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Composer sa chanson de A à Z 1

« Au  départ,  le  peintre  a  une  toile.  L’écrivain  a  


une feuille de papier. Le musicien, lui, a le
silence. »

Keith Richards

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Sommaire

Petite présentation ...................................................................................................... 7

Laissez-moi vous en dire un peu plus sur ce guide… .................................................... 9

Alors comme ça vous voulez composer ? .................................................................... 14

Partie  1:  Avant  de  commencer….

Chapitre 1 :  Partir  avec  le  bon  état  d’esprit ............................................................... 18

Démêler le vrai du faux: la FAQ de l’apprenti  compositeur ...................................... 20

Cultiver  le  bon  état  d’esprit ....................................................................................... 27

Chapitre 2 :  Trouver  l’inspiration ................................................................................ 34

Qu’est-ce  que  l’inspiration ? ..................................................................................... 36

II  /  Comment  trouver  l’inspiration ? .......................................................................... 39

III  /  Passer  de  l’inspiration à la musique.................................................................... 47

Partie 2: Mettre un premier pied à l'étrier

Chapitre 3 : Débuter sa composition .......................................................................... 53

I / Les composantes  d’une  chanson ......................................................................... 54

II / Par ou et par quoi commencer sa composition ? ................................................ 56

III  /  Les  différentes  méthodes  de  composition  d’une chanson................................. 58

IV / Un dernier coup de pouce pour démarrer ......................................................... 61

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Partie 3: Composer les 4 piliers d'une chanson

Chapitre 4 : Pilier 1,  l’accompagnement .................................................................... 65

I  /  Qu’est-ce  qu’un  accord ? ...................................................................................... 67

II  /  Comment  trouver  une  suite  d’accords  qui  sonne  bien ?..................................... 68

III  /  Comment  trouver  une  suite  d’accords  originale ? ............................................. 83

IV  /  Faire  varier  sa  suite  d’accords ............................................................................ 90

Chapitre 5 : Pilier 2, la mélodie ................................................................................... 93

I / Comment trouver une mélodie ? ......................................................................... 96

II / Comment trouver « LA » mélodie ? ................................................................... 101

III  /  Vérifier  l’efficacité  de  sa  mélodie ..................................................................... 109

IV/ le mot de la fin ................................................................................................... 113

Chapitre 6 :  Lier  l’accompagnement  et  la  mélodie .................................................. 115

I  /  Créer  une  mélodie  à  partir  d’une  suite  d’accords .............................................. 117

II / Trouver un accompagnement efficace pour sa mélodie ................................... 121

Chapitre 7: Pilier 3, les paroles ................................................................................. 127

I / Quel sujet aborder dans ses chansons ? ............................................................. 130

II  /  Le  processus  d’écriture  des  paroles  d’une  chanson .......................................... 134

III  /  Écrire  des  paroles  qui  ont  de  l’impact .............................................................. 138

IV / Choisir un titre .................................................................................................. 144

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Chapitre 8 : Mettre en relation paroles et musique ................................................ 148

I / Écrire une mélodie à partir de paroles............................................................... 151

II  /  Écrire  des  paroles  à  partir  d’une  mélodie .......................................................... 154

III  /  Considérer  l’écriture  des  paroles  et  de  la  mélodie  simultanément ................. 156

Chapitre 9 : Pilier 4, le rythme .................................................................................. 158

I / Le tempo.............................................................................................................. 161

II / La structure rythmique ...................................................................................... 164

III / Trouver les rythmes .......................................................................................... 167

Partie 4: Développer la chanson dans son intégralité

Chapitre 10 : Structurer son morceau ...................................................................... 170

I / La structure du morceau ..................................................................................... 173

II  /  Les  sections  d’une  chanson ................................................................................ 176

III / Les différents types de structure ...................................................................... 178

IV / Comment structurer son morceau ? ................................................................ 185

Chapitre 11 : Composer sa chanson de bout en bout .............................................. 189

I  /    Evolution  de  l’accompagnement  tout  au  long  de  la  chanson ........................... 191

II / Evolution de la mélodie tout au long du morceau ............................................ 199

III / Evolution des paroles au cours du morceau .................................................... 204

IV / Evolution de la rythmique au cours du morceau ............................................ 209

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Partie 5: Etre unique

Chapitre 12 : Rendre ses compositions inoubliables............................................. 212

I  /  Attirer  l’attention  de  ses auditeurs ..................................................................... 214

II  /  Transmettre  de  l’émotion  grâce  à  sa  musique .................................................. 220

III / Créer son identité musicale .............................................................................. 224

Conclusion ................................................................................................................. 227

Tracklist...................................................................................................................... 228

Remerciements......................................................................................................... 230

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APARTÉ

Si   vous   êtes   en   train   de   lire   ces   lignes,   c’est   que   vous   venez   d’acquérir   le   livre  
« Composer sa chanson de A à Z ». Avant toute chose, je tenais à vous remercier
pour la confiance   que   vous   me   témoignez.   Vous   allez   voir,   vous   n’allez   pas   être  
déçus. ;)

Cependant,  avant  de  rentrer  dans  le  vif  du  sujet,  j’aimerai  faire  un  petit  aparté :

J’ai   commencé   l’aventure   « Composer-sa-musique.fr » et de la composition il y a


presque  deux  ans.  Durant  toute  cette  période,  j’ai  tâché  de  réfléchir  et  de  théoriser  
des   concepts   souvent   perçus   comme   abstraits   et   inaccessibles.   Il   m’a   fallu   de   très  
nombreuses  heures  de  travail,  d’écoute,  et  de  pratique pour arriver à développer la
méthode que vous avez entre les mains.

Le  fruit  de  toutes  ces  réflexions  et  de  tout  ce  long  travail,  je  l’ai  également  partagé  
gratuitement  et  à  travers  une  cinquantaine  d’articles  sur  le  site  composer-sa-
musique.fr, ce qui a permis à des milliers de personnes de progresser et de se faire
plaisir grâce à la musique.

Aussi, je vous demanderai simplement une chose en contrepartie :  s’il  vous  plaît,  
respectez mon travail et  tout  le  temps  que  j’ai  pu  y  passer  en  ne  piratant  pas mon
livre. Celui-ci  constitue  en  effet  pour  moi  une  petite  source  de  revenu  qui  m’est  
indispensable pour maintenir le site et vous proposer toujours plus de contenu de
qualité. Donc si vous ne possédez pas la version originale du livre, soyez cool et
achetez  m’en  une  copie,  vous  aurez  fait  votre  petite  BA  de  la  journée. :)

Encore merci pour votre intérêt, et bonne lecture,

Alex

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Petite présentation

Qui suis-je ?

Je   m’appelle   Alex,   j’ai   22   ans   et   je   suis   originaire   de   Lille.   Je  


viens juste de finir mes études et de décrocher mon master 2
en   commerce   international.   Parallèlement   à   ça,   j’ai  
commencé   mon   parcours   musical   à   l’âge   de   4   ans.   Après  
quelques  années,  j’ai  fini  par  décrocher  une  médaille  d’argent  
de   solfège   et   un   diplôme   de   fin   d’études   de   piano en
formation classique.

L’aventure  Composer  sa  musique


Ma passion pour la musique a grandi au fur et à mesure des années, et à partir du
moment   où   j’ai   découvert   des   groupes   comme   Led   Zeppelin   ou   les   Rolling   Stones.  
Comme tout jeune adolescent qui   se   respecte,   j’ai   moi   aussi   vite   voulu   créer   mon  
propre groupe et mes propres chansons. Cependant, malgré ma solide formation
musicale,   je   n’avais   strictement   aucune   idée   de   la   façon   dont   il   fallait   s’y   prendre  
pour créer une musique. Comment créer une mélodie mémorable ? Comment
trouver de bonnes paroles ?  Comment  trouver  une  suite  d’accords  qui  sonne  bien  à  
l’oreille ? Je ne trouvais aucune réponse à mes questions et à ma grande surprise, le
web  ne  m’a  pas  non  plus  permis  de  satisfaire  ma  curiosité.  

J’ai   donc   décidé   de   répondre   moi-même à toutes ces questions en créant le site
composer-sa-musique.fr.  A  la  base,  l’objectif  de  ce  site  était  de  créer  une  plateforme  
personnelle, une sorte de laboratoire de recherches me permettant de théoriser et
de développer mes propres réflexions sur la composition musicale. Pour chaque
problème  que  je  rencontrais,  j’adoptais  une  démarche  scientifique  afin  d’y  apporter  
une solution :  tout  d’abord,  j’écoutais  des  heures  de  musique et je les analysais une à
une   pour   tenter   d’en   comprendre   les   rouages   et   la   mécanique.   Ensuite,   je   me  
documentais le plus possible sur le sujet en demandant parfois directement conseil
auprès de compositeurs chevronnés. Enfin, je mettais en pratique encore et encore
les concepts dégagés sur mes propres compositions avant de les mettre par écrit et
d’en  faire  un  article.

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Très   vite,   j’ai   remarqué   que   je   n’étais   pas   le   seul   à   me   poser   de   telles   questions   et  
que mes articles trouvaient échos auprès de personnes partageant les mêmes
difficultés   que   moi.   Si   bien,   qu’aujourd’hui   le   site   « composer-sa-musique.fr »
constitue la première référence du web francophone sur la composition musicale
avec  près  d’une  centaine  de  milliers  de  visiteurs  par  mois.

Et côté musique, ça donne quoi ?


Je joue du piano depuis mon plus jeune âge et de la guitare depuis quelque temps. Je
touche  également  à  la  MAO  depuis  quelques  années  (même  si  j’ai  encore  beaucoup  
de progrès à faire dans ce domaine !) Côté  composition,  j’ai  monté un groupe de rock
(plutôt   70’s   influencé   par   Tame   Impala,   Led   Zep,   Ghinzu...)   avec   mes   amis   et   on  
s’amuse  plutôt  bien. :)

Pour ce qui est de mes préférences musicales, bien sûr je dirai avant tout le rock,
mais   j’écoute   vraiment   de   tout.   Je   suis   un   gros amateur de musique qui recherche
sans cesse de nouveaux groupes et ce, quel que soit le style musical : classique,
électro,  rap  français,  rap  US,  métal…  j’apprécie  vraiment  tout.  Vous  pouvez  d’ailleurs  
avoir  une  idée  des  groupes  que  j’affectionne  tout  particulièrement en allant faire un
tour dans la section «Tracklist » page 230.

Enfin,   je   suis   un   gros   amateur   de   concerts   et   de   festivals   et   j’essaie   d’en   faire   un  


maximum   (selon   l’état   de   mes   finances   bien   sûr ;)). Si vous en faites souvent vous
aussi, qui sait, peut-être que nous serions amenés à nous croiser au   détour   d’une  
chope  ou  d’un  slam!

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Laissez-moi  vous  en  dire  un  peu  plus  sur  ce  guide…

Quel est le but de ce guide ?


L’idée  d’écrire  un  guide  sur  la  composition  musicale  a  commencé  à  grandir en moi au
fur  et  à  mesure  que  je  recevais  le  courrier  des  lecteurs  de  Composer  sa  Musique.  J’ai  
remarqué  que  beaucoup  d’entre  eux  (comme  la  majorité  des  personnes)  percevaient  
la composition comme une activité inaccessible et réservée à une élite.

« Oh  mais  tu  sais  Alex,  moi  je  ne  suis  pas  quelqu’un  de  créatif.  Je  ne  peux  pas  
composer. »

« De  toute  façon  la  composition  c’est  un  don.  Soit  on  l’a  en  soi,  soit  on  ne  l’a  pas. »

« Moi ?  Je  ne  suis  ni  un  littéraire  ni  un  artiste.  Dommage,  ce  n’est  pas  fait  pour  moi… »

« Je viens à peine de commencer à jouer de la guitare. Alors écrire toute une


chanson…  Laisse  tomber  je  suis  à  des  années  lumières  de  pouvoir  le  faire. »

Combien de fois ai-je   pu   m’arracher   les   cheveux   en   lisant   de   tels   messages ! Et


combien de fois ai-je    pu  lire  de  telles  affirmations…  

Le  gros  problème  avec  la  composition  et  la  musique  de  façon  générale,  c’est  que  ce  
sont des activités soumises à un nombre incalculable de préjugés. Ces idées reçues
font tellement parties des croyances populaires et sont tellement ancrées dans les
mœurs,  que  les  gens  finissent  par  les  croire  et  se  les  approprier.  Ils  finissent  alors  par  
renoncer  à  l’idée  d’écrire  une  chanson  sans  même  s’y  être  essayé.  Or,  contrairement  
à  ce  que  l’on  peut  vous  faire  croire, tout le monde peut faire de la musique et tout le
monde peut créer une chanson.  Tout  ce  qu’il  faut  pour  réussir,  c’est  une  bonne  dose  
de motivation, un soupçon de discipline, et de bonnes ressources sur le sujet.

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D’où  l’idée  de  créer  ce  guide : je voulais vous donner tous les outils nécessaires pour
vous permettre de créer vos propres musiques. Je voulais également balayer tous ces
préjugés et cette image élitiste de la composition en vous prouvant que tout le
monde  peut  y  arriver  à  condition  de  s’en  donner les moyens.

Qu’est-ce que ce guide ?


Ce   guide   constitue   l’aboutissement   de   toutes   mes   recherches   et   de   toutes   mes  
réflexions   sur   la   composition   musicale.   Ce   que   vous   avez   entre   les   mains,   c’est   le  
résultat  d’heures  de  recherche,  de  questionnement,  de   remise en question, et bien
sûr de pratique sur la composition.

Ce guide apporte des réponses simples et concrètes à tous les problèmes rencontrés
par   l’apprenti-compositeur.   Avant   de   le   rédiger,   j’ai   d’ailleurs   sondé   plus   de   750  
lecteurs de Composer sa Musique pour connaître avec précision les principales
difficultés  rencontrées  par  une  personne  désireuse  d’écrire  une  chanson.  A  partir  de  
là,   j’ai   pu   comprendre   au   mieux   vos   besoins   et   développer   en   conséquence   une  
méthode pour vous aider à créer vos propres chansons de A à Z.

Ce  que  ce  guide  n’est  pas


Certes le guide va vous donner de nombreuses pistes et de nombreux outils pour
vous aider à composer. Cependant, il ne constitue en aucun cas une méthode
miracle. Ne vous attendez pas à y trouver des formules magiques pour réussir à
créer le « tube  de  l’année  en  4  minutes  30 » ou pour « composer la mélodie du siècle
en 3 étapes ».  Hé  oui,  les  méthodes  miracles,  ça  n’existe  pas !  Il  n’y  a  pas  de  secret :
pour réussir il va falloir bosser !!

D’ailleurs,  je  préfère vous prévenir tout de suite : ne vous attendez pas à devenir le
plus grand compositeur de tous les temps juste après avoir fini de lire le guide. Enfin
si, peut être que vous allez le devenir (et je vous le souhaite !) mais pour cela il va
vous falloir   du   temps.     C’est   surtout   à   force   de   pratique   et   de   travail   que   vous  
deviendrez meilleur. La composition et la musique ne peuvent pas être acquises du
jour  au  lendemain.  C’est  un  travail  de  longue  haleine  qui  va  vous  tenir  éveillé  pendant  
un certain temps.  Des  personnes  ont  d’ailleurs  dédié  leur  vie  entière  à  la  composition  
et  continuent  d’apprendre  et  de  progresser  chaque  jour !

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Je   vous   conseille   donc   d’appréhender   ce   guide   comme   un   livre   de   cuisine : vous y


trouverez la marche à suivre pour atteindre vos objectifs, mais seul vous pouvez
arriver   à   les  concrétiser.  De   même,  ce  n’est  pas  parce  que  vous  aurez  fini  de  lire  le  
livre  que  vous  deviendrez  tout  de  suite  un  grand  chef.  Avant  d’atteindre  ce  niveau,  il  
va falloir que vous vous entraîniez beaucoup. Mais plus vous mettrez les recettes en
pratique, et plus vous progresserez !

Le  petit  manuel  d’utilisation du  guide:  tout  ce  qu’il  faut  savoir  pour  
l’utiliser  au  mieux !

Je suis totalement débutant en composition. Je peux quand même comprendre ce


guide ?

Oui.  J’ai  vraiment  écrit  ce  guide  dans  l’optique  qu’il  soit  compris  par  le  plus  de  monde  
possible, y compris le débutant le plus total (je faisais même lire les chapitres à mes
parents   pour   voir   s’ils   y   comprenaient   quelque   chose).   Mais   si   ce   n’est   pas   encore
fait, je vous conseille tout de même de télécharger mon guide gratuit « L’Essentiel  du  
solfège pour Composer » qui vous aidera à comprendre les notions les plus
techniques   et   la   théorie   de   la   musique.   D’ailleurs,   vous   verrez   que pendant les
chapitres, si jamais un concept présenté fait appel à un savoir théorique, je mettrai
un lien direct vers le tutoriel vidéo concerné. Enfin, je tenais également à rassurer les
plus  expérimentés  d’entre  vous : vous aussi vous trouverez votre compte avec ce livre
car j’ai  vraiment  eu  à  cœur  de  recouvrir  tous les aspects de la composition, même les
plus complexes.

Quel style musical va me permettre de composer ce guide ?

Ce livre est un guide de composition général.   Je   n’ai   pas   voulu   privilégier   un   style  
plutôt qu’un  autre  (sinon  il  y  aurait  eu  beaucoup  trop  de  choses  à  dire  et  j’aurai  dû  
écrire prêt de 10 livres pour réussir à traiter des spécificités de chaque courant
musical).   J’ai   donc   fait   en   sorte   de   partager   des   astuces   qui   s’appliqueront   et   qui  
fonctionneront quel que soit le style musical que vous jouez (rock, hip-hop, électro,
blues,  classique…).

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Comment dois-je aborder ce guide ?

J’ai   essayé   de   construire   ce   guide   sur   une   logique progressive. Personnellement, je


vous conseille donc de le lire en commençant par la première page (quelle
originalité !), ça vous aidera à créer votre chanson progressivement et étape par
étape.   Néanmoins,   j’ai   conscience   qu’il   n’existe   pas   une   seule   méthode   de  
composition  et  que  la  façon  d’aborder  la  composition  est  propre  à chacun. De plus, je
ne voulais pas que le livre se transforme en une « méthode universelle » ne dictant
qu’une  seule  façon  d’écrire  une  chanson.  Je  voulais  vous  aider  à  trouver  votre  propre  
façon   de   composer.   J’ai   donc   fait   en   sorte   que   le   guide   s’adapte   à   chacun   d’entre  
vous en le découpant en plusieurs parties spécifiques. Ainsi, vous pouvez très bien
lire   le   livre   d’une   page   à   l’autre   mais   vous   pouvez   aussi   l’adapter   à   vos   envies   en  
jonglant entre les parties qui vous intéressent.

Enfin,   n’oubliez   pas   de pratiquer et de mettre en application au fur et à mesure ce


que  vous  apprenez.  Ce  guide  n’est  pas  un  bon  livre  de  chevet  qui  va  vous  permettre  
de vous endormir ! Mon but est de vous pousser  à  l’action et de vous bouger. Pour
ce faire, vous trouverez en fin de chaque chapitre un encart intitulé « A vous de
jouer » contenant des exercices. Je compte sur vous pour faire ces exercices !  C’est  le  
meilleur moyen de progresser : lisez, intégrez, et pratiquez !

D’accord  j’ai  tout  compris.  Mais  euh…  lire  une  méthode de composition musicale, ça
ne va pas nuire à ma créativité ?

C’est  une  très  bonne  question.  On  me  l’a  d’ailleurs  souvent  posée  à  partir  du  moment  
où  j’ai  évoqué  l’idée  d’écrire  un  guide  dédié  à  la  composition  musicale.  Car  il  est  vrai  
que la musique est la forme de liberté la plus absolue et chacun est libre de se
l’approprier  à  sa  manière.  De  plus,  je  ne  suis  personne  pour  pouvoir  prétendre  vous  
inculquer   comment   écrire   une   chanson   sachant   qu’il   existe   des   multiples   façons   de  
faire propres à chacun.

J’ai   vraiment   beaucoup   réfléchi   à   la   question   et   je   suis   conscient   de   tout   cela.  


Cependant,   je   reste   persuadé   qu’il   existe   certaines   petites   « techniques » qui vous
permettront de trouver le déclic et qui vous aideront à progresser dans votre quête
musicale. Même si la musique est une entité complexe et indomptable, il existe

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quelques petits trucs, quelques petites astuces, qui vous aideront à mieux
l’appréhender.   Et   c’est   l’ensemble   de   toutes   ces   astuces   que   j’ai   voulu   répertorier  
dans ce guide.

Aussi, je  pense  que  ce  guide  n’est  pas  en  soi  une  méthode  de  composition  qui  vous  
explique de façon mécanique comment procéder pour écrire une chanson étape par
étape, mais plutôt une boite à outils qui vous apportera des solutions pour
surmonter chaque difficulté du processus de composition.

Choisissez  les  outils  qu’il  vous  faut !


© zigazou76

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Alors comme ça vous voulez composer ?

Alors ça y est, vous vous êtes enfin décidé à faire le grand saut et à créer vos propres
chansons.

Vous êtes peut-être un débutant qui fait ses premiers pas dans le monde de la
musique, un autodidacte à la recherche de connaissances supplémentaires, un
passionné  cherchant  à  se  faire  plaisir  et  à  s’amuser,  ou  encore  une  future  star  en  
puissance ambitionnant de créer des tubes  planétaires.    Quoi  qu’il  en  soit,  vous  venez  
de prendre une décision importante : cette fois ça y est, vous allez créer vos propres
chansons (les murs de votre salon sont prêts à trembler !). Eh bien laissez-moi vous
dire une chose : vous avez fait le bon choix et je vais vous expliquer pourquoi.

Bienvenue  chez  les  chercheurs  d’or

La composition est un monde totalement fascinant. En


franchissant ses portes, vous vous apprêtez à prendre part
à une aventure absolument incroyable. Imaginez plutôt :
fondamentalement,  il  n’existe  que  7  notes  et  15  sons  
différents. Et pourtant, la combinaison de ces sons, la
multiplicité  des  instruments,  et  l’immense  possibilité  en  
termes  d’arrangements  vous  permet  d’obtenir  un  nombre  
quasi infini de  chansons.    Depuis  l’existence  de  l’Homme,  
des millions de chansons ont en effet été composées, une
multitude de courants musicaux ont été définis et des
milliards de sonorités ont été créés. Quand on y pense,
c’est  quand  même  fou  non ?

Et pourtant, de nouvelles musiques continuent  d’être  créées  chaque  jour  et  certaines  
d’entre-elles  continuent  de  marquer  l’Histoire  de  leur  empreinte.  En  d’autres  termes,  
les possibilités de créations sont tellement infinies, que tout est encore à faire. Le
nombre de chansons qui reste à inventer est incalculable et de nouveaux horizons
musicaux  ne  demandent  qu’à  être  découverts.  C’est  comme  si  vous  entriez  dans  une  
immense  caverne  remplie  de  trésors.  Maintenant,  il  ne  vous  reste  plus  qu’à  vous  
munir  d’une  pioche  et  à  récolter  les  pépites. ;)

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Le pouvoir de la création
Savoir créer ses chansons constitue en soi un pouvoir exceptionnel : vous êtes libres
de  créer  selon  votre  bon  vouloir  les  chansons  de  votre  choix.  C’est  génial  non ? Vous
êtes libres de faire absolument tout ce que vous voulez. Imaginez que vous trouviez
dans la rue un iPod contenant des chansons correspondant en tout point à vos goûts
musicaux.  Et  bien  c’est  exactement  ce  que  permet  de  faire  la  composition : elle vous
donne le loisir de créer des chansons à votre image et conformément à vos propres
critères esthétiques.

Plus besoin de chercher pendant des heures des chansons susceptibles de vous
plaire puisque vous pourrez créer ces chansons. Vous avez du mal à trouver des
chansons avec un beau solo de piano au milieu ?  Qu’importe  puisque vous allez la
créer. Vous écoutez aussi bien du rap que du métal et vous aimez mélanger les
genres ? Génial ! Faites-le donc !

Absolument rien ne peut vous empêcher de créer ce que voulez. La seule limite qui se
dressera devant vous, ce sera celle de votre imagination.

Un  formidable  moyen  d’expression


Je ne pense rien vous apprendre en vous disant que la musique est un formidable
moyen de communication permettant  d’exprimer  avec  bien  plus  d’intensité  vos  
émotions que ce que les mots permettent.

La musique  commence  là  où  s’arrête  le  pouvoir  des  mots


Richard Wagner

Par exemple, ne vous est-il  jamais  arrivé  d’écouter  une  musique  et  d’y  trouver  dans  
son air ou ses paroles un écho au plus profond de vous-même ? Ne vous est-il jamais
arrivé de sourire bêtement car une musique vous rappelez un moment heureux ? Ou
au contraire ne vous est-il jamais arrivé de vous sentir profondément triste ou
nostalgique  à  l’écoute  d’une  chanson ? Ne me  mentez  pas,  je  vous  vois  d’ici  sous  la  
couette et la morve au nez. :) Bref, comme vous le voyez, la musique est un
formidable moyen d’extérioriser ce que vous ressentez au plus profond de vous-
même pour le communiquer avec les autres.

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Composer sa chanson de A à Z 16

Une dimension culturelle


Le  pouvoir  de  communication  de  la  musique  ne  s’arrête  pas  seulement  à  vous,  il  
permet  également  de  toucher  les  autres.  Par  exemple,  il  n’est  pas  rare  qu’une  
musique puisse bouleverser une existence ou inspirer une vocation. Mais plus
encore, la musique  permet  d’agir  sur  le plan culturel en exprimant un message ou en
représentant  une  idéologie.  Si  on  jette  un  œil  sur  les  différents  courants  musicaux,  on  
voit ainsi que le blues a permis de porter le message de la condition du noir américain
du 19ème siècle, le rock psychédélique celui du mouvement hippie des années 70, le
rap celui du soulèvement du Bronx, et le jazz à quant à lui permis la rencontre et la
fusion  des  cultures  occidentales  et  africaines.  Faire  la  musique,  c’est  donc  prendre  
part à la création  de  la  dimension  culturelle  de  l’humanité  et  témoigner  de  son  état  à  
travers les âges.

Maintenant  que  vous  avez  compris  l’ensemble  des  possibilités  qui  se  dresse  devant  
vous, je pense que vous êtes prêts à faire le grand saut. Et ça tombe bien car on va
commencer sans plus tarder.

Plus  qu’écouter  de  la  musique,  vous  allez  maintenant  en  créer !
© Skinnydiver

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PARTIE 1 : Avant de
commencer….

Chapitre 1 : Partir  avec  le  bon  état  d’esprit……….18


Chapitre 2 : Trouver  l’inspiration………………………34

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Chapitre 1 :  Partir  avec  le  bon  état  d’esprit

Dans cette partie vous allez apprendre :

La vérité sur les nombreuses questions que se pose le débutant avant de


composer :

- Faut-il vraiment connaître le solfège pour composer ?

- Faut-il maîtriser un instrument pour écrire une chanson ?

- La composition est-elle innée ? Faut-il un don pour cela ?

Comment développer un mental de winner pour progresser rapidement en


composition ?

Une technique infaillible pour croire en vous et vous débarrasser de toutes vos
pensées négatives telles que « je ne suis pas assez doué », « je  n’y  arriverai  
jamais », ou encore « je ne suis pas fait pour ça »

Une technique pour vous aider à rester motivé tout au long de votre
apprentissage

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Composer sa chanson de A à Z 19

Introduction

La façon dont vous allez appréhender la composition portera une immense influence
sur   votre   progression.   Si   vous   partez   avec   un   état   d’esprit   positif,   il   y   a   de   fortes  
chances pour que vos progrès soit fulgurants. Au contraire, si vous cultivez des
pensées négatives telles que « je  n’y  arriverai  pas », « je ne suis pas fait pour ça », ou
« je  n’en  suis  pas  capable », vous ralentirez sensiblement votre progression ou pire,
vous  n’arriverez  jamais  à  composer.

L’état   d’esprit   est   une   dimension   souvent   sous-estimée mais je peux vous garantir
qu’elle  constitue  l’un  des  principaux  facteurs  de  réussite  de  la  composition.    Encore  
plus  que  la  pratique,   que  l’inspiration,   ou  que  les  techniques,  c’est  votre  capacité  à  
croire en vous-même qui vous permettra de réaliser de belles chansons.

Le  but  de  ce  chapitre  sera  de  vous  apprendre  à  adopter  un  état  d’esprit  positif  vis-à-
vis de vous-même et de la composition. Pour ce faire, nous allons agir sur les deux
facteurs     responsables   de   l’idée   que   vous   vous   faîtes   de   la   composition :

Le facteur « préjugés » qui est un facteur externe : De nombreux


préjugés circulent sur la composition, ce qui fait passer cette activité
pour une discipline difficile. Dans une première partie, nous nous
attacherons donc à rétablir la vérité sur ces préjugés afin de
débarrasser votre esprit de toutes ces croyances négatives.

Le facteur « état  d’esprit » qui est un facteur interne. La perception que


vous vous faîtes de la composition va grandement influer sur vos
résultats. Dans cette seconde partie, nous verrons donc comment
cultiver  le  bon  état  d’esprit  afin  d’obtenir  un  mental  à  toutes  épreuves !

Notre but :   Rétablir   les   préjugés   et   cultiver   le   bon   état   d’esprit   pour   entretenir   une  
perception positive de la composition et démultiplier vos chances de réussite.

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Composer sa chanson de A à Z 20

I  /  Démêler  le  vrai  du  faux:  la  FAQ  de  l’apprenti  compositeur

« Il faut maîtriser tous les aspects du solfège avant de composer », « de toute façon la
composition  soit  on  l’a  en  soi  soit  on  ne  l’a  pas »…

Je suis sûr que vous avez déjà entendu de telles affirmations au moins une fois dans
votre vie. Il existe en effet de très nombreuses croyances populaires sur la
composition.  Parfois,  certaines  d’entre  elles  sont  tellement  ancrées  dans  les  mœurs  
que les gens finissent par les croire et se les approprier.

Le  problème,  c’est  que  ces  croyances  agissent  grandement  sur  la  perception  que  vous  
vous   faîtes   de   la   composition   et   surtout,   la   majorité   d’entre   elles   sont   fausses. Ces
croyances sont en quelque sorte des parasites et ont pour conséquence de freiner
inutilement votre progression.

J’ai  donc  voulu  revenir  avec  vous  sur  les  principales  questions  que  peuvent  se  poser  
les débutants (faut-il connaître le solfège pour composer, faut-il être doué avec son
instrument, faut-il  avoir  un  don  pour  composer)    afin  d’y répondre objectivement et
rétablir la vérité. Dans certains cas, vous verrez que les croyances populaires sont
bien loin de la réalité !

Faut-il avoir connaissance du solfège pour composer ?


C’est  LA  grande  question  que  se  pose  la  majorité  des  gens  avant de composer (et la
majorité   des   gens   qui   ont   la   flemme   d’apprendre   le   solfège   avant   de   faire   de   la  
musique^^).

L’école  des  instinctifs  Vs  l’école  des  théoriciens

En général, deux grandes écoles se distinguent et donnent deux avis diamétralement


opposés à cette question :

Tout   d’abord   il   y   a   l’école   des : « Non   ce   n’est   pas   nécessaire   car   il   est   tout   à   fait  
possible de faire de la musique et de créer des chansons sans avoir aucune notion de
solfège ».  Souvent,  pour  étayer  ces  propos,  cette  école  cite  l’exemple du légendaire

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Composer sa chanson de A à Z 21

guitariste Jimi Hendrix qui a réussi à révolutionner la musique sans pour autant
n’avoir  jamais  mis  les  pieds  dans  une  école  de  musique.  Pour  eux,  la  musique  est  une  
affaire  d’instinct et doit avant tout être basée sur le ressenti et les  émotions.  C’est  
d’ailleurs   pour   cela   qu’ils   détestent   tant   le   solfège : ils le perçoivent comme une
barrière à leur créativité. Pour eux, toutes ces règles qui intellectualisent la musique
ne   permettent   que   de   s’enfermer   dans   des   schémas   et   de   rendre   la   musique trop
lisse, trop prévisible, et trop conventionnelle.

Jimi  Hendrix,  l’idole  des  « instinctifs »


© Francisca

Et   puis   de   l’autre   côté,   on   a   les   partisans   du   solfège.   Pour   eux,   le   solfège   est   un  
élément indissociable de la musique et son étude est absolument nécessaire pour
pouvoir  progresser  que  ce  soit  dans  l’étude  de  son  instrument  ou  de  la  composition.  
Ils   n’hésitent   pas   à   en   vanter   les   mérites   et   considèrent   que   c’est   une   étape  
nécessaire à franchir pour devenir un bon musicien. Ils savent que le solfège leur a
beaucoup   apporté   et  qu’il   peut   être   utile.   De   ce   fait,   ils   n’hésitent   pas   à   préconiser  
systématiquement son étude à tout bon apprenti musicien.

Quant est-il de vous ? Vous êtes-vous  reconnus  dans  l’une  de  ces  deux  descriptions ?
Faites-vous partie des théoriciens ou des instinctifs ? Et à votre avis, quelle approche
est la bonne ? Laquelle des deux écoles est la plus proche de la vérité ? Réponse dans
le prochain épisode ! Mais non, je plaisante, on va voir ça tout de suite. ;)

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Composer sa chanson de A à Z 22

Comme dans toute chose, la bonne réponse se situe souvent dans l’équilibre.  Il  n’y  a  
pas  une  vision  qui  prédomine  sur  l’autre  (pouah comment  il  se  mouille  pas  l’autre !)
Les  deux  écoles  se  valent,  chacune  d’entre  elle  possède  sa  part  de  tort  et  de  vérité.  

Ne faites  pas  l’erreur  d’attendre…

Fondamentalement, il  n’est  pas  nécessaire  de  connaître  le  solfège  pour  composer.
Après tout, improviser une mélodie entraînante dans sa tête constitue déjà en soi
une composition. A ce titre, je dirai donc que « l’école  instinctive » à raison. De plus,
les partisans du solfège commettent très souvent une erreur que les instinctifs ne
font pas :   ils   ont   une   telle   estime   des   bienfaits   du   solfège   qu’ils   en   viennent   à   faire  
l’amalgame  entre  « apprendre la musique » et « apprendre le solfège ». Pour eux, il
faut nécessairement connaître le solfège pour faire de la musique et composer.

« Si tu veux savoir faire de la musique (et donc composer), il faut que tu apprennes le
solfège ! »

N’avez-vous jamais entendu cette phrase dans votre vie ? :) ». Or, non seulement
cette croyance est fausse, mais en plus elle ralentit sensiblement leur progression. En
effet, même si le solfège leur donnera des outils pour les aider à composer, il ne leur
apprendra jamais à composer une chanson en tant que   tel.   Et   c’est   là   que   se   situe  
toute la nuance :   le   solfège   est   au   service   de   la   composition   mais   il   n’en   est   pas   à  
l’origine.

A cause de cet amalgame, les théoriciens perdent beaucoup de temps. Estimant


qu’ils  ne  connaissent  pas  encore  suffisamment  le  solfège,  ils  pensent  qu’ils  n’ont  pas  
le niveau requis pour composer et ne font finalement rien. Ils préfèrent « attendre »
d’avoir  un  niveau  théorique  suffisant  avant  de  se  lancer.  Pour  prendre  un  exemple,  je  
dirai que leur comportement revient à penser  qu’il  faille  parfaitement  connaître  une  
notice  d’appareil  photo  avant  de  se  mettre  à  photographier.  Mais  vous  vous  doutez  
bien   que   ce   n’est   pas   comme   ça   que   ça   marche :   ce   n’est   pas   parce   ce   que   vous  
connaîtrez théoriquement chacune des fonctionnalités de votre appareil que vous
ferez   de   bonnes   photos.   Ce   qui   vous   fera   progresser,   c’est   la   pratique.   La   théorie  
viendra quant à elle après, et en soutien de ce que vous allez acquérir sur le terrain.

Ne faites donc pas cette erreur trop commune de considérer que la connaissance du
solfège  est  une  condition  sine  qua  non  de  l’apprentissage  de  la  composition  :  même  
si vous ne connaissez rien au solfège, lancez-vous quand même dans la composition.

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Composer sa chanson de A à Z 23

C’est  le  seul  moyen  pour  que  vous  puissiez  vous  améliorer  dans  cet art. Vous pourrez
apprendre le solfège en parallèle de votre apprentissage.

Vous avez peur de ne pas avoir assez de connaissances pour composer ? Rassurez-
vous : si vous savez chantonner un air qui vous passe par la tête et dire si une
musique vous plaît ou non, vous avez déjà en main tous les ingrédients nécessaires
pour composer vos premières chansons. Et puis, après avoir fini la lecture de ce livre,
vous en saurez déjà bien assez pour pouvoir écrire une chanson. ;)

N’ayez  pas  peur  de  vous  lancer


© Yves Tennevin

…  Mais  ne  négligez  pas  les  avantages  du  solfège  pour  autant

Penser   qu’il   faille   absolument   maîtriser   le   solfège   avant   de   composer   est   une  
croyance aussi erronée que  de  considérer  que  l’apprentissage  du  solfège  est  inutile  
et nuit à la créativité.  Sur  ce  point,  c’est  donc  les  théoriciens  qui  ont  raison.  

Le solfège est en effet un formidable outil en faveur, et au service de la musique. Il


vous permettra de comprendre la logique de la musique et vous fera gagner un
temps considérable dans votre   processus   de   composition.   S’en   priver   revient   à  
renoncer   à   une   main   tendue   vers   vous   qui   vous   apporterez   de   l’aide.   Imaginez   une  
personne  voulant  résoudre  un  rubik’s  cube :  elle  aura  le  choix  d’y  arriver  à  force  de  
tâtonnement et de persévérance, ou de le résoudre en quelques secondes après
avoir   appris   son   fonctionnement   à   travers   les   algorithmes.   C’est   ce   que   permet   le  

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Composer sa chanson de A à Z 24

solfège :   comprendre   le   pourquoi   et   disposer   d’outils   pour   arriver  plus   facilement   à  


réaliser son objectif.

Si vous voulez que je vous apporte des exemples concrets, voilà ce que permet (entre
autres) de connaître le solfège :

- Connaître une langue supplémentaire : celle de la musique. La connaissance du


solfège  vous  permettra  de  déchiffrer  des  partitions  et  d’accéder  par  la  même  
occasion à  des  milliers  d’œuvres.  

- Savoir repérer les tonalités. Et donc vous permettre de trouver les bons
accords pour accompagner votre mélodie, ou encore les bonnes notes pour
réussir votre improvisation

- Maîtriser les gammes, pour vous aider à écrire un solo explosif à la guitare ou
arranger harmonieusement deux parties instrumentales différentes.
- Comprendre précisément les techniques utilisées par vos artistes préférés afin
de pouvoir les reproduire dans vos propres compositions

- Vous aidez dans la retranscription  musicale  d’un  morceau

- Éviter le syndrome de la page blanche musicale

Et pour ceux qui considèrent que le solfège est un frein à la créativité, là encore ils se
trompent lourdement.   Disposer   d’outils   ne   veut   pas   forcément   dire   dépendre  
uniquement de ces outils. Les danseurs en sont la parfaite illustration : est-ce que la
connaissance de pas de danses et de chorégraphies les empêchent de développer
leur propre façon de danser ?   Bien   sûr   que   non.   Il   suffit   d’ailleurs   de   regarder   des  
breaks danseurs pour  s’en  convaincre  :  chacun  d’entre  eux  a  appris  les  mêmes  figures  
mais   ils   sont   tous   différents   lorsqu’ils   se   mettent   à   danser.   Pourquoi ? Parce que la
musique  tout  comme  la  danse  permet  de  refléter  la  personnalité  de  chacun.  Il  n’y  a  
donc pas de soucis à se faire concernant le côté instinctif et émotionnel de la
composition. La musique étant par définition une question de goût et de
personnalité,   qu’une   personne   ait   recours   au   solfège   ou   non   pour   composer,   ne  
changera pas la donne et la musique permettra toujours de refléter ce que chacun
ressent.

Vous  avez  malgré  tout  la  flemme  d’apprendre  le  solfège  et  vous  pensez  cette  épreuve  
insurmontable ? Pas de panique !   Comme   j’en   parlais   précédemment,     je   vous  
propose de télécharger gratuitement un guide numérique sur le site composer-sa-
musique.fr qui  vous  expliquera  tout  ce  qu’il  faut  connaître  de  A  à  Z,  et  à  partir  de  0.  
Maintenant,  vous  n’avez  plus  d’excuses  pour  ne  pas  vous  y  mettre. ;)

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Dois-je avoir un niveau élevé avec mon instrument pour composer ?


Pour   être   honnête,   je   pense   qu’il   vaut   mieux   apprendre   à   jouer   d’un   instrument  
avant   de   composer.   La   pratique   d’un   instrument   vous   aidera   en   effet   à   mieux  
comprendre la musique et la construction des morceaux. Et puis, avant de créer de la
musique, mieux vaut savoir en jouer non ? ;)

Mince  alors…  Moi  qui  suis  un  novice  complet,  je  fais comment pour composer ?

Pas de panique !    J’ai  deux  bonnes  nouvelles  à  vous  annoncer :

- La  première,  c’est  que  vous  n’avez  pas  besoin  d’être  un  virtuose pour créer une
chanson.    Si  vous  êtes  déjà  capable  d’enchaîner  différentes  suites  d’accords,  alors  ne  
cherchez pas plus loin : vous avez déjà un niveau amplement suffisant pour
composer.  Beaucoup  de  très  belles  chansons  sont  d’ailleurs très simples dans leur
construction et ne demandent pas un niveau technique particulièrement élevé pour
être  jouées.  Je  pense  par  exemple  à  Knockin’  On  Heavens  Door  de  Bob  Dylan,  à  la  
majorité  des  chansons  des  Beatles,  de  Coldplay,  d’Oasis  et  j’en  passe…  Comme  quoi,  
technicité  et  complexité  ne  sont  pas  forcément  synonymes  de  beauté…  De  plus,  
grâce à la MAO les choses sont maintenant devenues beaucoup plus faciles. Il vous
suffit en effet de disposer de quelques notions en piano pour pouvoir commander
votre  clavier  maître  MIDI  et  ainsi  écrire  les  parties  musicales  de  n’importe  quel  
instrument.  C’est  beau  la  technologie !

- Et  la  seconde  bonne  nouvelle,  c’est  que  vous avez incroyablement de chance d’être  
un débutant complet.

De  la  chance  d’être  débutant ?  Qu’est-ce  qu’il  raconte ? Il est devenu fou ou quoi ?

Mais non ! Il suffit simplement de regarder la situation sous un autre angle.


Apprendre simultanément la composition et votre instrument, constitue une
excellente  façon  d’accroître  votre  motivation. Plus vous progresserez dans la pratique
de votre instrument, et plus vous élargirez vos possibilités en termes de composition.

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Composer sa chanson de A à Z 26

En étant un débutant complet, vous pourrez ainsi mettre en place un cercle vertueux
pour progresser aussi bien dans la pratique de votre instrument que dans celle de la
composition.

Est-ce  que  la  composition  est  quelque  chose  d’inné ?


Alors là, je peux vous répondre franchement : NON. Pourtant, cette idée reçue est
très   populaire.   Tellement   populaire,   qu’elle   en   vient   même   à   toucher tout ce qui
rapporte au domaine artistique : « Je ne suis pas doué pour le dessin », « Oh je ne suis
pas  fait  pour  jouer  d’un  instrument », « Je  n’ai  pas  le  profil  artistique » et  j’en  passe  et  
des  meilleures…

Mais les amis, laissez-moi vous dire une bonne chose : cette idée reçue est
totalement fausse.  J’insiste  particulièrement  sur  ce  point : tout le monde peut faire
de la musique et  tout  le  monde  peut  réussir  à  créer  une  chanson.  Tout  ce  qu’il  faut  
pour  réussir,  c’est  seulement  de  bonnes  ressources sur le sujet, une bonne dose de
motivation et un peu de discipline.

Alors   bien   sûr,   les   plus   sceptiques   d’entre   vous   me   diront   qu’il   y   en   aura   toujours  
certains  qui  auront  plus  de  dispositions  que  d’autres  (certains  naissent  par  exemple  
avec   l’oreille   absolue)   et   qu’il   est   à   ce   titre   impossible   de   partir   sur   un   même   pied  
d’égalité.  Soit,  et  alors ? Est-ce  que  c’est  parce  que  certaines  personnes  progressent  
plus  vite  que  d’autres,  que  vous  à  titre  personnel,  vous  n’arriverez  jamais  à  créer  une  
chanson ? Bien sûr que non ! Ne pas avoir de dispositions particulières dans une
activité ne veut pas forcément dire que vous ne pourrez jamais exercer cette activité.
C’est  un  peu  comme  si  vous  refusiez  d’aller  à  la  piscine  car  vous  estimez  ne  pas  avoir  
le niveau suffisant  pour  devenir  champion  olympique.  C’est  un  peu  absurde  n’est-ce
pas ? ^^

Au  final,  tout  ce  qui  compte  c’est  d’essayer  sans  se  poser  trop  de  questions.  Allez-y
tranquillement   à   votre   rythme   et   vous   verrez   qu’au   final,   vous   progresserez   sans  
même vous en rendre compte !

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Composer sa chanson de A à Z 27

II  /  Cultiver  le  bon  état  d’esprit

Maintenant que nous avons fait le point sur les croyances externes, il ne nous reste
plus  qu’à  nous  intéresser  aux  croyances internes. Les croyances internes (autrement
dit   l’image   que   vous   vous   faîtes de vous-même et de la composition) sont
fondamentales  puisqu’elles  détermineront  la  taille  de  la  montagne  que  vous  aurez  à  
gravir.

