LUTHIER DU MOIS

3’:HIKRSB=XU[\UW:?a@a@e@q@k";
Décembre 2018/Janvier-Février 2019 6,70€ - Belgique 7,00€
MIKE LEWIS

M 07813 - 46 - F: 6,70 E - RD
DOSSIER
FILS DE…

TOUS LES STYLES EN UN SEUL MAGAZINE

46 TEST S PÉDAGO
INTERVIEWS
ORANGE, GUILD, ALVAREZ, 17 PAGES DE
BLACKBERRY SMOKE ADRIAN VANDENBERG
DAVID CROSBY FINE RESOPHONIC, TAYLOR, PARTITIONS
CHARLIE WINSTON DOWINA
PAUL MCCARTNEY DOMINIQUE A
RUEN BROTHERS J. J. MILTEAU
TONY JOE WHITE

e A l b u m
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THE REGRET TES

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THE
CALIFORNIA
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© 2018 Fender Musical Instruments Corporation. FENDER, FENDER en police de caractères spéciales, California Series et les contours distinctifs des têtes trouvés sur ses instruments sont des marques déposées et appartiennent à FMIC.
Déposées aux Etats-Unis et dans d’autres pays. Tous droits réservés.
 édito
Les Beatles, rois définitifs de la pop, sont toujours à
l’honneur. Hasard du calendrier ou simple coïncidence ?
Paul McCartney sort un nouvel album inspiré et viens
nous en parler. C’est juste un peu avant que Giles
Martin, fils de George, ne propose une magnifique
remastérisation du White Album, l’occasion de fêter GUITARE SÈCHE SUR LE NET
majestueusement le cinquantième anniversaire de sa Le site : www.guitaresechelemag.com
sortie, et cerise sur le gâteau, vous trouverez en bonus La page facebook :
Édito

les fameuses Esher sessions, soit la totalité de ce www.facebook.com/guitaresechelemag

disque, communément appelé le «double blanc», jouées E-mail : courrieracoustique@gmail.com
uniquement avec guitares acoustiques. On va donc
ET POUR ÊTRE SÛR DE TROUVER VOTRE
Sommaire

redécouvrir ce que fut ce beau patchwork et comment il

fut conçu. Nous pleurons à nouveau la disparition d’une
grande figure du rock, Tony Joe White, ce songwriter
original et promoteur du fameux son « swamp », nous
a quitté récemment. Il laisse une œuvre prolifique qui
à jamais nous rappellera combien son approche était
importante. Nous avions interviewé l’artiste peu avant
son décès, à l’occasion de la sortie de son dernier opus,
Bad Mouthin’, gorgé de ce blues authentique qui le
passionnait. Concernant l’actualité, en vrac, Charlie
Winston, Jean-Jacques Milteau ou encore Dominique
A, sont sur la brèche. Nos rubriques habituelles, bancs
d’essai, partitions et même nos pages shopping, vous
permettront d’aborder cet hiver avec sérénité. Nous
vous souhaitons à tous de bonnes fêtes et une excellente
année 2019…
La rédaction
MAGAZINE PRÉFÉRÉ EN KIOSQUES :
www.trouverlapresse.com
Guitare Sèche Le Mag se réserve le droit de refuser toute publicité
sans avoir à s’en justifier. La rédaction n’est pas responsable
des textes, photographies, dessins publiés, qui engagent la
responsabilité seule de leurs auteurs. Les documents ne sont
pas rendus et leur envoi implique l’accord de leurs auteurs pour
leur libre publication. Les indications de marques, de prix et
les adresses qui figurent dans les pages rédactionnelles de ce
numéro sont données à titre d’information sans aucun but
publicitaire. Tous droits de reproduction réservés pour tous
pays. Directeur de la publication : Alain Versini – Contact
marketing et publicité : redaction@guitaresechelemag.com –
Directeur Artistique : Christophe Tessier – Chef de la rédaction:
Alain Versini - Réalisation et montage des vidéos : Romain
Crispini. Ont collaboré à ce numéro : Regis Savigny, Alexis
Mazzoleni, Thomas Hammje, Tony Grieco, Stephane Rocca,
Ludovic Egraz, Sébastien Benoits, Jack Beauregard, Shai Sebbag,
François Hegron Transcriptions musicales : Thomas Hammje –
Photo de couverture  : DR - P10 : David McClister, P14 : Charlotte
Gamus, P22 : MPL Communications, MJ Kim, Spotify P32 :
Stefan Schippers, P34 : DR, Alex Lake P40 : Thomas Dorn P42 :
Anna Webber, P44 : Ph. Lebruman P52 : SBeals, Charlie Gross,
Mary McCartney, Coloryann-orhan - Toutes autres photos :

Sommaire N°46
Christophe Tessier, Alain Versini et Droits Réservés – Guitare
Sèche Le Mag est un bimestriel (6 numéros/an) édité par B.G.O.
15 rue l’Eglise 75015 PARIS. SARL au capital de 60.000 euros RCS
PARIS : 483761631© DECEMBRE 2018 JANVIER FEVRIER 2019 –
N°46 – Commission Paritaire : 0515 K 90367. Imprimerie Mordacq /
DÉCEMBRE 2018 JANVIER FÉVRIER 2019 Aire-sur-la-Lys. Distribution : Presstalis. Dépôt légal à parution.

RENCONTRES 31…… ABONNEMENT

10…… BLACKBERRY SMOKE 46…… SHOPPING
14…… CHARLIE WINSTON 62…… LE LUTHIER DU MOIS : MIKE LEWIS
18…… RUEN BROTHERS 78…… DANS LES BACS : LES DISQUES DU MOMENT
22…… PAUL MCCARTNEY 83…… SOMMAIRE DES PARTITIONS
26…… TONY JOE WHITE 98…… COURRIER DES LECTEURS
32…… ADRIAN VANDENBERG
34…… THE BEATLES DOSSIER
40…… J.J. MILTEAU 52…… LES FILS DE
42…… DAVID CROSBY
44…… DOMINIQUE A MATOS
66…… DOWINA PARLOR
ET NOS RUBRIQUES 68…… TAYLOR 524 CE
04…… NEWS 70…… GUILD F2512E MAPLE
08…… MELTING POT 72…… FINE RESOPHONIC MIKE LEWIS
13…… ANCIENS NUMÉROS 74…… ALVAREZ CADIZ CC7
20…… ALBUM COLLECTOR : ROY HARPER 76…… ORANGE ACOUSTIC PRE

03
 ROCK’N’ROLL
WILL NEVER DIE !
Increvables et toujours au taquet, les Rolling
Stones viennent d’annoncer une petite tournée
nord-américaine pour l’été 2019. Mick Jagger,
Keith Richards, Charlie Watts et Ronnie Wood
ouvriront les hostilités le 20 avril au Hard Rock
News

Stadium de Miami. Les vieilles pierres qui

roulent attaqueront les répétitions à Los An-
geles au printemps.

HyVibe & LÂG

QUAND LE DIGITAL RENCONTRE L’ACOUSTIQUE
Nous vous avions déjà parlé de la start-up française HyVibe, qui a réussi la gageure de rendre
la guitare acoustique intelligente grâce à un système électronique embarqué donnant accès à
une multitude de fonctionnalités inouïes. La technologie de HiVibe, basée sur des algorithmes
complexes, utilise les propriétés vibratoires de la caisse de résonance alliées au protocole
Bluetooth, afin que la guitare devienne un instrument de musique augmenté, capable de devenir
en sus un processeur d’effets, un enregistreur/looper, et un amplificateur, le tout de façon LE JOE JACKSON
autonome, sans avoir à se brancher. Évidemment, le système peut se connecter à une application
mobile Apple/Android. Après avoir lancé sa propre ligne de guitare, HyVibe s’est récemment
NOUVEAU ARRIVE !
associé avec les guitares Lâg. Les instruments du fabricant français embarqueront donc ce Trois ans et demi après la sortie de son
système révolutionnaire et permettront au guitariste acoustique contemporain de propulser son excellent Fast Forward (unanimement acclamé
jeu dans une toute nouvelle dimension. http://hyvibe.audio par la critique) le singer/songwriter multigram-
myfié Joe Jackson s’apprête à nous livrer son
20e album intitulé Fool. Jackson s’est rendu
en studio avec ses
musiciens juste
après sa précédente
tournée mondiale
de 103 concerts, qui
s’était achevée dans
la ville de Boise
(Idaho). L’équipe a
établi son campe-
ment dès le lende-
main dans un studio
d’enregistrement
local, le Tonic Room.
Un album que le
chanteur considère
comme son œuvre
la plus mûre : « Ces nouvelles chansons parlent de la peur,
de la colère, de l’aliénation, et de la perte, mais aussi de ce
qui fait que la vie vaut encore la peine d’être vécue : l’amitié,
le rire, la musique, ou l’art. Je n’aurais pas pu faire cela en
1979. Je n’avais pas assez vécu ». Fool a été produit par Pat
Dillett (David Byrne, Sufjan Stevens).
www.joejackson.com

Orquesta Silbando, le meilleur groupe de tango franco-

argentin sera en concert le 4 décembre au Studio de
l’Ermitage avec en invité spécial le célèbre bandonéoniste
argentin Juanjo Mosalini. www.silbandotango.com

04 Guitare sèche le mag

ERIC BIBB
DE RETOUR EN FRANCE
Le bluesman new-yorkais Eric Bibb poursuit
son tour du monde. Il sera de retour dans nos
contrées afin de porter à la scène le répertoire
de son dernier album collaboratif Global Griot,
très orienté world music, et enregistré avec
une quinzaine de musiciens entre la France,
la Suède, la Jamaïque, le Ghana, le Canada,
l’Angleterre et les USA. Eric effectuera une mini
tournée accompagné du chanteur/guitariste
malien Habib Koité et du joueur de Kora
sénégalais Solo Cissokho :
- 11/01/19 : Paris (Théâtre Traversière)
- 09/03/19 : Le Thor (Auditorium)
- 12/03/19 : Nantes (La Bouche d’Air)
- 15/03/19 : Massy (Centre Culturel Paul B)
- 16/03/19 : Bourges (Maison de la culture)
www.ericbibb.com
RIP REMI
DROUILLARD
Toutes nos pensées vont au guitariste Jimi
Drouillard et sa famille, suite au décès de
son fils Rémi, à l’âge prématuré de 28 ans.
Unanimement aimé et respecté dans le milieu
professionnel, Remi était un musicien surdoué
pratiquant assidûment la guitare, la basse, le
piano et la batterie. Il était professeur à l’école
ATLA de Paris. Rest In Peace !
50 PLUGGED GUITARS
UNE PERFORMANCE
ORCHESTRALE ET GUITARISTIQUE
Guitariste professionnel et pédagogue incontournable, Renaud Louis-Servais a récemment
concrétisé l’un de ses fantasmes musicaux les plus fous : réunir 50 guitaristes dans une pièce
et les faire jouer ensemble. Les 27 et 28 octobre, Renaud a réalisé une vidéo de son projet, 50
Plugged Guitars, à l’Empreinte de Savigny-Le-Temple qui sera bientôt diffusée sur YouTube.
L’orchestre de six-cordes a interprété pour l’occasion une pièce du compositeur Michel
Legrand intitulée « What Are You Doing the Rest of Your Life », composée en 1969 pour la
B.O du film The Happy Ending de Richard Brooks. La suite ? Renaud démarche actuellement
des maisons de production, bien déterminé à donner un avenir à ce beau projet, avec un
véritable show. Stay tuned !
GUITAR ODYSSEY
UN VOYAGE AU TRAVERS DE LA GUITARE
Depuis un an et demi, Emmanuel Rault et la team de Guitar Odyssey vous font découvrir le monde
et ses diverses cultures au travers du prisme de la guitare via les réseaux sociaux. L’équipe a entamé
son projet avec un voyage de dix mois pour rencontrer des luthiers et des guitaristes de tous les
pays (Biréli Lagrène, Daniele Gottardo, Kurt Rosenwinkel, Stochelo Rosenberg, Yamandu Costa,
Dhruv Ghanekar, Dweezil Zappa, Olli Hirvonen et bien d’autres). Initialement, Guitar Odyssey devait
prendre la forme d’un long documentaire dédié à la télévision : « A l’origine, nous avions taillé le
documentaire pour le vendre à Arte. Hélas, les choses se sont révélées plus compliquées que prévu.
Nous sommes tout de même partis sur les routes avec notre matériel pour rencontrer les gens.
Aujourd’hui, le projet existe par le biais des réseaux sociaux. Nous y diffusons des extraits de notre
travail. Après la bande-annonce de Guitar Odyssey, nous avons présenté deux épisodes d’une dizaine
de minutes sur la Nouvelle-Zélande et l’Inde. Nous faisons vivre le projet de cette façon, même si
nous continuons d’approcher de grands acteurs de la diffusion comme Netflix ou Amazon, dans
l’espoir que le documentaire existe un jour dans sa totalité ». Aujourd’hui, Guitar Odyssey compte
sur votre soutien. N’hésitez pas à rejoindre leur communauté sur Facebook (@GuitarOdyssey) et à
partager leurs contenus.
05
 ZOOM À L’ASSAUT DES RÉSEAUX SOCIAUX
AVEC LE Q2N-4K
À une époque où les musiciens assurent en grande partie leur promotion en mode « do it
yourself » via YouTube, Facebook, Twitter ou Instagram, il est nécessaire de savoir se filmer
et s’enregistrer de façon quasi professionnelle. La marque Zoom, unanimement reconnue
pour ses appareils nomades et très faciles d’utilisation de haute qualité, lance sur le marché
une mini caméra/enregistreur dotée d’un objectif grand-angle de 150°, capable de s’adapter
à toutes les situations d’éclairage. L’appareil embarque un couple
de micros à condensateur en X/Y capables d’encaisser des
niveaux sonores élevés (jusqu’à 120 dB SPL sans distorsion). L’idéal
pour enregistrer et filmer vos répétitions, soundcheck et concerts.
Le Q2n-4k sera également une arme de choix pour les guitaristes
ENSIFERUM
YouTubeurs à la recherche d’une solution simple et plug & play. Le
EN ACOUSTIQUE
Q2n-4k débarquera chez vos revendeurs début 2019. Le groupe de viking metal finlandais Ensiferum
Prix public annoncé : 199€ revient en France avec une toute nouvelle
formule acoustique. En effet, après des années
de concerts et de tournées sous le signe de
la distorsion, le quintette tente l’aventure du
WOOD PEAKS « unplugged », en revisitant certains de ses
titres emblématiques dans le plus simple
appareil, mais également en jouant des
LE FOLK AU CŒUR PUR chansons totalement inédites que le public
Le duo francilien Wood Peaks, composé de la pianiste/ pourra découvrir en exclusivité. Ensiferum
chanteuse Amandine Samwill et du guitariste chanteur jouera à la Machine du Moulin Rouge (75018)
Anthony Buque, façonne une pop touchante et intimiste, dans le 11 décembre prochain avec Trio de Facto en
la lignée de Vianney, Ed Sheeran, James Taylor ou encore première partie.
John Mayer. Leur ambition : remettre le plaisir de belles voix
et d’arrangements dépouillés
au cœur du débat afin de
toucher le cœur des auditeurs.
Amandine et Anthony viennent
de sortir leur premier album
Somewhere Else via le label
Acces’Art et viennent de
révéler le clip d’un premier
single intitulé « Sing Together ».
www.woodpeaks.eu

GUITARES AU
BEFFROI 2019
La septième édition du festival Guitares au
Beffroi de Montrouge se déroulera les 22,
23 et 24 mars au Beffroi de Montrouge.
Cet évènement, qui est devenu en quelques
années l’un des évènements guitaristiques
majeurs à l’échelle européenne, accueillera
90 exposants (artisans luthiers, marques
industrielles, fabricants d’amplis et d’effets),
et proposera aux visiteurs des démonstrations
et des soirées-concert, avec Lucky Perterson,
Bill Deraime, Angelo Debarre et le duo Thibaut
Cauvin/Cassie Martin. Des cabines d’essai
insonorisées équipées d’amplis seront mises à
disposition pour que le public puisse essayer à
sa guise les différents instruments exposés et
rencontrer les fabricants en toute tranquillité.
Cette année encore, le festival invite les
luthiers exposants à participer au projet
« Local Wood Challenge », qui a pour principe
de proposer à ces derniers de fabriquer
une guitare uniquement à partir d’essences
locales, afin de les sensibiliser (ainsi que le
public) à la raréfaction des bois tropicaux. Ces
guitares seront exposées sur le stand Local
Wood Challenge. www.guitaresaubeffroi.com
06 Guitare sèche le mag
WARDRUNA
LE SON DES VIKINGS
RESSUSCITÉ
Les Norvégiens de Wardruna tentent de
redonner une voix à un art autrefois au
cœur de la tradition orale nordique, celle
des Vikings. Le leader de la formation,
Einar Selvik, donne des conférences et
se produit régulièrement en solo pour
interpréter en acoustique des morceaux
du groupe, créés notamment pour la série
télévisée Vikings. Le groupe, qui remet au
goût du jour des instruments traditionnels
anciens tels que la Kravik-lyre, Taglharpa
ou encore le Bukkehorn s’apprête à sortir
un quatrième album intitulé Skald (via le
label Norse Music) qui a été enregistré
live au studio Solslottet de Bergen. Une
expérience viscérale et poétique dont on
ne ressort pas indemne.
www.wardruna.com
 Compact Size Acoustic Folk Guitars

* Jouez dans votre élément

La nouvelle série de guitares Folk compactes

YAMAHA CSF combine projection et confort à
toute épreuve, ce qui en fait l‘instrument idéal
pour jouer n‘importe où. Cette nouvelle générati-
on de folks compactes est sans compromis. Un
grand son n‘est pas qu‘une question de taille !
 LA MÉPRISE
Il y a dans l’imagerie rock’n’roll, une catégorie de titres que l’on appelle « drug songs », chanson écrites
sous drogue ou parlant de… Drogue. En fait, dès qu’un texte lâche un peu de leste pour aller vers d’autres
horizons que la simple et banale description du quotidien, on a tendance à le ranger dans ce genre de
tiroir bien pratique. Bien évidemment, certaines chansons font ouvertement référence à l’utilisation de
substances illicites, mais par forcément celles que l’on croit… Les Stones avec « Brown Sugar » ou « Sis-
ter Morphine » sont souvent les premiers visés. Pourtant, à bien y regarder, rien n’est moins sûr. Jagger
défend l’idée que ce « sucre brun » n’est que la métaphore de ses aventures amoureuses avec la brûlante
Marsha Hunt, superbe mannequin à la peau brune qui lui donna aussi une fille. Idem pour « la sœur morphine » qui, loin de vanter les bienfaits
de cette poudre sulfureuse, parle du manque intense ressenti par la personne qui en souffre, clouée sur un lit d’hôpital. Pour ce qui est de
Melting pot

« Lucy In The Sky With Diamonds », dont les initiales donneraient « LSD » et, malgré des lyrics bien « barrés », John Lennon a toujours expliqué
que l’idée lui vint en voyant un dessin rapporté de l’école par Julian, son jeune fils. Mais la plus grande méprise fut reliée au titre de Bob Dylan,
« Mr. Tambourine Man », dont les paroles hallucinées feraient penser à un trip au LSD, alors que l’auteur clame depuis toujours qu’il avait tout
simplement songé à son guitariste, Bruce Langhorne qui, au cours d’une séance, frappait un immense tambourin venu du Moyen-Orient. Par
contre, quelque temps plus tard, Dylan garnira son album Blonde On Blonde de quelques titres assez explicites…

69 : année érotique UNE SIMPLE FILLE

C’est ce que clamait notre beau Serge Gainsbourg
lorsque, cette année-là, il séduit la jeune et jolie
Jane B. Le jeu de mot à l’évocation légèrement
scabreuse était facile mais bienvenu et bien dans
l’air du temps, en pleine « révolution sexuelle ». Du
moins c’est ainsi que les médias décrivaient cette
période de toutes les audaces, peu après les fa-
meux événements de mai 68 et l’avènement de la
philosophie « hippie ». Quelques années plus tard,
le chanteur canadien Bryan Adams, né lui en 1959,
eut l’idée d’écrire une chanson titrée « Summer
of 69 ». Explicitement, l’auteur, dans cette chan-
son, parle du plaisir que l’on peut prendre à faire
l’amour l’été, en plein air et que pour lui, l’année 69
(il n’avait pourtant que dix ans), symbolisait le mieux cet état de fait… Il se trouve aussi que 1969 fut
l’année au cours de laquelle il apprit la guitare, forma un groupe, précocement donc, et, tout aussi
précocement, il tomba amoureux… Selon les dires de l’intéressé, il voulait juste parler du simple fait
de faire l’amour en plein été ! Mais au fond, il paraît que l’on peut déceler, en filigrane, la passion que
nourrit Bryan Adams, pour une certaine position du Kama-Sutra qui porte aussi tous les fantasmes
corrélés à ce fameux chiffre et à cette non moins fameuse année… « If Six Was Nine » comme disait
Jimi Hendrix !
SURVEILLANCE RAPPROCHÉE
The Police, sous la férule de Sting, auteur/compositeur du groupe, connut quelques jolis succès
à l’orée des années 80, devenant même ce que l’on peut appeler une véritable machine à tubes.
Apparemment, notre commissaire de police préféré avait découvert la formule magique et n’avait
plus qu’à appuyer sur le bouton « play »… Les deux autres flics de base n’avaient qu’à obtempérer.
L’un des tubes majeurs pondus par notre chef de brigade fut l’entêtant « Every Breath You Take ».
Une compréhension assez basique de la langue de Shakespeare, celle de Sting, peut nous faire
penser que cette complainte est une magnifique chanson d’amour au romantisme exacerbé,
prodiguée par notre bel amoureux transit, observant, certes un peu maladivement, sa bien
aimée. Rien n’est trop beau pour celle qu’il vénère, au point de savourer le moindre souffle de
la dulcinée… Il faut creuser un peu ces quelques vers répétitifs, et notamment ceux qui ornent
le fameux « pont » musical, pour découvrir un sens un peu plus profond. Loin de n’être qu’une
simple bluette contemplative,
l’auteur, dans son texte, livre en
fait une tranche de vie assez
autobiographique. Son couple
de l’époque bat de l’aile et
Sting est sur le qui vive. Une
irrépressible jalousie le pousse
à surveiller les moindres faits et
gestes de celle qui va devenir
son ex. Attention, la police a les
moyens de vous faire parler…
AMÉRICAINE ?
Tom Petty, l’immense songwriter, promoteur
d’une americana pure et dure, nous a quitté
prématurément l’année dernière. Les fans,
nombreux aux USA mais en Europe aussi, ne s’en
remettent pas vraiment et n’ont plus que leurs
yeux pour pleurer mais aussi, heureusement,
quelques magnifiques albums à réécouter
sans fin. Les chansons rock, les guitares, les
grands espaces et les tournées grandioses
étaient ses passions. Il nourrissait son œuvre
avec tous ces ressentis, partagés avec ses
camarades de jeu, les fidèles Heartbreakers. Ses
pérégrinations sentimentales aussi hantaient
ses thématiques parfois tourmentées. Son
fantastique « Even The Losers » décrivait le désir
avec une poésie nostalgique hors du commun.
Le titre « Refugee », présenté dans une superbe
métaphore, abordait le fait de prendre garde à
ne pas transformer un magnifique amour en une
prison dorée. Mais son tout premier hit, celui qui
le fit connaître, n’est autre que cet « American
Girl » que d’aucun prirent au premier degré. La
légende nous dit que Tom parle ici d’une jeune
étudiante qui se serait suicidée à l’université
de Gainsville (Floride), ville de laquelle il était
originaire. En fait, autre métaphore, l’artiste fait
allusion à la nuisance sonore engendrée par le
bruit de l’autoroute voisine, qu’il entendait depuis
son petit appartement d’Encino (Californie) alors
qu’il venait d’emménager… Bigre !

08 Guitare sèche le mag

08
 BLACKBERRY
Rencontre

SMOKE
Rock

New generation

10

Le groupe d’Atlanta en est à son 6ème album studio. Find A Light est le successeur de Like An
Arrow (2016) qui a été n°1 du classement de Billboard. Le chanteur et guitariste Charlie Starr
s’explique sur l’évolution de la musique de Blackberry Smoke.
C
omme tout groupe sudiste
authentique, Blackberry Smoke a
établi sa réputation sur scène avec
un son distinctivement issu de la
région située entre Atlanta, Muscle
Shoals et Jacksonville. Depuis leur premier
album Bad Luck Ain’t No Crime (04) l’assise du
groupe dépend des guitares de Paul Jackson
et Charlie Starr. Avec Paul Jackson, le centre
musical est le metal-rock façon Lynyrd Skynyrd
actuel. Blackberry Smoke a tourné avec eux,
mais aussi avec Zac Brown Band, ZZ Top et Gov’t
Mule. Cependant Charlie Starr a de nombreuses
autres sources d’inspiration comme le gospel, le
blues, le hillbilly et le bluegrass. Avec le succès du
5ème album, Like An Arrow –n°1 au classement
country du Billboard et en Angleterre aussi- la
roue a tourné. Ils ont fondé leur propre label,
Three Legs Records et l’orientation musicale a
changée, accordant plus de place aux musiques
traditionnelles dans les compositions de Charlie
Starr, qui est désormais le boss du groupe.
La rencontre a lieu dans le lobby d’un hôtel
parisien du XVIIIème. Charlie Starr est un
« longhair guy » très fin connaisseur en musique.
Il est accompagné du batteur Brit Turner…
Moteur. L’interview peut commencer.
Ce nouvel album est plus éclectique
musicalement que les précédents. C’est
voulu ?
Ce n’est pas un hasard. Pour commencer
nous enregistrons désormais sur notre propre
label, Three Legs Records et nous faisons ce
que nous voulons, dans les limites de nos
possibilités. Cela nous a très bien réussi avec
l’album précédent, Like An Arrow.
D’où vient le nom Three Legs Records,
j’ai déjà entendu cela…
C’est de Robert Johnson dans « Preachin’
Blues » : « I got three legs to truck on, baby
please don’t block my road ».
Brit Turner : Il y a un doute sur ce qu’est cette
troisième jambe, une canne, une guitare ou
autre chose ? Ah ah ah !
Pour ce nouvel album Find A Light, c’était
un challenge ?
Il y a toujours un défi à relever après un album
à succès comme Like An Arrow. Il m’a fallu du
temps pour écrire les chansons. Je voulais nous
distancier du son commun à tous les groupes
d’Atlanta. J’aime et j’apprécie la musique
des groupes du Sud qui sont nos premiers
inspirateurs. Lynyrd Skynyrd est au départ
influencé par le british-blues de Free, puis par
le métal, les Black Crowes des frères Robinson,
devenus the Magpie Salute, ont toujours eu un
côté à la fois Led Zep et jazz/blues. Pour notre
nouvel album on ne voulait pas rester dans ces
limites en copiant nos amis… La solution était
de jouer tout ce que nous aimons jouer, sans
coller trop d’étiquettes définitives. Rock metal,
Stones, gospel, bluegrass, blues, country.
D’où est venue l’inspiration pour cet
album bien différent des précédents ?
Les fans de la première heure vont
probablement être quelque peu
décontenancés…
Il nous fallait rester loyaux envers nos
influences personnelles qui sont au départ
le rock stonien – Rolling Stones et non pas
« stoner »- plutôt que Free ou Led Zep. Le
blues, le bluegrass et le gospel sont des
points communs importants entre toutes
nos influences. Tourner extensivement avec
Warren Haynes & Govt’ Mule a été une sorte
de catalyseur aussi. Nous avons réalisé que
tout est possible à jouer musicalement, la Mule
n’a pas d’œillères ! J’ai écrit les chansons sans
penser à réduire notre vision musicale. Puis je
les ai jouées à Paul Jackson (guitariste lead),
Richard & Brit Turner (basse & batterie) et
Brandon Still (claviers) et ils ont ajouté leurs
propres styles.
Quelles guitares jouez vous sur scène et
en studio ?
Ma préférée est une Les Paul Jr de 56 avec
un P-90. Je l’ai eue pour 50$ dans un pawn
shop il y a longtemps. Elle a une résonance
extraordinaire.
Mais je la soigne. J’ai la chance d’avoir une
Echopark avec un P-90 qui peut la remplacer.
J’ai une Les Paul Tribute du Custom Shop
Gibson, avec deux Humbuckers. Pour le slide,
j’ai une guitare de luthier, style Telecaster,
avec un micro lipstick au chevalet et un P-90
position manche. Je l’ai achetée au guitariste
des Four Horsemen, qui l’avait eue à Los
Angeles. Paul Jackson joue sur une Les Paul,
une Tele et une Firebird.
On s’arrange toujours pour jouer une guitare
11
 DISCOGRAPHIE
BLACKBERRY SMOKE
Bad Luck Ain’t No Crime (2004)/ Little
Piece Of Dixie (09)/ The Whippoorwill
(12)/ Live A Scar Live North Carolina (14)
Holding All The Roses (15)/ Like An Arrow
(16)/ Find A Light(18)
Find A Light + bonus Acoustic Southern
Ground Sessions (18)
par Solomon Burke. Ray Charles est un autre
exemple. J’ai entendu cela pendant toute mon
enfance. Nous voulons tout faire pour que
ceci redevienne possible. Il faut briser cette
séparation artificielle créée par les labels,
Robert Randolph en est capable et nous
aussi . Je suis sûr que la décade suivante sera
différente, un changement majeur. J’en parle
souvent avec Warren Haynes….

Vos projets immédiats ?

différente, en ligne et en sortant chacun à
son tour. Le son contrasté entre Les Paul et
Telecaster est cool pour la scène. Ensuite on
passe en acoustique sans transition et là aussi
cela donne un changement immédiat.
Vos amplis aussi sont contrastés ?
Je joue sur une tête Germano, type Plexi et sur
un JCM 800 , alors que Paul a un rig Orange
avec une tête Orange Custom Shop 50 w et
deux cabs. On couvre toutes les fréquences…
Il y a des invités de marque sur le disque:
Amanda Shires, Robert Randolph, The
Wood Brothers. Vous avez écrit en
fonction d’eux ?
Pour Amanda Shires, il était évident que cette
Nous sommes en tournée aux USA jusqu’ en
chanson country, « Let Me Down Easy » octobre où nous venons en Europe, avec un
était idéale pour sa présence vocale. Robert show à Paris au Cabaret Sauvage le 31 octobre.
Randolph, nous l’avons rencontré plusieurs Le même mois il y aura une édition spéciale
fois pendant les tournées et son jeu en slide de Find A Light avec en bonus les Southern
« sacred steel » m’inspirait. Mais « I’ll Keep Ground Sessions enregistrées à Nashville en
Ramblin’ » sur lequel il joue est un boogie acoustique. C’était fantastique de jouer dans
shuffle rapide. Le gospel, je l’ai gardé pour un format acoustique. Il y a des chansons de
les Wood Brothers, un groupe de bluegrass l’album avec des inédits comme « You Got
avec des vocaux angéliques qui illuminent la Lucky » de Tom Petty, chanté par Amanda
chanson « Till The Wheels Fall Off ». Shires. A bientôt à Paris ! •
Jack Beauregard
Faire jouer du gospel par
des musiciens de
bluegrass et du boogie
rock par un spécialiste
du gospel à la pedal-
steel, c’est voulu aussi ?
Totalement ! Tu vois,
l’époque n’est pas si
éloignée où il n’y avait
pas de distinction entre
les musiciens, country,
bluegrass, hillbilly, gospel
ou rock. Un hit country
comme « He’ll Have To
Go » de Jim Reeves pouvait
devenir un succès chanté

12 Guitare sèche le mag

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de partitions N° 17
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4 TESTS EN VIDÉO
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NUMÉRO 17
N° 16 Des leçons country, folk,

STING
N° 14 picking, manouche, rock,
INTERVIEW
DIDIER BÉHAGUE blues, amenco et aussi n° 18

Charlie Bossa des plans pour jouer

à la manière de
Winston Jorma Kaukonen
Jouez blues, folk, picking,
manouche, rock, amenco
Jouez jazz, folk, picking,
manouche, rock, bossa
REVIENT
JULIEN BITOUN EN FRANCE L’INVITÉ VIP
Eric Bibb
Interviewdébutant
Rubrique exclusive avec son guitariste

GUITARE SÈCHE LE MAG

ET À LA MANIÈRE DE ET À LA MANIÈRE DE
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L’INVITÉ VIP L’INVITÉ VIP ALEXIS MAZZOLENI

Pierre Bensusan Keb’ Mo’ INTERVIEW Country
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SUR NOTRE CHAÎNE
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 Rencontre
Pop Rock

Charlie
Winston
Square 1, c’est le titre du nouvel
opus de Charlie Winston. Il a mis un
certain temps à digérer l’énorme
succès qu’il a connu avec son titre
« Like a Hobo », c’était il y a dix
ans… Mais il n’est pas resté cloîtré
pour autant dans une espèce de

La tête au carré…
tour d’ivoire. Après Curio City,
datant de 2015, le temps est venu
pour lui de sortir du bois et nous
livrer sa toute dernière production
qui confirme le potentiel de cet
artiste maintenant en pleine
maturité…

14 Guitare sèche le mag


LA DÉFERLANTE
Ce fût un vrai tsunami qui submergea notre
contrée lorsque ce jeune individu (quasiment)
sorti de nulle part, lâcha cette bombe que fut
Hobo, son premier album officiel. C’est le label
français Atmosphériques qui eut la bonne idée
de lancer les hostilités en sortant l’album, avec
comme fer de lance, le fameux titre en question,
« Like a Hobo ». Le succès fut quasiment
immédiat et les ventes s’envolèrent… La mélodie
et le traitement « folk pop », savant mixage
entre un tube commercial et une approche
« roots » basée sur l’acoustique, fit l’unanimité.
Jolie fable, et bravo l’artiste ; premier effort,
premier succès. Bien sûr, il fallut ensuite
gérer et savoir éviter la redite ou l’enlisement.
Mais Charlie a prouvé depuis, qu’il avait plus
d’une corde à son arc et qu’il savait varier les
plaisirs. Songwriter accompli, il sait d’instinct
que l’inspiration doit se renouveler sans cesse,
pour éviter toute sclérose. La suite fut peut-être
moins retentissante mais tout aussi attachante.
Après s’être beaucoup concentré sur lui-même
en concevant son travail comme quelque chose
de très artisanal, l’artiste assume enfin le besoin
de partager et pour ses derniers travaux, il
s’entoure de collaborateurs triés sur le volet et
se considère maintenant comme faisant partie
d’un « tout »…
A STAR IS BORN…
Né en 1978, en Cornouailles, issu d’une famille
simple (ses parents tenaient un hôtel), rien ne
prédisposait ce jeune gamin à entrer dans
l’arène du showbiz. Curieux de nature, il apprend
très vite le piano et part ensuite à Londres pour
suivre des cours en faculté de musique. Ses
premières créations sont à base de guitare et
piano, et il se met alors à les proposer seul en
scène, sous la forme d’un one man show et de
façon assez théâtrale. Le label Real World, sous
la bénédiction de son fondateur, Peter Gabriel,
lui permet d’échafauder un premier projet
discographique qui sort sous le nom de Make
Way, nous sommes en 2007. L’affaire reste
confidentielle, mais ce parrainage bienvenu
porte vite ses fruits. C’est bizarrement la France,
terre d’adoption où se produit beaucoup le jeune
Charlie, qui semble la plus réceptive au son de
ce jeune barde. Au début de l’année 2009, les
dès sont jetés, un joli clip de soutien réalisé par
l’artiste Mark Maggiori et l’extrait en single du
titre « Like a Hobo » sont, comme une évidence,
le passeport pour la gloire… Un passage
remarqué à l’émission Taratata fait le reste. Fort
de ce succès, Winston est sollicité pour tout
un tas d’événements. Il fait sensation dans une
émission spéciale projetée sur la chaîne Arte,
au cours d’un spectacle filmé sur un téléphone
portable et retransmis tel quel. Il est ensuite, en
2010, dans le film de Benoît Philippon, Lullaby
(For Pi), dans lequel il interprète son titre « In
Your Hands ». Il signe aussi, dans la foulée la
bande originale du film, financé par le label
communautaire français My Major Company
animé par des internautes. Pour le jeune artiste,
« Si tu sais
les choses vont très vite et après la réalisation
de deux autres albums, Running Still (2011) et
faire face à la
Curio City (2015) un break (de trois ans) semble
s’imposer, jusqu’à l’arrivé du petit dernier…
pression, ça va,
Hello Charlie, sur la pochette de ton
c’est gérable. La
nouvel album, tu te positionnes
visuellement au centre d’un carré très
liberté, ensuite,
simple. Y a-t-il une signification, ou une
symbolique quelconque ? c’est toujours à
Tout à fait, il y a une expression anglaise,
square back, qui signifié rentrer chez soi. C’est toi de l’imposer,
le symbole utilisé ici.
mais pour moi
On peut le comprendre aussi comme un
retour aux sources ? ce n’est pas un
souci. »
Pas obligatoirement, mais ça peut aussi faire
partie des conclusions…
15
 Alors un album en forme de bilan ? Ou
pour définir ton pré carré ?
Non, pas vraiment, à la limite un inventaire,
aller, disons une mise au point…

Oui c’est ainsi que je le percevais, car

la pochette est très simple, dans un
graphisme très basique.
Les choses simples sont parfois compliquées à
atteindre, tu sais.

