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À GAGNER ! FILIÈRES ÉTUDES FORMATIONS

avec
2 logiciels Ableton Live
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la
Enquête
Musique
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de votre musique en ligne
Secrets de studios
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Hanni El Khatib, noJazz,
Kid Wise et Metro Verlaine
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Compose
vos morceaux
Créez vos rythmiques basse et batterie
Comprendre et utiliser les effets
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Jamaica Jamaica !
o 9 et Artist 9 à la Philharmonie de Paris

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Mixon 4, Embertone Sensual Sax,IK Multimedia iRig Acoustic Stage, Mixvibes Remixvideo, Orchestral
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Numéro 325 - avril 2017 • All./Esp./Gr./Ita./Port. (Cont.) : 9,20 € - Bel./Lux. : 8,80 € - Canada/A : 14,95 $c - Canada/S : 13,50 $c - DOM/A : 9,99 € - DOM/S : 8,80 € - Suisse : 14,70 CHF - TOM/A : 1560 XPF - TOM/S : 1190 XPF =
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voix, le chant et les instruments acoustiques avec une très haute résolution • iPod touch®
tout en apportant une chaleur particulière. Le MK4 digital intègre un • Mac®
convertisseur Analogique/Numérique haut de gamme, répondant aux
attentes des studios modernes. • PC

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édito
Numéro 325 ‐ avril 2017 • www.facebook.com/KeyboardsRecording
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Société éditrice : Blue Music
Sarl au capital de 1 000 € • www.deezer.com/profile/455827441
RCS Orléans : 794 539 825
Siège social : 19 rue de l’Étang‐de‐la‐Recette, 45260 Montereau
Directeur de la publication et représentant légal :
Jean‐Jacques Voisin

Service abonnements et anciens numéros

1987‐2017 :
Back Office Presse  12350 Privezac
Tél. : 05 65 81 54 86
Tarif abonnement : 10 numéros , 44,90 €
Depuis l’étranger : +33 5 65 81 54 86
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Rédaction :
9 rue Francisco Ferrer, 93100 Montreuil
Tél. : 01 41 58 61 35
30 ans déjà !
E‐mail : kr‐homestudio@bluemusic.fr
Responsable de la rédaction et rédacteur en chef: Comme nous l’évoquions le mois dernier, 2017 est pour KR une année d’importance
Thierry Demougin
Secrétaire de rédaction: Olivia Clain car elle fête les trente ans d’existence du magazine. Né à l’été 1987 sous le nom de
Maquette: Alex Delarge Keyboards, votre magazine a su évoluer, s’adapter aux nouvelles technologies et
Ont écrit dans ce numéro : Klaus Blasquiz, François Bouchery,
Éric Chautrand, Olivia Clain, Harry Cover, Patrice Creveux, tendances. Nous souhaitons pouvoir partager ces années écoulées avec vous et nous
Michelle Davène, Anatole Demougin, Thierry Demougin, Philippe
David, Di Pascali, Manuel Dubigeon, Pierre Emberger, Pierre Estève, vous invitons à nous retrouver sur notre site, sur notre page Facebook pour répondre
Laurent Gilot, Pierre Jacquot, Philippe Ragueneau et Vincent Villuis. à notre appel à témoignages : « Que faisiez‐vous durant l’été 1987 ? », et si possible
Crédit photo couverture :
© cdd20@pixabay.com photo à l’appui… Ce numéro d’avril est également le moment, et nous en sommes
© Adrian Boot pour Jamaica Jamaica !
très fiers, de vous annoncer le retour très prochain de notre grand appel à démos
Publicité : pour les KR découvertes, millésimées 2017. Nous annoncerons la nouvelle procédure
Directrice de clientèle : Sophie Folgoas
Tél : 01 41 58 52 51 de participation dès la prochaine parution…
E‐mail : sophie.folgoas@guitarpartmag.com En attendant, bonne lecture de ce numéro riche en informations, et que Jah soit avec
Production/Fabrication vous. Musicalement. Thierry Demougin
Responsable : Georges Fonseca

N° commission paritaire : 05 18 K 80593

N° ISSN : 1773‐1526

Le concours
Dépôt légal : 1er trimestre 2017
Imprimé par : Centre Impression ‐ 87220 Feytiat
Distribution : Presstalis
Diffusion en Belgique :
AMP ‐ Rue de la Petite Île, 1 B ‐ 1070 Bruxelles
Tél. : (02) 525.14.11 ‐ E‐mail : info@ampnet.be
Les indications de marques et adresses qui figurent dans les pages
=,1,2

2017
rédactionnelles sont fournies à titre informatif, sans aucun but publicitaire.
Toute reproduction de textes, photos, vidéos logos, musiques publiés dans
ce numéro est rigoureusement interdite sans l’accord express de l’éditeur.

Pour la 7e année consécutive, KR Home‐Studio, le magazine de la

création et de la production musicales, continue de soutenir la création,
toutes musiques confondues, et plus spécifiquement votre travail
et vos œuvres à travers un concours inédit, ouvert à tous les artistes
et tous les groupes non signés sur un label ou une maison de disques.
Vous pourrez bientôt nous faire parvenir vos créations originales.
Après sélection, les titres retenus par notre jury feront l’objet d’une sortie
compilation numérique sur notre site dès l’automne prochain.
Rendez‐vous dans notre prochain numéro et sur
www.kr-homestudio.fr

Résultats concours
Les gagnantes du concours du numéro 323
qui mettait en jeu deux claviers Yamaha Reface sont :
Christelle Antier (93) et Sandrine Piszcz (95).

avril 2017 I KR home-studio #325 3

 sommaire KR home‐studio ‐ n°325 ‐ avril 2017

3 édito tests multimedia

57 • Embertone Sensual Sax

© Asato Lida
4 sommaire
5 KR downloads : • IK Multimedia iRig Acoustic Stage
Reverb SOLO par Reverb.com bons plans
60 freewares
6 news 62 samplemakers :
• Orchestral Tools Metropolis Ark 2
6 jeux : Back to School • Hidden Path Audio Barrage
8 news • Ueberschall DiscoTape
& Cinematic Guitar Loops
12 découvrir
autoprod
12 enquête : éditeurs B2B,
66 samplemakers downloads
67 web ressources
68 chroniques : albums
71 chroniques : spécial TuneCore
24
le nouvel eldorado ?
16 music business : Musikmesse 72 créer
et Prolight + Sound 2017,
l’épicentre musical européen masterclass
18 studio des potes 72 composez vos morceaux
19 Sacem découvertes reggae/dub
reportages prise en main
20 tendance : le revival 82 comment ça marche :
des modulaires (part 2) théorie musicale (part 4),
22 les métiers de la musique :
association Accents du Sud,
une histoire de bon accord…
86 techniques de mix : Tips & Tricks,
30
40
plate‐forme festivalière et culturelle réverbérations spécifiques (part 1)
artistes sos studios
24 rencontre : Hanni El Khatib 88 les bases du MIDI
26 rencontre : noJazz 90 sos Mac
28 ils arrivent : 91 sos PC
• Kid Wise 92 questions > réponses
• Metro Verlaine 93 le sens du son : 432 ou 440 Hz ?
la santé par la fréquence
30 explorer [en couverture]
94 vintage
30 études, formations :
les filières pour travailler 94 légendes du son : Al Jarreau
dans la musique 95 Harry Cover / compils, lives, BO…
96 le don du son : Jean‐Hugues Morvan
40 choisir
Artwork de Tony McDermott pour le label Greensleeves, 1977‐2009.
Collections Tony McDermott & Greensleeves Records
ils ont fait l’histoire
98 Moog Polymoog
gros plan logiciels
40 Steinberg Cubase Pro 9 /
Cubase Artist 9
tests logiciels 65 concours
72
44 UVI World Suite
Concours de mixage Ina‐KR
46 Nomad Factory Bus Driver
48 U‐He Repro‐1
tests audio pro
50 Focusrite Scarlett OctoPre
Dynamic
52 Mackie XR624
81 concours
tests DJ Style
54 Reloop Mixon 4
56 Mixvibes Remixvideo
Gagnez deux logiciels Ableton Live
Standard Starter Kit
> Vous abonner : page 58
Anciens numéros : page 85

4 KR home-studio #325 I avril 2017


Accédez au contenu de ce numéro KR325 grâce à un code unique qui vous permettra de télécharger des
éléments exclusifs sur votre ordinateur : KR325_u936k. Le code fourni vous permet d’accéder à un lien via lequel
vous pourrez rapatrier votre « KR Download », soit une version exclusive du plug de réverb proposé par Acon
Digital pour le site Reverb.com, et pour vous lecteur de KR, mais aussi une importante sélection de samples
proposés par divers éditeurs. En bonus, vous trouverez les exemples audio et MIDI de notre masterclass sur
les rythmiques de Jamaïque.
§ Effet de réverbération
Reverb SOLO
Nous le savons tous, abondance
de biens ne peut nuire. Et là, c’est un
très beau cadeau qui se profile avec
cette Reverb SOLO, une réverb en
plug‐in fantastique, bi‐plate‐forme,
issue de l’algorithme créé pour la
fameuse Verberate d’Acon Digital,
l’une des meilleures du genre sur
le marché. Ne vous reste plus qu’à
suivre le guide pour la rendre vôtre !
D’abord télécharger : Comme
d’habitude, c’est la première phase du
cadeau du mois, rapatrier les quelque
16 Mo d’archive compressée que
représente cette Reverb SOLO à
l’adresse suivante : https://reverb.com/
software/effects/acon-digital/
47-reverb-solo. Mais d’abord,
il convient de vous créer un compte
sur le site Reverb.com, un nouveau
venu sur la planète web musique
dans notre langue, et qui propose
une section plus qu’intéressante
concernant la cote des instruments de
musique. Cherchez la rubrique « Guide
de prix » dans le menu supérieur de la
page d’accueil et entrez dans le champ
votre requête pour obtenir la moyenne
des transactions ayant eu lieu
concernant votre instrument. Cela
vaut aussi bien pour une guitare qu’un
synthé, bref, c’est pratique et indicatif
sur le juste prix à proposer avant
transaction ! Dirigez‐vous ensuite
sur la page indiquée au bas de cet
article, puis cliquez sur le bouton
« Télécharger ». À ce stade, vous devez
procéder à la création du compte avec
e‐mail / mot de passe. La page détecte
automatiquement la plate‐forme que
vous utilisez et, donc, la version
adéquate de l’installeur du plug désiré,
en l’occurrence Reverb SOLO. Vous
le retrouverez ensuite à l’endroit de
réception habituel des téléchargements
sur votre ordinateur. L’installation en
elle‐même requiert environ 50 Mo
d’espace disque. En cliquant sur
« Personnaliser » durant l’installation,
vous pourrez ne retenir que la version
désirée du plug‐in, VST, AAX ou AU si
vous êtes sur Mac. Décochez les versions
inutiles (figure 1). Validez, c’est prêt !
figure 1
Sélection de la version
à installer.
Chargez, jouez et réverbérez :
Le cahier des charges imaginé par
Reverb.com et donné à Acon Digital
était relativement concis : simple et
simple ! Une fois le plug‐in inséré
dans un slot d’envoi d’effet de votre
DAW, à partir de la sous‐rubrique
« Acon Digital », l’interface de Reverb
SOLO apparaît. En pratique, seuls
deux réglages sont proposés à
l’utilisateur, taux d’effet sur le signal
et largeur de l’espace créé.
Commencez par placer le point
orange du dial central de commande
à fond à gauche et le curseur Dry/Wet
complètement à gauche également
(figure 2). Lancez une boucle de test,
une voix, une guitare ou un groove de
drums, puis montez doucement le
curseur Dry/Wet vers la droite
(environ 1/3 de la course), jusqu’à
obtention des premières
réverbérations. Le signal produit à cet
instant correspond aux réverbs les
plus courtes et brillantes que propose
Reverb SOLO. Déplacez maintenant
le point orange du dial doucement
vers midi en écoutant les nuances de
taille d’espace obtenues. Les réverbs
sont désormais plus larges et
sombres à mesure que le curseur
descend vers la droite de sa course.
§ Samples
• Drums Of Sparta
Éditeur : Loopmasters
Nombre de samples : 12
Taille : 50 Mo
• Future Weapons
Éditeur : Push Button Bang
Nombre de samples : 20 + 1 démo
Taille : 17 Mo
• Mainstage Drum & Bass
Éditeur : Singomakers
kr downloads
figure 2
Configuration minimale :
Mac : OS X Mavericks (10.9), Réglages de départ de Reverb SOLO.
un séquenceur compatible
VST / AU / RTAS (32 bits) / AAX
PC : Win 7, un séquenceur
compatible VST /
RTAS (32 bits) / AAX
Stockez vos presets :
Dès lors qu’un réglage vous
satisfait, il devient possible de le
stocker sous forme d’un preset
à réutiliser. Déroulez le menu
placé sous le mot « Reset » et
choisissez l’article « Save User
Preset File » (figure 3)… Ne
modifiez pas le chemin proposé figure 3
par Reverb SOLO, histoire de Enregistrement d’un preset.
conserver les presets au bon endroit,
celui où le plug‐in ira les chercher.
Nommez‐le de manière explicite et très proche d’un slap‐back echo au
validez. Le rappel du preset enregistré caverneux le plus profond, tout y est.
s’effectue soit en repassant par le Sachez enfin que les deux paramètres
menu « Reset » (qui est un preset) et disponibles sont automatisables.
en sélectionnant par son nom le L’objectif de simplicité est atteint,
réglage, soit simplement en faisant y’a plus qu’à ! Éric Chautrand
défiler les flèches de part et d’autre du
mot « Reset », dès lors que plusieurs
présélections sont enregistrées. aller plus loin…
Normalement, toutes les réverbs les • www.reverb.com
plus typées sont à portée de dial, du
Nombre de samples : 14 + 1 démo
Taille : 14 Mo
Nombre de samples : 11
Taille : 30 Mo
• Neon Dreams
Éditeur : Sample Diggers
Nombre de samples : 23 § Masterclass
Taille : 46 Mo
• Exemples audio et MIDI de trois
rythmiques basse/batterie : dub,
• Rare Tones rocksteady, reggae rockers
Éditeur : Push Button Bang
Nombre de samples : 20 + 1 démo
Taille : 80 Mo
• Think Tank – Detroit
Éditeur : Loopmasters
avril 2017 I KR home-studio #325 5
 back to school en partenariat avec

Chez KR, nous vous proposons de jouer en apprenant et pourquoi pas d’apprendre en jouant.
Les solutions sont à récupérer sur notre site www.kr-homestudio.fr.

Culture Classic Album On fait tous des erreurs, mais en faire 7 sur des pochettes cultes,
ce n’est pas très sérieux ! In Rock de Deep Purple, sorti en 1970,
approche les 50 ans…
l’originale la copie pas conforme

Culture vintage Connaissez‐vous bien les synthés vintage ? Attention, niveau difficile…
1 2 3 4 5 6

Quelle série de Les sons de cordes
workstations fut synthétiques que l’on
introduite par Yamaha entend sur le morceau
en 2001 ? « Cars » de Gary Numan
a/ Phantom ont été réalisés avec
b/ Tyros quel synthé Moog ?
c/ Motif a/ Memorymoog
d/ Montage b/ Polymoog
c/ Multimoog
7 d/ Minimoog
Lequel de ces clavier
a été utilisé dans
l’enregistrement du
fameux thème de basse
de la chanson du générique de la série Seinfeld ?
a/ Roland D‐50 b/ Roland JD‐800
c/ Korg M1 d/ Casio SK‐1
Contrairement à son En compétition avec Quelle compagnie vendit Quelle puce Roland a été
concurrent avec lequel le Juno‐6, ce synthé le plus grand nombre utilisée dans le Jupiter‐8
on le confond souvent, similaire offrait 32 patchs d’orgues dans les années et le Juno, contribuant
ce piano électrique a de mémoire, forçant 60 et 70 ? à la réputation de ce son
utilisé des dents Roland à améliorer son a/ Farfisa si convaincant ?
métalliques avec des synthé en une version b/ Vox a/ 80017a
capteurs individuels par Juno‐60, laquelle c/ Hammond b/ SSM2044
opposition aux roseaux comprenait 56 d/ Lowrey c/ IRS109
avec des capteurs emplacements d/ ARP2600
partagés. Lequel est‐ce ? mémoire. Quel est ce 8
a/ Yamaha CP30 synthé ? Sur le morceau des Who
b/ Wurlitzer 200A a/ Prophet 600 « Won’t Get Fooled Again »,
c/ Fender Rhodes b/ Korg Polysix Pete Townshend envoyait
MkII 73 Stage c/ Elka Synthex un signal de son orgue
d/ Hohner Pianet d/ Oberheim OB‐Xa Lowrey à travers le filtre
et le LFO de quel synthé ?
a/ Ondes Martenot b/ EMS Synthi A
c/ Steiner‐Parker Synthacon d/ EMS VCS 3

6 KR home-studio KR 325 I avril 2017

 et
Reverb.com est un site spécialisé permettant
aux musiciens d’acheter et de vendre des instruments
musique, et aux marques de promouvoir leur matériel.

Culture générale
Reggae, dub, rocksteady, ska,
astafarisme…
Testez vos 5
Dans les années 80, Adrian
onnaissances ! Sherwood lance un label
référent initiant une nouvelle
vague dub
au Royaume‐Uni. Comment
s’appelait ce label ?
a/ On‐U‐Sound
b/ Off‐Your‐Sound
1 Bob Marley est mort en ? c/ On‐Off‐Sound
a/ 1977
b/ 1981 6 À la fin des années 90, de
c/ 1985 nombreuses formations de dub
électronique explosent en
2 Le jeu à contretemps de la France. Parmi celles‐ci, laquelle
guitare rythmique dans le reggae n’est pas française ?
provient d’un style plus ancien : a/ Zenzile
a/ Le mento b/ High Tone
b/ La biguine c/ Dub Syndicate
c/ La rumba
7 Quel est le nom de la
3 Le mythique duo basse/ figure légendaire du
batterie qui a sévi mondialement mouvement rastafari du début
dans les années 80 s’appelait ? du XXe siècle ?
a/ Sly & The Stones a/ Marcus Garvey
b/ Robbie & McKenzi b/ Marc & Hervé
c/ Sly & Robbie c/ Marcus Man
4 D’après la légende, le dub 8 Lequel de ces enfants
serait né d’une erreur de mixage.
Mais de qui ?
a/ Lee « Scratch » Perry
de Bob Marley n’a pas fait
de carrière musicale ?
a/ Damian
Nouvell
b/ King Tubby b/ Rohan
c/ Mad Professor c/ Ziggy technologie

9 10

Aux côtés du groupe Journey Quel clavier/échantillonneur  Champ magnétique hyperpuissant

et du Philharmonique
de Londres, quel est l’un
des premiers synthés digitaux
que l’on peut entendre sur la
bande originale du film Tron
de Walt Disney en 1982 ?
a/ Casio CZ‐1000
b/ Yamaha DX7
c/ Crumar GDS
d/ Fairlight CMI
fut utilisé largement dans
les premières productions de Kanye
 Distorsion encore plus faible
West, comme The College Dropout,  Spatialisation et précision extraordinaires
et sur le Blueprint 2 de Jay‐Z ?
a/ E‐MU Emulator III même à niveau élevé.
b/ Korg DW‐8000
c/ Ensoniq ASR‐10
d/ Ensoniq EPS‐16+
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22, rue Édouard Buffard · 77144 · Montévrain · France
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Gagnez trois invitations pour deux personnes pour Jamaica Jamaica ! à la Philharmonie de Paris sur www.kr-homestudio.fr

Exposition
Salon
Jamaica Musicora
Jamaica !
L
e salon Musicora (Le grand rendez‐vous

L
de la musique et des musiciens) se
a prochaine grande exposition tiendra du 28 au 30 avril avec cette année
qui se déroulera à la André Manoukian comme grand parrain.
Philharmonie de Paris du 4 avril au 13 août prochain va se consacrer aux Cette 28e édition va accueillir 200 exposants sur
musiques jamaïcaines. Nommé sobrement Jamaica Jamaica !, cet événement une surface de 6 000 m2, pour près de 12 000
va revenir sur les différents styles musicaux (burru, mento, ska, rocksteady, visiteurs attendus. Parmi les exposants seront
reggae, dub, dancehall…) nés sur cette île à peine plus grande que la Corse. présents des facteurs d’instruments, des luthiers
L’exposition va s’établir autour d’un parcours chronologique et thématique en et archetiers, des éditeurs de partitions et de livres, des concepteurs de
sept parties retraçant l’évolution musicale, artistique et politique de la nouveaux instruments, des labels et maisons de disques, des développeurs
Jamaïque, avec en toile de fond des noms comme Bob Marley, Lee « Scratch » d’applications et de services en ligne, des organisateurs de festivals et salles
Perry, King Tubby, Peter Tosh, Haïlé Sélassié, Marcus Garvey… Une histoire de concerts, des écoles, des organismes professionnels et des médias,
majeure qui, dès les années 50, a posé les bases de la musique urbaine en comme par exemple votre fidèle magazine Keyboards Recording. Au
invitant dans le vocabulaire musical d’aujourd’hui des mots comme DJ, remix, programme aussi : des concerts, des conférences et des ateliers. T.D.
sound system, dub… On pourra également admirer certains matériels www.musicora.com
mythiques issus des collections de Musélec de Klaus Blasquiz. Thierry
Demougin
www.philharmoniedeparis.fr Tournée
Appel à démos Ricard S.A Live Music
The Voice of Hell A
près avoir trouvé son
grand vainqueur 2017,
Ricard S.A Live Music

L
e Hellfest, événement incontournable du
metal en France, se tient depuis plus d’une
dizaine d’années en Loire‐Atlantique au mois
de juin. L’édition 2017, qui se déroulera du 16 au 18
juin, annonce déjà 170 groupes dans sa programmation. Cette année encore, le
tremplin musical The Voice of Hell est réitéré via le fan‐club officiel du Hellfest
Club qui comprend 1 600 adhérents. Les candidatures sont déjà ouvertes, elles
se clôtureront le 2 avril, et le grand vainqueur sera dévoilé le 5 mai. Ce dernier
gagnera la possibilité de jouer sur la scène privée du Hellfest Cult en juin
prochain, ainsi qu’au Ferrailleur à Nantes le 21 mai à l’occasion de la dernière
date de la tournée Warm Up Ride 2K17. T.D.
www.thevoiceofhell.fr
annonce sa grande tournée
de concerts gratuits, du 25 avril au
12 mai, et qui s’arrêtera dans dix
villes. Cette année, le rock de
Lysistrata, lauréat 2017 du
dispositif Ricard S.A Live Music, se retrouvera sur scène aux côtés de Møme
et Main Lan à Paris (25 avril), Lille (26 avril), Nancy (27 avril), Caen (2 mai),
Rennes (3 mai), La Rochelle (4 mai), Lyon (9 mai), Montpellier (10 mai),
Toulouse (11 mai) et Clermont‐Ferrand (12 mai). Rendez‐vous le 30 mars sur
le site pour réserver les places. Et pour les retardataires, une seconde vague
de billetterie sera proposée sept jours avant chaque concert. T.D.
www.ricardsa-livemusic.com

Appel à démos Lauréats

Elle est où la Voix
D D
epuis trois ans, la chaîne de restaurants Au
Bureau développe des opérations en
direction des jeunes talents. En 2015 il
s’agissait de l’initiative Part en Live ! soutenue
par un bus anglais qui avait arpenté les routes de
France, faisant escale devant cinq des restaurants
emblématiques de l’enseigne. Puis en 2016, Il était
une Voix déclinait son action sous la forme d’un casting national qui a permis de
découvrir la jeune chanteuse nantaise Mendrika Raheriarivelo, parmi 1 000
candidatures. L’édition 2017 de ce grand casting national se nomme Elle est où
la Voix et offrira au grand vainqueur de se produire en première partie de
Christophe Maé (grand parrain et président du jury 2017) sur l’une des dates de
sa tournée, ainsi que lors d’un showcase dans un des 91 restaurants Au Bureau
partenaires de l’opération. Les inscriptions et votes se font en ligne. T.D.
www.facebook.com/aubureaupageofficielle,
http://aubureau-elleestoulavoix.fr
Deezer Next
eezer, la plate‐forme française de
streaming bien connue, s’est lancée
récemment dans le soutien aux jeunes
artistes. Avec Deezer Next, ce programme a
pour objectif d’identifier et de soutenir de
nouveaux artistes locaux et internationaux afin de leur offrir une visibilité
auprès de millions de fans de musique. Douze artistes sont donc mis en avant,
dont trois soutenus au niveau mondial, les neuf autres dans leur territoire
respectif (France, Allemagne, Royaume‐Uni, États‐Unis ou encore Amérique
Latine). Parmi les neufs artistes soutenus dans l’Hexagone, Deezer Next a
annoncé les noms suivants : Parcels, Ash Kidd, Juliette Armanet, Adam Naas,
Tess, Jorrdee, Blondino, Alma, Theo Lawrence & The Hearts. Les trois artistes
internationaux sont Rag’n’Bone Man (UK), Maggie Rogers (USA) et Anne‐
Marie (UK). T.D.
www.deezer.com/fr

8 KR home-studio #325 I avril 2017

 Revendeurs Of
Offici
c s
Universal Audio
en France
news brèves ARTISTE AUDIO | LYON
artisteaudio.com

AUDIOSOLUTIONS | LE THOR
audiosolutions.fr
Festival
BONNAVENTURE MUSIQUE | CAEN
Les Nuits Claires Banque de patchs bonnaventure-musique.com

L e festival Les Nuits

Claires revient pour une
Keyscape Creative CLE DE SOL | DIJON
lacledesol-dijon.fr
troisième édition les 24 et
25 mars prochains au YoYo /
Palais de Tokyo à Paris. Cet
L a société américaine
Spectrasonics menée
par Eric Persing a ESPACE CLAVIERS | BORDEAUX
événement original se annoncé la sortie de espaceclaviers.com
distingue par une Keyscape Creative, une
programmation résolument collection sonore de 1 200 EUROGUITAR | LILLE
tendance, surfant sur la vague patchs d’Omnisphere 2 destinés à ceux qui isposent fr.euroguitar.com
électro et rock. On pourra y écouter, le 24, Peter en plus de Keyscape (voir KR n°322), l’instrument
Doherty et Holy Oysters, et le lendemain Broken virtuel dédié aux claviers. Disponible gratuitement, FUNKY JUNK | PARIS
Back, The Shoes (DJ set), Kiddy Smile, Feynman, voici une excellente manière de composer et d’utiliser
Dagga Domes et les Bolideurs (DJ set). T.D. la puissance des possibilités qu’offre Omnisphere 2 funkyjunkfrance.com
www.morgane-groupe.fr/productions/ combiné à Keyscape. T.D.
les-nuits-claires-2017 www.spectrasonics.net HOME STUDIO | PARIS
pourlesmusiciens.com
Site Jeu LE MICROPHONE | PARIS
French Waves Just Dance lemicrophone.fr

MICHENAUD.COM | NANTES
A près le lancement officiel
du documentaire French
Waves le 23 février à Paris au
C haque année avec une
régularité métronomique
le jeu d’Ubisoft Just Dance
michenaud.com

Grand Rex, voici maintenant le débarque en magasin. Chose MUSIC 3000 | NICE
site et la web‐série qui retrace faite avec la version 2017 déjà music3000.fr
25 ans de musique dans les bacs depuis la fin 2016. En chiffres, Just
électronique, et plus spécifiquement en France. Dance c’est onze versions, 60 millions d’unités MUSIC ACTION | TOULOUSE
Le site est construit de manière chronologique vendues, 353 artistes différents intégrés au jeu et au music-action.com
avec plusieurs onglets allant de 1989 à 2016. Un final une communauté de 118 millions de joueurs.
total de 200 événements, racontés et illustrés en Pour cette nouvelle version, on notera l’arrivée de
collaboration avec des journalistes de Tsugi à l’application Just Dance Controller qui permet de MUSIC WEST | AUBAGNE
travers des articles, des photos, des vidéos, des transformer son smartphone en manette, et le music-west.com
pochettes, des playlists… En bonus sont ajoutées partenariat avec la YouTubeuse Natoo. T.D.
au fur et à mesure des vidéos qui se focalisent sur http://just-dance.ubisoft.com/fr-fr/home PIANO TECH | GRENOBLE
un artiste et l’un de ses morceaux. Il y en aura dix pianotech.fr
au final, avec Motorbass, Modjo, Rone, Fakear,
Breakbot, Para One… T.D. Festival SCOTTO MUSIQUE | MARSEILLE
http://french-waves.com
Printemps scottomusique.com

Vente aux enchères de Bourges SHOWROOM AUDIO | LYON

showroomaudio.com
The Hummingbirds
Project L a 41e édition du Printemps
de Bourges Crédit Mutuel
se déroulera du 18 au 23 avril.
SONOVENTE | PALAISEAU
sonovente.com

L’ association
The Hummingbirds
Project, née suite aux
attentats de Paris en 2015,
a récolté des dons d’artistes divers : vinyles
dédicacés, claps de film, peintures, costumes,
affiches, tirages photos, BD en tirage limité,
instruments dédicacé… Une partie de ces objets
sera mise aux enchères le 5 Avril à la salle des
fêtes de l’Hôtel de Ville de Paris, et le reste sur
internet. Les fonds récoltés iront aux associations
de victimes et d’aide aux victimes et financeront
des projets civiques et solidaires. Benoit Fillette
www.thehummingbirdsprojects.org
Parmi les moments forts, citons
Renaud, 40 ans après son premier passage, et Placebo
qui viendra souffler ses 20 bougies. De grandes
SONOWEST | RENNES
groupesonowest.com
soirées thématiques sont à l’honneur, notamment la
soirée Happy Friday du 21 avril (Fakear, Wax Tailor,
Electric Guest, Deluxe…), le lendemain celle de STAR’S MUSIC | PARIS-LYON-LILLE
Rock’n’Beat (Yuksek, Petit Biscuit, Molécule, Vitalic, stars-music.fr
Mr Oizo…) ou encore les deux soirées hip hop du
mercredi (Lorenzo, Disiz La Peste…) et du jeudi (Demi UNIVERS SONS | PARIS
Portion, Kery James…). Bien d’autres concerts sont univers-sons.com
aussi au programme, dont Camille, Magyd Cherfi, les
10 ans de Bad Born Records, Soprano ou encore WOODBRASS | PARIS
Vianney et Jain. T.D.
www.printemps-bourges.com woodbrass.com

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Éditeurs B2B

Le nouvel eldorado ?
Tout est parti d’une newsletter que nous avons reçue de iMusician Digital. L’agrégateur suisse
nous y annonçait la création du nouveau service Sync Portal mis en place par la plate‐forme
partenaire Music Gateway. Forts de notre étonnement sur l’existence d’un éditeur B2B, nous
avons voulu en savoir plus et avons interrogé ces deux acteurs mais aussi Isabel Dacheux,
présidente d’EIFEIL (éditeurs indépendants fédérés en Île‐de‐France).

© Marc Chesneau
2
Les pages d’accueil de Sync Portal et d’iMusician Digital.

017, la bataille des revenus

La crise du secteur mécanographique a touché gros comme
petits, même si les courbes se croisent seulement maintenant,
les ventes digitales n’ont pas franchement pris le relais sur les
ventes physiques en termes de revenus. C’est encore plus vrai
pour les indépendants qui n’ont aucune chance d’engranger un
revenu convenable sur le téléchargement et ne parlons pas du streaming !
Alors qu’est‐ce qu’il nous reste ? Bien sûr les concerts, mais il y a un secteur
auquel nombre d’autoproducteurs, qui sont pour la plupart créateurs, ne
pensent pas : la synchro. Et si c’était une occasion sans faille d’augmenter à la
fois ses revenus et sa visibilité ? iMusician Digital, par la voix de Selma Chachia
(figure 1), répond sur ce sujet : « Pour vous donner une idée, en une annonce
nous avons plus de 250 de nos clients qui ont ouvert un compte chez Music
Gateway. Les retours que nous avons reçus sont dans l’ensemble très positifs,
avec un net impact sur les ventes souvent au moment des lancements de
campagnes publicitaires ou à la sortie d’un film. C’est également un moyen pour
les artistes de se faire connaître à l’international et de redonner de l’actualité à
leur backcatalogue. »
Musique synchronisée et revenus exponentiels
Depuis les dix dernières années, iMusician Digital a constaté que les revenus
provenant de la musique synchronisée augmentaient de façon exponentielle,
notamment par la multiplication des contenus audiovisuels, en particulier
dans le milieu de la publicité, des jeux vidéo et des contenus sur internet. Il a
aussi constaté que certains prix pour l’utilisation de musiques d’artistes
internationaux ont explosé, atteignant jusqu’à plusieurs milliers de dollars
pour quelques secondes dans une publicité ou un teaser de film. C’est
pourquoi, avec des budgets plus serrés, de plus en plus de music supervisors
se tournent vers les productions d’artistes en développement, généralement
moins surexploitées et plus abordables financièrement. De plus, toujours
d’après iMusician Digital, il faut savoir que la grande majorité des music
supervisors sont constamment connectés à leur compte Spotify (figure 2) et
suivent de près les tendances et nouveautés, afin d’être toujours au courant
des derniers phénomènes musicaux. Le but étant de pouvoir aussi bénéficier
de la notoriété montante de l’artiste et de profiter du buzz viral autour de
l’artiste choisi (figure 3).
Pas étonnant que, lorsque iMusician Digital a fait la rencontre en 2014 des
fondateurs de Music Gateway (figure 4), il ait tout de suite adhéré à un
objectif commun qui est d’aider les artistes en développement. L’agrégateur
suisse a donc débuté sa collaboration en partageant certaines offres auprès
de ses clients, en échange de quoi Music Gateway orientait ses artistes vers
l’agrégateur pour la distribution digitale sur les plates‐formes de streaming et
de téléchargement. Après avoir reçu de nombreuses demandes et constaté

12 KR home-studio #325 I avril 2017


DR
figure 1
Selma Chachia, d’iMusician Digital.
figure 4
© Lionel Pagès
un fort engouement autour de ces offres, iMusician Digital a poussé le
partenariat plus loin en créant une section dédiée sur son blog que les artistes
peuvent consulter à tout moment.
YouTube, la synchro faite maison
Si YouTube est un gros hébergeur, c’est aussi la plus grande plate‐forme de
streaming au monde et par ricochet elle en devient un excellent outil de
visibilité et aussi de synchro. iMusician Digital, qui l’a remarqué, déclare à ce
sujet : « Avec la quantité et la variété de vidéos en ligne sur YouTube, que ce soit
des cours de danse, des tutoriels de cuisine ou des web‐séries, il y a un véritable
nouveau marché de la synchro sur YouTube. Et celui‐ci est accessible à tous ! En
effet, avec l’option YouTube Content ID que nous proposons chez iMusician, les
musiciens sont assurés d’être rémunérés à chaque fois que leur musique est
utilisée partiellement ou en intégralité dans un contenu vidéo sur YouTube. Dès
lors, libre à eux de contacter les créateurs de vidéos avec un nombre d’abonnés
conséquent pour proposer le placement de leur musique et profiter de la visibilité
et des revenus. C’est de la synchro “faite maison” et du donnant‐donnant pour
les musiciens et créateurs de vidéos ! »
Plates‐formes B2B, une nouvelle race d’éditeurs
La synchro, oui, mais comment se faire connaître ? Grâce à quel outil ?
Grâce à quel acteur ? Bien sûr, on peut toujours solliciter un éditeur
traditionnel dont les méthodes sont reconnues depuis toujours, mais va‐t‐il
accepter de travailler avec vous ? Pas forcément et c’est pour cette raison que
les plates‐formes B2B ont vu le jour, à l’instar de Music Gateway, partenaire
de iMusician Digital et que nous avons rencontré. La plate‐forme vient de
créer un nouveau service « Sync Portal » grâce auquel elle travaille avec plus
de 300 agences de publicité à travers le monde. Ici, elles peuvent aller piocher
dans la musique venant principalement du secteur indépendant.
Indépendants qui font justement le gros des troupes parmi ses membres !
Pour bien comprendre, Music Gateway a été créé pour fournir une plate‐
forme commerciale professionnelle par laquelle ses membres peuvent
acheter un travail, étendre leurs contacts et avoir accès à des offres de
manière équitable. Jonathan Bond (figure 5), Brand Partnerships Manager
chez MG, déclare : « Il existe trop de barrières dans le monde professionnel et
figure 2
Application Spotify sur smartphone.
© Charles Humenry
figure 3
Page d’accueil
de Music Gateway. Charles Humenry.
figure 5
© Music Gateway
Jonathan Bond,
Brand Partnerships Manager
chez Music Gateway.
© Music Gateway
figure 6
Laurence Malpass,
Head of Network
chez Music Gateway.
notre mission c’est de les faire tomber. Nous sommes un acteur perturbateur
dont le but est principalement d’aider l’industrie musicale dans son ensemble
mais aussi d’apporter des solutions techniques à valeur ajoutée qui contribuent à
résoudre les problèmes quotidiens que vivent individus et entreprises. »
Mais les plates‐formes B2B peuvent‐elles remplacer les éditeurs
traditionnels ? Laurence Malpass (figure 6), Head of Network chez MG,
estime que : « Pas du tout, d’autant que nous sommes fiers d’aider et de
représenter beaucoup d’artistes indépendants, un grand nombre de nos clients
sont d’ailleurs éditeurs. Nous nous voyons comme des intermédiaires neutres qui
rassemblent les secteurs de l’industrie grâce à des offres différentes. Une grosse
partie de la plate‐forme a pour rôle de mettre en relation des artistes et groupes
non signés avec des éditeurs qui cherchent à les signer. Notre but est d’ouvrir les
portes et de rester une passerelle qui permette d’approcher une industrie où il est
traditionnellement très difficile de rentrer. »
Alors quel est le profil des utilisateurs MG ? « Il semblerait que la base de ses
membres soit planétaire. On peut très bien être en France et travailler avec un
auteur en Asie ou aux USA. MG procure à ses membres des outils de travail à
distance accompagnés de solutions, du coup ils peuvent bénéficier d’une
connexion universelle pour partager un intérêt commun et à un niveau de
compétence identique, le tout sans barrières géographiques », comme le précise
Jonathan Bond.
Alors, casser les barrières, se connecter tous ensemble pour se rencontrer
sur une plate‐forme, partager son travail à distance, ça marche vraiment ?
Laurence Malpass donne sa réponse : « Si vous êtes un artiste indépendant et
que vous désirez le rester, les résultats sont conséquents dès lors que vous rendez
public votre travail sur la plate‐forme. Comme tout dans la vie, vous devez y
mettre du temps et de l’énergie, nous fournissons juste l’environnement qui UU
avril 2017 I KR home-studio #325 13
 Page d’accueil figure 8
d’EIFEIL.
Isabel Dacheux,
figure 7 présidente
d’EIFEIL.
UU doit servir à votre succès même si nous ne pouvons pas le garantir, tout est
entre vos mains. Néanmoins, nous vous aiderons autant que possible. Alors, si
vous désirez vous concentrer plus sur la partie créative et moins sur l’aspect
business et réseaux sociaux, ça peut vraiment aider d’avoir un éditeur qui fasse
tout cela pour vous. »
Par ailleurs, ce type de plate‐forme a besoin d’établir des partenariats avec
des acteurs de l’industrie musicale pour avancer, elle le fait notamment avec
iMusician Digital, nous l’avons vu plus haut. Jonathan Bond conclut : « Mon
rôle en tant que Brand Partnerships Manager, c’est de créer des relations avec
des sociétés en vue qui peuvent être profitables à nos membres. iMusician Digital
nous a paru être l’acteur parfait dans la distribution en Europe et notre
partenariat s’est révélé payant pour nos membres qui ont trouvé un large
bénéfice dans nos services partagés. S’il existe une entreprise d’avant‐garde qui
puisse apporter une réelle plus‐value à nos membres, alors je suis preneur ! »
Enfin, d’après Laurence Malpass, MG a pour projet de re‐configurer une
grande partie du métier de l’édition à l’avenir.
Un outil mais pas le bras armé de la synchro
Nous avons rencontré Isabel Dacheux, présidente d’EIFEIL (figures 7 & 8),
qui nous parle de l’attractivité de ce type de plates‐formes. Pour elle, certes
elles apportent de la visibilité, mais elles ne sont pas toujours accessibles à
tous les créateurs et éditeurs ! Elle déclare : « Il faut être doté d’un catalogue de
plusieurs milliers de titres pour être visible, même si seulement quelques‐uns sont
Shigs Amemiya, CEO & co‐fondateur de iMusician Digital
KR : Pensez‐vous un jour intégrer un service édition
chez iMusician Digital ?
Shigs Amemiya : Nous sommes constamment en
quête d’améliorer nos services et de prévoir au mieux les
futures tendances du marché. Notre objectif à long
terme est de devenir une plate‐forme tout‐en‐un pour
les artistes afin de faciliter la gestion de leurs droits d’au‐
teur et d’être une interface pour les entreprises qui sou‐
haitent obtenir différents types de licence : enregistre‐
ment, édition et synchronisation. Actuellement, nous
sommes en train de mettre en place un service de ges‐
tion administrative des droits d’édition et droits voisins
qui devrait être offert très prochainement. Nous pré‐
voyons par ailleurs d’offrir des musiques pré‐clearées
destinées aux créateurs de contenus sur YouTube pour
utilisation libre dans leurs vidéos.
Avez‐vous constaté une forte demande dans l'édition
digitale de la part de vos clients ?
L’édition et la synchronisation représentent un des sec‐
teurs les plus sains de l’industrie de la musique.
Malheureusement, souvent les musiciens ne sont pas suffisamment informés
sur la gestion des droits d’auteur, c’est pourquoi on estime à plus de 5,7 mil‐
liards d’euros (Reuters) les revenus non réclamés par les sociétés euro‐
péennes de gestion des droits d’auteur. Rien qu’avec l’enregistrement des
titres auprès des sociétés de gestion collectives – notre service de gestion
administrative collecte actuellement les redevances directement auprès de
plus de trente sociétés –, on peut déjà constater l’augmentation des revenus
14 KR home-studio #325 I avril 2017
susceptibles d’être exploités et qu’au final très peu génèrent
véritablement des droits, notamment dans la musique à
l’image. » Pour répondre à ce constat, elle considère que les
catalogues de musique des éditeurs indépendants doivent être
mutualisés pour gagner de la visibilité et être exploités plus
largement en France et à travers le monde.
Alors passer par les plates‐formes, oui, mais ça reste
insuffisant, cette démarche doit obligatoirement faire partie
d’un projet global. À commencer par le fait que la synchro doit
être initiée par des vraies personnes, car, d’une part, les
professionnels visés ne se rendent pas forcément sur les plates‐
formes et, d’autre part, s’ils s’y rendent, ils écouteront surtout
les playlists proposées, mais n’iront pas forcément fouiller
parmi les titres disponibles pour y découvrir des perles inédites
et intéressantes. Enfin, à la démarche humaine s’ajoute aussi le service
juridique, le plus souvent en pré‐autorisation sur les plates‐formes B2B.
C’est dans cette optique qu’EIFEIL a décidé de créer le « CreaMusic Lab »,
outil numérique qui permet aux labels et éditeurs de musique indépendants
de faire connaître leurs catalogues auprès des acteurs du marché de la
synchronisation et de la musique à l’image, et où chacun des adhérents
pourra proposer son propre catalogue. Là encore, c'est principalement ces
types de catalogues, trop peu exposés pour servir la musique à l’image et la
synchro, qui vont en bénéficier. On y trouvera bien sûr un service artistique
grâce à des gens qui vont travailler au contact des music supervisors du
monde entier, incluant aussi la création de playlists et d’un service juridique
adapté aux demandes d’aujourd’hui.
Un éditeur est un manager d’œuvres
Le monde de l’édition musicale ne pouvait pas rester en marge de la
révolution digitale et des algorithmes, et c’est tant mieux ! Néanmoins,
internet et l’automatisation de masse ne sont pas encore capables de
remplacer certains fondamentaux qui viennent du terrain et du contact
humain. Isabel Dacheux le résume très bien : « Les plates‐formes B2B ne sont
rien d’autre que des hébergeurs, elles livrent un service partiel qui oblige encore
l’artiste à endosser le rôle d’éditeur. Ne pas oublier qu’un éditeur est un manager
d’œuvres, et chaque œuvre a besoin d’une promotion et de relations humaines
qui lui sont propres. » Pierre Emberger
d’édition et droits voisins pour nos clients. Et cela
DR
devrait s’accentuer à mesure que les sociétés de ges‐
tion adoptent des solutions digitales de plus en plus
adaptées pour tracker les utilisations de musique et
leurs ayants droit.
Pensez‐vous que les revenus futurs de la musique se
feront principalement dans l'édition et la synchro vu
l'effondrement de la partie mécanographique ?
C’est une excellente question, quoique complexe !
Tout d’abord, nous croyons dans les fondements de la
réglementation des droits d'auteur. Cependant, il y a
un besoin urgent de rafraîchir les règles qui ne tiennent
pas suffisamment compte de notre nouvel environne‐
ment digital. Prenez par exemple le terme de « royau‐
tés mécaniques » qui est une relique du temps où l’on
fabriquait physiquement une copie pour gramophone
par procédé mécanique. En parallèle, les sources de
revenus provenant de l’édition sont devenues de plus
en plus importantes, et si par le passé les ventes d’al‐
bums contribuaient à hauteur de 60‐80 % des revenus
d’un artiste, aujourd hui ils semblent provenir de nombreux autres supports.
Mais pour en revenir à votre question : non, nous pensons que les royautés
mécaniques – ou le fait de facturer un frais pour la publication / l’usage d’une
chanson – sont une source de revenus toujours essentielle. La question ne
devrait pas être « est‐ce que les utilisateurs commerciaux de musique –
YouTube, Spotify, TV/films, radios, salles de concert, hôtels, restaurants –
devraient payer ? » mais plutôt « combien devraient‐ils payer ? ».
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Musikmesse et
Prolight + Sound 2017
Francfort, l’épicentre musical européen
Du 4 au 8 avril va se tenir le rendez‐vous incontournable des fabricants et manufacturiers de l’industrie musicale.
En fait, ce sont deux salons de plus en plus imbriqués l’un dans l’autre. Le Prolight + Sound ouvrira ses portes
du 4 au 7 avril, tandis que le Musikmesse assurera une présence du 5 au 8 avril. Pour mieux comprendre les atouts,
perspectives et enjeux de cet événement, nous avons posé quelques questions à Michael Biwer, directeur des
salons Musikmesse et Prolight + Sound.

