Del Impresionismo al Expresionismo

(Investigacion x Valentina Bacherer)

(Version 1.0)

1. Impresionismo 1860 - 1900

Impresiones de una metrópoli moderna.

La primera exposición de los impresionistas, realizada en casa de un fotógrafo amigo

de ellos, causa confusión, indignación y risas, se critican mucho los temas elegidos por
ser banales y el ligero empaste de las obras. El publico los califica de poco artistas y
triviales.
Los máximos representantes son: Claude Monet (1840 - 1926), Camille Pizarro, Eduard
Manet (precursor de los impresionistas), Auguste Rendir y Edgar Degas.

1.1. Contexto y fundamento

En esta época aparece la fotografía que logra por primera vez en la historia la
maravillosa hazaña de poder obtener una imagen de la naturaleza sin la intervención
de la mano del artista. La luz vino a reemplazar la mano del artista y estos se sintieron
turbados porque la imagen así obtenida revelaba cosas que el ojo del artista jamás
había visto.

Las reacciones fueron diversas, algunos artistas declaran que “la pintura ha muerto”,
otros tratan de corregir los errores de los ojos y realizar una pintura fotográfica y otros
se apartarán voluntariamente de la realidad.

Mientras que muchos pintores académicos polemizaban contra los fotógrafos

acusándolos de “no artistas” por miedo a la competencia, los nuevos artistas se
mantuvieron abiertos a la nueva técnica, seducidos por la instantaneidad y la
percepción inminente, pintando como si de una cámara fotográfica se tratara, sólo lo
que realmente veían.

1.2. Como lo logran

Claude Monet 1892 Claude Monet 1892 Auguste Renoir 1876

La Cathedrale de Rouen La Cathedrale de Rouen Moulin de la Galette
Cuando habían fijado la vista sobre su motivo, intentaban, “casi” independientemente
del objeto, concentrarse solo en los valores cromáticos y en su distribución así como
en la materialización de la forma y en el juego entre las luces y las sombras.
Observaron que la luz clara del día podía absorber el color y la forma de las cosas y
que entonces desaparecían los contornos. La captación de los efímeros efectos
luminosos requería trabajar velozmente. El que más se dedicó a estudiar y representar
este fenómeno fue Claude Monet (1840 - 1926).

1.3. Que cambios introducen

El cómo se convierte en el único valor importante del arte, el contenido primordial del
cuadro.

Los impresionistas no ocultaron el soporte de las pinturas, es más, resaltaron

claramente que un cuadro es algo artificial, que la representación pictórica siempre es
una ilusión de la realidad, una ficción artística, haciendo referencia a la realidad del
cuadro, a la vida propia de la pintura.

2. Post-Impresionismo 1880 – 1910

Triunfo del puntillismo. La pintura como un mundo cerrado.

El periodo post impresionista no responde a una sola corriente, sino que está
compuesto por diferentes tendencias de artistas que trabajaron de forma
independiente. Por un lado están los puntillistas Paul Signac y Georges Seurat y
quienes trataron de encontrar deforma solitaria su propio camino: Vincent van Gogh,
Paul Cézanne y Paul Gauguin.

2.1. Contexto y fundamento

La experiencia que obtuvieron los impresionistas y los puntilllistas, aunque cada grupo
de forma diferente, de que la pintura también existe con independencia del objeto y
que tiene una forma de expresión propia, les abrió nuevos caminos, asimilando de esta
manera la autonomía impresionista.

2.2. Como lo logran

Paul Gauguin Georges Seurat Paul Cézanne

Spirit of the Dead Watching Boats Fishing Selfportrait
 Vinvent van Gogh 1888 Vincent van Gogh 1888 Vincent van Gogh 1888
Poets Garden Café Terrace on the Place Café Terrace Detail

Los franceses Paul Signac y Georges Seurat compusieron sus cuadros mediante
innumerables puntos diminutos y exactos, unían colores puros que se fundían ante los
ojos en tonos y matices suaves. Sin embargo esta descomposición prismática no podía
llevarse más lejos de lo que ya lo habían hecho y debido a esta limitación los artistas
perdieron cada vez más el interés por este cuadro óptico.

Cézanne descomponía analíticamente el mundo, configurándolo de nuevo en un cuadro

que se regía según unas leyes internas propias. Para Vincent Van Gogh la pintura era
la expresión de un sentimiento incandescente.

