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Audición Musical y Cultural

Actividad Complementaria
Claudia Marín Martínez

Actividad Complementaria

SESIÓN 2

Primera parte: El arte como imitación de la naturaleza

Empezaremos con la definición de arte, aunque desde un punto de vista


occidental. El concepto de arte va variando a lo largo de la historia, pero encontramos
unas constantes que tienen su raíz en la antigua Grecia. Se entiende como un reflejo,
una orden de lo que se constata. El griego concibe la naturaleza y los seres como cosas
que nacen, crecen, se transforman, mueren y se rompen. La physis es un principio
sometido al paso del tiempo y el devenir, es el primer objeto de indagación de la
filosofía griega.

El arte imita la naturaleza en el sentido de la producción artística, produce de forma


semejante, conforme a unas leyes sometidas al tiempo. Platón observa el cosmos como
algo ordenado, y así el arte y las leyes humanas no son más que un reflejo. Por otro
lado, Aristóteles, añade que en el arte la techne lleva a término lo que la naturaleza es
incapaz de completar.

Muchos artistas y escritores, como Pareyson, Schoenberg, Webern y Debussy


decían que para que algo se considere arte es necesario un cierto tipo de “misterio” en
su creación, ni lo agradable, ni lo bonito, ni la proporción. Por otro lado, Rothko
hablaba de fe en uno mismo, de una revelación que viene a completar la realidad.
Nietzsche decía “la vida sin música sería un error”, se refería a que el ser, la realidad,
está incompleta si no hay alguien que lo cante, sin las musas. Goethe habla de que en
las leyes de la naturaleza hay algo que no se puede explicar e investiga sobre estas
leyes. En el arte libertad y necesidad convergen, existe una relación dialéctica entre
ellas. Define la forma no como un recipiente que se debe llenar, sino como un ser que
crece de dentro a afuera. El arte es un traductor de lo que alguien contempla, hay un
misterio, una profundidad manifiesta.

Segunda parte: Tema 1: Fisiología de la audición

Tema 2: Psicología de la audición

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La audición en el ser humano está delimitada o influida por diversos factores, así
por ejemplo, la capacidad auditiva, la interacción con otros sentidos, la gestualidad o
teatralidad del emisor, el modo de escucha, acciones y actividades asociadas a la
escucha y/o la experiencia propia. En definitiva, el sujeto organiza las percepciones, no
es un ser invariable.

Existe gran desacuerdo en cuanto a la funcionalidad de la música. Se puede


hablar de significados desde el ámbito de la estructura misma de la obra musical, y por
otro lado, del mundo extra musical de conceptos.

Meyer enfatiza que sin un conjunto de leyes culturales no puede haber una
comunicación de conceptos. Esto solo serviría para la música tonal. Rosen dice que para
comprender la música necesitamos conocerla y Plazaola señala que la propia obra de
arte nos enseña a comprenderla y convierte al crítico.

SESIÓN 3

Primera parte. Tema 2 La psicología de la audición. 2.2. Música y significado. La


teoría de Leonard Meyer (continuación).

Meyer pone la psicología de la música al servicio de su significado, la entiende


como el conjunto estructural de la obra con el conjunto de respuestas que se producen
en el oyente, no es referencial. También hay que destacar la importancia de la cultura y
el contexto. La teoría de Meyer solo hace referencia a la música tonal, nos habla de
música como el resultado de una espera cuyo significado está fundamentado en las
relaciones internas, que no son absolutas sino relativas. La música no es un lenguaje
universal sino que cada civilización posee su propio lenguaje. Esta teoría queda obsoleta
si nos referimos a la música contemporánea1.

Rosen dice que lo que nos desconcierta de una obra es lo que esperamos
encontrar y no encontramos, entonces será la propia obra de arte la que nos enseñe a
comprenderla. A esto se añade lo bello, lo sublime, lo perfecto y, en el s. XX, lo

1
L.B. Meyer, La emoción y el significado en la música, Madird, Alianza Música, 1956.

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siniestro. Este autor afirma que se debe escuchar cada obra como si esta fuera la única,
cada obra es autónoma2.

En la segunda mitad del s. XVIII la música instrumental empieza a tener un


sentido por sí misma, sin necesidad de algo extra musical con carácter descriptivo. Pasa
a ser el arte más desligado a toda referencia externa, el arte más libre. Es el nacimiento
de la música moderna.

Tema 3. Modalidades de percepción musical (síntesis).

Segunda parte. La forma como autoexpresión y la búsqueda artística y filosófica


de la unidad de lo múltiple

Existen diferentes tipos de audición, oído absoluto, oído relativo, tonalidad


absoluta. Presenta ventajas y desventajas, algunos experimentos lo relacionan con un
mayor uso del córtex, otros una temprana edad al estudio musical.

