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- La Guerre des Potards© -

Première édition, juin 2017.

Tous droits réservés.

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Si tu as ouvert ce guide, c'est que tu es probablement motivé pour apprendre les
bases de la production musicale... :-)

Peut-être que tu souhaites créer tes propres morceaux de A à Z, et les diffuser


MASSIVEMENT sur le net ?

Peut-être que tu as envie de composer des « lives », et de les jouer devant un public
DÉCHAÎNÉ ?

Ou encore, peut-être que tu envisages, à terme, de te professionnaliser dans le


domaine de la musique électronique pour pouvoir VIVRE DE TA PASSION ?

Quelque soit ton projet et ton ambition, j'espère pouvoir t'aider à faire tes premiers
pas correctement et facilement grâce à ce guide...

… et pourquoi pas, aller beaucoup plus loin par la suite (tu vas voir comment
dans quelques minutes...) ! :-)

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L'idée de ce guide de démarrage c'est de te donner les clés, les ressources, les infos
nécessaires pour que tu puisses « mettre un pied à l'étrier » rapidement.

Peut-être que tu t'es déjà un peu « pris la tête » à rechercher des infos sur des forums,
sur Youtube ou autres, et que ça ne t'a pas forcément aidé ou motivé plus que ça
à te mettre à la compo... :-/

Si tu te sens un peu perdu, c'est normal au début (ça a été mon cas pendant de longs
mois, quand je commençais vers 2002 / 2003)...

Du coup, on attaque tout de suite en démystifiant un peu du jargon à connaître :

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UN PEU DE VOCABULAIRE :
On commence donc avec une liste non exhaustive des termes à connaître, au moins pour
démarrer :

- M.A.O. : l'acronyme pour « Musique Assistée par Ordinateur », en gros ça inclut les
différentes disciplines liées à la création musicale (sound design, composition de
morceaux ou de « lives », mastering...), sur software, c'est-à-dire en utilisant un logiciel
de studio virtuel.

- Live : il s'agit de jouer de la musique en temps réel.

Si un DJ joue « en live », ça veut dire qu'il mixe ses morceaux devant un public.

Mais quand un producteur joue son « live », ça veut dire qu'il créer sa musique sur le
moment à partir de boucles instrumentales (et non pas de morceaux complets comme
c'est le cas en DJing).

Dans ce cas-là, le « live » signifie : set joué en temps réel (« live set » en anglais) ;-)

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- DAW : acronyme en anglais pour « Digital Audio Workstation », qui se traduit par
logiciel de studio virtuel.

C'est le logiciel que tu utilises pour créer tes morceaux, tes instrus, ou encore pour faire
le mastering.

La plupart du temps, un logiciel de studio virtuel te permet de tout faire dedans (avec
ou sans plugins additionnels).

J'utilise et je recommande FL Studio, mais d'autres logiciels pro sont aussi très bien
(Ableton Live, Logic Pro, Cubase...).

- VST : les VST (« Virtual Studio Technology ») sont des plugins qui sont déjà intégrés
dans ton studio virtuel, ou que tu peux installer en plus.

Ils te permettent de générer du son pour fabriquer tes instrus (batterie, guitare,
violon...), ou d'appliquer un traitement sur un son déjà existant (effet d'echo, de la
compression, de la saturation...).

Il en existe des gratuits et des payants, de qualité pourrie à ultra-pro pour chaque type.

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- MIDI : acronyme pour « Musical Instrument Digital Interface ».

C'est un format de fichier et un protocole qui permet d'échanger des données audio
(note d'un clavier, propriétés d'un son, timing...) d'un outil vers un autre.

Un contrôleur MIDI, par exemple, te permet de lire ou de modifier tel ou tel instru /
note / paramètre... présent dans l'interface de ton studio virtuel, via une liaison USB.

- Fréquences : c'est l'une des propriétés de n'importe quel type de son (instru, voix,
bruit...), qui détermine sa « hauteur ».

Plus un son est aigu, plus sa fréquence est haute. Plus il est grave, plus sa fréquence est
basse.

Pour simplifier :
- De 20 Hz à 80 Hz, on est dans les sous-graves (« sub-bass »).
- De 80 Hz à 200 Hz, on est dans les graves (« lows »).
- De 200 Hz à 2.000 Hz, on est dans les fréquences moyennes (« mids »).
- De 2.000 Hz à 20.000 Hz, on est dans les aigus (« highs »).

