Tschudi, imtento que no tuvo el menor exito. El piano penetró en Francia hacia 1760,
desde Londres, donde su fabricación era muy activa . M. de Brinqueville ha citado una mención de venta de un piano en París , ya en 1759. En 1769-70, Virvés hijo, de
nueve años de edad tocó en París en el Concert Spirituel , con un nuevo instrumentos de martillos, especie de clavicénbalo, de forma semejante a los de Inglaterra , y
que fué hecho en Alemania siguiendo los principios de señor Virvés; éste era organista en Saint Germain lÀuxerrois ; se ocupaba activamente en la fabricación de
instrumentos de música, y estuvo trabajando en tal instrumento desde 1766. En 1772, el célebre organista Balbastre presentó él mismo a los oyentes del Concert
Spirituel un nuevo fortepiano aumentado con un mecanismo de flauta.
Los anuncios de los periodicos franceses ofrecen a munudo pianos, a partir de 1772 aproximadamente. En 1776, ya había dejado de ser un objeto raro.La supremacia en
la fabricación fué conquistada bien pronto en Francia por el alsaciano Sébastien Érard, establecido en París en 1775, y que, junto con su hermano, empezó
construyendo sus pianos con dos cuerdas y cinco octavas.Construyó su primer piano en 1777, y en pocos años sus instrumentos superaron a todos los de Francia,
Inglaterra y Alemania. Hacia 1786 estaba definitivamente asegurado el uso del pianoforte y Érard dió más impulso a sus inventos; construyó pianosde mesa de tres
cuerdas. modificó el calíbre de éstas, agregó un doble pivote al mecanismo de los martillos, produjo en 1790 ,pianos de mesa de gran tamaño, y en 1796, pianos de cola
de tres cuerdas y cinco octavas. Pascal Taskin tabién fafricó algunos pianos hacia 1786-1790.
PIANO
En dicha época, en el mecanismo no figuraba ningún sistema de escape, aunque el principio de éste se cococia desde hacia mucho tiempo. Los martillos estaban
guarnecidos de cuero; el fabricante Pape, de origen alemán, pero establecido en París, fue quien revistió por primera vez los martillos de fieltro, hacia la misma época.
En un piano de Taskin conservado en el museo de Belin, cada sonido lo da una sola cuerda doblada en una de sus extremidades, en lugar de darlo dos cuerdas vecinas y
separadas; esta cuerda única está retenida en su doblez por un gancho con rosca, que regula sus tensión. Fue este un invento de Taskin que fue reproducido después ,
pero que no se extendió mucho. En 1789, Southwell, de Dublin, que habia sucedido a Weber, inventó en piano vertical, y lo amplió a seis octavas, de fa a fa,,
extendiendo su parte aguda; presentó su instrumento en Londres en 1793, y pronto se atrajo las felicitaciones de HAYDN;
Piano de la fábrica de Broadwood en el que compuso Beethoven sus últimas sonatas. Backer y Broadwood, importantes fabricantes londinenses de
instrumentos de música, rivalizaron con sus colegas de Irlanda; este último que perfeccionó el sistema de mecanismo seguido por Cristofori y SILBERMANN ( origen
del mecanismo llamado inglés), presentó a su vez un piano de seis octavas, pero de do a do. A partir de 1795 o 1976, el ilustre pianista CLEMENTI emprendió la tarea
de perfeccionar el instrumento, y por espacio de seis años se dedicó exclusivamente a la construcción de pianos; existen todavia pianos de su marca, cuya firma continuó
por espacio de mucho tiempo su explotación, y se alaba la elegancia discreta de su forma y la admirable nitidez de sus sonidos, por los que algunas muestras
supervivientes aún son todavía un motivo de orgullo. En la misma época , el excelente maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo Ignacio Pleyel, cuyo cargo fue
suprimido por la revolución, marchó a París , atraido quizá por S, Érard (1795)y, después de fundar un almacén de música, a partir de 1805-1807, púsose a fabricante
de pianos. I. Pleyel introduce en la construcción de este instrumento perfeccionamientos en parte personales y en parte tomados del inglés Broadwood. En 1810
anunció su piano con tamboril, en el que un pedal golpea una membrana provista o no de cascabeles; entonces se aseguraba que no es posible imaginar el atractivo que
esta adicción da al piano.