Quelques mises au point sur tes origines

alors, pour te « cerner » un peu. Le fait
que tu sois né en Cornouailles agit-il sur
ta personnalité musicale ?
Honnêtement je ne pense pas, car je ne suis
resté que très peu de temps dans cette région.
J’y suis né et au même moment, ma famille
s’est installée dans le Suffolk. De plus, très
jeune, je me suis rendu à Londres et c’est là
que j’ai passé mon adolescence. Mais qui sait
en fait, cela m’a peut-être influencé de façon
subliminale ?

Ok, nous allons maintenant évacuer la

grande question que tout le monde doit
te poser. Tu as connu un immense
succès avec « Like a Hobo », est-ce facile
à gérer et cela t’a-t-il permis de garder
une certaine liberté ?
Si tu sais faire face à la pression, ça va, c’est
gérable. La liberté, ensuite, c’est toujours à toi de
l’imposer, mais pour moi ce n’est pas un souci.

Et question subsidiaire, t’attendais-tu à

un tel succès ?
Je vais paraître prétentieux, mais je vais
répondre oui. Cette mélodie m’a rempli la tête
« Pour « Like a Holbo », j’avais
pendant un certain temps, je sentais quelque même ce battement de main droite
chose, et lorsque je la fredonnais à des amis ou
des proches autour de moi, ils me renvoyaient dans ma tête qui m’a servi à écha-
la même sensation. Par contre, je n’ai jamais
été sûr que le public puisse y accéder et fauder l’ensemble. »
l’apprécier, ça c’est la bonne surprise…

Depuis tes débuts, tu as sorti un album

tous les deux ans, sauf le dernier qui
arrive après un break de trois ans, est-ce
le bon rythme pour toi ?
Je ne pense pas raisonner avec un timing
précis, d’autant que je fais pas mal d’autres
choses à côté de la musique. Je préfère laisser
le hasard décider, et pour l’instant personne ne
m’a dit : « hey, il faut que tu sortes un album »…
Cette liberté est la condition pour
préserver ta liberté d’expression ?
Oui, mais en même temps je vois mon
activité comme un métier à honorer. Il faut
effectivement se mettre à écrire des chansons
et planifier une réalisation, ne serait-ce que sur
le plan technique ou logistique.
Est-ce que tu t’assois à la table de travail
pour écrire, ou est-ce que les chansons
« tombent du ciel » ?
J’aimerais que ce soit le cas… Hélas non, je
vais les chercher et les débusquer pour en faire
quelque chose d’acceptable, un dur labeur…
Ce n’est pas tout à fait le ressenti des
auditeurs, on à l’impression d’une
fluidité…
Ah, ce n’est pas non plus une torture, mais ça
demande quelques efforts…
Pour ce petit dernier, on dirait que tu fais
encore plus appel à l’acoustique, les
guitares, les pianos, les percussions,

16 Guitare sèche le mag

c’est très « organique », la voix est
devant et très pure, un vrai chanteur !
Oui, c’est vrai. J’ai voulu quelque chose de
clair et d’évident, de pur si tu veux, bien que
je me méfie de ce mot… J’ai fait confiance
aux éléments naturels pour capter cette
atmosphère « ouverte », du fait que rien n’est
étouffé par de grosses orchestrations.
Pour l’inspiration, tu pioches dans quoi ?
Le tout sonne très intimiste,
musicalement et au niveau des
lyrics aussi...
Comme je te l’ai dit, je n’ai pas de chansons
qui s’imposent d’elles-mêmes, je dois un peu
me botter les fesses et me mettre au travail.
Alors je puise un peu dans tout ce que je peux
observer dans ma vie et celles des autres aussi.
Tu veux dire que tu vois le songwriting
comme un job ? Comme a à l’époque de
Tin Pan Alley ?
J’apprécie assez l’idée de cette industrie de la
chanson. On fabriquait des voitures à la chaîne,
on écrivait des chansons de la même manière,
alors après tout pourquoi pas, seul le résultat
compte…
Et le mythe de l’artiste qui fouille au plus
profond de ses émotions pour trouver
l’inspiration ?
Il existe aussi, on peut imaginer qu’il y a de la
place pour tout le monde !
Dans cet ordre d’idée, alors ton travail
serait une « carrière » ?
Oui et non (rires). Par la force des choses c’en
est une, mais de mon point de vue, disons, vu
de l’intérieur, ce n’est pas le cas. C’est tout au la musique populaire et ce n’est sans doute pas
plus un cheminement, mais très accidenté. un hasard.
Ce n’est pas linéaire. Dans la mesure où je ne
sors pas un album pour partir en tournée et Quelle est ta guitare de prédilection ?
recommencer, ainsi de suite, comme l’exige Je suis très attaché à la marque Lowden, et je
souvent ce « métier ». Pour moi, c’est plus possède une très vieille Harmony acoustique
« sauvage » que ça… qui doit dater des années soixante et dont le
son me ravit. Je leur suis assez fidèle.
Comment construis-tu une chanson,
musique avant le texte ou l’inverse ? Tu en possèdes beaucoup et as-tu des
De plusieurs façons, ça peut varier. Soit je pars coups de foudre pour certains modèles ?
sur un riff, une grille de guitare qui me suggère J’ai ce qu’il faut, mais je me sers souvent du
une mélodie, ce fut le cas pour « Like a Hobo », même modèle sur scène, pour une question
j’avais même ce battement de main droite dans de fiabilité et d’habitude du son. C’est le
ma tête qui m’a servi à échafauder l’ensemble. même sentiment que pour la composition,
Mais je peux aussi partir d’une ligne de texte je considère l’instrument comme un outil
qui va aussi influencer une direction musicale. de travail, il doit être avant tout efficace et
Heureusement, il n’y a pas qu’une seule façon performant. Je peux craquer sur un modèle,
de procéder. pour son esthétique ou son histoire, mais
pour travailler je m’en remets à ce que je
En dilettante alors ? connais bien.
J’adhère assez à ça…
Pour en revenir à l’album, tu as travaillé
Idem pour le style, tu n’es pas un « folk avec d’autres musiciens, comment as-tu
singer » ? procédé ?
Pas dans la grande tradition du genre comme J’ai voulu trouver une nouvelle fraîcheur et j’ai
le seraient Dylan ou Neil Young, malgré tout considéré que le partage avec d’autres pouvait
le respect que j’ai m’apporter cette option. Je suis installé dans
pour eux. Je suis, je le sud de la France, c’est là où je vis. J’ai trouvé
crois, et je reste un un petit studio dans le coin. On a pris place
artisan… dans une pièce et on a joué avec seulement
quelques micros disposés ça et là. C’est ensuite
Tu te situes dans cette matière sonore qu’on a redessiné
où musicalement, des esquisses de chansons.
es-tu relié à un
style ? Tu t’es octroyé un break de presque trois
Là où je trouve un ans après ton avant-dernier opus, as-tu
peu de place… Folk, ressenti une saturation ou une fatigue
pop, world, enfin qui t’ai imposé ce break ?
personnellement, je Trois ans, ça peut paraître long, mais en fait je
n’en sais rien. Sans n’ai pas vu le temps passer. Comme je te l’ai
doute que les autres dit, je fais d’autres choses à côté alors, après
peuvent juger plus une série de concerts et le temps de porter
que moi. Je n’ai le nouvel album à maturité, ce ne fut pas si
pas le recul et je ne long. J’ai sans doute pris le temps de réfléchir
désire pas l’avoir. à mon propos pour ne pas être sous l’emprise
de l’urgence à tout prix. Pendant ce repos
Quelles choisi, j’ai joué beaucoup de guitare, composé
influences beaucoup, jusqu’à provoquer l’envie d’aller en
citerais-tu ? studio pour enregistrer à nouveau. C’est peut-
Aucune… Ou être un privilège aussi de prendre un peu son
toutes ! J’ai été temps…
nourri de plein de
choses, mais je Alors, fort de ce nouvel album, tu es prêt
ne me suis jamais à retourner à nouveau dans la jungle ?
vu appartenir à un courant spécifique. Chez Je vois les choses de façon pacifiée, je ne suis
moi on écoutait de tout, et lorsque j’étais pas un « guerrier » (rires). C’est une jungle qui
adolescent à Londres, ça grouillait de musiques ne manque pas forcément de confort… Je suis
toutes passionnantes, punk, new wave, pop content de ce que nous avons accompli et on
etc. Je ne suis pas le « puriste » type… va proposer le résultat au public, ça reste un
challenge assez « motivant »…•
Pour la guitare, c’est venu comment ? Tony Grieco
Presque par nécessité, je n’ai rien contre le
piano, j’adore l’instrument, mais comment
lutter contre l’immédiateté que procure une
guitare acoustique ? L’instrument sert à toute
17
 Ruen Mes bien chers frères…
Rencontre

Brothers
Folk Rock

Cette paire d’as, formée par deux frères animés par la même passion, la musique vintage, semble vouloir redistribuer les cartes en
revenant aux bases mêmes de ce que fut la pop teintée de rock. Comme pendant les grandes années du genre, ils entremêlent, dans
leur album, le tout premier, All My Shades of Blue, arrangements somptueux, mélodies accrocheuses et ce petit plus dans la production
(signée Rick Rubin) qui les rend éminemment « modernes ». Bienvenus au club, la relève semble assurée…

18 Guitare sèche le mag


Vous avez dit Ruen ??!!
Oui, bonne question ? Que veut dire ce
vocable ? un nom propre ? une marque ? un
message codé ? Un peu tout cela à la fois, les
frangins ne sont pas allés chercher très loin
pour trouver leur nom d’artistes. Le terme
« brothers » se passe de commentaires, mais
celui de « Ruen » n’est autre que les deux
premiers sons formés par leurs prénoms
respectifs, bien pensé, mais il faut quand même
avoir la clé du code pour déchiffrer. Après tout
on s’en fiche un peu, mais voici la solution,
histoire de peaufiner les présentations. Rupert
(Stansall) à gauche et Henry (Stansall aussi)
à droite, une fois la contraction opérée,
cela donne donc Ruen. Voilà, n’en parlons
plus et passons aux choses sérieuses. C’est
leur papa, fan de musique, Everly Brothers,
Stones, Beatles et autres gloires sixties, qui
leur inocule le virus. Les gamins tombent
dans la marmite du rock et commencent à
attraper tout ce qui leur tombe sous la main
en termes d’instruments de musique. Guitare,
piano, batterie ou basse, tous deux s’activent
pour maîtriser ces mystérieux objets afin
de pouvoir imiter leurs idoles et se mettre à
composer leurs propres mélopées. Ils sont
natifs de Scunthorpe, une petite cité ouvrière
du Lincolnshire, et très vite leur occupation
favorite est de se produire dans les pubs
locaux. Cette rude école semble être la bonne
pour eux, car enfin ados, ils se propulsent à
Londres pour profiter des lumières de la ville…
C’est dans leur petit logement qu’ils bidouillent
un premier titre, « Aces », fabriqué de la façon
la plus artisanale qui soit mais qui, par miracle,
parvient aux oreilles du grand producteur
Rick Rubin. L’homme au palmarès fantastique
se dit séduit et même impressionné par le
talent des deux frères et décide illico de les
prendre sous sa protection. Cela ressemble
à un conte de fées, mais c’est la réalité ; les
frères se retrouvent en studio en compagnie du
producteur et de quelques grands musiciens
dont le respectable Ian McLagan (décédé
depuis) aux claviers. Tout est joué sur des
instruments « réels » et c’est bien sûr ce qui
donne ces sons « comme avant » mais faits
« maintenant ». Explications…
Les kinks, Oasis, The Everly Brothers et
bien d’autres fratries se sont frottées à
l’industrie musicale, est-ce ce un bien
pour communiquer ou un mal pour se
disputer… ?
En ce qui nous concerne, nous n’avons qu’un
an de différence, nous sommes donc très
proches et on préfère voir ça comme un plus.
On n’hésite pas à se juger, voire se critiquer
sans que personne ne s’offense, grâce au lien
familial. Nous sommes sur la même longueur
d’onde, musicalement parlant, les désaccords
surviennent plus sur la logistique ou autres
détails annexes.
Bien, vos influences sont faciles à
repérer dès la première écoute de l’al-
bum. Comment se fait-il que de jeunes
gens comme vous connaissent aussi
bien cette « vieille » musique ?
Pas besoin d’aller très loin, nos parents
possédaient une énorme discothèque qu’ils
mettaient à notre entière disposition. L’un
de nos oncles jouait aussi dans un groupe. Il
faisait pas mal de reprises des années 50 et ça
nous plaisait d’entendre tout ça. En fait, outre
la sphère familiale, tout notre voisinage était
dans ce genre de musique, nous n’avions qu’à
tendre l’oreille pour nous en imprégner. Nous
n’avions pas du tout l’impression d’entendre de
la « vieille » musique car pour nous deux, c’était
vivant…
Pour revenir au présent, je suppose que
la collaboration avec Rick Rubin vous a
permis de trouver le bon son, celui que
vous recherchiez. Comment s’est dérou-
lée la rencontre ?
C’est notre ancien manager qui lui a fait
écouter quelques trucs et il a flashé dessus. Un
an après, on s’est retrouvés dans les bureaux
de chez Universal Music, et une collaboration
a été décidée. On croyait rêver éveillés… Pour
le son, on a fait tout quasiment live avec tous
les musiciens. On a pu retravailler ensuite avec
quelques overdubs et trouver le bon son pour
chaque partie, grâce à lui.
Vous poussez les choses jusqu’à soigner
l’esthétique de la pochette dont le gra-
phisme rappelle aussi ces grandes an-
nées ?
Oui, on s’en occupe personnellement, et on
aime garder cette cohérence pour tout ce que
nous produisons. C’est un peu par jeu mais
c’est aussi un choix artistique.
La guitare reste prépondérante dans
votre musique, malgré de magnifiques
orchestrations, entre vous deux, qui joue
de quoi ?
On a la chance de posséder de superbes
guitares, une Gibson J-160 de 1957 et une
Columbian Major, est une archtop qui date des
années 30. On les utilise peu sur scène, bien
sûr mais plutôt pour enregistrer. On joue tous
les deux et on se prête volontiers nos guitares,
aussi bien électriques qu’acoustiques. Rupert
possède aussi une vieille Fender Telecaster et
moi une Gibson J-45 récente.
Comment reproduisez vous cette belle
musique sur scène ?
On a dû faire un choix et trouver une solution.
On a constitué un trio, avec juste notre ami
Colin Paul qui joue de la batterie. Nous favori-
sons l’approche acoustique et le rendu nous
paraît excellent… •
Tony Grieco
ALL MY SHADES OF BLUE.
AUCUNE OMBRE AU TABLEAU…
Allez, un petit retour aux sources ne fera
de mal à personne. On est étonné des
références que l’on entend sur chaque
titre déposé ici. Comment ces deux jeunes
gens ont-ils pu emmagasiner autant de
musiques millésimées sans jamais cloner
ni singer personne, on croise ça et là
l’ombre de Roy Orbison (« Al My Shades of
Blue »), celle de Bruce Springsteen, (« An
Evening Dreaming ») ou encore Johnny
Cash (« Make The World Go Away »).
Attention, je le répète, nous sommes loin
du plagiat car ici le résultat est magistral
et les deux frères se sont constitué, au
travers de toutes ces sonorités uniques,
une véritable identité et même une
authenticité…
19

Album collector
R
oy Harper est une figure spéciale et unique du folk anglais.
D’ailleurs, le classer dans le folk n’est rien d’autre qu’un
énorme raccourci. Le personnage est aussi iconoclaste que
sa musique, et la catégorie des « inclassables » lui convient
beaucoup plus. Ce premier album sorti au cœur de l’année
1966, année ou la pop est encore à son apogée (mais commence à être
sournoisement remise en question) est complètement à contre courant,
c’est le moins que l’on puisse dire. L’avant-gardisme des Beatles, en pleine
mutation avec l’album Revolver, vient rebattre les cartes et ceux qui
restent scotchés à la chansonnette pop vont se voir relégués aux poubelles
d’histoire. Les Stones quittent le Chicago blues par la grande porte en
proposant leurs nouveaux travaux sur Aftermath. L’album ne contient que
des originaux. Les Who passent la vitesse supérieure en sortant A Quick
One, pas encore un concept album mais pas loin, avec le titre pré opéra
(rock) « A Quick One While is Away » qui dépasse les 9 minutes. Bref,
pour durer, il faut oser… C’est dans ce contexte hautement créatif que
le jeune Roy Harper se lance dans l’aventure. Il s’agit certainement de
l’un des premiers albums réalisés en « home studio ». En effet, un ami de
l’artiste, Pierre Tubbs, lui prête son magnétophone à bandes Revox, certes
excellente machine à l’époque mais plutôt rudimentaire. L’ami en question
s’improvise producteur, sous le pseudonyme de Peter Richards. Le matériel
rassemblé pour les séances est ultra basique, une guitare acoustique et
quelques poèmes griffonnés sur du papier. Roy harper fréquente déjà le
gratin du folk aventureux et est l’ami de John Renbourn, de Bert Jansch
et même de Ritchie Blackmore… Les deux premiers seront les « parrains »
du projet et viendront même poser quelques traits de guitare ici ou là.
Vous cherchez du pur ? du brut ? de l’intime ? Bref, de l’acoustique ? Cet
album fut donc fait pour vous. Pour faire court, la production se résume
au strict minimum, en gros, elle consiste à appuyer sur le bouton « start »
du magnéto… Roy se tient prêt et enquille les chansons à la suite. Malgré
les maigres moyens de la séance, on imagine que les deux protagonistes
ont dû brancher aussi une table de mixage et ajouter une bonne reverb
que l’on entend à merveille, car le son (qui n’a pas vieilli) possède un relief
et une fraîcheur que beaucoup d’autres artistes auraient pu lui envier. On
entend donc quelques ajouts (« overdubs » diront nous dans la langue
de Shakespeare), mais bien loin des bidouillages ingénieux d’une séance
d’album mythique comme, au hasard, Sgt. Peppers Lonely Hearts Club
Band. De source sûre (les notes de pochette), on constate (et entend)
la présence des guitaristes Bert Jansch, John Renbourn et d’un certain
Paul Brett. Ce dernier est un guitariste fort apprécié des musiciens. Avec
discrétion mais efficacité, il vient prêter main forte à bon nombre de
célébrités de l’époque comme le groupe Strawbs, Al Stewart et même
le sulfureux Arthur Brown et son gang d’allumés, le Crazy World. Aidé
par ce cercle très fermé d’amis, le jeune Roy Harper va pouvoir coucher
sur bandes ses toutes premières compositions et il ne s’en prive pas.
Il va sans dire qu’à sa sortie, l’album reste plus que confidentiel. Strike
Records, le petit label aventureux qui lance le projet, n’en pressera que
quelques milliers d’exemplaires. L’album ne produira donc aucun fracas
et ne battra aucun record. Pourtant, à l’époque comme aujourd’hui,
le niveau créatif semble incroyablement élevé. Bien sûr, il n’y a aucun
20
THE
SOPHISTICATED
BEGGAR
Roy Harper
1966, Strike Records
« hit » potentiel qui pourrait squatter les radios, quoique, mais la qualité
constante de chaque pièce alignée ici est juste impressionnante. Outre un
jeu de guitare extrêmement inventif, la voix de l’artiste, au timbre ferme et
puissant, fait des miracles et accroche l’auditeur sans coup férir. Je répète
que Roy Harper est totalement inclassable, si ce n’est que, sur quelques
titres, on entend pointer le psychédélisme naissant qui va se répandre
comme de la poudre quelques mois plus tard. Dans cet ordre d’idée, cet
album est sans doute un peu précurseur. Parallèlement au phénomène
pop, le Royaume-Uni a aussi connu une forte vague de musique folk,
dès les années 1963/65, culminant avec l’avènement d’artistes comme
Donovan ou Ralph McTell et surtout, avant eux, le talentueux Martin
Carthy, qui fut une influence majeure pour beaucoup, y compris Bob
Dylan (le cousin américain), en ce qui concerne la guitare. Le jeune
artiste est à peine âgé de 25 ans à l’époque et est déjà considéré par
ses pairs comme l’un des maîtres de l’acoustique. Il développe un jeu
complexe, basé sur le fingerstyle, les arpèges et autres développements
harmoniques. Ses grilles sont tout sauf évidentes et s’éloignent fortement
du fameux schéma I/IV/V qui sert de base au blues, au folk et même au
rock. Il se réfère souvent à la musique celtique (en la rendant même peut-
être encore plus compliquée qu’elle ne l’est) à laquelle il mêle une once de
jazz. Voici côté musique, car pour ce qui est des lyrics, c’est aussi pour lui
un vaste champ littéraire qui laisse place à son imagination débordante…
Le titre « China Girl » qui ouvre l’album, n’a rien à voir avec celui de David
Bowie qui viendra quelques décennies plus tard. Le ton est d’emblée
très cosmique et la guitare douze cordes (John Renbourn sans doute)
virevolte dans les airs. Le morceau s’efface peu à peu avec ses Pretty
china girl susurrés à l’infini. « Goldfish », qui suit, se pose sur un picking
aux parfums bluegrass alors que la scansion est très typée « irlandaise ».
Les choses se durcissent avec « Sophisticated Beggar », appuyé par un
riff un peu bluesy et une ironie assumée dans les paroles, qui confirme
sa propension à manier la langue. Dans une belle spontanéité, l’artiste a
gardé le faux départ ponctué de son rire qui annonce le titre « My Friend »,
joli folk savamment arpégé. Sur « Blackpool » le son des guitares est tout
simplement majestueux, on entend évidemment le glissé des doigts sur
les cordes avec cette sensation de proximité que cela produit. Jusqu’au
dernier titre, le bien nommé « Commited », l’ensemble n’est rien d’autres
qu’une somme de prouesses exécutées sur des guitares qu’il est encore
urgent de (re)découvrir aujourd’hui. Cet album, même s’il ne connut pas
le succès public, fut largement apprécié par des gens divers et variés
comme Jimmy Page, Robert Plant, Pete Townshend, Ian Anderson de
Jethro Tull et bien sûr les membres de Pink Floyd, qui furent aussi des
proches de Roy Harper. Au fil du temps, l’album fut ressorti sur différents
labels et parfois avec une « track list » légèrement variable. Ce n’est qu’en
1993, lorsque l’artiste fonde son propre label Science Friction, pour
ressortir ses propres œuvres, qu’il touchera enfin quelques royalties sur
ce Sophisticated Beggar…•
Tony Grieco
 Rencontre
Pop Rock

22 Guitare sèche le mag

Paul
McCARTNEY
Hello Again !
Avec son nouvel et 18ème album solo, Egypt Station, Sir Paul McCartney a été classé
n°1 aux USA, et est en pleine tournée mondiale –The Freshen Up Tour- jusqu’à l’année
prochaine. Il a à son actif trois groupes, The Beatles, Wings et une entité hip-hop techno
intitulée The Fireman, cinq enfants, trois mariages, avec Linda (69-98), Heather Mills (02-
08) et Nancy Shevell depuis 2011. Il est à la tête de MPL, une société qui gère divers droits
d’éditions mais seulement deux titres des Beatles, « Love Me Do » et « Ps I Love You ». Il
est indiscutablement un guitariste acoustique délicat, et un compositeur prolifique.

Egypt Station a été n°1 dès sa sortie aux
USA et en Allemagne et dans le Top 5
pour le reste du monde. Cela vous
étonne ?
Ce n’était pas arrivé à un de mes disques
depuis Tug Of War (82. Ndr). J’ai appris à être
au milieu du hit-parade parmi tous ces autres
groupes, au lieu d’être un n°1 incontesté. Il
faut comprendre cela si vous voulez survivre
dans cette jungle, il y a des gens plus grands
que vous. Mais ça me donnait un point de réfé-
rence, un jour je serai à nouveau aussi grand
qu’eux. Ce n’est pas mal d’être jeté au bas de
son piédestal, ça vous dégrise et vous donne
la forme pour gravir à nouveau les échelons.
Alors, finalement non, ça ne m’étonne pas
d’être n°1, parce que j’ai préparé la sortie de
ce disque avec attention, en commençant par
de petits shows dans des endroits mythiques,
comme la Cavern à Liperpool, aux studios
d’Abbey Road, la Grand Central Station à New
York et le Jimmy Fallon Show …
Vous avez écrit et choisi les chansons en
fonction d’un thème particulier ?
Je n’ai pas autant de contrôle sur mon ins-
piration ! Je me mets au piano ou je prends
ma guitare et j’avance. Ensuite seulement, je
décide si je vais garder la chanson ou non.
Sur Egypt Station, il y a une bonne partie de
ce que je joue, les choses que j’aime jouer. La
ballade acoustique « Confidante » que je joue
sur ma Martin, la mélodie de « I Don’t Know »
mais aussi le rock’n’roll de « Who Cares », les
improvisations sur 11 minutes de « Despite
Repeated Warnings » et l’hymne « People
Want Peace » - c’est important de déclarer
cela actuellement. « Back In Brazil » vient de
mes voyages. J’aime aller dans certains pays
uniquement pour leurs vibrations musicales
spécifiques et le Brésil est un pays où la
musique domine tout. Surtout ce sont des
chansons que je peux reprendre sur scène, ce
que je fais déjà avec « Come On To Me » et « I
Don’t Know ».
Quel est le concept de Egypt Station ? en studio et sur scène ?
Ce n’est pas vraiment un album-concept, plutôt Mes Martin D-24 pour gaucher. Elles sont faites
une invitation au voyage. J’avais de bonnes sur mesure pour moi.
chansons mais je ne voulais pas non plus un de
ces disques pop avec une succession de hits à Qui sont vos musiciens sur scène ?
la suite sans rien pour les rattacher. Ceci dit, j’ai Ce sont toujours les mêmes nous nous
dessiné la couverture du disque moi-même, il y connaissons bien et ils peuvent jouer n’importe
a bien une histoire là-dedans, mais nous avons laquelle de mes chansons. Abe Laboriel Jr est
laissé de larges ouvertures pour l’imagination le batteur. Rusty Anderson et moi, c’est une
de chacun. Je ne voulais surtout pas suivre un longue histoire. On partage les guitares, mais il
script précis comme « Marek prend la pierre du en joue plus que moi. Paul « Wix » Wickens est
pouvoir à Szorlock qui lève alors une armée de aux claviers et est un peu le directeur musical.
zombies… » . J’ai travaillé avec le producteur Brian Ray (ex-guitariste de Johnny Hallyday.
Greg Kurstin. ndr) est un guitariste très vif et il peut aussi
jouer de la basse. Quand je joue en acoustique
Quelles guitares acoustiques avez vous ou au piano, il prend la basse.
« Il y a plusieurs niveaux d’écriture.
Parfois je rêve que j’entends la
chanson, mais sans les paroles,
comme « Yesterday ». Evidement
ce sont les plus rares. Le reste du
temps, il faut s’asseoir et chercher. »
23
Le Freshen Up Tour est une longue
tournée de plus d’un an. A 76 ans, avez
vous parfois pensé à prendre votre
retraite ?
Le secret est que j’aime ce que je fais. Chanter
et jouer de la basse, la guitare ou le piano est
toujours un plaisir instantané, je suis né pour
cela. C’est au centre de ma vie, l’autre centre
est ma famille. Mais je suis aussi conscient
que je ne serai pas toujours là, la vie est ainsi.
J’ai demandé à Willie Nelson (85 ans et
toujours en activité, ndr) à quel âge on devrait
se retirer et il m’a répondu : « Nous retirer de
quoi ? Nous ne sommes pas des fonctionnaires.
La retraite n’existe pas ». Il m’a aussi dit que
j’étais encore trop jeune pour y penser. C’est
bizarre, ce concept de retraite, dans les sixties,
l’opinion générale était qu’il fallait se retirer
vers 65 ans, comme dans « When I’m Sixty
Four ». Insensiblement le temps a avancé et
maintenant l’âge généralement admis dans les
grandes compagnies est 70 ans. Je ne me sens
pas prêt à poser ma guitare ou ma basse…
Quel instrument aviez-vous quand vous
avez commencé ?
J’ai commencé par la guitare. Avec les
Quarrymen j’avais une Zenith demi-caisse,
6 cordes avec un seul micro et un tout petit
ampli vert qui s’appelait El Pico. Je l’ai toujours.
Je l’avais acheté à Liverpool chez Curry, le
magasin d’électricité, au milieu des aspirateurs
et machines à laver. Il y avait deux entrées
marquées « Micro » et « Gramophone ». C’était
24 Guitare sèche le mag
« Le commun des mortels peut se
faire une fausse idée sur le fait
d’être une pop star. C’est supposé
apporter le bonheur éternel, mais
en réalité cela amène ses propres
problèmes que personne ne peut
comprendre.
conçu pour une autre époque, évidemment
c’est ma guitare que je branchais. A Hambourg,
je suis parti avec une guitare Rosetti Lucky
7 (Rosetti était une sous-marque britannique
d’ Egmont qui fabriquait les Lucky 7 pour le
reste de l’Europe). Elle était rouge, avec deux
échancrures et un micro en plastique blanc qui
faisait pièce avec la plaque de garde. Quelqu’un
a marché dessus un soir de beuverie et voilà
c’était cuit. Alors je me suis mis au piano. Ca a
bien marché comme cela pendant un moment.
Stuart Sutcliffe était notre bassiste. Contraire-
ment à ce que l’on dit, ce n’est pas moi qui l’ait
poussé dehors. J’ai posé la question à George
(Harrison) bien plus tard et il m’a répondu
« Non, John et moi nous sommes déchargés
sur toi de la pénible tâche d’annoncer à Stu
qu’il ne faisait plus partie du groupe ». Stuart
m’a prêté sa basse, une grosse Höfner
President, la plus chère de la gamme Höfner,
que je jouais en la tenant à l’envers. Quand Stu
est parti il a fallu que je lui rende sa basse. A
Hambourg, il y avait cette petite Höfner 500. Je
ne pouvais pas me payer une Fender, même à
l’époque elles coûtait dans les cent livres. Alors
pour une trentaine de livres j’ai acheté cette
basse. Pour moi qui étais gaucher, j’avais l’air
moins stupide parce qu’elle était symétrique,
moins laide que les guitares à pan coupé dans
le mauvais sens. Je suis donc parti là-dessus
sur le chemin de la gloire !
Quelles autres guitares avez vous jouées
au fil du temps ?
En 1963, Gibson nous a offert des J-50
électroacoustiques. John et George ont gardé
les leurs, mais j’ai vite perdu la mienne. Je l’ai
remplacée par une Epiphone , puis par des
Martin pour gaucher.
Qui sont les guitaristes acoustiques qui
vous ont influencé ?
Buddy Holly, même en électrique son jeu était
acoustique. Les Everly Brothers, ou plutôt Chet
Atkins qui jouait leurs intros acoustiques en
studio. J’ai mis plus de temps pour apprendre à
jouer en picking. Les Beach Boys au niveau des
arpèges, Brian Wilson est une autre influence,
il est unique pour les lignes de guitare qu’il
écrit, même si ce n’est pas lui qui les joue, je
l’admire pour cela. Actuellement, j’apprécie Ed
Sheeran que j’ai vu par hasard à la télé.
Comment écrivez-vous ?
Il y a plusieurs niveaux d’écriture. Parfois je
rêve que j’entends la chanson, mais sans les
paroles, comme « Yesterday ». Evidement ce
sont les plus rares. Le reste du temps, il faut
s’asseoir et chercher. Là aussi il y a plusieurs
niveaux : les chansons qui viennent tout de
suite et celles sur lesquelles il
faut revenir encore et encore,
Comme « Drive My Car »
qui a changé plusieurs
fois, même pendant
l’enregistrement. Là, tout
dépendait du jeu de John
& George, ou de la métrique
de Ringo.
Quelles sont vos relations
actuelles avec Ringo ?
Nous nous entendons très bien. Je joue de la
basse sur son album Give Me More Love (2017,
ndr). Récemment nous évoquions des souve-
nirs et c’est vraiment bizarre cet effet Rasho-
mon, d’après le film de Kurozawa. Chacun a
une vision différente du même événement.
Nous parlions de notre visite à la maison d’Elvis
Presley à Hollywood en 1965. Ringo était
persuadé que le King lui-même était venu nous
ouvrir, alors que je me souviens fort bien que
ce sont des membres de la Memphis Mafia qui
nous ont fait entrer. Ringo ne s’en souvient pas
du tout. Encore quelques années et quelques
neurones en moins et il nous sera impossible
d’être certains de quoique ce soit. Il faut dire
que nous étions tous les quatre dans un état
bien spécial…
mais pour moi c’était au premier degré. J’avais
dix ans en 1953 lors de son couronnement,
j’ai participé à un concours de rédaction sur le
sujet et j’ai gagné dans ma catégorie. J’étais un
amoureux platonique d’Elizabeth et même plus
tard les Beatles fantasmaient sur elle !
Pensiez vous en 1953 qu’il arriverait un
moment dans votre vie où vous auriez
tout vu ?
Tu veux dire, tout compris ? Plus besoin de pen-
ser à de nouveaux défis ? Je ne crois pas que
ce soit vrai, la vie n’est pas comme cela. Elle te
lance sans arrêt des balles que tu ne peux pas
attraper, tout bouge tout le temps. C’est ce qui
la rend intéressante. Et si tu as des enfants, tu
reçois constamment de nouvelles leçons, tu
dois improviser. Les éducateurs te disent une
chose mais ton enfant ne correspond proba-
blement pas à ce moule réducteur. A travers
l’histoire, je ne vois personne qui n’a pas un
peu d’insécurité en lui… Le commun des
mortels peut se faire une fausse idée
sur le fait d’être une pop star. C’est
supposé apporter le bonheur éter-
nel, mais en réalité cela amène
ses propres problèmes que
personne ne peut comprendre.
Cela dit, j’ai une très bonne
vie, bien que ma bonne vie ait
ses insécurités. Je n’ai jamais
atteint un point où je me
disais « Hey, je suis fabu-
leux, je peux laisser les
autres s’en faire à
ma place. ». En même temps, ma carrière n’a
jamais été un job, je suis constamment étonné
de pouvoir faire ce que je fais. J’adore cela.
Il me suffit de m’asseoir et il y a un trou noir
d’où je peux sortir des petites choses comme
des suites d’accords, des riffs, des planètes. Et
ensuite il y a quelque chose, là où il n’y avait
rien avant…
Vous avez travaillé sur le tout nouveau
coffret du White Album. Avez vous
découvert des moments que vous aviez
oubliés ?
Notre idée centrale du Double Blanc était de
changer complètement après Sgt Peppers,
de faire quelque chose qui ne soit pas multi-
tracké, mais avec un son de guitare heavy rock.
Giles Martin m’a fait remarquer que tout sonne
comme si l’auditeur était avec nous dans le
studio. Nous avons aussi réuni les maquettes,
juste les voix et les guitares. La pureté de ces
maquettes enregistrées en 2-pistes
chez George à Esher est éton-
nante. Nous étions un bon
groupe, avec un bon son…•
Jack Beauregard

Vous êtes décoré du MBE (Member of

the British Empire, depuis 1965), la
Reine Elizabeth II vous a ordonné
Chevalier en 2017 et cette année en mai,
vous êtes devenu Companion Of Honour.
Que vous a dit la reine, à cette occasion ?
Je ne suis pas supposé en parler. Mais je
dirais qu’historiquement Elizabeth I avait
Walter Raleigh et Elizabeth II a eu les Beatles.
Nous avons écrit la bande-son de cinq des six
décades de son règne. Quand j’ai chanté « Her
Majesty’s a Pretty Nice Girl » à la fin de Abbey
Road, beaucoup pensaient que c’était ironique,

25
 Rencontre
Blues

Tony Joe
White Retour au blues
26 Guitare sèche le mag
Après Hoodoo et Rain Crow, deux albums
de compositions personnelles extraor-
dinairement bien observées sur la vie dans
le Deep South, Tony Joe White met en
marche sa machine à remonter le temps
avec Bad Mouthin’. Le disque réunit des
blues parfois obscurs de Charley Patton,
Lightnin’ Hopkins, ou plus connus de Jimmy
Reed et John Lee Hooker, ainsi que les deux
premières chansons qu’il a maquettées
en 1964, dont celle qui donne son titre
à l’album. Le plus remarquable ici est la
manière caractéristique de Tony Joe White
d’interpréter ces morceaux. Il joue le blues
tel qu’il devrait l’être, en faisant appel aux
éléments de la nature. C’est du mojo voodoo
et la question de l’authenticité ne se pose
même pas. Enregistré dans le studio de sa
maison de Franklin, Tennessee, le choix d’une
guitare acoustique « spanish » transpose ce
jeu du côté de John Lee Hooker et Lightnin’
Hopkins, ses deux influences principales, bien
qu’il sorte lorsqu’il le faut sa Stratocaster 54,
son vieil ampli Fender Tweed et la fameuse
Swamp Box de « Polk Salad Annie », une
fuzz londonienne maintes fois démontée et
révisée avec de nouvelles fonctions rajoutées
à chaque fois sur une période de 50 ans.