On n'entend rien en dessous de 20 Hz, ni au dessus de 20.000 Hz (sauf rares


exceptions).

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- Sampling : « sampler » en anglais ça veut dire « échantilloner ».

Il s'agit de prélever un son comme un instru, une voix, ou même tout une boucle
instrumentale en provenance d'un support (vinyle, CD...), et de l'enregistrer dans un
« sampler », ou dans un ordi pour pouvoir le rejouer par la suite.

- Sound design : ou « design sonore » en français.

Il s'agit de la création de sonorités, que ce soit pour synthétiser un son d'un instru
(guitare, batterie, piano...), d'une ambiance, d'un bruit particulier...

- Arrangement : lors de la création d'un morceau ou d'un set live, c'est l'étape pendant
laquelle on créer les boucles instrumentales, pour faire évoluer les différentes parties
(intro, breaks, drops...).

Il s'agit de séquencer les instruments en utilisant un outil dédié (le séquenceur ou


« sequencer » en anglais).

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- Mixage : lors de la création d'un morceau (ou d'un set live éventuellement), c'est
l'étape qui consiste à améliorer le rendu global en travaillant / peaufinant les pistes
d'instruments groupées.

Cette étape intervient lorsque la compo est terminée, et avant de passer au mastering.

- Mastering : lors de la création d'un morceau, c'est la dernière étape qui permet
d'optimiser le rendu global, d'ajuster le volume au millimètre près, et d'adapter le fichier
en fonction du support de destination (diffusion sur le web, pressage sur vinyle ou sur
CD...).

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- Intro : le début du morceau, d'un set live ou d'un set DJ.

Pendant cette phase, l'idée c'est d'amorcer le morceau en amenant certains instrus
rythmiques et / ou mélodiques, mais de ne surtout pas tout dévoiler !

- Outro : la fin d'un morceau, d'un set live ou d'un set DJ.

On sort les instruments secondaires / accessoires en premier, et on peut finir sur une
courte partie purement rythmique ou mélodique...

- Break : c'est une section d'un morceau (ou d'un live) pendant laquelle l'énergie
baisse, par exemple via un changement de ryhtmique, ou en enlevant des instrus
provisoirement.

- Drop : lorsqu'un break se termine, la section suivante commence par un drop, c'est-à-
dire le moment où l'énergie revient avec les instrus dominants (grosse caisse, ligne de
basse...).

Vers la fin d'un break bien fait, le public ou les auditeurs ressentent une tension, un
manque, et lorsque le drop est joué, c'est le moment de kiff car on peut continuer à
danser à nouveau... :-)

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LE MATOS NÉCESSAIRE EN PRODUCTION
MUSICALE :
On a vu le vocabulaire de base, mais si tu débutes en M.A.O., tu te demandes sans doute
de quoi tu as besoin pour faire tes premiers pas...

On va casser certaines idées reçues, et on va distinguer deux cas : soit tu veux créer des
morceaux, soit tu veux faire du live...

Tu as donc besoin de :

- Un logiciel de studio virtuel : FL Studio, Logic Pro, Ableton Live, Cubase...

Je te conseille FL Studio (c'est mon chouchou ! ^^) pour créer des tracks, et Ableton
Live pour faire du live !

Et je te recommande vivement de partir directement sur un logiciel pro (comme ceux


que je viens de te citer)...

Sa prise en main sera plus chiante que pour un joujou pour néophyte (car il aura
beaucoup de fonctionnalités, une interface plus sophistiquée...), mais tu partiras sur des
bonnes bases avec un outil sérieux que tu pourras exploiter sur le long terme ! ;-)

Pour info : c'est possible de bosser uniquement ou partiellement avec des machines physiques,
« réelles », mais on va faire simple et rester dans du virtuel ^^ .

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- Une paire d'enceintes : si tu peux t'offrir des enceintes de monitoring, c'est top en
terme de qualité.

En entrée de gamme, je te conseille les marques KRK, Yamaha, ou encore Prodipe.

Mais si tu n'as que des enceintes de chaîne hi-fi, tu peux les utiliser pour débuter.

- Un casque : de qualité correcte au minimum !

Il peut te permettre de composer à 4 H du matin si tes voisins sont chiants :D

Il peut être utile pour faire des écoutes avec du matos et une acoustique différents par
rapport à tes enceintes (indispensable en mixage et en mastering !).