Paul Gauguin apostó por completo por la fuerza emocional y el contenido simbólico de
la forma y el color. No enfocaba sus cuadros como si fueran una copia de la realidad
visual, no estaba ligado ni a un colorido que se correspondiera fielmente con la
realidad ni a las leyes de la perspectiva para recrear el espacio. Gauguin simplificó las
formas y renunció tanto a las sombras moldeadoras como a los coloreados muy
detallados destacando las superficies mediante líneas de contorno.

2.3. Que cambios introducen

Liberaron a la pintura de la mera necesidad de reproducción, simplificando las formas,

y prepararon el camino para el arte moderno.

La unión del mundo de la percepción con el mundo artístico, regido por unas leyes
propias, prestando atención al ritmo interior del cuadro, la ambientación y la armonía
del conjunto.

El cuadro ya no está ligado al objeto, ni por un colorido que corresponda fielmente con
la realidad (impresionistas) ni a las leyes de la perspectiva para recrear el espacio.

3. El simbolismo 1880 - 1900

El lienzo como espejo del alma.

El movimiento simbolista no pudo desarrollarse mediante un estilo unitario; por eso se

hace muy difícil definirlo de forma general. Es mas bien un conglomerado de
encuentros pictóricos individuales en los que el artista, limitado a una pintura objetiva,
concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y
los sueños. Los principales representantes son Henri Rousseau, James Ensor y Edgard
Munich.

3.1. Contexto y fundamento

Tras la apropiación objetiva de la realidad guiada por los conocimientos científicos, tal
y como la habían llevado a cabo los impresionistas y los puntillistas, los artistas
echaban de menos la “profundidad espiritual” y la “idea importante” que debe expresar
una obra de arte.

La situación de cambio de finales del siglo XIX liberaba cada vez más al artista de las
ataduras del pasado y le hacía conciente de su individualidad y del papel de marginado
que desempeñaba en la sociedad.

3.2. Como lo logran

Edvard Munch Edvard Munch James Ensor

Between clock and bed The Scream The Intrigue

Los misteriosos cuadros de Ensor y Munch muestran con un idioma simbólico y

expresivo, pasando por encima de la materialidad; relaciones místicas, religiosas o
psicológicas.

Ensor recrea de forma simbólica la posición hostil del individuo y de la masa; y con ello
el conflicto que lo estuvo oprimiendo durante toda su vida: el aislamiento del artista en
la sociedad. Ensor convierte los desfiles multicolor del carnaval en la imagen de un
mundo absurdo lleno de una desesperación abismal. La expresión de lo amenazador y
desconocido es la máscara, que se convierte en el leitmotiv de la obra de Ensor.

Munch, tomando como base un naturalismo emotivo, llego estilísticamente a un

expresionismo repleto de símbolos, que era íntima expresión de sus experiencias tanto
intelectuales como espirituales: miedos, desesperación, sexualidad atormentada, celos
y morbosidad.
El Grito se convirtió, a principios del siglo XX en la alegoría del sentimiento de
desfallecimiento que el hombre sentía en vistas de una realidad cada vez más compleja
y confusa.

Utilizaron un idioma pictórico abstractivo, haciendo uso de un vocabulario de formas

lineal y ornamental y de una composición del cuadro antinaturalista, cuyas relaciones
composicionales son inmanentes al cuadro, lo que hace del simbolismo el precursor del
tan cercano modernismo.

3.3. Que cambios introducen

Relaciones composicionales inmanentes al cuadro. Símbolos, abstracciones y figuras.

La incorporación de una profundidad espiritual y un contenido intelectual en el cuadro.

4. Modernismo (Art Nouveau) 1890 – 1910

Modernidad sobre un fondo dorado.

Entre los principales representantes se pueden mencionar a: William Morris y Heinrich

Vogeler ambos pertenecientes al grupo Worspede quienes estaban fuertemente
influenciados por el romanticismo y representaban fantásticos mundos pictóricos; y
Gustav Klimt quien disolvía el motivo en un ornamentalismo decorativo.

4.1. Contexto y fundamento

En el modernismo pueden apreciarse, de formas diferentes, reminiscencias simbólicas

y el sueño de un mundo artístico cerrado en si mismo. No obstante el modernismo se
encontraba, al contrario de las oscuras visiones expresivas y simbólicas, totalmente
dominado por la premisa de la belleza.

