La Roche

3e
sur yon
17 23 octobre 2012
>
festival international du film
www.fif-85.com
 partenaires la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

La Roche sur yon

17 23 octobre 2012
3 e >
festival international du film www.fif-85.com

Partenaires institutionnels
Ville de La Roche-sur-Yon
Région Pays de la Loire
DRAC Pays de la Loire

Partenaires officiels
Sita Ouest
Espace Culturel Leclerc Acti sud
Guënant Automobiles
Ciné +
Ouest-France
Capricci
Médiapart
Eurochannel
Bouvet-Ladubay

Partenaires associés
Cinéma Le Concorde
Scène Nationale Le Grand R
SMAC Le Fuzz’Yon
Cinéville
Association Festi’Clap
Stéréolux - Nantes
Bruno Fradin Propreté
Tarifs ESRA
Pôle universitaire yonnais – Université de Nantes
Pass festival plein tarif : 50€ / tarif réduit : 28€
IUT La Roche-sur-Yon - département information-
1 entrée plein tarif : 6.50€ / tarif réduit : 4.50€
5 entrées plein tarif : 28€ / tarif réduit : 17€
communication
Ouverture ou Clôture : 8€ Le Clap Campus
Nuit de l’apocalypse : 10€ SDI - Syndicat des Distributeurs Indépendants
Scolaires : 3€ ACOR - Association des cinémas de l’Ouest pour la recherche
1 entrée C.E. : 4.50€ Hôtel Napoléon
Hôtel Mercure

Les lieux de projections Ville des Clouzeaux

Ville d’Aubigny
Le Grand R / Le Manège ACYAQ
Esplanade Jeannie-Mazurelle 85000 La Roche-sur-Yon Impulsyon
Le Grand R /Le Théâtre Municipal Rigaudeau Voyages
Place du Théâtre 85000 La Roche-sur-Yon Petite Lanterne
..........................................................................................................
www.legrandr.com Graffiti Urban Radio
Brasserie Le Clémenceau
Le Concorde Bistrot du boucher
8, rue Gouvion 85000 La Roche-sur-Yon Bistro Yonnais
..........................................................................................................
www.cinema-concorde.com Le Grand Café

Le Cinéville Mécène
Rue François-Cevert 85000 La Roche-sur-Yon Axa – Agence Eric Jaquet
..........................................................................................................
www.laroche.cineville.fr
Partenaire médiatique
Pour toutes informations : contact@fif-85.com France Bleu Loire Océan

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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 partenaires

pierre regnault
Maire de La Roche-sur-Yon
président de La Roche-sur-Yon Agglomération
Président de l’EPCCCY
Cet automne, La Roche-sur-Yon bat au rythme du cinéma avec une nouvelle édition
du festival international du film. Qualité et audace sont une fois de plus au programme de
notre rendez-vous avec le 7e art. Compétition officielle, sélection d’une centaine de films,
rétrospectives et débats… le festival est un moment partagé de réflexion et de découverte, en
direction des professionnels comme des cinéphiles. La magie du cinéma s’empare à nouveau
de La Roche-sur-Yon qui accueille Nobuhiro Suwa comme invité d’honneur pour une première
rétrospective intégrale en France. Ce festival est aussi l’occasion d’accueillir Jean-Pierre Léaud
pour un hommage particulier. Les imprévisibles Benoît Delépine et Gustave Kervern sont
également de la fête, en compagnie de Miguel Gomes, pour une semaine de programmation.
De nombreuses célébrités arpentent aussi les rues de la ville, et occupent ses cafés, ses
restaurants : Béatrice Dalle, Eric Cantona, Melvil Poupaud,…
La Roche-sur-Yon est fière de soutenir son festival. L’exigence de qualité qu’il porte, ainsi que
son engagement pour l’accès à tous à la culture, l’éducation à l’image et son rayonnement
sur le territoire yonnais et national, font de ce rendez-vous la meilleure illustration des grands
axes de la politique cinématographique – et plus largement culturelle – que la ville mène toute
l’année, notamment grâce au Concorde. Nous sommes convaincus qu’en ces temps difficiles
pour un grand nombre d’habitants, la culture doit prendre toute sa place dans le quotidien des
gens et jouer un rôle primordial dans notre cohésion sociale.
Je remercie toute l’équipe qui travaille avec passion à la préparation et à au déroulement du
festival, et vous souhaite à tous un bon festival 2012 ! P.R.

jacques auxiette
Président du conseil régional des Pays de La Loire

Pour cette édition 2012, le festival international du film de La Roche-sur-Yon propose une
nouvelle fois une programmation enthousiasmante faite de comédies et de films dramatiques,
d’œuvres du patrimoine et de films récents inédits, de réalisateurs des horizons les plus larges.
Autour de ces projections, certaines des personnalités les plus en vue du 7e art seront présentes
à la Roche-sur-Yon, aux côtés du public, pour montrer des films qui leur tiennent à cœur. C’est
l’une des richesses offertes aux spectateurs que de découvrir des films inédits ou des œuvres
restées trop peu longtemps dans les salles de cinéma.
La Région des Pays de la Loire est heureuse de soutenir et de compter sur son territoire des
initiatives comme ce festival qui font vivre la création et les imaginaires, qui donnent à chacun un
peu d’universel, d’ouverture sur un monde en besoin toujours plus prégnant de dialogue.
Que le cinéma nous ouvre encore plus grand l’esprit,
A toutes et à tous, très bon festival. J.A.

Georges POULL
Directeur régional des affaires culturelles des Pays de la Loire

Pour son édition 2012, le festival international du film de la Roche-sur-Yon s’inscrit

dans la dynamique engagée depuis 3 ans par son directeur Yannick Reix et son programmateur
Emmanuel Burdeau.
Jean-Pierre Léaud et Nobuhiro Suwa.
Deux invités d’honneur en cohérence, deux cinématographies où la ville est importante,
marquée notamment par la place de l’enfant et les difficultés du couple.
Sous l’œil attentif et éclairé de sa présidente Caroline Champetier, le jury aura donc la lourde
tâche de mettre en lumière et de distinguer cinéastes et œuvres parmi les 8 proposés.
Avec une programmation toujours exigeante qui présente un cinéma d’auteur parfois drôle,
dérangeant, ou provoquant, un cinéma toujours en recherche, en questionnement ; le tandem
Reix-Burdeau dessine les contours d’un festival international de caractère, où de fortes
personnalités artistiques viennent à la rencontre d’un plus large public (du plus jeune au plus
ancien), qui décloisonne et repousse les barrières de l’élitisme.
En cela, il répond aux attentes du ministère de la Culture et de la Communication dans les
domaines de la valorisation de la création, la diffusion du cinéma d’auteur, la diversité culturelle
et l’éducation à l’image pour tous, ce qui justifie son soutien.
Je souhaite à ses organisateurs, à toute l’équipe de l’EPCCCY et aux bénévoles, que cette
manifestation soit un succès à la hauteur de leur investissement et aux spectateurs d’être
surpris et chahutés sans que rien ne leur soit ôté du plaisir et de l’émotion. G.P.

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 sommaire

p. 6 Compétition Internationale
prix, jurys, films

p. 14 Jean-Pierre Léaud
panorama en dix films

p. 20 nobuhiro suwa
première rétrospective française

p. 24 benoît delepine & gustave kervern

rétrospective - carte blanche - invités

p. 30 L’apocalypse-cinéma
par Peter Szendy

p. 36 miguel gomes
autour de Tabou

p. 40 werner herzog
Dans le couloir de la mort

p. 42 2e rencontres du cinéma indépendant
p. 44 Médiapart
p. 45 courts de danse
par Stéphane Bouquet

p. 46 séances spéciales
p. 48 la Nuit de l’apocalypse
animée par le Clap Campus

p. 49 Serge Daney, vingt ans après : la critique sur Internet

rencontres et débats

p. 50 jour le jour
p. 54 jeune public
de la page à l’écran

directeur de la publication
Yannick Reix
rédacteur en chef
Emmanuel Burdeau
couvertures
© photo Yoshi Omori - Yuki et Nina de
Nobuhiro Suwa - © Visage - Rezo Films
rédaction
Aurélien Bellanger, Stéphane Bouquet,
Fransisco Ferreira, Miguel Gomes,
Domique Laudijois, Thierry Lounas
Christian Oddos, Peter Szendy
correction
Clémence bouche, Christophe François,
Laurence Moulineau
graphisme et mise en page
Valérie Zard
imprimerie
Belz imprimerie - La Roche-sur-Yon

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éditorial
Tokyo Park, de Shinji Aoyama, est sorti en salles à la fin de l’été : c’est à La Roche-sur-Yon que sa distributrice, Frédérique
Rouault (Alfama), l’avait découvert l’année dernière, dans le cadre d’une programmation dite « prospective » consacrée aux
films récents du cinéaste japonais non distribués en France. L’année passée, une programmation similaire réunissait trois
documentaires et une fiction d’Abel Ferrara, le beau et alors inédit Go Go Tales : tourné en 2007, celui-ci est pour sa part sorti en
janvier, grâce à Capricci, compagnon de longue date, à qui nous devons cette année de pouvoir présenter en avant-première le
nouveau long métrage de Ferrara, toujours avec Willem Dafoe et Shanyn Leigh, le superbe 4 : 44 – Last Day on Earth.
Continuons encore un peu : La Vida Util de Frederico Veiroj, Grand Prix 2011, a connu un formidable accueil critique au moment de
sa sortie en avril. Le Jour de la grenouille de Béatrice Pollet est sorti il y a tout juste un mois : sa première mondiale avait eu lieu à
la Roche, où il remporta le Prix du Public. Et Matt Porterfield, Grand Prix en 2010 pour Putty Hill ? Son nouveau long métrage, le
troisième, I Used to Be Darker, qu’on annonce comme une comédie, sera bientôt visible, et il se murmure que Porterfield tient un
rôle dans le nouveau film de Tariq Teguia.
Nous n’aurons bien sûr pas la naïveté de croire que tout cela a eu lieu grâce au festival international du film de La Roche-sur-Yon.
Il n’empêche que ces nouvelles nous ravissent, et qu’elles nous concernent : un festival ne s’arrête pas au soir de sa clôture. Il se
poursuit dans d’autres lieux, d’autres temps. Pour les films, mais aussi pour nous-mêmes et pour toute l’équipe.

Nous avons accueilli en 2011 les premières rencontres du cinéma Indépendant. Nous accueillons les Deuxièmes cette année.
Nous avons commencé par accompagner les films tout au long de l’année, au Concorde et dans d’autres salles. Cela n’est
qu’un début : il faut maintenant aller beaucoup plus loin. C’est précisément ce que nous avons voulu faire avec cette troisième
édition : aller ailleurs, prolonger encore… Le Grand Prix sera ainsi triplement doté : il comprendra un achat et une diffusion
du film par Ciné +, une aide importante à la distribution mais aussi, et cela importe, une aide matérielle à l’accompagnement,
prise en charge par le festival lui-même, afin de rémunérer les déplacements et les interventions en salle.
Il se trouve en outre – ce n’est pas un hasard – que cette troisième édition est entièrement traversée par une même idée.
Une même idée du cinéma ? Bien sûr. Mais à travers le cinéma, c’est aussi quelque chose de plus large qui est visé ici. Qu’ont
en commun, en effet, Jean-Pierre Léaud, Nobuhiro Suwa, Benoît Delépine & Gustave Kervern, Miguel Gomes et Caroline
Champetier ? Disons-le d’une formule célèbre : aucun d’entre eux n’est un professionnel de la profession.

Jean-Pierre Léaud a promené sa mine lunaire devant la caméra des plus grands cinéastes de la seconde moitié du XXe siècle, sans
jamais se sacrifier à aucun canon de ce qui est censé constituer le bien-jouer. Est-ce une star ? Un dieu vivant ? Un génial accident
dans l’histoire du cinéma ? Personne ne saurait dire.
Nobuhiro Suwa a toujours su déléguer son supposé pouvoir de cinéaste aux acteurs et aux techniciens : il a cosigné des films,
tourné plusieurs fois dans une langue – le français – qu’il ne comprend pas, généreusement partagé avec d’autres la paternité de
son œuvre. Aucun de ses films n’est définitif. Aucun même n’est proprement achevé. Cette troisième édition sera l’occasion que
l’un – le mime royal du cinéma français – rencontre l’autre – le plus grand cinéaste japonais en activité.
Benoît Delépine et Gustave Kervern ne sont pas passés de la télévision au cinéma pour courir après le prestige du grand écran.
Selon leurs propres mots, ils ont au contraire voulu par là échapper au travail et à ses contraintes, créer des situations nouvelles,
inouïes. Tournent-ils à deux pour être deux fois plus forts ? Non : pour que ni l’un ni l’autre n’aient à se demander où loge son
talent propre.
Miguel Gomes l’écrit dans le texte qu’il a rédigé pour présenter le programme composé en complément à son Tabou : s’il a repris
le titre du dernier film réalisé par Friedrich Wilhelm Murnau, et cosigné par Robert Flaherty, c’est pour essayer de retrouver la
composition de contrôle et d’improvisation qui en fait le caractère unique dans l’histoire du cinéma.
Caroline Champetier a été à deux reprises la collaboratrice privilégiée du grand cinéaste japonais, comme elle a été celle de tant
de grands cinéastes contemporains, de Jean-Luc Godard à Xavier Beauvois, de Philippe Garrel à Léos Carax : elle aussi sait ne
pas être propriétaire de son travail… Elle a accepté de présider le jury de la compétition internationale, et viendra donner une
conférence sur la manière dont le choix de l’outil influence le travail des cinéastes.

Cette édition est donc à ce jour la plus moderne du festival. Celle où la passion de livrer le cinéma à plus large, plus incertain que
lui, s’exprime avec le plus de force, c’est-à-dire aussi avec le plus d’abandon.

Un festival est toujours un paradoxe. D’un côté il offre en un temps resserré une concentration particulièrement intense de
cinéma. De l’autre sa richesse donne envie que tout se défasse : puissent les films ne pas faire seulement bloc, mais partir aussi
dans toutes les directions, sans rien qui les retienne… C’est ainsi que nous avons pensé ce festival, dans un double mouvement
qui ramène le cinéma à lui-même et, simultanément, l’offre au dehors. Ce fut le cas avec les éditions précédentes. Ce l’est encore
davantage avec celle-ci, où chaque programmation expose une certaine manière de le faire, mais aussi de le défaire. Au gré des
séances et des rencontres, le cinéma rencontrera la danse, la philosophie, le journalisme, la fin du monde… Il ne commence ni ne
finit jamais. Il est à La Roche-sur-Yon. Et il est déjà ailleurs, partout ailleurs.

Yannick Reix et Emmanuel Burdeau

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 la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 compétition internationale

compétition internationale
Avec Yannick Reix et Rebecca De Pas, nous nous sommes d’emblée donné quelques principes de travail concernant
l’élaboration de la compétition internationale. L’un d’eux fut de la restreindre à huit films, afin que chacun puisse exister
pleinement au sein de la programmation. Huit films, cela permet d’en projeter deux par jour pendant les quatre qui vont du
vendredi, lendemain de l’ouverture, au lundi, veille de la clôture. Et cela laisse assez d’espace pour une seconde projection.

Dès nos premiers contacts avec les cinéastes et les équipes, nous insistons sur l’importance que chaque film soit accompagné
« en personne ». Un festival tel que nous le concevons doit être ce moment choisi où le cinéma sort de l’écran pour venir à la
vie et susciter des échanges. Ce n’est pas une foire aux films mais l’hypothèse provisoire d’un monde. Il ne peut donc s’agir de
n’importe quels échanges : nous les souhaitons animés par le souci du partage et celui de prolonger la projection au-delà de
la projection. C’est pourquoi le moment de la discussion avec le public est dissocié de celui de la présentation en salle : autre
manière d’aider les films à sortir d’eux-mêmes en ménageant un peu de temps et de respiration dans la précipitation festivalière.
L’évidence se précise année après année : une compétition est une découverte et non une consécration. C’est encore plus vrai
pour l’édition 2012 que pour les précédentes. Une compétition est le moment où les spectateurs, dans une disposition d’esprit
qu’il est difficile de retrouver ailleurs, découvrent des films et des cinéastes que pour la plupart ils ne connaissent pas. C’est
le moment où ces mêmes films et ces mêmes cinéastes se découvrent, souvent pour la première fois. C’est un risque et une
promesse. Un don, même – osons le mot. Dans cette perspective, il nous semble plus que jamais naturel de privilégier les oeuvres
en train d’apparaître et les cinéastes non encore installés. Nous nous réjouissons, et nous sommes fiers que près de la moitié
de la compétition 2012 soit composée de premiers films. Ceux-là – et parfois les autres également – n’ont bien souvent pas de
distributeur français quand ils arrivent à la Roche sur Yon. Il nous appartient d’aider à ce qu’ils en trouvent un : le nouveau
partenariat noué avec Ciné + affirme l’engagement renforcé du festival à cet égard. Et la volonté d’accompagner les films bien
après la clôture et la remise du palmarès.
Une compétition est faite pour éclairer, dans tous les sens du mot. Notre place est là, en éclaireurs. Nous y trouvons notre plaisir
et notre excitation. Une telle politique, en vérité, guide la totalité de la programmation du festival : quels que soient leur âge
ou leur date, les films que nous montrons le sont en rapport avec une actualité, une nécessité présente, par exemple celle d’un
programmateur invité désireux de faire connaître le cinéma qui l’a marqué, et le marque encore, l’aide à travailler et à penser.
Comme les membres du jury de la compétition, ces programmateurs sont aussi bien des cinéastes que des philosophes ou des
écrivains, des critiques...
Quelqu’un remarqua un jour que ce qui distingue le festival international du film de la Roche sur Yon pourrait être qu’il est de
part en part éditorialisé. Le mot nous a plu. C’est bien volontiers que nous le reprenons aujourd’hui ! Il pourrait toutefois faire
croire à une ligne éditoriale établie a priori. Pas du tout. Il n’y a pas de critère pour sélectionner un film au sein de la compétition.
Nous ne guettons que la singularité, c’est-à-dire l’invention par chacun de ses propres critères. Que chaque film, tout en étant
unique, nous aide à mieux voir où va le cinéma, voilà qui serait formidable. Qu’il ne nous donne pas des certitudes mais des
indices.

Cette année encore, peut-être davantage même que les précédentes, une bonne proportion de films tiennent à la fois du
documentaire et de la fiction. Comment aurait-il pu en être autrement, puisque c’est tout ce que le cinéma comporte de plus
avancé qui œuvre aujourd’hui à cet endroit ? Ce n’est d’ailleurs même un endroit, mais une direction. D’une compétition, nous
n’attendons au fond que ceci : que chaque film indique un cap, appelle des regards propres à l’aider à s’ouvrir encore, à mieux
devenir ce qu’il est.
E.B.

les prix

LE GRAND PRIX DU JURY GRAND PRIX DU JURY CINE + LE PRIX de la PRESSE

doté de 4 000 euros par la ville de la Roche-sur-Yon
sous forme d’aide à la diffusion, le Grand Prix du festival
international du film de La Roche-sur-Yon est décerné par un
jury de professionnels du cinéma à l’un des 8 longs métrages
de la compétition. La vocation d’une compétition n’étant pas
simplement de montrer les films mais également d’aider les
films au moment de la sortie en salle, il était très important de
doter financièrement ce prix.
CINE+ CLUB, groupe CANAL +, est heureuse d’accompagner
le festival international de La Roche sur Yon pour la première
fois. Le grand prix du jury CINE+ récompense le lauréat
plébiscité par le jury professionnel. L’œuvre primée fera l’objet
d’une acquisition par CINE+ pour un prix minimum de 15 000
euros auprès du distributeur français dudit film (sous réserve
qu’il sorte en salles dans les deux ans à compter de la date de
sa présentation au festival international de La Roche sur Yon).
Découvrez ainsi Le grand prix du jury 2010, Putty Hill de
Matthew Porterfield, qui sera proposé sur CINE+ CLUB le 21
octobre à 22h20.
doté de 1 500 euros par la ville de la Roche-sur-Yon, attribué au
réalisateur lauréat, le Prix de la presse du festival international
du film de La Roche-sur-Yon est décerné par un jury de
journalistes à l’un des 8 longs métrages de la compétition.
LE PRIX DU PUBLIC
doté de 1 500 euros par l’association Festi’clap, attribué au
réalisateur lauréat, organisé par le quotidien Ouest-France
et décerné par les spectateurs qui peuvent voter après
chaque projection.
7...
 compétition internationale
Jury international
© Catherine Faux
présidente du jury
Caroline Champetier
a été directrice de la photographie auprès des plus grands cinéastes
contemporains : Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Claude
Lanzmann, Xavier Beauvois, Arnaud Desplechin, Philippe Garrel,
Léos Carax, Nobuhiro Suwa.... Celle qui débuta comme assistante
de William Lubtchansky a toujours été bien davantage qu’une
technicienne ; bien davantage, aussi, qu’une collaboratrice. Le titre
de « direction artistique », sous lequel elle apparaît au générique
d’Un couple parfait (N. Suwa, 2005), vaudrait pour la majorité
des films auxquels elle a été associée. Bien qu’elle n’ait reçu que
récemment le César de la Meilleure Photographie (en 2011, pour
Des hommes et des dieux de X. Beauvois), Caroline Champetier est
depuis 30 ans l’une des personnalités prépondérantes du cinéma
français. à la fois attentive au style de chaque cinéaste et portée par
une exigence propre reconduite de film en film, elle a notamment su
accompagner au plus précis les évolutions techniques du cinéma,
en particulier le passage de la pellicule au numérique. Elle vient
d’achever la réalisation d’un téléfilm intitulé Berthe Morisot.
...8
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
Marina Déak
a étudié la philosophie, le chinois, lu des scénarios et fait de la
photographie de plateau. Elle a réalisé plusieurs courts métrages
(Le Chemin de traverse, Les Profondeurs, Femme Femme) et
un long-métrage dont elle a interprété le premier rôle, Poursuite,
présenté en compétition à La Roche-sur-Yon en 2010 et sorti en
salles en mars 2011. Elle travaille en ce moment sur le suivant, écrit
pour d’autres, cherche aussi du côté du documentaire. Elle aime à
dire qu’elle fait « ce qu’[elle] peu[t] autour du désir et de la fiction,
pour de vrai et pour de faux, dans la vie et au cinéma – pour l’instant
l’histoire en est là ».
Nathalie Léger
est écrivain. Elle a notamment publié Les Vies silencieuses de Samuel
Beckett (Allia, 2006), L’Exposition (P.O.L., Prix Lavinal Printemps des
lecteurs 2009) et, récemment, Supplément à la vie de Barbara Loden
(P.O.L.), dans lequel elle évoque l’actrice et réalisatrice de l’inoubliable
Wanda (1970). Romanesque, autobiographique et documentaire,
profondément nourri de cinéma, de littérature et d’histoire, sous toutes
leurs formes, construit à la fois comme une fiction et comme un jeu
d’archives, ce récit a été accueilli avec enthousiasme par la critique et
le public. En juin 2012, il a reçu le Prix du Livre Inter. Directrice adjointe
de l’Institut Mémoires de l’édition contemporaine (IMEC), Nathalie Léger
a également été commissaire d’expositions : « Le Jeu et la Raison »,
consacrée à Antoine Vitez, « L’Auteur et son éditeur », ainsi que des
expositions Roland Barthes (2002) et Samuel Beckett (2007) au Centre
Pompidou. Elle est l’éditrice scientifique des deux derniers cours de
Roland Barthes au Collège de France, La Préparation du roman (Seuil-
IMEC, 2002) ainsi que du Journal de deuil (Seuil-IMEC, 2008).
Melvil Poupaud
né en 1973, est acteur, cinéaste, musicien et écrivain. Il tient son
premier rôle à l’âge de 10 ans dans La Ville des pirates de Raoul Ruiz,
pour lequel il jouera ensuite à huit autres reprises ! Il a également tourné
sous la direction de Jacques Doillon, Benoît Jacquot, Laurence Ferreira-
Barbosa, éric Rohmer, James Ivory, Arnaud Desplechin et même les
frères Wachowski. Acteur aussi discret que précis, il a récemment
interprété, dans Laurence Anyways du Québecois Xavier Dolan, le rôle
le plus complexe et complet de sa carrière, celui d’un homme décidé à
devenir la femme qu’il a toujours été. En 2006, il réalise un long métrage
autobiographique simplement intitulé Melvil. Il développe parallèlement
une activité de musicien aux côtés de son frère Yarol, notamment au
sein du groupe Black Minou. Melvil Poupaud a publié en 2011 un roman
autobiographique, Quel est Mon noM (éditions Stock), dans lequel il
évoque ses différentes rencontres, notamment avec Raoul Ruiz et avec
le grand critique de cinéma Serge Daney.
Bettina Steinbrügge
vit et travaille à Vienne. Après avoir étudié l’histoire de l’art, la philologie
anglaise et la littérature comparée, elle opère dans de nombreux
champs artistiques : curatrice indépendante, conférencière, critique
d’art et journaliste de presse spécialisée. De 2001 à 2008, elle a dirigé
conjointement la Halle für Kunst à Lüneburg et les résidences d’artistes
au château Bleckede tout en enseignant l’art théorique et la pratique
curatoriale à l’université de Lüneburg. à partir de 2009, elle a enseigné
à la Haute école d’art et de design de Genève. De 2007 à 2012, elle a
fait partie du comité de sélection pour le Forum Expanded au Festival
international du film de Berlin. Elle est depuis 2012 conseillère pour
le festival du film de Florence. Elle est également commissaire d’art
contemporain à la Kunsthalle Mulhouse - Centre d’art contemporain et
au Belvédère de Vienne. Elle a publié plusieurs monographies et écrit
pour de nombreux catalogues et diverses publications telles que les
magazines Art South Africa, IDEA... Elle s’intéresse particulièrement
au concept de musée au XXIe siècle, aux formes de la critique d’art et
aux rapports d’interface entre art et cinéma.
 la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 compétition internationale