Et si tu joues des lives en public, il peut te permettre de t'isoler un peu du son / bruit
environnant...

Sennheiser est une excellente marque pour des casques de studio et / ou pour jouer sur
scène ! Tu as aussi Sony, Pioneer...

Si tu n'as pas de casque pour l'instant, tu peux bosser juste avec tes enceintes. ;-)

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- Une carte son : pour débuter, celle qui est incluse dans ton ordi suffit.

Si tu veux aller plus loin pour gagner en confort et sur l'aspect pratique, tu peux investir
dans une carte son plus haut de gamme (externe si tu es sur ordi portable), surtout pour
jouer en public !

- Un ou des contrôleurs MIDI : il peut s'agir d'un clavier (un peu comme un synthé
physique), d'un « launchpad » (avec des touches pour déclencher tes sons), d'un
contrôleur avec des potards et / ou des faders (pour triturer des effets ou des volumes
par exemple)...

Plusieurs modèles sont des hybrides entre ces catégories, par exemple avec 16 grosses
touches pour lancer tes boucles, 4 potards, 4 faders...

>>> Si tu créés des tracks, tu n'en as pas besoin. Disons que c'est plus cool et plus
confortable si tu as un clavier pour composer tes mélodies par exemple, ou un
launchpad pour tes rythmiques, mais c'est loin d'être indispensable !

Depuis plus d'un an que je suis en voyage, je compose et je fais le mastering de mes
tracks juste avec mon PC portable et un casque... C'est pas top bien sûr, mais c'est tout-
à-fait possible ;-)

>>> Si tu veux faire du live, tu dois en avoir au moins un pour pouvoir gérer tes
boucles et effets aisément ! Un bestiau comme l'APC 40 de chez Akai (photo ci-dessous),
c'est top pour le live ;-)

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OÙ TROUVER DES SONS ET DES VST POUR
TES COMPOS :
Maintenant que tu sais quel matos de base utiliser suivant que tu veuilles créer des
morceaux ou faire du live, on va voir comment tu peux obtenir de la « matière
première » (du SON lol ^^) :

>>> Cas n°1 : tu veux utiliser des sons (instrus, bruits,


boucles...) déjà prêts.

Ton studio virtuel en inclut probablement déjà par défaut, et ça devrait te suffire pour
démarrer.

Mais si tu es gourmand, curieux ou ambitieux, tu peux avoir envie d'enrichir ta


banque de sons personnelle en allant en récupérer d'autres sur le net par exemple...
:D

Tu peux télécharger des sons soit à l'unité, soit sous forme de packs ou des banques
complètes gratuites ou payantes.

Dans tous les cas, récupère toujours la meilleure qualité possible (WAVE ou
autres formats non compressés !), et fais évoluer ta propre banque de sons de manière
pertinente et organisée !

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>>> Quelques sites pour trouver des sons :

- Lasonotheque.org
- Freesound
- Skifonixsounds
- Functionloops
- Ivy Audio
- EarMonk
- Converse Rubber Tracks Sample Library
- Breakbeat Paradise
- ProSoundEffects
- Magesy

Pour info : tu vas récupérer ma banque de sons perso (l' « ARSENAL Sound Bank »),
haute qualité (WAVE 24 bits / 48 KHz) via ce Pack de Bienvenue...

150 instrus, chacun décliné dans les 12 tonalités (soient 1800 fichiers au total) pour
pouvoir les accorder PARFAITEMENT ! :-)

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>>> Cas n°2 : tu veux créer tes sons par toi-même en les
synthétisant.

Ton studio virtuel inclut probablement déjà des VST (des générateurs de sons de violon,
de percussions, de FX...) qui te permettent de débuter en synthèse sonore (c'est-à-
dire créer / modifier des sonorités à partir de signaux audio élémentaires).

C'est ce que je préfère faire ^^

Depuis des années, tous les sons que j'intègre dans mes compos sont faits maison, mis
à part les voix humaines (impossibles à synthétiser !).