Pouvez‐vous revenir sur le

KR:
DR

savoir‐faire historique que

détient Francfort dans
l’organisation de salons
internationaux ?
Michael Biwer : Francfort est connue depuis
plus de 800 ans comme un grand site de salons.
Les négociants et les hommes d’affaires se
retrouvaient auparavant sur la place du marché
en centre‐ville, puis, à partir de 1909, ils se
rendirent au nouveau parc d’exposition près de
la Festhalle. Des salons leaders mondiaux
couvrant de multiples secteurs ont été créés à Francfort au fil des décennies
et exportés sur d’autres zones géographiq>ues. Nombre de salons de renom
comme Ambiente, Heimtextil, Automechanika, Light + Building – ou encore
Musikmesse et Prolight + Sound – ont ainsi donné naissance à des
manifestations sœurs internationales. Aujourd’hui, des salons « Made by
Messe Frankfurt » se déroulent sur 50 sites, l’entreprise est présente pour ses
clients dans 175 pays.
Les salons Prolight + Sound et Musikmesse ne font plus qu’un seul et
même événement. Quelles sont les origines distinctes de ces deux salons
et les raisons de ce rapprochement ? ayant envoyé le plus de visiteurs, on comptait, outre l’Allemagne, les Pays‐
Le Musikmesse est issu de la Foire de printemps de Francfort en 1980, Bas, l’Italie, la France, la Suisse, la Belgique, la Grande‐Bretagne, l’Autriche, la
devenant ensuite une manifestation indépendante. Le salon est depuis Chine et l’Espagne. Au total, plus de 100 000 visiteurs sont venus à Francfort,
organisé chaque année à Francfort. Prolight + Sound fut créé en 1995, tout et quelque 2 000 exposants étaient présents.
d’abord sous forme de domaine thématique au sein du Musikmesse. Il est Depuis quelques années vous vous êtes rapprochés des organisateurs du
devenu un salon indépendant et à part entière en 2001. Il est vrai que, NAMM Show pour vous implanter dans d’autres régions du monde. Pou‐
comparé à 2016, les deux salons se rapprochent cette année : le Musikmesse vez‐vous nous expliquer ce choix stratégique ?
modifie son calendrier, se déroulant du mercredi au samedi ; les deux Le Musikmesse et le NAMM ont des objectifs similaires : proposer une plate‐
manifestations se déroulent ainsi en parallèle trois jours durant, du mercredi forme au secteur international des instruments de musique et donner des
au vendredi. Les effets de synergie se renforcent donc entre ces deux salons impulsions à la culture musicale. Étant donné cette similitude, Messe
qui restent néanmoins des manifestations indépendantes, couvrant leur Frankfurt et le NAMM coopèrent dans plusieurs domaines, par exemple en
propre éventail de produits et de thèmes, leurs orientations sont conçues en organisant conjointement le salon de la musique NAMM Musikmesse Russia
fonction des besoins de leurs secteurs spécifiques. et Prolight + Sound NAMM Russia, ainsi que la NAMM University dans le
Pouvez‐vous nous indiquer le nombre de visiteurs et d’exposants, ainsi cadre de Music China, un salon organisé par notre filiale basée à Hong Kong.
que les origines géographiques des personnes qui se rendent sur Francfort Les deux partenaires estiment judicieux de réunir leurs atouts dans ces
chaque année pour ce rendez‐vous musical ? domaines.
Le Musikmesse et Prolight + Sound se caractérisent depuis toujours par une Ainsi, comment se comporte actuellement le marché européen face à
internationalité particulièrement élevée. L’année dernière, des visiteurs l’émergence des marchés américain, chinois, russe ?
originaires de 130 pays sont venus aux deux manifestations ; parmi les pays Il est difficile de généraliser. D’une part, la conjoncture du secteur sur les

16 KR home-studio #325 I avril 2017


© Messe Frankfurt Exhibition GmbH/Pietro Sutrea
marchés que vous citez est très différente et, d’autre part, il n’y a pas non plus
d’évolution commune dans les divers pays européens. Mais le climat à la
consommation se situe toujours à un niveau élevé en Allemagne, ce qui rend
ce marché intéressant pour les entreprises étrangères. Fondamentalement,
nombre d’entreprises jugent important d’internationaliser leurs activités pour
exploiter de nouveaux marchés. C’est aussi la raison pour laquelle les marques
Musikmesse et Prolight + Sound sont présentes dans différentes régions du
monde. Si l’on considère le marché chinois, l’expansion des classes moyennes
envoie des signaux positifs au secteur de la musique et des spectacles. Dans
ce contexte, les salons Music China, Prolight + Sound Shanghai et Prolight +
Sound Guangzhou connaissent une croissance et donc une dynamique forte
et pérenne.
Depuis 2016, votre organisation a modifié les lieux internes, les dates et
les jours d’ouverture, pour quelles raisons ?
Disons d’abord que, l’année dernière, les développements conceptuels de
Musikmesse et de Prolight + Sound ont été implémentés pour préserver
l’avenir des salons à long terme. Certaines de ces nouveautés ont connu un
véritable succès dès leur première, et nous avons apporté des améliorations
dans d’autres segments, en nous basant sur les expériences faites lors des
manifestations et sur les résultats des sondages réalisés auprès des visiteurs
et des exposants. Dans ce contexte, certains ajustements sont prévus en
2017, portant sur les heures d’ouverture et l’occupation des halls. Répondre de
manière optimale aux besoins mouvants des secteurs représentés reste notre
priorité dans l’orientation stratégique de nos salons. Le concept des salons
restera donc dynamique.
Au sein du Musikmesse vous développez désormais une implantation par
famille et esthétique instrumentales, notamment pour les guitaristes et
batteurs. Du côté des synthétiseurs et matériels de studio, vous proposez
maintenant aux visiteurs le « Sound & Recording Lounge », tandis que
pour le matériel DJ on pourra assister au « DJCon ». Pour vous, comment
se comporte le marché des instruments électroniques face à l’univers des
guitares et batteries ?
Les chiffres dont nous disposons confirment que les instruments
électroniques comptent actuellement parmi les moteurs de vente les plus
puissants du secteur – c’est du moins le cas pour le marché allemand. Dans
d’autres catégories d’instruments, comme les batteries que vous citez, les
ventes ont progressé moins rapidement en Allemagne ou ont même parfois
reculé. Indépendamment des chiffres de vente, nous souhaitons créer des
points d’attraction puissants qui s’adressent de manière individuelle aux
music business
© Messe Frankfurt Exhibition GmbH/Pietro Sutrea
Le site du Messe Frankfurt comprend 11 halls, tous dédiés à la musique…
différentes communautés musicales. Outre les exemples que vous citez, le
« Drum Camp » et le « Guitar Camp » font partie de ces centres d’attraction,
avec les prestations de musiciens mondialement connus, ainsi que la nouvelle
« Beck’s Wood & Brass Stage », une scène de concert pour les amateurs de
musique de fanfare traditionnelle et moderne.
Job Exchange (Jobbörse) est une nouvelle manifestation au sein du Pro‐
light + Sound qui offre une plate‐forme d’emploi entre sociétés et candi‐
dats. C’est une excellente idée, mais elle est actuellement uniquement en
allemand. Réfléchissez‐vous à une extension internationale, notamment
pour les Français et dans leur langue ?
Le nouvel espace Jobbörse s’adresse dès cette année aux postulants
internationaux. Mais, pour nombre d’exposants dans les autres halls, le
contact avec les jeunes talents du secteur est également une belle raison de
participer au salon, notamment dans un contexte de manque de main‐
d’œuvre qualifiée dans le secteur de l’événementiel. Bien évidemment, nous
souhaitons étendre la plate‐forme d’emploi dans les années à venir afin de
faire de Prolight + Sound un centre d’attraction encore plus puissant pour les
jeunes professionnels du monde entier.
Pouvez‐vous nous présenter l’opération « Future Talents Day » qui se
déroulera le mardi 4 avril sur le Prolight + Sound ?
Dans le cadre du Future Talents Day, nous nous adressons de manière ciblée
aux apprentis, aux élèves d’écoles professionnelles et aux étudiants du
secteur de l’événementiel pour qu’ils se rendent au salon. Nous avons émis
pour cela un contingent de billets gratuits. Pendant cette journée, le
programme de séminaires de Prolight + Sound s’adresse surtout à ce groupe‐
cible et délivrera par exemple des informations sur les possibilités de carrière
dans le secteur de l’événementiel.
Outre les nouveautés précitées, qu’est‐ce qu’il ne faudra surtout pas rater
cette année une fois arrivé à Francfort en avril ?
Tout d’abord, évidemment, un large éventail de nouveaux produits
touchant aux instruments de musique et à la technologie événementielle,
avec quelques premières mondiales. Et, d’autre part, le programme étoffé qui
accompagne le salon, avec des concerts, des ateliers, des séminaires, des
Meet & Greet et bien plus encore. L’offre reste abondante, même après la
fermeture des halls : le « Musikmesse Festival » propose un large choix de
prestations d’artistes célèbres dans les clubs et les salles de concert dans tout
le centre‐ville de Francfort, dont l’icône de la soul Oleta Adams, le lauréat d’un
Grammy Steve Stevens ou des musiciens de jazz mondialement connus
comme Branford Marsalis & Kurt Elling. Thierry Demougin
www.musikmesse.com, www.prolight-sound.com
avril 2017 I KR home-studio #325 17
 autoprod studio des potes

Vincent V

DR
Vincent V

Son à l’œuvre at home.

S
on, trois minuscules pour un mot capital. Le plus court
chemin pour aller à l’essence des choses. Comme l’air
qu’on respire, comme l’air qu’on écoute. Vincent V nous
épargne les détours, la musique vise le plaisir, et le
plaisir est assez fort pour se charger de messages. Ainsi naît
un rock ambiant, où sa voix alterne anglais et français, caresses
et éclats, batterie, guitares et claviers en parfaits complices.
La batterie, son premier instrument, l’amorce d’une riche
route. Des kilomètres, des rencontres et non des moindres
puisqu’on le retrouve à jammer avec Macy Gray, Jean‐Louis
Aubert, ou encore au Montreux Jazz Festival avec BB King,
Stanley Clarke, David Sanborn, John McLaughlin, et dans
l’équipe son avec Phil Collins, puis Genesis. Bref, Vincent V
n’est pas là par hasard, s’investissant au‐delà de la musique,
dans l’image, digne du cinéma, et jusque dans l’écologie par la
voix qu’il porte au nom de la planète. En témoigne le superbe
clip réalisé pour « I Swear », le premier single extrait de l'album,
véritable court‐métrage auquel participe la présentatrice TV
Maïtena Biraben. Respire, écoute, comme des mots‐clés…
Et de clé, il en est justement question, USB celle‐ci, qui fait suivre les mots par Le single « I Swear », qui profite
les actes, puisque, prenant la forme d’un astucieux trombone caoutchouté, d’un remarquable clip.
elle renferme à elle seule tout l’album et plus encore, nul besoin de CD, la clé
verte d’une porte grande ouverte sur le Son ! Voilà qui illustre bien l’originalité L’astucieux trombone
et l’implication du personnage. Alors c’est peu dire qu’il est impliqué dans le USB, porteur de
son, que ce soit dans son home‐studio, siège de toute la préparation de l’album et plus
l'album, des prises de base, qui ne se sont pas dispensées de la location d’une encore, pour clipper
salle, ou dans le choix de ses collaborateurs. Ainsi, outre, en sa demeure, le Son où l’on veut.
ses iMac, Logic Pro, interfaces MOTU 828x et 8pre, console Yamaha 01V,
tranches/racks Avalon Vt‐737sp et Joemeek OneQ, préamp API 3124+,
convertisseur Behringer Ultragain Pro‐8, écoutes Mackie HR824, entre autres festivals. Dans ce cadre‐ là, je peux juste dire que
casque et micros, direction le studio Black Box avec David Odlum, les studios les célébrités sont des gens communs… J'ai essayé par
Garage 2.0 et Gaz avec Bernard Natier et David Grillon, sans oublier des le passé d'en contacter via les réseaux sociaux, pour jouer dans
séances en Suisse ou chez son guitariste Patrick Macheret et son claviériste mes clips, faire des premières parties… ça a été 100 % d'échec, ah ah ! Je crois
Nicolas Bamberger. Un artiste fédérateur, et diablement inspiré quand on que le réseau traditionnel via le management reste le meilleur. Maintenant,
sait que la préparation de l'album a démarré sur la base de 50 morceaux, un acteur ou musicien connu veut avant tout faire son métier, donc il faut
eux‐mêmes le fruit d’une première sélection ! Oui, Vincent Vit et Vibre. de toute façon une « vraie bonne raison » de le contacter pour espérer avoir
www.vincentv.net un retour…
Le clip de « I Swear » : https://youtu.be/rEYo9NBx15o Vous avez également la passion du « visuel », comme en témoignent par
exemple votre magnifique clip pour « I Swear » ou encore votre spectacle
KR : Sacré parcours, fait de rencontres, de jams… Aujourd'hui vous de 2006 avec images projetées et musique live synchronisées. Allez‐vous
collaborez avec David Odlum, lauréat d'un Grammy Award, investi dans poursuivre la voie de l'intégration de l'image à vos concerts ?
la production et le mixage de cet album. Lequel de vous deux a découvert Oui absolument. Mon idée est de ne surtout pas mettre de l'image pour de
l'autre en premier ? l'image, mais de proposer des contenus qui font totalement sens par rapport
À chaque fois qu'un album me plaît, je note qui l'a produit. Le nom de David aux morceaux, qui apportent une plus‐value en termes d'émotion. Il y a deux
Odlum est revenu plusieurs fois : Gemma Hayes, Luka Bloom, Glen Hansard, difficultés majeures. D'une part, il s'agit de trouver une cohérence visuelle
film Once… Un jour j'ai réalisé que cet Irlandais était en fait installé dans le sur l'ensemble du spectacle. Le bon fil rouge est celui qui ne donne ni une
studio Black Box, en France. Je l'ai contacté avec le titre « Oser Le Bonheur », impression de patchwork, ni le sentiment que l'on présente la même chose
qui ouvre Son, et il a accepté de travailler avec moi. Il a vraiment contribué pour chaque chanson. D'autre part, il est nécessaire de bien doser, sur deux
à l'identité sonore de l'album. niveaux. Premièrement, établir une bonne balance au sein de la setlist entre
Diriez‐vous que les célébrités sont plus faciles à approcher qu'on ne morceaux accompagnés de vidéo et morceaux sans. Deuxièmement, pour les
le pense, qu'on peut échapper à leur réseau de communication afin de morceaux avec vidéo, il y a un dosage de « regard » à faire : celui du spectateur
les toucher directement ? doit pouvoir naviguer avec fluidité entre ce qu'il voit sur scène et ce qu'il voit
Difficile à dire… les rencontres que j'ai faites se sont toujours produites dans à l'écran. Si son œil est tiraillé, c'est perdu ! Il y a donc une réflexion à faire sur
le cadre de mon travail au sein des équipes son ou de la production sur les les placements sur scène, les déplacements, l'éclairage… Olivia Clain

18 KR home-studio #325 I avril 2017

 Sacem découvertes

Dans le cadre du programme d’aide à l’autoproduction

organisé par la Sacem, nous présentons de manière récurrente
une sélection d’artistes qui ont été soutenus par cette action.
Ainsi, les auteurs et compositeurs, sociétaires de la Sacem,
peuvent bénéficier d’une aide de 4 500 € pour autoproduire
un enregistrement. Pour connaître les modalités d’éligibilité et
télécharger les documents nécessaires, nous vous invitons à vous rendre sur le site
internet de la Sacem : https://aide-aux-projets.sacem.fr, puis à naviguer parmi
les choix suivants : « Voir nos programmes d’aide », puis dans le menu « Types
de projets » et « Domaine d’intervention » cliquez sur « Musiques actuelles ».
Vous aurez enfin accès à la fiche « Aide à l’autoproduction ». Thierry Demougin
chanson

Pianocean
Ici / Là‐bas
[Pianocean]
https://pianocean.wordpress.com

Marieke Huysmans‐Berthou est une pianiste et

chanteuse ayant suivi un double cursus, celui du
conservatoire en musique classique et en jazz. Ses compétences l’ont ainsi
menée à former à Grenoble en 2008 le trio jazz hip hop Miss White & The
Drunken. Mais la jeune artiste de 27 ans a également une autre passion, celle
de la navigation maritime. Grâce à un diplôme de navigation de l’école des
Glénans et un brevet de pilote, elle a développé un projet original et unique :
Pianocean. Le principe est simple, embarquer un piano et un studio
d’enregistrement mobile sur son voilier, le Lady Flow. Une fois en mer,
Marieke fait des haltes dans les ports et assure des concerts de son bateau
une fois à quai. En 2015, la chanteuse a sillonné pendant six mois la
Méditerranée, avec près de 70 concerts, en 2016 c’était la Bretagne Sud et
l’Atlantique pour quelque 80 concerts. Chaque tournée donne lieu à
l’enregistrement d’un album. Avec un projet aussi authentique, il était tout à
fait logique que les membres de la Commission de l’Action Culturelle de la
Sacem aient souhaité récompenser le travail de Marieke, celle que l’on
nomme aussi la « Pianigatrice », en lui accordant le programme d’aide à
l’autoproduction lors de la session qui s’est tenue en novembre dernier.
jazz world

AfuriKo
Style
[AfuriKo]
www.afuriko.com

Le projet AfuriKo est né en 2010 à Paris de la

rencontre entre la percussionniste d’origine
japonaise Akiko Horii et le pianiste anglo‐français Jim Funnell. Ces globe‐
trotters ont tous deux de multiples expériences à leur actif. Akiko s’est très
vite spécialisée dans la musique, la danse et les percussions africaines de
l’Afrique de l’Ouest, obtenant un Bachelor à Los Angeles auprès du California
Institute of the Arts. Elle a ainsi joué avec Mamady Keita, Bala Camara, puis,
arrivée en France en 2005, on la retrouve auprès de Oxmo Puccino, Kerry
James ou encore Ibrahim Maalouf. Après des études de piano classique au
conservatoire d’Évry, Jim Funnell débarque au Berklee College of Music de
Boston. Pendant sa scolarité, il partage la scène avec Marcus Miller, Meshell
Ndegeocello, Russell Ferrante et Marcus Baylor du groupe The Yellowjackets.
Il forme ensuite le trio de jazz Word Out et enseigne en donnant des
masterclasses d’harmonie jazz et d’improvisation. Avec cet univers si varié, il
n’était pas étonnant que la musique cérébrale d’AfuriKo ait séduit la
Commission de l’Action Culturelle de la Sacem, leur accordant le programme
d’aide à l’autoproduction lors de la session qui s’est déjà tenue en avril 2016.
 reportages tendance

Le revival
des modulaires (part 2)
créer son propre système
Comme nous l’avons vu le mois dernier, le retour en force des synthétiseurs modulaires est
certainement plus qu’un simple effet de mode « vintage ». Créer une architecture sonore unique,
en combinant des modules choisis parmi les centaines disponibles, est en soi un acte de création.
Suite de ce voyage dans l’univers des modulaires.
DR

figure 1 figure 2
Plutôt bois ou étanche ? West ou East ? Non : 0 Coast de MakeNoise.

figure 3
Planifier, planifier…

S
i concevoir et assembler son propre modulaire s’avère extrêmement
gratifiant, c’est une aventure qui ne s’improvise pas. La lutherie
électronique nécessite un minimum de connaissances que l’on
trouve assez facilement sur le net sous forme de vidéos, tutoriels
et sur des sites pédagogiques. Il faut non seulement imaginer le
nombre de voix (et du coup le mixeur), le(s) type(s) de synthèse, de filtres,
d’enveloppes, de modulateurs et d’effets souhaités, ainsi que la présence ou
pas d’un séquenceur, d’un arpégiateur, etc., mais aussi prendre en compte le
poids et l’encombrement résultants. Souhaite‐t‐on souvent déplacer son
modulaire ou bien restera‐t‐il à demeure dans le studio ? Doit‐il communiquer
avec une DAW ? A‐t‐on besoin du MIDI ? D’un clavier ou de contrôleurs ?
La taille de la valise ou du rack (figure 1) qui va recevoir les modules, sa finition
(il existe de purs bijoux), le fait qu’il soit pliable (avec la possibilité de laisser
tout câblé quand on le plie), tout cela a aussi son importance. Dans la variété
des courants de musique électronique (techno, noise, drone, sound design,
beats…), quel type de timbres cherche‐t‐on ? Plutôt East Coast, type Moog et
synthèse soustractive, ou bien West Coast, ambiance San Francisco, Buchla
et synthèse exotique ? (figure 2). Pour corser le tout, comme nous allons le
voir, il existe plusieurs formats de module, bien entendu pour la plupart
incompatibles. C’est pour cela qu’on trouve sur internet des sites de
planification de modulaires (figure 3). Citons par exemple celui de Stefan
Breitenfeld ou de Modulargrid (voir « aller plus loin »).
Plusieurs standards
Il existe plusieurs standards
de modulaires (figure 4).
On parle alors de « facteurs
de forme », ou « form
factors » en anglais.
Les différences portent
principalement sur la
hauteur des modules,
l’alimentation électrique
(puissance et type de
connecteur) et le type de connecteurs utilisé pour patcher les modules entre
eux, les plus répandus étant le jack quart de pouce, le jack 3,5 mm et la fiche
banane (figure 5). La mesure employée pour les caractériser est le « U ».
Elle est basée sur la hauteur du plus petit rack 19 pouces (480 mm de large).
1U est égal à 1,75 pouce, soit environ 4,445 mm. Dans les standards dominants,
on trouve le « Moog Unit », ou MU. Il s’agit de grands modules de 5U de
hauteur (8,75 pouces ou 222,25 mm). C’est par exemple la taille des modules
de Synthesizers.com. Les modules MU ont une largeur de 2,125 pouces, ce qui
correspond à huit emplacements dans la largeur d’un rack de 5U. La même
taille que celle des modules Moog, mais avec le connecteur d’alimentation de
Synthesizers.com qui a su s’imposer. La puissance requise dans ce cas est

20 KR home-studio #325  avril 2017

 Choisir des patchs de qualité.
figure 5

Quel format choisir ?

figure 4

figure 6
Easel K
de BEMI.

figure 7
Black
& Gold
Shared
System.

figure 8
Version MU
chez Synthesizers.com.
+/‐ 15 V et +5 V. Les modules MU ont l’avantage de proposer de gros boutons,
un bel espace de travail, souvent noir, et utilisent des jacks quart de pouce. (Buchla Electronic Musical Instruments) avec son indémodable Easel
L’autre standard, très populaire, est l’Eurorack. Avec ses 128,5 mm (environ (figure 6) et ses différentes déclinaisons, déjà en valise. Les plus fortunés
5 pouces), il entre dans la catégorie des 3U. Il utilise des jacks 3,5 mm et un lorgneront sur le Skylab et ses flancs en bois. Chez MakeNoise, le Black &
câble plat pour l’alimentation en +/‐ 12 V. L’Eurorack, avec ses boutons bien Gold Shared System (figure 7) reste une référence. On pourrait aussi citer les
plus petits, a l’avantage de permettre de créer des instruments facilement systèmes Doepfer comme le A‐100 disponible en diverses variantes, ou ceux,
transportables. Il a la faveur de la plupart des fabricants actuels. Deux autres au format MU, de Synthesizers.com (figure 8). Pour trouver la liste des
formats, bien que plus rares, sont à considérer : le MOTM est un 5U, mais avec marques, le site Muffwiggler (voir « aller plus loin ») est une mine de
un connecteur d’alimentation et des largeurs différentes du MU, même s’il renseignements. Ne pas hésiter à s’y abonner et à consulter les forums.
s’alimente aussi en +/‐ 15 V, et le Frackrack est un 3U (5,25 pouces) avec un En France, une bonne adresse parisienne : Modularsquare. Ils importent
cordon d’alimentation comme celui du MOTM mais des jacks 3,5 mm. beaucoup de modules d’excellentes marques que l’on peut essayer dans leur
boutique, rue Sedaine dans le 11e arrondissement.
Par où commencer ? Si cet article vous a donné envie de tenter l’aventure modulaire, plongez
Pour un premier modulaire, au‐delà du choix de facteur de forme, commencer sans crainte ! Patcher est l’occasion d’approfondir une connaissance solide du
par prévoir un budget. En sachant que les modules peuvent aller de moins de son tout en développant un rapport intime avec les principes fondamentaux
100 € à plus de 1 000 € pour des bêtes de course exotiques, l’addition peut vite de la synthèse. Ne pas hésiter à commencer modestement, de manière à
monter. Surtout qu’il faut aussi prévoir la caisse, l’alimentation et des cordons comprendre exactement ce que l’on fait. La beauté de l’exercice, c’est que,
en quantité suffisante et de diverses longueurs et couleurs (bien utile pour se pas à pas, au fur et à mesure des progrès, on pourra évoluer en ajoutant tel ou
repérer). Le tout est fonction de l’agencement des modules que l’on souhaite tel module pour construire un système qui correspondra exactement à nos
connecter. Ne pas hésiter à investir dans la qualité, car les câbles sont très goûts et besoins. Mais attention au portefeuille. Il s’agit d’une passion
sollicités. Ce budget pourra sembler important pour les utilisateurs dévorante et rapidement addictive ! Pierre Estève
d’instruments virtuels, habitués à une polyphonie illimitée, mais le plaisir fera
vite oublier la douloureuse : on va rapidement s’apercevoir qu’avec quelques
voix de vrai bon son, on compose bien mieux, et bien plus facilement. En ce aller plus loin…
qui concerne le choix des modules et pour juger des caractéristiques sonores Planifier son modulaire : Comparatif de câbles :
de ces derniers, rien ne remplace l’expérience de poser les doigts sur la bête. • www.modulargrid.net • https://docs.google.com/
Néanmoins, comme tous les modules sont présentés en ligne dans des vidéos Et aussi : spreadsheets/d/125bIvzY85o0Qs
produites par les fabricants ou des passionnés, si l’on prend le temps de bien se • www.stefanbreitenfeld.com/ VRrKOMMff6cAGUbkXJJzOyg8H
renseigner, il y a peu de risques de se tromper. Budget et format choisis, deux modularplanner.php ygklQ/edit#gid=0
solutions. La première, acheter un système « clé en main » proposé par une Liste des fabricants Eurorack : Les formats :
marque, et qui comprend tout le nécessaire. On le reçoit, on câble et on joue. • www.muffwiggler.com/forum/ • www.synthesizers.com/
Cette formule a l’avantage de commencer sur des systèmes éprouvés, faciles viewtopic.php?t=1460&sid=36a9b3 formfactors.html
à revendre, que l’on pourra compléter ultérieurement si besoin. Pas de risque caadb96bb0284537459f6c2131 • www.modularsynth.com/
de mauvais branchement (on peut facilement griller un module en l’alimentant Conseils : chart.html
incorrectement). L’esthétique sera impeccable. Pas de « trous » dans la façade, • www.trickness.com/blog/ • https://buchla.com
ni de modules sans rack en cas de mauvais calcul sur les largueurs des modules. eurorack-tips-for-beginners • http://makenoisemusic.com/
La seconde solution, on l’aura deviné, est de construire complètement son Guide SOS pour choisir synthesizers/shared-system
modulaire en mélangeant les différentes marques. un modulaire : • www.doepfer.de
• www.soundonsound.com/ • www.modularsquare.com
Pléthore de marques techniques/sos-guide-choosing-
La plupart des fabricants réputés qui disposent d’un catalogue conséquent modular-synth
de modules proposent aussi des systèmes. C’est par exemple le cas de BEMI

avril 2017 I KR home-studio #325 21

 reportages
Association
Accents du Sud
plate‐forme festivalière et culturelle
Didier Fois propose d’associer l’économie et le tourisme béarnais à l’action
« Accents du Sud », avec passion et pragmatisme ! Une belle réussite
comme le prouve le succès des diverses manifestations qu’il impulse.
KR: Quelles sont l’histoire et
la mission de l’association
Accents du Sud ?
Didier Fois :
L’association a été fondée en 2004 à Pau
en Béarn sous l’impulsion de Jean‐François
Duprat et de moi‐même. L’ambition du
festival, et plus généralement celle d’Accents
du Sud, est en priorité la valorisation des
expressions artistiques et culturelles
occitanes, mais aussi basques, navarraises,
aragonaises, catalanes. C’est une association
à laquelle s’adosse une organisation
professionnelle : Frédéric Bosc et Jeff Duprat
en sont les représentants officiels, en
compagnie également de Nathalie Cabannes
et d’Alain Bourême. S’y joignent les membres
actifs que l’on retrouve dans les commissions
de travail et les bénévoles qui sont une
centaine pendant le festival ! L’équipe « pro »
interne est composée de deux personnes :
moi‐même, directeur, et Julie Le
Marc’Hadour, chargée de mission.
Des prestations externalisées la complètent,
comme celle de notre attachée de presse
Claire Lextray, au savoir‐faire incontournable, pour une aventure telle que
« La Bellevilloise » !
Justement, venons‐en à la première édition d’Accents du Sud à Paris,
« La Bellevilloise » : lorsque culture, économie et tourisme se rejoignent…
Eh bien c’est justement là le sens que nous voulons donner à cette
manifestation. La mise en avant d’un territoire : le Béarn, sous toutes ses
cultures. Une démarche collective à travers laquelle les sphères économique,
touristique et culturelle présentent leur dynamisme. Accents du Sud est en
tête de pont de cette initiative et la culture s’y invite tout au long de ces deux
jours : tout particulièrement le samedi 20 mai 2017, avec la présence d’artistes
déjà retrouvés sur des éditions passées de Hestiv’Òc.
Et plus précisément…
Avec la participation d’André Minvielle et son Ti’Bal Tribal mené en famille, qui
a pour ambition de proposer un bal métissé : un moment de partage autour des
musiques à danser. La présence de Du Bartàs qui revendique la Méditerranée
comme territoire de jeu et d’exploration. En occitan et en arabe, ils chantent les
traces anciennes ou récentes laissées par l’histoire au creux de leur Languedoc
22 KR home-studio #325 I avril 2017
les métiers de la musique
méditerranéen et métissé. Los Seuvetons
DR
également, qui sont l’expression même d’une
culture et d’une langue toujours vivantes :
la polyphonie, la danse, la transmission, loin
des clichés « folklorisants ». La pratique des
danses traditionnelles est très vivante en Béarn
et sur tout le territoire gascon. Il ne se passe
pas une semaine sans un bal, un atelier,
un stage de perfectionnement ou une soirée…
Ensuite une Cantèra ouverte à tous, avec cette
façon qui est la nôtre de nous réunir autour
d’un répertoire chanté traditionnel ou plus
contemporain, en polyphonie.
La soirée concert…
La soirée sera une véritable invitation au
voyage. Les deux formations que nous avons
choisies sont des références dans le créneau
« Musiques du Monde » et elles sont le reflet
d’une culture vivante et ouverte… sur le
monde ! Les cinq gaillards de Du Bartàs
tissent des ponts entre leur Languedoc
naturellement métissé et le continent
africain. Oud, cuatro, accordéon et violon
oriental se mêlent au chœur puissant de ces
cinq voix pour nous amener à une musique
à écouter jusqu’à la danse. Puis André Minvielle, explorateur vocal amoureux
des sons et de leur imbrication, nous proposera en famille un bal de tous
les accents : cumbia, bourrée dauphinoise, fandango ou java brésilienne…
un répertoire métissé et une véritable invitation à la danse !
La pratique instrumentale traditionnelle vit‐elle un regain d’intérêt depuis
quelque temps ?
Oui, en effet ! Les musiques traditionnelles sont enseignées dans les
conservatoires, et les lieux de diffusion de ces esthétiques‐là, toujours plus
nombreux, incitent à leur apprentissage. Par ailleurs, les écoles bilingues
(Òc Bi) et immersives (Calandretas) attirent de plus en plus de jeunes et
permettent ainsi une redécouverte et une réappropriation de ce patrimoine
immatériel. De fait, les instruments traditionnels sont de plus en plus perçus
comme des instruments ayant toute leur place dans la palette proposée.
Faire intervenir les pratiques amateurs et intégrer le monde scolaire !
De quelle manière ?
La pratique amateur est au cœur même de la reconnaissance que nous
souhaitons pour notre culture. Les réseaux associatifs foisonnent en matière
 de chant, de danse, de théâtre, etc. Sur le festival, la représentation dans les phases de prises de décisions, sont de rigueur. Ces notions‐là ne
associative « amateur » se frotte également sans complexe à la viennent en rien en opposition avec le fait d’imaginer, de créer, de rêver…
représentation professionnelle. La confrontation est souhaitable, nécessaire Une anecdote musicale relative à votre activité d’organisateur de festival ?
même. Les scolaires participent régulièrement à des ateliers dans le cadre En 2005, lors de la première édition du festival, un groupe de musique
d’actions de médiation. Ce fut le cas dernièrement pour des collégiens, lors actuelle réputé, festif, dénommé Sangria Gratuite, est programmé. Le public
du dernier festival Hestiv’Òc ‐ Clap de Lenga (cinéma/audiovisuel) avec une vient au concert et quelques festivaliers ne connaissant pas encore le groupe
initiation aux techniques de doublage ou encore une initiation à la création s’approchent de la buvette et demandent : « C’est où que l’on peut
d’un court‐métrage. L’impact est à chaque fois positif et suscite même commander de la sangria… gratuite ? » Moment drôle ! Michelle Davène
des débuts de vocation !
Combien de temps faut‐il pour organiser un festival comme celui‐ci ?
C’est un travail qui s’étale tout au long de l’année. Les demandes de
subventions s’effectuent très tôt auprès des collectivités publiques.
aller plus loin…
L’animation du réseau des partenaires et mécènes, ainsi que de celui des Contacts public Accents du Sud : À Issoudun, la formation pour
bénévoles, est constante. La communication doit régulièrement occuper • www.hestivoc.com, le titre homologué niv. III au RNCP
le terrain médiatique. De plus, les orientations stratégiques et la contact@hestivoc.com, de « Chargé de Production »
programmation font l’objet d’une attention toute particulière au regard de 05 59 90 34 94 (1 130 heures) :
la forte attente sociale et des sollicitations toujours plus importantes. Retrouvez les autres festivals • www.lfissoudun.org
Quelles qualités sont les plus importantes dans votre fonction ? d’Accents du Sud sur le site : Les formations niv. I, II et III
La capacité à convaincre, la persuasion et l’adaptabilité. Croire en un projet • www.hestivoc.com de l’ISCPA :
ne suffit pas, il faut faire adhérer différents acteurs de la société civile, différents Et sur le site de l’Ostau Bearnés, • www.iscpa-ecoles.com
influenceurs aussi et tout cela en restant fidèle à ce qui vous anime. Avoir de la Maison de la Culture béarnaise : Réglementairement,
l’audace tout en faisant preuve de réalisme. La capacité à se projeter, à imaginer • www.ostaubearnes.fr/accents_ l’organisateur de festival devra
le développement à court, moyen et plus long terme ! Cela introduit la notion de du_sud.53.11.html aussi être titulaire de la Licence
stratégie, au sens noble, de l’action que l’on porte. Savoir mettre en perspective La Bellevilloise, salle de concert d’Entrepreneur du Spectacle,
les impératifs du quotidien avec des actions de temps longs. La sensibilité et la et d’exposition, 19‐21 rue Boyer, préparée en formation continue.
bienveillance à l’égard d’autrui sont importantes. Nul projet n’est viable s’il n’est 75020 Paris, 01 46 36 07 07 : Consultez entre autres :
partagé par un plus grand nombre d’aidants. Le respect des autres, l’écoute, • www.labellevilloise.com • www.istage-formation.org
la considération et l’empathie parfois sont des attitudes naturelles à posséder Formation professionnelle pour • www.cfpts.com
et à cultiver sans cesse si l’on veut s’entourer durablement, de façon pertinente être organisateur de festival : • www.cnfpt.fr
et en toute confiance. Le pragmatisme et le réalisme, et tout particulièrement

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rythmes sauvages

Depuis le début de la décennie, le rockeur californien n’arrête pas. Pourtant, il a trouvé une manière
d’accélérer encore son rythme de production. Enregistré de façon spontanée et urgente, son quatrième
album Savage Times réunit en fait cinq maxis conçus pour coller à la consommation musicale de l’époque.

Le point de départ de ce quatrième album est à chercher souviens bien, le premier jour, j’ai fait écouter tout ce que j’avais enregistré

KR: dans les tragiques attentats de fin 2015…

Hanni El Khatib : Oui, tout est parti de mon concert
parisien annulé en novembre 2015. Ma tournée devait
s’arrêter avec un dernier concert au Trianon. Et puis, une semaine auparavant,
les attentats du Bataclan ont eu lieu. Je m’étais mis dans la tête qu’après la
tournée je prendrais peut‐être une pause. Je voulais notamment produire
d’autres groupes. Mais comme mon concert au Trianon a été annulé, je me
suis dit que je devais profiter de ce temps libre imprévu pour aller enregistrer.
J’avais besoin de m’explorer en tant que musicien, je disposais de temps libre,
aucun engagement à l’horizon. Il n’y avait pas de meilleure période pour
concentrer mon énergie sur l’écriture et l’enregistrement. Je me suis réservé
quelques jours de studio pour voir où ça pouvait me mener.
Vous y êtes parti sans démo, ni esquisse ?
En réalité, je prends tout le temps des notes sur mon téléphone portable,
j’enregistre un riff pendant trente secondes ou une mélodie vocale. Si je me
à Jonny Bell (Crystal Antlers) qui a été le coproducteur et l’ingénieur du son.
Mais, à part ça, j’ai voulu ne rien planifier, ne pas avoir de choses spécifiques
à l’esprit. Quelle que soit l’humeur dans laquelle j’étais en arrivant au studio,
c’était celle dans laquelle j’allais enregistrer. Beaucoup des paroles ont été
écrites sur le champ, c’est pourquoi elles ont un côté viscéral. Je ne les avais
pas écrites à l’avance, avant de les chanter, elles ne figuraient nulle part… à
part dans ma tête. C’était important pour moi d’être libre, d’être débarrassé
de la contrainte de l’album.
Pourtant, au final, après les cinq maxis Savage Times numérotés de 1 à 5,
il y a l’album éponyme…
Au début, je pensais établir un catalogue d’inédits. L’idée générale était de ne
pas respecter le cycle rituel album‐tournée‐album afin de donner à mes fans de
la musique plus rapidement. Après trois albums conçus de manière
traditionnelle, entre deux tournées, qu’est‐ce que j’avais à perdre à procéder
différemment ? Quand tu prépares un album, tu travailles toujours sur

24 KR home-studio #325 I avril 2017

beaucoup de chansons, mais, à la fin, tu dois en choisir l’autoroute en direction du studio, je me suis retrouvé à
seulement dix. Après les quatre premiers jours passés hurler les paroles de ce qui allait devenir « Born Brown ».
au studio Jazzcats, j’ai parlé à mon manager et à mes Comme on était supposés finir la chanson commencée la
partenaires du label : « Je crois que j’ai envie de continuer veille, quand je suis arrivé en studio, Jonny avait installé tout
comme ça. » Je n’arrêtais pas de leur dire : « Je ne veux pas faire le matos pour boucler la chanson en question. Je lui ai dit :
de nouvel album. Et si je mettais ces chansons sur SoundCloud « Vire‐moi tout ça, je veux juste une boîte à rythmes Roland
ou que je les donnais à mes fans ? » Bah, oui, si les rappeurs TR‐808 et un clavier. » J’ai programmé moi‐même la
peuvent le faire, pourquoi pas moi ? J’étais très intrigué à l’idée rythmique et j’ai joué sur un Sequential Circuits Pro‐One et
d’enregistrer de la musique vite et de la publier à un rythme sur un OP‐1. On l’a enregistrée en une heure tôt le matin. Sur
aussi rapide. Quand tu travailles avec un distributeur « Come Down », je me suis servi d’Auto‐Tune et de l’effet
numérique, comme je l’ai fait avec chaque volume de Savage qu’utilise le rappeur Travi$ Scott. J’ai mixé cette technique
Times, tu as une fenêtre de deux semaines pour décider Savage Times avec de l’instrumentation live. Parfois, je me suis aussi
quelles chansons tu vas lui donner afin qu’il les mette sur les (The Complete Collection Vol. 1‐5) autosamplé pour créer une boucle. Pour « Peepshow », j’ai
plates‐formes. Par exemple, la chanson « Mondo And His [Innovative Leisure / Because] programmé toutes les batteries sur ma 808, je les ai
Makeup », je l’ai enregistrée deux jours avant de l’uploader à http://hannielkhatib.com envoyées dans l’ordinateur, éclatées, inversées… puis j’ai
mon distributeur. La semaine suivante, je créais une vidéo joué par‐dessus.
pour accompagner sa sortie… Même si c’est le mauvais choix, tout va tellement D’autres morceaux sonnent plus garage rock. Est‐ce que l’enregistrement
vite que tu n’as plus le temps d’y réfléchir, la chanson est déjà en ligne. de ces chansons a été plus classique ?
Était‐ce une manière de sortir de votre zone de confort ? Pour « Mondo And His Makeup », je voulais une partie de guitare garage
Oui, sauf que je ne me suis jamais senti aussi à l’aise ! Parfois, en te sortant old school, des solos de Farfisa. C’est un bon exemple d’une vision très précise
de ta routine, tu es agréablement surpris parce que tu te rends compte que la que j’avais en tête et que l’on a respectée jusqu’au bout. On s’est servi de
nouvelle approche te convient mieux que tout ce que tu as essayé auparavant. l’équipement qu’un groupe de rock de cette époque aurait utilisé, que
En fait, ce que je cherchais, c’était de combiner l’énergie et l’état d’esprit de du matos datant des années 50 et 60 – guitares, préamps, compresseurs,
mon premier album avec les connaissances techniques que j’ai acquises microphones. Dans ce cas‐là, tout a été très intentionnel. Pour d’autres
pendant les dernières années en tant que producteur. Pour moi, beaucoup morceaux, ça a été plus compliqué. Certaines chansons, je ne faisais qu’y
de la magie d’une chanson peut être perdue par trop de réflexion ou de revenir sans pouvoir les finir. Je parlais de la ligne de basse de « Gun Clap
production. C’est pour ça que j’ai essayé de capturer l’essence des chansons Hero »… Niveau musique, pas de problème, je l’ai enregistrée en une journée.
en les enregistrant aussi vite. Dans le passé, je procédais déjà
beaucoup comme ça. Mais, généralement, j’avais en tête un
résultat spécifique à atteindre, je savais quelle ambiance globale je « Pour moi, beaucoup de la magie
voulais pour l’album. Cette fois, je n’avais qu’une chose en tête :
que chaque chanson tienne debout, sans béquille ni rien d’autre. Si d’une chanson peut être perdue par trop
je suis honnête, auparavant quand j’écrivais les paroles, je prenais
les mots qui collaient le mieux avec la mélodie, sans trop aller plus
de réflexion ou de production. »
loin dans ma réflexion. Cette fois, j’ai vraiment essayé d’être
sincère sur certains sujets. Sans me dire : « Oh, c’est un disque de rock’n’roll, Mais trouver les bonnes paroles, ça m’a pris des semaines, voire des mois.
je ne peux pas parler de ça ! » J’avais l’instrumental depuis longtemps quand la bonne idée m’a frappé
Comment est le studio de Jonny Bell, Jazzcats ? d’un coup. Après, je n’arrivais pas à trouver le bon timbre de voix pour chanter
Il a été installé à l’intérieur d’un garage isolé. Il y a une live room et une les paroles. Un jour, je m’y suis enfin collé. Là, j’ai eu l’idée de mettre des
control room. J’avais amené tout mon matos, deux drum kits, plein d’amplis cordes dessus, alors j’ai appelé un pote violoniste. Ensuite, j’ai voulu avoir des
de guitare. Jonny a, lui, un peu le meilleur des deux mondes, des consoles backing vocals, j’ai réuni des amis. Tout d’un coup, la chanson est devenue
analogiques et des ordis. Je lui ai demandé de coproduire l’album parce que une vraie chanson ! Vincent Brunner
j’avais besoin de quelqu’un digne de confiance qui me balancerait des idées,
qui réagirait à mes textes. Il a aussi imaginé des choses auxquelles je n’aurais

DR
jamais pensé. Pour la chanson « Baby’s Ok », il me l’a fait chanter encore et
encore. Je hurlais tandis que lui baissait le son de ma voix dans le casque. Je lui
ai dit : « Attends, je crois que j’ai perdu ma voix. » Il m’a répondu : « Au lieu
d’hurler, chante d’une manière qui ne te fasse pas souffrir. » Après cette
dernière prise, il m’a annoncé : « C’est la bonne. Je voulais que tu n’aies plus
de voix parce que ça sonne plus cool comme ça. »
Jonny et vous, vous avez joué de tous les instruments ?
Oui. Sur certains morceaux, je suis à la batterie, d’autres c’est lui. On a
enregistré tellement de chansons qu’au bout d’un moment on ne sait plus qui
joue de quoi, à vrai dire. Je me suis mis à la basse, je voulais en jouer depuis
longtemps et pas comme un guitariste. La ligne de basse de « Gun Clap Hero »,
c’est de la première prise et, en plus, je m’échauffais ! J’avais demandé à Jonny
de me laisser le temps de me familiariser avec la chanson et ses changements
d’accord. Et là, il m’annonce : « C’est bon pour moi. » Parfois, la bonne manière
de travailler c’est de faire confiance aux accidents et à la spontanéité.
Chaque matin, vous redémarriez de zéro sans savoir
ce que vous alliez enregistrer ?
Vu que le studio est à 45 minutes de route de chez moi, chaque jour, en
voiture, je réfléchissais : « Qu’est‐ce que je vais pouvoir faire aujourd’hui ? Où
est‐ce que l’on en est restés hier ? Y a‐t‐il quelque chose que l’on n’a pas fini ? »
La chanson la plus surprenante est sans doute « Born Brown » et ses
arrangements de techno synthétique…
Ça faisait longtemps que je voulais mettre des synthés dans ma musique
mais je ne savais pas comment. Et puis, un matin, alors que je conduisais sur

avril 2017 I KR home-studio #325 25

 artistes rencontre

© JeanLouis Paris
yesSoul !

C’est mardi 24 janvier à l’occasion d’une interview de noJazz sur RFI pour l’émission « La Bande Passante »
que je revois le groupe au complet. Bonus : l’interview est filmée et retransmise en live sur le web. Dès mon
arrivée, une espèce de magie est déjà perceptible sur le plateau. Au fond, j’aperçois Philippe Balatier derrière
ses machines, dont l’APC40, son laptop avec Ableton Live et un superbe clavier de scène ! Quelques minutes
après un débriefing entre techniciens et artistes, on annonce qu’il ne reste qu’une heure de balance… Pas mal
de réglages des retours pour les cuivres, la batterie, le chanteur Jeffrey… C’est un peu serré côté timing, mais
tout s’ajuste au poil sur les cinq dernières minutes avant l’antenne !

Que s’est‐il passé depuis notre dernière interview ? Apparemment, tout est allé très vite, en combien de temps avez‐vous

KR: Philippe Balatier (claviériste et arrangeur) : Waouh !

Quinze ans déjà ! 2002, notre premier album enregistré à
New York. 2004, No Limits, un album qui revisite nos titres
joués par d’autres artistes. 2005, Have Fun, un album plus soul enregistré à
Los Angeles. 2009, Zooland, un album très éclectique enregistré dans le sud
de la France. 2013, noJazz & Friends, un album live enregistré au Sunset avec
Jean‐Marie Ecay, Andy Emler, Maraca, Benoît Sourisse. 2016, Soul
Stimulation, notre dernier album, définitivement le plus électro‐soul de nos
albums. Et plus de 600 concerts à travers une bonne cinquantaine de pays.
Ainsi que des rencontres incroyables : Claude Nougaro, Stevie Wonder,
Maurice White ! Sans oublier un talk show avec Thierry Ardisson sur Canal+.
bouclé ce nouveau projet et comment est‐il né ?
Ph. B. : Un an entre notre premier rendez‐vous avec notre manager et la
sortie de l’album. Cette rencontre a été décisive pour nous. Philippe Delmas
nous connaît et nous suit depuis quinze ans déjà ! En novembre 2015, il nous
propose de produire Soul Stimulation. Un album de chansons, chose que nous
n’avions jamais faite auparavant. Le challenge nous séduit !
Sans financements extérieurs, ce nouvel opus aurait‐il pu voir le jour ?
Philippe Delmas (manager) : Il est difficile de produire un album sans aide.
Tout d’abord il y a eu l’apport du label Pulp Music et l’aide reçue par la SCPP.
De plus, noJazz compte sur les concerts pour financer le marketing et
le support tour.

26 KR home-studio #325 I avril 2017

 Quel rôle chacun joue dans les différentes étapes : les tourneurs (quels sont leurs retours à ce jour ?),

DR
compo, prod, commercialisation ? le prochain titre ?
Ph. B. : En général, Pascal Reva, batteur, apporte le côté Ph. D. : La réussite d’un projet repose sur la capacité
mélodique avec Jeffrey, Philippe Sellam au sax et Sylvain des intervenants – label, manager, distributeur, agence de
Gontard à la trompette écrivent les thèmes de cuivres et moi communication, tourneur – de permettre à l’album d’avoir
l’harmonie et les arrangements. Côté prod, nous avons une visibilité et une présence sur l’ensemble des réseaux.
travaillé avec Atom et DJ Moar. Notre manager s’occupe de Dans notre cas, notre label manager chez Believe et
réunir l’ensemble des partenaires sur le projet global. Pour la Musicast étaient partants dès le départ et ont boosté
distribution, Believe en digital et Musicast pour la distribution la mise en avant – playlists plate‐forme et présence dans
physique de ce nouvel album. les bacs. C’est plus ardu pour l’aspect radio et presse écrite,
Comment avez‐vous travaillé sur les compos et même si nous savions à l’avance que ce serait compliqué et
productions ? Avec quel matériel ? Soul Stimulation que certains journalistes n’écouteraient même pas l’album.
Ph. B. : Les compos c’est comme d’habitude, tout [Pulp Music / Believe / Musicast] Heureusement que certaines radios indépendantes ont des
le monde amène des idées, on se les échange par mail, www.nojazz.fr oreilles et nous ont dès le départ proposé un partenariat
je fais la synthèse des envies de chacun et propose différentes noJazz sur RFI : permettant également une reconnaissance auprès du
directions. J’ai fait toute la pré‐prod à la maison avec Logic www.youtube.com/watch? public. MMC a travaillé l’ensemble des médias et nous a
Pro, Maschine et Live, carte son MOTU 828 et les basses avec v=iYJSV849qg0 permis d’avoir une présence régulière, donnant ainsi à
le Virus TI. En écoutes, j’ai des Genelec 1030. l’album une crédibilité avec entre autres dernièrement
On sent qu’artistiquement vous avez pris un certain virage sur cet album l’enregistrement de l’émission « La Bande Passante » sur RFI. Le travail
par rapport aux précédents, que s’est‐il passé ? continue et nous attendons le retour des médias pour faire évoluer le projet
Ph. B. : En 2001, à la genèse du groupe, nos envies étaient tournées vers sur l’année 2017. Pour les tourneurs, nous préférons pour l’instant booker en
une autre approche du jazz, d’où notre nom noJazz ! Le courant électro‐jazz direct en attendant de trouver un vrai partenaire qui aura la même vision du
était vraiment d’actualité aussi, une vraie demande existait. Depuis, bon projet que nous. Nous ne nous faisons aucun souci, car noJazz reste une
nombre de projets ont disparu. Les jazzeux comme Laurent de Wilde ou valeur sûre sur la scène.
Julien Lourau sont revenus au jazz. Nous commencions aussi à tourner en Ph. B. : Nous travaillons actuellement sur un remix et un clip de « My Kind
rond dans nos compos. Quand Philippe, notre manager, nous propose le Of Blue » qui est d’ailleurs déjà en playlist sur Orange TV.
projet, c’est une évidence pour nous ! Nous avons tous dans le groupe un Pour finir, quels sont les premiers résultats, en êtes‐vous satisfaits ?
amour évident pour la musique soul ; après notre album enregistré à Los Ph. D. : L’album s’est positionné dès sa sortie dans le Top 5 albums iTunes
Angeles en 2005, nous n’avions pas dit notre dernier mot ! Il fallait que nous R’n’B soul et continue de nous surprendre tous les jours avec de nouvelles
trouvions une approche de la soul à la sauce noJazz. playlists. La dernière, c’est avec Orange Select – 4,8 millions d’abonnés – et
Une certaine nouveauté… Quelques mots sur le chanteur, ses origines, avec la mise en avant sur la page musique et l’Orange TV. L’album est une
son parcours, son apport au groupe ? vraie réussite artistique, avec un son actuel plus électro et garde bien sûr
Ph. B. : Jeffrey est d’origine camerounaise, on s’est rencontrés en studio la soul de noJazz via la voix envoûtante de Jeffrey, l’électro de Balat et les
à Antibes. C’était un projet ambitieux qui mêlait classic et cuivres de Philippe et Sylvain. Encore
soul avec une harpiste, Cécile Bonhomme. La connexion un tour de passe‐passe réalisé par
s’est faite immédiatement. C’est un compositeur aussi, « Nous avons tous Moar sur « Swingin’ In Da Rain » pour
très bon mélodiste. C’est un vrai showman de par ses le single et par Atom pour le mixage
qualités vocales et son aisance scénique. Il a interprété dans le groupe un amour de l’album. Je ne me fais donc aucun
la chanson du générique du film Le Roi Lion. Sa place dans
le groupe est assez complexe parce qu’il est chanteur lead
évident pour la musique souci pour le devenir de noJazz dont
la capacité à défendre le projet sur
mais doit laisser de la place aux cuivres, qui sont très
importants dans le groupe. Il a justement un ego bien
soul. Il fallait que nous scène est un atout formidable. Ce
sont d’ailleurs les programmateurs
placé pour s’effacer pendant les riffs de cuivres qui
deviennent lead à leur tour.
trouvions une approche qui nous appellent et ça c’est bon
signe. noJazz joue dans les festivals
Qui a mixé l’album ?
Ph. B. : Tout d’abord, nous avons fait appel à DJ Moar
de la soul à la sauce de jazz et de musiques actuelles –
soul, funk, hip hop, urban, électro.
qui a trouvé un son pour le titre « Swingin’ In Da Rain »,
une approche DJ que nous n’osions pas avoir. Ensuite,
noJazz. » Di Pascali

nous avons essayé d’autres titres, mais nous n’avons pas

DR
eu la même vision et avons trouvé une très belle
alternative. Il nous a présenté Atom (C2C, Stromae), qui a
mixé le reste de l’album.
Et le live, comment est‐il construit et avec quel
matériel ?
Ph. B. : Au début de noJazz j’utilisais deux MPC2000XL
et un Nord Lead 1. Nous avons beaucoup tourné avec ce
set. Évolution oblige, durant nos voyages en avion j’ai dû
m’alléger. Depuis 2010, je bosse avec un MacBook et des
logiciels comme Live, Maschine, iZotope Stutter Edit,
Kontakt, un contrôleur DJ Reloop Terminal Mix et un
contrôleur Akai APC40. Le tout tient dans un bagage
cabine ! Comme clavier, j’utilise un Nord Stage ou un
Yamaha Motif – loué sur place. J’ai évidemment plus de
possibilités, mais je suis parfois nostalgique de mes MPC Un set désormais plus léger
que je ressors de temps en temps dans mon studio ! autour de l'Akai APC40.
Quelques mots sur la distribution, vos objectifs
à venir, la promotion de l’album (l’intérêt d’avoir eu
recours à une promo externe comme MMC), le live et

avril 2017 I KR home-studio #325 27

 artistes
Kid Wise

© Maeva Benedittini
contrôle sonore total !
Six potes, six musiciens, six univers mais
tous réunis dans un même esprit, au service
d’une pop électronique et cérébrale. Il ne
restait plus qu’à les rencontrer pour leur
poser nos six questions…

Votre histoire ?