L’influence  de  l’état  d’esprit


Pour   vous   illustrer   le   rôle   et   l’influence   de   l’état   d’esprit   sur   la   progression,  
comparons deux situations distinctes :

- La première situation met en scène Jack (à prononcer « Djack »). Jack, comme
la majorité des personnes, est convaincu que la composition est une discipline
réservée  aux  personnes  disposant  d’un  solide  bagage  musical,  aux  artistes, et
aux génies.

Pff, de toute façon pour savoir créer une chanson il faut déjà connaître le solfège. En
plus, il faut être bon dans son instrument et connaître la musique. Moi, je ne suis
même  pas  capable  d  ‘avoir  des  bonnes  idées  et  de  l’inspiration. Alors imagine pour
écrire  une  chanson…  laisse  tomber  ce  n’est  pas  pour  moi,  je  n’en  suis  pas  capable.

- Au contraire de Jack, nous avons Victor. Victor est un optimiste de nature. Il


sait   qu’il   ne   connaît   rien   à   la   composition   mais   ça   ne   lui   fait   pas peur. Au
contraire, ça le motive et il a envie de progresser. De plus, Victor vient
seulement de se mettre à la guitare mais ça ne le gêne pas plus que ça. Il se dit
que  ça  lui  fera  une  bon  prétexte  pour  s’y  mettre  sérieusement.

Oulala  je  n’ai  aucune  idée  de  la  façon  dont  je  dois  m’y  prendre  pour  écrire  une  
chanson…  Bon  ben  on  va  s’y  mettre !  Ça  va  être  l’occasion  d’apprendre  pas  mal  de  
choses, ça va être marrant.

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Composer sa chanson de A à Z 28

Question : qui de Jack ou de Victor aura le plus de chance de réussite ?


Réponse : Victor bien   évidement.   (En   même   temps,   la   question   n’était   pas   super  
dur ;))

La   différence   fondamentale   entre   Victor   et   Jack,   c’est   la perception qu’ils   ont   de   la  


composition.   Si   Jack   a   autant   de   mal   avec   la   composition   ce   n’est   pas   forcément  
parce   qu’il   est   moins doué que Victor ou parce que la composition est un exercice
difficile en soi :   c’est   parce   qu'il   estime   qu’il   n’y   arrivera   pas   au   vu   de   la  
représentation   qu’il   se   fait   de   la   composition   (nuance !). Et effectivement, si Jack
pense que la composition est un exercice difficile, alors la composition sera un
exercice difficile. Tout est une question de perception. Si vous estimez que la pente
sera difficile à gravir, alors elle le sera. Mais au contraire, si vous croyez en vos
chances et si vous êtes convaincus que vous pouvez arriver rapidement au sommet,
alors ça sera le cas.

Choisissez la taille de la montagne


que vous aurez à gravir

J’ai   bien   conscience   que   tout   ce   que   je   raconte   peut   vous   paraître   évident,   voir  
bateau. Mais croyez-moi, dans plus de 90%   des   cas,   si   une   personne   n’arrive   pas   à  
composer  ou  à  progresser  suffisamment,  ce  n’est  pas  parce  qu’elle  est  moins  douée  
qu’une  autre  ou  qu’elle  n’est  « pas faîtes pour ça »,  c’est  juste  parce  qu’elle  ne  croit  
pas suffisamment en ses chances. Et rien que  pour  ça,  j’ai  pensé  qu’il  était  important  
de vous le rappeler. ;)

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Composer sa chanson de A à Z 29

Les  3  clés  de  l’état  d’esprit  positif  

Clé n°1 : Croyez en vous et en votre musique

C’est  le  facteur  crucial  qui  va  vous  permettre  de  passer  de  la  mentalité  de  Jack  à  celle  
de Victor. Prenez conscience que vous êtes capable de réaliser beaucoup de choses.
Les seules limites qui existent, ce sont celles que vous vous imposez vous-même.

Mettez à bas vos croyances. VOUS pouvez le faire. VOUS pouvez réussir à créer de la
musique.  Si  d’autres personnes  l’ont  fait  avant  vous,  pourquoi  est-ce  que  vous  n’en  
seriez pas capable ? Vous avez envie de vivre de votre passion ? VOUS pouvez le faire.
Il  suffit  simplement  d’y  croire.

Apprenez également à croire en votre musique.   C’est   très   important.   J’ai en effet
remarqué   qu’un   nombre   incalculable   de   personnes   n’arrivaient   jamais   à   être  
satisfaites de leur composition. Dans un sens, ça peut être une bonne chose car ça
démontre  qu’ils  sont  exigeants  avec  eux-mêmes  et  qu’ils  veulent  faire  mieux.  Mais  à  
haute dose, cette pensée va tout simplement ruiner leur motivation.

Ce réflexe de pensée est tout à fait normal car nous vivons dans un monde baigné
dans la musique. Que vous preniez le métro, alliez au supermarché ou regardiez la
télé, il y aura de la musique. Or toutes ces musiques sont des résultats finis, ils sont
l’aboutissement  d’un  travail  de  longue  haleine  et  le  fruit  du  travail  d’un  compositeur  
chevronné.  Continuellement,  vous  allez  donc   être  soumis  au   travail   d’une  personne  
plus  forte  que  vous  et  c’est  ce  qui  va  être  particulièrement  démotivant.  C’est  un  peu  
comme si vous vous retrouviez à jouer continuellement aux côtés de Nadal et de
Federer alors que vous venez juste de vous mettre au tennis. Pas facile dans ces
conditions   d’être   content   de   ce   que   vous   faites…   Pour   y   remédier,   il   va   falloir   que  
vous  appreniez  à  accepter  le  fait  d’être  débutant.          

Clé n°2 : Accepter de débuter

C’est  la  clé  de  la  réussite.  Beaucoup  de  débutants  font  l’erreur  d’être  trop  impatients  
et de vouloir obtenir le niveau de leur idole en un temps record. Ils attendent de
savoir jouer des concertos de Rachmaninov en 1 mois ou de composer le prochain
tube  de  l’été  dès  leur  premier  essai.  Résultat : leurs attentes ne correspondent pas à
leur progrès souhaités, ils se découragent,  et  s’arrêtent  finalement.  

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Composer sa chanson de A à Z 30

Seulement voilà : il est très peu probable que vous réussissiez à créer un hit dès
votre première chanson.  C’est  un  peu  comme  si  vous  pensiez    que  vous  alliez  réussir  
à courir un marathon alors que vous venez à peine de rentrer de votre première
séance de jogging.

Dites-vous bien une chose :  même  les  plus  grandes  stars  qui  remplissent  aujourd’hui  
des salles entières ont dû, elles aussi, débuter la musique et poser leurs premières
notes sur le papier. Dans son autobiographie Life, Keith Richards a même avoué avoir
dû  composer  plus  d’une  soixantaine  de  chansons  avant  de  pouvoir  commencer  à  être  
satisfait de sa musique. Vous imaginez un peu ? Les Rolling Stones eux-mêmes ont
connu des difficultés à écrire des chansons !  C’est  dire !!

Même  si  il  a  l’air  cool  sur  cette photo, Keith Richards
aussi à galérer pour apprendre à composer
© Paille

Acceptez   donc   cette   idée   qu’il   est   normal   de   débuter.   C’est   normal   de   ne   pas   être  
parfait  au  début,  c’est  normal  de  ne  pas  être  satisfait  de  ce  que  vous  faîtes,  et  c’est  
normal de galérer pour réussir à avoir ne serait-ce   qu’un   semblant   de   chanson  
lorsque vous débutez.

Alors, au lieu de toujours penser en termes de finalité (haaa ma musique ne vaut rien
à côté de celle de mon groupe préféré) cessez de vous comparer et concentrez-vous
seulement sur votre propre progression. Si   aujourd’hui   vous   êtes   meilleur   que   la  
vielle,   c’est   déjà   énorme. Allez-y petit pas par petit pas et fêtez chacune de vos
victoires. En prenant conscience de votre progression, vous engrangerez de la

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Composer sa chanson de A à Z 31

motivation supplémentaire et vous arriverez finalement petit à petit à atteindre le


niveau de vos idoles.

Clé n°3 : Prenez du plaisir

Et pour finir voici la clé la plus importante de toute : prenez du plaisir à faire ce que
vous  faîtes.    Le  plus  important  en  musique,  ce  n’est  pas  tant  de  savoir  jouer  comme  
un  dieu,  ni  d’écrire  la  chanson  ultime  mais  de  profiter  à  fond  de  ce  que  vous  faîtes.  
Faire de la musique c’est   fun : ça vous permet de rencontrer des gens, de vous
défouler,  d’extérioriser  ce  que  vous  ressentez  au  plus  profond  de  vous,   de boire des
bières gratis en concert, et parfois même de voyager.

Alors profitez-en à fond !!  C’est  en  prenant plaisir à composer que vous obtiendrez
les meilleurs résultats. Si vous vous amusez, alors vous resterez motivés et vous
progresserez sans même vous en rendre compte.

Même si elle peut paraître parfois contraignante, la musique est en fin de compte un
formidable moyen de vous évader de votre quotidien et de profiter de votre vie.
Alors, allez-y à fond, et surtout amusez-vous !!

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Composer sa chanson de A à Z 32

A vous de jouer :

Exercice 1 : Prenez un petit carnet et notez chacune des pensées négatives qui
s’imposent  à vous pendant une durée de deux semaines. Ensuite, demandez-vous si
cette  pensée  provient  d’un  facteur  externe  (vous  pensez  ça  car  vous  l’avez  entendu  
et  vous  trouvez  ça  évident)  ou  interne  (vous  êtes  à  l’origine  de  cette  pensée).

Exemple : Je dois apprendre le solfège avant de composer : Facteur externe


Je ne suis pas assez doué pour la composition : Facteur interne

- Si   votre   pensée   provient   d’un   facteur   externe,   relisez   la   FAQ   de   l’apprenti  


compositeur et rétablissez la vérité en écrivant la réponse réaliste à la
question

- Si  votre  pensée  provient  d’un  facteur  interne,  adoptez  un  point  de  vu  neutre,  
un regard extérieur à la situation et demandez-vous objectivement si cette
pensée est vraie. Notez la réponse par écrit dans votre petit carnet.

Exemple :

Pensée Type de facteur Réalité objective

Le fait de ne pas avoir un niveau


suffisant pour le moment ne veut pas
Je ne suis pas assez dire que je ne progresserai jamais. Le
Facteur interne
doué pour composer don  n’a  rien  à  voir  là-dedans,  c’est  
juste que je n’ai  pas  assez  de  
connaissances pour le moment

Attention : il faut absolument que la pensée objective soit réaliste !   Il   ne   s’agit   pas  
d’écrire  des  choses  pour  vous  faire  plaisir.

Exemple : Si vous écrivez : « je vais y arriver, je suis un dieu de la composition, il me


suffit de 5 minutes pour écrire une chanson »  ça  n’ira  pas.  Car  si  on  regarde  la  
situation  d’un  point  de  vue  objectif,  il  est  très  peu  probable  que  vous  puissiez  écrire  
une chanson en 5 minutes, s'il y a deux minutes de cela, vous vous sentiez capable de
rien. Faites bien attention à croire ce que vous écrivez.

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Exercice 2 : Tout au long de votre apprentissage, tenez un journal de bord et


faites un bilan de votre progression chaque fin de mois. Notez-y vos réalisations,
prenez conscience du chemin accompli, et fêtez chacune de vos avancées. En
procédant ainsi par petits pas, vous éviterez non seulement de vous comparer aux
autres, mais vous développerez aussi l'estime de vous-même ce qui vous permettra
de rester toujours motivé.

Exercice 3 :  En  cas  de  coup  de  mou  ou  s’il  vous  arrive  de  douter  de  vos  capacités,  
relisez ce chapitre !

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Chapitre 2 :  L’inspiration

Dans ce chapitre vous allez apprendre:

Comment  trouver  l’inspiration  et  déclencher  l’étincelle  créatrice

Quelles  sont  les  conditions  favorables  à  l’apparition  de  l’inspiration

Quelles sont les techniques utilisées par les plus grands écrivains pour être
inspirés

Comment  vous  servir  de  vos  rêves  pour  faire  naître  l’inspiration

Une méthode efficace pour lutter contre le syndrome de la « partition


blanche »

Le matériel que doit absolument posséder tout apprenti-compositeur qui se


respecte

Comment retranscrire son inspiration en musique :  comment  passer  de  l’idée  


au papier

3 réflexes à adopter pour retranscrire efficacement ses idées

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Introduction

Aaah   l’inspiration…   Il   est   presque   impossible   de   pouvoir   parler   de   musique   et   de  


composition sans évoquer ce fameux concept « d’inspiration ».   L’inspiration  
constitue en effet le moteur de toutes créations artistiques et de nombreux artistes
expliquent  l’origine  de  leur  œuvre  en  invoquant  ce  phénomène.

Comment ai-je pu réussir à composer ce titre ?   Je   ne   sais   pas   vraiment.   Lors   d’un  
voyage en Australie je regardais par la fenêtre de mon hôtel et là, tout à coup, la
mélodie  de  la  chanson  m’est  venue.  J’ai  été  soudainement  inspiré  et  toute    la  chanson  
s’est  retrouvée  là  sous  mes  yeux,  sans  que  je  ne  m’en  rende  compte.

Mais   qu’est-ce que réellement que cette « inspiration ? Un don que certaines
personnes auraient en elles ? Une  force  mystique  qui  s’imposerait  à  nous ? Ou encore
un  état  que  l’on  pourrait  atteindre  et  déclencher  à  notre  guise ? Et surtout, comment
faire pour être inspiré ? Comment faire pour bénéficier de cet élan de création
artistique ?  C’est  ce  que  nous allons voir au sein de cette partie !

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I  /  Qu’est-ce  que  l’inspiration ?

L’inspiration : une force extérieure et mystique

Si  on  se  penche  sur  l’étymologie  du  mot  « inspiration »  on  se  rend  compte  qu’il  vient  
du latin « in spiritum », qui signifie littéralement "avoir Dieu en soi". Selon sa
première  définition,  l’inspiration  serait  donc  une  manifestation  du  divin   à  l’Homme,  
une sorte de force supérieure qui  permettrait  à  l’Homme  de  réaliser  des  choses  qui  
lui seraient impossibles en temps normal. (Pour faire simple, inspiration = potion
magique  de  l’artiste).

L’inspiration  proviendrait-elle du divin ?


©HartwingHKD

Dans   l’Antiquité,   les   grands   philosophes   définissez   d’ailleurs   l’inspiration   comme la


muse   de   l'artiste   ou   de   l'écrivain.   L’inspiration était perçue comme une force
extérieure,   comme   un   esprit   indépendant   (une   sorte   d’ange   gardien   ou   de   démon)  
murmurant  à  l’oreille  de  l’artiste  la  façon  de  créer  son  œuvre.

A  partir  de  là,  il  a  été  commun  de  définir  l’inspiration  comme  une  sorte  de  révélation
foudroyante,   comme   un   flash,   ou   comme   une   illumination   divine   (à   l’image   de  
Docteur   House   lorsqu’il   trouve   l’origine   de   la   maladie   du   patient).   D’ailleurs,   de  

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nombreux  artistes  ont  témoigné  en  ce  sens  en  affirmant  que  leurs    meilleures  œuvres  
se sont  naturellement  imposées  à  eux  et  non  l’inverse.  

Un   beau   matin   ou   un   soir,   au   détour   d’un   café   ou   d’un   paysage,   PAF !   L’idée   leur  
arrive.   Elle   débarque   à   l’improviste   et   prend   possession   de   leur   esprit.   Elle   devient  
alors  leur  maitresse,  et  s’attache  à eux corps et âme.

L’artiste  n’a  alors  plus  d’autre  choix  que  d’essayer  de  matérialiser  cette  idée  au  plus  
vite de peur qu'elle ne lui échappe aussi rapidement qu'elle ne lui est venue. Et
lorsque  l’idée  a  été  exploitée,  alors  il  doit  se  tenir  à  l’affut   pour pouvoir accueillir la
suivante   (bien   entendu,   c’est   toujours   au   moment   où   il   s’y   attend   le   moins   qu’elle  
arrive…)  Puis  le  cycle  recommence.  Encore  et  encore.

Voilà   comment   est   perçue   l’inspiration   dans   la   majorité   des   cas : comme une force
qui nous dépasse,  qu’il  est  vain  d’essayer  de  maîtriser,   et  qu’on  ne  peut  qu’espérer  
accueillir. Mais est-ce vraiment le cas ?  N’y  a-t-il vraiment rien à faire pour pouvoir la
provoquer ?  L’artiste  est-il  condamné  à  l’attendre  sans  rien  pouvoir  faire  en  retour ?
Je n’en  suis  pas  si  sûr…

L’inspiration :  un  état  qu’il  est  possible  de  provoquer


Certes,   l’inspiration   est   une   force   mystérieuse   qui   soulève   encore   bien   des  
interrogations   (les   scientifiques   n’arrivent   toujours   pas   à   cerner   précisément   sa  
localisation et sa provenance)   et   je   suis   convaincu   qu’elle   peut   frapper   l’artiste   de  
façon   aussi   soudaine   qu’inattendue.   J’aime   également   cette   idée   selon   laquelle  
l’inspiration  nous  dépasse  et  nous  permette  de  nous  transcender.  Cependant,  je  ne  
suis   pas   du   tout   d’accord   lorsqu’il   s’agit   de   dire   qu’il   est   impossible   d’apprivoiser  
l’inspiration  et  que  l’artiste  ne  peut  rien  faire  pour  agir  dessus.  C’est  une  idée  reçue
aussi fausse que répandue.

Non seulement il  est  tout  à  fait  possible  de  provoquer  l’inspiration, mais en plus il
peut  être  dangereux  de  penser  le  contraire.  Car  si  le  compositeur  est  convaincu  qu’il  
ne peut rien faire pour agir sur son inspiration, alors il va attendre que « LA » bonne
idée  s’impose  à  lui  d’elle-même. Autrement dit, il va devenir passif et fainéant.

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Composer sa chanson de A à Z 38

« Je  ne  suis  pas  assez  inspiré  aujourd’hui,  j’ai  le  syndrome  de  la  page  blanche.  Tant  
pis, je composerai une autre fois. »

Or,  vous  vous  doutez  bien  que  ce  n’est  pas  comme  ça  que  ça  marche : les plus grands
compositeurs   n’attendent   pas   que   l’inspiration leur tombe dessus comme par
enchantement, ils la provoquent.   Et   c’est   justement   grâce   à   cette   provocation  
incessante  qu’ils  finissent  par  avoir  des  idées  qui  s’imposent  à  eux.  

Je vais prendre un parallèle pour que vous puissiez bien comprendre cette idée :
Imaginez  un  entrepreneur  à  la  recherche  d’une  idée  pour  sa  future  entreprise.  Pour  
réussir   à   trouver  son  idée,  l’entrepreneur   va  réfléchir,  se  documenter,  chercher  des  
concepts, et les confronter à ceux qui existent déjà sur le marché. Un beau matin,
alors  qu’il  prend  tranquillement  sa  douche,  bingo !  C’est  la  révélation.  Il  trouve  enfin  
son   idée.   (Ba   quoi   ça   ne   vous   arrive   jamais   d’avoir   des   idées   lumineuses   sous   la  
douche ? :D). Question :  qu’est  ce  qui  a   réellement  permis  à   notre  entrepreneur   de
trouver son idée? Le saint esprit qui lui a servie une idée révolutionnaire sur un
plateau ?   Ou   tout   le   travail   qu’il   a   effectué   en   amont   pour   réussir   à   déboucher   sur  
cette idée ?  Vous  voyez  donc  bien  que  même  si  l’idée  s’est  effectivement  manifestée  
à lui  un  jour,  c’est  avant  tout  parce  qu’il  a  tout  fait  pour  la  provoquer  au  préalable.  
Autrement   dit,   c’est   parce   qu’il   a   adopté   un   comportement   actif   qu’il   a   réussi   à  
trouver l’inspiration.  

Alors  comment  faire  pour  provoquer  l’inspiration  et  déclencher  cette petite
étincelle créative  ?  C’est  ce  que  nous  allons  voir  tout  de  suite.

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II  /  Comment  trouver  l’inspiration ?

A   première   vue,   l’inspiration   semble   être   une   bête   aussi   sauvage   qu’indomptable.
Mais quelques petites techniques et un peu de pratique suffisent pour la maîtriser.

Réunir les conditions favorables

Pour   provoquer   l’inspiration,   la   première   chose   à   faire   est   de   réunir   les   conditions  
favorables à sa venue.

Aménager son environnement

Un environnement calme et dans lequel vous vous sentez bien va stimuler votre
créativité. Aménagez-vous donc un espace confortable et dans lequel vous vous
sentirez  parfaitement  à  l’aise  pour  composer.

Repérer « le » moment

N’avez-vous jamais remarqué que vous étiez beaucoup plus productifs à certains
moments précis de la journée ? Par exemple, je sais que je suis très créatif le soir à
partir  de  21h,  mais  il  m’est  strictement  impossible  de  travailler  après  le  repas  du  midi.  
Chacun possède son moment idéal. Apprenez à trouver le vôtre et réservez-vous
cette période pour composer.

Pratiquer régulièrement

Trouver  l’inspiration est  parfois  difficile.  Pire,  c’est  souvent  lorsqu’on  cherche  à  la  
provoquer  qu’elle  demeure  introuvable.  Malgré  tout,  il  va  falloir  que  vous  appreniez  
à forcer  l’inspiration certaines fois. Soyons clair : je ne vous dis pas de vous obstiner
sur  votre  instrument  jusqu’à  que  vous  trouviez  une  idée  (ce  serait  totalement  contre-
productif),  mais  plutôt  de  prendre  l’habitude  de  chercher  l’inspiration.  Essayez  de  
composer  tous  les  jours  même  s’il  ne  s’agit  que  de  quelques  minutes.  Vous  verrez  
qu’à  force  les  idées  vous  viendront  de  plus  en  plus  facilement  et  de  plus  en  plus  
naturellement.  L’inspiration  fonctionne  comme  un  muscle :  plus  vous  l’entrainerez,  et  
plus il sera développé.

Changer  d’air

L’une   des méthodes les plus efficaces pour booster votre créativité est de changer
d’environnement. En effet, face à une situation inconnue, votre cerveau sera plus

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réactif, ce qui entrainera donc une augmentation de votre créativité. Découvrir de


nouveaux lieux, des nouvelles personnes, et de nouvelles cultures constitue donc un
excellent   moyen   de   générer   de   l’inspiration.   Prenons   l’exemple   de   Mozart : si ce
génie  de  la  musique  était  si  productif,  c’est  aussi  parce  qu’il voyageait beaucoup et
rencontrait tout le gratin intellectuel de l'époque. Tous ces stimuli lui donnaient donc
largement matière à être inspiré et composer.

Prendre du recul

Il  est  possible  qu’après  avoir  couché  vos  premières  idées  sur  le  papier,  vous  butiez  sur  
une composition. Dans ce cas, ne vous obstinez pas. Laissez la de côté un moment, et
retournez-y plus tard. Qui sait, peut-être   qu’une   fois   les   idées   au   clair,   et   qu’après  
avoir pris un peu de recul vous arriverez à débloquer la situation !

Franchir la porte des rêves et aller à la rencontre de son


subconscient

Le rêve est la porte   de   l’esprit.   C’est   la   frontière  


entre   le   conscient   et   l’inconscient.   Il   permet   de  
supprimer les frontières du réel et de désinhiber
l’esprit,   l’autorisant   ainsi   à   imaginer   sans   aucune  
limite et sans aucune logique les scènes les plus
folles. Il constitue donc le lieu idéal pour puiser des
idées aussi innovantes que créatives.

Beaucoup  d'artistes  ont  d’ailleurs  trouvé  l’inspiration  dans  leurs  rêves :

Au XVIIIème siècle, Giuseppe Tartini violoniste et compositeur italien, rêva que


le diable était devenu son esclave. Dans son rêve, il lui donna un violon et, à sa
grande surprise, le diable se mit à jouer : « une sonate d'une telle beauté
exquise que cela dépassait les limites de mon imagination ». Au réveil, Tartini
se rappela de la musique du mieux qu'il le pu et composa la célèbre Sonate
des trilles du Diable.

Dans les années 60, Paul Mc Cartney rêva de la mélodie de sa célèbre chanson
« Yesterday ». Keith Richards quant à lui, enregistra presque la totalité de
« Satisfaction »   durant   son   sommeil.   Ce   n’est   qu’une   fois   réveillé   qu’il  
découvrit avec stupeur la maquette de la chanson sur son magnétophone.

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J’ai  écrit  « Satisfaction dans mon sommeil. Je ne le savais pas moi-même,  c’est  mon  
petit  enregistreur  à  cassettes  Philips  qui  me  l’a  dit.  Je  ne  sais  pas  ce  qui  m’a  pris  de  
vérifier la cassette ce matin-là.  Elle  était  toute  neuve,  j’avais  donc  dû  la  glisser  dedans  
la veille au soir, et elle était à  la  fin.  J’ai  rembobiné  et  j’ai  écouté  « Satisfaction ». Ce
n’était  qu’une  ébauche.  Il  y  avait  la  structure  de  la  chanson  et  le  son  n’y  était  pas,  bien  
sûr,  parce  que  j’avais  utilisé  une  guitare  acoustique.  Mais  la  structure,  c’est  tout  ce  
dont on a besoin.  Après,  on  m’entendait  ronfler  pendant  quarante  minutes.

Malheureusement,   le   rêve   est   aussi   merveilleux   qu’éphémère.   Pour   ne   pas   oublier  


vos aventures nocturnes, je vous conseille donc de garder toujours sur votre table de
chevet un petit bloc note et un  magnétophone.  Prenez  l’habitude  de  noter  vos  rêves  
et   d’enregistrer   les   mélodies   que   vous   aurez   imaginé   au   petit   matin.   Plus   vous  
prendrez   l’habitude   de   le   faire,   et   plus   votre   cerveau   produira   de   « matière
onirique ».

Oui mais je ne me souviens jamais  de  mes  rêves.  En  plus  il  ne  m’est  jamais  arrivé  
d’imaginer  une  musique  dans  mon  sommeil.

Comme  tout  le  reste,  c’est  une  habitude  à  prendre.  Je  vous  assure  qu’en  notant  et  en  
enregistrant systématiquement vos rêves, vous finirez par vous en souvenir à chaque
fois.  Quant  à  la  musique  c’est  la  même  chose : à force de penser à vos compositions,
vous   finirez   par   y   penser   inconsciemment,   jusqu’à   dans   vos   rêves.   Essayez   et   vous  
verrez !

Utiliser les techniques des plus grands écrivains

En dehors des musiciens, les maîtres en matière


d’inspiration   sont   les   écrivains.   Pour   réussir   à  
captiver leurs lecteurs et à créer des histoires qui
les fassent passer par toute une palette
d’émotions,   ils   doivent   sans   cesse   redoubler  
d’imagination.  Ils  ont  donc  pris  l’habitude  d’user  de  
petites techniques pour ne jamais manquer
d’inspiration  et  pour  avoir  toujours  quelque  chose  à  
raconter.   Et   la   bonne   nouvelle,   c’est   que   ces  
techniques, les musiciens aussi peuvent les utiliser. © Gilles Chiroleu

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Développer  sa  curiosité  et  sa  capacité  d’analyse

La curiosité,  c’est  tout  simplement  la  plus  grande  qualité  que  peut  avoir  un  musicien  
ou un écrivain. Etre curieux va vous mener à explorer le monde et à découvrir de
nombreuses choses. Or, tout ce qui vous entoure peut potentiellement être utilisé
dans vos chansons. Le paysage qui est sous vos yeux, la grise mine des passants dans
le métro, cette inconnue qui passe devant vous, votre voisin de pallier, la patte
cassée  du  chat…  Absolument  tout  peut  être  utilisé  pour nourrir vos créations (bon,
sauf la patte du chat peut-être  …).  D’ailleurs,  je  pense  sincèrement  que  l’artiste  n’est  
au final, que le traducteur de son environnement :  il  s’imprègne  de  ce  qui  l’entoure  
et transforme ce qui le touche en musique et en poésie.  C’est  une  sorte  de  journaliste  
ayant  assez  de  sensibilité  pour  faire  ressentir  ce  qu’il  relate  à  ceux  qui  l’écoutent.

De nombreux écrivains ont également recours à cette démarche pour écrire leurs
romans : Ils sont attentifs à tout ce qui les entoure. Ils observent, décortiquent,
explorent,  analysent…  et  utilisent  finalement  le  résultat  de  leur  observation  dans  leur  
livre.  Zola  avait  par  exemple  l’habitude  de  faire  de  longues  recherches  avant  d’écrire  
ses romans. Pour Germinal, il vint ainsi se documenter pendant quelques semaines
dans le bassin minier du Nord-Pas-de-Calais. Il interrogea des mineurs et des
ingénieurs sur leur vie quotidienne afin de décrire de la façon la plus réaliste possible
le monde de la mine.

Je vous encourage donc vivement à faire comme les écrivains : soyez curieux de tout
ce qui vous entoure et développez  votre  esprit  d’analyse. Tous les ingrédients de vos
futures chansons se trouvent là, sous vos yeux. Il vous suffit simplement de les ouvrir
pour vous en apercevoir. ;)

Chercher  l’inspiration  dans  les  livres  et  les  films

La curiosité passe également par la curiosité intellectuelle.  N’hésitez  pas  à  lire  le  plus  
de   livres   possible   et   à   regarder   de   nombreux   films   et   documentaires.   C’est   une  
formidable  source  d’inspiration.  Les  livres incarnent la pensée de leur auteur : ce sont
les  portes  paroles  de  leurs  souvenirs  ou  de  leur  imaginaire.  Ils  permettent  d’accéder  à  
des idées qui nous aurez peut-être jamais effleurées en temps normal (lisez Nietzche
vous verrez de quoi je parle). Quant aux films, ils nous permettent de nous évader et
de nous immerger totalement dans un nouveau monde, ce qui va stimuler notre
activité cérébrale et notre imagination.

Utiliser la technique du free-writing

Cette technique est très répandue dans le milieu littéraire et a été utilisée par les plus
grands écrivains tels que Jack Kerouac qui en a fait sa spécialité. La technique du

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Composer sa chanson de A à Z 43

« free writing » est particulièrement efficace pour lutter contre le syndrome de la


page   blanche.   Dès   que   vous   êtes   en   panne   d’idées, je vous conseille vivement de
l’utiliser.  Vous  allez  voir,  c’est  radical.

Son principe est simple : asseyez-vous devant votre ordinateur ou devant une feuille
vierge et notez-y tout ce qui vous passe par la tête. Absolument tout, sans
exceptions. Chaque  mot,  chaque  idée,  chaque  pensée  qui  vous  traverse  l’esprit  doit  
être   couchée   sur   le   papier.   N’ayez   aucune   censure   et   surtout   ne   cherchez   pas   à  
donner  du  sens  ou  du  style  à  vos  phrases.  Votre  unique  but,  c’est  de  retranscrire  vos  
pensées  telles  qu’elles  viennent.

Ecrivez tout ce qui vous passe par la tête


© Lolita C

Dans un seconde temps, relisez votre feuille et repérez les idées qui valent la peine
d’être  gardées.  Supprimez  les  informations  superflues  et  structurez  le  reste.  Voilà,  le  
tour est joué !   Toutes   les   idées   que   vous   venez   d’obtenir   vous   seront   directement  
utiles pour votre composition. Certaines phrases pourront par exemple devenir les
paroles de votre prochaine chanson et qui sait, peut-être   qu’en   répétant  
constamment ces paroles dans votre tête, une mélodie vous viendra naturellement à
l’esprit !

J’adore   cette   technique   car   en   plus   d’être   diablement   efficace,   elle   vous   permet   de  
vous concentrer sur le plan important : votre créativité. En effet, quand on fait
attention à la formulation, aux fautes et à la structure, on paralyse la créativité car on
se  concentre  sur  la  forme  et  non  le  fond.  Ici  au  contraire,  vous  mettez  l’accent  sur  vos  
idées en ne vous concentrant que sur ces dernières.

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Puiser son inspiration dans la musique


Enfin, la meilleure  façon  pour  un  musicien  de  trouver  l’inspiration,  c’est  bien  entendu  
de la chercher dans la musique elle-même.   C’est   la   technique   la   plus   classique   et  
tous  les  musiciens  l’utilisent.  Même  les  plus  grands  musiciens  ont  eu  des  modèles  et  
ce sont inspirés   d’autres   artistes,   c’est   le   cours   naturel   des   choses.   Même   Jimi  
Hendrix,   l’icône   de   toute   une   génération   et   le   modèle   d’un   nombre   incalculable   de  
musiciens,  s’est  inspiré  d’autres  artistes  pour  composer  ses  chansons.  Je  vous  invite  
donc à chercher vos influences musicales et à vous en servir tout au long de votre
parcours musical.

Trouver ses influences

La   première   de   vos   sources   d’inspiration,   doit-être la musique de vos idoles. Vous


avez  surement  des  artistes  que  vous  appréciez  plus  que  d’autres.  D’ailleurs, ce sont
surement  ces  artistes  qui  sont  à  l’origine  de  votre  goût  pour  la  musique  et  de  votre  
envie de composer. Si ces artistes ont réussi à vous inspirer dans la vie, alors il est
normal que vous vous inspiriez aussi de leurs chansons pour vos compositions !

Pour ce faire, je vous invite à établir une liste de vos 5 artistes préférés. Ces 5
artistes, ce sont vos artistes « référents ». Ils sont vos mentors et doivent constituer
votre  plus  grande  source  d’inspiration.  

N’hésitez   pas   à   apprendre   à jouer toutes leurs chansons. Analysez-les, décortiquez-


les, et demandez-vous comment elles sont construites. Demandez-vous ce qui fait
leur force, pourquoi elles vous plaisent tant, et comment vous pouvez les utiliser pour
vos propres compositions. De même,  s’il  vous  arrive  de  sécher  dans  l’avancement  de  
votre morceau, demandez-vous « Qu’aurait-il fait à ma place ? », « Comment aurait-il
continué le morceau ? ». Vous verrez, ça débloque pas mal de situations.

Je vous conseille également de ne pas négliger vos classiques : souvent, ce sont dans
les   chansons   anciennes   et   dans   la   musique   classique   que   l’on   trouve   les   meilleures  
idées.

Enrichir sa culture musicale

Si vous vous inspirez des autres musiques pour composer, il peut être intéressant de
disposer d’une  bonne  culture  musicale, car plus votre panel musical sera important,
et  plus  vous  disposerez  de  ressources  pour  y  puiser  votre  inspiration.  C’est  un  peu  

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comme le cuisinier :  plus  ce  dernier  aura  d’ingrédients  sous  la  main,  et  plus  il  pourra  
élaborer des plats originaux et sophistiqués.

Voici d’ailleurs  5  moyens simples pour enrichir votre culture musicale :

Moyen n°1 : Wikipédia et les biographies

Même si ça parait évident, lire la biographie d’un  artiste  ou  sa  page  personnelle  sur  
Wikipédia constitue  un  excellent  moyen  d’enrichir  sa  culture  musicale.  En  plus  de  
connaître  la  vie,  les  anecdotes  et  le  parcours  de  l’artiste,  vous  connaîtrez  ses  
influences  et  les  groupes  similaires  avec  qui  il  a  l’habitude  de  partager  la  scène  en  
tournée.

Moyen n°2 : Les concerts et les festivals

Pour connaître les artistes en vogue du moment, il vous suffit tout simplement de
jeter  un  œil  sur  les  têtes  d’affiches des plus gros festivals. Et si en plus, vous avez la
chance de pouvoir participer à un de ces festivals, alors foncez!!! Vous ne le
regretterez   vraiment   pas.   Car   d’une   part,   vous   y   passerez   un   moment   exceptionnel  
grâce  à  l’ambiance  si  folle  et  si  atypique  qui  y  règne,  et  d’autre  part,  parce  que  vous  y  
ferez forcement des découvertes musicales (sauf si, bien entendu, vous passez tout
votre temps au stand bière). ;)

Moyen n°3 : Les sites de musique en ligne

Deezer,   Spotify,   Grovveshark…   On   ne   les   présente   plus.   En   plus   de   vous   permettre  


d’écouter  gratuitement  votre  musique  en  ligne,  ces  sites  vous  suggèrent  des  artistes
similaires à votre écoute ainsi que les tops du moment.

Moyen n°4 : Les sites de mapping

Des sites comme www.audiomap.tuneglue.net ou http://www.music-map.com/ vous


permettront   de   booster   votre   culture   musicale   à   vitesse   grand   V.   C’est  
personnellement  la  méthode  que  j’utilise  le  plus  chaque  fois  que  je  veux  rafraichir  ma  
playlist. Le principe est simple :  vous  rentrez  le  nom  d’un   artiste  dans  un  champ   de  
recherche, et là PAF ! Le site vous donne automatiquement le nom des groupes se
rapprochant  musicalement  le  plus  de  votre  requête.  (C’est  pas  beau  ça ?). Suivant le
même concept, la colonne latérale de suggestion de vidéo youtube est assez efficace.

Moyen n°5 : Whosampled.com

Le sample (littéralement « l’échantillon ») est un extrait musical très court. Beaucoup


d’artistes,   surtout   dans   le   milieu   de   la   musique   électronique   ou   du   hip-hop, y ont
donc   recours   pour   composer.   Il   leur   suffit   en   effet   d’aligner   plusieurs samples, puis

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par la suite de les arranger, pour créer un nouveau morceau. Le site


whosampled.com permet   ainsi   de   retrouver   tous   les   samples   utilisés   au   sein   d’une  
chanson ou au contraire, de connaître les musiques ayant samplé cette chanson.
Après une petite recherche, on apprend par exemple que « Dance » de Justice
contient des extraits musicaux de «Me against the Music » de Britney Spears, et a été
utilisée en retour au sein du morceau « On the Next One » de Jay Z ! Ce qui est
également   sympa   avec   ce   site,   c’est   qu’il   vous   donne   la   possibilité   d’écouter   côte   à  
côte les extraits de la version originale et de la version samplée. Vous verrez que
parfois la ressemblance est vraiment frappante (allez  jeter  à  œil  à  Daft Punk, ça vaut
le détour). Enfin, la dernière particularité de Whosampled.com et pas des moindres,
et   de   vous   donner   pour   chaque   titre   existant,   l’ensemble   des   remix   qu’il a inspiré.

Partager la scène

Enfin,  la  manière  la  plus  simple  de  trouver  l’inspiration reste encore de la chercher à
plusieurs. Chaque personne possède en effet ses propres préférences, ses propres
gouts musicaux, et ses propres influences. La confrontation de ses différentes visions
vous  permettra  donc  d’élargir  vos  horizons  et  d’avoir des idées que jamais vous
n’aurez  pu  avoir  seul.  

Jouez en groupe pour avoir de nouvelles idées


©cyberien 94

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III  /  Passer  de  l’inspiration  à  la  musique

Maintenant   que   vous   savez   comment   provoquer   l’inspiration,   il   ne   vous   reste   plus  
qu’à la retranscrire en musique pour pouvoir démarrer vos premières compositions.

S’équiper  pour  être  toujours  prêt  à  composer


Comme  nous  l’avons  vu  tout  à  l’heure,  l’inspiration  est  assez  fugace  et  peut  surgir  à  
n’importe  quel  moment. Il faut donc que vous soyez constamment  prêt  à  l’accueillir
sous peine de voir votre idée révolutionnaire vous échapper. Pour ce faire, vous
devez  avoir  en  permanence  sur  vous  le  matériel  adéquat  pour  passer  à  l’action.

D’accord.  Alors  j’ai  besoin  de  quoi  comme  matériel ?

Héhé   vous   avez   bien   fait   de   me   poser   cette   question.   Pour   être   sûr   d’être   toujours  
prêt  à  composer,  il  vous  faut…  le kit de survie 5000 du petit compositeur !

Wooow ! Un kit de survie 5000 du petit compositeur ?  Mais  qu’est-ce  que  c’est ? Ca à
l’air  trop classe !

Effectivement  ça  l’est ! Le kit de survie 5000 du petit compositeur est composé de :

Un petit carnet et le stylo qui va avec


Pour noter vos observations, vos réflexions ou vos idées. Ces notes pourront
vous servir pour définir le thème ou les  paroles  d’une  chanson.

Du papier à musique
Pour griffonner rapidement quelques notes

Un dictaphone
Pour  enregistrer  rapidement  cet  air  qui  vous  traite  dans  la  tête.  Aujourd’hui  les  
smartphones possèdent tous une fonction dictaphone de base. Si comme moi
vous  avez  un  téléphone  préhistorique  sans  dictaphone  (attention  j’ai  quand  
même la lampe de poche intégrée) vous pouvez vous appeler à votre propre
numéro et laisser un message pour vous enregistrer.

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Les applications pratiques


L’univers  du  mobile  regorge  d’applications  plus  pratiques  les  unes  que  les  autres  pour  
vous aider à enregistrer rapidement ce que vous avez en tête. Voici les plus pratiques
d’entre-elles :
- Score Cleaner Notes : Score  Cleaner  Notes  permet  d’enregistrer ce
que vous chantez et de le traduire directement en partition.
- Voice Band : Cette  application  vous  permet  d’enregistrer  les  
instruments  de  votre  choix  uniquement  à  l’aide  de  votre  voix.  En  d’autres  termes,  si  
vous sélectionnez le  mode  guitare  sur  l’application  et  que  vous  chantez,  votre  chant  
sera directement retranscris en tant que ligne de guitare. Il ne vous reste donc plus
qu’à  chanter  la  partie  de  chaque  instrument  afin  de  créer  en  quelques  minutes  
seulement un morceau entier !
- Garage Band : GarageBand permet de transformer votre smartphone
ou votre tablette en véritable studio  d’enregistrement  et  de  composition. Parmi ses
fonctionnalités  on  retrouve:  la  gestion  d’instruments  virtuels,  la  possibilité de
recourir  à  des  amplis,  l’ajout  d’effets  audio,  et  même  un  enregistreur  multipistes.

Un CD des L5 ou de Billy Crawford


Pour vous aider à relativiser et vous dire que finalement, votre idée musicale
n’est  pas  si  mauvaise  que  ça.

Le kit de survie 5000 du petit compositeur

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Adopter les bons reflexes

Pour   retranscrire   efficacement   votre   musique,   il   convient  d’adopter   quelques   petits  


réflexes qui feront toute la différence.

Reflexe n°1 : Noter, noter et encore noter

Prenez   rapidement   l’habitude   de   noter   l’ensemble   de   vos   idées.   Non   seulement   ça  


vous  permettra  de  ne  plus  passer  à  côté  d’une  grande  chanson  potentielle,  mais  en  
plus ça vous aidera à développer votre créativité. Exactement comme pour les rêves :
plus vous noterez vos idées, plus vous en aurez, et plus elles viendront à vous
naturellement.

Reflexe n°2 : Ne rien jeter

Prenez  l’habitude  de  noter  toutes  les  idées  qui  vous  paraissent  exploitables.    Même  si  
votre   idée   sort   de   nulle   part   et   qu’elle   n’est   rattachée   à   aucun   contexte,   notez-la
quand même. Elle vous servira surement plus tard ou pour une autre chanson.

Reflexe n°3 : Développer son idée au plus vite

Si vous le pouvez, je vous conseille de développer votre idée au plus vite. Si vous êtes
chez vous, foncez sur votre instrument ou sur   votre   ordinateur   et   retournez   l’idée  
dans  tous  les  sens  jusqu’à  ce  que  vous  soyez  à   cours  d’imagination.  Plus  l’idée  sera  
« fraîche »  et  plus  il  vous  sera  facile  de  l’étirer  et  de  la  développer.

Retranscrire son idée le plus fidèlement possible

Il  n’est pas toujours facile de retranscrire fidèlement le petit air qui vous trotte dans
la  tête.  Certains  n’y  arrivent  pas  du  tout,  et  d’autres  ne  sont  pas  satisfait  du  résultat  
qu’ils   obtiennent.   Si   bien,   qu’il   existe   au   final   un   gouffre   immense   entre   le   résultat
escompté (ce que vous avez en tête) et le résultat obtenu (le sifflotement que vous
avez enregistré dans votre magnéto). Alors comment faire ? Comment faire pour,
d’une   part,   retranscrire   fidèlement   ce   que   vous   avez   en   tête,   et   pour,   d’autre   part,  
obtenir un résultat qui soit à la hauteur de vos espérances ?

Commençons  tout  d’abord  par  régler  le  problème  de  la  transcription.  Déjà,  il  n’y  a  pas  
de secrets ni de solution miracle : c’est   à   force   d’essayer de retranscrire votre
musique que vous finirez par  y  arriver  et  par  prendre  le  coup.  Si  vous  n’y  arrivez  pas  
directement :   c’est   normal,   ne   vous   inquiétez   pas.   Il   va   seulement   falloir   pratiquer  

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d’avantage.   Malgré   tout,   il   existe   une   petite   astuce   qui   va   vous   aider   à   retranscrire  
plus facilement les notes que vous avez en tête sur une partition :  c’est  de  vous aider
de votre instrument.

Allez-y progressivement et note par note: chantez la première note que vous avez en
tête, mémorisez là, puis retrouvez là en tâtonnant sur votre instrument. Ensuite, il ne
vous   reste   plus   qu’à   répéter   l’opération   pour   toutes   les   autres   notes.   Cela   peut  
paraître   long   et   fastidieux   au   début,   mais   vous   verrez   qu’à   force   vous   y   arriverez  
naturellement. Avec de la pratique régulière, vous trouverez les notes de plus en plus
rapidement   tout   en   utilisant   de   moins   en   moins   votre   instrument,   jusqu’à   ne   plus  
l’utiliser  du  tout  et  retranscrire  votre  musique  intuitivement.

Pour ce qui est du décalage entre la musique que vous souhaitée et la musique que
vous obtenez finalement, là encore  c’est  une  affaire  de  patience.  Une  idée,  c’est  de  la  
matière brute. Pour en obtenir quelque chose, il faut la travailler et la façonner petit
à  petit.  Il  est  donc  très  difficile  d’obtenir  une  musique  finie  à  partir  d’une  simple  idée,  
tout comme il est impossible  pour  l’entrepreneur  de  visualiser  l’activité  complète  de  
son entreprise à partir de son seul concept. Apprenez donc à être patient : une
chanson ça se construit brique par brique et au fur et à mesure. Comment faire pour
construire une chanson complète   à   partir   d’une   simple   idée   ?   C’est   ce   qu’on   nous  
allons justement voir dans les sections suivantes.