Comment est né cet album ?

(Rire)… Wow ! Il y a longtemps. « Bad
Mouthin’ » est la première chanson que j’ai
écrite en 1964 quand je suis parti de Louisiane
pour le Texas. Je jouais dans un club de
Kingsville, The Inferno et tout le monde utilisait
ce terme que je n’avais jamais entendu -bad
mouthin’- pour désigner ceux qui médisaient
des autres. Je suppose qu’aujourd’hui cela
se fait sur Internet pour détruire la réputation
digitale de quelqu’un.
En tous cas, l’expression m’a marqué et j’ai
écrit la chanson. Je la jouais souvent dans
le club, le public la demandait toujours. Mon
premier hit local ! Je suis allé l’enregistrer
dans un studio pas cher -10$ le titre- près

de la frontière mexicaine, à McAllen. « Bad

Mouthin’ » et « Sundance Blues » sont les deux
premiers que j’ai enregistrés. L’année dernière,
j’ai réécouté ce disque que j’avais gardé, bien
avant mon premier album, Black & White
en 69. J’ai décidé de les refaire. Boucler la
boucle…

Sur l’original, vous aviez déjà cet

arrangement à la Jimmy Reed ?
Oui, j’écoutais ses disques depuis que j’avais
appris la guitare. Les rythmiques de Jimmy
Reed sont les premières que l’on apprend.
« Big Boss Man » est aussi sur l’album.

Quelles autres chansons avez vous

écrites sur cet album ?
« Stockholm Blues » est de la période où j’ai
écrit « Undercover Agent For The Blues ».
J’ai été prolifique en Suède ! « Cool Town

27

Woman » et « Rich Woman Blues » sont plus
récentes…
Comment avez-vous choisi les reprises ?
Retravailler mes premiers titres m’a inspiré à
reprendre mes héros. J’ai beaucoup écouté
mes vieux disques et mes cds, ou mes
cassettes et mes bandes de Muddy Waters,
Jimmy Reed. J’ai eu la chance de retrouver
un rare 78t de Lightnin’ Hopkins avec « Bad
Dreams » en face A et « Awful Dreams » en
face B. Il fallait que je les enregistre...
« Awful Dreams » sonne comme un
disque Excello des fifties, c’est voulu ?
C’est dû à mon batteur, Fleetwood, que
j’appelle ainsi parce que jouer avec lui est
aussi confortable que rouler en Cadillac. Je l’ai
appelé pour qu’il vienne soutenir la rythmique.
Il l’a fait très discrètement en jouant avec des
balais et juste sa grosse caisse pour marquer
les temps. Le résultat était exactement ce que
je recherchais. Il joue aussi sur « Boom Boom ».
Mon fils Jody et l’ingénieur du son Ryan
McFadden ont trouvé l’écho qu’il fallait. Nous
avons déplacé le studio de ma maison jusqu’à
la grange. Du bois partout, le son était parfait.
« Down The Dirt Road Blues » de Charley
Patton n’est pas un choix évident…
C’est ce titre qui a inspiré « Rollin’ & Tumblin’ » à
Willie Newbern puis Muddy Waters. Je l’ai trouvé
dans un coffret de rééditions de Charley Patton.
28 Guitare sèche le mag
J’aime le « drive » de ce blues et les évènements
que Patton évoque, comme un conteur.
Beaucoup de ses contemporains l’ont
traité de racketteur…
Il vendait du « moonshine » (alcool de
contrebande) dans ses shows, il a tenu
plusieurs tavernes et c’etait dangereux dans
le Mississippi. Son « Spoonful » traite de ce
thème en filigrane. Muddy Waters et Howlin’
Wolf m’ont dit qu’ils avaient beaucoup appris
de Charley Patton, pour le chant incantatoire.
« Baby Please Don’t Go » est parfois
attribué à Mary Johnson ou Joe McCoy
ou encore Big Joe Williams, mais vous
jouez le solo de Lightnin’ Hopkins ou
John Lee Hooker…
Je l’ai entendu d’abord par Lightnin’ Hopkins,
son solo fait partie des pièces que j’ai apprises
et mémorisées quand je jouais au Texas. John
Lee Hooker joue aussi parfois ce même solo ou
non, suivant ses différentes versions.
Il semble que vous ayez accordé votre
guitare en dropped-D, (avec la corde
grave en Ré) ?
Pas seulement en dropped-D, mais aussi
totalement en open tuning de Ré parce que
cela convient à des titres comme « Baby
Please Don’t Go ». J’ai découvert que le son de
Lightnin’ Hopkins et John Lee Hooker sortait
plus facilement sur ma vieille acoustique,
avec un micro placé assez près devant pour
le capter. La guitare est une petite « spanish »
low-budget que j’avais offerte à ma fille
Michelle quand elle avait 4 ans. J’avais déjà
écrit une grande partie de mes chansons sur
cette guitare avant de la lui donner. C’était
mon vieil instrument de travail, que je gardais
pour jouer à la maison et écrire. Je l’ai reprise
à Michelle en échange d’une Stratocaster et
d’une superbe ESP. Pour les autres titres, j’ai
joué sur ma Strat 54 avec un vieil ampli Fender
Tweed et ma Swamp Box.
J’ai aussi une Gibson à caisse que m’a offerte
Mark Knopfler mais je ne l’ai pas utilisée sur
cet album.
Est ce que vous avez joué avec les
bluesmen dont vous reprenez les titres ?
J’ai joué avec Lightnin’ Hopkins sur un album
à L.A. , pendant ma période de musicien de
studio. J’ai joué de l ‘harmonica avec lui.
Jimmy Reed, j’ai été invité à jammer sur scène
avec lui à Corpus Christi, on a joué « Baby What
You Want Me To Do » à deux guitares. Pour
moi, c’est inoubliable, je n’avais pas encore
écrit « Polk Salad Annie » à ce moment et je
n’étais pas très connu. On a fini avec « Big
Boss man » et il m’a demandé de prendre mon
harmonica. John Lee Hooker m’a invité aussi
et il aimait ma voix. Nous sommes restés en
contact, il me téléphonait assez souvent.
Il semble y avoir une longue histoire
derrière votre version de « Heartbreak
Hotel » d’Elvis Presley ?
Quand j’ai enregistré « Polk Salad Annie »,
Felton Jarvis, le producteur d’Elvis lui a fait
écouter le disque et Elvis a aimé le titre. Il l’a
enregistré et ensuite, il m’a invité à Las Vegas.
On jammait ensemble dans sa loge et il
m ‘a montré « Heartbreak Hotel » et demandé
de lui apprendre des riffs de blues à la guitare
acoustique. Le lendemain, il se souvenait d’un riff
sur quatre ou cinq. Ce que j’ai le plus apprécié est
qu’il demandait à son guitariste James Burton
de jouer avec un son semblable au mien, en
utilisant une wah-fuzz. Elvis a repris plusieurs de
mes chansons : « Polk Salad Annie », « I’ve Got A
Thing About You Baby », «For Ol’ Times Sake »
et « Rainy Night In Georgia ». Sur ce disque, j’ai
voulu reprendre « Heartbreak Hotel » comme
aurait pu le faire Arthur Crudup. Elvis était du
Mississippi et il était entre autres choses un
bluesman naturel.
Vous avez des titres qui ne sont pas sur
Bad Mouthin’ ?
De quoi sortir un autre album.
Vous allez tourner en Europe ?
Je vais jouer en octobre à Paris, au New
Morning, avant d’aller en Australie. Je dis
bonjour à tous les lecteurs de Guitare Sèche. •
Jack Beauregard
ORIGINE DES TITRES DE
BAD MOUTHIN’
- Bad Mouthin’ (Tony Joe White)
- Baby Please Don’t Go (Joe McCoy/Big Joe
Williams, mais Tony Joe White s’inspire des
versions de Lightnin’ Hopkins/John Lee
Hooker)
- Cool Town Woman (Tony Joe White)
- Boom Boom (John Lee Hooker)
- Big Boss Man (Jimmy Reed)
- Sundown Blues (Tony Joe White)
- Rich Woman Blues (Tony Joe White)
- Bad Dreams (Lightnin’ Hopkins)
- Awful Dreams (Lightnin’ Hopkins)
- Down The Dirt Road Blues (Charley Patton)
- Stockholm Blues (Tony Joe White)
- Heartbreak Hotel (Mae Axton /Tommy
Durden/Elvis Presley)
Ex.4 Ex.3 Ex.2 Ex.1

Swamp
Pédago
 Tony Joe White
D’ici à l’éternite en une seconde…

L
’interview qui précède, est d’après son attaché de presse, la dernière qu’ait donnée Tony Joe White. Elle était déjà montée lorsque nous avons
appris par sa famille que le songwriter de « Polk Salad Annie » et « Rainy Night In Georgia » venait de décéder soudainement dans l’après-midi
du mercredi 24 octobre dans sa maison de Leiper’s Fork, Tennessee. « Il n’était pas du tout malade », dit son fils Jody White. « C’était une crise
cardiaque subite et il est mort sur le coup… Il n’a pas souffert, pas de douleur, rien. » Tony Joe White était âgé de 75 ans. Ses héritiers sont son
épouse Leann, qui a vécu avec lui près de 50 ans. Sa fille Michelle, ses fils Jim Bob et Jody et plusieurs petits-enfants constituent sa proche famille.
Guitare Sèche tient à les assurer que nous partageons leur perte immense, particulièrement son épouse Leann qui fut sa muse. Quelques jours après son
entretien avec Guitare Sèche, Tony Joe White joua au Ryman auditorium de Nashville, lieu qui abritait traditionnellement le Grand Ole Opry. Le musicien et
producteur Buddy Miller avait engagé Tony Joe pour la première édition du festival Americana at The Ryman. Miller suite à cette triste nouvelle a dit « Pour
moi, il était la définition même du mot « soul », qui englobe aussi bien le country, le blues et le rock. Ses chansons, sa voix, son jeu de guitare formaient un
tout. Tony Joe était une parfaite tornade de soul … et nous avons besoin de cela actuellement ».

LOUISIANA BLUESMAN
Tony Joe White est né en juillet 1943, près de Oak
Grove, en Louisiane. Benjamin d’une fratrie de
sept enfants il a grandi sur une ferme-plantation
de coton. Ses parents et ses frères étaient tous
musiciens, mais contrairement à ses proches il ne
jouait d’aucun instrument. L’envie de se mettre à
la pratique de la guitare commença le jour où il
entendit Lightnin’ Hopkins pour la première fois
(celui-ci restera sa plus grande idole durant toute
sa vie). Il partit alors pour le Texas et joua dans les
saloons et les bars, composant ses premiers blues
personnels.
NASHVILLE
En 1966, il partit pour Nashville où il rencontra
Bob Beckham de Combine Music qui devint
son éditeur, manager et conseiller. « Bob était
probablement la seule personne à Nashville qui
pouvait m’écouter, parce que le blues était trop
éloigné de ce qui se faisait à Music City durant
cette époque ». Le contrat fut donc signé mais
ce n’est qu’après avoir entendu « Ode To Billie
Joe » de Bobbie Gentry que Tony Joe développa
ses talents d’auteur-compositeur au-delà du blues,
avec des classiques comme « Willie and Laura
Mae Jones » écrit pour Dusty Springfield ou
« Rainy Night In Georgia » repris par Brook Benton
et une centaine d’autres artistes. Tout cela avant le
30eme anniversaire de Tony Joe White…
FRANCE
Le premier album de Tony Joe, Black and White,
fut enregistré à Nashville fin 1968 et sortit sur
Monument. L’une des chansons, « Soul Francisco »
fut un hit en France, avant le reste du monde et
marqua le début d’une longue histoire entre le
public français et Tony Joe White. Un autre titre du
disque, « Polk Salad Annie » entra en 1969 dans
le Top 10 US et fut n°8. Elvis Presley l’enregistra et
l’interpréta souvent sur scène. Au même moment
Brook Benton faisait de même avec « Rainy Night
In Georgia ». « C’était étonnant, cela a changé ma
vie » dit Tony Joe
ISLE OF WIGHT/ SEVENTIES
L’année suivante, Tony Joe White joue au festival
de l’île de Wight, uniquement accompagné à la
batterie par Cozy Powell du Jeff Beck Group ; Cette
prestation, ainsi que des enregistrements, faits en
France aux studios Barclay à Paris, est disponible
sur The Complete Monument Recordings, qui
compile ses trois albums et des singles. Il quitte
ensuite Monument et rejoint Warner pour trois
autres albums importants : Tony Joe White, The
Train I’m On et Home Made Ice Cream. Il apparaît
aussi dans le film musical Catch My Soul, une
adaptation rock d’Othello de Shakespeare dans
laquelle Jerry Lee Lewis tient le rôle de Lago. Tony
Joe White tourne ensuite avec Steppenwolf et Sly
& The Family Stone.

TINA TURNER
Vers la fin des années 80, Tina Turner enregistre
quatre de ses titres pour l’album Foreign Affair,
dont le méga-hit « Steamy Windows ». Tony Joe
White produit une chanson et joue sur l’album.
Ses chansons sont reprises par Ray Charles,
Waylon Jennings, Elvis Presley et bien d’autres, ce
qui lui permet de longs hiatus pendant lesquels il
s’occupe de sa famille. Mais il revient toujours au
blues avec des albums comme Lake Placid Blues,
Snakey, Night Of The Moccasin, Hoodoo ou Rain
Crow. « Mes compositions sont ce qui me fait
vivre, mais j’aime encore plus jouer sur scène ».
Son ultime album, Bad Mouthin’, est un retour à
ses débuts et à ses premières compositions blues.
Son fils Jody dit qu’il a en réserve de nombreuses
bandes avec des titres inédits datant de toute les
époques de la carrière de Tony Joe White, qui est
mort comme il a vécu : d’ici à l’Eternité en une
seconde…•
Jack Beauregard

30 Guitare sèche le mag

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Rencontre

Vandenberg
Folk Rock

Vandenberg’s Moonkings

32
 « Je n’ai pas la
virtuosité d’un Stochelo
Rosenberg pour jouer
du jazz sur une gui-
tare type Selmer, mais
je peux le faire à ma
façon »

Le solo de « Walk Away » possède

Le virtuose batave Adrian Vandenberg a connu son heure de gloire dans les années 80 avec son un côté manouche que l’on ne te
propre groupe Vandenberg, mais surtout en devenant le bras droit d’un certain David Coverdale connaissait pas. Comment t’est venue
au sein de l’institution hard rock Whitesnake. Depuis la moitié des années 90, Adrian poursuit cette idée ?
une carrière de peintre à succès, et continue son chemin musical parce qu’il a le rock’n’roll dans Je voulais jouer un solo sur cette chanson,
le sang. Depuis quelques années, il s’éclate avec Vandenberg’s Moonkings, un nouveau quatuor mais je ne savais pas trop comment m’y
qu’il a fondé avec de jeunes loups de la scène d’Amsterdam, et qui a déjà deux albums et prendre. Avec ma Les Paul, je sais comment
quelques centaines de dates de concert au compteur. Avant d’envisager la suite des hostilités, rendre un solo émotionnel en tirant les cordes
le géant blond s’octroie une pause acoustique avec Rugged and Unplugged, un album 100% bio et en faisant vibrer les notes, mais évidemment,
et acoustique qu’il a enregistré en duo avec le chanteur du groupe Jan Hoving. Guitare Sèche je me sens plus limité à l’acoustique. J’ai trouvé
Le Mag est parti à sa rencontre. la solution en écoutant Django Reinhardt, qui
reste pour moi le meilleur guitariste à avoir
vécu sur cette planète. Je n’ai pas la virtuosité
A quel moment vous est venue l’idée de bonnes chansons avec des mélodies et de d’un Stochelo Rosenberg sur une guitare type
cette parenthèse unplugged ? la profondeur. De plus, Jan est un chanteur Selmer pour jouer ce genre de musique, mais
C’est venu au fil de l’eau. J’ai toujours absolument fantastique. Les chansons sont un je peux le faire à ma façon, et je suis assez
enregistré des morceaux acoustiques avec peu comme les femmes. Si la fille avec laquelle content du résultat. Le feeling gypsy de ce solo
mes groupes précédents parce que j’adore tu viens de passer la nuit te semble toujours apporte à la chanson un peu de mélancolie et
cet exercice. Durant la dernière tournée, j’ai aussi jolie le matin au réveil alors qu’elle n’est j’aime ça.
proposé aux autres d’ajouter deux chansons pas maquillée, c’est qu’elle est réellement très
acoustiques à notre set, histoire de changer un belle (rires). As-tu utilisé des open tunings ?
peu la dynamique de nos shows. Nous nous Non, j’ai tout joué en accordage standard, mais
sommes rendu compte que le public adorait ça, Es-tu aussi à l’aise sur une guitare pour « Burning Heart » et « Walk Away », j’ai
et que nous prenions vraiment notre pied dans acoustique qu’avec une Les Paul ? préféré abaisser l’accordage d’un ton, parce
cette configuration. Nous avons pensé que ce Les cordes sont plus dures, la prise en main que ça collait mieux avec la tessiture vocale
serait une très bonne idée de sortir un disque est différente… Forcément, je n’ai pas la même de Jan.
unplugged pour faire patienter nos fans jusqu’à aisance, techniquement parlant. Les power
la sortie du troisième album de Moonkings. chords ne fonctionnent pas vraiment, et il faut Quelles sont les guitares que tu as
envisager les arrangements différemment, utilisées en studio ?
Rugged and Unplugged nous a beaucoup surtout en duo. Personnellement, j’essaie de J’ai tout enregistré avec ma vieille Martin
rappelé le Starkers in Tokyo de trouver des voicings d’accords utilisant des D-28, en mélangeant le micro Fishman que
Whitesnake… cordes à vide, et je travaille davantage sur la j’ai installé à l’intérieur et un micro externe
Oui, c’est dans la même veine. C’est une autre dynamique. Sur « Burning Heart », par exemple, que j’apprécie particulièrement : le Titan de
raison qui m’a poussé à faire ce disque. Je je joue en arpège jusqu’au dernier refrain, et chez SE Electronics. Ce micro statique à large
reçois très souvent des messages de fans de là, je commence à attaquer les accords en membrane restitue parfaitement le spectre
Whitesnake qui avaient adoré Starkers in Tokyo strumming. Cela apporte du contraste. sonore de ma guitare. En concert, j’utilise une
(David Coverdale et Adrian avaient tourné en Taylor de même gabarit, la T5Z. Elle embarque
duo acoustique au Japon durant l’été 1997). Certaines chansons étaient déjà un micro et une électronique très efficaces, ce
Ils me suggèrent depuis longtemps de retenter acoustiques à la base, comme « Sailing qui me permet de naviguer entre un son jazz et
cette expérience avec Moonkings, et nous Ships » de Whitesnake… un son folk plus traditionnel.
l’avons fait. Oui, l’histoire de cette chanson est amusante.
J’avais composé la section principale pour ma Quel est le futur immédiat des
Comment envisages-tu le passage de maman à la fin des années 80, et je lui avais joué Moonkings ?
l’électricité à l’acoustique ? pour son anniversaire. Elle se plaignait tout le En périphérie des concerts acoustiques
C’est toujours un challenge de revenir à temps que mes albums soient trop hard. David a que nous donnons en ce moment, j’écris de
l’essence d’une chanson, surtout quand elle entendu ce bout de chanson, et il a été interpellé nouvelles chansons. Nous allons enregistrer le
a été conçue pour être jouée à fort volume par l’atmosphère. C’est devenu « Sailing Ships » prochain album cet été, je ne sais pas encore
dans un contexte rock avec de la saturation. sur l’album Slip of the Tongue, et nous l’avions où. Peut-être à Paris, qui sait ? J’adore venir en
Heureusement pour nous, ce sont de également jouée sur Starkers in Tokyo. France !• Ludovic Egraz

33
 Anniversaire
Pop Rock

The
Beatles WHITE ALBUM
It was fifty years ago today …
Le coffret du White Album, paru il y a 50 ans a été remixé par Giles Martin avec une
production qui met en lumière les guitares acoustiques de compositions monumentales
comme « Julia », « I’m So Tired », « I Will », ou le blues direct de « Yer Blues ».

R
elativement critiqué à sa sortie,
le White album cache en ses
sillons des distinctions qui lui ont
été longtemps refusées. C’est un
album de guitares, acoustiques
mais aussi électriques, avec un son redoutable
que Giles Martin a su aller chercher dans les
backing-tracks de titres comme « Everybody’s
Got Something To Hide Except For Me And My
Monkey », « Revolution 1 », « Helter Skelter »,
ou « Back In The USSR ». C’est aussi, après Sgt
Peppers et Magical Mystery Tour, le moment où
John Lennon reprend la direction du groupe et
ne se contente plus de faire de la figuration à
l’interieur d’un concept.
C’est surtout un disque créé en trois phases, en
Inde et à Esher avant les studios d’Abbey Road.
L’apparition des maquettes enregistrées chez
George Harrison à Esher sont remarquables
par la pureté de leur son (2-pistes stéréo) avec
des surprises comme la première version de
« Jealous Guy », à l‘époque le titre est « Child
Of Nature », « Junk » de Paul McCartney qu’il
utilisera sur son premier album solo en 70,
« Sour Milk Sea » de George qu’enregistrera
un peu plus tard Jackie Lomax, « Circles »
de George, verra le jour en 82 sur son album
Gone Troppo, « Polythene Pam » et « Mean Mr
Mustard » seront utilisés pour Abbey Road.
L’auditeur est en présence de chaque musicien
et l’on peut penser à ce qu’aurait pu donner un
show « unplugged » si le concept avait existé
à l’époque. Ce coffret en tient lieu, en version
audio. En voici la genèse…
FEVRIER/AVRIL 1968
RISHIKESH, INDE
Premières idées de chanson : The Happy
Rishikesh Song/ I’m So Tired/ Yer Blues/ Child
Of Nature/ Julia/ Maharishi (Sexy Sadie)/
The Continuing Story Of Bungalow Bill/
Glass Onion/ Cry Baby Cry/Dear Prudence/
Revolution/ Everybody’s Got Something To
Hide Except For Me And My Monkey/ What’s
The New Mary Jane/ Look At Me/ Back In The
USSR/ I Will/ Rocky Raccoon/ Honey Pie/Ob-
La-Di-Ob-La-Da/ Junk/ Mother Nature’s Son/
While My Guitar Gently Weeps/ Long, Long,
Long/

34 Guitare sèche le mag

 avec le prénom de Desmond, en référence
à Desmond Dekker. « Back In The USSR » est
né de la rencontre avec Mike Love. « Honey
Pie » est un mini-film hollywoodien et « Rocky
Raccoon » est inspiré par les légendes du Wild
West, comme « The Shooting Of Dan McGrew »,
un dessin animé de Tex Avery.

George Harrison utilisait depuis des années

sa musique comme un véhicule pour sa
foi spirituelle et Paul était un songwriter
suffisamment retors pour aborder cette
expérience sans rien révéler de son moi intérieur.
John Lennon ne se satisfaisait pas de
subterfuges et ses chansons sont plus directes,
avec des conséquences paradoxales : alors qu’il
atteint plus de clarté spirituelle, sa conscience
lui dicte des compositions suicidaires ou
tragiques comme « Yer Blues », «I’m So Tired »,
« Revolution », «Everybody’s Got Something
To Hide But For Me And My Monkey », ou la
rupture avec le Maharishi dans ce qui deviendra
« Sexy Sadie » .
John et George restèrent à l’ashram du « On a fait l’erreur de confondre la méditation le yogi, il les expose dans une chanson de
Maharishi pendant deux mois, méditant chaque Transcendentale avec le Maharishi et on l’a l’album Two Virgins, simplement intitulée « The
jour. Paul ne resta qu’un mois et Ringo rentra reporté sur lui. On est totalement favorables à la Maharishi Song» avec un accompagnement à la
au bout de deux semaines, il ne supportait méditation, mais on ne va pas guitare slide…
pas la nourriture et sa femme Maureen avait devenir dingues et construire « J’ai écrit plusieurs chansons sur le Maharishi,
la phobie des insectes. Mais malgré un temple doré dans je voulais mourir, pleurer, me venger mais je
des désaccords importants l’Himalaya. » me sentais créatif, le simple fait de mettre ça
avec le guru, il avait Pour les sentiments sur bande était une catharsie. J’avais espéré un
promis les Beatles de Lennon envers élèvement spirituel, mais j’avais été roulé »
à une chaîne tv pour
un documentaire sur
sa vie, la méditation
transcendantale eut
un effet bénéfique sur
chacun et à la fin du
séjour le groupe était
reposé, avec une trentaine
de nouvelles chansons,
souvent inspirées par
d’autres participants comme
Mike Love des Beach Boys ou
Donovan.
John écrivit « The Continuing
Story Of Bungalow Bill » en
ironisant à propos d’un de ces
participants qui interrompit ses
cours pour aller à la chasse au
tigre. La chanson est également
un retour à « On Safairy With
Whide Hunter », l’un des poèmes
qu’il écrivit avec Paul en 1962 pour
le fanzine Mersey Beat, et sorti plus
tard dans son premier recueil, In His
Own Write. Le sujet était une private joke
chère aux Beatles puisque le titre de travail
de l’album Revolver était On Safari With The
Beatles.

Paul écrivit « I Will » mais n’avait pas encore

de paroles. C’est en jouant pendant qu’il
descendait le sentier allant de l’ashram au
village, qu’il eut l’idée d’ «Ob-La-Di-Ob-La-Da »

35

MAI 1968
MAISON DE GEORGE HARRISON À ESHER
Maquettes de pré-production
Back In The USSR/ Dear Prudence/ Glass
Onion/ Ob-La-Di-Ob-La-Da/
The Continuing Story Of Bungalow Bill/ While
My Guitar Gently Weeps/
Happiness Is A warm Gun/ I’m So Tired/
BlackBird/ Piggies/ Rocky Raccoon/ Julia/
Yer Blues/ Mother Nature’s Son/ Everybody’s
got Something To Hide Except For Me And My
Monkey/ Sexy Sadie/ Revolution/ Honey Pie/
Cry Baby Cry/ Sour Milk Sea/ Junk/ Child Of
Nature/ Circles/ Mean MrMustard/ Polythene
Pam/ Not Guilty/ What’s The New Mary Jane
En revenant des Indes, les Beatles sont
immédiatement pris dans un tourbillon
d’activités diverses : la mise en place d’Apple,
John chasse Cynthia et la remplace par Yoko,
avec qui il enregistre Two Virgins. George
décide de produire l’album de Jackie Lomax
Is This What You Want et Paul produit la
chanteuse pop folk Mary Hopkins. Après
avoir trouvé le temps de mettre en ordre et
approximativement terminer leurs nouveaux
morceaux, les Beatles se réunissent fin mai
chez George à Esher et mettent au propre 27
titres enregistrés en 2-pistes stéréo. Ce sont ces
morceaux que Giles Martin a remixés avec une
clarté de son exceptionnelle. C’est la première
fois que le groupe effectue en commun un tel
36 Guitare sèche le mag
travail préparatoire. Avant cela, chacun jouait et A tout cela s’ajoute le fait que les Beatles sont
maquettait de son côté. en fin de contrat avec EMI et ont un quota de
Plusieurs chansons prévues au départ seront chansons à fournir avant la renégociation de leur
mises de côté. « Child Of Nature » de John est contrat. D’où la présence de courtes chansons,
écarté au profit de « Mother Nature’s Son » des esquisses qui relient les titres, comme
de Paul. « Mean Mr Mustard » et « Polythene « Wild Honey Pie » de Paul ou l’énigmatique
Pam » réapparaîtront sur la face B d’Abbey « Why Don’t We Do It In The Road » qui vaut
Road. « What’s The New Mary Jane », une
ironie douce-amère de John sur les jeunes
filles qui conçoivent le LSD comme une drogue
récréative est éliminée de l’album par le veto de
Paul. George gardera « Sour Milk Sea » pour son
protégé Jackie Lomax et « Not Guilty » pourtant
complété sortira bien plus tard sur un album
solo de George. Paul met « Junk » de côté pour
son premier album solo.
Le plus important est qu’ils jouent et travaillent
ensemble. Ils vont décider de l’orientation de
l’album.
«Nous voulions que ce soit un album de groupe
avec un vrai son de guitare. Contrairement à
ce que pense le public, nous étions toujours
présents pour participer aux prises de chacun».
Paul joue au piano l’intro de « While My Guitar
Gently Weeps » de George. Même s’il est vrai
que trois studios fonctionnaient en même
temps, le concept était de jouer ensemble.
Une autre décision importante est prise à Esher,
ce sera un double album.
John. « Presque tout a été écrit en Inde, une
trentaine de chansons. Paul doit en avoir écrit
une douzaine, George dit qu’il en a fait six et
moi j’en ai écrit quinze. Même Ringo a écrit sa
première chanson, « Don’t Pass me By ».
d’être expliquée… « C’est un blues sauvage
et une question sur ce qu’est la civilisation.
Les singes font tout au grand air, défécation,
fornication, en pleine vue des autres membres
de la tribu, et ma question est pourquoi ne
faisons-nous pas de même ? Il y avait à l’époque
de fortes tendances aux USA, à Detroit en
particulier, pour exiger « fuckin in the street ». Il
fallait poser cette question… »
Quoiqu’il en soit le White Album sera double.
George Martin pensait que tout aurait été
bien mieux avec un album simple. Ringo, qui
connaissait la clause du contrat EMI, a toujours
soutenu qu’il aurait dû y avoir deux volumes :
The White Album et The Whiter Album…
30 MAI/OCTOBRE 1968
ABBEY ROAD STUDIOS
Séances d’enregistrement.
En dépit du travail de pré-production à Esher, le
White Album allait demander cinq mois avant
d’être complété. Ces séances allaient montrer de
nombreux changements rapides et successifs.
Geoff Emerick, l’ingenieur du son et assistant
de George Martin les trouva transformés dès le
premier jour : « Adieu l’insouciance, ils étaient
plein de colère et il y avait un grave contentieux
entre eux, même s’il étaient encore capables
d’en discuter. Dans le disque suivant (Let It Be),
ce point fut dépassé et il était impossible d’avoir
John et Paul ensemble dans la même pièce.
Ils enterrèrent la hache de Guerre pour Abbey
Road, mais la fin du groupe s’annonça dès le
White Album. »
Comme d’habitude les séances commencent
avec une chanson de John qui décida de laisser
de côté l’arrangement léger de « Revolution » en
faveur de « Revolution 1 », une version lente
avec sa guitare saturée et des « shoo-be-doo-
wah » pour les chœurs de Paul et George. John
exige que son ampli soit à fond, avec l’ajout
de deux préamplis, pour un son entre Hendrix
et Clapton. La version définitive fait plus de 10
minutes à la fin desquelles John explose sur « all
right, all right ». Les quatre premières minutes
sont gardées pour que John puisse ajouter sa
voix, allongé sur le plancher du studio, hésitant
entre « In » et « Out » pour son pamphlet anti-
maoïste. Le remixage de Giles Martin met
bien en valeur la batterie, la basse et le son
monumental des guitares.
Le second jour, John arrive accompagné de Yoko
et tout va mal. Après la réécoute de « Revolution
1 » elle déclare à George Martin que « c’est trop
lent ». La température monte dans le studio.
Pour ne rien arranger, John décide que Ringo va
chanter sa chanson « Don’t Pass Me By », alors
que normalement c’est le tour de Paul. Pourtant,
cette chanson réunit les quatre Beatles. Après
cela, John récupère les 6 minutes inutilisées
de la fin de « Revolution 1 » et les utilise
comme le début d’un collage sonore style
John Cage (un autre « bienfaiteur » de Yoko)
intitulé « Revolution N°9 ». C’est un portrait
sonore d’une société en plein chaos, avec un
ingénieur d’EMI qui teste les fréquences d’une
voix lugubre et des interventions de John, Yoko
et George. Des extraits de bulletins d’actualité
sont parsemés de phrases énigmatiques (« des
gens poignardés, semble-t-il », «ils sont toujours
debout… »). John attendit prudemment une
absence de Paul pour mixer définitivement
les bandes. Les extraits sont évidemment
les phrase-clés qui vont frapper Charles
Manson en Californie, l’amenant à une théorie
apocalyptique suivant laquelle « Helter Skelter »
serait le jour du Jugement, quand les « Piggies »
seraient éxécutés par des révolutionnaires Afro-
Américains. Ignorant que « Helter Skelter » est
un toboggan pour enfants et que « Honey Pie »
ne s’adresse pas du tout à lui, Manson fut arrêté
au moment où il cherchait vainement l’entrée
d’une caverne-refuge dans le désert de Mojave.
Paul, écœuré par cette folie ne toucha plus à
« Helter Skelter » pendant trois décades. C’est
pourtant l’un des premiers exemples de hard-
rock britannique avec Black Sabbath.
Pour l’enregistrement, les Beatles invitèrent
Arthur Brown et beaucoup de gens ignorent
que John joue du sax dans la section de cuivres,
probablement le seul exemple avéré de sa
pratique des cuivres
Le remix de Giles Martin met en évidence
d’autres curiosités où John joue les sidemen
pour Paul. Il ajoute un très cool solo de jazz
sur « Honey Pie » C’est également John qui
tient la basse sur « Rocky Raccoon ». On peut
l’entendre à l’orgue sur « While My Guitar Gently
Weeps », en dual-lead guitare avec Eric Clapton
sur le même titre et les loops électroniques sur
« Piggies » avec George. La richesse musicale
du White album montre la versatilité de John :
« Good Night » est une chanson digne de
Rodgers & Hart , le duo de compositeurs que
John & Paul rêvaient d’atteindre. « Glass Onion »
est une réincarnation du Walrus, dans une veine
à la Lewis Carroll. « I’m So Tired » et « Bungalow
37
 Bill » furent enregistrés en une seule session.
Pour « Happiness » is a Warm Gun », John
réunit quatre chansons différentes, « She’s
Not A Girl Who Misses Much », « I Need A
Fix », « Mother Superior Jumps The Gun »
et « Happiness Is A Warm Gun » avec cette
familière suite d’accords Do-La mineur-Fa-Sol,
soutenue par des chœurs « Bang Bang Shoot
Shoot ». « Cry Baby Cry » est une autre escapade
acoustique à la Lewis Carroll (« The Queen Of
Marigold », « The Duchess Of Kircaldy »). En
1980, il prétendit que l’auteur était Paul, mais
les empreintes étaient clairement les siennes.
La dernière chanson enregistrée pour le White
Album fut « Julia ». C’est une performance
entièrement solo et l’une des premières
écrites pour cet album. Le public commençait
seulement à savoir qui était sa mère (Aunt Mimi
avait rempli ce rôle médiatique jusque-là) et John
tenait à tout jouer et chanter lui-même, la seule
fois où il le fit avec les Beatles. John adopta pour Les choses changèrent à nouveau par la suite. Monkey » une autre chanson très agressive de
cela un jeu en picking style Donovan « Donovan Paul s’attaqua à « Ob-La-Di-Ob-La-Da ». Pendant John. Les Beatles jouaient incroyablement fort,
l’avait piqué à Gypsy Dave » dit-il avec humour. des semaines, il refit prise sur prise sans être à tel point que la basse de Paul était oblitérée.
La prise définitive est une monumentale pièce jamais satisfait et idylle jamaïcaine ou non, les Il la mit de côté et se contenta d’agiter une
de folk-music… autres Beatles ne voulaient plus en entendre énorme cloche à incendie derrière Ringo. Cet
parler. aspect a été mis en exergue par le mixage de
De son côté, Paul enregistra seul « Blackbird », Les deux points de contention entre Paul et Giles Martin qui a fait de ce titre un morceau
avec sa nouvelle compagne, Linda, assise à John étaient « Revolution 9 » et « Ob-La-Di-Ob- destiné aux pistes de dance. Il y a une énergie
ses pieds. Après une prise Geoff Emerick lui dit La-Da » Il y avait eu une formidable prise de bec. particulière qui est à l’œuvre ici. Paul enregistra
qu’il pouvait enregistrer en plein air, derrière Paul avait découvert l’avant-garde musicale bien la partie de basse plus tard.
les studios. Près de la grille, il y avait un espace avant John mais il considérait que ce n’était Après que George eut enregistré ses titres avec
suffisant pour installer sa Martin gaucher, un pas une musique adéquate pour le groupe. cuivres sur « Savoy Truffle », effect loops dans
tabouret et un micro avec un long câble. Les De son côté John ne voulait absolument plus « Piggies », « Long,Long,Long », John décida de
chants d’oiseaux furent ajoutés ensuite mais des fanfares psychédéliques de Sgt Peppers réenregistrer « Revolution », une version rapide
quelques-uns sont d’origine. « I Will » était et Magical Mystery Tour et encore moins la avec Nicky Hopkins au piano. Paul était parti à
supposé montrer les Beatles en acoustique, sans « musique pour grand-mère » de Paul. Trident Studio et les Beatles en étaient revenus
fioritures, juste les guitares. En comparaison les Pour se reprendre et jouer ensemble, ils avec « Hey Jude », John savait qu’il lui fallait
cuivres de « Martha My Dear » dédicacé à sa s’attaquèrent au morceau de John « Everybody’s quelque chose de solide pour concurrencer
chienne pâlissent un peu. Got Something To Hide Except For Me And My Paul en Face A du prochain single. Finalement
« Jude » fut la face A et « Revolution » fut en
face B.