KR: Clément Libes : Le groupe est né en 2012

avec un premier EP produit en solo par
Augustin, chanteur/claviériste. C’était
réalisé sans moyens et sans ambition si ce n’est celle de faire
de la belle musique. Voulant porter le projet sur scène, il
s’est entouré d’amis musiciens de la scène toulousaine. Petit
à petit, le projet solo s’est transformé en un groupe à part
entière avec Théo et Vincent à la guitare, Léo Faubert à la
batterie, Clément Libes aux violon, synthétiseur et guitare, et l’arrivée récente compression sidechain piloté par le kick électro et
d’Anthony Leliard à la basse. acoustique de notre batteur et qui vient faire
Vos influences ? pomper les nappes atmosphériques de notre
Nous sommes six passionnés avec des goûts très différents. Je crois que guitariste Théo.
c’est l’une de nos plus grandes richesses. Nous nous enrichissons sans cesse Quelles ont été les inspirations Les Vivants
des découvertes musicales des uns et des autres. De ce fait, les grosses qui vous ont menés à l’écriture de [The Wired Records / Universal Music]
influences du groupe vont de Sigur Rós à M83 en passant par Phoenix, This ce deuxième album et ce titre Les www.kidwise.fr
Will Destroy You, James Blake, Steve Reich, Preoccupations, Bon Iver, Kanye Vivants ?
West, etc. Bref, un joyeux bazar où il est parfois difficile de se retrouver ! Pour nous il n’y a jamais aucune idée préconçue pendant l’écriture d’un
Votre matos ? album, le puzzle se met en place au moment où presque tous les morceaux
Nous sommes des fous de matos. Peut‐être trop même… Faire une liste de sont déjà enregistrés. Nous avons été très marqués par tous les événements
tous nos jouets serait trop long. Nous partons en concert avec à peu près 500 tragiques qui ont ponctué l’année 2016 et je crois que ça a largement
kg de backline et ce n’est que le début ! Côté guitares, nous avons la chance influencé notre manière d’appréhender la musique. Nous voulons faire passer
de travailler avec un artisan toulousain, Dewitte Wired, qui nous a fait des un message d’espoir et d’amour. C’est une sorte d’ode à la vitalité, une
cabinets, guitares, têtes d’ampli, pédales et boards sur mesure. C’est du fait invitation au partage.
main « made in Toulouse » par un passionné, créatif et perfectionniste. Au Comment s’est réalisée la production de ce deuxième album entre les dif‐
niveau de l’amplification, Théo joue sur un Verellen Stereo qui développe pas férents studios que vous avez pu investir ?
moins de 1 200 W, c’est un minimum pour lui ! Pour la basse, c’est un ampli Nous avons d’abord enregistré avec Serge Faubert à Elixir pour les basse,
Aguilar et une basse d’un luthier de Rennes, Guitar’n Ko, avec des cordes batterie et pianos, puis au Studio de l’Imprimerie pour tout le reste. Nous
D’Addario NYXL. Le violon électro‐acoustique est diffusé en stéréo par DI afin avons la chance de pouvoir profiter de son savoir‐faire en termes de prise de
de créer un terrain de transition entre la chaleur vivante des lampes et son et de son goût pour les grains typés. Préamplis à lampe Ampex des
l’univers vaporeux et harmonique des synthétiseurs. Sur scène nous asseyons années 40, préamplis Summit, micros Neumann U 47, RCA à ruban, etc. Puis
le spectre avec les énormes infras du Moog Music Sub 37, puis un Prophet '08 une collection incroyable d’une dizaine d’amplis vintage avec des Lectrolab,
et un Prophet‐6 de Dave Smith Instruments et enfin un Nord Piano qui Gibson ou Supro, le paradis du grain ! Pour le mixage, nous avons eu la chance
enrobe le son avec ses sonorités précises et chaleureuses. En studio nous de travailler avec Antoine Gaillet qui a mixé des albums qui sont des
utilisons aussi le révolutionnaire Seaboard de Roli, le sauvage MicroBrute références pour nous, notamment Digital Shades de M83. Son studio est une
d’Arturia et le délicieux kitsch du JX‐10 de Roland. Au niveau batterie, ce sont véritable caverne d’Ali Baba où tous les plus grands rêves sonores peuvent
des valeurs sûres avec une Ludwig Drums Custom Shop USA et un multipad devenir réalité. Le mixage fut
Roland SPD‐SX. Toutes les séquences, les samples et les synchros MIDI sont analogique et numérique, à
gérés à l’ancienne par une Boss Loop Station RC‐505. la fois moderne, chaleureux portrait chinois musical
Et pour les effets ? et épais. Le mastering fut Et si vous étiez…
Une véritable histoire d’amour/haine. Oui, il y a clairement de petits réalisé avec soin par Alexis Un instrument : un orgue
moments de haine quand les pedalboards finissent par peser entre 15 et 36 Bardinet au Globe Audio Un son : un bruit rose
kg ! Si on devait citer quelques pédales présentes sur plusieurs de nos boards, Mastering à Bordeaux et qui Un album : l’un de ceux de Sigur Rós
ce serait les incroyables Space, TimeFactor et PitchFactor d’Eventide, a paraît‐il avec cet album Une époque : aujourd’hui
l’énorme Fuzz War de Death By Audio ou l’inimitable Instant Lo‐Fi Junky de remis en jeu son titre de « Big Une attitude : l’hédonisme
Zvex. Depuis peu, nous avons aussi réussi à intégrer un traitement live de Bass »… Thierry Demougin

28 KR home-studio #325 I avril 2017

 ils arrivent

© Frédéric Grimaud
Metro
Verlaine Metro Verlaine
[album à venir /
TFT Label pour le EP]
spleen attitude http://metroverlaine.net

Sombre et agressif, Metro Verlaine débarque dans

le paysage musical francophone pour bousculer
les mentalités. Une pop sauvage, un rock romantique
et des influences littéraires évidentes…
Votre histoire ?

KR: Axel (guitare) : Suite à un voyage à Londres, nous avons

formé Metro Verlaine avec Raphaëlle (chant), un soir d’avril
2013. Après des mois enfermés dans un petit appartement
pour bricoler nos premières chansons, nous commencons à tourner et
enregistrer quelques démos. Un passage au festival Le Rock Dans Tous Ses
États et la machine est lancée. Joe (batteur parisien) nous rejoint à Évreux et
un premier EP, Manchester, voit le jour avec l’aide du TFT Label, label
associatif normand. Nous écumons les scènes indé de France et de Londres et
recrutons Romain à la basse au printemps 2016. Notre premier album arrive
bientôt…
Vos influences ?
The Cure, Joy Division, Crocodiles, Echo & The Bunnymen, Albert Camus et
Jim Jarmusch.
Votre matos ?
Il est composé d’amplis Vox AC15 et Ampeg SVT, d’une basse Rickenbacker
et d’une guitare Telecaster, de pédales d’effets pas chères mais efficaces.
Les inspirations qui vous ont menés à l’écriture de ce premier album ?
On avait envie d’en découdre avec la morosité. L’envie de créer quelque
chose qui nous sorte de notre quotidien, quelque chose qui soit plus fort que la
grisaille. On a énormément écouté les Cure pendant toute la période pré‐
studio et beaucoup lu ; La trilogie de béton de J.G. Ballard a par exemple donné
forme à la chanson « Crash! »…
Où en êtes‐vous dans la réalisation de l’album ?
L’album est en boîte, la dernière session de mixage a eu lieu fin février, avec
à la réalisation le guitariste californien Charles Rowell – Crocodiles – et Arthur
Guegan. Il est le fruit du travail, avec une très belle entente, de six personnes
enfermées deux semaines dans la campagne normande.
Que représente pour vous l’esprit DIY de l’autoproduction ?
C’était très important de pouvoir faire cet album avec une liberté d’action
totale. On a été élevés à la culture punk et le DIY est un peu l’héritage de cette
période. Il faut souligner que l’album a été financé par les gens qui nous
suivent et croient en nous – KissKissBankBank – et que sans eux, rien de tout
cela n’aurait été possible. Merci mille fois ! Thierry Demougin
explorer
découvrir
30>38
[en couverture]

Études et formations

Toutes les filières

dans la musique
Pour un musicien, pourrait‐il exister une plus belle situation que de vivre de son art ? Y a‐t‐il cependant
de la « place pour tous », et est‐ce un projet d’avenir vraiment raisonnable ? Avec les prémices
du printemps, reviennent ainsi souvent quelques angoisses dans les familles, lorsque approchent
les dates d’accès au portail « Admission Post‐Bac »… Petit « inventaire » (non exhaustif !) des filières
musicales à vocation professionnelle…
Dossier réalisé par Patrice Creveux

30 KR home-studio #325 I avril 2017

pour travailler
1

S
i le serveur mis à disposition
des lycéens par l’Éducation
Nationale (www.admission‐
postbac.fr) reste très impres‐
sionnant pour des jeunes qui
sont souvent encore dans d’importantes
incertitudes quant à leur devenir, il offre
cependant un exceptionnel catalogue
d’orientations potentielles (figure 1), de
nature à permettre aux plus indécis de
s’engager… Au jour où paraîtront ces
lignes d’ailleurs, il ne restera pas énormé‐
ment de temps pour valider les premiers
choix, puisque la date « limite » est fixée
au 20 mars ! Mais ce calendrier est assu‐
rément pour le futur étudiant une excel‐
lente raison de se poser, relativement tôt
dans l’année, la véritable question du type
« je ferai quoi quand je serai grand » et
peut‐être de stimuler les « dilettantes »
pour un effort de travail jusqu’à la fin de
l’année… L’accès aux formations dédiées
aux milieux professionnels de la musique
échappe parfois un peu au cadre bien for‐
mel des filières classiques parce qu’il s’agit
souvent de « métiers‐passions » qui se
préparent bien avant le baccalauréat.
Cependant, à moins d’être « le Mozart »
du XXIe siècle et d’être identifié comme d’accéder au secteur de la musique et du Un secteur porteur
tel, un parcours aussi polyvalent que pos‐ spectacle. Tout au plus apparaissent‐elles 1 Le portail Admission mais fragile
sible sera sans doute à privilégier, ne comme étant les voies les plus logiques Post‐Bac permet Le potentiel d’emplois liés à la filière
serait‐ce que pour pouvoir disposer de pour une intégration harmonieuse dans aussi de rechercher culturelle et plus précisément la musique
« voies de sauvetage » au cas où les pers‐ un corps de métiers en pleine évolution des structures et tout ce « qui tourne autour » est consi‐
pectives deviendraient plus sombres que et où la polyvalence est souvent recher‐ de formation. dérable (figure 2). Et plus la formation de
les espoirs auxquels on a cru un temps… chée, que ce soit pour les musiciens ou base est polyvalente, plus fortes sont les
les techniciens. Il appartiendra à celui qui chances d’intégration. En revanche, les
Préambule fait le choix de cette orientation de bien plus médiatiquement visibles sont évi‐
Les filières et écoles présentées dans étudier ce qu’il est prêt à « supporter » ou demment les plus rares ou, du moins, les
ces pages ne prétendent pas être exhaus‐ à remettre en cause tout au long de sa plus difficiles d’accès et les critères de
tives et constituer l’intégralité des moyens carrière… sélection et de formation risquent de UU

avril 2017 I KR home-studio #325 31

[en couverture] Études et formations

2
UU décourager les moins motivés et
ceux qui… n’étaient pas faits pour ça ! Les
métiers du monde artistique ont tous
cependant une constante : ce sont des
métiers d’humilité (même si certains don‐
nent extérieurement l’impression d’en
être bien loin !) et de remise en question
perpétuelle. Deux traits de caractère qu’il
ne faudra jamais oublier lorsqu’on choisit
cette orientation, car si on peut assez faci‐
lement trouver un emploi, rien ne garantit
qu’il pourra être sans changements, du
début à la fin d’une carrière, même
lorsque le choix se sera porté vers un
emploi public. Le secteur culturel, consti‐
tué majoritairement de petites structures,
est en effet particulièrement fragile
lorsque l’environnement économique
souffre et est bien plus sensible aux tur‐
bulences budgétaires…

Musicien « classique »…
Travailler « dans la musique », au point
de départ, ça voudra dire être musicien…
Ces emplois ne s’improvisent pas et s’ap‐
puient en général sur une pratique réussie
depuis de longues années, qu’il s’agisse de
musique classique ou de musiques
actuelles. Il y a cependant un monde entre
une bonne pratique instrumentale ama‐
teur et une activité professionnelle. L’en‐
seignement artistique dans notre pays est
en général terriblement cloisonné : clas‐
sique d’un côté, « moderne » de l’autre,
même s’il y a de plus en plus d’interactions
entre ces deux mondes. L’enseignement
« officiel » pour la musique classique passe
par le conservatoire. Faudra‐t‐il une nou‐
velle fois le répéter, il n’y a pas de filière
musique entre le conservatoire municipal
et le conservatoire national supérieur ; un
élève de CRM (Conservatoire à Rayonne‐
ment Municipal) devra faire ses preuves
au travers d’un concours d’entrée exigeant
au sein d’un CRR disposant de cycles pré‐
professionnels ou dans un Pôle d’Ensei‐
gnement Supérieur de la Musique (voir
encadré«LesPôlesd’EnseignementSupé‐
rieur de la Musique ») et ensuite dans l’un
des deux CNSMD (Conservatoire National
Supérieur de Musique et de Danse), à Paris
(figure 3) ou à Lyon, dont l’objectif exclusif
est la qualification professionnelle. Le
niveau de formation technique y est excel‐
lent et vise à former des musiciens de pre‐
mier ordre, susceptibles d’aborder une
carrière de soliste ou d’intégrer un orches‐
tre, pour peu que… des places soient dis‐
ponibles ! Les étudiants de cor anglais,
d’alto ou de tuba risquent d’avoir plus de
facilité à trouver des débouchés que les
pianistes, les guitaristes ou les saxopho‐
nistes… C’est à l’analyse de cette consta‐
tation qu’a été créé, dans le cadre de la
réforme de l’enseignement supérieur artis‐
tique, le DNSPM (Diplôme National Supé‐
rieur Professionnel du Musicien) dispensé « hard thrash metal » sont assez rares…),
par les Pôles Supérieurs, et qui vise à don‐ 2 Une partie des mais aussi ce qui entoure cette pratique,
ner au jeune musicien à la fois des compé‐ orientations et débouchés c’est‐à‐dire une totale connaissance de
tences d’interprète mais aussi de potentiel professionnels des l’écriture musicale, dans tous les styles,
enseignant artistique, en y associant une métiers de la musique. une lecture parfaite, la maîtrise des outils
filière universitaire en musicologie pouvant de l’informatique musicale souvent indis‐
aller jusqu’au doctorat.
3 Le Conservatoire sociables des musiques actuelles, la
National Supérieur de connaissance des principes de base des
… ou musicien « moderne » ? Musique et de Danse techniques du spectacle, la connaissance
Le milieu des musiques actuelles paraît de Paris est hébergé des statuts professionnels et notamment
souvent plus accessible ou moins formel dans un bâtiment signé celui de l’intermittence, de la formation
que les milieux de la musique classique. Christian de Portzamparc, professionnelle… Les établissements qui
Sans doute au niveau des formations plus à deux pas de la proposent des cursus de ce type sont uni‐
nombreuses, mais pas nécessairement au Philharmonie de Paris. quement privés, même si, une nouvelle
niveau des réels débouchés. En effet, les fois, les conservatoires accordent de plus
orchestres de variété très prisés dans les en plus souvent une place aux musiques
années 80‐90 et importants pourvoyeurs amplifiées ou au jazz. L’étude approfondie
d’emplois se sont considérablement raré‐ du cursus, les références réelles annoncées,
fiés et l’accompagnement d’artistes ou les la durée, la caution d’un réseau ou d’une
grands spectacles font souvent appel aux institution, le… prix seront des critères à
mêmes instrumentistes. Quant aux for‐ analyser très sérieusement. Pour la plupart
mations « live » dans les cafés, des établissements spécialisés, la qualité
restaurants ou autres cabarets, est maintenant au rendez‐vous. Le réseau
force est de constater que leur Les professions de la FNEIJMA (Fédération Nationale des
nombre ne va pas non plus en
augmentant ! La problématique du monde Ecoles d’Influence Jazz et des Musiques
Actuelles) (figure 4), dont fait par exemple
sera donc identique à celle des
musiciensclassiques:êtrelemeil‐
artistique sont partie l'école APEJS à Chambéry, mérite
à ce titre une attention particulière : les
leur afin d’avoir une chance d’in‐
tégrer « l’élite » des musiciens de
des métiers écoles sont conventionnées par le Minis‐
tère de la Culture et dispensent un titre
scène… Le choix de l’école sera
importantetlapolyvalencedevra
d’humilité homologué au niveau IV (voir encadré
« Diplôme ou titre homologué ? »), le
être au programme : la technique
de l’instrument bien sûr, pas
et de remise MIMA (Musicien Interprète des Musiques
Actuelles), accessible également en VAE,
uniquement dans le style de en question et qui se veut être un objectif commun de
musique préféré (les offres d’em‐ formation sur les musiques actuelles et un
ploi de guitaristes spécialisés perpétuelle. outil de la structuration de ces musiques.

32 KR home-studio #325 I avril 2017

 3 4
Musicien ou… autre chose ?
Les exigences nécessaires à une pra‐
tique instrumentale professionnelle ne
peuvent concerner que des musiciens dis‐
posant de qualités exceptionnelles. Mais
pour tous ceux qui ne sont QUE très bons
ou bons, d’autres métiers existent dans
ce secteur qu’il est nécessaire de continuer
à professionnaliser. Les premiers auxquels
on pourra penser sont ceux de l’enseigne‐
ment, dont nous avons déjà évoqué l’ac‐
cès plus haut.
Pour l’enseignement en conservatoire,
« l’idéal » est de passer un Diplôme d’État
de professeur de musique (DE) ou un Cer‐
tificat d’Aptitude aux fonctions de pro‐
fesseur de musique (CA). Le DE est un
diplôme de niveau II, avec différentes
options (incluant jazz et musiques
actuelles amplifiées). Il peut être préparé
en formation initiale pour les titulaires
d’un DNOP, le Diplôme National d’Orien‐
tation Professionnelle passé en fin du
CEPI dispensé par les Conservatoires à
Rayonnement Départemental (CRD) et
Régional (CRR), ou d’un DEM (Diplôme
d’Etudes Musicales), qui sanctionne leur
troisième cycle. Il est aussi possible de
préparer un DE dans l’un des CeFEDeM
(Centre de Formation des Enseignants
de la Danse et de la Musique), maintenant
souvent intégrés au sein des Pôles Supé‐
rieurs, ou au CNSM, en l’associant à un
cursus instrumental. Le cursus intègre de
la pédagogie, de la culture artistique et
pédagogique, ainsi que la connaissance
des fonctionnements des structures ter‐
ritoriales. Sa durée est de 1 350 heures et
comprend des stages pratiques. Ce
diplôme peut aussi se préparer en forma‐
tion continue ou par la VAE. Il permet de
se présenter au concours d’assistant ter‐
ritorial d’enseignement artistique néces‐
saire pour postuler à un poste en
conservatoire et au concours externe d’as‐
sistant spécialisé d’enseignement artis‐
tique de la Ville de Paris, qui dispose de
sa propre sélection.
DR
© MAI
Le nombre de potentialités d’emploi est important
dans l’ensemble des métiers de la musique et peut être
particulièrement gratifiant pour peu… qu’on ne
le considère pas comme un « à défaut » d’une carrière
de musicien‐interprète.
Le CA est un diplôme de niveau I, ouvert tant à préparer le CA, même la réalisation
aux titulaires du DE, du DNSPM ou d'un 4 La MAI de Nancy du cursus par certains Pôles Supérieurs
diplôme validant un premier cycle d'en‐ est une école du réseau est à l’étude. Les jeunes enseignants titu‐
seignement supérieur en musique. Il est FNEIJMA et propose des laires du CA devront passer le Concours
accessible en formation initiale ou par la formations de musiciens de Professeur d’Enseignement Artistique
formation continue. La durée de la for‐ professionnels mais aussi de la fonction publique territoriale avant
mation est de 900 heures, incluant des pour les techniques de postuler à un poste en conservatoire.
stages pratiques. Seuls les CNSMD de du spectacle. L’enseignement de la musique au col‐
Paris et de Lyon sont habilités pour l’ins‐ lège et au lycée n’a pas toujours une UU
Les Pôles d’Enseignement Supérieur de la
Musique… des établissements « pour musiciens »
Force est de constater que tous les élèves sortant d’un ne peuvent qu’être une bonne chose, si l’on excepte les
CNSMD ne trouvent pas d’emploi en tant que soliste contraintes de la fonction publique par rapport à la durée
ou musicien d’orchestre, les contraignant à des légale du travail : il est bien difficile d’avoir à la fois une
reconversions souvent difficiles, compte tenu de choix activité dans un collège, dans un conservatoire, et
scolaires antérieurs parfois réducteurs… La réforme de d’espérer en même temps conserver une activité réelle
l’enseignement artistique supérieur de 2007 a mis en de musicien… Actuellement au nombre de onze sur le
place le DNSPM qui offre ainsi la possibilité au jeune territoire national, les Pôles nationaux sont une première
musicien de suivre en même temps que sa formation étape importante dans la mise en œuvre de structures
à l’instrument un cursus universitaire en musicologie, permettant la professionnalisation des musiciens. Le seul
ouvrant ainsi la porte à la fonction d’enseignant regret que l’on pourrait exprimer concerne le fait qu’on ne
d’éducation artistique en collège ou lycée, après passage parle majoritairement que de pratique classique, même si
d’un CAPES. Certains Pôles proposent également aux des options de spécialisation existent pour le jazz et les
jeunes étudiants de préparer un DE de professeur de musiques amplifiées. Mais l’ensemble des aspects de la
musique qui, lui, permettra, après passage du concours vie professionnelle du musicien (comme savoir gérer son
de la fonction publique territoriale, d’accéder à la fonction statut, son évolution de carrière, la compréhension de
de professeur de conservatoire ou encore, en partenariat l’environnement professionnel) n’est que très
avec un CFMI, de se préparer au DUMI (Diplôme succinctement abordé, contrairement à ce que l’on peut
Universitaire de Musicien Intervenant). Sur le principe, la trouver dans les formations plus orientées « moderne »
complémentarité de compétences ainsi que la possibilité ou dans certaines écoles étrangères, mais avec des coûts
pour le musicien de se construire un travail à temps plein pédagogiques bien différents.
avril 2017 I KR home-studio #325 33
[en couverture] Études et formations
UU excellente réputation ! Pourtant, la
lecture du programme proposé par l’Édu‐
cation Nationale accorde une grande
liberté, tant de style que de contenu, à
l’enseignant. La récente réforme du col‐
lège ne simplifie pourtant pas les choses,
même si ses tenants et aboutissants peu‐
vent, précisément dans le cadre d’une
matière artistique, susciter des projets
intéressants, pour peu que l’établissement
dispose des moyens de les mener à bien…
Pour devenir « prof de musique », il faut
être titulaire d’un CAPES en éducation
musicale et chant choral passé à l’issue
d’un premier cycle universitaire en musi‐
cologie. Une bonne trentaine de dépar‐
tements universitaires délivrent un cursus
en musicologie, dont la prestigieuse
Sorbonne (figure 5), qui propose un
intéressant double cursus sciences et
musicologie.
Professeur de musique
dans le privé
Le statut de professeur de conservatoire
ou de collège n’est pas forcément un par‐
cours semé de roses : la multiplicité des
filières de préparation, la complexité des
diplômes et concours, ainsi que la frilosité
de certaines collectivités territoriales à
maintenir des budgets de fonctionne‐
ment significatifs pour leurs conserva‐
34 KR home-studio #325 I avril 2017
DR
toires et leur choix d’embaucher les per‐ Musique Yamaha recrutant des ensei‐
sonnels plutôt sous contrat que sur un gnants qui seront formés en pédagogie
statut de fonctionnaire ne sont pas sans et aptes bien évidemment à enseigner
poser actuellement quelques problèmes sur les instruments de la marque. Yamaha
d’emploi aux jeunes futurs enseignants. reste le seul fabricant à ce jour à proposer
Les postes d’instruments « populaires » un accompagnement pédagogique à l’uti‐
(piano, guitare) sont insuffisants pour la lisation de ses instruments et capable à
demande, alors que pour les instruments relativement grande échelle d’offrir une
plus rares, c’est la « galère » : trois heures carrière professionnelle de professeur de
par‐ci, deux heures par‐là dans différents musique salarié. Restera enfin la possibi‐
établissements, avec une prise en charge lité de « s’installer » comme professeur
de frais de déplacements inexistante et de musique indépendant, en auto‐entre‐
des rémunérations au plancher… Certains preneur, aucun diplôme ou qualification
se tournent donc vers le milieu associatif n’étant dans ce cas requis. Il faudra juste
et privé qui représente un vivier d’emplois prendre le temps de s’établir une clientèle
potentiels également considérable. En et accepter la fragilité d’un fonctionne‐
revanche et bien évidemment, il ne sera ment économique libéral…
plus question là de fonctionnariat, mais
de contrat de droit privé. Les écoles asso‐ Ne pas être maladroit
ciatives ou privées n’ont pas les mêmes de ses mains…
obligations réglementaires de recrute‐ Les métiers artisanaux de la facture ins‐
ment et les jeunes diplômés entrent en trumentale pourront séduire ceux pour
concurrence avec le recrutement tradi‐ qui l’enseignement n’est pas la « tasse de
tionnel de ces écoles, celui des musiciens thé ». Ils sont assez clairement identifiés
en recherche de compléments horaires. entre la fabrication et la réparation, même
Si ces derniers peuvent être moins diplô‐ si les formations pour y parvenir font le
més – c’est d’ailleurs loin d’être une géné‐ plus souvent l’amalgame… On identifie
ralité –, ils ont pour eux une expérience ainsi les accordeurs/réparateurs de pianos,
de terrain polyvalente sans doute plus les luthiers guitare, instruments à vent et
importante, particulièrement recherchée cordes frottées, les facteurs d’orgues où
par les écoles, et des exigences statutaires les aspects entretien et fabrication (dans
moins fortes qui leur feront parfois accep‐ une moindre mesure tout de même) coha‐
ter des niveaux de rémunération plus fai‐ bitent. Les formations à ces métiers
bles. À noter à ce titre que certains débouchent sur des diplômes de niveaux
réseaux d’écoles sur internet (qui font des V, IV et III et se partagent entre trois éta‐
5 La Sorbonne à Paris « mises en relation client/professeur » blissements historiques, l’Itemm au Mans
accueille l’unité de dans « l’esprit Uber » !) proposent à leurs (figure 6) pour le piano, la guitare, les ins‐
formation et de recherche enseignants des tarifs indignes des com‐ truments à vent et l’accordéon, l’École
de Musique et pétences d’un vrai professionnel ; peut‐ Nationale de Lutherie au lycée Jean‐Bap‐
Musicologie de Paris IV. être une bonne expérience pour un tiste Vuillaume à Mirecourt pour les ins‐
étudiant‐musicien (parfois au détriment truments à cordes frottées, et le Centre
de l’élève !) mais inenvisageable pour de Formation de la Facture d’Orgues
espérer vivre de son art… Une mention d’Eschau. D’autres établissements parfois
spéciale pour le réseau des Écoles de spécifiques à des publics particuliers
Diplôme ou titre homologué ?
Dans le domaine de la musique et des arts, les diplômes Actuelles » (MIMA). Un titre homologué n’est pas
n’ont pas de tout temps été prioritaires : le talent, les… un diplôme, mais puisqu’il est validé par les instances
recommandations et protections, les opportunités ont professionnelles du secteur qui le concerne, il en a
permis à de nombreux professionnels de vivre de leur art… l’équivalence, notamment en termes de continuation
Depuis la création des grandes écoles internationales de éventuelle d’études, de rémunération dans la fonction
musique, les certifications diplômantes ou la réussite à des publique, de niveau d’embauche… Les domaines
concours sont devenues le laissez‐passer indispensable connexes de la pratique musicale mais qui y sont souvent
pour envisager une carrière de premier niveau. À ce titre, liés comme les techniques du spectacle ont souvent
la réputation du Conservatoire de Paris a d’ailleurs recours à des formations homologuées – c’est le cas d’un
largement dépassé les frontières nationales. La FNEIJ certain nombre de celles qui sont citées dans cet article –,
(Fédération Nationale des Ecoles d’Influence Jazz) leur mise en œuvre, même si le dossier préludant à la
devenue FNEIJMA (se sont ajoutées les Musiques validation est complexe, étant plus simple que pour
Actuelles…) s’est appuyée sur la loi de modernisation un diplôme « Éducation Nationale ». Les niveaux de
sociale de 2002 pour faire enregistrer au RNCP (Répertoire certification couvrent l’intégralité des cycles de l’Éducation
National des Certifications Professionnelles) un titre Nationale, du CAP au doctorat. La liste des formations
homologué intitulé « Musicien Interprète des Musiques homologuées est disponible sur le site du RNCP.

(comme par exemple l’INJA – Institut
National des Jeunes Aveugles) préparent
certains des diplômes nationaux. Pour ces
métiers, la dimension artisanale est une
évidence et il faudra ne pas être trop mala‐
droit de ses mains. Si, historiquement,
c’est au niveau du CAP que se prépare un
métier dans ce domaine, l’Itemm propose
pour la facture de pianos, la lutherie gui‐
tare et instruments à vent une filière CAP‐
BMA‐DMA permettant à un étudiant
d’atteindre un niveau III. À Mirecourt, l’étu‐
diant luthier sortira avec un DMA et, à
Eschau, ce sera avec un Bac Pro. Ces
filières sont accessibles pour la plupart uni‐
quement en apprentissage et la première
difficulté consiste à trouver un maître d’ap‐
prentissage de qualité. Le nombre d’élèves
est relativement limité et les recrutements
se font rarement au niveau réel d’admis‐
sion : il n’est ainsi pas rare de voir inscrits
en CAP des élèves déjà titulaires d’un bac‐
calauréat, voire plus ! Les débouchés sont
certains dans le domaine de l’orgue et du
piano, même si le piano numérique gri‐
Les métiers techniques
du spectacle
La mise en œuvre du spectacle appelle à l’utilisation de techniques, son, éclairages, qui apparaissent
pour de nombreux jeunes musiciens comme étant des « dérivatifs » à une pratique musicale professionnelle…
I
l ne faudra pas rester sur cette ana‐
lyse, car si les techniques du specta‐
cle amènent en effet à côtoyer les
artistes, le rôle du technicien n’est,
la plupart du temps, que de rester
dans l’ombre à leur service… Le métier de
technicien du son mérite aussi d’être un
peu « démythifié » ; dans sa plaquette,
aucune école ne parlera du déchargement
des flight‐cases d’un camion, sous la pluie,
à 7 heures du matin. Pas plus que de l’ins‐
tallation sur le plateau, parfois dans des
situations compliquées, et du démontage
à 1 heure du matin… Elles ne mentionne‐
ront pas non plus les « passionnantes »
heuresdesonorisationdecongrèsdecom‐
pagnies d’assurances et d’assemblées
générales d’actionnaires, ou encore les
galas des associations locales ou les humi‐
liationspubliquesd’unchanteurcaractériel.
On ne retiendra donc que les beaux
moments avec des artistes généreux et
talentueux, les efforts que l’on fera pour
7
DR
6
DR
gnote progressivement le piano acous‐ indépendant, comme ouvrier d’un artisan
tique et ses besoins d’accordeurs… Pour
6 L’Itemm forme les installé (souvent, le maître d’apprentis‐
professionnels techniques
la guitare, les cordes frottées et les instru‐ sage), soit comme technicien d’un maga‐
de l’instrument.
ments à vent, il ne faut pas trop rêver de sin ou d’un distributeur. Enfin, pour
vivre de la fabrication de ses instruments 7 Session audio avec certains instruments (piano, instruments
et c’est davantage vers le réglage et la à vent…), il existe quelques entreprises
un étudiant de la
réparation, secteur loin d’être négligeable, susceptibles tout de même d’accueillir du
SAE‐Aubervilliers.
qu’il faudra s’orienter. Cette activité pourra personnel en fabrication (Pleyel, Selmer,
se faire soit en s’installant comme artisan Buffet‐Crampon…).
leur « faire le son du siècle » et la satisfac‐ dansdesétablissementspublicsqueprivés,
tion que ceux‐ci exprimeront au technicien mais de nombreuses structures proposent
à la fin du spectacle ! D’où le nombre de des formations qualifiantes pour lesquelles
candidats qui se pressent aux portes des il faudra être vigilant quant aux potentiels
écoles de formation et qui, nécessaire‐ débouchés professionnels. Certains éta‐
ment, impliqueront des critères de sélec‐ blissements proposent à la fois une offre
tion draconiens. Il faudra avoir réussi un qualifiante et diplômante, permettant un
baccalauréat scientifique
et/ou technique pour inté‐
grer une école d’État ou…
Si les techniques du spectacle amènent
être prêt à investir une
somme non négligeable
à côtoyer les artistes, le rôle du technicien
dans un établissement
privé. Dans un cas comme
n’est, la plupart du temps, que de rester
dans l’autre cependant, la
quantité de travail néces‐
dans l’ombre à leur service…
saire est importante et aborde de nom‐ accès à différents niveaux de pré‐requis :
breuses matières : électricité et la SAE d’Aubervilliers (figure 7) où l’offre
électronique, acoustique, technologies des particulièrement large couvre les aspects
matériels, informatique, mais aussi culture de la scène comme ceux du studio, du jeu
musicale et artistique et connaissance des vidéo et du multimédia, l’EMC de Malakoff
instruments. La voie « officielle » passe par qui offre des options Son, Cinéma et UU
les BTS audiovisuels préparés aussi bien
avril 2017 I KR home-studio #325 35
[en couverture] Études et formations
UU Web‐Graphisme, le GRIM‐EDIF à
© Blickpixel@pixabay.com
Lyon, mais aussi l'INA, l'Eicar, le Cifacom
ou encore l'ISA qui propose pour certains
une formation initiale ou en alternance. Si
la popularité des métiers techniques du
spectacle est importante auprès des
jeunes, l’offre de travailn’estpasforcément
proportionnelle ; pour intégrer la fonction
publique (théâtres nationaux, radio d’État,
salles et services de collectivités locales),
le diplôme ou le titre homologué sera un
plus. Pour postuler auprès d’un prestataire
ou d’une salle privée, des compétences
avérées ou une expérience de terrain
seront appréciées. À noter aussi que, dans
les petits lieux, on appréciera la polyvalence
(son + éclairages, son + sécurité ou admi‐
nistration…) qui permettra parfois de défi‐
nir un emploi à temps plein. Les formations
proposées en alternance, telles celles du
CFPTS‐CFA du Spectacle vivant, appor‐
teront à ce sujet une première immersion
dans le domaine professionnel souvent
appréciée des entreprises. En revanche, il
ne faut plus compter dans ce domaine sur
une formation « sur le tas », comme cela
fut longtemps le cas…
Les écoles « un peu à part »
Il y a des écoles d’exception. Pour cer‐
taines, elles ont été à l’origine des forma‐
L’environnement
de la musique
Si le secteur de la distribution s’est considérablement restructuré au cours des dix dernières années, il reste demandeur
de personnels qualifiés que ce soit au niveau des magasins de détail ou des importateurs et fabricants…
L
e Bac Pro « Vente » généraliste
peut permettre d’intégrer le sec‐
teur du commerce de l’instru‐
ment, mais l’Itemm prépare un
Bac Pro de « Vendeur spécialisé
en produits musicaux ». La formation,
accessible uniquement en temps plein,
dure neuf mois et comporte des périodes
de stage en entreprise. Le BTS MUC Spé‐
cialité « Produits musicaux » se prépare
en alternance sur deux ans dans le même
établissement, et peut constituer une suite
de formation à la fois au Bac Pro Vente
mais aussi à un BMA en facture instru‐
mentale en apportant la dimension com‐
merciale à la connaissance de l’instrument.
36 KR home-studio #325 I avril 2017
tions dans ce domaine, c’est le cas de
l’École Nationale Louis Lumière par où
sont passés un temps la quasi‐totalité des
personnels de la radio et la télévision…
L’accessibilité est à Bac + 2 et délivre un
Master niveau I. Ce sera aussi le cas de la
Formation Supérieure aux Métiers du Son
(FSMS) du Conservatoire Supérieur de
Paris et qui dure quatre ans. Au niveau
des pré‐requis, là aussi, une prépa maths‐
physique et un DEM obtenu dans un CRD
ou un CRR. Le programme proposé est
sans doute le plus complet que l’on puisse
imaginer, et dans un environnement
Le fonctionnement des lieux de spec‐
tacle est souvent géré par des adminis‐
tratifs issus de filières généralistes,
principalement lorsqu’il s’agit de collec‐
tivités. Il existe cependant des formations
spécialisées permettant d’associer direc‐
tement le contenu du cursus aux spécifi‐
cités des lieux culturels. Évidemment, il
n’est plus vraiment question là de pratique
de musicien, mais d’un travail dans l’en‐
vironnement immédiat du spectacle ; par‐
fois plus réaliste, en termes de potentiels
débouchés ! Les licences pro « Médiation
culturelle et valorisation des expressions
artistiques » (université de Cergy‐Pon‐
toise) et « Communication et valorisation
unique. Reste à y entrer… L’ENSATT offre
un diplôme d’Arts et Techniques du Théâ‐
tre option Concepteur Son. D’une durée
de trois ans, la formation offre un ensem‐
ble de savoirs permettant d’occuper n’im‐
porte quelle fonction dans les pratiques
du son. Beaucoup moins exigeante en
termes de pré‐requis, la formation « Tech‐
nicien du spectacle option son », titre
homologué niveau IV, délivré par STAFF
à Nantes. À l'issue de cette formation, les
techniciens savent préparer, mettre en
place et contrôler les dispositifs tech‐
niques nécessaires au bon déroulement
d'un spectacle, sous l’autorité d'un régis‐
seur ou d'un responsable technique. Une
mention aussi pour l’Abbey Road Institute
‐ Paris, transmettant à ses étudiants les
techniques du studio qui ont fait la répu‐
tation de la « maison‐mère » anglaise :
techniques du son, production, music
business et management. D'autres écoles
privées permettent aussi de se préparer
aux métiers du son en deux ou trois ans
comme l'ESRA/ISTS ou encore les 3iS.
On pourra également se tourner vers la
formation continue pour approfondir ses
connaissances comme au Cifap, ou plus
original sous forme de cursus de stage ou
masterclass, comme chez Whiti Audio
Formation.
de la création artistique » (université de
Toulon), cette dernière étant un peu plus
orientée vers les petits projets télévisuels,
ou du Creusot, peuvent être des préam‐
bules sérieux au Master (1 et 2) « Admi‐
nistration de projets culturels » (titre
homologué niveau I) de l’IESA qui apporte
à des étudiants de niveau Bac + 4 les com‐
pétences nécessaires à la gestion d’un
projet culturel, d’un festival, l’élaboration
de son financement et les outils de com‐
munication à mettre en œuvre, tout
comme le Master « Manager de projet
culturel » de EAC à Lyon. Les collectivités,
les institutions et entreprises recherchent
des profils de ce type pour des mis‐ UU
© Blickpixel@pixabay.com

Lexique
CRM, CRI, CRD, CRR, CNSM :
les types d’établissements d’enseignement artistique agréés
en France. CRM pour Conservatoire à Rayonnement Municipal,
CRI, Conservatoire à Rayonnement Intercommunal, CRD,
Conservatoire à Rayonnement Départemental, CRR, Conservatoire
à Rayonnement Régional, CNSM, Conservatoire National Supérieur
de Musique.
DNSPM : Diplôme National Supérieur Professionnel du Musicien,
préparé par les Pôles Supérieurs et qui associe enseignement
d’un CRR pour l’instrument et d’une université pour le cursus
musicologique.
FNEIJMA : Fédération Nationale des Écoles d’Influence Jazz
et des Musiques Actuelles. Regroupe une trentaine
d’établissements privés préparant au…
MIMA : Musicien Interprète des Musiques Actuelles, titre
homologué niveau IV.
CAPES : Certificat d’Aptitude au Professorat de l’Enseignement
du Second degré, concours permettant l’accès à la fonction L’école des musiques actuelles à Chambéry (73)
publique, après un Master MEEF de deux ans.
VAE : la Validation des Acquis de l’Expérience est un des principaux
aspects de Loi de Modernisation Sociale de 2002. C’est une mesure
qui permet à toute personne, quels que soient son âge, son niveau
d'études ou son statut, de faire valider les acquis de son expérience Nos formules
pour obtenir une certification professionnelle. La VAE permet
d'obtenir, en totalité ou en partie, un diplôme, un titre ou un
de formation professionnelle
certificat de qualification professionnelle inscrit au RNCP. 2017-2018
(www.education.gouv.fr/cid1106/la-validation-des-acquis-de-
l-experience.html)
DE : Diplôme d’État de professeur de musique.
  %   
CA : Certificat d’Aptitude aux fonctions de professeur de musique.
DNOP : Diplôme National d’Orientation Professionnelle passé
 #   
en fin du…
    
CEPI : Cycle d'Enseignement Professionnel Initial, constituant
la pré‐professionnalisation du musicien.
 ""

DEM : Diplôme d’Etudes Musicales.

CeFEDeM : Centre de Formation des Enseignants de la Danse
  $
et de la Musique.     
BTS MUC : BTS Management des Unités Commerciales.
Niveaux des diplômes :
 
Niveau V : DNB, CAP, BEP.
Niveau IV : Baccalauréat, Brevet de technicien, BMA, MIMA.   ! "
Niveau III : Brevet de Maîtrise, BTS, DE de professeur de musique,
DEUST, DMA, DUT. $"!%
Niveau II : tous diplômes à Bac + 3 ou 4 (licence, maîtrise…).    
Niveau I : diplôme de niveau égal et supérieur à Bac + 4 ou 5
(master, doctorat, diplôme d’ingénieur, diplôme de grande école…).

FORMATION - CRÉATION - DIFFUSION

RENS. 04 79 71 76 40 - WWW.APEJS.ORG
[en couverture] Études et formations

UU sions d’animation ou de médiation
culturelle qui peuvent être passionnantes,
même si l’on n’est plus dans le domaine
d’une pratique musicale directe ; établir
une programmation, préparer une tour‐
née, mettre en œuvre la communication
d’une salle, gérer l’accueil des publics et
des artistes…
Nous ne sommes là plus très loin de la
production artistique. Cependant, ce
terme a été pas mal détourné de son
appellation d’origine, car avec l’apparition
des matériels de home‐studio, c’est sou‐
vent plutôt de formations à l’autoproduc‐
tion dont il faudrait parler ; avec le déclin
du marché du disque et le développement
des moyens offerts par l’internet, il n’est
en effet plus aussi courant d’avoir recours
aux services d’un intermédiaire qui va
accompagner le projet d’enregistrement.
Le programme « Formation musicale stu‐
dio » de l’EMC permettra ainsi à ses étu‐
diants d’aborder l’ensemble des aspects
utiles à la réalisation de documents numé‐
riques distribués en ligne : technologie
des matériels et MAO, connaissance de
techniques du studio et des fondamen‐
taux musicaux, ainsi que les aspects régle‐
mentaires concernant la législation, le
droit d’auteur et les fonctionnements
commerciaux. L’IESA propose également
une formation de « Chargé de production
musiques actuelles » au niveau III, et l’ESG
prépare à un MBA « Management de la
production musicale et développement
d’artistes », au niveau II (il existe aussi
une filière au niveau III). Enfin, une men‐
tion particulière pour le Master « Produc‐
tion musicale » de la SAE, réalisé en
partenariat avec l’université Paris‐Est‐
Marne‐La‐Vallée. On pourra également
se tourner vers l'école Atla qui propose
des formations de management artis‐
tique et culturel.
Plus qu’une aventure
Le secteur artistique ne représente plus
le côté « aventureux » et incertain d’il y a
encore une vingtaine d’années. L’ensemble
des acteurs et des fonctions s’est profes‐
sionnalisé, et c’est tant mieux, parfois au
grand désarroi des aînés qui ne compren‐
nent plus très bien comment fonctionnent
les « petits jeunes » entrant sur le marché
avec beaucoup d’efficacité ! Il faut juste ne
pas perdre de vue que si la réussite profes‐
sionnelle dans ce domaine peut amener à
vivre très correctement, cette situation ne
sera jamais acquise définitivement (existe‐
t‐il de nos jours un domaine fiable pour
l’ensemble de la carrière professionnelle ?!)
et que ce sera très difficile lorsqu’on ne sera
pas intégré ou identifié dans un réseau pro‐
fessionnel. Enfin, ce sont des secteurs où
la mobilité peut être parfois pesante et la
durée de travail bien au‐delà des « for‐
mats » légaux…

répertoire
Le site des deux CNSMD, à Paris et à Lyon :
• www.conservatoiredeparis.fr,
www.cnsmd-lyon.fr
Infos sur les Pôles d’enseignement supérieur
de la musique, sur le site de l’ARIAM :
• www.ariam-idf.com/conseil-expertise%20/
orientation-professionnelle/les-poles-superieurs
L’incontournable base de données de la
Médiathèque de la Philharmonie de Paris :
• http://metiers.philharmoniedeparis.fr
Le CIDJ a répertorié l’ensemble des métiers
liés aux arts et au spectacle :
• www.cidj.com/etudes-metiers/secteurs-
d-activite/culture-spectacle
Le site Profilculture recense les formations
dans le domaine de l’audiovisuel, du spectacle
vivant, du web et du multimédia. C’est aussi
une base de données d’offres d’emploi dans
le secteur de première importance :
• www.profilculture.com
L’université Paris‐Sorbonne, département
Musique et Musicologie :
• www.paris-sorbonne.fr/presentation-musique
Le double cursus sciences et musicologie
de Sorbonne universités :
• www.upmc.fr/fr/formations/diplomes/
sciences_et_technologies2/licences/doubles_
cursus_de_licence/programme_sciences_et_
musicologie.html
Le corps des enseignants artistiques
de la Ville de Paris :
• www.ac-paris.fr/serail/jcms/s1_728540/
professeurs-de-la-ville-de-paris-pvp
Les fiches‐métiers de la filière culturelle
musique publique :
• www.carrieres-publiques.com/fiche-metier/
liste/metier-culturelle-mf-16
Le site du Répertoire National Le site de l’IESA :
des Certifications Professionnelles : • www.iesa.fr/formation/3e-cycle-culture-bac-5
• www.rncp.cncp.gouv.fr Le site de l’université de Cergy‐Pontoise :
Le site de la FNEIJMA, qui fédère une • www.u-cergy.fr/fr/formations/schema-
grande trentaine d’écoles pour la pratique des-formations/licence-professionnelle-DP
des musiques actuelles : Et celui de l’université de Toulon :
• www.fneijma.org • www.univ-tln.fr
L'école des musiques actuelles APEJS : Le centre universitaire du Creusot prépare
• www.apejs.org aussi une licence pro « Activités culturelles
Le réseau des écoles de musique Yamaha : et artistiques » :
• http://fr.yamaha.com/fr/music_education/ • http://condorcet.u-bourgogne.fr/licences/
music_education_experience licence-pro-activites-cutlurelles-et-artistique.html
L’École Nationale de Lutherie à Mirecourt (88) : Le site de l’ESG :
• www4.ac-nancy-metz.fr/lyc-vuillaume- • www.mba-esg.com/master-management-
mirecourt production-musicale.html
L’Itemm : Et celui de l'école Atla :
• http://itemm.fr • www.atla.fr
Le Centre National de Formation L’École Nationale Supérieure Louis Lumière :
d’Apprentis en Facture d’Orgues : • www.ens-louis-lumiere.fr/formation/
• www.cffo-eschau.fr formation-initiale-cinema-son-photographie/
Le site de la SAE‐Aubervilliers : cursus-pedagogique/son.html
• www.sae.edu/fra/fr L’ENSATT :
Celui de l’EMC de Malakoff : • www.ensatt.fr/index.php/2-uncategorised/
• www.emc.fr 38-concepteur-sonore
Et du GRIM‐EDIF à Lyon : STAFF :
• www.grimedif.com • www.staff.asso.fr/index.php/formations/
L'INA : tout-public/son-tout-public
• www.ina-expert.com Abbey Road Institute ‐ Paris :
L'Eicar : • https://abbeyroadinstitute.fr/fr
• www.eicar.fr ESRA/ISTS :
Le Cifacom : • www.esra.edu
• www.cifacom.com 3iS :
L'ISA : • www.3is.fr
• www.is-audiovisuel.com Cifap :
Le CFA du Spectacle Vivant : • www.cifap.com
• www.cfa-sva.com, www.cfpts.com/cfa- Whiti Audio Formation :
du-spectacle-vivant-et-de-laudiovisuel_92 • http://formation.whitiaudio.fr

38 KR home-studio #325 I avril 2017

choisir news
découvrir créer
explorer 40>73
[en couverture]

tests gros plan logiciels station audionumérique (DAW)

amateur
Steinberg

Cubase Pro 9 /
confirmé
pro
studio

Cubase Artist 9
la version sampleur !
La logique d’un update majeur tous les deux ans a été respectée avec l’arrivée le 7
décembre dernier de Cubase Pro 9. Pour la première fois, les aficionados pourront aussi
profiter de Cubase Artist 9 et de Cubase Elements 9 avec au menu de la station de
production Steinberg 2017 l’ajout attendu de l’échantillonneur, une nouvelle approche
visuelle et plusieurs traitements dynamiques pour une DAW désormais réservée au 64 bits.
la V 8 qui vaut désormais 199 € !
Les fonctionnalités qu’offrait Cubase
8.5 comprenaient la possibilité d’un
aller‐retour vers WaveLab 9,
l’intégration d’un cloud propriétaire
avec le « VST Transit », le troisième
VCO de Retrologue 2, l'algorithme
de time stretch zPlane d’Élastique
Pro, un mode punch in / punch out
indépendant des locateurs et la
possibilité d’importer les pistes d’un
ancien projet. Les nouveautés dont
caractéristiques nous allons parler seront en grande
Produits : Cubase Pro 9 / partie communes avec la version
Cubase Artist 9 Artist 9 et même Elements 9 qui
Distributeur: Steinberg France intègre la piste sampleur. Côté OS,
Site : www.steinberg.fr la DAW devient exclusive aux
Prix TTC: 579 € (Pro 9), systèmes 64 bits Mac OS X (Sierra /
329 € (Artist 9), 100 € (Elements 9) El Capitan) et Windows 7/8/10.
Mises à jour : 100 € (hors Grace Le plug‐in Sentinel apparu avec
Period) depuis Cubase 8.5, Dorico veillera à la compatibilité
199 € depuis Cubase Pro 8 stricte des formats de plug‐in VST 3 et
Compatible: Mac et PC (64 bits) VST 2 avec une colonne « Liste noire »

C’ est à partir de Cubase 6

qu’a systématiquement
été développée entre
deux grands « sauts »
technologiques une version
intermédiaire payante dont
l’utilisateur peut profiter un an avant
l’arrivée d’un nouvel update majeur,
les avancées obtenues étant bien
évidemment réintégrées dans la
nouvelle mouture. Elle présente
aussi l’avantage d’atténuer les coûts,
car les 49 € investis dans le passage
de la V 8 à la V 8.5 ajoutés aux 99 €
vers la V 9 seront à comparer avec la
nouvelle tarification de la MàJ depuis
dans le Gestionnaire de Plug‐ins qui
alerte à présent sur ceux présentant
des risques d’instabilité. La cerise sur
le gâteau aurait été une application
DPI‐aware capable de s’adapter aux
diverses résolutions d’écran, ainsi
que le full screen pour les Mac…
ce sera pour la prochaine fois !