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A vous de jouer :

Exercice 1 : Procurez-vous tout de suite votre Kit de survie 5000 du petit


compositeur (oui le CD de Billy Crawford est indispensable) et ne vous en séparez
plus !

Exercice 2 : Pendant deux semaines, notez tous vos rêves dans un petit carnet.
Faites  le  systématiquement  et  dès  le  réveil.    Essayez  d’être  le  plus  précis  possible  et  
de décrire en détails chaque scène  dont  vous  avez  été  témoin.  Si  l’expérience  s’avère  
concluante et que vous vous souvenez de plus en plus de vos rêves, poursuivez là.

Exercice 3 : Une fois par semaine, posez-vous sur votre bureau et décrivez une
scène dont vous avez été témoin dans la journée.  Cette  scène  ça  peut  être  n’importe  
quoi : deux personnes discutant devant la machine à café, une femme ou un homme
qui  a  retenu  votre  attention  au  détour  d’une  rue,  un  paysage,  le  comportement  de  
votre  patron…  La  seule  contrainte,  c’est  d’être  le plus précis possible. En lisant vos
notes, une personne extérieure doit-être capable de se représenter parfaitement la
scène.

Exercice 4 : Pendant un mois, vous allez vous livrez à une petite expérience :
Tous les jours et à des horaires différents, vous allez consacrer 10 minutes de votre
temps au free-writing.  Au  bout  d’un  mois,  faîtes  le  bilan : à quel jour, à quel moment,
et à quel moment avec vous eu les meilleures idées ? Ce moment repérez le et gardez
le :  c’est  celui  ou  votre  inspiration  est  la  plus  prolifique.  De  plus,  gardez  l’ensemble  de  
vos notes. Elles vous aideront à trouver les thèmes et les paroles de votre chanson

Exercice 5 : Listez vos 5 artistes « référents »

Exercice 6 : Cherchez à découvrir 10 nouveaux artistes avant la fin du mois.

Exercice 7 : Choisissez une chanson et essayez de retrouver les notes de sa


mélodie  principale  (c’est  à  dire  les  notes  de  la  mélodie  chantées  par  le  chanteur).  
Pour cela, aidez-vous de votre instrument comme indiqué dans la méthode de
retranscription musicale décrite ci-dessus.

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PARTIE 2 : Mettre un
premier  pied  à  l’étrier

Chapitre 3: Débuter sa composition……………………………………………53

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Chapitre 3 : Débuter sa composition

Dans ce chapitre vous allez apprendre :

Quels sont les 4 piliers à la base de toutes chansons ?

Par où et par quoi commencer sa composition ?

Les 7 méthodes les plus répandues pour écrire une chanson

Comment trouver votre propre méthode de composition ?

Comment vous inspirer des autres artistes pour démarrer votre composition ?

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Ça y est ! Nous sommes maintenant dans le grand bain et il est enfin temps
d’attaquer  les  choses  sérieuses :  la  composition  de  votre  chanson.  J’espère  que  vous  
êtes   bien   installé   car   c’est   maintenant   que   le   véritable   spectacle   commence. La
première   partie   du   concert   est   terminé,   place   à   la   tête   d’affiche ! Les lumières
s’éteignent,  seul  un  spot  éclaire  le  centre  de  la  scène.  Les  applaudissements  se  font  
de plus en plus forts et les filles commencent à être hystériques dans le public. Au
loin,   on   distingue   même   l’ombre   de   plusieurs   silhouettes.   Les   artistes   sont   prêts   à  
entrer en scène ; le show va commencer !!

I  /  Les  composantes  d’une  chanson

Avant  de  débuter  votre  composition,  il  va  d’abord  falloir  que  vous  sachiez  de  quoi  est
constituée une chanson. Exactement comme pour une recette de cuisine : avant de
préparer votre plat, encore faut-il connaître les ingrédients qui le composent. (Je ne
sais  pas  si  vous  avez  remarqué  mais  j’aime  beaucoup  les  métaphores  culinaires^^).  

Une chanson est constituée de 4 piliers :  la  mélodie,  l’accompagnement,  le  rythme  et  
les paroles. (Nous passerons en revue chacun de ces piliers au sein de la quatrième
partie du guide).

- La mélodie : Sans aucun doute la partie la plus importante de la chanson.  C’est  


la   partie   visible   de   l’iceberg,   ce   qu’entendront   en   premier   vos   auditeurs.   La  
mélodie leur permettra de se souvenir de votre morceau.

- L’accompagnement :  Comme  son  nom  l’indique,  il  va  permettre  de  soutenir  et  
de mettre en valeur la mélodie.

- Les paroles : Là où la musique permet de faire passer des émotions et des


messages implicites, les paroles viennent exprimer directement le message de
la chanson.

- Le rythme :   C’est   l’ossature   du   morceau.   Le   rythme   permet   d’assurer   la  


cohésion générale des autres éléments. Il permet également de définir
l’identité  du  morceau  grâce  à  l’établissement  d’un  tempo  lent  ou  rapide.

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Chacun  de  ces  piliers  occupent  une  fonction  bien  précise,  mais  c’est  seulement  pris  
dans leur ensemble, que ces 4 piliers permettront de constituer la chanson. Je vais
vous donner un parallèle pour que vous compreniez bien ce principe : une chanson
est similaire à un puzzle. Comme un puzzle, elle est constituée de plusieurs pièces
distinctes  (la  mélodie,  l’accompagnement,  la  rythmique  et  les  paroles). Cependant,
même  si  chacune  de  ces  pièces  occupe  une  fonction  à  part  entière,  il  n’est  pas  
possible de les envisager séparément :  chacune  d’entre  elle  dépend  de  l’autre,  et  
ensemble elles forment un tout.  Et  c’est  la  cohésion  de  tous  ces  éléments  qui permet
finalement de former la chanson dans son ensemble.

Les  4  piliers  d’une  chanson

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II / Par ou et par quoi commencer sa composition ?

Il   est   maintenant   temps   de   s’attaquer   aux   choses   sérieuses.   Vous   voilà   maintenant  
assis devant votre feuille, une guitare poussiéreuse et pleine de stickers à la main, et
un  vieux  stylo  plébiscitant  je  ne  sais  quelle  entreprise  dans  l’autre.  Vous  êtes  motivé  
et  vous  n’attendez  plus  qu’une  chose : commencer. Cependant, maintenant que vous
y êtes, il y a une question que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous poser :

Euh…  je  commence  par  quoi ? Les paroles ? La mélodie ?  L’accompagnement ? La


rythmique ? Ou autre chose ?

C’est   une   très   bonne   question.   Beaucoup   de   personnes   se   sentent   en   effet   un   peu
perdues au moment de mettre les pieds dans le plat et de commencer leur chanson.
Mais la réponse à cette question est pourtant simple : vous pouvez commencer votre
chanson n’  importe  où,  et  par  n’importe  quoi.

Paroles, mélodie, accords, batterie, guitare ça   n’a   strictement   aucune   importance.  


Une  suite  d’accords  sympas,  une  phrase  que  vous  aurez  notez  dans  votre  carnet,  un  
sifflement, un motif de batterie, une sonorité intéressante, ou encore une ligne de
basse, peuvent suffire à commencer votre composition.  Le  plus  important,  ce  n’est  
pas la façon dont vous commencez votre chanson, c’est  de  la  commencer.

Une erreur trop fréquente consiste en effet à vouloir trop tergiverser avant de se
lancer.  La  plupart  des  débutants  cherchent  à  maîtriser  l’ensemble  du  déroulement de
leur   chanson   avant   de   commencer   à   la   construire.   S’ils   n’ont   pas   son   plan   exact   en  
tête,  alors  ils  ne  démarrent  pas  et  se  sentent  bloqués.  Mais  cette  façon  de  faire  n’est  
pas   la   bonne   car   la   musique   n’est   pas   une   science   exacte : il est tout simplement
impossible  de  prédire  à  l’avance  la  direction  que  prendra  un  morceau.

La  musique,  ce  n’est  pas  une  route  balisée  et  toute  tracée  que  l’on  peut  suivre  étape  
par étape ;   c’est   une   route   sauvage   que   l’on   découvre   au   fur   et   à   mesure   de   notre  
itinéraire. La chanson va se dessiner petit à petit et à mesure que vous travaillerez
dessus,   exactement   comme   l’aventurier   construira   son   voyage   jour   après   jour   en  

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fonction  de  là  ou  ses  pas  le  mènent.  Faites  votre  premier  pas.  La  suite,  vous  l’aviserez  
plus tard, en cours de route.

D’accord,  je  veux  bien  mais  concrètement  je  fais  quoi ? Je suis totalement perdu, je ne
sais  même  pas  comment  le  faire  ce  premier  pas.  Et  d’abord  je  commence  par  quoi ? La
musique ou les paroles ?

Encore  une  fois,  il  n’y  a  pas  de  réponse exacte à cette question. Les deux approches
sont bonnes et se valent. Vous pouvez très bien commencer par écrire vos paroles et
ensuite votre musique (et inversement), tout comme vous pouvez commencer une
chanson par sa mélodie, son accompagnement, ou   n’importe   quoi   d’autre.   Parfois,  
vous serez inspiré par une phrase que vous venez de lire et vous partirez de ce point
pour  développer  vos  paroles,  tandis  que  d’autres  fois,  c’est  un  bout  de  mélodie  que  
vous entendrez à la radio qui déclenchera en vous l’étincelle  créative.  Il  n’y  a  aucune  
règle fixe en composition : vous êtes absolument libre de faire ce que voulez et de
commencer votre composition comme vous le voulez.

Mais  c’est  totalement  inutile  ce  que  tu  me  racontes  là ! Je suis bien avancé moi
maintenant…

Je   comprends   très   bien   votre   réaction   mais   comme   je   l’ai   dit   tout   à   l’heure,   la  
musique  n’est  pas  une  recette  de  cuisine.  C’est  un  art,  et  à  ce  titre,  elle  fait  appel  aux  
émotions et à la personnalité de chacun. La composition est quelque chose de très
personnel. Et puisque tout le monde est différent, vous comprenez pourquoi je ne
peux  vous  donner  une  seule  façon  de  faire.  En  fait,  il  n’existe  pas  UNE  méthode  mais  
DES méthodes.  La  bonne  question  à  se  poser  n’est  donc  pas  « quelle est la méthode
pour composer et démarrer une chanson ? » mais « quelle est la méthode qui va
fonctionner pour moi ? ».  Car  la  meilleure  façon  de  composer,  c’est  de  composer  avec  
une méthode qui vous correspond.

C’est  ce  que  je  vais  vous  révéler  dans  la  prochaine  section : je vais vous présenter les
principales méthodes de composition. A vous ensuite de toutes les essayer et de
choisir celle qui vous conviendra le mieux. Une fois que vous aurez trouvé celle qui
est  faîtes  pour  vous,  vous  n’aurez  alors  plus  aucun  mal  à  démarrer vos compositions.

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III  /  Les  différentes  méthodes  de  composition  d’une  chanson

Même  s’il  n’y  a  pas  de  formules  magiques  ni  de  recettes  pour  créer  une  chanson,  il  
existe  tout  de  même  des  façons  de  composer  assez  répandues  qui  aident  l’artiste  à  se  
lancer et à mettre à profit sa créativité. Ces méthodes sont des points de départ :
elles doivent vous aider à vous lancer. Nous verrons par la suite comment développer
la chanson dans son ensemble.

Méthode  1  :  Trouver  une  suite  d’accords

La première méthode, qui est à mon goût la plus simple pour débuter, consiste à
trouver   une   suite   d’accords.   Trouvez   un   enchaînement   de   3-4 accords qui sonnent
bien et qui vous plaisent, puis définissez en le rythme. (Rdv page 68 pour voir
comment   trouver   une   suite   d’accords). Une fois que vous avez tout ça, jouez votre
enchaînement en boucle puis essayez de chanter quelque chose par-dessus pour
déterminer une mélodie. Ça y est ! Vous avez là les racines de votre chanson.

Méthode  2  :  Trouver  une  mélodie  et  l’harmoniser

Cette  méthode  est  l’inverse  de  la  première  :  elle  consiste  à   trouver   en  premier  lieu  
une   mélodie,   pour   ensuite   l’harmoniser,   c’est-à-dire trouver des accords qui la
compléteront et la mettront en valeur (Rdv page 93 pour voir comment composer
une mélodie)). Même  si  cette  méthode  est  un  peu  plus  dure  à  mettre  en  œuvre  que  
la   première,   elle   vous   aidera   à   mettre   l’accent   sur   la   mélodie   et   à   rendre   votre  
chanson plus mémorable.

Méthode 3 : Trouver une « ligne »

Cette   méthode   consiste   à   trouver   ce   qu’on   appelle   une « ligne ». Une ligne est un
bout de chanson caractéristique et souvent répétitif. La ligne peut provenir de
n’importe  quel  instrument  :  de  la  guitare  (on  parlera  alors  dans  ce  cas  de  riff),  de  la  
basse ou même de la batterie. Votre morceau devra ensuite être construit et
développer autour de celle ligne. (Rdv page 169 pour voir comment développer un
morceau   dans   sa   totalité   à   partir   d’une   idée). Le   meilleur   exemple   d’utilisation   de  
cette méthode reste la chanson « Around The World» des Daft Punk, qui est
exclusivement  construite  autour  d’une  ligne  de  basse.

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Méthode 4 : Commencer par les paroles

Pour   ceux   qui   préfèrent   mettre   l’accent   sur   le   texte,   une   bonne   façon   de   faire  
consistera à commencer votre chanson par les paroles. Une fois votre texte écrit,
lisez-le  en  boucle  jusqu’à  ce  qu’une  mélodie  vous vienne naturellement en tête. (Voir
page 151 pour voir comment créer une mélodie à partir de paroles). Grand amateur
de poésie (et poète lui-même),  Bob  Dylan  avait  l’habitude  de  composer  ses  chansons  
grâce à cette méthode.

Méthode  5  :  Partir  d’une  improvisation

L’improvisation  est  une  façon  très  courante  de  composer.  Elle  peut  se  faire  en  groupe  
(on parle alors de « jam session ») ou à titre individuel. De cette improvisation peut
naître différentes idées utiles à la composition. Le groupe Red Hot Chilli Peppers
avait  l’habitude  d’avoir  recours  aux  jam  sessions  pour  composer.  Leur  chanson  «  Give
It Away » est ainsi née presque instantanément à partir de la ligne de basse lancée au
cours  d’une  jam.  Cependant,  il  n’est  pas  forcément  nécessaire  de  maîtriser  les  règles  
de   l’improvisation   (qui   est   une   discipline   à   part   entière)   pour   réussir   à   composer.
Improviser,   c’est   aussi   tâtonner   son   instrument   au   hasard   jusqu’à   repérer   une  
sonorité intéressante et la développer.

Méthode 6 : Le sample

Le   sampling   consiste   à   emprunter   un   extrait   musical   très   cours   d’une   chanson   déjà  
existante pour en créer une nouvelle. Le sampling est très utilisée en musique
électronique et en hip-hop.  L’origine  des  samples  utilisés  peut  provenir  de  n’importe  
quel   groupe   ou   artiste.   Il   faut   néanmoins   veiller   à   ce   qu’il   soit   suffisamment   cours  
pour ne pas tomber dans le plagiat. Le groupe The Avalanches a  composé  l’intégralité  
de son album « Since I Left You ! » à partir de plus de 1000 samples différents !

Méthode 7 :  L’emprunt

Il existe des milliers de chansons libres de droit sur internet alors pourquoi ne pas
vous en inspirer pour vos propres compositions ? Attention, je ne vous dit pas
d’utiliser  la  chanson  en  entier  (sinon  c’est  du  vol !)  mais  d’emprunter  quelques  
fragments  de  mélodie  ou  quelques  progressions  d’accords  intéressantes.  Essayer  

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ensuite de développer et de modifier ces éléments pour obtenir une nouvelle


chanson complètement originale !

N’hésitez   pas   à   essayer chacune de ces méthodes


jusqu’à   trouver   celle   qui   vous   correspond   le   plus.   Je  
vous conseille également de changer de méthodes
régulièrement (même si vous avez trouvé la méthode
de  votre  cœur)  afin  d’apporter  de  la  diversité  et  de  la  
variété dans vos compositions. Car si vous utilisez
constamment la même procédure, vous vous
retrouverez vite enfermé dans vos habitudes et vos
compositions finiront inlassablement par tourner en
rond. Sortez de votre « zone de confort » et allez
explorer de nouvelles façons de faire et de nouveaux
horizons.  C’est  le  meilleur  moyen  de  développer  votre  
créativité.
© Maeka Alexis

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IV / Un dernier coup de pouce pour démarrer

Un dernier petit conseil pour vous aider à démarrer : définissez avant toute chose le
but de votre chanson. Cherchez-vous à véhiculer un message particulier ? Lequel ?
Qu’aimeriez-vous   que   l’auditeur   retienne   après   l’avoir   écouté ? Quel est le rôle de
votre chanson ? Doit-elle faire pleurer ? Doit-elle faire réfléchir ? Ou au contraire
faire danser ? Musicalement comment voyez-vous votre chanson ? Très énergique
avec de nombreux instruments ? Ou calme et très épurée ?

Prenez quelques minutes pour répondre à toutes ces questions. Ça vous aidera non
seulement  à  y  voir  plus  clair,  mais  surtout  à  garder  le  cap  durant  toute  l’écriture  de  
votre morceau.

Une fois ce travail fini, allez chercher des chansons se rapprochant des conditions que
vous venez de définir parmi celles de vos artistes référents. Sélectionnez trois ou
quatre chansons. Ces chansons seront vos modèles et vous serviront de béquille
durant tout votre processus de composition.

Exemple :

- But : Je cherche à composer une chanson assez calme et épurée avec un


tempo lent et une mélodie très prononcée. Ce sera une chanson globalement
triste   car   je   veux   qu’elle   me   permette   d’exprimer   mes   conditions   de   travail  
difficiles.

- Artistes référents: Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Velvet Underground,
Eels

- Chansons modèles : Tangerine, Wild Horses, Candy says, Beautiful Freak

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A vous de jouer :

Exercice 1 :   Listez   les   objectifs   de   votre   chanson.   Essayez   d’être   le   plus   précis  
possible en imaginant clairement ce que vous voulez faire ressentir à vos auditeurs.

Exercice 2 : Cherchez les chansons de vos artistes référents qui remplissent les
objectifs fixés.

Exercice 3 :   Essayez   d’atteindre   les   objectifs   fixés   en   démarrant   votre  


composition par chacune des méthodes décrites ci-dessus. Pour la même chanson,
vous devez tester les sept approches différentes.

Exercice 4 : Après avoir testé les 7 méthodes de composition, déduisez en votre


méthode de composition préférée. Répétez les 3 exercices précédents et créez un
nouveau   morceau   à   partir   de   cette   seule   méthode.   N’oubliez   pas   de   revenir  
régulièrement aux autres méthodes pour diversifier vos compositions.

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PARTIE 3 : Composer les 4


piliers  d’une  chanson

Chapitre 4 : Pilier  1,  l’accompagnement……………………………..65


Chapitre 5 : Pilier 2, la mélodie……………………………………………93
Chapitre 6 : Lier  l’accompagnement  et  la  mélodie…………….115
Chapitre 7 : Pilier3, les paroles………………………………………….127
Chapitre 8 : Mettre en relation paroles et musique………….148
Chapitre 9 : Pilier 4, le rythme…………………………………………..158

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Nous   venons   de   voir   qu’une   chanson   était   constituée   de   4 piliers : la mélodie,


l’accompagnement,   le   rythme   et   les   paroles.   Dans   cette   partie,   nous   verrons  
justement comment composer chacun de ces piliers. Nous verrons également
comment les mettre en relation afin de créer une chanson parfaitement cohérente et
homogène.  Car  la  clé  d’une  chanson  réussie,  c’est  la  symbiose  qui  existe  entre  ces  4  
piliers.  Encore  plus  qu’une  belle  mélodie,  une  suite   d’accords  géniale  ou  un  rythme
d’anthologie,   ce   qui   va   déterminer   ou   non   l’efficacité   de   votre   chanson,   c’est  
l’homogénéité  entre  ces  différents  piliers.  

Une  chanson  est  à  l’image  d’un  groupe  de  musique : plus que les individualités qui le
composent,  c’est  la  synergie  qui  existe  entre les membres qui déterminera la qualité
de la musique. Le guitariste aura beau être aussi fort que Jimi Hendrix, si les autres
membres ne sont pas là pour mettre en valeur sa partie, ça ne servira à rien. Pour
une  chanson  c’est  la  même  chose : la mélodie aura  beau  être  grandiose,  si  elle  n’est  
pas   pensée   dans   un   cadre   commun   avec   l’accompagnement,   la   mélodie,   ou   les  
paroles, elle ne sera pas efficace.

Cette partie sera donc tant accès sur la composition des piliers en eux-mêmes, que
sur leur mise en relation.

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Chapitre 4 :  Pilier  1,  l’accompagnement

Dans cette partie vous allez apprendre :

- A créer un accompagnement efficace pour votre chanson

- Quels sont les 6 accords universels présents dans 99% des chansons actuelles ?

- A vous inspirer des suites d’accords  des  plus  grands  hits  pour  créer  vos  propres  
accompagnements

- A  créer  un  accompagnement  qui  sonne  juste  à  partir  de  n’importe  quel  accord

- A  apporter  de  la  diversité  à  votre  suite  d’accords

- A  créer  une  suite  d’accords  originale  et  innovante

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Introduction

L’accompagnement  est  à  la  chanson  ce  que  les  fondations  sont  à  une  maison : si ces
fondations sont solides, alors vous pourrez construire quelque chose de magnifique
par-dessus. Au contraire si elles sont faibles, alors tout ce que vous ajouterez par la
suite   risquera   de   s’effondrer.   Il   convient   donc   de   soigner   particulièrement   votre  
accompagnement  car  c’est  de  lui  que  dépendra  tout  le  reste  de  votre  chanson.    

L’accompagnement  est  aussi  la  partie  la  moins  exposée  d’une  chanson : il exerce son
rôle dans   l’ombre (contrairement à la mélodie qui est au premier plan) mais
influence   néanmoins   l’intégralité   du   morceau.   C’est   en   effet   l’accompagnement   qui  
déterminera la « couleur » de la mélodie, ainsi que la sonorité et « l’humeur »
générale du morceau.

Enfin,  il  est  à  noter  que  l’accompagnement  est  formé  par  la  combinaison  de  plusieurs  
accords. On parlera alors de « suite  d’accords ».

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I  /  Qu’est-ce  qu’un  accord ?

Je ne vais pas revenir en détail sur les notions théoriques des accords (pour cela, je
vous invite à lire le chapitre 5 de mon guide « L’Essentiel  du  solfège  pour  composer »)
mais je vais tout de même vous donner quelques explications essentielles (je sais, je
suis sympa ;)).

Un  accord,  c’est  la  combinaison  d’au  moins trois notes jouées simultanément.

Ces   différentes   notes   sont   séparées   entre   elles   par   une   certaine   distance   que   l’on  
appelle « intervalle ».  Et  c’est  la  nature  de  cet  intervalle  (c’est-à-dire  la  distance  qu’il  
y a entre les notes) qui déterminera la sonorité et la « couleur »  de  l’accord.  Ainsi,  la  
sonorité   d’un   accord   dépendra   autant   des   notes   choisies   que   des   intervalles   qui   le  
composent. En fonction des différents intervalles et des différentes notes qui le
composent,  l’accord  aura  donc  une  sonorité spécifique.

En choisissant différents accords, vous choisirez certaines sonorités particulières qui,


une fois mises bout à bout, construiront la base de votre chanson. Pour reprendre
notre   comparaison   avec   la   construction   d’une   maison,   choisir   des   accords revient à
choisir  la  nature  de  votre  matériel  de  construction.  Briques,  ciment,  bois…  vous  avez  
le  choix  entre  de  nombreux  éléments  et  c’est  de  ce  choix  que  dépendra  tout  le  reste  
de   votre   construction.   Une   maison   en   brique   n’aura   en   effet   pas   la   même   allure
qu’une  maison  en  bois !

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II  /  Comment  trouver  une  suite  d’accords  qui  sonne  bien ?

Comme  nous  venons  de  le  voir,  les  différentes  combinaisons  d’accords  permettent  de  
créer l’accompagnement   de   la   chanson. Seulement voilà : il existe des centaines
d’accords   différents   et   probablement   des   centaines   de   milliers   de   combinaisons  
possibles.   Alors   comment   font   les   musiciens   pour   trouver   une   suite   d’accords   qui  
sonne juste ? Piochent-ils des accords au hasard en les combinant de façon aléatoire
jusqu’à   ce qu’ils   soient   satisfaits   du   résultat ? Ou existe-t-il des règles et des
techniques leur permettant de trouver une  bonne  suite  d’accords ? (Indice : la bonne
réponse se trouve plutôt au niveau de la deuxième proposition).

Il existe en effet certaines règles et certaines techniques qui vous aideront à trouver
une  suite   d’accords  qui  sonne  juste.  Ces  règles  existent   car les accords ne sont pas
égaux entre eux :  chacun  d’entre  eux  possède  sa  propre  nature,  sa  propre  sonorité,  
mais surtout ses propres affinités.  Certains  accords  sonneront  en  effet  mieux  qu’avec  
d’autres.   Tout   l’enjeu   de   ces   règles   consiste   donc   à   vous   aider   à   repérer   ces  
différentes affinités afin de vous faire gagner du temps. Pour ce faire, nous allons voir
ensemble plusieurs techniques.

Technique 1 : Utiliser les 6 accords universels


Un nombre incalculable de chansons sont composées avec les mêmes accords. Ces
accords, je les ai appelés les « 6 accords universels » car ce sont des classiques de
chez classiques constamment utilisés dans le monde de la pop et de la musique
actuelle. Même les plus grands artistes y ont eu recours pour composer leurs titres
les plus populaires.

Et  les  6  accords  universels  sont…

Dans la catégorie « accords classiques », les 6 accords à entrer dans le panthéon de la


musique et de la composition sont :

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L’accord  de  Sol  Majeur  (G)

L’accord  de  Do  Majeur  (C)

L’accord  de  Ré  Majeur    (D)

L’accord  de  Fa  Majeur  (F)

L’accord  de  La  Mineur  (Am)

L’accord  de  Mi  Mineur  (Em)

Bravo à eux ! Nous pouvons les applaudir bien fort ! Tout de suite, écoutons le
discours  de  l’accord  de  Sol  majeur  (hum,  je  m’égare un  peu  là…)

Rappel : La notation américaine

Vous  voyez  qu’au  niveau  du  nom  des  accords,  j’ai  rajouté  certaines  fois  une  lettre  de  
l’alphabet.  (ex : G ou C). Ces lettres correspondent à la façon américaine de noter les
accords. Je tenais à vous présenter cette notation car vous la rencontrerez très
fréquemment dans votre vie de musicien.

Chaque  lettre  désigne  le  nom  d’un  accord :

Notation
A B C D E F G
américaine

Notation
La Si Do Ré Mi Fa Sol
française

Si la lettre est seule (comme dans notre exemple précédent avec G ou C) cela veut
dire   que   l’accord   est   majeur.   Tandis   que   si   la   lettre   est   accompagnée   d’un   « m »
minuscule,  cela  veut  dire  que  l’accord est mineur (Par exemple Am = La mineur).

Apprendre à jouer les 6 accords universels

Si  vous  commencez  à  jouer  d’un  instrument  et  que  vous  cherchez  à  reproduire  
rapidement    les  musiques  de  votre  cœur,  ne  cherchez  plus !  Commencez  d’abord  par  

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apprendre à jouer ces accords. Il y a fort à parier que vos chansons les contiennent.
De plus, en apprenant ces accords, vous serez en mesure de créer rapidement un
accompagnement efficace et amplement suffisant pour écrire une belle chanson
(quand je vous disais qu’il  ne  fallait  pas  être  un  virtuose  pour  réussir  à  composer !).
Avec  un  peu  de  pratique,  vous  devriez  réussir  à  les  maîtriser  en  moins  d’une  heure.  
Pour vous faciliter le travail, je vous ai même préparé les diagrammes visuels pour
piano et guitare.

Accord Partition Piano Guitare

Sol Majeur (G)

Do Majeur (C)

Ré Majeur (D)

Fa Majeur (F)

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La Mineur (Am)

Mi Mineur (Em)

Composer grâce aux 6 accords universels

Et maintenant, comment utiliser ces 6 accords dans vos compositions ?   C’est   très  
simple : Il vous suffit de piocher les accords de votre choix et de les faire suivre dans
l’ordre  que  vous  voulez ! Allez-y par tâtonnement : testez différentes combinaisons et
voyez   celles   qui   vous   plaisent   le   plus.   Le   nombre   d’accords   à   utiliser   n’a   pas  
d’importance : vous pouvez très bien créer des suites de 3, 4, 5 ou 6 accords. Vous
pouvez également répéter le même accord plusieurs fois dans votre suite. Tout est
possible !

N’oubliez pas non plus de varier les rythmes et la façon dont vous jouez les accords
pour démultiplier encore vos possibilités (Voir page 90 pour plus de renseignements
sur  la  variation  d’une  suite  d’accords).

Voici quelques exemples de chansons utilisant les 6 accords universels :

Yellow Submarine (The Beatles) - D, C, G, Em, Am

Waiting For You (Ben Harper) – G, Em, F, C, D

Le Vent Nous Portera (Noir Désir) - Em, D

Je T'aimais, Je T'aime, Je T'aimerai (Francis Cabrel) - G, D, C, Em, Am

Jesus Doesn't Want Me For A Sunbeam (Nirvana) - E, D, A, D/A

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Technique 2 : Le cycle des quintes

Le  cycle  des  quintes,  c’est  quoi ?

Concrètement, le  cycle  des  quintes  c’est  ça :

Il   présente   sous   forme   d’un   cadran   différents accords.   Les   accords   à   l’extérieur   du  
cercle sont des accords majeurs tandis  que  ceux  à  l’intérieur  du  cercle  sont  mineurs.
(Cliquez ici pour voir mon tutoriel vidéo sur la formation des accords). Tous ces
accords  n’ont  pas  été  choisis  au  hasard,  il  existe  une  relation  entre  eux :

Quel  que  soit  l’accord  du  cercle,  celui  qui  se  trouvera  à  sa  droite  sera  séparé  par  un  
intervalle de quinte, tandis que celui qui se trouvera à sa gauche sera séparé par un
intervalle de quarte. (Cliquez ici pour voir mon tutoriel vidéo sur les intervalles si
cette notion vous est inconnue)

Exemple : si on prend  l’accord  de  Do,  l’accord  qui  le  suivra  sera  l’accord  de  Sol  (Do,  
Re, Mi, Fa, Sol on compte bien 5 donc une quinte) et celui qui le précédera sera
l’accord  de  Fa  (Do,  Ré,  Mi,  Fa,  on  compte  bien  4  donc  une  quarte).

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Ça marche aussi pour les accords à l’intérieur  du  cercle : En prenant le La mineur, on
retrouvera  l’accord  de  Mi  mineur  à  sa  droite  (La,  Si,  Do,  Ré,  Mi  =  5)  et  Ré  mineur  à  sa  
gauche (La, Si, Do, ré = 4)

Pour  chaque  accord  majeur  (donc  situé  à  l’extérieur  du  cercle),  l’accord  se  trouvant  
directement  en  dessous  (à  l’intérieur  du  cercle)  correspondra  à  sa   mineure relative.
Pour rappel deux gammes relatives sont deux gammes partageant la même armure.
Elles sont donc très proches et se ressemblent fortement par définition. (Voir ce
tutoriel  vidéo  pour  plus  d’explications  sur  la  notion  de  gamme  relative)

A quoi sert le cycle des quintes pour composer ?

Le cycle des quintes va nous aider à trouver des suites   d’accords.   Voilà   comment  
l’utiliser :

1) Choisissez n’importe  quel  accord  du  cercle, et enchaînez le ensuite avec ces
deux accords voisins (ceux se situant directement à sa droite ou à sa gauche)
dans  l’ordre  que  vous  voulez.  Et  là,  stupéfaction : ça sonne bien ! Essayez, vous
verrez  que  cette  technique  marche  quel  que  soit  l’accord  que  vous  choisirez.  
Exemple:  Si  je  choisis  le  Do  ma  suite  d’accords  pourra  être : Do / Sol / Do / Fa,
ou  simplement  Do  /  Sol,  ou  encore    Do  /  Fa  /  Sol  etc…

2) Essayez maintenant  d’élargir  un  peu  vos  possibilités  en  mélangeant  les  
accords  majeurs  (à  l’extérieur  du  cercle)  aux  accords  mineurs  (à  l’intérieur  du  
cercle).  Pour  cela,  dès  que  vous  avez  un  accord  majeur,  jouez  l’accord  mineur  
se trouvant directement en dessous. Vous pouvez ensuite revenir sur les
accords majeurs ou enchaîner avec les accords mineurs voisins !
Exemple vidéo: «I will » des Beatles.

3) Prenez   un   accord,  puis   enchaînez   le   avec   n’importe   quel accord du cercle.


Ensuite revenez   progressivement   à   l’accord   de   base en jouant à la suite les
accords se situant entre les deux accords choisis.

Exemple:   Vous   prenez   l’accord   de   Do   puis   vous   décidez   de   l’enchaîner   avec


l’accord   de   La.   Il   ne   vous   reste   plus   qu’à   revenir   progressivement   au   Do   en  
jouant  d’abord  l’accord  de  Ré  puis  celui  de  Sol.  Cliquez  ici  pour  voir  la  vidéo  de  
démonstration.

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Technique 3 :  L’harmonisation  des  gammes

Les choses vont commencer à se compliquer un petit peu plus à partir de maintenant
car   dorénavant,   vous   allez   créer   votre   propre   suite   d’accords.   Tout   à   l’heure,   on   se  
contentait seulement de choisir des accords parmi une liste préétablie alors que
maintenant, on va créer nos propres suites et  ce,  à  partir  de  n’importe  quel  accord.
Rassurez-vous, je ne vais pas vous laisser galérer au milieu de toute cette jungle
d’accords    pour  autant. ;) Je vais vous accompagner étape par étape pour vous aider à
créer  votre  première  suite  d’accords.  Vous  êtes  prêt ?  C’est  parti !

Attention ! Cette  section  fait  appel  à  quelques  notions  théoriques.  Pour  l’aborder  
au mieux, je conseille avant toute chose de regarder mon tutoriel vidéo sur les
gammes et celui sur la formation des accords.

Étape 1 : Choisir le premier accord

Il va bien falloir commencer notre suite quelque part. Pour cela, on va choisir un
premier accord. Choisissez celui que vous voulez,  n’importe  lequel.  C’est  fait ? Bien.
On  va  pouvoir  passer  à  l’étape  2  (vous  avez  vu  comme  c’est  facile  pour  l’instant ? ;))

Étape 2 :  Utiliser  la  gamme  dont  l’accord est issu

Admettons   que   vous   ayez   choisi   l’accord de Do Majeur comme premier accord de
votre  suite.  Maintenant,  il  ne  vous  reste  plus  qu’à  prendre  la  gamme  de  Do  Majeur  
pour trouver les autres accords. Pourquoi cette gamme en particulier ? Tout
simplement parce que les suites  d’accords commencent très souvent  par  l’accord  du  
Ier degré de leur gamme. Do Majeur étant logiquement le premier accord de la
gamme  de  Do  Majeur  (puisqu’il  lui  donne  son  nom),  on  va  prendre  la  gamme  de  Do  

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Majeur. Si vous aviez choisi un accord de Sol# mineur, vous auriez eu à choisir la
gamme de Sol # mineur, si vous aviez pris un accord de Fa Majeur, la gamme de Fa
majeur  etc…  Vous  voyez  le  principe. ;)

On prend la gamme de Do Majeur

Étape 3 : Harmoniser la gamme

Maintenant   que   l’on   a   notre   gamme,   on   va   l’harmoniser :   c’est-à-dire   que   l’on   va  


créer des accords à partir de chacune des notes de cette gamme. Pour ce faire, il
nous   suffit   d’empiler   la   tierce   et   la   quinte   de   chacune   des   notes   de   la   gamme.  
Exemple : Avec la première note de la gamme, le do, on emplie une tierce pour
obtenir le mi et une quinte pour obtenir le sol.

Voilà  ce  qu’on  obtient  au  final  si  on  applique  ce  processus  pour  toute  la  gamme  :

Gamme de Do Majeur harmonisée

Surtout, faites attention à bien respecter les altérations inhérentes à la gamme. En


Do Majeur,  vous  n’avez  pas  grand-chose à faire car la gamme ne possède aucune
altération à la clé. Par contre, si vous aviez choisi un accord de Mib majeur (et donc
une gamme de Mib majeur), vous auriez eu à ajouter les 3 bémols à la clé de cette
gamme.

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Exemple : On harmonise la gamme de mi.

On  harmonise  la  gamme  de  Mi  à  l’état  naturel

Puisqu’on  est  en  Mib  Majeur,  on  sait  que  la  gamme  possède  3b à la clé (enfin vous le
savez si vous avez pris la peine de bien réviser votre solfège :p). On va donc ajouter
ces altérations (si, mi, et la) pour respecter la structure de la gamme.

On ajoute les altérations inhérentes à la gamme (ici 3 bémols)

Je vous mets le tableau récapitulatif des altérations existantes en fonction des


gammes pour vous aider. Encore une fois,   si   toutes   ces   notions   d’altérations   et  
d’armures  sont  encore  un  peu  trop  obscures  pour  vous,  je  vous  invite  à   aller   revoir  
mon tutoriel vidéo sur les gammes qui vous aidera à tout comprendre de A à Z. ;)

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Étape 4 : En déduire les accords à utiliser pour notre suite

Maintenant  que  l’on  a  harmonisé  notre  gamme,  on  a  notre  disposition  des  accords  
que  l’on  va  pouvoir  utiliser  dans  notre  suite.  En  ayant  harmonisé  la gamme de Do
majeur, on obtient par exemple les accords :

Do majeur

Ré mineur

Mi mineur

Fa majeur

Sol majeur

La mineur

Si diminué

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(Pour comprendre la nature et le nom de ces accords, rendez-vous sur mon tutoriel
consacré à la formation des accords).  Faites  suivre  ces  accords  dans  l’ordre  que  vous  
voulez,  vous  pouvez  être  sûr  qu’ils  sonneront  bien !  Maintenant,  libre  à  vous  d’utiliser  
et de décliner cette méthode  pour  n’importe  quelle  gamme  et  pour  n’importe  quel  
mode !

Remarque : Si vous êtes attentifs, vous aurez remarqué que 5 des 7 accords obtenus
correspondent aux 6 accords universels !   Voilà   d’ailleurs   pourquoi   ces   accords   sont  
autant utilisés : ils correspondent  aux  accords  issus  de  l’harmonisation  de  la  gamme  
de Do Majeur.

Technique 4 : Les enchaînements de degrés

Maintenant  que  vous  avez  compris  la  technique  d’harmonisation  des  gammes,  on  va  
pouvoir passer à la vitesse supérieure et aborder la technique des « enchaînements
de degrés ».

Qu’est-ce  que  cette  technique  ?  C’est  très  simple : Dans le monde de la musique et
de la composition, il existe des combinaisons   précises   d’enchaînement   d’accords.
Cependant,  ce  que  l’on  va  enchaîner,  ce  ne  sont  pas  les accords en tant que tels, mais
leurs degrés,   c’est-à-dire   l’ordre   dans   lequel   ils   apparaissent   dans   la   gamme.  

Exemple :   si   on   parle   de   l’enchaînement   I,   IV,   V,   cela   voudra   dire   qu’il   nous   faudra  
faire   suivre   dans   l’ordre     le   premier,   le   quatrième,   et   le cinquième accord de notre
gamme.  Si  on  reprend  notre  exemple  précèdent,  on  aurait  eu  à  enchaîner  l’accord  de  
Do  Majeur,  puis  l’accord  de  Fa  Majeur  et  enfin  l’accord  de  Sol  Majeur.

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Composer sa chanson de A à Z 79

Certaines de ces combinaisons sont utilisées à outrance dans le monde de la


composition. Voici les  plus  connues  d’entre-elles :

La combinaison I IV V

C’est  la  combinaison  de  l’exemple  précédent.  La    progression  I,  IV,  V est la plus
populaire de toutes et a été utilisée dans de nombreuses chansons. Comme son nom
l’indique, elle  consiste  à  enchaîner  dans  l’ordre  l’accord  du  premier  degré  de  la  
gamme, puis celui du quatrième degré, et enfin celui du cinquième degré. Voici
quelques exemples de chansons basées sur cette combinaison :

Moby Dick - Led Zeppelin


Jailhouse Rock - Elvis Presley
I want to break free – Queen
I Feel Good - James Brown

La combinaison I vi ii V (ou Anatole)

Pour réaliser cette combinaison, il nous faudra enchaîner le premier accord de la


gamme, puis le sixième, puis le second et enfin le cinquième.

Pour la gamme de Do majeur, notre suite sera donc : Do Majeur, La mineur, Ré


mineur, et Sol Majeur.

Petite précision quand même :  vous  remarquerez  que  pour  certains  degrés  j’ai  utilisé  
des   majuscules   (I,   V)   et   pour   d’autres   des   minuscules   (vi,   ii).   Ce   n’est   pas   une

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Composer sa chanson de A à Z 80

coquetterie de ma part (même si je trouve ça effectivement très classe) mais une


convention musicale : la majuscule signifie   que  l’accord   est   majeur et la minuscule
que  l’accord  est  mineur.

Et  alors  qu’est-ce que ça change ?

Ça change tout ! Car il faut veiller à respecter  la  nature  de  l’accord de la combinaison
pour que notre suite sonne bien. Si on veut utiliser la combinaison I vi ii, V, il faudra
donc veiller à ce que le premier accord soit majeur, le sixième mineur, le deuxième
mineur et le cinquième majeur.

Degré I vi ii V
Nature de Majeur mineur mineur Majeur
l’accord

Dans notre exemple de gamme de Do majeur, on voit que la nature de ces accords
est   bien   respectée   (pour   rappel   on   connaît   la   nature   d’un   accord   en   analysant   la  
nature de sa tierce,   si   on   a   une   tierce   mineure,   l’accord   sera   mineur   et   si   on   a   une  
tierce  majeure,  l’accord  sera  majeur.  Voir  le  guide « L’Essentiel  du  Solfège p28 pour
plus  d’explications ;)). Par contre, si on prend une gamme de La mineur, on se rend
compte que cette   nature   n’est   pas   respectée   et   il   faudra   ajouter   des   altérations  
supplémentaires aux accords pour que ce soit le cas.

Exemple : On pioche les accords 1,6,2 et 5 de notre gamme de La mineur harmonisée.

A  l’état  initial,  notre  suite  est : La mineur, Fa majeur, Si diminué, Mi mineur. Or, si on
veut  suivre  la  structure  de  la  combinaison  I,  vi,  ii,  V  il  faut  que  l’on  s’arrange  pour  
obtenir les accords La Majeur, Fa# mineur, Si mineur et Mi majeur.

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Accords
La mineur Fa majeur Si diminué Mi mineur
initiaux:

Accords
La majeur Fa# mineur Si mineur Mi majeur
souhaités:

On rajoute donc des altérations aux accords initiaux afin de respecter la structure et
obtenir les accords souhaités.

Et voilà ! Le tour est joué. ;) Si vous voulez des exemples de chansons composées à
l’aide   d’anatoles,   vous   pouvez   écouter   « One drop » de Bob Marley, ou encore
« Spread your wings » de Queen.

La combinaison I, vi, IV, V

Maintenant  que  vous  avez  compris  le  principe,  il  ne  vous  reste  plus  qu’à  appliquer  la  
combinaison !  Pour  une  gamme  de  Do  majeur,  la  suite  d’accord  à  utiliser  serait : Do
majeur, La mineur, Fa majeur et Sol Majeur. Cette suite est notamment utilisée dans
les chansons « Dyer Maker » de Led Zeppelin, « Octopus Garden » des Beatles, et
« Stand by me » de Ben E King.

La combinaison I V vi IV

Cette   combinaison   est   tellement   utilisée,   qu’on   l’appelle   même   « la suite des 4
accords magiques ». Cette suite a été rendue célèbre par le groupe humoristique
« Axis of Awsome » qui, au cours   d’une   vidéo, a repris des titres aussi variés que
« You’re  Beautiful » de James Blunt, « No Woman No Cry » de Bob Marley, ou encore
«Let It Be » des Beatles en ne changeant jamais   d’accompagnement.   Si vous aussi
vous cherchez à créer un hit, ne cherchez plus ! Utilisez la combinaison I, vi, IV, V. ;)

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La combinaison I VI III VII

Cette suite est également très fréquemment utilisée dans le monde de la musique.
Elle a notamment servi pour composer les chansons « Otherside » des Red Hot Chili
Peppers, et « Not Afraid »  d’Eminem.

Voilà pour les combinaisons, à vous maintenant de les tester et surtout de les
appliquer pour toutes les gammes et les modes de votre choix afin de démultiplier
vos possibilités !

Technique 5 : Autochords

Les techniques pirates sont des petits raccourcis qui vous


aideront à gagner énormément de temps. Vous en retrouverez
quelques-unes tout au long du livre. Ici, la technique pirate qui
nous intéresse s’appelle   « Autochords ». Autochords est un
logiciel permettant de générer automatiquement et une suite
d’accords efficace. Choisissez  l’accord  de  votre  choix,  l’humeur  que  vous  voulez  pour  
votre morceau, et le logiciel vous fournira automatiquement les bons accords !
Magique !! Attention,  ce  logiciel  n’est  pas  une  raison  suffisante  pour  ne  pas  appliquer  
tout ce que je vous ai expliqué précédemment. ;)

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Composer sa chanson de A à Z 83

III  /  Comment  trouver  une  suite  d’accords originale ?

