HUMANIZE

magazine
Issue 9
J
oder. Por fin. Tres meses después. Hasta el día en el que lleguemos a ser cientos, nos
conformaremos con ser dos. Dos que publican para el
Damn. Finally. Three months later. mundo.

Hemos llegado al número 9. No voy
a entrar al tema de “somos la ostia”,
ni nada de eso. Sólo quiero decir que
somos dos. Y algún día seremos cientos
detrás de cada letra, de cada diseño.
Until the day that there are hundreds of us, we’ll
conform with just being two. Two who publish for the
world.
Y ahora, a por 10.

We’re finally on issue nine. I’m not going to get into a And now, let’s do 10.
self-congratulatory mode, saying “we’re the shit,” or
anything like that. I just want to say that’s it’s just two of Much love,
us. And some day there will be hundreds of us behind
each letter, each design. Karla D. Romero
También quiero daros las gracias a los que lleváis más
de un año siguiendo cada uno de nuestros pasos,
para lo bueno o para dar por culo. Gracias, de veras.

I also want to thank those of you who have been

following us for over a year, whether it’s been for better
or to bitch about us. Thanks, really.
 Directora // Editor
Karla D. Romero
(karla@humanizemag.com)

Diseño y Fotografía //
Design and Photography
Belma Hernández-Francés León
(belma@humanizemag.com)

HUMANIZE
magazine
Redactores // Writers
Fátima Rodríguez
Rebecca Schönsee

Colaboradores // Contributors
Ana Mingot
Gina Engst

Publicidad // Advertising
advertising@humanizemag.com

Portada // Cover: Nate Utesch

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 CONTENIDO
CONTENTS

8 The Zombies
16 Anke Becker 56 Javier Chavarría
26 Nebe Schoensee 66 Jose Luis Ábalo
36 Nate Utesch 82 Josef Karolys
 BRIEF
R
E
V
E
Por // By: Karla D. Romero

humanize 6
 Al azar
A
N
D
O
M
Conocido como Espaldamaceta (Juan José González para su
madre), este cantante tarraconense me ha dejado espantada. En
el buen sentido de la palabra.

Known as Espaldamaceta (AKA Juan José González), this

Tarragona native has left me terrified. In the best possible way.

Sé que mi descubrimiento ha llegado bastante tarde, pero... me

da exactamente igual. El caso es que al escuchar las primeras
notas de “El camino es muy oscuro y tan estrecho”, me he sentido
como que ha sido justamente eso, un descubrimiento. No se lo
quería contar a nadie. Fueron cuatro minutos y medio llenos de
lo que parecía ser una auto-revelación. Quizás mi comparación
sea absurda, pero mi infancia estadounidense ha limitado mis
referencias musicales españolas: en fin, ese momento me ha
recordado a cuando mi madre me hablaba de cuando era joven
y escuchaba a Serrat a escondidas (“Ara que tinc vint anys” no
era un álbum que escuchabas con tu familia en Madrid durante su
época).

I realize that my discovery is a bit overdue, but... I don’t care.

The point is that as I listened to the first few notes of “El camino
es muy oscuro y tan estrecho,” I felt just that, a discovery. I didn’t
want to tell anyone. Four and a half minutes of self-revelation
passed. Perhaps the following comparison will seem absurd, but
my childhood in the U.S. has limited my Spanish music references:
anyway, all of this reminded me of when my mother told me about
when she’d secretly listen to Serrat (“Ara que tinc vint anys” wasn’t
an album you’d listen to with your family in Madrid during the
Franco era).

Después de escuchar “Miedo al silencio” y “Miedo al silencio,

Segunda parte”, mandé unos correos a algunos amigos (entre
ellos, un par en Latino América y otros cuantos en EEUU).
Tristemente, mi sensación repleta de auto-descubrimiento y
angustia al escuchar a Mr. González respirar como si se estuviera
asfixiando al final de “Hoy sé que fue mejor”, no es algo tan
excepcional. Parece ser que todos que lo escuchan sienten
exactamente lo mismo.