Non seulement ça permet d'être sûr de la qualité audio (quand tu récupères des
sons sur le net, t'es pas forcément sûr de la qualité des fois...), mais en plus ça t'aide à te
différencier des autres artistes par des sonorités uniques, qui te sont propres :D

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>>> Quelques sites pour trouver des VST :

- EastWest
- Steinberg
- SoundEditor
- Vst4you
- Looperman
- VST Warehouse
- Splice
- Plugin Boutique
- DSK Music
- FL Studio Music

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LES DIFFÉRENTS TYPES D'INSTRUMENTS :
On vient de voir où trouver des sons pour tes futurs morceaux (ou séquences de lives),
on va maintenant parler un peu des principales catégories d'instrus...

Chaque type d'instru a son propre rôle dans une compo, et on les utilise pour profiter
d'une « énergie » spécifique...

(Ouais ça fait un peu « space » de parler d' « énergie » dans ce contexte lol... Sans
rentrer dans des trucs spirituels un peu chelous, c'est un terme qui convient bien, je
pense, pour évoquer le ressenti qu'on peut avoir en écoutant tel ou tel type de
sonorité... ^^).

Le feeling qu'on va avoir en écoutant une track dépend énormément de la façon dont
l'artiste a agencé / harmonisé / orchestré chacun de ses instrus, afin de créer un
ensemble cohérent et pertinent...

Donc, pour arriver à faire des compos qui fonctionnent bien, c'est important de
comprendre comment ces types d'instrus agissent, interagissent entre eux, et
comment tu peux t'en servir pour provoquer le ressenti que tu cherches à transmettre
chez tes auditeurs...

On peut distinguer ces 4 grandes catégories :

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>>> Les percussions :

En instru classique, on retrouve la batterie, avec ses différents composants :

- La grosse caisse (« kick » en anglais) : pour marquer les temps musicaux.

C'est un élément primordial dans pas mal de styles (Hardtek, Hardcore, Trance,
Electro...) !

Ses fréquences dominantes se trouvent dans les bas-médiums et dans les basses : les
médiums accentuent le côté « punchy », alors que les basses donnent un aspect plus
« lourd ».

- Le tom (« tom-tom » en anglais) : on peut le considérer comme une version plus


« légère » d'un kick, et qui descend moins bas dans les fréquences.

Tu peux l'utiliser pour compléter la rythmique du kick de temps en temps, notamment


dans des breaks pour faire varier l'énergie (encore elle ^^) ;-)

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- La caisse claire (« snare » en anglais) : un son assez « sec », court, percutant
pour compléter la base du kick.

Le snare peut « accélérer » la rythmique, donner quelque chose de plus entraînant et


motivant.

Il tape dans les fréquences médiums / haut-médiums principalement.

- La charleston (« hi-hat » en anglais ») : un son sec et court, qui tape dans les
aigus.

Souvent on s'en sert pour compléter le motif du snare, pour accélérer encore davantage
la rythmique globale.

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- Les cymbales (« cymbals » en anglais) : un son qui tape dans les aigus
principalement, et qui est plus long que le hi-hat.

On distingue plusieurs types de cymbales (crash, ride, splash...) qui donnent des
sonorités un peu différentes.

On s'en sert de manière plus ponctuelle dans les boucles instrumentales, notamment
pour marquer le premier temps musical ;-)

- Les percussions plus « exotiques » : de manière plus secondaire et moins


habituelle, on peut utiliser d'autres instrus de percussions comme la conga, le steel-
drum, les maracas, la cloche, le gong, le xylophone...

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>>> Les instruments « mélodiques » :

Contrairement aux percussions qui ont souvent une tonalité « neutre » ou peu
marquée, les instrus mélodiques vont exploiter une plage de sonorités bien plus
vaste.

C'est-à-dire que pour composer tes mélos, tu vas faire appel à plusieurs notes
différentes, choisies pour bien s'harmoniser entre elles, et pour créer de la
variété.

L'enchaînement de notes différentes va permettre de faire évoluer l'énergie (ouais


c'est la star aujourd'hui !! :p ) tout au long de ton motif mélodique.

Et pour cela, tu peux utiliser des instrus comme le violon, le piano, le synthé (ça veut
pas dire grand chose dans le sens où un synthé n'est pas un instrument « réel » à la
base, mais c'est pour désigner la création de sons mélodiques synthétisés...), la flûte, la
guitare, la basse...

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Les instrus mélodiques peuvent se présenter sous différentes formes comme :

- Les nappes mélodiques : il s'agit de sons très « en longueur », qui peuvent durer
sur une ou plusieurs boucles instrumentales complètes...