Vous  savez  maintenant  comment  trouver  une  suite  d’accords  agréable  à  l’oreille  mais  
vous en voulez encore plus. Vous trouvez en effet que ce sont toujours les mêmes
accords qui sont utilisés, et vous préférez vous démarquer des autres en sortant des
sentiers battus. Vous êtes donc en quête de nouveauté et d’une   suite   d’accords  
originale.

Laissez-moi vous dire une petite chose avant  de  continuer:  l’originalité  d’une  chanson  
ne repose pas forcément sur  l’originalité  de  ses  accords.  Beaucoup  de  personnes  font  
en  effet  l’erreur  de  vouloir  chercher  uniquement  la  complexité  et  ne  jurent  que  par  
les  accords  les  moins  utilisés.  Mais  c’est  une  erreur,  car  une  chanson  ne  s’arrête  pas  
qu’à  ses  accords.  Regardez par exemple « Daddy DJ » et « With or Without you » de
U2 : ce sont deux chansons totalement différentes et pourtant, les accords qui les
composent sont absolument identiques !!

De   plus,   de   très   nombreuses   chansons   aujourd’hui   considérées   comme   des  


« classiques »  sont  composées  à  partir  d’une  base  d’accords  relativement  simple ! Les
accords ne font pas tout, votre chanson dépend de très autres nombreux paramètres
comme  la  mélodie,  l’orchestration,  la  synergie  entre  les  parties  et  j’en   passe…  Osez  
donc  la  simplicité,  votre  chanson  n’en  pâtira  pas.  Bien  au  contraire !

Maintenant cette mise en garde passée, on va pouvoir rentrer dans le vif du sujet :
rendre  sa  suite  d’accords  plus  originale  et  pimenté.  

Technique 1 :  Utiliser  les  renversements  d’accords


Un  renversement,  c’est  le  fait  de  changer   l’ordre  des  notes qui  composent  l’accord.  
Tout  à  l’heure,  nous  avons  vu  et  utilisé  que  des accords à leur état « fondamental »,
c’est-à-dire  commençant  par  leur  première  note  et  formés  par  l’empilement  régulier  
de tierces. Mais rien ne nous empêche de   construire   l’accord   selon   un   ordre  
différent, en le commençant par exemple par sa deuxième note  (que  l’on  appelle  la  
tierce) ou sa troisième note (la quinte).

Rappel : la  structure  de  l’accord.

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Composer sa chanson de A à Z 84

Ainsi, un accord à 3 notes peut se présenter sous 3 formes différentes :

L’état  fondamental  :  la  fondamentale  est  à  la  base  de  l’accord


Le 1er renversement :  la  tierce  est  à  la  base  de  l’accord
Le 2éme renversement :  la  quinte  est  à  la  base  de  l’accord

Exemple:  Avec  l’accord  de  Do  majeur  

Le   renversement   est   très   intéressant   car   il   vous   permet   d’obtenir   de   nouvelles


sonorités sans pour autant changer la nature de  l’accord.  Par  exemple,  un  accord  de  
Do  majeur  au  premier  renversement  sera  toujours  un  accord  de  Do  majeur.  C’est  un  
peu comme intégrer des nuances de couleurs à votre tableau. Vous pouvez ajouter
du bleu foncé, du bleu clair ou du bleu turquoise : la couleur ne sera pas exactement
la même (ce qui apportera de la diversité), mais fondamentalement, ça sera toujours
du bleu.

Technique 2 :  Ajouter  de  nouveaux  types  d’accords

Pour   l’instant,   je   ne   vous   ai   parlé   que   des   accords à 3 sons. Mais il existe pleins
d’autres   types   d’accords   comme   les   accords   à   4   sons   appelés   « accords de
septième ».  N’hésitez  pas  à  inclure  ces  accords  à  votre  suite  pour  lui  apporter  un  peu  
plus de profondeur.

Exemple : « Ain’t   She   Sweet » des Beatles est un exemple parfait de chanson
mélangeant accords à 3 sons et accords de septième. Le quatrième accord du refrain
est par exemple un accord de Si septième.

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Vous pouvez également utiliser un  autre  type  d’accord :  l’accord  à  deux  sons  (même  
si dans ces cas-là on ne parle plus  vraiment  d’accord  mais  d’intervalle  harmonique).
Pour ce faire, il vous suffit simplement de tronquer une note (généralement la
dernière) à votre accord de base. Cette technique est régulièrement dans le rock et
dans la pop pour laisser plus de place à la mélodie.

Exemple : le refrain de la chanson « Sun’s  coming  Up » de Tame Impala (à écouter à


partir  de  1’30’’)

En  (1),  on  voit  clairement  que  l’accord  utilisé  entre  la  première  et  deuxième  
répétition   est   le   même,   à   ceci   près   qu’il   lui   manque   sa   dernière   note :
le sol.

En (2), on peut voir une variante de cette technique et un autre type


d’accord   que   j’appelle personnellement « l’accord   tronqué   et   doublé   à  
l’octave » (même si cet accord doit avoir un nom spécifique, mes excuses
aux puristes !).  La  note  tronquée  est  remplacée  par  la  tonique  de  l’accord  à  
l’octave.   Cette   technique   permet   de   faire   monter   la   suite en intensité.

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Remarquez   d’ailleurs   comme   la   voix   du   chanteur   s’envole   à   partir   de   ce  


moment.

Remarque :  Si  vous  avez  eu  l’œil  attentif,  vous  aurez  remarqué  que  la  suite  d’accords  
de « Sun’s  Coming  Up »  est  composée  d’accords  renversés.  Le  premier  accord est par
exemple  un  accord  de  sol  mineur  à  l’état  de  deuxième  renversement.

Technique 3 :  Utiliser  des  accords  d’autres  tonalités


Avec les techniques précédentes, on se contentait simplement de rester dans la
même   tonalité.   C’est-à-dire que les accords de notre suite étaient tous issus de la
même gamme. Par exemple, en Do majeur on utilisait uniquement les accords Ré
mineur, Mi mineur, Fa majeur, Sol majeur, La mineur, et Si diminué. Or, rien ne nous
empêche d’utiliser  d’autres  accords ne faisant pas partie de la tonalité de Do Majeur.
En musique, il est même tout à fait courant que des accords issus de tonalités
différentes  se  rencontrent  au  sein  d’un  même  morceau.  

Le   problème,   c’est   qu’il   n’est   pas   forcément   aisé   de   faire   sonner   des   accords  
« étrangers » avec vos accords de bases. En changeant de tonalité, vous vous exposez
en effet au risque de dénaturer votre suite et de perdre votre homogénéité. Pour
reprendre mes métaphores culinaires (je sais que ça vous avez manqué !), je dirai
qu’utiliser  des  accords  d’autres  tonalités  revient  à  cuisiner  sucré,  salé.  Lorsque  c’est  
réussi, vous pouvez être certain que votre plat sera unique et raffiné. Cependant, il
n’est   pas   toujours   facile   de   marier   la   poire   et   le   foie   gras ! Pour être sûr de ne pas
louper notre recette, nous allons recourir à deux techniques : la technique des
gammes relatives et la technique du mélange.

Les gammes relatives

Attention ! Cette section requiert quelques connaissances théoriques. Pour tout


comprendre, je vous invite à regarder mon tutoriel vidéo sur les gammes et celui
sur les intervalles.

Deux gammes relatives   sont   deux   gammes,   l’une   majeure   et   l’autre   mineure,  
partageant exactement la même armure. Même   s'il   s’agit   de   deux   gammes  
différentes, elles sont par définition très proches. Grâce à elles, vous pourrez donc
changer aisément de tonalités. Il vous suffira en effet de trouver la gamme relative
d’une   gamme   donnée,   puis   de   piocher   parmi   les   accords   de   cette   gamme   pour  
apporter  de  la  diversité  à  votre  morceau.  Comment  trouver  la  gamme  relative  d’une  

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Composer sa chanson de A à Z 87

gamme de base ?   C’est   très   simple : Il existe une relation mathématique liant deux
gammes relatives :

Gamme Majeure – tierce mineure (1t + 1/2t) = Gamme Mineure relative

Et inversement :

Gamme Mineure + tierce mineure (1t + 1/2t) = Gamme Majeure relative

Exemple : On cherche la gamme relative de la gamme de La mineur. Grâce à notre


relation  mathématique,  on  sait  que  l’on  va  devoir ajouter une tierce mineur soit 1t +
1/2t à partir de La, ce qui nous donne Do.

La gamme relative de La mineur est donc Do Majeur. Maintenant, libre à vous de


piocher parmi les accords de cette nouvelle gamme pour diversifier votre suite
d’accords.

Exemple:  On  a  la  suite  d’accords  DoM,  FaM,  SolM,  DoM.  Ces  accords  correspondent  
aux degrés I, IV, et V de la gamme de Do Majeur. Grâce à nos calculs, on sait que la
gamme relative de Do Majeur est La Mineur. On va donc remplacer un des accords de
la gamme de Do Majeur par un accord de la gamme de La Mineur. Pour le faire de
manière fluide, on va utiliser un accord du même degré. Par exemple, pour
remplacer le dernier accord de notre suite qui est   l’accord   du   premier   degré   Do  
Majeur,   on  va  utiliser   l’accord  du  premier degré de la gamme de La Mineur. On dit
alors que la mineur est  l’accord  relatif  de  de  Do  Majeur.

On cherche à remplacer le dernier accord de la suite qui est un accord du 1er degré

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On  le  remplace  donc  par  l’accord  du  premier  degré  de  notre  gamme  relative

Notre  nouvelle  suite  d’accords  est  donc :

On  dit  que  La  mineur  est  l’accord  relatif  de  Do  Majeur

Mélanger gammes mineures et majeures du même nom

Cette technique est très simple et très efficace : elle consiste à mélanger les accords
de deux gammes majeures et mineures portant le même nom. Par exemple de
mélanger les accords de la gamme de Do Majeur et de Do Mineur. Ces deux gammes
sont totalement différentes (Do Majeur à une armure vierge alors que Do Mineur à 3
bémols  à  la  clé)  mais  leur  nomenclature  commune  leur  permet  d’avoir  leurs  accords  
classés dans le même ordre. Leur mélange est donc intéressant car pour un même
degré,     même   si   l’accord   porte   le   même   nom, il   sera   d’une   nature   totalement  
différente. Par exemple, le troisième degré de ces deux gammes sera un accord de
Mi, mais dans le cadre  de  la  gamme  de  Do  Majeur  il  s’agira  de  l’accord  de  Mi  Mineur
alors que dans celui de la gamme de Do Mineur,  d’un  accord de Mi bémol majeur.

Accords issus de la gamme de Do Majeur: (on les retrouve après harmonisation de la


gamme  comme  nous  l’avons  précédemment)

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Accords issus de la gamme de Do Mineure :

Maintenant,   il   ne   vous   reste   plus   qu’à   tester   différentes   combinaisons en piochant


parmi les accords de ces deux gammes.

Exemples de  combinaisons  d’accords  entre  les  deux  gammes:

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Composer sa chanson de A à Z 90

IV  /  Faire  varier  sa  suite  d’accords

En plus de toutes ces astuces, vous pouvez apporter de la variation à votre suite
d’accords  en  fonction  de  la manière dont vous la jouez.  Jusqu’alors,  on  se  contentait  
seulement de changer la nature des accords, mais la façon dont vous allez jouer ces
accords est tout aussi importante.

Un  bon  moyen  d’apporter  de  la  variation  à  votre  suite  d’accords  consiste  à  l’arpéger.
Que veut dire « arpéger» un accord ?  C’est  très  simple : ça veut dire jouer les notes
qui le composent une à une.

Exemple : La chanson « Little Love »   d’Aaron est composée de plusieurs accords de


Ré Majeur mais les notes de ces accords ne sont pas jouées simultanément.

Extrait de la partition de « Little Love » : On voit distinctement


que  les  notes  de  l’accord  sont  jouées  une  à  une.

Ce   principe   d’arpège   est   abondement   utilisé   en   composition   et   permet   d’apporter  


une vraie profondeur à  votre  morceau.  Si  vous  voulez  d’autres  exemples  d’arpèges,  
je vous invite à écouter les morceaux « Nothing Else Matters » de Metallica
(l’introduction),  « Hotel California » des Eagles ou encore Aerodynamic de Daft Punk
(le solo de guitare)

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Et  n’oubliez  jamais…

Que  toutes  ces  techniques  ne  sont  que  des  outils  pour  favoriser  l’inspiration  et  vous  
aider à démarrer. Cependant, ce ne sont en aucun cas des règles immuables à
respecter scrupuleusement. Ne faites   surtout   par   l’erreur   de   devenir   un  
« mathématicien de la musique » et de calculer absolument tout ce que vous faites
en ayant uniquement recours à la théorie.

N’oubliez  jamais qu’en  musique,  il  n’existe  aucune règle qui ne puisse être enfreinte,
et  que  c’est  justement  l’infraction  de  ces  règles  qui  vous  permettra  de  découvrir  les  
sonorités   les   plus   intéressantes.   La   beauté   de   la   musique,   c’est   aussi   et   surtout   la  
possibilité  d’être  libre  de  pouvoir  faire  ce  que  vous  voulez  grâce  au  pouvoir  de  votre
imagination.

© Brisbane City Council

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Composer sa chanson de A à Z 92

A vous de jouer :

Exercice 1: Trouvez un accompagnement à partir des 6 accords universels

Exercice 2: Trouvez un accompagnement à partir du cycle des quintes :


- En utilisant que des accords majeurs ou mineurs dans un premier temps
- En mélangeant accords mineurs et majeurs dans un second temps.

Exercice 3:  Grâce  à  la  technique  d’harmonisation  des  gammes,  construisez  une  


suite  de  4  accords  à  partir  de  l’accord  de :
La Majeur
Do Mineur

Exercice 4:   Construisez   la   suite   d’accords   I   vi   IV   V   à   partir   de   l’accord   de   Sol  


Majeur

Exercice 5:  Modifiez  la  suite  d’accords : Do Majeur / Fa Majeur / Sol Majeur / Do


Majeur
- En intégrant des accords renversés et de différentes natures
- En  empruntant  des  accords  d’autres  tonalités

Exercice 6:   Jouez   la   même   suite   d’accords (de votre choix) en la faisant varier
grâce  aux  techniques  d’arpèges.

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Composer sa chanson de A à Z 93

Chapitre 5 : Pilier 2, la mélodie

Dans cette partie vous allez apprendre :

5 Méthodes pour apprendre à créer vos propres mélodies (+ leurs variantes


pirates)

Une méthode pour lutter contre la page blanche et trouver une mélodie même
si  vous  n’avez  aucune  inspiration  

Comment  s’inspirer  des  plus  grandes  mélodies  pour  créer  les  vôtres ?

Quels  sont  les  7  ingrédients  qui  distinguent  une  BONNE  mélodie  d’une  mélodie  
MEMORABLE et comment les intégrer dans vos compositions ?

Les 2 réflexes à adopter pour être sûr de pouvoir juger votre mélodie

Quelle est « LA » question à vous poser absolument pour savoir si vous êtes
dans la bonne direction ?

Et 3 autres techniques pour déterminer si la mélodie que vous venez de


composer est bonne ou non

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Composer sa chanson de A à Z 94

Introduction

Une  des  questions  qui  revient  le  plus  souvent  lorsqu’on  touche  à  la  composition  est :
« Comment trouver une bonne mélodie ? » Comment trouver une mélodie qui va
scotcher mon auditoire ? Comment trouver une mélodie qui puisse faire
frissonner ceux  qui  m’écoutent  ?  Et  surtout,  comment  trouver  une  mélodie  qui  puisse  
marquer leurs esprits à jamais ?

La mélodie est en effet la partie la plus exposée de  la  chanson,  c’est  ce  qu’entendra  
et  retiendra  en  premier  lieu  votre  auditoire.  C’est  la  façade  de  votre  maison.  Elle  se  
retient   mieux   que   n’importe   quelle   autre   partie.   La   preuve : Avez-vous déjà vu
quelqu’un   siffloter   la   suite   d’accords   d’une   chanson ? Il convient donc de
particulièrement soigner la composition de sa mélodie.

En plus de son rôle de « vitrine » de la chanson, la mélodie permet également de


véhiculer  de  l’émotion.  La  mélodie,  c’est  la  passerelle  grâce  à  laquelle  le  compositeur  
peut insuffler ses pensées et son message dans la chanson. Elle permet de réfléchir
(de  manière  inconsciente  ou  non)  son  humeur  et  son  état  d’esprit.  Et  c’est  ça  qui  est  
si fort et si particulier avec la mélodie : elle crée un lien unique entre le compositeur
et son auditeur. Le compositeur partage en effet son intimité à travers la chanson,
alors   que   l’auditeur   trouve   un   écho   de   sa   situation   dans   le   message   délivré   par   la  
chanson.  Les  pensées  de  l’auteur  deviennent  donc  celle  de  l’auditeur  et  inversement.      

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Enfin, la mélodie permet de véhiculer   les   paroles   de   la   chanson   et   d’en   souligner  


l’impact.

Alors comment faire pour créer de belles mélodies ? Comment transformer une
mélodie basique en une mélodie puissante, émotionnelle et mémorable ? Comment
créer des mélodies qui puissent satisfaire l’ensemble   de   ces   critères ?   C’est   ce   que  
nous allons voir au sein de cette partie.

© Horia Varlan

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I / Comment trouver une mélodie ?

Tout comme il existe différentes façons de composer une musique, il existe plusieurs
moyens de trouver une  mélodie.  Comme  je  vous  l’ai  suggéré  précédemment,  je  vous  
conseille donc de tester chacune de ces méthodes jusqu’à   trouver   celle   qui   vous  
correspond le mieux.

Méthode 1 :  L’illumination  divine

Ce  n’est  pas  une  méthode  à  proprement  parlé,  mais  il  était  quand même important
que je vous en parle. Parfois, il vous arrivera de trouver une mélodie incroyable en
faisant   quelque   chose   n’ayant   rien   à   voir   avec   la   composition.   Au   milieu   du  
supermarché,  en  allant  chercher  vos  enfants  à  l’école,  en  plein  milieu  d’un repas, en
conduisant  votre  voiture,  dans  le  métro,  lors  d’une  partie  bowling…  La  mélodie  naîtra  
dans  votre  esprit  sans  même  que  vous  n’y  pensiez.  C’est  d’ailleurs  dans  ces  moments-
là que vous serez le plus créatif car votre esprit et votre inconscient seront libres de
toutes contraintes. Ils deviendront donc plus réactifs et plus enclins à trouver de
nouvelles  idées  (d’où  l’importance  d’avoir  en  permanence  sur  vous  votre  kit  du  petit  
compositeur 5000 !) Ne  sous  estimez  pas  le  pouvoir  de  l’illumination  divine, ça peut
vous arriver bien plus souvent que vous ne le pensez ; surtout si vous mettez en
application tous les conseils que je vous ai prodigués au sein du chapitre sur
l’inspiration. ;)

Soyez  frappés  de  l’illumination  divine  comme  le  Docteur  House


© eaman jiang

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Méthode 2 :  Écrire  une  mélodie  à  partir  d’une  suite  d’accords

La   première   méthode   pour   trouver   une   mélodie   consiste   à   s’appuyer   sur   une   suite  
d’accords.  Maintenant  que  vous  êtes  un  as  dans  ce  domaine,  il  vous  suffit  de  prendre  
la   suite   d’accords de votre choix et de la jouer en boucle. Fermez les yeux,
concentrez-vous, puis essayez de fredonner un petit air inspiré par ce que vous êtes
en  train  d’entendre. Si comme moi vous ne savez pas chanter, rassurez-vous  ce  n’est  
vraiment pas grave : le plus important étant que vous « entendiez » la note que vous
voulez obtenir. Peu importe si cette dernière est fausse au moment où elle sort de
votre  bouche,  si  dans  votre  tête  vous  savez  de  quelle  note  il  s’agit,  alors  tout  va  bien.
Cette méthode est particulièrement efficace car elle vous permet de travailler
directement la relation entre votre mélodie et vos accords. Cette relation est
d’ailleurs  la clé de toute mélodie réussie. (Voir page 115 pour plus de renseignements
sur la façon de faire coïncider un accompagnement et une mélodie). Dans cette
section,  vous  trouverez  également  un  exemple  d’application  concrète  de  la  méthode  
de  composition  d’une  mélodie  à  partir  d’une  suite  d’accords).

Variante pirate : Utiliser   une   boucle   d’accords   d’une   de   vos  


chansons préférées

Comme  son  nom  l’indique,  cette  variante  consiste  à  prendre  une  suite  d’accords  déjà
existante au   lieu   d’une   suite   d’accords   nouvellement   créée.   Quelle   est   l’utilité   d’un  
tel  procédé  alors  que  vous  savez  parfaitement  trouver   une  suite   d’accords ? Mise à
part   le   fait   qu’utiliser   une   boucle   d’accords   déjà   prête   et   reconnue   va   vous   faire  
gagner du temps, cette variante va vous permettre de développer votre créativité. En
effet,   en   vous   reposant   sur   une   suite   d’accords   qui   vous   est   familière,   vous aurez
naturellement  tendance  à  vouloir  reproduire  la  mélodie  de  la  chanson  d’origine.  Pour  
éviter le plagiat, vous aurez donc tout intérêt à vous éloigner de cette mélodie le plus
possible. Et pour ce faire, rien de mieux que de faire appel à votre créativité !

Méthode 3 : Écrire une mélodie à partir de paroles

Une des méthodes les plus répandues pour écrire une mélodie consiste à partir  d’un  
texte.  Pour  réussir  à  créer  de  la  musique  à  partir  de  lettres,  il  faut  tout  d’abord  lire  le  
texte plusieurs fois pour   s’en   imprégner   totalement.   Une   fois   que   vous   avez   bien  
l’atmosphère  de  la  chanson  en  tête,  essayez  de  chanter  les  paroles  jusqu’à  trouver  un  

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air qui vous convienne. Essayez de vous concentrer sur ce que vous inspire le texte,
les  émotions  qu’il  vous  fait ressentir pour essayer de les traduire en musique. Si vous
voulez   un   exemple   d’utilisation   concrète   de   cette   méthode,   je   vous   donne rendez-
vous à la section «composer une musique à partir de paroles page 151).

Méthode 4 :  Partir  d’une  improvisation

Cette méthode est géniale. Elle va vous permettre de trouver une mélodie même si
vous   n’avez   aucune   inspiration. Je la tiens de Keith Richards après avoir lu son
autobiographie « Life » (que je vous recommande chaudement soit dit en passant).
De plus, cette méthode   est   de   loin   la   plus   facile   à   mettre   en   œuvre.   Prenez   un  
magnétophone (ou le dictaphone de votre smartphone ou PC) et appuyez sur le
bouton « record ». Ensuite, allez-y !  C’est  à  vous  de  jouer.  Balancez tout ce que vous
avez et chantez tout ce qui vous passe par la tête. Ne vous arrêtez pas pendant 10
minutes. Une fois que vous avez fini, réécoutez au calme vos enregistrements. Vous
aurez forcément une idée exploitable et à creuser dans le lot.

Méthode 5 : Modifier une mélodie déjà existante

Et pour finir cette sélection en beauté, rien ne vaut une bonne


vieille technique pirate.

Vous êtes assis avec votre guitare ou devant votre clavier et malgré vos multiples
tentatives, rien ne vient ? Vous en avez marre de patauger et vous avez
désespérément besoin   d’aide ? Pas de panique, encore une fois, la piraterie est là
pour  vous  sauver.  Puisque  l’inspiration  ne  vient  pas,  on  va  lui  donner  un  petit  coup  de  
pouce en allant construire notre mélodie à  partir  d’une  chanson  déjà    existante. Pour
mettre en application cette technique, vous pouvez procéder de trois façons
différentes :

Façon 1 : Gardez les notes, changez le rythme

Après  avoir  choisie  la  mélodie  d’une  des  chansons  de  votre  choix,  gardez  les  notes  qui  
la composent mais changez en le rythme. Ce simple changement vous donnera un
rendu   totalement   différent   de   l’original.   Les   deux   chansons   « Ah ! la pêche aux
moules » et « Ah ! vous dirai-je maman » sont par exemple composées des mêmes
notes !

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Façon 2 : Gardez le rythme, changez les notes

Cette façon   de   faire   est   l’inverse   de   la   précédente : cette fois-ci, on va garder le


rythme mais changer les notes de notre mélodie. Encore une fois, là encore, vous
serez surpris de constater les changements que cela entraîne ! Petit exemple avec
une mélodie créée à partir  d’une  chanson  de  Mozart :

Façon 3 : Garder les intervalles, changer le reste

Cette fois-ci, vous allez garder l’intervalle  entre  vos  notes,  c’est-à-dire la distance qui
sépare les notes de votre mélodie. Pour ce faire, vous allez suivre les « mouvements »
de  votre  mélodie.  Je  m’explique : lorsque vous prenez une note quelconque de votre
mélodie,  la  note  suivante  ne  peut  se  situer  qu’à  trois  endroits  différents :

Au même niveau si elle est répétée

Plus haut si elle est plus aiguë

Plus bas si elle est plus grave

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Il   ne   vous   reste   donc   plus   qu’à   prendre   un   stylo   et   à   tracer   une   ligne suivant le
modèle   dicté   par   votre   mélodie.   Au   choix,   vous   pouvez   respecter   l’intervalle   exact  
entre les notes, ou vous contenter seulement de rapporter la fluctuation (haut, bas,
bas   haut,   milieu…   ça   fait   un   peu   code   de   jeu   vidéo   dit   comme   ça   ^^).  

Exemple:

Mélodie

Fluctuations

Maintenant,  il  ne  vous  reste  plus  qu’à  prendre  une  progression  d’accords  de  votre  
choix et de trouver une nouvelle mélodie en chantant des notes (conformément à la
méthode 1) qui suivent les mouvements rapportés sur votre papier. Changez à votre
guise les rythmes et les intervalles pour vous éloigner encore plus du modèle de base.

Variantes:

Inverser les mouvements de votre  graphe  (bas  devient  haut  etc…)


Appliquer le graphe de droite à gauche
Commencer la lecture en plein milieu du graphe

Avertissement concernant la méthode 5 :

Prenez garde à ne pas confondre techniques pirates et plagiat. Ces conseils pourront
vous  être  utiles  en  cas  de  panne  d’inspiration,  ou  pour  vous  aider  à  démarrer  une  
nouvelle chanson. Cependant, je ne vous incite en aucun cas à recopier les mélodies
d’un  autre  artiste.  N’oubliez  pas  que  le  plagiat  est  un  vol  condamné  par  la  loi  et  
passible  d’une  lourde  amende.  Il  faut  absolument  que  votre  nouvelle  mélodie  soit  
méconnaissable par rapport à celle dont elle est issue.

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II / Comment trouver « LA » mélodie ?

Maintenant que vous savez composer une mélodie, vous allez sûrement me dire :

Oui  c’est  bien  gentil  mais  moi  mes  mélodies  sont  trop  quelconques.  Je  n’en  suis  jamais  
satisfait.  Je  n’arrive  jamais  à  trouver  « THE » idée qui puisse faire la différence et
scotcher mon auditoire. Comment faire ?

C’est  une  bonne  question.  Et  vous  avez raison de me la poser car une BONNE
chanson peut devenir une chanson INCONTOURNABLE si sa mélodie est
particulièrement accrocheuse. Alors comment y arriver ? Comment transformer sa
mélodie lambda en mélodie mémorable ? Comment réussir à créer une mélodie qui
fasse la différence ? Suivez le guide !

Étudier les plus grands

La meilleure façon de comprendre ce qui fait une belle mélodie reste encore
d’étudier les chansons réputées pour leurs mélodies. Je vous invite donc vivement à
écouter  la  musique  d’artistes tels que les Beatles, Neil Young, Bob Dylan, Jeff Beck
reconnus pour leur faculté à écrire des mélodies mémorables. Prenez également le
temps  d’étudier  les  mélodies  de  vos  artistes  référents.  

Posez-vous les questions suivantes : Quelles sont les notes utilisées ? Comment
s’enchaînent-elles ? A quel rythme ?  Quel  est  l’intervalle  entre  chaque  note ? Quelle
est la distance entre la note la plus grave et la plus aiguë de la mélodie ? Quelle
relation  entretien  chaque  note  avec  les  accords  de  l’accompagnement ? Etc.

Ensuite, réutilisez les résultats trouvés dans vos propres chansons. Plus vous
écouterez et analyserez de mélodies, et plus votre propre sens de la mélodie sera
développé.

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Utiliser  les  7  ingrédients  d’une  mélodie  mémorable

Ce   n’est   pas   une   science   exacte   (de   toute   façon   en   musique   ce   n’est   jamais   le   cas)  
mais les mélodies des plus grands succès musicaux partagent un certain nombre de
caractéristiques communes. Il existe en effet un certain nombre d’ingrédients utilisés
par les compositeurs pour  rendre  leurs  mélodies  plus  agréables  à  l’oreille  et  surtout  
plus marquantes. Voici ces 7 ingrédients :

Ingrédient n°1 : La répétition

La   répétition   est   l’une   des   caractéristiques   principales   de   la   composition   moderne.  


Elle favorise non seulement la mémorisation du morceau, mais elle permet aussi de
le structurer. Elle est donc indispensable. Cette notion de répétition peut se retrouver
sur plusieurs niveaux du morceau :

- Au niveau du « bloc musical »   c’est-à-dire   d’une des sections de la chanson


comme le  couplet,  le  refrain…  (Voir page 176 pour plus de renseignements sur
les sections du morceau).

- Au   niveau   d’une   phrase musicale : les phrases musicales composent le bloc


musical

- Au niveau des structures rythmiques : la rythmique correspond à la durée des


notes  faisant  partie  d’une  phrase  musicale.

Les différents niveaux de répétition du morceau

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Répétition de la mélodie du bloc musical

Ici,  il  s’agira  de  répéter  toute  la  mélodie  d’un  bloc  musical,  comme  la  mélodie  d’un  
couplet ou d’un  refrain  par  exemple.  Cette  répétition  va  aider  vos  auditeurs  à  se  
souvenir  de  votre  mélodie.  C’est  exactement  comme  lorsque  vous  appreniez  vos  
poésies    à  l’école  étant  petits : plus vous la répétiez, et plus vous la reteniez
facilement. Et bien ici, c’est  exactement  la  même  chose :  plus  les  gens  l’entendront,  
et  plus  ils  se  l’approprieront.  

Répétition des phrases musicales

Une phrase musicale est une partie donnée de la mélodie qui exprime une idée.
L’addition  de  ces  différentes  phrases  musicales  permet de composer le « bloc
musical ».  En  fait,  la  façon  la  plus  simple  de  comprendre  ce  qu’est  une  phrase  
musicale consiste à la comparer avec une phrase classique composée de mots : une
phrase  est  une  suite  de  mots  permettant  d’exprimer  une  idée,  et  une  phrase
musicale  est  une  suite  de  notes  permettant  d’exprimer  une  idée  musicale.  Chaque  
phrase  musicale  à  un  but  et  permet  d’exprimer  un  message.  En  composition,  il  est  
très courant de répéter la mélodie de ces différentes phrases musicales. Cette
répétition va vous permettre de structurer votre bloc.

Exemple: « Little Black Submarines » des Black Keys

Deux phrases musicales constituent le couplet. La mélodie des phrases musicales est
identique même si les paroles sont différentes

Répétition de la structure rythmique

Enfin, il existe un dernier niveau de répétition : la répétition de la structure


rythmique. Cette répétition se situe au sein même du phrasé musical. Il  s’agit  de  
copier la structure  rythmique  d’une  suite  de  notes  appartenant  au  phrasé  musical.
Pour ce faire, il suffit simplement de décaler un bloc de notes de quelques tons (au-

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dessus  ou  en  dessous  du  premier  motif  c’est  comme  vous  voulez)  tout  en  conservant  
leur structure rythmique.

Cette technique est très efficace et très couramment utilisée par les compositeurs.
Paul McCartney lui-même y a eu recours pour composer « Yesterday » :

Vous remarquerez que la première phrase mélodique ("All my troubles seemed so far
away") possède exactement la même structure rythmique que la seconde « Now it
looks as if they're here to stay", cependant les notes de ces deux phrases sont
différentes !

Ingrédient n°2 :  L’équilibre  entre répétition et variation

Comme nous venons juste de le voir, la répétition est un excellent moyen de rendre
son morceau mémorable. Cependant, il ne faut pas en faire trop non plus car si votre
chanson  n’évolue  pas  d’un  pouce,  votre  auditeur  finira  par  se lasser. Une bonne
chanson alterne donc intelligemment répétitions et variations. Comment apporter
un peu de variations à sa mélodie ?  C’est  très  simple : nous venons justement de le
voir grâce à la technique de répétition des structures rythmiques. En effet, grâce à
cette technique vos rythmes seront les mêmes, mais vos notes elles, seront
différentes. Vous apporterez donc de la variété à votre morceau tout en maintenant

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une  certaine  sensation  de  familiarité.  Voici  d’autres  façons  simples  d’apporter  de  la  
variation à vos mélodies :

Ajouter un instrument supplémentaire à la mélodie

Jouer la mélodie avec un autre instrument

User de nuances (jouer plus fort ou moins fort certaines parties de la mélodie)

Ingrédient n°3 : La position de la fondamentale

Comme nous  l’avons  vu  tout  à  l’heure,  la  fondamentale  d’un  accord  est  la  première  
note  de  cet  accord  (par  exemple,  la  fondamentale  d’un  accord  de  Ré  mineur  sera  Ré).  
Cette note a un rôle particulièrement important car si elle est utilisée dans la mélodie
en même temps  que  l’accord,  elle  aura  une  sonorité  particulière.  L’auditeur  aura  en  
effet   une   sensation   de   familiarité   et   de   finalité   en   l’écoutant.   C’est   une   sonorité  
« familière »  qui  permet  de  reposer  l’oreille.

Une  mélodie  utilisant  la  fondamentale  de  l’accord  repose  l’oreille

Il convient donc de placer la fondamentale de façon stratégique pour en maximiser


l’impact.  Puisque  l’auditeur  aura  la  sensation  de  se  sentir  « chez lui »  en  l’entendant,  
il  est  ainsi  préférable  d’utiliser  une  fondamentale  d’accord  en début et en fin de
phrase mélodique. Pour bien comprendre ce principe, il faut que vous voyiez la
phrase mélodique comme un voyage :  en  début  de  voyage,  la  mélodie  s’en  va  de  chez  
elle. Elle se ballade ensuite au gré de ses envies, avant de retourner chez elle en fin
de  voyage.  Ici  c’est  exactement  pareil :  utiliser  une  fondamentale  d’accord  en  début  
de  phrase  mélodique  vous  aidera  à  créer  un  point  de  départ  fort,  tandis  qu’une  
fondamentale  d’accord  en  fin  de  phrase  mélodique  vous  aidera  à  réaliser  une  

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conclusion probante pour votre mélodie.

Les  fondamentales  d’accords  doivent-être utilisées aux moments stratégiques

Cette technique possède un autre avantage considérable : elle vous permet de


favoriser la cohésion entre vos accords et votre mélodie. En effet, vous allez utiliser
des notes contenues dans vos accords pour créer votre mélodie (qui plus est aux
moments les plus stratégiques de cette dernière).

Si on se penche sur le morceau « Angie » des Rolling Stones, on voit que la phrase
mélodique  s’étale  le  long  de  la  phrase  « Angie, I still love you Baby ». Or, on voit que
Mick  Jagger  et  Keith  Richards  ont  justement  utilisé  des  fondamentales  d’accords  en  
début et en fin de cette phrase. Lors du « An » de « Angie », on voit par exemple que
la note de la mélodie est le « Ré »,  fondamentale  de  l’accord  de  Ré  mineur,  tandis  
qu’au  moment  du  «by»,  tombe  le  « La »  de  l’accord  de  La  mineur.  

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Ingrédient n°4 : Le point culminant

Il y a dans chaque mélodie intemporelle un point culminant. Durant ce bref instant,


la chanson atteint son paroxysme. Les paroles, la mélodie et les accords sont en
parfaites   symbioses   et   l’intensité   de   la   mélodie   est   à   son   maximum.   En   écoutant  
attentivement vos chansons préférées, vous devriez apprendre à repérer rapidement
ce point culminant.

Exemple: Dans « Hey Jude » des Beatles, le point culminant de la mélodie se situe au
moment « LET » de la phrase « Let her into your heart ».

Pour   assurer   l’efficacité   de   votre   mélodie,   il   faut   que   vous   aussi   vous   appreniez   à   y  
intégrer un point culminant. Essayez de penser et de construire vos mélodies dans le
but   d’atteindre   ce   point.   Une   bonne   méthode   pour   y   arriver   consiste à créer une
mélodie   ascendante   et   d’utiliser   la   note   la   plus   aiguë   de   cette   série   comme   point  
culminant. Le point culminant est généralement placé vers la fin de la phrase
mélodique.  Pas  tout  à  fait  à  la  fin,  mais  juste  avant  qu’elle  ne  se  termine.

Ingrédient n°5 : La forme de la mélodie

En règle générale, les bonnes mélodies ont une forme clairement définie.  C’est  assez  
difficile  à  expliquer,  mais  en  jetant  un  œil  sur  sa  partition  on  peut  juger  visuellement  
de   l’efficacité   ou   non   d’une   mélodie.   Cela   vient du fait que la mélodie délivre un
message. Elle doit donc avoir du sens et respecter une certaine logique. De ce fait, la
mélodie  ne  peut  pas  être  qu’une  succession  aléatoire  de  notes  dispatchées  ici  et  là  au  
gré de la partition. Elle doit respecter une certaine fluidité, ce qui se traduit par des
notes relativement proches entre elles et un contour clairement défini.

Exemple :

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La mélodie de « Yesterday » des Beatles illustre parfaitement ce principe :

Bien  sûr  cette  règle  n’est  pas  immuable  et  il  est tout à fait possible de composer de
magnifiques mélodies sans pour autant respecter de logique entre les notes (les
mélodies de Queen en sont un parfait exemple) mais si vous débutez, vous verrez que
donner une forme clairement définie à votre mélodie vous aidera à la faire gagner en
fluidité.

Ingrédient n°6 : La longueur

Lorsque vous venez à composer votre mélodie, il est très important que vous fassiez
attention à sa longueur. Une mélodie trop longue va en effet être perçue comme
ennuyeuse  pour  l’auditeur,  tandis  qu’une  mélodie  trop  courte  ne  sera  pas  suffisante  
pour   être   mémorisée.   Bien   entendu,   il   n’existe   pas   de nombre de mesures exactes
car chaque chanson est différente. Cependant, il vous appartient tout de même de
veiller à ce que cette longueur soit cohérente en fonction des autres parties de votre
chanson.  Car  même  si  ce  sont  les  notes  qui  vont  constituer  l’essence  même  de  votre  
mélodie, il ne faut pas non plus en négliger sa forme. Une mélodie de taille optimale,
c’est   en   effet   une   mélodie   qui sera plus facilement mémorisée, et donc plus
marquante que les autres.

Ingrédient n°7 : La durée des notes

Enfin, le dernier point concerne la durée de vos notes,  c’est-à-dire la rythmique de


votre mélodie. En général, plus le tempo général de votre morceau sera lent, et plus
ce   dernier   sera   mélodique.   Cette   propriété   s’applique   également   à   l’échelle   des  
notes :  plus  elles  seront  tenues,  et  plus  elles  véhiculeront  de  l’émotion.  Veillez  donc  à  
bien choisir les notes « longues » de votre mélodie. Par exemple, les notes tombant
sur les mots forts et émotionnels de vos paroles (voir page 148 pour voir comment
faire coïncider paroles et musique).   Je   vous   conseille   également   d’alterner   entre  
notes rapides et notes tenues pour obéir au principe de « répétitions / variations »
couvert au point n°2.

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Composer sa chanson de A à Z 109

III  /  Vérifier  l’efficacité  de  sa  mélodie

Après avoir composé votre mélodie, vous pouvez être tenté de vous demander si
cette dernière est réellement efficace et si elle se retient facilement. (Pas facile de
prendre du  recul  sur  sa  chanson,  lorsqu’on  a  eu  le  nez  dedans  pendant  des  lustres !).
Voyons ensemble comment y arriver.

1) Les réflexes à adopter


Pour   réussir   à   juger   de   l’efficacité   de   votre   mélodie,   il   faut   avant   tout   que   vous  
développiez deux réflexes. Ces deux réflexes sont indispensables, il faut absolument
qu’il   fasse   partie   de   vos   habitudes   de   compositeur   (au   même   titre   que   vous   avez  
maintenant appris à ne jamais vous séparer de votre kit du petit compositeur
5000). ;)

Réflexe n°1 : Prendre du recul

C’est le premier réflexe que doit absolument intégrer tout compositeur. Une fois que
vous venez de composer quelque chose, laissez-le reposer deux ou trois jours avant
de revenir dessus. Ça vous aidera à aborder votre travail avec un regard neuf.
Surtout, ne faites  pas  l’erreur  de  considérer  que  votre  composition  est  déjà  parfaite  
en  soi.  N’oubliez  jamais  que  vous  pouvez  toujours  l’améliorer  d’une  manière  ou  d’une  
autre. En musique, il faut aussi savoir se remettre en question et rester humble. ;)

Faites un petit break


©Nozav

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Réflexe n°2 : Posez-vous « LA » question

Dès  que  vous  venez  de  composer  quelque  chose  (qu’il  s’agisse  d’une  chanson  finie  ou  
d’une  simple  ébauche)  posez-vous constamment la question suivante : « Est-ce que
ça sonne bien ? ».  C’est  vrai que vu comme ça, cette question peut paraître absurde,
mais  elle  n’en  demeure  pas  moins  essentielle.    En  musique,  il  y  aura  en  effet  toujours  
une part que je ne pourrai jamais vous expliquer (et ce, même si je vous donnais
toutes les techniques de composition du monde !).  Cette  part,  c’est  « le feeling » ; ce
que vous ressentez en écoutant votre musique. Est-ce que votre mélodie vous prend
aux tripes ? Est-ce  qu’elle  vous  fait  rêver ? Est-ce  qu’elle  vous  marque ? Est-ce  qu’elle  
« résonne » en vous. Prenez bien le temps de « ressentir » votre musique et
demandez-vous si elle vous plaît vraiment. Soyez particulièrement concentrés, car
cette question, vous seul pouvez y répondre.

2) Les techniques pratiques


Les 3 techniques suivantes vous aideront à déterminer si votre mélodie est efficace
ou  si  elle  mérite  d’être  retravaillée  davantage.

Technique 1 :  La  Check  List  de  l’enfer

La   Check   List   de   l’enfer (vous   avez   vu,   j’arrive   toujours   à   trouver   des   supers   noms  
pour  mes  techniques  de  compositions,  c’est  sans  doute  l’influence  de  Dragon  Ball  Z  et  
de Pokémon dans ma jeunesse^^) est un outil qui va vous aider à vous poser les
bonnes questions. Elle va vous permettre de prendre du recul vis-à-vis de votre
mélodie,  tout  en  vous  donnant  l’opportunité  de  vérifier  que  vous  n’avez  rien  oublié  
d’important.  

Petit  avertissement  sur  la  Check  List  de  l’enfer :

Toutes  les  bonnes  mélodies  ne  couvrent  pas  obligatoirement  l’ensemble  de  ces  
points.  Si  votre  mélodie  ne  remplit  pas  l’une  des  caractéristiques  suivantes,  ce  n’est  
pas  qu’elle  est  mauvaise  pour  autant.  Cette  liste  n’est  là  que  pour  vous  aider  et  vous  
donner des indications. Il faut que vous la voyiez comme un support, et non comme
une  liste  de  commandements  sacrés.  De  toute  façon,  comme  je  vous  l’ai  dit en
introduction  de  ce  livre,  la  composition  n’est  pas  une  recette  de  cuisine,  on  ne  peut  
pas  résumer  cette  activité  à  une  simple  succession  d’étapes.

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Ma mélodie intègre-t-elle des répétitions ?

Alterne-t-elle judicieusement entre répétitions et variations ?

Ai-je  fait  un  bon  usage  de  la  dominante  de  l’accord ?  L’ai-je utilisé assez
souvent ? Est-elle placée aux points stratégiques de ma mélodie ?

Puis-je déceler un point culminant dans ma mélodie ?

Est-ce  que  ma  mélodie  véhicule  assez  d’émotion ?

Est-ce que les notes de ma mélodie suivent une progression cohérente ?


Y-a-t-il une forme clairement définie qui se dégage ?

La longueur de ma mélodie est-elle optimale ? Est-elle suffisamment


longue pour être mémorable et suffisamment courte pour ne pas
ennuyer  l’auditeur ?

Ai-je alterné notes longues et notes courtes pour apporter du contraste


à ma mélodie ? Ai-je utilisé les notes de longues durées aux moments
opportuns ?

Est-ce que ma mélodie me plaît ? Me fait-elle vibrer ? Dégage-t-elle de


l’émotion  lorsque  je  l’écoute ?

Technique 2 :  L’enregistrement

La  qualité  d’une  bonne  mélodie  repose  sur  deux  principaux  facteurs  :

Sa faculté de mémorisation

Sa capacité à rester durablement  dans  l’esprit  de  vos  auditeurs

La   technique   de   l’enregistrement   va   vous   aider   à   vérifier   l’efficacité   de   ces   deux  


paramètres. Pour ce faire, enregistrez votre mélodie (et votre mélodie uniquement)
sur dictaphone. Pas de paroles, vous devez seulement enregistrer le son de votre
mélodie. Aidez-vous  d’onomatopées  ou  de  syllabes  comme « la, la, la » ou « ho, ho,
ho », ça vous permettra de vous concentrer uniquement sur la sonorité et la

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musicalité de votre mélodie. Une fois enregistrée, écoutez attentivement votre


mélodie plusieurs fois de suite. Laissez là de côté durant quelque temps, puis
revenez-y quelques jours plus tard. Si vous après ce laps de temps vous êtes toujours
capable de vous rappeler de votre mélodie, alors vous êtes sur la bonne voie. Sinon,
retournez au charbon !