THE LONG GOODBYE

Après « Julia » le White album était terminé,
mais les Beatles se parlaient encore, ce qui
devint impossible avec Let It Be. La séparation
du plus grand groupe du monde était devenue
inévitable, avec tous les avocats et managers
de chaque partie. Il nous reste ce double album
blanc numéroté (le mien est le 0027426) et
des lignes de guitares acoustiques que l’on ne
retrouve plus sur les albums solo de John, Paul,
George et Ringo, bien que Beaucoup Of Blues
de Ringo Starr, enregistré à Nashville, soit à
découvrir en ce qui concerne les guitares…•

38 Guitare sèche le mag

 White Album

Pédago
Plan 1

Plan 2

Plan 3

Plan 4

39
 Rencontre
Folk Rock

Jean-Jacques
Milteau
Jean-Jacques Milteau est l’un des maîtres français de l’harmonica blues. Son truc à lui, c’est
de partager sa passion avec ceux qu’il rencontre au cours de ses croisades, toujours en
Blues sans
frontières…
se mettre à l’arrière-plan, délivrant au passage
quelques magnifiques enjolivures, le son
quête de feelings nouveaux. Après un épisode particulièrement fructueux avec Eric Bibb, il délivré par son souffle sur ce petit instrument
revient avec une nouvelle aventure musicale, entouré de deux camarades de jeu, et non des est toujours captivant. En plus de ce talent
moindres. Le chanteur Harrison Kennedy et le violoncelliste Vincent Segal se joignent à Jean- d’instrumentiste, sa seconde qualité est donc de
Jacques Milteau pour nous offrir un monument de fraîcheur acoustique sous la forme d’un savoir s’entourer… Si vous aviez raté les épisodes
nouvel album sobrement baptisé Crossborder Blues… précédents (mais ça peut toujours se corriger)
eh bien, ce nouvel opus vous fera rentrer dans
AU SERVICE DU BLUES le vif du sujet, celui de son art sans concession.
L’option choisie dans ce Crossborder Blues est
Sa technique instrumentale lui permet de tout d’albums tous fabriqués avec la même passion un mélange de pureté absolue, (ici tout est
jouer, et il l’a prouvé durant tout son parcours artisanale. Sans parler de carrière, car ce terme organique et acoustique), mais aussi d’un sens
en oeuvrant comme musicien de séances ne lui convient pas, il a ses amis fidèles, comme de l’expérimentation que seuls des musiciens
derrière des artistes parfois très éloignés de le guitariste Manu Galvin qui l’accompagne chevronnés et aventureux peuvent explorer.
cet idiome. Pourtant, lui se définit comme un dans pas mal de ses pérégrinations, mais il C’est donc le contraire de la facilité, voire de
bluesman, certes blanc et Français, passionné adore surtout se frotter à d’autres talents et la fainéantise… Les trois compères se lancent
par cette musique. Outre ses travaux en studio mettre son savoir faire unique au service de sans filet, avec juste leur envie de jouer et de
pour d’autres, il est à la tête d’un certain nombre diverses collaborations. Même s’il aime parfois découvrir le résultat. Cela donne un album au

40 Guitare sèche le mag

son unique où trônent le violoncelle, le banjo, La culture d’Harrison Kennedy est immense, continue encore à me référer à ceux qui m’ont
la guitare, et bien sûr l’harmonica, pas l’ombre sa voix est soul, son approche peut être blues motivé et m’ont fait aimer cet instrument, en
d’une prise de courant dans le paysage… ou funky. Ce serait prétentieux de dire qu’on a tout premier lieu l’immense Sonny Terry, je
inventé un style, on a juste fait ce titre comme peux aussi te citer Little Milton, et même Bob
Hello, dans cette nouvelle aventure, tu on le ressentait, sans avoir besoin d’ajouter Dylan qui soufflait en première position avec
optes à nouveau pour une collaboration, autre chose, en termes d’instrumentation, que une fougue fantastique. Le reste, la technique,
c’est-ce qui te motive pour avancer ? ce que nous avions sous la main. ça reste assez anecdotique.
Je n’ai pas de programme prémédité en fait, je
fonctionne à l’envie. Oui, je pense que le fait de Concernant ta propre technique, on sait Pour finir, un peu de cuisine technique
travailler avec d’autres musiciens croisés ici ou qu’elle est vaste, car tu peux aussi avoir justement, on entend un son vif et
là est un bon moteur, en tout cas en ce qui me une approche « country » ou même très naturel quand tu joues, mais comment
concerne. mélodique, qu’est-ce qui te fait traites-tu les choses pour avoir « ton »
progresser encore, quelles musiques son ?
Pour ce projet, le son est complètement écoutes-tu ? C’est bien sûr le morceau qui décide, parfois
acoustique, on croirait presque que vous En fait en avançant en âge, j’ai évolué. Je ne je suis en son pur, mais à des moments je fais
avez joué à la maison ? fais pas la même chose qu’il y a vingt ou trente appel à mon petit pédalier, que j’ai garni de
En fait tout cela est très peu planifié, je dirais ans. Par exemple physiquement, il faut que je quelques pédales, comme un guitariste…
plutôt, spontané. Le but était de composer ménage mon souffle voire ma force. Mais je
ou de choisir une Vous allez vous produire avec cette
reprise et de rentrer formule ?
vite dans le studio Oui, je crois qu’on avait ça en tête en
pour mettre en entrant en studio, et qu’on retrouvera cette
boîte. C’est vraiment atmosphère sans trop de souci…•
l’esprit : « Vous Tony Grieco
entendez ce que l’on
a joué »… Si c’est
aussi ce qu’entend
QUE SONT MES SONS…
le public, c’est donc Pour les effets, Jean-Jacques Milteau
une réussite, de ce rentre dans la modernité, mais la
point de vue-là. technologie reste raisonnable. La pédale
Keely Memphis Sound donne une belle
L’utilisation d’un reverb qu’il peut coupler à de l’écho avec
violoncelle est finesse. Il ajoute une égalisation radicale
très loin de ce à avec le Sustain Equalizer de chez t.c.
quoi on pourrait electronic, puis, un bon filtre dynamique
penser pour le de chez Boss. La T-Rex Quint machine
blues… ajoute du chorus ou joue sur l’octave. Il
Ce que je sais c’est utilise un MI Audio Blues Pro Overdivre
que mon phrasé pour muscler le son et enfin sa botte
personnel reste celui secrète reste cette Harp Octave Lone Wolf
du blues, même si la spécialement concoctée pour l’harmonica
forme harmonique qui rend les aigus incandescents.
s’en éloigne. Quant
au violoncelle,
Vincent Segal est
un musicien exceptionnel qui peut jouer toutes
sortes de musiques. Non seulement il peut les
jouer mais les transcender aussi. Finalement,
à la limite, peu importe le nom que prendra le
résultat.

Idem pour la guitare, elle est en filigrane

mais souvent remplacée par du banjo,
comment as-tu trouvé ta place dans ce
spectre particulier ?
Cela fait partie de l’alchimie qui opérait entre
nous trois. Les chansons et leurs structures
étaient là, mais chacun apposait sa propre
griffe, on ne peut pas parler d’arrangements
proprement dits, mais de parties que chacun
de nous trouvait au feeling.

Vous faites une version simple et

naturelle d’un titre assez complexe, le
« What’s Going On » de Marvin Gaye,
vous inventez un peu la soul acoustique…

41
 Rencontre
Folk Rock

David
Crosby
Malgré un parcours tourmenté et parfois parasité par de fortes addictions, celui qui se fait
Crosby le
magnifique !
Dylan, « Mr. Tambourine Man ». Mais Crosby
appeler « Croz » est une de ces légendes qui ont écrit l’histoire de la musique américaine. voit déjà plus loin et les relations tendues
Après plus de cinquante ans dédiés à la musique, l’homme n’a pas pris sa retraite et semble avec McGuinn signent son départ du groupe.
vouloir chanter jusqu’à son dernier souffle, comme le prouve son excellent nouvel album, Son oreille imparable pour échafauder des
le bien nommé Here If You Listen. C’est à cette occasion qu’il a accepté notre demande harmonies l’entraîne à produire les premiers
d’interview… travaux de Joni Mitchell ou de Jackson Browne.
C’est déjà énorme, mais ce n’est que le début de
DOUÉ MAIS TURBULENT… l’aventure. Il devient un proche du groupe Buffalo
Springfield, notamment de Stephen Stills. Les
Une petite récapitulation pour situer l’artiste ne Balladeers, d’obédience folk, comme le veut la deux compères font la rencontre de l’Anglais
sera pas inutile. David voit le jour en Californie, tendance. De retour en Californie, il fonde les Graham Nash, échappé du groupe The Hollies
précisément le 14 août 1941 à Los Angeles. Au Byrds avec Roger McGuinn. Doté d’une voix pour s’expatrier en Californie. L’association de
sortir de l’adolescence, il quitte l’Ouest pour aller unique, il donne une couleur chaleureuse à ce ces trois talents donnera naissance à l’un des
traîner dans le quartier de Greenwich Village, groupe avant-gardiste qui mélange rock et folk. premiers super groupes, notamment par le fait
au début des années 60. C’est là en effet que Il est probablement l’artisan du succès de ce d’assurer de superbes harmonies vocales. Ainsi
tout semble se passer. Il forme avec son frère gang qui va casser la baraque avec la version naîtra Crosby, Stills & Nash, le reste appartient à
Chip Crosby, un premier groupe, The Baxter’s vocalement « réarrangée » du titre de Bob l’histoire, et on la connaît…

42 Guitare sèche le mag


David, qu’est-ce cela fait d’être considéré
comme une légende vivante ?
Cela fait bizarre et je pense que la meilleure des
choses est de ne pas se voir soi-même de cette
façon. En ce qui me concerne, je n’y pense pas
et la seule motivation pour moi reste la musique,
celle que j’ai faite et celle que je vais faire…
Justement, après tant d’années et de
projets fabuleux, qu’est-ce qui vous
inspire pour retourner en studio et
produire un nouvel album ?
C’est simple, ce sont les chansons qui donnent
cette impulsion. Le besoin d’en écrire, ça ne
m’a jamais quitté et dès qu’il y a un trop plein,
il devient urgent de les mettre en forme et de
les exprimer. Les chansons, oui, ce sont elles qui
décident…
Comment expliquez-vous cette facilité,
enfin, ce don que vous avez pour élaborer
ces savantes harmonies vocales ?
Je n’en sais strictement rien, justement. Je n’ai
pas la réponse à cette question, si ce n’est, si
tu veux être un peu rationnel, le fait d’avoir fait
partie d’une chorale lorsque j’étais gamin. Mais
je ne suis pas sûr que ça explique tout. Ensuite,
j’ai été fan, très jeune, des Everly Brothers, et
eux, ce sont de sacrés modèles.
L’album sonne très acoustique, c’est un
choix délibéré ?
C’est une partie de mon travail. Cette couleur,
dans l’album, s’est imposée par les chansons, je
le répète, ce sont elles qui décident. Tu les joues
et les interprètes, mais tu dois respecter ce qu’il
en ressort au premier abord. Mais, à côté de
ça, j’ai aussi un autre groupe qui est bien plus
électrique, disons, rock’n’roll. Je traite ces deux
approches de façons distinctes, mais il m’arrive
aussi de les mélanger…
Dans l’album, votre style vocal est
évidemment présent, mais cette fois
vous vous êtes entouré de vocalistes
féminines, cela change de vos ex-
célèbres partenaires ?
Oui c’est assez différent, le résultat procure plus
de douceur et un certain velouté qu’apporte
la féminité. J’ai adoré travailler avec Becca
Stevens et Michelle Willis, sans parler du travail
de Michael League de Snarky Puppy qui était
déjà sur le projet de mon groupe Lighthouse.
Si vous voulez bien, parlons guitares et
notamment acoustiques, elles sont
prépondérantes dans votre travail, vous
en possédez beaucoup ?
Elles sont sans doute à la base de tout ce que
je fais oui. Je suis un amoureux des guitares
Martin, sans limites. Leur son me parle et me
convient à la perfection. J’en possède quelques
unes…
Vous avez une favorite ?
J’en ai cinq que j’adore, et ce sont toutes des
Martin D-45, modèle dont je suis vraiment fan.
Vous ne vous en tenez uniquement
qu’aux Martin ? Que pensez-vous des
Gibson ou des Taylor par exemple ?
Les Taylor sont excellentes, je dois le reconnaître,
cette marque fait un travail extraordinaire. Leur
son peut convenir à certains titres et ça peut
apporter un peu de changement. Idem pour
Gibson, parfois ça donne une autre ambiance et
ce n’est pas négligeable.
Et qu’attendez-vous d’elles lorsque vous
les jouez ?
De la chaleur et de la puissance, et la D-45 reste
imbattable pour ça, le côté dreadnought y est
aussi pour quelque chose.
Pour clore l’album, vous revisitez le titre
« Woodstock », dans une nouvelle
interprétation, pourquoi ?
C’est une chanson que j’adore et la lecture que
l’on en donne ici est très différente de l’originale,
oui et au passage de magnifiques souvenirs de
cette époque, et de ce fameux festival…
Après cette « longue carrière »,
appréciez-vous toujours de jouer live ?
Tu as raison, (rires), je suis maintenant un
homme âgé, et en fait, je ne supporte plus les
tournées, j’avoue que j’ai donné pour ça. Mais
par contre, le fait d’être sur scène et de jouer
pour le public, ça reste un bonheur intense et
inaltérable…•
Tony Grieco
HERE IF YOU LISTEN…
ALORS ÉCOUTES !
Depuis 2014 et la sortie de l’album Croz,
les nouvelles sont plutôt bonnes. On sent
que Crosby a retrouvé la forme. En 2017,
il nous gratifie de l’excellent Sky Trails, et
cette année, il relance la donne avec ce
Here If You Listen. On est scotché par la
voix de cristal et la production hautement
acoustique ainsi que par la teneur des
compositions. Le titre « Glory », qui ouvre,
annonce la couleur, feutrée et doucereuse.
Pour les choses plus électriques, on
attendra peut-être le prochain, alors là on
savoure ces onze titres assemblés comme
un bouquet. Les nostalgiques de Crosby,
Stills & Nash vont jubiler sur « I Am No
Artist » qui pourtant prouve le contraire
de ce que prétend le titre. Toujours pour
la nostalgie, voici deux dates en deux
titres, « 1974 » et « 1967 »… Et, nostalgie
encore, cette relecture lumineuse de
« Woodstock », ballade emblématique
d’une époque qui semble hanter le maître
de cérémonie…
43
 Dominique A
Attention fragile…
Rencontre
Folk Rock

44

EN TOUTE INTIMITÉ…
Ses créations sont réputées assez minimalistes,
car à ses débuts Dominique A, (de son vrai nom
Dominique Ané), se débrouille tout seul avec les
moyens du bord. Cela consiste essentiellement
à coucher sur bandes, en fait des cassettes (et
le fameux magnétophone quatre pistes qui
va avec) ses compositions personnelles. Son
premier ouvrage conçu de cette façon, Le disque
sourd (1991), bien qu’autoproduit, lui permet
de se faire remarquer par la presse rock et les
radios nationales. Il n’en faut pas plus pour qu’on
qualifie ce jeune artiste de générateur de « la
nouvelle scène française ». C’est certes gratifiant,
mais ça ne signifie pas grand-chose. Un peu
punk, un peu new wave, mais aussi assez pop et
beaucoup rock, Dominique préfère se jouer des
« appellations contrôlées » pour déjà tracer sa
propre route. Le fait est qu’au cours des albums
suivants, il va se forger un style très personnel
à base de textes intimistes mais fédérateurs
et surtout avec de belles mélopées décochées
comme des flèches sur une guitare toujours
astucieuse. Après avoir tenté, à ses débuts, la
formule « groupe », il se lance donc à fond dans
l’aventure, en s’enfermant chez lui avec ses
petites machines et une bonne vieille guitare.
Nous sommes maintenant une bonne vingtaine
d’années plus tard et notre homme a réussi
à combattre les affres du temps, bien installé
maintenant dans le paysage musical. Dans son
dernier opus, dédié à la fragilité (du monde ?),
on retrouve donc tous les ingrédients qui ont
forgé son style, comme ces boucles de guitares
arpégées sur de longues séquences, mais aussi
le sens de la mélodie qui, au final, donne du corps
à ce qu’on va appeler une (bonne) chanson, et le
dernier album n’en manque pas…
Après presque quinze albums, tu arrives
toujours à trouver l’inspiration ?
Apparemment elle vient toujours à ma
rescousse, il semble que les sujets ne
manquent pas, en fait je n’avais pas vraiment
compté…
Contre vents et marées, cet
artiste au nom limpide, bien que
mystérieux, poursuit sa route
sans se soucier des modes ou
des tendances. Si l’on compte
deux albums en public, La
fragilité, le nom du petit dernier,
serait le quinzième de la liste.
L’heure du bilan ou une nouvelle
échappée ? Peut-être un peu
des deux, car Dominique creuse
son sillon tranquillement, mais
n’hésite pas non plus à rebattre
les cartes…
Tu as appelé l’album La fragilité, est-ce
un concept ? La fragilité de la vie ? Du
monde ?
Un peu tout ça, c’est surtout une petite
formule poétique. Tout est fragile si on regarde
bien, mais ça peut aussi être pris au sens
« délicatesse »…
Tu fus l’un des pionniers de l’autoproduc-
tion, tu as même montré à beaucoup
d’autres artistes que l’on pouvait sortir
de bonnes choses avec peu de moyens,
puisque tu as commencé dans ton appar-
tement avec ce que l’on appelait pas
encore tout à fait un « home studio », tu
as évolué depuis ?
Oui, tu as raison, quand je me suis lancé
au début des années 90, à part une guitare
acoustique et une guitare électrique, je
possédais juste un petit magnétophone 4
pistes à cassettes que tous les musiciens
utilisaient à l’époque, Tascam ou Fostex, je ne
sais plus… J’ai osé me lancer tout simplement,
en grand téméraire… Alors depuis, en fait, je
commence toujours un peu pareil, mais j’ai le
loisir maintenant d’aller « grossir » le son dans
un vrai studio, les choses prennent donc un
peu plus de corps…
On t’associe à un mouvement particulier
de la musique hexagonale formée par
des gens comme Arthur H ou Miossec,
pour ne citer que les plus célèbres, te
reconnais-tu dans ce « mouvement » ?
Oui et non, en fait. Notre approche peut
paraître similaire, mais le résultat donne des
choses très différentes, avec des identités bien
différenciées. Heureusement que l’on n’est pas
dans ce qu’on pourrait appeler un moule, ce
serait une mauvaise posture. Personnellement
je me réfère aussi à des gens comme Alain
Bashung ou des trucs plus punk, qui venaient
d’Angleterre à la fin des années 70.
Tu écris en Français, avec une attention
particulière donnée aux textes, mais tu
es aussi et peut-être surtout, un guitar-
iste, quel est ton rapport à l’instrument ?
Il est simple, je ne pense pas être un immense
instrumentiste, j’en connais beaucoup d’autres
bien plus impressionnants, mais je dirais que
ce n’est pas mon souci. La guitare pour moi
est le vecteur qui me permet d’accéder à la
musique. Je l’utilise à ma façon et elle me
donne ce que je lui demande, c’est une bonne
façon de fonctionner avec l’instrument en
question. Maintenant, je partage aussi avec
d’autres instrumentistes qui viennent m’aider à
« colorer » ma musique.
La guitare est très présente sur le dernier
album, notamment sous forme de longs
arpèges développés, dans une tendance
assez acoustique, c’est une ambiance
que tu as voulue ?
On est sur un son limpide et évident oui, la
ligne claire peut-être. On a voulu quelque chose
de pas trop chargé où chaque instrument reste
bien distinct.
Depuis tes débuts, as-tu accumulé un
bon paquet de guitares ou restes-tu
fidèle à « la bonne » ?
Je les vois comme des outils, il faut donc
que ce soit de bons outils. J’ai longtemps
travaillé avec une vielle acoustique de marque
Alhambra et une Fender Telecaster toute aussi
vieille. J’ai développé un peu mon parc mais
pas tant que ça, car je n’en vois pas l’utilité. Je
ne suis pas le genre à dépenser des fortunes
pour une guitare, de plus, à mon humble avis,
ce ne sont pas forcément les plus chères qui
sonnent le mieux…
Pour la scène, tu vas te produire seul ou
accompagné ?
Je crois que l’on va faire un beau mixage des
deux formules selon les lieux, mais maintenant,
sans avoir un groupe attitré, j’ai quelques
musiciens qui viennent à ma rescousse…•
Tony Grieco
LA FRAGILITÉ :
À MANIER DÉLICATEMENT…
Nous voici en possession d’un nouvel
épisode édicté par ce conteur des temps
modernes. Il faudra plusieurs écoutes
pour rentrer tranquillement dans l’univers
revendiqué comme « poétique » par ce
barde très particulier. La voix, efficace
et posée, nous guide dans les méandres
des émotions divulguées ici avec le bien
nommé « Poésie », titre qui ouvre ce recueil.
Les guitares, suaves, éthérées, parfois
poussées par l’orgue, prennent ensuite le
relais et nous transportent là où il faut aller.
« J’avais oublié que tu m’aimais autant »,
« Le temps qui passe sans moi », « La route
vers toujours » et pour finir « La fragilité »,
voici quelques titres « étapes » qui jalonnent
ce parcours sensible et touchant.
45
 CHRISTMAS
SHOPPING
Shopping
Comme chaque année, nous avons droit à une belle moisson de magnifiques coffrets, ou rééditions en tout genre. Entre les remastéri-
sations et les œuvres complètes, un vaste choix s’offre à nous pour faire ou se faire de magnifiques cadeaux. Dylan alimente réguliè-
rement ses Bootleg series, idem pour Elvis, dont on célèbre les cinquante ans de son célèbre Comeback en 1968, et quant aux Beatles,
c’est le fameux White Album qui est célébré avec notamment les mythiques Esher demos dépoussiérées pour l’occasion. On annonce
pour fin décembre une grosse rétrospective des shows ultra sold out de Bruce Springsteen à Broadway… Certes, il vous faudra casser
votre tirelire pour acquérir ces petits joyaux, qu’ils soient vinyle ou cd, mais quand on aime on ne compte pas…
Tony Grieco
THE KINKS
THE KINKS ARE THE VILLAGE
GREEN PRESERVATION SOCIETY
50TH ANNIVERSARY EDITION
BMG /Legacy
Il faudra sérieusement se pencher un jour
sur ce super groupe formé au début des
sixties par les frères Davies, Dave et Ray. Ce
dernier, l’aîné, en était le génial songwriter,
alors que Dave, le cadet, illuminait les titres
avec des parties de guitares ravageuses.
Dans un premier temps, ils créèrent l’art du
riff et du gros son, avec le tumultueux « You
Really Got Me », souvent copié mais jamais
égalé. Mais, précocement lassé du cirque
rock’n’roll, le groupe s’engage dans une
voie complètement différente et inattendue.
Le tournant se fait avec le single « A Well
Respected Man », figurant aux USA sur
l’album Kinkdom. nous sommes en 1965 et,
comme le font déjà les Byrds de l’autre côté de
46 Guitare sèche le mag
l’Atlantique, Les Kinks n’hésitent pas à introduire
une dose massive de folk dans leur rock. Ce pli
est vite pris et Ray Davies, soudain motivé par
l’intimité et la nostalgie, livrera ces merveilles
douces-amères que sont « Dead End Street »,
« Sunny Afternoon » et bien sûr « Waterloo
Sunset », hymne à la brume londonienne. Les
singles en question continuent de grimper en
haut des hit-parades, mais bientôt, les albums
vont déconcerter la critique ainsi que le public.
Rien ne fait pourtant dévier Ray, le leader.
Lorsque paraît The Kinks Are The Village Green
Preservation Society (en 1968), les réactions
sont plus que mitigées. Pour situer, c’est cette
même année que sortent le White Album des
Beatles, le Beggars Banquet des Stones et aussi
Electric Ladyland de Jimi Hendrix. Concurrence
trop rude ou trop hors contexte ? L’album est
un flop, engendrant quelques conflits au sein
même du groupe. Heureusement, le temps
passant, nous avons une autre lecture de cet
album qui semble avoir délivré toutes ses
qualités au fil des années. Nous voici donc 50
ans après, et comme le bon vin, l’album s’est
plus que bonifié. Ce qui était au départ un genre
de concept album sans en être un, est devenu
maintenant un chef-d’œuvre encensé par le
monde entier. Après une excellente version
CD déjà superbement remasterisée, sortie en
2004, voici aujourd’hui la version Deluxe, le
top du top quoi ! Alors on décortique, cinq CD
remasterisés, en tout 174 titres, des 45 tours et
un magnifique livret riche de commentaires de
célébrités (entre autres Pete Townshend). C’est
évidemment un objet unique qui remet toute
la lumière sur cette œuvre enfin reconnue à sa
juste valeur.
THE BEATLES
THE WHITE ALBUM
COFFRET ÉDITION SUPER DELUXE
Universal Music
Rien est trop beau pour notre célèbre quatuor qui
marqua à jamais l’histoire de la pop mondiale.
En 68, le groupe est déjà virtuellement séparé,
chacun des membres œuvrant plus ou moins en
solitaire, presque en solo… Pourtant, lors de ces
séances historiques et malgré les dissensions,
la magie opère à nouveau, quand chacun des
quatre met son savoir faire au service des
trois autres. Résultat, l’album est plus rock et
plus relâché que le précédent, Sgt. Pepper’s
Lonely Heart Club Band, qui avait placé la
barre tellement haut que rien ne semblait
pouvoir monter au-dessus. Mais, les fab Four ne
s’encombrent pas de ce genre de considération
et laissent parler leur génie créatif. Chacun
développe son propre univers, mais l’osmose
est malgré tout au rendez-vous, on appelle ça
l’alchimie… Comme tous les albums officiels du
groupe, « le double blanc » fut déjà dignement
remastérisé en 2009. Mais ici, on franchit un
degré supplémentaire, c’est le fils de George
Martin en personne, Giles, qui s’empare des
bandes et remixe le tout. C’est déjà une raison
suffisante pour les fans, et les autres, de se
procurer la chose, mais ce n’est pas tout, c’est
Noël non ? Alors dans l’édition Super Deluxe,
vous trouverez tout simplement, six CD et un
Blu-ray ainsi qu’un épais recueil de photos rares.
En vrac, vous aurez les titres remixés, des mix
alternatifs, des discussions en studio, le mix
stéréo, le mix mono, en haute définition, bien
sûr, et enfin les fameuses Esher demos qui
forment quasiment un nouvel album, ambiance
« unplugged » garantie. Bonne et longue soirée
pour l’écoute…
JOHN LENNON
IMAGINE
COFFRET ÉDITION SUPER DELUXE
Universal Music
Toujours dans la famille Beatles, on demande
John. Après l’implosion, il se pose un peu
en 1970. Il faut attendre 1971, lorsque la
séparation semble digérée, mais la colère pas
tout à fait, pour apprécier cet Imagine, album
abouti et riche du superbe titre/tube du même
nom. Si vous possédez l’original en vinyle, vous
vous souviendrez de ce son mat et en même
temps moelleux, que l’artiste et son producteur,
Phil Spector, avaient mis au point. Alors cette
majestueuse réédition propose un joli voyage
dans le temps en restituant tout l’historique, de
la conception à la réalisation, avec par exemple
des versions alternatives des hymnes que sont
« Imagine » et « Jealous Guy ». Tout à
été soigneusement remixé aux studios
Abbey Road par l’ingénieur du son
Paul Hicks et supervisé par Yoko Ono
elle-même. La technologie du transfert
24-96 audio HD, appliquée aux bandes
originales, donne ici une incroyable
profondeur au son et l’album retrouve
comme une seconde jeunesse. Un
miracle ? Non, l’édition Super Deluxe
d’une œuvre indémodable…
DAVID BOWIE
LOVING THE ALIEN
(1983-1988)
Parlophone UK
Voici un pan non négligeable de l’œuvre de David
Bowie. Certains préfèreront la période Ziggy,
d’autres la période plus noire, celle d’avant la
fin de la vie. Artistiquement parlant, ce qui est
proposé ici est d’une richesse extraordinaire.
En à peine cinq années, David sort une poignée
d’albums qui tous marqueront l’histoire. Il semble
en avoir fini avec les costumes et les masques,
et l’artiste s’assume comme un créateur et
songwriter sans complexe. On revisite donc ici
pour vous le phénomène commercial que fut
l’album Let’s Dance, et celui qui suivit Never
Let Me Down, plus confidentiel mais
présentant un Bowie dans toute sa
sincérité. Attention, ce package
Deluxe propose pas moins
de onze CD et l’ensemble
fraîchement remastérisé.
Mais ce n’est pas tout, loin
de là, vous trouverez dans ce
coffre à bijoux, des faces B, des
versions alternatives, des bandes
originales de films, et des
concerts comme le Glass Spider
(live à Montreal en 1987). Un
vrai travail de maniaque, parce que
l’artiste, parti dans la douleur, le
valait bien…
ELVIS PRESLEY
ELVIS : 68 COMEBACK SPECIAL
50TH ANNIVERSARY EDITION
RCA/Legacy
Il est celui sans qui rien ne serait arrivé, dans le
rock’n’roll s’entend. Plus de quarante ans après
sa mort, son œuvre est gérée scrupuleusement
par ses ayants droits. Cette petite entreprise ne
connaît pas la crise et ressemble plutôt à une
énorme industrie. Pour les fans, nostalgiques
en diable, rien de ce qui concerne le King n’est
trop beau. Pour reprendre un peu le fil, Elvis,
après ses débuts fracassants, s’était un peu
assagi, en rentrant de son service militaire. Il
se mit à tourner des films considérés comme
« mielleux », du moins pour un rocker et ses
productions discographiques eurent tendance
à suivre le même chemin. L’année 68 fut
considérée comme celle du retour (comeback)
de l’artiste vers le rock’n’roll… Notre roi n’avait
pas fait de scène depuis sept ans, lorsqu’il
décide de revenir dans l’arène à l’occasion d’un
show TV, sur la chaîne NBC, qui restera célèbre.
C’est cette prestation dans son intégralité ainsi
que les coulisses et les répétitions, que nous livre
ici le label. Un document de haute importance
donc, sous la forme d’un beau coffret riche de
cinq CD et deux Blu-Ray. Let’s rock !
47