Marina Déak Nathalie Léger

Melvil Poupaud Bettina Steinbrügge

Jury presse

Francisco Ferreira Noémie Luciani Laurent Mareschal

L’Expresso (Portugal) Le Monde et Independencia.fr Pulsomatic 9...
 compétition internationale
AUJOURD’HUI
Alain Gomis
Sénégal / France . sortie France prévue le 9 janvier 2013 . 1h28 . dcp & blu-ray
Avec Saul Williams, Aïssa Maïga, Anisia Uzeyman scénario A. Gomis, Djolof Mbengue
en collaboration avec Marc Wels Image Crystel Fournier Montage Fabrice Rouad
Production Granit Films, Maïa Cinema Distribution Jour2fête
Satché sait qu’il va mourir ce soir. C’est un savoir de conte : rien ne
peut l’expliquer, rien non plus ne peut venir le remettre en cause. C’est
un savoir de film, un savoir de cinéma. Le plus simple, le plus net : le
film qui commence aura une fin, et cette fin sera la fin. Mais il y aura eu
un jour entre les deux, il y aura eu un film. Le troisième long métrage
– après L’Afrance et Andalucia – du cinéaste franco-sénégalais Alain
Gomis s’appelle bien Aujourd’hui. C’est le don d’un jour, le don du jour
qui est offert à Satché. Le don de vivre vraiment une journée, du début
à la fin. Vivre une dernière fois ? Revivre, plutôt. Vivre enfin.
Satché se réveille au milieu de sa famille et des siens, réunis en
cercle pour le saluer et lui dire adieu. Puis il traverse la ville, revoit
ses amis, ses amours, apprend la douceur des soins qui seront
bientôt administrés à son cadavre… Le jour passe selon des tempos
qui ne cessent de varier et s’articulent avec beaucoup de subtilité,
une science toute musicale : vitesse et lenteur ; mouvement et arrêt
; improvisation et chorégraphie ; silence, paroles et chant ; solitude
et foule… Satché est déjà mort. Non : il n’a jamais été aussi vivant. Il
n’a jamais respiré ni senti autant. Ce que réussit Gomis est rare : un
film qui ne serait ni gai ni triste, simplement attentif à ce qui a lieu. De
cette façon, grâce à l’arbitraire du conte et à la liberté que cet arbitraire
communique à la mise en scène, il parvient également – peut-être
surtout – à porter un regard neuf sur Dakar et le Sénégal.
FRANCINE
Brian M. Cassidy, Melanie Shatzky
état-unis / Canada . 2012 . 1h14 . fichier hd . premier film
Avec Melissa Leo, Victoria Charkut, Keith Leonard Scénario BM. Cassidy, M.
Shatzky Image BM. Cassidy Montage  BM. Cassidy, Benjamin Gray, M. Shatzky,
Production Washington Square Films, Pigeon Projects present Ventes internationales
The Film Sales Compagny
Francine sort de prison. On ne saura pas ce qui l’y avait conduite. Francine
ne dira pas davantage quelle place elle aimerait trouver ou retrouver, au
sein de quel monde, maintenant qu’elle n’est plus enfermée. Son silence,
la fatigue de son visage, le minimalisme de maintes scènes évoquent de
prime abord une certaine tendance du cinéma d’auteur international : se
tenir à l’écart du bruissement du monde et du bavardage commercial.
Miser sur le retrait, sur la pureté. Il en va différemment avec Brian M.
Cassidy et Melanie Shatzky. Francine se laisse emporter par la surprise
d’un concert de heavy metal au milieu d’un champ, au son duquel elle
agite la tête et tout le corps sans retenue, comme si elle avait enfin
trouvé une langue selon son coeur. Francine se laisse prendre par une
rencontre de passage, la tête collée contre un miroir où nous voyons
son reflet : voici sans doute une des rares scènes de sexe réussies
du cinéma contemporain, sinon du cinéma tout court. Francine et une
amie de hasard s’enlacent. Francine a chez elle une colonie de chats,
et bientôt elle trouve une place chez un vétérinaire. Là, la proximité des
animaux blessés la bouleverse, les chiens qu’on pique, les chattes qu’on
stérilise, le mutisme de leur souffrance répondant à son propre mutisme.
Francine n’est pas butée. Elle est un être d’abandon et d’amour, auquel
Melissa Léo - actrice dans les séries Treme et Louie, lauréate d’un oscar
pour The Fighter - prête sa beauté sans fard. Francine n’est pas un film
sur la réserve. C’est un film sur la compassion. En sourdine, on peut y
entendre résonner une formule fameuse : « L’homme - la femme - qui
souffre est une bête. La bête qui souffre est un homme - une femme. »
Pas plus contemporain que ce souci-là.
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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
première française
La Dernière fois
que j’ai vu Macao
João Pedro Rodrigues,
João Rui Guerra da Mata
portugal / france . 2012 . 1h25 . dcp
Avec JP. Rodrigues, JR. Guerra da Mata, Cindy Scrash Scénario JP. Rodrigues,
R. Guerra da Mata Montage  JP. Rodrigues, R. Guerra da Mata, Raphaël Lefèvre
Production Épicentre Films, Blackmaria Distribution Épicentre Films
En 2011, Joao Pedro Rodrigues et Joao Rui Guerra da Mata réalisaient
un court métrage documentaire tourné dans un marché couvert de
Macao. Alvorada Vermelha - l’aube rouge - s’ouvrait par un escarpin
rouge renversé dans la nuit et se fermait par l’image d’une sirène frétillant
dans un bassin, suivie d’une dédicace à l’actrice Jane Russell, qui venait
alors de disparaître. Entre autres rôles, les cinéphiles se souviennent
l’avoir vue aux côtés de Marilyn Monroe, dans Les Hommes préfèrent
les blondes de Howard Hawks, et de Robert Mitchum, dans Macao - Le
Paradis des mauvais garçons de Josef von Sternberg, Nicholas Ray et
Howard Hughes. La Dernière fois que j’ai vu Macao est la suite d’Alvorada
Vermelha. Mieux que la suite : son développement, son explicitation. Les
ingrédients sont les mêmes : la fascination pour un lieu s’y exprime à
nouveau dans les termes a priori opposés de l’exploration réaliste et de
l’hommage à l’usine à rêves hollywoodienne. Le documentaire se mêle
à nouveau à la fiction, et même à la fantasmagorie, ainsi qu’il arrive de
plus en plus aujourd’hui. Un homme quitte Lisbonne pour Macao, trente
ans après l’avoir quitté, parce qu’il a reçu un e-mail alarmant de son
amie Candy - dont tout porte à penser, mais rien ne prouve, qu’elle est
la danseuse glamour de la scène inaugurale. A son arrivée, Candy a
disparu. Dans quelle piège est-elle tombée ? Quelle liaison dangereuse ?
L’homme enquête, marche, se perd, redécouvre Macao. Maints fantômes
passent, ceux de son enfance, ceux du passé colonial, ceux des femmes
fatales et des polars, des séries B et des ombres à la fois redoutées et
aimées. Comme si la mémoire d’un être, celle d’une ville et celle du grand
cinéma romanesque d’autrefois étaient devenues une seule et même
chose : une seule et même réalité, une seule et même chimère.
première internationale
L’Intervallo
Leonardo Di Costanzo
italie . 2012 . 1h21 . DCP . premier film
Avec Alessio Gallo, Francesca Riso, Salvatore Ruocco, Carmine Paternoster Scénario L.
di Costanzo Image Luca Bigazzi Montage Carlotta Cristiani Production  Tempesta Film
Ventes internationales Bellissima Films
Veronica et Salvatore passent ensemble une journée dans une grande
maison désaffectée des abords de Naples. Ils ont entre quatorze et
seize ans. Veronica s’est aventurée à flirter avec un garçon d’un autre
quartier, et les voyous de la mafia locale ont jugé nécessaire de la punir
en la plaçant sur la surveillance de Salvatore, dont l’ordinaire passe à
vendre de la glace à travers la ville. Elle est effrontée, il est gauche. Elle
le provoque, il se défend comme il peut. Le film s’ouvre au matin et se
clôt à la nuit. Unité d’action et de lieu ? Pas tout à fait. Si la relation entre
les deux adolescents va bien de la méfiance à la complicité, elle restera
sans terme ni apogée, et peut-être même sans leçon : elle n’aura guère
été qu’un intervalle. Que la maison demeure le seul théâtre n’empêche
pas les chausse-trappes et les dégagements, tantôt réalistes, tantôt
plus volontiers oniriques. Echappée vers un sous-sol où un lac et une
barque attendent les visiteurs ; vers des recoins où une chienne, tout à
coup éclairée comme à la bougie, nourrit ses petits ; vers une chambre
où souffle encore l’esprit d’un fantôme ; vers une forêt où ils manquent
de se perdre et où Salvatore montre à Veronica comment apprendre
des oiseaux s’il va bientôt pleuvoir ; vers un toit – plus belle scène du
film – depuis lequel, dominant et observant les alentours, Veronica et
Salvatore imaginent qui ils souhaiteraient tuer, et qui épargner, si le
pouvoir leur en était magiquement donné. Le lieu aussi, le lieu surtout est
donc rempli d’intervalles et d’interstices, de respirations et d’ouvertures
insoupçonnées. Première fiction d’un cinéaste rompu au documentaire,
L’Intervallo est une méditation délicate sur les contraintes et les délices,
les apories et les libertés de l’emprisonnement provisoire.
aujourd’hui © Jour2Fête - francine © The Film Sales Compagny - la dernière fois que j’ai vu macao © épicentre Films - L’intervallo © Bellissima Films 11...
 compétition internationale
première française
LOS MEJORES TEMAS
Nicolás Pereda
Mexique . 2012 . 1h42 . dcp
Avec Teresa Sánchez, Gabino Rodriguez, José Rodríguez, Luis Rodríguez, Luisa Pardo
Scénario N. Pereda Image  Alejandro Coronado, Peter Gomez Montage  N. Pereda
Production  Interior13 Cine, FOPROCINE, IMCINE Ventes internationales Interior13 Cine
Le cinéaste mexicain Nicolás Pereda n’a que 30 ans, et pourtant
Los Mejores Temas est déjà son sixième long métrage. Verano de
Goliat et Perpetuum Mobile ont récemment fait les riches heures
des festivals internationaux. Sous la douche, dans la cuisine, au lit,
partout, un jeune homme s’entraîne à mémoriser, pour mieux savoir
les vendre, les titres des cent plus grands succès de la chanson
mexicaine : Je t’ai dans la peau, Si jamais tu me quittais, A jamais
amoureux... Comme un charme et sans voir où est le problème, son
père revient au domicile conjugal après 15 ans d’absence. Le rôle
est interprété par un acteur, puis par un autre. Chacun à son tour, le
premier père, puis le second, de même que tous les personnages,
viendront prendre la pose immobile devant la caméra, sur fond
de Variations Golberg. C’est assez clair : variations et reprises,
différence et répétition, improvisation et mise en scène sont ici les
motifs, au sens à la fois musical et cinématographique, enchaînés et
déchaînés avec une manière de virtuosité sereine qui laisse pantois.
Et à travers ces motifs, c’est bien sûr la rencontre du documentaire
et de la fiction qu’orchestre Nicolás Pereda, une fois de plus.
L’un et l’autre non pas opposés mais pareils aux deux extrémités
d’un même bâton, comme aimait à le formuler le critique Serge
Daney. Nicolás Pereda, qui filme ici à nouveau son acteur fétiche,
Gabino Rodriguez, en parle très bien : « On reproche souvent aux
documentaires d’être des fictions. Mais on peut aussi se demander
si les fictions sont des documentaires. Le masque de l’acteur peut
venir du dedans, pas forcément lui être étranger. Je cherche qui
est la personne sur l’écran, et quand est-ce que ces personnages
deviennent plus réels. »
première internationale
PINCUS
David Fenster
état-unis . 2012 . 1h18 . fichier hd . premier film
Avec Paul Fenster, Dietmar Franusch, Christi Idavoy, David Nordstrom Scénario D. Fenster
Image D. Fenster Montage D. Fenster Production Phil Lord Remerciements D. Fenster
David Fenster dispose d’une longue expérience dans la vidéo, le
documentaire et l’art contemporain. Il a été chef opérateur, notamment
pour The Last Buffalo Hunt de Lee Anne Schmitt. Mais Pincus est son
premier long métrage. Celui-ci avance sur deux jambes. D’une part
Paul Fenster, père du cinéaste, atteint de la maladie de Parkinson
depuis quinze ans. Fenster Senior interprète ici, si l’on ose dire, son
propre rôle. D’autre part Pincus Finster, son fils de fiction - mais la
proximité des patronymes est transparente -, interprété par David
Nordstrom. Le temps de Pincus passe tantôt à s’occuper de son père,
tantôt à se droguer, glander, ne tenir aucun de ses engagements
professionnels - il retape, ou prétend retaper de vieilles maisons.
Impressionnantes scènes où Pincus, en voiture, écoute sans broncher
les messages scandalisés laissés par les employeurs à qui, depuis
des jours ou des semaines, il n’a donné aucune nouvelle. C’est peut-
être qu’à travers l’apparence de son absence à tout, le jeune homme
poursuit un autre but. Il semble en effet trouver la paix, sinon la grâce,
auprès de son ami Dietmar, un vieil immigré allemand clandestin, ou
bien lors de séances de yoga où il espère rencontrer des filles, mais
aussi avoir accès à une manière de vérité spirituelle supérieure. David
Fenster affirme avoir voulu « réaliser un film sur l’opposition entre
la puissance de mon désir d’envisager le monde comme un endroit
magique et la puissance au moins égale de mon cynisme ». Pincus
est d’autant plus beau qu’il ne tient d’abord sur rien, quelques gestes,
quelques menues attentions, l’affection qui subsiste entre un père et
un fils, l’obstination discrète d’un héros dénué de séduction manifeste.
Mais il ne cesse de gagner en finesse et en ampleur à mesure qu’il
avance, que la « quête » de Pincus se précise et qu’au récit au présent
s’ajoutent des archives documentaires de la famille de Fenster et de la
ville, Miami, où il a grandi.
...12
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
SHARQIYA
Ami Livne
Israël . sortie prévue le 7 novembre 2012 . 1h22 . dcp . premier film
Avec Adnan Abu Wadi, Maysa Abed Alhadi, Adnan Abu Muhareb, Eli Menashe Scénario
Guy Ofran Image Boaz Yehonathan Ya’acov Montage Zohar Sela Production EZ Films,
Golden Cinema, Laila Films, Detail Film Distribution ASC Distribution
La puissance de Sharqiya procède de plusieurs inversions. Kamel
est Bédouin. Il habite avec sa belle-sœur et son frère un village non-
autorisé dans le désert, au sud d’Israël. A peine un village : quelques
frêles baraques en tôle meublées de bric et de broc, d’objets trouvés, de
récup’. Peu de chose, que les autorités s’apprêtent pourtant à détruire,
et qu’il faudra ensuite reconstruire, comme si rien n’avait eu lieu, en
attendant la prochaine destruction. C’est la première inversion : filmer
l’exil, l’expropriation, le travail aveugle des pelleteuses, non pas en
Palestine, mais bien en Israël. Deuxième inversion : l’homme qui ne peut
rien garder est préposé à garder les autres. Kamel est vigile. Lui dont
la vie est la précarité même a en charge la sécurité d’une gare routière.
La troisième inversion est la plus frappante. Kamel a une idée : il ne la
dit pas, mais le spectateur en suit précisément le trajet à ses gestes,
ses regards... Son idée : placer une bombe dans la gare. Se donner
comme celui qui l’a découverte. Poser en héros devant les caméras.
Profiter des micros tendus pour attirer l’attention nationale sur son
sort. Empêcher ainsi la destruction de son logis. Le plan est intelligent.
Il va fonctionner. De bout en bout ? Presque. Kamel aura son quart
d’heure de gloire, mais celui-ci n’aura aucune incidence sur la décision
des autorités. Tout reste donc à faire, à recommencer. Comment mieux
suggérer le désarroi d’Israël qu’en superposant sur un même visage les
trois figures de l’exproprié, du terroriste et du policier ? Comment dire
mieux l’aberration et l’impuissance ? Ami Livne ne parle ici que d’Israël.
Ne serait-ce pas aussi juste, pourtant, d’avancer qu’il ne parle que de la
Palestine ? Sharqiya est un film calme, posé, d’autant plus terrible : un
western du désespoir contemporain.
Tomorrow
Andrey Gryazev
russie . 2012 . 1h28 . blu-ray
Avec Oleg Vorotnikov, Natalia Sokol, Kasper Vorotnikov, Leonid Nikolaev. Image A.
Gryazev Montage A. Gryazev Production A. Gryazev, This-and-That Distribution Rise
and Shine World Sales UG
« Voina » est le nom d’un collectif d’artistes et d’activistes russes à
la tête duquel se trouve un couple, celui que forment l’imposant Oleg
Vorotnikov et la fragile – mais forte, aussi, ô combien – Natalia Sokol.
Le collectif s’est rendu fameux ces dernières années par le vol, le
vandalisme ou le détournement : magasins pillés, banderoles arrachées,
phallus de soixante mètres dessiné sur un pont à levier, voiture de police
renversée… Cette dernière action a fait leur réputation. C’est elle qui
conduira Oleg en prison pour quelques mois et donnera à « Voina » un
fort retentissement médiatique. Natalia en bricolera même une version
animée en pâte à modeler !
Ancien champion de patinage artistique – cela ne s’invente pas –,
Andrey Gryazev a tourné ce documentaire seul, pour un budget quasi
nul estimé à 2 000 dollars. Dans la nuit et dans le froid, bien souvent, il a
suivi le groupe dans la préparation de ses coups, ses difficiles conditions
de survie, au rythme de l’affection et des heurts entre Oleg et Natalia, de
l’éducation de Casper, leur jeune fils âgé d’un an et demi, personnage
toujours en plus important à mesure qu’avance le film, de sorte que
c’est peut-être à lui d’abord qu’en est dédié le titre. Tomorrow est un
film, mais c’est aussi, plus fondamentalement peut-être, une archive,
une preuve, un témoignage. De quoi ? Le témoignage irréfutable d’une
guerre – c’est le sens du mot russe « Voina ». Gryazev montre ce qu’il
faut d’invention et de ténacité quotidiennes, mais aussi d’humour et de
débrouille, tout simplement, pour agir et lutter aujourd’hui dans la Russie
de Poutine, celle-là même – on ne peut pas ne pas y penser – qui vient
de condamner au camp les Pussy Riots.
E.B.
Los mejores temas © Interior13 Cine - pincus © David Fenster - sharqiya © ASC - tomorrow © Andrei Gryazev
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 jean-pierre léaud panorama en dix films la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

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©
 « À la lecture du scénario du
Pornographe, je me suis dit :
“Mais qu’est ce que c’est que
ça ?” J’avais l’impression qu’on
m’invitait dans une partouze,

jean-pierre léaud
dans une Strauss-Kahn… »

« La vie n’existe que quand je tourne »

Qu’est-ce que Jean-Pierre Léaud ? Un acteur ? N’est-il pas plutôt le plus génial des « non-
acteurs professionnels » ? Il a créé une manière de ne pas jouer, ou de rêver ses rôles, de les
halluciner. Sans emphase, en levant seulement l’index en l’air ou les yeux au ciel. On a parlé de
lui comme de l’invention majeure de la Nouvelle Vague. On l’a comparé aux stars du muet, par
exemple Buster Keaton. On l’a dit « mime et médium ». Léaud est le trésor vivant de ce que le
cinéma français – et pas seulement français – a créé de meilleur depuis cinquante ans. Il a été et est
encore le modèle de tant d’acteurs venus à sa suite, Mathieu Amalric, Louis Garrel… Sa présence
dans les films est toujours inexplicable, elle tient du miracle ou de l’hypothèse pure. C’est dire
combien nous sommes fiers de pouvoir, grâce à Thierry Lounas qui l’a interviewé pour So Film,
l’accueillir pour un panorama de dix films, de Truffaut à Bonello, d’Eustache à Tsai Ming-liang, de
Godard à Garrel, de Skolimowski à Belvaux ou Dubroux…

Peut-on être un mythe et très en forme ? Oui, Jean-Pierre Léaud le prouve. L’acteur fétiche de la Nouvelle Vague – et la plus
belle filmographie d’Europe – est d’abord un cinéphile passionné et un « intellectuel » de combat. À l’occasion de la sortie du
dernier film de Noémie Lvovsky, Camille redouble, où il tient le rôle de l’horloger, Léaud a accepté de se mettre à table dans son
restaurant fétiche de Montparnasse. Accompagné de sa femme, Brigitte Duvivier, car, de son propre aveu, « quand elle est là,
je m’illumine ». Il n’avait pas donné d’entretien depuis plusieurs années. Mais Léaud veut qu’on le sache : il est dans la place.

Veuillez m’excuser si je ne tiens pas la cadence des questions/réponses. Ce n’est pas du tout mon habitude de répondre aux
journalistes. Et je ne suis pas très entraîné non plus. C’est très sportif, un entretien. Vous avez vu le film de Noémie Lvovsky
(Camille redouble, ndlr) ? Oui ? Vous avez donc un avantage sur moi parce que je ne vois pas les films dans lesquels je tourne.
Depuis la mort de François Truffaut, j’ai peur d’être trop critique à mon égard. J’ai peur que l’image très narcissique que j’ai de
moi-même ne corresponde pas à l’objectivité de la pellicule.

Truffaut parlait de vous comme d’un acteur « antidocumentaire », de science-fiction… Vous êtes d’accord avec lui ? Au cinéma
peut-être ; dans la vie, non. Je suis complètement différent dans la vie et au cinéma. Quand je tourne, je suis là. J’ai ma musique.
J’ai mon texte. Il y a la caméra. Il n’y a plus qu’un seul moment : celui où je m’inscris avec mon corps dans le jeu, pour créer le
personnage. Dans la vie : il n’y a pas tout ça. Donc je ne crée pas un personnage dans la vie de tous les jours. J’ai mon costume,
ma cravate, mais il ne se passe rien. La vie n’existe que quand je tourne. Voilà le paradoxe.

Êtes-vous le genre d’acteur à travailler ? Je suis un bûcheur ! J’arrive avec mes repères, j’ai le texte. À ce moment-là, je suis, je
lis, je dis, j’existe. Mais il faut la caméra. Dans la vie, il n’y a pas de caméra et je deviens ennuyeux. La caméra, c’est mon point de
repère. D’ailleurs, je n’ai pas vu le film de Carax (Holy Motors, ndlr), mais il paraît qu’à un moment, Lavant dit : « Sans la caméra,
je n’ai plus de point de repère, je ne sais plus quoi être. » Je dirais exactement la même chose à mon sujet. C’est là le paradoxe :
je suis complètement à l’aise devant une caméra, dix mille fois plus que dans la vie. C’est clair : j’ai commencé à 14 ans. À 14 ans,
j’étais naturel devant la caméra. J’aimais déjà ce moment d’énergie dans lequel vous vous appropriez la densité qui est sur le
plateau, pour créer, pour faire des propositions, une gestuelle, des mimiques… Je n’ai pas ce qu’on appelle « le trac ». Dans la
vie, on peut être timide, ne pas oser dire quelque chose qui nous tient à cœur. Devant la caméra, je m’en fous, je dis tout. J’ai la
même volonté et la même véhémence que j’avais à l’époque des 400 Coups.

Y a-t-il une part d’improvisation dans votre interprétation ? Tout est improvisé, rien n’est improvisé. Je ne change jamais le texte,
j’improvise à l’intérieur du texte. Je répète jusqu’à saturation complète du sens, jusqu’à ce qu’on n’y comprenne plus rien et,
tout à coup, il y a une sorte d’aimant interne qui vient de ma mère et je sens comment je dois retrouver le texte. C’est-à-dire du
signifié au signifiant ! Jusqu’au morphème ! Jusqu’au phonème ! Je vais tout décortiquer jusqu’à l’incompréhensible complet ! De
manière à ce que ça entre… Et je retrouve sur le plateau le naturel et l’invention… J’ai le texte dans la tête toute la journée ; il ne
me reste plus, au moment de la prise, qu’à faire une composition… Et le metteur en scène dit : « Oui, on garde ça ou ça », et voilà.

Vous répétez ? Oui, mais tout seul. Prenez La Maman et la Putain. Le personnage principal, ce n’est pas l’acteur ou l’actrice,
c’est le texte, le texte de Jean Eustache. Bon, là, pour la première fois de ma vie, quand ça m’est tombé entre les mains, je me
suis dit : « J’ai besoin absolument de quelqu’un qui me fasse répéter. » À l’oreille, tous les soirs, j’ai commencé à apprendre
avec quelqu’un qui me soufflait. Il se trouve que c’était la fille avec qui j’étais à l’époque. Heureusement qu’elle était là,
Eustache était tellement intraitable : au mot près, à la virgule près et une seule prise par plan.

15...
© Samuel Kirszenbaum
 jean-pierre léaud panorama en dix films la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

Il ne vous arrive jamais de changer le texte, de faire des propositions au

cinéaste ? Changer le texte non, mais des propositions parfois, comme avec
Bertrand Bonello. À la lecture de son scénario, Le Pornographe, je me suis dit :
« Mais qu’est-ce que c’est que ça ? » J’avais l’impression qu’on m’invitait dans
une partouze, dans une Strauss-Kahn… J’ai contacté Suzanne Schiffman, la
scénariste de Truffaut, qui m’a rassuré en me disant : « Non, le scénario est
beau, c’est de l’art, pas un film porno. » J’ai accepté de jouer mais j’ai fait
savoir à Bonello que je n’étais pas obligé d’être dans le plan quand il y avait,
par exemple, une pipe ou une fellation. J’ai dit à Bonello : « Tu me mets dans
le champ et, dans le contre-champ, tu mets tout ce que tu veux : les pipes, les
fellations et tout le reste du film. »

Vous êtes contre les films pornos par principe ? Pas par principe du tout.
François Truffaut, lui, était contre. Un jour, je le croise dans la rue et on
rencontre un producteur que je connaissais bien – qui est mort il n’y a pas
très longtemps, d’ailleurs – et François me dit : « Tu vois ce type là-bas ? S’il
savait que le cinéma porno rapporte du pognon, eh bien il serait producteur
de films pornos. » C’est ce qu’il pouvait dire de pire sur quelqu’un.

Mais Godard aurait très bien pu faire un film porno, non ? Certaines scènes
de ses films s’en approchent. Ah mais Jean-Luc, c’est le seul qui pourrait
se le permettre ! Parce que son regard moral est tel que ce n’est plus du
tout porno. Ce qui fait bander tout le monde, tout d’un coup, ne ferait plus
bander personne ! C’est ça, Jean-Luc. Comme Bonello n’est pas Jean-Luc, j’ai
fait du champ-contrechamp avec lui. Avec Godard j’aurais accepté de tout
faire dans un même plan. C’est tellement scientifique que ce n’est plus porno
pour personne !

Vous avez malgré tout joué dans un film de Pasolini qui s’appelle Porcherie...
Oui, mais le bourgeois gauchiste que je joue se fait quand même bouffer par
les porcs. C’est ça la morale de l’histoire : les porcs sont bouffés par les porcs.

Comment s’est passé le tournage ? Ça s’est mal passé. Pasolini sur un plateau,
c’est la nuit des temps, c’est les abysses. Il vous donne le texte la veille du
tournage, donc pour ma méthode de travail, pour répéter, cela devient
compliqué. Il ne cessait de dire, et je me le répèterai toute ma vie : « Plus
mozartien ». Mais je ne voyais pas trop ce que Mozart venait faire là. Pourtant,
j’étais fou de joie de tourner avec Pier Paolo, car à l’époque on se connaissait
et on s’aimait tous. Ensuite, après le tournage, j’ai eu une petite déprime et
quelqu’un m’a emmené en Grèce pour que j’aille mieux. Il pensait que le soleil,
les vagues, la mer me feraient du bien. La proposition n’était pas méchante,
seulement ça s’est passé au moment où Pier Paolo postsynchronisait le film.
Comme je n’étais pas là, il a mis une autre voix, la voix d’un autre, à la place de
la mienne. Alors bon, ça c’est un grand regret parce que j’aurais préféré que
ce soit ma voix et que j’incarne le personnage à part entière. Je l’ai amèrement
regretté. Je suis allé à Rome, j’ai demandé la copie, j’ai synchronisé ma voix
et j’ai demandé à ce qu’il enlève la voix du type en question. Mais ça n’a pas
marché et donc ce qu’il reste, c’est la voix d’un autre, sur mon corps.

Ce corps sans votre voix, c’est encore vous ? Ça dénature tout. À la limite
un geste sans parole, pourquoi pas. C’est même ma quête. On a besoin des
gestes.

À part Porcherie, un tournage qui se passe spécialement mal, ça vous est déjà
arrivé ? La seule chose qui puisse vraiment m’arriver sur un film, c’est que je
n’arrive pas à appliquer ma méthode de travail. Que je ne sois pas parfait. Et
que je n’arrive pas à créer quelque chose qui serait un film dans le film. Parce
que moi, je réalise toujours un film dans le film. Mais avec Godard, c’est pas
si facile : il voit bien que j’essaye de prendre les choses à mon compte, que
je mets un petit peu en scène. Alors il y a un bras de fer, mais on s’adore. On
s’adore, on s’adore, on s’adore. Par exemple, Noémie Lvovsky m’a dit : « Vous
êtes un grand directeur d’acteurs, vous avez réussi à faire changer ma façon de
jouer pour m’adapter à votre rôle. Vous êtes celui qui donne le la. »

Propos recueillis par Thierry Lounas et Aurélien Bellanger

Extrait SO FILM n°3, septembre 2012.