Tu peux t'en servir en arrière-plan pour accompagner d'autres instrus, ou pour créer une
ambiance planante, une atmosphère pesante... :-)

- Les « leads » : ce sont des sons qui sont aussi « en longueur », mais généralement
plus agressifs que les nappes...

On en trouve souvent en Electro par exemple, et tu peux t'en servir comme instru
principal pour une mélo.

Mais c'est moins pertinent qu'une nappe pour faire un son de fond, une mise en
ambiance...

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- Les lignes de basses (« basslines » en anglais) : alors là, c'est un cas un peu
particulier...

L'idée c'est pas de créer une mélodie avec différentes notes, mais d'utiliser un instru
mélodique (la guitare basse) pour accompagner, compléter, renforcer la rythmique
créée par les instrus percussifs dominants (le kick surtout !).

On parle alors de « couple grosse caisse / ligne de basse » (ou « kick / bass » pour faire
simple), car ces deux instrus doivent être bien travaillés pour donner un rendu
satisfaisant...

Le souci principal dans ce couple kick / bass c'est que ces instrus tappent dans les
mêmes plages de fréquences (principalement dans les bas-médiums, les graves et les
sous-graves )...

Du coup, on a vite fait d'avoir des conflits à cause de fréquences qui se chevauchent, ce
qui peut engendrer un rendu confus, dénaturé, voire carrément dégueulasse dans
certains cas ! :-/

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>>> Les « FX » :

Ce que j'appelle « FX » c'est l'ensemble des différents types de sons qui ne sont pas
générés par des instrus, ni par des voix...

On a donc toutes sortes d'effets spéciaux et de bruitages possibles, du claquement


d'une porte au son d'un avion qui décolle, en passant par le frottement d'une fourchette
sur un canapé en cuir (… ouais celui-là j'ai été le chercher loin lol :D )...

Les FX exploitent généralement des fréquences médiums et haut-médiums


principalement, et parfois bas-médiums ou aigus...

Tu peux faire varier un peu leurs notes au sein d'une même boucle instrumentale, tant
que ça sonne « accordé » ;-)

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On peut distinguer plusieurs catégories de FX, comme :

- Les FX « courts » : ils peuvent accompagner les instrus de percussions pour les
compléter, les booster.

- Les FX « en longueur » : pour créer un peu de variation, d'évolution au sein de tes


boucles instrumentales.

- Les « uplifters » (aussi appelés « risers ») : ce sont des sons longs, qui durent
sur une ou deux boucles généralement, et qui « montent » en volume, en tonalité, en
présence, en én**gie ( :p ).

Ils permettent de créer de la tension chez l'auditeur, d'annoncer un changement dans la


structure du morceau, ou encore d'amener l'arrivée d'un élément important...

>>> Si ça t'intéresse, tu peux télécharger tout un pack de FX uplifters que j'ai créé en
tinscrivant au Pack de Bienvenue pour DJ (gratuit et tu peux te désinscrire à tout
moment) : la-guerre-des-potards.com/bienvenue
Ce pack de FX n'est pas forcément annoncé sur la page de présentation, et il est délivré
en bonus dans la 3ème partie... ;-)

- Les « downlifters » : c'est un peu l'inverse des uplifters.

Lors d'un drop, un downlifter va faire redescendre la pression sur une durée d'une ou
deux boucles instrumentales.

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>>> Les « vocals » :

Ce que j'appelle « vocals » (j'me la raconte en parlant en anglais lol) , c'est tous les
types de sons qui sont générés par des voix humaines.

Suivant le style musical, la présence de voix peut avoir une importance cruciale
dans la composition d'un morceau, voire dominer les autres instrus !

Les voix peuvent exploiter tous types de fréquences, des graves à l'aigu, suivant sa
hauteur, suivant que ce soit un homme ou une femme qui chante...

On retrouve différentes catégories de vocals , comme :

- Le chant : des paroles chantées (rap, choeurs, prières... pas besoin de te faire un
dessin je pense ^^).
=> Exemple avec cette track : Salve Regina.

- Les paroles « samplées » : extraites de films, de dessins animés, de documentaires,


de livres audios, de séances d'hypnose (si si, j'l'ai fais !!! :D )...
=> Exemple avec cette track : Induction Hypnotique.