Technique 3 : Le tracé

La technique du tracé est un excellent moyen pour vérifier la logique et la fluidité de


votre mélodie. Le principe est similaire à celui utilisé pour les intervalles. Prenez une
feuille  de  papier  et  un  stylo.  Placez  la  pointe  du  stylo  à  l’extrémité  gauche  de  votre  
feuille et tracez un trait en suivant les fluctuations de votre mélodie. Pour cela,
chantez votre mélodie à tue-tête   (ou   écoutez   là   si   vous   l’avez   enregistrée) et soyez
attentif à son évolution. Si votre mélodie devient plus aiguë, tracez une ligne vers le
haut, si elle redescend  vers  le  bas  etc…  A  la  fin  de  l’opération,  vous  devrez  avoir  une  
ligne continue fluctuant de haut en bas.

Plus votre ligne connaîtra de changements de directions, et plus il sera difficile


pour vos auditeurs de la mémoriser.

Au contraire, une ligne trop morne ou trop plate souligne un autre problème :
votre   mélodie   n’a   pas   assez   de   contraste   et   de   personnalité.   Il   faudra   la  
retravailler pour la rendre plus distinctive.

Bon,  je  vous  avoue  qu’il  n’y  a  strictement  rien  de  scientifique  dans  cette  méthode,
mais ça peut être un bon moyen pour déceler les problèmes les plus flagrants de
votre mélodie.

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IV/ le mot de la fin

Si vous débutez en composition, il se peut que vous ne soyez pas satisfait de vos
premières mélodies, et ce, même si vous avez respectez chacun des points présentés
au  sein  de  ce  chapitre.  Si  c’est  le  cas,  ne  désespérez  pas,   c’est  tout  à  fait  normal. Il
faut  du  temps  pour  réussir  à  créer  de  belles  mélodies.  Comme  dans  n’importe  quelle  
activité,   c’est   en   vous   entraînant   et   en   pratiquant que vous progresserez. Alors ne
baissez pas les bras et continuez de persévérer : vous finirez par y arriver.

Enfin, je vous encourage vivement à aller  à  l’encontre  de  toutes  les  règles présentées
au   sein   de   ce   chapitre.   Je   sais   que   je   vous   l’ai   déjà répété maintes et maintes fois
depuis le début du livre (alors une fois de plus ça ne changera pas grand-chose…),  
mais   la   musique   n’est   pas   une   science   exacte,   c’est   un   art.   Parfois,   il   y   aura   des  
chansons avec des mélodies incroyables qui seront construites sur un modèle
parfaitement  opposé  à  celui  que  je  vous  ai  présenté.  C’est  ça  aussi  qui  fait  la  beauté  
de la chose.

De mon côté, je me contente simplement de vous donner des indications et des


ingrédients qui ont fait leurs preuves. Mais jamais, ô grand jamais, je ne vous
demanderai  de  respecter  ces  indications  à  la  lettre.  C’est  même  le  contraire : allez à
leur encontre, testez-les, et forgez-vous votre propre opinion. Explorez toutes les
portes  qui  se  présenteront  à  vous  et  surtout,  n’oubliez  jamais  d’ajouter votre propre
grain de folie et de personnalité à vos compositions.

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A vous de jouer :

Exercice 1: Prenez   une   suite   d’accords   composée   au   chapitre   précédent     et  


essayez de lui ajouter une mélodie grâce à la méthode n°2.

Exercice 2: Essayez de trouver une mélodie à partir de rien. Prenez comme point
de   départ   l’enregistrement   d’une   de   vos   improvisations.   Ensuite,   peaufinez   votre  
mélodie  en  vous  aidant  des  7  ingrédients  d’une  mélodie  mémorable.

Exercice 3: Choisissez la mélodie d’une  de  vos  chansons  préférées.  Vous  vous  
inspirerez de cette mélodie pour créer trois mélodies différentes grâce aux trois
techniques pirates de la méthode n°5.

Exercice 4: Choisissez  une  chanson  d’un  de  vos  artistes  référents.  Analysez  
ensuite les trois niveaux de répétitions de cette chanson et reproduisez-les pour
composer une mélodie de votre choix. Répétez cet exercice en vous focalisant cette
fois  sur  l’usage  de  la  dominante  et  des  notes  de  l’accord  dans  la  mélodie.  

Exercice 5: Piochez trois chansons  de  votre  choix  et  pour  chacune  d’entre  elle  
repérez le point culminant. Sur quelle parole tombe-t-il ? Comment a-t-il été amené ?
Qu’est-ce qui en fait sa particularité ?

Exercice 6: Grâce à toutes les techniques que nous avons vues, composez une
mélodie  respectant  l’ensemble  des  points  de  la  check  list  de  l’enfer.  Puis,  composez  
une nouvelle mélodie faisant le strict opposé des points présentés au sein de la check
list  de  l’enfer.

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Chapitre 6 :  Lier  l’accompagnement  et  la  


mélodie

Dans cette partie vous allez apprendre :

A lier harmonieusement votre accompagnement et votre mélodie

Une  méthode  étape  par  étape  pour  composer  une  mélodie  à  partir  d’un  
accompagnement

Une méthode étape par étape pour trouver un accompagnement à votre mélodie

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Introduction

La  beauté  d’une  mélodie  ne  dépend  pas  forcément  des  notes  qui  la  composent : elle
dépend surtout de la relation qu’elle  entretient  avec  son  accompagnement.  En  effet,  
une  suite  d’accords  a  pour  rôle  de  supporter  et  de  mettre en valeur la mélodie. Tout
au  long  de  la  chanson,  mélodie  et  accompagnement  vont  se  rencontrer,  s’opposer,  et  
se compléter. Il est donc impératif que vous considériez la composition de ces deux
éléments simultanément.

Règle  d’or  de  la  composition :

La   mélodie   et   l’accompagnement   sont   totalement   liés.   L’une   ne   peut   pas   aller   sans  
l’autre.  Il  faut  donc  composer  une  mélodie  en  fonction  de  son  accompagnement,  et  
un accompagnement en fonction de sa mélodie.

Pour prendre un parallèle, je dirai que la mélodie et son accompagnement sont


semblables à un pilote de rallye et son copilote : certes il y en a un qui est là pour
épauler   l’autre,   mais   c’est   seulement   ensemble,   et   grâce   à   une   parfaite   cohésion  
d’équipe,  qu’ils  pourront  gagner  la  course.  

Dans cette partie, nous verrons donc comment faire coïncider parfaitement
accompagnement et mélodie. Dans un premier temps, nous verrons une méthode
pour  écrire  étape  par  étape  une  mélodie  mémorable  à  partir  d’accords,  puis  dans  un  
second temps, nous verrons comment trouver un accompagnement efficace pour
une mélodie donnée.

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I  /  Créer  une  mélodie  à  partir  d’une  suite  d’accords

Tout   à   l’heure,   nous   avons   vu   que   pour   composer   une   mélodie,   une   méthode  
particulièrement   efficace   consistait   à   prendre   une   suite   d‘accords   comme point de
départ.   A   partir   de   cette   suite   d’accords,   je   vous   incitais   ensuite   à   siffloter   un   air  
jusqu’à  trouver  une  mélodie  qui  vous  plaise.  Dans  cette  partie,  nous  allons  revenir  en  
détail et point par point sur cette méthode. Cependant, plutôt que de nous fier
entièrement à notre instinct, nous allons nous aider de techniques pour réussir à
composer la mélodie.

Étape 1 :  Prendre  une  suite  d’accords


Grâce au premier pilier, vous connaissez maintenant toutes les techniques pour
trouver  une  suite  d’accords. Choisissez en une parmi toutes celles que vous avez déjà
composées. Pour cet exemple, je vais prendre la suite : Do Majeur, Sol Majeur, et La
Mineur

Étape 2 :  Utiliser  les  notes  contenues  dans  l’accord


Il est maintenant temps de trouver une mélodie pour agrémenter nos accords. Pour y
arriver, un bon point de départ consiste à utiliser les notes contenues dans les
accords. Par exemple, notre premier accord est un accord de Do majeur. Il est
composé des notes Do, Mi, et Sol. On va donc choisir une de ces trois notes pour
former  notre  mélodie.  Retenez  bien  cette  règle  car  c’est  l’une  des  plus  simples  mais  
aussi   l’une   des   plus   fondamentales   de   la   composition : si vous voulez lier
efficacement votre accompagnement et votre mélodie, utilisez les notes de vos
accords pour composer votre mélodie.

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J’utilise  les  notes  de  mes  accords  pour  composer  la  mélodie

Remarque : Rappelez-vous  que  l’une  des  façons  sûres  de  construire  une  mélodie  
mémorable  consiste  à  utiliser  judicieusement  les  fondamentales  d’accords.  C’est  ce  
que  j’ai  fait  ici  en  plaçant  mes  fondamentales  aux  endroits  stratégiques : au premier
et au dernier accord de mon accompagnement.

Étape 3 : Agrémenter la mélodie grâce à des notes de la gamme


On ne va pas se contenter de composer une petite mélodie à 3 notes. Pour compléter
notre   mélodie,   deux   choix   s’offrent   à   nous :   utiliser   d’autres   notes   contenues   dans  
l’accord  comme  nous  l’avons  vu  précédemment,  ou  utiliser des notes provenant de
la gamme issue de la tonalité du morceau.

La tonalité nous indique en effet quelle gamme a été utilisée pour construire le
morceau.   En   déduisant   la   tonalité   du   morceau   (grâce   à   l’étude   des   accords),   nous  
pourrons donc connaître les notes qui sonneront justes pour composer notre
mélodie. En fait, on fait ici le strict inverse de ce que nous avons fait
précédemment dans  la  partie  consacrée  aux  accords  :  au  lieu  de  partir  d’une  gamme  
pour trouver les accords qui marchent, on part des accords pour trouver la gamme
qui marche.

Ici au vu des différents accords de ma suite, on en déduit que la tonalité du morceau


est « Do Majeur »   (pour   apprendre   à   repérer   la   tonalité   d’un   morceau   en   un   clin  
d’œil,   consultez mon cours vidéo en cliquant ici).   On   sait   donc   que   l’on   va   pouvoir  
piocher parmi les notes de la gamme de Do majeur pour agrémenter notre mélodie.

J’utilise  les  notes  de  la  gamme  issue  de  la  tonalité  
du morceau pour agrémenter la mélodie

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Pour  l’instant,  on va rester simple en rajoutant uniquement des notes voisines à nos
premières notes :

Note : Utiliser des notes issues de la tonalité générale du morceau est un des autres
concepts clés permettant de lier efficacement mélodie et accompagnement.

Étape 4 :  Inclure  des  sauts  d’intervalles


Notre mélodie commence vraiment à ressembler à quelque chose maintenant. Mais
on ne va pas en rester là ; on va passer à la vitesse supérieure pour lui apporter
encore  plus  de  fraîcheur  et  d’originalité.  Pour  y  arriver,  on  va   varier la longueur des
intervalles entre les notes de notre mélodie. (Pour rappel, un intervalle est la
distance séparant deux notes). On va laisser certaines notes relativement proches
entre-elles,  tandis  que  l’on  va  créer  des  « sauts »  entre  d’autres  notes  pour  créer  un  
effet de surprise. Faites parler votre inspiration et procéder par tâtonnement pour
déterminer quelles sont les notes à espacer, ou celles à rapprocher. Libre à vous
d’agrémenter   ensuite   votre   mélodie   de   quelques   notes   supplémentaires   pour  
l’étoffer  encore  plus.

Quelques notes supplémentaires et des intervalles différents (mais cohérents)


permettent  d’étoffer  la  mélodie

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Étape 5 : Varier les rythmes


Enfin,  pour  parfaire  notre  mélodie,  il  ne  nous  reste  plus  qu’à  apporter  de  la  variation  
au niveau rythmique. Chantez votre mélodie en boucle et variez la durée de certaines
notes   jusqu’à   ce   qu’un   rythme   spécifique   s’impose   à   vous   naturellement.   Voilà,   le  
tour est joué ! Vous avez réussi à composer une belle mélodie à partir de vos
accords. ;)

En voilà une belle mélodie !

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II / Trouver un accompagnement efficace pour sa mélodie

Considérons maintenant le cas inverse du précèdent : vous venez de trouver une


mélodie magnifique, mais vous ne savez pas comment composer son
accompagnement. Vous vous demandez quels sont les accords à utiliser pour la
mettre en valeur, ou au contraire ceux à éviter. Dans le jargon musical, cet art
consistant   à   agrémenter   une   mélodie   d’accords,   c’est   ce   qu’on   appelle  
« l’harmonisation ». Bien entendu, pour une mélodie donnée, il peut y avoir
plusieurs harmonisations possibles, mais il existe tout de même certains principes
généraux qui vous aideront à trouver les « bons » accords pour votre mélodie.

Étape 1 : Retranscrire la mélodie


La   première   chose   à   faire,   c’est   de   mettre   par écrit les notes qui composent votre
mélodie. Pour cela rien de plus simple : munissez-vous de votre instrument, chantez,
et retranscrivez les notes une à une. Ensuite, faites attention à la longueur de ces
notes les unes par rapport aux autres pour en dégager la rythmique. En règle
générale,  vous  n’aurez  pas  trop  à  vous  casser   la  tête  pour  dégager   la  rythmique  de  
votre   mélodie   puisque   l’immense   majorité   des   morceaux   actuels   (et   donc   que   vous  
composerez) sont en 4 temps (voir le pilier 4 sur la rythmique page 158 pour plus
d’informations).

Et voilà notre mélodie !

Étape 2 : Trouver la tonalité du morceau


Comme  tout  à  l’heure,  nous  allons  devoir  trouver  la  tonalité  du  morceau  pour  savoir  
dans quelle gamme piocher nos accords. Après analyse de notre mélodie, on se rend
compte que tous les « Do » et les « Fa » qui la composent sont « dièses ». De plus,
que la première et la dernière note du morceau sont des Ré. Tous ces indices nous
permettent  d’en  déduire  que  la  tonalité  du  morceau  est  Ré  majeur.  (Encore  une fois,

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si   vous   avez   du   mal   à   déterminer   la   tonalité   d’une   mélodie   ou   d’un   morceau,  


regardez mon tutoriel vidéo sur le sujet en cliquant ici).

Étape 3 : Harmoniser la gamme


On sait maintenant que la tonalité de notre mélodie est Ré Majeur. Nous allons donc
partir de la gamme de Ré Majeur pour nous aider à trouver les « bons » accords.
Exactement   comme   nous   l’avons   fait   dans   la   partie   consacrée   aux   accords,   nous  
allons harmoniser cette gamme. En harmonisant notre gamme de Ré Majeur, on
obtient ainsi les accords Ré Majeur, Mi Mineur, Fa# Mineur, Sol Majeur, La Majeur, Si
Mineur et Do# Diminué.

La tonalité du morceau est Ré Majeur, on part donc de


la gamme de Ré Majeur pour trouver nos accords

On harmonise la gamme et on en déduit nos accords

Étape 4 : Déterminer ou placer les accords


Avant   d’utiliser   nos   accords   pour   harmoniser   notre   mélodie,   il   faut   d’abord   se  
demander   où   placer   ces   accords.   En   effet,   nous   n’allons pas utiliser un accord
différent pour chaque note de la mélodie. Cette répartition est assez subjective et
dépendra vraiment des notes (et des paroles) que vous voulez mettre en valeur.
Malgré   tout,   si   vous   n’avez   strictement   aucune   idée   de   la   façon   dont répartir vos
accords, une méthode sûre consiste à les placer sur les temps 1 et 3 de votre mesure.
Pourquoi ces temps en particulier ?  Parce  qu’ils  correspondent  à  ce  qu’on  appelle  des  

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Composer sa chanson de A à Z 123

« temps forts »,  c’est-à-dire des temps qui seront naturellement plus marqués que
les autres.

Placez vos accords sur les temps forts de la mélodie

Étape 5 : Harmoniser grâce aux accords I, IV, V


Maintenant  que  l’on  sait  quels  accords  utiliser  et  ou  les  placer,  il  ne  nous  reste  plus  
qu’à   harmoniser   notre   mélodie.   Commençons   tout   d’abord   par   la   première   et   la  
dernière note de notre mélodie. En effet, nous allons utiliser un accord du premier
degré   (c’est-à-dire   l’accord   Ré   Majeur   dans   notre   cas)   pour   respecter   le   principe  
d’utilisation  de  la  fondamentale  d’accords.

Utilisez  l’accord  du  premier  degré  pour  la  première  et  la  dernière  note  de  la  mélodie

A   ce   point   de   l’harmonisation,   vous   allez   sûrement   me   demander   quels   sont   les  


accords à utiliser pour les autres notes de la mélodie. Parmi les 7 accords que nous
avons sous la main, comment savoir lesquels choisir et où faut-il les placer ?  C’est  très  
simple :  pour  une  première  ébauche  d’harmonisation,  je  vous  conseille  tout  d’abord  
de  n’utiliser  que  les accords I, IV, et V de votre gamme. Pourquoi ces trois accords en
particulier ?  Tout  simplement  parce  qu’ils  contiennent  à  eux  trois  toutes  les  notes  de  
la gamme !  A  eux  trois,  ils  suffisent  donc  à  harmoniser  l’ensemble  de  votre  mélodie.

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Commencez votre harmonisation avec


les accords I, IV, et V de votre gamme

Testez un peu avec votre instrument et voyez quel accord vous préférez parmi les
trois. La répartition de ces trois accords au sein de votre mélodie se fait de façon tout
à fait arbitraire, et en fonction de vos préférences. Après quelques recherches, on
peut dresser une première version de notre harmonisation :

Note :  Vous  pouvez  même  intégrer  des  renversements  (comme  je  l’ai  fait  ici  pour  le  
deuxième accord) pour ajouter de la diversité à votre accompagnement.

Étape 6 : Inclure les autres accords de la gamme


Cette première harmonisation est une bonne base, mais elle manque un peu de
diversité. Pour y ajouter du piment, on va remplacer certains de nos accords
précédents  par  d’autres  accords  issus  de  la  tonalité.  Autrement  dit,  on  ne  va  plus  se  
contenter  d’utiliser  les accords I, IV, V :  on  va  pouvoir  choisir  n’importe  quel  accord  
de  notre  gamme.  Quel  accord  choisir  pour  être  sûr  qu’il  corresponde  à  la  mélodie ?
Facile, on va reprendre une des règles vues dans la première partie de ce chapitre :
on va utiliser des accords dont les notes sont comprises dans notre mélodie.
Par exemple, on cherche à remplacer le deuxième accord de la deuxième mesure
pour  éviter  d’utiliser  deux  fois  le  même  accord  dans  l’accompagnement.  La  note  qui  
tombe à ce moment-là de la mélodie est le Ré. On va donc choisir parmi notre liste un

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Composer sa chanson de A à Z 125

accord  contenant  la  note  Ré.  L’accord  de  Si  mineur  correspondant  au  6 ème degré de la
gamme   fera   parfaitement   l’affaire   car   il   est   composé   des   notes   Si,   Ré,   et   Fa#.   En  
procédant de la même façon, on peut remplacer  d’autres  accords  et  diversifier  notre  
accompagnement :

Intégrez les autres accords de la tonalité en vous basant sur les notes communes

Étape 7 : Mettez de la variété dans votre accompagnement


Enfin, pour apporter de la variété à votre accompagnement, vous pouvez utiliser
toutes les techniques décrites dans la section « varier   sa   suite   d’accords ». Utilisez
des   accords   d’autres   tonalités,   changez   la   nature   de   vos   accords   (accords   tronqués,  
accords à 4 notes), jouez certains accords de façon arpégée et d’autres   de   façon  
plaquée.   De   même   variez   la   rythmique   de   votre   accompagnement.   Ici   je   n’ai   utilisé  
que des blanches, mais rien ne vous empêche de faire durer certains accords, ou au
contraire   d’ajouter   d’autres   accords   pendant   les   temps   faibles.   Faites-vous plaisir,
testez  et  soyez  à  l’écoute  de  votre  inspiration.  N’oubliez  pas  qu’en  musique  tout  est  
possible !

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A vous de jouer :

Exercice 1 : Prenez  la  suite  d’accords  de  votre  choix  et  composez  une  mélodie  à  
partir de cette dernière en vous aidant  de  l’exemple  ci-dessus.

Exercice 2: Prenez une mélodie que vous venez de composer et trouvez son
accompagnement  grâce  aux  7  étapes  d’harmonisation.

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Chapitre 7: Pilier 3, les paroles

Dans cette partie vous allez apprendre :

A trouver un thème pour votre chanson

LE    sujet  inépuisable  qui  marche  à  tous  les  coups  (et  qui  n’est  pas  l’amour !)

5 étapes progressives pour vous aider à écrire vos paroles

5  astuces  pour  améliorer  drastiquement  l’impact  de  vos  paroles

Comment vous inspirer des techniques issues de la poésie pour écrire vos
paroles ?

Comment choisir un titre efficace pour votre chanson ?

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Introduction

Nous  arrivons  maintenant  au  troisième  des  quatre  piliers  d’une  chanson : les paroles.
Ce pilier, je sais qu’il   laisse   peu   d’entre   vous   insensibles.   En   général,   soit   vous   le  
détestez   car   l’écriture   des   paroles   est   un   des   exercices   les   plus   difficiles   de   la  
composition,  soit  vous  l’adorez  car  la  dimension  textuelle  d’une  chanson  revêt  pour  
vous une importance particulière.  Quoi  qu’il  en  soit,  que  vous  les  adoriez  ou  que  vous  
les détestiez, les paroles sont un des éléments fondateurs de la chanson. Car plus
qu’un  simple  texte,  les  paroles  d’une  chanson  se  doivent  de  remplir  plusieurs  rôles :

Porter le message de la chanson : Les paroles constituent le moyen


d’expression  le  plus  direct  du  compositeur.  Elles  représentent  la  vitrine  de  son  
esprit, et permettent de rapporter clairement ses pensées. Elles vont donc
l’aider  à  s’exprimer  et  à  porter  son  message  aux  oreilles du monde entier.

Donner une direction à la musique : Seule, la musique peut exprimer une


infinité de choses et peut être interprétée de multiples façons. Les paroles
sont   donc   là   pour   aider   l’auditeur   à   comprendre   le   message   véhiculé   par   le  
compositeur. Ainsi, en fonction de ce qui y est raconté, une chanson peut
devenir  une  histoire,  un  support  de  dénonciation,  un  moyen  d’expression,  ou  
même  un  relais  d’information.

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Véhiculer la mélodie :   Les   paroles   permettent   de   porter   la   mélodie.   C’est   en  


effet grâce  aux  paroles  que  les  notes  de  la  mélodie  arrivent  jusqu’aux  oreilles  
de   l’auditeur.   D’ailleurs,   paroles   et   mélodie   sont   deux   entités   indissociables  
l’une  de  l’autre : la mélodie prend naissance à partir du moment où les paroles
sont   chantées,   alors   que   l’auditeur portera toute son attention au sens du
texte grâce à la beauté de la mélodie. Pour voir comment associer paroles et
mélodie, je vous donne rdv page 148.

Alors  comment  écrire  des  paroles  qui  puissent  remplir  l’ensemble  de  ces  fonctions ?
Comment écrire  des  paroles  qui  ont  de  l’impact ? Et tout simplement comment écrire
les  paroles  d’une  chanson ?  C’est  ce  que  nous  allons  voir  au  sein  de  cette  partie.

Les paroles vous permettent de laisser votre message


© Moyan Brenn

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I / Quel sujet aborder dans ses chansons ?

Beaucoup de personnes bloquent et ne savent pas de quoi parler dans leurs


chansons.   Au  moment  de  se  retrouver   face  à   leur  feuille,  c’est  le  vide : rien ne leur
vient  ou  le  sujet  qu’ils  choisissent  leur  paraît  trop  banal.  

Et pourtant, il  n’y  a  vraiment  pas  lieu  de  s’inquiéter  car  une  chanson  peut  parler   de
tout   et   de   n’importe   quoi : vous pouvez choisir de raconter une histoire qui va se
dérouler   sur   des   années,   ou   décrire   avec   précision   la   dernière   heure   d’existence  
d’une  personne.  Vous pouvez faire voyager votre auditeur partout dans le monde, ou
le  laisser  témoin  d’une  scène  à  huit  clos.  Vous  pouvez  parler  de  tous  les  habitants  de  
la   planète,   ou   simplement   décrire   une   nuit   étoilée   dans   le   silence   de   mort   d’un  
désert. Vous pouvez décrire   votre   dégoût   des   autres,   ou   célébrer   l’amour   que   vous  
portez à la personne la plus chère de votre vie. Bref, comme le dirait si justement le
personnage Claudy Faucan du film Dikkenek (ce film est magique): « Tout est possible,
tout est négociable ». Vous  pouvez  parler  d’absolument  tout  ce  que  vous  voulez  dans  
votre chanson.

Malgré  tout,  puisque  je  sais  qu’il  est  difficile  de  trouver  de  bonnes  idées,  je  vais  vous  
donner   les   thèmes   les   plus   courants   dans   les   chansons   ainsi   qu’un   thème   universel  
qui vous aidera à ne plus jamais connaître la page blanche.

Les thèmes récurrents


Certains thèmes sont des classiques de chez classiques et reviennent
particulièrement souvent dans les paroles des compositeurs :

L’Amour  et  toutes  ses  variantes


L’amour  est  sans  aucun  doute  le  sujet  le  plus  abordé  de  toute  l’histoire  de  la  musique  
(et aussi de la littérature et de la poésie). Du premier regard au suicide amoureux en
passant par la tromperie, les moments heureux, la rupture, le sexe, la routine, le
manque, le fait d’aimer  trois  femmes  en  même  temps  et  ne  pas  savoir  laquelle  
choisir,  l’amour  est  un  sujet  aussi  vaste  que  répandu.  
Exemple : Ghinzu « The Dragster Wave »

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Les autres types de relations humaines


L’amitié,  la  famille,  et  plus  généralement  la  place  de  l’Homme  dans  la  société  sont  
autant  de  sujets  répandus  dans  les  chansons.  Comme  le  dit  Aristote,  l’Homme  est  un  
animal  social,  il  est  donc  normal  qu’il  se  préoccupe  de  sa  place  et  de  sa  relation  avec  
les autres.
Exemple: Red Hot Chili Peppers « My friends »

La société / La politique
De nombreuses chansons ont eu pour vocation de porter des
messages.  Quoi  de  mieux  en  effet  qu’une  belle  mélodie et  qu’un  
air  entraînant  pour  retenir  l’attention ? De nombreux artistes
comme Bob Marley ou Rage Against The Machine sont ainsi
connus pour leur habilité à sensibiliser les foules, réveiller les
consciences,  et  inciter  à  l’action  grâce  à  leur  musique.
Exemple : Bob Marley « Get Up, Stand up » ;

L’Histoire
Comme  il  existe  des  livres  d’Histoire,  il  existe  également  de  nombreuses  chansons  
relatant  des  faits  historiques.  Les  chansons  d’Histoire  regroupent également les
chansons  ayant  peint  leur  époque  à  un  moment  donné.  Aujourd’hui,  elles  font  donc  
offices de témoins du passé.
Exemple : Medine « Du Panjshir à Harlem »

La spiritualité
Les paroles  d’une  chanson  relatent  souvent  les  centres  d’intérêts  de  son  auteur.  Si  ce  
dernier  est  inspiré  par  la  religion  dans  son  quotidien,  alors  il  n’est  pas  rare  qu’il  
retranscrive  cette  foi  à  travers  son  œuvre.  De  même,  la  place  de  l’Homme  dans  
l’univers,  l’origine  de  la  vie  ou  la  peur  de  la  mort  sont  autant  de  sujets  passionnants  
et récurrents de chansons.
Exemple : August Burns Red « Spirit Breaker »

La fiction
Par  la  fiction,  j’entends  le  fait  de raconter une histoire. Beaucoup de chansons sont
en effet basées sur ce format : comme un livre, elles mettent en scène des
personnages  et  racontent  leurs  péripéties  au  fur  et  à  mesure  de  l’avancement  de  la  
chanson. Cette façon de faire est très efficace  car  l’auditeur,  désireux  de  connaître  la  
fin  de  l’histoire,    est  incité  à  écouter  la  chanson  jusqu’au  bout.  
Exemple : Eminem « Stan »

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Le divertissement
La  fête,  les  filles,  l’alcool…  Dois-je vraiment vous décrire cette section en détail ? ;)

Rien
Bon,  j’avoue,  j’aurai  pu  me  passer  de  cette  section.  Mais  est-ce de ma faute si la
majorité  des  chansons  d’aujourd’hui  contiennent  des  paroles  creuses  et  sans  aucun  
sens à base de « Yeah, Yeah, Yeeaah » ou de « Woo Oh Oohh » ?

Le thème inépuisable

Il  existe  un  sujet  de  chanson  universel.  Ce  sujet  constitue  un  vivier  inépuisable  d’idées  
et  peut  faire  face  à  n’importe  quelle  page  blanche.  Il  est  de  loin  le  sujet  le  plus  
intéressant et le plus efficace de tous. A lui seul, il peut même suffire à nourrir
l’ensemble  de  vos  œuvres.

Mais  c’est  quoi  ce  sujet  magique  ?  Ça  existe  vraiment  un  tel  thème ?

Oui oui, ça existe bel et bien. Je vais même vous le révéler sans plus tarder. Ce sujet
c’est…   la   pêche des loutres en milieu transatlantique ! Mais non je rigole ! (quel
plaisantin  je  fais…).  Plus  sérieusement,  ce  sujet  c’est  VOUS.

Les  émotions,  un  formidable  levier  d’inspiration

Vos expériences, vos préoccupations, vos envies, vos peurs, ou encore vos réflexions
sont autant de sujets passionnants de chansons. Des auteurs comme Charles
Bukowski,  John  Fante,  ou  Hunter  S  Thompson  ont  d’ailleurs  bâti  l’ensemble  de  leurs  
œuvres  littéraires  à  partir de sujets autobiographiques.

Comme   je   vous   l’ai   dit   précédemment, la musique est un formidable moyen


d’exprimer   ce   que   vous   ressentez   au   plus   profond   de   vous.   A   ce   titre,   il   est   donc  
normal que vous parliez de ce qui vous fasse vibrer dans vos chansons. Parlez de ce
qui vous touche, des sujets qui vous intéressent, et des valeurs que vous avez envie
de véhiculer. Il faut que votre sujet vous prenne aux tripes et vous engage
personnellement. Ce faisant, vous serez sûr de ne plus jamais tomber en panne
d’inspiration.   Car   tout   ce   qui   vous   concerne   et   tout   ce   qui   a   de   l’importance   à   vos  

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yeux va engager vos émotions ; et ces émotions sont de formidables leviers


d’inspiration.  

Prenons un petit exemple pour illustrer cette idée : rappelez-vous  que  tout  à  l’heure,  
je  vous  ai  dit  que  l’amour  était  l’un  des  sujets  les  plus  traités  dans  l’histoire  de  l’art  et  
de  la  littérature.  Si  c’est  le  cas,  ce  n’est  pas  pour  rien :  c’est  parce  que  les  événements  
liés   à   l’amour   font   naître   des   pics   émotionnels   chez   leurs   auteurs.   Ce   surplus  
d’émotions  les  conduit  alors  à  vouloir   extérioriser   ce  qu’ils  ressentent,  et  c’est  ainsi  
que vient leur inspiration.

En   définitive,   si   vous   parlez   de   ce   qui   vous  fascine   ou   de   ce   qui   a   de   l’intérêt   à   vos  


yeux,  vous  ferez  appel  à  vos  émotions  et  ne  serez  plus  jamais  en  panne  d’inspiration.

Un  gage  d’originalité

Parler des sujets qui vous touchent personnellement comporte un autre avantage
majeur:  vous  êtes  sûr  d’écrire  des  paroles  originales. En effet, même si vous écrivez
une chanson sur un sujet qui a déjà été traité des millions de fois, chaque personne
est différente. En écrivant des paroles sincères, vous les écrirez donc à travers votre
prisme,   c’est   à   dire   à   travers   votre   vision   de   la   vie   et   à   travers   votre   personnalité.  
Pour  preuve,  regardez  le  nombre  de  chansons  sur  l’amour : malgré leur nombre, y en
a-t-il seulement deux similaires ?

Extériorisez ce que vous ressentez et touchez les autres

Enfin,   parler   d’un   sujet   qui   vous   prend   aux   tripes   possède   un   dernier   avantage   (et  
non des moindres) :   d’autres   personnes   pourront   s’identifier   à ce que vous dites.
Raconter   des   choses   dans   lesquels   d’autres   personnes   se   retrouvent   constitue   un  
excellent   moyen   d’écrire   de   bonnes   paroles.   Si   des   groupes   comme   « Fauve »
cartonnent  actuellement,  c’est  justement  parce  qu’ils  arrivent  à  mettre  des  mots  sur  
des situations partagées par de très nombreuses personnes. Idem pour la mini-série
« Bref » :   si   elle   a   rencontré   autant   de   succès,   c’est   aussi   parce   qu’elle   a   réussi   à  
mettre   en   scène   un   personnage   auquel   les   téléspectateurs   ont   pu   s’identifier  
facilement.

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II / Le  processus  d’écriture  des  paroles  d’une  chanson

Maintenant que vous savez quel thème aborder dans vos chansons, il ne vous reste
plus  qu’à  en  écrire  les  paroles.  

Connaître la différence entre texte et paroles


A   première   vue,   l’écriture   des   paroles   peut paraître la partie la plus simple de la
chanson.  En  effet,  l’écrire  d’un  texte  est  un  réflexe  beaucoup  plus   naturel que celui
de   l’écriture   d’une   musique.   Nous   sommes   habitués   depuis   notre   plus   jeune   âge   à  
écrire et à inventer des textes (rappelez-vous, les terribles rédactions et exposés de
votre  jeunesse…)  alors  que  nous  sommes  beaucoup  moins  coutumiers  au  fait  d’écrire  
une   musique.   C’est   d’ailleurs   pour   cette   raison   que   beaucoup   de   débutants   en  
composition   se   plongent   directement   dans   l’écriture   de   paroles : ça leur paraît
coutumier et naturel.

Écrire un simple texte ?  Ça  je  sais  faire,  il  n’y  a  rien  de  plus  facile !

Ils écrivent alors tout un texte ou un poème et pensent avoir là un point de départ
fantastique pour leur chanson.

Tout  ce  qu’il  me  reste  à  faire  maintenant,  c’est  de  trouver  la  musique  qui  va  avec !

Malheureusement, cette façon de faire est la plus grande erreur qui soit pour
l’apprenti  compositeur.  Car  en  procédant  ainsi,  ce  dernier  omet  un  détail  de  taille : le
texte et les paroles sont deux supports totalement différents. Ils ne peuvent être
traités de la même façon car il existe une différence fondamentale entre les deux : la
concision.

En effet, lorsque vous racontez une histoire à travers un texte, vous avez la liberté
d’utiliser autant de mots que vous le voulez. Vous pouvez utiliser le nombre de
phrases de votre choix pour décrire une action avec précision, ou rajouter autant de
passages   descriptifs   que   vous   le   souhaitez   pour   renforcer   l’immersion   de   votre  

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lecteur dans votre récit.  Or,  puisqu’une  chanson  à  une  durée  limitée,  vous  n’avez  pas  
cette  liberté.  Votre  nombre  de  phrases  est  réduit  et  tout  l’enjeu  sera  de  passer  votre  
message en prenant en compte cette contrainte. Vous devrez réussir à transmettre
l’essence de votre message en quelques phrases seulement. Pour y arriver, nous
allons  voir  une  méthode  d’écriture de paroles en 5 étapes.

5 étapes pour écrire vos paroles

Étape 1 : Définir le thème

Du thème de votre chanson découlera vos paroles. Grâce à tous les conseils de la
première section, il doit maintenant vous être facile de trouver un bon thème. Une
fois  que  vous  l’avez  choisi,  vous  pouvez  passer  à  l’étape  2.
Exemple de thème:  L’écologie,  l’Homme  est  en  train  de  détruire  tout  ce  qui  l’entoure.

Étape 2 : Le brainstorming

Maintenant que vous avez votre thème, il va falloir que vous le développiez pour en
retirer des idées. Pour ce faire, nous allons reprendre la technique du free writing vu
dans  le  chapitre  consacré  à  l’inspiration.  Prenez  une  feuille  et  écrivez  votre thème au
sommet de cette page. Ensuite, écrivez tous les mots et toutes les idées que vous
évoque  votre  concept.  Surtout,  n’ayez  aucune  limite  et  lâchez-vous.  Le  but  n’est  pas  
de mettre en forme vos phrases, mais de créer du contenu en étant spontané. Rien
ne doit vous arrêter ou brider votre imagination. Même si vous trouvez une de vos
idées loufoque ou hors sujet par rapport à votre thème, notez la quand même. La
seule  règle,  c’est  de  retranscrire  par  écrit  tout  ce  que  vous  pensez.  

Étape 3 : Utilisez les mots-clés

Une fois que vous avez fini de développer votre thème, relisez vos notes et repérez
les  idées  et  les  phrases  qui  méritent  d’être  développées.  Surlignez  les  mots  clés  de  
vos phrases et définissez de nouveaux mots clés à partir de vos idées.
Exemple de mots clés : terre, pollution, respirer, détruire, brouillard, propre,
abandonner,  suffoquer…
Le  fait  d’utiliser  des  mots  clés  va  vous  aider  à  rester  concis  et  à  transmettre  l’essentiel  
de vos idées rapidement et efficacement.

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Étape 4 : Précisez le  champ  d’action  de  votre  histoire

A  ce  stade  de  l’écriture,  vous  devez  avoir  une  liste  de  mots-clés et quelques phrases
toutes faites issues de votre session de brainstorming. Vos paroles et votre histoire
doivent commencer à apparaître naturellement sous vos yeux. Pour éviter de rester
dans  le  factuel  et  donner  de  l’originalité  à  vos  paroles,  nous  allons  maintenant  définir  
le  champ  d’action de votre histoire.

Le point de vue

De quel point de vue sera racontée votre histoire ? Allez-vous raconter les faits de
façon extérieure ? Ou au contraire êtes-vous le héros de votre histoire ? Vous
adressez-vous  directement  à  quelqu’un  en  particulier ? Ou votre message est-il à
l’ensemble  de  la  population ? Prenez bien le temps de répondre à toutes ces
questions car chaque point de vue possède ses propres spécificités.

La première personne : Sûrement le plus populaire de tous les points de vue.


L’auteur  et  le  personnage  se  confondent  en  une  seule  et  même  personne.  Ce  point  
de vue est donc le plus personnel de tous et permet  d’exprimer  directement  l’opinion  
et  les  émotions  de  l’auteur.  

La deuxième personne : Grâce à ce point de vue, vous pouvez exprimer votre


message  à  une  personne  en  particulier.  C’est  une  forme  d’expression  très  directe.

La troisième personne : Ici, l’auteur  devient  un  reporter.  Il  se  contente  de  relater  les  
faits qui se déroulent sous ses yeux. La troisième personne est particulièrement utile
car elle vous permet de vous détacher en partie de ce que vous racontez. Vous
pouvez donc émettre un avis ou une  critique  sans  en  prendre  l’entière  responsabilité.  

Note: Ces trois points de vue sont les plus communs de tous mais rien ne vous
empêche  d’utiliser  d’autres  points  de  vue  (ex : première personne du pluriel avec We
Will Rock You de Queen) ou même de changer de point de vue en cours de chanson.

Le temps

A  quel  moment  s’est  passée  votre  histoire  ?  L’action  est-elle en train de se dérouler
sous vos yeux ? Est-elle déjà passée ? Ou au contraire aura-t-elle lieu dans le futur ?
Encore une fois, la portée de votre message sera totalement différente en fonction

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du temps que vous choisirez. Chaque temps possède ses propres caractéristiques : le
présent est une forme particulièrement courante car il permet de retranscrire
facilement  l’action,  le  passé  quant  à lui encourage la nostalgie, tandis que le futur est
particulièrement apprécié pour décrire les rêves et les souhaits.

La cible

A  qui  s’adresse  votre  chanson ? Est-ce une personne particulière ? La terre entière ?
Une institution ? En tant que compositeur, vous devez définir la cible de votre
chanson,  ça  vous  aidera  à  améliorer  l’impact  de  votre  message.

Le ton

Quelle émotion voulez-vous faire ressentir à travers votre chanson ? De la joie ? De la


tristesse ? De la colère ? De la lassitude ? Déterminer le ton de votre chanson vous
aidera à définir un champ lexical pour vos paroles.

Étape 5 : Écrivez vos phrases

Maintenant que vous avez vos idées, vos mots-clés,   et   le   champ   d’action   précis   de  
votre  histoire,  il  ne  vous  reste  plus  qu’à  construire  vos  phrases. Pour cela, reliez vos
mots-clés   de   façon   à   ce   qu’ils   correspondent   au   champ   d’action   de   votre   histoire.  
Normalement, grâce à la représentation précise de votre histoire, vous ne devriez
avoir aucun mal à y arriver. Vous pouvez même glisser quelques phrases toutes faites
issues de votre brainstorming pour étoffer votre création. On peut assimiler cette
dernière   étape   au   passage   à   la   rédaction   d’un   rapport   :   il   ne   vous   reste   plus   qu’à  
créer des phrases à partir de votre plan détaillé !

Note:  L’écriture  des  paroles  doit  respecter  deux  autres  grandes  conditions :

Les paroles doivent être écrites en accord, et en fonction de la musique


(Rendez-vous page 148 pour voir comme associer harmonieusement
paroles et musique).

Les paroles doivent être écrites en fonction de la structure de la chanson


(Rendez-vous à la section « évolution des paroles au cours du morceau
page 204).

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III  /  Écrire  des  paroles  qui  ont  de  l’impact

Vous   connaissez   maintenant   le   processus   d’écriture   des   paroles mais vous vous
demandez peut-être comment écrire de bonnes paroles pour vous élever au rang
d’un   Jacques  Brel  ou  d’un  Bob  Dylan.  Comme  vous  vous  doutez,  il   vous  faudra  déjà  
une bonne dose de temps et de pratique ;). Mais voici tout de même quelques
conseils  qui  devraient  vous  aider  à  améliorer  drastiquement  l’impact  de  vos  paroles.

5 astuces pour booster vos paroles


Astuce n°1 :  S’inspirer de ce qui vous entoure

Cette  astuce  est  sans  doute  celle  que  j’ai  le  plus  répétée au cours de ce livre. Mais si
je l’ai  fait  c’est  qu’il  y  a  une  raison : elle marche.

Je vous encourage vivement à lire et à vous documenter énormément. Vos futures


paroles  sont  partout,  il  suffit  simplement  d’être   curieux et de se donner la peine de
chercher pour les trouver. Saviez-vous par exemple que le mythique leader des
Doors, Jim Morisson puisait son inspiration dans la poésie ? Que Robert Plant le
chanteur  de  Led  Zeppelin  avait  l’habitude  de  chercher  ses  idées  dans  les  œuvres  de  
science-fiction ?   Ou   encore   qu’Eminem   passait   son   temps à étudier le dictionnaire
pour enrichir ses rimes ?

Bien entendu, vous pouvez également puiser votre inspiration dans la musique elle-
même   et   dans   les   paroles   d’artistes   reconnus   pour   leurs   talents   poétiques tels que
Bob Dylan, Leonard Cohen, ou Serge Gainsbourg.

Astuce :   Pour   encore   plus   d’efficacité,   notez   directement   les   phrases   qui   vous  
inspirent dans votre petit carnet (dont vous ne vous séparez plus désormais !).
Constituez-vous   une   véritable   collection   et   au   moment   d’écrire   vos   paroles,   allez   y
piocher vos idées.

Astuce n°2 : Adopter un autre point de vue

Pour des paroles originales et  pour  vous  permettre  de  traiter  des  sujets  qui  l’on  déjà  
été des milliers de fois, une astuce simple consiste à changer le point de vue selon
lequel vous racontez votre   histoire.   Il   ne   s’agit   pas   simplement   de   changer   la  

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Composer sa chanson de A à Z 139

personne  à  laquelle  vous  racontez  l’histoire,  mais  de  changer  l’angle  à  travers  lequel  
vous  décrivez  votre  scène.  Par  exemple,  si  votre  scène  décrit  une  voiture  qui  s’avance  
seule dans la nuit, vous  pouvez  l’imaginer  à  travers  les  yeux  du  conducteur  (que  voit-
il, que ressent-il, à quoi pense-t-il  etc…),  mais  aussi  à  travers  les  yeux  d’un  passant.  Si  
vous  faîtes  preuve  d’un  peu  plus  d’imagination,  vous  pouvez    même  décrire  la  scène  
vue du ciel, ou de la perspective de la voiture elle-même !

Observez  la  scène  d’un  autre  point  de  vue


© MsAnthea

Astuce n°3 : Faites appel aux 5 sens

Il  existe  un  principe  redoutable  dans  l’art  du  storytelling  (c’est-à-dire  dans  l’art  de  
raconter des histoires) : si vous voulez impliquer totalement votre auditeur, faites
appel à ses 5 sens.  En  utilisant  ses  5  sens  (la  vue,  l’ouïe,  le  toucher,  le  goût,  et  
l’odorat)  vous  ne  vous  contenterez  plus  de  lui  décrire  une scène, vous lui ferez vivre !

Regardez un peu la différence entre ces deux phrases :

Phrase 1 : Un homme boit un cocktail  au  bord  d’une  plage.  

Phrase 2 : Un homme sirote un cocktail glacé à la framboise allongé sur son


transat,  les  pieds  plongés  dans  l’eau.  En  fermant  les  yeux,  il  peut  même  sentir  
le vent chaud caresser  son  visage  et  l’odeur  d’iode  qui  flotte  dans  l’air.

Vous voyez un peu la différence entre les deux ? Dans le premier cas, je me suis
contenté de rester factuel, tandis que dans le deuxième cas, je suis sûr que vous avez

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pu vous faire une représentation précise de cet homme assis au bord de la plage (et
qui a bien de la chance !).