40 KR home-studio #325 I avril 2017


figures 1a & b
Les trois commandes
de Zone et le menu « Spécifier
configuration de fenêtre ».
figure 3
La MixConsole dans la Zone inférieure affiche faders, sends et inserts.
Au cœur de la Zone !
Le lancement de Cubase Pro 9
testé avec un PC Core i7 sous Win 10
semble plus fluide et rapide que
précédemment et l’on constate la
disparition de la transparence du
bandeau du menu qui apparaît à
l’ouverture. Le premier changement
significatif concerne l’introduction de
Zones d’activité au sein du projet.
Après avoir réalisé un entre‐deux
par le menu « Spécifier configuration
de fenêtre » qui permettait déjà
d’afficher/masquer les parties
latérales des Racks et de l’Inspecteur,
on découvre avec Cubase Pro 9
l’extension de ce système couvrant
les parties significatives de la DAW
pour son usage courant. Via une
commande centralisée passée à
droite de la barre d’outils supérieure
appelée « Commande de zone de
fenêtre » (figure 1a), trois contrôles
resteront accessibles dont deux
permettent d’ouvrir les sections
latérales rebaptisées « Zone gauche »
et « Zone droite », plus la nouvelle
section de la « Zone inférieure »
située sous l’arrangement qui en
conserve les mêmes proportions.
C’est à partir de la petite flèche
à droite que l’on ouvre le menu
complet (figure 1b) de la Barre
d’État, la Ligne d’Infos, la Barre
d’Aperçu et la Ligne du Transport
positionnée sous la Zone inférieure.
Certains éléments seront
bizarrement redondants avec la barre
de menus supérieure (délai de
compensation, boutons de transport,
locateurs…) et pourront apparaître
deux fois en haut et en bas ! Chacune
de ces Zones, dont le tracé devient
clairement délimité, contient
plusieurs onglets. La Zone gauche
bascule entre Inspecteur/Visibilité en
haut et Piste/Éditeur/Zones en bas.
La Zone droite reste inchangée avec
les onglets VST Instruments /
Mediabay (si ce n’est que sa largeur
a beaucoup diminué), tandis que la
nouvelle Zone inférieure accepte les
quatre onglets MixConsole, Éditeur,
Commandes de l’Échantillonneur et
Pads d’Accords (figure 2). À noter
que seule la Zone inférieure dispose
aussi d’un bouton de fermeture pour
retourner à l’arrangement étendu et
d’une icône « Configuration » pour
gérer l’affichage des onglets.
En Zone inférieure
La console intégrée dans la Zone
inférieure offre la possibilité d’afficher
les faders, les sends ou les inserts
(figure 3). On remarque en haut à
droite les deux flèches Undo/Redo
spécifiques aux opérations de mixage.
Les mouvements de faders ou de
potentiomètres qui n’apparaissaient
pas dans l’historique général du Projet
seront désormais répertoriés dans le
nouvel onglet Historique situé à droite
de Visibilité/Zones (uniquement
dans la fenêtre flottante du mixeur)
(figure 4). Le second onglet Éditeur
de la Zone inférieure permet
d’afficher soit l’éditeur clavier, soit
figure 2
La Zone inférieure comprend quatre onglets.
figure 4
L’onglet Historique des actions
de la MixConsole.
Synchronisation du Projet et
de l’Éditeur dans la Zone inférieure.
figure 5
l’éditeur de partitions, soit l’éditeur de
rythme à partir d’un menu contextuel.
Seul l’éditeur en liste en est exclu,
ce qui est assez incompréhensible car
cet affichage, le plus complet pour
les événements MIDI, s’utilise très
La version Pro 9
souvent en édition. Logic Pro X
bénéficie par exemple depuis
sera celle qui verra
longtemps d’une fenêtre spécifique
pour sa liste d’événements. On pourra
arriver le sampling
par contre établir dans les Préférences dans Cubase.
de Cubase l’ouverture prioritaire des
trois autres éditeurs dans la Zone On a affaire ici
inférieure au lieu d’une fenêtre
séparée. On peut redimensionner la non pas à un VSTi
fenêtre de la Zone inférieure et passer
au plein écran via la flèche « Ouvrir de type HALion,
dans une fenêtre séparée » de la barre
de menus ou, à l’inverse, la réduire. mais au concept
L’Inspecteur affiche les informations
spécifiques de l’éditeur choisi, dès que d’une piste
l’on clique dans la fenêtre. D’autre
part, le bouton « Lier les curseurs
supplémentaire
de Projet et d’Éditeur de Zone
inférieure » de la barre de menus
ajoutée à celles
permet de corréler le curseur et les
facteurs de zoom de la Zone
disponibles dans
inférieure et de l’arrangement dans
les Éditeurs Clavier et Rythme pour
l’arrangement.
plus de précision (figure 5), mais on
regrettera que la mémorisation
dans un Espace de Travail ne UU
avril 2017 I KR home-studio #325 41

pour
 Simplicité de la piste
d’échantillonnage
 Zone inférieure adaptée
aux laptops
 Historique dans la MixConsole
 Lancement accéléré, stabilité
 EQ 8 bandes Frequency
 Sampleur dans les trois
versions
 Plusieurs pistes marqueur
 Update simultané aux trois
versions
 Plug‐in Sentinel
contre
 Augmentation des tarifs
de MàJ
 Pas d’éditeur en liste
dans la Zone inférieure
 Pas d’édition de
multi‐samples
 Édition de la Zone inférieure
non mémorisable
dans l’Espace de Travail
 Suppression du dossier
Documentation
 Non DPI‐aware
 Pas de nouveaux VSTi
en résumé
Steinberg lance
simultanément le neuvième
update de sa DAW pour les
trois versions Cubase Pro 9,
Cubase Artist 9 et Cubase
Elements 9 désormais en
64 bits. Elles possèdent
toutes la nouvelle fonction
de la piste sampleur et le
redécoupage de l’interface
par zones. Les versions Pro
et Artist intègrent un
nouvel historique pour
la MixConsole et l’EQ 8
bandes Frequency sera
réservé à la version Pro 9.
42 KR home-studio #325  avril 2017
figure 6
L’interface « Commandes
de l’Échantillonneur ».
 tienne pas compte des infos
des éditeurs ouverts dans la Zone
inférieure. L’orientation de Cubase
vers le concept d’une fenêtre unique,
à l’image d’un Live d’Ableton ou
d’un Studio One chez PreSonus,
correspond à l’emploi majoritaire des
laptops dans la production musicale,
plutôt que l’adoption du système des
« docks », ces fenêtres flottantes qui
s’arriment, plébiscité par des DAW
comme Sonar Platinum ou
Samplitude Pro X qui semblent plus
adaptées à des solutions desktop
en multi‐écran.
Enfin !
Est‐ce la suite de nos requêtes
récurrentes ? La version Pro 9 sera
en tout cas celle qui verra arriver
le sampling dans Cubase, mettant
surtout la DAW en phase avec Logic et
son EXS24 présent depuis des années.
La différence pourtant est que l’on a
affaire ici non pas à un VSTi de type
HALion (qui pourrait très bien
aujourd’hui être intégré dans Cubase),
mais au concept d’une piste
supplémentaire ajoutée à celles
disponibles dans l’arrangement. Il y a
plusieurs manières de créer cette
« piste échantillonneur », suivant que
l’on passe par la commande « Ajouter
une piste > Échantillonneur » du menu
Projet pour importer ensuite un fichier
audio depuis le menu de la fenêtre
« Commandes de l’Échantillonneur »
de la Zone inférieure, ou que l’on y
dépose directement le fichier depuis
le Mediabay ou même l’Explorateur
Windows. L’échantillon visible dans
la partie centrale est alors déclenché
depuis la piste concernée par un
contrôleur MIDI ou le clavier virtuel
situé sous l’afficheur, qui indique la
note racine en bleu. Le sample devient
jouable sur une gamme chromatique
et les contrôles d’édition traditionnels
sont accessibles dans la waveform
avec les points Start/End et les fades
aux extrémités. Dans la barre
supérieure, on trouvera des options
de hauteur fixe (Fix), d’inversion
Les Contrôles Instantanés agiront en temps réel.
figure 7
(Reverse), une touche Mono (M), ainsi
que le menu Mode Boucle avec cinq
types de comportement en plus
du mode No Loop par défaut :
Continuous, Alternate, Until Release,
Once, Alt Until Release. Dans ce cas,
deux carrés en bleu (L) indiquent
les points de Sustain Loop Start et
Sustain Loop End, tandis que le carré
orange (S) définit la zone du bouclage
Crossfade (figure 6). Sous la
waveform, on découvre les quatre
sections AudioWarp, Pitch, Filter et
Amp, qui permettent d’ajuster le time
stretch, le pitch shift et la texture du
sample, de synchroniser son tempo au
Projet et d’ajouter un portamento ou
un filtre à pente variable avec, pour les
trois dernières sections, la possibilité
d’éditer une courbe d’enveloppe
ADSR spécifique en cliquant sur l’icône
correspondante. Dès qu’une piste
d’échantillon est créée, Cubase
reporte automatiquement les
commandes principales des
paramètres dans les Contrôles
Instantanés de l’Inspecteur de la piste
à gauche (figure 7), donnant la
possibilité de configurer rapidement
une surface de contrôle pour piloter
l’ensemble des valeurs attachées à
l’échantillon, y compris les courbes de
fade out, la vitesse du sample, le mode
Trigger, etc. Tous les mouvements
d’editing pourront d’autre part être
capturés en temps réel par les touches
d’automation R/W situées en haut
à gauche de la barre de menus.
L’échantillon est sauvegardé en tant
que préréglage ou peut se transférer
vers l’un des modules Steinberg (si on
les possède) GA, GA SE ou HALion,
seuls capables de recréer un multi‐
sample (ou un drum kit) pour obtenir
au final un instrument complet et
jouable, pourvu d’un modulateur
de type LFO, de traitements,
d’équilibrage de timbres ou de vélocité
dont la piste sampleur est elle‐même
totalement dépourvue. À l’inverse, des
échantillons avec effets, préparés dans
des tonalités variées, pourront être
chargés depuis le Mediabay > Boucles
et Échantillons > Caléidoscope.
And more…
Au rayon plug‐ins, pas de nouveau
VSTi, mais l’EQ 8 bandes
paramétrique Frequency réservé
à la version Pro, un Maximizer plutôt
orienté mastering et mise à jour du
design et des algorithmes de
plusieurs effets. Pour les
fonctionnalités, on trouvera aussi
l’augmentation du nombre de pistes
de marqueurs (jusqu’à dix) et la
possibilité de router une sortie audio
à travers un instrument VST 3 pour
l’instant limité à Retrologue. Mis à
part la gestion assez chaotique de
l’Aide de Cubase qui renvoie
systématiquement au site avec
la suppression du dossier
Documentation, Cubase Pro 9
ne semble pas avoir de défaut de
jeunesse. Si on ne travaille pas sur
laptop et qu’on ne fait pas de
beatmaking, ces nouveautés
paraîtront mineures, mais les
dizaines de petites améliorations
constamment apportées à la DAW
finissent quand même par former
une masse. Avec le sampling,
la dernière grosse carence a été
compensée en partie et l’apport de
la fonction a été, comme d’autres,
parfaitement intégré dans un
environnement qui a su garder la
simplicité du Cubase de l’époque MIDI.
François Bouchery
aller plus loin…
Comparatif en français
entre les différentes versions
de Cubase 9 :
 www.steinberg.net/en/
products/cubase/
comparison.html
Tutoriels de Cubase Pro 9
en français :
• www.youtube.com/watch?
v=n5q5P7cbbyI
Les nouveautés de Cubase
Pro 9 en français :
• www.youtube.com/watch?
v=iJMS7y646Xs
Le site des utilisateurs
de Cubase en français :
• www.espace-cubase.org/
page.php?page=accueil
 tests
amateur
confirmé
pro
studio
caractéristiques
Produit: World Suite
Distributeur: UVI
Site : www.uvi.net
Prix TTC: 299 €
Compatible : Mac et PC
Formats : AU/AAX/VST/
Standalone
44 KR home-studio #325 I avril 2017
logiciels
UVI
World Suite
une mine d’or
L’éditeur français UVI nous revient ici en force avec ce plug‐in multi‐instrument
World Suite très complet qui, comme son nom l’indique, se consacre entièrement
aux musiques du monde !
S ur un total de cinq catégories
principales qui nous offrent
un classement par région,
type, phrase ou boucle audio,
multi‐instrument « Traveler » et
vocaux, ce nouveau plug‐in se veut
complet et exhaustif ! Avec pas
moins de 320 instruments enregistrés
dénombrant 50 000 échantillons pour
30 Go de matière sonore, tout nous
porte à croire qu’il s’agit là d’une vraie
mine d’or ! En effet, ce sont pas
moins de douze régions du monde
qui sont ici représentées (Afrique,
Amérique du Sud, Antilles, Asie,
Australie, Celte, Espagne Gitane,
Europe de l'Est, Inde, Indonésie,
Moyen‐Orient et Occident) au service
de notre créativité (figure 1). Pour ce
qui est de l’interface graphique, elle
se révèle soignée et sans fioritures.
instrument virtuel dédié à la world music
Chaque instrument comporte de
nombreux réglages d’interprétation,
nous offrant un contrôle sur les
subtilités de jeu et de timbre entre
autres. La partie Traveler est un vrai
régal côté utilisation, et côté
graphisme en transparence, mais
aussi du point de vue des multiples
possibilités de création ! En ce qui
concerne les premiers pas, rien à
redire, le plug‐in est intuitif, simple et
clair. Détail important, le chargement
des différentes banques est rapide
(via notre disque dur mécanique 3,5
pouces connecté en USB 3.0). Tout se
joue autour d’une ou deux secondes
maxi en moyenne pour l’accès aux
presets. Un vrai confort qui n’est sans
doute pas le fruit du hasard de la part
de l’éditeur lors du développement.
Techniquement parlant, précisons
que pour fonctionner cet instrument
virtuel devra profiter du plug‐in UVI
Workstation en version 2.6.8 ou
Falcon en version 1.2.0, d’une clé
Lok, d’un OS X 10.7 (32 et 64 bits)
ou Windows 7 (32 et 64 bits) au
minimum et de 4 à 8 Go de RAM.
Originalité et pléthore
de réglages
Partons d’un exemple au hasard,
a guimbarde asiatique (Dan Moi Jaw
Harp) disponible en version de jeu
courte et longue. Un exemple qui en
dit long sur les ressources de cette
suite logicielle qui nous fait voyager
dans le temps et vers de nouveaux
horizons avec la possibilité d’élargir le
spectre sonore de notre musique vers
des instruments peu utilisés. Voilà
une belle projection, un beau projet !
Pour l’aspect technique, les réglages
sont simples et efficaces, en tout cas
amplement suffisants pour démarrer
un pré‐mixage des presets au sein de
son morceau. En effet, sont proposés
une réverb déclinée en une dizaine de
variétés, avec possibilité de régler la
taille manuellement, une enveloppe
ADSR, une courbe de vélocité
modulable, sans oublier un égaliseur
trois bandes. Un autre détail qui a son
sens, ne pas oublier qu’en plus d’un
sound design possible dans chaque
catégorie de sons, sont également
présents d’autres réglages au sein
même du plug‐in UVI. Dans notre
cas, sont paramétrés un égaliseur
huit bandes mais aussi un maximizer
qui joue bien son rôle dans la qualité
finale du son. Un autre exemple
maintenant, partons un peu en Asie
avec un violon indien, disponible
en trois versions : un premier
programme avec un legato, un autre
 figure 1
De multiples régions du monde
sont représentées.
figure 4
La bibliothèque World Suite.
avec une intensité de volume selon la
force de notre jeu, et enfin un dernier
dont la vélocité et le timbre varient
via la modwheel. Là encore, pour
ce qui est de la technique, nous
bénéficions des mêmes réglages
de réverb et d’égalisation qu’au son
précédent, mais avec en supplément
de nombreuses variations qui
concernent le legato, le portamento,
le vibrato que l’on peut ajuster à sa
guise et dont les déclenchements
peuvent se faire à la pédale, via la
modwheel ou encore via la vélocité
soit l’intensité de jeu sur le clavier
(figure 2).
Un multi‐instrument
puissant !
Passons à présent à la partie
multi‐instrument (un des modules
que nous avons préférés), basée sur
des séquences mélodiques et
rythmiques synchronisées au tempo
(sans nous rappeler le plug‐in Stylus
RMX de Spectrasonics). Là encore,
figure 2
Les nombreux réglages d'expression disponibles.
plusieurs contrées sont représentées,
comme l’Afrique, le Brésil (figure 3),
Cuba, l’Inde, les percussions latines
entre autres… sans oublier une partie
vocale dédiée ! Point intéressant,
pour chacun de ces styles sont
disponibles différents presets (sorte
de kits de construction), une dizaine
en moyenne par style. J’en entends
déjà certain(e)s dire qu’on aurait pu
en attendre un peu plus (à moins que
cela soit proposé ultérieurement par
UVI sous la forme de cartouches ou
packs de sons supplémentaires).
Mais soyons francs, le concept de
ce plug‐in n’est pas de se baser
uniquement sur des kits de
construction, car ces derniers ont
bien souvent leurs limites, étant
simplement par définition une
photographie à un instant T.
En général, ces kits nous permettent
juste soit de démarrer rapidement
un projet, soit de piocher des idées
à droite et à gauche. Nous avons
apprécié par ailleurs une autre bonne
idée, celle qui consiste en un
chargement des kits de construction
aléatoire, qui se révèle pour le moins
efficace ! Autre point fort, la partie
changement des boucles
mélodiques et rythmiques. En effet,
pour chacun des six modules de sons
qui sont disponibles, nous avons
accès via un menu déroulant à
l’ensemble des boucles audio de la
bibliothèque World Suite (figure 4),
soit un vaste choix ! Bien vu !
Un moyen rapide de chercher de
nouvelles idées. Qui plus est, on peut
bien entendu compléter ces boucles
échantillonnées en recherchant
l’instrument en question en mode
« solo » (que nous avons vu
précédemment) avec lequel on peut
rejouer par‐dessus la boucle audio ou
la compléter voire la remplacer si on
figure 3
L’interface Traveler Brazil.
pour
a en tête un jeu bien défini. Tout ça
au sein du seul et même plug‐in L Prix
instrument World Suite ! Côté L Qualité des sons
technique, là encore les choix L Nombreux instruments
proposés sont simples et complets, L Parties vocales
à savoir le dosage de la réverb, le fine L Boucles et phrases
tune, un filtre passe‐bas et un passe‐ mélodiques et rythmiques
haut, sans compter le panoramique, L Module Traveler à six pistes
le volume, le solo et le mute (bien L Faible consommation
pratique !). Dernier détail, via le clavier en ressources CPU
il est possible d’augmenter ou de
diminuer chromatiquement la contre
hauteur de l’ensemble du module M L’offre de sons dans le module
Traveler. Enfin, un mot sur la fonction Traveler qui aurait pu être
Loops & Phrases disponible avec plus conséquente
World Suite. Comme son nom M Mode d’emploi en anglais
l’indique, ce sont des phrases uniquement
mélodiques ou rythmiques que vous
pourrez utiliser à votre gré. Une page
type sampleur classique s’ouvre alors,
avec un détail intéressant, celui du en résumé
drag & drop qui vous permet de Cet opus destiné à la world
glisser/déposer le sample directement music s’avère complet,
dans votre logiciel de séquence audio rapide, stable, efficace,
MIDI. Encore bien vu ! avec pas moins de 320
instruments et un lecteur
Tout un monde d’échantillons à six pistes.
La qualité des échantillons, Les différents réglages
la rapidité de chargement des sons, disponibles se révèlent
la fluidité et la stabilité globale de simples et puissants.
cet instrument virtuel font forte Une solide base de matière
impression. On navigue avec plaisir sonore qui saura ravir
et aisément entre les échantillons les aficionados du genre !
disponibles de la pléthore
d’instruments du monde
représentés, 320 pour rappel, ainsi
qu’au sein du module Traveler qui
s’avère être une « machine » lecteur
aller plus loin…
d’échantillons performante (et moins Vidéos :
gourmande en CPU qu’un Stylus • www.youtube.com/watch?
RMX à titre d’exemple). Du coup, v=A4IKB8LFGQ0
si nous ramenons toutes ces • www.youtube.com/watch?
possibilités au prix de vente annoncé, v=Y0tZIdSlAR4
nous pouvons dire que ce dernier Audio :
reste très raisonnable pour qui saura • https://soundcloud.com/
utiliser et profiter pleinement de uvi-official/sets/world-suite
ce World Suite ! Di Pascali
avril 2017 I KR home-studio #325 45
 tests logiciels plug‐in de compression

débutant
amateur
Nomad Factory
confirmé
pro
Bus Driver
à mettre dans toutes
les DAW !
Bus Driver est un compresseur, conçu pour être
à la fois simple et efficace. Si la mission musicale
est remplie, ce plug‐in représente un autre enjeu,
récolter des fonds pour la société Nomad Factory.
Des fonds destinés à la création d’autres produits
après le départ de son fondateur.

pour
L Interface épurée
L Efficacité des réglages
L Presets intéressants
L Output Soft‐Clipping
L Tarif attractif
contre
M Ratio par bonds
en résumé
Cela fait maintenant un peu
plus d’un an que Bernie Torelli
nous a quittés. En sa mémoire,
Plugivery, le distributeur des
produits Nomad Factory,
a décidé de poursuivre la vente
du plug‐in compresseur Bus
Driver à un tarif indécent.
Une affaire à ne pas manquer !
aller plus loin…
• www.youtube.com/results?
search_query=bus+driver+
nomad+factory
B caractéristiques
ernie Torelli a souhaité,
sous une interface unique,
offrir le meilleur de deux
compresseurs/limiteurs vintage,
l’Universal Audio 1176LN et le
Teletronix LA‐2A, tous deux datant
du début des années 60. Le premier
est connu pour son fonctionnement à
base de FET (Field Effect Transistor /
transistor à effet de champ) et le son
« crunchy » qu’il restitue, alors que
le LA‐2A, optique (la cellule
photoélectrique T4A réalise la
réduction de gain), est réputé pour sa
douceur et sa musicalité. Bus Driver
est donc une modélisation des
comportements si particuliers de
ces deux unités, introuvables en état
aujourd’hui ou à des prix prohibitifs !
Rendez‐vous d’abord chez Nomad
Factory, Plugivery ou même KVR
pour rapatrier l’archive compressée
de l’installeur, moins d’une vingtaine
de Mo. L’installation n’est qu’une
formalité, vous aurez la possibilité lors
de la personnalisation de ne choisir
que la version destinée au format
géré par votre DAW, VST, AAX ou
AU, si vous disposez d’un Mac.
Bus Driver, la philosophie
Le mode d’emploi introduit
Bus Driver en expliquant que la
compression est l’un des processus
de studio souvent pris pour acquis,
mais rarement poussé à son plein
potentiel. Si rien (ou presque)
n’empêche aujourd’hui d’utiliser
autant d’instances de compresseurs
virtuels qu’il y a de pistes dans un
arrangement audio, émuler du
matériel vintage revient à tenter
de l’utiliser comme le faisaient
les premiers ingés‐son de l’époque.
En gros, tirer le maximum d’une seule
unité en routant les signaux via des
bus dédiés. Pour autant, lorsque vous
essaierez Bus Driver, faites tous les
essais possibles, en insertion directe
d’une piste d’instrument, du bus de
sortie ou via un bus d’effet spécifique.
Le but final est d’enrichir le son et
d’intégrer au mieux dans le mix les
parties instrumentales dont la plage
de dynamique varie beaucoup.
Bus Driver, l’interface
Comme promis, la fenêtre de
travail de Bus Driver ne contient que
l’essentiel. Sachez que même si vous
forcez sur les niveaux d’entrée/sortie
via les potards « Input/Output »,
l’étage « Output Soft‐Clipping »
veille au grain afin d’éliminer les
éventuels écrêtages numériques.
Mieux, il est même possible de les
utiliser à bon escient pour produire
une distorsion caractéristique
« douce » sur le signal d’origine.
Cet étage vient en complément de
l’étage modélisé de saturation « Tube
Driver » dont le réglage s’effectue via
le potentiomètre éponyme.
L’ajustement de ce dernier est une
affaire de goûts, puisqu’il simule la
saturation à lampe, particulièrement
efficace sur une compression parallèle.
Celle‐ci peut être simplement mise
en place en positionnant Bus Driver
sur une piste d’effet Send et en
envoyant une partie du signal de
la piste à affecter. Il est également
possible de dupliquer la piste à
affecter et d’insérer Bus Driver dans
Produit : Bus Driver
Distributeur : Plugivery
Sites : www.nomadfactory.com,
www.plugivery.com
Prix TTC: 99 €
Compatible : Mac et PC
celle‐ci, puis de mixer les deux pour
obtenir un résultat intéressant.
La partie « Meter » ajuste le
comportement du vumètre central,
le signal compressé via « GR » (Gain
Reduction), les niveaux d’entrée ou
de sortie, « Off » bypassant le plug‐in.
« Ratio Selector » indique comment
la compression est appliquée : si « 2:1 »
est enfoncé, le signal d’entrée doit
dépasser le seuil de 2 dB pour que le
niveau de sortie augmente de 1 dB.
Un potentiomètre aurait peut‐être
été plus intuitif que ce réglage par
bonds… « Compression » ajuste le
seuil (Threshold), la compensation
de niveau s’effectuant à partir de
potentiomètres de gain
entrant/sortant. L’inverseur
« Center/Stereo » détermine
le mode de détection du signal.
Sur « Stereo », il somme les deux
canaux en mono avant d’appliquer
la compression.
Bus Driver, le son
Eh bien, ça sonne ! Les réglages
très simples permettent d’arriver
rapidement au résultat souhaité.
Et si l’approche vous semble ardue,
utilisez le jeu de presets.
Éric Chautrand

46 KR home-studio #325 I avril 2017

 tests logiciels
U‐He
confirmé
pro
Repro‐1
retour vers le futur
Considéré par beaucoup comme le plus puissant
des synthés analogiques mono, le Pro‐One de
Sequential Circuits fait rêver les musiciens. Sans
vraiment le nommer (mais qui est dupe ?), U‐He
nous en livre une magnifique émulation, améliorée
à la sauce Urs Heckmann, comme il se doit.
P
roduit entre 1981 et 1984 et
vendu à une dizaine de milliers
d’exemplaires, le Pro‐One
utilise la synthèse soustractive
pour créer des sons riches et puissants
dans les graves. Avec son arpégiateur
et deux mini‐séquenceurs (40 notes
au total), il permet de programmer de
belles lignes de basse. Positionné à
l’époque comme un produit d’entrée
de gamme (700 $ contre plus du
double d’occasion aujourd’hui), il est
doté d’entrées et sorties CV/Gate,
ainsi que d’une entrée audio pour
traiter un signal externe avec son filtre
unique et ses enveloppes.
pour L’original…
L Renaissance d’une icône Compatible Mac et PC (Sandy
L Générosité de la version Bridge, Mac OS X 10.7, Windows 7
virtuelle ou supérieur), Repro‐1 est proposé
L Gros son en versions AAX, AU, NKS, VST 2 ou
VST 3 en 32 et 64 bits. Il reproduit
contre fidèlement, au niveau de chaque
composant, le son brut et analogique
M Rien du modèle dont il s’inspire. Comme
lui, il dispose de deux oscillateurs,
A et B, ainsi que d’un générateur de
en résumé bruit blanc. L’oscillateur A propose
deux formes d’onde (dent de scie
U‐He nous offre là une très belle et carrée) avec la possibilité de
émulation « augmentée » du synchroniser la forme d’onde chaque
fameux Pro‐One de Sequential fois que l’oscillateur B passe à zéro.
Circuits. L’oscillateur B est pratiquement
identique, à ceci près qu’il n’a pas
d’option Sync et offre une troisième
forme d’onde en triangle. Un mixeur
aller plus loin… permet de mélanger les deux
Mode d’emploi : oscillateurs, avec possibilité d’ajouter
• http://uhedownloads. le bruit blanc ou, en mode feedback,
heckmannaudiogmb. de réinjecter le son après
netdna-cdn.com/manuals/ l’amplificateur dans le mixeur,
Repro-1-user-guide.pdf produisant ainsi un boost de basse.
Le filtre passe‐bas à quatre pôles
48 KR home-studio #325 I avril 2017
(24 dB/octave), capable d’auto‐
osciller, bénéficie d’une envelopp
ADSR dédiée et propose des réglages
pour le cutoff, la résonance, et un
contrôle de key tracking. L’étage
AMP a lui aussi son enveloppe ADSR.
La troisième source de modulation
est un LFO avec trois formes d’onde
(scie, triangle et pulse).
… augmenté ?
Repro‐1 propose un
arpégiateur basé sur celui
du Pro‐One. Trois sources
possibles pour piloter
l’arpégiateur, le séquenceur
et la fonction Repeat : LFO,
Key ou Clock. L’arpégiateur
fonctionne en modes Up et
Up/Down. Un mode Latch
spécifique permet d’ajouter
des notes temporaires à
celles activées lorsque le mode Latch
a été mis en route. Ces notes
additionnelles disparaissent quand on
les lâche. Le séquenceur a également
été amélioré (autant profiter de
l’informatique) : en pas à pas, il permet
d’enregistrer deux patterns de 32 pas.
Pour chaque pas, on définit le type
(note, note liée ou pause), la note
(jusqu’à +/‐ 36 demi‐tons) et la vélocité
(1 à 127). Des options de copier/coller,
de manipulation et de load/save sont
disponibles. Toujours dans l’idée
d’upgrader l’original, Repro‐1 est livré
avec 500 presets d’usine, dont le
groupe « 1981 Historic ». Nommés
d’après l’année de sortie du Pro‐One,
ils reproduisent fidèlement vingt
presets qui figuraient sous forme
graphique dans le mode d’emploi
d’origine. Cinq effets sont en plus de
la partie : Wavefolder/Distortion,
synthé virtuel
caractéristiques
Produit : Repro‐1
Distributeur : U‐He
Site : www.u-he.com
Prix: 99 $
Compatible : Mac et PC
figure 1
Tweaks et effets.
Delay/Chorus, EQ/Resonator, Reverb
et processeur Sonic Conditioner /
Dynamics (figure 1). Sans oublier des
possibilités complètes d’assignation
des MIDI CC et de modulations
poussées. Un mode Tweaks permet
enfin de changer individuellement
le comportement des modules
« en dur ».
Un must have
Repro‐1 brouille la frontière entre
son analogique et son numérique.
Excellent, comme tous les synthés
virtuels U‐He que nous avons déjà
testés, il fait désormais partie de
la panoplie des émulations réussies
des synthétiseurs qui ont marqué
l’histoire de la musique électronique.
Pierre Estève
 ªPRWLRQ
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     YRXVRȨUHOȇDPSOLȩFDWLRQ
GHYRWUHJXLWDUHDFRXVWLTXHGHYRWUH
LQVWUXPHQW¢FRUGHVRXGHYRWUHPLFURDYHFXQH
TXDOLW«GHVRQHWXQHSU«FLVLRQH[FHSWLRQQHOOHV
• Réponse en fréquence : 50Hz - 20KHz • Sensibilité : 92dB
• SPL (max) : 110dB • Puissance : 140W RMS • Puissance woofer :
100W RMS • Puissance tweeter : 40W RMS • Fréquence de
coupure : filtre électronique • Taille du woofer : 6”

$XSUL[GHODQFHPHQWGHƽ
FHWǧHQRXYHDXǧªYDIDLUHGXEUXLW
LA MARQUE AUDIO DES MUSICIENS MA R Q U E FR A N Ç A I S E
www.prodipe.com
 tests audio pro préampli micro 8 canaux

Focusrite
confirmé
pro
studio Scarlett OctoPre
Dynamic
elle encaisse !
Si vous avez décidé de vous offrir huit préamplis Focusrite dans un périphérique
autonome permettant un enregistrement hi‐res et pouvant servir d’extension
à une DAW ou à une console, la Scarlett OctoPre est sûrement le bon choix !
Le modèle Dynamic que nous testons ici ajoute huit canaux D/A à 96 kHz
en ADAT et un circuit de compression soft‐knee modulable.

caractéristiques
Produit: Scarlett OctoPre
Dynamic
Distributeur: Algam/Audia
S i la valeur d’un produit
Sites : https://us.focusrite.com,
www.laboitenoiredumusicien.com
Prix TTC : 658 €
se mesure à sa longévité,
l’OctoPre de Focusrite aura
bien rempli sa mission.
Cette série, apparue en 2002 avec
la Platinum, fut suivie de l’OctoPre LE
en 2005, remplacée en 2009 par les
deux modèles MKII / MKII Dynamic
en 24 bits / 96 kHz, ancêtres des
dernières Scarlett OctoPre / OctoPre
Dynamic présentées au NAMM 2017.
Elles renforcent d’abord la seconde
génération des Scarlett apparue
en juin dernier, comprenant dix
périphériques équipés d’un nouveau
châssis dans une tonalité rouge
bordeaux. La série regroupe surtout
des interfaces audio USB
(Solo/Studio, 2i2/Studio, 2i4, 6i6,
18i8, 18i20) dotées d’une fréquence
de conversion de 192 kHz et de
préamplis supportant de forts
niveaux audio. Mais les nouvelles
OctoPre s’inscrivent aussi dans
le groupe des interfaces ADAT,
traduisant des modules équipés de
huit préamplis avec convertisseurs,
comprenant le modèle haut de
gamme ISA 828 MKII et la Clarett
OctoPre qui se différencie surtout
par un point d’insert avec bypass sur
chaque entrée pour ceux qui veulent
utiliser leurs propres traitements.
Le positionnement des Focusrite
OctoPre n’est donc pas des plus
simples et si les deux modèles
numérisent le signal analogique
via les ports ADAT Out en 24 bits /
192 kHz à 109 dB, l’OctoPre Dynamic
permet en plus une conversion D/A
de huit canaux à partir de ses deux
entrées ADAT et reprend de
l’OctoPre MKII la compression
analogique par voie de type soft‐knee,
associée à la touche « More » qui
permet de doubler le ratio.
Finition impeccable
Fini les tonalités bleutées des
MKII avec le châssis en alu brossé
recouvert cette fois d’une superbe
plaque bordeaux. Les dimensions de
l’OctoPre Dynamic et son poids
(3,4 kg) la destinent prioritairement
à une utilisation en rack (19’’/1U).
Le préampli présente une façade
noire classique pourvue aux
extrémités d’équerres de montage
et sur laquelle sont positionnés les
accès. Alors que la Scarlett OctoPre
place les premières entrées 1‐2 à
l’avant gauche, l’OctoPre Dynamic
répartit l’ensemble des connecteurs
à l’arrière, laissant l’avant disponible
pour les contrôles rotatifs. Ceux‐ci
sont constitués de deux rangées
de potentiomètres non crantés,
numérotés de 1 à 8, avec une ligne
supérieure attribuée aux gains
d’entrée étalonnés de 0 à 10 et
d’une ligne inférieure réservée à la
compression de Off à Max. Trois leds
accompagnent chacune des voies,
dont, en rouge, celle de la saturation
« O/L » (Overload), en jaune
« Comp » qui marque la compression
par un bref clignotement et la touche
rouge d’activité du bouton « More ».
On trouve ensuite, à droite, les huit
bargraphs de cinq segments à leds
(un par canal), qui marquent chaque
niveau d’entrée post‐gain / post‐
compression pour vérifier le signal
envoyé en sortie. Suivent deux

50 KR home-studio #325 I avril 2017


commutateurs momentanés,
« Sync » qui règle la synchro
numérique (interne, ADAT,
WordClock) et « Sample Rate » qui
passe en revue les six valeurs de
fréquence d’échantillonnage
possibles, indiquées par les leds
vertes adjacentes. L’alimentation
fantôme Mic 48 V s’attribue par deux
séries de quatre entrées (1‐4, 5‐8)
qui sont suivies des deux touches
à enclenchement pour basculer les
entrées 1 et 2 en mode instrument
(devenant asymétriques). Enfin,
la touche momentanée
« ADAT>Line » convertit l’audio
arrivant des ports ADAT In en signal
analogique renvoyé vers les huit
sorties Line (figure 1). À l’arrière,
on trouvera à droite les connexions
analogiques des huit entrées combo
XLR/jack symétriques correspondant
aux huit sorties ligne analogiques
individuelles en jack 6,35 mm
(symétriques ou asymétriques),
avec reconnaissance automatique
du connecteur (micro ou ligne).
La section numérique de gauche
contient les deux connecteurs BNC
In/Out fournissant un signal
WordClock et les quatre connecteurs
TOSLink pour les paires d’E/S du
signal numérique en ADAT 24 bits
à 108 dB de dynamique, avec un
nombre de canaux disponibles
dépendant de la fréquence
d’échantillonnage utilisée. Pour
les sorties : 44,1/48 kHz > 16 canaux,
88,2/96 kHz > 8 canaux, 176,4/192
kHz > 4 canaux. Pour les entrées :
44,1/48 kHz > 8 canaux (seul le port
droit est actif), 88,2/96 kHz >
8 canaux, 176,4/192 kHz > 4 canaux.
Enfin, l’alimentation sera assurée par
une embase universelle à trois
broches (figure 2).
Hard ou soft‐knee ?
Le circuit de compression de la
Scarlett Dynamic reste très simple.
figure 1
figure 3
Compression hard et soft‐knee.
Une seule commande
combine le réglage de
seuil avec celui du gain
de compensation
(Make Up Gain) pour
une durée d’attaque
fixe de 1,2 ms et un relâchement
de 28 ms. Quand le seuil est abaissé
entraînant la compression de plus
de signal, le gain général du
compresseur est augmenté, faisant
remonter le niveau de sortie pour
qu’il corresponde à celui qu’il avait en
entrée. Ce schéma de compression
par défaut correspond au type
« soft‐knee ». Le Knee (genou/coude),
qui est un paramètre moins connu
que le Threshold (seuil) ou le Ratio
(taux), symbolise l’angle entre l’unité
de gain et le ratio. En mode « hard‐
knee », l’angle reste net et inchangé,
alors qu’en « soft‐knee », il deviendra
adouci et arrondi (figure 3). Avec une
compression à 2:1 au départ, en la
doublant à l’aide du bouton « More »,
le ratio passera à 4:1, ce qui signifie
que pour 4 dB entrant dans le
compresseur, il en sortira 1 dB.
Test analogique
Notre test micro s’effectue en
mode purement analogique avec
un TLM 103 sur des prises de voix
et de percussions, ainsi que
l’enregistrement en mode Hi‐Z /
Instrument d’un Wurlitzer 200A.
On constate d’abord un remarquable
headroom sur l’entrée micro.
Positionné à 8 sur l’échelle du gain,
il reste encore suffisamment de
marge pour la voix. Le spectre est
parfaitement équilibré, naturel et
Section des bargraphs, boutons et leds.
Connexions arrière.
figure 2
transparent, avec le bas‐médium
apporté par le statique bien défini.
L’ajout très progressif de la
compression analogique, indiquée
par la diode jaune, produit une
dynamique déjà perceptible sur
les attaques tout en conservant
le timbre, à l’inverse du hard‐knee
déclenché par la touche « More »
qui détimbre la parole en ramenant
du grave et dont on regrette de
ne pouvoir régler l’attaque ou
le relâchement. Ce type de
compression agressive est par contre
très efficace sur les transitoires des
percussions et fonctionne aussi à
merveille avec le Wurly pour lui
apporter de la chaleur et du grain.
La simplicité du traitement
dynamique avec un seul bouton
est un point fort de la Scarlett et se
révélera certainement très utile en
situation de live où le stress est
important et le besoin d’accès rapide
au réglage du rack pourra parfois
sauver la mise ! On appréciera aussi
les préamplis Focusrite qui encaissent
des niveaux élevés, la précision
visuelle des indicateurs et la fluidité
du réglage des potentiomètres.
Pour un excellent rapport
qualité/prix, l’OctoPre Dynamic
est donc à recommander pour des
multi‐prises sans compromis avec
des instruments qui envoient !
François Bouchery
pour
L Huit préamplis Focusrite
de 2e génération
L Simplicité du « Comp »
analogique par voie
L Touche « More »
L Huit canaux AD/DA 24 bits /
192 kHz
L Headroom optimal pour
les batteries
L Deux entrées Instrument
pour forts niveaux
L Potentiomètres fluides
et précis
L Rapport qualité/prix
contre
M Pas de réglage Attack/Release
sur le « Comp »
M Compression « More »
agressive sur la voix
M Positionnement complexe
dans la gamme
M Montage en rack obligé
en résumé
Focusrite a sorti au NAMM
2017 deux nouvelles Scarlett
OctoPre équipées de huit
préamplis micro/ligne en
combo avec huit sorties
analogiques et deux sorties
ADAT optiques en 24 bits /
192 kHz. Le modèle Dynamic
se distingue par deux ports
ADAT In vers les huit sorties
en 96 kHz et un circuit de
compression par voie équipé
d’une touche « More » qui
double le ratio.
aller plus loin…
Présentation NAMM 2017
(SOS) :
G www.soundonsound.com/
news/focusrite-launch-scarlett-
octopre-preampconverters
Enregistrement avec la Scarlett
OctoPre Dynamic :
G www.youtube.com/watch?
v=_mNdMyWiP98
avril 2017 I KR home-studio #325 51
 tests audio pro
débutant
amateur
Mackie
confirmé
pro
studio XR624
arme de précision active
L’important, dans le monitoring de studio, c’est bien évidemment le retour.
Justement, Mackie revient avec une nouvelle gamme d’enceintes actives
destinées aux studios, la XR, constituée de deux modèles.
caractéristiques
Produit: XR624
Distributeur: Algam/Camac
Sites : http://mackie.com,
www.laboitenoiredumusicien.com
L a firme fondée par Greg
Mackie a eu le temps de
charmer les oreilles des plus
exigeants d’entre nous, grâce
à la série HR qui a trouvé, durant de
Prix TTC : 449 € l'unité très nombreuses années, son public
averti, avec les fameux monitors
actifs à deux voies HR624 et HR824.
Apparues vers la fin des années 90
(97, si je me souviens bien), ces
enceintes amplifiées ont bénéficié
d’une cure de jouvence, histoire de
les remettre au goût du jour.
Le constructeur a modifié en
conséquence leurs références,
52 KR home-studio #325 I avril 2017
dans le but de marquer les mises
à jour de ces modèles, devenues,
pour l’occasion, les HR624 Mk2
et HR824 Mk2, toujours
commercialisées. Mais Mackie
ne se repose pas sur ses acquis :
la marque a décidé de renouveler
ses monitors actifs en ajoutant
deux nouvelles références à son
catalogue, les XR624 et XR824.
Ces nouveautés n’ont pas été
parachutées par hasard dans les
magasins spécialisés. En effet,
l’intention de Mackie fut de
proposer des monitors actifs plus
abordables, partant du constat
que la série HR, Mk2 ou pas,
n’était pas forcément à la portée
de tous les budgets,
contrairement aux nouvelles XR.
Simples et efficaces
Les références très proches des
séries HR et XR montrent une
filiation évidente. Le premier
chiffre indique, comme
d’ordinaire, le diamètre du
boomer : 6,5 pouces pour la
XR624 (165 mm) et 8 pouces
pour la XR824 (203 mm). Chaque
transducteur dispose de son propre
amplificateur, ces modules étant
précédés d’un filtre actif.
Le constructeur a opté pour des
solutions techniques marquant un
retour aux idées essentielles. Ainsi,
le baffle profilé en aluminium moulé
sans angles vifs de la série HR a laissé
place, sur les XR, à une version en
bois, aux angles arrondis afin d’éviter
l’effet de bord, ces réflexions
parasites qui reviennent sur
l’enceinte en perturbant la
restitution. Les haut‐parleurs
prennent place sur le baffle, suivant
une disposition symétrique, avec
monitor actif 2 voies
un renforcement en interne pour le
boomer, sans oublier les nombreuses
entretoises qui rigidifient le coffret
en Médite. Mackie a choisi de
nouveaux transducteurs pour ces
monitors. La membrane du boomer,
équipée d’un large cache‐noyau,
emploie du Kevlar tressé,
un matériau aussi léger que résistant.
Ce paramètre mécanique revêt toute
son importance, lorsque l’on sait
qu’une membrane devrait,
en théorie, se déplacer en translation
(en piston) sans déformation
génératrice de distorsion.
Le saladier, largement ajouré, ne
gêne pas l’onde arrière du boomer.
Sa réponse en fréquences s’atténue
en pente douce aux alentours de
45 Hz, grâce à l’influence d’un évent
bass‐reflex (contrairement à la
présence de radiateurs passifs sur
la série HR). Cet évent, replié à
l’intérieur du coffret à la manière
d’une ligne acoustique (figure 1),
présente une section ellipsoïdale afin
d’éviter les bruits d’écoulement d’air
à l’embouchure se situant dans la
partie supérieure du panneau
d’aluminium sur lequel repose toute
l’électronique. La position de l’évent,
à l’arrière du coffret, nécessite un
éloignement du mur de la XR624,
de l’ordre d’une trentaine de
centimètres, afin de ne pas avoir
recours aux filtres adaptifs qui
apportent une aide à la correction
des monitors dans le registre grave,
suivant trois positions : éloignée du
mur, contre le mur, ou dans les coins
de la pièce… Puisque nous en
sommes aux filtres, notons l’option
commutable d’un passe‐haut à 80 Hz,
pratique en cas d’utilisation d’un
caisson de graves, et d’un correcteur
d’aigu à trois positions sur ‐2 / 0 / +2 dB