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le départ © Malavida

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 jean-pierre léaud panorama en dix films
les 400 coups
François Truffaut
France . 1959 . 1h33 . N&B . 35mm
Avec J-P. Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy François sénario F. Truffaut, Marcel Moussy
Image Henri Decaë Montage Marie-Josèphe Yoyotte Production Les Films du Carrosse
Distribution MK2 Diffusion
Antoine a une adolescence turbulente. Il ment à ses parents
indifférents à son sort, vole, fugue. Son seul réconfort, il fait les quatre
cents coups avec son ami René. Un jour, la police s’en mêle.
Le Père Noël a les yeux bleus
Jean Eustache
France . 1966 . 0h47 . N&B . 35mm
Avec J-P. Léaud, Gérard Zimmermann, Henri Martinez sénario J. Eustache Image
Néstor Almendros, Daniel Lacambre, Philippe Théaudière Production Jean-Luc Godard,
Anouchka Films Distribution Tamasa Distribution
Daniel est pauvre. Il aimerait s’acheter un duffle-coat pour être à la
mode et séduire les filles. Un emploi de Père Noël va lui permettre de
gagner de l’argent tout en séduisant les jeunes filles.
Masculin, féminin
Jean-Luc Godard
france . 1966 . 1h06 . N&B . dvd
Avec J-P. Léaud, Chantal Goya, Marlène Jobert sénario J-L. Godard d’après l’œuvre de
Guy de Maupassant Image Willy Kurant Montage Agnès Guillemot Production Anouchka
Films, Argos Films, Sandrews, Svensk Filmindustri (S.F.) Distribution Tamasa Distribution
Paul, jeune homme soucieux de s’intégrer, n’a d’yeux que pour
Madeleine, parfait produit de la société de consommation. Alors qu’il
fait visiter un immeuble en construction à deux de ses amies, il glisse
sur un échafaudage et se tue. Est-ce un suicide ou un accident ? De
l’incertitude devant la vie des « enfants de Marx et du Coca-Cola » et,
selon Godard, « un film dit de "jeunes" sur des jeunes gens ».
Le Départ
Jerzy Skolimowski
Belgique . 1967 . 1h29 . N&B . betanum
Avec J-P. Léaud, Catherine-Isabelle Duport, Paul Roland sénario Andrzej Kostenko,
J. Skolimowski Image Willy Kurant Montage Bob Wade Production Bronka Ricquier
Distribution Malavida
Marc a 19 ans. Garçon coiffeur, il aime les voitures et veut participer
au départ d’un rallye qui va avoir lieu dans deux jours. Seulement, il
n’a pas de voiture. Nous allons le suivre pendant 48 heures dans sa
course effrénée à travers Bruxelles à la recherche d’un véhicule ou
de l’argent pour se le procurer. Finalement le hasard lui amène une
voiture à domicile. Pourtant le départ n’aura pas lieu.
J’ai engagé un tueur
Aki Kaurismäki
finlande . 1991 . 1h20 . 35mm
Avec J-P. Léaud, Margi Clarke, Serge Reggiani sénario A. Kaurismäki Image Timo
Salminen Montage Timo Salminen Production Pyramide Films, Pandora Filmproduktion
GmbH, Svenska Filminstistutet, Villealfa Filmproductions Distribution Pyramide Distribution
Henri Boulange a décidé de mettre fin à ses jours. Devant les difficultés
qui s’accumulent, grève des agents du gaz et ses maladresses
personnelles, il décide d’engager un tueur.
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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
La Naissance de l’amour
Philippe Garrel
France . 1993 . 1h34 . 35mm
Avec J-P. Léaud, Lou Castel, Johanna ter Steege sénario P. Garrel, Muriel Cerf, Marc
Cholodenko Image André Clément, Raoul Coutard Montage Sophie Coussein, Yann
Dedet, Nathalie Hubert, Alexandra Strauss Production Why Not Productions, Vega Film
AG Distribution Why Not Productions
Film document sur la vie de deux amis, Paul et Marcus, l’un comédien,
l’autre écrivain, qui se débattent dans des histoires d’amour.
Le Journal du séducteur
Danièle Dubroux
France . 1995 . 1h35 . 35mm
Avec J-P. Léaud, Chiara Mastroianni, Melvil Poupaud, Mathieu Amalric sénario D. Dubroux
d’après l’oeuvre de Søren Kirkegaard Image Laurent Machuel Montage Jean-François
Naudon Production Gémini Films, StudioCanal Remerciements Danièle Dubroux,
Cinémathèque de Grenoble
Un garcon décide de séduire une jeune fille rencontrée au hasard et
note dans son journal les pièges qu’il va lui tendre pour exalter chez
elle le sentiment amoureux.
Pour rire !
Lucas Belvaux
France . 1997 . 1h40 . 35mm
Avec J-P. Léaud,Ornella Muti sénario L. Belvaux Image Laurent Barès Montage Danielle
Anezin Production Gémini Films, Madragoa Filmes Distribution Le Petit Bureau
Nicolas vit avec Alice ; Gaspard attend qu’Alice quitte Nicolas ; Juliette
se fait manipuler par Nicolas et sert d’alibi à Alice ; elle aime Michel qui
la quitte pour Romance. Le tout à Paris qui prête ses rues pour qu’ils
se croisent, se poursuivent, se cachent, se quittent et se retrouvent.
Le Pornographe
Bertrand Bonello
France . 2001 . 1h48 . 35mm . Interdit aux moins de 16 ans
Avec J-P. Léaud, Jérémie Renier, Dominique Blanc, Ovidie sénario B. Bonello Image
Josée Deshaies Montage Fabrice Rouaud Production Carole Scotta et Haut et Court
Distribution Haut et Court
Jacques Laurent, pornographe en vogue dans les années 70, se
remet à tourner des films pornos à la suite de difficultés financières.
Quelques années auparavant, son fils Joseph, avait claqué la porte
lorsqu’il avait découvert les véritables activités de son père. Le temps
a passé. Aujourd’hui Joseph a dix-sept ans. Le père et le fils se
retrouvent au moment où Jacques cherche comment finir sa vie, et
Joseph à donner un sens à la sienne.
visage
Tsai Ming-liang
france / chine . 2009 . 2h21 . 35mm
Avec JJ-P. Léaud, Laetitia Casta, Fanny Ardant, Lee Kang-sheng sénario Tsai Ming-
liang Image Pen-Jung Liao Montage Jacques Comets Production JBA Productions,
Homegreen films, Tarantula, Arte France Cinéma, Circe Films Distribution Rezo Films
Un réalisateur taïwanais est invité à tourner l’histoire de Salomé au
musée du Louvre. Malgré sa réputation, il tient absolument à confier
le rôle du roi Hérode à Jean-Pierre Léaud. Pour donner à ce film au
budget modeste une chance au box office, la production s’est résolue
à confier le rôle de Salomé à une star de renommée internationale.
Mais dès le début du tournage, les problèmes s’accumulent...
masculin, féminin © Tamasa Distribution - visage © Rezo Films
19...
...20
 Tourner de préférence à l’étranger, avec
des équipes et dans des pays dont on ne
maîtrise pas la langue. S’en remettre aux
énigmes, celles de la durée qui fait et défait
les choses dans le cadre, celles de l’écart
entre les idiomes, entre les corps, entre
les mémoires, entre les images. Inventer
un cinéma qui vous échappe, un cinéma
que vous-même, tout grand cinéaste que
vous êtes, ne sauriez comprendre.

Nobuhiro Suwa
Un cinéma sans soi, ou le souci de Suwa
Nobuhiro Suwa est l’un des grands modernes du cinéma contemporain. Avec Un couple parfait (2005), il s’est souvenu
d’Ingrid Bergman et de George Sanders, de Roberto Rossellini et de leur Voyage en Italie, en mettant en scène un couple – Bruno
Todeschini et Valeria Bruni-Tedeschi – venu chercher dans une ville devenue étrangère la fin et, peut-être, la renaissance de
son histoire. Avant cela, il a raconté dans H Story (2001) l’échec du tournage d’un remake de Hiroshima mon amour : il a ainsi
superposé deux impossibilités, se remémorer la catastrophe nucléaire et réitérer le chef d’œuvre de Marguerite Duras et d’Alain
Resnais. « Superposé » n’est pas le mot adéquat : H Story traite de la répétition comme effacement ; de la trace, certes, mais aussi
de son brouillage… La reprise ? Non : la déprise. Refaire ? Non : défaire ou laisser faire. Le cinéma de Suwa échappe, il est sans
soi. Il n’appartient à personne, et surtout pas à Suwa.
Le cinéaste japonais s’applique en effet à n’être pas propriétaire de ses images et de ses sons. Dès 2/Duo (1997), il a compris que
les plus forts sont souvent ceux qui savent faire droit à la fébrilité, aux défaillances, aux manques : ceux qui savent être forts
de leur faiblesse. S’effacer devant le monde, mais cela est encore un cliché. S’en remettre à d’autres, techniciens et acteurs, à
leurs compétences ou à leurs caprices : tout film est œuvre collective, nul ne la signe sinon son tournage, les circonstances qui
l’ont vu naître... Ne rien préméditer, réduire les scénarios à quelques feuillets, demander aux comédiens comment ils imaginent
que pourrait finir l’histoire et filmer cette fin. Tourner à l’étranger, avec des équipes et dans des pays dont on ne maîtrise pas la
langue. S’en remettre aux énigmes de la durée, à celles de l’écart entre les idiomes, entre les corps, entre les mémoires, entre les
images. Inventer un cinéma qui échappe. Un cinéma que vous-même, tout grand cinéaste que vous êtes, ne sauriez comprendre.
Après 2 /Duo sont venus M/Other puis H Story. Les titres indiquent assez clairement que pour Suwa, (s’)échapper c’est (se) diviser.
La division est son grand souci, la division comme séparation, trait et retrait, slash ou élision. Dans H Story, par exemple, l’élision
du i de history n’est pas une coquetterie. Elle vient dire, ou plutôt ne pas dire que l’histoire d’Hiroshima, la H Story a séparé
l’Histoire d’elle-même en la privant non seulement d’une lettre, mais de toute marque de propriété. History n’est plus his story,
son histoire. Elle est devenue H Story, l’Histoire d’Hiroshima comme Histoire de personne, Histoire sans sien ni propre. Tout, dès
lors, bée ou bégaie, et les trous de mémoire de l’actrice interprétée par Béatrice Dalle sont la seule manière de retrouver ceux de
la rescapée autrefois interprétée par Emmanuelle Riva.
Il n’y a pas de cinéma seul, pour Suwa. Il n’y a de cinéma de fendu, commençant à deux. Aussi a-t-il toujours veillé à travailler
avec des collaborateurs qui, autant – ou aussi peu – que lui, pourraient revendiquer la paternité des films : Caroline Champetier
pour H Story et Un couple parfait ; Hippolyte Girardot pour son dernier long métrage à ce jour, Yuki & Nina ; le formidable duo de
la maison de production Comme des cinémas, Masa Sawada et Michiko Yoshitake. Etre deux, pour filmer avec deux corps, avec
deux pensées. Jean-Luc Godard eut le même souhait, lorsqu’il forma tandem avec Jean-Pierre Gorin, Jean-Pierre Beauviala ou
Anne-Marie Miéville. Jean Eustache également, lorsqu’il demanda à Jean-Michel Barjol de cofilmer et cosigner Le Cochon. Benoît
Delépine et Gustave Kervern encore, autres invités d’honneur de cette édition, qui n’envisagent pas de filmer autrement qu’en
duo mais refusent entre eux toute attribution réglée des tâches et des talents. Ne pas faire du cinéma une question de label
déposé par un nom propre… Ne plus être auteur, en tout cas ne pas être seulement cela.
Etre par exemple un cinéaste japonais et un acteur français pour mettre en scène une histoire où il n’y a que du deux, l’épopée
de deux jeunes filles de moins de 10 ans, l’une franco-japonaise et l’autre française : Yuki & Nina ; parents & enfants ; France &
Japon ; ville & forêt ; fiction & documentaire. Lors de la présentation à la Quinzaine des Réalisateurs, Suwa affirma même que
Yuki & Nina était le résultat du travail conjoint de quatre personnes : ne pas être un, ni même deux, mais quatre, et peut-être un
jour toute une foule…
Revenons encore aux titres : Un couple parfait puis Yuki & Nina suggèrent une évolution, un apaisement. Avec le temps la division
s’est à la fois multipliée et adoucie. Elle pourrait désormais n’être qu’un mirage ou un petit fantôme, le Casper de l’image : il
semble en effet si facile, dans Yuki & Nina, de quitter la ville pour la campagne, la France pour le Japon, le présent pour le passé. La
division pourrait n’être plus une blessure mais une respiration, un passage. Une nouvelle manière d’accorder les grands couples
du cinéma d’hier et plus encore d’aujourd’hui : la différence des âges et des langues, celle des terres et des régimes d’images,
entre pellicule et vidéo numérique, vertus anciennes de l’enregistrement et sortilèges actuels de l’Internet.
Retenu presque toute l’année à Tokyo, où il dirige une université et accorde beaucoup de son temps et de son attention à ses
étudiants, Suwa est un cinéaste rare et discret. Nous sommes heureux d’accueillir la première rétrospective intégrale française
qui lui est consacrée.

E.B.
Cet article reprend des éléments de la critique de Yuki & Nina publiée sur Médiapart au moment de la présentation du film à la
Quinzaine des Réalisateurs en 2009. Cet article est disponible en intégralité sur www.fif-85.com.

21...

yuki & nina © Yoshi Omori

 Nobuhiro Suwa première rétrospective française
Sojin Kamiyama
JAPON . 1995 . 1h08 . Blu ray
Avec Eiji Okuda, Yuko Natori
Scénario N.S, Yuji Shige Remerciements Akiko Tabakotani - Documentary Japan, Inc.
Sojin Kamiyama est un acteur japonais notamment célèbre pour avoir
joué, au cours des années 1920, dans plusieurs films hollywoodiens
dont Le Voleur de Bagdad (Raoul Walsh, 1924). Ce film réalisé pour la
télévision raconte la vie de Kamiyama en mélangeant les moyens du
drame et ceux du documentaire.
inédit en france /AVANT-première
2/DUO
Japon . 1997 - sortie prévue le 31 octobre 2012 . 1h30 . dcp
Avec Eri Yu, Makiko Watanabe, Kenjiro Oktani, Miyuki Yamamoto, Yuken Yoshida, Yuri
Hirano, Mamiko Hokada, Kumi Nakamura Scénario N. Suwa Image Masaki Tamura
Montage Oshige Yoji Production Bitters End Distribution Capricci Films
Yu, vendeuse dans une petite boutique, vit avec Kei, un acteur raté qui
passe ses journées à ne rien faire. Les disputes s’enchaînent jusqu’au
jour où Kei fait brutalement sa demande en mariage. Perturbée, la
jeune femme part en voyage...
M/OTHER
Japon . 2000 . 2h27 . 35MM
Avec Tomokasu Miura, Makiko Watanabe, Yudai Takahashi Scénario Tomokasu
Miura, N. Suwa, Makiko Watanabe Image Masami Inomoto Montage Shûichi Kakesu
Production Bandai Visual Company, Bitters End, Suncent CinémaWorks, WoWow
Distribution Wowow .inc
Aki, qui travaille dans une compagnie de design, et Tetsuro, qui est
propriétaire d’un restaurant, vivent ensemble depuis plusieurs années.
A la suite d’un accident de voiture, la première femme de Tetsuro lui
confie la garde de leur fils Shun, âgé de huit ans. Aki a du mal à se
faire à cette situation, qui lui impose de nouvelles habitudes.
H STORY
Japon . 2001 . 1h52 . 35mm
Avec Béatrice Dalle, Kou Machida, N. Suwa, Caroline Champetier, Hiroaki Umano,
Michiko Yoshitake, Motoko Suhama Scénario N. Suwa, Yuji Shige Image Caroline
Champetier Montage Nobuhiro Suwa et Oshiga Yuji Production Dentsu, Imagica,
Suncent Cinemaworks, Tokyo Theaters Distribution Wild Bunch Distribution
N. Suwa a réuni une équipe de tournage dans sa ville natale, Hiroshima,
pour réaliser un remake de Hiroshima mon amour d’Alain Resnais.
Béatrice Dalle et Caroline Champetier, la chef opératrice, sont venues
assister Suwa dans cette délicate reconstitution historique.
uN COUPLE PARFAIT
JAPON, France . 2006 . 1h44 . 35mm
Avec Valéria Bruni-Tedeschi, Bruno Todeschini, Nathalie Boutefeu, Jacques Doillon,
Louis-Do de Lencquesaing, Alex Descas, Marc Citti Scénario N. Suwa Image Caroline
Champetier Montage Dominique Auvray Production Comme des enfants, Arte France
Cinéma, Bitters End, CNC Distribution CTV International
Après plusieurs années de vie commune à l’étranger, Nicolas et
Marie sont sur le point de divorcer. Ils décident pourtant de se rendre
ensemble à la cérémonie de mariage d’un de leurs amis, en France.
...22
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
letter from hiroshima
CORÉE . 2002 . 0h30 . digibeta
Avec Kim Ho-jung, N. Suwa Scénario N.S, Yuji Shige Montage N. Suwa Production
Jeonju IFF Distribution Mirovision Inc
Suwa envoie une lettre à l’actrice coréenne Kim Ho-jung, avec qui il a
déjà travaillé, pour lui demander de l’aider à écrire et réaliser un film
consacré à Hiroshima. Ho-jung décide de s’y rendre. à son hôtel, on
lui dit de visiter la ville et d’attendre que Suwa la contacte. D’abord
troublée, Ho-jung se laisse peu à peu prendre au charme de Hiroshima.
Elle passe alors ses journées à se documenter sur la bombe atomique
et la permanence de ses effets sur la ville, jusqu’à aujourd’hui.
place des victoires
France . 2006 . 0h05 . dvd
Avec Willem Dafoe, Juliette Binoche, Hippolyte Girardot Scénario N. Suwa Image Pascal
Marti Montage Hisako Suwa Production Victoires International, Arrival Cinema, Pirol
FilmProduction Distribution EuroWide film
Une semaine après la mort de son jeune fils, Suzanne est inconsolable.
Allongée dans son lit, elle entend la voix de celui-ci, lui annonçant
joyeusement qu’il s’apprête à sortir. Suzanne suit la voix jusque dans
la rue. La trouvant vide, elle s’évanouit. A son réveil, elle découvre un
cow-boy sur son cheval, qui lui accorde de passer un dernier moment
avec son fils. Contribution de Nobuhiro Suwa au film collectif Paris, je
t’aime, consacrée au deuxième arrondissement.
TERUTERUBOZU
JAPON . 2012 . 0h25 . fichier hd
Avec Yume Tanaka, Masana Hirabuki, Saori Abe, Sho Ikeda Scénario Ryo Matsutani
Image Yoshihiro Ikeuchi Montage Hisako Suwa, Keiko Okawa Production Tokyo
Polytechnic University Remerciements Naoto Yamkawa
Dans deux pièces d’un appartement, deux couples sont contraints par
la pluie à changer leurs plans pour la journée. Ils se mettent à chercher
une occupation et les querelles de couples émergent. Un couple
fabrique une poupée amulette pour faire venir le soleil. Il la nomme
TERUTERUBOZU, du nom d’une coutume traditionnelle japonaise.
YUKI & NINA
JAPON, France . 2009 . 1h32 . 35mm
Avec Noë Sampy, Arielle Moutel, Tsuyu Shimizu, Hippolyte Girardot Scénario N. Suwa
et Hippolyte Girardot Image Josée Deshaies Montage Hyppolyte Girardot, Hisako Suwa,
Laurence Briaud Production Comme des enfants Distribution AD Vitam
Quand Yuki, une petite franco-japonaise de 9 ans, apprend que ses
parents se séparent, elle comprend qu’elle devra suivre sa mère, au
Japon. Outre la séparation d’avec son père, cet exil l’obligera à quitter
Nina, sa seule amie. Ensemble, elles vont tenter d’empêcher cette
séparation et son départ catastrophique. Finalement, une fugue dans
la forêt leur semble la seule issue.
Friends
Ce journal intime inédit, tourné en super 8 dans la manière de Jonas
Mekas, sera visible pendant toute la durée du festival, dans le hall du
Manège, sur écrans plats.
 23...
2/DUO © Capricci films - H story © Wild bunch Distribution
 rétrospective - carte blanche - invités la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

« Malgré toute sa joie, Groland

était encore le monde du travail,

benoît delépine
de la télévision, de l’écriture,
pour gagner notre vie. Le cinéma

&
représente le stade d’après. »
Ceux qui sont récemment passés
de la télévision au cinéma sont

gustave kervern
légion. Mais peu ont décrit la
transition en ces termes : non
comme une promotion mais
comme un allègement.
Après le travail

Le dernier mot de Benoît Delépine et de Gustave Kervern, pourrait être l’un des premiers. Le sujet des films qu’ils
coréalisent depuis maintenant huit ans est, confient-ils, « la libération de quelqu’un grâce à l’amitié et à l’art » ; il s’agit d’«
échapper au dur monde du travail par l’amitié et par l’art ». Cette description obéit à un principe énoncé plus tôt par les intéressés
: « faire d’un souci un bonheur ». Car le souci vient en effet d’abord : avant de connaître le bonheur d’une échappée belle, les
héros mis en scène par le duo sont brutalement congédiés, foutus à la porte ou à la retraite.
Le télétravailleur d’Aaltra (2004) est menacé d’un licenciement puis mis hors d’état de nuire à la suite d’une bagarre qui l’oppose
à un voisin ouvrier agricole : les voici tous deux condamnés à aller en fauteuil roulant pour le restant de leurs jours. La fable du
deuxième film, Avida (2006), est plus obscure, mais réduite à sa plus simple expression, elle raconte une histoire comparable, la
balade aux confins de la France et de la Belgique d’un gardien sourd-muet, libéré par la force des choses – la mort de son patron –,
et d’une mannequin devenue obèse afin de se soustraire aux canons de son métier, mais dont le poids est devenu tel qu’elle est à
présent, si l’on peut dire, asservie à son affranchissement.
Les films suivants continueront de creuser ce paradoxe d’un renvoi providentiel ou d’une libération sous contrainte. Fermeture
d’usine sans préavis, pour Louise-Michel (2008), après quoi les ouvrières décident d’employer leurs indemnités à rémunérer
l’assassinat de leur patron par un professionnel. Départ en retraite pour Mammuth (2010), déclencheur d’un autre départ, sur les
routes, où Serge va récolter les justificatifs dont il a besoin pour la toucher, sa retraite. Et maintenant, dans Le Grand Soir (2012),
licenciement du vendeur de matelas joué par Albert Dupontel, qui rejoint sur d’autres chemins son frère, Benoît Poelvoorde, sans
emploi mais non sans titre, puisqu’autoproclamé « plus vieux punk à chien d’Europe ».
Interprétant eux-mêmes les rôles principaux, les deux auteurs s’étaient préparés dès Aaltra à jouer à la fois la servitude et la
libération, le désoeuvrement et l’effort. Les détails du récit de ce premier road-movie indiquent comment : si les voisins décident
de gagner la Finlande, c’est en effet pour obtenir réparation du constructeur de la machine agricole qui leur a brisé le dos au cours
de leur bagarre. Après maintes péripéties, ils finissent par découvrir un atelier au fond d’un hangar. Surprise : le patron a les traits
du cinéaste Aki Kaurismäki. Surprise : lui aussi est en fauteuil, de même que tous ses employés. Sourire amusé : « Apparemment,
vous connaissez bien mon matériel… Vous voulez travailler ici ? » Oui, répondent les compères, moitié ravis, moitié inquiets, ce
dont ni la pluie ni l’alcool ne suffisent à rendre compte.
Leur perplexité se conçoit : à quelle tâche, dans quel ordre cet étrange patron-cinéaste peut-il donc les avoir intronisés ? La
morale d’Aaltra tient du gag chuchoté, elle ne se paie pas de mots. Il faut cependant tenter de la dire, car les films postérieurs
l’ont reconduite peu ou prou. Du travail, nous suggérerait-elle, on ne se sort pas si brutalement, ni facilement, qu’on pourrait
croire. Ce qui nous libère commence par nous écraser, ce qui nous écrase nous libérera. Le mouvement qui, de gré ou de force,
nous soustrait à la terre et à ses labeurs nous y ramène, de force ou de gré. S’arracher au travail c’est aussi revenir au point où
son origine (l’usine) et sa fin (le fauteuil roulant) coïncident et se dérobent à la fois.
C’est une même remontée à la source – impossible, inévitable – que narre Louise-Michel, où les tribulations de Louise et
de Michel aux trousses du patron voyou les conduisent de la Picardie à Bruxelles, puis de Bruxelles à Jersey, autre lieu où le travail a

rencontre son absence. Puis Mammuth, où, son épouse s’étant plainte – d’une formule elle-même non dénuée de
paradoxe : « Première journée de retraite et c’est l’anarchie ! » – , Serge s’évade en moto, mais pour reparcourir en sens inverse
les étapes nombreuses de son curriculum. Et enfin Le Grand Soir, où le message de révolte s’épelle avec les lettres décrochées des
enseignes du mercantilisme.
Tandis que la moto file, les fiches de salaire s’envolent, à l’arrière. Elles s’envolent comme des confettis, comme le souvenir des
« vies antérieures » de Serge, comme l’énergie dont a besoin l’antique machine pour rouler encore : traçons la route, passons à
autre chose, oublions le passé… Soyons légers de cela même dont nous fûmes lourds, comme Gérard Depardieu est plus gracieux
et féminin que jamais, malgré sa masse et sa crinière de catcheur – comme Yolande Moreau et Bouli Lanners étaient gracieux,
déjà, dans Louise-Michel, malgré et grâce à l’incertitude de leur sexe. Les papiers s’envolent au vent mauvais des pesanteurs
salariales, comme au vent meilleur de l’échappée enfin belle, certes, mais au plan suivant la moto est arrêtée sur le bord de la
route et Serge ramasse ces mêmes papiers dans l’herbe, un par un. Après le travail vient toujours le temps d’un autre travail, fût-il
d’un genre nouveau, buissonnier, transformant la paperasse en cueillette.
Une part importante du cinéma de Delépine et Kervern passe dans la succession de ces deux moments de Mammuth. Il y a la
décision de résumer chaque épisode par un seul plan, volontiers fixe, qui dit beaucoup sans pour autant faire de phrases. Il y a la
capacité de passer d’une chose à son contraire sans davantage de phrases, de l’usine au désœuvrement, de la joie au désespoir
distrait… Il y a une absurdité aussi manifeste que benoîtement assumée. Un humour que pour cette raison on nommerait pince-
sans-rire, ou dead pan, s’il ne s’autorisait pas aussi, par endroits, de salutaires énormités. Et il y a l’élan de fuir le travail pour y
revenir, foncer et s’arrêter, moto et fauteuil roulant, ligne droite et retour en arrière, nouvelle vie et coup d’œil dans le rétroviseur.
L’enchaînement de ces deux plans montre aussi qu’« échapper au dur monde du travail » n’est pas qu’un thème, fût-il enroulé sur

...24
 la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 De Groland au Grand Soir

« Malgré toute sa joie, Groland était encore

le monde du travail, de la télévision, de
l’écriture, pour gagner notre vie. Le cinéma
représente le stade d’après.» S’ils sont
légion, ceux qui sont récemment passés de
la télévision au cinéma, peu ont décrit la
transition en ces termes, non comme une
promotion mais comme un allègement.