Astuce n°4 : Utiliser des figures de styles

Connaissez-vous le proverbe « une image vaut mieux que 1000 mots » ? Eh bien en
composition  c’est  strictement  la  même  chose. Les figures de style comme la
comparaison ou la métaphore vont vous aider à faire passer votre message tout en
apportant de la couleur à votre texte.

- L’image :   Certains   mots   nourrissent   l’imagination   et   incitent   l’esprit   à   se  


représenter la scène. Ils sont donc particulièrement utiles pour décrire une
situation. Si je vous dis par exemple, « une cascade de fraises », vous visualisez
clairement   les   millions   de   fraises   en   train   de   déferler,   alors   que   si   je   m’étais  
contenté de vous dire « beaucoup de fraises », la scène vous aurait paru
beaucoup plus évasive. Usez de ces images à votre avantage. Elles vous
permettront  d’immerger  totalement  le  public  au  sein  de  votre  univers.

Exemple : La chanson « Strawberry Fields Forever » des Beatles parlent de


« marshmallow skies » (ciels en marshmallow)

- La comparaison : La comparaison permet de rapprocher deux idées ou deux


concepts  partageant  certains  points  de  similitudes  par  l’intermédiaire  de  mots  
de liaisons  (comme,  tel  que…).    Elle  s’avère  utile  pour  illustrer  certaines  idées  
difficiles à définir autrement qu'au moyen du langage figuré.

Exemple : « Like a Virgin » de Madonna

- La métaphore : La métaphore est sans doute la figure de style la plus connue.


Comme la comparaison, elle permet de rapprocher deux idées ou deux
concepts. Cependant, la métaphore permet de rapprocher deux concepts a
priori  étrangers  l’un  à  l’autre  et  ce,  sans  recourir  aux  outils de comparaison. La
métaphore  est  donc  particulièrement  utile  pour  faire  travailler  l’imagination  et  
donner une dimension poétique à un concept.

Exemple: « La Femme Chocolat » d’Olivia  Ruiz

- La personnification   /   l’allégorie : La personnification consiste à attribuer des


propriétés humaines à un objet ou une entité abstraite.

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Composer sa chanson de A à Z 141

Exemple: “They Call the Wind Mariah” de Sam Cooke

Astuce n°5 : User de répétitions

Tout  comme  pour  la  mélodie,  la  répétition  est  un  procédé  important  de  l’écriture  de  
paroles. On la retrouve aussi beaucoup en poésie. La répétition va donner du rythme
à votre texte et vous aider à vous adapter à la longueur de votre mélodie. Différents
éléments de vos paroles peuvent être répétés : un mot (ex : Yeah, yeah, yeah ), une
phrase, ou le titre de la chanson (ex : Hey Jude)

La rime et autres procédés issus de la poésie


La  poésie  et  l’écriture  de  paroles  ont  toujours  été  deux disciplines étroitement liées.
Dans  les  deux  cas,  le  texte  retranscrit  la  vision  de  l’auteur  et  a  été  écrit  en  respectant  
certains canons esthétiques.   Ces   deux   domaines   sont   tellement   proches,   qu’il   n’est  
pas rare de voir des poésies mises en musique ou des compositeurs qualifiés de
« poètes ». La musique emprunte à la poésie et la poésie à la musique. Cette
synergie,   on   la   retrouve   également   dans   l’utilisation   fréquente   de   figures   de   style  
poétiques  comme  la  rime  ou  l’allitération  par  les  compositeurs.

La rime

Lorsqu’on   pense   aux   paroles   d’une   chanson,   on   ne   peut   s’empêcher   de   penser   aux
rimes. Depuis notre tendre enfance, on a en effet été habitué à apprendre des
comptines ou des chansons usant de rimes.

Utiliser la rime possède de nombreux avantages : elle donne un côté recherché aux
paroles,   favorise   leur   mémorisation,   et   leur   insuffle   du   rythme   et   de   l’émotion.  
Cependant, son recours ne doit pas être systématique. Trop de personnes font en
effet   l’erreur   de   vouloir   écrire   systématiquement   leurs   paroles en rimes. Or, mieux
vaut écrire des paroles sans rimes que des paroles comprenant des rimes médiocres.
Car la rime engage une contrainte : celle de de trouver une sonorité similaire. Si cette
contrainte  est  maîtrisée,  il  n’y  a  pas  de  problèmes.  Mais  si le mot contenant la rime
est choisi à défaut, simplement pour respecter la contrainte de sonorité, alors les
paroles perdront de leur profondeur et le texte ne deviendra qu’une   caricature   de  
poésie. Pour éviter ce problème, vous pouvez avoir recours au dictionnaire de

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rimes. Une autre technique consistera à écrire ses vers quatre à quatre et à respecter
les schémas classiques de rimes :

Le schéma monorime AAAA : Il y a la même rime à la fin de chacun des quatre


vers

Exemple: The Police, « Every Breath You Take »

Every breath you take (A)


Every move you make (A)
Every bond you break (A)
Every step you take (A)

Le schéma rimes croisées ABAB :  Les  rimes  s’alternent  une  à  une

Exemple: La fable « Le Corbeau et le Renard » de Jean de la Fontaine

Maître Corbeau, sur un arbre perché, (A)


Tenait en son bec un fromage. (B)
Maître Renard, par l'odeur alléché, (A)
Lui tint à peu près ce langage : (B)

- Le schéma rimes suivies AABB : Les rimes se suivent deux à deux

Exemple: Gainsbourg, « Ah Melody »

Ah Melody (A)
Tu m'en auras fait faire des conneries (A)
Hue hue et ho(B)
A dada sur mon dos (B)

Le schéma rimes embrassées ABBA : Les deux rimes centrales sont


entrelacées par deux autres rimes

Exemple: Jacques Brel, « Amsterdam »

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Dans le port d´Amsterdam (A)


Y a des marins qui chantent (B)
Les rêves qui les hantent (B)
Au large d´Amsterdam (A)

Le schéma ABCB : Le premier et le troisième vers sont indépendants mais il y a une


rime entre le deuxième et le quatrième vers.

Exemple: « House of the Rising Sun » de The Animals

Now the only thing a gambler needs (A)


Is a suitcase and trunk (B)
And the only time he's satisfied (C)
Is when he's on a drunk (B)

Autre astuce :   Faites   en   sorte   d’utiliser   le   même   champ   lexical   pour   les   mots  
partageant la même rime. Pris séparément, ces mots doivent avoir une logique entre
eux   (d’où   l’intérêt   de   recourir   aux   mots   clés   dans   votre   processus   d’écriture).  

L’allitération

Connaissez-vous la phrase « Les chaussettes de l'archiduchesse sont-elles sèches ou


archisèches ? »   Si   c’est   le   cas,   alors   vous   savez   ce   qu’est   une   allitération.   Une  
allitération est une figure de style qui consiste à répéter un son identique. Ce son
concerne  souvent  une  consonne  (dans  notre  exemple  de  l’archiduchesse,  il  s’agit  du  
son « s »).

L’allitération  permet  de  donner du rythme à une phrase et de renforcer la portée de


certains mots. Par exemple, dans la chanson « Bonnie and Clyde », Serge Gainsbourg
à répéter le son « t » et « c » pour suggérer le  bruit  d’une arme automatique.

« Dans les 3 jours, voilà le tac-tac-tac


Des mitraillettes qui reviennent à l'attaque »

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IV / Choisir un titre

Le titre constitue la  porte  d’entrée de  votre  chanson.  C’est  ce  que  verront  en  premier  
lieu vos auditeurs. Grâce à lui, votre public va pouvoir commencer à se représenter
votre chanson. Comme vous le savez, il est très important de faire une première
bonne   impression,   c’est   déterminant   pour   la   suite.   Vous   devrez   donc   faire  
particulièrement attention au choix de votre titre.   De   même,   puisqu’il   existe   des  
centaines de milliers de chansons - et donc des centaines de milliers de titres – vous
devrez   faire   en   sorte   de   choisir   un   titre   qui   retienne   l’attention   et   qui   soit   facile   à  
retenir.

A quel moment choisir son titre ?

Là encore  il  n’y  a  pas  de  réponse  exacte  à  cette  question.  Toutes  les  approches  sont  
bonnes  du  moment  qu’elles  fonctionnent  et  qu’elles  vous  correspondent.

- Vous pouvez définir votre titre au tout début de votre chanson. Dans ce cas-là,
il sera le point de départ de votre écriture et toutes vos paroles en
découleront.     Pour   ce   faire,   reprenez   les   5   étapes   d’écriture   décrites  
précédemment,  et  démarrez  l’étape  n°1  à  partir  de  votre  titre  et  non  à  partir  
d’un  thème  général.

- Vous pouvez également trouver votre titre pendant que vous êtes en train
d’écrire  votre  chanson.  De  nombreux  artistes  affirment  que  leurs  titres  se  sont  
affirmés  d’eux-mêmes au cours du processus de composition.

- Enfin, vous pouvez choisir votre titre après avoir fini votre chanson. A ce
moment, une bonne façon de faire consistera à reprendre un mot ou une
phrase qui apparaît de façon récurrente dans vos paroles. Ainsi, vous serez
non seulement sûr de résumer efficacement votre chanson, mais vous
favoriserez en plus la mémorisation grâce à la répétition.

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Comment choisir son titre ?

Tout  d’abord,  intéressons-nous à la forme du titre : la plupart des titres ne comptent


que un à cinq mots. Votre titre doit en effet être assez court pour être facilement
mémorisé. En ce qui concerne le fond, votre titre a pour but de résumer le message
et  l’esprit  de  votre  chanson.  En  le  lisant,  votre  public  doit-être capable de deviner le
sujet   de   votre   chanson   et   ressentir   l’émotion   que   vous   essayez   de   passer   à   travers  
votre  musique.  Un  bon  titre,  c’est  un  titre  qui permet de résumer à lui seul le contenu
de votre chanson. Enfin, un bon titre est tout simplement un titre qui vous inspire et
qui vous touche personnellement.

Rendre son titre mémorable

Quelques petites astuces vont vous aider à créer des titres forts se retenant plus
facilement:

Évoquer des images

Comme   nous   l’avons   vu   précédemment,   les   images   aident   votre   imagination   à   se  


projeter et à matérialiser des idées. Associer un titre à une image constitue donc un
excellent moyen de mémorisation.

Exemples de titres imagés : « Allumer le feu » « Let it Bleed »

Utiliser  des  mots  d’actions

Les  mots  d’actions  possèdent  l’avantage  d’être  visuels  et  énergiques.  En  plus  de  nous  
permettre  de  nous  représenter  l’action, il nous aide à la ressentir.

Exemples: « Jump Around » « Jesus Walks »

Interpeller

En  adressant  directement  votre  chanson  à  quelqu’un  ou  quelque  chose  en  particulier,  
vous projetez directement votre auditeur dans un cadre intime. Il peut également se
reconnaître dans les paroles et s’identifier  à votre chanson.

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Exemple : « Putain  vous  m’aurez  plus »

Éveiller la curiosité

Lorsqu’ils   sont   lus,   certains   titres   amènent   le   lecteur   à   se   poser   des   questions.   Par  
exemple, en lisant le titre de la chanson « Too Afraid to Love You » des Black Keys, on
se demande irrémédiablement « Pourquoi ? ». Pourquoi a-t-il  trop  peur  de  l’aimer ?
Que lui a-t-elle fait ? Va-t-il surmonter sa peur ? On est ensuite incité à écouter
attentivement la chanson pour découvrir la réponse à nos questions.

Enfin,   n’oubliez   jamais   que   le   plus   important   dans   un   titre,   c’est   ce   que   vous   en  
faites !   Un   titre   ne   deviendra   bon   qu’à   partir   du   moment   où   la   chanson   qu’il   abrite  
est bonne. Exactement comme pour un roman : un livre ne trouvera jamais la gloire
uniquement grâce à son titre, c’est  le  texte  qu’il  renferme  qui  permettra  de  le  mettre  
en avant !

C’est  la  chanson  qui  fait  le  titre


© Joost Nuijten

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A vous de jouer :

Exercice 1: Prenez quelques minutes pour répondre aux questions suivantes :


Qui êtes-vous ? Comment vous définissez vous ? Quelles sont vos valeurs ? Vos
croyances les plus profondes ? Et au contraire quelles sont vos peurs ?  Qu’attendez-
vous de la vie ? Quels sont vos rêves ? Quelles sont vos passions ? Dégager ce qui a
de  l’importance  à  vos  yeux  et servez-vous en pour en faire des thèmes de chansons.

Exercice 2: Choisissez un thème et écrivez votre texte en vous aidant des 5


étapes du processus  d’écriture  de  paroles.

Exercice 3: Prenez un thème de votre choix et à partir de ce dernier, développez


trois histoires différentes. La scène que vous décrivez doit être la même, mais le point
de vue selon lequel vous décrivez cette scène doit être différent.

Exercice 4: Décrivez brièvement une anecdote qui vous est arrivée récemment.
Ça peut être quelque  chose  de  totalement  inhabituel  (j’ai  été  pris  dans  un  braquage),  
comme quelque chose de parfaitement courant (je me suis fait un super petit
déjeuner). Restez factuel dans votre description. Ensuite, réécrivez une autre version
de ce même événement mais en faisant appel cette fois-ci aux figures de styles et aux
5 sens. Utilisez des comparaisons, décrivez ce que vous avez ressenti.

Exercice 5:   Reprenez   les   paroles   que   vous   avez   écrit   lors   de   l’exercice   2   et  
essayez  d’y  inclure  des  schémas  de  rimes.

Exercice 6 :  Analysez  les  titres  des  chansons  d’un  de  vos  artistes  référents.  A-t-il
utilisé des images ?  Des  mots  d’action ? Une interpellation direction ? Autre chose ?

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Chapitre 8 : Mettre en relation paroles et


musique

Dans ce chapitre vous allez apprendre :

- Comment lier parfaitement vos paroles à votre musique ?

- 2 techniques pour trouver une mélodie à partir de vos paroles

- Comment écrire des paroles qui collent parfaitement à une mélodie déjà
composée ?

- Comment composer simultanément paroles et mélodie ?

- Une  petite  technique  pirate  pour  apporter  de  l’originalité  à  vos  paroles

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Introduction

Dans   les   parties   précédentes,   vous   avez   appris   à   composer   de   belles   mélodies   d’un  
côté,   et   de   fortes   paroles   de   l’autre.   Cependant,   il   est   impossible de dissocier ces
deux  éléments.  L’un  ne  peut  pas  aller  sans  l’autre.  Les  paroles  véhiculent  en  effet  la  
mélodie, et la mélodie met en avant les paroles. En écrivant votre chanson, vous
devrez donc composer votre mélodie en fonction de vos paroles, et vos paroles en
fonction de votre mélodie.

De  plus,  imaginons  que  vous  ayez  composé  votre  mélodie  d’un  côté  et  vos  paroles  de  
l’autre.   Au   moment   de   les   confronter,   si   vous   les   gardez   en   l’état,   il   est   très   peu  
probable   qu’ils   coïncident   parfaitement.   C’est   comme   imaginer   qu’il   vous   suffit   de  
préparer  un  bon  repas  d’un  côté  et  choisir  au  hasard  une  excellente  bouteille  de  vin  
de  l’autre  pour  que  le  mariage  entre  les  deux  soit  réussi.  Malheureusement  ce  n’est  
pas aussi facile :  ce  n’est  pas  parce  qu’à  titre individuel la bouteille de vin et le repas
sont  excellents,  qu’ils  seront  parfaitement  compatibles  une  fois  dégustés  ensemble.  
Pour y arriver, il vous faudra choisir votre bouteille de vin en fonction de votre repas
ou inversement.

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Composer sa chanson de A à Z 150

© Claire Lafargue

Comment faire pour créer une véritable synergie entre la mélodie et


l’accompagnement ? Comment arriver à les sublimer mutuellement ?   C’est   ce   que  
nous allons voir au sein de cette partie. Pour que tout le monde puisse y trouver son
compte, nous verrons comment associer efficacement paroles et mélodie en fonction
de différentes méthodes de compositions :

Nous  verrons  d’abord  comment  composer  une  mélodie  à  partir  de  paroles

Nous  verrons  ensuite  comment  écrire  des  paroles    à  partir  d’une  mélodie  

Et enfin, nous verrons comment appréhender l’écriture  des  paroles  et  de  la  
mélodie simultanément

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I / Écrire une mélodie à partir de paroles

Comment mettre un texte en musique ?  C’est  la  principale  difficulté  rencontrée  par  
les personnes commençant leur composition  par  l’écriture  de  paroles.  Pour  y  arriver,  
une méthode simple consiste à se baser sur le chant qui existe naturellement dans
notre façon de parler.

1) Le phrasé de voix
La technique du phrasé de voix repose   sur   l’intonation   naturelle   de   votre   voix.  
Qu’est-ce   que   l’intonation   naturelle   de   la   voix ?   C’est   très   simple.   En   fait,   à   chaque  
fois que vous parlez, vous créez une mélodie. Vous ne me croyez pas ? Alors tentez la
petite expérience suivante : prononcez la phrase « Non, sérieusement ? » comme si
vous   veniez   d’apprendre   une   mauvaise   nouvelle.   C’est   fait ? Bien. Maintenant,
prononcez cette même phrase « Non sérieusement » comme si vous tentiez de
convaincre une personne qui ne vous croit pas. Vous voyez un peu la différence entre
ces deux intonations ?  Ça  n’a  rien  à  voir  n’est-ce pas ?

Cette  différence  vient  du  fait  que  la  prononciation  d’un  mot  change  selon    le  message  
que   l’on   veut   faire   passer.   Notre   façon   de   parler   n’est   pas   monotone : on modifie
naturellement le rythme, le volume, et la hauteur de notre voix en fonction des
émotions   que   l’on   souhaite   communiquer.   Or,   ces   trois   éléments   (le   volume,   la  
hauteur,  et  le  rythme)  constituent  les  fondements  d’une  mélodie.  La  seule  différence,    
c’est   que   ces   trois   éléments   sont   exagérés dans   le   cadre   d’une mélodie musicale.
Tout  ce  qu’il  nous  reste  à  faire  pour  créer  une  mélodie  à  partir  de  paroles,  c’est  donc  
d’apprendre  à  repérer  les  intonations  naturelles  de  votre  voix  et  de  les  exagérer.  

Prenez la première phrase de vos paroles et lisez-la. Exagérez au maximum la façon


dont  vous  la  prononcez.  Tentez  de  faire  passer  le  plus  d’émotion  possible  en  la  lisant.  
Je vous conseille également de la prononcer très fort, ça vous aidera à mieux repérer
les mouvements naturels de votre voix. Ensuite, prenez conscience de ces
mouvements de voix et servez-vous en pour composer votre mélodie.

Prenons un exemple : on va exagérer la prononciation de notre phrase précédente


« Non, sérieusement ? ».   On   va   la   prononcer   afin   de   faire   passer   l’interrogation,  

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comme si nous venions  d’apprendre  que  nous  avons  gagné  au  loto  par  exemple.  Dans  
ce cas-là, on obtiendrait quelque chose comme : « Nooooon, SErieuseMENT ? On
aurait allongé la durée du « Non » et on aurait appuyé la prononciation du début et
de la fin du mot « sérieusement » pour  accentuer  l’effet  de  surprise.  En  suivant  ces  
fluctuations, notre mélodie se traduirait par une note plus longue à la place du
« Non » et des notes plus aiguës pour les syllabes « SE » et « MENT ».

Voilà à quoi pourrait ressembler la mélodie


associée à la phrase « Non sérieusement ? »

Concernant  les  notes  à  utiliser,  là  c’est  à  vous  de  voir  en  fonction  de  votre  inspiration  
ou  de  la  tonalité  de  votre  boucle  d’accords. ;)

Cette   technique   demande   un   peu   de   pratique   mais   vous   verrez   qu’à   force,   vous  
finirez par trouver naturellement des mélodies à partir de vos textes. Il vous suffira
alors de vous répéter encore et encore une phrase dans votre tête pour que la
mélodie vienne à vous naturellement.

2) Le tracé de mots clés


Cette technique peut être utilisée indépendamment ou en complément de la
précédente.

Dans les chapitres précédents, je vous avais présenté la technique du tracé pour
repérer les fluctuations de la mélodie. Or, puisque nous venons de voir que les
paroles contenaient une mélodie naturelle, pourquoi ne pas utiliser la technique du
tracé pour dégager cette mélodie ?  L’idée  est  donc  d’utiliser  la  technique  du  phrasé  
de  voix  et  de  s’appuyer  sur  une  courbe  pour  mettre  en  évidence  ces  fluctuations.

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Exemple :

Mais  on  ne  va  pas  s’arrêter là :  en  plus  des  mouvements  de  la  voix,  on  va  s’aider  des  
« mots clés »   contenus   dans   nos   paroles   pour   composer   notre   mélodie.   Qu’est-ce
que  j’entends  par  mots  clés ?  Eh  bien  j’entends  par  là  les  mots  les  plus  forts  de  vos  
paroles. Ce sont les mots les plus chargés en émotion, ceux qui sont destinés à
toucher votre auditeur. En général, ils ne sont pas très difficiles à repérer. Par
exemple, dans la phrase « Je ne peux pas vivre sans toi », les mots clés seront bien
entendus « VIVRE » et « TOI »

Pour chacun  de  ces  mots,  l’idée  est  d’utiliser  une  note   plus aiguë pour en souligner
l’intensité.   Votre   courbe   se   traduira   donc   par   une   montée   à   ces   endroits.   Pour  
déterminer le reste des fluctuations de la courbe, basez-vous sur la technique du
phrasé décrite précédemment.

Exemple :

On accentue les mots clés avec des notes aigues

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II  /  Écrire  des  paroles  à  partir  d’une  mélodie

Nous   allons   maintenant   voir   l’inverse   de   la   situation   précédente : vous avez votre
mélodie (et peut-être  même  une  petite  suite  d’accords qui va avec), et vous cherchez
à y ajouter des paroles.

Voilà comment faire pour y arriver : chantonnez votre mélodie encore et encore, puis
commencez par remplacer progressivement les sons que vous émettez par des mots
ou des syllabes. Les mots que vous employez doivent venir spontanément ; il ne faut
en aucun cas chercher à leur donner du sens. En fait, il faut simplement que vous
cherchiez à employer un mot qui puisse couvrir la sonorité de votre mélodie. Dans le
jargon de la musique, on appelle ça « faire du yaourt » (je suis sûr que vous avez déjà
entendu cette expression quelque part ;)).

Exemple :   Avant   qu’elles   ne   prennent   leur   forme   définitive,   les   paroles   de   la  


célébrissime chanson « Yesterday » des Beatles ressemblaient à ça :

« Scrambled  eggs,  how  baby  how  I  love  your  eggs!”  


(Œufs  brouillés,  oh  chérie  qu’est-ce  que  j’aime  tes  œufs !)

L’origine  des  paroles  de  Yesterday


© Studio Rauzier Riviere

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Composer sa chanson de A à Z 155

Vous voyez bien que prise comme telle, cette phrase ne veut strictement rien dire.
Par contre,   si   vous   la   chantez   en   respectant   l’air   de   « Yesterday », les mots utilisés
collent  parfaitement  à  la  mélodie.  Et  c’est  ce  que  vous  aussi,  vous  devez  chercher  à  
faire : utiliser des mots qui puissent parfaitement véhiculer la mélodie que vous
chantez.

Ensuite,  il  ne  vous  reste  plus  qu’à  remplacer  ces  mots  provisoires  par  des  phrases  plus  
recherchées (issues par exemple de votre petit carnet ou écrites préalablement grâce
au 5 étapes) pour avoir vos paroles. Faites juste attention à ce que vos nouvelles
paroles véhiculent aussi bien votre mélodie que vos paroles provisoires (même
rythme,  même  nombre  de  syllabes  etc…)  et  le  tour  sera  joué !

Pour donner un petit côté plus mystérieux ou « psychédélique »


à vos paroles, gardez quelques « phrases yaourt » dans vos
paroles définitives.

C’est  ce  qui  s’est  passé  dans  la  chanson  « Hey Jude » des Beatles. Au départ, la phrase
« The movement you need is on your shoulder » (le mouvement dont tu as besoin est
sur  ton  épaule)  n’était  que  provisoire,  mais  John  Lennon insista tellement auprès de
McCartney   pour   la   garder,   qu’elle   fut   finalement   intégrée   à   la   version   définitive.  
Aujourd’hui,  cette  phrase  est  considérée  comme  l’un  des  vers  les  plus  marquants  de  
la chanson.

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III  /  Considérer  l’écriture  des  paroles  et de la mélodie simultanément

Enfin, puisque paroles et mélodie sont indissociables, mieux vaut appréhender la


composition de ces deux éléments simultanément. Comme  vous  le  savez,  il  n’y  a  pas  
de   règles   en   composition   et   l’inspiration   peut   surgir   sous   n’importe quelle forme.
Parfois,  une  phrase  que  vous  lirez  vous  inspirera  des  paroles,  tandis  que  d’autres  fois,  
c’est   la   pratique   de   votre   instrument   qui   vous   suggérera   une   mélodie   intéressante.  
Tous les chemins mènent à une bonne composition (et à Rome aussi ;)). Il peut donc
être  intéressant  de  développer  l’écriture  de  vos  paroles  et  de  votre  mélodie  en  même  
temps.   Comme   ça,   quel   que   soit   l’élément   qui   vous   inspirera   sur   le   moment,   il  
nourrira directement votre création.

De   plus,   ce   type   d’approche   vous   permettra de vous affranchir des limites. Car si
vous   composez   une   partie   en   fonction   de   l’autre,   vous   serez   irrémédiablement  
confronté à des limites :   si   vous   commencez   d’abord   par   écrire   vos   paroles,   votre  
limite  sera  d’adapter  votre  musique  à  ces  paroles. Tandis que si vous commencez par
composer votre musique, votre limite sera de trouver des paroles qui puissent
supporter les sonorités de votre mélodie. Or, en adoptant une approche parallèle,
vous  donnerez  autant  d’importance  à  une  partie  qu’à  une  autre, et il vous sera plus
aisé   de   donner   de   l’harmonie   à   votre   chanson.   Au   lieu   d’avoir   une  partie   malléable  
dans  une  main  et  une  partie  fixe  dans  l’autre,  vous  aurez  entre  les  doigts  deux  parties  
malléables  prêtes  à  être  malaxées  pour  créer  une  œuvre  parfaitement homogène.

Concrètement comment adopter une approche de composition parallèle ? Eh bien il


n’y   a   pas   de   méthode   spécifique   à   proprement   parlé,   il   vous   faudra   simplement  
appliquer  simultanément  toutes  les  techniques  d’écritures  de  paroles  et  de  mélodies
que  vous  avez  vues  jusqu’à  présent.  Soyez « à  l’écoute » de votre musique et laissez-
la vous guider. Si vous avez un bout de mélodie, fermez les yeux et demandez-vous
quel sentiment ou quel mot cette mélodie vous évoque-t-elle. Si vous avez des mots,
voyez quelle sonorité vous pouvez en tirer. Ensuite, essayez de combiner le tout et
construisez  votre  chanson  pas  à  pas.  Surtout,  n’hésitez  pas  à  modifier constamment
une   partie   en   fonction   de   l’autre.   Si   vous   avez   trouvé   un   nouveau   vers   pour  
compléter votre phrase, allongez votre mélodie en conséquence. Si vous modifiez les
notes   de   votre   mélodie,   adaptez   les   mots   de   votre   phrase   pour   qu’ils   puissent   la  
véhiculer. Bref vous avez compris le principe : avancez progressivement, faites preuve
de flexibilité, et soyez  à  l’écoute  de  votre  chanson  pour  concilier  au  mieux  vos  paroles  
et votre mélodie.

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Composer sa chanson de A à Z 157

A vous de jouer :

Exercice 1 :   Choisissez   les   paroles   d’une   chanson   d’un   artiste   que   vous   n’avez  
jamais écouté. La chanson doit exister, mais vous ne devez pas la connaître. A partir
de  ces  paroles  (vous  pouvez  très  facilement  retrouver  les  paroles  de  n’importe  quelle  
chanson   à   partir   d’une   simple   recherche   sur   internet)   et   grâce   aux   techniques   du  
phrasé de voix et du tracé, composez en sa mélodie. Une fois que vous avez fini, allez
écouter la chanson en question et comparez sa mélodie avec celle que vous venez de
composer !

Exercice 2 : Isolez   la   mélodie   d’une   chanson   de   votre   choix   (vous   pouvez  


retrouver   sa   mélodie   en   la   cherchant   à   l’air   à   l’oreille   ou en consultant sa
partition/tablature sur internet) et définissez à partir de cette dernière de nouvelles
paroles en partant du yaourt.

Exercice 3 : Reprenez un bout de mélodie (+ son accompagnement) et quelques


paroles que vous avez composés lors des exercices précédents. Développez-les et
modifiez-les   grâce   à   l’approche   simultanée   pour   obtenir   votre   première  
composition !

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Chapitre 9 : Pilier 4, le rythme

Dans cette partie vous allez apprendre:

A  repérer  le  tempo  de  n’importe  quelle  chanson

A choisir le bon tempo pour votre composition

A définir la structure rythmique de votre composition

A utiliser des rythmes efficaces pour votre mélodie et votre accompagnement

Les 7 rythmiques de bases à la guitare

Comment composer la partie « batterie » de votre morceau ?

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Composer sa chanson de A à Z 159

Introduction

Dans la musique actuelle, le rythme est presque aussi important que la musique en
elle-même.   Certains   chercheurs   avancent   même   que   l’origine   du   rythme   est  
antérieure à celle de la musique.

Le rythme correspond à la durée des notes. Il permet d’agencer  la  musique dans le
temps en lui donnant une structure. Son rôle est essentiel au sein du morceau. En
plus de permettre de lier les différents piliers, il occupe également de nombreuses
fonctions :

Il donne du relief au morceau : imaginez un peu une musique où tous les


instruments   reproduiraient   à   l’identique   le   même   rythme   jusqu’à   la   fin   du  
morceau : la musique serait ennuyeuse à mourir ! Le rythme permet donc
d’apporter  des  nuances  et  de  donner  vie  au  morceau.

Il structure le morceau : au contraire, imaginez une musique où chaque


instrument   jouerait   une   même   mélodie   espacée   et   agencée   selon   l’envie   de  
chacun   :   ce   serait   une   véritable   cacophonie   !   Il   permet   donc   d’apporter   un  
équilibre et un sens à la musique.

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Composer sa chanson de A à Z 160

Il donne une identité au morceau : avez déjà rencontré un morceau de reggae


avec un rythme effréné ? ;)

Et enfin, le rythme procure des émotions et influe sur notre comportement :


un rythme rapide va nous donner envie de bouger, de danser, de tout casser,
tandis qu’un  rythme  plus  lent  aura  tendance  à  nous  apaiser  et  à  nous  calmer.

Dans ce chapitre, nous verrons justement comment définir le rythme de votre


morceau,   et   comment   l’intégrer   aux   autres   piliers   afin   de   composer   une   chanson  
parfaitement homogène et cohérente.

© Fiseha Hailemichae

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Composer sa chanson de A à Z 161

I / Le tempo

Qu’est-ce que le tempo ?


En musique, le tempo correspond à la vitesse du morceau. On va définir un
battement, une pulsation, qui va servir de référence pour structurer le morceau. Par
exemple, si vous suivez les   mouvements   d’une   horloge   et   que   vous   tapez   dans   vos  
mains chaque seconde, vous allez définir un tempo. Vous aurez une vitesse de
référence, et votre morceau devra suivre cette vitesse tout au long de sa durée.

En musique classique, le tempo varie largement   au   sein   d’un   même   morceau.  


Certains   passages   seront   très   rapides,   tandis   que   d’autres   qui   suivront   directement  
seront   très   lents.   Mais   en   musique   contemporaine,   c’est   une   toute   autre   histoire :
dans 99% des cas, le tempo reste fixe tout au long de la chanson.

La chanson « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin est une des rares


à ne pas avoir de tempo fixe : elle accèlère au fur et à mesure
© Dina Regine

Vous devrez donc être particulièrement vigilant dans le choix de votre tempo : ce
dernier déterminera en effet toute la vitesse de votre morceau. (Et comme vous le
savez,  un  tempo  donné  va  grandement  influencer  l’identité  de  la  chanson !).

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Composer sa chanson de A à Z 162

Attention à ne pas confondre tempo et batterie !

Un jeu de batterie peut être complexe et changer tout au long du morceau, mais le
tempo lui reste fixe. Par exemple, même si la batterie stop pendant un temps, le
décompte du tempo lui, continue. Ainsi, si vous continuez à suivre votre tempo, vous
verrez que la batterie reprendra pile sur le temps indiqué par le décompte du tempo.

Comment  repérer  le  tempo  d’un  morceau ?


Avez-vous déjà remarqué que les musiciens tapaient du pied en jouant ? Ce geste
n’est  pas  anodin : ils comptent  en  fait  le  tempo  du  morceau.  Suivre  le  tempo  d’une  
chanson   n’est   en   soi   pas   très   difficile,   et   je   suis   sûr   qu’il   vous   est   déjà   arrivé   de   le  
faire.  Lorsque    vous  secouez  la  tête  d’avant  en  arrière  en  écoutant  une  chanson,  vous  
suivez par exemple son tempo.

Le tempo est mesuré en nombre de battements par minute (BPM pour les intimes).
Comme   son   nom   l’indique,   il   donne   le   nombre   de   « battements »   (c’est-à-dire le
nombre   de   fois   où   vous   allez   taper   du   pied   ou   secouer   la   tête)   qu’il   y   aura   en   une  
minute de temps. Si une chanson est à 120 BPM, ça voudra donc dire que son tempo
sera de 120 battements de pieds en une minute. (Facile hein ?).

Pour vous éviter de secouer continuellement la tête (ou taper du pied), il existe un
formidable instrument qui a été inventé   pour   suivre   le   tempo   d’une   chanson : le
métronome.  Ainsi,  pour  repérer  à  tempo  donné,  il  vous  suffira  simplement  d’ajuster  
les battements du métronome avec ceux de la musique. Lorsque ces pulsations
seront synchronisées, regardez la valeur affichée sur l’écran   de   votre   métronome :
c’est  votre  tempo.

Choisir le bon tempo pour votre composition


Comment choisir le bon tempo pour votre chanson ?   C’est   très   simple : tout
dépendra du style musical que vous jouerez et surtout, de ce que vous voulez faire
passer à   travers   votre   composition.   Si   vous   projetez   d’écrire   une   chanson   d’amour,  
un tempo lent sera en effet plus adapté, tandis que si votre but est de composer du
gros  métal,  il  sera  préférable  d’opter  pour  un  tempo  rapide.  De  façon  générale,  plus  
votre tempo sera élevé, et plus votre chanson sera énergique.

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Composer sa chanson de A à Z 163

Et  pourquoi  ça  ne  marche  pas  de  faire  des  chansons  d’amour  avec  des  rythmes  
rapides et des chansons énervées avec des tempos lents ?

Même si on est tenté de répondre à cette question par un simple « Bah parce que
c’est  logique ! », il existe en fait une raison physique derrière ce phénomène.

Nous  avons  tous  un  métronome  naturel  au  sein  de  notre  corps.  Ce  métronome,  c’est  
le  cœur.  Il  exerce  un  battement  régulier  (enfin  je  l’espère  pour  vous,  sinon  vous feriez
mieux de vous poser quelques questions^^) qui change en fonction de notre humeur
et de notre condition physique. (Le nombre de battements augmente à cause du
stress,  de  la  colère  ou  de  l’excitation,  et  il  diminue  lors  des périodes de sommeil et de
repos.)

Ce battement régit donc nos émotions et inversement. Or, il existe un phénomène


naturel appelé « synchronisation »   qui   consiste   à   ce   que   les   battements   du   cœur  
calquent ceux  d’une  source  extérieur  environnante.  Par  exemple,  si  vous  écoutez  de  
la musique, votre rythme cardiaque va suivre les BPM de votre chanson. Ainsi, en
écoutant   une   musique   au   tempo   rapide,   votre   cœur   va   accélérer   et   vous  
commencerez à ressentir physiquement les émotions liées à une forte activité
cardiaque. Voilà pourquoi vous aurez naturellement envie de bouger en écoutant un
morceau particulièrement entrainant en discothèque.

Cette minute de savoir vous a été présentée par le professeur Alex


(en partenariat avec les éditions Atlas)

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II / La structure rythmique

La mesure
Comme  nous  venons  de  le  voir,  un  morceau  est  régit  par  un  tempo,  c’est-à-dire par
un nombre de battements réguliers lui permettant de définir sa vitesse. Or, le tempo
n’est   pas   le   seul   élément   permettant   « d’encadrer » le morceau : la mesure y joue
également un rôle important.

Qu’est-ce   qu’une   mesure ? La mesure permet de structurer le morceau. Elle va le


découper de façon égale afin de le rendre plus lisible. En fait, la mesure va permettre
de répartir équitablement les pulsations tout au long du morceau. Un morceau sera
donc divisé en plusieurs mesures, comprenant chacune un même nombre de
battements.

A   partir   de   là,   il   existe   différentes   façons   de   structurer   le   morceau.   N’avez-vous


jamais entendu dire « c’est   un   morceau   en   4   temps   »   ou   encore   « une valse c’est  
toujours en 3 temps » ? Ces temps désignent en fait le nombre de battements par
mesure. Si vous voulez créer un morceau en 4 temps, il vous suffira donc de le
structurer  de  façon  à  ce  qu’une  mesure  renferme  4  battements.

Morceau en 4 temps

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Morceau en 3 temps

Morceau en 2 temps

Quel type de structure utiliser pour ma composition ?

Dans 95% des cas, les compositions actuelles sont basées sur une structure en 4
temps.   Et   pour   le   reste   c’est   généralement   du   3   temps.   Vous   pouvez   clairement
entendre la différence entre ces deux structures au sein de la chanson « Lucy in the
Skies with Diamonds » qui utilise du 3 temps pour les couplets et du 4 temps pour les
refrains.

La valeur des notes


A  l’intérieur  de  chaque  mesure,  vous  allez  trouver  des  notes  de  différentes  valeurs.  
En effet, chaque note ne va pas durer strictement le même temps. Certaines
dureront  un  temps  (c’est-à-dire  un  battement),  d’autres  deux,  tandis  que  d’autres ne
s’étaleront   que   sur   un   demi   temps.   Et   ce   qui   va   donner   naissance   au   rythme,   c’est  
justement  l’enchainement  de  ces  différentes  valeurs.

Sur une partition la valeur des notes est représentée par leur forme. Voici les plus
communes  d’entre-elles :

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Composer sa chanson de A à Z 166

Il en est de même pour les silences qui eux, veut indiquer la durée d’interruption du
son :

A partir de là, on peut comprendre la façon dont est organisée une partition, chaque
note ou chaque silence respectant le nombre de battements qui lui a été assigné. Il
faut absolument veiller à respecter cette « distribution » tout au long du morceau
afin de le rendre cohérent et structuré.

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III / Trouver les rythmes

La rythmique de la mélodie
La rythmique de la mélodie est liée à la rythmique des paroles. En effet, comme nous
l’avons  vu  précédemment,  le  langage  n’est  pas  monotone : on modifie naturellement
notre   façon   de   parler   en   fonction   des   émotions   que   l’on   souhaite   communiquer.  
Notre langage va donc induire naturellement une mélodie et sa rythmique. Pour
trouver  la  rythmique  de  votre  mélodie,  il  vous  suffira  donc  d’utiliser  la  technique  du  
« phrasé de voix » que nous avons vu précédemment.

La  rythmique  de  l’accompagnement


Vous   connaissez   l’adage :   une   image   vaut   mieux   qu’un   long   discours.   Voici   donc un
tutoriel vidéo très complet réalisé par Steve Lessard vous présentant les 7 rythmiques
d’accompagnements   les   plus   populaires   à   la   guitare.   Cliquez ici pour visionner le
tutoriel.   Je   n’ai   franchement   rien   à   ajouter   par   à   son   travail,   ces   rythmiques   étant  
constamment utilisées dans le monde de la composition.

Composer la partie « batterie »


La composition des percussions est une science à  part  entière.  C’est  pour  cette  raison  
que je vous conseille de vous associer à des batteurs confirmés pour y arriver. Vous
pouvez également consulter mon tutoriel « Composer   la   partie   batterie   d’un  
morceau » ou recourir à des boucles rythmiques.

Grâce à « Universal Soundbank », vous pouvez télécharger


gratuitement des boucles rythmiques triées par tempo et style
de musique.

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Composer sa chanson de A à Z 168

A vous de jouer:

Exercice 1: Choisissez une chanson  de  votre  choix  et  essayez  d’en  déterminer  le  
tempo. Pour ce faire, repérez un battement de grosse caisse puis comptez pendant
une minute le nombre de pulsations dictées par la musique à partir de ce point. Si
vous le souhaitez, vous pouvez également vous  aider  d’un  métronome.

Exercice 2:  Choisissez  des  morceaux  de  différentes  natures  (chansons  d’amour,  


chansons de contestations, chansons de différents styles musicaux) puis définissez le
tempo  de  chacun  d’entre  eux.  Repérez  les  spécificités  de  chaque  type de tempo.

Exercice 3 :   Choisissez   un   morceau   puis   comptez   jusqu’à   4   à   partir   d’un  


battement. (1/2/3/4 ; 1/2/3/4 ;  1/2/3/4…).    Ce  faisant,  vous  parviendrez  à  dégager  sa  
structure rythmique.

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PARTIE 4 : Développer la
chanson dans son intégralité

Chapitre 10 : Structurer  son  morceau……………………………….170


Chapitre 11 : Composer  sa  chanson  de  bout  en  bout………..189

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Chapitre 10 : Structurer son morceau

Dans cette partie vous allez apprendre :

Comment développer une idée musicale pour en faire un morceau entier ?

Les  différentes  sections  d’une  chanson

Quelles sont les différents types de structures les plus utilisées dans le
monde de la composition ?

Quelles sont les particularités de chacune de ces structures ?

Comment structurer vos propres compositions ?

Quelles sont les 3 manières de trouver un fil conducteur pour votre


morceau ?

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Introduction

Grâce aux 4 piliers, vous disposez maintenant de bases solides pour composer vos
premières chansons. En arrivant à ce stade du livre (et si vous avez bien fait tous vos
exercices ;)),   vous   devez   être   normalement   capables   d’écrire   vos   premières  
musiques. Vous devez commencer à vous faire plaisir, et à entrevoir les immenses
possibilités   qui   s’offrent   à   vous.   Rendez-vous compte ! Peut-être   qu’en   arrivant   ici  
vous étiez incapables de produire la moindre musique, alors que maintenant,
matérialiser  vos  idées  en  chansons  est  tout  à  fait  dans  vos  cordes.  C’est  génial  non ?
Rien que pour ça, vous méritez que je fasse une pause dans mon récit pour vous
féliciter : bravo !! Je suis fier de vous. :)

A  partir  de  maintenant,  de  nouvelles  horizons  s’offrent  à  vous


© Chrystelle

Mais  on  ne  va  pas  s’arrêter  en  si  bon  chemin.  Il  est  maintenant  temps  de   passer un
nouveau palier et  d’atteindre  un  tout autre niveau.

Grâce aux sections précédentes, vous avez appris à composer individuellement


chaque  partie  d’une  chanson  et  à  les  assembler  pour  créer  vos  premières  ébauches  
de morceau. Si je devais comparer votre progression à un cinéaste, je dirai que vous

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Composer sa chanson de A à Z 172

savez maintenant manier la caméra et que vous venez de commencer à réaliser vos
premiers courts-métrages. Cependant, il vous reste encore une étape à franchir pour
devenir un vrai Quentin Tarantino : vous devez apprendre à développer suffisamment
vos idées pour en faire de véritables films. En musique, vous allez en effet être
confrontés à cette même difficulté : vous devrez apprendre à développer un
morceau entier à   partir   d’un   simple   bloc   musical.   Cette   étape   est   cruciale   et  
constitue  l’une  des  principales  difficultés  de  l’apprenti  compositeur.

« J’arrive  à  avoir  des  idées  intéressantes  et  à  composer  des  petits  bouts  de  chansons  
sympas  mais  ensuite,  c’est  le  trou  noir.  Je  ne  sais  pas  quoi  en  faire.  Comment  est-ce
que je les fais évoluer en un morceau complet ?  Car  la  majorité  du  temps,  je  n’arrive  
jamais  à  terminer  mes  morceaux.  Ça  me  frustre  et  je  finis  par  abandonner… »

Comment faire face à ce problème ? Comment transformer vos courts-métrages en


films complets ?   Comment   partir   d’une   simple   idée   musicale pour en faire un
morceau entier ?   C’est   ce   que   nous   allons   voir   dans   les   prochaines   parties.   Pour   y  
arriver,   vous   devez   tout   d’abord   apprendre   à   structurer votre morceau ;   et   c’est  
justement ce que nous allons aborder dans ce chapitre.

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Composer sa chanson de A à Z 173

I / La structure du morceau

Qu’est-ce  que  la  structure  d’une  chanson ?


La   structure   d’une   chanson   correspond   à   son   squelette.   Ce   sont   les   fondations   sur  
lesquelles elle est bâtie et sur lesquelles elle se repose. Cette structure est
indispensable car sans elle,  la  chanson  n’aurait  aucun  sens  ni  aucune  logique.  

Vous souvenez-vous  de  l’architecte  Numérobis  dans  Astérix  et  Cléopâtre ? Toutes les
maisons   qu’il   construisait   étaient   complètement   détraquées.   Leurs   toits   étaient  
montés   à   l’envers,   les   escaliers   étaient   inégaux,   des   portes   s’ouvraient   sur   le   vide…  
Voilà un parfait exemple de ce à quoi ressemblerait une maison construite sans
soucis  de  structure.  Difficile  d’habiter  dans  de  telles  conditions  n’est-ce pas ? Eh bien
pour   une   chanson   c’est   exactement   la   même chose :   elle   doit   être   dotée   d’une  
structure  pour  avoir  du  sens,  sinon  elle  sera  aussi  logique  qu’une  maison  dessinée  par  
Numérobis. ;)

Ne prenez pas exemple sur Numerobis


© Caroline Bicocchi

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Composer sa chanson de A à Z 174

A quoi ça sert de structurer sa chanson ?