EAGLES
EAGLES LEGACY
COFFRET 12 CD
Rhino Records
Warner Music
L’histoire de ce groupe semble insensée.
Elle est celle de quatre types d’apparence
ordinaire qui vont battre des records en tout
genre. Ils pulvérisent les ventes d’albums avec
leur chef-d’œuvre absolu, l’album (et le titre)
Hotel California (1976). Mais ce n’est pas tout,
après avoir fait le ménage dans le tout premier
line-up, ils recrutent le redoutable guitariste Joe
Walsh et vont aligner par la suite tube sur tube.
Il fallait bien ce gros coffret rouge, rempli à ras
bord avec pas moins de douze CD, pour retracer
cette fabuleuse saga. Outre les pistes audio
magistralement remastérisées, vous trouverez
aussi des prises alternatives ainsi qu’un gros
paquet de vidéos tirés de concerts. Un must !
FLEETWOOD MAC
- FLEETWOOD MAC
- 50 YEARS, DON’T STOP
Rhino Records
Warner Music
Voici, avec 50 Years, Don’t Stop, une jolie
compile qui regroupe les travaux de ce groupe
incontournable qu’est Fleetwood Mac. On
démarre aux tous débuts, lorsque le groupe,
sous la férule de son leader Peter Green, officie
dans le blues pur et dur. Les choses vont très,
trop vite, sous la pression du succès, le groupe
implose et va devenir ensuite cette machine
à hits qui, en s’expatriant aux USA, cassera
la baraque. C’est cette aventure, une vraie
fable rock’n’roll, qui nous est contée ici. On
balaye la production discographique avec un
48 Guitare sèche le mag
condensé de ce
que le groupe a
produit de mieux,
et c’est énorme,
entre 1968 et
2013, le tout en
50 titres proposés
sur trois CD. Mais, ça
n’arrête pas (Don’t Stop !), puisque
le groupe repart pour un tour de
piste avec Mike Campbell, l’ex-
guitariste des Heartbreakers,
le groupe du trop tôt disparu
Tom Petty… Les complétistes
du groupe peuvent aussi
s’offrir la version Deluxe
de l’album Fleetwood
Mac (paru en 1975)
hors pair qui fit les grandes heures du folk
anglais. Le volume 1 propose quatre CD qui
qui réapparaît donc en rendent hommage à la virtuosité de l’artiste,
2018 sous la forme de les premières périodes sont retranscrites avec
trois CD, avec des prises précision, avec pas moins de quarante-neuf
alternatives, auxquels s’ajoute un DVD. titres. On note la fraîcheur intacte du son sur
des pièces comme « Veronica », «Running From
Home » et bien sûr le classique des classiques
« Angie ». Le second propose quarante-sept
titres et en est la suite chronologique, le
cheminement semble évident. Les titres phares
que sont « Promised Land », « Rosemary Lane »
ou « Moonshine » prennent un supplément de
vigueur grâce aux bienfaits de la remastérisation.
L’artiste méritait grandement cette mise à jour.
LED ZEPPELIN
THE SONG REMAINS THE SAME
HOW THE WEST WAS WON
Atlantic Records
Jimmy Page a chopé le virus du remaster, ce
LOVE n’est pas un secret, et c’est aussi un plus pour
tous les fans du groupe. Après avoir donc
FOREVER CHANGES « retravaillé » les albums studio du groupe,
ÉDITION DELUXE c’est au tour des live de passer à la table (de
Rhino Records mixage). The Song Remains The Same fut aussi
Warner Music proposé dans les salles obscures. Il s’agissait
d’un concert filmé en 1973 au Madison Square
On sait l’importance qu’eut ce groupe assez Garden de New York, On retrouve donc ici une
visionnaire et qui eut la pertinence de teinter version revue et corrigée, car Jimmy Page a
leur rock psychédélique avec de savantes modifié l’ordre des titres et au passage a rajouté
doses de folk rock, une vraie réussite. L’album la version « longue » de l’épique « Dazed And
ne fut pas trop remarqué chez nous, dans la Confused » livrée ce soir-là. Idem pour l’autre
fournaise de l’année 1967, lorsqu’il sortit, live How The West Was Won, qui lui restitue
mais depuis, l’histoire a remis les pendules de larges extraits des concerts au Los Angeles
à l’heure car on le considère dorénavant Forum et à la Long Beach Arena du 25 et 27
comme un chef-d’œuvre absolu. C’était donc juin 1972. On ne plaisante pas avec la réédition,
l’occasion de proposer cette nouvelle mouture
dite « Deluxe », avec pas moins de quatre CD,
un livret, un vinyle et même un DVD, de quoi
s’imprégner de l’apport indémodable de cet
album unique.
BERT JANSCH
THE MAN I’D’RATHER BE
PART 1, PART 2
Earth Records
Deux volumes plein à craquer sont nécessaires
pour nous remémorer le travail de ce guitariste
c’est trois CD ou quatre vinyles, enrichie d’un
medley mortel de plus de vingt et une minutes
de « Whole Lotta Love », comment résister ?
BOB DYLAN
MORE BLOOD, MORE TRACKS
Columbia/Legacy
Sony Music
L’album Blood On The Tracks fut un certain
renouveau pour Bob dont le songwriting
s’était un peu éparpillé en ce début des
années 70. Après les sommets que furent
Blonde On Blonde, John Wesley Harding et
même le controversé Nashville Skyline, Bob
semble retrouver ici un véritable second
souffle. Conçu et réalisé dans la douleur
du divorce d’avec sa femme Sara, celle qui
lui inspira quelques titres majestueux,
l’album atteint des sommets dans certains
lyrics que l’on considère comme assez
autobiographiques. La mise en œuvre
musicale fut elle aussi hautement
épique, car Bob dû s’y reprendre
à deux fois pour trouver la
bonne formule et sortir enfin
le son qu’il avait en tête. Il y
eut les séances à New York et
les séances de Minneapolis, supervisées
par le propre frère de l’artiste. Le résultat des
courses fut ce superbe album folk rock au
son si original avec, bien sûr, quelques futurs
classiques comme « Tangled Up In Blue » ou le
magnifique « Shelter From The Storm ». Pour
les Bootleg series, la quatorzième du nom, on
fait les choses en grand, et tout le cheminement
créatif est reconstitué ici au cours de ces six CD
qui racontent l’histoire dans le moindre détail.
Bob ne cache rien, il livre les faux départs,
les versions non abouties, les répétitions,
les hésitations, mais aussi les réussites car
il est aussi le roi du premier jet. Il livre même,
dans le livret joint, ses précieux carnets de
route, en attendant la suite des fameuses
« Chroniques ».
JIMI HENDRIX
ELECTRIC LADYLAND
50TH ANNIVERSARY
Sony Legacy
Allez, vous prendrez bien une petite
totale de ce magnifique album qui aujourd’hui
encore défraie la chronique. C’est le troisième
et dernier album studio de son vivant réalisé
avec son groupe,The Jimi Hendrix Experience.
Le suivant sera le live Band of Gypsys avec
l’orchestre du même nom et un son
complètement différent. Sur cet Electric
Ladyland, Jimi se lâche comme jamais, il
donne libre cours à son imagination fertile. Il
est nuit et jour en studio et superpose, autant
que faire ce peut, les prises de guitares. Il
bénéficie pour la première fois des douze
pistes qu’offre alors le Record Plant Studio.
Les séances sont mouvementées et le résultat
grandiose. Malheureusement la pochette
voulue par l’artiste ne sera à l’époque
pas retenue pour la sortie finale, la
chose est aujourd’hui réparée
puisque cette nouvelle édition
propose le visuel qu’Hendrix
désirait. Il faut ajouter de
fortes dissensions entre lui et son
management qui trouve l’album top jazzy et pas
assez pop… De vrais visionnaires ! Sur le vinyle,
l’album contient quatre faces chargées de
trouvailles sonores et de compositions rusées
comme « Crosstown Traffic » ou « Burning of
The Midnight Lamp ». Mais il contient aussi
cette autre pépite, la cover de « All Along The
Watchtower » de Bob Dylan, que l’auteur lui-
même trouvera fantastique, voilà pour le passé.
L’édition 2018, en 3 cd + Blu-ray contient,
l’album original remixé par Eddie Kramer en 5.1
et mastérisé par Bernie Grundman, puis un cd
regroupant diverses démos et prises inédites, et
pour la troisième galette le concert donné par
l’Experience au Hollywood Ball le 14 septembre
68, concert déjà publié en semi-officiel par le
label Dagger Records. Le Blu-Ray reprend le
dvd du Making Of de l’album, paru chez Eagle
Vision, et augmenté d’interviews. Une version
comportant six vinyles est aussi disponible.
Le livre de 48 pages accompagnant l’une ou
l’autre de ces versions est agrémenté de photos
inédites, et des manuscrits des chansons du
guitar hero !
THE RAMONES
ROAD TO RUIN
40TH ANNIVERSARY
Pourquoi remastériser un disque des Ramones ?
Bonne question ! Mais pour rendre le son plus
clair voyons… Les quatre garçons vêtus de
cuir jouaient vite et fort, à la scène comme au
studio, c’était même leur signature. C’est donc
leur quatrième opus qui se voit relooké de la
sorte. Cela permet de se rendre compte
que, sous des allures de brutes épaisses,
le groupe pouvait faire dans la finesse
avec, par exemple, leur magnifique cover
de « Needles And Pins ». Trois CD au
programme donc, un premier avec les
titres originaux remixés au goût du jour.
Un autre, précieux, car rendant
compte du « work in progress »
avec notamment des versions
acoustiques de cer tains
titres. Enfin un troisième, un
live inédit capté au Palladium
de New York le soir du nouvel an 1979.
Une mine de renseignements donc, sur ce
groupe de teigneux qui nous fait encore vibrer
aujourd’hui. Cerise sur le gâteau, le vinyle du
LP d’origine revu (rivisited) et corrigé au niveau
son !
49
THE ROLLING
STONES
VOODOO LOUNGE UNCUT
FROM THE VAULT : NO SECURITY,
SAN JOSE 1999
Eagle Vision
Les Stones en concert, c’est évidemment
une énorme saga, depuis que les garçons se
produisent aux quatre coins du globe sans se
soucier des destinations. On les retrouve donc
ici sur les planches à deux occasions. D’abord
Pour le Voodoo Lounge Uncut. Vous pouvez
opter pour le boîtier digipack contenant le
double CD audio et le DVD du concert au
stade Joe Robbie de Miami (1994). Cette
nouvelle mouture sera augmentée de dix titres
« oubliés » lors de la première édition, comme
« Dead Flowers » ou « Before They Make Me
Run ». Il y a aussi la version Blu-ray, remasterisée,
restaurée et complétée par de nouveaux titres
captés au Giants Stadium dans le New Jersey,
(« Shattered », « Out Of Tears », « All Down The
Line », « I Can’t Get Next To You » et « Happy ».
Le No Security San Jose ‘99 est un concert
issu de la tournée du même nom. Le groupe a
sillonné l’Europe et les USA. Après les stades
gigantesques, les Stones se donnent a fond
dans des salles à taille humaine. On les
croise ici à la San Jose Arena, en
Californie, devant plus de 30000
spectateurs, public relativement
intime donc… Pour l’occasion,
les cailloux renouent avec des
anciens titres peu joués sur scène,
et la foule est ravie d’entendre
des anciens classiques comme
« Route 66 », « Paint It Black » ou
« Get Out Of My Cloud », de grandes
retrouvailles que nous permet de
déguster tranquillement
chez nous ce Blu-ray,
en 2018…
50 Guitare sèche le mag
THE ACTION
SHADOWS AND REFLECTIONS
THE COMPLETE RECORDINGS,
1964-1968
Cherry Red
Gibert Joseph Import
Ceux qui aiment les Who, les Small Faces ou
The Jam ne pourront pas rester insensibles à
la musique de ce groupe unique, relativement
méconnu en France mais qui apporta sa pierre
à l’édifice du mouvement Mod, au début des
années 60, en Angleterre. Les Stones, via Brian,
étaient un peu mais sans plus. Les Beatles,
avec John Lennon et sa casquette, ou George
Harrison en pantalon étroit l’étaient aussi, un
peu. Mais, The Action était l’authenticité même
de ce mouvement qui adorait la black music
en général et celle de la Tamla Motown en
particulier. Leur musique, faite de reprises ou
de compositions, respectait cet esprit à la lettre.
Alors réjouissons nous de cet archivage précis
et complet, qui nous propose toutes les pièces
maîtresses de ce petit gang venu du nord de
Londres et produit par George Martin, le tout
sur quatre CD bourrés de classiques et d’inédits.
Indispensable pour ceux qui aime le son pop /
R’n’B des sixties. Pour info, une version vinyle,
en tirage limité à 1000 copies
et de surcroit en stéréo
pour la première fois,
comprenant les six
singles du groupe est
disponible. Attention, il
n’y en aura pas pour tout
le monde. Vous savez
maintenant ce qu’il vous
reste à faire.
ED SHEERAN
#SHAPEOFHIM
Par Christie Goodwin
Éditions Glénat
En seulement dix ans, le phénoménal Ed
Sheeran est devenu l’une des plus grandes stars
de notre époque. Ses chansons dépouillées et
touchantes, son look et son attitude atypiques,
mais également son formidable charisme (peu
d’artistes sont capables de tenir une salle de
20 000 personnes, seul sur scène avec une
petite guitare acoustique) sont les ingrédients
de cette véritable success-story. La photographe
britannique Christie Goodwin a démarré sa
propre carrière en même temps que Ed, et
c’est elle qui a shooté les premiers clichés du
chanteur alors qu’il se produisait dans les clubs
de Camden à l’âge de 17 ans. Goodwin a suivi
Ed durant tout son parcours, l’accompagnant
dans son ascension et son triomphe. C’est
elle qui a rédigé ce sublime ouvrage. Sa prose
détaille les épisodes et concerts phares de ce
début de carrière météorique (Shepherd Bush
Empire, iTunes Festival, O2 Arena, Wembley),
et son récit est émaillé de nombreux clichés,
inédits pour la plupart. Une superbe idée cadeau
pour Noël !
GS45
 Les dynasties
artistiques
Dossier
Fils de…

LES ENFANTS DE CÉLÉBRITÉS

Comment se faire un prénom lorsqu’on porte déjà un nom célèbre ? Est-ce une aide réelle ou plutôt un handicap ?
La réponse n’est pas toujours évidente. Lorsque la barre est placée très haut, un, ou une, artiste de renom peut
très bien faire de l’ombre à sa progéniture, l’inverse arrive aussi, mais plus rarement. Cela peut être aussi un
magnifique starter. C’est ce phénomène que nous analysons dans ce dossier où vont se mêler musique et cinéma,
deux domaines artistiques où la filiation est fréquente mais pas toujours évidente. Quels en sont les moteurs ? Le
mimétisme ? La génétique ? Ou simplement le talent ? C’est là toute la question…

BOULANGER DE PÈRE EN FILS…

On sait, les chats ne font pas des chiens, cette
expression populaire se vérifie aisément dans
beaucoup de milieux familiaux. L’agriculteur
souhaitera voir le fiston reprendre son
exploitation, le médecin voudrait voir ses
enfants entrer en faculté de médecine,
l’institutrice orientera ses gosses, filles ou
garçons, vers la transmission du savoir, et ainsi
de suite. C’est le même cas de figure dans
beaucoup d’autres corporations... Mais, les
métiers artistiques, par essence, exercent une
fascination supplémentaire, puisqu’ils vous
mèneront peut-être à la célébrité tout en vous
permettant de vous exprimer… La tentation de
reprendre le flambeau est donc grande. Voir sa
maman pousser la chansonnette influencera
certainement la petite fille émerveillée par
tant de beauté, et le petit garçon qui verra son
papa gratter une guitare, taper sur des fûts ou
jouer du piano, aura vite l’idée d’en faire autant.
Comment commencent les vocations, au sein
de la famille ? Il n’existe aucune mécanique
fiable ni aucune automaticité, car c’est aussi une
question de circonstances et de conjonctures.
Mais c’est un fait, beaucoup d’artistes célèbres ancêtre des Romains, avait un timbre voilé…
ont vu leurs enfants se jeter corps et âme TROUVER SA PROPRE VOIE( X )… Les Espagnols parlent fort alors que les
dans leur trajectoire et, en portant le même Suédois susurrent… Ce sont les mystères de la
nom, se lancer dans l’aventure avec plus ou Génétiquement parlant, l’enfant reproduit, transmission. Est-ce que les talents artistiques
moins de succès. Il y a aussi les fratries, mais vocalement, plus ou moins le timbre de ses se partagent de cette façon aussi ? La réponse
c’est un autre sujet (à traiter aussi un jour). Les parents car il copie à peu près tout ce que font se trouve sans doute dans le mélange de ce que
« descendants » sont nombreux, mais la bataille ces derniers. Cela s’appelle aussi, grandir et l’on appelle « l’inné » et « l’acquis » et surtout, un
pour exister est parfois complexe. Le dosage le modèle le plus proche pour cela se trouve environnement propice à créer des vocations…
entre la personnalité et l’air de famille se fait à la maison, avant de se transporter à l’école. Ce savant dosage n’a pas encore été, aux
au millimètre près. Le clonage pur et simple Ce mimétisme de base explique aussi que dernières nouvelles, expliqué scientifiquement.
condamne souvent à l’échec (qui a besoin de l’accent ou la scansion et, bien sûr, le langage Il garde donc encore toute sa part de mystère !
deux Bob Dylan ?), mais, l’éloignement trop se transmettent dans chaque foyer. Chaque Revendiquer son origine tout en s’affirmant soi-
marqué du modèle parental peut aussi vous corde vocale à sa particularité, c’est vrai, mais même, voici l’équation que doivent résoudre
noyer dans la marée humaine et là, vous restez les Italiens (et les Italiennes) ont tous la voix tous les artistes qui seront cités tout au long de
anonyme. éraillée car sans doute le premier Etrusque, ces pages…

52
LES FILIATIONS NATURELLES MIROIR,
MON BEAU MIROIR…
Les matières artistiques
LA CARTER FAMILY n’engendrent pas forcément tous
Au commencement était peut-être la Carter Family, dont le nom se passe de commentaires. Au une descendance. Il existe certains
début du 20ème siècle, dans les années 20, le label Victor commence à promouvoir des artistes domaines comme la peinture ou
officiant dans la musique country. Alvin Pleasant Delaney Carter, dit A.P., épouse la charmante la littérature dans lesquels il est
Sara Elizabeth Dougherty qui devient donc Sara Carter. Le couple se lance dans la musique. Alvin extrêmement difficile de se forger
chante et Sara joue de quelques instruments. Cette dernière convoque sa cousine, Maybelle qui se une identité sous le couvert d’un
joint à l’aventure. Elle développe un jeu de guitare de haut niveau qui jettera d’ailleurs les bases de nom connu. Par contre, les pratiques
l’accompagnement country. La cousine en question finira par épouser musicales ou celles du jeu d’acteur
le frère d’Alvin Carter, Ezra, et deviendra par là même Maybelle sont sans doute les plus attractives
Carter. C’est ainsi que l’on fonde une famille… De musiciens. Il est pour créer des vocations. C’est
question pour l’instant d’union, mais la filiation arrivera ensuite. Alors peut-être dû au côté très vivant et
que le trio de base se sépare sur fond de dépression économique, émotionnel que procure le chant,
Ezra et Maybelle mettent au monde la petite June Carter, et un peu l’apprentissage d’un instrument
plus tard sa sœur Anita. Au départ, June est plus attirée par les ou l’immersion dans une autre
études universitaires que par la musique. Mais la tradition musicale identité. Pour la musique, un gosse
familiale est prégnante et la jeune fille succombe aux charmes de peut se projeter immédiatement
la musique country qui envahit son quotidien, puisque dès le début dans l’exercice, il n’a souvent qu’à
des années 50, la Carter Family s’installe à Nashville. Celle qui se fait reproduire ce qu’il entend et voit…
appeler Mother Maybelle (Carter) reprend les reines avec ses deux Il est d’autre part, sans doute plus
filles, June et Anita. On voit cette nouvelle mouture de la « Family » facile pour un enfant d’acteur de
se produire régulièrement au Grand Ole Opry. June côtoie alors les profiter de l’héritage, mais aussi de
plus grands artistes dont Elvis Presley. Elle épouse Carl Smith, artiste se forger son propre style puisque
connu lui aussi dans le milieu, avec qui elle aura une fille, Carlene de toute façon, il faudra qu’il
qui deviendra bien plus tard, outre la fille adoptive de Johnny Cash, interprète des personnages qui, par
l’épouse du songwriter anglais Nick Lowe. Elle fera et fait encore une essence, sont quelqu’un d’autre…
belle carrière dans le country rock. Mais June avant cela fait surtout la connaissance du nommé
Johnny Cash qu’elle finira par épouser (en 1968). Cash sort aussi d’un premier mariage assez
mouvementé ayant donné naissance à Rosanne qui mène elle aussi une carrière fructueuse et dans
la même mouvance musicale.

WOODY GUTHRIE & PETE SEEGER

Les deux artistes sont certainement les deux plus grandes figures du folk américain.
Par leur engagement social et politique, ils engendreront le mouvement du début des
années 60 appelé « protest song ». Woody est un « hobo », un vagabond solitaire qui
parcourt le pays avec sa guitare brandie comme une arme, prônant les luttes syndicales
et composant au passage quelques chansons qui deviendront les archétypes de cette
mouvance engagée (« Do Re Mi »). Il croise évidemment la route d’un autre tribun,
folk singer de légende, le grand Pete Seeger qui sera le porte-drapeau de la déferlante
folk à venir, de Bob Dylan à Joan Baez en passant par Phil Ochs ou Tom Paxton. Les
deux artistes uniront leurs forces et formeront, un temps, le duo The Almanac Singers.
Woody mettra au monde un fils, Arlo, qui deviendra, musicalement parlant, son digne
successeur. L’héritage aurait pu être un lourd fardeau tant le père faisait autorité,
pourtant le fiston, assez doué et très bon guitariste/compositeur, saura tirer parti de
ce patronyme chargé d’histoire. Arlo Guthrie rebondit sur la vague « Dylan », comme
un jeune loup du folk branché affirmant une belle personnalité. Son premier essai discographique,
Pete Seeger
Alice’s Restaurant (1967), fait un tabac à l’époque, en saisissant l’air du temps. Il mène ensuite une
carrière discographique des plus prolifiques avec de très belles réussites (le titre « The City of New
Orleans »). La dynastie se développe avec l’arrivée de sa propre fille, Sarah Lee qui, aux côtés de son
compagnon Johnny Irion, suit une carrière tout aussi exemplaire. Ils forment un duo plus ou moins
acoustique mélangeant rock et country folk. Quant à Pete Seeger, outre le fait de partager le succès
avec sa sœur, Margaret « Peggy » Seeger et son frère, Mike Seeger, il met au monde deux filles, Mika
et Tinya qui chacune à leur façon feront encore résonner la musique de ce pape du folk.

HANK WILLIAMS L’ÉCORCHÉ VIF

Il est le promoteur d’un folk original et très intimiste qui viendra se fondre dans la musique country.
Son œuvre va donner de la vigueur à ce courant naissant. Son charisme et sa propension à
composer des titres qui sonnent comme des hymnes lui procurent un immense succès. Il roule de
ville en ville sans trop se soucier de sa fragile santé. Ce manque d’hygiène de vie lui sera fatal. Il
décède très jeune, à l’âge de 29 ans, prématurément usé aussi par quelques excès. Il laisse malgré

53

tout une oeuvre considérable et surtout il a eu le
temps d’organiser sa descendance. Il a un fils,
Hank Williams Jr. et une fille prénommée Jett.
Le fiston tire vite partie de ce patronyme en se
lançant dans la country pure et dure, bénéficiant
de l’aura de son père, mais il doit durement
batailler pour gagner sa crédibilité. Pour Jett, les
choses sont plus compliquées, elle doit passer
par la justice pour faire reconnaître sa paternité.
Mais elle finit par imposer son prénom et officie
maintenant dans la même veine musicale que
son frère. Elle naît en fait d’un second mariage,
peu avant le décès de Hank père, et sera par la
suite adoptée par sa grand-mère. Mais la filiation
est maintenant reconnue… La dynastie s’allonge
encore lorsque les petits enfants, Hank Williams
III et Holly Williams se jettent aussi dans l’arène.
La pérennité du nom est donc assurée pour
longtemps…
LA DESCENDANCE DES FAB FOUR
Faisons un grand saut dans l’histoire ; Lennon,
McCartney, Harrison et Starkey, sont les quatre
garçons dans le vent qui formèrent quelque
chose comme le plus grand groupe de l’histoire
de la musique populaire, sans doute le plus
créatif… Nos quatre demi-dieux ont tous, à un
moment ou à un autre, procréé, car après tout
ils n’étaient que des humains (peut-être pas tout
à fait comme les autres). En pleine Beatlemania,
John, secrètement marié à Cynthia, deviendra le
papa de Julian (1963). Il aura, bien plus tard, un
54 Guitare sèche le mag
second fils avec Yoko, Sean (1975). Ringo sera
le père de Zak (1965). George devra attendre
de divorcer de Pattie, sa première femme, pour
donner naissance, avec la seconde, Olivia, à
Dhani, en 1978… Quant à Paul, il va constituer
une véritable petite tribu. Il adopte d’abord
Heather, la fille de Linda, issue d’une première
liaison. Après avoir épousé Linda, il met au
monde deux autres filles, Mary, Stella et enfin
un garçon, James. Linda décède tragiquement
d’un cancer (en 1998). De son second mariage
avec Heather Mills, naît enfin la petite Beatrice,
cinq enfants donc au total. Rassurez-vous, les
kids vont tous bien et plusieurs ont flirté avec
la célébrité, malgré l’énorme challenge imposé
par la renommée hors normes des papas. Julian
tente vite sa chance, avec un timbre vocal
proche de celui de John mais avec sans doute
le génie du songwriting en moins. Zak, tout
comme son père, est un batteur de première
classe. Il bosse si bien qu’on le retrouve très vite
auprès des plus grands noms du rock comme
les Who dont il assure la tournée Quadrophenia
(1996) et Oasis avec qui il collabore de 2004 à
2008. On découvre Dhani lors du Concert For
George (au Royal Albert Hall, en 2002) organisé
par Eric Clapton, suite au décès du Beatle dit
« calme » (quiet). Dhani est la réplique exacte
de son père, mêmes traits, même voix, mais un
jeu de guitare inférieur à celui de son paternel, il
en reste quand même la parfaite continuité, pas
besoin de test ADN !… Il gère sans doute le vaste
patrimoine de son père et mène néanmoins une
sympathique petite carrière discographique.
James, le « boy » de chez les McCartney, fait
aussi dans la chanson pop. On le croise parfois
auprès de Paul, en studio ou sur scène, sur la
tournée US en 2008. Il officie malgré tout
dans l’ombre de l’un des plus grands (et riches)
auteurs de chansons et il revendique enfin un
album personnel, The Blackberry Train (2016)
ainsi que trois EP. Attendons la suite ! Chez les
demoiselles, Stella a réussi à se faire un nom
dans le milieu de la haute couture et ce depuis
plusieurs années. Les autres semblent vivre leur
vie sans trop s’exposer. Quant à Sean Lennon, il
reprend le flambeau à sa façon. Il opte pour une
musique assez avant-gardiste que n’aurait pas
reniée son père. Mais, il est, de ce point de vue,
plus proche de l’esprit aventureux de sa maman,
Yoko Ono. Il a été question, sporadiquement,
que les fils forment un GROUPE… Mais
apparemment ce n’est pas aussi simple que ça !
LADIES & GENTLEMEN,
THE ROLLING STONES
Le sens de la famille est différent chez nos cinq
(ex)voyous chevelus. Ils font aussi des enfants,
mais, à part ceux de Sir Mick, peu sont tentés
par les fastes du showbiz. Tous les Stones ont
pourtant procréé, notamment Brian Jones à qui
l’ont prête de nombreuses progénitures. Dans la
famille Jagger donc, Jade fille de Mick et Bianca,
est designer de bijoux et aussi photographe.

Elisabeth la fille de Mick et Jerry Hall est
mannequin tout comme le sont Alexandra et
Theodora Richards, filles du célèbre guitariste.
Toujours dans la famille Richards, Marlon, fruit
de la relation sulfureuse formée par Keith et
Anita (Pallenberg) ne fait guère trop parler de
lui. Il a fini par se lancer dans le graphisme et
le design et fréquente parfois du beau monde
(il est ami avec Johnny Depp et Liv Tyler),
mais sans plus. Les progénitures de Bill et de
Charlie ne font pas de vagues spéciales. Ronnie
Wood est le père de six enfants, trois filles et
trois garçons eux-mêmes parents de six petits-
enfants, belle dynastie mais à priori personne
dans le domaine artistique…
UNE TRIBU NOMMÉE MARLEY
La vie de Bob Marley fut courte, trop courte.
Musicien fédérateur de grand talent, il fit
découvrir le reggae au monde occidental et
même au continent africain auquel il se référait
sans cesse. Il aimait les femmes et était aimé de
celles-ci. Néanmoins, il se marie avec Rita avec
qui il a cinq enfants. En dehors de l’officielle, on
lui prête sept relations sérieuses et un total de
onze enfants dont la plupart ont entrepris une
carrière dans la musique… Peut-être les gènes
dans ce cas précis ! Ziggy Marley, très proche
de la figure paternelle, semble tirer son épingle
du jeu avec un beau succès, mais Ky-Mani,
Damian et Julian ne sont pas en reste et font
résonner le nom encore haut et fort. Mais pour
appréhender toute la descendance, il faudra
malgré tout dessiner un arbre généalogique en
bonne et due forme…
STING
QU’À FAIT LA POLICE ?
Le flic en chef est papa de six enfants nés de
plusieurs unions. Il aime les actrices, puisqu’il
en épouse deux, pas en même temps ! Non…
Avec Frances Tomelty, il conçoit Joseph qui
formera le groupe Fiction Plane, dans un style
assez proche de celui du père et avec un certain
succès. Arrive Fuchsia Katherine (dit Kate) et
Bridget qui fait aussi l’actrice, puis Jake et enfin
Eliot Paulina, dit Coco, qui sera chanteuse du
groupe, un peu moins célèbre, I Blame Coco.
Sting épouse en secondes noces l’actrice Trudie
Styler avec qui il met au monde Giacomo. Entre
cinéma et musique, on reste dans la tradition
familiale.
PAUL SIMON ET SIMON FILS…
En plein succès avec le célèbre duo Simon
& Garfunkel, Paul épouse Peggy Harper. De
cette union naîtra, en 1972, un fils qu’ils
appelleront, sans doute avec humour, Harper.
Le jeune Harper en question est très proche
de son père et baigne tout naturellement dans
l’atmosphère des studios et des tournées. Il
PAPA CHANTEUR…
ne sera donc ni avocat ni médecin mais bel et
bien chanteur/compositeur. Simon est en soi Le grand, l’immense Frank Sinatra,
crooner devant l’éternel, verra sa fille
chérie, Nancy Sinatra, mener elle aussi
une fabuleuse carrière, bien sûr, dans
un registre plus « rock’n’roll », (« These
Boots Are Made for Walkin’ », 1966 )
son frère Frank Sinatra Jr ne fera qu’un
bref passage durant les années soixante
en tant que chanteur. Elvis Presley aura
une fille unique, la délicieuse Lisa Marie
Presley. Malgré la tentation, elle refuse
dans un premier temps à pousser la
un nom fort commun chez les Anglo-saxons, chansonnette. Elle cédera quand même
un peu comme Durand chez nous, mais dans le aux mirifiques propositions en offrant
domaine musical, le nom est classé monument trois albums sortis entre 2003 et 2012.
historique. Accoler à ce nom célébrissime un Sur Now What qui paraît en 2005, elle
nouveau prénom semble être un redoutable reprend superbement le titre « Dirty
défi. Pourtant, Harper n’hésite pas à le relever. Il Laundry » de Don Henley (Eagles).
n’atteindra sans doute pas la notoriété de Paul, Tony Joe White, qui hélas vient de
nous quitter, est père de deux enfants,
la douce Michelle qui sort d’excellents
albums ( dont Memphis en 1997) et
le fils, Jody qui coécrit les chansons
et co-produit les albums avec le papa.
L’emblématique pop star Lenny Kravitz
parraine sa fille Zoë qui chante, joue et
fait le mannequin... La liste serait longue
si nous devions citer ici tous les fils/filles
« de » qui ont suivi la voie parentale…
Guitare sèche le mag 55
 mais son travail est très intéressant. Avec
deux albums en poche, Harper Simon
(2009) et Division Street (2012), le fils
se fraye un petit chemin. On distingue un
certain air de famille, mais assumé, voire
encouragé par la bienveillance du père…

FRANK ZAPPA, TU QUOQUE MI FILI
(TRADUIT DU LATIN PAR « TOI AUSSI
MON FILS »)…
Farfelu notoire, rat de studio, bête de scène,
compositeur hors pair et aussi guitariste
inspiré, ce génie baroque du rock aura aussi
pris le temps, entre deux tournées, de fonder
une famille… Après un second mariage avec
Adelaide Gael Sloatman, il donnera naissance à
quatre enfants, Moon, Dweezil, Ahmet et Diva.
Zappa, décédé jeune (à 52 ans en 1993), laisse
un énorme héritage musical. Dweezil semble
être tombé directement dans la marmite. Il
saisit vite une guitare et travaille son propre
jeu en prenant des cours avec Steve Vai. Il
s’associe brièvement à son jeune frère Ahmet,
mais les frangins se brouillent. Après des débuts
prometteurs avec ce prénom iconoclaste,
Dweezil décide de promouvoir l’art de son
défunt paternel et s’adonne à fond à la musique
de Frank qu’il promeut à travers le globe sous
l’appellation de Zappa Plays Zappa, tout est dit…
Avec le fils Rufus, nous sommes ici en présence
d’un des rares cas où la progéniture sera peut-
être plus célèbre que le géniteur. En effet, le
fiston a su porter ce nom au firmament d’un
succès international. Le jeune Rufus débute en
1998 et reçoit d’emblée la reconnaissance du
public. La filiation musicale entre le père et le fils
n’est pas évidente, car Rufus se veut en rupture et
s’aventure vers des choses à couleur électro pop,
genre jamais visité par le papa. Mais ce n’est pas
tout, la jeune sœur Martha n’est pas en reste et
veut aussi faire partie de l’aventure. Elle est née
en 1976 et se lance en 2005 avec un premier
album au titre éponyme, Martha Wainwright.
Contrairement au frangin, elle ne rejette pas
l’héritage folk de papa auquel elle ajoute juste un
petit traitement pop du plus bel effet.
WILLIE NELSON LE PATRIARCHE
On ne présente plus cet immense artiste
(85 printemps). Il est le pilier de la country
dissidente, mais aussi de la musique américaine
tout simplement. Il a refusé de se plier aux
codes imposés par le « Nashville sound », car
il préfère piocher dans toutes sortes de styles
qui le motivent tout autant. Il enrichit ainsi sa
musique qui prend une tournure intemporelle.
On l’a croisé au cinéma et à la télévision, où il
joue souvent son propre rôle. L’homme a fourni
une discographie inouïe et semble (encore et
toujours) infatigable. Mais, mine de rien, la relève
est assurée. Willie se marie jeune avec Martha
Matthews. Ils ont trois enfants, Lena, Susie et
Billy, mais leur relation est mouvementée et la
vie de famille, sous les frasques de Willie finit par
exploser. Il faudra encore trois autres mariages
pour que Willie se fixe enfin avec une certaine
Annie D’Angelo qui lui donne deux autres fils,
Lukas et Micah, qui s’impliqueront tous deux
dans la musique. Le premier mène à bien son
aventure avec son groupe Promise Of The Real
dont nous avons dit le plus grand bien dans nos
colonnes. Guitariste doué, il muscle son propos
country par de grosses doses de rock’n’roll, ce
qui n’a jamais fait de mal à personne. Micah
n’est pas en reste, tout comme Lukas, il a baigné
durant toute son enfance dans le giron de papa,
sur scène et en studio. Avec son groupe, Insects
Vs. Robots (ça ne s’invente pas), il est sans
doute plus expérimental que son aîné Lukas,
mais l’esprit familial « rebelle » reste intact…

LOUDON WAINWRIGHT III,

PÈRE, FILS ET SŒUR
L’artiste est assez confidentiel en France, mais
reste une référence importante dans son pays
natal, les USA. Il produit un folk puissant bien
qu’acoustique, dans l’esprit du storytelling qu’il
enrichit de larges traits d’humour noir. Il est
encore temps de vous pencher sur son œuvre,
très riche. Son dernier opus, Haven’t Got The
Blues, date de 2014, mais avant cela il draine une
bonne vingtaine d’albums tous passionnants.