4.2. Como lo logran - Lenguaje

Gustav Klimt Gustav Klimt William Morris

The hope Three ages of women The Intrigue
La acentuación del modernismo se encuentra en la línea y el gráfico se convierte en un
campo favorecido por los artistas modernistas.
La ornamentación abstracta y a su vez la representación corporal erótica y sensual
conceden a los cuadros de Gustav Klimt una tensión muy sutil. La ilusión espacial
queda olvidada en función de la configuración superficial decorativa. El fin que
perseguía Klimt fue la reconciliación entre la tradición y la modernidad.

4.3. Que cambios introducen

Arte únicamente por la belleza del mismo: l’art pour l’art

Disolución del motivo por un decorativo ornamentalismo.

5. Fauvismo 1890 – 1910

La forma se convierte en expresión.

Henri Matisse es el máximo representante de un movimiento artístico francés que se

formó el año 1905, y se disolvió dos años mas tarde. Otros integrantes del grupo
fueron André Derain, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy y Kees Van Dongen.

5.1. Contexto y fundamento

Continuaron el camino preparado por el impresionismo y el postimpresionismo, la

configuración autónoma del cuadro, que para ellos había sido ofuscado por los
elementos entusiásticos y decorativos del simbolismo y del modernismo y con ello
llevaron el arte hacia la modernidad.

No le dieron ninguna importancia al contenido histórico, convencidos de que el color y

las formas tienen un valor de expresión propio que se sostiene independientemente del
modelo natural y que se debe desarrollar mediante la creación artística.

5.2. Como lo logran – Lenguaje

Amedeo Modigliani Henri Matisse Henri Matisse

Woman of algiers Madame Matisse The girl with green eyes
 Amedeo Modigliani Amedeo Modigliani 1917 Henri Matisse
Woman of algiers Nude The girl with green eyes

En los trabajos de Matisse encontramos las grandes superficies cromáticas y

homogéneas de Gauguin, el color puro de Seurat, la expresiva espontaneidad de Van
Gogh y la composición constructora de relaciones internas de Cezanne.

Mediante la yuxtaposición de finos matices cromáticos o brillantes contrastes

complementarios, Matisse alcanza en sus obras una fuerza luminosa que permite que
el cuadro brille desde dentro, con lo que crea una luz interior artística. Los cuadros
tienen vida propia y no están sometidos a la realidad exterior ni por la exactitud de la
reproducción ni por una referencia simbólica. La forma y la expresión se funden
construyendo una unidad inseparable.

Amedeo Modigliani, artista 15 años más joven que Matisse, renunció a la modelación
mediante la luz y las sombras y unía las superficies mediante el trazado de una línea
dibujada. Los motivos eran una excusa para representar la armonía interior del cuadro.
El pintor disolvía el motivo del cuadro en superficies exaltadas, suaves y redondeadas,
que proporcionan a la representación, con toda su artisticidad, una presencia
altamente sensual que a menudo se ve acentuada gracias a los reducido de la escena
que esta representada en el cuadro.

5.3. Que cambios introducen

Focalizan la atención en la vida interior del cuadro y la armonía interna del mismo,
descartando los elementos entusiásticos y decorativos del simbolismo y el modernismo.
Salvaje e indomable libertad pictórica.

6. Expresionismo 1905 – 1919

Boquiabiertos ante la nueva era.

Los principales representantes son dos grupos de origen alemán: Die Brucke (El
puente), formado por Ernst Ludwing Kirchner, Erich Heckel, Kart Schmidt-Rpttluff y
Fritz Bleyl; y Der Blaue Reiter (El jinete Azul) formado entre otros por Franz Marc, Paul
Klee y Vasily Kandinsky.

6.1. Contexto y fundamento

El siglo XX llega acompañado de un gran número de inventos en el ámbito técnico e
industrial, así como de nuevos conocimientos decisivos en las ciencias humanísticas y
naturales. La teoría de la relatividad de Einstein, el desarrollo del psicoanálisis de
Freud, el descubrimiento de los Rayos X de los esposos Curie, y la primera fisión
nuclear obligaron al hombre a pensar de una manera mas abstracta. La idea de que el
ojo podía percibirlo todo se desvanece por completo.