aaltra © AD Vitam

lui-même, comme il apparaît dès Aaltra. Delépine et Kervern disent en effet encore, au moment de conclure : « Malgré toute sa
joie, Groland était encore le monde du travail, de la télévision, de l’écriture, pour gagner notre vie. Le cinéma représente le stade
d’après. » Mesure-t-on assez l’exceptionnel d’un tel propos ? S’ils sont légion, ceux qui sont récemment passés de la télévision au
cinéma, peu – qui d’autre ? – ont décrit la transition en ces termes, non comme une promotion mais comme un allègement. Non
comme une charge mais comme une décharge.
Une planque ? Ce serait exagérer. Car non seulement le cinéma reste une promotion symbolique, mais il faut beaucoup de
travail, c’est connu, pour arriver à ne pas travailler ou paraître ne plus s’en faire souci. L’essentiel demeure toutefois : échapper
ne concerne pas que le récit, la trajectoire des personnages ; échapper concerne le cinéma lui-même, la manière d’y venir et la
manière d’en faire. Échapper au travail concerne au premier chef le travail du film.
C’est pourquoi ceux de Delépine et Kervern sont tissés autant de refus que d’affirmations : l’avant, le travail – la télévision,
Groland, la logique du sketch, les caméos – y opèrent à la fois comme origine et comme repoussoir. C’est pourquoi leurs histoires
d’évasion s’accordent à une forme alternant elle-même le ferme et le désinvolte. C’est pourquoi l’entre-deux leur convient : entre
la télévision et le cinéma, entre le travail et ce qui lui succède, entre la signature de l’un et la signature de l’autre…
La libération est en cours, mais elle n’est jamais tout à fait accomplie. Ce qui vient après le travail ressemblera longtemps encore
à sa trace, sa mémoire ou son deuil. Mieux : son invisibilité n’est bien souvent que l’une des formes actuelles de sa visibilité. Pas
d’erreur, donc : le seul paradis ici-bas est fiscal, ce n’est qu’une énième chimère du capitalisme. Une telle humilité fixe le prix de ce
que, au terme de cinq films dont chacun a été une nouvelle étape, il n’est pas prématuré d’appeler d’un mot désignant justement
ce qui est plus et moins qu’un travail, tout ensemble son triomphe et sa déroute : une œuvre.
E.B.
Extrait de l’introduction à BENOÎT DELéPINE ET GUSTAVE KERVERN. DE GROLAND AU GRAND SOIR
Entretien avec Benoît Delépine et Gustave Kervern par Hervé Aubron et Emmanuel Burdeau - éd. Capricci
25...
 Grands soirs, par Benoît Delépine et Gustave Kervern
louise-michel © AD Vitam
Aaltra
France, Belgique . 2004 . 1h34 . N&B . 35mm
Avec BD, GK, Pierre Carles, Aki Kaurismäki, Benoît Poelvoorde, Noël Godin Scénario BD,
GK Image Hugues Poulain, Jackson Elizondo Montage Anne-Laure Guégan Musique
Les Wampas Production La Parti Production, OF2B Productions Distribution AD Vitam
Deux voisins. Ils se dérangent et se détestent. Une violente dispute
se termine à l’hôpital à cause d’une benne agricole qui s’est écrasée
sur eux pendant leur bagarre. Ils sont paralysés des deux jambes
et sortent de l’hôpital en chaises roulantes. Après réflexion, chacun
renonce au suicide et ils se retrouvent par hasard sur le quai de la
gare. Commence alors pour eux un voyage improbable et atypique.
Objectif : aller réclamer des indemnités au constructeur du matériel
agricole qui se trouve en Finlande. Ces deux paralytiques vont vivre
un véritable parcours initiatique : la découverte de son voisin.
avida
France . 2006 . 1h17 . N&B . 35mm
Avec BD, GK, Velvet, Albert Dupontel, Fernando Arrabal, Jean-Claude Carrière Scénario
BD, GK Image Hugues Poulain Montage Stéphane Elmadjian Production MNP
Entreprise, StudioCanal, No Money Productions Distribution AD Vitam
Un sourd-muet et deux drogués à la kétamine ratent l’enlèvement du
chien d’une milliardaire plantureuse. Elle en profite pour les forcer
à réaliser ses dernières volontés. La philosophie : « Le train-train
quotidien va bientôt dérailler, qui veut rester dedans n’a qu’à bien
s’accrocher ».
louise-michel
France . 2008 . 1h30 . 35mm
Avec Yolande Moreau, Bouli Lanners, Benoît Poelvoorde, Kafka, Mathieu Kassovitz
Scénario BD, GK Image Hugues Poulain Montage Stéphane Elmadjian Production MNP
Ent., StudioCanal, Arte France Cinéma, No Money Productions Distribution AD Vitam
Quelque part en Picardie, le patron d’une entreprise de cintres vide
son usine dans la nuit pour la délocaliser. Le lendemain, les ouvrières
se réunissent et mettent le peu d’argent de leurs indemnités dans un
projet commun : faire buter le patron par un professionnel.
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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
mammuth
France . 2010 . 1h32 . 35mm
Avec Gérard Depardieu, Yolande Moreau, Isabelle Adjani, Benoît Poelvoorde Scénario
BD, GK Image Hugues Poulain Montage Stéphane Elmadjian Production GMT
Productions, No Money Productions Distribution AD Vitam
Serge Pilardosse vient d’avoir 60 ans. Il travaille depuis l’âge de
16 ans, jamais au chômage, jamais malade. Mais l’heure de la
retraite a sonné, et c’est la désillusion : il lui manque des points,
certains employeurs ayant oublié de le déclarer ! Poussé par
Catherine, sa femme, il enfourche sa vieille moto des années 70,
une « Mammut » qui lui vaut son surnom, et part à la recherche
de ses bulletins de salaire. Durant son périple, il retrouve son
passé et sa quête de documents administratifs devient bientôt
accessoire...
MAKING FUCK OFF (52’ . digibeta )
Making-off réalisé par Fred Poulet, pendant le tournage de Mammuth
le grand soir
France . 2012 . 1h32. 35mm
Avec Benoît Poelvoorde, Albert Dupontel, Brigitte Fontaine, Areski Belkacem, Bouli
Lanners, Yolande Moreau Scénario BD, GK Image Hugues Poulain Montage Stéphane
Elmadjian Musique Brigitte Fontaine et Areski Belkacem Production GMT Productions,
Panache Productions, No Money Productions, Compagnie cinématographique
européenne, Anga Productions Coproduction Arte France Cinéma Distribution AD Vitam
Les Bonzini tiennent le restaurant la Pataterie dans une zone
commerciale. Leur fils aîné, Not, est le plus vieux punk à chien
d’Europe. Son frère, Jean-Pierre, est vendeur dans un magasin de
literie. Quand Jean-Pierre est licencié, les deux frères se retrouvent.
Le Grand Soir, c’est l’histoire d’une famille qui décide de faire la
révolution... à sa manière.
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
ENTR’ ACTE
René Clair
France . 1924 . 0h21 . N&B . 35mm
Avec Marcel Duchamp, Erik Satie, Man Ray Scénario Francis Picabia Image Jimmy Berliet
Musique Erik Satie Production Les Ballets Suédois Distribution Gaumont Pathé Archives
une danseuse barbue, un chasseur tyrolien, un corbillard tiré par un
chameau et une course derrière un cercueil.
UN CHIEN ANDALOU
Luis Buñuel
France . 1928 . 0h17 . N&B . 35mm
Avec L. Buñuel, Pierre Batcheff, Simone Mareuil, Salvador Dalí Scénario L. Buñuel, S.
Dalí Image Albert Duverger Montage L. Buñuel Production L. Buñuel Distribution Les
Grands Films Classiques
Tout commence sur un balcon où un homme aiguise un rasoir...
La suite est une série de métamorphoses surréalistes. Un homme
sectionne l’œil d’une jeune fille. Un nuage passe devant la lune. Huit
ans après. Un cycliste tombe accidenté dans la rue. La jeune fille lui
porte secours et l’embrasse...
L’Âge d’or
Luis Buñuel
France / espagne . 1930 . 1h02 . N&B . 35mm
Avec Gaston Monot, Lya Lys, Max Ernst Scénario L. Buñuel, S. Dalí d’après l’œuvre
du Marquis de Sade Image Albert Duverger Montage L. Buñuel Production Charles de
Noailles Distribution BFI
Sur un scenario de Buñuel et Dalí des images folles, un film choc
qui fut longtemps frappé d’interdiction et provoqua la parution du
Manifeste surrealiste.
VIVA LA MUERTE
Fernando Arrabal, Hassen Daldoul
Tunisie, France . 1971 . 1h30. 35mm
Avec Anouck Ferjac, F. Arrabal, Nuria Espert, Mahdi Chaouch Scénario F. Arrabal, Claudine
Lagrive Image Jean-Marc Ripert Montage Laurence Leininger Production Isabelle Films,
S.A.T.P.E.C. Distribution Association Marka
La vie d’un adolescent en Espagne à la fin de la guerre civile dont le
père, un rouge, a été dénoncé par sa mère.
Le mystère d’Avida est lié pour une part importante à l’influence
du surréalisme, depuis la présence au début de Fernando
Arrabal, jusqu’à la celle, à la fin, d’un tableau inspiré de Salvador
Dalí. Entre les deux, les animaux, la logique du cadavre exquis,
l’absence de fil narratif clair, tout cela renvoie encore au
surréalisme. Comment vous est venu cet intérêt ?
BD Ce n’est pas par la culture, mais par les rencontres, qu’on
acquiert des choses, Gus et moi. Les artistes qu’on aime, on les a
d’abord aimés pour leurs frasques, pour leur être, le fait qu’ils aient
l’air différents des autres, délirants, fantaisistes, n’accordant aucune
importance au qu’en-dira-t-on. Kaurismäki à la télé, Depardieu à
la télé, Brigitte Fontaine à la télé… On a d’abord flashé sur eux en
les voyant comme personnes. On s’est seulement intéressés à leur
œuvre par la suite. Aaltra était sélectionné à Telluride, un festival
incroyable aux États-Unis, dans une station de sports d’hiver, où des
types richissimes transforment une salle de jeux en cinéma. Quelques
films de Fernando Arrabal y étaient montrés. On marchait dans la
rue, désœuvrés… On ne comprend pas l’anglais, on est donc allés
voir les films d’Arrabal. C’est là qu’on a découvert Viva la muerte. On
était quatre dans la salle. Choc dans la gueule. Puis Fernando Arrabal
arrive pour répondre aux questions du public…
GK … et Peter Sellars…
BD Les deux… Pour nous quatre. On a fait connaissance avec
Fernando. Il nous a raconté des histoires avec Breton. Avec…
GK … Topor.
BD Topor avait fini par être intronisé chez les surréalistes. Il avait
amené Arrabal. Ils étaient tout jeunes tous les deux. Ils ont assisté
à une des dernières réunions avec André Breton, qui pontifiait.
Breton a dit : « Attends Fernando, je vais aux toilettes. » Fernando
a attendu, il n’est jamais revenu. Il se trouve aussi qu’Aaltra avait été
sélectionné à Rotterdam. On a connu la ville, on a visité les musées…
Grands soirs, par Benoît Delépine et Gustave Kervern
On est tombés amoureux d’un musée extraordinaire mêlant toiles
anciennes et œuvre d’art contemporain. On y a découvert le film
surréaliste extraordinaire de René Clair, Entr’acte (1924). Le film
passait en boucle, on est tombés à genoux. Du coup, on a commencé
à s’intéresser au surréalisme. C’est là qu’on a vu une toile célèbre
de Dalí, dont on imaginait qu’elle faisait quatre mètres sur trois alors
qu’elle est minuscule : on dirait presque des pattes de mouche… On
était effarés. Cette toile nous a marqués plus que toutes les autres.
On a eu envie de faire un film comme un tableau. C’est pour cette
raison qu’Avida est en format carré et en noir et blanc : le format carré
évoque la peinture, et le noir et blanc emmène tout de suite dans
la poésie. Comme on fait confiance au hasard, on a considéré que
c’était un hasard bienheureux, et plutôt que de partir sur Brueghel
et la montagne, La Tour de Babel (1563), comme on l’avait d’abord
prévu, on est partis du côté du surréalisme… J’avais flashé une nuit,
à la télé, sur L’Âge d’or (1930), à l’époque de la Sept, je crois. Ce film
m’a définitivement marqué. Après ça il ne reste plus qu’à arrêter le
cinéma, à la limite.
GK J’ai dû découvrir L’Âge d’or et Un chien andalou (1929) après.
Le surréalisme et Dalí sont peu aimés, aujourd’hui : on les
considère volontiers, surtout en France, comme des objets
désuets ou des pièces d’antiquité.
BD Le surréalisme a été récupéré, il est devenu un mythe, mais
les surréalistes étaient des branques, des mecs qui s’amusaient au
café, qui n’avaient pas de pognon, qui faisaient des happenings… Ils
n’étaient pas spécialement reconnus… Ils ont réussi à être à l’origine
de choses très intéressantes, à libérer les esprits. C’est aussi pour
cette raison qu’on se reconnaît en eux, comme on se reconnaît dans
les artistes bruts.
GK Au moment d’Avida, j’avais acheté un bouquin énorme sur Dalí. Ça
vaut le coup de se replonger dans sa vie, l’explication des tableaux, la
bouteille de Coca… Je n’admirais pas tellement sa peinture jusque-là,
je ne connaissais pas le tiers de ses tableaux, mais j’ai changé d’avis
quand j’ai lu tout et tout revu. Il faut retracer sa vie pour comprendre
les toiles. Ses tableaux sont magnifiques, son imaginaire visionnaire.
BD J’ai lu son Journal d’un génie. Hallucinant, fou, extraordinaire. Dalí
était un personnage. Il faut des personnages. Le punk vient aussi de
là, de la fantaisie dingue d’un producteur, Malcolm McLaren. On sent
que Dalí était à la charnière de ce qu’est devenu l’art contemporain.
Lui, plutôt que Picasso, à la limite. L’art contemporain a succédé à un
art figuratif. Tout cela était présent dans les toiles de Dalí. Il était à la
charnière, entre le mystère et l’idée, entre le charnel et l’intellectuel.
Ce n’est pas forcément très réussi. Ses tableaux ont souvent formé
les prémices d’un hyperréalisme un peu kitsch. Mais pas seulement.
PASSE-MONTAGNE
Jean-François Stévenin
France . 1978 . 1h50 . 35mm
Avec Jacques Villeret, J-F Stévenin, Jean-François Balmer Scénario J-F Stévenin
et Michel Delahaye Image Jean-Yves Escoffier et Lionel Legros Montage Yan Dedet
Musique Brigitte Fontaine et Areski Belkacem Production  France 3, Les films du
losange Distribution Arcapix
Georges tombe en panne dans le Jura et va faire réparer sa voiture
chez Serge, un garagiste qui travaille dans un hameau isolé. Les
deux hommes se lient bientôt d’amitié.
GK J’adore les ambiances, le son, le travail du montage. De tous
petits plans coupés très vite, parfois assez brutalement.
BD Dans chaque plan, il y a un petit élément perturbant, à l’image ou
au son. Ce n’est pas absolument ce qu’on recherche, mais c’est super.
On avait adoré Lune froide (Patrick Bouchitey, 1991). J’avais adoré
Double messieurs (J-F. Stévenin, 1986) à sa sortie. Je trouve étonnant
que Stévenin réalise si peu de films. J’adore l’idée du scénario. Est-ce
qu’à la fin son personnage fait décoller son putain d’oiseau ou pas ?
La fin est superbe. Elle peut évoquer celle d’Avida, avec le tableau…
J’aime quand on comprend à rebours tout ce qui s’est passé. L’idée
d’avoir un dernier ami pour couper un arbre, c’est magnifique. Est-ce
qu’il veut enfin décoller, ou collecter des passages, des moments de
vie ? Le spectateur reste dans l’expectative.
27...
 Grands soirs, par Benoît Delépine et Gustave Kervern
MAIS NE NOUS
DéLIVREZ PAS DU MAL
Joël Séria
France . 1971 . 1h40 . 35mm . Interdit au moins de 16 ans
Avec Jeanne Goupil, Bernard Dheran Scénario J.Séria Image Marcel Combes
Montage Philippe Gosselet Production Les productions Tanit, La Société Générale de
production Distribution VIP Entertainment Remerciements J.Séria
Comment avez-vous découvert les films de Joël Séria, cinéaste
aujourd’hui oublié et qu’en général le public ne connaît qu’à
travers Les Galettes de Pont-Aven, les envolées de Jean-Pierre
Marielle dans le rôle d’un V.R.P. en parapluie, peintre naïf amateur
et chantre délirant du « cul » des femmes ?
BD Je les ai connus à la campagne quand j’étais ado. Je vivais dans
un petit village, je n’avais pas beaucoup l’occasion d’aller au cinéma.
Il y avait à l’époque une ou deux chaînes… Quand la télé a diffusé à
20 h 30 un film aussi explosif que Les Galettes de Pont-Aven, je me le
suis pris dans la gueule. On peut même se demander comment elle a
pu laisser passer ça.
GK Je n’ai vu que deux films de lui. J’ai découvert …Comme la lune
(1977) à Quend, c’est génial.
Marielle atteint des sommets dans …Comme la lune, dans le rôle
de Pouplard, bellâtre hâbleur, bon coup mais… con comme la
lune. La femme dont il est fou amoureux, interprétée par Sophie
Daumier, ne se prive d’ailleurs pas de le lui faire remarquer. Séria
va très loin dans la description d’une virilité franchouillarde à la
fois conquérante et défaite, ridicule.
BD J’ai vu tous ses films. La scène finale de Les Deux Crocodiles
(1987) où Carmet et Marielle, enlacés, roulent en maillot de bain
sur la plage est une hallucination ! Séria possède une truculence
un peu tourmentée. Certains de ses films, comme Marie-poupée
(1976), sont à la limite du fantastique. Il a frôlé le glauque, le
morbide. La projection de …Comme la lune à Quend a eu lieu
en plein air, en présence de Séria et de deux mille jeunes morts
de rire. C’était bon ! Séria a gentiment été mis peu à peu à l’écart
du cinéma français. Après Les Deux crocodiles, il a disparu de la
surface… Il a ensuite réalisé des téléfilms, mais en devant mettre
de l’eau dans son vin. On le connaît bien, on était déprimés pour
lui. Il a récemment réalisé un film très autobiographique…
GK … Mumu (2010)…
BD … un film très nostalgique sur sa jeunesse, son enfance en maison
de redressement, l’institutrice qui l’en a sorti. Les dialogues sont
moins à l’emporte-pièce, Marielle manque… Ses films ont marqué.
Les Galettes cartonne quand il repasse à la télé. C’est étonnant.
GK Je me demande si …Comme la lune n’est pas supérieur, en
termes de dialogues et de dinguerie. Marielle !
BD Un monument.
GK Son sens des dialogues est extraordinaire. Blier, Audiard et Séria
sont les grands dialoguistes français.
BD On peut peut-être dresser un petit parallèle entre Séria et nous
— tous sans doute issus de milieux plutôt modestes : lui aussi parle
de ce qu’il a vécu. Il devait avoir un père V.R.P., ce n’est pas possible
autrement. Il parle également des marchés… Ce genre de sujet n’est
pas abordé dans le cinéma traditionnel.
La séquence du V.R.P. en pleurs au restaurant de l’hôtel, dans
Mammuth, est-elle inspirée de Séria ? On retrouve l’imaginaire des
Galettes de Pont-Aven, le côté déprimant de la vie du représentant,
dînant tous les soirs seul, dans des hôtels vert-de-gris…
BD Non. En tournée, on voit souvent des types tous seuls avec leur
petit pichet. Ça nous déprime…
GK … surtout la demi-bouteille de vin.
...28
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
LA VIE DE BOHèME
Aki Kaurismäki
finlande, FRANCE . 1992 . 1h40 . N&B . 35mm
Avec Jean-Pierre Léaud, Matti Pellonpää, Louis Malle Scénario A.K d’après d’Henri
Murger Image Timo Salminen Montage Veikko Aaltonen Production Films A2, Pandora
Filmproduckion GmbH, Pyramide Distribution, Sputnik Films, Svenka Filminstistutet
Distribution Pyramide Distribution
Pourquoi avez-vous décidé de faire jouer Aki Kaurismäki dans
Aaltra ? Pour ses films ou pour son personnage mutique et
alcoolisé ? Et pourquoi la Finlande ?
BD Je connaissais certains de ses films. J’aimais beaucoup La Fille
aux allumettes (1990) et La Vie de bohème (1992).
GK J’ai vu ses films par la suite, j’ai adoré. On a vécu des moments
particuliers avec lui, à la limite du rêve éveillé. J’ai parfois l’impression
d’avoir halluciné cette période.
BD Gus, tu avais vu Kaurismäki à la télé, dans une interview incroyable.
Je t’ai parlé de ses films. Je lui avais remis la médaille des Arts et des
Litres, la médaille culturelle grolandaise. Il était en pleine sortie française
d’un de ses films. Il s’est prêté au jeu, sans réellement comprendre ce
qui se passait. On a sympathisé avec sa traductrice, Irmeli.
Lors d’une discussion est venue l’idée de réaliser un documentaire
sur lui. Il s’agissait surtout d’aller boire un coup avec lui à Helsinki,
puisqu’on ne connaissait pas la Finlande.
C’est un pays très particulier.
BD … le Pays de la Fin, comme son nom l’indique…
GK … très différent du reste de la Scandinavie, avec un côté russe.
BD Je pensais que le style de Kaurismäki correspondait au cinéma
de Kaurismäki. Mais non : Kaurismäki, c’est la Finlande, le silence, les
groupes de rock des années 1960. On le comprend vite en arrivant
là-bas. Les passants ne disent pas un mot dans la rue. Le matin, dans
les hôtels, pareil : silence total. Les bars diffusent la musique des films
de Kaurismäki. C’est très spécifique.
C’EST ARRIVé PRèS DE CHEZ VOUS
R. Belvaux, A. Bonzel et B. Poelvoorde
Belgique . 1992 . 1h32 . N&B . 35mm . Interdit au moins de 12 ans
Avec B. Poelvoorde, Jacqueline Poelvoorde Pappaert, Malou Madou Scénario B.
Poelvoorde, R. Belvaux, A. Bonzel, Vincent Tavier Image A. Bonzel Montage R. Belvaux
Production Les Artistes Anonymes Remerciements A. Bonzel
BD C’est arrivé près de chez vous a été une borne, un vrai choc. Le
film reste un summum de l’humour noir. Quand Poelvoorde a créé
Monsieur Manatane (1997-1998) à Canal, on s’est rencontrés dans
des soirées. Alcool aidant, on a très vite accroché.
C’est arrivé près de chez vous a été coréalisé par Benoît
Poelvoorde, Rémy Belvaux et André Bonzel. Que sont devenus
Belvaux et Bonzel ?
BD Rémy Belvaux s’est suicidé, il n’a pas supporté tellement c’était
fort. On trouve encore des gens pour dire, à raison : « Ce film est
moins bon que C’est arrivé près de chez vous. » Une telle situation
est très difficile à vivre. En tant qu’acteur, Benoît arrive à s’en sortir,
mais il a parfois des doutes. André Bonzel continue à réaliser des
films, mais il rame. Comment enchaîner après un film comme celui-
là ? Même Benoît essaie depuis des années d’écrire un film. Un film
est un film, un être vivant. On se fout de savoir d’où il vient. C’est
arrivé près de chez vous est à la base une parodie de Strip-Tease. La
parodie est allée plus loin que prévu. Le film est devenu une chose
un peu folle fonctionnant toute seule.
Honor de cavallería
Albert Serra
Espagne . 2007 . 1h47 . DCP
Avec Lluís Carbó, Lluís Serrat, Glynn Bruce Scénario A. Serra d’après l’œuvre de
Miguel de Cervantes Image Christophe Farnarier, Eduard Grau Montage Àngel Martín
Production Notro Films, Andergraun Films, Eddie Saeta S.A. Distribution Capricci Films
GK J’ai adoré la folie des deux personnages. Le casting est
hallucinant : dans mon souvenir, l’un des deux est un type de son
village. Il y a des doutes, du silence, de l’émotion… C’est tout ce
qui me reste du film, mais je me souviens m’être fait la réflexion que
c’était une des rares belles versions de Don Quichotte, dans sa folie.
BD Le budget est un choix artistique qui se ressent à tous les niveaux : on
le voit dans Honor de cavallería, la folie du film vient aussi de là.
 29...
MAIS NE NOUS DéLIVREZ PAS DU MAL © Joël Séria - Honor de cavallería © Capricci films
...30
 L’apocalypse-cinéma
par Peter Szendy

New York 1997 © DR

La fin du film, c’est la fin du monde.

La fin du monde, c’est la fin du film.
J’ai tenté, dans L’Apocalypse-cinéma, de sonder cette double équivalence, dans toutes ses résonances et toutes ses conséquences.
Un film est un monde, qui commence et qui finit, qui s’ouvre et qui se clôt : voilà ce que l’on se dit souvent et spontanément, sans
trop y réfléchir, en allant au cinéma ou en sortant d’une séance. Ce qu’on a peut-être plus de mal à penser, c’est que le monde
est un film. Non pas le cosmos, l’univers, mais le monde en tant qu’entrelacs des choses qui ne tient que par ou pour mon regard,
mon écoute, mon récit...
De cette double fin ― du monde et du film, du monde comme du film ―, L’Apocalypse-cinéma décrit les figures : le compte à
rebours, l’aveuglement, la radiation et l’irradiation, le gel, la fêlure ou la déchirure sismique sont d’autres noms pour l’achèvement
du cinéma lui-même, qui ne vit que de s’exposer au bord de sa perte. C’est pourquoi le genre que l’on surnomme « apo » pour
faire bref, le genre apocalyptique n’est pas un genre filmique parmi d’autres : il dit, il met exemplairement en scène le cinéma tel
qu’il s’éprouve à partir de sa disparition, de sa dissolution, de son archi-fondu au noir ou au blanc.
La programmation que le festival de La Roche-sur-Yon m’a invité à proposer puise abondamment dans le répertoire que
L’Apocalypse-cinéma explore. On y retrouve ainsi des films comme Los Angeles 2013 de John Carpenter ou Le Dernier rivage de
Stanley Kramer : dans l’un comme dans l’autre, le cinéma se représente lui-même comme une bulle fragile au bord du gouffre,
depuis laquelle on peut regarder et tourner in extremis, avant l’engloutissement ou l’anéantissement général.
D’autres choix en revanche, comme le dernier film d’Abel Ferrara ou The Hole de Tsai-Ming Liang, donnent à voir une autre
apocalypse. La même mais une autre : une apocalypse de chambre, presque banale, qui n’a à peu près rien de remarquable quand
elle se produit comme si elle devait se répéter tous les jours.
En assistant récemment à une présentation de 4:44 Last Day on Earth par Ferrara lui-même, j’ai attrapé au vol cette phrase du
cinéaste, qui ne me lâche plus : « Chaque soir quand vous allez dormir, c’est l’équivalent du dernier jour sur la Terre. »
P.S.

Cette programmation préparée par P. Szendy accompagne la publication aux Editions Capricci de son essai intitulé L’Apocalypse-cinéma – 2012
et autres fins du monde.