Comme nous venons   juste   de   le   voir,   la   structure   d’une   chanson   sert   surtout   à   lui  
donner  un  sens.  Mais  son  rôle  ne  s’arrête  pas  là,  elle  a  aussi  d’autres  utilités

Servir de fil conducteur au morceau

Tout   comme   l’ingénieur   se   reposera   sur   ses   plans   pour   construire   une maison, le
compositeur   se   servira   de   la   structure   du   morceau   pour   l’aider   à   construire   sa  
chanson.   En   effet,   en   l’état,   une   suite   d’accords   donnée   peut   prendre   toutes   les  
directions possibles et inimaginables. A ce stade de la composition, la chanson peut
partir   dans   tous   les   sens   et   vos   possibilités   sont   infinies.   C’est   comme   si   vous   vous  
retrouviez   au   fond   d’une   grotte   avec   des   milliers   de   portes   s’étalant   devant   vous.  
Laquelle choisir ? Quel chemin emprunter ?    La  structure  d’une  chanson  vous  permet  
justement de choisir le bon chemin. Telle une petite lumière qui vous éclaire dans le
noir, elle va vous aider à maintenir le cap et à trouver la bonne voie. En suivant une
structure, vous pouvez être sûr de ne jamais vous perdre.

Porter le message de la chanson

De   la   même   façon   qu’un   texte,   une   musique   raconte   une   histoire   et   porte   un  
message. Il y a donc une certaine structure à respecter afin que la musique puisse
porter au mieux ce message. Prenons un petit exemple pour illustrer cette idée : si
vous écrivez une histoire en ayant préalablement pris la peine de bien développer le
caractère  de  votre  personnage  principal,  alors  le  lecteur  s’attachera  à  ce  héros  et  se  
trouvera très affecté si par malheur une mésaventure venait à le toucher. Au
contraire, si vous   débutez   votre   texte   par   la   description   d’un   désastre   touchant  
directement votre personnage, alors le lecteur ne sera pas trop perturbé car vous ne
lui   aurait   pas   donné   l’opportunité   de   s’y   attacher.   (Autrement   dit,   si   on   est   autant  
chamboulé en apprenant   que   Dark   Vador   est   le   père   de   Luke,   c’est   parce   que  
Georges   Lucas   a   bien   veillé   à   faire   en   sorte   que   l’on   s’attache   à   son   héros   au  
préalable).   Vous   voyez   donc   bien   que   selon   l’agencement   et   la   façon   de   construire  
votre histoire, un même fait peut avoir des   répercussions   différentes.   D’où  
l’importance  en  littérature  comme  en  musique,  de  respecter  une  certaine  structure.  
Structurer   une   chanson,   c’est     lui   donner   la   chance   d’être   pertinente   et   de   lui   faire  
porter au mieux son message. Un refrain sera ainsi d’autant  plus  entraînant  si  vous  le  
faîte arriver au moment opportun de votre chanson.

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Composer sa chanson de A à Z 175

Structurer ma chanson ne va-t-elle pas la formater ?


Certaines personnes craignent de structurer leurs chansons de peur de les
« formater ».  Ils  refusent  que  l’on  puisse cataloguer leur musique et condamnent à ce
titre toutes formes de structures. Pour eux, donner une structure à une chanson,
c’est   lui   imposer   des   barrières. Cependant, cette croyance est fausse. Elle est aussi
erronée que celle considérant à croire que le solfège est nuisible à la créativité.

En  effet,  si  on  s’attarde  sur  la  définition  du  mot  « structure », on se rend compte que
structurer veut dire « assembler selon un ordre logique ».   Structurer,   c’est   donc  
donner du sens. Or, une chanson peut tout à fait avoir du sens sans pour autant être
prévisible. Si on prend le mot « structure » dans son sens premier, toutes les
chansons   ont   donc   une   structure   puisqu’elles   obéissent   toutes   à   une   certaine  
logique.  (Une  chanson  n’est  pas  une  suite  de  bruits  empilés de façon aléatoires, il y a
donc  une  logique  derrière  chaque  chanson).  La  seule  différence,  c’est  qu’il  y  aura  des  
structures  prédéfinies,  et  d’autres  qui  ne  pourront  jamais  être  cataloguées.

Regardez les films pour vous en convaincre : derrière chaque film il y a une trame. Le
réalisateur  suit  un  fil  d’Ariane  pour  mettre  en  scène  son  histoire.  Malgré  cela,  est  ce  
que la présence de cette trame vous permet de deviner à chaque fois le dénouement
du film ? Autrement dit, est ce que le fait que le film soit construit avec logique vous
permet  de  dire  qu’il  est  prévisible ?  Bien  sûr  que  non.  Eh  bien  pour  une  chanson  c’est  
la même chose : la structurer ne va pas forcément dire la formater. Structurer une
chanson,  c’est  simplement  l’aider  à  avoir  du  sens pour favoriser sa compréhension.

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Composer sa chanson de A à Z 176

II  /  Les  sections  d’une  chanson

Une chanson est composée de plusieurs sections et   c’est   l’assemblage   de   ces  


différentes sections qui va permettre de créer la structure du morceau.

- L’introduction:   L’introduction   va   poser   les   bases   et   l’atmosphère   de   votre  


chanson.  Elle  a  également  pour  but  d’aiguiser  la  curiosité  de  l’auditeur  pour  lui  
donner envie de poursuivre son écoute.

- Le couplet : Le couplet a pour rôle de poser le contexte de la chanson. Il révèle


son cadre et son atmosphère. Une chanson est souvent composée de plusieurs
couplets.  Entre  ces  différents  couplets,  la  mélodie  et  la  suite  d’accords  restent  
très souvent la même, mais les paroles changent.

- Le pré-refrain : Le pré-refrain est une partie optionnelle qui vient  s’interposer  


après  le  couplet  et  avant  le  refrain.  Comme  son  nom  l’indique,  il  a  pour  but  de  
préparer   l’auditeur   à   l’arrivée   du   refrain.   A   ce   titre,   il   est   souvent   composé  
d’une   phase   musicale   dynamique   faisant   monter   progressivement   l’intensité  
de la chanson.

- Le refrain: Parmi toutes les parties qui composent un morceau, le refrain


constitue  sans  aucun  doute  la  partie  la  plus  importante.  C’est  le  moment  où  la  
chanson   atteint   son   apogée   tant   musicalement   qu’émotionnellement.   Il   doit  
être assez percutant pour être facilement retenu par votre public et doit
résumer  à  lui  seul  l’ensemble  de  votre  chanson.  En  définitive,  si  votre  auditeur  
ne   devait   retenir   qu’une   seule   chose   de   votre   morceau,   cette   chose   devrait  
être son refrain.

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Composer sa chanson de A à Z 177

- Le Pont: Partie optionnelle et souvent située en fin du morceau, le pont est


une section caractéristique car elle correspond à un changement, à une
rupture, par rapport au reste de la chanson. Ainsi, les accords et la mélodie qui
le composent sont différents de ceux du reste du morceau. Le pont permet
d’offrir  une  bouffée  d’air  frais  à  l’auditeur  afin  de  relancer  son  attention  et  le  
préparer au mieux au grand final de la chanson.

- L’Outro: Strict   opposé   de   l’intro,   l’outro   va   vous   permettre   de   conclure   la  


chanson en beauté.   Il   peut   s’agir   d’une   baisse   de   volume   progressive,   d’une  
répétition  du  refrain,  ou  encore  d’une  section  nouvelle  amenant  la  conclusion  
progressive du morceau.

Maintenant   que   vous   connaissez   les   différentes   sections   d’une   chanson,   il   ne   nous  
reste plus  qu’à  savoir  les  agencer  pour  structurer  votre morceau.

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III / Les différents types de structure

Tout   d’abord,   sachez   qu’il   n’y   a   pas   de   structures   fixes   ni   de   règles   absolues   en  
musique. Vous êtes le cinéaste. Vous êtes donc libres de raconter l’histoire  que  vous  
voulez, et de la façon dont vous le voulez.

Dans cette partie, je vais seulement me contenter de vous présenter des structures
ayant fait leurs preuves dans le monde musical et qui sont particulièrement utilisées.
En   d’autres   termes,   ce que je vous présente, ce sont des techniques de mises en
scène efficaces et approuvées. Cependant, je ne vous obligerai jamais à tourner vos
films  uniquement  à  l’aide  de  ces  techniques.  Libre  à  vous  ensuite  de  vous  en  inspirer,  
et de vous en affranchir pour raconter vos histoires à votre manière.

Note:   Vous   verrez   que   j’ai   illustré   les   structures   présentées   à   l’aide   de   schémas.  
Cependant, ces schémas ne résument pas à eux seuls les structures ; ils sont justes là
à titres indicatifs. Par exemple, dans la partie « enchaînements de couplets » le
schéma   illustre   une   chanson   de   type   AABA.   Cependant,   cette   structure   n’est   pas   la  
seule possible pour la forme « enchaînements de couplets ». Votre chanson aurait
très bien pu être de la forme «ABAB « ou encore « AABABA ».

1) Le couplet unique
C’est  la  forme  de  chanson  la  plus  simple.  Elle  consiste  à  composer  un  unique  couplet  
et à le répéter tout au long de la chanson.

Cette structure est particulièrement utilisée par les chanteurs de chansons folk tels
que Bob Dylan, Joni Mitchell ou encore Joan Baez. En effet, la forme du couplet
unique est parfaitement adaptée aux chansons portées sur le texte ; chaque couplet
représentant   une   avancée   dans   l’histoire   et   marquant   un   rebondissement.  

En dehors du texte, il  n’existe  que  très  peu  de  variations  du  couplet  tout  au  long  de  la  

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chanson.   Seule   une   petite   une   section   musicale   peut   venir   s’intercaler   entre   les  
différents couplets pour redynamiser la chanson.

Exemples: « All along the Watchtower » de Bob   Dylan,   “Born in the USA”   de   Bruce  
Springsteen

2) L'enchaînement de couplets
Cette   forme   est   assez   similaire   à   la   précédente   sauf   qu’il   y   a   maintenant deux
couplets  différents  qui  s’enchaînent.  

Elle  permet  d’ajouter  plus  de  diversité   musicale  au  morceau   grâce  à   la  présence  du  
deuxième couplet (même si musicalement, les deux couplets restent relativement
proches).

La forme la plus connue de l’enchaînement   de   couplets   est   la   forme   « AABA ».


Comme  son  nom  l’indique,  cette  structure  consiste  à   enchaîner   deux  couplets     - un
couplet A et un couplet B - selon   l’ordre     établi : deux fois le couplet A, une fois le
couplet B, puis une dernière fois le couplet A.

Exemple: « Yesterday » des Beatles

3) La forme standard
Dans   la   forme   standard,   les   deux   couplets   sont   suivis   d’une   troisième   partie   dotée  
d’une   nouvelle   mélodie   et   d’un   nouvel   accompagnement.   Cette   section   n’est   pas  
vraiment  un  refrain  puisqu’elle  n’a  pas  vocation  à  constituer  le  point  culminant  de  la  
chanson, ni un autre couplet car elle marque un changement musical important par
rapport  à  ce  que  proposait  la  chanson  jusqu’à  alors. Cette partie se rapproche donc
d’avantage  d’un  pont,  même  si  elle  n’en  est  pas  un.

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Composer sa chanson de A à Z 180

La   forme   standard   est   encore   utilisée   aujourd’hui   dans   de   très   nombreux   styles  
musicaux tels que le jazz, le gospel, ou la pop. Elle est très intéressante car le
changement induit par la partie « contraste »   permet   d’apporter   de   la   « fraîcheur »
au  morceau.  Ce  changement  permet  aussi  d’impliquer  émotionnellement  l’auditeur.  
En effet, les deux premiers couplets vont instaurer le climat de base de la chanson.
Ils vont transporter   l’auditeur   vers   un   univers   confortable   et   familier.   Or,   en   créant  
une   partie   en   opposition   avec   ce   climat,   l’auditeur   va   être   interpellé.   Mais   par   la  
suite, en retrouvant un univers familier grâce au premier couplet, il va de nouveau se
sentir apaisé  et  heureux.  C’est  le  même  principe  que  celui  de  l’ascenseur  émotionnel.  
Cette structure de chanson est donc particulièrement adapter pour raconter des
histoires avec rebondissements ou pour faire vivre des aventures à votre public.
Exemples : « Hey Jude » et « Something » des Beatles

4) La forme couplets / refrain


Cette structure est sans aucun doute celle qui est la plus utilisée aujourd’hui.  Que  ce  
soit dans le rock, la pop, le rap, la country, le gospel, elle est omniprésente. Elle
consiste à alterner couplets et refrain tout au long de la chanson.

Ou encore :

Contrairement aux couplets, le refrain reste le même tout au long de la chanson, sauf
peut-être à la fin ou il peut être allongé ou amplifié pour terminer la chanson en
apothéose.  Le  refrain  doit  contenir  l’essence  du  message  de  la  chanson  et  doit-être
en tout point supérieur aux couplets (supérieur en émotion, en intensité, et en
engagement). Rendez-vous à la page x pour voir comment composer un refrain
efficace.

Exemple: « Helpless » de Neil Young

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Composer sa chanson de A à Z 181

5) Couplets / Pré-refrain / Refrain


Le pré-refrain permet de préparer  efficacement  l’arrivée  du  refrain.  Musicalement,  il  
se  situe  donc  entre  les  couplets  et  le  refrain.  Il  doit  être  plus  intense  qu’un  couplet,  
mais  moins  efficace  qu’un  refrain.  

Le pré-refrain est optionnel, vous pouvez donc très bien vous en passer. Alors quand
faut-il utiliser un pré-refrain et quand faut-il  s’en  priver ?  C’est  à  vous  de  voir.  Faites  
en fonction de votre chanson et de ce que vous avez composé. Demandez-vous
simplement   si   votre   refrain   n’aurait   pas   plus   d’impact   s’il   était   précédé   d’un   pré-
refrain, ou si vos couplets suffisent en eux-mêmes pour préparer  l’arrivée  du  refrain.

Exemples:  “Don’t  Look  Back  in  Anger”  d’Oasis  ,  “Lucy in the Sky with Diamonds”  des  
Beatles

6) Couplets / Refrain / Pont


Le pont est une section tout à fait à part dans la chanson. Il est de moins en moins
utilisé  aujourd’hui  mais  son  effet  n’en   demeure  pas  moins   très  intéressant.   Le  pont
marque en effet une rupture par rapport au reste de la chanson. Les progressions
d’accords  changent,  tout  comme  la  mélodie  et  les  paroles.  Il  est  généralement  situé  
en fin de chanson.

Pour   que  vous  vous  fassiez  une  idée  précise  de  ce  qu’est  un  pont,   je vous conseille
d’écouter   la   chanson   « Apocalypse Dreams » du groupe Tame Impala. Écoutez
attentivement  à  2’59’’,  vous  voyez  un  peu  la  rupture ?  Pour  autant,  le  pont  s’intègre  
logiquement avec le   reste   de   la   chanson,   et   c’est   ce   qui   en   fait   sa   particularité.  
Exemple: « Fix You » de Coldplay

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7) Les structures complexes


Par   structures   complexes,   j’entends   les   chansons   qui   intègrent     à   leur sauce
l’ensemble   des   éléments que nous avons vus précédemment. Ces chansons
comprennent des pré-refrains, des refrains, et même des ponts. Tout y passe !
Puisqu’il  n’y  a  pas  vraiment  de  règles  en  musique,  il  vous  suffit  en  effet  de  piocher les
pièces du puzzle que  vous  voulez  pour  constituer  votre  œuvre  d’art.  Faites  preuves  
de créativité, vous pouvez même commencer votre chanson par son refrain si ça vous
chante !

Voyons ensemble un exemple de structure complexe en guise de révision finale. Ça


vous aidera   à   repérer   les   différentes   sections   d’une   chanson   et   leurs   spécificités :

38 Special – Hold on Loosely

Couplet 1
You see it all around you
Good lovin' gone bad
And usually it's too late when you
Realize what you had

Pré-refrain
And my mind goes back to a girl I left
Long years ago who told me

Refrain
Just hold on loosely
But don't let go
If you cling too tightly
You're gonna lose control
Your baby needs someone to believe in
And a whole lot of space to breathe in

Couplet 2
It's so damn easy
When your feelings are such
To overprotect her

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Composer sa chanson de A à Z 183

To love her too much

Pré-refrain
And my mind goes back to a girl I left
Long years ago who told me

Refrain
Just hold on loosely
But don't let go
If you cling too tightly
You're gonna lose control
Your baby needs someone to believe in
And a whole lot of space to breathe in

Pont
Don't let her slip away
Sentimental fool
Don't let your heart get in the way
Yeah, yeah, yeah

Couplet 1
You see it all around you
Good lovin' gone bad
And usually it's too late when you
Realize what you had

Refrain
So hold on loosely
But don't let go
If you cling too tightly
You're gonna lose control
Your baby needs someone to believe in
And a whole lot of space to breathe in

Refrain (légèrement modifié)


So hold on loosely
But don't let go

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If you cling too tightly


You're gonna lose it
You're gonna lose control

Solo
Yeah, yeah, yeah, yeah

Refrain
So hold on loosely
But don't let go
If you cling too tightly
You're gonna lose control

Refrain
Hold on loosely
But don't let go
If you cling too tightly to her
You're gonna lose control, yeah, yeah, yeah

Outro

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IV / Comment structurer son morceau ?

Nous venons de voir les structures de morceaux les plus répandues. Mais quelles sont
celles   qu’il   faut   choisir ? Comment savoir celle qui sera la plus adaptée à votre
morceau ? Faut-il  la  définir  à  l’avance,  ou  au  contraire  la  construire  au  fur  et  à  mesure  
du morceau ?

Se baser sur les spécificités propres à chaque structure


Tout   d’abord, il faut que vous preniez conscience que chaque type de structure
possède ses propres spécificités. Tout comme vous devez choisir votre méthode de
composition en fonction de vos préférences, vous devez choisir la structure de votre
morceau en fonction de votre musique.   A   ce   titre,   il   n’y   a   pas   de   structures  
meilleures   que   d’autres.   La   meilleure   structure,   ce   sera   tout   simplement   celle   qui  
conviendra le mieux pour votre chanson.

Définissez les objectifs de votre chanson et choisissez votre structure en


conséquence.  Vous  voulez  mettre  l’accent  sur  le  texte ? Dans ce cas, une structure de
type « enchaînement de couplets » sera plus adaptée. Vous avez plusieurs idées
musicales distinctes pour une même chanson ? Alors optez pour une structure
intégrant un pont. Le bloc musical que vous venez de composer est particulièrement
accrocheur ? Dans ce cas, il fera un bon refrain et vous feriez mieux de choisir une
structure de type « couplets / refrain. Pour chaque idée musicale, il existe une
structure musicale adaptée. Sachez simplement définir ce que vous voulez exprimer à
travers votre chanson pour trouver cette structure.

Trouver le fil conducteur de sa composition

Ok  Mais  admettons  que  j’opte  pour  une  structure  couplets  /  refrain ; comment
déterminer le moment  où  je  devrai  utiliser  un  couplet  et  celui  ou  j’utiliserai  un  
refrain ? Autrement dit, comment trouver le fil conducteur de mon morceau ?

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Il existe plusieurs façons de trouver le fil conducteur de son morceau. Plus


précisément, il en existe trois et vous êtes libre de choisir celle que voulez. Comme
souvent   depuis   le   début   de   ce   livre,   je   vous   conseille   d’essayer   chacune   de   ces  
approches pour déterminer celle qui vous conviendra le mieux.

Méthode n°1 : la classique

La première approche consiste à choisir votre structure avant de commencer


l’écriture  de  votre  chanson.  Cette  dernière  doit  être  construit  à  partir,  et   autour de
cette   structure.   Vous   dessinez   le   squelette   à   l’avance,   puis   vous   le   compléter.  
Exactement   comme   l’architecte   dessine   les   plans de sa maison avant de la faire
construire. Beaucoup de compositeurs procèdent de cette façon, ça leur permet
d’avoir   un   regard   clair   sur   l’avancement   de   leur   composition   ainsi   qu’une   ligne  
directrice forte.

Méthode n°2 :  l’hybride

La seconde possibilité consiste à adopter une démarche hybride. Dégagez une


première idée de structure en fonction de vos idées musicales et de ce que vous avez
déjà composé, puis suivez cette structure pour composer le reste de votre chanson.
Cependant,   n’hésitez   pas   à   modifier votre structure au besoin. Par exemple, si en
cours de composition vous vous rendez-compte que vos idées vous mènent vers une
autre   direction,   n’hésitez   pas   à   adapter votre structure de base en conséquence.
L’idée  est  d’adopter  une  ligne  directrice  assez rigide pour vous donner une direction,
mais  de  laisser  place  à  une  certaine  souplesse  pour  laisser  vos  idées  s’exprimer.  

Méthode n°3 : la créative

Enfin, la troisième approche consiste à se fier uniquement à


votre  musique.  Soyez  à  l’écoute  de  votre  morceau et laissez-
le  décider  seul  de  la  direction  qu’il  doit  prendre.  Concentrez-
vous ce que vous jouez, et laissez la musique vous guider.
Par exemple, si en jouant vous remarquez que votre suite
d’accords   arpégée   évolue   vers   une   suite   d’accords   simples  
et   plaquées,   vous   êtes   sûrement   en   train   de   passer   d’un  

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couplet vers un refrain (voir page 191 pour voir la façon dont évolue une suite
d’accords  au  cours  du  morceau).

Vous pouvez également vous aider de vos paroles pour structurer votre morceau. Ce
dernier est en effet similaire à une histoire. Imaginez donc le développement de cette
histoire  pour  trouver  l’évolution  de  votre  morceau.  Par  exemple,  la  description  d’une  
nouvelle   situation   pourra   correspondre   à   un   nouveau   couplet,   tandis   qu’un  
rebondissement soudain pourra être apparenté à un pont. Quentin Tarantino avait
l’habitude   de   s’inspirer   des   structures   de   chansons   pour   développer   ses   scénarios.  
Faites donc comme lui mais en sens inverse : inspirez-vous de votre scénario (votre
histoire, vos paroles) pour trouver le développement de votre chanson.

« Ok, je vois la structure ! »


© Loren Javier

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A vous de jouer :

Exercice 1: La meilleure façon de savoir comment structurer une chanson reste


encore  d’analyser  les  structures  des  plus  grands succès ! Choisissez donc 5 chansons
parmi celles de vos artistes référents et dégager leur structure. Basez-vous sur les
descriptions des composantes et des exemples que nous avons vus pour y arriver.

Exercice 2: Choisissez deux chansons parmi les cinq analysées précédemment et


posez-vous   les   questions   suivantes   :   Qu’est   ce   qui   permet   de   séparer   une   section  
d’une  autre ?  Quel  est  l’élément  déclencheur ? Ou se situe la différence ? Comment
se traduit-elle ?  Par  un  changement  d’accords ? De mélodie ? Comment évoluent les
paroles en fonction des différentes sections ?  Notez  sur  une  feuille  l’ensemble  de  vos  
observations et utilisez-les pour nourrir vos compositions.

Exercice 3: Cherchez un exemple de chanson pour chacune des structures


abordées dans ce chapitre.

Exercice 4: Cherchez une chanson à la structure inhabituelle qui ne rentre dans


aucune des catégories décrites ci-dessus. Comment est-elle structurée ?  Qu’est  ce  qui  
en fait sa spécificité ? Comment pouvez-vous mettre à profit cette structure originale
pour vos propres compositions ?

Exercice 5: Reprenez une de vos compositions précédentes (un bloc musical


constitué   d’une   suite   d’accords,   d’une   mélodie,   et   de   paroles)   et   essayez   de   la  
développer en lui donnant une structure. Pour cela, basez-vous sur les 3 méthodes de
développement  du  morceau  (la  classique,  l’hybride,  et  la  créative).

Exercice 6: Choisissez votre film préféré et notez les différentes étapes de sa


trame narrative (ex : présentation des personnages, péripéties, rebondissement,
affrontement   final   etc…)   Essayez   de   rapprocher   chacune   de   ces   étapes   d’une  
composante musicale et traduisez les pour obtenir la structure musicale de votre
film. Inspirez-vous ensuite de cette structure et de ce que vous évoque le film pour
écrire une chanson.

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Chapitre 11 : Composer sa chanson de bout


en bout

Dans cette partie vous allez apprendre :

A compléter votre bloc musical pour en faire une chanson complète

Comment faire évoluer vos accords tout au long de la chanson ?


Quelles sont les particularités des accords du couplet, du refrain, du pont, et
du pré-refrain ? Quelles sont leurs points communs ? Quels sont leurs
différences ? Comment réussir leurs transitions ?

Comment trouver la bonne mélodie pour chaque section de votre


chanson ?
Quelles sont les différences capitales entre les mélodies du refrain et celles
du couplet ? Quelles sont les caractéristiques des mélodies du pré-refrain et
du pont ? Comment composer une mélodie accrocheuse pour son refrain ?

Comment faire évoluer ses paroles en fonction de la structure du


morceau ?
Comment  s’aider  de  la  structure  du  morceau  pour  véhiculer  au  mieux  le  
message de la chanson ?

Comment réussir des transitions fluides entre les différentes sections de


votre chanson ?

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Introduction

Faisons un petit bilan   de   ce   que   nous   avons   appris   jusqu’à   maintenant : grâce à la
première  partie,  vous  savez  comment  être  dans  le  bon  état  d’esprit  pour  composer  et  
comment   provoquer   l’inspiration.   Grâce   à   la   seconde   partie,   vous   avez   appris   à  
démarrer votre composition et   à   mettre   un   premier   pas   à   l’étrier.   Grâce   à   la  
troisième   partie,   vous   avez   appris   à   composer   les   4   piliers   d’une   chanson   afin  
d’obtenir   vos   premiers   « blocs musicaux ». Et maintenant, grâce à la quatrième
partie, vous allez apprendre à développer ces blocs   musicaux   afin   d’en   faire   des  
chansons complètes.

Dans le chapitre précèdent, nous avons vu les différents moyens de structurer un


morceau  et  de  trouver  son  fil  conducteur.  A  l’heure  actuelle,  vous  avez  donc  entre  les  
mains des blocs musicaux ainsi que le squelette de votre chanson complète. Pour finir
votre  composition,  il  ne  vous  reste  donc  plus  qu’à  suivre votre plan afin de composer
les « parties manquantes » de votre morceau. Autrement dit, vous avez le croquis de
votre toile et il ne vous reste plus  qu’à  lui  apporter de la couleur.

Dans ce chapitre, nous allons justement apprendre à mettre de la couleur. Nous


verrons   comment   évoluent   chacun   des   4   piliers   d’une   chanson   en   fonction   des  
différentes sections qui la compose. Par exemple, nous verrons comment évolue une
même  suite  d’accords  tout  au  long  du  morceau.  Nous  verrons  comment  la  modifier,  
et quelles sont les spécificités à prendre en compte en fonction des différentes
sections du morceau. (Par exemple, y a-t-il des différences entre les suites d’accords  
d’un   couplet   et   celle   d’un   refrain ?). Enfin, nous verrons comment assurer des
transitions fluides entre les différentes parties de votre morceau afin de le rendre
parfaitement homogène.

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I  /    Evolution  de  l’accompagnement  tout  au  long  de  la  chanson

Dans  les  chansons  modernes,  il  est  courant  que  la  suite  d’accords  évolue  tout  au  long  
du morceau. Le morceau est en effet composé de plusieurs parties distinctes, et
chacune de ces parties possède ses propres spécificités. En composition, il est donc
normal   d’adapter   sa   suite   d’accords   pour   qu’elle   réponde   à   ces   différentes  
spécificités. Au sein de cette partie, nous verrons comment évoluent les suites
d’accords pour chacune des sections du morceau.

1) Le couplet
Les caractéristiques des accords du couplet

Même  si  la  majorité  des  chansons  actuelles  ne  puisent  leurs  accords  qu’au  sein  d’une  
même   gamme,   les   suites   d’accords   du   couplet   peuvent   provenir   de   plusieurs  
tonalités.  Le  couplet  présente  en  effet  le  contexte  de  la  chanson,  les  suites  d’accords
qui le composent peuvent donc être plus complexes et plus recherchées que celles
des autres parties de la chanson.

Écrire les accords du couplet

Toutes   les   techniques   vues   au   sein   du   chapitre   consacré   à   l’accompagnement  


peuvent être utilisées pour composer   les   suites   d’accords   du   couplet.   Mais   puisque  
ces suites sont généralement plus complexes que les autres, je vous conseille
d’utiliser   davantage   les   techniques   vues   au   sein   de   la   section   « utiliser des accords
d’autres  tonalités ».

2) Le refrain
Les caractéristiques des accords du refrain

Le   but   premier   d’un   refrain   est   de   retenir   l'attention   et   d’être   riche   en   intensité.  
Faites   donc   en   sorte   d’utiliser   des   suites   d’accords   simples et épurées pour votre
refrain. Car qui dit « simplicité » dit « efficacité » et « mémorable ».

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Écrire les accords du refrain

Les  suites  d’accords  de  votre  refrain  doivent  être  simples.  Pour  ce  faire,  utilisez  des  
suites   d’accords   provenant   d’une   seule   et   même   tonalité.   Pour   plus   d’efficacité,   je  
vous conseille également d’utiliser   beaucoup   d’accords   du   premier degré. Ces
accords donnent en effet leur nom à la tonalité, ils permettent donc de marquer
davantage  la  présence  et  l’impact  de  la  tonalité.  Il  est  également  préférable  d’utiliser  
des   accords   non   renversés,   c’est-à-dire à leur état fondamental. Enfin, utilisez des
suites  d’accords  plutôt  courtes afin de favoriser la mémorisation de votre refrain.

Réussir la transition couplet / refrain


Beaucoup de personnes me demandent comment réussir des transitions fluides entre
les différentes sections de la chanson. Et comment par exemple, passer facilement
d’un  couplet  à  un  refrain.  Car  il  est  vrai  qu’en  écoutant  les  chansons  des  plus  grands,  
il est très difficile de percevoir leurs transitions. Leur musique semble couler de
source. Pour apporter à votre chanson autant de fluidité, vos transitions doivent
provenir des éléments les plus profonds de votre chanson ; autrement dit de leurs
accords.     Réussir   vos   transitions   d’accords,   c’est   donc   garantir   à   votre   chanson   une  
grande fluidité.

Technique n°1 :  l’accord  pivot

Une  bonne  technique  de  transition  consiste   à   préparer  l’arrivée  du  refrain   grâce  au  
dernier accord de votre couplet. Cet accord constitue en effet votre accord de
passage, il doit donc être commun aux deux sections pour  préparer  l’oreille  de  votre  
auditeur. Si votre couplet et votre refrain utilisent des accords issus de gammes
différentes, utilisez donc un accord commun à ces deux gammes pour votre accord
pivot.  De  même,  si  votre  couplet  est  constitué  de  beaucoup  d’accords mineurs et par
opposition   votre   refrain   d’accords   majeurs,   utilisez   un   accord   majeur   en   tant   que  
dernier  accord  de  couplet  pour  préparer  la  venue  des  accords  majeurs.  Bref,  ici  l’idée  
est  d’utiliser  les  points  communs  de  vos  deux  suites  d’accords,  puis de les mettre au
profit de votre accord pivot pour réussir votre transition.

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Technique n°2 :  la  substitution  d’accords

Il   y   a   encore   plus   fort   que   la   technique   précédente.   En   effet,   tout   à   l’heure   on   se  


contentait simplement de trouver un moyen de faire  transiter  deux  suites  d’accords  
distinctes.  Mais  cette  fois  ci,  on  va  composer  nos  suites  d’accords   l’une  en  fonction  
de   l’autre pour réussir à créer une transition parfaite. Pour ce faire, nous allons
utiliser la technique de la substitution.

Cette technique fait appel à la notion de gammes relatives que nous avons vu
précédemment. Elle  consiste  à  composer  les  accords  d’une  section  (par  exemple  ceux  
du   refrain)   en   utilisant   les   accords   relatifs   de   l’autre   section   (ceux   du   couplet).  
Puisque deux accords relatifs sont par définition très proches, ils pourront donc
transiter très facilement.

Exemple :  Notre  couplet  est  composé  de  la  suite  d’accords  Do  Majeur,  Fa  Majeur,  Sol  
Majeur, Do Majeur. On va utiliser les accords relatifs de ces accords pour composer la
suite du refrain.

Notre  refrain  sera  donc  composé  de  la  suite  d’accords  Lam  /  Rém  /  Mim  /  Lam,  ce  qui  
donnera lieu à une transition parfaite.

Autre exemple: Le refrain est composé des accords La Mineur, Sol Majeur, Do
Majeur, Ré Mineur. En utilisant les accords relatifs de ces accords, on aura alors la
suite Do Majeur, Mi Mineur, La Mineur, Fa Majeur pour notre couplet.

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Note:   Vous   n’êtes   pas   obligés   de   transformer   systématiquement   tous   les   accords.  
Parfois, vous pouvez inclure uniquement un ou deux accords relatifs et compléter
votre suite par les accords de votre choix.

3) Le pré-refrain
Les caractéristiques des accords du pré-refrain

Le pré-refrain est une section musicale assez courte qui constitue en soi une
transition entre le couplet et le refrain. Si  vous  n’êtes  pas  satisfait  de  votre  transition  
couplet / refrain, une bonne alternative consiste donc à intégrer un pré-refrain à
votre  chanson.  Puisqu’il  doit  préparer  l’arrivée  du  refrain,  le  pré-refrain doit insuffler
de   l’énergie à votre chanson.   La   suite   d’accords   qui   le   compose   doit   donc   être  
construite de façon à communiquer cette énergie.

Écrire les accords du pré-refrain et réussir la transition avec le refrain

Vous   devez   penser   votre   suite   d’accords   en fonction de celle du refrain. Pour cela,
organisez  votre  suite  d’accords  de  manière  à  ce  que  le  dernier  accord  de  votre  pré-
refrain corresponde au premier accord du refrain.

Exemple:  Dans  la  partie  consacrée  à  l’accompagnement,  nous  avons  vu  beaucoup  de  
combinaisons   d’accords.   Reprenez une de ces combinaisons pour composer votre
pré-refrain mais faites en sorte que le dernier accord de cette combinaison soit le
premier accord de votre refrain.

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4) Le pont
Les caractéristiques des accords du pont

Le pont est une partie tout à fait optionnelle, mais si vous avez envie de vous éloigner
de   l’idée   de   base   de   votre   chanson   et   lui   apporter   de   la   diversité,   il   peut   être  
intéressant  d’en  intégrer  un.  Puisque  le  but  du  pont  est  d’apporter  de  la  nouveauté  et  
d’explorer  de  nouveaux  horizons  musicaux, les accords qui le composent doivent être
absolument différents de  ceux  du  reste  de  la  chanson.  Je  dirai  même  qu’ils  doivent  
être en totale opposition avec les accords de bases. Retenez bien : lorsque vous
composez un pont, vous devez toujours penser en termes de « rupture » et de
« contraste ».

Écrire les accords du pont

Pour  apporter  de  la  diversité,  il  peut  être  intéressant  d’utiliser  une  suite  d’accords  de  
la tonalité inverse de celle du refrain et des couplets. Par exemple, si la majorité de
vos accords du couplet et du refrain sont majeurs, utilisez des accords mineurs pour
votre   pont.   Inversement,   s’ils   sont   mineurs,   utilisez   des   accords   majeurs   pour  
accentuer encore plus le contraste.

Exemple:

Accords du
Do Majeur Fa Majeur Sol Majeur Do Majeur
refrain

Accords du
Ré Mineur La Mineur Mi Mineur Ré Mineur
pont

La  rupture  peut  également  être  amenée  par  des  suites  d’accords  « fragiles ».  Qu’est-
ce   que   j’entends   par   « fragiles » ?   Eh   bien   j’entends   par   là   des   suites   d’accords   qui  
n’utilisent  pas  d’accords  du  premier  degré.  En  effet,  l’accord  du  premier  degré  donne  
son nom à la tonalité du morceau. Il a donc une sonorité familière et donne
l’impression   d’être   « chez soi ».   (Par   opposition   aux   suites   d’accords   fragiles,   on  
qualifie les suites utilisant des accords du premier degré de « fortes »). Or, puisque le
but  d’un  pont  est  de  dépayser,  on  va  à  tout  prix  éviter  d’utiliser  des  accords  faisant  
ressentir une sensation de familiarité. On va donc   utiliser   des   suites   d’accords  
« fragiles »  n’utilisant pas  d’accords  du  premier  degré.

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Exemple:   La   suite   d’accords   « La Mineur, Mi Mineur, Si mineur, Do Majeur


appartenant   à   la   tonalité   de   Sol   majeur   est   une   suite   d’accords   fragiles   car   elle  
n’utilise  pas  d’accords  du  premier  degré.

Enfin, le dernier moyen  de  construire  la  suite  d’accords  d’un  pont  consiste  à  utiliser  
des accords de tonalités différentes.   Plus   vous   irez   piocher   d’accords   de   tonalités  
différentes, et plus vous apporterez de la « couleur » et de la diversité à votre pont.

Réussir la transition du pont

Certes le pont doit amener une rupture, mais cette rupture doit tout de même
respecter la sonorité générale de la chanson. Explorer de nouveaux horizons ne veut
pas   forcément   dire   passer   du   coq   à   l’âne ! Vous allez donc devoir particulièrement
soigner vos transitions pour réussir à apporter de la diversité, tout en conservant une
certaine logique pour assurer la cohésion  d’ensemble  du  morceau

Amener le pont

Tout  à  l’heure,  nous  avons  vu  qu’il  valait  mieux  marquer  l’opposition  dans le pont en
utilisant des accords de tonalités inverses (utiliser des accords mineurs si les autres
accords   sont   majeurs   et   inversement).   Mais   plutôt   que   d’utiliser   n’importe   quel  
accord, on peut utiliser les accords de la tonalité principale du refrain pour préparer
l’auditeur  à  la  venue  du  pont.  

Exemple: Notre refrain est composé des accords « Mib Majeur, Lab Majeur, Sib
Majeur, Mib Majeur » et on cherche à réussir à créer une bonne transition vers notre
pont. Tous ces accords proviennent de la tonalité « Mib Majeur ».

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Pour préparer la venue de notre pont, nous allons certes utiliser des accords aux
tonalités inverses (ici des accords mineurs car les accords majeurs sont majoritaires
dans le refrain), mais nous allons piocher ces accords parmi la gamme de Mi bémol
Majeur qui est la tonalité principale du refrain. Nous pouvons ainsi choisir les accords
« Fa Mineur, Sol Mineur, et Do Mineur » pour notre pont.

On utilise ces accords en début de pont pour effectuer la transition en douceur. Libre
à  vous  ensuite  d’utiliser  les  accords  de  votre  choix  pour  compléter  le  pont.  

Note:   Vous   remarquerez   que   ce   pont   n’utilise   aucun   accord   du   premier   degré   pour  
respecter  le  principe  de  suites  d’accords  fragiles.

Réussir la transition entre le pont et la section suivante du morceau

Pour réussir la transition du pont vers la partie suivante de la chanson (généralement


le refrain), il existe une astuce toute simple : prendre un accord de degré IV ou V
comme dernier accord du pont. Pourquoi ces deux degrés en particulier ? Parce que
l’enchaînement   vers   un   accord   de   degré   IV   ou   V   donnera   à   l’oreille   une   sensation  
« d’inachevé ».  La  sonorité  sera  en  suspension  et  l’oreille  sera  en  attente  d’un  autre  
accord pour achever la phrase et pour être « reposée». Pour bien comprendre cette
sensation   d’inachevé,   je   vous   invite   à   chanter   la   chanson   « Au Claire de la Lune ».
Cependant, au lieu de chanter toute la phrase, arrêtez-vous au « Lu » du mot
« lune ». Vous voyez ?   S’arrêter   à   ce   moment   précis   de   la   phrase   n’est   pas   naturel.  
L’oreille  attend  une  autre  sonorité  pour  être  satisfaite.   Alors  pourquoi  vouloir   créer  
une   sensation   d’inachevé   pour   le   pont ?   C’est   très   simple : le pont représente un

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voyage. Vous vous êtes baladés à droite et à gauche pendant toute la durée du pont.
Mais maintenant, vous en avez assez et vous voulez rentrer à la maison. Or votre
maison,  c’est  le  refrain.  Ce  dernier  utilise  en  effet  pleins  d’accords  du  premier  degré  
qui   renforce   l’impression   de   familiarité.   Finir   le   pont   sur   une   sensation   d’inachevé  
vous   permettra   donc   d’amener   au   mieux   votre   refrain   qui   conclura   votre   phrase  
musicale de façon concluante.

Exemple: Si on reprend notre pont précédent, on sait qu'il va finir par un accord de
degré IV.

Ce quatrième degré lui donne   une   sensation   d’inachevé   et   permet   de   préparer   au  


mieux   l’arrivée   du   refrain   qui   va   conclure   la   phrase   musicale   grâce   à   un   accord   de  
degré I.

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II / Evolution de la mélodie tout au long du morceau

En  général,  la  mélodie  suit  naturellement  l’évolution des accords de la chanson. Vous
aurez donc moins à vous préoccuper des spécificités de chaque section. Néanmoins, il
existe  tout  de  même  quelques  grands  principes  qui  méritent  d’être  soulignés.

1) La mélodie du couplet
Les caractéristiques

La mélodie du couplet doit mettre votre public en appétit. Elle doit en délivrer assez
pour lui donner envie de poursuivre son écoute, tout en conservant assez de mystère
pour le reste de la chanson. Car si vous utilisez immédiatement toutes vos
cartouches, vous   ne   pourrez   plus   toucher   le   cœur   de   votre   public   pour   la   grande  
bataille finale : celle du refrain. Votre refrain est en effet la partie centrale de votre
morceau,   il   doit   accaparer   sur   lui   toute   l’attention   de   votre   public.   Mais   cela  
n’empêche   pas   la   mélodie   du   couplet   d’avoir   plusieurs   rôles   majeurs   à   jouer : non
seulement   elle   doit   préparer   l’arrivée   du   refrain,   mais   en   plus   elle   doit   présenter  
l’atmosphère  du  morceau.  

Composer la mélodie du couplet

Nous  venons  de  voir  que  les  objectifs  d’une  mélodie de couplet étaient de présenter
l’atmosphère   du   morceau   et   de   préparer   l’arrivée   du   refrain.   Deux   techniques   vont  
nous aider à atteindre ces objectifs : la technique de la phrase musicale courte et la
technique de la dominante.

Technique n°1 : La phrase musicale courte

Pour   laisser   l’ambiance   du   morceau   s’installer,   une   bonne   technique   consiste   à  


utiliser des phrases musicales courtes. Ces phrases vont en effet laisser plus de place
à   la   section   musicale   du   morceau.   Or,   puisque   la   musique   véhicule   plus   d’émotion
que la parole, il sera ainsi plus aisé pour votre auditeur de se plonger  dans  l’univers  
du morceau.

Exemple: « No Cars Go »  d’Arcade  Fire.  Les phrases musicales du couplet sont courtes
et espacées de nombreux interludes musicaux.

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Composer sa chanson de A à Z 200

Technique n°2: la dominante

Il existe une caractéristique commune aux couplets qui préparent efficacement


l’arrivée   de   leur   refrain.   En   entendant   les   mélodies   qui   les   composent,   on   a  
l’impression   qu’elles   posent   une question. Elles créent un sentiment de tension et
mettent  la  phrase  musicale  en  suspension.   Cette  sensation  d’inachevé  permet  alors  
d’insuffler   de   l’énergie   à   la   chanson,   ce   qui   est   un   excellent   moyen   de   préparer  
l’arrivée   du   refrain.   Les   grands   compositeurs arrivent à créer ce genre de mélodies
instinctivement, mais heureusement, il existe une petite astuce qui va vous aider à
atteindre  cet  effet  à  tous  les  coups.  Cette  astuce  est  assez  similaire  à  celle  que  l’on  a  
vue pour la transition du pont : elle consiste à terminer la mélodie du couplet par une
dominante  (c’est-à-dire une note de degré V).

Exemple: Vous avez écrit une petite mélodie pour votre couplet.

Après une petite analyse rapide, on se rend compte que la tonalité de cette mélodie
est Fa Majeur. On prend donc la gamme de Fa Majeur et on va y piocher le cinquième
degré (la dominante)

On  s’arrange  pour  que  notre  mélodie  finisse  par  cette  note,  et  le  tour  est  joué.

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2) La mélodie du refrain
Les caractéristiques

C’est   le   cœur   de   toute   votre chanson. La mélodie du refrain est souvent celle qui
vient spontanément au moment de chanter. Si je vous écris par exemple « Allumer le
feu »   je   suis   sûr   que   c’est   l’air   du   refrain   qui   vous   vient   spontanément   en   tête  
(Allumeeeeeeeeeeeeeer Le FEU !!) plutôt que celui du couplet (à moins que vous ne
soyez un méga fan de Johnny et que vous connaissez toutes ses chansons sur le bout
des doigts^^). La mélodie du refrain correspond au summum de votre chanson, ce qui
implique  qu’elle  doit  être  puissante,  mémorable, et chargée en émotion.

Composer la mélodie du refrain

Il   existe   quelques   astuces   simples   à   mettre   œuvre   pour   assurer   à   la   mélodie   du  


refrain  un  maximum  d’efficacité  :

Astuce n°1 :  Utiliser  les  fondamentales  d’accords

La technique de la fondamentale d’accords  que  nous  avons  vue  au  sein  du  chapitre
consacré à la mélodie doit être absolument utilisée pendant  le  refrain.  L’utilisation  de  
la fondamentale va en effet apporter cette sensation caractéristique de « repos » qui
permettra  d’amener  une  réponse  à la « tension » générée pendant le couplet et/ou
pendant le pré-refrain.