56 Guitare sèche le mag

MARTY WILDE
MA FILLE SERA « POP MODEL »…
On remonte à nouveau dans le temps sera révélé aux foules, avides de nouveautés, au festival de Monterey, en juin 1967 et ce tremplin lui
comme avec la machine du même nom et sera bénéfique durant toute sa vie jusqu’à son décès en décembre 2012. Entre temps, il aura mis au
on se transporte en Albion, à la toute fin des monde deux filles et un fils, Norah, Anoushka et Shubbo. Ce dernier reprend la pratique du sitar et sa
années 50. Il n’y a pas de Stones et pas de sœur Anoushka suit le même chemin, s’adonnant aux ragas indiens, en collaboration avec son père.
Beatles encore à l’horizon, tout juste un jeune Elle a par ailleurs travaillé auprès de nombreux artistes comme Madonna, Elton John, Lenny Kravitz
Cliff Richard et son groupe, The Drifters qui et même Peter Gabriel. Norah, sans doute la plus célèbre des trois, choisit de s’appeler Jones, du
deviendront The Shadows, qui donnent un peu nom de sa mère et part à contre-courant du reste de la fratrie (ils ne sont en fait que demi-frères
le change face à la musique des grands frères et sœurs car, de mères différentes). Norah délaisse quelque peu ses racines pour explorer, avec
américains, Elvis et compagnie. Marty Wilde succès, le jazz, le folk, et même le rock à couleur country. Ses albums se vendent fort bien et elle est
porte bien le costume du rocker et adopte aussi courtisée par les plus grands. La descendance s’active…
fièrement « la rock’n’roll attitude » qui fera de
lui un des pionniers du genre au Royaume-Uni. Il TIM ET JEFF, BUCKLEY
a pour concurrents Tommy Steele, Billy Fury ou
encore Johnny Kidd et ses dangereux Pirates, Un triste sort s’abat sur cette mini dynastie qui bien que courte n’en fut pas moins brillante. Tim
mais, doté d’un organe puissant et d’un look Buckley était un songwriter aventureux qui n’hésitait pas à mélanger le folk avec le jazz, le funk, la
« beau gosse », il s’en sort haut la main. Même soul et même le rock, c’est-à-dire à peu près tout ce qui lui tombait dans l’oreille. Mais, alors que
s’il se range des voitures assez vite, il reste une cette cuisine trop riche aurait pu être indigeste, la sienne donna quelque chose de très authentique.
icône de la première vague du rock anglais. C’est Malheureusement, tombé dans le piège de la dope, l’artiste décèdera jeune, à l’age de 28 ans,
en 1960 que naît sa charmante progéniture, la laissant en plan tout le potentiel de son talent. Avant de quitter ce monde, il donne naissance à Jeff,
blonde et belle Kim Wilde. Il est écrit que son qui bien plus tard reprendra le flambeau. Tout aussi aventureux que son père, Jeff fait sensation
destin sera « pop » ou ne sera pas. Elle a de lorsqu’il débarque en 1994. Sa musique, belle, légère et éthérée séduit les foules. Comme son père,
qui tenir, car son père est donc « rocker » et sa la malédiction vient à nouveau frapper à la porte lorsqu’il se noie par accident, alors qu’il n’a que
mère, Joyce Baker, assure le chant dans un « girl 30 ans. Il laisse un magnifique premier et unique album, Grace (1994) qui laissait présager de très
group », The Vernons Girls. Toute la matière est grandes choses.
donc à portée de main, à la maison. Après de
courtes études de design, elle a à peine 20 ans
lorsqu’elle décide de tenter l’aventure. Nous
sommes à l’orée des années 80, et elle profite
de la new wave naissante à laquelle elle offre
sa fraîcheur et sa blondeur. Son premier essai,
le single « Kids In America », est un succès
immédiat. Dotée d’une belle voix rock, elle a
tout pour plaire et elle plait ! En 2013, après
plusieurs années d’accalmie, elle sort l’album
Wilde Winter Songbook, le treizième d’une
longue et belle série. Elle a aussi un frère, Ricky,
et une sœur, Roxanne qui tentent leur chance,
mais seule Kim tire les marrons du feu…

RAVI SHANKAR
DE BÉNARÈS À NEW YORK…
Grâce à George Harrison, ce musicien
exceptionnel, maître du sitar, a pu faire
connaître au monde entier les subtilités de la
musique indienne. Le psychédélisme et, par
voix de conséquence, le rock, s’est entiché un
moment de ces sonorités venues d’ailleurs. Il

57

JOHN LEE HOOKER
ET L’ESPRIT DE FAMILLE
Nul besoin de retracer ici la carrière de
ce monument du blues. Tout comme
ses prédécesseurs, Robert Johnson ou Big Bill
Broonzy, il passait son temps à parcourir le pays
d’est en ouest et du nord au sud. C’était, pour
ces mercenaires du blues, une question de
survie et sans doute la manière qu’ils avaient
de pouvoir subvenir à leur propre famille.
Ces artistes vagabonds n’étaient donc pas si
solitaires que ça. Concernant John Lee, on lui
connaît trois épouses officielles, d’abord Alma
Hopes qui lui donnera un enfant, ensuite Maude
Mathis qui entre 1944 et 1969, lui donnera six
enfants. Enfin, il rencontre Sarah Jones dont
il finit aussi par divorcer. Né en 1952, John
Lee Hooker Jr. semble décidé à reprendre la
boutique en modernisant légèrement le propos.
Il sera malgré tout freiné dans ses efforts par
une addiction aux substances illégales qui le
parasite complètement. Zakiya Hooker, bien que
s’avouant « délaissée » par son père, se lance
aussi dans le blues et ne renie pas l’héritage.
Sa voix est puissante et le groove toujours
présent sur ses quatre albums disponibles dont
l’excellent Flavors Of The Blues sorti en 2004.
Diane, Karen, Lavetta et Frances portent le
même patronyme, mais se font plus discrètes.
LA SAGA DES
MCKINLEY MORGANFIELD
Son nom d’artiste est Muddy Waters et il est
une figure majeure de l’histoire du blues. Tout
comme John Lee Hooker ou Howlin’ Wolf, il est
aussi le chaînon manquant entre les noirs et les
blancs qui abordèrent cette musique. Les jeunes
musiciens anglais, avides de culture américaine
comme les Stones, se frottent à ses classiques
pour se forger leur propre identité. Mais Sans
Muddy, pas de « Rolling Stones », dont le nom
58 Guitare sèche le mag
LE BLUES EN HERITAGE
de groupe est choisi d’après l’un de ses titres.
Mais, Muddy est aussi le « parrain » de sa
communauté, les bluesmen noirs qui forgeront
le Chicago Blues, sublimation électrifiée de celui
des origines, le Delta Blues. Chuck Berry, Willie
Dixon, Little Walter, Junior Wells, Buddy Guy et
bien d’autres encore, tous s’abreuveront à la
source de ces « eaux boueuses ». Six enfants
portent le nom de McKinley Morganfield, dont
certains propagent encore la renommée. Le
plus jeune s’appelle Joseph et se jette à l’eau lui
aussi. Mud, l’aîné, est aussi un artiste respecté
dans le genre. Mais Big Bill Morganfield est sans
doute le plus remarqué car le plus remarquable.
Il reprend les choses là ou papa les avait
laissées, avec une bonne dose d’énergie. Sa
discographie riche de sept albums est la plus
cohérente de la fratrie.
CHUCK BERRY,
LE « SUGAR DADDY »…
Inutile d’expliquer l’importance de cet artiste
dans la musique populaire. Il a donné ses lettres
de noblesse au rock’n’roll des pionniers avec ses
textes uniques basés sur la poésie du quotidien.
Voici pour les lyrics, car pour la musique, et
notamment son jeu de guitare, il est au rock ce
que T. Bone Walker est au blues, c’est-à-dire le
grand initiateur. La torsion qu’il exerce sur les
cordes donnera des idées à la terre entière. Plus
qu’un article ou un « dossier », c’est un livre
entier qu’il faudrait lui consacrer pour donner la
mesure de son génie. Charles « Chuck » Berry
épouse Theretta Suggs en octobre 1948. Le
couple donne vie à une petite fille, Darlin Ingrid
Berry. La famille s’agrandira au fil du temps avec
Aloha, Melody, et enfin un garçon qui, dans la
tradition patriarcale, prend le nom de Charles
Berry Jr. Le fils n’aura certes jamais la notoriété
de son « daddy », mais il est dans le champ
depuis sa plus tendre jeunesse. C’est à lui que
l’on doit la réalisation du magnifique dernier
album (posthume) de feu Chuck Berry, juste titré
Chuck (2017)…
NATHALIE COLE, NENEH ET
EAGLE-EYE CHERRY,
LE JAZZ AUSSI…
On s’éloigne un peu du blues, mais le jazz en est
sans doute une autre forme plus sophistiquée.
Nat King Cole fut l’un des grands crooners de
ce mouvement. Il transmet sa voix veloutée
et son sens de la mélodie à sa jeune et belle
fille Nathalie qui ne perd rien de cet héritage
précieux. Tombée dedans dès l’enfance, elle n’a
aucune difficulté à reprendre le flambeau. Elle
officie dans une musique plus policée et sans
doute plus « pop ». Elle mène une magnifique
carrière avec une bonne quinzaine d’albums
à son actif. Il en va un peu de même, dans un
genre différent avec le jazzman Don Cherry,

chantre de ce qu’on appellera le free jazz. Sa fille
Neneh (Marianne) se fait remarquer, lorsqu’elle
crée avec le chanteur africain Youssou N’Dour,
le titre « 7 Seconds » qui deviendra un tube
magistral. Sa voix et son groove si spécial
comptent beaucoup dans la musique noire
d’aujourd’hui dont elle devient une référence.
Quant au petit frère, Eagle-Eye, il suit le même
chemin, avec moins de tubes à son actif, mais
avec un son « électro pop » très personnel et
une belle poignée d’albums réussis.
EN VRAC ET DANS LE DÉSORDRE
Steven Tyler, du groupe Aerosmith est le père
le Liv Tyler, actrice de son état. Lilly Winwood,
fille de Stevie, chante comme son père, avec
passion. La fille de Judy Garland, Liza Minelli,
encore plus célèbre que sa maman, est actrice,
chanteuse et danseuse… Little Pixie Geldof, fille
de Bob, chante, et pose aussi comme modèle.
Le chantre du métal lourd, Ozzy Osbourne (Black
Sabbath) élève six enfants dont sa fille Kelly qui
chante et joue la comédie. Shouter (Waylon)
Jennings est le fils unique de Waylon Jennings,
artiste iconoclaste de musique country, il chante
aussi. Eddie Van Halen, guitariste du groupe
Van Halen, a un fils qu’il baptise modestement
Wolfgang. Ce dernier devient bassiste (et finit
par officier au sein même du groupe de papa).
Dans la catégorie folk, Steve Earle offre un
refuge à son fils qu’il prénomme Justin Townes,
par amitié pour Townes Van Zandt. Ian Dury,
leader des délurés Blockheads, eut aussi un
rejeton, Baxter. Ce dernier suit les traces de son
père avec un certain succès. Les manouches
aussi perpétuent la filiation musicale dans
la tradition gitane. C’est pour eux l’évidence
même, car les liens du sang sont la base leur
fonctionnement. L’immense Django Reinhardt
eut deux enfants, deux garçons. Tout comme
BATTEURS, LES FILS À PAPA…
Quoi de plus physique que la batterie ?
Cette pratique quasiment héroïque ne
peut laisser aucun enfant indifférent,
mais de là à en faire un métier... Quelques
courageux ont tenté l’aventure. Phil
Collins est le célèbre batteur de Genesis,
son enfant, Nicholas sera batteur aussi…
Richard Starkey dit Ringo est batteur
chez les Beatles, malgré la grosse
pression, Zak, le fils, devient batteur.
John Bonham, est le batteur tout en
muscles de Led Zeppelin, il apparaît
évident que son fils Jason reprenne les
baguettes. Le guitariste Steve Howe
joue dans le groupe Yes. Il a deux fils qui
ne seront pas du tout guitaristes, mais
batteurs ! Dylan Howe se jette corps
et âme sur cet instrument et devient le
batteur, entre autres, des Blockheads
nouvelles formule. Le frère cadet, Virgil,
étudie aussi la batterie et collabore avec
son père avant de décéder brutalement
en 2017. Jay Weinberg est le fils de Max,
officiant chez Bruce Springsteen, il sera
aussi batteur. L’iconoclaste Ginger Baker
inculque les rudiments à son fils Kofi, qui
se pique de dépasser le maître, depuis,
c’est la guerre entre le père et le fils…
ILS FONT LEUR CINÉMA
Acteurs, metteurs en scène, cinéma,
théâtre, télévision, toutes ces activités
ont tendance aussi à fasciner les
descendances, et les vocations naissent
souvent naturellement. Francis Coppola
voit sa fille Sofia d’abord jouer puis
ensuite faire de la mise en scène.
Clint Eastwood sera une influence
majeure pour son fils Scott qui reprend
la succession sans sourciller. Claude
Brasseur, lui-même fils de l’acteur
Pierre, sera comédien ainsi que son fils
Alexandre. Louise Chabat est actrice
et fille du comédien/metteur en scène
Alain Chabat. La fille De Patrick Dewaere,
Lola se montre au cinéma, au théâtre et
même à la télévision. Sara Giraudeau est
le fruit de l’union de Bernard du même
nom et Anny Duperey. Elle excelle sur
les planches et derrière la caméra.
Isabelle Huppert voit sa fille Lolita
Chammah devenir actrice au cinéma
comme au théâtre. Sistine Stallone,
peu connue en France, est pourtant
actrice de renom et fille de Sylvester
Stallone. Idem pour Lily-Rose Depp, fille
de Johnny Depp et de Vanessa Paradis,
qui est actrice et mannequin. Pour finir
sur une note musicale Alexandra Zarah
Jones, surnommée Lexi, n’est autre que
la fille de David Bowie et du mannequin
Iman, compagne de ce dernier, en toute
modernité, elle est hyper célèbre sur les
réseaux sociaux…
59
 Tous deux font parler d’eux dans la musique.
Idem pour Voulzy, Nicolas et Julien reprennent le
flambeau, et parfois, les enfants d’Alain bossent
avec les enfants de Laurent… Izia Higelin, fille
du grand Jacques, chante et joue avec le même
talent, alors que son frère Arthur (H) donne dans
le jazz branché. Un autre Arthur, Le Forestier, fils

leur père, la guitare fut leur langage. Babik et

Henri à leur manière poursuivirent le projet de
leur père. Babik décède en 2001 et Henri en
1992, mais laissent une musique précieuse.
Matelo Ferret, collaborateur de Django, aura
deux fils, Boulou et Elios Ferré. Leur apport à la
guitare manouche moderne est inestimable.

aura Lulu, petit bébé devenu grand qui à son tour
veut se faire entendre. De son côté, Jane Birkin
concevra Lou avec le cinéaste Jacques Doillon.
Cette jolie jeune fille oscillera entre chanteuse et
mannequin. Stephen Stills et Véronique Sanson
ont un fils, il s’appelle Christopher. Ce dernier
hérite de la créativité des deux et sort quelques
bons albums. Laurent Voulzy et Alain Souchon,
le tandem gagnant de la pop française, ont eux
aussi leur descendance qui prolonge l’aventure.
Souchon a deux fils, Ours (Charles) et Pierre.
de Maxime, possède le même grain de voix que
papa et le jeu de guitare qui va avec. Aurélie
Cabrel, sur les traces de son père, opte pour une
americana à la Française du plus bel effet. Joe
Dassin eut trois fils, Julien, Joshua et Jonathan.
Ce dernier semble décidé à donner de la voix,
elle n’est pas si éloignée de celle de son père,
bonne chance au fiston car enfin, il décide de
se lancer dans les « métier ». Matthieu Chedid,
le fils de Louis, est devenu l’un des meilleurs
guitaristes de l’hexagone, avec quelques albums

LES « MADE IN FRANCE »

Dans l’hexagone aussi, le relais se transmet
de père en fils, de mère en fille et vice-versa.
Commençons par Serge Gainsbourg. Avec Jane
Birkin, il aura Charlotte, qui joue la comédie et
chante lorsqu’elle en a envie. Avec Bambou, il

60 Guitare sèche le mag


saignants à la clé qui le prouvent. Idem pour son
pote Thomas Dutronc, fils de qui vous savez
et de la délicieuse Françoise Hardy. Thomas
fréquente le gratin de la guitare manouche
et joue lui-même de façon exceptionnelle. Il
vient de sortir l’excellent Live is love qui capte
tout son talent en concert. Enfin nous allons
conclure ce listing non exhaustif avec l’un des
monuments du « patrimoine », célébré comme
tel lors de son décès en décembre 2017, Johnny
Hallyday, dit aussi le « rocker » français. Johnny
et Sylvie (Vartan), le couple glamour formé par
les deux idoles, eurent un fils (en 1966), David.
Il était impensable que ce dernier soit notaire,
comptable, flic ou je ne sais quoi, il fut donc
musicien, bien sûr, d’abord batteur, chanteur
et enfin guitariste, compositeur et même
producteur pour son géniteur sur l’album Sang
pour sang (1999). Enfin, notre héros national
épousa aussi l’actrice Nathalie Baye avec qui il
eut Laura Smet, qui prit le vrai nom de Johnny
pour l’état civil. Laura, célébrée dans la chanson
du même nom, fera l’actrice comme maman.
Elle fera une tentative dans la chanson sur le
titre « On se fait peur » en duo avec son demi-
frère David, sur l’album Un nouveau monde
(2010). Après tout, si l’on met de côté Jules
César trahi par l’un de ses fils, Brutus, c’est
bel et bien le grand auteur Français Alexandre
Dumas père, qui commença ce genre de sagas
en confiant le soin de poursuivre son oeuvre à
Alexandre Dumas fils…•
Tony Grieco
JAKOB DYLAN
Le fils prodige
C’est sans doute le nom le plus
difficile à porter. Le risque suprême
étant la comparaison avec l’une des
plus célèbres icônes de la musique
populaire. Jakob, issu d’une fratrie de six
membres, est celui qui malgré tout reste
le plus proche de l’image paternelle,
puisqu’il choisit la musique, alors que
son frère Jesse sera réalisateur au
cinéma. Jakob a l’intelligence de ne
prendre chez son père que ce qu’il voit
d’intéressant, l’intégrité artistique et la
lucidité. Lorsqu’il se lance, les temps ont
changé et il sait qu’il ne sera plus dans
les fulgurances des sixties, qui ont vu
son père devenir un genre de messie.
De Bob, il hérite de ce visage anguleux
au regard intense et de sa mère Sara,
la douceur féline et la frêle silhouette.
En se fondant dans un groupe, The
Wallflowers, il prendra soin de ne pas
singer ou copier le propos de son père,
ce qui le condamnerait sans doute à la
redite. Un beau grain de voix, malgré
tout, les réunis et la lignée familiale
n’est pas complètement absente.
Jakob mène une carrière un peu moins
éclatante, mais il a désormais sa place
dans le paysage, fort de six albums avec
The Wallflowers et de deux en solo dont
l’excellent Seeing Things sorti en 2008.
61
 MIKE LEWIS
Luthier du mois

de Fine Resophonic
Peu de luthiers en France peuvent s’enorgueillir d’avoir compté parmi ses clients Eric Clapton, Georges Harrison
et John Campbell ainsi que Johnny Hallyday et nombre de pointures hexagonales comme Eric Sauviat. Pourtant
l’anglais et parisien d’adoption Mike Lewis, seul homme derrière la marque Fine Resophonic, est du genre discret.
L’occasion nous a été donnée de le rencontrer et d’évoquer sa carrière et la philosophie qui sous-tend son travail.
Une belle leçon d’humilité et de pragmatisme.

Comment en arrive t-on à passer de

Liverpool à constructeur de guitares à
résonateur en France ?
Je suis né à Liverpool et je voyageais en Europe
vers 1976. Je suis passé par Paris, je ne suis
jamais rentré. J’étais à l’époque patronnier
pour vêtements féminins, c’était ma formation
de base. En France, pas moyen de trouver un
job dans cette branche, et je suis tombé sur
une boîte qui proposait un travail de costumier
pour automates. Autant dire que j’ai sauté sur
l’occasion, c’est plus amusant que les vêtements
pour femmes !

C’est assez loin du bois tout ça.

Oui, mais peu après j’ai décidé de changer de
travail, et j’ai voulu devenir ébéniste, j’ai fait une
formation pour ça et c’est resté mon métier
pendant quinze ans. Parallèlement à ça je jouais
de la guitare dans un groupe de rock et en tant
qu’ébéniste ça m’a intéressé de me fabriquer
une Stratocaster, pour voir, et puis parce que
ce n’était pas très compliqué à faire quand on
sait travailler le bois un minimum. Et des années
plus tard, un ami qui s’appelle Mark Makin, que
je connais depuis l’âge de
16 ans et qui possédait
beaucoup de guitares m’a
montré mes premières
National. J’ai fini par en
acquérir quelques-unes,
à une époque où ça ne
valait pas aussi cher que
maintenant.
Quelques années plus tard
on se posait des questions
sur une guitare un peu
mythique, le tricone en
bois, dont il existe deux
photographies, toutes
deux retouchées et dont
personne n’a pu prouver
l’existence. Mark m’a dit

62

« j’aimerais bien savoir comment ça sonne ce
truc ». En rentant d’Angleterre j’ai sorti mon
tricone et je me suis dit que j’allais bien pouvoir
en faire une en bois ! Et c’est comme ça que ça
a commencé.
Juste pour voir donc ? Et ce premier
modèle sonnait comment ?
Bien, très bien même. Du coup je m’en suis fait
une deuxième, pour le fun d’une part et puis
parce que ça m’évitait d’acheter des National.
Le souci c’est qu’après la deuxième j’ai perdu
l’envie de fabriquer des meubles. Et puis j’ai
croisé John Campbell qui a essayé ma tricone
en bois et a décidé de m’en commander une.
J’ai opéré le changement entre ébéniste et
luthier progressivement.
Et comment t’es-tu fait un nom ?
Je traînais souvent dans le magasin de Rosine
et François Charle, on s’entendait plutôt bien et
un jour je lui ai demandé ce qu’il pensait de mes
instruments. Il a fait la tête du gars qui pense
« oh non, encore un luthier du dimanche qui
veut me montrer ses guitares... ». Moi je voulais
juste savoir quels étaient les défauts de mes
guitares, pour m’améliorer, tout simplement.
Après examen il m’a dit « c’est bien, très bien
même. Pourquoi ne ferais-tu pas le salon de la
musique pour voir ce que ça donne ? ». Ils m’ont
obtenu un petit espace sur leur stand et c’est
comme ça que ça a débuté. J’ai ensuite fait tous
les salons possibles. Il y a eu aussi des tests
positifs dans les magazines de l’époque, dont
Guitares et Claviers. La presse avait un impact
énorme. Avoir un banc d’essai c’était grandiose.
Du coup comment es-tu passé du bois au
métal ? Ce n’est pas exactement la
même chose.
J’avais un autre ami qui devait se lancer dans
la fabrication de caisses mais il n’a pas réussi
à s’y mettre. C’était terrible parce que d’une
part c’était en gros le premier tricone en métal
fabriqué depuis près de soixante-dix ans et moi
j’avais pris la commande auprès d’un client. Du
coup je me suis dit que si mon pote pouvait le
faire, j’en étais également capable. Et je l’ai fait…
La guitare existe encore, je la croise de temps
en temps.
Finalement c’est juste la matière qui
change mais pas le principe de la con-
struction ?
Oui, exactement, c’est comme cela que je vois
les choses. J’étais patronnier avant, j’ai changé
pour le bois et là je suis passé sur le métal. Le
découpage et l’assemblage changent un peu
mais on ne fait que fabriquer des guitares,
finalement c’est quasiment la même chose. Je
découpe les éléments et je les mets ensemble.
Au lieu de coller, je soude, c’est tout. Et puis
j’avais les modèles devant les yeux, mes vieilles
National, mon tricone de 1928 qui reste ce qui
a été fait de mieux à ce jour. Je n’avais qu’à
prendre exemple sur ce qui avait été fait et
essayer de le faire sonner aussi bien. Je reste
surpris d’avoir réussi du premier coup. J’étais
barge de pense que je pouvais y arriver. Et puis
du fait que je savais les jouer c’était facile pour
moi de corriger ce qui n’allait pas.
C’était à quelle époque ?
Les années 80, juste après Brothers In Arms de
Dire Straits. Il est certain que sans Mark Knopfler
qui a relancé la mode des National et créé une
demande pour des instruments neufs, je n’en
serais pas là aujourd’hui. Le dobro a toujours
fait partie de la musique populaire américaine
dès qu’il est apparu, mais les National ont été
quasi enterrées avec l’arrivée des premiers
amplificateurs électriques.
Quand as-tu cherché à t’éloigner de la
tradition et tracer ta route ?
Moi ? Je suis quand même très traditionnel.
Pourquoi faire mieux que Dopyera ? Il n’y a pas
mieux ! Il a trouvé le truc. Tu peux retourner
les choses dans tous les sens, pas moyen… Si
j’ai quand même apporté les beaux bois sur
les guitares à résonateurs. J’avais envie de ça.
63
 Avant c’était tout en bouleau.
Comme les manches en érable
également, ce n’est pas anodin.
Oui tu as raison, ça a une influence.
Mais au départ c‘était une
recherche esthétique ?
Oui absolument. Mais il faut savoir que,
à part les dobro, toutes mes guitares en
bois, de type National donc, sont en bois
laminés. Un National en bois massif c’est
juste immonde. Et il faut aussi se rappeler
que quand le bois laminé est arrivé, c’était
fantastique, un bois qui ne bouge pas avec
l’humidité, solide, etc. Il a fallu que je fasse mes
recherches car avec les matériaux disponibles
je n’étais pas totalement satisfait du son que
j’obtenais, donc j’ai commencé à faire mes
propres laminés, jusqu’à ce que je trouve ce
que je voulais. Ce qui explique que j’utilise des
mélanges différents pour les dos et les tables.
Donc concernant le son, j’ai toujours cherché
quelque chose qui me plaisait autant que mes
vieilles National. Pas quelque chose qui sonne
de façon identique, mais qui me plaise autant.
64
Une recherche d’émotion donc ?
Oui voilà. Et j’ai eu de la chance que ça plaise
également aux autres. Et j’ai tellement ce son
dans la tête que je peux reconnaître ce son quand
je l’entends sur un disque. Mais je n’y pensais
pas en ces termes au tout début. D’autant que
les résonateurs ne fonctionnent pas comme
les autres guitares, c’est très dépendant du
musicien. Si tu ne vas pas chercher le son toi-
même, il ne viendra pas tout seul. Curieusement
j’arrive assez bien à entendre quelle guitare irait
à quel musicien. C’est dingue comment certains
sonnent bien sur telle guitare et pas terrible sur
Vous voulez entendre
une guitare de Mike
Lewis en situation ?
Ecoutez le titre « Good
night Irene » sur l’album
Old Sock d’Eric Clapton.
Mike Lewis a été contacté
par un de ses clients fan
absolu de Clapton qui lui a
dit qu’il était probable que
le morceau ait été joué avec
son dobro. Mike a eu ensuite la
confirmation par le guitar-tech
d’Eric qu’il s’agissait bien de la
guitare qu’il avait construite.
une autre. Il faut prendre le temps de choisir.
Tu fabriques beaucoup ?
Non, enfin ce qu’il faut pour vivre correctement.
J’ai envie de passer le temps qu’il faut pour
fabriquer correctement un instrument. Pas
comme quand je me suis retrouvé sur des
chantiers à enchaîner les pièces et me sentir à
l’usine. Je n’ai pas changé pour faire les choses
sans plaisir. J’ai essayé une fois d’aller plus vite
et fabriquer trois instruments en même temps.
Plus jamais ça !
J’ai besoin de prendre du plaisir dans ce que je
fais et de toujours faire mieux que la fois d’avant.
Il n’y a que mes fournitures, mes laminés, que je
peux préparer à l’avance sans que ça me peine.
Pour quelle raison as-tu décidé d’arrêter
les caisses en métal ?
Parce que je sais que je ne trouverai pas un
bon polisseur. Les deux avec qui j’ai travaillé
ont pris leur retraite, je ne recommencerai pas
à chercher. Je ne peux pas passer autant de
temps à bosser sur une caisse en métal pour
qu’elle finisse mal polie. Le nickel ne cache rien
au final et si c’est mal fait, c’est fichu.
Comment as-tu rencontré Clapton ?
Ah. Je ne raconte jamais cette histoire. Je lui
ai écrit une lettre au culot. Comme j’avais fait
pour contacter George Harrison, tout le monde
connaissait son adresse en Angleterre. C’est
le guitar-tech d’Eric qui m’a contacté et m’a
proposé de lui amener quelques instruments
quand il passerait par Paris. C’est comme ça
que ça a commencé. Et régulièrement je lui
ai vendu des instruments. Parfois aussi je me
suis fait retoquer. Il avait envie d’une table en
épicéa, alors que je lui avais présenté une table
en koa. Bon, la fois d’après je lui ai amené un
instrument avec table en épicéa… Pour George
Harrison ça a été un peu différent. Il m’a
contacté directement. D’abord avec un fax, et ce
dernier sortait à peine de la machine quand le
téléphone a sonné. « Allô c’est George Harrison,
pourrais-je parler à Mike Lewis ? » J’ai répondu
« Oh merde... ». J’ai senti qu’il s’amusait un peu
de la situation, gentiment, mais il savait ce que
ça pouvait provoquer comme sensation pour les
gens de l’avoir au téléphone ! Il m’a commandé
un ukulélé que je lui ai livré et quatre guitares
mais il a dû annuler la commande car il est
tombé malade peu après. C’est évident qu’avoir
ce genre de client m’a aidé. Si c’est bon pour lui,
c’est bon pour tout le monde. •
Régis Savigny
 1951
Vintage
SJ-200
La SJ-200 (SJ pour Super Jumbo) représente les prémices de la fameuse J-200.
Le présent modèle, en finition naturelle (l’instrument était également disponible en
finition sunburst), est sorti de l’usine de Kalamazoo en 1951 et est resté totalement
« dans son jus ». Il n’a même jamais été refretté.
L’existence de cette merveilleuse guitare est facilement traçable, puisqu’elle a
d’abord appartenu à Albert Donald « Don » Ridgway, un musicien de country très
populaire dans l’Oklahoma. Elle l’a accompagné jusqu’à sa mort dans les années
2000. Sur le dos du manche, on peut voir les marques de capodastre. Le bois de la
table est également creusé en dessous du cordier, où le musicien avait l’habitude
de poser son petit doigt en jouant. Au décès du chanteur dans les années 2000,
la famille de Ridgway a revendu la guitare à Keith Nelson, guitariste du groupe
de hard rock Californien Buckcherry, qui a utilisé l’instrument durant une dizaine
d’années. Matthieu Lucas et Maxime Bruneau de Matt’s Guitar Shop l’ont
racheté à ce dernier. Le manche est très gros, à l’instar de toutes les
Gibson acoustiques du début des années 50. On remarque un
motif noir peint très stylé sur l’arrière de la tête appelé
« headstock stinger ». La plupart du temps, ce détail
était un cache-misère destiné à masquer une
tâche minérale dans le bois, voire une erreur de
perçage lors de l’installation des mécaniques. On
trouve également cette particularité au
niveau du talon sur certaines Gibson (« heel
stinger »). Le dos de l’instrument en bird’s
eye est absolument magnifique. Dénicher une
bonne J-200 est toujours une gageure. Ces
guitares sont réputées pour « garder » beaucoup
de choses pour elles. Leur son est droit et
équilibré, mais généralement faible
en projection. L’ouverture
sonore exceptionnelle de
notre exemplaire justifie
les dimensions de son
imposante caisse de
résonance. On sent
que la guitare a été
jouée des milliers
d’heures en
concert. Le dos
et les éclisses
sont en érable, et
la table en épicéa.
Actuellement, sa valeur
à l’argus se situerait entre
12000 et 15000 euros.
 Dowina
Chardonnay
BV
Banc d’essai

Dowina, la marque européenne qui fabrique en

Europe, nous avait habitué à des guitares aux
formes généreuses et aux bois plutôt luxueux.
Nous retrouvons les seconds dans un format
bien plus compact, à la limite de la guitare
parlor mais avec un caractère bien à soi, à
commencer par le look. Nous en avons pris une
dans nos mains et l’avons fait parler.

RÉUSSITE ESTHÉTIQUE.
Il y a peu à redire sur l’esthétique de la série Chardonnay. Basée
autour de la même combinaison de bois, cette série est un peu le
best seller de la marque. Nous retrouvons un manche en acajou
surmonté d’une touche en ébène, bois dans lequel est également
taillé le chevalet sur lequel nous reviendrons. La caisse est
en noyer, un bois hautement esthétique à condition de ne pas
tirer vers une teinte Louis-Philippe et la table en cèdre massif.
Attardons_nous sur la tête de manche qui est particulièrement
réussie et originale. La forme de type Snakehead présente
l’avantage de réduire l’angle horizontal en sortie de sillet et donc
de limiter les frictions susceptibles de générer des problèmes de
tenue d’accord. Elle supporte un jeu de mécaniques ouvertes
avec des boutons très élégants et qui bien que dorés, ne donnent
pas une impression « bling-bling » comme c’est trop souvent le
cas. Le D manuscrit qui sert de logo est assez anonyme mais ne
dépareille pas l’ensemble qui est très réussi. Aucun repère n’est
visible sur la touche en ébène, ce qui a pour effet de donner un
côté moderne à la BV, d’ailleurs le bout de touche asymétrique,
confirme cette impression qu’on ne cherche pas à faire vintage
outre mesure. La rosace a un petit côté Art Nouveau, pas
déplaisant, sans non plus alourdir l’esthétique globale. C’est fait
par petites touches sans donner dans le spectaculaire, à l’instar
du filet de table très réussi et original. En retournant la guitare
nous retrouvons la marque D au niveau du cache du talon ainsi
qu’un filet de séparation des deux pièces bookmatched qui
composent le dos. L’essence choisie est assez spectaculaire et
bénéficie d’une finition satinée très discrète qui laisse apprécier
toute la complexité des figures du bois.
Le chevalet est assez original, en cela qu’il reprend un principe
d’étagement déjà croisé chez certaines marques dont la plus
connue est Yairi. L’intérêt d’une telle découpe dans le relief du
chevalet est de permettre de conserver un angle important
derrière le sillet de caisse, même quand on doit réduire la hauteur
de ce dernier pour compenser le bombement de la caisse avec
l’âge. Un choix pertinent pour l’avenir d’un instrument plutôt
pensé comme une guitare de garde que comme un instrument
flashy à la mode. Il faut insister sur la grande cohérence
esthétique de la guitare, à la fois originale, sans renier certaines
vertus de la lutherie traditionnelle. Un instrument qui d’emblée a
de la personnalité.