figure 1
Représentation de l’évent bass‐reflex dans l’enceinte.
à 10 kHz. Sous l’évent, on trouve
aussi une commande désactivant
la mise en veille automatique
(une fonction imposée à tous les
constructeurs) de la XR624 au bout
de 30 minutes. Dans la même zone,
un potentiomètre facilite
l’ajustement du volume d’écoute
avec votre équipement en amont
des monitors (figure 2). Le tweeter
de 25,4 mm, équipé d’une
membrane en aluminium, présente
une sorte de pièce de phase collée à
l’intérieur de sa grille de protection.
Ce transducteur, monté dans un
pavillon à progression logarithmique,
possède une diffusion s’apparentant
aux ondes sphériques, ce qui a pour
effet d’obtenir un sweet‐spot plus
large, zone du studio dans laquelle
les enceintes restent cohérentes
sur l’aspect de la directivité. De plus,
la position du tweeter, légèrement
en retrait par rapport au plan du
boomer, optimise la réponse en
phase de l’ensemble.
Électronique audio bien
choisie
Ces monitors de dimensions
compactes (333 x 211 264 mm)
ne pèsent que 6,6 kg à l’unité.
Ces valeurs laissent deviner le type
de technologie embarquée. En effet,
la HR624, à peine plus grande, pèse
11,4 kg, en étant équipée
d’alimentations linéaires et
d’amplificateurs polarisés en classe
AB. Sur la XR624, hormis le filtre
actif analogique classique (doté
d’excellents composants) à la
fréquence de transition calée à
2,7 kHz, on remarque la présence
d’un circuit à découpage, alimentant
deux amplificateurs en classe D,
de 100 watts pour le boomer et de
60 watts à destination du tweeter.
Il n’y a désormais rien de dégradant
à exploiter des amplis en classe D,
puisque ceux‐ci ont énormément
évolué depuis quelques années.
La preuve : cette technologie est
assez souvent employée en hi‐fi haut
de gamme, de nos jours. La classe D
s’est améliorée de manière très
sensible, gagnant en précision dans
le haut du spectre, ainsi qu’en
musicalité sur toute la bande
passante. Cela change agréablement
des premiers modules en classe D,
froids, flous et ternes, lorsque cette
technologie était encore balbutiante.
Et Mackie ne s’y est pas trompé,
d’autant que le rapport qualité/prix
de ces nouveaux monitors s’en
trouve optimisé. Les circuits
électroniques, solidement vissés
sur la plaque en aluminium fermant
le dos du coffret, voient leurs
connexions internes amorties par
des gaines de mousse, enserrant les
câbles, eux‐mêmes bloqués par des
colliers en rilsan : tout a été mis en
œuvre pour réduire les vibrations
pouvant affecter la restitution.
figure 2
Commandes à l’arrière.
pour
L Restitution générale
L Pertinence de l’équipement
L Fiabilité (construction)
L Prix compétitif
contre
M Pourquoi pas une prise
combo XLR / jack 6,35 mm
Exploitation aisée plutôt que deux connecteurs
L’installation des XR624 n’a rien séparés ?
de compliqué. Leur configuration par
rapport à leur environnement non
plus. De nombreux enregistrements
ont servi pour les tests d’écoute, en résumé
de diverses provenances, y compris Mackie a su démocratiser les
mes propres mixages, ceux effectués tarifs de cette nouvelle série
pour une grande maison de disques, de monitors de studio, en
et aussi un enregistrement en haute simplifiant quelque peu leur
définition, réalisé dans une église : conception, mais sans affecter
il s’agissait d’assurer la prise de son (ou si peu) les excellents
de grandes orgues, au moyen d’un souvenirs des modèles
fabuleux Soundfield, ce microphone de la série HR. Les XR,
pourvu de quatre cellules et en particulier les XR624,
électrostatiques montées en présentent d’excellentes
tétraèdre, relié à son quadruple caractéristiques : respect des
préamplificateur doté d’un système transitoires, de la dynamique,
de matriçage performant. de l’image et des petits détails
Les Mackie ont recréé l’image sonores qui font la richesse
acoustique toute en relief de des bons enregistrements.
l’instrument en ce lieu… Sur d’autres Leur rapport qualité/prix plus
enregistrements plus « vivants », que favorable leur ouvrira les
les XR624 ont donné toute la mesure portes de (home) studios
de leur dynamique, accompagnée même modestes.
d’une réponse réaliste des sons
transitoires. Bien que très compacts,
ces monitors s’expriment avec une
ampleur très satisfaisante dans
le bas du spectre. Bien équilibrés, aller plus loin…
ils répondront à la plupart des G http://forum.laboitenoiredu
exigences des ingénieurs du son musicien.com/data/mackie/
débutants ou confirmés. XR_Series_QSG.pdf
Philippe David
avril 2017 I KR home-studio #325 53
 tests contrôleur DJ avec interface audio intégrée

débutant
amateur
Reloop
confirmé
pro
Mixon 4
grande surface… de mix !
Reloop propose un produit novateur à bien des égards avec ce Mixon 4, capable de figurer
dans de nombreuses configurations, tant matérielles que logicielles. Mac, PC, iOS ou
Android, il sait tout piloter, du moment que des fichiers audio sont disponibles pour mixer.
de jacks femelles TRS destinée à
la sonorisation cabine (Booth Out)
complète la donne. La partie latérale
droite se destine aux diverses
embases USB et au connecteur
pour alimentation externe (fournie).
Et c’est tout ! On peut être surpris de
ne pas trouver d’entrées platines
vinyles, ligne externe ou d’interface
MIDI sur DIN, comme sur certains
contrôleurs « flagship » de la
concurrence. Certes, on peut ne pas
en avoir besoin, mais bon…

caractéristiques
Produit: Mixon 4
Distributeur: Sogétronic
Sites : www.reloop.com,
www.sogetronic.fr
Prix TTC : 699 €
Compatible : Mac OS X 10.9.x,
Win 7, iOS 8, Android 5
L e Mixon 4 impressionne
d’emblée par ses
dimensions importantes,
657 x 376 x 45 mm pour 5,3 kg
nets ! Comme chaque fois, c’est un
avantage indéniable pour mixer,
réduisant le risque de frôler une
commande pendant le jeu. C’est
aussi un handicap lors du transport
du contrôleur, manœuvre qui est
censée se répéter fréquemment, si
l’on en croit les possibilités proposées
par Reloop. En effet, ce Mixon 4
clame d’entrée sa collaboration avec
Serato et Algoriddim, via les
sérigraphies posées de part et d’autre
du crossfader (figure 1). Cela augure
du fonctionnement en tandem avec
Serato et/ou DJay Pro (Mac/PC) pour
les apps sur laptops. Concernant les
mobiles, iOS et Android sont tous
deux supportés, permettant de fait
de travailler avec un iDevice ou un
smartphone/tablette compatible
Android sous DJay 2 ou DJay Pro
(iOS). Pour accueillir les périphériques
mobiles, Reloop a équipé le Mixon 4
d’une fente supérieure destinée à
recevoir les tablettes les plus larges,
jusqu’à l’iPad Pro (12,9’’). Il est
nécessaire d’y insérer le smartphone/
tablette sans housse ou coque de
protection. L’inclinaison est alors
optimale pour le travail visuel du DJ
(figure 2). Côté accessoires, le
contrôleur est fourni avec un cordon
USB standard de raccordement au
laptop, un cordon type rallonge USB
femelle vers micro‐USB pour appareil
sous Android et un cordon Lightning
mâle vers mini‐DIN propriétaire pour
iOS, à connecter en face arrière. Deux
remarques, le Mixon 4 sait recharger
un iDevice pendant son utilisation,
il faut choisir entre mode laptop ou
mode mobile, impossible de mixer
avec les deux types de matériel
connectés.
En étroite connexion
C’est un peu la (mauvaise)
surprise de ce Mixon 4, puisque la
connectique se résume à des sorties,
hormis l’entrée micro avec réglage
de volume indépendant, en tranche
avant. On y trouve, à l’opposé,
la sortie casque à double embase
stéréo, 2,5 et 3,5’’. Son niveau
s’ajuste à partir du potentiomètre
Cue Volume de la face de contrôle.
La tranche arrière est plus dense, avec
deux paires de sorties Master, l’une
sur XLR symétriques, l’autre sur RCA
asymétriques (figure 3). Une paire
Platines Sensitive
On retrouve l’habituel découpage
platines A et B reportées sur les
côtés, au centre le mixeur et les
contrôles Master/Cue. Chaque
platine hérite d’un jog central de
155 mm ultra fin intégrant la
technologie Touch Sensitive double
zone. En pratique, leur sensibilité et
maniabilité sont exemplaires, mais
leur finesse risque de désorienter
certains adeptes du scratch.
Question de goûts ! Au niveau
fonctions, le DJ alterne entre les
modes Vinyl (scratch) et Jog (pitch),
l’éclairage interne affichant la
position courante. Avec Shift
enfoncée, la fonction Needle Search
ou navigation rapide au sein du
morceau est activée. Sous les jogs
apparaissent les huit pads de
performance, sensibles à la pression
et rétro‐éclairés selon la fonction
enclenchée. Pratique, une simple
pression sur le bouton d’indication
de fonction commute vers son utilité
secondaire. Dans l’ordre, Hotcue
(8 points de pause) / Cue Loop
(boucle entre 2 points de cue),
Loop Roll / Saved Loops (boucles
prédéterminées en longueur au
maintien / maintenue après
déclenchement), Sampler (selon les

54 KR home-studio #325 I avril 2017


slots chargés en fonction du logiciel
de pilotage) / Pitch Play. Il s’agit ici de
restituer les cues dans différentes
tonalités (trois disponibles), à l’image
de la fonction Pitch 'n Time de Serato
DJ. Une fonction impressionnante
lorsque correctement utilisée. Enfin,
Slicer / Slicer Loop découpe le
segment du morceau présent à la
tête de lecture en huit parties égales.
Le DJ les déclenche à la volée ou en
boucle maintenue. On trouve ensuite
les traditionnels poussoirs de
transport / synchro BPM, de
paramètres/shift pour activer les
fonctions secondaires des pads/FX,
puis l’encodeur Autoloop et son
bouton de mise en route. Ce dernier
propose dix pas de boucles
préréglées, de 1/32 à 16 temps.
Trois fonctions habituelles ensuite,
Slip pour retrouver la tête de lecture
à sa position normale après scratchs
ou autres interventions, Lock pour
conserver la tonalité originale lorsque
la vitesse est modifiée lors d’une
synchro BPM et Sync qui permet
d’ajuster la tonalité au morceau en
cours de diffusion. Cela offre une
alternative d’enchaînement, autre
que la traditionnelle synchro BPM.
Viennent ensuite le curseur de pitch
et les quatre boutons d’activation
d’effet. Les trois premiers
enclenchent l’effet, Shift permet
la sélection des effets, le quatrième
servant à ajuster un paramètre ou
à offrir un tap tempo selon l’effet
en cours.
Mixeur bien vu
La tranche centrale gère les
volumes, Master, Cue, Cue Mix,
figure 1
Booth et Sampler. L’encodeur
cliquable sert à la navigation au sein
des playlists, secondé par les
boutons retour et chargement pour
chacune des platines. Chaque voie
comprend un vumètre, un fader
de niveau assignable, un EQ trois
bandes, un gain et un filtre (passe‐
haut / passe‐bas). Lorsque ce dernier
est associé au bouton M2, l’action
sur le filtre ajuste simultanément
le paramètre de l’effet choisi en 1,
pour proposer des enchaînements
personnalisés. Bien vu ! Le Master
dispose d’une paire de vumètres et
d’un crossfader (très souple) à action
ajustable. Les canaux 1 et 2 sont
séparés par la tranche Master,
alors que les 3 et 4 sont repoussés
aux extrémités du mixeur.
La commutation vers les platines 3
et 4 est assurée par un poussoir situé
sous chaque jog.
Allez, on mixe !
Tout commence par Serato DJ
sur Mac. Sa dernière version intègre
le Mixon 4 et ne nécessite aucune
licence pour fonctionner dès le
lancement, le fait de la version
« enabled ». Après un tour rapide
des fonctions, une erreur de mapping
de l’EQ haute fréquence platine 1
provoque l’arrêt de la lecture en cue !
Certes, il est possible de revenir sur le
mapping et d’effectuer la correction,
mais bon, il s’agit de Serato, quand
même ! On apprécie par contre le
fonctionnement des effets proposés
par Serato, à savoir travailler avec
un effet unique et jouer sur ses
paramètres via les réglages du
contrôleur ou jouer sur la mise en
La face
de commande.
La connectique
en face arrière.
figure 3
figure 4
Virtual DJ piloté par le Mixon 4.
marche de trois effets au choix,
parmi la vaste liste de l’éditeur.
Aucune faute sur DJay Pro, capable
de tirer parti de toutes les
commandes implantées sur le
Mixon 4. Même chose avec Traktor
Pro 2 dont le mapping est proposé
en libre téléchargement sur la page
dédiée de Reloop. Belle adaptation
également de Virtual DJ en version
8.2, même si son interface est un peu
datée aujourd’hui face à ses
concurrents (figure 4). Le passage
sur iOS via le couple iPhone 6 / DJay 2
ne pose aucun problème.
Le contrôleur est immédiatement
reconnu par l’app et ne nécessite
que l’ajustement de la course du
crossfader, inversée via les
préférences. Là encore, le plaisir est
total, le mapping pleinement adapté
aux possibilités de l’app, même si la
surface d’affichage est restreinte
avec un iPhone 6. On imagine avec
un iPad Pro et son écran HD !
Un contrôleur tout terrain
Difficile de trouver des points
négatifs à cette surface de travail,
hormis peut‐être son tarif
relativement élevé et l’impatience
d’arriver rapidement à sa maîtrise.
Certains considéreront peut‐être qu’il
s’agit d’un vrai plus que de parvenir à
gérer très vite l’intégralité des
commandes, de manière à se
concentrer uniquement sur la qualité
de ses mix et pas sur autre chose.
Et n’oublions pas, la faculté de passer
du mix sur ordinateur au mix sur plate‐
forme mobile, à la volée et en toute
transparence, est un véritable atout
pour le « digital » DJ ! Éric Chautrand
Positionnement d’un iPad Pro
sur le Mixon 4.
figure 2
pour
L Surface de travail
conséquente
L Synchro à la tonalité
L Fonction Pitch Play
L Filtre/FX sur un potentiomètre
L Gestion des pads et des effets
L Compatibilité multi‐logiciel
Mac/PC
L Compatibilité iOS/Android
L Serato DJ (enabled)
contre
M Jogs (trop) fins
M Une seule entrée
M Mapping Serato à revoir
M Tarif élevé
en résumé
Ce Mixon 4 débarque sur la
planète contrôleurs avec des
ambitions avérées, gestion
multi‐plate‐forme, multi‐OS,
pads multi‐fonctions, quatre
voies, bref, tout ce qu’il faut
pour séduire. Les DJ mixant
sur des systèmes diversifiés
devraient apprécier cette
avalanche de biens, si son tarif
ne les en éloigne pas trop !
aller plus loin…
• www.youtube.com/watch?
v=YUq8ad80jLs
avril 2017 I KR home-studio #325 55
 tests logiciel de mix audio/vidéo

débutant
amateur
Mixvibes
confirmé
pro Remixvideo
Mac
et maintenant, la vidéo !
Après l’étonnant Remixlive, Mixvibes revient avec
Remixvideo, un logiciel OVNI sur la planète électro,
capable de mixer des clips vidéo en live ou en différé. L’idée,
animer un dancefloor visuel, créer des clips personnalisés,
partager ses créations… Un nouveau monde à imaginer ! caractéristiques
Produit : Remixvideo

R emixvideo reprend le
pour
L Prise en main
L Qualité des rendus vidéo
L Effets variés
L Fonctions d’enregistrement
et d’export
L MIDI Learn évident
L Application seule et plug‐in
contre
M Tarif normal élevé
M Pas encore compatible
avec toutes les DAW
en résumé
Mixvibes propose une
application de mixage vidéo
et audio à partir de banques
de clips préprogrammées.
Grâce à son interface
intuitive, les utilisateurs
créent à la volée des mix
électro‐visuels à même
d’animer un dancefloor,
d’illustrer des pages web ou
des compos, entre autres…
aller plus loin…
• www.youtube.com/watch?
v=izNC3ygFrnA
concept de la matrice
permettant l’affichage et
le déclenchement de clips vidéo.
Celle‐ci, de taille 6 x 6, s’appuie sur
la banque Visual Rhythm, livrée en
standard. Cette banque contient
de quoi remplir la matrice, à savoir
36 clips intégrant audio et vidéo.
La résolution de base est calée sur
720 x 404 pixels, mais l’utilisateur a la
possibilité de télécharger les versions
720 p (1280 x 720) et/ou 1080 p
(1920 x 1080). C’est via le panneau
de préférences accessible à partir de
l’icône liste située en haut à gauche
de l’interface que l’on peut atteindre
le magasin virtuel de chez Mixvibes.
Chaque pack vidéo est pré‐
visualisable à partir d’une vignette
avec audio, histoire de connaître un
peu mieux le style musical à illustrer.
À noter, le pack Mindshift est
disponible gratuitement au
téléchargement du store, comptez
1,1 Go de données à rapatrier en 720
x 404. Rien n’empêche de créer son
propre pack en utilisant ses propres
vidéos (AVI, MOV, MP4, MPEG…),
samples audio, images et même sa
webcam dans une matrice dédiée,
capable d’accueillir jusqu’à 8 x 8 clips.
L’organisation de base d’un pack sur
la matrice s’agence autour de six
colonnes thématiques : Drums, Bass,
Melody, Synth, FX 1 et 2. Les quatre
premières colonnes déclenchent au
clic, dans un premier temps, des clips
lus en boucle, les colonnes FX étant
calées en mode One Shot. Le fait de
cliquer sur un autre sample d’une
même colonne permet de
l’enchaîner au précédent avec calage
au tempo. Le DJ sait alors monter
un groove en partant d’éléments
de drums jusqu’à un beat complet.
De la même manière, la performance
évolue en intégrant progressivement
d’autres instruments au groove en
construction. Le BPM global est
modifiable de 20 à 999 (!),
un métronome autorisant un calage
plus précis, au besoin. La prise en
main de base est donc simple à
appréhender, le résultat efficace
en quelques instants.
Plus loin dans l’édition
Par défaut, les enregistrements sont
réceptionnés dans le dossier vidéo du
Mac, un bon endroit si l’on souhaite les
réutiliser dans un pack perso, pourquoi
pas ! S’il convient de partager sa
création, c’est par le volet latéral
gauche et l’onglet « Recordings »
que l’on envoie le clip vers YouTube
(compte Google) ou Dailymotion. Si le
DJ est à court d’idée créative, un clic
sur « Auto Pilot » lance Remixvideo en
mode automatique de sélection de
grooves au sein de la matrice. Dès
qu’un assemblage plaît, un nouveau
clic coupe le mode « Auto Pilot » en
restant actif sur la dernière sélection.
Côté vidéo, sept modes d’affichage
sont proposés, ceux‐ci servant à
composer l’image visible dans la zone
dédiée, selon les clips lancés. 18 effets
spéciaux viennent animer le rendu
visuel en temps réel, grâce au
déplacement d’un point sur une
matrice 2D cette fois. La visualisation
peuts’effectuerenfullscreensurl’écran
principal ou un second moniteur.
Distributeur : Mixvibes
Site : http://mixvibes.com/
remixvideo
Prix TTC : 100 € (lancement),
200 € (prix normal) ; en mode
démo complète pendant 15 jours
Compatible : Mac OS X 10.4,
processeur 64 bits ; version
Windows en préparation
Quatre surfaces de contrôle sont
préprogrammées pour piloter en MIDI
Remixvideo, mais rien n’empêche
d’utiliser son propre clavier ou
périphérique à l’aide de la fonction MIDI
Learn. Chaque zone de commande
est automatisable. Le mixeur interne
dispose, en plus de l’égaliseur à trois
bandes, d’un filtre, utile pour
personnaliser le son. Enfin, pour ceux
qui souhaitent enregistrer leur
performance via une DAW, Remixvideo
s’appelle comme instrument virtuel
VST/AU. Pour l’heure,
le fonctionnement est avéré avec
Logic Pro X et Live. De prochaines
mises à jour étendront la compatibilité
à tous les logiciels du marché.
Alors ?
Remixvideo s’apprivoise
rapidement, dès lors que l’on a jeté
un œil à la FAQ du menu principal,
du moins pour les fonctions d’édition
avancées. L’app ouvre de nouvelles
portes créatives aux DJ traditionnels
ainsi qu’aux VJ habitués à travailler
sur des softs plus complexes.
Ne reste plus qu’à le télécharger
en version de démo. Éric Chautrand

56 KR home-studio #325 I avril 2017

multimédia
tests
instrument virtuel pour iOS

Embertone Site:www.embertone.com pour

Sensual Sax Prix TTC:5 €
Compatibilité : tout iPhone /
iPad / iPod Touch sous iOS 9
L Prise en main
L Interface dépouillée
et efficace
« Careless Whisper » L Articulations
L Double clavier sur iPad
dans votre iDevice L Compatibilité Audiobus,
IAA, AU3, MIDI

V ous l’aurez compris, Sensual

Sax est un instrument virtuel
permettant d’émuler le son et le style
de jeu d’un saxophone. Fait
intéressant, s’il est proposé en version
standalone jouable à partir du clavier
virtuel de son interface, il est
également possible de l’utiliser dans
les modes Audiobus, Inter‐App Audio
et Audio Units 3. En pratique,
les apps de type DAW, comme
GarageBand ou Auria, détectent
automatiquement la présence d’apps
AU sur l’iDevice. La création d’une
piste d’instrument permet alors de les
appeler comme générateur audio de
la même manière que si elles étaient
intégrées à l’app en question. Sensual
Sax propose une unique commande :
« Sex » ! À fond à gauche, le son du
sax est sec, sans aucun effet.
En montant progressivement
le réglage vers midi, l’utilisateur
applique un taux proportionnel de
réverb, delay et vibrato sur le son.
L’arrière‐plan de l’app dégage de la
fumée pour indiquer cette émanation
de sensualité… Au‐delà de l’anecdote,
il est possible d’agir sur les réglages
internes des effets en tapotant sur
le point vert central du dial « Sex ».
Taux et taille de pièce pour la réverb,
profondeur du vibrato sur les notes
tenues, taux et durée de répétition du
delay et « Sensuality ». Ce paramètre
agit sur l’attaque des notes, qui sont
alors approchées par des
appoggiatures. Trois jeux
d’articulations sont disponibles (plus
de 600 échantillons pour 160 Mo),
déclenchés selon trois modes :
« Legato », notes uniques liées
en transition avec tenue possible,
« Sustain », jeu en accords autorisé,
contre
M Rien… sauf si l’on n’aime
pas le sax !
et « Staccato », notes courtes, seules
ou en accords. Le pilotage MIDI en résumé
externe est supporté à partir d’un
Embertone est une société
clavier et d’une interface dédiée,
de développement
la molette de modulation prenant
d’instruments virtuels fondée
en charge le dial « Sex ». À noter,
par Alex Davis et Jonathan
la version iPad offre une option
Churchill. Sensual Sax est
supplémentaire à celle de l’iPhone,
leur première incursion dans
le double clavier. Pratique pour le jeu
le monde iOS et pour cela
à deux mains, en plus du blocage du
ils l’ont doté de tous les
clavier sur l’octave en cours. Côté son,
raffinements disponibles
ce Sensual Sax sonne presque
sur la plate‐forme. Simplicité,
comme un hommage à George
son et personnalisation
Michael, du moins vous donne une
qualifient cette belle mouture.
idée du type de son que l’on peut
obtenir avec lui ! Éric Chautrand

interface audio guitares/basses acoustiques

IK Multimedia Site : www.ikmultimedia.com

pour
iRig Acoustic Prix TTC : 122 €
Compatibilité : tout
iPhone/iPad interface
L Compatible toutes guitares
L Boîtier de ceinture pratique
Stage Lightning sous iOS 6, Mac
et PC (avec driver ASIO4All)
L Presets de son efficaces
L Annulation possible des
le vrai grain acoustique, le clip de ceinture (fourni) venant se
départs de larsen
L Utilisation comme carte son
partout ! superposer à sa trappe de fermeture.
contre
Les faces latérales accueillent du côté

L’ Acoustic Stage s’appuie sur

le micro MicroElectrical‐
Mechanical System (MEMS) déjà
utilisé avec l’iRig Acoustic, mais cette
fois, c’est dans un boîtier de ceinture
qu’il se connecte. Le MEMS se clippe
sur le bord de n’importe quelle rosace
de guitare et permet de capter les
vibrations de la table. Ce dispositif a
l’avantage de s’installer en quelques
secondes sur toute guitare, même si
elle ne dispose pas de préampli. Dans
le cas contraire, le boîtier offre une
entrée dédiée (Aux). Le musicien a
le choix de privilégier l’une des deux
sources ou une balance entre MEMS
et piézo. Le potentiomètre Mix se
charge de la tâche, un volume général
rétractable servant à gérer le niveau
envoyé vers l’ampli acoustique ou la
console. Côté son, le poussoir Tone
offre des égalisations à presets, en
cycle. D’abord pour les guitares acier,
puis nylon, Natural, Warm et Bright.
Si ces dernières ne conviennent pas,
un système de calibrage est disponible
en frettant/strummant les cordes,
à vide puis jusqu’à la 12e case.
Le (pratique) bouton central Cancel
Feedback est là pour prévenir les
départs de larsen sur scène. Dommage
qu’un retour casque ne soit disponible
pour peaufiner le son en toute
tranquillité, comme sur l’iRig Acoustic.
L’ensemble est alimenté via deux piles
AA (fournies) logées sous le boîtier,
droit l’interrupteur de mise en marche,
à l’opposé, un inverseur de phase
entre les signaux d’entrée, si besoin.
L’iRig Acoustic Stage propose aussi
l’enregistrement sur Mac, PC, iOS,
Android, en 32 bits / 48 kHz, grâce
à une prise micro‐USB (câble non
fourni). Les résultats obtenus sont
très crédibles, la balance entre capteur
piézo (essai sur Takamine EN‐60C
nylon) et MEMS permet d’affiner le
grain restitué au plus proche du son
original de la guitare. Ne reste plus
qu’à l’habiller par des effets provenant
du logiciel de capture ou d’AmpliTube
Acoustic (fourni en version gratuite).
Cerise sur le gâteau, on bénéficie
d’un bel étui ! É.C.
M Fragilité du cordon MEMS
M Pas de retour casque
à partir du boîtier
en résumé
IK Multimedia revient sur
la guitare acoustique avec
cette solution d’amplification
et d’enregistrement mobile à
double capteur. Le résultat est
probant, d’autant que le
musicien sait privilégier/ajuster
le grain acoustique qu’il
affectionne.

avril 2017 I KR home-studio #325 57

— Devenir maître de notre esprit
demande du temps.
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résolution» 24 bits / 96 kHz,
et un stockage sur carte microSD
ou microSDHC. Il intègre un couple
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d’y connecter un signal au niveau
ligne ou un micro stéréo séparé.
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du 6 janvier 1978, vous disposez d’un droit d’accès et de rectification des données que
vous avez transmises en adressant un courrier à KR home‐studio. Elles pourront être
cédées à des organismes extérieurs sauf si vous cochez la case ci‐contre J .
 bons plans freewares plug‐ins de delay et d’outils guitare

Musical Entropy caractéristiques

Spaceship Delay Site: http://musicalentropy.github.io

Configuration minimale :
séquenceur hôte compatible
VST/AU, Mac/PC

& Guitar Gadgets Filters, Modeling, Modulation et

Effects servent à donner la couleur
tout pour le delay et la guitare finale de l’effet. Cela peut être en
nuance ou en force, selon l’envie !
Nous avons profité de la récente mise à jour de Spaceship Delay, arrivé 3e au concours À noter, la présence au sein de la
section FX d’un phaser et d’un
des développeurs KVR, pour faire également un focus sur l’autre plug‐in de chez trémolo pour des effets de
Musical Entropy, Guitar Gadgets. Au programme, un delay multi‐usage, bardé de modulation, pratique sur des guitares,
entre autres. Au sujet des six‐cordes,
presets pour en aborder le fonctionnement, et un plug‐in façon couteau suisse pour Guitar Gadgets offre une panoplie
les guitaristes, et les autres, si affinités ! d’effets couramment utilisés par les
musiciens et cela via une interface

I l est possible de télécharger les

archives compressées des deux
plug‐ins directement chez
Musical Entropy ou chez KVR
(www.kvraudio.com). Comptez une
quinzaine de Mo pour chacun des
plugs, quelle que soit la plate‐forme.
L’installation se fait à la main, à savoir
déposer le fichier de plug‐in
directement dans le dossier prévu de
votre disque dur. Important, pensez
à glisser à côté de ces derniers les
dossiers de presets proposés, tels
quels, sans changer leur nom. Il suffit
ensuite de les appeler classiquement
comme effets d’insert d’une piste
audio de guitare, dans le cas de
Guitar Gadgets, ou de n’importe quel
type pour le delay. Spaceship Delay
s’ouvre sur une fenêtre à six pans,
chacun s’occupant d’une partie
précise quant à son action sur le son
final. La partie Delay est la plus
importante à aborder puisqu’elle
conditionne les types et durées
des répétitions de base. Trois modes
sont proposés, single, ping‐pong et
dual/stéréo selon le type de signal
entrant. Le delay peut être esclave du
BPM de la DAW, fixé par l’utilisateur
ou libre. Les réglages pour cette
section sont habituels (longueur et
feedback), même chose pour la
partie General, qui va permettre
l’ajustement du mix entre signal
altéré et signal direct. Les parties
conviviale et intuitive. Quatorze
présélections symbolisées par des
points au bas de la fenêtre donnent
accès à autant d’effets typiques.
La barre de réglages devient
contextuelle selon la sélection
effectuée. Jusqu’à quatre effets sont
cumulables via un système de bouton
logé dans la barre supérieure pour
créer une sortie son personnalisée.
Bref, les essayer, c’est vraiment
les adopter ! Éric Chautrand

prise en main

M Presets de Spaceship M Presets de Guitar M Chaîner des effets

Delay
Si l’installation s’est déroulée correctement,
les presets apparaissent dans le coin supérieur
gauche de l’interface au sein d’un menu déroulant.
Pas moins de neuf familles sont disponibles, chacune
contenant de nombreux exemples de réglages.
N’hésitez pas à les parcourir pour apprendre
le fonctionnement de chacune des sections.
Visitez le site KVR pour en savoir plus ou utilisez
le fichier tutoriel proposé avec l’installeur.
Gadgets
Les presets sont accessibles également via le menu
déroulant supérieur, classés selon quatre familles
distinctes, dont une dédiée aux synthés, comme
quoi il est possible de l’utiliser avec autre chose que
des guitares. Pour parcourir les effets à disposition,
partez du preset Default, puis commutez entre
chacun en cliquant sur les points gris situés au bas
de l’interface. Modifiez ensuite les paramètres
disponibles pour ajuster l’effet.
dans Guitar Gadgets
Chacun des presets utilise plus ou moins d’effets
pour produire le son. Quatre au maximum sont
chaînables, visibles via le cartouche numéroté de 1
à 4 à côté du signe Musical Entropy. Pour modifier
un preset, cliquez sur l’une des cases numérotées,
choisissez un autre effet, ajustez ses réglages et
recommencez avec l’une des trois autres positions.
Enregistrez le résultat sous un nouveau nom et/ou
une nouvelle catégorie.

60 KR home-studio #325 I avril 2017

 filtre filtre mastering

SaschArt Sanford
adsrFilter Sanford Bass Tightener
a dsrFilter est un filtre coupant
doublé d’une enveloppe
ADSR (Attack, Decay, Sustain,
D isposant de quatre types de
filtre, le Sanford Bass Tightener
est un effet qui va faire des heureux
Release) qui module les filtres de caractéristiques parmi les compositeurs désireux
fréquences, leur bande passante et le d’optimiser la place stéréo et la
mixage. Ce plug‐in permettra donc de Système: PC présence de leur basse dans le mix.
Site: http://vst.saschart.com
couper le bas, le haut ou juste une partie Prix : gratuit Il existe d’autres plug‐ins permettant
du spectre sonore de manière propre et de filtrer le bas (comme UAD
efficace. Mais on retiendra sa fonction Dangerous, Nugen Monofilter, les filtres M/S
caractéristiques
enveloppe offrant un moyen ludique d’altérer la morphologie du signal audio de Brainworx…), mais celui‐ci est gratuit… Système: PC
entrant, un peu comme un transient modeler mais en plus coriace. Très alors pourquoi s’en priver ? Avec son interface Site : www.lesliesanford.com/
efficace sur les pads (attack et release à fond les manettes s’il vous plaît) ou minimale, il permet de rendre mono et centrées vst/plugins
Prix : gratuit
pour donner du coffre à des leads (sustain). L’option de compensation de les fréquences sous le seuil que vous définirez
volume automatique permet de garder une présence tenue malgré les (par exemple, 150 kHz). Ainsi, vous modifierez
manipulations. Vincent Villuis l’amplitude du bas du spectre ou son élargissement sonore, ce qui aura des
conséquences pas anodines sur votre mix général et sa respiration. V.V.
instrument virtuel
limiteur
BeatMaker
Thomas Mundt
Atmos LoudMax
B eatMaker a réalisé
un surprenant
piano virtuel que l’on pourrait définir L oudMax est un ancien plug‐in mais
actualisé régulièrement et apportant caractéristiques
comme ambient, aux contours floutés,
caractéristiques bien des facilités pour diverses utilisations.
Systèmes: Mac, PC, Linux Systèmes: Mac et PC
réverbérés, presque fantomatiques. Atmos Maximizer de loudness, il permet de Site : http://loudmax.blogspot.fr
vous permet de jouer des notes sur sept Site : https://beatmaker.xyz/ gonfler le son entrant de manière
atmos Prix: gratuit
octaves (C2 à C9) travaillées avec deux Prix: gratuit transparente et sans distorsion. Idéal pour
types de réverb, distorsions et delays. Bien le mastering à la volée ou le broadcasting
que les échantillons soient déjà fortement (d’ailleurs une version Winamp Plugin est disponible pour tous les webcasters).
traités par nature, vous pourrez encore les moduler via l’interface avec les LoudMax est simple comme bonjour avec deux sliders (Threshold et Output
paramètres de réverb, attack/release, pitch, LFO rate, LFO depth, pitch bend, Level qui peuvent être liés en mode auto, très utile pour le mixage crossfade
gain et panoramique. Bien qu’il ressemble à un petit clavier gadget, entre deux morceaux en streaming). Le taux de release est également en
sa jouabilité et son efficacité mettent à terre bon nombre de pianos virtuels mode « sans les mains », adaptatif et clair, presque comme de l’eau de roche.
lourds et onéreux. V.V. Et cerise sur le ratio, il est compatible avec le format 5.1 ! V.V.

instrument Kontakt réverb

Embertone Balance Mastering

Kitchen Teufelsberg
E n voici un instrument
Kontakt (Native
Reverb
Instruments) plein de fantaisie et d’insolence
réalisé avec grand soin (et sûrement de grands
fous rires) par l’équipe d’Embertone qui a voulu
caractéristiques
Systèmes: Mac et PC
P our finir cette sélection, j’aimerais
vous inviter à télécharger cette
collection d’impulses IR (Réponses
caractéristiques
Site : www.embertone.com Systèmes: Mac, PC, Linux
sampler en profondeur l’environnement d’une Prix: gratuit
Impulsionnelles) marquées d’une aura
cuisine moderne. Grâce à cette collection de pesante et tristement historique : la tour Site : www.balancemastering.com
Prix : gratuit
528 Wav répartis en 14 instruments .nki, vous d’espionnage de Teufelsberg, en
pourrez enfin vous amuser à faire des rythmes avec des lampes, des portes de Allemagne. Dans une interface noire et
four, des sessions de saucissonnage avec des couteaux. Vapeur, huile chaude ergonomique, vous aurez le choix parmi six impulses créant des réverbérations
frémissante, ustensiles en verre et métal… Cela peut paraître débile, mais amples, étranges, aux reflets sombres. Chaque impulse sélectionnée peut avoir
écoutez bien les pubs actuelles, elles regorgent de ces sons acoustiques son taux d’insertion effectif grâce au potard de pourcentage. Le studio Balance
du quotidien revisités en rythmes saccadés ! V.V. Mastering signe ici une jolie collection et une belle carte de visite. V.V.

avril 2017 I KR home-studio #325 61

 bons plans
Orchestral Tools
Metropolis Ark 2
la force contenue
Avec ce nouvel opus, Orchestral Tools nous propose la seconde partie de Metropolis Ark. Alors qu’Ark 1
explorait les extrêmes limites du fortissimo orchestral, Ark 2 se concentre sur l’exact opposé : les nuances
pianissimo du son épique. Sourd, profond, large, fait de puissance contenue, Ark 2 sonde les subtilités
du souffle brûlant du dragon.
I
nspiré comme l’opus 1 par le film
Metropolis (1927), Ark 2 est l’outil
idéal des compositeurs pressés
de bandes originales épiques.
Les articulations, pensées par
sections entières englobant plusieurs
pupitres, permettent de monter une
orchestration en quelques phrases.
Comme sa baseline le souligne, Ark 2
est l’« orchestra of the deep » et va
faire ronronner subs et basses de
vos enceintes.
Deep
Metropolis Ark 2 représente 54 Go
de samples NCW compressés (111 Go
non compressés), installés sur le
disque dur de l’utilisateur. Comme
pour Ark 1, les sons, enregistrés en
24 bits / 96 kHz dans la salle fétiche
d’Orchestral Tools (Teldex Scoring
Stage à Berlin) et livrés en 48 kHz,
sont regroupés en quatre
« Districts » : le District 1 est dédié à
l’orchestre, le District 2 aux chœurs
mixtes, le District 3 aux percussions
épiques et le District 4 aux claviers.
L’orchestre de cordes, bien fourni,
permet de construire des pads épais.
Pour simplifier le process de
programmation, il est divisé en
trois sections : dans les aigus,
les Weddigen Strings (24 violons)
(figure 1), dans le médium,
les Curtius Strings (10 altos plus
8 violoncelles) et dans le bas,
les Pfarracker Strings (8 violoncelles
plus 12 contrebasses). De la même
manière, les ensembles de cuivres
sont bien chargés dans les graves,
par groupe de trois instruments
(bugles, tubas Wagner, trompettes
basses, tubas, euphoniums). C’est
également le cas des ensembles de
bois, eux aussi tous par trois
(ensemble de flûtes altos et basses,
62 KR home-studio #325 I avril 2017
ensemble de clarinettes basses
et contrebasses). Sur cette base
épaisse, viennent se poser les
chœurs. Là encore, on fonctionne
par sections : les voix angéliques du
chœur d’enfants (Lichterfelder
Children Choir), les femmes
(Callandrelli Women Choir) et
les hommes (Breitenstein Basso
Profondo Choir), avec un bon
registre de basses profondes.
Massif et original
La section de percussions
(Manteuffel Percussion) (figure 2)
propose de gros Boomers telluriques
à souhait qui se placent
naturellement dans le mix,
des ensembles de métal et pas
mal d’effets, dont certains à base
de synthés et de waterphones.
Des ensembles inhabituellement
épais d’instruments sont aussi de la
partie. C’est le cas de Correns Harps
figure 1
Multi :
tout sous la main.
figure 2
Single :
juste le
nécessaire. figure 3
Mix des micros.
(ensemble de 6 harpes) ou de Glamer
Pianos (ensemble de 3 pianos
Steinway). Ajoutons un piano (Room
Piano), un harmonium (Thekla
Harmonium) et un orgue positif
(Hochbaum Positif Organ). Une liste
détaillée des articulations est
disponible sur le site web
d’Orchestral Tools. La plupart des
21 instruments disposent de legato,
d’une bonne dose de samples
round‐robin et des principaux modes
de jeu en notes longues et courtes.
Parfaitement compatible avec tous
les produits Orchestral Tools, Ark 2
propose plusieurs positions de
micros (figure 3). Les patchs sont
basés sur le moteur Capsule (Control
And Performance Symphonic Utility
caractéristiques
Produit : Metropolis Ark 2
Type : banque de sons Kontakt
Site : www.orchestraltools.com
Prix : 599 €
Compatible : Mac et PC
Pour Puissance tellurique,
complète Ark 1 à merveille,
intelligent et sensible
Contre RAS… surtout avec
le combo Ark 1 + 2
Engine), en version 2.52, compatible
avec Kontakt Player.
Metropolis Ark 2 est superbe.
Il illustre parfaitement ce point
paradoxal de plus en plus employé
par les compositeurs « épiques » :
le sentiment de musique épique est
encore plus fort dans les nuances
piano que dans les fortissimo.
Associé à Ark 1, Ark 2 permet de
couvrir une plage de dynamique
impressionnante. Mention spéciale
pour composer à la volée :
les grosses sections qui mélangent
les pupitres. Dans ce type de
musique on cherche plus à composer
à grands traits qu’à imiter le détail de
l’orchestre. Avec ce combo, c’est un
jeu d’enfant… Pierre Estève

Hidden Path Audio
Barrage
designer de percussions cinématiques
Nouvelle venue dans le monde des banques sonores, Hidden Path Audio, une jeune société de L.A. créée par
le compositeur et sound designer Jonathan Kranz, nous propose avec Barrage un groupe de percussions orientées
« cinématique ». Des ensembles, des instruments solo, des effets percussifs et un astucieux patch, l’Ensemble
Designer, qui permet de construire des kits de timbres percussifs « sur mesure ».
L
es percussions cinématiques
sont largement représentées
chez la plupart des éditeurs
spécialisés OST (Original
SoundTrack). Alors pourquoi
s’intéresser à Barrage ? La première
raison c’est la qualité des sons.
La seconde c’est la toute petite taille
de la banque. La troisième c’est la
bonne idée d’offrir la possibilité de
construire un kit d’ensembles
personnalisé à partir des instruments
proposés dans une interface bien
pensée. Et puis, il faut bien
encourager les initiatives nouvelles…
Cinématique
Barrage propose trois types
d’instruments : cinq ensembles,
douze percussions indépendantes et
six effets de sound design. Pour les
premiers, on dispose de : Ensemble
Designer, Djun Djun Ensemble,
Surdo Ensemble, Taiko Ensemble et
Tanggu Ensemble. Dans les seconds,
on trouve : Dhol, Djun Djun, Medium
Surdo, Large Surdo, Taiko, Tanggu,
Giant Bass Drum, Giant Gong Drum,
Giant Gong Drum (Tuned), Field
Snare, Cymbals et Metals. Enfin,
pour les effets : Drumageddon, Mega
Metals, Boomthwacks, Electrolysis,
Sub Chaos et Reverserized.
Les échantillons bénéficient d’une très
bonne prise de son. La dynamique
est correcte avec en général huit
niveaux de vélocité. Compte tenu
du nombre relativement restreint de
sons, un peu plus de modes de jeu
auraient été les bienvenus. Barrage
a besoin de la version complète de
Kontakt (à partir de la 5.5.1) qui
tourne sur Windows 7 et Mac OS
10.8.5 ou supérieurs. Très léger sur
le disque dur, Barrage n’utilise que
2,3 Go d’espace pour ses samples
figure 1
Une
interface
simple.
au format NCW (qui représentent
environ 6 Go en 24 bits / 48 kHz non
compressés). Attention, le Player
Kontakt n’est pas supporté.
Astucieux
L’interface de Barrage (figure 1),
divisée en six zones réparties sur
deux bandes horizontales de trois
zones, est bien pensée. Sur la bande
supérieure, de gauche à droite,
on trouve un filtre résonant (low‐pass,
band‐pass et high‐pass) et un EQ à
quatre bandes (Lo, Lo‐Mid, Hi‐Mid
et Hi). Au centre, on a le mixeur des
trois micros (Close, Stage et Hall)
avec mute et solo pour chacune
des trois perspectives. À droite,
les effets. Un menu déroulant permet
de basculer entre Slam (un mix de
transient shaper et de compresseur),
Crush (combinaison de saturation et
de gain), Delay (synchronisé au
tempo de l’hôte avec feedback,
damping, pan et niveau de delay) et
Reverb (à convolution avec réglages
de pré‐delay, temps, taille de salle et
figure 2
L’Ensemble
Designer.
niveau de réverb). Dans le bandeau
du bas, de gauche à droite, on trouve
le master (avec le paramètre Width
pour la stéréo et un volume général),
au milieu l’accès à « l’Ensemble
Designer » et à droite une enveloppe
succincte (avec attaque et release).
L’interface de l’Ensemble Designer
(figure 2) permet de créer un kit
à partir de quatre groupes
d’instruments. Chacune des quatre
catégories correspond à une couleur
sur le clavier : « Sub » en vert (les
éléments les plus graves), « Hits »
samplemakers
caractéristiques
Produit : Barrage
Type : banque de sons Kontakt
(incompatible avec le Player
Kontakt)
Site : www.hiddenpathaudio.com
Prix : 149 $
Compatible : Mac et PC
Pour Modularité, qualité sonore,
faible empreinte sur le disque dur
Contre Un peu plus de réglages
et de nuances SVP
en bleu (principalement des
ensembles), « Accent » en rouge et
« Tail » en jaune (éléments de sound
design). Chaque groupe possède son
volume. On aurait bien aimé un peu
plus de réglages en plus du volume
(accord par exemple).
Sans être révolutionnaire, Barrage
fait le job. Nous attendons avec
curiosité les prochaines sorties de
Hidden Path Audio, qui propose
aussi en freeware Orchestral Rise
Builder à ceux qui s’abonnent à
sa newsletter. Pierre Estève
avril 2017 I KR home-studio #325 63
 bons plans
Ueberschall
DiscoTape
la disco d’hier mais d’aujourd’hui
L
es dix kits proposés
contiennent 600 loops et
samples enregistrés entre 112
et 128 BPM, le tout réuni dans
une collection de 3,2 Go. Chaque kit
intègre des parties individuelles dont
certaines peuvent dépasser les 30
secondes. Les loops peuvent être
joués individuellement, ce qui permet
de faire un mix séparé des éléments.
Alors qu’est‐ce qu’on y trouve ?
Des pianos, synthés, guitares
électriques assez marquées funk,
des basses principalement jouées
aux doigts, synthés basses, Rhodes,
batteries acoustiques comme
électroniques, enfin des sections
de percussions.
Ueberschall
Cinematic Guitar Loops
entre stratosphère et superproduction
V
oici 1 200 loops individuelles
(d’une durée de huit à seize
mesures et jusqu’à 32
secondes) regroupées dans une
collection de 6,3 Go de samples. Ici,
on parle d’une captation de guitares
électriques de six à huit cordes,
de guitares acoustiques de six et
douze cordes, de steel‐guitars et
accessoirement de basses de quatre
et cinq cordes. On dénombre quatre
thématiques, la première présente
un jeu typique de guitare avec des
schémas qu’on retrouve dans la pop,
la seconde est dédiée aux sons
ambient, la troisième aux effets
spéciaux, et enfin la dernière aux sons
distordus. À ce propos, les guitares
64 KR home-studio #325 I avril 2017
On retrouve ici les ingrédients de
la disco d’époque qui compressait
à mort les kicks. À noter que les
guitares sont elles aussi ultra
traitées et compressées dans
cette collection. Côté synthés,
un gros rappel aux années 80 avec
des sons qui font preuve d’une
spatialisation typique de cette
époque, on pense au Prophet‐5
et à ses filtres à la pente raide,
à la marque Oberheim,
aux Roland Jupiter‐8 et MKS‐80,
aux Emulator II et III, etc.
Globalement, ici, on nage entre
deux tendances, celle de Thriller
du début des années 80 et celle
du milieu des années 80 qui
n’ont manifestement pas été captées
avec l’effet de distorsion lors de la
prise, celle‐ci a été ajoutée après
et probablement de manière
numérique, en tout cas sur les
boucles qui sont traitées. Si le
rendu est tout à fait crédible,
ça pourra dissuader les puristes.
L’organisation des loops repose sur
un principe de kits qui contiennent
trois loops de guitare et une loop
de basse. Pour ces loops, on a le
choix entre loop individuelle sans
effet, avec effets et loop avec
éléments regroupés sur une piste
stéréo en version mixée.
La prise de guitare est
extrêmement soignée, avec des
employait à tout va (écartant ainsi
les vrais musiciens de studio) boîtes à
options de choix et de position de
micros. Les sons sont plutôt Fender
samplemakers
rythmes, synthétiseurs, synthés
basses, sans oublier les gros effets
(Lexicon, EMT 250, AMS RMX16 entre
autres), ceux‐là mêmes qui achevaient
de donner une empreinte indélébile
à des productions ultra sophistiquées
et surfaites, dirions‐nous. Comme
tout est cyclique dans l’univers,
la mode des années 80 nous revient.
Ça plaît ou ça ne plaît pas, en tout cas
c’est son esprit que l’on retrouve dans
cette collection. Pierre Emberger
caractéristiques
Produit : DiscoTape
Type : banque de sons
Site : www.ueberschall.com
Prix TTC : 99 €
Compatible : Mac et PC,
AU/VST/AAX/RTAS/Standalone
Pour Le retour de la disco
à la mode des années 2010
Contre Trop de compression
sur les kicks, mais c’est le style
qui l’exige
que Gibson. La signature sonore
est plus américaine qu’anglaise et
conviendra aux chercheurs
d’ambiances cinématographiques,
ça tombe bien, c’est l’objet du produit.
Côté effets, on constate une couleur
plus Eventide que Strymon, plutôt
chaleureuse que froide grâce aussi
à l’emploi d’effets analogiques.
Globalement, nous disposons d’une
collection bien menée, de bon goût,
très propre sur elle, bon travail ! P.E.
caractéristiques
Produit : Cinematic Guitar Loops
Type : banque de sons
Site : www.ueberschall.com
Prix TTC : 149 €
Compatible : Mac et PC,
AU/VST/RTAS/Standalone
Pour Collection très propre
et de bon goût
Contre Saturation sur
les guitares trop numérique
pour les puristes
 e
2 concours
DE MIXAGE MUSICAL
ave

Du 20 juin au 31 août 2017,

l’Ina et le magazine KR home-studio organisent en partenariat
avec Universal Audio leur 2e grand concours de mixage musical ouvert à tous.