Astuce n°2 : Tenir les notes

Pour donner plus de puissance à votre refrain, faites durer les notes de votre
mélodie.   C’est   automatique : des notes plus longues vont donner davantage
d’émotion à votre mélodie, et donc de puissance à votre refrain. Qui plus est, puisque
les notes sont longues, votre mélodie sera plus épurée et donc plus facile à retenir.

Astuce n°3 : Choisir des notes plus aiguës

Utiliser des notes plus aiguës pour votre refrain va naturellement contribuer à lui
apporter  de  l’énergie.  Simple  et  efficace !

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Composer sa chanson de A à Z 202

Bilan: Les différences majeures entre la mélodie du couplet et celle du refrain

Pour vous aider à vous y retrouver parmi tous ces conseils, voici un petit tableau
récapitulatif qui vous présente les différences majeures entre mélodie du couplet et
mélodie du refrain. Encore une fois, toutes ces différences sont basées sur de simples
observations.   Utilisez   les   comme   une   source   d’aide,   mais   ne   les considérez jamais
comme des vérités absolues. La preuve : de très nombreuses chansons sont devenues
des hits internationaux alors que la mélodie de leur couplet et de leur refrain étaient
strictement les mêmes !

Mélodie du couplet Mélodie du refrain

Pose une question Répond à la question

Finit sur un degré V pour créer une Commence et finit sur un degré I pour
tension (question) relâcher la tension (réponse)

Évite  les  fondamentales  d’accords Utilise  les  fondamentales  d’accords

Tonalité de la mélodie plus aiguë que


Tonalité ni trop grave, ni trop aiguë celle du couplet pour apporter de
l’énergie  à  la  chanson

Mélodie simple avec beaucoup de


Mélodie diversifiée
répétitions

Phrases musicales composées de notes


Phrases musicales rapides et espacées
longues et tenues

3) La mélodie du pré-refrain
La mélodie du pré-refrain  doit  participer  à  l’élaboration  du  sentiment  de  « montée
en puissance »  caractéristique  de  cette  section.  Voici  deux  moyens  d’y  arriver :

- Utiliser une série de phrases musicales courtes et répétitives : La répétition va


participer à créer le sentiment de tension. Vous pouvez entendre cet effet
dans la chanson « What Hurts The Most » de Rascal Flatts.

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- Utiliser une mélodie ascendante :   Vous   vous   rappelez   de   l’importance   que  


revêt la forme de la mélodie ?   Eh   bien   ici   c’est   exactement   ce   dont   il   s’agit :
Écrire une mélodie à la forme généralement ascendante va vous aider à créer
naturellement  de  l’énergie  tout  au  long  de  votre  pré-refrain.

4) La mélodie du pont
Que dire sur la mélodie du pont ? Hum, en voilà une question difficile. Puisque le
pont est une section totalement à part dans la chanson, la mélodie connaît en effet
moins de spécificités que dans les autres sections. Appréhendez simplement la
mélodie du pont comme une nouvelle mélodie. Profitez-en pour apporter de
nouvelles idées et exprimer quelque chose de nouveau. Essayez également
d’apporter  du  contraste  par  rapport  au  reste  de  votre  chanson.  Par  exemple,  si  votre  
refrain  est  composé  de  notes  longues  et  tenues,  essayez  d’écrire  une  mélodie  rapide  
et   nerveuse   pour   votre   pont.   Pensez   en   termes   d’opposition,   ça   peut   vous   aider   à  
obtenir de nouvelles idées.

Note:   Parfois   le   pont   peut   parfaitement   se   passer   d’une   mélodie.   Une version
instrumentale peut suffire pour exprimer la nouvelle idée musicale.
Exemple: « Breaking the Girl » des Red Hot Chili Peppers

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III / Evolution des paroles au cours du morceau

Tout comme vous devez écrire vos paroles en fonction de votre mélodie, vous devez
absolument prendre en compte la structure de votre morceau au moment de poser
vos  premiers  mots  sur  le  papier.  Car  de  la  même  manière  qu’un  livre  ou  qu’un  film,  
une chanson raconte une histoire. Pour réussir à faire progresser votre intrigue de
façon logique, vous devrez donc vous aider de la structure du morceau. A chaque
section   du   morceau   correspondra   une   nouvelle   avancée   dans   l’histoire.   Dans   cette  
partie, nous verrons justement  comment  doit  progresser  l’histoire  en  tenant  compte  
des spécificités de chaque section.

1)  L’opposition  couplet  /  refrain


Les paroles du couplet et du refrain ont deux rôles bien distincts :

Les paroles du couplet sont factuelles : Elles permettent de planter le décor de


la  chanson  et  de  décrire  ce  qui  s’y  passe.  Elles  servent  généralement  à  décrire  
des  personnages,  des  décors,  et  des  situations.  Quoi  qu’il  en  soit,  elles  doivent  
rester neutres et objectives.

Les paroles du refrain suscitent des émotions : Elles doivent retranscrire ce


que vous ressentez et sont la conséquence des faits relatés dans le couplet.
Elles résument le message de la chanson et doivent être riches en images pour
interpeller votre public.

Vous pouvez noter cette distinction dans de nombreuses chansons. On la retrouve


par exemple très bien dans la chanson «La Vie en Rose »  d’Édith  Piaf.

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Cette différence au niveau des paroles du couplet et du refrain est fondamentale.


Vous   devez   absolument   en   tenir   compte   au   moment   d’écrire   vos   paroles.

Ah bon ? Et en quoi est-ce si important ?

C’est   très   important   car   ça   va   vous   aider   à   donner   plus   d’impact à vos paroles. En
commençant vos paroles par des descriptions, vous allez en effet aider votre auditeur
à   plonger   dans   l’ambiance   de   votre   chanson.   Il   sera   donc   plus   à   même   de  
comprendre vos émotions évoquées dans le refrain. Tandis que si vous commencez
par exprimer directement vos émotions, vous ne lui donnerez pas la chance de
comprendre la cause de votre désarroi. Votre message ne rencontrera donc pas
forcément  l’écho  qu’il  mérite.

Illustrons ce principe grâce à la chanson « Creep » de Radiohead. Imaginons que


« Creep » commence directement par son refrain :

Mais je suis un minable, je suis un raté


Qu'est-ce que je fais ici ?
Je n'appartiens pas à ce monde

En   entendant   ces   paroles   dès   le   début   de   chanson,   l’auditeur   se   demanderait  


sûrement: «Houla mais  c’est quoi ce vieux dépressif ? ». Mais si on reprend le cours

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normal  de  la  chanson,  on  voit  que  Thom  Yorke  commence  d’abord  par  dire  pourquoi
il se sent aussi minable.

Thom Yorke:

Quand tu étais là, avant


Je ne pouvais pas te regarder dans les yeux
Tu es comme un ange
Ta peau me fait pleurer
Tu flottes comme une plume
Dans un monde merveilleux
Je souhaiterais être spécial
Putain tu es si spéciale

L’auditeur comprend   alors   qu’il   traverse   un   chagrin   d’amour.   Il   peut   alors établir le
contexte  de  l’histoire  et  s’identifier  plus  facilement  aux  propos  du  chanteur.  

Auditeur: Ah,  il  est  en  train  de  vivre  un  chagrin  d’amour.    
Je  connais  ça,  ça  m’est  déjà arrivé aussi.

Thom Yorke : Mais je suis un minable, je suis un raté


Qu'est-ce que je fais ici ?
Je n'appartiens pas à ce monde

Auditeur : Je te comprends totalement vieux !


Je me sentais aussi comme  ça  quand  mon  ex  m’a  largué.  
Accroche-toi mec !

Bon je dois avouer que cette mise en scène est « légèrement » exagérée, mais au
moins vous voyez bien le principe. ;)   En   implantant   le   contexte   de   l’histoire,   votre  
public  peut  s’identifier  à  ce  que  vous  racontez  et  vos  paroles  rencontrent alors plus
d’écho !

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2) Les paroles du pré-refrain


Les paroles du pré-refrain permettent de faire le lien entre celles du couplet et celles
du refrain. Les deux sections ayant des objectifs différents, il peut être parfois difficile
pour vos auditeurs de  passer  directement  de  l’une  à  l’autre.  Alors  comment  réussir  à  
estomper cette différence et comment ne pas perdre votre public en cours de route ?
C’est   très   simple.   Nous   allons   utiliser   pour   cela   des   « phrases en suspension ». Les
phrases en suspension sont des phrases inachevées qui appellent une réponse ou qui
suscitent une interrogation. En fait, on fait ici exactement la même chose que ce que
l’on  faisait  précédemment  au  niveau  musical : on crée une tension qui appelle à être
résolue dans la section suivante du morceau.

Exemples de phrases en suspensions:

Ce  que  j’aimerai  comprendre  c’est…


Je  voudrai  savoir  si…
Et à ce moment-là…

Vous pouvez retrouver cette technique dans la chanson « Wonderwall »  d’Oasis.  La  
dernière phrase utilisée dans le pré-refrain  intrigue  l’auditeur  et  la  réponse  ne  lui  est  
apportée que dans le refrain.

Bien sûr, ceci est une idée comme une autre. Tous vos pré-refrains ne doivent pas
obligatoirement être constitués de phrases en suspension ! Essayez simplement de
profiter de cette section pour faire le lien entre vos paroles du couplet et du refrain.

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3) Les paroles du pont


Les paroles du pont permettent d’intensifier votre histoire. Elles apportent des
précisions à ce qui a déjà été dit. Elles peuvent par exemple servir à ajouter une dose
d’émotion  à  votre  refrain,  ou  compléter  les  descriptions  de  vos  couplets.

Attention toutefois:   même   si   vos   paroles   ont   pour   rôle   d’apporter   des   précisions,  
elles ne doivent pas se contenter de reformuler ce qui a déjà été dit pour autant. Elles
doivent  apporter  du  nouveau.  N’oubliez  pas  que  le  but  d’un  pont  est  d’apporter  de  la  
nouveauté à votre morceau. Nous avons vu que cette nouveauté se traduisait en
termes   d’accompagnement   et   de   mélodie,   il   doit   donc   en   être   de   même   au   niveau  
des paroles.

Un bon moyen de préciser votre histoire tout en lui apportant de la nouveauté


consiste à raconter une scène sous un autre angle. Par exemple, essayez de décrire
une  situation  du  point  de  vue  d’un  autre  personnage.  Ou  alors,  si  vous  avez  raconté  
votre histoire à la 3ème personne   jusqu’à   maintenant,   vous   pouvez   également  
exprimer directement votre opinion au sein du pont.

Et  concernant  le  ton  à  employer  qu’en  est-il ?


Les paroles doivent-elles  être  de  l’ordre  factuel  ou  émotionnel ?

Les deux ! Les paroles du pont jonglent habilement entre ces deux discours. Le mieux
étant   d’établir   une   situation   dans   une   phrase,   et   de   décrire   sa   répercussion  
émotionnelle  dans  l’autre.  Cette  alternance  entre  description  et  émotion  est  un  bon  
moyen de confronter le message du couplet et du refrain, et ainsi intensifier
l’intensité  générale  de  la  chanson.

Important

L’évolution   de   vos   paroles   entre   vos   différentes   sections   doit-être faite de façon
subtile. Certes il y a des différences entre chaque section,  mais  ces  différences  j’ai  fait  
exprès de les grossir dans mes descriptions pour que vous puissiez bien comprendre
le  rôle  de  chacune  d’entre  elles.  Qu’importe  les  règles  ou  les  caractéristiques,  ce  qui  
compte,  c’est  que  vos  paroles  s’enchaînent  naturellement et que votre histoire ait un
sens.  Finalement,  tout  n’est  affaire  d’équilibre,  de  cohésion,  et  de  feeling  !  

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IV / Evolution de la rythmique au cours du morceau

Bonne nouvelle !  Nous  n’avons  pas  besoin  de  décortiquer  l’évolution  de  la  rythmique  
en fonction des différentes sections du morceau. Contrairement aux autres piliers, la
rythmique est en effet induite naturellement par les autres composantes du
morceau. Elle va prendre naissance à partir du moment où vous aurez défini votre
mélodie ou votre  suite  d’accords.  Il  vous  suffit  donc  de  composer  normalement  votre  
morceau pour que votre rythmique suive naturellement.

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A vous de jouer:

Exercice 1 : Trouvez les accords relatifs de la suite « La Mineur, Fa Majeur, Sol


Majeur, La mineur »

Exercice 2 : Prenez la chanson de votre choix et identifiez sa structure. Relevez


ensuite  l’ensemble  des  notes  qui  composent  sa  mélodie.  Analyser  ensuite  l’évolution  
de cette mélodie en fonction des différentes sections de la chanson. Y a-t-il des
différences notables ? Comment évolue la mélodie du refrain par rapport à celle des
couplets ?

Exercice 3 : Prenez des paroles que vous avez écrites lors des exercices
précédents. Modifiez ces paroles en fonction de la structure de votre morceau.
Veillez particulièrement à ajouter une dimension émotionnelle forte aux paroles qui
composent votre refrain.

Exercice 4 : Prenez un bloc musical que vous avez composé lors des sections
précédentes. En fonction de la structure que vous lui avez défini, compléter le pour
en faire une chanson complète. Aidez-vous   de   l’ensemble   des   caractéristiques  
couvertes dans ce chapitre pour y arriver. Une fois que vous aurez fini ce travail, vous
aurez entre les mains une composition totalement achevée !

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PARTIE 5 : Être unique

Chapitre 12 : Rendre ses compositions inoubliables…………212

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Composer sa chanson de A à Z 212

Chapitre 12 : Rendre ses compositions


inoubliables

Dans cette partie vous allez apprendre :

A vous démarquer du lot et rendre vos compositions uniques

4 techniques pour que votre chanson « scotche » vos auditeurs dès les
premières secondes

4  façons  de  donner  de  l’énergie  à  vos  compositions

Comment  transmettre  de  l’émotion  grâce  à  votre  musique

A créer votre propre identité musicale

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Composer sa chanson de A à Z 213

Introduction

Faites une pause dans votre   lecture   et   allez   jeter   un   œil   sur   votre   disque   dur.  
Combien   de   chansons   et   d’albums   possédez-vous ?   Combien   d’heures   de   musiques  
(obtenues  de  façon  tout  à  fait  légale,  je  n’en  doute  pas  une  seule  seconde ;)) y avez-
vous entassé ?

Aujourd’hui,  que  ce  soit  à  cause  de  l’explosion  d’internet,  de  la  diffusion  plus  rapide  
de  l’information,  ou  des  nouveaux  moyens  de  communications,  il  ne  fait  aucun  doute  
que la musique est devenue de plus en plus accessible. Tous les jours, de nouveaux
groupes émergent, de nouvelles chansons sont composées, et de nouvelles
personnes  tentent  leur  chance  dans  l’aventure  musicale.

Grâce   à   cette   situation,   nous   avons   la   chance   incroyable   de   pouvoir   profiter   d’un  
panel   musical   toujours   plus   large.   Mais   de   l’autre   côté,   cet   accès   facile et toujours
plus conséquent à la musique engendre un travers terrible pour les compositeurs : il
leur devient de plus en plus difficile de faire connaître leur musique. Comment diable
réussir   à   attirer   l’attention   sur   une  chanson  alors   que   des   millions  d’autres   existent  
déjà ? Comment se défaire de cette jungle musicale pour pouvoir exposer son travail
au grand jour ? Et plus simplement, comment donner à sa musique une chance
d’exister ?

Pour remédier à ce problème, le premier réflexe adopté par la majorité des


compositeurs consiste à jouer sur la promotion. Ces derniers mettent en effet à
profit   l’ensemble   des   supports   de   communication   dont   ils   disposent   pour   pouvoir  
diffuser leur musique au plus grand nombre. Néanmoins, cette solution ne va pas
régler   le   problème   dans   sa   totalité.   Car   pour   qu’une   chanson   puisse   retenir  
l’attention,   il   faut   avant   tout   qu’elle   se   démarque   par   sa qualité. Appelez-moi
idéaliste   si   vous   le   voulez,   mais   je   reste   convaincu   que   la   démarcation   d’un   artiste  
passe avant tout par la qualité de son travail. Si une chanson arrive à toucher les
cœurs   et   susciter   des   émotions,   alors   il   n’y   a   aucune   raison   qu’elle   reste   dans  
l’anonymat.  Certes  le  travail  de  communication  est  important,  mais  il  ne  doit  pas  être  
privilégié au détriment de la qualité.

Dans   ce   chapitre,   nous   n’allons   donc   pas   aborder   les   moyens   de   promouvoir   votre  
musique  (ça  fera  l’objet  d’autres  articles  ou  pourquoi  pas  d’un  autre  bouquin !) ; nous
allons plutôt nous concentrer sur la façon de rendre votre chanson inoubliable par sa
qualité.

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Composer sa chanson de A à Z 214

I  /  Attirer  l’attention  de  ses auditeurs

Il  y  a  des  chansons  comme  ça,  on  a  beau  les  avoir  écouté  plus  de  mille  fois,  on  ne  s’en  
lasse jamais. Leur CD a beau avoir tourné des heures et des heures dans le tourne-
disque, on éprouve toujours le même sentiment de satisfaction au moment de les
entendre. Elles possèdent ce « petit truc », ce charme inexplicable
qui  fait  qu’elles  sont  indémodables.

Elles   ont   un   étrange   pouvoir   qui   leur   permet   d’happer   littéralement   l’attention   de  
leur public. Par je ne sais quelle magie, elles arrivent à nous envouter, à nous
marquer de leur emprunte, et à rester dans nos esprits.

Quelle  est  l’origine  de  cette  mystérieuse   force ?  Qu’est-ce que ces chansons ont de
plus que les autres ? Et comment peuvent-elles à ce point marquer les esprits ?

Bien   entendu,   il   n’existe   aucune   formule   magique   permettant   d’expliquer   ce  


phénomène   (sinon,   vous   vous   doutez   bien   que   je   l’aurai   gardé   pour   moi :p).
Cependant, il existe tout de même quelques astuces très simples qui vous aideront à
rendre vos chansons plus « accrocheuses » et plus envoutantes.

1) Les « hooks »
Le hook est une technique de composition très efficace. Elle
contribue grandement à rendre une chanson inoubliable.
Littéralement « hook » veut dire hameçon. Utiliser un hook dans
une chanson consiste donc à utiliser un élément qui puisse
accrocher  l’attention de votre public. Exactement comme vous
utilisez un appât pour attirer le poisson à vous lorsque vous
pêcher, vous allez utiliser un « appât » musical pour attirer
l’attention  de  vos auditeurs vers votre chanson.
© Muriel. M

Concrètement   qu’est-ce   qu’un   hook ?   Il   s’agit   généralement   d’un   fragment   musical  


court, répétitif, et particulièrement efficace. Le hook est la partie mémorable de
votre morceau.  C’est  la  portion  de  chanson  qui  va  rester  en  tête  après  l’écoute.  Par  
exemple,  c’est  le  « Heeeeeey Sexy Lady ! »  de  Gangnam  Style  (désolé  d’avoir  pris  cet  
exemple mais au moins, tout le monde connaît :)).

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Composer sa chanson de A à Z 215

Il existe de très nombreuses façons de créer un hook car il en existe de plusieurs


sortes :

Le hook mélodique: Le hook mélodique est sans doute le plus efficace de tous. Il
consiste à créer un fragment mélodique particulièrement court et intense. Les 4
premières notes de la 5ème symphonie de Beethoven (le « TA TA TA TAAAAAM » au
violon)  constituent  un  parfait  exemple  de  hook  mélodique.  A  l’instant  même  où  l’on  
entend ces notes, elles restent gravées en tête. Pour composer un hook mélodique,
prenez une partie de votre mélodie de refrain (par exemple ses 3 premières notes) et
répétez-les à intervalle régulier durant votre morceau.

Le hook musical:  Ce  type  de  hook  prend  racine  dans  l’instrumentation  du  morceau.  Il  
correspond par exemple à un riff de guitare particulièrement accrocheur (« Smoke on
the Water » de Deep Purple), ou à une ligne de basse très entrainante (« Seven
Nation Army » des Whites Stripes). Pour être efficace, un hook musical doit être le
cœur  du  morceau.  La  chanson  doit  être  composée  à  partir,  et  autour  de  cet  élément.  
Si on reprend Seven Nation Army, on voit par exemple que le motif est répété tout au
long  du  morceau  et  qu’il  n’y  a  que  l’instrumentation  autour  qui  évolue.

Le hook lyrique: Le hook lyrique consiste à créer une accroche à partir des paroles du
morceau. Il y a un moyen très simple de le créer : répéter le titre tout au long de la
chanson. Non seulement ça va favoriser sa mémorisation, mais en plus ça va insuffler
à  votre  morceau  une  rythmique  entrainante.  Ce  procédé  est  d’ailleurs  abondamment  
utilisé  en  poésie,  les  poètes  n’hésitant  pas  à  commencer  chacun  de  leurs  vers  par  une  
référence au titre. Dans le poème « Bluebird » de Charles Bukowski, on voit par
exemple que chaque strophe commence par la même phrase :

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Composer sa chanson de A à Z 216

Je  n’ai  pas  pu  résister  de  vous  mettre  le  poème  en  entier.  Magnifique  n’est-ce pas ?

En   composition,   libre  à   vous   d’utiliser   ce   même   procédé.   Vous   pouvez   par   exemple  
mentionner votre titre à chaque fin de couplet comme dans la chanson «The Times
They Are A-Changin » de Bob Dylan, au sein du refrain comme dans
« Californication » des Red Hot Chili Peppers, ou un peu partout comme le font les
Beatles dans leur chanson « Let it Be ». (Le titre y est répété pas moins de 42 fois !).

Le hook rythmique:   Aujourd’hui,   la   rythmique   d’une   chanson   peut   avoir   autant  


d’importance   (si   ce   n’est   plus),   que   la   musique   elle-même. Un simple rythme peut
suffire à donner envie de danser et à mettre tous les sens du corps en alerte. Prenez
la chanson « We Will Rock You »   de   Queen.   N’éprouvez-vous pas un frisson en
entendant   l’immense   « POUM POUM TCHAC ! » du début ? Si vous trouvez un
rythme   entrainant   pour   votre   morceau,   n’hésitez   donc   pas   à   le   répéter   en   boucle  
pour en faire un hook rythmique.

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Composer sa chanson de A à Z 217

Les   hooks   sont   un   excellent   moyen   d’impliquer   votre   auditeur,   mais   comme   toutes  
choses, il   ne   sert   à   rien   d’en   abuser. En effet, trop de hooks peuvent rendre votre
morceau trop confus et contribuer à le déstructurer. Utilisez les donc avec
parcimonie et uniquement si vous le juger nécessaire. Car les hooks sont au morceau
ce que les piments sont au plat : utilisés judicieusement ils peuvent contribuer à le
relever, mais à forte dose, ils ne feront que le gâcher !

2) Les motifs
Les motifs sont très semblables aux hooks. Comme ces derniers, ils consistent à
répéter   un   certain   fragment   du   morceau   pour   accrocher   l’attention   de   l’auditeur.  
Mais contrairement aux hooks, on ne peut pas les identifier clairement; ils agissent
dans   l’ombre du   morceau.   Je   m’explique :   lorsqu’on   entend   un   hook,   on   peut  
facilement  le  pointer  du  doigt  et  l’isoler  du  reste  du  morceau.  On  peut  dire : « Voilà le
riff,  voilà  la  ligne  de  basse,  voilà  le  titre  etc… ». Mais les motifs eux, agissent de façon
plus subtile : ils se cachent derrière un fragment musical.

Vous vous souvenez par exemple de la technique consistant à répéter une structure
rythmique pour créer une mélodie mémorable ? Eh bien vous avez là un parfait
exemple de motif :  il  y  a  répétition  d’un  élément,  mais  cet  élément  ne  peut  pas  être  
directement   perçu   par   l’oreille.   L’oreille   sans   qu’il   y   a   une   familiarité   quelque   part,  
mais cette dernière  n’apparaît  pas  au  premier  plan.  Ce  qui  est  répété,  c’est  en  fait  la  
structure rythmique de la mélodie, et non la mélodie en elle-même.

Le recours aux motifs est très apprécié en composition car ces derniers permettent
de créer une sensation de familiarité et de structurer le morceau. Ils agissent en fait

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Composer sa chanson de A à Z 218

comme une image subliminale : le cerveau les perçoit, mais de manière inconsciente,
ce qui permet de décupler leur effet.

Exemples de motif:

Dans la chanson « You Shook Me » de Led Zeppelin, le motif correspond à la


reprise de la ligne de guitare par le chant.

Pour « Superstition » de Stevie Wonder, le motif est rythmique. Le rythme du


clavier et repris pour la mélodie de la trompette.

Enfin, dans la chanson « Yesterday », le motif correspond aux intervalles de la


mélodie qui sont répétés tout au long de la phrase musicale.

3)  L’énergie
Je suppose que vous avez déjà dû avoir des cours particulièrement soporifiques où le
prof  se  contentait  de  s’asseoir  à  table,  d’ouvrir  son  bouquin,  et  d’en  dicter  le  contenu  
à voix haute. Durant ces moments, les heures sont si interminables, que le morpion
et les mots croisés finissent par devenir vos plus grandes passions. Eh bien en
musique   c’est   exactement   la   même   chose :   si   votre   morceau   n’évolue   pas   d’un  
pouce, votre auditeur va finir par se lasser et stopper son écoute. Pour éviter que cela
n’arrive   (et   parce   franchement,   entre   nous   le   morpion   ce   n’est   quand   même   pas  
super fun), vous devrez apporter de  l’énergie à votre chanson. Voici 4 astuces pour y
arriver très facilement :

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Astuce n°1 : Avoir recours aux degrés 5 en fin de phrase musicale

Par  degrés  5,  j’entends  les  accords  de  degré  5  d’une  gamme  ainsi  que  les  dominantes  
d’une  mélodie.  Comme  nous  l’avons  vu,  ces  degrés  permettent  de  créer  une  tension  
et de relancer naturellement le mouvement du morceau.

Astuce n°2: Utiliser une mélodie plus aigüe

Utilisée aux moments clés (comme lors des refrains), une mélodie plus aigüe
permettra  d’insuffler  de  l’énergie  au  morceau.  

Exemple: Aqualast de Rover. Le passage de la voix dans les aiguës donne de la


puissance au refrain.

Astuce n°3 : les montées instrumentales

Connaissez-vous le morceau « Hystéria » de Muse ?  C’est  une  parfaite  illustration  de  


ce que peut-être une montée instrumentale. Dès le début du morceau, on entend la
guitare  rugir  et  prendre  de  l’ampleur  jusqu’à  l’explosion  du  riff.  Cette  technique  est  
également  très  répandue  dans  le  domaine  de  l’electro  où  les  artistes  n’hésitent  pas  à  
faire monter progressivement la température avant de lâcher toutes leurs décibels
sur le dancefloor.

Exemples: Above & Beyond- « Walter White »


Ghinzu – « Mirror Mirror »

Astuce n°4 :  Ajouter  d’autres  instruments

Pour donner plus de puissance à votre morceau, une technique simple consiste à
faire entrer un nouvel instrument. Cet instrument peut se contenter de répéter la
ligne mélodique ou de jouer un autre thème pour la compléter. Petite astuce simple
pour la route: faites entrer une nouvelle guitare sur le refrain qui doublera la mélodie
à  l’octave.  Effet garantie !

Exemple: We are scientist – « Can’t  Lose »

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4) Le contraste
Imaginez  que  vous  soyez  assis  dans  la  salle  d’attente  de  votre  assurance  maladie  (bon  
courage, vous en avez pour des heures ;)) et que soudainement, la personne assise à
côté se mette à pousser un cri. A ce moment-là, il y a fort à parier que toute
l’attention  de  la  pièce  se  porte  alors  sur  cette  personne.  

C’est   un   réflexe   humain hérité du passé: chaque fois que votre environnement est
perturbé,   vos   sens   s’aiguisent   pour   évaluer   le   danger.   (Les   hommes   préhistoriques
guettaient les bruits environnants pour évaluer la distance des prédateurs). Croyez-le
ou non, mais nous allons pouvoir tirer parti de ce vieux réflexe humain pour nos
compositions.

Quoi ? Je vais devoir pousser un cri en plein milieu de ma chanson pour attirer
l’attention ?

Je   n’irai   pas   jusque-là,   mais   en   tout   cas,   l’idée   est   la   même : en apportant du
contraste à votre morceau, vous allez aiguiser le sens de vos auditeurs et ainsi
accroitre leur attention.

Chaque fois que vous avez envie de relancer votre morceau, je vous invite donc à y
ajouter du contraste. Par exemple, si la mélodie de votre refrain est basée sur des
notes  aiguës,  essayez  de  composer  votre  couplet  à  l’aide  de  notes  graves.  Ou  alors,  si  
votre couplet contient beaucoup de paroles prononcées avec un débit rapide,
essayez un refrain avec peu de mots et des notes tenues. De même, essayez de
passer   d’un   tempo   lent   à   un   tempo   rapide   ou   encore,   d’incorporer un break après
votre refrain.

Exemple: Babe  I’m  gonna  leave  you de Led Zeppelin. Le contraste entre les couplets
calmes  et  le  refrain  énergique  attire  l’attention.

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II  /  Transmettre  de  l’émotion  grâce  à  sa  musique

La musique est la langue des émotions.


Emmanuel Kant

Avec   cette   citation,   tout   est   dit.   La   musique   a   un   pouvoir   indescriptible   qu’aucun  
autre art ne pourra jamais procurer. Elle permet de susciter des sentiments, porter
des   messages,   et   toucher   les   cœurs.   Elle   peut   exprimer   une   idée   ou   un   sentiment  
avec  plus  de  justesse  que  n’importe  quels  mots.  

Une musique qui est capable de faire ressentir des choses à son auditeur, qui lui
permet de réfléchir, ou de se remémorer un moment précis de son existence, aura
donc   beaucoup   plus   de   chance   d’être   écoutée   qu’une   musique   fade   ne   suscitant  
aucune émotion.

Alors   comment   réussir   à   transmettre   de   l’émotion   grâce   à   sa   musique ?   C’est   une  


bonne question à laquelle il est très difficile de répondre. Je pense en effet que je ne
pourrai jamais vous expliquer par A + B la façon dont une musique émeut une
personne ou touche son auditoire.

Alex : Alors là, tu enchaines ton couplet avec un accord de Fa mineur, et tu verras que
ton public va pleurer à fond !
Charles :  Wouah  t’es  sûr ?
Alex : Ouais essaye !
Charles : *joue un accord de Fa mineur* Wouha !

Si la composition se passait vraiment ainsi,  ça  se  saurait…

J’aime   d’ailleurs   cette   idée   selon   laquelle   il   existe   un   côté   inexplicable et presque
magique dans la musique. Néanmoins, il y a tout de même quelques petites astuces
qui vont vous aider à véhiculer plus facilement des émotions à travers vos
compositions.

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Avoir  pour  objectif  de  susciter  de  l’émotion


Ca  à  l’air  tout bête dit comme ça, mais si vous écrivez une chanson avec  l’objectif  de  
faire passer une émotion précise,  alors  vous  aurez  plus  de  chances  d’y  arriver.  Votre  
cerveau agit en effet comme un filtre : il va naturellement sélectionner les sonorités
faisant échos à ce que vous ressentez.

Par exemple, si vous vous mettez au piano pour écrire une chanson sur votre chagrin
d’amour,   vous   allez   naturellement   réagir   aux   sonorités   plus   « froides » tels que les
accords mineurs et les notes altérées. Et puisque cette musique reflète précisément
vos   émotions,   alors,   en   l’entendant,   votre   public   ressentira   aussi   ces   mêmes  
émotions.

Ecrire  des  paroles  qui  suscitent  l’émotion


De bonnes paroles ne décrivent pas une émotion, elles la suscitent. Dire que vous
vous sentez triste et dépressif ne rendra donc pas votre auditeur triste et dépressif
pour autant. (Vous imaginez sinon ?   Il   suffirait   d’écrire   « je suis triste » pour que
votre auditeur le soit vraiment. Je ne vous explique pas la galère dans laquelle on
serait…)

Plutôt que   d’exprimer   directement   un   sentiment,   je   vous   conseille   donc   de   le


suggérer. Pour cela, décrivez un fait objectif qui puisse faire ressentir le sentiment en
question. Par exemple, plutôt que de dire « je me sens triste et seul », dites : « je  t’ai  
attendu   assis   au   bord   du   trottoir   seul   sous   la   pluie   mais   tu   n’es   jamais   venue ». En
décrivant cette scène, votre auditeur pourra se mettre à votre place, et donc
ressentir vos émotions.

Cette  technique  est  d’ailleurs  utilisée  par  Queen  dans  leur  chanson  d’amour « Love of
My Life ».  Freddy  Mercury  se  contente  de  raconter  des  faits,  mais  il  n’exprime  jamais  
directement  ce  qu’il  ressent.  Il  laisse  aux  auditeurs  le  soin  d’éprouver  tout  cela  pour  
lui.

Love  of  my  life  don’t  leave  me


You’ve  taken  my  love  and  now  desert  me…

Back – hurry back


Please bring it back home to me

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De   même,   l’utilisation   d’images,   d’analogies   et   de   métaphores   dans   vos   paroles  


permettra  de  favoriser  l’impact  émotionnel  de  votre  chanson

Tenir la mélodie
Une   technique   très   simple   pour   apporter   de   l’émotion   à   votre   mélodie   consiste   à  
tenir les notes qui  la  composent.  Les  notes  tenues  font  en  effet  monter  l’intensité  de  
la mélodie, ce qui lui confère plus de puissance et de résonnance. De même, un
tempo  généralement  lent  vous  aidera  à  donner  plus  d’émotion  à  votre  musique  (s’il  y  
avait  des  chansons  d’amour  à  250  BPM,  ça  se  saurait^^).

Pour voir la façon dont vos émotions peuvent se traduire en


musique, je vous conseille le site « Steromood ». Ce dernier
permet en effet de sélectionner des morceaux en fonction de
votre humeur du moment.

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III / Créer son identité musicale

L’identité   musicale   va   définir   la marque de fabrique du groupe. Elle permet à un


artiste de se démarquer de la masse et de proposer une musique qui lui est propre.
En général, tous les plus grands musiciens possèdent leur propre identité musicale.
Vous ne pouvez pas vous tromper :   seules   quelques   secondes   d’écoute   suffisent à
identifier   leur   musique.   Pour   certains   d’entre   eux,   l’emprunte   qu’ils   ont   laissé   dans  
l’industrie  musicale  est  tellement  forte,  que  leur  style  finit  par  devenir  une  norme  et  
un outil de comparaison. (Tiens ça sonne un peu comme du Radiohead non ?).

Un style musical se construit naturellement


Tout  d’abord,    je  ne  pense  pas  qu’il  faille  aller  à  contre  sens  de  tout  ce  qui  existe  déjà  
pour  se  créer  une  identité  musicale.  Comme  son  nom  l’indique,  une  identité  musicale  
va refléter ce que vous êtes et ce que vous voulez transmettre à travers votre
musique. Or, par définition, votre musique va naturellement refléter vos préférences.
Votre identité musicale va donc se construire toute seule et au fur et à mesure de
votre vie de musicien. Plus vous allez jouer et composer, et plus votre style se
précisera !

Le poids des influences


Votre style musical va également se construire à partir de vos influences. Vos artistes
référents sont là pour vous guider et pour nourrir votre musique. Même les plus
grands groupes ont eu recours à des influences musicales (Led Zeppelin et les Rolling
Stones   se   sont   par   exemple   beaucoup   inspirés   du   blues).   C’est   d’ailleurs   le   cycle  
naturel de la musique :  prendre  une  base  existante,  puis  l’enrichir  et  la  faire  évoluer  à  
l’aide   d’éléments extérieurs. (Evolution technologiques, goûts personnels,
particularités  culturelles…)  

Je vous encourage donc vivement à vous inspirer des musiques qui vous tiennent
particulièrement  à  cœur : piochez-y les éléments de votre choix, puis agrémentez-les
de votre touche personnelle.

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Le choix des instruments et des sonorités


Chaque instrument possède une sonorité qui  lui  est  propre,  et  c’est  l’assemblage  de  
ces sonorités qui va définir votre style musical. Si un groupe de rock sonne comme un
groupe de rock, c’est   justement   parce   qu’il   est   formé   d’une   guitare   d’une   basse   et  
d’une   batterie.   Si     de   la   musique   classique   sonne   comme   de   la   musique   classique,  
c’est   grâce   aux   différents   instruments   qui   composent   l’orchestre.   Aussi,   soyez  
particulièrement attentif au moment de choisir vos instruments: ils définiront à eux
seuls votre identité musicale.

Pour vous démarquer des autres, une astuce simple consiste donc à choisir un
instrument « inhabituel » par rapport à votre style musical. Son timbre particulier va
en effet  apporter  de  la  profondeur  et  de  l’originalité  à  votre  musique.  Par  exemple,  
l’utilisation  du  piano  dans  le  groupe  Muse  donne  une  saveur  tout  à  fait  particulière  à  
leur  musique.  Il  est  en  de  même  pour  l’orgue  de  Jon  Lord ; à lui seul, il a permis de
fonder le style unique de Deep Purple. Les effets musicaux liés aux traitements du
son constituent également un excellent moyen de construire des sonorités originales.

Jouer  la  carte  de  l’originalité


Ce   que   j’apprécie   le   plus   dans   la   musique,   c’est   que   c’est un art transversal. La
musique est en effet constituée de nombreuses disciplines : les paroles font appel à
l’écriture,  le  design  des  pochettes  au  graphisme,  les  clips  musicaux  à  la  vidéo,  et  les  
prestations scéniques au théâtre. Vous pouvez donc tirer profit de chacune de ces
disciplines afin de vous démarquer.

Une personne comme Bob Dylan va par exemple sortir du lot grâce à la qualité de ses
textes,  des  gens  comme  Daft  Punk  ou  David  Bowie  vont  tout  miser  sur  l’image  en  se  
créant un univers qui leur est propre,  d’autres  artistes  comme  Ez3kiel  vont  proposer  
un véritable show vidéo-ludique   à   leurs   spectateurs,   tandis   que   d’autres   groupes  
comme   Enter   Shikari   ou   Dyonisos   vont   mettre   l’accent   sur   une   prestation   scénique  
explosive.

Comme vous le voyez, absolument tout peut être exploité pour se démarquer des
autres. Parfois, vous pouvez même vous définir un élément caractéristique
particulièrement simple. Kevin Parker, le chanteur du groupe Tame Impala, est par
exemple connu pour jouer ses lives pieds nus !

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Composer sa chanson de A à Z 226

A vous de jouer :

Exercice 1 : Choisissez trois chansons qui passent en boucle à la radio. (Ces


chansons sont très intéressantes car elles utilisent énormément de hooks). Repérez
où se situent leurs hooks, et définissez leurs natures. Inspirez-vous de ce que vous
avez appris pour les inclure (si besoin) dans vos compositions.

Exercice 2 : Choisissez un sentiment que vous avez envie de communiquer dans


une de vos compositions. Rappelez-vous   d’une   situation   qui   a   provoqué   en   vous   la  
naissance de ce sentiment et couchez là sur le papier. Prenez ensuite cette idée
comme  point  de  départ  d’écriture  de  votre  composition  (texte  et  musique).

Exercice 3 : Pour vous aider à déterminer votre identité musicale, répondez aux
questions suivantes:   Qu’aimeriez-vous faire passer comme message dans vos
chansons ? Quelle image souhaiteriez-vous que les gens gardent de vous ? Quelle est
la   meilleure   façon   d’exprimer   ce   que   vous   êtes   à   travers   votre   musique ? Vers quel
style musical aimeriez-vous vous diriger ? Quels peuvent-être vos influences dans ces
cas-là ?

Exercice 4 : Réfléchissez à un élément qui puisse vous distinguer des autres


(dans   la   limite   du   raisonnable   hein,   pas   besoin   d’aller   mettre   des   robes   de   viande  
pour attirer l’attention ;)). Cet élément peut  être  tant  musical  (instrument,  sonorité…)  
que  scénique  (image,  logo,  identité…)  

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Conclusion

Voilà, nous y sommes : vous voilà maintenant arrivés au terme de notre grand
voyage. Il est maintenant temps pour moi de vous quitter et de vous laisser continuer
votre petit bout de chemin par vous-même.   A   vous   maintenant   d’explorer   de  
nouvelles terres et de découvrir de nouveaux horizons.

J’espère  que  vous  avez  beaucoup  appris  durant  notre  traversée  et  que  le  monde  de  la  
composition ne vous apparaît plus comme une terre inaccessible, mais comme un
eldorado  plein  d’opportunités.  J’espère  également  que  vous  avez  bien  pris  le  temps  
d’intégrer   les   concepts   présentés,   de   les   appliquer,   et   de   les   remettre   en   question.  
Surtout,  n’hésitez  pas  à  revenir  sur  les  étapes de votre itinéraire de temps en temps
et de relire le livre :   l’expérience   nouvellement   acquise   vous   aidera   à   aborder   les  
chapitres avec un regard neuf.

En  tout  cas,  sachez  que  j’ai  pris  énormément  de  plaisir  à  effectuer  cette  traversée  en  
votre compagnie.   J’espère   sincèrement   pouvoir   recroiser   très   vite   votre   chemin   au  
détour  d’une  nouvelle  aventure  musicale.  En   attendant,  vous  pouvez  toujours  venir  
me  rendre  visite  à  mon  port  d’attache : le site Composer sa Musique.fr. Vous y serez
toujours les bienvenus. ;)

Avant   de   vous   quitter,   j’aimerai   vous   donner   un   dernier   conseil   qui   est   sans   aucun  
doute  le  plus  important  de  tous  ceux  que  j’ai  pu  vous  donner  jusqu’à  présent.

N’oubliez  jamais  une  chose : malgré ce livre, toutes mes techniques pirates, et toutes
mes  astuces,  la  musique  ne  se  trouve  pas  dans  les  livres.  J’ai  essayé  de  faire  de  mon  
mieux pour vous aider, mais mes mots ne pourront jamais exprimer ne serait-ce
qu’une  infime  partie  de  ce  que  peut  être  la  musique.  Une  page  de  papier  ne  pourra  
jamais   remplacer   la   sensation   de   jouer   d’un   instrument,   une   méthode   ne   pourra  
jamais   vous   faire   connaître   l’émotion   d’une   belle   chanson,   et   un   texte   ne   pourra  
jamais  vous  faire  connaître  le  sentiment  de  satisfaction  que  l’on  éprouve  après  avoir  
donné vie au silence.  Créer  quelque  chose  de  beau  à  partir  de  rien  est  en  effet  l’une  
des  plus  belles  choses  qui  soit,  et  seul  la  pratique  permet  d’y  arriver.

Aussi,  j’aimerai  que  vous  fassiez  une  dernière  chose  pour  moi ; ce sera votre ultime
exercice : fermez vite cette page et prenez votre instrument. Commencez à jouer et
laissez-vous emporter. Ca y est, vous voilà partis : un nouveau voyage vous attend.

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Tracklist

Ce livre a été écrit en écoutant (entre autres) les albums suivants :

Rock
Mikal Cronin - MC 2
Telekinesis - Dormarion
Portugal The Man - In the Mountain in the clouds
Ghinzu - Blow
Rover - Rover
King Khan & The Shrines – Idle No More
Pond – Beard Wives Denim
Sum 41 – Screaming Bloody Murder
Psycho 44 - Suburban Guide To Springtide

Rock  “classique”
Jethro Tull – Stand Up
Love- Forever Changes
Led Zeppelin – Led Zeppelin I / Led Zeppelin III
The Velvet Underground – The Velvet Underground
Joe Cocker – With a Little Help From my Friends

Metal
Betraying the Martyrs – Breath in Life
Red Fang – Red Fang
Memphis May Fire - Challenger
August Burns Red - Rescue & Restore
He is Legend – It Hates You
Enter Shikari – Common Dreads

Electro
Compact Disk Dummies – Last Mess With Us
Gooral - Gooral

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Chinese Man – The Groove Sessions


Pendulum – Hold Your Color
The Qemists - Join the Q
The Subs - Decontrol

Rap
Scred Connexion - Scred Selexion 99/2000
Stupeflip – Terrora
IAM – L’Ecole  du  Micro  d’Argent
Mr Zou – Remettre en Jeu
CunnninLynguists - Southernunderground
Necro – Gory Days
Jedi Mind Tricks – Violent by Design

Classique
Rachmaninov - Concerto pour piano n°1
Liszt – Etudes
Gustav Mahler
Ez3kiel – Naphtaline

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Remerciements

Je  tiens  avant  tout  à  remercier  l’ensemble  des  lecteurs  de  Composer  sa  musique pour
leur implication, leur soutien indéfectible, et leur centaine de messages
d’encouragements.  Sans  eux,  jamais  je  n’aurai  pu  avoir  la  force  et  le  courage  de  finir  
un tel projet.

Je tiens également à remercier du fond du cœur   mon  ami  Laurent  Breillat,  sans  qui  
rien  n’aurait  été  possible.  Je le remercie pour ses conseils avisés, sa patience, et son
implication depuis  le  début  de  l’aventure  Composer  sa  Musique. Il a eu la gentillesse
de  m’épauler,  de  m’aider,  et  de me guider en toutes situations.

Enfin, je tenais à remercier Aurélie Gamelin pour ses corrections précieuses, et


Maxime Evrard pour son travail de qualité sur le design de la couverture.

Ce  livre  numérique  est  protégé  par  le  dépôt  d’un  copyright  auprès  de  copyrightdepot.com  dans  163  
pays. Tous les droits sont exclusivement réservés à Alexandre Koutso et aucune partie de cet ouvrage
ne peut être republiée, sous quelques formes que ce soit, sans le consentement écrit des auteurs. Vous
N’avez  aucun  des  droits  de  revente,  ni  de  diffusion,  ni  d’utilisation  de  cet  ouvrage sans accord
préalable  de  l’auteur.  Vous  ne  disposez  d’aucun  Droit  de  Label  Privé.
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