66 Guitare sèche le mag


UNE SONORITÉ TYPIQUE
Les cordes D’Addario montées d’origine
rendent justice à la qualité de la lutherie, merci
de ne pas avoir tenté de faire des économies de
bouts de chandelle sur ce poste-là. Nous avons
apprécié le confort de jeu sur la Chardonnay BV.
L’instrument est parfaitement réglé d’usine et
n’offre aucune résistance au jeu du guitariste.
L’accès aux aigus est très raisonnable pour
une guitare sans pan coupé et le profil
du manche, un D légèrement évasé,
est idéal, à la fois moderne dans les
sensations et suffisamment plein
pour permettre d’éviter de fati-
guer trop vite en barré ou en
jeu avec le pouce au-dessus
de la touche.
La sonorité de la BV
est assez déroutante,
elle manque clai-
rement d’un bas
solide, ce qui
peut se comprendre en revanche qu’en diminuant d’un tirant ou en
au vu du gaba- s’accordant un ton en dessous, le tableau soit
rit de la caisse. Il moins contrasté (nous avons essayé la seconde
faut un certain option, ça joue beaucoup effectivement). Ce
temps avant de sont des essais qu’il convient d’opérer et se dire
s’habituer à cet qu’il faudra tirer un trait sur les dynamiques très
équilibre clairement à élevées. Un choix très courageux de la part de
l’avantage du milieu du Dowina, dans un marché où le consensualisme
spectre, amplifié quand domine. •
on joue en strumming. Claire- Régis Savigny
ment, cette guitare n’est pas faite pour
les amateurs de grandes battues façon
western. Il va falloir l’apprivoiser. C’est prin-
Résumé
cipalement en finger picking qu’on va retrou- GUITARE FOLK DE FORMAT
ver un équilibre intéressant, notamment dans PARLOR, TABLE CÈDRE
les dynamiques les plus feutrées, ou si on aime MASSIF, CAISSE EN NOYER
les sonorités très analytiques du cèdre, avec des MASSIF, MANCHE ACAJOU,
onglets pour un jeu purement polyphonique. TOUCHE ET CHEVALET
Toute tentative de faire sonner cette Dowina de ÉBÈNE
façon un peu roots s’est soldée par un échec.
Alors, bien évidemment on a toujours l’option
open tuning et nous avons tenté un open de
ON AIME : L’esthétique très
Sol et un DADGAD. On retrouve des qualités réussie, le gabarit très agréable,
typiques du cèdre et de certaines Lowden, le confort de jeu, le son picking
l’esprit de Pierre Bensusan flottant dans les traditionnel
parages. Ce n’est définitivement pas la guitare
du tout-venant et seul un guitariste expérimenté ON AIME MOINS :
saura en tirer toute la noblesse. Il y a fort à Un caractère très affirmé qui ne
parier que la sonorité va s’ouvrir un peu avec pourra pas plaire à tout le monde
le temps et qu’un rééquilibrage vers le bas
est fort probable, mais ne vous attendez pas
à retrouver des fondamentales dominantes.
CONTACT :
www.dowina.eu
Une caisse en acajou aurait pu faire pencher la
balance mais ici c’est un instrument de picker PRIX : 910 € TTC
d’un bout à l’autre du manche. Il est possible
67
 Taylor
524CE
Banc d’essai

On associe souvent Taylor à ses séries 800

et 900 ainsi qu’aux séries fabriquées au
Mexique, toutes combinant palissandre et
épicéa ou acajou/nato et épicéa. Pourtant
Taylor fabrique d’autres instruments, à la
combinaison de bois plus rustiques comme
la série 500, basée sur de l’acajou. L’arrivée
de cette 524CE à la rédaction nous donne
l’occasion de tester une de ces guitares
orientées gros son et basses ronronnantes.
Vous en reprendrez-bien une tranche ?

PAS DE PANIQUE
Pas de panique, c’est du tout bon. La qualité de fabrication
du fabricant californien n’est pas sur la pente descendante,
loin de là. Mais avant de s’en assurer, il faut ouvrir l’étui dans
lequel la 524CE est livrée. C’est un étui rigide, simple, beau
et robuste qui assurera une protection optimale à votre Taylor
pendant des années, quitte à le compléter par une housse plus
pratique pour les petites sorties. La livrée sombre de la table
saute aux yeux et fait vraiment forte impression. C’est plutôt
encourageant de se dire qu’on peut avoir autre chose que le
cèdre ou l’épicéa pour la table et que cette dernière peut être
finie autrement qu’en vernis naturel. Ici nous avons un tobacco
burst très prononcé qui claque, et pas qu’un peu mon n’veu. Ce
dernier met en évidence le grain magnifique de l’acajou de la
table et du dos, tout en contrastant, de par sa finition brillante,
avec le vernis satiné du manche, lui-même en acajou. La caisse
est en acajou massif, nous sommes donc en présence d’une
guitare qui évoque les premiers instruments folk, souvent
assez basiques, comme les séries 15 de chez Martin, qu’on
a tendance à destiner au blues qui tâche sans trop réfléchir.
Ici on n’a pas envie de faire la moindre tache justement, on
est plutôt dans le classieux. Les repères de touche, simples
mais très délicats, mettent bien en valeur les bois et rappellent
la matière du logo qu’on trouve en haut de la tête. Les
mécaniques, comme souvent chez Taylor, sont à bain d’huile,
il ne sert à rien que je râle, c’est comme ça et pas autrement.
Non que cela soit rédhibitoire mais quand on a un faible pour
les mécaniques ouvertes et fines, on tique toujours quand on
voit de grands boutons comme ceux-là, à tort certainement.
La qualité d’assemblage est au niveau de ce qu’on a connu
chez Taylor, c’est tout simplement excellent et un étalon pour
ce qui est de la fabrication industrielle. C’est propre, précis,
incroyablement méticuleux et pour un prix relativement
abordable à un instrument de ce calibre, et qui a traversé
l’Atlantique de surcroît.
On retrouve comme d’habitude les contrôles de l’Expression

68 Guitare sèche le mag

System 2, l’amplification maison, qui a posé
en son temps les standards esthétiques de
l’électronique embarquée, rendant obsolètes
les gros pavés façon Takamine qui ont défiguré
les éclisses de nombre d’instruments parfois
vintage…
LE PRIX DE L’EXCELLENCE
Quoi de plus délicieux que de jouer un
instrument parfaitement réglé et dont la
conception et l’assemblage ont été pensés
pour le confort du musicien ? La 524CE et sa
forme grand auditorium, si elle ne conviendra
pas aux plus petits d’entre nous, est un modèle
de jouabilité. Que ce soit en bas du manche ou
dans les plus hautes cases, la main trouve ses
marques sans hésiter et le vernis satiné offre le
meilleur compromis entre esthétique et confort.
Là où, nous le disions plus haut, les guitares à
caisse acajou sont les plus à l’aise, c’est quand
il faut donner de la fondamentale, et poser des
basses bien rondes. Il est vrai que quiconque a
déjà joué une acoustique acajou s’en est rendu
compte, ça ronronne. Et pour le coup la Taylor
ne fait pas exception à la règle. On a du bas,
mais pas que ça.
Là où Andy Powers et son équipe ont fait du
bon boulot c’est que non seulement on a du
bas mais on a un haut du spectre très défini,
et certainement pas la bouillie souvent infâme
que nous servent les caricatures
de guitares « typées blues »
qu’on voit passer la plupart du
temps. Ici tout le spectre est
d’une précision redoutable, avec
une prédominance pour les bas
mediums qui mettront en valeur
le finger picking le plus délicat. Si
la séparation des notes n’est pas
aussi flagrante que sur une caisse
érable (aaaah la série 600 de
chez Taylor…) il faut avouer
qu’on dispose d’une
palette très flatteuse,
notamment pour tout
ce qui est picking blues
un peu moderne,
façon Eric Bibb ou
Keb’ Mo’. Devant un
micro c’est grandiose,
en particulier pour
jouer solo. Il est
certain que dans un
arrangement un peu
fourni, la générosité de
la 524CE obligera à tailler
un peu en bas. En guitare-
voix on est proche de l’orgasme,
tellement c’est « juste ça ». Tout ce qu’on
demande à une guitare folk… Bien sûr le jeu au
médiator passe sans encombre, permettant de
strummer tant qu’on veut avec une préférence
pour les tirants forts dans ce cas-là. Il est à noter
qu’avec ces caractéristiques, il sera possible de
passer sur un tirant plus faible sans perdre trop,
ni en graves, ni en précision, qualité rare sur une
guitare industrielle (beaucoup des opérations
de fabrication étant tout de même réalisées à la
main, je vous rassure).
Branchée, on retrouve tout ce qui fait les
qualités de cette Taylor, avec un peu moins
de caractère bien évidemment. On constate,
une fois de plus que l’Expression System 2
est une adjonction pertinente à une guitare de
ce calibre. Pas un modèle de fidélité, mais en
pratique c’est souvent ce qui passera le mieux
sur scène, devant n’importe quelle combinaison
high tech. Simple, efficace et beau. Ça pourrait
être la devise de la marque.
Alors bien évidemment son prix ne la destine
pas à toutes les bourses, mais au vu de la
fiche technique, du look vraiment réussi et
des prestations musicales, la Taylor 524CE est
un investissement qui se justifie pleinement
pour qui a besoin d’un instrument beau, pro et
sans autre prétention que de servir la musique.
Bravo.•
Régis Savigny
Résumé
GUITARE FOLK À PAN
COUPÉ, ÉLECTRONIQUE
EXPRESSION SYSTEM 2,
CAISSE ACAJOU MASSIF,
MANCHE ACAJOU,
TOUCHE PALISSANDRE,
VENDUE EN ÉTUI RIGIDE
ON AIME : Le look, la
fabrication, le son riche et
détaillé, le rapport qualité/prix
ON AIME MOINS :
La qualité se paye
CONTACT :
www.taylorguitars.com
PRIX : 3719 € TTC
PRI
69
 Guild
F2512E Maple
Banc d’essai

Qui dit Guild dit douze cordes et si la concur-

rence a aussi essayé de suivre, c’est bien la
marque américaine qui a imposé le standard
de la 12 cordes avec les modèles F512 ou
la JF65-12 qu’on a croisée dans les mains
de Stevie Ray Vaughan notamment (rappe-
lez-vous l’impressionnant set unplugged). Si
nous adorons les nouveautés, rien ne vaut
de faire une petite mise à jour sur un clas-
sique intemporel avec cette nouvelle ver-
sion du best seller Guild, fabriquée en Asie.

SAME, SAME… BUT DIFFERENT.

La F2512 est livrée dans un étui semi-rigide. Solide, efficace
et discret, il est vraiment indispensable, d’autant plus qu’il
y a peu de chance pour qu’une housse souple soit aussi
protectrice, et ce à un prix raisonnable. La douze cordes
acoustique est certainement la guitare qu’il ne vaut mieux
pas transporter n’importe comment. Ce modèle appartient
à la série Westerly qui reprend les designs classiques de la
marque pour un prix bien plus modeste. Nous retrouvons
la forme traditionnelle des Guild de la grande époque, un
Jumbo bien ventru doublé d’un dos bombé. La caisse est
en érable multiplis et est surmontée d’une table en épicéa
massif. Cette combinaison est une des plus classiques, avec
bien évidemment les caisses en palissandre des modèles
plus huppés. La finition est basée sur un vernis transparent
satiné, ce qui permet de réduire les coûts assez facilement
sans rogner sur la qualité des fournitures. Le manche est
constitué d’un morceau d’acajou, comme il est de mise. Il
supporte la large tête Guild au profil caractéristique et au
logo reconnaissable depuis les années 60. Cette dernière
est chargée de douze mécaniques à bain d’huile, ce qui la
rend assez lourde mais ce poids est compensé par le corps
relativement massif. Ce n’est pas une guitare pour les petits
gabarits, même si la largeur du manche n’est pas excessive
et ne devrait pas occasionner trop de difficultés pour qui n’a
jamais joué de douze cordes.
Il est plaisant de constater à quel point Guild exerce un
contrôle qualité strict sur ses instruments, car l’exemplaire
que nous avons entre les mains est exempt de toute trace
de précipitation ou de négligence. C’est très bien fabriqué,
même si subsiste un je-ne-sais-quoi qui nous fait dire qu’on
est effectivement sur un instrument fabriqué en Asie. Cela dit,
il coexiste avec l’impression qu’on en a pour un peu plus que
son argent, ce qui n’est pas incompatible.
Le réglage d’usine est parfait, quasi au ras des frettes et il
semble qu’on n’aura pas de mal à jouer cette guitare sans

70 Guitare sèche le mag

peiner. Bonus presque surprenant, nous sommes
en présence d’une guitare électroacoustique
dotée d’un capteur et d’une électronique
Fishman AP-1, simple et efficace, contrôlable
à l’aide de deux potentiomètres de volume
et d’un de tonalité. Partant du principe que la
plupart des contrôles (égalisation notamment)
seront bien meilleurs à la console ou à l’ampli,
pourquoi s’encombrer d’autre chose ?
IL FAUDRAIT ÊTRE FOU
POUR DÉPENSER PLUS.
Comme nous l’avons dit plus haut, les plus
frêles d’entre nous ne seront pas à leur aise
mais il ne coûte rien d’essayer cette F2512E
pour se faire une idée. Pour avoir l’habitude
des 12 cordes de la marque je n’ai pas été le
moins du monde dépaysé par la sensation, j’ai
même éprouvé un certain plaisir à la jouer et
retrouver mes marques prises sur une JF65-
12 puis une F212XL. Cependant la F2512 a
une personnalité bien à elle, notamment du
fait de sa caisse en érable qui ne favorise pas
des graves délirants ce qui n’est pas un mal,
en particulier en studio, où on privilégie un
bas contrôlé dans 95 % des situations. Le jeu
monté en standard est un 10-47, ce qui ne
surprend pas, du fait de la tension importante
occasionnée par le doublage des cordes. Par
ailleurs nous vous conseillons de ne pas monter
en tirant sauf à descendre votre accordage d’un
ton, ce qui s’est souvent pratiqué, pour des
raisons mécaniques évidentes.
Il est possible avec cette Guild de jouer tout
le répertoire folk associé aux guitares 12
cordes, notamment les grands standards
west coast des années 60 et 70, mais
également de redécouvrir tous les
morceaux habituellement joués sur 6
cordes. Si vous voulez redécouvrir
vos arpèges, essayez le médiator
ou le finger picking qui offre des
sensations inédites selon que
vous attaquez vers le haut
ou vers le bas.
La main gauche ne met pas
beaucoup de temps à se sentir chez
elle et le manche au profil régulier ne
pose pas de souci, sauf à chercher à fretter
plus haut que la case 12 où il faudra avoir
une certaine poigne pour continuer à dominer
la bête. Rien que de très normal, et qui a envie
de barrer un Fa case XIII sur une douze cordes,
je vous le demande ?
La sonorité est riche et détaillée et on a tout
de suite le scintillement caractéristique dû aux
cordes octaviées. Les accords avec cordes à vide
sont bien évidemment les plus spectaculaires,
mention particulière pour les triades en drop au-
delà de la case V. Nous ne parlons même pas
des harmoniques naturelles qui sont à la fête et
que les cascades avec harmoniques artificielles
sont un must. Rien à redire sur la jouabilité donc,
secondée par une sonorité certes sans panache
mais très honnête dans cette gamme de prix.
Branchée la Guild fonctionne comme une
bonne électro, offrant un son, certe étriqué du
fait du piezo mais qu’un coup de tonalité remet
sur le chemin du réalisme, notamment dans le
cadre du jeu en groupe. La résistance au larsen
est bonne mais on pourra toujours faire mieux
en utilisant l’inversion de phase et un medium
paramétrique sur le boîtier externe de votre
choix.
Proposée à un prix incroyablement bas, la Guild
F2512 est promise à un bel avenir. Pourquoi
chercher plus loin ce qui est accessible au prix
d’une guitare de moyenne gamme ? Autant ceux
qui sont habitués à jouer sur de gros modèles
made in USA pourraient trouver effectivement
à redire, autant ceux qui ont besoin d’une 12
cordes à l’occasion, même les pros, ont ici de
quoi remplir le contrat pour une fraction du
prix habituel pour ce genre de prestation. Ne
parlons même pas de la scène, sur laquelle la
F2512E fait jeu égal avec les meilleures puisque,
rappelons-le, l’amplification nivelle grandement
les instruments et il n’est pas rare de voir une
pelle sans prétention mettre la fessée à un
modèle valant quatre fois son prix. Une affaire
sérieuse, un best-seller en puissance, l’occasion
d’avoir dans son arsenal une machine à rêve qui
vous inspirera les plus belles ballades. •
Régis Savigny
Résumé
GUITARE FOLK À 12
CORDES ET ÉLECTRONIQUE
ACTIVE, CAISSE EN ÉRABLE
LAMINÉ, TABLE EN ÉPICÉA
MASSIF, VENDUE EN
HOUSSE SEMI RIGIDE.
ON AIME : Le prix, le son, le
confort, le look Guild, l’étui fourni
ON AIME MOINS :
Esthétique quelconque de la
caisse, son acoustique moins
impressionnant qu’un modèle
haut de gamme (mais cela reste
bon néanmoins).
CONTACT :
www.taylorguitars.com
PRIX : 549 € TTC
71
 Fine
Resophonic
14 Frets Flamed
Banc d’essai

Koa Single Cone

Resonator
Nous aussi en France on est capable de
faire du « qui claque », de l’ostentatoire,
de la guitare américaine mieux que les
Américains. Alors quand je dis nous, c’est
plutôt Mike Lewis de Fine Resophonic,
un anglais résidant en France depuis des
dizaines d’années, et comme quand on parle
de résonateur, c’est toujours les immigrés qui
font les meilleurs instruments (à commencer
par les frères Dopyera), il n’y a pas de raison
que ça change. Nous avons pu poser les
mains sur un 14 cases de type biscuit, en
koa flammé. Il n’est pas évident que nous en
soyons revenus indemnes.

L’ART DE LA PRÉSENTATION
L’ouverture de l’étui rigide de type TKL (il n’est pas certain
que ce ne soit pas un TKL d’ailleurs) nous laisse pantois. C’est
beau. C’est même très beau. On remarque d’emblée, outre le
cache du résonateur, la beauté du bois constituant le sandwich
dans lequel est fabriquée la table. Oui, du bois laminé, ce qui
peut paraître étonnant quand on a l’habitude d’encenser les
fournitures massives, mais comme lorsqu’il s’agit d’archtop,
pour construire des guitares à résonateur seul le bois laminé
donne un résultat probant. D’ailleurs Mike Lewis confectionne
lui-même ses bois laminés selon des recettes qu’il garde
secrètes et dont la composition varie selon le type d’instrument
et l’endroit de la guitare où la planche est utilisée (dos, éclisse
ou fond). La finition naturelle est brillante mais légèrement
patinée car l’instrument que nous avons entre les mains est
non pas un instrument neuf, mais un instrument d’exposition,
qui accompagne Mike dans tous ses déplacements de
représentation en France et en Europe. Quelle chance de
pouvoir tester un instrument déjà vieilli, sans devoir faire de
conjectures sur la manière dont sa sonorité va évoluer avec le
temps. Pas de doute, la construction est impeccable, et on sent
que Mike aime le dessin traditionnel des vieux résonateurs.
L’originalité provenant d’une part du fait qu’on est ici sur un
dessin de type national mais adapté à une construction en bois

72 Guitare sèche le mag

et d’autre part sur l’utilisation de bois hautement
figurés, chose qui n’a jamais existée à la grande
époque de Dobro et cie.
La tête est ajourée et équipée de mécaniques
Schaller aux boutons remplacés par de plus
petits modèles, raccord avec l’influence vintage.
Le placage de tête reprend l’esthétique de
la table et le manche en érable est lui aussi
flammé, ce qui nous donne une esthétique
cohérente et drôlement impressionnante tout
en restant dans le domaine du bon goût. Le
cache de truss rod est lui aussi très discret et
bien dessiné. Le logo est presque trop petit, là
où on aimerait que le fabricant n’hésite pas à se
mettre un peu en avant, d’autant que l’écriture
manuscrite est très réussie.
Il est bon de signaler que Mike Lewis fabrique
quasiment toutes ses pièces, y compris le cône
qu’il repousse lui-même à la main.
Un coup d’œil à travers les ouïes finit de nous
renseigner sur la minutie du bonhomme. C’est
d’une propreté absolue, signe que chez Fine
Resophonic, on prend son temps pour bien faire
les choses.

UN SON À PART
La guitare était accordée en open de sol, nous
l’avons donc découverte ainsi, mais avons choisi
de ne pas la jouer au bottleneck tout de suite.
Et effectivement il aurait été dommage de se
priver. Outre le fait qu’elle est très maniable
et d’un gabarit idéal, elle est aussi réglée en
standard pour pouvoir être jouée aussi de
façon traditionnelle. Et, outre la facilité de jeu,
supérieure en tout point à ce qu’on peut trouver
sur les instruments de série, nous avons été
subjugués par la douceur et la complexité du
son. Difficile de décrire cette sensation d’être
à la fois familier avec le son du simple cône,
mais complètement dépaysé par les vibrations
renvoyées par la guitare. Le sustain, qu’on a
tendance à qualifier de vaste blague sur les
instruments d’entrée de gamme est ici énorme.
Ca résonne comme dans un piano, avec une
précision dans l’attaque dont la touche en ébène
est probablement responsable. Non seulement
les notes sonnent mais elles sont vivantes et on
peut moduler le son après l’attaque, en tirant
sur le manche ou en faisant bouger la guitare.
On a accès à des niveaux de dynamique plus
proches de ce qu’on obtiendrait sur une folk
haut de gamme et finalement assez éloignés
de ce qu’on imagine devoir être le son d’un
résonateur. Mike Lewis n’est pas qu’un copieur,
il a également un son qui lui est propre et je n’ai
pas souvenir d’avoir pris autant de plaisir à jouer
sur un résonateur, ni même d’avoir trouvé ce
son ailleurs auparavant. Alors bien évidemment
autant de sensibilité se paie un peu en termes
de volume, mais quel genre de musicien
échangerait son cœur contre plus de biceps ?
Inévitablement, il faut tester cette guitare
au bottleneck, et j’ai regretté de
n’avoir avec moi que mon vieux tube
en métal découpé par mon père, car
il y a fort à parier que le son, déjà
très bon avec de l’acier aurait été
meilleur encore avec du cuivre ou du
verre. La Fine Resophonic est un
instrument très sensible et changer
de matière a pour conséquence de
changer drastiquement le son. Bien
évidemment nous sommes ici sur
Résumé
du custom et la hauteur de jeu sera GUITARE À RÉSONATEUR
adapté à vos besoins, de même que DE TYPE NATIONAL À
le niveau de finition peut changer
CAISSE EN KOA FLAMMÉ.
en fonction de votre budget.
Alors oui c’est cher, mais nous
MANCHE ÉRABLE.
sommes ici sur un instrument RÉSONATEUR À SIMPLE
qui est de classe mondiale, et CÔNE EN ALUMINIUM
vous avec probablement chez- REPOUSSÉ.
vous des albums de guitaristes
de légendes qui jouent sur ON AIME : Tout, du concept à la
les guitares de Mike. Au vu réalisation, le son ahurissant, la
de la qualité, de la sonorité facilité de jeu
d’un autre monde, de la
beauté des instruments, le ON AIME MOINS :
prix demandé est plus que
Tout paraît plus fade après…
correct. Je ne sais pas
encore comment mais je
Songez aux instruments qu’il a
pense qu’un jour je m’en fallu tester ensuite…
paierai un… Si cela ne
vous convainc pas, allez CONTACT :
www.fineresophonic.com
les essayer directement
à l’atelier. Unique.• PRIX : 4 500 € TTC
Régis Savigny

73
 Alvarez
Cadiz CC7
Banc d’essai

Cadiz est une petite ville d’Andalousie, berceau du Flamenco

et de la guitare espagnole moderne. Alvarez fait référence
à cette origine géographique pour signifier un retour aux
sources, bien que les guitares ne soient pas fabriquées
là-bas mais près de 15000 km à l’Est… Cela dit, cela nous
donne bien envie de voir ce que valent ces modèles plutôt
abordables et qui friment un peu avant même d’avoir envoyé
une note. Allez, on se la fait…

IMPRESSION FLATTEUSE
L’ouverture du carton de transport est plutôt à l’avantage de
l’Alvarez (outre le fait que la guitare arrive en carton…). La finition
brillante est vraiment réussie et confère à notre instrument
une aura plutôt sympathique. Elle permet d’apprécier les
fournitures plutôt bien choisies. L’épicéa sitka massif de la
table est très discret mais très beau, il présente un grain très
régulier. La caisse est en noyer, non massif, qui présente un
veinage proche du palissandre et on pourrait effectivement s’y
tromper. Le manche est constitué d’un multipli acajou/ébène,
combinaison qui laisse augurer à la fois d’une certaine chaleur
et de suffisamment de rigidité pour assurer une longue vie à
l’instrument. La touche est manifestement en pau fero, même
si le site du constructeur indique, de façon sybilline que cela
pourrait tout aussi bien être du palissandre. Les deux bois
ayant des caractéristiques similaires, nous passerons sur ce
détail. La décoration est très élégante, combinant incrustations
en marquetterie et filets en bois pour les éclisses et la table. La
marque a apposé son logo sur la tête sans pour autant en faire
des tonnes, cela permet un rappel visuel discret qui apporte
équilibre avec la teinte du sillet et des axes de mécaniques. Ces
dernières sont plutôt luxueuses d’aspect, avec des boutons de
style ébène très esthétiques. Elles tournent parfaitement et si
on sait qu’on n’est pas en présence d’éléments ultra haut de
gamme, on ne constate aucun défaut ou économie mal venue.
Cela va jusqu’aux cordes montées en usine qui sont de la
meilleure qualité, stables et homogènes.
Il semblerait qu’Alvarez cherche d’entrée à marquer des
points pour satisfaire le musicien en quête non seulement
d’un instrument bien construit, mais également désireux de
posséder un bel objet. Ce serait malvenu de notre part de
critiquer la marque sur ce point. Aucun défaut de fabrication
n’est à mentionner sur notre exemplaire, tant en ce qui
concerne le frettage bien fini, que la construction interne,
exempte d’approximation.

FACILE À JOUER
Jouer la CC7 ne demande aucun effort. C’est tant mieux car
elle s’adresse autant à un public débutant qu’au musicien

74 Guitare sèche le mag

occasionnel, ou au pro qui joue de temps
en temps sur cordes nylon mais qui ne
dispose pas d’une solide main gauche
classique. Tenue en position classique elle
permet d’aborder le répertoire habituel en
disposant d’une intonation impeccable et
d’un sustain très convaincant. En revanche,
c’est la projection et le volume global qui sont
en retrait. Difficile de demander à un instrument
de cette catégorie de prix de maximiser ses
résultats sur tous les paramètres. En effet,
la dynamique est pénalisée par une table existe des versions amplifiées et à pan coupé,
plutôt épaisse, de même que l’attaque peine à certaines avec un chanfrein de confort, plutôt
dominer, même quand on appuie un peu fort à la engageantes et raisonnablement plus chères.
main droite. C’est certainement le seul reproche Pour qui a compris les limites de cet instrument
qu’on peut lui faire et que ne manqueront pas et dispose du budget correspondant, la CC7
de critiquer les profs très exigeants de certains d’Alvarez constitue un choix tout à fait pertinent,
conservatoires. Mais il convient de replacer les à la fois raisonnable, flatteur pour les yeux
choses dans leur contexte, notamment celui du et les oreilles et capable d’explorer tout un
prix, très abordable pour une guitare aussi bien éventail de style. Nous ne saurions que vous
construite et finie. conseiller de comparer cet instrument à
Si on s’éloigne un peu du classique et qu’on file d’autres de la même catégorie de prix,
vers la Bossa Nova, la chanson, le finger picking il est probable que peu procurent
et finalement tous les styles un peu alternatifs, des sensations aussi plaisantes. Un
on dispose d’un instrument vraiment agréable
à jouer, et d’une sonorité plutôt flatteuse, qu’un
excellent choix pour les débutants,
les adultes souhaitant monter Résumé
micro statique n’aura aucune peine à amplifier en gamme et les pratiquants
sur scène ou reprendre en studio. La largeur occasionnels de la corde
GUITARE CLASSIQUE, TABLE
du manche, si elle est tout à fait dans les nylon.• ÉPICÉA MASSIF, CAISSE
canons classiques, ne gênera pas le guitariste Régis Savigny NOYER, MANCHE ACAJOU/
électrique, ou le folkeux désireux d’explorer de ÉBÈNE, TOUCHE PAU FERO,
nouveaux territoires. Par ailleurs le sustain et le CHEVALET PAU FERO, VERNIS
caractère moelleux du son peuvent constituer BRILLANT
un vrai point fort. Ceux qui veulent un peu plus
de « rentre dedans » peuvent opter pour un jeu ON AIME : Le prix, le look, le
plus nerveux en grimpant d’un tirant mais on sustain, le côté moelleux
conservera tout de même cette qualité douce
et enveloppante qui semble être un trait
ON AIME MOINS :
caractéristique de la gamme.
Volume et dynamique en retrait
Bien évidemment pour ceux qui
souhaiteraient tâter du flamenco
il vaut mieux se tourner vers le CONTACT :
modèle CC6 et sa caisse en www.htd.fr
cyprès, qui devrait récupérer
PRIX : 450 € TTC
en vigueur ce qu’il perdra
en rondeur. Par ailleurs il