- Les paroles «fragmentées» : au lieu d'entendre une parole, un mot, ou une phrase
entière, on n'entend qu'une courte partie du son...

C'est un peu à cheval entre le vocal normal et le FX, car tu peux te servir de fragments de
voix pour créer / accompagner / renforcer un motif rythmique ;-)

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LES ÉTAPES DE LA CRÉATION D'UN
MORCEAU DE A À Z :
On arrive bientôt à la fin de ce guide, et je voulais te parler d'un dernier truc important à
connaître...

Il s'agit du processus global, complet, de la création de morceaux.

Étape 1 : la mise à jour de ta banque de sons :

C'est une étape facultative car ton studio virtuel intègre normalement déjà toute une
panoplie d'instrus prêts à l'emploi.

Et peut-être que tu t'es aussi déjà constitué ta propre banque de sons, donc cette étape
peut te servir à la développer davantage en créant des nouvelles sonorités ;-)

Étape 2 : la conception de ton morceau :

Avant de te lancer à fond dans le studio en mode « chaud patate », je te recommande de


prendre quelques minutes pour réfléchir à ce que tu veux faire, et à où tu comptes aller...

Quel tempo et quelle tonalité choisir ?

Quelle émotion dominante tu veux faire ressentir à tes auditeurs ?

Quels types d'instrus comptes-tu utiliser ?

C'est bien de se poser ce genre de questions avant de démarrer, afin d'avoir un fil
conducteur à suivre tout au long de ton projet :-)

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Étape 3 : la création de tes boucles instrumentales :

Là, l'idée c'est de créer des motifs rythmiques et mélodiques sur une base de 16 temps
musicaux, afin d'en faire des boucles que tu pourras lire à la suite lors de ta compo.

Tu peux alors créer tes boucles l'une après l'autre, de manière à garder une cohérence,
une harmonie entre les différentes sonorités.

Étape 4 : l'arrangement basique :

Il s'agit d'agencer tes boucles instrumentales sur la durée, tout au long du morceau, en
faisant entrer et sortir les bons instrus aux bons moments.

Cette phase d'arrangement permet de faire évoluer l'énergie entre le début et la fin du
bébé, en prenant soin d'apporter assez de variations (pour pas qu'on se fasse chier lors
de l'écoute), mais pas trop non plus (pour pas qu'on s'y perde !) ;-)

Étape 5 : les finitions de ta compo :

Cette étape regroupe toutes les améliorations que tu peux apporter à ton œuvre, les
détails à peaufiner, qu'ils soient d'ordre technique ou de « musicalité ».

Quand c'est bon, tu peux exporter ta compo en pistes groupées par types d'instrus.

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Étape 6 : le mixage :

Il ne s'agit pas du tout du mix au sens DJing du terme ( ! ), mais d'une étape
d'optimisation du rendu des pistes groupées exportées précédemment...

On applique différents traitements (égalisation, compression et autres trucs


compliqués ^^) dans le but de rendre les pistes plus « audibles » les unes par rapport
aux autres.

Ca permet de bien valoriser les instrus qui doivent l'être, de mettre en retrait les autres,
et d'obtenir un ensemble qui sonne mieux, plus propre !

Quand le mixage est terminé, tu exportes le tout en un fichier unique : le « mix ».

Cette étape est complètement facultative si tu débutes, car elle fait appel à des
techniques et des connaissances bien plus avancées que pour l'aspect compo ! ;-)

Étape 7 : le mastering :

Il s'agit d'appliquer les tout derniers micro-réglages sur la piste unique exportée
précédemment.

Le but c'est d'optimiser le volume et le rendu au millimètre près, pour obtenir un fichier
« master » nickel, prêt à être pressé sur vinyle, sur CD, ou à être diffusé sur le web...