Schoenberg dice que pocas personas son capaces de comprender la música en


términos puros, sino que se espera una representación extra musical.

Los pintores hablan de la música como el arte más independiente, la llaman la más
inmaterial de las artes, no obstante históricamente no ha sido así y la realidad es que la
música, y la arquitectura también, son las que más atadas están a las convecciones.

Volviendo a Pareyson, habla de la forma como un todo expresivo que define a


su autor. Schoenberg y Webern también escriben sobre la importancia de la forma como
autoexpresión. Stravinsky hace referencia a la importancia de observar para crear, en lo
común puede haber profundidad.

En definitiva, el contenido de la música no puede ser exclusivamente los


sentimientos traducibles a etiquetas que pueda causarnos una obra musical, en cuanto a

2
C. Rosen, Las fronteras del significado. Tres charlas sobre música, Barcelona, Acantilado,
2017.

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referentes externos, aquí se habla de la emoción estética, de una respuesta emotiva a ese
conjunto de relaciones en una obra de arte consecuente consigo misma.

SESIÓN 5

Primera parte. Tema 6. La formación musical del oído. 6.2. El oído de los
compositores: Aaron Copland.

Según Copland, escuchamos la música en tres planos distintos: el sensual, el


expresivo y el plano puramente musical. El primero por puro placer, sin pensar en ella
ni examinarla. El segundo es el plano expresivo, resulta de gran dificultad llegar a un
consenso en este sentido, aunque es obvio que toda música tiene poder expresivo este
difícilmente es explicable con palabras. Por último, el tercer plano, el puramente
musical, el plano intelectual no debe desligarse del plano sensible .

La música contemporánea compone una gran variedad de músicas. Este tipo de


música tiene que escucharse de forma diferente que la música de otras épocas.

Segunda parte. Pierre Boulez, “La estética y los fetiches”. Lectura y cuestionario.

¿Qué dice la crítica sobre las músicas contemporáneas?

Primera falacia, se trata de una música demasiado mecánica, que no mueve el


corazón, “mucha ciencia y poco arte”. La segunda es que el compositor busca la
originalidad a toda costa, entonces se produce una evolución artificial y forzada. La
tercera es que rompe el contacto con el público por un individualismo exacerbado, la
cuarta sería que el compositor de nuestro tiempo rechaza la tradición, y por último, la
quinta es que no respeta el orden natural de las cosas.

Música y ciencia han estado ligadas desde la antigüedad griega, y el desarrollo


de la música a lo largo de la historia ha sido posible por los diferentes avances
científicos. La segunda falacia es un argumento que se ha dado muchas veces a lo largo
de la historia, con enfrentamientos entra las antiguas corrientes y las nuevas.
Continuamos con la tercera, siempre ha habido distancia entre el compositor
contemporáneo y con el público, es posteriormente cuando se reconoce su arte. La

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cuarta, las obras contemporáneas tienen una clara continuidad histórica que queda
patente en sus formas y elementos. En cuanto a la última, todo nuestro sistema musical
está basado en algo artificial.

Tercera parte. Videoconferencia: la forma como autoexpresión y la búsqueda


artística y unidad de lo múltiple (2ª parte)

Stravinsky dice que el creador no busca la inspiración en cosas complejas sino


en las más simples y rutinarias. Se trata de observar las realidad común. El compositor
se remite al problema de lo uno y lo múltiple que nace de una tendencia a la unidad,
aunque haya variación. La variedad busca semejanza aunque esté escondida. Se busca la
unidad a través de la multiplicidad. Beierwaltes dice que la unidad une los opuestos.
Platón dice que la dialéctica es eso, el arte de ir de lo uno a lo múltiple. María
Zambrano dice que la belleza está en lo uno y lo múltiple, el uno es un abismo. Hersch
define el arte como algo que no termina de mostrarse, algo que se manifiesta de una
manera luminosa.

La suprema concreción de la forma con un significado universal. Schoenberg


dice que el arte define lo ilimitado con lo limitado.

Para concluir, la definición de la música y la búsqueda de su verdad absoluta es


algo que ha ido variando a lo largo de la historia y ha dependido de las diferentes
culturas. En occidente, la música ha alcanzado unos niveles de sofisticación muy
elevados, los cuales por desgracia, en muchas ocasiones, han hecho que el público no
presentase gran aceptación en un principio, por resultarle demasiado ajena.

A lo largo de los siglos se han ido explotando los diferentes elementos musicales,
melodía, ritmo, armonía, textura y timbres. Cada compositor ha presentado un sello
personal y una manera especial de tratarlos.

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