75
 Orange
Acoustic Pre
Banc d’essai
On pourrait se demander ce que vient faire Orange, marque
surtout connue pour ses gros stacks à lampes capable
de faire bouger un stade quand on y branche une guitare
électrique et qu’on y met Noel Gallagher au bout. Autant dire
que pour leur arrivée dans le monde de l’acoustique, ils n’y
sont pas allés en mode discret et c’est un imposant module
plus proche de l’outil de studio que de l’accessoire de scène
qui nous est arrivé. Il fallait qu’on mette nos grosses mains
là-dessus.
76 Guitare sèche le mag
ARCHITECTURE DOUBLE
Le module est gros, lourd et absolument pas du genre
discret comme c’est souvent le cas chez la concurrence,
considérant que le guitariste acoustique est un gars frêle qui
doit nécessairement porter son matériel, et il est évident qu’on
ne mettra l’Orange Acoustic Pre dans aucun étui de guitare,
puisqu’il lui faudra sa housse ou sa valisette. La livrée blanche
du boîtier en métal est raccord avec l’esthétique des châssis de
la marque notamment la série Tiny Terror.
On dispose d’une architecture basée sur deux préamplis
indépendants, un à lampe l’autre à transistors. Chacun dispose
d’une entrée, le canal A, à lampe, d’une entrée jack qu’on
réservera le plus souvent aux capteurs piezo des instruments,
le second d’une double entrée jack ou XLR au choix. Il est à
noter que les instruments passifs sont exclus de la partie
puisque l’impédance d’entrée de 2,2 MegOhms n’est pas
suffisante pour maintenir l’intégrité du signal d’un piezo non
préamplifié. Dommage.
Chaque canal dispose de réglages indépendants grâce à de
gros boutons très faciles à manipuler et qui permettent de
se concentrer sur le son plus que sur l’image (ce qui
est un des défauts des égaliseurs graphiques). On
dispose d’une égalisation à trois bandes dont
un medium semi-paramétrique qui permet
de choisir la fréquence d’action du filtre. Les
aigus et graves sont organisés autour d’une
fréquence centrale de 680Hz et boosteront/
couperont avant ou après cette fréquence de
+ à – 12dB pour les graves et + à – 15dB pour
les hautes fréquences. On dispose également
d’un réglage de reverb général, d’un gain pour
chaque canal, de volumes indépendants selon qu’on
utilise la sortie asymétrique mixée mono ou les deux sorties
A et B sur connecteur XLR. La reverb devient
mono ou stéréo en fonction des sorties utilisées.
Par ailleurs on dispose de switchs très utiles pour
inverser la phase ou lever la terre sur chaque
canal, enclencher le 48v sur l’entrée XLR ou
couper le signal de sortie, pour s’accorder. Il est
à noter que cette fonction peut être commandée
par une pédale externe optionnelle.
Au rayon des connexions, notons la boucle
d’effet pour chaque canal ainsi que la
connectique pour l’alimentation 12V externe.
Dommage que nous n’ayons pas le droit à une
alimentation interne, ce qui serait plus pratique
à défaut d’être plus respectueux du signal.
L’ensemble donne une impression de relative
solidité et hormis les petits switchs, toujours
délicats, le reste respire la vigueur et le
rock’n’roll.
A L’USAGE
La plupart des démos de l’appareil mettent
en scène un micro statique et le capteur de la
guitare, tous deux branchés dans l’Acoustic
Pre, et c’est évidemment le gros avantage de
ce préampli. L’entrée XLR accepte tout type
de micro même si son impédance et le gain du
préampli disqualifient les micros à ruban. On se
contentera donc soit d’un dynamique de type
SM57 Shure ou M88 Beyerdynamic soit d’un
statique large membrane type Rode NT2 ou
petite membrane comme un AKG C451. Cette
entrée est très silencieuse, disposant d’assez
de gain pour fonctionner sans occasionner
trop de souffle. On apprécie de pouvoir gérer
l’égalisation de manière indépendante. Le son
est précis, dynamique et assez chaud, qualité
qu’on a tendance à attribuer aux lampes, la
faute aux mauvais étages à transistors qu’on a
vu fleurir depuis que ces derniers sont devenus
bon marché. Le canal A, lui est classique,
et plutôt droit, tant qu’on ne sollicite pas le
potentiomètre Heat. Ce dernier fait varier
l’équilibre des fréquences pour mettre en valeur pour l’acoustique. Le concept est intelligent,
le bas medium et adoucir le son dans le cas d’un correspond à une réalité (personne ne prend
strumming un peu crispant, toujours le danger son pied à manipuler des micro potards et ces
quand on travaille avec un piezo. En travaillant derniers sont rarement solides), et la réalisation
à la fois avec ce réglage et celui d’aigus, on est réussie. Un outil simple et bien conçu, qui se
a moyen de se concocter un son tout à fait paie en revanche au prix fort.•
plaisant, juste avec ce canal. Régis Savigny
Il est pertinent de confier les fréquences hautes
au micro statique et de se faire un bas solide à
l’aide du piezo, et avec l’Acoustic Pre, c’est assez
facile puisqu’on peut dégager les fréquences
gênantes sur un canal pour les mettre en valeur
sur l’autre et vice versa. Par ailleurs il semblerait
que les réglages extrêmes soient à proscrire, en
particulier en amplification. La plupart du temps Résumé
nous avons trouvé le réglage satisfaisant dans
une plage réduite autour du point central.
PRÉAMPLI DEUX CANAUX
Les sorties séparées sont une bonne chose et INDÉPENDANTS (LAMPES ET
permettront d’attaquer la console de manière TRANSISTORS), LAMPE 12AX7,
séparée, ce qui est une bonne nouvelle pour ENTRÉE XLR POUR LE CANAL
les ingés son. En revanche la reverb ne sera B AVEC ALIMENTATION
stéréo que si vous acceptez de paner vos 48VOLTS, EQ 3 BANDES PAR
signaux à droite et à gauche, sans quoi elle CANAL, REVERB INTÉGRÉE,
sera mono. Sauf, bien évidemment à utiliser UNE BOUCLE D’EFFETS PAR
la reverb de la régie, mais c’est dommage. Il CANAL, SORTIE SUR DOUBLE
aurait peut-être été pertinent de disposer d’un XLR OU JACK MONO.
mode double mono et d’un mode stéréo avec
possibilité de panner chacun des canaux. Cela
ON AIME : Le concept, la taille
aurait certainement alourdi le panneau de
contrôle déjà bien encombré. Nous gagnons du boîtier et des commandes, la
ici en facilité d’utilisation ce que nous perdons connectique complète, le son
en flexibilité. Les boucles d’effet séparées
permettront d’insérer, en fonction des besoins, ON AIME MOINS :
des effets de type chorus, tremolo, délai ou un Routing un peu figé pour qui veut
compresseur, ce qui peut se justifier notamment travailler en stéréo, alimentation
sur l’entrée B. externe, impédance d’entrée fixe et
L’Acoustic Pre est un outil singulier, de par sa trop faible pour les capteurs passifs
présentation, de par son gabarit également. Il y
CONTACT :
a fort à parier qu’après avoir établi un nouveau www.orangeamps.com
standard en imposant le format lunchbox au
marché de l’ampli guitare, Orange pourrait tout PRIX : 879 € TTC
à fait lancer la mode des préamps grand format
77
Dans les bacs
Mark Knopfler
Down The Road
Wherever
Virgin Records/Universal
Album du mois
O
n suit toujours avec une attention toute particulière
ce que propose notre ex « « guitar hero » des années
Dire Straits. Il a abandonné depuis longtemps les
jolies stridences électriques qu’il aimait lâcher avec
son célèbre groupe. Dans les années 80, ses albums
étaient choisis pour tester l’achat d’une chaîne hi-fi digne de ce
nom. La production était riche, voire très chargée sur la fin, mais
les masses avides de performances appréciaient, en redemandaient
et les ventes explosaient. Il apparut pourtant assez vite que notre fin
guitariste n’était pas forcément taillé pour tant de célébrité et les signes
de lassitude se firent vite sentir, notamment après de nombreuses
tournées marathon, grandes dévoreuses d’énergie, qui vous laissent sur
le carreau. Pourtant, l’amoureux de belles guitares, malgré la dissolution
de son groupe, en plein succès, comme on casse son jouet préféré, n’a
jamais arrêté de jouer, chanter, composer et produire, activités dans
lesquelles bien évidemment il excelle. Il faut noter d’ailleurs que sa
carrière dite « solo » supplante déjà depuis bien longtemps la durée de
vie de ce groupe devenu forcément légendaire. Et, il va sans dire aussi
que, malgré une dextérité hors pair sur une électrique, les ambiances
feutrées et truffées de belles acoustiques sont celles qu’il privilégie,
depuis qu’il a remisé ses gros amplis à la cave. L’énergie et la vivacité
n’ont point disparu pour autant. Mark sait toujours mettre un peu de
piment dans n’importe quelle ballade ou belle mélopée dont lui seul a le
secret. Il est le dépositaire d’un son unique, d’un jeu personnel dont seul
les plus grands peuvent se targuer. Personne, aucun autre guitariste n’a,
à ce jour, songé à le copier, ou même à s’en inspirer, de peur de tomber
dans le ridicule, voire le grotesque. C’est donc sa griffe si particulière
que l’on distingue dès la première note jouée. Le repli acoustique eut
lieu dès la première escapade avec ses potes, les Notting Hillbillies,
sortant un premier album, Missing, Presumed Having a Good Times
(1990), hors des sentiers battus et témoin d’une certaine « fraîcheur »
retrouvée. Plus de vingt-cinq ans après, nous voici avec un nouvel album
solo, sans compter les innombrables collaborations et les nombreuses
musiques de films. Au long de toutes ces aventures, souvent partagées
avec une poignée de fidèles, on distingue une superbe élégance dans
les compositions, et toujours cette faculté qui semble innée, de les
arranger avec presque trois fois rien. Son dernier effort en date était
l’album Tracker (2015) dans lequel l’artiste, sans renier certaines
sonorités très « Dire Straits », confirmait aussi son goût pour les choses
légères et éthérées, avec des chansons pourtant chargées en émotion
(la voix), semblant flotter dans l’air. On dirait que Mark, toujours aidé par
son lieutenant, le claviériste Guy Fletcher, a trouvé la recette magique
pour donner ce son moelleux et cette finesse, au grain des guitares.
C’est un secret de production qu’il semble jalousement garder et qu’il
applique maintenant lors de chacun de ses séjours en studio. Celui
du jour s’intitule donc Down The Road Wherever, titre bien dans la
78 Guitare sèche le mag
tradition de ses œuvres, toujours teintées de cette mystique un peu
« road movie » qu’il aime développer. Sa petite troupe est quasiment la
même, sa garde rapprochée, les claviers de Jim Cox et de Guy Fletcher,
Mike McGoldrick aux flûtes, John McCusker au violon, Glenn Worf à la
basse, Ian Thomas à la batterie et pour les cuivres, Nigel Hitchcock au
saxophone et Tom Walsh à la trompette. La petite nouvelle n’est autre
qu’Imelda May qui vient faire les chœurs sur quelques titres. Pour la
production, Mark et Guy s’en chargent, comme d’habitude pourrait-on
dire. Knopfler s’est fendu de pas moins de quatorze titres pour exprimer
son spleen si particulier, après trois ans d’accalmie, il semble avoir
accumulé pas mal de matière. Comme toujours avec lui, ça commence
doucement et les choses semblent s’incrémenter peu à peu, au gré
des sillons. C’est sans doute la raison pour laquelle le label, ou l’artiste,
ont poussé le sixième titre de l’album, « Good On You Son », extrait en
single, un peu « à l’ancienne ». On peut d’ailleurs visionner sur la chaîne
YouTube la magnifique vidéo du titre, tournée en pleine campagne
anglaise, et qui donne finalement le ton de tout l’album. L’ambiance
est « à la J.J. Cale », influence toujours assumée et même revendiquée
par l’artiste. On commence avec « Trapper Man », jolie ballade toute en
douceur, la voix et la batterie bien devant, comme des guides pour cette
promenade dans l’univers de Mark, toujours peuplé de personnages
énigmatiques cherchant leur chemin (leur destin). On sait aussi que
Knopfler est un amoureux de la langue anglaise et que les lyrics sont
toujours particulièrement soignés. Pour « Back On The Dance Floor »
qui suit, ne vous attendez pas à une tornade disco digne de Saturday
Night Fever, non, il s’agit d’une petite ritournelle couleur country rock
au tempo bien assis, mais de celui qui vous fait battre la mesure sans
coup férir. « Just a Boy Away From Home » parle aussi de nostalgie, de
déracinement, tous ces thèmes qui véhiculent l’esprit « rock », celui qui
nous fait encore vibrer. Il trouve sa vitesse de croisière avec « Drover’s
Road » et nous, on suit le convoi, on finit même par en faire partie. Mark
sait nous faire monter dans sa caravane et, avec d’autres petits bijoux
comme « One Song At A Time », « Floating Away » ou « Heavy Up »,
on rejoint la trajectoire fléchée par ses guitares magiques. Il a le bon
goût de finir avec ce « Matchstick Man » qui nous laisse méditer sur
son propos, avec une sourde envie de tout réécouter pour mieux s’en
imprégner…
Tony Grieco

John Hiatt
The Eclipse
Sessions
New West Records
Il est un des songwriters américains les plus pro-
lifiques et sans doute des plus respectés. L’arri-
vée d’un nouvel album de John signifie toujours
une bonne nouvelle pour nos tympans et nos
neurones. Cette cuvée est particulièrement atta-
chante, même si l’homme n’a encore jamais per-
du la main, ni la voix. Il renoue ici avec le grand,
le très grand songwriting, celui de l’époque de
Bring The Family ou de Slow Turning. Donnez-
lui une guitare, évidemment acoustique, et il fait
des miracles, il vous pond un hymne en deux
coups de cuillère à pot. Ni lui ni nous ne savons
sans doute d’où viennent son inspiration et son
talent, mais on se contente de constater, pour
notre part, cet état de fait. Hiatt sait de surcroît
s’entourer de superbes musiciens, il nous fit dé-
couvrir, rappelons-le, The Goners, avec en son
sein l’impeccable Sonny Landreth. Depuis déjà
pas mal de temps, John aidé par son label New
West Records, gère sa carrière comme il l’en-
tend et n’enregistre que lorsqu’il se sent prêt.
C’est cette sincérité que l’on subodore ici avec
des titres phares comme « Over The Hill » ou « I
Like The Odds of Loving You », blues sensuel où
coule le joli son du Dobro… Rafraîchissant !
Tony Grieco
Essential of
Americana
Artistes
divers
Yep Roc Records
Pour changer, rien de telle qu’une petite
compilation, surtout lorsqu’elle regroupe des
artistes de cet acabit, œuvrant tous autour de
ce que l’on appelle l’americana. Si par mégarde,
vous ne savez pas ce qu’est ce genre, ici, les
titres parlent par eux-mêmes ! Le compilateur
a bien pris soin de choisir des choses
compatibles, ce qui rend l’ensemble cohérent.
Alors on commence par une belle comptine
signée Alejandro Escovedo, « Something Blue »,
preuve qu’il vous faut découvrir cet artiste de
toute urgence. Jim Lauderdale nous offre un
« Time Flies » au parfum country, eh oui ça
reste compatible… L’immense Tony Joe White,
qui nous a quitté récemment, nous gratifie de
son bluesy « Bad Mouthin’» issu de l’album
du même nom, une merveille livrée direct à
l’acoustique. Un petit Nick Lowe au passage,
« Tokyo Bay », qui prouve que l’Anglais a tout
compris à la musique des USA. Grant Lee
Philips, artiste peu connu dans notre contrée,
donne ici un « Miss Betsy » susurré de sa voix
unique. Mais le clou du projet est le « Downey
To Lubbock » que nous jettent en pâture Dave
Alvin et Dale Gilmore, sans aucune contestation
possible…
Stéphane Rocca
Barton
Hartshorn
Twelve
month
Suxeed
Voici une suite très spéciale à l’album précédent,
I Died of Boredom And Came Back As Me dont
nous avions dit le plus grand bien. Cet artiste
anglo-français basé à Paris s’est lancé dans
une aventure iconoclaste en sortant cet album.
Il a fait la rencontre d’une écrivaine, Louisa
Leontiades qui lui parle d’un livre dont elle a cédé
les droits au cinéma. Elle lui dit simplement :
« fais-en la musique » Ainsi naît ce projet musical
que Barton va adapter à sa propre sauce.
Twelvemonth est un terme de vieil anglais qui
signifie « une année ». C’est sur ce concept que
démarre le travail musical passionnant livré ici
avec quelques superbes instrumentaux comme
« Mother Love » et autres mélodies un peu plus
pop, « It’s a Start », dont l’artiste possède aussi
la clé… Bon voyage
Eric Duchaussoy
La valse
bohémienne
Aurore
Voilqué trio
featuring
Angelo
Debarre
La Pierre Brute
Un bon vieux swing jazzy ne fait jamais de
mal surtout lorsque des virtuoses, comme le
guitariste Angelo Debarre, s’y collent. Aurore
Voilqué, violoniste et chanteuse, ou peut-être
l’inverse, mène ici sa petite troupe à la baguette
et tout le monde s’en donne à cœur joie. Le trio,
qui au passage devient un quartette, reçoit la
bénédiction d’un certain Thomas Dutronc, ami
d’Aurore et fan d’Angelo aussi ! L’acoustique est
forcément de mise et la clarté du son que donne
le travail d’orfèvre de Mathieu Chatelain à la
guitare rythmique et de Claudius Dupont à la
contrebasse, est un plus non négligeable. Tout
ce beau monde attaque quelques standards
empruntés notamment à Django, «Vous et
moi » et « Chinatown My Chinatown », avec
une belle énergie, mais Angelo Debarre offre ce
superbe titre, « La valse bohémienne » que la
voix d’Aurore fait évidemment sienne…
Tony Grieco
Guitare sèche le mag 79

Bâton bleu
Weird And
Wonderful
Tales
Dixiefrog Records
Ce duo propose quelque chose de tout à fait
personnel, essayant de déjouer tout classe-
ment possible. Pourtant, les deux artistes, Maria
Laurent et Gautier Degandt qui le composent,
ne manquent pas de références. Mais leur but
semble justement de vouloir se démarquer d’un
folk trop traditionnel. Leur propos serait plutôt
l’expérimentation, mais sans aucun artifice
technologique, si ce n’est celui de leurs voix
et de leurs instruments acoustiques. Le résul-
tat donne donc un peu une ambiance « noise
music ». Les climats ainsi créés accrochent
l’oreille grâce notamment aux voix chaudes des
deux « collaborateurs ». Le banjo se fait néan-
moins assez bluesy sur les titres « Baton Blues »
et « Ring of Fire », nous sommes presque en
territoire connu mais toujours loin des figures
imposées…
Stéphane Rocca
Tony Marlow
1978/2018
Anthology,
40 ans de
rock and roll
Rock Paradise Records
Eh oui 40 ans déjà, ça se fête ! C’est avec une
belle ferveur que Tony Marlow défend cette
musique sans dévier d’un pouce. Il est sans
doute, à la base, fan de rockabilly, mais ce
parcours sans faute, riche de 50 titres répartis
en deux fois 25 sur deux Cd’s, montre aussi la
large palette qu’utilise cette musique jamais
répétitive. On commence avec les Rockin’
Rebels, le premier groupe de Tony, né en plein
revival, à la fin des années 70, pour finir avec ses
toutes dernières productions, sous son propre
80 Guitare sèche le mag
nom et sans oublier ses hommages, notamment
au grand Johnny Kidd, avec son épisode K’ptain
Kidd, lorsqu’il reprend les standards du maître.
On l’entendra rocker en Français, (« Frénésie »,
« Cliché Nocturne »), mais aussi dans la langue
native de cette musique immortelle (« Wild Cat
On The Loose »), l’Anglais !.
Tony Grieco
Ondine Horseas
Soum’Bayo
Inouïe Distribution/ www.ondinehorseas.com
Eh oui, on le sait, parfois le bonheur (musical) se
trouve aussi hors des gros labels et des riches
productions. Si vous en doutiez, l’écoute de
ce CD proposant six titres pourrait bien vous
en persuader. Cette artiste française a choisi
le format d’une pop tendance americana qui
pourrait aisément lui faire franchir les frontières
de l’Hexagone. D’abord, dotée d’une voix
puissante et reconnaissable, elle montre une
capacité à fournir des compositions d’une
teneur exceptionnelle, soutenant largement la
comparaison avec des artistes anglo-saxonnes.
L’énergie est palpable dès le premier titre
« Protect Yourself » et la poésie pop teintée
de folk rock devient flagrante sur « Leave Him,
Go ! ». Et en plus, elle s’accompagne à la guitare
acoustique, What Else ?
Tony Grieco
Raoul Midon
If You Really
Want With
The Metropole
Orkest,
conducted by
Vince Mendoza
Artisty Music/Mack Avenue/Pias
Le projet est de taille. Mêler la délicatesse d’une
guitare acoustique à la puissance d’un grand
orchestre est un pari qu’il faut savoir tenir.
D’autant que Raoul Midon ajoute aussi une voix
feutrée et sensible opérant dans le registre d’un
Paul Simon, autre challenge aussi… Mais Raoul
Midon s’en sort haut la main, sûr de ses capa-
cités, tant vocales qu’instrumentales. Même si
le sautillant « Ride on a Rainbow » qui ouvre
le bal, la mélancolie vient s’inviter par la suite
avec le magnifique « God’s Dream ». Ce groove
assez grandiose va ensuite habiter tout le reste
de l’album, même lorsque les percussions et les
cuivres entrent dans la danse, sur « Sunshine
(I Can Fly) ». L’artiste s’est manifestement fait
plaisir en sortant de la stricte intimité d’une per-
formance guitare/voix à laquelle il nous avait
plus ou moins habitués. D’ailleurs c’est ainsi
que commence le superbe final, « Suddenly »,
guitare, voix, et batterie, jouée aux balais, avant
d’être emporté par une horde de violons vibrion-
nants…
Stéphane Rocca
Ray Lema
Transcendance
L’autre distribution
On le sait, les racines de ce musicien sont jazz,
et il semble qu’il vienne ici nous le rappeler.
C’est donc cette couleur que l’on trouvera
tout au long de l’album, mais Ray Lema, dans
son approche, a toujours déposé plus que
quiconque, cette dose de musique purement
africaine qui représente sans doute encore plus
ses véritables racines. C’est flagrant sur un titre
comme « Zoukissa » et surtout sur « Congo
Rhapsody », qui éclate comme un manifeste,
avec une partition de guitare basse notamment
remarquable. Les guitares sont l’apanage de
Rodrigo Viana qui joint ses compétences à
celles de Ray au piano et au vocal. Ici tout n’est
qu’ambiance et groove, aucune esbroufe ou
technicité démonstrative, un album sensible
et pointu comme sait les concevoir ce grand
artiste finalement inclassable.
Eric Duchaussoy
Thomas
Dutronc
Live is Love
Universal Music
Ce n’est pas tout à fait un nouvel opus,
dans le sens où c’est du live et que les titres
sont déjà existants, mais la nouveauté vient
de l’interprétation et surtout de la couleur
totalement acoustique que donne Thomas de
tout ce que l’on peut déjà appeler ses classiques.
Ce travail fait quasiment office de documentaire
pour tous ceux qui ne l’ont pas vu sur scène
en 2018… Disons-le franchement, l’ambiance
est donc plus manouche que pop française,
d’autant que ses « potes » sont tous à ses côtés.
Tout est capté sur la tournée 2018, mais dans
des villes différentes, pourtant le jeu et le feeling,
soir après soir, font le lien et donnent cette
continuité qui coule dans tout l’album, comme
le sang dans les veines de cet artiste complet
qu’est devenu Thomas. Outre ses classiques, il
est amusant de noter la présence d’un titre de
John Lennon, pas manouche pour un sou, avec
ce « Love » joliment livré guitare et voix…
Tony Grieco
Joel Hierrezuelo
Zapateo
Suite
Continuo Jazz
Le jazz à couleur acoustique a encore de très
beaux jours devant lui avec des artistes comme
Joel Hierrezuelo. Loin des tourments engendrés
par les mutations technologiques, cette musique
totalement organique, juste chantée et jouée de
façon naturelle, fait vraiment un bien fou. C’est
de Cuba que nous vient Joel Hierrezuelo, et
malgré toute l’énergie développée par son quin-
tette, c’est toute la belle nonchalance de cette
chaleureuse contrée que l’on entend derrière
ces arrangements chauffés à blanc. L’artiste en
question a fait ses armes dans la musique de
variété, en accompagnant en studio toutes les
gloires locales. Il s’émancipe aujourd’hui avec
cette formation qui se hisse vers les sommets.
Le point fort de ce projet ambitieux réside aussi
dans un joli mélange, prenant un peu au Bré-
sil, un peu à l’Espagne et finalement pas mal à
l’Afrique, avec une certaine fierté. Le titre épo-
nyme, « Zapateo Suite », construit comme une
grande envolée, résume l’album à la perfection.
Stéphane Rocca
Martha Fields
Dancing
Shadows
www.texasmartha.com
Martha arrive de son Texas natal avec un nouvel
opus tout chaud. Le country rock qu’elle affec-
tionne coule à flots dans les sillons de cet album.
Installée en France, elle se sert du mal du pays
pour écrire une belle série de
titres poignants et accrocheurs.
Entourée d’une belle bande de
mercenaires, dont l’excellent
Manu Bertrand au Dobro, recru-
tés pourtant sur nos terres, elle
commence par quelques coups
de canon bien sentis comme ce
« Sukey » qui ouvre et plus loin
ce « Hillbilly Bop » qui réaffirme,
si besoin est, ses influences de
base. Entre temps elle nous a
balancé quelques ballades country folk au cours
desquelles chacun des participants tire son
épingle du jeu. Les chansons sont là, la voix est
là, le tout servi par une instrumentation sans dé-
faut et de plus, avec de grosses doses d’acous-
tique. La cerise sur le gâteau serait de voir la
troupe sur scène, car elle passera certainement
un jour près de chez vous… Ne la ratez pas !
Tony Grieco
Arthur De
La Taille
Ministère
des ondes
Sphere France / L’Autre Distribution
Après une enfance passée à Djibouti, Arthur De
La Taille atterrit en Aquitaine où il débute son
parcours musical. La musique l’emmène rapi-
dement sur les routes de France et d’Europe.
Il intègre le collectif Edgar de l’Est en 2005 en
tant que guitariste et se retrouve embarqué sur
les tournées de Mano Solo, Louis Bertignac
et Louise Attaque. Le bonhomme n’est donc
pas ici par hasard, et il nous livre aujourd’hui
Ministère des Ondes, son tout premier album
solo. Dès les premières mesures de « Changer
d’air », le chanteur/songwriter nous embarque
dans son univers, et les mots qui rythment ses
mélodies avec justesse et compassion sont
assurément ceux d’un homme qui a roulé sa
bosse et qui a vu le monde. Entre lumière et
ténèbres, l’artiste explore les nuances de l’âme
humaine, avec des textes superbement ciselés
valorisés par de belles et sobres harmonies et
des arrangements pétillants, au sein desquels
ses guitares (acoustiques et électrique) mènent
la danse. Si les influences de Miossec et Domi-
nique A transpirent des les premières écoutes
de l’album, la forte per-
sonnalité du gars Arthur
finit par s’imposer, et
gageons qu’il ne devrait
pas tarder à peser lourd
dans le panorama fran-
cophone. Entre chan-
son, pop et folk, son
ministère ne distille que
de bonnes ondes. Forte-
ment recommandé !
81
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Guitare Sèche le Mag !
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 Pédago
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Sommaire pédago
#46
RUBRIQUES PÉDAGOGIQUES

Pédago 10 INTROS 84
Pédago SHAI SEBBAG 88
Pédago BLUES 90
Pédago FRANÇOIS HÉGRON 92
Pédago MORCEAU COMPLET 94
Pédago ALEXIS MAZZOLENI 96
Pédago AU COIN DU FEU 97
Le plan ROCK 97

83
 10 INTROS
qui ont marqué l’acoustique
Tout se joue dès les premières mesures… Et, bien souvent, une intro réussie est la clé d’un bon
Podium

morceau. Sans elle, pas d’entrée en matière, pas de : « Ah, je la connais celle-là », et pas d’ambiance
qui se pose en vous prenant par la main. À ce jeu-là, l’acoustique est reine et le plaisir de l’intro réussie
fait partie intégrante du vocabulaire de tout instrumentiste qui se respecte. Suivez-nous, donc, à
travers dix intros intemporelles…

JOHN MAYER
QUEEN OF CALIFORNIA
Quand on pense à John Mayer c’est principalement le son de sa Stratocaster qui vient à l’esprit, mais n’oublions pas que
l’acoustique lui va très bien aussi, à tel point que Martin l’a gratifié d’un modèle signature, une OM de très belle facture.
On retrouve dans cet exemple acoustique, joué avec un capodastre à la case 4, la rigueur rythmique caractéristique de
John Mayer. La bonne mise en place demande donc de bien respecter les rythmes, notamment ce quart de soupir au
deuxième temps.

JASON MRAZ
I WON’T GIVE UP
La mesure est à trois temps, les croches sont ternaires et le tempo est relativement rapide. On gardera la pulsation avec
le pouce de la main droite, les accords venant se placer sur le premier temps de la mesure, avec un contretemps entre
les temps deux et trois. Ce schéma est maintenu sur pratiquement toute l’intro, avec des accords simples. Et n’oubliez
pas de descendre la corde de Mi grave en Ré.

84 Guitare sèche le mag

 PASSENGER
THE BOY WHO CRIED WOLF
Voici une intro basée sur un seul accord, le DO majeur, en position de base en bas du manche (avec un capodastre en
case 1). Les arpèges en croches sont assez rapides, il faudra surveiller leur régularité. Pour rendre vivant cet accord de
Do, on viendra simplement jouer un La sur la corde de Sol au troisième temps de la deuxième mesure.

MARIKA HACKMAN
CIGARETTE

Mine de rien, sous ses airs de simplicité apparente, cette intro regorge de petites difficultés techniques, rien d’insurmontable,
mais de quoi faire bien travailler les doigts. On est en La mineur et on débute sur un arpège assez classique. À la deuxième
mesure, on enchaîne des hammer-ons pour arriver à l’accord de Fa mesure 3, et pour redescendre de cet accord, on va
enchaîner cette fois des pulling-offs. Essayez de bien faire entendre toutes les notes clairement lors de ces effets de jeu.

85
 YUSUF / CAT STEVENS
SEE WHAT LOVE DID TO ME
On n’a que trois accords courants, Do, Sol et La mineur, mais qui s’enchaînent assez rapidement dans cet exemple. Le
premier Do est joué avec le Sol aigu sur la corde de Mi aigu, celui de la deuxième mesure est joué dans sa position stan-
dard, avec le Mi aigu à vide. Cette simple différence suffit à créer un effet mélodique dans cet enchaînement d’accords
des plus classiques.

TOM PAXTON
THE LAST THING ON MY MIND

Capodastre à la case 2 pour cette intro de Tom Paxton, écrite dans le plus pur style country-folk : un pattern de picking
ultra classique, utilisé par à peu près tout le monde dans la chanson folk, mais pourquoi vouloir changer un formule qui
fonctionne aussi bien ? L’occasion, donc, de revoir ce type d’accompagnement qui servira dans plein d’autres morceaux.

FEIST
GATEKEEPER

Difficile d’avoir le son de la guitare de Feist. Idéalement on se trouvera vers un modèle de guitare à petite caisse, de type
Parlor ou même guitare de voyage, avec un son peu brillant, plus centré sur le médium. Le guitariste de Feist joue cette
intro aux doigts, en brossant les accords avec le pouce, ce qui contribue à donner un son plus mat qu’avec un médiator.

86 Guitare sèche le mag

 ED SHEERAN
HAPPIER

Ce qui donne son élan à cette intro c’est l’utilisation judicieuse des rythmes : La première mesure est toute en croches
régulières, avec juste une petite appoggiature sur le troisième temps, tandis qu’à la mesure 2, on alterne noires et croches
avec, de plus, une belle syncope entre les temps deux et trois, ce qui relance la mécanique de manière plutôt efficace.

LUKE SITAL-SINGH
WEIGHT OF LOVE

Au départ, c’est simplement un accord de Ré majeur. Mais pour lui donner une autre couleur, Luke Sital-Singh a décidé de
lui ajouter un Sol, et pour faire frotter ce Sol à vide au Fa dièse de l’accord de Ré (la tierce), quoi de mieux que de déplacer
la position de l’accord vers l’aigu pour pouvoir se servir à la fois du Sol à vide mais aussi du Ré et obtenir ainsi une fluidité
des doubles croches qui donne sa légèreté au titre, c’est bien vu.

BEN HARPER
ANOTHER LONELY DAY

On accorde la guitare un ton plus bas pour ce titre de Ben Harper. On peut, bien entendu, le jouer en suivant la tablature
et en gardant la guitare accordée normalement, mais vous vous rendrez compte de suite que l’effet n’est pas du tout le
même, et c’est ce qui rend cette intro identifiable au premier instant, malgré la simplicité de sa construction.

87
 Fingerstyle

88
Pédago

Shaï Sebbag
La Bohème
Dans cette leçon, nous allons aborder l’arrangement d’un grand classique de la chanson française, par Monsieur Aznavour. Il est important de noter que
j’utilise un capo en case 2, mais avec le mi grave à vide. Sur la tablature, le 0 sur le mi grave représente le mi grave à vide. Et le 2 sur les autres cordes ?
Aussi une corde à vide ! Pour résumer : le capo posé partiellement est à intégrer comme des doigts supplémentaires sur la tablature. La dernière partie
en trémolo classique à 3 doigts n’existe pas dans la chanson. C’est en bonus !

89
 Blues
Pédago

Thomas Hammje
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Blues

de ces partitions sur notre chaine YouTube : www.youtube.com/GuitareSecheTV

90 Guitare sèche le mag

En 1928, Bo Carter enregistre « Corrine, Corrina », titre repris de nombreuses fois, par les jazzmen,
par Bob Dylan, par Leo Kottke, mais aussi par Eric Clapton qui changera le titre en Alberta. On
connaît généralement son enregistrement « Unplugged », mais c’est dès le milieu des années 70 qu’il
s’interessera à ce titre et il a été réédité sur l’édition du 35e anniversaire de l’album « Slowhand » en
version acoustique. Clapton s’accompagne à la 12 cordes, mais vous retrouverez ici l’essentiel de son
accompagnement. Avec en prime la mélodie intégrée à l’accompagnement, une fois sur les cordes
graves, une fois dans l’aigu.

91
 Manouche
Pédago

François Hégron
Manouche

Blues Mineur

92 Guitare sèche le mag

93
 Morceau
complet
Pédago
Morceau complet

94 Guitare sèche le mag

Ambiance détente, bord de mer, relaxation maximale pour ce titre instrumental de Fleetwood
Mac. On jouera tranquille, avec une pulsation plutôt lente mais néanmoins régulière, pulsation
qu’on marquera avec le pouce de la main droite. Sur cette basse régulière on va venir jouer
quelques accords, en les égrenant doucement et en prenant le temps d’en savourer l’harmonie.
On l’aura compris, pas de stress sur ce titre de Peter Green, mais prenez du bon temps à bien
poser les choses.

95
 Alexis Mazzoleni
Pédago

À la manière de
Billy Fury
Jazz

Ex.1

Ex.2

96 Guitare sèche le mag

 AU COIN DU FEU Lady Gaga & Bradley Cooper - «Shallow (A Star Is Born)»

Lady Gaga & Bradley x

Cooper – « Shallow »
Pédago

Ce morceau phare Em du film A Star

de la B.O D/F# G Is Born
Csus2 D Am Bm Am
prouve que l’on peut encore composer une chanson
imparable avec une poignée d’accords et une bonne
Intro
mélodie. Comme tous les titres de la B.O, « Shallow »
Plan rock

Em Gaga etD/F#
est cosigné par Lady G
Lukas Nelson & Promise Csus2 G D

Lady Gaga & Bradley Cooper

of the Real. Enjoy ! - «Shallow (A Star Is Born)»
Em D/F# G

Lady Gaga & Bradley Cooper - «Shallow (A Star Is Born)»

x
Couplet X4

x Em D/F# G Csus2 G D

Em D/F# G InterludeD
Csus2 Am X2
Bm Am

Em D/F# G Csus2 D Am Bm Em
Am D/F# G
Intro
Intro Refrain
Em D/F# G Csus2 G D
Em D/F# G Csus2 G D Am D/F# G D Em

X4
Em D/F# G
Em D/F# G Am D/F# G D Em

Couplet X4
Couplet X4 Em
Em D/F# G Csus2 G D
Em D/F# G Csus2 G D
Pont
Interlude Interlude X2 Bm D A Em
X2

Em D/F# G Em D/F# G
Bm D A

Refrain Refrain
Am D/F# G D Em
Am D/F# G D Em
X4
X4
Am D/F# G D Em
Am D/F# G D Em
LE PLAN ROCK

Em
Em

Pont
Bm D Pont
A Em

Bm D A Em
Bm D A

Bm D A

Thomas Hammje
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YouTube : www.youtube.com/GuitareSecheTV

97
 courrier
Courrier

Guitare Sèche est VOTRE magazine. N’hésitez donc pas à nous faire
part de vos questions, suggestions, angoisses et déceptions via
Facebook http://www.facebook.com/guitaresechelemag) ou par email
courrieracoustique@gmail.com Nous y répondrons forcément,
par mail ou par l’intermédiaire de cette rubrique.

Bonjour La Guitare Sèche

Je possède actuellement une guitare folk

de marque Lâg, qui me plaît bien, elle est
confortable et j’aime beaucoup le son en
acoustique. Mais il semblerait que vous
aimez bien les tables en bois massif dans
vos tests. Or ma guitare n’a pas de table
massive. Alors j’envisage d’en changer,
pourriez-vous me conseiller une guitare qui
serait proche de ma guitare (parce qu’elle me
convient) mais qui disposerait d’une table
massive ?

Antony.

Bonjour à vous
Je répondrai à votre question par une autre
question. Si votre guitare vous plaît en tout
point, pourquoi vouloir en changer ? Ne vous
laissez pas abuser par les critères des tests. Ils
prouvent juste qu’une table massive coûte plus
cher qu’une table laminée et que le fabricant a
décidé de miser sur la table et son vieillissement.
Une table laminée ne vieillit pas ou très peu
(les solvants de la colle s’évaporent un peu
avec le temps cependant) mais il n’a jamais
été démontré qu’une telle table ne pourrait pas
sonner correctement. J’ai croisé, lors des tests
de nombreuses guitares à table laminée qui
sonnaient parfaitement bien, et parfois aussi
bien, voire mieux qu’une table massive. J’ai
récemment comparé une petite Cort qui se
comportait presque aussi bien que mes Guild
USA alors même qu’elle valait bien moins cher.
Si vous doutez de votre guitare, je ne peux
que vous conseiller de la prendre avec vous,
et d’aller en magasin, ou chez des particuliers,
tester des instruments en mode comparatif. Là
seulement, vous saurez si vous devez blâmer
votre guitare. Les tests sont là pour vous dire si
telle ou telle guitare vaut le déplacement et nous
choisissons de ne publier que les instruments
qui méritent qu’on parle d’eux (contrairement à
ce qu’on pourrait croire, nous refusons certains
instruments, qui ne méritent pas qu’on gâche
du papier pour en parler…).
Si vous êtes heureux avec votre guitare, c’est
vous qui avez raison, ne vous inquiétez-pas. Si
vous avez des doutes, comparez in vivo et vous
saurez si vous devez changer.
Régis Savigny
Bonjour à tous,
Ma guitare se désaccorde toute seule,
pourtant elle est récente et plutôt chère.
Existe-t-il une solution pour que cela soit plus
stable ? Est-ce que les mécaniques à blocage
fonctionnent réellement ?
Charlotte
Bonjour à vous
Dans la plupart des cas les soucis de tenue
d’accord viennent du guitariste et non de
l’instrument. Oui les mécaniques à blocage
fonctionnent très bien mais à moins de vouloir
réduire le temps de changement des cordes,
elle sont globalement inutiles. Avant de blâmer
votre instrument et surtout vous infliger des
dépenses inutiles assurez-vous de plusieurs
choses.
1. Vos cordes doivent être montées
correctement, sans irrégularité dans le
bobinage de la corde et en pensant à faire un
nombre de tours suffisant (de 2 à 4 ou 5 en
fonction du tirant des cordes) pour bénéficier
de l’effet d’appui sur le sillet. Dans le cas de
mécaniques à bain d’huile simples, penser à
faire un tour au-dessus du reliquat de corde
puis à enrouler en dessous.
2. Lubrifiez votre sillet avec du graphite (un
crayon 6B fera l’affaire) ou du savon sec. Cela
minimisera les frottements.
3. Accordez TOUJOURS la corde en
approchant la note par le bas et jamais par
le haut. Si la corde est trop haute, descendez
franchement, TIREZ sur la corde, puis amenez
là à la bonne hauteur. Si vous dépassez,
recommencez… Cette gymnastique n’est pas
naturelle mais c’est la seule qui assure une
tenue optimale de l’accord.
4. N’oubliez-pas qu’une corde neuve met du
temps à se stabiliser. Tirez franchement dessus
quand vous les montez pour accélérer la tenue
d’accord.
Avec ces quelques conseils vous devriez
retrouver une guitare stable et passer plus de
temps à jouer et moins à vous accorder.•
Régis Savigny

98 Guitare sèche le mag

 erbeetl
e M S B 25
TR E S A L O N
Mini Su
p
E D A N S V O
LA LÉG E N D