Comme pour le mixage, cette étape est vraiment facultative si tu débutes, et je t'invite à
la zapper pour que tu progresses en priorité sur l'aspect compo ! ;-)

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Étape 8: la promo de ton bébé :

Quand ton bébé est 100% fini, tu peux alors le faire écouter à tes potes, le partager sur le
net, le proposer à des labels, le mixer en public si tu es DJ (le GROS KIFF !!!)... ^^

Essaie alors d'obtenir un maximum d'avis et de « feedbacks » sur ta track pour savoir ce
qui est bien, ce qui serait à améliorer pour ton prochain projet... ;-)

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Voila pour ce guide, j'espère qu'il t'a plu et qu'il t'a aidé à y voir plus clair ! :-)

Je t'invite à me laisser un commentaire (ou une question) sur la page où tu as


téléchargé ce guide en cliquant ici :-)

Ca me permet d'avoir ton retour sur ce guide, et aussi de savoir si tu as des


difficultés ou des problèmes en M.A.O. pour lesquels je pourrais t'aider ;-)

Tu peux aussi aller tout de suite bien plus loin en regardant la vidéo bonus que tu
trouveras sur la même page où tu as téléchargé ce guide de démarrage (tout y
est expliqué pour y avoir accès dès maintenant)...

Il s'agit d'un extrait (gratuit) de la formation « Ton Premier Morceau Prêt DANS 1
MOIS », formation qui te prend par la main pour composer tes bébés de A à Z en 4
semaines, même si tu n'y connais absolument rien pour l'instant...

=> CLIQUE ICI pour voir ça maintenant...

À tout de suite !

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À PROPOS DE L'AUTEUR :

Né en 1983 à Montmorency en région parisienne, « YannOO » (Yann


Costaz) s’est passionné pour les musiques électroniques depuis qu’il a découvert
le mouvement Tekno en 2002.

Il s’initie rapidement à l’art du DJing en autodidacte grâce à un logiciel de Mix, et


fait ses premiers pas en « M.A.O. » (Musique Assistée par Ordinateur) afin
de composer des morceaux de Hardtek, son style musical favori.

Il crée dans la foulée le collectif « ZAT » avec une bande d’amis aussi mordus de
musique Tekno, afin de pouvoir organiser des fêtes libres.

Cette initiative permet à YannOO d’assurer ses premières prestations de DJing en


public.

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Désireux d’explorer de nouvelles possibilités dans sa passion, il se met à faire presser
ses morceaux sur des disques vinyles commandés à l’unité, en restant
indépendant de tout label.

Il peut ainsi jouer ses propres compos en public tout en profitant du support
vinyle qui lui est si cher.

À ce jour, sept disques autoproduits ont été réalisés en collaboration avec « Kalbo
», son fidèle acolyte.

C’est en réunissant neuf de ses titres Hardtek que YannOO a pu sortir son premier
album « Tribecore Addict », disponible sur Juno Download et Amazon.

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En 2009, il lance son blog Mix Vinyl dédié à l’apprentissage du DJing, sur lequel
il publie des astuces, des techniques et des conseils sur le Mix dans sa globalité.

Depuis, il n’a cessé de partager ses connaissances et son expérience au grand public,
notamment grâce à son Guide sur le Mix (publié en 2011 et lu par plus de 8.600
DJs), ses cours DJ pour débutants et confirmés, et ses plus de 260 articles.

Il publie dans ce contexte plusieurs articles et tests de matériel DJ sur le portail


francophone Audiofanzine, et fait une apparition dans le magazine SONO Mag.

Voulant s’orienter vers l’organisation de soirées Techno légales en région


parisienne, YannOO et 5 de ses amis montent le collectif Les Durs d’Oreilles en 2013.

Il va alors jouer maintes fois devant un public plus large, et nouer des relations
avec des acteurs importants du milieu.

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Son premier titre chez un label arrive en 2014 : Amissa Memoria (en versus avec
son ami Kalbo) est pressé sur vinyles (le Gajin 01) en 300 exemplaires chez GaiJin
ReKorZ.

S’ensuit son 2ème album « L’appel du Chaman » disponible sur Juno Download,
regroupant 7 de ses titres dont 2 en versus avec Kalbo, ainsi que 2 de type
« orchestral ».

Le 1er novembre 2014, YannOO est invité à jouer au Zénith de Nancy lors de la soirée
Beatfreak’z Horror Show.

Il joue en public pour la première fois sur platines CD, et son set « The Lean Projekt »
inclue 6 de ses morceaux.

Afin de rendre l'apprentissage du mix accessible à un maximum de personnes, Yann


publie, en août 2015, le livre « Apprendre à Mixer Pour Devenir DJ : 101
Secrets Pour Réussir Facilement ».

Ce dernier (qui fait plus de 400 pages et qui condense plus de 12 années
d'expérience) est disponible en versions papier et Kindle sur le site d'Amazon, et en
version PDF sur le blog La Guerre des Potards.

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