31...
cloverfield © Paramount Picture France
 L’apocalypse-cinéma
AVANT-première
4h44 Dernier jour sur Terre
4:44 Last day on Earth
Abel Ferrara
états-unis . sortie prévue le 19 décembre 2012 . 1h22 . fichier hd
Avec Willem Dafoe, Shannyn Leigh, Natasha Lyonne, Paul Hipp, Paz de la Huerta,
Anita Pallenberg Scénario Abel Ferrara Image Ken Kelsh Montage Antony Redman
Production Fabula Productions, Funny Balloons, Wild Bunch Distribution Capricci Films
« C’est tous les jours la fin du monde », déclarait Abel Ferrara
dans un entretien (Le Monde, 8 septembre 2009). À l’exact opposé
des productions pyrotechniques et des batteries d’effets spéciaux,
4:44 Last Day on Earth est une apocalypse quotidienne. Une
apocalypse minimale, en quelque sorte, presque réduite à un huis
clos dans l’appartement de Manhattan où vivent un acteur ― Cisco,
magistralement incarné par Willem Dafoe ― et son amie peintre ―
Skye, interprétée par Shanyn Leigh, la compagne de Ferrara, pour
qui le film semble être taillé sur mesure. L’attente de l’heure fatidique
est scandée par des étreintes, des corps à corps, des silences,
des flambées de panique ou de colère. Une brève visite chez les
voisins, une sortie sur la terrasse de l’immeuble prennent des allures
d’odyssée. Et lorsque la fin des temps a lieu, c’est sous la forme
d’un simple fondu au blanc dans la clarté duquel se dissolvent les
amants enlacés.
LE CHOC DES MONDES
WHEN WORLDS COLLIDE
Rudolph Maté
états-unis . 1952 . 1h23 . dvd
Avec Richard Derr, Barbara Rush, John Hoyt, Franck Cady Scénario Sydney Boehm
Image John F. Seitz, W. Howard Greene Montage Arthur P. Schmidt Production
Paramount Pictures Distribution Swank Films
Disons-le sans craindre l’anachronie : on a un peu l’impression, en
regardant Le Choc des mondes, de voir un prequel de 2012 et de
Melancholia à la fois. Car d’une part, ce qui tient le spectateur en
haleine, c’est la collision, annoncée dès le début, de l’astre nommé
Bellus avec la Terre. Et d’autre part, on assiste bientôt à la construction
d’une arche de Noé spatiale qui emportera pour les sauver quelques
trésors de l’humanité (la Bible, Shakespeare…), ainsi que des
échantillons de ses représentants, triés sur le volet. La fin des temps
devenant imminente, la romance entre le pilote David Randall et la
fille de l’astronome passe au second plan derrière le désespoir de
ceux qui n’ont pas été retenus pour embarquer sur le vaisseau de la
survie. À la loterie de l’apocalypse, les vainqueurs sont rares et les
places sont chères.
DANGER PLANéTAIRE
THE BLOB
Irvin Yeaworth
états-unis . 1960 . 1h25 . 16mm
Avec Steve Mc Queen, John Benson, Aneta Corsaut Scénario Theodore Simonson,
Kay Linaker Image Thomas E. Spalding Montage Alfred Hillmann Production Fairview
Productions, Tonylyn Productions Inc. Distribution BFI
Blob, une vieille onomatopée anglaise, veut dire « bulle ». Et cette
bulle-là, une substance d’origine extraterrestre, s’étend et s’accroît en
absorbant les êtres vivants terriens qu’elle croise. Elle finit par être
contenue lorsque les habitants terrorisés de la petite ville où elle a
commencé à sévir découvrent qu’elle ne supporte pas le grand froid.
On a pu voir dans ce film devenu culte (il a donné lieu à deux remakes,
en 1972 et 1988) une métaphore du communisme au temps de la
guerre froide. Il semble plutôt, à un œil d’aujourd’hui, que la chose
gélatineuse contre laquelle luttent Steve et Jane (Steve McQueen et
Aneta Corsaut) est faite de la matière même du cinéma : comme si
c’était la pellicule qui enflait, gonflait et cloquait, jusqu’à englober le
monde. Le premier titre envisagé pour le film fut The Glob That Girdled
the Globe, soit à peu près : « le globule qui encercla le globe ».
...32
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
LE DERNIER RIVAGE
ON THE BEACH
Stanley Kramer
états-unis . 1960 . 2h14 . N&B . dvd
Avec Gregory Peck, Ava Gardner, Fred Astaire, Anthony Perkins Scénario John Paxton
Image Giuseppe Rotunno Montage Frédéric Knudtson Production Lomitas Productions,
United Artists, Stanley Kramer Productions Distribution Park Circus
L’Australie est le dernier continent provisoirement épargné par
les retombées radioactives de la troisième guerre mondiale. Un
sous-marin américain mouille dans le port de Melbourne : son
capitaine (Gregory Peck) vivra une brève romance avec la belle
Moira Davidson (Ava Gardner), avant que ne vienne la fin des
temps. On suit avec un étrange malaise le devenir des personnages
déboussolés par l’arrivée inexorable des radiations mortelles, à
l’instar du scientifique passionné de course automobile qu’incarne
un Fred Astaire très inattendu. Leur temps est compté sur la Terre et
l’ultime refuge semble être le submersible qui s’enfonce sous l’eau,
sorte de machine-cinéma dont les périscopes-caméras permettent
de filmer notre astre mort et désert depuis un point de vue d’outre-
tombe. Bouleversantes images d’un monde inhabité, vu à travers les
yeux appareillés de ceux qui sont immergés dans cette poche d’air
qui, pour peu de temps encore, les protège.
LOS ANGELES 2013
ESCAPE FROM L.A.
John Carpenter
états-unis . 1996 . 1h41 . 35mm . Interdit aux moins de 12 ans
Avec Kurt Russell, Peter Fonda, Cliff Robertson, Stacy Keach Scénario John Carpenter,
Debra Hill, Kurt Russell Image Gary B. Kibbe Montage Edward A. Warschilka Production
Paramount Pictures, Rysher Entertainment Distribution Paramount Picture France
En 2000, raconte la voix off du prologue, un séisme d’une magnitude
sans précédent a séparé Los Angeles du reste du continent,
transformant la ville en une île où sont déportés les délinquants. Seize
ans après son héroïque intervention dans New York 1997 ― dont Los
Angeles 2013 est donc le sequel ―, Snake Plissken se voit proposer
un pacte aux allures de chantage : ses crimes seront pardonnés
s’il parvient à retrouver la télécommande dont s’est emparé une
organisation terroriste, laquelle s’apprête ainsi à activer le système de
défense satellitaire permettant d’éteindre toutes les sources d’énergie
de la planète. Telle est l’intrigue, tantôt complexe, tantôt efficace, qui
permet à Kurt Russell de nous servir de guide à travers la ville-cinéma
par excellence : on passe avec lui dans Universal City, métonymie
d’une Hollywood engloutie par les eaux, on se retrouve dans une
infernale clinique de chirurgie esthétique où les corps et les visages
se déforment et se reforment… Au terme de son odyssée, lorsqu’il
souffle sa dernière allumette dans un inoubliable regard-caméra, c’est
aussi la projection que Snake éteint.
THE HOLE
Tsai Ming-liang
Taïwan, France . 1999 . 1h35. 35mm
Avec Lee Kang-sheng, Tien Miao, Tang Hslang-Chu, Lin Hui-Chin, Lin Kun-Huei,
Yang Kuei-Mei Scénario Yang Ping-Ying & Tsai Ming-Liang Image Pen-Jung Liao
Montage Hsiao Ju-Kuan Production Arc Lights Films, Haut et Court, China Television,
CMPC. En association avec La Sept Arte Distribution Haut et Court
Au passage du millénaire qui s’annonce, une étrange maladie se répand
à Taipei. On évacue les habitants mais certains refusent de partir,
comme cet homme et cette femme qui vivent dans un immeuble décrépi.
Lorsqu’un plombier creuse un trou entre leurs deux appartements sans
le reboucher, c’est un passage singulier qui s’ouvre, une faille dans
l’étanchéité des mondes que chacun habite. Au rythme d’une pluie
incessante et des inondations qu’elle provoque, les personnages
s’observent, comme deux insectes qui se chercheraient en tâtonnant à
travers la brèche entre leurs écosystèmes. Et tout se passe comme si le
tunnel ainsi frayé ouvrait d’autres espaces encore : il se forme comme
des bulles de comédie musicale, d’un délicieux kitsch taïwanais, où se
projettent et se déploient les rêves de l’un et de l’autre.
 33...
4H44 dernier jour sur terre © capricci Films - le dernier rivage © Park Circus
 L’apocalypse-cinéma
JE SUIS UNE LéGENDE
THE LAST MAN ON EARTH
Ubaldo Ragona, Sidney Salkcow
états-unis, italie . 1964 . N&B . 1h26 . dvd
Avec Vincent Price, Franca Bettoia, Emma Danieli Scénario William F. Leicester, Richard
Matheson Image Franco Delli Colli Montage Gene Ruggiero, Franca Silvi Production
Produzioni La Régina, Associated Producers (API) Distribution Wildside
LE SURVIVANT
THE OMEGA MAN
Boris Sagal
états-unis . 1971 . 1h38 - DVD en vente dans le hall du Manège
Avec Charlton Heston, Anthony Zerbe, Rosalind Cash
JE SUIS UNE LéGENDE
I AM LEGEND
Francis Lawrence
états-unis . 2007 . 1h40 . 35mm . Avertissements : des scènes, des propos ou des
images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs.
Avec Will Smith, Alice Braga, Charlie Tahan, Salli Richardson Scénario Akiva Goldsman, Mark
Protosevich Image Andrew Lesnie Montage Wayne Wahrman Production Warner Bros.,
Village Roadshow Pictures, Overbrook Entertainment, Weed Road Distribution Warner Bros.
Trois adaptations du même roman de Richard Matheson, Je suis
une légende (1954), trois variations cinématographiques sur le
même thème du dernier homme, seul rescapé d’une pandémie qui
a fait du monde le royaume nocturne des vampires. Qu’il s’appelle
Robert Morgan (dans la version de 1964, incarné par un magnifique
Vincent Price) ou Robert Neville (dans les deux versions suivantes,
respectivement avec Charlton Heston et Will Smith), l’unique être
humain immunisé contre l’épidémie générale de vampirisme vit le jour
et se cloître la nuit. Ses errances diurnes dans une New York ou une
Los Angeles désertes sont chaque fois hypnotiques : il est à la dérive
parmi les vitrines des magasins et les rayons des supermarchés,
il chasse des daims ou des fauves dans les rues de Manhattan
envahies par la végétation… La nuit, en revanche, est le moment où
l’on retient son souffle : enfermement, calfeutrage, attente anxieuse
ou ― lorsque le dernier homme finit malgré tout par s’exposer au
danger ― fulminantes explosions de violence. Entre le lent décompte
des jours qui passent (toujours les mêmes quand on est seul) et les
précipitations des agressions nocturnes, ces trois variations proposent
une expérience singulière de la temporalité filmique. P.S.
CLOVERFIELD
Matt Reeves
états-unis . 2008 . 1h21 . 35mm . Avertissements : des scènes, des propos ou des
images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs
Avec Michael Stahl-David, Lizzy Caplan, Jessica Lucas, Mike Vogel Scénario Drew
Goddard Image Michael Bonvillain Montage Kevin Stitt Production Bad Robot, J.J.
Abrams, Paramount Picture Distribution Paramount Picture France
C’est le film qu’il faut avoir vu pour savoir où nous en sommes,
aujourd’hui, en 2010, avec les questions de toujours. Le réalisme,
l’enregistrement, André Bazin et « l’évolution du cinéma d’exploration »,
la beauté spéciale des films détruits, perdus, retrouvés, incomplets à
jamais – Kon-Tiki et les autres… –, l’équilibre entre le danger qu’on filme
et le danger de filmer, etc. Toutes ces choses que Serge Daney résuma
d’une formule assassine : « filmer, [c’est] souvent non-assister une
personne en danger. »
...34
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
Vieilles affaires, dira-t-on : les rapports entre filmeur et filmé, l’image et ses
limites logistiques, physiques, morales, etc. Certes. Mais le numérique
les bouleverse, ces affaires, et d’autre part l’on commence à savoir
qu’il est lui-même une histoire ancienne. Films trouvés à la décharge,
pendant ou après la chute. Poèmes d’adieu à ce qui fut. Cinéma de part
en part documentaire, direct, archiviste. Incrédible mais cru.
« Documenting… documenting. » C’est le credo de Hud, le jeune
garçon requis à la dernière minute pour filmer en mini-DV ses copains
faisant la fête et qui se retrouve à enregistrer la survenue d’un Godzilla
s’apprêtant à raser New York. Hud est innocent, naïf, bien intentionné.
Rien à voir avec la figure traditionnelle du vidéaste amateur ricanant,
dont l’objectif est comme un trou de serrure, une lorgnette… Bon
copain : c’est la nouvelle identité du cinéma en caméra subjective. Qui
aurait parié que la décennie 2000 verrait le retour et la réévaluation
d’un genre aussi peu prisé, sinon à titre théorique, de La Dame au Lac
(sur lequel Bazin écrivit) au Blair-Witch Project ? Pas moi. Les « films
subjectifs » sont pourtant là, aussi nombreux que divers : Redacted,
Diary of the Dead, [REC] et son remake américain Quarantaine,
Grizzly Man et les vidéos posthumes de Timothy Treadwell…
Hud enregistre en continu, il veut tout voir. Ses yeux sont plus gros
que le ventre de la bête, et pourtant son appétit n’a aucun rapport
avec la surveillance, le voyeurisme ou la manipulation. Le voyeurisme
n’est plus un problème – plus le même, en tout cas – dès lors qu’il n’y
a plus une caméra mais des milliers. Filmer n’est plus non-assister
une personne en danger dès lors que la caméra est si légère qu’on
peut filmer d’une même main et assister de l’autre : les modifications
techniques sont aussi des modifications éthiques… La manipulation
n’est plus davantage dans l’œil du voyeur : elle est autour, dans
le ballet de monstres et de soldats, d’immeubles pulvérisés et de
poussières orchestré par le producteur J.J. Abrams et le cinéaste
Matt Reeves (camarade de promotion, je le précise au passage, de
Judd Apatow à USC). L’œil qui nous menace serait dès lors plutôt
l’œil du cyclone, celui de la catastrophe elle-même où nous sommes
emportés. L’œil du monde, si vous voulez. Image inoubliable : la
décapitation de la Statue de la Liberté, dont la tête roule entre les
buildings pour s’arrêter à nos pieds et nous fixer encore, de son œil à
la fois énorme et amorphe.
Que le cinéma aille à sa perte, c’est le seul cinéma. Nous n’avons
pas oublié les mots que Marguerite Duras prononça il y a plus de
trente ans (elle disait d’abord, ce qui est plus connu : que le monde
aille à sa perte, c’est la seule politique). Ils nous auront accompagnés
pendant les années 2000, davantage que lors des précédentes.
Cloverfield rime avec le cinéma du 11 septembre, mais aussi avec
The Dark Knight, et même avec Still Life ou à l’Ouest des rails : en
Amérique comme en Asie, les monuments de la décennie furent des
ruines. Ses événements eurent lieu dehors, sous le ciel. Terreur et
désastres, fumée et décombres : c’est ainsi que la tyrannie du vrai a
progressivement remplacé la litanie du faux.
Ça y est, nous y sommes. La grande rhétorique documentaire du
numérique, ces empires qui s’écroulent sous nos yeux et rien que
pour nos yeux, ces films enterrés in extremis puis retrouvés dans un
champ, des années après, tout cela nous a fait basculer dans la perte,
plein champ. Mieux : c’est elle, la perte, qui va maintenant au cinéma.
Qui le renverse et qui le relève. L’apocalypse c’est maintenant, et
maintenant, et encore maintenant. Elle a eu lieu, elle continue, elle
se répète. Les films seraient alors le dernier recours. Tout ce qu’il y a,
tout ce qui demeure. Le dernier réel. Le dernier souvenir. Recueillir à
l’avance la trace de désastres qui n’existent pas, mais qui existeront
peut-être un jour – la fin de New York, par exemple –, ce pourrait être
au fond cela : sauver la possibilité d’un passé. Voilà un programme
d’avenir. E.B.
THE LAST MAN ON EARTH © Wildside. - I AM LEGEND © Warner Bros.
35...
...36
 Contrôler un film, dévoiler
sa structure à la vue de tous.
Et en même temps travailler
pour perdre le contrôle,

autour de tabou
traquer l’imprévu… C’est mon
éléphant africain, ce que je
désire le plus poursuivre sur
le plateau d’un film.

par Miguel Gomes

Je crains que pour celui-ci il soit trop tard mais, pour mon prochain film, il faudra que je me souvienne d’effacer de la
biographie envoyée aux catalogues de festivals le fait que j’ai été critique de cinéma. Je le dis car cette précision, a fortiori placée
en tête de ces satanées bios, a conduit un grand nombre de critiques à toujours me poser la même question. De l’Australie au
Canada, on me demande en effet sans arrêt dans quelle mesure mes films ont été influencés par mon expérience de critique. Si
j’avais fait figurer autre chose dans la bio – par exemple, joueur de tennis ou collectionneur numismate –, il me semble que la
question ne se poserait pas.
Perdez donc tout espoir, ô critiques du monde ! Il y a sûrement un rapport entre les films que j’ai vus et ceux que j’ai faits, mais il
ne me semble pas que ce rapport vienne de ce que j’ai vu plus ou moins de films, de ce réalisateur-ci ou de celui-là, encore moins
de ce que j’ai pu, pendant une certaine période de ma vie, être payé pour écrire sur le cinéma que je voyais. Autrement dit : ce qui
constitue mon travail de metteur en scène n’est la conséquence d’aucune activité spécifique précédente.
Je crains que ce choix d’une huitaine de films en rapport avec Tabou prête au même type d’équivoque. Et pourtant je jure qu’aucun
ne m’a guidé en tant que référence consciente pendant la genèse de Tabou – ni même en tant que référence inconsciente,
bien que cela soit évidemment plus épineux à garantir. Je ne sais pas si ces huit films sont les plus importants pour Tabou –
ni, en général, pour moi-même. Ils ne forment pas un statement personnel et je souhaite qu’ils ne dessinent pas non plus un
quelconque manifeste. Il s’agit juste de films qui me sont tombés sur la tête quand j’ai dû les choisir, quelques uns de manière
évidente, d’autres d’une façon plus mystérieuse.
Quand Emmanuel Burdeau m’a demandé de faire un tel choix, je lui ai répondu que sa commande me semblait un peu vague
et même dangereuse. Il a alors proposé (entre autres possibilités) que je travaille autour de quelque chose sur le rapport entre
le cinéma et la musique. Il y a quelque temps, quelqu’un m’avait déjà demandé de choisir un film – un seul, ce qui est encore
plus compliqué – en relation avec mon travail. J’ai donc essayé de me rappeler d’un exemple assez abstrait pour remplir cette
fonction. Comme je n’ai pas pu le montrer à l’époque, et comme en outre il répond aussi, tout compte fait, à la suggestion de
Burdeau, Fantasia m’a semblé un choix inévitable.
Je ne suis pas sûr que Fantasia soit si abstrait que ça. En vérité, je ne l’ai pas revu depuis l’enfance et c’est sans doute cette
mémoire – enfantine et éblouie – qui l’a rendu abstrait. Je me fiche de ce que Walt Disney avait en tête quand il a rassemblé une
collection de hits de la musique classique pour accompagner ses créatures animées (certains disent qu’il y cherchait surtout une
caution culturelle). Je me souviens de Mickey et de ses balais, du ballet des hippopotames et surtout d’une ligne qui vibrait de
façon différente à chaque note de musique. Une collection de numéros musicaux d’animation, autrement dit, sans aucune liaison
claire entre eux. Un spectacle de cirque sophistiqué, ouvertement surréaliste mais sans le côté casse-pieds du surréalisme, où
étaient admis toutes les musiques, toutes les formes, toutes les couleurs, tous les récits et personnages. Et où l’on circulait d’une
chose l’autre car telle était la logique – musicale – du spectacle.
Quelle mouche a pu piquer Godard pour qu’il intitule un film Nouvelle Vague*, plus de trente ans après à Bout de Souffle ? « C’était
le temps où il y avait des riches et des pauvres…», raconte le récitatif (je cite à nouveau de mémoire). Je ne sais quel temps
habite cette voix. Je suppose que c’est un temps d’après Adam et Eve bannis du paradis, un temps d’après la Nouvelle Vague de
Godard et de ses copains, d’après la dissolution de la Confédération suisse, la (les) scène(s) du bateau de L’Aurore de Murnau,
que Godard vampirise explicitement. Un temps d’après beaucoup de choses, donc. Et si dans ce film on sent toujours battre la
pulsation d’un temps d’après, comme une lumière qui nous arriverait d’un soleil éteint, Nouvelle Vague a encore assez d’énergie
pour créer deux temps distincts qui se regardent dans le miroir. C’est un film en deux parties avec deux Alain Delon qui sont sans
doute le même. Entre une noyade et un sauvetage, une mort et une résurrection, jusqu’à ce que la boucle soit bouclée et que le
différent devienne le même, il y a une immensité simplement rendue possible parce qu’il existe le temps, la mémoire et le cinéma.
À côté de la grandeur de Nouvelle Vague, l’univers de Chasseur blanc, cœur noir paraît plus étriqué. Mais tout comme le film de
Godard ne peut plus appartenir à la Nouvelle Vague, le personnage interprété par Clint Eastwood ne peut plus s’appeler John
Huston. Bien qu’il lui ressemble, il ne peut plus être John Huston sur le tournage d’African Queen. C’est un personnage mutant –
comme le second Delon était la mutation de la mémoire du premier –, quelque part entre Eastwood et la mémoire de Huston (et
de Hemingway), entre le cinéma moderne et la mémoire du cinéma classique américain. Bien qu’il ne soit pas considéré comme
un des meilleurs films du cinéaste (qui allait bientôt signer deux monuments : Impitoyable et Un monde parfait), Chasseur blanc,
cœur noir se développe à une échelle plus réduite et avec une absence de gravité qui correspondent à la transition du classique au
postclassique. L’éléphant qui obsède Eastwood n’est pas Moby Dick et son personnage n’a pas la dimension funeste du Capitaine
Achab. Et même si la tragédie se répète, il ne reste au playboy capricieux qu’à retourner sur le plateau et à lancer « action ! » : le
glamour et l’exotisme qu’il cherchait ne sortiront jamais de son film africain.
J’ai comme credo de ne jamais voir d’autres films, ni avant ni pendant mes tournages. Cela s’est confirmé avec Tabou. J’ai
pourtant brisé la règle pour La gueule que tu mérites (2004). J’ai vu à l’époque Silvestre, de João César Monteiro, où j’ai essayé
de retrouver le souffle romantique dont j’avais besoin pour la seconde partie de mon film. Comme d’habitude dans le meilleur

* Fantasia et Nouvelle Vague ne sont hélas pas disponibles pour la projection. Les spectateurs pourront toutefois se les procurer au Manège en DVD

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TABOU (de M.G.) © Shellac Distribution