Pero fue Érard , en 1822, quien alcanzó el punto de perfeccionamiento de la fabricación mediante el invento de su mecanismo de doble escape, que
estuvo buscando por espacio de cuarenta años. A partir de aquel momento rivalizaron las manufacturas de Pleyel y de Érard, y las casas de eston nombres figuran aún ,
en la actualidad, entre las primeras marcas del mundo.
Imagen romántica de Beethoven componiendo su sonata Claro de Luna.
En la fabricación de un piano moderno entran diferentes clases de madera: roble, haya, abeto y nogal de América para la armazón en que estan tendidas las cuerdas;
peral, cormal, carpino y arce , para el mecanism; tilo. para el teclado; maderas exóticas para el chapeado del mueble; acero fundido para el marco de una sola piezaque
constituye el esqueleto del piano, hierro forjado o acero para los bordes, alambre de acero envuelto en un alambre de cobre enrescado para los bordones,etc; además
ébano y marfil para las teclas , y piel de búfalo y paño para el mecanismo. La tensión de todas las cuerdas reunidas de un piano puede alcanzar una fuerza de 24
toneladas. La exactitud del sonido ya la calidad de su timbre dependen de la tensión de la cuerda y del punto en donde la golpea el martillo .
La calidad de la pulsación se manifiesta gracias a la sensibilidad que da el mecanismo el sistema de doble escape . Después de 1870, unos obreros alemanes empleados
en las manufacturas francesas trasportaron a Alemania y a América los secretos de Érard y Pleyel, y hasta época no empieza la nombradía de la fabricación alemana y
norteamericana de pianos.
El piano, derivado del clavicordio, influyó a su vez a éste: hacia 1720 se construyeron clavicordios independientes, con una cuerda por cada tecla; enseguida se les
aplicó el sistema de los apagadores. Pero ello no logró salvar al viejo instrumento Por otra parte, se dice que el piano tomó de la espineta el pedal de sordina,
innovación que se atribuye al fabricante Pietro Prosperi, de Siena, hacia 1700. Pero no parece que fuese de empleo corriente. Sin duda este pedal fue la caracteristica de
los clavecines celestes de Southwell, en 1779, y se le vuelve a encontrar con el mismo nombre de los pianos, hacia 1830.
El pedal senza sordini, que levanta los apagadores, no aparece en las partituras de obras para piano hasta la op. 40 de Clementi (1705) , en el final, en pp, y aún no lo
usó mucho hasta 1804, en la primera edición de sus Obras completas. Aparece después en op. 10 núm. 1 de Beethoven (1787), en el pp del fin del adagio, y luego en la
op. 26 (1801) a partir de la variación v, pero el compositor no lo emplea corrientemente más que en su op. 31, núm. 2 (1802). El pedal unicordio, con apagador o sin él,
desplaza el mecanismo de los martillos, de tal manera que éstos solo golpean una cuerda a la vez. Ya casi no se fabrica, y ha sido suplido por la sordina. Por último, el
pedal de tamboril sólo tuvo una existencia efímera. Los pianos generalmente no tienen más que dos pedales: el pedal sordini a la derecha, y el de sordina o celeste ( o
alguna vez, en su lugar, el pedal unicordio) a la izquierda.
Como se hizo con cierto número de clavicémbalos antiguos, se fabricaron para el piano teclados de pedales o pedaleros, Schumann, en Alemania (en 1845, y Boëly, en
Francia, en el transcurso de toda su carrera escribieron tan solo unas piezas para pianocon teclado de pedales (última edición de Boëly ,op. 18, 1855). No es necesario
hacer resaltar el creciente favor del pianoforte a partir de la época de su perfeccionamiento, desde 1770 aproximadamente. Mientras Voltaire comparaba
desdeñosamente su sonido con el de un caldero (1774), y hacia resaltar, en cambio, la exquisita sonoridad de los clavicembalos, los virtuosos se habituaron poco a poco
al nuevo instrumento. Las promeras sonatas de Haydn, de Mozart y de Clementi aún estan compuestas para clavicémbalo; a partir de 1777 se ve que ordinariamente
llevan la indicación : para clavicémbalo o pianoforte; poco a poco pasa a último término el primero. Beethoven escribe únicamente para piano ( su primera sonata es de
1795). En 1822, Cherubini, director del Conservatorio de París, ya se manifestaba alarmado por el excesivo número de alumnos de piano ( 41 mujeres y 32 hombres )
que estaban presentes en el momento de su llegada; encuentra que esta abundancia es abusiva y perniciosa y se propone reducir a 15 o 20 para unos y otros el número de
admisiones. Una disposición publicada unos días después de la fecha de su carta fijaba dicho número en 15 alumnos y 3 oyentes para cada sexo ( 31 mayo 1822).