En téléchargeant les pistes d’un morceau complet, créé spécialement pour ce concours et
enregistré dans l’un des studios dédiés à la formation de l’Ina, vous devrez réaliser un
mixage révélant votre créativité et tenter votre chance devant un jury de professionnels pour
gagner la formation Ina de 5 jours intitulée « Les effets dynamiques et temporels », ainsi
que des abonnements à KR home-studio.
Alors, rejoignez-nous pour l’aventure du mixage… Rendez-vous dans KR home-studio n°328,
en kiosque le 20 juin prochain.

www.ina-expert.com
 Retrouvez une sélection de samples de ces banques de sons sur www.kr-homestudio.fr

bons plans downloads

Loopmasters Sample Diggers

Think Tank – Detroit Neon Dreams
Signature Vol. 1 Neon Dreams est une collection de plus de 400
boucles dans la tendance actuelle de la musique à
La ville industrielle américaine Detroit connut dans l’image : énergétique, trancey, sidechaîné, mélodies
les années 80 une véritable crise économique mais mainstream, comme beaucoup de clients l’exigent
fut également le berceau d’un type de en ce moment. Lignes de basse pulsées, thèmes
techno bien particulier, au son assez sec synthétiques marquants, mélodies contre‐
Site: www.loopmasters.com Sites: www.samplediggers.com,
empruntant au funk et au jazz. Voici donc Formats: Ableton Live Pack, chant hypnotiques, kicks puissants (mais pas
www.loopmasters.com
150 boucles de lignes de basse groovy, Acid, Apple Loops, EXS, HALion, trop), effets de transition high‐tech, virgules Format : Wav
rythmes charnus (avec variations et Kontakt, NN‐XT, Reason ReFill, sonores tape‐à‐l’œil, atmosphères aériennes. Taille : 590 Mo
éléments hi‐hats séparés), bruits de vinyles, REX2, SFZ, Stylus RMX, Wav Franchement, cette collection va vous faire Prix TTC: 41 €
accords de Rhodes. La collection propose Taille: 635 Mo gagner du temps pour répondre aux exigences
également 134 sons de basse, claps, Prix TTC : 29 € problématiques (et parfois insondables) pour certains projets auxquels vous
sonorités percussives et micro‐accords pour avez dit oui sans avoir bu votre café… V.V.
construire vos propres sessions dans le style d’artistes comme Theo Parrish,
Moodymann ou Juan Atkins. Vincent Villuis

Singomakers Push Button Bang

Mainstage Drum & Bass Rare Tones
Singomakers nous revient avec une série de samples Rare Tones est une très bonne affaire pour les
bien nerveuse, véritable hommage aux artistes producteurs qui veulent réactualiser leur palette
déjantés comme The Prodigy, Noisia, Roni Size sonore « ethnique ». Cette série regroupe plus de
ou Pendulum. Parfait pour les genres rythmiques 1 100 sonorités venues de tous les horizons : Tibet,
tournant dans les sphères du 165 BPM : drumstep, Japon, Amazonie, Afrique, Europe de l’Est.
breaks, jungle et autres étiquettes obscures. On retrouve de vieilles cloches, des bols
Basses autoroutières et complexes, motifs Sites: www.facebook.com/ chantants, des violoncelles en Sites : www.pushbuttonbang.com,
rythmiques syncopés et névrotiques, mélodies singomakers, monologue, du koto, des tampuras www.loopmasters.com
sinueuses, effets sonores sombres et une www.loopmasters.com mitées, des pianos abîmés… C’est bref Format: Wav
Formats : Ableton Live Pack, Taille: 2,15 Go
quarantaine de phrasés tendance « ragga yo et beau, propice à créer ses propres
Apple Loops, EXS, Kontakt, Prix TTC : 23 €
man » qui viennent se perdre on ne sait pas mélodies ou à rejouer avec vos
pourquoi dans ces univers. Les 100 fichiers MIDI MIDI Files, NN‐XT, Reason échantillonneurs préférés. Push Button
en bonus sont d’une belle qualité et d’une ReFill, REX2, Wav Bang a également réalisé trois instruments entiers note par note (dulcimer,
grande utilité pour construire ses propres Taille: 1,11 Go basse fretless, gayageum), ainsi que 93 boucles rythmiques inspirantes. V.V.
patterns. V.V. Prix TTC: 35 €

Push Button Bang Loopmasters

Future Weapons – Game/ Drums Of Sparta
Film Audio Collection Et comme la guerre a été de tout temps, revenons
à l’Antiquité, plus précisément dans la culture
Bien que la violence s’amplifie aux quatre coins de la téméraire et sanguinaire Spartiate (qui, à force de se
planète, les jeux de guerre et « bute ton prochain car bastonner, s’éteignit au IVe siècle…). Le compositeur
c’est un méchant » ont le vent en poupe. Et si vous de musiques de film Russ Harris nous a concocté
travaillez dans le sound design guerrier 432 séquences pour lancer vos armées sur le
futuriste, voici une belle palette de 1 000 Sites: www.pushbuttonbang.com, champ de bataille. Les rythmes lourds et Site: www.loopmasters.com
samples qualité 96 kHz pour flatter la www.loopmasters.com martiaux sont classifiés en différents tempi mais Formats: Acid, Apple
testostérone et l’adrénaline de nos snipers Format : Wav également patchés pour les divers sampleurs Loops, EXS, HALion,
de salon : lasers, explosions proches et Taille: 2,15 Go virtuels du marché. L’ensemble sonne vraiment Kontakt, NN‐XT, REX2,
lointaines, recharges électroniques, Prix TTC: 40 € très Zimmerien, mais j’émettrai juste une SFZ, Stylus RMX, Wav
cliquetis technologiques d’armements, question : pourquoi utiliser principalement des Taille: 1,98 Go
incidents techniques, fin de munitions… Tout a été prévu pour être percussions japonaises ou africaines pour illustrer Prix TTC : 35 €
synchronisé, avec un réalisme déconcertant. Avec du bon bidouillage, il y aura des guerres grecques ? Ah les Américains et
moyen de détourner ces sons pour des visées plus pacifiques… V.V. le sens de la géographie… V.V.

66 KR home-studio #325 I avril 2017


Audiens
L e fonds de professionnalisation trouve sa genèse en 2003 au moment
de la réforme des intermittents. La période d’indemnisation était alors
passée à 240 jours, la période de recherche d’affiliation à 10 mois pour les
techniciens et 10,5 mois pour les artistes. Du coup, nombre d’entre eux
n’avaient pu conserver leur statut, avec une perte sèche à l’arrivée. Le fonds
avait été créé pour
répondre à cette
nouvelle situation.
À noter que 11 536
professionnels ont été
pris en charge par le
fonds au 31 juillet 2012.
Le fonds agit sur deux
grands pôles.
Tout d’abord,
l’accompagnement
social, qui consiste en
une aide ponctuelle et
de nature à répondre
à des frais de santé.
Il répond aussi aux
accidents de la vie, aux situations de séparation, entre autres. Le second pôle
a vocation à intervenir sur le parcours professionnel, sur entretien avec des
consultants : il peut aider à mettre en place un bilan de carrière, mais aussi
contribuer à une réorientation professionnelle. Pierre Emberger
www.artistesettechniciensduspectacle.fr
Vrtuoz
V rtuoz a mis au point une application qui permet de réunir des gens,
de leur faire vivre des expériences collectives et ce, en réalité virtuelle.
Dans sa volonté de s’adresser à tout le monde, Vrtuoz a rendu compatible son
application à toutes les solutions existantes : terminaux mobiles, ordinateurs
PC/Mac et PlayStation. L’idée est de réunir les gens dans une vidéo à 360°
et de leur
permettre de
se voir et de
communiquer
comme dans la
réalité physique.
Deux personnes
pourront tout
à fait se
rencontrer et
peu importe si
l’une se trouve
à New York et l’autre à aris. À l’aide d’une identité virtuelle (avatar), chacun
pourra faire du chat vocal, utiliser les mains, danser… Le flux vidéo est
retransmis en direct. L’application se décline aussi pour les concerts, très utile
pour les artistes qui désirent créer une communauté éphémère sur une durée
maximale de 2h40 qui correspond à l’autonomie de téléphone, à la capacité
à supporter le casque et à rester dans un environnement virtuel. N’oublions
pas qu’ici il s’agit pour l’instant d’expériences courtes. P.E.
http://fr.vrtuoz.com
web ressources
Armonie Loves
Music
C ette agence digitale fondée il y a cinq ans accompagne les artistes,
tourneurs, salles de concerts et les marques dans le domaine du digital
via la promotion Web (RP, e‐marketing, veille concurrentielle) et Community
Management. Elle dispose de services annexes, comme la création graphique
et le management d’artistes. D’après ALM, le média de demain c’est la
marque, raison pour
laquelle il faut
sensibiliser tous les
acteurs de l’industrie
musicale au digital.
De nombreux outils
servent les projets,
encore faut‐il savoir s’en
servir. Ici, l’agence tente
de faire rayonner un
artiste ou une marque
à l’aide d’un volet
stratégique et opérationnel. Elle propose de la formation au digital toujours
au profit des labels, artistes indépendants et des marques. Si son expertise est
pour l’instant seulement musicale et culturelle, l’agence va ouvrir ses services
à des clients hors secteur musical via l’entreprise Be My PR, la société qui
héberge le nom d’Armonie Loves Music. P.E.
www.armonielovesmusic.com
Sync Portal
L’ éditeur digital Musicgateway vient de développer la nouvelle offre
Sync Portal, proposant ainsi aux artistes indépendants une large
variété d'opportunités de synchronisation musicale (TV, films, publicités et
jeux vidéo). La plate‐forme permet une distribution vers plus de 300 agences
publicitaires et réseaux de
music supervisors dans le
monde. À noter qu’on
peut lâcher les droits de
manière exclusive ou non
exclusive. Comment ça se
passe ? On remplit
d’abord une fiche
Créateur qui servira plus
tard à l’affiliation des
chansons déclarées.
Il faut désigner la société
d’auteurs dont on est
membre ainsi que son numéro de compte d’ayant droit. Nombre de créateurs
en France adhèrent à la Sacem. Ensuite, à chaque titre référencé, on spécifie
ses créateurs, les détenteurs de droits de production, le code ISRC, la clé de
répartition entre les ayants droit, on y renseigne tags, tempo, texte, style
musical. À la fin du processus, on uploade le titre qui correspond aux
informations qu’on a remplies. Attention, Musicgateway effectue un travail
de modération. Il se réserve le droit d’accepter ou pas le titre uploadé. P.E.
www.musicgateway.net/sync-licensing
avril 2017 I KR home-studio #325 67
 chroniques albums

#####

électro pop
Les Anglais de Brighton Fujiya &
© N'Kruma

Miyagi proposent depuis plus d’une

Fujiya & Miyagi quinzaine d’années une pop expérimen‐
tale puisant aussi bien dans la musique
Fujiya & Miyagi électronique anglaise que dans les beats
[Impossible Objects Of Desire] froids métronomiques allemands. Il en
résulte une pop atmosphérique futu‐
riste, aux mélodies vaporeuses susur‐
rées, s’appuyant néanmoins sur une verve post‐punk bien assumée. Les arpèges de
claviers sont entêtants, tandis que la basse et la batterie s’amusent à se répondre en apportant une bonne dose
de groove robotique. Le groupe a été fondé en 2000 par David Best au chant et aux guitares et Steve Lewis aux
synthés. Ils ont été rejoints récemment par Ed Chivers à la batterie et Ben Adamo à la basse. Désormais sept
albums sont au compteur, dont on retiendra leur premier opus Electro Karaoke In The Negative Style en 2003,
Transparent Things en 2006, ou encore Ventriloquizzing en 2011. Aujourd’hui avec cet album éponyme, on retrouve
l’essentiel de leurs influences. On se délectera de l’urgence punkisante d’un titre comme « Outstripping (The
Speed Of Light) » ou encore l’électro minimaliste d’« Impossible Objects Of Desire ». Une pop cérébrale, qui
rassemble en un endroit toutes les générations de l’underground électronique… Thierry Demougin

####
électro trip hop

####

électro
Booka Shade
Galvany Street
Blaufield Music / La Baleine]
Aujourd'hui, on peut raisonnablement penser que le
ilemme de la musique électronique aura toujours été d'es‐
sayer de produire des textures et des enchevêtrements sonores capables d'être aussi
excitants et groovy que la meilleure des rock songs. C'est en tout cas ce que tente de
faireparfaitement iciBookaShade.Avecla réalisationdesonprécédentopus,Movement
10 en 2016, le duo formé par Walter Merziger et Arno Kammermeier est arrivé à un
tournant de son parcours musical, il considérait alors qu'il lui fallait tourner la page de
la tech house minimale, genre qu'il avait copieusement exploré durant les années 2000.
Les vétérans de Francfort ont voulu retrouver les racines de la dance music des années
90, de cette époque où la formation avait pris le nom de Planet Claire en hommage
au fameux titre des B‐52's. Pour arriver à ses fins, Booka Shade s'est entouré d'invités
de choix : les chanteurs Craig Walker (ex‐Archive) et Urður Hákonardóttir (GusGus) ou
l'ingénieur du son de Kraftwerk Fritz Hilpert. Le résultat, une électro house qui flirte
avec le trip hop pour une musique qui veut renouer avec une époque où l'on voulait
concevoir des chansons pop et dansantes à la fois. Pari réussi ! Laurent Gilot
####
folk rock progressif
Nathan Fake
Providence
[Ninja Tune]
Ce n’est pas parce qu’un musicien utilise en priorité les
machines qu’il ne peut être confronté à l’angoisse de la
page blanche. À la suite de la sortie de Steam Days, le Britannique Nathan Fake a eu
du mal à retrouver l’inspiration après avoir pas mal tourné. Il a même beaucoup peiné…
son blocage créatif a presque duré trois années. Mais quand il s’est remis à composer,
pris par une sorte de frénésie, il a donné naissance à ce quatrième album en six mois
dans le salon où il a installé son home‐studio. Créé en grande partie sur le Korg Prophecy,
Providence est une œuvre synthétique qui sort des schémas préétablis, à la fois spiri‐
tuelle, psychédélique, libre dans ses reliefs. Même quand il convie des voix pour habiter
son univers marécageux et sans cesse mouvant, il n’épouse pas le format électro‐pop
– témoin, « RVK » avec Raphaelle du groupe Braids, mélopée entêtante construite
comme un orage menaçant. Utilisant la distorsion comme couleur principale de sa
palette sonore, Fake livre une œuvre hantée que l’on rapprochera – faute de trouver
mieux – des productions les plus mentales de Carl Craig et de l’école de Detroit. Une
musique sacrément personnelle dans laquelle il faut s’immerger, de préférence en
solitaire… cette techno viscérale n’est pas à partager. Vincent Brunner

Steve Hackett ####

afro électro

The Night Siren

nside Out / EMI]
Une terre aride sur laquelle se dressent deux rochers éclairés par une aurore
boréale, le visuel du 25e album (!) du musicien anglais est à peu près à l'image de
son contenu. Mais, surtout, n'allez pas croire que vous allez vous ennuyer au cours
de cette odyssée sonore en onze morceaux. En effet, le chanteur guitariste de 67
ans a encore quelques idées malgré une carrière longue comme les deux bras. Pour
The Night Siren, il a choisi d'élaborer un disque avec deux personnes de confiance :
sa femme, Jo, et son clavier et co‐producteur Roger King. Plutôt que d'enregistrer
à partir d'un ampli guitare et d'un micro, Steve a connecté directement son matériel
à un ordinateur pour capturer différentes combinaisons et trouver les meilleurs
assemblages possibles. Quand on parle d'odyssée sonore, c'est vraiment le cas
puisque Steve s'est entouré de différents artistes venus d'horizons variés (les chanteurs
israélien Kobi Farhi et palestinien Mira Awad) et d'instruments tous plus exotiques
les uns que les autres (tabla, sitar, luth du Moyen‐Orient, guitare péruvienne, corne‐
muse irlandaise…). Le résultat est souvent enivrant (« Anything But Love »), parfois
très pop sixties (« Martian Sea »), aussi élégiaque que pouvaient être certains de ses
titres dans les années 70 (« West To East »). Hackett regarde le monde sans œillères,
le contemple, s'en nourrit en ignorant les frontières trop restrictives. L.G.
Ibibio Sound Machine
Uyai
[Merge Records / Differ‐Ant]
On le sait, l’union fait la force. Dans le cas de cette for‐
mation anglaise, elle permet aussi une souplesse stylis‐
tique incroyable. Quand ils mettent leur talent au service de leur groupe, les huit
membres d’Ibibio Sound Machine peuvent toucher sans difficulté à des genres
pourtant bien radicalement éloignés les uns des autres. Mais, pratiquant avec naturel
l’éclectisme, la troupe (maîtrisant basse, batterie, guitare, percussions, cuivres et
synthés) préfère faire converger toutes ses influences et ses envies dans la même
direction. Une écoute non attentive d’Uyai pourrait laisser croire à une compilation
tant, de « Give Me A Reason », le titre d’ouverture afro, à « Joy (Idaresit) », animé
par une basse post‐punk, cet album – le deuxième en trois ans – brasse large. La
quête incessante du groove, qu’il soit à chercher du côté du disco punk, du funk ou
de l’électro minimale, sert de colonne vertébrale à un groupe qui n’aime pas le surplace
mais ne se disperse pas non plus en vain. Les douze remuantes chansons proposées
ici ont un autre dénominateur commun, la belle voix de l’Anglo‐nigériane Eno Williams,
chanteuse élastique performante dans les ballades et les brûlots enlevés. V.B.

68 KR home-studio #325 I avril 2017

 maxis, EP, CD singles
Voilà une maison de disques que les amateurs de paradis fiscaux doivent affectionner. En effet, le label suisse Argent Sale nous
présente le premier épisode de La Collection S02 par le Lyonnais Submarine FM. À ne surtout pas confondre avec Marine FN !
Cet amateur d'ambiances minimalistes et répétitives produit une musique à cheval entre techno et ambient, étrange et palpitante
à la fois comme un cœur qui bat tranquillement mais sûrement. À découvrir. Toujours en France, Clément Dupéty alias Keumel,
propose un trois‐titres, Night Drips (LumièresLaNuit), masterisé à Berlin. On comprend ainsi un peu mieux pourquoi cet EP semble
construit autour des pulsations nocturnes de la capitale allemande. Le titre « Les Marcheuses », par exemple, est une parfaite
déambulation techno‐house‐breakbeats agrémentée d'une myriade de petites sonorités résonantes finement agencées. On a
connu Frédéric de Carvalho en train de bidouiller ses premiers titres dans une maison de disques indépendante il y a quinze ans.
On le retrouve ici avec l'Américain CS Rucker pour un EP, Rendez‐Vous Disco (So French Records). Cette électro house très old
school 80's, avec ses passages rappés à la Tiga, donne furieusement envie de se dégourdir les jambes sur le dancefloor. Les quatre
autres relectures sont de bonnes variations autour de ce titre riche, avec une mention particulière pour le remix parfait d'Anoraak.
Un Frédéric peut en cacher un autre. Le Norvégien Todd Terje a décidé de livrer de nouvelles versions de son titre « Jungelknugen »
en donnant ses sources sonores à l'Anglais Four Tet et à son voisin Prins Thomas. Le premier livre une version « italian house »
avec sa petite touche jazzy, ses notes de piano et ses boucles hypnotiques. Le second nous entraîne du côté du swing disco avec
une basse totalement entêtante. Enfin, David Bowie, depuis le fin fond de la galaxie, édite (enfin, sa maison de disques) le quatre‐titres No Plan EP (Sony) avec les
bouleversants « Lazarus », « When I Met You » ou « No Plan » qui résonnent comme des chants du cygne pour cet immense artiste. L'œuvre d'un homme qui clôt une
carrière exemplaire et que l'on regrettera tous. L.G.

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afro rock
pop rock

Blood Jungle Kin Sonic

[Universal] [Zamora / L’Autre Distribution]

Les deux Suédois de Johnossi se sont rencontrés à leur
adolescence et ont décidé d'unir leurs forces musicales
en 2004. Le guitariste chanteur John Engelbert et le batteur Oskar Bonde ont réalisé
leur premier disque un an plus tard sur un petit label suédois, établissant ainsi les
bases de leur style qui s'avère être un joyeux mélange entre hard rock, blues, new
wave et pop enflammée, pour une musique aussi bien mélancolique qu'euphorique.
Avec ce cinquième disque à leur actif, John et Oskar s'amusent ici à ciseler leurs mélo‐
pées, à monter en épingle leurs refrains mille‐feuilles comme pour mieux séduire le
public des festivals d'été. À n'en pas douter, certains des dix titres réunis, comme
« Blood », « Air Is Free » et « Freeman » (avec ses petits relents U2), devraient faire
le bonheur des festivaliers. En même temps, certains pourraient être dubitatifs sur
la capacité des deux hommes à reproduire sur scène les arrangements luxuriants de
ce disque. À voir. Quoi qu'il en soit, on notera juste une manière un peu trop policée
de présenter des nouvelles compositions qui gagneraient en profondeur si elles
étaient débarrassées de certains tics de production, c'est ce que montre, en partie,
le fantastique « Tall Dark Man ». L.G.
Né à Kinshasa dans un Congo tout juste indépendant,
ayant grandi en Allemagne où il découvre la soul améri‐
caine, Jean‐Pierre Bokondji alias Jupiter s’est construit artistiquement en mixant les
expériences et les horizons culturels. Okwess, le groupe qui s’est formé autour de
lui, mélange avec naturel dans la même marmite l’afro‐beat – les rythmes, souvent
trépidants et visant la transe – et le rock’n’roll. Avec ses deux guitares et sa rythmique
sautillante fournie par le batteur Montana (également membre du Staff Benda Bilili),
le groupe entoure la voix et les mots graves de Jupiter d’un mur du son funky et mili‐
tant. Manifestement capturé en live, « Pondjo Pondjo » bénéficie de la participation
de Warren Ellis (The Bad Seeds) qui livre une fiévreuse partie de violon. Fan de Jupiter,
s’étant déjà rendue à Kinshasa, l’actrice Sandrine Bonnaire lit un extrait d’un livre
signé par le philosophe africain Zamenga Batukezanga sur « Le Temps Passé ».
Croisé au cours de l’aventure métissée de Kinshasa One Two, Damon Albarn, lui,
épice « Musonsu » de notes de claviers funky. Mais les invités ne servent pas ici de
têtes de gondole et se font plutôt discrets, c’est bien pour Jupiter & Okwess qu’il faut
écouter ce vibrant album. V.B.

#### ####
flamenco rock
chanson rap

R.Wan Rodrigo Y Gabriela

Curling Rodrigo Y Gabriela
Two Records / Wagram Music] [Because Music]

Le chanteur et rappeur R.Wan nous présente
ujourd’hui son quatrième album Curling dans une
ambiance rap électro et acoustique. Tout au long de ce disque, R.Wan, comme à
son habitude, nous tisse une jolie histoire à travers des textes intelligents et réfléchis,
bourrés de jeux de mots. Car « être curling » est une expression argotique et un angli‐
cisme qui exprime un état d'esprit que revendique l'artiste tout au long de ses morceaux.
Pour lui c'est « un état d'extrême lucidité qui consiste à adopter une attitude détachée,
voire "je‐m'en‐foutiste" face au grand désastre de la vie et à l'hystérie de notre époque ».
Effectivement, R.Wan est un artiste inclassable qui s’est toujours démarqué par son
engagement, déjà présent depuis Java en 2006 avec son partenaire Fixi. Ils étaient
les premiers à manier la gouaille du rap musette. On le retrouve un peu plus tard en
2014 avec les Soviet Suprem où R.Wan, aka Sylvester Staline, et ses compères créent
une situation particulière. Ils imaginent un futur alternatif où l'URSS aurait remporté
la guerre froide, allant ainsi à l'encontre de l'influence américaine qui a bercé la musique
de ces 80 dernières années ! Après Radio Cortex, R.Wan en solo continue aujourd’hui
ses prouesses avec un album personnel. Anatole Demougin
Prenez Paco de Lucia, filez‐lui une bonne série de coups
de pied aux fesses et vous obtiendrez, peu ou prou, le style
de musique à deux guitares que pratiquent les Mexicains Rodrigo Sánchez et Gabriela
Quintero. Comme pour rappeler le talent indéniable de la formation, on ressort
aujourd'hui son album éponyme de 2006 agrémenté de bonus tracks et d'une prestation
live captée à l'Olympia Théâtre de Dublin (Irlande). Il faut préciser que le duo de gui‐
taristes a trouvé un premier écho chez les Irlandais où sa renommée mondiale a com‐
mencé à se développer. C'est le mythique producteur John Leckie (Simple Minds,
XTC, The Verve) qui a permis à la formation de capturer son énergie live en studio.
Les neuf titres réunis sur cette réédition anniversaire n'ont rien à voir avec une sorte
de revival flamenco, ils explosent littéralement les barrières musicales, convoquent
aussi bien les influences de Ojos de Brujo que de Metallica (cf. les reprises de « One »
et « Orion » sur le CD live), tendent un pont entre le passé et l'avenir, combinent
érudition et spontanéité, propulsant ainsi leurs instruments dans un torrent de passion
et d'émotions. On espère que cette réédition est le préambule à un nouvel album qui
dynamitera une fois de plus le jeu traditionnel de la guitare flamenca. L.G.

avril 2017 I KR home-studio #325 69

 ####

soul
#### The Adelians
rock

Summer Moon The Adelians

With You Tonight
[Membran / DTF Records]
Nouvel entrant dans le rock, mais pas des moindres,
Summer Moon est un super‐groupe formé en 2015 à New
York par Nikolai Fraiture, l’ex‐bassiste des Strokes. Pour l’occasion et pour développer
son projet solo, il s’est entouré à la batterie de Stephen Perkins (Jane’s Addiction),
à la guitare de Noah Harmon (The Airbone Toxic Event) et aux claviers de Camila
[Q‐Sounds Recording]
Q‐SoundsRecording,nouveaulabel,baséenSeine‐Saint‐Denis,
dispose déjà d’un large catalogue. Parmi leurs recrues, The Adelians, un groupe mené
par la jeune chanteuse Florence et accompagné par des musiciens issus des groupes
maison : Chacals et Radek Azul Band. On a été particulièrement séduits par une énergie
deep soul débordante, sur des textes chantés en français comme en anglais. T.D.
www.facebook.com/Ruthandtheadelians
###

électro disco
Grey (Uh Huh Her). À noter que la plupart des titres ont été produits par Matt Boynton
(MGMT) aux studios Vacation Island, tandis que d’autres ont été confiés à Brad Bell
(Arcade Fire, The War On Drugs) aux studios Hi‐Fi à Austin. Avec Summer Moon,
Electric Guest
Fraiture prend son envol et décrypte tous les terrains où l’énergie rock peut se trouver. Plural
Un titre comme « Class A » nous télescope dans la mouvance post‐punk, tandis que [Because Music]
le morceau qui ouvre l’album, « Happenin’ », nous délivre, lui, une ritournelle élec‐
tro‐pop plus qu’entêtante. Autre exemple, « With You Tonight », qui donne son nom ElectricGuestestungroupefondéparAsaTacconeetMatthew
à l’album, nous emmène sur les traces d’un David Byrne des temps modernes. Les Compton, rejoints par les frangins Todd et Tory Dahlhoff, et qui a fa
compositions et la basse de Nikolai Fraiture fracturent, martèlent, incisent… Un sen‐ à la sortie de son premier album Mondo. On attendait les Californiens au tournant et
timent d’urgence délicat, et assumé. Un essai réussi, agréable et dansant… T.D. cinq ans après voici qu’ils débarquent avec leur deuxième galette : Plural. L’alchimie est
toujours là, soit un mélange de funk lent, de voix perchées et de grooves de club. T.D.
www.electricguestmusic.com
####
électro

####
Superpoze

électro pop
Fenech‐Soler
For We The Living Zilla
[Combien Mille Records / A+LSO] [So Recordings / La Baleine]
Dans la présentation de son deuxième album, Gabriel Les Anglais de Fenech‐Soler autrefois quatuor se retrouvent
Legeleux alias Superpoze, explique avoir été inspiré aujourd’hui sous la forme d’un duo mené par les frères Duffy, Ben et Ross. Ce nouvel
par les « œuvres qui s’intéressent aux catastrophes naturelles, à la fascination de état les a obligés à faire le point, et à revenir à leurs premiers amours, une pop simple,
l’homme pour sa propre fin (…) ». Selon ses propos, il a conçu For We The Living en efficace, faite pour le dancefloor. Pour s’en rendre compte, l’écoute des morceaux
deux parties distinctes. La première, close par « Thousand Exploding Suns », un des « Kaleidoscope » ou encore « On Top » fait instantanément frétiller du pied. T.D.
morceaux les plus dramatiques et évocateurs de l’ensemble, symboliserait le chemin www.fenechsolermusic.co.uk
de l’humanité jusqu’à ladite catastrophe naturelle. La seconde moitié, marquée par
####

une relative chute de tempo, serait consacrée à « l’après ». Les sept compositions
instrumentales assemblées ici et « A Photograph », chantée par Dream Koala, s’épa‐
nouissent dans le dénuement, l’évocation plus que la saturation, et sont marquées
par des motifs de piano mélancoliques. Pour éviter que sa musique sonne trop produite
et froide, Superpoze a enregistré les instruments acoustiques (en premier lieu le
piano) dans une large pièce les « fenêtres ouvertes » et a gardé le souffle de certaines
prises. Mission réussie : cet album, plutôt rêveur malgré son concept apocalyptique,
met en avant l’humanité de la vision de Superpoze. Ce délicat objet sonore s’apprécie
sans effort. Mais, plus on l’écoute, plus il dévoile ses subtilités. V.B.
####
folk rock
pop
Pigeon John
Good Sinner
[Caroline International]
Voici déjà l’heure du septième album pour John Kenneth
Dunkin alias Pigeon John et cette fois‐ci le Californien a souhaité délaisser pour un
temps le format hip hop classique, afin de rendre ses morceaux plus pop. Son inspi‐
ration s’est imprégnée de la musique des sixties, celle de Chuck Berry et des Beach
Boys. Un projet frais et insolent, nourri par un travail avec de nombreux producteurs

de la Cité des Anges. T.D. www.pigeonjohn.com

Shannon Wright ####

chanson jazz
Division Becca Stevens
[Vicious Circle / L’Autre Distribution] Regina
[Ground Up Music / The Orchard]
Est‐ce que, consciemment ou non, enregistrer dans le
studio d’une pianiste a influencé le choix esthétique de Entre pop et jazz, la chanteuse et guitariste Becca Stevens nous
Shannon Wright ? Celles et ceux qui suivent la chanteuse américaine depuis plus de offre avec Regina un album envoûtant produit par Troy Miller et Michael League, e
quinze ans et apprécient son folk‐rock à fleur de peau qui passe du calme à la tempête gistré à Londres et New York. Pour sa première expérience sans son groupe, elle s’est
électrique savent combien elle a construit sa discographie sensible et âpre en alliant entourée de nombreux artistes, notamment Snarky Puppy, Jacob Collier, Laura Mvula
principalement sa voix et sa guitare (une Jazzmaster). Division, l’album du changement, ou encore David Crosby. Un remarquable essai… T.D. www.beccastevens.com
est la conséquence d’une rencontre entre Shannon et la pianiste française Katia
####
électro

Labèque. Celle‐ci, séduite par la musique de l’Américaine, l’a conviée à passer dans
son studio romain. Après deux jours inspirés et fructueux, Shannon a poursuivi l’aven‐
ture de ce onzième album entre Paris et Londres avec l’aide du musicien‐produc‐
teur‐ingénieur du son David Chalmin et du batteur Raphaël Séguinier. Si le
morceau‐titre s’appuie sur une guitare lourde, partout ailleurs, Wright accompagne
sa voix intense et faussement fragile de notes de piano, de Wurlitzer ou d’Hammond,
qui viennent apporter un peu de rondeur et de mélancolie supplémentaire. Concis
(une demi‐heure et basta), sensible, prenant, Division, contrairement à ce que suggère
son titre, devrait rassembler les amateurs de spleen électrique. Les fans de Troy Van
Balthazar sont les bienvenus. V.B.
Tha Trickaz
Cloud City
[Otodayo Records]
Le duo masqué Tha Trickaz est atypique dans le paysage de la
musique électronique. De nombreuses collaborations, des remix et la création de leur
propre label sur lequel tout se partage… En trois ans, 300 sorties pour un total de plus
de 400 millions de vues ! Aujourd’hui sort leur troisième album, aux influences bass
music, trap et hip hop. Un projet puissant et détonant… T.D. www.thatrickaz.com

70 KR home-studio #325 I avril 2017

 TuneCore découvertes ble
ion
Dans le cadre de notre nouveau partena‐
riat avec TuneCore, nous présenterons de manière récurrente une sélection
d’artistes qui sont passés par leurs services et qui font déjà parler d’eux.
TuneCore permet aux artistes indépendants de distribuer leur musique sur
iTunes, Deezer, Spotify et plus de 150 plates‐formes de streaming et de télé‐
chargement dans le monde. Les artistes gardent 100 % de leurs royalties et
100 % de leurs droits. Ils pourront avoir également accès aux Services Partenaires
(mastering, outils de promo, merchandising, etc.), au service Publishing Admi‐
nistration, à l’option Monétisation YouTube, et bien plus encore !
Plus d’infos sur www.tunecore.fr Thierry Demougin
jazz

Awa Ly
Five And A Feather
[Rising Bird / Naïve]
www.awalymusic.com

À la façon d’un conte qui puise son inspiration dans

les éléments chamaniques, la chanteuse Awa Ly PRO OTRE SOU
nous narre un rêve, u e légende d’un autre temps. Ce nouvel album invoque
le chiffre 5, qui rappelle bien sûr des concepts forts, comme les sens, les
océans, les lignes d’une portée musicale, les doigts de la main… Awa Ly s’est
Le PIB (ou Portable Isolation Booth) est un outil versatile pour
tous les studios. Il s’agit d’un pare-son compact et articulé.
nourrie dans sa tendre enfance de la soul, du blues, des musiques africaines et Déplié, il agit comme une cabine de prise. Replié,
p il peut servir
afro‐cubaines qu’elle écoutait à la maison. Si aujourd’hui le jazz est son d’écran isolant devant des instruments de musique.
univers principal, la chanteuse aime aussi se faire surprendre, et n’hésite pas à
s’entourer de nombreux invités. On retrouvera ainsi sur ce projet la kora de Commandez
Ballaké Sissoko, la senza de Paco Séry, la contrebasse de Greg Cohen, la voix directement chez
de Faada Freddy, sans oublier quelques touches de steel‐guitar et d’erhu, cet www.gikacoustic.fr
étonnant violon chinois. Pour arriver à une cohésion totale, l’artiste a fait
appel à un duo d’ingénieurs du son plus qu’expérimentés, Jean Lamoot et
Pascal Danae. Dans ses textes, Awa Ly défend l’amour sous tous ses aspects,
passionnel, destructeur, déçu, romantique ou tout simplement universel. Un
très beau projet, aussi riche humainement qu’émotionnel musicalement.
En écoute sur :
• www.youtube.com/watch?v=SGbO_rG5a7Y
• www.deezer.com/album/15072215
• https://play.spotify.com/artist/7b2XeYfI3GR9P52lt1SjuE
instrumental

René Aubry
Forget Me Not
[René Aubry]
www.reneaubry.fr

Multi‐instrumentiste, compositeur pour la danse, le

théâtre et le cinéma, René Aubry est un créateur
prolifique et inclassable. L’artiste est né dans les Vosges en 1956, et s’est laissé
envoûter par des artistes aussi divers que Leonard Cohen, Philip Glass et Manos
Hadjidakis. C’est à Venise, où il réside de 1981 à 1984, qu’il enregistre son premier
disque. Suivront vingt autres albums entre 1988 et 2013. En fait, c’est à la suite
d’une rencontre avec la chorégraphe Carolyn Carlson en 1978 que son avenir
artistique prend forme. Il devient ainsi son compositeur attitré et signe pour elle
de nombreuses musiques de spectacles dont Signes en 1997, couronné par une
Victoire de la Musique en 1998. Il travaille ensuite avec la chorégraphe Pina
Bausch pour trois de ses spectacles, ainsi qu’avec Wim Wenders pour son film
Pina. Parmi sa riche discographie, on trouvera des musiques de films de fiction et
d’animation, des musiques pour le marionnettiste Philippe Genty, mais aussi des
albums plus personnels. Depuis 1999, il mène parallèlement une carrière de
concertiste et se produit avec son septet dans toute l’Europe en proposant un
répertoire essentiellement acoustique.
En écoute sur :
• www.youtube.com/watch?v=qWVdS9tMuVE
• www.deezer.com/album/14871365
• https://play.spotify.com/artist/1dyZDfHcTtUJjx0DFBcOvc
 masterclass
L’âme de la Jamaïque
dans votre son

©Adrian Boot
Bob Marley dans son studio
Tuff Gong en 1978.
Photos issues de l’exposition
Jamaica Jamaica !,
du 4 avril au 13 août
à la Philharmonie
de Paris.

D’avril à août, la Philarmonie de Paris rend hommage au reggae, un style qui, en cinquante
années d’existence, a su influencer la presque intégralité du paysage musical moderne,
grâce à une évolution créatrice aussi rapide qu’impressionnante au niveau de la multiplication
des grooves et du son. Une occasion idéale d’emboîter le pas à l’exposition « Jamaica
Jamaica ! » et de vous présenter quelques bonnes ficelles pour composer dans les genres
fondamentaux que sont le rocksteady, le reggae rockers et le dub. La gestion des effets
et la création rythmique sous la forme de pas à pas vous sont ici proposées...
72 KR home-studio #325 I avril 2017
 L’âme de la Jamaïque dans votre son

Les effets dans

le reggae et le dub
Le reggae était une réponse façon caribéenne de la funk, du reste on y retrouvait les mêmes
sections. Il a explosé durant les années 70. À cette époque, le monde était encore analogique
et les effets assez rudimentaires au point que leur usage n’était pas loin de la bricole.
Qu’en était‐il exactement, section par section ?
figure 2
figure 1 La MXR Phase 100.
La MXR
Phase 90.

figure 3
Pédale wah‐wah Cry Baby.

e son est ici muté, bande en forme de cloche, qui, plus sophistiquées, le filtre étant
mélodique et/ou percussif. lorsqu’on actionne la pédale de haut piloté en plus de l'enveloppe par un
e skank et le stick

L
de la guitare
La basse pour les
amateurs de reggae est un
gros marqueur qui justifie
d’avoir la culture « sound system »,
mais c’est la guitare qui est
probablement l’élément que le grand
public perçoit en premier lieu. Le
reggae, comme nombre d’autres
styles dans la musique moderne,
intègre assez souvent deux guitares,
l’une qui interprète les parties
rythmiques dans un jeu qu’on
nomme « skank » et l’autre plutôt
lead qui suivra la ligne mélodique de
la basse ou pas avec un jeu qu’on
Dans le reggae, la guitare est
toujours habillée d’effets, à
commencer par le phasing. Celui‐ci
procure au son un aspect organique,
de la douceur et en même temps
épaissit le rendu. Pour mieux
l’imaginer, il fait bouger le son de la
guitare comme si on l’entendait
grenouiller. On notera l’emploi du
phaser Mu‐Tron Super Phasing
utilisé par Lee Perry à partir de 1975,
mais les classiques MXR 90 et 100
seront largement de la partie aussi
(figures 1 & 2).
Après l’effet phasing, la wah‐wah
(figure 3), un grand classique dans le
reggae. Il s’agit d’un filtre passe‐
en bas, balade cette bande de
gauche à droite, un peu comme le
ferait un correcteur paramétrique.
L’auto‐wah, elle aussi, a beaucoup
été utilisée. Elle épouse le même
principe que la wah‐wah, à ceci près
que le filtre est piloté
automatiquement par un suiveur
d’enveloppe. En clair, le filtre suit la
course du son. Plus le son est fort,
plus il part dans l’aigu, à l’inverse,
plus le son est faible, plus le filtre part
dans les graves. C’est un effet que
l’on retrouve notamment chez les
bassistes dans le funk, style qui
explosait à l’époque aux USA.
D’autre part, il existe des auto‐wah
oscillateur basse fréquence (LFO)
pour produire une sorte de vibrato.
Enfin, les guitares sont réverbérées
ou pas en fonction des époques.
Lorsque c’est le cas, la réverb
intervient principalement sur la
guitare rythmique, en général des
réverbs à ressort d'ampli.
Réverb et delay :
entre créativité et bricole
En Jamaïque, les studios étaient
équipés de matériel hyper solide, à
l’image des consoles Neve qui
supportaient très bien le climat
tropical. Neve, mais aussi Soundcraft
présente grâce à Lee Perry qui UU

avril 2017 I KR home-studio #325 73


figure 4
Lee Perry
dans son
studio.
figure 6
Roland RE‐201.
UU avait amélioré l’équipement de
son studio à partir de 1975 (figure 4).
Rechercher l’effet de spatialisation
poussait souvent les ingénieurs du
son à faire un usage immodéré des
réverbs à ressort embarquées
notamment dans les amplis de
guitare et qui servaient, entre autres,
à réverbérer le rimshot de la batterie,
surtout dans le dub.
Quant au delay, souvent à la croche
ou noire pointée, il se faisait avec des
magnétophones ou avec une
chambre d’écho à bande. Outil pas
cher pour créer un effet spectral. À
noter l’emploi des Echoplex EP‐2/EP‐
3/EP‐4 (figure 5) et plus tard de la
Roland RE‐201 connue sous le nom
de Space Echo (figure 6).
Le principe d’une chambre d’écho à
bande repose sur une bande qui
tourne en rond (figure 7). Elle
embarque une tête d’enregistrement,
une tête d’effacement, puis cinq têtes
de lecture espacées de manière
chaotique. Un bouton rotatif permet
de sélectionner une combinaison de
têtes de lecture, à l’arrivée on obtient
des delays assez complexes et si on
reboucle le tout avec un feedback,
alors on obtient des résultats encore
plus complexes qui se rapprochent de
l’effet multi‐tap. Ce procédé permet
aussi de créer un type de réverb qu’on
retrouve justement sur les voix dans le
reggae.
74 KR home-studio #325 I avril 2017
DR
figure 7
La bande
de la Roland RE‐201.
Faute d’une chambre d’écho à
bande, alors on employait un
magnétophone à bande mono ou
stéréo. On faisait en sorte de
reboucler le delay qui se rebouclait
lui‐même, puis on remontait le
feedback jusqu’au point de larsen
pour, au final, laisser le delay
s’emballer tout seul. L’astuce était de
couper les graves pour éviter que ça
devienne énorme, ce qui donne cette
signature caractéristique de l'écho
« dub » dont le son rétrécit à chaque
répétition.
En conclusion, si le matériel de
base était de bonne qualité, on était
souvent dans la bricole, d’ailleurs,
c’était aussi le cas pour tous les
studios du monde à cette époque.
Les effets sur la batterie
Eh bien, c’est d’abord le réglage de
la batterie elle‐même qui fait office
d’effet, ici le but est d’obtenir le son
le plus sec possible et surtout d’éviter
le sustain dans le rendu des
éléments.
On constate deux caisses claires, la
première avec une peau tendue et
l’autre avec une peau plus tendue
encore à laquelle on ajoutera une
grosse réverb, assez ouverte, assez
longue et assez chargée dans les bas‐
médiums. À la réverb, on ajoutait
figure 5
Echoplex EP‐4 à côté de la Roland RE‐301.
une chambre d’écho à bande que le
sonorisateur bougeait au gré de ses
envies. À l’arrivée, l’effet est long et
procure ces fameux « aaaah » sur le
coup de caisse claire. Certaines
tendances dans le reggae
n’emploient ni réverb, ni chambre
d’écho sur la caisse claire. À noter
qu’on cherchait un accordage aigu
sur la caisse claire pour tenter
d’approcher le son d’une timbale,
c’était aussi le cas des toms à
l'opposé total de ce qui se pratique
dans le jazz. Justement, les toms ont
un rendu très court, très sec, très
mat. Pour cela, on utilisait gaffer et
amortisseurs en tout genre, le
résultat était proche de celui qu’on
retrouvera plus tard dans la célèbre
LinnDrum. La grosse caisse, à
l’intérieur de laquelle on plaçait
coussin et mousse, était souvent
captée par un AKG D 12 (figure 8)
pour très peu de bas dans le rendu, à
DR
DR
l’instar des toms, et là encore au
profit d’un son sec sans peau de
timbre, qui rappelait le disco de la fin
des années 70.
Globalement, l’idée était de faire
en sorte que le microphone et le
musicien travaillent plus que
l’instrument en lui‐même. On
retrouve d’ailleurs cette démarche
dans l’afrobeat, notamment chez
Fela. Il s’agissait de prendre une
batterie qui a le moins de
personnalité possible sur laquelle on
ne perçoit que les impacts et non le
sustain des notes, ni le son de la
pièce. Dans le reggae, non
seulement les microphones font les
effets de la batterie, mais ils vont en
fabriquer le son plutôt que la batterie
elle‐même.
La basse au bord
de l’oxydation des cordes
Le rendu de la basse dans le reggae

figure 8
AKG D 12.
est plutôt feutré en général. On joue
aux doigts, bien sûr, avec des micros
passifs pour favoriser un son plus
rond. Le modèle de basse employé,
un grand classique : la Fender
Precision (figure 9) ou la Fender Jazz
Bass (figure 10) jouée notamment
par Aston Barrett.
À l’inverse, dans le dub, le but était
de jouer sur des cordes en
l’occurrence filées plat, mais surtout
usées à la limite de l’oxydation pour
aller chercher en même temps un
rendu moelleux et qui descend très
bas dans les graves. Dans ce genre,
on est obnubilé par les fréquences
subs.
L’effet dub sur la basse peut être
obtenu par une pédale qui travaille
sur l’EQ et qui répond non pas à
l’attaque mais à la résonance du
sustain de la note. Et si l’on cherche
le sub, on ferme le filtre pour faire en
sorte que le son ne s’ouvre pas. Bien
sûr, on évite de jouer des notes
rapides pour parer à tout brouhaha.
le dub, quand l’erreur
de mixage devient un effet
C’est une erreur de mixage qui
donne naissance au genre dub en
1967 et c’était déjà un effet. La
caractéristique de cette musique
consiste à remixer sur la face B d’un
single une version chantée en version
instrumentale. Il faudra attendre
1973 pour que Blackboard Jungle
Dub, premier album‐concept de le
dub, sorte à la suite d’une alliance
entre l'icône toujours vivante du
reggae Lee Perry et King Tubby
(électronicien au demeurant, puis
ingénieur du son). Le génie de ces
deux maîtres fera de la table de
mixage et de ses effets, comme
l'écho, la réverb, le phasing et
l'égalisation, un instrument à part
entière ! Ainsi, le dub n'est qu'une
interprétation du reggae. Seulement
voilà, quand ce dernier évoluera peu
avec le temps, le dub explosera tous
azimuts en plusieurs courants que
sont aujourd'hui l'électro dub, la
techno dub, l’ambient dub, le dub
core, le psydub (figure 11) et
deviendra au final un véritable
exercice de style aussi bien pour les
musiciens que pour les DJ dont il a
favorisé l’émergence dès sa création.
Devrions‐nous considérer la basse
comme la pièce maîtresse de ce style
musical ? En effet, de manière
inédite, elle exige trois choses
fondamentales. Tout d'abord, la
particularité du son de l'instrument
impose au bassiste, comme nous
l’avons vu, à ne jouer que sur des
vieilles cordes afin de favoriser les
infra‐basses. Ensuite, le volume de la
basse lors du mixage est boosté à
son maximum, allant parfois au‐delà
de la saturation. De plus, la figure de
basse est sensiblement la même et
ce malgré les âges et leurs
évolutions. Il s'agit bien d'un principe
qui consiste à reprendre la même
ligne en l’intégrant dans des
arrangements différents, nous
parlons ici de riddim ou en d’autres
termes de groove typique.
Attention, ce n'est pas forcément la
figure 9
La célèbre Fender Precision.
figure 10
Et la non moins célèbre Fender Jazz Bass.
figure 11
Un album
bien inspiré…
batterie qui déterminera la parenté à
le dub music mais en premier lieu le
schéma rythmique de la basse. Bien
sûr, le skank de la guitare et du
clavier, le traitement des
instruments effectué au mixage, leur
dropping in & out ou bien encore
l’ajout de bruitages, comme les
sirènes noyées dans la réverb par
exemple, seront autant
d’informations indispensables à la
reconnaissance de ce genre.
Côté effets spatiaux, on retiendra
cette manière d’ajouter de l’écho sur
les instruments, de faire disparaître
ensuite ces mêmes instruments pour
ne laisser agir que l’écho dans le mix.
On remarque souvent cette pratique
qui sert à rajouter de l’écho à l’écho
avec pour but de faire durer la note.
Utiliser les effets spatiaux dans le
dub consiste souvent à faire un
exercice de style, ce qu’on ne
constate pas dans le reggae, c’est
d’autant plus vrai que la table de
mixage, ici, est devenue un
instrument à part entière et non pas
un simple outil de travail.
De l’essentiel
et de l’intuition
Nous l’avons vu, l’emploi des effets
dans le reggae, quand il ne s’agit pas
d’effets purement acoustiques, se
résume aux réverb, delay, phasing,
wah‐wah et auto‐wah. Les
instruments impactés sont
principalement les voix, guitares et
caisses claires. Le dub, qui n’était pas
seulement la face B d’un morceau de
reggae mais aussi une figure de style
bien établie, pouvait aller plus loin
dans le jeu d’effets, notamment en
donnant un rôle particulier à l’écho et
à l’usage de la console de mixage.
Pierre Emberger
avril 2017 I KR home-studio #325 75
 Retrouvez les fichiers audio et MIDI de ces exemples pédagogiques sur www.kr-homestudio.fr

masterclass

© Seb Carayol
Le « mural artist » Danny Coxson
couvre sans relâche
les murs de Kingston
des chanteurs, producteurs
et ingénieurs du son mythiques.