 autour de Tabou - Miguel Gomes
Ces films ne forment pas un
statement personnel et je
souhaite qu’ils ne dessinent cinéma portugais, le lyrisme de Silvestre s’exprime
à travers un apparat de filtres et d’artifices : en
pas non plus un quelconque
l’occurrence, l’emploi du studio et du système de
manifeste. Il s’agit juste de
rétroprojection, ainsi que l’image fixe du chevalier
films qui me sont tombés qui combat le dragon, ou encore les couplets rimés
sur la tête quand j’ai dû les des sœurs avant la transformation de la pucelle
choisir, quelques-uns de en guerrier. Si cette matérialité des artifices nous
manière évidente, d’autres renvoie au maître inévitable qu’est Manoel de
d’une façon plus mystérieuse. Oliveira, j’ai pourtant choisi O Bobo, chef-d’œuvre
de José Álvaro de Morais, comme juste mesure
vertigineuse de cette dimension propre au cinéma portugais.
Le théâtre (de marionnettes), l’histoire d’un pays (Taïwan), le couple et la famille
sont également présents dans Le Maître de marionnettes. C’est toutefois son
usage surprenant de la voix off qui m’a remis en mémoire le film de Hou Hsiao-
hsien. Cette voix appartient au personnage central, le marionnettiste qui raconte
l’histoire de sa vie. C’est la voix d’un homme âgé, malgré l’image du jeune acteur
qui le joue et qu’on voit à l’écran. Et pourtant, au bout d’une heure, le film invente
d’un seul coup sa propre mutation quand le narrateur – le vrai marionnettiste –
apparaît à l’image. Je n’y ai pas pensé au moment de choisir ces films, mais il est
vrai que Hsiao-hsien avait déjà créé ce genre de personnages mutants bien avant
que je réalise Ce cher mois d’août (2008) et Tabou. Des personnages à la fois réels
et de fiction, vieux et nouveaux, créés d’une façon très simple pour un seul film.
Je dois en revanche me contredire : au début de ce texte j’ai écrit qu’aucun de ces
films n’a inspiré la genèse de Tabou. Il y a une exception : l’autre Tabou, évidemment,
le mythique, tourné par Friedrich Wilhelm Murnau et Robert Flaherty. En fait, cela
n’est qu’à moitié vrai : mon film Tabou s’appelle ainsi car je n’ai pas pu l’intituler
Aurora, titre originel du projet. Le cinéaste roumain Cristi Puiu venait de finir un
film homonyme : j’ai donc dû passer au titre du dernier film de Murnau en espérant
que personne ne s’en empare avant moi. Je suis aujourd’hui très heureux que les
choses se soient déroulées ainsi. Le rapport de mon film avec celui de Murnau
n’est qu’à peine référentiel. Mais je peux assurer que si mon film s’était appelé
Aurora, il n’aurait rien à voir avec Tabou.
Il y a huit décennies, il semble que les choses ne se soient pas très bien passées
entre Murnau et Flaherty. Alité, fiévreux, Murnau aurait dit qu’il serait plus soulagé
si Flaherty avait au moins la compétence de diriger un film… Et bien qu’il soit très
probable que la chronique ait exagéré ou déformé leur différend, il est certain qu’il
est très difficile de ne pas voir en Tabou, au moins symboliquement, la rencontre
du contrôle (Murnau) et de la disponibilité (Flaherty). Burdeau a bien nommé cette
union une « utopie du cinéma » (je cite à nouveau de mémoire).
Contrôler un film, dévoiler sa structure à la vue de tous. Et en même temps,
inventer sur le plateau des règles contre-productives si on ne prend en compte que
l’opérativité du tournage, travailler pour perdre le contrôle, traquer l’imprévu…
C’est mon éléphant africain, ce que je désire le plus poursuivre sur le plateau d’un
film.
Tout ce que j’écris ici vient de la mémoire des films et non des films en soi – que
je n’ai pu revoir. Avec Tabou, je n’ai pas voulu faire un film muet mais l’investir de
quelque chose de la sensation que j’ai éprouvée en voyant des films muets et qui,
je crois, est restée en moi. Il y a bien ici une autre exception, Le Fleuve, que j’ai revu
avant d’écrire ce texte. C’était un choix évident : le colonialisme anglais, l’usage de
la voix off, la rivière – sans crocodiles – comme métaphore du temps et du cycle
de la vie… Et pourtant, ce furent cette fois les larmes et les mots de la jeune fille
après avoir embrassé l’Américain qui m’ont impressionné le plus : « Je pleure parce
qu’avec ce baiser finissent toutes les après-midis au jardin, et nous avec elles »
(je cite toujours de mémoire !). Je me suis alors demandé si tous les grands films
n’étaient pas finalement des films sur la fin, la fin d’un temps, d’une époque, d’un
moment. La fin de quelques jours passés au jardin. Ce n’est pas grave : le fleuve
de Renoir met les choses à sa mesure, les passions sont oubliées comme les lettres
dans le vent. Sans doute recommenceront-elles un autre jour. Dernières phrases
de la voix off du Fleuve : « The day ends, the end begins. » J’ignore pourquoi, mais
seul le cinéma peut nous faire ressentir la douceur de la fin avec une telle intensité
et une telle justesse.
M.G. Août 2012 . Traduit du portugais par Francisco Ferreira.
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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
AVANT-première
TABoU
Tabu
Miguel Gomes
Portugal . sortie prevue le 5 écembre 2012 . 2h00 . N&B . 35mm
Avec Teresa Madruga, Laura Soveral, Ana Moreira, Carloto Cotta, Isabel
Cardoso, Manuel Mesquita, Henrique Espirito Santo Scénario M. Gomes
et Mariana Ricardo Image Rui Poças Montage Telmo Churro, M. Gomes
Production O Som E A Furia, Shellac Sud Distribution Shellac
Tabou est découpé en deux parties. Dans la première, une
vieille dame lisboète toute de bonté, Pilar, cherche à venir
en aide à sa voisine, son aînée Aurora, laquelle semble à
deux doigts de perdre la tête : elle dilapide son argent au
casino d’Estoril, délire, maltraite sa bonne capverdienne,
qu’elle soupçonne de sorcellerie à son encontre, va jusqu’à
prétendre avoir du sang sur les mains. Puis meurt. Non
sans laisser à l’attention de Pilar un mot dans lequel elle lui
demande d’aller trouver un certain Gianluca Ventura.
Lorsque Gianluca est retrouvé, la seconde partie commence,
récit mené par la voix off de celui-ci de son passé en
Afrique avec Aurora. Plus une parole ne sera prononcée
in, dans le champ : les sons d’ambiance demeurent, bruits
de la forêt, oiseaux, coups de feu, moteurs, chansons,
mais aucun son ne sort lorsque les lèvres s’animent pour
parler. En beau style épistolaire, Gianluca raconte ce qui
arriva il y a quelque demi-siècle : ses antécédents de
séducteur international, son association avec un prêtre
défroqué reconverti chanteur de charme, sa rencontre avec
Aurora, le mariage et la grossesse de celle-ci, leur amour
clandestin, tout cela jusqu’à un terme dont il faut réserver la
découverte à ceux qui verront le film à sa sortie en France,
prévue pour la fin de l’année.
Tabou est en noir et blanc. La première partie a été tournée
en 35 millimètres, la seconde en 16 . Puisque Miguel
Gomes fait un détour, situant son prologue dans la jungle,
revenant ensuite à Lisbonne pour partir enfin en Afrique,
peut-être n’est-il pas mal de dire à notre tour les choses de
manière un peu détournée.
Voici : il n’est pas excessif d’avancer que depuis un certain
temps le cinéma « exigeant » se méfie comme de la peste
des histoires, de la peinture des passions et du souffle des
aventures – toujours plus de silence et de retrait, toujours
moins de générosité et de sentiments... Pas hâtif non
plus d’affirmer qu’il y a à cela quelque logique : les récits
semblent avoir été confisqués par le cinéma de grande
consommation, et les incursions récentes des auteurs dans
le cinéma de genre ont rarement été couronnées de succès
(esthétique aussi bien que public). De sorte qu’un jeune
cinéaste a volontiers le réflexe de tourner le dos au récit
pour tenir bon sur l’affirmation formelle et juste sur elle.
Gomes a compris cela mais il le refuse. Il refuse la division
du cinéma. Il refuse cette impasse, la tautologie de
l’« exigence » et de la « difficulté ». S’il croit à la vertu
des détours, c’est qu’il est convaincu qu’une rencontre est
encore possible entre le charme de la fable et la recherche
formelle. Mieux : il juge cette rencontre vitale, car il y a en
effet de la nécessité dans sa douceur, de l’urgence.
[…] Prenons le choix de narrer en seule voix off la partie
africaine : cette audace libère l’image, en vérité, au lieu de
l’amputer ; elle fait danser les arrière-plans visuels et les
paysages sonores, les mimiques des amis et les animaux de
la jungle ; elle installe cette sorte de flash-back à mi-distance
du souvenir enfoui et de la retrouvaille inespérée ; elle dit
à la fois l’éloignement et la proximité de ce paradis africain,
avec ses cocktails au bord de la piscine et ses domestiques
noirs, ses parties de chasse et ses parties de ping-pong, son
exotisme à la fois intact et usé, ses excentriques fatigués de
leur excentricité même...
E.B
Extrait d’un article publié sur Médiapart le 19 février 2012
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
TABOU (de f.w. m.) © Warner Bros. France
Tabou
Tabu : A Story of the South Seas
Friedrich Wilhelm Murnau
états-unis . 1931 . 1h30 . N&B muet . 35mm
Avec Anna Chevalier, Matahi, Hitu Scénario F. W. Murnau, Robert J. Flaherty, Edgar
G. Ulmer Image Floyd Crosby Montage Arthur A. Brooks Production Murnau-Flaherty
Productions, Paramount Pictures, Friedich-Wilhelm Murnau Distribution Transit Film
Dans l’île de Bora-Bora, un jeune pêcheur de perles, Matahi, et une
merveilleuse jeune fille, Reri, tombent amoureux. Mais au vu de sa
grande beauté, Hitu, le sorcier l’a choisie comme prêtresse sacrée.
Elle doit donc selon la tradition, rester vierge et il la déclare tabou.
Rien n’y fait, les deux amants décident de s’échapper, ils fuient,
poursuivis par Hitu… Le film est découpé en deux parties : Le Paradis
et Le Paradis perdu.
Le Fleuve
Jean Renoir
france, inde, état-unis . 1951 . 1h40 . dcp
Avec Nora Swinburne, Esmond Knight, Arthur Shields Scénario J. Renoir et Rumer
Godden d’après l’œuvre de Rumer Godden Image Claude Renoir Montage Georges
Gale Production Oriental International Films Distribution Carlotta Films
Dans la région de Calcutta, au Bengale-Occidental, une famille d’expatriés
britanniques vit sur les bords du fleuve sacré où le père dirige une presse
à jute. Sa fille aînée, Harriet, une jeune adolescente romantique, partage
ses loisirs avec Valérie, la fille unique d’un riche propriétaire. Toutes deux
sont amies avec leur voisine Mélanie, née de père anglais et de mère
indienne. Un jour d’automne arrive le capitaine John. Les trois jeunes filles
ne tardent pas à tomber amoureuses de cet étranger.
Silvestre
Joao César Monteiro
portugal . 1981 . 2h00 . 35mm
Avec Maria de Medeiros, Teresa Madruga, Luís Miguel Cintra Scénario J.C. Monteiro
Image Acacio de Almeida Montage Joao César Monteiro, Teresa Caldas, Manuela Viegas
Production Paulo Branco Distribution Films sans frontières
L’histoire du film est basée sur deux romans traditionnels portugais : la
Demoiselle qui va-t-en guerre, d’origine judaïque, et la Main du défunt,
transmise par la tradition orale qui fait partie du cycle de Barbe-Bleue.
Un vieux Don décide de marier une de ses filles à un riche et vieux
voisin. Il part à la cour afin de convier le roi aux noces en recommandant
à ses filles de n’ouvrir à personne. Mais l’une d’entre elles ne peut
s’empêcher de désobéir en ouvrant à un pélerin qui demande le gite.
autour de Tabou - Miguel Gomes
Le Maître de marionnettes
The puppetmaster
Hou Hsiao-hsien
Taïwan . 1993 . 2h22 . 35mm
Avec Chung Lin, Cheng Kuei-chung, Cho Ju-wei Scénario Chu T’ien-wen, Wu Nien-Jen,
Li Tien-lu Image Pin Bing Lee Montage Liao Ching-Sung Remerciements Hou Hsiao-
hsien, ARP Sélection
à travers l’évocation de la vie mouvementée du marionnettiste Li Tien
Lu, l’histoire de Taïwan sur trente années, depuis la naissance de Li
en 1909 et au travers de toute la Seconde Guerre mondiale, jusqu’à
la défaite des Japonais en 1945, qui marqua la fin de cinquante ans
d’occupation japonaise à Taïwan.
O Bobo
José Alvaro Morais
portugal . 1987 . 2h07 . 35mm
Avec Fernando Heitor, Paula Guedes, Luis Lucas, Luisa Marques Scénario J.A. Morais,
Rafael Godinho, Alexandre Herculano Image Màrio de Carvalho, Octavio Espirito Santo
Montage José Nascimento, Luis Sobral Production Animatografo, Fundação Calouste
Gulbenkian, Instituto Português de cinema Remerciements Cinémathèque du Portugual
Au cours de la répetition de la dernière scène d’une pièce de théâtre
O Bobo, un ami du metteur en scène est retrouvé assassiné dans les
decors. La première devait avoir lieu la semaine suivante. L’avenir
du spectacle, mais aussi celui du metteur en scène et de l’actrice
principale, est remis en question.
Chasseur blanc, cœur noir
White Hunter, Black Heart
Clint Eastwood
états-unis . 1990 . 1h54 . 35mm
Avec Clint Eastwood, Marisa Berenson, Jeff Fahey, Georges Dzundza Scénario Peter
Viertel, James Bridges, Burt Kennedy Montage Joel Cox Production Clint Eastwood,
Malpaso Productions, Rastar Pictures, Warner Bros. Distribution Warner Bros. France
Un réalisateur de films intransigeant, John Wilson, s’apprête à tourner
une superproduction en Afrique. Il est peu à peu captivé par un autre
projet : celui de partir à la chasse à l’éléphant. Adaptation par Clint
Eastwood, du livre écrit par Peter Viertel qui, en 1951, accompagna
John Huston en Afrique sur le tournage d’African Queen. Il en a tiré un
ouvrage qui, déclara-t-il, « ne traite pas d’African Queen. C’est le portrait
d’un réalisateur en proie à une obsession envahissante qui, pour lui,
passe avant tout. Une obsession dont le prix sera exorbitant. »
39...
 Werner Herzog
Dans le couloir de la mort
Werner Herzog ne s’arrête jamais. La mort sera toujours son sujet, son « ennemi intime ». Depuis la sortie
l’an passé de La Grotte des rêves perdus, l’infatigable cinéaste allemand a – notamment – mené à bien deux
projets autour de la peine de mort aux Etats-Unis : on Death Row, quatre portraits de condamnés pour
une chaîne de télévision, et Into the Abyss, qui sort en salle ce mercredi 24 octobre. Nous présentons ces
extraordinaires documents en séance spéciale.

into the abyss © Wild Bunch /Why Not Prod.

AVANT-première
Into The Abyss
canada / allemagne . sortie le 24 octobre 2012 . 1h45 . hdcam
Avec Jason Burkett, W. Herzog, Michael Perry scénario W. Herzog Image Peter
Zeitlinger Montage Joe Bini Production Creative Differences, Skellig Rock, Investigation
Discovery, W. Herzog Filmproduktion Distribution Wild Bunch / Why Not Productions
Le 24 octobre 2001, dans la petite ville de Conroe au Texas, Jason
Burkett et Michael Perry, en quête d’une voiture à voler, abattent de
sang froid Sandra Stotler, son fils Adam et l’ami de ce dernier, Jeremy.
Retrouvés puis arrêtés, les jeunes hommes, à peine âgés de 19 ans,
sont condamnés : Burkett à la prison à perpétuité, Perry à la peine
capitale. Le cinéaste Werner Herzog a eu l’occasion de rencontrer les
familles des victimes, mais également le meurtrier Michael Perry, à
quelques jours de son exécution...
Death Row
états-unis . 2012 . 4x52 . digibeta
Avec Joseph Garcia, George Rivas, Linda Carty, Hank Skinner, James Barnes, W. Herzog
scénario W. Herzog Image Peter Zeitlinger Montage Joe Bini Production Creative
Differences, Skellig Rock Werner Herzog Film GmbH For Channel 4 Distribution Werner
Herzog Film GmbH
Quatre portraits de condamnés à mort, au Texas et en Floride, à
travers des entretiens avec eux et les témoignages de leurs proches
et de la police : James Barnes, auteur de deux meurtres ; Joseph
Garcia et George Rivas, membres du gang des Texas Seven ; Hank
Skinner, condamné pour le meurtre d’une mère et de ses deux fils ;
Linda Carty, accusée d’avoir tué une mère et volé son bébé de quatre
jours.

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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 werner herzog dans le couloir de la mort

Vous retournez sans cesse vers des sujets liés à la mort, à la destruction. Comment faites-vous pour tenir ?
Je reste sain. Je suis enraciné dans une culture solide, la culture bavaroise. Très solide : on peut compter dessus. Et je reste
vigilant : suis-je en train de sombrer dans une vie indigne, dénuée de sens ?

Comment avez-vous découvert les cas de Michael Perry et Jason Burkett ?

J’étais en train de travailler sur une série de quatre portraits de condamnés à mort pour une chaîne de télévision spécialisée dans les
affaires criminelles : Investigation Discovery, une filiale de Discovery. Je voulais élever la qualité de ce programme très populaire aux
USA. La production m’a fait confiance. Michael Perry est le premier que j’ai filmé. Il fallait faire vite : je savais qu’il allait être exécuté
dans 8 jours. J’ai donc commencé à le filmer sans préparation. J’ai aussi filmé les familles des victimes, l’aumônier… J’ai compris tout
de suite que je ne faisais pas un film sur un condamné à mort mais sur le cauchemar de l’Amérique, sur une descente aux enfers, sur
un crime totalement nihiliste. J’ai vu quelque chose de profond, touchant à l’épicentre nihiliste de la civilisation moderne. Je suis
retourné voir la chaîne et je leur ai dit qu’il y avait là matière à faire un film bien plus grand, pouvant sortir en salles, un documentaire
dans le genre de De sang froid, de Truman Capote. Ils m’ont suivi. Et cela a donné Into the Abyss.

Avez-vous pensé mêler en un seul film les différentes affaires auxquelles vous avez été confronté, et qui composent désormais
Into the Abyss d’une part et On Death Row d’autre part ?
J’ai pensé faire un film dans lequel plusieurs intrigues s’entremêleraient… Mais le public aurait eu du mal à suivre. Même si Into
the Abyss ne traite que d’une affaire, c’est déjà très complexe : deux meurtriers, trois victimes, quatre scènes de crime ; deux
procès, deux condamnations : une détention à vie et une peine de mort.
Je ne voyais pas les autres cas traités autrement que comme des portraits. Ils sont pourtant fascinants. Ils reflètent la vie, nos
propres vies : comment entrer en relation, comment éduquer nos enfants, comment regarder un paysage… L’un des détenus
n’avait pas vu le ciel, ni d’arbre depuis dix-sept ans. Il a été transporté vers la mort, à cinq kilomètres de là, et vingt-trois minutes
avant l’exécution, tout a été stoppé. Il parle de la campagne qu’il a vue à travers la fenêtre du véhicule comme si c’était la Terre
promise. J’ai immédiatement voulu voir la Terre promise, moi aussi, et la filmer. Je n’ai rien vu d’autre qu’une station-service et du
bétail dans un champ. Et pourtant, les perspectives changent tout à coup : un paysage banal, une vache, un cheval dans un champ
deviennent grandioses.

Après la présentation d’On Death Row au festival de Berlin, vous avez évoqué assez durement les Américains qui, vivant à New
York ou à Los Angeles, méprisent ceux qui habitent entre les deux, à l’intérieur des terres.
On parle souvent de « fly over » pour désigner toute cette zone, sous-entendu : on la survole, mais on ne voudrait surtout pas
y habiter ! Je déteste cette expression. Contre toute attente, je suis attaché à l’Amérique profonde. Certes, beaucoup de ses
habitants sont des chrétiens fondamentalistes républicains… Mais on trouve dans la campagne profonde des hommes solides
comme des rocs, par exemple l’ancien bourreau de Into the Abyss, Fred Allen. On ne trouve pas une telle solidité à Boston ni à
San Francisco.
Pourquoi y a-t-il tellement de gens de l’Amérique profonde qui ne croient pas au changement, à l’évolution ? On a vraiment
intérêt à regarder cela de plus près et à faire quelque chose : améliorer le système scolaire, encourager les contacts… La perte de
contact avec le centre de l’Amérique fait le lit des désaccords politiques, des divisions et des contradictions. Le désaccord entre
les Démocrates et les Républicains est presque impossible à surmonter. C’est une vraie question, et c’est pourquoi je n’arrête pas
de dire : « Vous devez très sérieusement prendre l’Amérique profonde, le centre du pays, en considération. » Je ne suis pourtant
qu’un invité dans le pays. C’est peut-être la raison pour laquelle, d’ailleurs, je vois ce qui se passe avec un œil plus aiguisé et
préfère les hommes de l’Amérique profonde.

Fred Allen, l’ancien bourreau, résume sa philosophie par une formule à la fois énigmatique et superbe : « Ne pas bouger et
regarder les oiseaux. » (« Hold still and watch the birds »).
J’ai été surpris de l’entendre dire cela. « Maintenant que ma vie a pris un tournant vers la bonne direction, je suis serein. J’ai bien
ordonné mes valeurs… Regardez ce que font les oiseaux… Les oiseaux, les canards, les oiseaux mouches. » Pause. « Pourquoi y
en a-t-il autant ? » Cut. Fin du film. Il a dit d’autres choses ensuite. Mais je savais que je tenais la fin de mon film.

Comment comprenez-vous cette question : « Pourquoi y en a-t-il autant ? » (« Why are there so many of them ? ») ?
Il vaut mieux qu’elle reste en suspens jusqu’à la fin de votre vie ! Elle est de Fred Allen, pas de moi. C’est une question si profonde
que je ne peux que vous laisser y faire face seuls ! J’aimerais insister sur deux choses : il y a beaucoup d’humour dans le film. Et il a
aussi a un côté lumineux. Le sous-titre dit : Une histoire de mort, une histoire de vie. ( A tale of death, a tale of life ). Le dernier chapitre
traite de « l’urgence de la vie ». C’est quelque chose que j’ai découvert. La vie est partout dans le film. Il n’est pas aussi sombre qu’on
pourrait le croire.

Propos recueillis par Hervé Aubron et Emmanuel Burdeau. Retranscrits et traduits de l’anglais par E.B. et Mathilde Trichet.
SO FILM n° 4, octobre 2012.

41...
 2e Rencontres du cinéma indépendant

Yossi © Bodega Films

Après une première édition très encourageante, le festival international du film de La Roche sur Yon, le SDI et l’ACOR (Association des
Cinémas de l’Ouest pour la Recherche) ont décidé de poursuivre en 2012 l’« aventure » des Rencontres du cinéma indépendant, avec la même
ambition : faire découvrir des œuvres d’auteurs inédites, issues des lignes éditoriales des membres du Syndicat des Distributeurs Indépendants
(SDI), qui ne bénéficient pas de la notoriété préalable des films art et essai médiatisés.
Les tensions commerciales sont de plus en plus violentes sur le marché, au détriment des films les plus fragiles. L’accélération de la « rotation » des
films programmés s’effectue au détriment de ces œuvres, qui ne disposent plus du temps nécessaire pour rencontrer leurs spectateurs, risquant
de conduire à leur disparition.
Or dans le secteur cinématographique, contrairement à la règle industrielle habituelle, la fonction « recherche et développement » n’est
pas assurée par les groupes dominants. Le renouvellement de l’offre de films (accompagnement de nouveaux cinéastes, découverte des
cinématographies peu diffusées, réédition des œuvres du patrimoine cinématographique…) repose exclusivement sur les distributeurs
indépendants, qui font office de « têtes chercheuses ». Ils en avancent les « frais d’édition » (promotion et tirage des copies), assumant seuls
les risques d’un éventuel échec. C’est une démarche souvent ingrate puisque, si un auteur ou une cinématographie sont reconnus, leurs films
seront ensuite proposés à des sociétés disposant de moyens financiers supérieurs, sans que ceux qui les ont fait découvrir puissent rivaliser ni
recueillir les bénéfices de ce succès ultérieur.
Afin d’être reconnus et d’avoir une chance de déclencher le « bouche à oreille » favorable qui leur donnera accès à un nombre significatif
d’écrans, ces films doivent pouvoir être vus par le maximum de programmateurs des salles, de journalistes et de spectateurs cinéphiles. Les
festivals à la ligne éditoriale exigeante, comme celui de La Roche sur Yon, sont des plates-formes idéales. Un jury composé de Antoine GLEMAIN
– exploitant du Vox à Mayenne/salle ACOR –, associé à Yannick REIX, Emmanuel BURDEAU et Rebecca De PAS – équipe du festival de La Roche
sur Yon – a accepté de sélectionner quatre films de qualité venant d’horizons géographiques très divers :
Alps de Yorgos LANTHIMOS (Grèce) (distribution : A3 Distribution)
Ini Avan (Him, hereafter) de Asoka HANDAGAMA (Sri Lanka) (distribution : Heliotrope Films)
L’Etudiant de Darezhan OMIRBAEV (Kazakhstan) (distribution : Acacias)
Yossi de Eytan FOX (Israël) (distribution : Bodega Films)
Ils seront présentés au public du festival par leurs distributeurs, en présence de diverses personnalités du cinéma, chaque fois que cela sera
possible.
Vincent PAUL-BONCOUR et Étienne OLLAGNIE - coprésidents du SDI

...42
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 2e rencontres du cinéma indépendant

Alps
Alpeis
Giorgos Lanthimos
GRèCE . sortie prévue le 9 janvier 2013 . 1h33 . blu-ray
Avec Aggeliki Papoulia, Ariane Labed, Aris Servetalis scénario Efthimis Filippou,G.
Lanthimos Image Christos Voudouris Montage Yorgos Mavropsaridis Production Yorgos
Lanthimos, Maria Hatzakou, Thanos Papastergiou, Athina Rachel Tsangari, Aggeliki
Papoulia, Johnny Vekris Distribution A3 distribution
Une société secrète appelée «Alps» propose de remplacer des
personnes décédées par des comédiens.

Ini Avan
HIM, HERE AFTER
Asoka Handagama
Sri Lanka . sortie prévue le 1e semestre 2013 . 1h44 . fichier hd
Avec Dharshen Dharmaraj, Subashini Balasubramaniyam, Niranjani Shanmugaraja,
Raja Ganeshan scénario A. Handagama Image Channa Deshapriya Montage Ajith
Ramanayake Production E-Culture Productions Distribution Heliotrope films
La guerre qui a ravagé le Sri Lanka pendant 30 ans, et causé la
mort de près de 100 000 personnes, s’est achevée par la défaite
du mouvement séparatiste des Tigres Tamouls (LTTE) en mai 2009.
Après deux ans passés dans un centre de réhabilitation, un jeune
ex-combattant tamoul retourne dans son village, dans une région
autrefois sous contrôle du LTTE. Il y retrouve la femme qu’il a aimée,
et entreprend de revenir à une existence normale. Mais les haines du
passé, les trafics louches et les rancœurs sont autant de champs de
l’étudiant © Les Acacias
mines pour celui qui revient.

L’ACOR - Association des cinémas de l’ouest pour la recherche

L’étudiant
student
Darezhan Omirbaev
Kazakhstan . sortie prévue le 1e semestre 2013 . 1h30 . 35mm
Avec Nurlan Baitasov, Maya Serikbayeva, Edige Bolysbayev, Bakhytzhan Turdaliyeva
scénario D. Omirbaev d’après Crimes et Châtiments de Dostoïevski Image Boris Troshev
Production Kazakhfi im Jsc Distribution Les Acacias
Ce film est inspiré du roman de Dostoïevski Crime et châtiment. L’action
se déroule au Kazakhstan de nos jours.
Un étudiant en philosophie souffre du manque d’argent et de solitude. Il
va parfois acheter du pain chez l’épicier et peu à peu l’idée de cambrioler
le magasin lui vient à l’esprit. Il commet finalement son crime durant
lequel l’épicier et une cliente deviennent ses victimes. Le sentiment de
culpabilité grandit en lui. Alors qu’il tombe amoureux d’une jeune fille, il
prend la responsabilité de ses actes.
www.lacor.info • contact@lacor.info
Créée en 1982, l’ACOR est une association inter-
régionale implantée dans six régions de l’ouest de
la France : Bretagne, Centre, Haute-Normandie
et Basse-Normandie, Pays de la Loire et Poitou-
Charentes. Elle regroupe vingt-six structures
(cinémas pour la plupart labellisés « recherche »
et associations) tournés vers la défense de l’art et
essai et de la recherche dans le cinéma. L’ACOR
a pour principal objectif la mise en œuvre, seule ou
en collaboration avec des partenaires extérieurs, de
pratiques communes de programmation, d’animation
et de promotion des films, destinées à favoriser la
découverte de nouveaux spectateurs et la rencontre
des publics avec des œuvres cinématographiques et
audiovisuelles variées et de qualité.
L’ACOR en région Pays de La Loire le
Jacques Tati (fanal) à Saint-Nazaire (44)
- le Ciné-Club Yonnais à La Roche/Yon
(85) – le Concorde à La Roche/Yon (85) -
Atmosphères 53 à Mayenne (53) - le Vox à
Mayenne (53) - les 400 Coups à Angers (49)
L’ACOR dans les autres régions Scène
Nationale (DSN) à Dieppe (76) - l’Ariel à
Mont-Saint-Aignan (76) - l’Omnia à Rouen
(76) - l’Espace Aragon à Oissel (76) - le Lux à
Caen (14) - le Café des images à Hérouville-
St-Clair (14) - le Dauphin à Plougonvelin
(29) - la Salamandre à Morlaix (29) – le quai
dupleix à Quimper (29) – le Quai des images à
Loudéac (22) - l’Arvor à Rennes (35) - le Ciné-
TNB à Rennes (35) - l’Apollo à Châteauroux
(36) - les « Studio » à Tours (37) - Ciné’fil
à Blois (41) - le cibdi à Angoulême (16) - la
Coursive, scène nationale à La Rochelle
(17) - le Moulin du roc à Niort (79) - le Tap
cinéma à Poitiers (86) - le Dietrich à Poitiers
(86).

Yossi Le SDI - Le Syndicat des distributeurs indépendants

Ha-Sippur Shel Yossi www.sdicine.fr • sdicine@free.fr
Créé en 1991 et regroupant 33 sociétés, le SDI est
Eytan Fox devenu une force incontournable de défense des
intérêts des entreprises indépendantes de distribution
israël . sortie prévue le 1e trimestre 2013 . 1h23 . blu-ray
cinématographique sur un marché de plus en plus
Avec Ohad Knoller, Lior Ashkenazi,Orly Silbersatz, Oz Zehavi, scénario Itay Segal, Image
soumis aux agressions de la concentration et à une
Guy Raz Montage Yosef Grunfeld Production Pyramide Films, Pandora Filmproduktion
difficulté croissante d’accès aux écrans pour les films
GmbH, Svenska Filminstistutet, Villealfa Filmproductions Distribution Bodega
exigeants. Il est la garantie du maintien en France
Yossi vit seul sa trentaine à Tel Aviv, assumant mal sa sexualité, d’une offre de films riche, diversifiée et « métissée ».
trouvant dans son métier de cardiologue un échappatoire à ses déboires à l’origine de la présentation au public de près de 20%
des films sortis en 2011 (137 titres), dont 35% de ceux
amoureux. Lors d’un voyage dans le sud du pays, il rencontre un groupe
qui relèvent des « cinématographies peu diffusées
de jeunes militaires et, parmi eux, un jeune homme qui lui fait retrouver », ses adhérents sont en outre présents dans toutes
le goût de vivre. les catégories : création récente (71 films), œuvres
destinées au jeune public (18 films), patrimoine
(48 films), cinéma documentaire. Le SDI agit pour
que perdure le pluralisme et la liberté d’action
indispensables à l’exercice de cette profession, faite
d’engagement aux côtés des films, de prise de risques
et de passion.
LES MEMBRES DU SDI -
FILMS RÉCENTS A3 DISTRIBUTION - ACACIAS -
ACTE FILMS - ALBANY DISTRIBUTION - ARAMIS
FILMS - ARIZONA FILMS DISTRIBUTION - BLAQ
OUT - BODEGA FILMS - CAPRICCI FILMS
- CHRYSALIS FILMS - COMMUNE IMAGE
MEDIA - CONTRE-ALLÉE DISTRIBUTION
- DOCUMENTAIRE SUR GRAND ÉCRAN -
ÉQUATION DISTRIBUTION - HÉLIOTROPE FILMS
- HEVADIS FILMS - LES FILMS DE L’ATALANTE -
LES FILMS DES 2 RIVES - LES PRODUCTIONS
DE LA GÉODE - JOUR2FÊTE - NIZ ! - OUTPLAY
- SHELLAC - TERRE DES MONDES - URBAN
DISTRIBUTION - ZÉLIG FILMS DISTRIBUTION
FILMS DESTINÉS AU JEUNE PUBLIC CINÉMA
PUBLIC FILMS - GEBEKA FILMS - LES FILMS DU
PRÉAU - LES FILMS DU WHIPPET
FILMS DU PATRIMOINE CARLOTTA FILMS -
MALAVIDA - SOLARIS DISTRIBUTION