La música de piano se escribe sobre dos pentagramas
, por lo común uno para cada mano, y que se reparten a la vez la extensión del teclado y el cometido de cada mano. Suele escribirse con clave de sol en segunda linea la
parte destinada a la mano derecha, y con clave de fa en cuarta linea, la parte correspondiente a la mano izquierda. Boëly, en la primera edición de sus Caprices (1812) ,
usaba todavía la clave de do en cuarta linea para ciertos pasajes de la mano izquierda, que en agudo iban más allá de la extensión de la clave de fa. Pero como iba
perdiéndose entre los pianistas el uso de la clave de do, en la segunda edición de la misma obra hubo que sustituirla por las demás claves que se habian hecho corrientes.
Para reemplazar la clave de do, y en especial para hacer más clara la disposición armónica de las partes y la de una melodía central esencial, algunos pianistas
románticos empezaron hacia 1830 a escribir en ciertos casos algunos compases en tres pentagramas: Liszt, Schumann, Henselt. En nuestros días la escritura de
música de piano en tres pentagramas es cada vez más frecuente, tanto para distinguir el movimiento de las partes y hacer resaltar un tema, como para evitar las lineas
adicionales en la clave de fa, y facilitar la lectura de los pasajes que exigen un cruce de manos. Ejemplos de disposición de tres pentagramas vense en Las Goyescas
(1912), números 2 y 4; sonata dÍndy, op. 63 (1907). En la música moderna no suelen usarse tres pentagramas, ni en el jazz, solo se usan los dos pentagramas.
En cuatro pentagramas , Preludio , de Rachmaninov.
Piano de boca : término criollo con el que se designa una armónica con lengüeta de metal.
Piano mecánico : inventado y contruido en París por Debain, hacia 1850. Su sistema consistía en añadir a un piano vertical una segunda serie de martillos puestos en
movimiento por un sistema de palancas. Se construyeron otros pianos sobre principios análogos. El modelo llamado simplemente piano de manubrio se extendió mucho
en Italia e Inglaterra. Desde fines del siglo XIX se produjeron gran número de sistemas diferentes, que se disputaron la clientela de aficionados no músicos , de cafés; la
pianola, patentada en 1898 funciona con mecanismo de aire comprimido. Consiste en un aparato adaptado al teclado de un piano ordinario y movido por un sistema de
pedales, que acciona el desarrollo o despliegue de papeles perforados que contienen la notación de la obra que ha de ejecutarse. Cada agujero determina el movimiento
de una semitecla que golpea la tecla deseada del piano y substituye los dedos del ejecutante. Dos dispositivos combinados regulan el grado de velocidad de este
martilleo. Los fabricantes han imaginado varios perfeccionamientos para obtener matices de movimiento e intensidad. El sistema llamado metrostilo consiste en un
trazado sinuoso que en toda su longitud lleva el rollo de papel perforado, y que sirve de guía a una aguja moderadora.
GRANDES PIANISTAS DE LA HISTORIA
Una de la razones que explica la enorme importancia que tiene el piano en la historia de la música, reside sin duda, en el hecho, que , desde Clementi, todos los grandes
compositores fueron al mismo tiempo insignes técnicos del teclado, a excepción de Berlioz y de Wagner. Ya antes del advenimiento del piano,, los más grandes
músicos, habian sido a la vez virtuosos , ya del órgano, o del clave
, y en menor escala del violín. De este hecho se deduce evidentemente, el porque de la función que tuvo el piano como instrumento inspirador de obras maestras, como
tambien explica la considerable influencia que tuvo en la evolución de la música en general y particularmente en la armónica y aún en la orquestación. Por otra parte, se
puede observar, que no es sólo suficiente un buen conocimiento teórico de la técnica pianística, para escribir música, con la consiguiente pretensión de valorizar
plenamente los infinitos recursos del instrumento, ( como puede acontecer con el violín o el violoncelo, instrumentos para los cuales grandes maestros han escrito
conciertos sin saber tocar ni uno ni otro), pero si, es indispensable que el compositor sea al mismo tiempo un pianista virtuposo.Condición esencia plenamente
confirmada por la historia.