Les grooves
basse/batterie
Prêt pour le groove et le skank ? Voici trois pas à pas afin de vous construire des grooves
sur mesure afin de sonner dans des styles aussi variés que le rocksteady, le dub et le reggae
rockers. À vos souris et en avant la grande syncope ?

R
arement un style musical
n’a connu une telle
profusion tous azimuts,
tant au niveau de
l’imbrication du couple
basse/batterie et de l’utilisation des
polyrythmies qu’à celui des tempi, de
l’utilisation des effets et des types de
mixage. Riche de nombreuses
influences très éclectiques,
empruntant aussi bien aux musiques
blanches coloniales jouées par les
esclaves (mazurka, polka, marches
militaires…) qu’aux percussions
africaines ou à la musique noire
américaine, du blues au jazz, du funk
à la soul, le reggae mélange tout,
interprète, malaxe, déforme,
additionne, filtre, délaye ou réverbère
les styles comme une pâte à modeler
polymorphe, fluide mais précise.
En effet, tout en gardant un feeling
original et facilement identifiable, les
ambiances peuvent être parfois très
sèches, grâce à des mixages
dynamiques avec peu d’effets,
comme sur les premiers albums de
Bob Marley ou les mélopées de
Linton Kwesi Johnson, ou, au
contraire, très wet, avec des
enchevêtrements sauvages de
delays et de réverbs, dont Professor
Madness ou Lee Scratch Perry (que
l’on a même appelé le Salvador Dali
jamaïcain !) ont l’inimitable secret, et
qui ont influencé de nombreux styles
de musique électronique actuels.
Il est donc difficile de définir en
ou le rock. Cependant, au‐delà des
infinies nuances de mixage et de
métissage rythmique, on retrouve
dans les phrasés et le dialogue de la
batterie et de la basse quelques
fondamentaux que nous allons tenter
d’illustrer ici, par l’intermédiaire de
trois styles qui peuvent être
considérés comme les pierres de
touche du genre : le rocksteady, le
dub et le reggae rockers, qui ont eux‐
mêmes digéré de nombreux courants
très populaires dans l’île dès le début
des années 60, comme le mento, le
burru, le roots ou le ska.
Les grands principes !
La première caractéristique,
particulièrement illustrée par le
rocksteady, c’est le one drop, un
groove très typique de batterie,
marqué par une accentuation sur le
deuxième et le quatrième temps de
la mesure 4/4, où se retrouvent la
grosse caisse et la caisse claire,
laissant ainsi beaucoup de place aux
autres acteurs rythmiques, tout en
fournissant au tempo un pilier central
inébranlable, mais sans premier
temps, celui‐ci étant également
souvent délaissé par la basse.
Cette constante est cependant
largement saupoudrée
d’enrichissements, la grosse caisse
pouvant subitement jouer deux
croches sur le premier ou le troisième
temps, comme dans le pattern rock
de base, pour asseoir le tempo avant
de reprendre le feeling « à l’envers »,
ou également doubler des accents
mélodiques. De même, le cross stick
est souvent enrichi de coups de
caisse claire pleine peau, qui
viennent aussi accentuer les
différents accents de la chanson,
notamment sur les syncopes, et qui
se voient alors souvent doublés par
une cymbale, crash ou crash ride.
Stewart Copeland marquera
d’ailleurs la signature de son style en
utilisant avec la snare ses fameuses
splashs, produisant des ponctuations
tranchantes et sèches.
Le charley, qui est joué le plus
souvent à la croche, avec un accent
marqué sur les contretemps,
rejoignant ainsi le fameux skank de la
guitare rythmique toujours en
syncope sur une ou deux notes (l’aller‐
retour du médiator), bénéficie
© Xavier Veilhan
également de nombreuses variations.
Précisons ici que le groove reggae
peut être ternaire, avec une
interprétation swing de la croche,
comme dans le jazz, ou binaire, avec
flux régulier des croches. Mais dans ce
cas, des polyrythmies agrémentent
souvent le groove, grâce à l’utilisation
de triolets de croches ou de noires,
très représentatifs du style, et qui
viennent donner une sensation
d’accélération grâce au mélange
binaire/ternaire. Le cross stick peut
également se lancer dans le triolet,
créant avec le charley des tournes
enchevêtrées et particulièrement
efficaces.
Côté basse, on remarque tout
d’abord l’importance mélodique des
phrasés. Grâce à la place laissée par
la batterie, les lignes proposent de
véritables contre‐chants,
immédiatement repérables et très
faciles à mémoriser, comme des riffs.
L’éventail sonore, dans ce contexte,
est très vaste, parcourant une large
tessiture, où l’instrument,
essentiellement électrique, peut
passer de l’extrême grave à l’aigu,
établissant ainsi un discours varié et
créatif, tout en gardant une précision
de mise en place draconienne,
souvent calée sur un débit à la croche
(campant fermement le célèbre
« riddim » !), mais oblitérant aussi
fréquemment les temps forts de la
mesure.
Notons également, au niveau du

quelques grooves la richesse créative son, le remplacement très courant

du reggae, aussi diversiforme que Œuvre de Xavier Veilhan, de la caisse claire traditionnelle par le
celle dont peuvent faire preuve le jazz Lee  Scratch  Perry. cross stick, qui donne cette sonorité

76 KR home-studio #325 I avril 2017

 L’âme de la Jamaïque dans votre son

particulièrement tranchante et
chaleureuse, ressemblant un peu au
clave des woodblocks, effectuée en
posant l’olive de la baguette contre
la peau et en frappant l’épaule du
drumstick sur le cercle de la caisse
claire. Cette technique permet, en
outre, de nombreuses variations de
timbre, grâce au positionnement de
l’olive plus ou moins près du centre
du fût.
Les toms, qui peuvent être très
classiques, avec un son rond et
velouté, bénéficient également
souvent d’une tonalité toute latine,
beaucoup plus agressive, réalisée
avec des timbales, et créant ainsi ces
ponctuations très éclatantes qui sont
la signature des breaks des chansons
de Bob Marley.
Sly and Robbie
Nous illustrerons également ici une
variante de ces caractéristiques
générales par un type de groove très
utilisé à partir des années 80, et qui a
largement contribué à intégrer le
reggae dans tous les styles de la
musique occidentale : le reggae
rockers. Ce style est créé par le
célèbre duo Sly and Robbie, formé
par Sly Dunbar à la batterie et
Robbie Shakespeare à la basse,
également surnommés Sly Drumbar
et Robbie Basspeare ! À la fois
musiciens et producteurs, on estime
que les deux compères ont joué sur
près de 200 000 titres, infusant leur
signature inimitable dans les tubes
d’innombrables artistes du monde
entier, tels que Peter Tosh, Serge
Gainsbourg, Mick Jagger, Grace
Jones, Black Uhuru, Sting, Santana,
Manu Dibango, Bob Dylan ou Tricky !
On ne pouvait donc pas laisser de
côté leurs grooves alliant une
impressionnante complexité à une
rare fluidité, et qui se démarquent
essentiellement du style par
l’utilisation de la grosse caisse sur
tous les temps, comme c’est la mode
alors avec la révolution disco. Notons
Illustrations
de Beverly Wasile,
issues de l’exposition
Jamaica, Jamaica !
à la Philharmonie
de Paris
également que Sly
Dunbar est l’un des
premiers batteurs à
avoir incorporé des
boîtes à rythmes et
des kits électroniques
dans ses tournes,
inaugurant ainsi une sonorité qui n’a doubles‐croches, savamment
cessé d’être utilisée jusqu’à chaloupés d’accents placés sur les
aujourd’hui, de la pop à la techno… croches en l’air, mais pouvant
Si la basse reste, quant à elle, plus également créer des patterns très
traditionnelle, empruntant polyrythmiques, témoignant d’une
cependant parfois des ostinatos plus hallucinante précision, mais
rock ou des tabassages de rondes également d’une amplitude
plus funk sur le premier temps, la dynamique finement ciselée, qui a su
caisse claire et le charley se conquérir par son irrésistible groove
concertent généralement pour la presque totalité des stars de la
mitrailler des débits frénétiques de planète… Manuel Dubigeon

3 pas à pas en 6 étapes

Le rocksteady 76 BPM

Le rocksteady représente la déclinaison la plus roots de la musique reggae
et, malgré son influence importante sur de nombreux groupes, il aura une
durée de vie officielle assez brève, bientôt remplacé par des rythmes plus
durs et, surtout, balayé par le tsunami provoqué par le son Marley dès le
début des années 70. Apparu dès 1966, il est, en effet, directement issu du
ska, dont il ralentit cependant considérablement le tempo, tout en
remplaçant la traditionnelle contrebasse par la basse électrique.
Concernant le tempo, l’histoire raconte que ce soudain ralentissement a
été provoqué par une grosse vague de chaleur, obligeant les musiciens à
mettre la pédale douce… On évoque aussi une demande expresse aux
musiciens de la part de nombreux danseurs seniors, qui, ne pouvant pas
suivre la cadence frénétique du ska, demandaient des tempi plus cool,
pour pouvoir guider leur partenaire sans risquer la syncope, non musicale,
celle‐là… Quoi qu’il en soit, voici un petit riddim tout à fait relax, dans le
plus pur style des premiers studios reggae…

Pour commencer,
1
campons la base absolue
de notre one drop, avec un stack grosse
caisse / cross stick sur le deuxième et le
troisième temps de la mesure. Côté son,
nous allons utiliser pour nos trois tournes
l’excellente extension d’EZdrummer de complet des sonorités vintage du rocksteady. Comme vous pouvez le
Toontrack consacrée au reggae. Cette constater sur la capture, nous avons posé la caisse claire légèrement en
banque de sons dispose de nombreuses retard par rapport à la grosse caisse, pour donner un feeling plus relax.
sonorités typiques, dans différents Vous pourrez essayer différents types de décalage, avant ou après la
styles. Nous choisissons ici le preset grosse caisse, en fonction du feeling désiré. La grosse caisse joue sur la
« Wet Roots », qui offre un sampling note C1 et le cross stick sur la note C#1.
UU

avril 2017 I KR home-studio #325 77

 UU
Un peu de charley maintenant, avec une première base à la croche,
sur toute l’étendue de la mesure. On accentue le contretemps, qui 2
est habituellement la note où vient se placer la guitare rythmique.
On trouve aussi parfois l’accent sur le temps, pour donner une impression d’assise,
mais c’est assez rare, et plutôt utilisé sur un bridge. On veillera à ne pas programmer
toutes les vélocités sur la même valeur, pour donner plus de vie au charley. Voici
réalisé le pattern universel du reggae, qui pourra ici être interprété en binaire ou en
ternaire. Le charley est joué sur la note F#1. Nous avons également choisi un charley
ouvert sur le dernier contretemps de la mesure, en A#1.

Il est temps à présent de décider du swing de notre pattern. Nous

allons, pour ce style, choisir le mode ternaire, avec une double‐ 3
croche en l’air swinguée, placée sur la troisième double et la sixième
double du sextolet. Pour des raisons de clarté des captures d’écran, nous quantisons
exactement cette double‐croche, mais là encore des déplacements avant ou après
la pulsation peuvent donner un caractère différent au groove. Ces doubles‐croches
ternaires peuvent être placées à différents endroits de la mesure.

Tout cela manque de

basse ! Un preset de 4
Trilian, de Spectrasonics,
va nous permettre de remédier à cela.
Nous choisissons le « Clean Fender », qui
offre une sonorité très ronde et assez
compressée, typique du style. Là encore,
les doubles‐croches sont swinguées et
placées sur les troisième et sixième
pulsations du triolet. On remarque
l’absence de note sur le premier temps dans la première mesure de cette grille Am‐ façon dédoublée, où la grosse caisse et le cross stick seraient placés sur le
Dm‐E7‐E7, qui tourne sur deux mesures. Une remarque ici : nous établissons une troisième temps, et où les sextolets deviendraient des triolets. On aurait
mesure à 4/4 avec one drop sur le 2 et le 4, mais on peut aussi penser le tempo de alors quatre mesures pour le pattern complet, et un tempo à 152 BPM.

Un petit break sur les deux derniers temps de la seconde mesure,

avec le son de timbale 100 % typique du style (G3) ! Vous 5
remarquerez le doublage de la dernière note, pour donner un effet
de fla. On peut aussi doubler la note avec une crash, ce que nous faisons ici (C#2),
même si un vrai batteur ne pourrait jouer le fla et la cymbale en même temps :
l’avantage des machines ! On a par contre supprimé le charley au moment du
break.

Pour terminer, une variante charley / cross stick, qui peut faire office
de break également. Ici, les deux instruments établissent une 6
polyrythmie sur un motif de sextolet… Voilà une bonne base ! Vous
pourrez, bien sûr, ajouter à cette rythmique différents types de percussions, ou de
bruitages.

Le dub 80 BPM

On raconte que le dub, considérée comme l’une des principales influences
de la musique électronique, a été inventée grâce à une erreur technique !
En effet, en 1967, un ingénieur du son de l’un des plus gros labels
jamaïcains, Treasure Isle, a fait graver un disque test en acétate, en
anglais « dub plate », sur lequel il a oublié les voix ! Le disque part en
avant‐première dans un club et fait un tabac sur le dancefloor ! Alerté de
ce succès inattendu, Duke Reid, le patron du label, commande à l’ingé‐son
en question d’autres « erreurs » de ce style ! Ce dernier n’est autre que
King Tubby, qui va devenir le père spirituel du dub (plate !)… Le côté
instrumental du dub va ainsi permettre d’ajouter des voix ou des

78 KR home-studio #325 I avril 2017

instruments en live, mais aussi laisser libre cours à l’imagination des DJ,
qui ne vont pas se priver d’assaisonner ces play‐back de nombreuses
épices, notamment du delay et de la réverb, donnant ainsi un côté planant
aux ambiances initiales, ou encore toutes sortes d’effets sonores plus ou
moins tonitruants (rises, bruits, sons de la nature, instruments à l’endroit
ou à l’envers…) ! On n’hésitera donc pas à faire chauffer les plug‐ins pour
faire monter la sauce selon notre feeling… Nous vous proposons ici une
prog et un mix clean, que vous pourrez agrémenter à loisir ! Le groove
reprend les caractéristiques du one drop, avec quelques variantes, sur la
grosse caisse.

Nous reprenons ici d’abord notre grosse caisse et notre caisse claire
sur les deuxième et quatrième temps. Pour ce style, nous 1
abandonnons le cross stick au profit d’une sonorité de caisse claire
très souvent utilisée en dub, qui est un type de rimshot (le fût est frappé sur le cercle
et sur la peau simultanément) avec une tonalité très métallique, se rapprochant
aussi d’un son de timbale latine. Nous passons également ici en binaire, avec une
division égale des doubles‐croches. Vous noterez l’utilisation des doubles‐croches
au charley sur les temps 3 et 4, avec l’absence du temps : un mode de jeu très
courant en reggae.

La basse, tout de suite, toujours avec le même preset de Trilian,

mais avec ici des doubles‐croches bien droites ! Là encore, le phrasé 2
part en syncope sur le premier temps de la première mesure, et
s’expose sur deux mesures, avec la grille C‐G‐D‐G.

Voici maintenant quelques variations du groove de batterie. Vous

remarquerez la croche en l’air sur le quatrième temps de la mesure. 3
Cette ponctuation est très souvent employée en reggae.

Revenons à la basse avec une alternative un peu plus mélodique…

4

Une autre variation du groove de base avec l’adjonction d’une

polyrythmie en ternaire. Les accents sur le sextolet donnent 5
l’impression de triolet, tout en accélérant le débit. Le son de la caisse
claire sur la dernière syncope de la mesure est joué avec une tonalité légèrement
plus grave (A0), comme si le batteur déplaçait la baguette pour frapper plus au
centre de la peau.

Pour terminer, un dernier break sur les toms avec une descente sur
trois fûts 6
(A1, G1 et F1).

UU

avril 2017 I KR home-studio #325 79

 Reggae rockers 124 BPM

Le reggae rockers, également appelé reggae step, a été largement
développé par le style du duo Sly and Robbie, comme nous l’avons évoqué
précédemment. De par la notoriété mondiale exceptionnelle de ces
musiciens, il a inspiré de nombreux courants reggae modernes, mais aussi
toute une partie de la musique électronique, comme le dubstep et le
drum’n’bass. Le early digital, un courant du milieu des années 80,
proposant essentiellement des rythmiques enregistrées avec des boîtes à
rythmes, lui aussi dérivé du rockers, préfigure également toute une école
de producteurs de rhythm’n’blues et d’EDM actuels. Avec de telles
ramifications, il est donc normal que ce style connaisse de nombreuses
variantes, celles‐ci pouvant même revenir aux bases plus traditionnelles
du one step, ou incorporer des tournes carrément funk et rock. Nous vous
proposons ici une rythmique très tricotée, dans la plus pure inspiration Sly
and Robbie des années Gainsbourg ou Black Uhuru.

Voici donc les quatre temps qui arrivent à la grosse caisse, avec un
autre preset de l’extension d’EZdrummer reggae, baptisé 1
« Dampened Spring », qui offre un son plus rond et plus chaleureux
pour les débits à la double‐croche. Le groove est binaire, avec un charley en ostinato
sur la croche. Les numéros de note sont les mêmes que sur les deux premiers styles.
On notera l’absence de caisse claire sur la tourne de base. Celle‐ci sera saupoudrée
par la suite comme nous allons le voir maintenant…

Nous ajoutons à présent une caisse claire sur un phrasé de deux

mesures reprenant le même groove grosse caisse / caisse claire. Il 2
s’agit ici d’une proposition d’accentuation, mais vous n’hésiterez pas
à déplacer les frappes pour créer des ambiances différentes.

Voici la basse qui a retrouvé le premier temps, et nous distille une

grille Am‐Em, avec une sonorité un peu plus brillante que la Fender 3
précédente. Il s’agit toujours de la même basse, une Fender, mais
avec un preset offrant plus d’attaque, baptisé « Full Range Bright ».

Maintenant que notre tempo est bien assis, ajoutons une légère
couleur percussive pour enrichir notre groove. Il s’agit ici d’un 4
djembé, joué sur deux tons différents, et placé en G#3 et A3. On
peut également utiliser des bongos ou des congas. Tentez encore plusieurs
combinaisons avec les accents, pour faire varier la tourne.

Nous allons maintenant composer un ostinato de caisse claire à la

double‐croche, qui fonctionne ici comme un roulement de tambour. 5
C’est une des principales signatures des grooves de Sly Dunbar. On
garde donc la grosse caisse sur le temps, et la caisse claire fait une sorte de solo. On
peut aussi passer sur les toms pour effectuer des variations. On garde un charley, calé
sur la croche en l’air, un peu plus statique, puisque dans la réalité il sera joué avec le
pied. On a ajouté un court roulement en triple‐croche, sur le quatrième temps, qui ne
devra pas être joué sur chaque mesure, mais plutôt à la fin des cycles de quatre.

Terminons ce pattern bien fourni par une petite simplification de la

basse, qui pourra être utilisée lorsque la caisse claire est jouée sur les 6
doubles, mais aussi avec le rythme principal, si l’on souhaite
conserver plus de place dans le mix…

Voilà ! Bon voyage à la Jamaïque, et ne manquez surtout pas l’exposition

à la Philarmonie de Paris !

80 KR home-studio #325 I avril 2017

JOUEZ et GAGNEZ avec

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en main
Théorie musicale (part 4)

Une histoire de bon

accord…
Si vous nous faites l’honneur de nous suivre dans cette rubrique depuis quatre numéros,
c’est que sans doute nous aurons réussi à vous donner envie d’aller plus loin dans la découverte
de la pratique musicale. Après tout, tout en musique n’est que question d’entraînement
et de persévérance, et les pistes de travail que nous vous avons suggérées vous permettront
assurément d’acquérir progressivement aisance et performance contrôlée et de passer
d’une approche ou d’une pratique empirique à quelque chose de plus maîtrisé…

P
artons donc de ce principe
que nos rendez‐vous vous
ont donc donné l’envie
d’aller un peu plus loin et
de chercher quelques
ressources supplémentaires sur
internet… et d’y trouver des
morceaux destinés à expérimenter
vos nouveaux talents. Avant toute
chose, sachez bien aussi que les
partitions récentes « libres » sur
internet sont rares car souvent
protégées par le droit d’auteur. Vous figure 1
serez donc en infraction de cette
réglementation si vous en faites Les partitions simplifiées que l’on trouve sur internet se présentent souvent avec
usage… Admettons donc que vous gauche en clé de Fa comme les uniquement la mélodie écrite, l’accompagnement étant écrit en grille d’accords…
ayez envie de jouer « Imagine », dont partitions de piano dont nous avons
vous trouvez une version autorisée. parlé lors des rendez‐vous qu’il faudra jouer, soit avec la main écrite » ne demandera en revanche
Elle risque de se présenter telle que précédents… L’avantage d’une gauche au clavier, soit à la guitare, pas…
la figure 1 : la mélodie est écrite en partition de ce type est qu’elle est et le bassiste jouera quant à lui la
clé de Sol, jusque‐là, tout va bien, exploitable par n’importe quel fondamentale de l’accord demandé. Jouer de la musique
parfois, vous trouverez aussi les musicien, puisque chacun pourra C’est aussi à partir de l’analyse de ces « en anglais »…
paroles vous permettant de chanter y trouver son compte : la mélodie accords que l’on pourra parler Les lettres figurant au‐dessus de la
en même temps que vous jouerez, pourra être jouée par tous les d’improvisation… Il faudra donc portée indiquent le nom des accords.
et des… lettres majuscules placées instruments (les « transpositeurs » préparer un peu cette partition si l’on Mais… selon la notation anglo‐
à différents endroits au‐dessus de la devront juste penser à l’adapter !) et veut la jouer joliment, travail de saxonne ! Il nous faut donc tout
portée, mais pas de partie de main les lettres correspondent aux accords préparation qu’une partition « toute d’abord traduire nos notes (figure 2).

82 KR home-studio #325  avril 2017

 Chacun des intervalles est nommé en mesurant… Les douze accords Majeurs et mineurs. Notez l’écriture anglo‐saxonne
la distance par rapport à la référence de départ. « en lettres » et le petit « moins » indiquant l’état mineur de l’accord.
figure 2 figure 5
C D E F G A B
Do Ré Mi Fa Sol La Si

Les échelles naturelles. On note la position variable (marquée par

les crochets) des deux demi‐tons imposés par l’échelle de sept notes.
figure 3

Les douze accords Majeurs et mineurs. Notez l’écriture anglo‐saxonne

« en lettres » et le petit « moins » indiquant l’état mineur de l’accord.
Le mode de Do, nommé mode Majeur, et le mode de La, nommé mode figure 6
mineur. Notez la position des demi‐tons naturels et du demi‐ton corrigé,
dans le mode mineur.
figure 4

degré et entre le Ve et le VIe degré. composé de Do‐Mi‐Sol, l’accord

Ainsi, lorsque l’on regarde notre
partition, on devra jouer
alternativement sur les deux
premières lignes des accords de Do
et de Fa. La troisième ligne sera un
petit peu plus compliquée, nous
l’évoquerons plus loin. Maintenant…
c’est quoi un accord ? Il s’agit de
l’émission simultanée de plusieurs
notes choisies pour… s’accorder bien
ensemble. On peut donc jouer des
accords sur tous les instruments
polyphoniques, ou en faisant jouer
en même temps plusieurs
instruments monodiques (qui ne
produisent qu’un son à la fois),
comme on le fait dans un orchestre
symphonique. L’assemblage des
notes des accords obéit aux règles
qui construisent les fondamentaux
de notre musique occidentale et que
l’on nomme harmonie. Cette
construction harmonique se
développera au gré des expériences
des compositeurs et de l’évolution
des instruments entre la Renaissance
et le début du XXe siècle, où
exploseront, à l’instigation de
Schoenberg et de Berg, les principes
de la polyphonie tonale.
Une question de mode
Dans notre musique occidentale et
dès l’Antiquité grecque, nous avons
adopté l’utilisation d’une échelle de
sept sons qui constituent les modes
naturels (figure 3). Ce choix met en
évidence des intervalles de tailles
différentes, imposés par la nécessité
de « retomber juste » sur la note
d’octave. Cette « gamme » impose
donc l’utilisation de tons et de demi‐
tons, dont les emplacements se
modifient en fonction de la note de
départ. Le résultat auditif est en
conséquence et définit des couleurs
sonores d’enchaînements
mélodiques typés. Les différents
modes seront utilisés notamment
par les musiciens de jazz à la
recherche de phrasés mélodiques
originaux. En Europe occidentale,
nous n’en avons conservé que deux,
l’échelle démarrant par Do et celle
débutant par La et que l’on nomme
mode Majeur (Do) et mode mineur
(La) (figure 4). La première se
caractérise par le placement du
demi‐ton entre le IIIe et le IVe degré et
le VIIe et le VIIIe degré, et la seconde
par le demi‐ton entre le IIe et le IIIe
Un demi‐ton corrigé supplémentaire
est ajouté entre le VIIe et le VIIIe
degré, réalisant de fait un intervalle
d’un ton et demi entre le VIe et le VIIe,
pour réaliser le mode mineur
harmonique. La caractéristique
essentielle d’un mode est qu’il est
transposable, c’est‐à‐dire applicable
à partir de n’importe quelle note
(figure 5). Cependant, sur un clavier
principalement, cela implique des
changements de position des doigts
qui devront utiliser les notes noires,
alors que le mode Majeur débuté par
Do et le mineur débuté par La ne se
jouent que sur les notes blanches…
On parlera alors de « gammes »
Majeures ou mineures, en spécifiant
la note d’origine, par exemple,
gamme de Do Majeur, gamme de
Sol mineur, etc.
Vers la perfection…
Pour en revenir à nos accords,
on considérera les accords parfaits,
les premiers que nous allons utiliser,
comme pouvant être construits en
empilant les deux premières tierces
de chacune des gammes ; ainsi,
l’accord parfait Majeur de Do sera
parfait de La mineur, de La‐Do‐Mi.
Soit respectivement, pour le
premier, un intervalle de deux tons
entre la première note et la seconde,
et d’un ton et demi entre la seconde
et la troisième, et pour le deuxième
un intervalle d’un ton et demi entre
la première et la deuxième note et
de deux tons entre la deuxième et la
troisième. Comme pour les gammes,
on peut transposer les accords.
Et donc, trouver les douze accords
Majeurs et mineurs de toutes les
tonalités… (figure 6). Voilà donc une
explication logique des indications
(on parlera de chiffrage) d’accords
au‐dessus de la portée de notre
morceau, tout au moins pour les
lignes 1 et 2. Le choix de l’accord est
fait en fonction de l’analyse de la
gamme de construction du morceau
(sa tonalité) et obéit à des logiques
d’enchaînement qui feront sans
doute l’objet de notre rubrique dans
quelque temps ! Le chiffrage en
lettres permettra à chaque
instrumentiste d’adapter la
construction de l’accord à son
instrument ; ceux que nous
venons de décrire ont une totale UU

avril 2017 I KR home-studio #325 83

 Un enchaînement d’accords utilisant des renversements au clavier.
Notez en premier lieu l’écriture en clé de Fa pour la main gauche, puis les
notes déplacées dans chaque accord ; on parle de deuxième renversement
quand deux notes par rapport à la position fondamentale sont déplacées,
et de premier renversement quand une note est déplacée.
figure 7
figure 10
Enchaîner des accords demande un travail d’articulation
et d’indépendance des doigts afin d’obtenir la bonne synchronisation
des trois notes. Pour l’enchaînement de nos deux accords de Do et de Fa,
on peut commencer par travailler la superposition de deux notes.
Supprimez la note en bleu, tout en respectant avec attention les doigtés.
Quand « ça marchera » deux par deux, on essayera l’accord entier
en répétant l’enchaînement plusieurs fois.

Quelques exemples d’accords de quatre sons, 7es mineures et Majeures.

Notez le chiffrage différent pour les accords Majeurs avec 7e Majeure et les
accords mineurs avec 7e Majeure. Il peut toutefois dans ces deux cas y avoir
d’autres modes de chiffrage. L’enchaînement des accords La mineur sur Ré 7. Là aussi, un travail partiel
figure 8 sera utile pour arriver à placer précisément les quatre notes du second accord.
Notez la difficulté importante de synchronisation du quatrième et du
cinquième doigt. Travaillez comme précédemment, jouez les enchaînements
en supprimant les notes en bleu, puis ajoutez‐les dès que « ça marche » !
figure 11

Les accords de quatre sons se renversent comme les accords de trois sons.
figure 9
 cohérence pour les claviers, mais
ne seront pas forcément adaptés à
la guitare, par exemple, qui utilisera
une position différente des notes
pour tenir compte des spécificités
du manche. Ceci pour dire qu’au‐delà
des principes de construction,
on pourra « renverser » les notes
dans un ordre différent, sans que
la fonction harmonique ne soit
modifiée. Ce qui nous « arrangera »
bien, afin de prévoir des
enchaînements plus faciles à réaliser
(figure 7) et qui nécessitent des
déplacements moins importants.
Accords de quatre sons
Regardons maintenant les accords
de la troisième ligne. On notera des
chiffrages un peu plus complexes
que les précédents. Le premier,
Am/E, est bien un accord de La
mineur comme nous l’avons appris,
mais on souhaite entendre un Mi à la
basse ; cela impliquera donc soit un
renversement spécifique, soit que
le bassiste, au lieu de jouer la
fondamentale de l’accord comme
il le fera ailleurs, joue ici le Mi. Même
remarque pour l’accord de Dm7/C de
la mesure 12 et l’accord C/G de la
mesure 13. Autre particularité sur
cette ligne, la mention d’accords
« de septième », mesures 12 et 14.
L’accord de septième de dominante,
pour lui donner son nom complet, ou
accord de 7e mineure, est un accord
de quatre sons. Aux deux tierces
précédemment empilées dans
l’accord parfait, on en ajoutera une
troisième, qui sera mineure. Si l’on
ajoute une tierce Majeure, on parlera
alors d’un accord de septième
d’espèce (figure 8). À noter en ce
qui concerne les chiffrages qu’on
n’indique rien lorsque l’accord est
Majeur, et on précise un petit
« moins » ou un petit « m » pour
l’accord mineur, alors que pour
la septième, c’est l’inverse : rien
d’indiqué pour la septième mineure,
et une précision « Maj » ou grand
« M » lorsqu’elle est Majeure. Si l’on
observe bien l’accord Dm7/C de la
mesure 12, on se rend compte qu’il
peut y avoir redondance
d’information : la note après le
« slash », Do, indique la basse
souhaitée mais figure déjà dans
l’accord Dm7, puisque la 7e de
l’accord de Ré mineur est
précisément Do… Les accords de
septième se renversent comme les
accords parfaits et ils offrent quatre
positions (figure 9).
Un peu d’entraînement
Jouer un accord de trois ou de
quatre sons suppose un petit peu de
préparation technique, surtout si l’on
La suite des accords, depuis la mesure 9. Première version, en rondes
et blanches. La seconde, en accords brisés. Notez le changement d’accord
en milieu de mesure. La troisième en arpèges en croches. Il faudra ici
travailler sérieusement la régularité…
figure 12
souhaite utiliser des renversements Dans un premier temps, jouez
censés nous simplifier la vie ! les accords en rondes (ou blanches,
En effet, le travail d’articulation entre lorsqu’il y a deux accords par mesure).
chaque doigt va être un peu difficile Cela vous laissera le temps d’anticiper
et implique de l’entraînement. le déplacement suivant… Efforcez‐
Le doigté « normal » d’un accord de vous de respecter absolument les
trois sons est 5‐3‐1 (figure 10) et peut doigtés que vous aurez choisis (ceux
s’enchaîner sur 5‐2‐1 ou 4‐2‐1. Pour que nous vous conseillons ont toutes
un accord de quatre sons, le doigté les chances d’être les plus cohérents à
de base sera en général 5‐3‐2‐1 défaut d’être les seuls envisageables !)
(figure 11) et pourra s’enchaîner sur à chaque fois que vous travaillerez
5‐4‐2‐1 ou 5‐3‐2‐1. Avant de réussir votre enchaînement d’accords,
à placer les accords à trois sons et c’est la seule manière de mémoriser
quatre sons correctement, c’est‐à‐ efficacement le passage de l’un à
dire avec une attaque des notes l’autre. Lorsque vous aurez atteint
parfaitement synchrone, il peut être un peu d’aisance dans vos accords,
utile de travailler en dissociant les vous pourrez imaginer d’en modifier
travaux d’articulation deux doigts la résolution, soit en brisant l’accord,
par deux doigts. À noter la difficulté soit en l’arpégeant (figure 12).
d’utiliser conjointement le quatrième Ce nouveau travail devra lui aussi être
et le cinquième doigt, surtout pour préparé car il devra être bien « calé »
les droitiers ! Il faudra déjà travailler rythmiquement avec la mélodie de
l’alternance 4‐5 seuls afin d’obtenir main droite.
progressivement un peu d’aisance. Bonne musique ! Patrice Creveux

84 KR home-studio #325  avril 2017

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 prise
en main
Tips & Tricks
Réverbérations spécifiques
(part 1)
La réverbération reste au cœur de vos questions récurrentes sur les techniques de studio.
Il est facile de voir que cette dimension du mixage est largement moins bien appréhendée
que les autres par les débutants. Après en avoir repris les grands principes, je vais donc vous
proposer quelques astuces à mettre en œuvre dans des cas bien particuliers.
S ouvenons‐nous que l’on peut
décomposer un mixage
sonore en trois dimensions
(figure 1). Si l'axe vertical
reste primordial puisqu'il contient
toutes les informations d’intensité,
de fréquences et de dynamique,
l’approche des plans horizontaux
et de profondeur demande plus de
subtilité et de technicité. Cela nous
rappelle combien il est important de
s’intéresser au choix, à la nature et au
dosage de cette réverbération si l’on
veut donner un degré de finition
satisfaisant à nos mix. Examinons
donc quelques cas de figure…
La réverb en tempo
On le sait, l’intelligibilité du signal
est directement proportionnelle au
temps de décroissance de la réverb.
Souvent dans la vraie vie, nous allons
instinctivement adapter notre débit
de parole afin d’être bien compris
dans des environnements très
différents. Un exemple ? Vous ne
parlerez certainement pas à la même
vitesse dans une église ou dans un
bar, à l’oreille de votre interlocuteur !
(figure 2). Intéressons‐nous donc
tout d’abord aux paramètres
temporels de la réverb.
Le timing de la réverb
Afin d’illustrer notre sculpture d’une
réverb taillée sur mesure, choisissons
une fois encore un outil relativement
générique : la AIR Reverb d’Avid, qui
est fournie avec Pro Tools. Dans un
premier temps, en ayant créé un bus
auxiliaire et choisi un programme
86 KR home-studio #325 I avril 2017
basique de Hall d’une taille assez
importante (les besoins de ma
démonstration demandent de forcer
un peu le trait afin que l’effet soit
audible et évident), je vais
provisoirement réduire le decay à
environ 500 ms et graduellement
monter le niveau d’envoi de ma
caisse claire dans cette réverb.
Choisissons là aussi un signal bref
avec transitoires qui « accrochera »
notre effet en le rendant très audible.
À ce stade, je n’ai encore entré
aucune valeur de pré‐délai et la
réverb ne sonnera pas de manière
très naturelle. Le pré‐délai représente
la distance entre la source du signal et
la première paroi rencontrée par
l’onde sonore et c’est la raison pour
Techniques de mix
par Pierre Jacquot
DR
figure 1
Les trois dimensions du mixage. La première
dimension, verticale, comprend toutes les
informations élémentaires du dosage de notre
mélange. Il est indispensable que votre proposition
reste cohérente et compréhensible dans ce seul plan.
Vous savez… la fameuse compatibilité mono dont on
vous rabâche les oreilles ! L’axe horizontal concentrera
bien entendu les informations de placement dans
l’espace stéréo. À ce stade, de très nombreux défauts
ont la peau dure ! Certains mix ne tirent pas du tout
parti de cette possibilité qui permet pourtant un
supplément d’intelligibilité. Deux sons qui se
masqueraient fréquentiellement en mono peuvent
être habilement répartis dans l’image sonore, par
exemple ! D’autres suggèrent une stéréo tellement
artificielle qu’on n’y croit tout simplement pas ! Reste
la profondeur enfin, sans nul doute l’axe le plus
complexe puisqu’il arbitre entre le son direct et le
champ réfléchi des sons. C’est lui qui va donner la
sensation de proximité ou, au contraire, de distance
ou d’intégration d’un instrument. Ce troisième et
dernier plan est souvent révélateur de la technicité
du mixeur, car il demande plus de savoir‐faire et une
véritable cohérence avec les deux précédents !
laquelle il semble logique que cette simple : 60 secondes / 120 BPM x 1 000
valeur grandisse avec la taille de = 500 ms à la noire et donc 250 ms à la
la pièce représentée ! En musique croche ou 125 ms à la double‐croche.
produite, notre raisonnement peut Commençons par essayer des
s’avérer légèrement différent puisque pré‐délais sur la base de ces valeurs.
cette séparation entre le son direct et Elles se révéleront probablement un
l’effet renforce la sensation de réverb peu trop importantes pour notre son
à niveau égal. Ainsi, en dosant ce de caisse claire ou tout autre
pré‐délai de manière un peu plus transitoire. Mais curieusement,
appuyée, le son restera plus punchy vous vous apercevrez qu’une fois
tout en conservant le liant et la remis en situation dans le mix,
souplesse de l’effet… gagnant sur ce halo se fondra relativement
tous les tableaux ! bien dans l’ensemble du mélange !
Observons le tempo de notre titre, Bien mieux en tout cas qu’une valeur
prenons un exemple avec un BPM à arythmique même légèrement
120 et appliquons la formule toute inférieure ! D’ailleurs, pour entendre
 figure 3
Réglages temporels. Sans être très sophistiquée,
la AIR Reverb offre un certain nombre de réglages
basiques qui nous aideront à trouver les couleurs
recherchées. Les réglages par défaut proposent
souvent des ajustements de paramètres
équilibrés… ce n’est pas une raison pour ne pas
essayer de les faire varier un peu ! Si vous vous
perdez, inspirez‐vous de ces « default settings »
en vous en rapprochant à nouveau.

figure 2
Intelligibilité des sons en espace réverbérant. Dans un espace
où la réverbération est courte (en haut), l’intelligibilité est bonne
puisque lorsqu’un nouvel événement sonore arrive (cela peut être
une note de musique ou même les syllabes d’un speech), la réverbération
du son précédent est éteinte. En revanche, dans notre exemple du bas,
la résonance d’un son n’est pas tout à fait terminée lorsqu’un nouvel
événement est diffusé. S’ensuivent une confusion et un masquage
partiel du signal.
figure 5
Réverbs et de‐esseurs.
Une belle réverbération
généreuse du plug‐in PSP, qui
émule si bien mon EMT 245,
est ici de‐essée par le Pro‐DS
de FabFilter. Les 3 ou 4 dB
qu’il retient à partir d’une
fenêtre réglée entre 3 et 5 kHz
vont octroyer plus
d’intelligibilité à la voix
lorsqu’elle chante à pleine
puissance. Le traitement se
relâchant en l’absence de
signal redonnera de l’espace
aux fins de phrase.
ce pré‐délai, vous êtes obligé de une réverb correctement taillée pour
vous concentrer. Sur une batterie le tempo d’un titre se fondra
ou un son rythmique en général, infiniment mieux dans l’ensemble
il peut tout de même être intéressant des pistes (figure 3).
de diviser ces valeurs par deux ou
même par quatre ! Le résultat le plus Multiples réverbs mono
probant se situera souvent aux Lorsque vous souhaitez distinguer
environs de 20/40 ms. En revanche, un élément particulier dans son
vous pourrez conserver des durées environnement, vous pouvez lui
plus importantes (des multiples, façonner une réverbération sur
donc !) sur d’autres types de son. mesure. En la matière, la perception
Il m’arrive souvent d’assigner deux stéréo d’un espace est un facteur
auxiliaires vers la même réverb. déterminant. Pour ma part, hors
Sur chacun d’eux, un délai sera effet spécial, je n’utilise pas de
inséré avec des durées appropriées. retours mono de réverb. Mais, vous
Cette méthode offre d’ailleurs une me connaissez : j’adore énoncer une
certaine flexibilité puisqu’elle règle afin d’en valoriser aussitôt les
permettra d’adapter les couleurs et exceptions ! Je vous propose donc ici
textures de l’envoi de chaque famille d’utiliser plusieurs moteurs mono !
de sons vers le processeur d’effets Rassurez‐vous, une fois réunis,
à l’aide d’EQ ou même de ils vont être spécialisés dans la
compresseurs ! Vient ensuite reconstitution d’une image stéréo !
le moment de régler le decay. Illustration : reprenons notre AIR
figure 4
Multiples moteurs mono et semi‐stéréo.
Observez la position des panoramiques
d’auxiliaires : lorsque j’utilise des plugs
purement mono (en haut), ils sont grand
ouverts afin de fabriquer un espace stéréo
bien large et valorisant. Dans ce cas,
je serai particulièrement vigilant sur les
longueurs de decay employées afin que le
son ne se termine pas systématiquement
d’un côté au risque de déséquilibrer la
stéréo. Dans l’usage un peu plus subtil de
deux moteurs mono/stéréo (en bas de
l’image), je prendrai soin de garder une zone e recouvrement es eux processeurs pour
refabriquer un centre cohérent. Vous l’aurez compris, ma préférence va vers cette deuxième
solution qui, même si elle est un peu moins spectaculaire, reste beaucoup plus naturelle.
pré‐délai et 2,5 sec de decay.
Commençons par panoramiquer
cet effet à gauche. Un deuxième
auxiliaire sera ajusté sur une « Plate »
avec des valeurs de timing
légèrement différentes et un retour
panné à droite. Au besoin, on pourra
même choisir une troisième instance
en Room et placée au centre !
Le résultat va vous donner une
définition très large ainsi que des
mouvements dans l’image. Sur une
voix ou un instrument soliste,
on obtient un espace très défini.
Une variante de cette méthode
donnera un résultat plus fin en utilisant
des moteurs mono/stéréo et en les
pannant partiellement (figure 4).
Ce process un peu particulier possède
un autre avantage puisqu’il vous
permettra de travailler beaucoup plus
précisément le panoramique de vos
effets. Si j’envoie une guitare placée à
gauche dans le réverbérateur opposé,
par exemple, je vais largement ouvrir
l’image de ma guitare globale en
permettant de « lire » beaucoup plus
facilement l’effet !
Il est même possible de rajouter
Réverb de‐essée
S’il est relativement courant de
supprimer les « S » d’un envoi réverb
afin d’enlever un peu d’agressivité et
de dureté, on peut également
imaginer de‐esser le retour de l’effet.
En choisissant un release assez lent
afin d’éviter d’inélégants effets de
pompage et en utilisant un de‐essing
« absolute » (on travaille alors sur
l’intégralité du signal et non sur
la seule partie de détection),
le de‐esseur se transforme en un
précieux auxiliaire puisqu’il retiendra
un peu l’effet durant le chant et
relâchera son action sur les fins de
phrase (figure 5).
Lors de notre prochain
rendez‐vous, nous approfondirons
les couleurs et traitements de
réverbération, l’usage combiné et
superposé de plusieurs réverbs, ainsi
que l’utilisation détournée de
certaines fonctions !
aller plus loin…
Les liens de Pierre Jacquot :
G www.pierrejacquot.com

En gardant notre exemple de caisse Reverb générique dans sa déclinaison un troisième moteur. Un preset de G www.facebook.com/

claire et l’ayant mise en solo, vous mono et ajustons‐la sur un algorithme Spring Reverb peut, par exemple, pierrejacquotstudio
pouvez vous baser sur la durée qui de type Hall avec des valeurs aider à unifier un peu l’ensemble de G www.monhomestudio.com

sépare deux coups. Nous l’avons vu, moyennes d’environ 20 ou 30 ms de ces process.

avril 2017 I KR home-studio #325 87

 sos studios Les bases du MIDI

MIDI, encore des messages

CANAL
Il ne faut pas mollir, nous approchons doucement du terme des descriptions des messages
SON ! Pour autant, ceux qui restent sont importants pour l’utilisation de nos synthés et autres
contrôleurs ou sampleurs, hardware comme virtuels. Devant la recrudescence de sonorités
dont certains regorgent, il est vital de bien comprendre comment les appeler par de simples
messages de changement de programme. Ce que nous faisons de suite !
figure 1

M essages SON
Pour ceux qui auraient
sauté un épisode, voici
un petit récapitulatif des
messages SON, sous‐catégorie des
Programmation
de l’action des
pédales sur l’iRig
BlueBoard.
sein d’un message de program
change. Les pédaliers MIDI, filaires
ou Bluetooth, pour guitariste savent
envoyer des messages de
changement de programme pour
messages CANAL, suivis de leurs commuter un preset de sons sur un
octets de DATA, lorsqu’il y a lieu multi‐effet compatible MIDI, par
(tableau 1) : exemple. Certains pédaliers
nnnn : codage du N° de canal sur Bluetooth, comme le IK Multimedia
4 bits (0 à 15). iRig BlueBoard, savent alterner entre
hhh hhhh : codage du N° de note program change et control change
sur 7 bits (0 à 127). lors de l’action sur l’une de leurs
ccc cccc : codage du N° de contrôle pédales (figure 1).
sur 7 bits (0 à 127).
vvv vvvv : codage de la valeur • Le message de pression
de relâchement (Note Off), monophonique
d’enfoncement (Note On), de • Le message de changement ou logiciel, dès lors qu’il est réglé Le message de pression
pression (Polyphonic Aftertouch), de programme sur le même numéro de canal. Il est monophonique (aftertouch) prend
de position de réglage du Le message de changement de possible (voire conseillé) d’initialiser la forme : 1101 nnnn / 0vvv vvvv
contrôleur (Control Change) / programme (program change) prend un program change en début de Les claviers équipant les
(0 à 127). la forme : 1100 nnnn / 0ppp pppp lecture d’une séquence. Cela permet synthétiseurs / pianos numériques
À noter : vvv vvvv = 0 correspond C’est donc le message program de régler une sonorité de départ au sophistiqués disposent d’un capteur
à un Note Off pour un message de change qui permet de commuter lancement d’un morceau. S’il est par touche, pour indiquer une valeur
Note On (clavier sans aftertouch). une sonorité par une autre à nécessaire de la modifier en cours de différente de vélocité lorsqu’elles
ppp pppp : codage du N° de l’intérieur d’un expandeur, lecture, il suffit d’indiquer une autre sont activées. Cependant, nombre
programme (0 à 127). synthétiseur, sampleur, hardware valeur ppp pppp, à l’instant désiré au de claviers ne proposent qu’un
réglage unique de la dynamique
tableau 1 d’enfoncement, avec pour principal
STATUS N° canal Description du message DATA 1 DATA 2 avantage un coût de revient
moindre. Ils sont équipés d’un seul
1 000 nnnn Note off Note relâchée 0hhh hhhh 0vvv vvvv capteur, qui applique le réglage à
1 001 nnnn Note on Note enfoncée 0hhh hhhh 0vvv vvvv l’ensemble du clavier (overall
1 010 nnnn Polyphonic aftertouch Pression polyphonique 0hhh hhhh 0vvv vvvv pressure). Le message
correspondant se nomme pression
1 011 nnnn Control change Contrôleur continu 0ccc cccc 0vvv vvvv globale exercée ou aftertouch. Dans
1 100 nnnn Program change Changement de programme 0ppp ppp Rien le tableau ci‐dessus, il est indiqué
1 101 nnnn Channel aftertouch Pression par canal 0vvv vvvv Rien pression par canal, une appellation
qui correspond à la même
1 110 nnnn Pitch bend Variation de hauteur 0vvv vvvv 0vvv vvvv explication, le message d’aftertouch