43...
 séances spéciales - débats - rencontres
MéDIAPART
74 © Orjouane Productions
En 2010, Médiapart avait invité des écrivains à venir à La
Roche-sur-Yon présenter des films les aidant à réfléchir et à travailler.
Cette année, la collaboration se développe, entre le festival et le site
d’information créé il y a bientôt cinq ans à l’initiative, notamment,
d’Edwy Plenel.
Dans son club, Médiapart a ouvert une édition participative entièrement
dédiée au festival, sur laquelle sont disponibles informations, archives,
images et sons extraits des éditions passées et, bientôt, de celle-ci. Dans
le même temps, la rédaction et le festival ont sélectionné ensemble
trois films dont le point commun est de concerner le Proche ou le
Moyen-Orient. Deux d’entre eux, il est capital de le signaler, ont été
présentés en première mondiale cette année au FID Marseille. Il ne s’agit
pas seulement d’un choix d’occasion, en rapport avec une actualité à
laquelle Médiapart prête une attention toute particulière. Il s’agit aussi
d’un choix esthétique : au présent ou au passé, à travers le documentaire
ou la fiction – voire le recours à des marionnettes ! –, depuis la France ou
Israël, la manière singulière dont il est question du Proche ou du Moyen-
Orient dans ces films nous a semblé pouvoir se prêter à des discussions
mêlant les enjeux du cinéma et ceux de la politique, les enjeux d’un
festival et ceux d’un journal d’information quotidienne.
Les trois films seront présentés à La Roche-sur-Yon par des rédacteurs de
Médiapart. Ils circuleront ensuite, toujours accompagnés, dans plusieurs
salles de l’ouest, à la fin de l’année 2012 et dans les premiers mois de
2013. Nous travaillerons ainsi à mieux les faire connaître et partager, à
susciter l’intérêt de possibles distributeurs. Et nous essaierons de porter
un regard neuf sur les rapports entre journalisme et cinéma, la salle et
l’Internet : ce partenariat, que nous espérons voir se développer encore
à l’avenir, est l’occasion de donner au festival un prolongement, une
dimension de plus.
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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
74 (LA RECONSTITUTION D’UNE LUTTE)
Rania et Raed Rafei
Liban . 2012 . 1h35 . dcp ou DigiBeta
Avec Nassim Arabi, Rita Hedrouche,Nizar Sleiman,Yousri El Chami Image Nadim Saoma
Montage Rania Rafei Production & Distribution Orjouane Productions
1974. Le Liban est en pleinne ébullition intellectuelle, culturelle et
politique. De mars à avril, durant 37 jours, une poignée d’étudiants de
l’American University of Beirut occupent les locaux de l’université pour
protester contre l’augmentation des frais de scolarité. 2011 : en pleine
révolutions arabes, Rania et Raed Rafei décident de faire un pas en
arrière et de réinterroger la situation présente à la lumière de cette
période riche d’espoirs, prélude aussi à la guerre civile. Réactiver
le passé ? L’évoquer ? Le reconstituer ? Question cruciale. Ici la
méthode est décisive. D’abord se documenter méticuleusement. Puis
lancer l’expérience, car autant qu’une relecture de ces événements
passés, il s’agit de voir ici leurs résonnances actuelles. Ainsi les
protagonistes d’hier sont incarnés par leurs homologues potentiels
d’aujourd’hui, acteurs politiques engagés dans les luttes présentes.
Qu’est-ce que la démocratie aujourd’hui, comment lutter ? Quelques
indications, quelques accessoires emblématiques comme autant de
signes (une image du Che, un mégaphone) et les voilà lancés dans
cette expérience portée par l’improvisation, où une forme de théâtralité
accentuée par le huis clos dialogue avec le cinéma. Et, dans cette
dialectique du passé et du présent, les mémoires circulent autant que
les paroles au présent, à l’instar des entretiens qui ponctuent le film,
paroles d’hier et d’aujourd’hui indiscernablement mêlées.
Nicolas Feodoroff - catalogue FID Marseille 2012
LA NUIT REMUE
Bijan Anquetil
France . 2012 . 0h45 . blu-ray
Image Paul Costes Montage Alexandra Melot Production G.R.E.C. Distribution agence
du court métrage
Des morceaux de vie font irruption dans le cadre, mi-carnet de voyage,
mi-souvenir de vacances. Et puis, non, rien d’anecdotique, La nuit
remue parle de politique et de trajectoire. On traverse les continents
et les frontières, celles marquées sur les cartes, et celles, invisibles,
inscrites dans les corps. Traverser des cols de montagnes enneigés,
s’agripper sous les roues d’un camion, jouer au foot dans un terrain
vague, assister à un défilé de carnaval : le réalisateur Bijan Anquetil
donne à voir l’expérience d’Afghans rencontrés aux alentours de
Paris, en bordure d’un canal ou peut-être dans un parc. Il donne à voir
leur parole qui s’élabore, rapidement auto-réflexive. L’un d’entre eux a
filmé son périple, quelques haltes au cours des milliers de kilomètres
parcourus. Avec son téléphone portable, depuis son pays d’origine,
il a documenté, mise en abyme ce qu’on ne voit jamais, ce qu’en
général les migrants sont trop occupés à vivre. Cet Afghan, exilé, s’est
mis en scène, comme pour garder une trace. Anquetil, à son tour, le
filme, l’éclaire, lui et ses amis, dans la nuit, et aussitôt leur récit prend
vie, autour d’un feu ou au bout d’une torche.
Carine Fouteau - Médiapart
SHARQIYA
Ami Livne
Israël . 2012 . 1h22 . DCP
Avec Adnan Abu Wadi, Maysa Abed Alhadi, Adnan Abu Muhareb, Eli Menashe Scénario
Guy Ofran Image Boaz Yehonathan Ya’acov Montage Zohar Sela Production EZ Films,
Golden Cinema, Laila Films, Detail Film Distribution ASC
>> voir page 12
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
Courts de danse
walker © The Hong Kong International Film Festival Society
Pour fêter l’arrivée des riches collections de la Cinémathèque
de la Danse en son sein, le Centre national de la Danse a impulsé l’édition
d’un livre se penchant sur la très ancienne, et toujours vive, rencontre
des images et des corps. Pour fêter la publication de ce livre, le festival
de La Roche-sur-Yon organise un double programme. Premièrement,
du point de vue de la danse, une rencontre avec le chorégraphe Loïc
Touzé, basé à Nantes. Pourquoi Touzé ? Parce que ses spectacles sont
traversés en surface de souvenirs de films (Hitchcock en particulier) et
travaillés en profondeur par les dispositifs cinématographiques. Dans
Neuf, par exemple, neuf danseuses dansent dans ce qui ressemble
furieusement à un écran format cinémacope. Deuxièmement, du
point de vue du cinéma, une programmation de courts métrages qui
disent à peu près tous la même chose, chacun à leur façon bien sûr,
selon leurs rythmes et leurs énergies et leurs histoires propres. Ce que
disent ces films est simple : que la danse est une force d’adaptation au
milieu. Le solitaire désaccordé de Pourvu qu’on ait l’ivresse (Jean-Daniel
Pollet, 1958) n’a que son corps pour s’accorder un peu – et l’utilise.
Les ouvriers de La France qui se lève tôt (Hugo Chesnard, 2011) n’ont
que les leurs pour résister – et les utilisent. La danse est dans ces films
le lieu où se réfugient la conscience du sujet dans le monde. Faire un
geste qui soit à soi, vraiment à soi ou vraiment à nous, un rebond, un
trébuchement, une chute, un tressaillement, une ronde à l’unisson,
et en même temps vraiment tendu vers une ou un ou les autres, tel
est sans doute le meilleur moyen de proclamer son existence. être
danseur, disait Laurence Louppe, dans une très précieuse définition,
« c’est choisir le corps et le mouvement du corps comme champ de
relation avec le monde, comme instrument de savoir, de pensée
et d’expression ». Filmer la danse, c’est être capable de montrer,
justement, comment un corps touche un monde, habite finalement
(ou pas) avec les autres corps.
Stéphane Bouquet
Cette séance spéciale préparée par S. Bouquet accompagne la publication aux
Editions Capricci, en partenariat avec le CND, de l’ouvrage collectif intitulé
Danse et cinéma.
séances spéciales - débats - rencontres
Pourvu qu’on ait l’ivresse
Jean-Daniel Pollet
France . 1958 . 0h20 . N&B . DVD
Avec Claude Melki Scénario J-D Pollet Image Jacques Durr, J-D. Pollet Montage Michel
Durantel Production Cocinor, Les Films J-D. Pollet Distribution Films sans Frontières
Un bal des années cinquante et la découverte d’un comédien étonnant
et keatonien, Claude Melki.
UN Transport en commun
Dyana Gaye
Sénégal . 2010 . 0h46 . beta
Avec Umban Gomez de Kset, Anne Jeanine, Bigué N’Doye, Antoine Diandy Scénario D.
Gaye Image Irina Lubtchansky Montage Gwen Mallauran Musique originale Baptiste
Bouquin Chansons originales D. Gaye, Alexa Gutowski Chorégraphies Naïma Gaye
Production Andolfi, Nataal Distribution Shellac
Dakar, Sénégal. C’est la fin de l’été. Le temps d’un voyage de Dakar à
Saint-Louis, les passagers d’un taxi-brousse croisent leurs destins et
se racontent en chansons.
La France qui se lève tôt
Hugo Chesnard
France . 2011 . 0h21 . dvd
Avec Ricky Tribord, Pauline étienne, Patrick Catalifio, François Roy, Jenny Mutela,
Pauline Valles Moingeon Image Denis Gravouil Montage Erika Hanglund Musique
Antoine Larcher, Serge Balu, Damien Tronchot Production Pauline Seigland, Pierre-
François Bernet, Butterfly Production Distribution agence du court métrage
« Comme un nègre tu travailleras dur – paieras nos impôts notre futur.
Cotiseras aussi pour nos retraits – mais des papiers pour un métèque ! »
Walker
Tsai Ming-liang
HONG-KONG . 2012 . 0h27 . hdcam
Avec Lee Kang-Sheng Scénario Tsai Ming-liang Image Tsai Ming-liang Montage Lei
Cheng Chin Production Chen Kuan Ying Remerciements La Cinémathèque Tchèque,
The Hong Kong International Film Festival Society
Walker est une réflexion sur la beauté d’Hong-Kong. Est-ce que cette
ville est belle, étrangement belle ou bellement étrange ?
45...
 séances spéciales - débats - rencontres la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

film d’ouverture
AVANT-première

no
Pablo Larrain
Chili, état-unis . sortie prévue prochainement . 1h55 . 35mm
Avec Gael García Bernal, Alfredo Castro, Antonia Zegers
Scénario Pedro Peirano Image Sergio Armstrong Production
Canana Films, Fabula Productions Distribution Wild Bunch
Distribution
Chili, 1988 : un référendum doit décider de
la prorogation ou non du mandat d’Augusto
Pinochet. Le camp du non met en place une
campagne publicitaire, choisissant d’axer
sa communication sur l’avenir plutôt que sur
les attaques contre le dictateur... Sa victoire
amorcera la fin du régime Pinochet.

no © Wild Bunch Distribution

rencontre avec HPG, Rachida Brakni, éric Cantona

Les Mouvements
du bassin
HPG
france . 2012 . 1h30 . DCP
Avec HPG, Rachida Brakni, Joana Preiss, éric Cantona
Scénario HPG,Thomas Wallon Image Reza Serkanian
Montage Isabelle Prim Production Capricci, HPG Production,
Le Fresnoy Distribution Capricci Films
Hervé est un homme solitaire qui ne vit que pour
ses cours de self-défense. Marion est une jolie
femme prête à tout pour avoir un enfant. Un soir,
elle rencontre une infirmière qui s’éprend d’elle.
Celle-ci lui promet amour et grossesse. Les
destins de ces deux individus en quête de bonheur
vont se croiser dans un couloir d’hôpital…
les mouvements du bassin © Capricci Films

hommage à raoul ruiz par melvil poupaud

La Ville des pirates

Raoul Ruiz
France . 1984 . 1h51 . 35mm
Avec Hugues Quester, Melvil Poupaud, Anne Alvaro Scénario
Raoul Ruiz Image Acacio de Almeida Montage Valeria
Sarmiento
Production Les Films d’Ici, Les films du passage, Metro Filme
Distribution Le Petit Bureau
Dans un univers onirique, l’amour impossible
entre une jeune femme et un petit garcon
criminel, incarnation du Mal.
la ville des pirates © Le Petit Bureau

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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 séances spéciales - débats - rencontres

rencontre avec caroline champetier

Berthe Morisot
Caroline Champetier
france . 2012 . 1h40 . dcp
Avec Marine Delterme, Alice Butaud, Malik Zidi, Patrick
Descamps Scénario Sylvie Meyer, Philippe Lasry Production
David Kodsi, K’ien Productions Remerciements Caroline
Champetier, France TV
1865. A 25 ans, Berthe Morisot rêve de vivre
de sa peinture, de ne jamais se marier, et
de toujours rester avec sa sœur Edma. Ses
parents ne voient pas leur existence sous le
même angle et lui façonnent déjà un destin plus
conforme à l’époque. Sa rencontre avec Manet
va bouleverser sa pensée, sa relation avec sa
sœur, questionner son rapport à la peinture et
son rapport au monde. Le destin d’une femme
qui deviendra la première peintre professionnelle
et la première impressionniste.
berthe morisot © Caroline Champetier

semaine bleue
camille redouble
Noémie Lvovsky
france . 2012 . 1h55 . dcp
Avec Noémie Lvovsky, Samir Guesmi, Judith Chemla, Jean-
Pierre Léaud Scénario N. Lvovsky, Maud Ameline, Pierre-
Olivier Mattei, Florence Seyvos Production David Kodsi, K’ien
Productions Distribution Gaumont Distribution
Camille a seize ans lorsqu’elle rencontre Eric.
Ils s’aiment passionnément et Camille donne
naissance à une fille…
25 ans plus tard : Eric quitte Camille pour une
femme plus jeune. Le soir du 31 décembre,
Camille se trouve soudain renvoyée dans son
passé. Elle a de nouveau seize ans. Elle retrouve
ses parents, ses amies, son adolescence… et
Eric. Va-t-elle fuir et tenter de changer leur vie
à tous deux ? Va-t-elle l’aimer à nouveau alors
qu’elle connaît la fin de leur histoire ?
camille redouble © Gaumont Distribution

film produit en région

kurdish lover
Clarisse Hahn
france . 2012 . 1h38 . dcp
Scénario C. Hahn Image C. Hahn Production lesfilmsduprésent
Distribution Nour Films
Avec son compagnon kurde rencontré à Paris,
Clarisse Hahn découvre «un pays qui n’existe
pas», une zone sinistrée, immobilisée par la
guerre et la misère économique, perdue entre
tradition et modernité : le Kurdistan. Comme
un cousin lointain venu d’ailleurs, le spectateur
partage le quotidien d’une famille où l’amour se
confond souvent avec l’emprise. Un quotidien
où le paganisme régit le rapport aux choses
et à la vie, le magique se mêlant au trivial. Les
personnages sont drôles, parfois cruels, souvent
d’une grande théâtralité pour oublier qu’ils font
partie d’une communauté oubliée du monde.
kurdish lover © Nour Films

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 séances spéciales - débats - rencontres la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

la nuit de l’apocalypse
animée par le Clap Campus

cloverfield © Paramount Picture France

JE SUIS UNE LéGENDE CLOVERFIELD

I AM LEGEND
Francis Lawrence
états-unis . 2007 . 1h40 . 35mm . Avertissements : des scènes, des propos ou des
images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs.
Avec Will Smith, Alice Braga, Charlie Tahan, Salli Richardson Scénario Akiva Goldsman, Mark
Protosevich Image Andrew Lesnie Montage Wayne Wahrman Production Warner Bros.,
Village Roadshow Pictures, Overbrook Entertainment, Weed Road Distribution Warner Bros.
Matt Reeves
états-unis . 2008 . 1h21 . 35mm . Avertissements : des scènes, des propos ou des
images peuvent heurter la sensibilité des spectateurs
Avec Michael Stahl-David, Lizzy Caplan, Jessica Lucas, Mike Vogel Scénario Drew
Goddard Image Michael Bonvillain Montage Kevin Stitt Production Bad Robot, J.J.
Abrams, Paramount Picture Distribution Paramount Picture France

LOS ANGELES 2013

LE CHOC DES MONDES ESCAPE FROM L.A.
WHEN WORLDS COLLIDE John Carpenter
Rudolph Maté états-unis . 1996 . 1h41 . 35mm . Interdit aux moins de 12 ans
états-unis . 1952 . 1h23 . dvd Avec Kurt Russell, Peter Fonda, Cliff Robertson, Stacy Keach Scénario John Carpenter,
Avec Richard Derr, Barbara Rush, John Hoyt, Franck Cady Scénario Sydney Boehm Debra Hill, Kurt Russell Image Gary B. Kibbe Montage Edward A. Warschilka Production
Image John F. Seitz, W. Howard Greene Montage Arthur P. Schmidt Production Paramount Pictures, Rysher Entertainment Distribution Paramount Picture France
Paramount Pictures Distribution Swank Films

retrouvez plus d’informations - p30-35

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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 séances spéciales - débats - rencontres

Serge Daney, vingt ans après :

la critique sur Internet
rencontres et débats
Serge Daney ne cessa de renouveler les manières et les visées de l’écriture critique. Au sein des Cahiers du cinéma, de Libération
puis de Trafic. A travers l’analyse, la chronique mais aussi le journal intime ou la forme dialoguée. En alternant le « je » « et le
« nous », en passant du cinéma à la télévision et même en allant au-delà, jusqu’au sport et à l’actualité en général. Vingt ans
après sa mort, de quelle manière la critique de cinéma a-t-elle évolué ? Vers quels nouveaux lieux ? Quels nouveaux moyens
d’expression ? Pour la première fois, le festival international du film de la Roche-sur-Yon, en collaboration avec l’ACOR
– association des cinémas de l’Ouest pour la recherche – invite des sites critiques et des blogs à discuter de ce à quoi elle
ressemble aujourd’hui, et de ce qu’elle pourrait être demain.

Accreds www.accreds.fr
Internet a finalement été inventé trop tard. Cinquante ou soixante ans trop tard. Pendant des décennies, des festivals ont été créés et ont grandi sans
ce relais pourtant idéal. C’est maintenant que le réseau est là qu’il faut se rendre compte, plus que de sa réactivité – une friandise au regard du reste
–, de la multitude des approches qu’il autorise. Le rubricage n’a plus de valeur. On ne segmente plus en espaces distincts, mais en temps. C’est le
parti-pris de la homepage d’Accréds : en haut le rémanent, puis en-dessous, le persistant, le ponctuel, et enfin l’éphémère avec Twitter. Ces temps
sont ceux des festivals, des rétrospectives, des films naissants et qui s’épanouiront plus tard en salle, de l’anecdote, de la réflexion. C’est aussi le
temps d’une nouvelle liberté pour le cinéphile désormais explorateur, voué à traverser des strates plutôt qu’à tourner des pages. Des maîtres qui
ne nous ont rien demandé les ont traversées à leur manière. André Bazin les a creusées obstinément à la recherche d’une momie qui expliquerait
tout. Serge Daney les a franchies en passe-murailles, alternant terrain de sport et salon où trône le téléviseur, quotidien et trimestriel. Internet rend
translucides toutes ces strates qui auraient toujours dû l’être. Sur le Web, la cinéphilie n’avance pas, elle retourne à des sources qu’il nous appartient
– auteurs, lecteurs, mais la barrière entre les deux n’est-elle pas en train de tomber ? – encore de chercher. Et plus que jamais, nos plus illustres
prédécesseurs, Daney en tête, doivent nous servir d’éclaireurs. Christophe Beney

Ceciditaubasmot www.ceciditaubasmot.blogspot.com
Si j’écris essentiellement pour le net, mon rapport à la critique de cinéma reste secrètement lié aux revues papier. C’est en découvrant Les Cahiers
du cinéma que j’ai compris que l’émotion suscitée par un film pouvait donner matière à une vraie création littéraire. L’écriture sur un film, quel que
soit le support, est l’engagement dans un processus d’interrogation de son propre imaginaire, une négociation de nos propres visions avec celle du
cinéaste, accessible à tous. S’y confondent la restitution par le mot de l’atmosphère spécifique du film et les bifurcations de notre regard. C’est ce qui
me motive à écrire et à m’intéresser encore à ce qui s’écrit un peu partout sur le cinéma.
Serge Daney ? C’est par lui que m’a semblé se dessiner, à la lecture de ses textes, la promesse d’une conversation avec le monde (celui des images,
le nôtre) à la lumière d’une trajectoire intime. « Le travelling de Kapo », texte terminal mais très vivant, par la corrélation qu’il propose entre la place
d’un seul homme dans le monde et les images de ce monde, était comme une bouteille à la mer pour les générations à venir. Vingt ans après, un
retour sur ce dernier message ne me semble pas incongru. Sidy Sakho

Débordements www.debordements.fr
Lorsque nous avons commencé Débordements, l’un des commentaires a été : « C’est un peu élitiste. Connaissent-ils Daney ? » Avant même de
constituer une référence précise pour notre projet, Daney était un horizon pour nos rares lecteurs – et, peut-être aussi, le genre de sésame qui n’a
plus besoin d’être questionné, ou lu. D’autres dans la rédaction le fréquentent plus assidûment que moi. Pourtant, c’est à lui aussi que j’ai songé
pour nos premiers éditos – à la création de Trafic, en particulier. Il nous est en effet apparu qu’une revue en ligne n’a de sens qu’à prendre son
temps - c’est-à-dire répondre à une urgence. Non celle de l’actualité, mais du désir suscité par un film, une série,... Et tant pis / tant mieux si nous
ratons des choses, ou sommes « en retard »... Il nous arrive d’être – momentanément – satisfait d’un texte. Mais cela ne serait rien si nous n’avions
discuté, douté, retravaillé,... Daney, oui, mais aussi tous les autres, aux Cahiers, à Libé, à Trafic, avec lesquels s’est construite sa pensée. Revue en
ligne, et non blog : pour cette drôle d’articulation du je / nous toujours à construire. Avec le cinéma comme horizon, mystère, présence, question...
Raphaël Nieuwjaer

Zinzolin www.revuezinzolin.com
Zinzolin, imaginé de pages et d’encre, s’est vu finalement naître dans la grande toile Internet et ses pixels. Échoué dans ses filets ? Peut-être pas.
On peut entendre parfois, qu’Internet est un espace en lui-même, global, où la critique de cinéma s’échoue et échoue. L’un des premiers arguments
que nous opposons à cette idée est qu’Internet est davantage un territoire qu’un pur espace. On y fonde des sites, on en visite d’autres. On navigue
enfin. Zinzolin s’est donc bâti dans ce tumulte tranquille. Il s’agissait de se réserver un espace pour soi, pour prendre le temps d’écrire entre mille
torrents d’images. Un espace pour se garder de la mémoire avant que les flux tendus d’images ne la recouvrent. En son sein, des rédacteurs qui
écrivent depuis un moment, d’autres pas ; des rédacteurs qui étudient le cinéma, d’autres pas ; des rédacteurs qui ont lu Serge Daney, d’autres pas.
Zinzolin est un nouvel espace et en porte les charmes et contradictions : mi-sauvage, mi-organisé. Daney n’y est certainement pas considéré comme
une idole mais comme un explorateur dont les lignes continuent de tracer à travers le territoire, croisant parfois les nôtres au hasard ou au désir d’une
telle rencontre. Arnaud Hallet et Simon Lefebvre

modérateur : Christophe Kantcheff, rédacteur en chef de Politis, critique littéraire et cinéma.

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 séances spéciales - débats - rencontres la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

mercredi 17 octobre
Formation école et cinema réservée aux enseignants L’adaptation littéraire au cinéma : Ernest et
Célestine avec Ivan Rouveure, producteur exécutif du film et Stéphane Malagnac conférencier, journaliste
et spécialiste du cinéma d’animation. Le cinéma le Concorde qui porte la coordination départementale
du dispositif national « école et cinéma » propose aux enseignants une matinée de formation autour de
l’avant-première Ernest et Celestine.

avant-première Ernest et Célestine

jeudi 18 octobre
conférence de peter szendy : La Fin du [ciné]monde
S’il est vrai que le cinéma travaille toujours à sa propre fin, ou du moins au bord de celle-ci, le genre dit «
apocalyptique » n’est pas un genre parmi d’autres. Les films qui mettent en scène la fin du monde parlent
aussi de la mort, chaque fois unique et singulière, du cinéma. De Los Angeles 2013 (John Carpenter, 1996) à
Melancholia (Lars von Trier, 2011), en passant par A. I. (Steven Spielberg, 2001) et Cloverfield (Matt Reeves,
2008), on auscultera de très près les manières qu’a le cinémonde de finir.

avant-première 4h44 dernier jour sur terre

soirée d’ouverture avant-première No

vendredi 19 octobre
Berthe morisot rencontre avec Caroline Champetier

h story rencontre avec Nobuhiro Suwa et Caroline Champetier

conférence de caroline champetier : Outils et protocoles : au travail avec Suwa, Carax, Beauvois, Mazuy
Caroline Champetier invite à regarder et à commenter quelques films (séquences) récents du point de vue
des outils et des protocoles : le zoom et la surexposition pour H Story (N. Suwa) : le grand angulaire, la sous
exposition et la DVX 100 pour Un couple parfait (N. Suwa) ; la DVX 100 (tenue à bout de bras) pour Merde (L.
Carax) ; la mono-caméra Red Epic et ses injonctions contradictoires pour Holy Motors (L. Carax) ; la Penelope
35 et les rails pour Sport de fille (P. Mazuy) ; la Penelope 35, le plan tableau et le plan rythme pour Des hommes
et des dieux (X. Beauvois). Toutes questions sur d’autres films seront bienvenues.

un couple parfait rencontre avec Nobuhiro Suwa et Caroline Champetier

film en compéttion : l’intervallo rencontre avec l’équipe du film

louise-michel rencontre avec Benoît Delépine

film en compéttion : pincus rencontre avec David Fenster

aaltra rencontre avec Benoît Delépine

avant-première : 2/duo rencontre avec Nobuhiro Suwa

la nuit de l’apocalypse rencontre avec Peter Szendy, animée par le Clap Campus

samedi 20 octobre
ciné p’tit dèj’ : Le petit gruffalo ciné p’tit dèj’ à partir de 10:15

Honor de cavallería rencontre avec Benoît Delépine, Gustave Kervern et Albert Serra

le journal d’un séducteur rencontre avec Jean-Pierre Léaud et Danièle Dubroux

pour rire ! rencontre avec Jean-Pierre Léaud

passe montagne rencontre avec Benoît Delépine, Gustave Kervern et Jean-François Stévenin

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la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 séances spéciales - débats - rencontres

h story rencontre avec Nobuhiro Suwa et Béatrice Dalle

film en compéttion : la dernière fois que j’ai vu macao rencontre avec J.P. Rodrigues et J.R. Guerra da Mata

mais ne nous délivrez pas du mal rencontre avec Benoît Delépine, Gustave Kervern, Joël Séria, Jeanne Goupil

film en compéttion : aujourd’hui rencontre avec l’équipe du film

c’est arrivé près de chez vous rencontre avec Benoît Delépine, Gustave Kervern et André Bonzel

dimanche 21 octobre
ciné p’tit dèj’ : 10, 11, 12 pougne le herisson ciné p’tit dèj’ à partir de 10:15

La Naissance de l’amour rencontre avec Jean-Pierre Léaud et Lou Castel

serge daney, vinght ans après : la critique sur internet rencontres et débats

Les 400 coups rencontre avec Jean-Pierre Léaud

Yuki & nina rencontre avec Nobuhiro Suwa et Hippolyte Girardot

film en region : Kurdish Lover rencontre avec Clarisse Hahn

film en compéttion : Los mejores temas rencontre avec l’actrice Teresa Sánchez

courts métrage de N. Suwa rencontre avec Nobuhiro Suwa

médiapart : La nuit remuee en présence d’un journaliste de la rédaction de Médiapart

mammuth rencontre avec Benoît Delepine et Gustave Kervern

film en compéttion : sharqiya rencontre avec l’acteur Adnan Abu Wadi

making fuck off rencontre avec Benoît Delepine, Gustave Kervern et Fred Poulet

hommage à R. Ruiz : la ville des pirates rencontre avec Melvil Poupaud

lundi 22 octobre
into the abyss rencontre avec Emmanuel Burdeau et Hérvé Aubron

camille redouble semaine Bleue

Conversation sur le mouvement et autres expériences + courts de danse Loïc Touzé, chorégraphe,
et Stéphane Bouquet, écrivain et scénariste, s’entretiendront de ce que la danse peut concrètement
apprendre du cinéma, et inversement. Un gros plan sur scène, est-ce un rêve inaccessible ?

film en compéttion : Francine rencontre avec Brian M. Cassidy et Melanie Shatzky

Tabou (de Miuel gomes) rencontre avec Miguel Gomes

film en compéttion : Tomorrow rencontre avec Andrey Gryazev

les mouvements du bassin rencontre avec Rachida Brakni, éric Cantona, HPG

mardi 23 octobre
le fleuve rencontre avec Miguel Gomes

Tabou (de Friedrich Wilhelm Murnau) rencontre avec Miguel Gomes

soirée de clôture avant-première surprise

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 jeune public la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

Jeune Public
de la page à l’écran

Le festival international du film a choisi cette année de faire plaisir aux cinéphiles en herbe : découvrir quelques héros
de littérature jeunesse, animés et sonorisés.
Quand on est petit et qu’on ne sait pas très bien lire (ou qu’on est un peu paresseux), l’album est nécessairement lu
pour nous par quelqu’un, dont la bonne volonté et la disponibilité conditionnent l’accès à l’histoire. Parfois, l’adaptation
cinématographique « remplace » ce lecteur, truchement salutaire par lequel le jeune enfant accède seul au récit.
Dans un livre, où les personnages sont immobiles, à chacun d’imaginer les dialogues, les voix, les mouvements et l’environnement
sonore. Le merveilleux commence là, au creux de ce vide que le lecteur va lui-même combler. L’adaptation cinématographique
s’installe dans cet espace et donne, d’une certaine façon, plus de vie et de réalité à l’histoire.
Adaptation fidèle reprenant trait pour trait les illustrations (Persépolis de Marjane Satrapi), adaptation avec des acteurs (la série
des Spiderman inspirée des comics) ou adaptation hybride mêlant acteurs et animation numérique (Tintin et le secret de la licorne
de Spielberg), les partis-pris sont multiples. L’essentiel des films de la programmation relève de cette première catégorie, surtout
quand c’est l’auteur de l’œuvre originale qui passe lui-même derrière la caméra (Grégoire Solotareff pour Loulou ou Jung pour
Couleur de peau : Miel).
Pour autant, le passage du livre au film, de la page à l’écran, apporte davantage qu’une simple animation et sonorisation de
l’histoire. Dans Loulou par exemple, le récit se développe et se complexifie, même si la base narrative - l’amitié entre un petit
loup et un lapin - est conservée. De nouveaux personnages apparaissent, comme les trois malicieuses lapines et leur guitare,
instrument prétexte à des numéros chantés et dansés, évidemment absents de l’album.
Dans Couleur de peau : Miel, les dessins originels s’enrichissent d’images d’archives personnelles comme l’arrivée du jeune Jung
dans sa famille belge immortalisée à l’époque en Super 8 par son père adoptif. Le petit coréen déraciné se heurte alors à un
environnement nouveau, à une réalité quotidienne à la fois plus brutale et plus douce que dans ses rêves. Le film accentue notre
proximité avec ce jeune Jung qui nous parle à la première personne. « Le film Couleur de peau : Miel nous emmène parfois plus loin
que mon roman graphique… Le mouvement, les voix, le bruitage, la musique, le rythme de la narration et des plans contribuent
à apporter au film une très forte charge émotionnelle. » (Jung)
D’autres réalisations viennent compléter la programmation jeune public autour de l’adaptation.
Dans Loulou et autres loups, quatre courts métrages d’animation plein d’humour scénarisés par Grégoire Solotareff, déclinent le
thème du loup sous de multiples angles et avec des graphismes très variés (minimaliste, géométrique, manga…)
Le Petit Gruffalo, quant à lui, revient pour de nouvelles aventures en sortie nationale pendant le festival international du film. Une
occasion de retrouver avec bonheur la souris malicieuse transformée en Grande Méchante Souris, le Gruffalo et son fils, adorable
petit monstre qui ravira les plus petits.