Uno de los primeros músicos ,aunque no se encuentre entre los pianistas propiamente hablando, fué sin embargo , el que echó las primeras bases de la técnica moderna
del piano: este es Karl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastián, (1714-1788). En su famoso Versuch über die wahre Art das Klavier zu spielen (Berín, 1759 y
1762) , él , encaminado por la enseñanza paterna establece ciertos principios esenciales de la ejecución pianística, mediante los cuales, la digitación encuentra por
primera vez una estabilidad racional y definitiva, especialmente en lo que se refiere al uso del pulgar, del cual, Bach "junior" reconoció finalmente su gran importancia,
fijando los puntos de apoyo en las diferentes escalas, Y se anticipan tambien a auqellos tiempos los múltiples consejos y observaciones del autor, a fin de conseguir un
estilo cantábile, preocupación evidente en ese hermoso libro, cuya lectura aún hoy día puede reportar sumo provecho.
VISITAR: PIANO
VER TAMBIEN KARL PHILIPP BACH
Piano de Cristofori
El primer nombre de auténtico pianista que encontramos en la historia, es el del romano Muzio clementi (1752-
1832), llamado con todo derecho "padre del piano". De su admirable arte de ejecutante dan fe las crónicas de su
tiempo. Su escritura pianística nos pone ya en presencia del nuevo estilo instrumental, posible ahora por la invención
de Bartolomeo Cristofori: sonoridad vigorosa y compacta en cada nota, contraste constante entre ligado i picado,
limitación considerable de los antiguos adornos y, finalmente, gran variedad de colores. Son éstos los elementos que
constituyen el nuevo arte, y que fueron realizados plenamente por Clementi, espiritu fundamentalmente clásico,
educado en las más severas disciplinas de la polifonía, y en fin, creador genial de magnificas Sonatas para piano,
como tambien de varias magistrales Sinfonías, algunas de las cuales recientemente dadas a luz por Alfedro Casella.
Otro gran título de gloria del autor del Gradus, reside en la gran influencia que su arte pianístico ejerció sobre
Beethoven, influencia confesada por éste mismo.
Es conocida la rivalidad entre Mozart y Clementi , ambos tocaban diferente, Mozart nació cuatro años después que
Clementi. Tocaba Mozart el clave pero no ignoraba el piano, lo tocaba en los conciertos, pero ejercia el piano poca
influencia en él.Clementi fue muy entusiasta del piano desde muy joven, convirtiendose en su más convencido y
combativo defensor, publicando ya en 1770 sus tres Sonatas para piano op. 2, pudiéndose considerar desde muchos
años, como un pianista. Es probable también que el tipo de piano utilizado por ellos haya influido en su diferente
estilo: en efecto Mozart usaba pianos vieneses, muy fáciles y brillante, mientras que Clementi tocaba en pianos ingleses, de sonoridad mucho más potente, más llena,
ofreciendo por consiguiente los medios de un pianismo más sinfónico. Por estas razones, hoy se puede precisar aquella famosa rivalidad entre Mozart y Clementi como
el contraste entre dos opuestas tendencias: la que encontraba una completa suficiencia fónica para su lirismo, en un piano que aún no se separaba netamente del clave, y
la otra, caracterizada por un espíritu inquieto, ávido de porvenir que buscaba febrilmente de aprovechar en su mayor grado los infinitos recursos del nuevo instrumento.
Al lado de Muzio Clementi, otro nombre italiano, más o menos contemporáneo , merece ser citado : es el de Francesco Pollini (1763-1846), insigne pianista y
compositor de mérito, que fué el primero que introdujo la escritura pianistica en tres pentagramas, precediendo por lo tanto a Listz y a Thalberg, quienes fueron
considerados, y aún lo son, como autores de esa importante innovación.
(El nombre de Jan Ladislav Dussek (1760-1812) , pianista compositor que gozó en sus tiempos de difundida fama,
hoy ya no perdura más que por su Método (publicado en 1796), el cual ofrece aún alguna utilidad). Entre los
contemporáneos de Clementi, que desarrollaron las conquistas del Maestro , encontramos cinco nombres, que
forman un grupo que podríamos denominar técnico, por la acción desarrollada en el sentido de una rápiada
perfección del mecanismo pianístico. Estos son : Johann Baptist Cramer (1771-1858), Johann Nepomuk
Hummel /1778-1837), John Field (1782-1837), Friedrich Wilhem Michael Kalkbrenner (1784-1849) e Ignaz Moscheles (1794-1870). Estos cinco maestros, todos
pianistas compositores, han dejado una huella de indudable importancia en la historia pianística, constituyendo la unión , por asi decirlo para definir sintéticamente su
acción , entre el pianismo de Clementi y el de Chopin.. Aunque tales maestros hayan sido muy mediocres compositores, no es menos cierto de loa que ha perdurado de
su producción, basta para ilustrar fehacientemente la utilidad de sus actividades pianísticas. Hummel es sin duda quien de los cinco tuvo mayor influencia sobre
Chopin, como se puede comprobar en dos conciertos juveniles del gran polaco. Cramer había permanecido más cerca de Clementi, Field, discípulo de Clementi,
ejerció tambien una cierta influencia sobre Chopin, no solamente inventando antes que éste, la forma del Nocturno, sino sobre todo por el estilo pianístico, de suprema
elegancia y de exquisita gracia. Kalkbrenner, autor de innumerables piezas pianísticas, como la mélancolie et la gaîté, La solitude, Le brigantin ou le voyage sur mer...