88 KR home-studio #325 I avril 2017


pouvant être envoyé globalement
sur une valeur précise pour un N° de
canal donné. Deux informations sont
donc fournies, le N° de canal MIDI
(nnnn) et la valeur de pression
appliquée (vvv vvvv), de 0 à 127.
• Le message de pitch bend
Le message de pitch bend (molette
de pitch) prend la forme : 1110 nnnn /
0vvv vvvv / 0vvv vvvv
Tout le monde connaît l’effet
audible sur le son lorsque le
claviériste utilise la molette de pitch
bend. Celle‐ci abaisse/hausse la
tonalité d’une sonorité sur une plage
généralement ajustable, d’un demi‐
ton à 1 octave, par pas de demi‐ton.
La valeur choisie correspond alors à
la modification de hauteur maximale
lorsque le musicien bloque la molette
en position supérieure ou inférieure.
Le message MIDI envoyé lorsque la
molette est actionnée n’indique que
sa position, pas la valeur de pitch,
qui, elle, est interprétée ensuite.
Cette position est fixée sur une
valeur de 64 au repos, lorsqu’elle
n’est pas actionnée. Le message
peut être composé de 1 ou 2 octets
de DATA pour une expression plus
fine de la valeur (mode 14 bits). Avec
2 octets de données, l’action du
bender devient plus souple et fluide
à l’oreille, sans risque de sauts de
valeur par bonds. Si le récepteur
n’est pas compatible, seul le premier
octet est conservé pour
l’interprétation. Dans le cas
contraire, le premier octet
correspond au MSB (Most
Significant Bit), les bits les plus
significatifs, le second au LSB (Least
Significant Bit), les bits les moins
significatifs.
Le Magazine de la Création musicale…
Irrésistibles !
… les nouvelles offres d’abonnement
tableau 2
Mode 1001 0001 0101 0011 0101 1011 1001 0001 0111 0010 0101 1000
Normal Status Data Data Status Data Data
Mode 1001 0001 0101 0011 0101 1011 0111 0010 0101 1000 …
Running status Status Data Data Data Data
Le rappel
Le running status d’interpréter ce type de
Comme nous l’avons vu jusqu’à message. L’activation du Décimal Binaire Hexadécimal
présent, un message MIDI se running status est donc 0 0000 0
compose de 1, 2 ou 3 octets, selon que assujettie à la lecture de 1 0001 1
le code de status est suivi d’aucun, un l’implémentation MIDI du 2 0010 2
ou deux octets de DATA. Lorsqu’une récepteur. Dès réception d’un 3 0011 3
note unique est jouée au clavier, trois octet de status, l’instrument 4 0100 4
codes MIDI sont envoyés, 1 octet de récepteur le met en mémoire
5 0101 5
status (note on / canal MIDI), 2 octets et interprète tous les octets de
de DATA (N° de note et vélocité). DATA suivants comme 6 0110 6
Pour jouer une suite de notes, autant appartenant à cet octet de 7 0111 7
d’octets x 3 doivent donc être envoyés status et ce, jusqu’à l’arrivée 8 1000 8
en série. Dans le cas d’un accord à d’un code de status différent 9 1001 9
quatre sons, il faut donc 4 x 3 octets, du premier. Un accord à 10 1010 A
12 octets. L’effet est identique lorsque quatre sons ne nécessite plus 11 1011 B
le musicien agit sur un contrôleur alors que 9 octets (3 + 2 + 2 + 12 1100 C
temps réel, les variations générant 2), au lieu des 12 sans running 13 1101 D
de multiples messages de control status. On parvient donc à une 14 1110 E
change à la suite. Si l’on observe de économie de 33 % sur le temps
15 1111 F
près ce qu’il se passe, on se rend de transmission (tableau 2).
compte que de nombreux messages
sont redondants, puisque générés par De l’obligation non quatre‐vingt‐treize (voir le
la même action du musicien. C’est le de l’hexadécimal… tableau ci‐dessus). Recommençons
cas de l’octet de status puisqu’il Maintenant que vous êtes le même exercice avec les octets
annonce toujours le même type de familiarisé avec les octets et le 1011 0100 et 0001 1110. Le premier
message. Les ingénieurs se sont dit binaire, il nous faut aller plus loin s’écrit 114 et le second… 114 ! Plutôt
qu’il serait peut‐être pas mal dans le fait d’utiliser plutôt onze‐quatre et un‐quatorze, mais
d’inventer un système capable de l’hexadécimal dès lors que l’on pourtant exprimés visuellement de
prendre en compte ce fait, à savoir, souhaite identifier un message MIDI. la même manière. En passant par le
se dispenser de le réémettre à chaque D’une part, pour en faciliter la lettrage A, B, C, D, E et F à partir de
fois qu’une même action est répétée. lecture, la décomposition en demi‐ la valeur 10, le problème est résolu
C’est l’objet du running status ou octets n’étant pas toujours simple puisque le premier octet s’écrit B4
status en cours. à faire à la volée, d’autre part, par alors que le second prend la forme
Son intérêt est double, puisqu’il obligation ! Prenons un exemple et 1E. On rajoutera un H ou un $ devant
permet aussi de réduire le temps de décomposons 1 octet en 2 demi‐ ou derrière l’expression pour indiquer
transmission et de rendre le réseau octets pour le lire en hexadécimal : son caractère hexadécimal (B4H ou
plus fluide. Bien entendu, il faut que 1001 0011 peut s’écrire 9, 3, soit 93, $1E). Simple, fallait‐il encore y
l’instrument récepteur soit capable qu’il faudrait nommer neuf‐trois et penser ! Éric Chautrand
en page 58…
 sos studios
Nouvelle gamme MacBook Pro
Apple a annoncé, le 18 janvier dernier, la mise à jour de ses apps Pro, Logic et Final Cut, ainsi que celle
de GarageBand pour iOS. C’est lors d’une présentation privée à l’EBC place d’Iéna que nous avons pu voir à l’œuvre
l’écosystème mis en place par Apple, organisé autour du tout dernier MacBook Pro à Touch Bar, de iCloud,
de l’iPad Pro et des apps qui tournent dessus, donc.
L e nouveau MacBook Pro
intègre la Touch Bar, un
nouveau moyen de naviguer
au sein des apps compatibles,
dispose d’une finesse accrue, qui le
rend réellement portable (14,9 mm
d’épaisseur pour le 13’’), mais impose
certaines contraintes ! (figure 1).
Ainsi, impossible d’envisager le
démontage de la machine pour y
changer le moindre composant. Ceci
est valable autant pour la mémoire,
fixée à 8 Go sur le 13’’, 16 Go sur le
15’’, que pour le disque dur SSD au
format PCIe. Ces deux éléments sont
soudés à même la carte mère, il ne
faut donc pas se tromper à l’achat !
Trois modèles de 13’’ sont proposés,
un basique, sans Touch Bar avec
bi‐cœur i5 à 2 GHz, 256 Go de
stockage et deux ports Thunderbolt 3,
deux avec Touch Bar et Touch ID à
2,9 GHz, 256 ou 512 Go de SSD avec
quatre Thunderbolt 3, carte vidéo
Intel Iris Graphics 540, 550 pour les
deux derniers. Deux 15’’, i7 2,6 ou
2,7 GHz, SSD 256 ou 512 Go, quatre
Thunderbolt 3 et Radeon Pro
450/455 à 2 Go de mémoire. Côté
tarifs, on débute à 1 699 € TTC sur
figure 1
Le MacBook Pro avec Touch Bar.
90 KR home-studio #325 I avril 2017
le 13’’ pour finir à 3 199 € avec le 15’’,
hors options. En poussant le 15’’ dans
ses retranchements, à savoir,
Radeon Pro 460 à 4 Go, SSD 2 To,
i7 à 2,9 GHz, l’addition grimpe à
4 999 € TTC… Et cela pour une
machine dont certains pensent que
sa date de cessation d’activité (celle
du SSD, en fait) est prévisible. Apple
justifie le choix des composants
soudés par l’amélioration de la
fiabilité de l’ordinateur, les données
pouvant être récupérées via un port
dédié de la carte mère en cas de
coup dur.
Touch Bar, qu’est‐ce que
ça change ?
La Touch Bar est positionnée à la
place des touches F (figure 2), qui
restent accessibles virtuellement en
appuyant sur la touche Fn pour
commuter l’affichage de la Bar avec
les habituelles fonctions. La Touch
Bar est contextuelle, son affichage
dépend de l’application au premier
plan. Nul n’est obligé de l’utiliser,
puisque toutes les fonctions
affichées existent sous forme de
raccourcis clavier ou de menus. C’est
figure 2
Utilisation de la Touch Bar dans Logic Pro.
figure 3
Gestion des raccourcis
affectés à la Touch Bar.
une nouvelle habitude de travail qui
est proposée, visant justement à se
passer des raccourcis pour accéder
à une fonction. Pour que cela soit
intéressant, il faut que l’app en cours
d’utilisation soit optimisée pour cette
Touch Bar. C’est évidemment le cas
des dernières moutures de Final Cut
Pro X et Logic Pro X. Microsoft fait
de même avec la suite Office et
gageons que dans les semaines qui
viennent plus d’apps seront
optimisées.
Logic Pro X fait peau neuve
Avec la Touch Bar, le musicien se
déplace instantanément au sein de
l’arrangement d’un simple glissé de
doigt sur sa représentation
graphique. Un clavier d’une octave
peut s’y afficher, s’il y a besoin
d’entrer rapidement une séquence
de notes via un instrument virtuel.
Les réglages associés aux Smart
Controls de la piste sélectionnée sont
ajustables à la volée d’un glissé sur
leur nom avec reflet immédiat sur
l’interface de Logic. Ceci vaut
également pour les pads de batterie
d’une piste de drums, qui
Mac
apparaissent dans la Bar après
sélection. Tous les raccourcis clavier
sont disponibles via la Touch Bar.
L’utilisateur dispose d’un set de base
au lancement de l’app, mais peut
modifier ce qui a été mis en place
pour entrer ses propres raccourcis
via la fenêtre dédiée (figure 3),
les exporter en vue de les retrouver
ailleurs, en studio ou sur un autre
Mac. Les Alternatives de pistes
autorisent des prises multiples, afin
de créer différentes versions d’un
enregistrement et de basculer/
composer la prise idéale. Il est
possible de traiter une sélection audio
par un effet ou une chaîne d’effets
indépendamment du reste de la
forme d’onde (figure 4). La sélection
est stockée dans la bibliothèque
audio en tant que nouveau fichier.
L’export stéréo du morceau vers
un iPhone/iPad et GarageBand est
permis via iCloud, facilitant
l’intégration de nouvelles parties
une fois sur la route. Au retour,
la manipulation inverse bascule les
modifications dans l’arrangement.
Juste une partie des 400 nouveautés
recensées… Éric Chautrand
figure 4
Traitement de la sélection.
sos studios
Rien ne va plus chez Intel !
Comme d’autres grands groupes, l’enseigne de Santa Clara procède actuellement à une réorganisation
massive qui va se solder par le licenciement de 12 000 salariés dans le monde, soit 11 % de ses effectifs.
La marque paye de lourdes erreurs stratégiques, au moment où elle doit affronter la menace du dernier
processeur d’AMD et la fin prévisible de l’ère x86. Analyse d’un déclin programmé…
E n 2013, Paul Otellini, éjecté
de son poste de Directeur
Général, est remplacé par
Brian Krzanich (figure 1),
un DG au profil de financier.
Otellini paye entre autres son refus
d’implanter une puce Intel dans
l’iPhone qui sortira finalement avec
un SoC ARM conçu par Samsung !
Le nouveau CEO (Chief Executive
Officer), qui manque de visibilité à
long terme, tâtonne sur le marché
des puces très basse consommation
destinées aux mobiles, qui pourrait
offrir de nouveaux débouchés pour
compenser le déclin des PC de
bureau. Malheureusement,
l’architecture Broxton en direction
des smartphones est abandonnée à
trois mois des premiers prototypes.
Au niveau des desktops, le retard sur
les puces gravées en 10 nm, initiant
une longue période à meubler sans
réelle nouveauté, oblige à bricoler à
la va‐vite les CPU Kaby Lake et Coffe
Lake, des Core de 7e génération
toujours en 14 nm optimisés, qui
n’ont que quelques MHz de mieux
à offrir. Même le futur Cannon Lake
figure 1
Brian Krzanich : CEO d’Intel depuis 2013.
en process 10 nm ne disposera pas,
semble‐t‐il, d’amélioration
architecturale significative.
La menace AMD RyZen
En face, la microarchitecture
d’AMD prévue pour début 2018
représente une évolution majeure
et radicale par rapport au fiasco du
Bulldozer lancé en 2011.
L’architecture d’un processeur Zen
se base sur une unité élémentaire
(Core Complex CCX) adaptable
facilement en version Desktop,
Mobile ou Server, qui embarque
quatre cœurs complets (sans unités
partagées comme sur Bulldozer)
fonctionnant en single‐thread ou
en multi‐thread (l’Hyper‐Threading
d’Intel). Un cœur devient alors
capable de traiter deux threads
en parallèle et apparaîtra comme
deux processeurs virtuels pour l’OS.
Un modèle 4 cœurs sera donc vu
comme un CPU à 8, exactement à
l’image des Core i7 ! L’architecture
RyZen devrait donc permettre à
AMD de revenir sérieusement sur
le marché du CPU haut de gamme
figure 2
Le futur CPU RyZen d’AMD.
DR
abandonné depuis des années, ce qui
donnerait lieu au retour d’une vraie
concurrence (figure 2). Mais pour
espérer défier les Kaby Lake d’Intel,
AMD devra d’abord finaliser ses
quad‐core en les dotant de
fréquences nettement plus élevées
que les prototypes actuels (3,8/4,0
GHz) et les positionner dans des
grilles tarifaires raisonnables.
La fin du x86…
La principale différence entre les
architectures x86 et ARM tient dans
les choix de conception de leur jeu
d’instruction : le x86 est une
architecture CISC (Complex
Instruction Set Computer), tandis
que l’ARM est une architecture RISC
(Reduced ISC) (figure 3). Cela signifie
que les puces ARM ne supportent
que des instructions simples et de
taille fixe, s’exécutant en un nombre
constant de cycles, à l’inverse des
puces x86 qui proposent des
instructions nécessitant plus de
cycles que d’autres, pour réaliser
certaines tâches complexes.
À l’heure actuelle, l’ARM est
figure 3
Les architectures concurrentes ARM et x86.
PC
omniprésent dans le monde des
smartphones, des tablettes et plus
généralement de l’ultra‐mobilité et
pourrait s’attaquer aux serveurs
hautes performances avec la
prochaine génération ARM v8‐A.
Mais c’est surtout le domaine du
desktop qui pourrait bien basculer,
avec en tête de pont Apple, qui avait
déjà migré des Power PC Motorola
aux x86 d’Intel en 2005 et dont le
dernier OS Sierra intègre déjà
quelques traces prouvant que les
expérimentations sont en cours. Tout
va donc se jouer sur la génération des
CPU Ice Lake de 2018. Si la pomme
n’est pas convaincue, une transition
globale vers les ARM devient plus
qu’envisageable. Chez les PC,
Microsoft dispose depuis longtemps
d’une version ARM pour Win 10 et
travaille en interne sur un système
d’émulation x86 lui permettant de
faire fonctionner ses applications
avec un processeur ARM, et Intel
lui‐même envisage d’ici quelques
mois la sortie d’un CPU hybride
capable d’exécuter du code x86
et ARM ! François Bouchery
avril 2017 I KR home-studio #325 91
 sos studios
Vous vous interrogez sur le fonctionnement de votre studio ?
Nos spécialistes sont là pour vous répondre… N’hésitez pas à nous laisser vos questions à l’adresse
kr‐homestudio@bluemusic.fr
Que permettent les différentes
versions du logiciel Max ?
Bonjour, je travaille avec Live 9 Standard et j’aimerais utiliser Max for
Live. J’ai aussi entendu parler de Max 7 et de Max/MSP et je voudrais
savoir quelles sont les différences entre ces versions et ce que
m’apportera leur installation ? Merci pour vos réponses.
Amar (par mail)
Max est un logiciel de programmation graphique très ouvert, orienté vers
la musique et la scène, qui a été développé par Miller Puckette au milieu
des années 80 dans le but de contrôler en MIDI le processeur 4X de l’Ircam.
Avec Max, on peut pratiquement tout faire : créer des instruments,
transmettre et gérer des données MIDI, concevoir une œuvre interactive
(danse/son, son/image…), gérer un spectacle vidéo, etc. Le logiciel a
d’abord été distribué par Opcode et, depuis 1999, c’est Cycling '74 qui
en a assuré le développement jusqu’à sa version actuelle Max 7. Ajoutons
qu’après son départ du projet, Puckette a récupéré le code source de Max
pour créer Pure Data en open source. La souplesse de Max lui a ouvert de
nombreux
partenariats, dont
celui de Max/MSP,
résultat de
l’association avec
la bibliothèque de
fonctions MSP,
permettant de
travailler en temps
réel avec le signal
audio (DSP).
D’autre part, l’app
Un patch de Max 7. dédiée Max for Live
(M4L), fruit de la
collaboration des équipes d’Ableton et de Cycling '74, a permis d’intégrer
Max 7 (et MSP depuis la v. 3.0) dans Live Suite ou de l’ajouter en add‐on
pour 149 €. M4L propose de programmer de multiples périphériques
comme des instruments (boîtes à rythmes, synthés), des modules d’effets
(réverbs à convolution, filtres) et des outils MIDI (arpégiateurs), pour
accéder au VJing, en vue de l’interaction avec des capteurs ou pour des
modulations extrêmes. Max/MSP et M4L offrent les mêmes capacités
d’édition, mais les entrées/sorties audio seront limitées à deux canaux
dans M4L, contre 512 avec Max/MSP. M4L gère la création et l’utilisation
de patchs « Live objects » apparentés à des modules d’extension,
permettant d’améliorer les compositions tout en restant strictement dans
l’environnement de Live (y compris pour le routing des sorties audio/MIDI)
mais avec toutefois la possibilité d’exporter les patchs au format Max.
Max/MSP, quant à lui, crée des applications en standalone qui accéderont
à n’importe quel système audio ou MIDI en dehors d’une simple utilisation
au sein d’Ableton. François Bouchery
Limitations de M4L :
https://docs.cycling74.com/max5/vignettes/core/live_limitations.html
92 KR home-studio #325 I avril 2017
Questions > Réponses
Qu’est‐ce que le cuatro ?
Toute plaisanterie relative à un quelconque modèle d’automobile
serait très mal venue ! Il s’agit d’une petite guitare à quatre cordes,
originaire d’Amérique du Sud et plus particulièrement du Venezuela.
Elle ressemble au ukulélé et également à la guitare baroque.
Son ancêtre, le luth arabe, connu dans le bassin méditerranéen depuis
l’Antiquité, arrive en Espagne par les Maures. Dès le XVIe siècle, il est « la »
guitare de la Renaissance. Il arrive au Venezuela par les bateaux des
premiers conquistadors. C’est un instrument populaire, joué par les
esclaves et les Indiens, même s’il fait quelques incursions dans la musique
dite « académique ». Preuve en est, au Venezuela, il arrive que l’on y
interprète le
Concerto
d’Aranjuez ! Il est
aussi soliste dans
les concertos pour
cuatro et orchestre
de Vinicio Ludovic
et Leonardo Lozano
(1999).
Quatre cordes
donc, dont l’accord
le plus courant en
partant du grave
vers l’aigu est : La, Cuatro du Venezuela.
Ré, Fa#, Si.
L’instrument est délicat, et son barrage est un peu particulier, ce qui lui
vaut fréquemment d’avoir une demi‐rosace, afin de dégager l’espace
intérieur nécessaire aux « contreforts ». Il était à l’origine construit de
manière artisanale, au moyen des ressources matérielles locales. Au XIXe
siècle, il se standardise et la facture instrumentale en fait une spécialité
à part entière.
Il se joue souvent avec une harpe et des maracas. À l’origine, sa fonction
d’accompagnateur était surtout harmonique et rythmique, avec ce rythme
percussif caractéristique, fait de syncopes obtenues par des
enchaînements de « claqués » ou d’« étouffés » sur les cordes. Dans le
répertoire moderne, il a conquis l’espace mélodique en étant également
élevé au rang de soliste ! Michelle Davène
aller plus loin…
Quelques sources pour découvrir le répertoire du cuatro :
La Casa Del Cuatro Venezolano avec la « lista de acordes »
et ses tablatures.
Également, Cambur Pinton, sur YouTube, plusieurs vidéos
dont la suivante, au format « vacances » :
• www.youtube.com/watch?v=nhiFCuhHtw0
À noter aussi :
• https://venezuelatina.com
 le sens du son
432 ou 440 ?
la santé par la fréquence
Le diapason 440 serait‐il diabolique, ou au moins néfaste pour la santé ? Existe‐t‐il
une fréquence « naturelle », originale, bienfaisante ou cela n’est‐il qu’un tissu d’élucubrations
mystico‐conspirationnistes ? La science peut‐elle répondre à ces interrogations ?

L
a polémique, en tout cas
l’interrogation, sur la
fréquence du La de
référence resurgit
périodiquement, et se
trouve être à nouveau sur le devant
de la scène, si l’on peut dire. Ce qui
est la norme (ISO 16:1975), l’étalon
d’aujourd’hui, la fréquence de
440 Hz, ne l’a pourtant pas toujours
été puisque ce diapason n’a
finalement été fixé qu’en 1939.
Au début du XIe siècle, le fameux
moine Gui d’Arezzo, dans son
ouvrage Micrologus, développe la
théorie de la solmisation (Do Ré Mi
Fa Sol La Si) et propose de fixer la
hauteur des sons de manière plus
déterminée que précédemment.
Une certaine rationalisation apparaît
en 1884 quand le grand Giuseppe
Verdi fait éditer une loi normalisant
le diapason à un La à 432
(battements par seconde). Du temps
de Vivaldi on utilisait plutôt le La
446 Hz, alors que pour le baroque
allemand, on s’accordait sur le La
415 Hz, quand on employait le La 392
pour le baroque français ! Les siècles
passés ont vu s’élargir l’éventail des
diapasons : le diapason d’Haendel
(423 Hz), celui de Mozart (422), celui
de Berlioz (449) ou bien encore celui
des pianos américains Steinway
(457). Mais alors, quelle est la
« bonne » fréquence ? Peut‐on
s’accorder sur la chose ?
On a entendu que notre ADN
vibrerait mieux à 432, que les nazis
auraient instauré le 440 pour mieux
contrôler les peuples, que Prince
considérait le 42 comme le
« standard absolu », que la
numérologie imposerait un chiffre
plus approprié… De nombreux
artistes avaient choisi le 432, pour
des raisons diverses : Jim Morrison,
Tonomètre de Scheibler.
Janis Joplin ou John Lennon,
une attitude qui relève plus d’une
certaine mystique hippie (le 440 ne
gagnera pas la guerre) qu’une
véritable détermination musicale.
Mais alors : y a‐t‐il une erreur
fondamentale, sommes‐nous en
danger, y a‐t‐il complot ? Faut‐il se
battre pour retourner à la fréquence
la plus favorable, la plus juste en
accordage ? La musique est‐elle en
train de mourir pour cause d’hérésie
fréquentielle ? Auto‐Tune
fonctionnerait‐il mieux si l’on
redescendait de quelques
malheureux Hertz ? Ne riez pas :
l’affaire est considérée comme on
ne peut plus sérieuse ! Et mon voisin
guitariste (honorable corporation)
de hurler : « C’est quoi c’délire ? »
Bon, il est indéniable que
l’industrialisation, la globalisation
Valeur fréquentielle des notes pour un La 3 fixé à 440 Hz.
Gui d’Arezzo et la théorie de la solmisation
432 Hz.  C’est quoi
c’délire ? 
du marché de la musique, tout
autant que la nécessité d’une bonne
standardisation font qu’il va être
difficile de revenir sur la norme
440 Hz. En tout cas dans les années
qui suivent.
Plus joli ?
Certes, des expériences visuelles
ont été menées pour observer
comment l’eau ou le sable vibrent
en fonction de ces fréquences rivales,
mais elles n’ont rien prouvé
scientifiquement. On aurait constaté
que l’eau se cristallisait sous des
formes harmonieuses quand elle
était soumise au 432 Hz, alors qu’elle
se cristalliserait, lorsqu’elle reçoit des
vibrations à 440 Hz, de manière
désordonnée et inesthétique.
Cristalliser, l’eau ? Ça fait joli, certes,
mais est‐ce concluant ? Pas sûr. Tout
Do Ré Mi Fa Sol La Si.
cela reste à l’appréciation de
chercheurs amateurs visiblement de
parti pris. Au fait : qu’en pensent les
frères Bogdanov ? Saviez‐vous que
cette fameuse note, le La, la sixième
note de la gamme musicale, est
étrangement le sixième chakra Ajna,
en yoga du son selon le maître
spirituel Sivananda, et que cette
fréquence « détruit tous les effets
du karma ». Wouahou !
Une chose est sûre, vous pouvez
nous faire confiance, le calage sur
une « hauteur » de fréquence
particulière n’est pas déterminant
musicalement, même si l’on admet
facilement qu’une fréquence
musicale spécifique a bien une
influence sur le corps humain, qui
résonne différemment en fonction
desdites fréquences, surtout lorsqu’il
est soumis à de grosses pressions
acoustiques. BOUM étant alors
forcément meilleur que BAM…
Klaus Blasquiz

avril 2017 I KR home-studio #325 93

 vintage
Al Jarreau
la voix magique
Décédé le 12 février dernier, le chanteur Al Jarreau aura, tout au long de sa carrière, navigué entre
jazz, pop et rhythm’n’blues. Une liberté assumée par cet artiste invariablement enchanteur.

C ette voix ? « Elle vient

de nulle part. Al chante
comme un cuivre,
une basse, mais aussi comme
l’eau, la pluie sur une planche de
À la croisée des chemins
Un tel éclectisme – mêlé à des
performances live de haute tenue
– lui permet d’atteindre un très
large public, bien au‐delà des
bois, une assiette qui se brise sur simples cercles du jazz. Sa plus
le sol. » Nous sommes en 2015, grande réussite commerciale – et
dans le très beau documentaire une belle performance artistique –
de Thierry Guedj consacré au sera alors l’album Breakin’ Away,
chanteur, Al Jarreau – en 1982, un véritable cas d’école
L’Enchanteur (1), et c’est Marcus en matière de crossover : produit
Miller qui parle. Rediffusé par par Jay Graydon, ce disque reflète
France Ô deux jours après parfaitement le style d’un
l’annonce de la mort de l’artiste, jazz‐funk west coast typique de
cet Enchanteur‐là mériterait bien l’époque – les grands studios de
d’être disponible en replay Los Angeles définissant alors la
au‐delà des sept jours palette sonore des années 1980.
réglementaires – ou proposé La voix d’Al Jarreau se pose avec
en DVD –, tant il apporte, via les volupté sur ces ballades douces et
images d’archives, témoignages, swinguantes (« We’re In This Love
interviews, captations live, Together », « Breakin’ Away »…),
un éclairage passionnant sur et c’est du miel pour les oreilles.
un artiste pour lequel le mot Résultat, le disque remporte deux
« inclassable » a sans doute été Grammy Awards, qui résument
inventé. À défaut, on vous parfaitement le croisement des
conseillera la lecture de genres : meilleure performance
l’interview de Thierry Guedj vocale pop pour l’ensemble de
par Muziq à l’époque de la sortie l’album et meilleure performance
du documentaire (2) ou l’écoute vocale jazz pour la reprise scat –
du podcast d’Easy Tempo, sur épatante – du standard de Dave
France Musique, en décembre 2015 (3). Et puis, surtout, de vous replonger Brubeck « (Round, Round, Round) Blue Rondo À La Turk ».
dans une discographie pour le moins transgenre : ni tout à fait jazz, Pop et jazz sur un même disque, Al Jarreau fait fi de ceux qui lui reprochent
ni totalement pop, mêlant production hyper léchée (trop, parfois ?) de courir après le succès commercial plutôt que de privilégier une
caractéristique des années 1980 et liberté formelle – aux limites du free jazz – hypothétique « intégrité artistique » : en 1986, il explique ainsi sa démarche au
des seventies… Los Angeles Times, « j’essaie d’être réceptif, à l’écoute et de ne pas avoir peur de
Al Jarreau, l’inclassable, donc, à l’image des Grammy Awards qui lui seront faire quelque chose de neuf ». Dans ce même article (5), il définit ainsi « l’attitude
décernés tout au long d’un demi‐siècle de carrière : le premier qu’il reçoit, jazz » comme « l’idée d’être ouvert à chaque moment, considérer chaque instant
en 1978, est celui de meilleur chanteur jazz (Best Jazz Vocal) pour Look To comme l’opportunité de créer quelque chose de différent ». Et d’ajouter :
The Rainbow, son premier album live. Presque trente ans plus tard, en 2007, « L’idéal, bien sûr, est d’utiliser chaque chose – de la boîte à rythmes et des
sa collaboration avec George Benson, sur Givin’ It Up, lui vaudra le dernier synthétiseurs Fairlight aux chansons de format classique – avec bon goût. »
Grammy de sa carrière, pour la reprise de « God Bless The Child », et ce dans En une petite vingtaine d’albums studio, et des concerts remarquables,
la catégorie « rhythm’n’blues » (Best Traditional R&B Vocal Performance). ainsi, Al Jarreau sera parvenu à nous enchanter régulièrement – avec bon
Chanteur de jazz et de R’n’B, donc, avec ses formidables performances goût, justement, jusque dans ses tubes les plus connus (« Mornin’ »,
vocales (pour le plaisir, on vous conseillera ce « Lock All The Gates » live de « Moonlighting », chanson générique de la série TV qui révéla Bruce Willis…).
1976) (4), Al Jarreau n’hésite pas à s’aventurer sur des terrains plus pop, quitte à À l’heure du printemps retrouvé, la parfaite bande son pour le retour des
faire grincer des dents chez les puristes. Ainsi, dès 1976, dans son album Glow, beaux jours. Laissez‐vous enchanter. Philippe Ragueneau
se permet‐il de reprendre Elton John (« Your Song », formidable introduction 1. Le trailer de Al Jarreau – L’Enchanteur : www.youtube.com/watch?v=n1v0VkCcayY
vocale, voisinant avec la musique sacrée européenne) ou le tandem Antônio 2. www.muziq.fr/al-jarreau-le-documentaire-enchanteur
Carlos Jobim / Vinícius de Moraes (« Agua De Beber »)… Dans l’album studio 3. www.francemusique.fr/emissions/easy-tempo/al-jarreau-l-enchanteur-11403
suivant (All Fly Home), il s’attaquera aux Beatles (« She’s Leaving Home ») 4. www.youtube.com/watch?v=P6rgfk1JAP4
comme à Otis Redding (« (Sittin’ On) The Dock Of The Bay »). 5. http://articles.latimes.com/1986-12-26/entertainment/ca-395_1_al-jarreau-touches

94 KR home-studio #325 I avril 2017


LA CHRONIQUE D’HARRY COVER
L’art de la reprise
« Wanda's Loving Boy » : Marquis de Sade
est une formation issue de la scène new‐wave
rennaise, active de 1977 à 1981. Leur inspiration
fut tant de la scène britannique de l’époque
(Joy Division, Magazine, Gang Of Four) que
du mouvement krautrock et des Allemands
de Neu! en particulier. Le charisme et l’écriture
décadente de leur chanteur Philippe Pascal
les firent graver quelques perles comme
Wanda's Loving Boy », titre phare de l’opus
ue De Siam (1981). Ils ne connurent pas à
l’époque la reconnaissance méritée,
splittèrent et se scindèrent en Octobre
et Marc Seberg.
Poni Hoax est à l’initiative de Laurent
Bardainne et propose depuis 2001 un univers
partagé entre le rock et la disco. Une formation
connue par le monde de la nuit et remixée par
les DJ du monde entier (« She’s On The
Radio », « Budapest »). S’exerçant aussi à l’art
de la reprise, ils participèrent à l’album Des Jeunes Gens Mödernes paru en
2008, prônant la scène cold‐wave et post‐punk des années 80, et signèrent
une interprétation originale du titre des Marquis de Sade proposant une
électro froide et raffinée.
www.youtube.com/watch?v=BlCNMdOKUF8
www.youtube.com/watch?v=_6K3SD56rQ8
« Victoria » : The Kinks est l’une des
formations phares des années 60 en Angleterre.
Elle est à l’initiative des deux frères Davies,
Ray au chant et à la guitare rythmique et Dave
aux chœurs et à la guitare lead. Leur carrière
démarre en trombe et le New Musical Express
les gratifie en 1964 du titre de meilleur groupe
de l’année… devant les Beatles. Ils apportent
n son ravageur et signent un tube musclé
vec « You Really Got Me » – ce même titre
fut excellemment repris vingt ans plus tard par
d’autres frangins, les Van Halen. « Victoria »
ouvre l’album Arthur (Or The Decline And Fall
Of The British Empire) paru en 1969.
The Kooks sont natifs de Brighton.
Le quatuor britannique s’est formé en 2004
et doit son nom à un morceau de feu génial
David Bowie figurant sur l’excellent Hunky
Dory (1971). S’autoproclamant héritiers du
mouvement British Invasion, il est tout naturel
qu’ils revisitent la musique des Kinks, « Victoria » en l’occurrence, que l'on
retrouve dans la compilation War Child Heroes sortie en 2009, un album au
profit des enfants victimes de la guerre. La reprise est fidèle, les riffs plus
tranchants, les questions‐réponses des guitares parfaites. Belle version
à écouter un Sunday Afternoon !
www.youtube.com/watch?v=6VzsQoR806c
www.youtube.com/watch?v=B2R99wcUPSw
Compils, lives, BO…
1 2
Le Belge Benjamin Schoos (1)
dispose déjà d’une longue carrière
de vingt années musicales.
Accompagnateur pour les autres,
notamment pour Lio, mais aussi
songwriter pour lui‐même, cette
compilation nommée Profession
Chanteur réunit quatorze titres.
Étonnant et à découvrir…
Très instructive, la compilation
Synthesize The Soul (2), sous‐titrée
Astro‐Atlantic Hypnotica From The
Cap Verde Islands 1973‐1988, a pour
vocation de conter en 18 morceaux
la musique capverdienne qui s’est
métissée aux instruments
occidentaux une fois immigrée en
Europe et aux États‐Unis. C’est dans
les années 70 et 80 que les synthés
se sont démocratisés, et de Lisbonne
à Rome, de Paris à Amsterdam,
la communauté capverdienne
a fusionné ses rythmes funana
traditionnels pour en faire un son
détonant, et toujours si moderne.
Film acclamé, avec maints
rebondissements, et gratifié de
sa touche française, La La Land (3)
de Damien Chazelle est bien sûr sorti
en disque. La BO du film reprend les
morceaux de Justin Hurwitz avec les
voix originales de Ryan Gosling et
d’Emma Stone.
Kids United (4), le groupe vocal
d’enfants et adolescents, a
simplement deux albums à son actif
mais bénéficie d’un véritable carton
4 5
légendes du son
3
dans les bacs. Principalement
chanteurs de reprises, les cinq
« castés » (Erza, Esteban, Gabriel,
Gloria et Nilusi) viennent de sortir
un coffret intitulé Le Live constitué
d’un CD et d’un DVD.
The Original Blue & Lonesome (5)
est une compilation de blues avec
les Rolling Stones en tâche de fond.
Ainsi, outre un clin d’œil à leur
dernier album, on pourra découvrir
27 titres originaux que les Stones ont
à un moment repris, interprétés ici
par Jimmy Reed, Magic Sam, Chuck
Berry, Salomon Burke et autres.
Voici la quatrième saison pour
la compilation du label parisien
Entreprise (6), avec Année Quatre.
Une fois de plus, on retrouvera la
crème des artistes maison venus nous
exprimer leur façon de revendiquer
leur univers électro pop rock. Grand
Blanc, Lafayette, Bagarre, Blind
Digital Citizen, Fishbach…
Vingt ans après, le Tactikolectif
toulousain dans lequel on retrouve
Zebda ressort la compilation Motivés
en version remasterisée, sous‐titrée
cette fois 7
Motivés ! Y’a
toujours pas
d’arrangement !
(7). Toujours
autant
d’actualité…
Thierry
Demougin
6
avril 2017 I KR home-studio #325 95
 vintage le don du son

Des donateurs

© Klaus Blasquiz
pour Musélec
l'art de préserver (suite…)
Venus de partout, musiciens stars ou anonymes, lecteurs de KR
ou collectionneurs, amateurs ou professionnels : tous apportent
leur pierre à l’édifice de Musélec en lui confiant instruments
de musique, appareils audio, accessoires ou documentation.
Véritable pièce de musée ou petit objet insignifiant :
ils ont tous leur place dans les collections du musée.

«À 10 ans mon père m’offre

un poste de radio Telefunken.
La première fois que je
l’utilise, j’appuie sur un bouton
orné d’une clé de Sol et là le son est multiplié figure 1
par trois ! Je veux savoir comment ça marche,
L’ingénieur de mastering Jean‐Hugues Morvan,
comment est fait le circuit qui procure une
© Klaus Blasquiz

dans son nouveau studio Analog City

telle qualité de son. Je démonte alors Sound Makers implanté au cœur
entièrement la radio pour comprendre de l’Île‐Saint‐Denis.
comment elle fonctionne. Ce jour‐là je tombe
dans l’électronique ! Le son me fascine et je figure 2
comprends vite que la qualité du son est directement liée à la qualité Minimum mais faisant un effet
du matériel utilisé. Ces deux aspects sont indissociables. » maximum, la BST Reverberation
Je rencontre Jean‐Hugues Morvan (figure 1) en 1996 au studio Acousti Amplifier, à ressorts.
où il officie comme ingénieur du son. Le patron du studio, Alain Cluzeau,
lui a conseillé de se rapprocher de moi en tant que passionné de son.
Il commence sa carrière dans le son, il y a 25 ans, aux studios de la Grande figure 3
Armée, puis il enchaîne au Passage du Nord‐Ouest, une salle de concert
parisienne aujourd’hui disparue, pour finalement aboutir au fameux studio La réverbération Accessit,
Acousti. Il va ensuite voler de ses propres ailes en créant plusieurs entreprises elle aussi à ressorts,
produite en petite
où il acquiert des connaissances bien utiles pour gérer son entreprise actuelle : quantité par Bandive.
Analog City Sound Makers. Il est parallèlement sportif de haut niveau :
il gagne en effet plusieurs championnats en équipe de France d’athlétisme,

© Klaus Blasquiz
ce qui lui apporte beaucoup du point de vue de la rigueur, de l’exigence,
de la ténacité et du sens du dépassement. L’autre réverb,
« Dans les années 60 et 70, il y avait une richesse sonore que nous avons à ressorts
perdue à partir des années 80. Ma démarche est de retrouver cette couleur également, est d’un
sonore en mélangeant les qualités de l’analogique et du numérique. Je me autre calibre. Il s’agit d’une Accessit (figure 3), qu’il avait achetée à grands
suis donc équipé de matériel et de technologies de 1943 à nos jours avec pour frais en Angleterre et qu’il a également beaucoup utilisée lorsqu’il était
but de retrouver la dynamique, la présence et l’effet mécanique du son. » ingénieur mixeur. Cette réverb, très rare aujourd’hui, avait été conçue par
Bandive, qui s’était fait connaître dans les années 70 par son fameux
Ressorts réducteur de bruit Accessit Compander. Elle avait servi de base à Alesis pour
La première réverb à ressorts dont il fait don à Musélec, une petite BST Solid la conception de ses Microrack Series (Micro Enhancer, Micro Gate, Micro
State Reverberation Amplifier (figure 2), lui a été offerte par un musicien avec Limiter et MicroVerb). Elle se compose d’un petit module de commande relié
lequel il travaillait il y a bien longtemps. Il l’a souvent utilisée lors de mixages à un spring tank, plus volumineux, qui abrite les ressorts et leur électronique.
ou bien au sein de son propre set ampli‐guitare. Dans les années 70, Aujourd’hui, du fait que Jean‐Hugues ne pratique plus que le mastering, ces
on trouvait sous cette marque, française, nombre de produits d’entrée de réverbs ne lui sont plus aussi utiles. Il travaille actuellement sur un EP six‐titres
gamme, principalement japonais, qui faisaient le bonheur des amateurs de pour l’Amérique du Sud, sur lequel on trouve des artistes comme le
son peu fortunés. On pouvait trouver ces mêmes produits aussi bien sous le Colombien Amass‐T ou bien encore le fameux Fab Morvan (ex‐Milli Vanilli),
label BST que sous ceux de Melos, Mondivox ou Europsonic. Bien que de taille son propre frère. La chose est produite par Prestige Music et c’est lui‐même
très réduite, elle n’en abrite pas moins deux ressorts et sonne quasiment qui va en réaliser le mastering, chez Analog City Sound Makers bien sûr.
comme une Accutronics qui, elle, en comporte au moins trois. Merci Mr Morvan pour votre « don du son » ! Klaus Blasquiz

96 KR home-studio #325 I avril 2017


Musélec
La Passion du Son
Sauver, sauvegarder
Comment notre patrimoine technique et sonore finit « à la benne ».
Les matériels, les équipements, les instruments de musique obsolètes,
démodés ou hors service n’ont plus de raison d’être. Ils occupent de l’espace,
ne sont plus capables de fonctionner dans les environnements actuels, ne
sont pas réparables économiquement et doivent être remplacés pour des
questions de mode, de réglementation ou de sécurité. Remplacés et donc
éliminés.
S’il existe bien des collectionneurs qui, en petite quantité et sur des créneaux
spécifiques, constituent des… collections de certains de ces items, aucun
musée ne réunit et ne présente un panorama permettant de retracer l’histoire
de l’audio.
L’audio : enregistrer, émettre, diffuser, restituer (reconstituer) le son par tous
les moyens et méthodes possibles. Quelle histoire : du micro au haut‐parleur,
en passant par l’enregistreur, le mélangeur, l’amplificateur et les traitements
divers et variés !
Restaurer, remettre en œuvre
Entreprendre la restauration, après avoir éventuellement pratiqué
une démarche « scientifique » de reverse engineering, remettre en œuvre
et reconstituer des environnements cohérents (studios, systèmes de
sonorisation, chaînes de diffusion, etc.). Apprendre les techniques et
les méthodes de restauration, connaître les matériaux et leurs spécificités,
les technologies et les techniques d’emploi et d’exploitation des matériels
à remettre en état, à raviver.
Documenter, renseigner
Qui a conçu et construit, qui a utilisé, à quelle époque et dans quel contexte
culturel et social, qui a utilisé et « consommé » les supports et les matériels à
faire‐du‐son ? Sans cette documentation, ces machines et enregistrements
ne sont‐ils pas que des tas de ferraille ou de bouts de bois et de plastique ?
L’art et la science qu’ils manifestent sont en effet comparables à ceux que l’on
peut appréhender à la vision d’une œuvre d’art « classique ». Un tableau de
Léonard de Vinci n’est‐il pas après tout qu’un cadre de bois sur lequel est
tendue de la toile où ont été appliquées des taches de couleur ?
publi‐reportage
Raconter, décrire
L’histoire de l’audio, qui débute réellement en 1875
avec l’invention du téléphone, est faite d’invention,
d’inventeurs, de techniciens et d’artistes mais aussi
de générations d’utilisateurs et de consommateurs,
de mélomanes et d’audiophiles, d’esthètes et de
créateurs. Après tout : le son n’est‐il pas, comme la
musique, une création du psychique ? La volonté des inventeurs, leur
démarche, leurs idées et l’exploitation de leurs inventions.
La psychoacoustique est la science qui comprend et documente l’action du
cerveau, lequel crée le son et la musique à partir d’informations qui lui sont
transmises par des capteurs physiologiques tels l’oreille, la peau, les yeux…
Montrer, démontrer, faire entendre, partager
Où, quand, comment, par quels moyens et dans quel but peut‐on, doit‐on,
faire connaître l’histoire de l’audio, d’hier et de demain, dans tous ses aspects,
à un public le plus large possible ? Exposer (notamment au Lycée Suger, le lycée
du son et de l’image), démontrer, bruiter, imager à l’aide de tous ces objets
chargés n’est pas suffisant, mais assurément nécessaire (comme peut l’être
un musée‐exposition de l’automobile, de l’aéronautique ou du XIXe siècle).
Nécessaire, donc indispensable.
Musélec au Lycée Suger
Des milliers de micros, de casques, de magnétophones, de graveurs,
de consoles de mixage, de préamplis, de traitements (réverbes, échos,
correcteurs…), d’enceintes de tous types, de platines tourne‐disques,
d’électrophones, de pick‐up, d’instruments de musique électriques et
électroniques, de téléphones ou de radios n’attendent qu’une chose :
être présentés, démontrés, mis en œuvre aux yeux et aux oreilles de tous.
Musélec : y’a quoi dedans ?
Collectage, documentation, restauration, mise en œuvre, présentation
de tout ce qui fait de l’audio, du son électrique ou électronique…
• Amplificateurs de puissance • Amplificateurs hi‐fi • Amplificateurs instruments • Autoradios • Basses électriques
• Batteries électroniques • Boîtes à rythmes • Câbles et connecteurs • Caméras film et vidéo • Casques et écouteurs
• Chambres d’écho • Claviers maîtres • Consoles de mixage de scène • Consoles de mixage de studio • Convertisseurs
• Crossovers • Échantillonneurs • Effets et traitements en rack • Égaliseurs graphiques • Égaliseurs paramétriques
• Électrophones • Enceintes de hi‐fi • Enceintes de monitoring • Enceintes de sonorisation • Guitares électriques
• Home‐cinéma • Interfaces audio • Lecteurs/enregistreurs Laserdisc, MiniDisc, CD, DVD et Blu‐ray • Logiciels
• Magnétophones portables • Magnétophones de studio • Magnétophones hi‐fi • Microphones HF • Microphones
filaires • Minichaînes hi‐fi • Ministudios • Ordinateurs • Orgues • Pédales d’effet • Pianos électriques • Pick‐up
• Pieds d’enceinte • Pieds de micro • Platines tourne‐disques • Préamplificateurs • Processeurs d’enceinte • Radios
• Réverbérations • Séquenceurs • Surfaces de contrôle • Synchroniseurs • Synthétiseurs à clavier • Synthétiseurs
modulaires • Systèmes informatiques • Téléphones et répondeurs • Téléviseurs • Tuners hi‐fi • Workstations
Contact : klausblasquizO@gmail.com
avril 2017 I KR home-studio #325 97
 vintage ils ont fait l’histoire

Moog Polymoog
Moog polyphonique, et à presets
Le Polymoog, apparu en 1975, est un synthétiseur d’un nouveau genre pour Moog.
De plus, pour la première fois, Bob Moog n’est pas directement impliqué dans le développement
de ce système totalement polyphonique et à presets. Coup d’essai, et coup de maître.

T out commence par un ambitieux projet pour Moog Music : l’étude

et la réalisation d’un gros système appelé Constellation, qui devait
comprendre deux claviers, un polyphonique, l’Apollo, couplé à un
monophonique, le Lyra, ainsi qu’un pédalier, le seul projet mené à
terme : le Taurus. L’Apollo Polyphonic Synthesizer va tout de même évoluer
en ce qui sera simplement désigné Polymoog. Le grand Robert Moog, on le
disait, n’est pas concerné par ce projet et c’est Dave Luce qui va diriger
l’équipe chargée de la conception de ce gros synthétiseur.
La première version du Polymoog, le Model 203a, commercialisée en 1975,
est bien un synthétiseur Moog, mais il est polyphonique, ce qui n’est pas
vraiment l’habitude de Moog, et surtout à presets, particularité qui va choquer
les déjà très nombreux fanatiques de la marque. Sont proposés huit presets
de sons : Strings (cordes), Piano, Organ, Harpsichord (clavecin), Funk, Clavi,
Vibes (vibraphone) et Brass (cuivres), mais un mode VAR (Variation) permet
de modifier chacun de ces presets à l’aide de commandes des paramètres de
synthèse. On profite d’un authentique filtre « à‐la‐Moog » avec modulation,
tracking de clavier et modulation de LFO. Le clavier lourd (Pratt & Read) est
un 71 notes, sensible à la vélocité et pouvant être splitté en trois sections,
chacune bénéficiant de son propre potentiomètre (slider) de volume.
On dispose d’un ensemble de commandes habituel chez Moog : égaliseur
trois bandes, sample & hold, ruban de pitch et autres contrôles d’enveloppe.
Bien entendu : pas de mémorisation de patch possible, pas plus que
d’implémentation MIDI, l’interface n’étant standardisée que dix ans plus tard.
Pour ce qui concerne la polyphonie, elle n’est pas réelle puisque le
synthétiseur utilise un circuit de divide down, similaire à certains synthés de
type strings ou des orgues combo, pour un accès au son preset sur les 71 notes
du clavier.
éliminées, ce qui rend la bête moins souple d’emploi que son prédécesseur.
Parmi les nouveaux presets, on trouve un son qui va être associé au
synthétiseur : Vox Humana, mais aussi String 2, Pianos (électrique et honky
tonk), Chorus Brass et Rock Organ. Les commandes sont donc réduites :
on ne peut contrôler que le volume, l’accord, le filtrage passe‐haut et des
paramètres basiques de LFO. Son large capot en plastique, comparable
à celui d’un Rhodes, permet l’installation d’un ou plusieurs autres claviers
(Moog monophonique, par exemple) mais n’a pourtant pas permis la
réduction du poids de l’engin, qui pèse pas moins de 40 kg !
Les deux versions de notre splendide Polymoog peuvent être associées à un
certain Polypedal Controller 285a, en option, qui permet de (télé)commander
le pitch, le filtre et le volume à l’aide de deux grandes pédales. Le sustain et le
mode trigger sont pilotés par deux petites pédales métalliques et l’on peut
contrôler la fonction External Sync du Polymoog.
La machine, si elle est très appréciée pour ses sons et sa jouablilité, est
cependant bien connue pour son manque de fiabilité, sa facilité à tomber en
panne et sa difficulté de maintenance.
Ses utilisateurs les plus fameux, qui l’ont employée longtemps après qu’elle
eut été déclarée obsolète : Chick Corea, Keith Emerson, Gary Numan, Prince,
Herbie Hancock, Richard Tandy (ELO), Patrick Moraz, Wendy Carlos, Tony
Banks, Kraftwerk ou Rick Wakeman ne tarissaient pas d’éloges pour ce
curieux Moog polyphonique à presets. Klaus Blasquiz

Polymoog Keyboard
En 1978, une nouvelle version de ce Polymoog Keyboard apparaît,
dénommée Polymoog Keyboard 280a, la version originale étant alors
renommée Polymoog Synthesizer. Ce 280a propose plus de presets,
© Klaus Blasquiz
quatorze en tout, mais, hélas, la plupart des fonctions de commande ont été

Polypedal Controller 285a.

© Klaus Blasquiz

Polymoog Model 203a.

98 KR home-studio #325 I avril 2017

 RETROUVEZ L’INTÉGRALITÉ DU SPECTACLE

AMIR - JEAN-LOUIS AUBERT - BÉNABAR - AMEL BENT - PATRICK BRUEL - NICOLAS

CANTELOUP - SÉBASTIEN CHABAL - JULIEN CLERC - THOMAS DUTRONC - PATRICK
F I O R I - L I A N E F O LY - G A R O U - M A R I E - A G N È S G I L L O T - K E N D J I G I R A C -
GRÉGOIRE - DAVID HALLYDAY - JENIFER - MICHAEL JONES - GÉRARD JUGNOT -
CLAIRE KEIM - MICHÈLE LAROQUE - MAXIME LE FORESTIER - NOLWENN LEROY -
CHRISTOPHE MAÉ - MIMIE MATHY - JEAN-BAPTISTE MAUNIER - MC SOLAAR -
KAD MERAD - JEFF PANACLOC ET JEAN-MARC - THOMAS PESQUET - LORIE PESTER -
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satur aigus pe ttent en u séquen construc n cinq
s e d e e
ou de tés qui m apacités ettre un . Décliné cèle une
r i c rm e e
sono voix. Les pour pe e intuitiv ompact r .
e s g c e
seule é étendu davanta strument ur la vôtr
t t n e
ont é mplexe e tes, cet i ra en val
s co ta n ett
plu cla ui m
urs é lité q
coule ersonna
p
forte

k o r g . c o m