Enfin une belle surprise attend petits et grands pour la pré-ouverture du festival avec l’avant-première d’Ernest et Célestine,
adaptation à la fois tendre et pleine d’humour des albums de Gabrielle Vincent, qui a déjà enthousiasmé les chanceux au festival
de Cannes.
Entrer dans les histoires par le cinéma peut éveiller l’envie de prolonger le plaisir dans les pages de l’album. Certains films vous
guident sur le chemin de la lecture comme certains héros de littérature vous mènent aux salles obscures et vous font y retourner
avec délectation en grandissant.
Dominique Laudijois et l’équipe jeune public

bibliographie

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 Ernest et Célestine © studio canal

pré-ouverture du mercredi AVANT-première

Ernest et Célestine
B. Renner, V. Patar, St. Aubier
d’après l’œuvre de Daniel Pennac
france . sortie le 12 décembre 2012 . 1h20 . 35mm > à partir de 6 ans
Avec les voix de Lambert Wilson, Dominique Maurin, Pauline Brunner Scénario D.
Pennac Musique Goran Bregovic Production  Les Armateurs, La Parti Production,
Mélusine Productions, France 3 Cinéma, StudioCanal Distribution Studio Canal
A l’origine, un classique de la littérature enfantine. Gabrielle Vincent
racontait dans les albums de la série « Ernest et Célestine » par
petites touches impressionnistes, l’amitié vitale entre un gros ours
pataud et une petite souris malicieuse et touchait en plein cœur sans
jamais s’abandonner à la mièvrerie.
Scénarisée par Daniel Pennac, l’auteur de la saga Malaussène,
l’adaptation cinématographique est un enchantement. Avec humour,
il nous transporte dans le monde conventionnel des ours, où il est mal
vu de se lier d’amitié avec une souris. Malgré tout, ces deux solitaires
vont se soutenir, se réconforter, et bousculer ainsi l’ordre établi.
Les trois cinéastes se sont attachés avec subtilité aux détails sonores
et aux changements de lumière notamment grâce aux teintes
aquarellées. Ils signent ici une fable irrésistible où l’invention visuelle
est au service des hilarants personnages et d’un récit qui ne souffre
d’aucun temps mort.

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 jeune public la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012

ciné-p’tit déj’ du week-end

sortie nationale
le petit gruffalo
U.Heidschötter, J.Weiland
d’après l’œuvre de Julia Donaldson
grande Bretagne . 2012 . 0h43 . dcp > à partir de 4 ans
Avec la voix de Zabou Breitman Scénario J. Donaldson, Johanna Stuttmann Montage
Robin Sales Musique René Aubry Production Magic Light Pictures Distribution Les
Films du Préau
Qui fait le plus peur, un monstre ou une souris ? Pour les réalisateurs
du Petit Gruffalo, aucun doute, c’est bien la souris la plus effrayante.
Notre petit Gruffalo, fils du Gruffalo, habite dans une confortable
caverne, à l’orée d’une forêt où il rêve d’aller jouer et se promener.
Son papa l’a pourtant bien averti : dans le bois sombre se cache
la plus épouvantable des créatures, la Grande Méchante Souris,
dont les yeux sont des lacs de feu, la queue couverte d’écailles
incroyablement longue, et les moustaches plus dures que l’acier. Quoi
de plus délicieux que d’avoir un peu peur ? Et voilà notre petit Gruffalo,
profitant du sommeil de son papa, qui quitte la grotte et part à sa
recherche. La trouvera-t-il ?
L’histoire nous est contée par une maman écureuil (voix de Zabou
Breitman), absente du livre, mais qui ajoute à la version filmée
une touche de tendresse et de malice. L’animation numérique est
remarquable, soulignée par des bruitages réalistes et une musique
tout en douceur.
Qui a aimé la première aventure du Gruffalo et a été séduit par la
lecture du livre, ne peut qu’être charmé par cette version très fidèle,
mais enrichie de personnages (les trois écureuils) et d’anecdotes,
et ravi de voir ces créatures touchantes, bien que monstrueuses,
prendre vie sous nos yeux.
Le Petit Gruffalo est précédé de trois courts métrages tous liés par la
thématique du parcours initiatique de petits animaux (lièvres, oiseaux)
et de la menace des prédateurs.

AVANT-première
10, 11, 12, Pougne le hérisson
Pierre-Luc Granjon, Antoine Lanciaux
france . sortie le 24 octobre 2012 . 0h50 . dcp > à partir de 4 ans
Scénario P-L. Granjon et A. Lanciaux Image Samuel Ribeyron Production Folimage
Studio, Subséquence, ONF NFB Canada, Piwi + Distribution Folimage
L’Automne de Pougne Tous les livres du royaume se vident
étrangement de leurs histoires et plongent le bon roi Balthazar et son
peuple tout entier dans un ennui profond. « ça c’est encore de la faute
de Boniface le conteur ! » lance Pougne le hérisson. Aidé de ses amis,
réussira-t-il à faire revenir les histoires au royaume ?
Le quatrième et dernier épisode des aventures de Léon, Mélie,
Boniface et les autres habitants du royaume emmenés cette fois par
le petit hérisson grognon mais terriblement attachant.
Nikita le tanneur Iouri Tcherenkov Stupeur, la princesse du
royaume est entre les griffes du terrifiant dragon Zmey Gorinich.
Connu pour ses prouesses physiques, Nikita le tanneur est
naturellement désigné par les habitants du village pour le combattre.
C’est finalement par la ruse et non par la force qu’il va venir à bout du
monstre et la délivrer. Le graphisme naïf aux couleurs contrastées
nous transporte dans un univers médiéval, dans la grande tradition
des légendes populaires russes.
Tout conte fait Vincent Dromart, Sandy Bienvenut, Nicolas
Quinssac, Alexandra Condoure, Mathieu Ringot Un roi et une reine
se désespèrent de marier leur fille. Aidée de la bonne fée, la princesse
s’enferme dans le château en attendant qu’un prince charmant vienne
la délivrer. Ce très court film d’animation parodie les contes de fée, la
quête du prince charmant et l’image de la princesse douce et délicate
transformée ici en peste à la langue bien pendue.

...56 le petit gruffalo © Les Films du Préau - 10, 11, 12, Pougne le hérisson © Folimage
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012 jeune public

L’ATELIER ENCHANTé
Hermina Tyrlova
République tchèque . 1970 . 0h39 . 35mm > à partir de 2/3 ans
Scénario Hermina Tyrlova Image Hermina Tyrlova Montage Jaroslav Petrik Musique
originale Milos Vacek Production Kratky Film Distribution KMBO
Des marionnettes, des personnages en papier, en collage et en laine.
Ces objets s’animent comme par enchantement. Un petit chat, un
sapin joyeux, un chien joueur, une boîte à tricot qui prend vie… autant
de personnages qui sèment la zizanie dans le monde merveilleux des
contes de l’Atelier Enchanté.
La boîte à tricot A l’abri des regards, une boîte à couture s’anime.
Pelotes de laine, épingles, dés à coudre et bobines de fils prennent
vie et se mettent à danser.
Un petit chat malicieux Un petit chat joue avec une bille en verre
merveilleuse. Son trésor ne laisse pas indifférents les autres animaux
qui tour à tour veulent lui dérober ! Lion, éléphant, singe, crocodile,
tous veulent récupérer la bille magique.
L’arbre de Noël Une famille se met en quête d’un sapin pour fêter
Noël mais l’arbre, une fois trouvé ne se laisse pas faire et s’échappe.
Le sapin décide plus tard d’offrir son feuillage aux animaux pour les
réchauffer. Il décide finalement de se rendre chez la petite famille pour
qu’ils puissent avoir leur arbre de Noël.
Le chien sans peur Un petit garçon se promenant dérobe une
poussette pour s’amuser. Mais un bébé se trouve à l’intérieur ! Le
sacripant décide plus tard de le cacher dans la niche d’un chien. Le
bébé est retrouvé, mais tous les animaux accusent désormais le petit
chien d’être le voleur.
Le sacripant Un petit garçon déguisé en indien sème le trouble
chez les animaux de la ferme ! Alors que tout le monde se repose
tranquillement, il envoie des flèches dans leurs foyers. Les animaux
s’unissent pour lui donner une bonne leçon.
Hermina Tyrlova est considérée comme la mère de l’animation
tchèque. Il a fallu attendre 41 ans avant la sortie en salle de ces films
produits en 1970. Des aventures qui évoquent le conflit, l’entraide et
le partage. A découvrir, voir et revoir.

Loulou
Serge Elissalde loulou © Gebeka
d’après l’œuvre de Grégoire Solotareff

Couleur de peau : miel

france . 2003 . 0h55 . 35mm > à partir de 4 ans
Sénario j-L Fromental, G Solotareff Montage Jaroslav Petrik Musique Sanseverino
Production Prima Linea Productions, Gebeka Films Distribution Gebeka Films
Jung, Laurent Boileau
Loup y es-tu ?
d’après l’œuvre de Jung
Loulou, film de Grégoire Solotareff, également auteur de l’album
éponyme, est accompagné par quatre courts métrages, (scénarisés france, belgique . 2012 . 1h15 . 35mm > à partir de 9/10 ans
par Solotareff) traitant tous du loup et de la peur du loup mais d’une Avec William Coryn, Christelle Cornil, Jean-Luc Couchard Sénario Jung Image
façon à la fois drôle et tendre, comme pour démysthifier cette terreur Raymond Fromont Montage Ewin Ryckaert Musique Siegfried Canto Production Prima
ancestrale que nombre de contes ont nourri (un des films reprend Linea Productions, Gebeka Films Distribution Gebeka Films Montage Ewin Ryckaert
Production Mosaïque Films Distribution Gebeka Films
d’ailleurs la trame du Petit Chaperon rouge sur un mode décalé).
La bande dessinée et le cinéma sont deux arts aux frontières étroites
Loulou, un jeune loup devient ami avec un lapin, duo a priori contre
et aux nombreuses similitudes. Il n’est donc pas étonnant de voir
nature. Le film montre délicatement la naissance et l’épanouissement
certains auteurs de bandes dessinées s’essayer au cinéma  (Enki
d’une amitié improbable entre un loup, un lapin et un trio de petites
Bilal, Rabaté ou Joan Sfar, pour ne citer qu’eux), et de plus en plus
lapines joueuses de guitare, au-delà des préjugés et des peurs. Il
d’albums portés à l’écran (d’Astérix à Tintin, en passant par Titeuf et
suffit que le loup se mette à manger du poisson pour que nos deux
Largo Winch).
compères puissent aller pêcher tranquillement.
Jung, auteur-dessinateur a tenté l’expérience en adaptant au cinéma
La version filmée du célèbre album est à la fois très fidèle au livre,
Couleur de peau : Miel, sa bande dessinée autobiographique en
Solotareff assurant lui-même la réalisation, mais aussi subtilement
deux tomes édités en 2007 et 2008. Coréen adopté en Belgique,
différente, plus riche en anecdotes (la rencontre de Loulou avec les
c’est cette double identité qui marque le parcours de cet homme. En
« méchants loups » délinquants, à peine suggérée dans le livre, est
effet, il retrace son histoire, de son adoption à l’âge de 5 ans jusqu’à
ici développée par exemple), et plus fournie en protagonistes (les
son adolescence, en y ajoutant le présent - le regard d’un homme
trois irrésistibles lapines, dont on ne voit que le bout des oreilles dans
de 40 ans sur son passé - posant ainsi toutes les questions qui l’ont
l’album sont ici des personnages à part entière). Enfin, le passage au
traversé : la quête d’identité, le déracinement, le rapport à la famille,
mouvement, aux bruits (ah ! Le son du vieux loup se cognant contre le
le choc des cultures…
tronc d’arbre) et à la musique donne assurément à cette histoire une
Accompagné de Laurent Boileau à la réalisation, Jung dans ce
réalité et une force supplémentaires.
roman graphique mêle avec finesse animation, images d’archives
et autres loups... et documentaire. Une forme nouvelle, pour un premier film rempli de
poésie, d’humour et de sensibilité.
Micro loup Richard McGuire
Pour faire le portrait d’un loup Philippe Petit-Roulet Cette expérience s’avère plus que réussie puisque le film a obtenu
Marie Ka et le loup Marie Caillou le prix du public au festival international du film d’animation d’Annecy
T’ es où mère-grand ? François Chalet juste avant sa sortie en salle en juin dernier.

En semaine, les séances scolaires sont ouvertes au public* 57...

* dans la limite des places disponibles
chasseur blanc, coeur noir © Warner Bros.
la Roche-sur-Yon 17 > 23 octobre 2012
remerciements
L’équipe du festival remercie particulièrement
Le président du conseil d’administration EPCCCY
Pierre Regnault, Maire de la Ville de La Roche-sur-Yon et Président de La
Roche-sur-Yon Agglomération
Les membres du conseil d’administration
Les élus de La Roche-sur-Yon Martine Chantecaille (vice-présidente), Patricia
Cereijo, Mathieu Durquety, Lisiane Guibert, Charlotte Leydier, Maryse
Souchard, Tarek Tarrouche Les élus d’Aubigny Jean Lardière et Colette
Barré Les élus des Clouzeaux Carmen Bonnet et Marie-Dominique Robin Les
représentants culturels Marie-Pia Bureau, directrice de la scène nationale
du Grand R, Jacques Francheteau, président du Ciné-club yonnais, Nathalie
Marchand, présidente de l’association Festi’Clap, Patrice Gablin, président
de la Cinémathèque de Vendée, Marie-Claude laurent, présidente du
cinéma Le Carfour d’Aubigny La représentante du personnel Julie Auzou
L’équipe du festival remercie chaleureusement
La ville de La Roche-sur-Yon et ses services municipaux, la mairie des
Clouzeaux, la mairie d’Aubigny, le conseil régional, la DRAC des pays de
la loire, Olivia Doerler, Sabrina Ferchaud et le service culturel, Chantal
Marsais et le service communication, Yann Dubois et les services
techniques de la villes, Serge Giraudeau, Joan, Rose-Marie Gauthier et
Fabienne Bertin de la DSI, l’équipe technique du Grand R, L’ACYAQ et
les maisons de quartiers, l’association et le cinéma Carfour d’Aubigny,
l’association Kinozoom et le cinéma Le Renaissance de Fontenay le
Comte, les membres de l’association festi’clap, l’IUT information-
communication et particulièrement l’équipe du Clap Campus, Catherine
Bailhache, Christophe cochin, l’office du tourisme, Pierre et Dominique
Laudijois, Passeurs d’images, Christophe François, Xavier Esnault,
Mathilde Lagarde, l’imprimerie Belz, La Médiathèques de La Roche sur
Yon, Cubecom, L’Igloo, Jo Alet, Rachid Berber et Candida Rodriguez
chez LENI, Jean-François Fernandez chez Twister Events, Thierry Lounas,
Michiko Yoshitake, Yoshi Omori, Masa Sawada, Laurence Moulineau,
Dominique Bulteau, Patrice Gablin, Clic entour’âge, Anne-Claire Dedieu,
Les Armateurs, L’école d’art de La Roche sur Yon, Yoshiko Hashimoto,
Olivier Pierre, Jean-Pierre Rehm, Daniela Persico, Vincent Wang, Akiko
Tabakotani, Estelle Fonseca, Olaf Möller, Clémence Bouche, Camille Pollas.
organisation
délégué général du festival Yannick Reix
programmateur Emmanuel Burdeau
coordinatrice de la programmation & accueil des invités Rebecca De Pas
assistée de Charlotte Serrand
consultante programmation Myriam Gast
administratrice & responsable billetterie Baïny Diakité
assistée de Florent Anne
comptable Philippe Vistour
directrice technique émilie Rodière
régisseur général Lionel Rodriguez
régie copies & coordination des projections Pierre Gandiaga
régie lieux Wilfrid Wilbert
attachée de presse Karine Durance
communication print & web Matthieu Dubrac
assisté de Anais Lavau
site internet CubeCom
community manager Mathieu Macheret
relations partenariats & protocole Chloé Sanchez
accueil des professionnels Marine De Pins
coordinatrices jeune public Julie Auzou & Sonia Broussard
assistées de émile Palito
rédacteur en Chef de la Gazette des étudiants Hervé Aubron
graphisme & mise en page visuel & catalogue Valérie Zard
Nos équipes techniques
Toute l’équipe du Grand R
Tous les bénévoles de Festi’Clap
Tous les étudiants du département information-communication de l’IUT
Toute l’équipe du Fuzz’yon
la programmation est présentée sous réserve d’éventuelles modifications indépendantes de notre volonté et ne pouvant donner lieu à des réclamations
équipe
les bénévoles
Avec plus de 50 bénévoles sur les différents sites, Festi’Clap,
l’association cinéphile de la ville de La Roche sur Yon veille
à la bonne organisation et à un accueil de qualité du public
et des invités. Pendant six jours, chauffeurs, hôtes dans les
salles, accueil des scolaires, les membres de l’association
sont sur tous les fronts.
Festi’Clap, c’est aussi un partenariat fidèle avec le cinéma
Le Concorde. Ce sont des projections mensuelles, des
évènements tout au long de l’année : soirées thématiques
(architecture & cinéma, danse & cinéma, musique & cinéma)
séminaires de deux jours consacrés à un grand réalisateur
en direction de tous les publics et des scolaires également..
C’est pour cette rentrée un nouveau rendez-vous mensuel
avec des projections coups de cœur, films inédits choisis
par les membres de l’association.
C’est aussi un café-ciné mensuel chaque dernier mercredi
du mois où l’on discute des derniers films vus. C’est
enfin une façon d’accompagner les films programmés au
Concorde avec notre blog : wwwvogazette.fr. Vous aimez
le cinéma à La Roche sur Yon ? Rejoignez Festi’Clap !
Nathalie Marchand
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www.vogazette.fr • namarchand@wanadoo.fr
les étudiants
Les étudiants de deuxième année du département
Information et communication de l’IUT de la Roche-sur-
Yon se sont de nouveau mobilisés pour l’édition 2012
du festival international du film de La Roche-sur-Yon. Ils
profitent de la chance que ce temps exceptionnel leur offre
à plusieurs titres : c’est d’abord pour eux une occasion de
découvrir des films et de voir de près la réalité des métiers
du cinéma. Rencontrer cette année Caroline Champetier
leur permettra de comprendre l’importance du montage et
modifiera sans doute leur regard de spectateur.
Mais c’est surtout dans le cadre de leur formation que ces
futurs professionnels de la communication s’investissent
dans le festival pendant une semaine, encadrés par six de
leurs enseignants. Ils vivent une expérience professionnelle
et s’engagent dans des missions qui les préparent à leurs
futurs métiers. Cette année, Yannick Reix leur renouvelle
sa confiance et enrichit même les propositions de deux
nouveaux ateliers : des étudiants sont photographes ou
tiennent une table de libraire. Et comme l’an dernier,
ils prennent en main la logistique, manient la caméra et
réalisent des vidéos que le public peut découvrir sur le site
web du festival fif-85.com et sur la Web TV nantaise VLIPP
ou encore deviennent le temps d’une semaine journalistes
papier, web ou radio en assurant quotidiennement la
parution du journal du festival, en alimentant la page web
du site du festival et les réseaux sociaux ou en diffusant une
chronique radio sur Graffiti.
C’est donc six jours de formation hors-les-murs, totalement
immergés dans le festival, que vivent les étudiants de
deuxième année. C’est la cinquième fois que le département
Information et communication de l’IUT de la Roche-sur-
Yon fait le choix d’une semaine banalisée qui permet une
immersion totale, propice au cheminement de chacun, aux
découvertes et aux acquisitions de savoir-faire et savoir-être
professionnels. Une telle expérience est vécue comme une
chance par les 56 étudiants et, pour certains, elle s’avère
même déterminante pour leur orientation professionnelle.
Claudine Paque, Bernard Germain
...........................................................................
www.infocom-larochesuryon.fr
59...
 10, 11, 12, Pougne le hérisson p .56 Dernière fois que j’ai vu Macao, La p. 10 Los Mejores Temas p. 12 Pour rire ! p. 18

films
2/Duo p. 22 Entr’acte p. 27 Louise-Michel p. 26 Pourvu qu’on ait l’ivresse p. 45
400 coups, Les p. 18 Ernest et Célestine p. 55 Loulou p. 57 Sharqiya p. 12 - 44
4h44 Dernier jour sur Terre p. 32 Etudiant, L’ p. 43 M/Other p. 22 Silvestre p. 39
74 (la reconstitution d’une lutte) p. 44 Fleuve, Le p. 39 Mais ne nous délivrez pas du mal p. 28 Tabou p. 38
Aaltra p. 26 France qui se lève tôt, La p. 45 Maître des marionnettes, Le p. 39 Tabou p. 39
Âge d’or, L’ p.27 Francine p. 10 Making Fuck Off p. 26 Teruterubozu p. 22
Alps p. 43 Friends p. 22 Mammuth p. 26 The Hole p. 32
Atelier enchanté, L’ p. 57 Grand soir, Le p. 26 Masculin, féminin p. 18 Tomorrow p. 12
Aujourd’hui p. 10 H Story p. 22 Mouvements du bassin, Les p. 46 Un chien andalou p. 27
Avida p. 26 Honor de cavallería p. 28 Naissance de l’amour, La p. 18 Un couple parfait p. 22
Berthe Morisot p. 47 Ini Avan p. 43 No p. 46 Un transport en commun p. 45
Camille redouble p. 51 Intervallo, L’ p. 10 Nuit remue, La p. 44 Vie de bonhème, La p. 28
C’est arrivé près de chez vous p. 28 Into The Abyss p. 40 O Bobo p. 39 Ville des pirates, La p. 47
Chasseur blanc, cœur noir p. 39 J’ai engagé un tueur p. 18 On Death Row p. 40 Visage p. 18
Choc des mondes, Le p. 32 Je suis une légende (1954) p. 34 Passe-montagne p. 27 Viva La Muerte p. 27
Cloverfield p. 34 Je suis une légende (2007) p. 34 Père Noël a les yeux bleus, Le p. 18 Walker p. 45
Couleur de peau : miel p. 57 Journal du séducteur, Le p. 18 Petit gruffalo, Le p. 56 Yossi p. 43
Danger planétaire p. 32 Kurdish Lover p. 47 Pincus p. 12 Yuki et Nina p. 43
Départ, Le p. 18 Letter From Hiroshima p. 22 Place des victoires p. 22
Dernier rivage, Le p. 32 Los Angeles 2013 p. 32 Pornographe, Le p. 18

Anquetil Bijan p. 44 Di Costanzo Leonard p. 10 Hahn Clarisse p. 47 Maté Rudolph p. 32 Ruiz Raoul p. 47
réalisateurs

Arrabal Fernando p. 27 Dubroux Danièle p. 18 Handagama Asoka p. 43 Ming-liang Tsai p. 18-32-45 Salkcow Sidney p. 34
Aubier Stéphane p. 55 Eastwood Clint p. 39 Heidschötter Uwe p. 56 Monteiro Joao César p. 39 Séria Joël p. 28
Belvaux Lucas p. 18 Elissalde Serge p. 57 Herzog Werner p. 40 Morais José Alvaro p. 39 Serra Albert p. 28
Belvaux Rémi p. 28 Eustache Jean p. 18 HPG p. 46 Murnau Friedrich Wilhelm p. 39 Shatzky Melanie p. 10
Boileau Laurent p. 57 Fenster David p. 12 Hsiao-hsien Hou p. 39 Omirbaev Darezhan p. 43 Skolimowski Jerzy p. 18
Bonello Bertrand p. 18 Ferrara Abel p. 32 Jung p. 57 Patar Vincent p. 55 Stévenin Jean-François p. 27
Bonzel André p. 28 Fox Eytan p. 43 Kaurismäki Aki p. 18-28 Pereda Nicolás p. 12 Suwa Nobuhiro p. 22
Buñuel Luis p. 27 Garrel Philippe p. 18 Kervern Gustave p. 26 Poelvoorde Benoît p. 28 Truffaut François p. 18
Carpenter John p. 32 Gaye Dyana p. 45 Kramer Stanley p. 32 Pollet Jean-Daniel p. 45 Tyrlova Hermina p. 57
Cassidy Brian M. p. 10 Godard Jean-Luc p. 18 Lanciaux Antoine p. 56 Rafaei Rania et Raed p. 44 Weiland Johannes p. 56
Champetier Caroline p. 47 Gomes Miguel p. 38 Lanthimos Giorgos p. 43 Ragona Ubaldo p. 34 Yeaworth Irvin p. 32
Chesnard Hugo p. 45 Gomis Alain p. 10 Larrain Pablo p. 46 Reeves Matt p. 34
Clair René p. 27 Granjon Pierre-Luc p. 56 Lawrence Francis p. 34 Renner Benjamin p. 55
Daldoul Hassen p. 27 Gryazev Andrei p. 12 Livne Ami p. 12-44 Renoir Jean p. 39
Delépine Benoît p. 26 Guerra da Mata Joao Rui p. 10 Lvovsky Noémie p. 51 Rodrigues Joao Pedro p. 10