fué gran técnico, contribuyendo francamente en la actividad del grupo. Moscheles, aún hoy, deja al estudioso sumo provecho, y el primer Chopin lleva rastros evidentes
de su influencia, aunque no tan visible como la de Hummel.
Al lado de este grupo de cinco nombres bien conocidos por todos los estudiosos , hemos de recordar el del insigne Karl Czerny (1791-1857), el genial pedagogo , que
supo coordinar todas las actividades y todas aquellas adquisiciones, orientando en forma definitiva el virtuosismo del piano. Franz Liszt fué su discípulo . Czerny ,
hombre de excepcional cultura general, fué sis duda el más grande enseñante que recuerda la historia de nuestro instrumento. Su imaginación didáctica era incalculable.
Creó el principio de que no es suficiente un único método, pero si tantos métodos cuantos sean los alumnos. Entre sus méritos mayores, deben recordarse la primera
edición del clave de Bach, utilizada aún hoy, edición que no fué mejorada por tantos largos años; la primera edición (Viena 1839), de un volumen de Sonatas de
Scarlatti ( esta publicación se debe en parte al entusiasmo que Liszt profesaba al gran Domenico), y en fin, la estupenda síntesis general que constituye un esfuerzo
cultural vedaderamente excepcional que cierra su gran escuela del piano, y que , bajo el título de Kunst des Vortrags (arte de la interpretación) enseña cómo se ha de
ejecutar cada uno de los compositores : Mozart, Haydn, Clementi, Cramer, Beethoven, Ries, Hummel, Moscholes, Meyebeer, alcanzando finalmente hasta
Thalberg, Chopin y Liszt.
Es un tanto dificil imaginarse cómo se desenvolvía la vida concertística a principios del siglo pasado. El número de conciertos era tal, que los artistas con cierta
frecuencia, daban hasta dos por noche. Las salas estaban llenas hasta el tope de un público radiante de felicidad y con una sobreabundante dosis de buen humor, que
aplaudía más o menos en la misma forma atronadora cualquier número que se le presentara, Los programas eran inverosímiles, y reinaba en ellos la más amable
confusión de todos los géneros musicales. Kalkbrenner ejecutaba, por ejemplo, piezas como Le reveil du lion o souvenir de mon premienr voyage, y después una
oruqesta interpretaba una Sinfonia de Beethoven. Otra noche, la Malibrán (célebre soprano (1808-1836) , se sentaba al piano acompañándose ella misma un rataplán, y
después cantaba canciones andaluzas con acompañamiento de guitarra, ejecutada tambien por ella. A la Malibrán le seguía una duquesa inglesa , que el programa
presentaba como la titular de la más fea voz nasal del mundo, cantando Home sweet home. Thalberg tocaba valses vieneses, con obligatem Schnippchen (golpecitos
dados sobre la tapa del instrumento). Moscheles solía despertar un verdadero delirio en el público , tocando con la mano al reves y el puño cerrado.