Si bien los impresionistas confiaron en que se podía percibir todo el mundo con la
vista, en esta época la nueva generación de artistas criticó ferozmente este realismo
tan superficial. Los jóvenes deseaban mirar detrás de la apariencia de las cosas. Para
conseguir este objetivo se hizo necesario desarrollar un nuevo lenguaje pictórico.

La invención del automóvil, del avión, del telégrafo y de muchas otras cosas
concedieron una nueva dinámica a la vida cotidiana, la rapidez y el tiempo obtuvieron
una nueva dimensión y ahora requerían percepciones mucho mas aceleradas. Sin
embargo la cara oculta de la modernización: alienación, aislamiento y masificación
también quedó a la vista.

Los artistas buscaban desesperadamente un arte nuevo para un mundo nuevo.

Cuadros cargados de emoción debían captar los sentimientos más íntimos del ser
humano. “Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y
consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del
futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frente a las fuerzas
tradicionales. Todo aquel que refleje en sus obras espontánea y verídicamente su
fuerza creadora es de los nuestros” – manifiesto de fundación del movimiento artístico
Die Brucke –.

6.2. Como lo logran – Lenguaje

Emile Nolde Emile Nolde Ludwing Kirchner

Crucifixion Mask still life Woman under japanesse
parasol
 Vasily Kandinsky Franz Marc 1912 Ludwing Kirchner
Composition 8 Tiger Woman under japanesse
parasol

Amedeo Modigliani Ludwing Kirchner Henri Matisse

Woman of algiers Selfportrait The girl with green eyes

Cuatro jóvenes alemanes, fundadores de movimiento expresionista “Die Brucke”, todos

ellos principiantes en el campo de la pintura, se rebelaron contra ésta tirando por la
borda todas las reglas académicas válidas hasta el momento, así como siguiendo un
estilo de vida manifiestamente bohemio. Los artistas lucían una apariencia totalmente
escandalosa, con los que se situaban fuera de la sociedad “obcecada y burguesa” que
tanto despreciaban.

Con su estilo colectivista de pintar no solo confirmaron su agrupación sino que también
se rebelaron contra la concepción burguesa y tradicional de que el artista era un “genio
individual”. Emplearon un vocabulario estético muy simplificado con pocas formas que
han sido reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y espacios disueltos sin
perspectiva. Colores brillantes y saturados conceden a los cuadros un carácter vigoroso
como si hubieran sido tallados en madera.

Los expresionistas no pintaban al aire libre en el sentido estricto de la palabra, solo

hacían bocetos que formaban la base de los trabajos realizados en el estudio. Al
contrario de sus antecesores, los expresionistas no querían representar la visión
inminente, sino que deformaban lo visto para aumentar la impresión y elevar los
sentimientos del artista.
Su apasionado colorido se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva
relevancia emocional y composicional bajo aspectos estéticos únicamente internos,
para poder componer un cuadro solamente a base de colores, al igual que los
fauvistas. Rechazaban la estilización y la codificación simbólica y redujeron su idioma
pictórico a formas simples y primitivas. El mundo visual sólo era la excusa para pintar
el contenido del cuadro. Mediante la deformación con la que reforzaban la expresión,
querían representar la realidad real, es decir, la esencia de las cosas.

A diferencia de la forma ruda de pintar de los artistas de Die Bruke, el arte de El jinete
Azul es más exquisito, subjetivo y espiritual. El arte ya no debe “reproducir lo visible,
sino hacer visible”, como lo expresó Paul Klee. Los artistas pintaron cuadros cada vez
más abstractos, con el objeto de que éstos “pusieran en movimiento las almas”.

6.3. Que cambios introducen

La colaboración crítica del espectador a la hora de conceder un significado a la obra, la

silenciosa comunicación entre el cuadro y quien lo contempla, son los pensamientos y
los sentidos, las asociaciones y la confrontación creativa con la obra los que la
despiertan de su letargo y la convierten en algo especial: en arte.
La obra de arte se convierte en una plantilla que inspira y no reclama ni sabiduría ni
verdad, sino que se convierte en la ocasión ideal que indica y al mismo tiempo
despierta la “vibración espiritual” propia de cada exportador.

Empleo de un vocabulario estético muy simplificado con pocas formas que han sido
reducidas a lo esencial.