Además constituían la base de los programas, ciertas fantasía sobre motivos de óperas, o bien variaciones de cantos populares italianos, españoles, escoceses,
irlandeses, polacos... Al principio , el piano era muy pocas veces tocado solo, y era siempre acompañado por la orquesta. Sin embargo, su uso como instrumento solista
se desarrolló rápidamente. Los pianistas eran casi todos compositores y, como tale, tocaban casi siempre en forma exclusiva su propia música, que consistía ante todo en
trozos fúnebres de circunstancias , tales como Le tombeau de Bethoven o de Schubert; luego se sucedían los recuerdos de viajeen los que pasaban todas las ciudades
ríos y montañas de Europa, con títulos como los siguientes : Les charmes de París, o Le retour á Londres; los incendios que constituían tambien una fuente de
inspiración en aquellos tiempos, si nos atenemos a la copiosa cantidad de títulos como : Líncendio di Mariazell o Le ruine dellíncendio di Vienna-Neustadt, o
Líncendio al villaggio vicino.Los mismos compositores eran eximios improvisadores, y como tales tenían que compilar un programa de acuerdo a lo que el público se
le ocurriera pedir. Mas, con el correr del tiempo fué penetrando en el teatro una mayor seriedad artística; en efcto, las Cortes cesaron ya de cenar ostensible y
ruidosamente durante los actos; las cantantes abandonaban sus arabescos y carcajadas y, por fin, se dejo de silbar al tenor que no hubiera dado la mano a la dama
durante un dúo. Y así, tambien el concierto dejó de ser un pasatiempo mundano, tendiendo cada vez más a elevarse hacia una mayor austeridad y una intensa
religiosidad.
Alfredo Casella (el piano).
VISITAR
MUZIO CLEMENTI
Beetthoven ocupa en la historia del piano, la misma altura a la que llegó con su sinfonismo. Muchos de sus contemporáneos nos dan fé de sus notables cualidades
pianísticas : Beethoven , dice Ries, ejecutaba como una fuerza de la naturaleza . No se admira en él ninguna ostentación de bravura técnica, ningun virtuosismo
vanidoso que tuviera por fin a si mismo, al contrario, todos quedábamos asidos por esa manera de tocar tan expresiva y grandiosa. Era en realidad un estilo netamente
personal, mediante el cual la música parecia a veces, encauzar y combatir , o bien impedir y murmurar ( Oscar Bie, Das Klavier und seine Meister). El ritmo era el alma
de su ejecución, y sobre éste, basaba cualquier tecnicismo pianístico. En la Biblioteca del Estado de Berlin se encuentra un ejemplar de los Estudios de Cramer, en el
cual Schindler anotó una serie de observaciones de Beethoven ( que mucho estimaba tales estudios). Se trata de comentarios musicales y técnicos como sólo podría
formular un gran creador, quien sabía entresacar de esas composiciones, el verdadero valosr expresivo, ahi mismo donde otros no veían otra cosa que un significado
didáctico. Subordinaba a la expresión cualquier problema mecánico, considerando siempre la técnica como un simple medio de poder alcanzar aquélla . Beethoven supo
de inmediato infundir al piano un nuevo potente impulso y el instrumento conocío a través de sus creaciones, una evolución técnica que no ofrece un ejemplo similar la
historia del mismo. Es suficiente para comprobarlo, confrontar las tres primeras Sonatas op 2 (1794(, con la ciclópea sonata op. 106 (1818), para cercionarnos de la
inmensa y prodigiosa evolución experimentada. Beethoven entra dentro de los grandes maestros que alcanzaron fama como virtuosos de su instrumento.
El primero de lor románticos , Karl Maria von Weber (1786- 1826), fundador de la ópera nacional alemana , fué también un concertista de piano de gra valer que
abandonó prematuramente la profesión de virtuoso, no por haber dejado de alcanzar grandes éxitos , sino porque su doble carrera teatral, de compositor y de director, no
le dejaba tiempo disponible para otra actividad. De todos modos , sus obras pianísticas no pueden dar una clara idea de su manera de tocar: nerviosa, brilante,
caprochosa, embellecida con una sensibilidad expresiva como pocos pianistas han alcanzado.
Al lado de Weber , encontramos los nombre de Felix Mendelssohn-Bartoldy (1809-1847) y de Robert Schumann (1810-1856)- En la carrera poliédrica y meteórita
de Mendelssohn, la actividad del pianista ocupa una gran parte. De Schumann, sabemos que habia iniciado una brillante actividad de concertista, truncada más tarde por
un desafortunado percance, que se ocasionó en un dedo. Pero tuvo como compañera de arte y de vida , a la más grande pianista del siglo pasado: Clara Wieck (1819-
1896), quien después de la muerte de su esposo , dedicó integramente su incansable energía y su admirable talento de ejecutante en la difusión de aquella obra de arte.
Poco antes de Wieck, otra mujer había obtenido grandes éxitos, dejando un nombre de sólida fama: Marie-Félicite-Denise Mooke (1811-1875), esposa del célebre
constructor de pianos, Camille Pleyel. Fué discipula de Mocheles y de Kalkbrenner, Chopin tuvo por ella una gra admiración.
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