After listening to “Miedo al silencio” and “Miedo al silencio,

Segunda parte,” I sent a few emails to friends (some in Latin
America and others in the U.S.). Sadly, my complete feeling of self-
discovery and anguish while I listened to Mr. Gonzalez’s breathing
as if he were being asphyxiated at the end of “Hoy sé que fue
mejor,” is not that unusual. Apparently everyone who listens to it
feels the same exact thing.

http://www.myspace.com/espaldamaceta
The
Zombies
Por // By: Karla D. Romero
Fotos // Photos: Belma H-F León
humanize 10
The Zombies es uno de los grupos más conocidos y seguidos
desde su primer single, “She’s Not There”. Sería extraño
conocer a alguien que no se sepa al menos las primeras
líneas de “Time of Season”. ¿Cómo se siente al estar en
una banda con tanta historia y con tantos fans que ha
trascendido cinco décadas? // The Zombies are one of the
most well-known and followed bands since your first single,
“She’s Not There.” It would be surprising to meet anyone
almost anywhere who doesn’t at least know the first couple
of lines of “Time of the Season.” That said, how does it feel to
be behind a band with so much history and with so many fans
that span five decades?
No creo que nadie lo sepa a ciencia cierta en realidad,
pero recuerdo que desde Decca intentaron crear una
imagen excesivamente afectada para la banda en U.K.,
esto, sumado a algunas sesiones de fotos no demasiado
afortunadas pudieron ocasionar ese efecto. Estos desastrosos
primeros esfuerzos para dar a c onocer a The Zombies nos
persiguieron durante años, de hecho e incluso después
de tanto tiempo, todavia hoy nos encontramos con que
vuelven a aparecer algunas de estas primeras fotos. Sin
embargo nuestro éxito en “las listas” en Estados Unidos
ocurrió tan sólo unos pocos meses después, tiempo que
aprovechamos para definir una imagen más realista, y
ayudados por encontrarnos dentro de lo que se percibía
entonces como la “Invasion Británica”, refiriendose al tiempo
en el que por algunos años, las bandas britanicas dominaron
“las listas” de Estados Unidos.
I don’t think anyone really knows for sure but I do remember
that Decca tried to create a very contrived image for the
band in the U.K., supported by several very weak photo
shoots. These disasterous first efforts at publicising The Zombies
stayed with us for years and in fact even after all this time
we are still occasionally haunted by the re-appearance of
those early photos. In contrast our chart success in America
happened a few months later than in the U.K by which
time we had established a slightly more realistic image
and were also helped by being perceived as part of the so
called “British Invasion”, when for a few years British bands
dominated the U.S. charts.
¿Quiénes fueron vuestra principal influencia musical antes de
crear The Zombies? // Who were your main musical influences
before creating The Zombies?
En realidad The Zombies eran una banda de colegio que
empezó en St. Albans en 1961. En 1964 competimos en el
concurso “The Hertfordshire Beat Competition”, un gran
evento, en el que participaban bandas y sus fans de toda
inglaterra compitiendo en un ambiente electrico, más como
en un partido de fútbol que en un concierto! Me sorprendió
mucho que ganaramos y creo que fue entonces cuando
desaparecieron todas las posibles dudas a cerca de si
deberíamos convertirnos en profesionales de la música.
Actually The Zombies were a school band that began in
St.Albans in 1961. In 1964 we took part in “The Hertfordshire
Beat Competittion” which was a brilliant event featuring bands
and their fans from all over England competing in an electric
atmosphere, more like a soccer match than a concert!. I was
amazed when we won and I think that night any lingering
doubts about whether we should turn professional finally
disappeared.
A pesar de estar presentes desde principio de los sesenta,
vuestras canciones son eternas, sin duda. ¿Creeis que existe
una fórmula musical para canciones con este tipo de calidad
eterna? // Despite being around since the early sixties, your
songs are undoubtedly timeless. Do you think there’s a certain
musical formula for songs with this sort of timeless quality?
The Zombies beben de un amplio espectro de influencias
musicales, Jazz desde los clasicos hasta el presente, del blues
al R&B y Rock. Creo que esto nos hace sonar diferente a otras
bandas y fue uno de nuestros puntos fuertes, pero a la vez,
que nuestra musica fuera tan variada se convritió también
en una de nuestras debilidades, de tal manera que como
la radio y la prensa no podían catalogarnos facilmente, les
resultaba confuso y perdían interés.
The Zombies drew on influences from a very wide spectrum
of music, classical to modern jazz, to the blues and R&B and
onto rock. I think this made us sound different to other bands
of the time and was one of our main strengths but because
our music was so varied it also became one of our main
weaknesses as if radio and the press can’t easily categorize a
band they tend to get confused and lose interest.
Vuestra separación en 1967 seguido del gran éxito de “Time
of the Season” mucha gente se pregunta porqué no os
reunisteis en medio de vuestro éxito. ¿Creeis que tomasteis
la decisión correcta al no reuniros de nuevo? ¿Por qué o por
qué no? // Your breakup in 1967 and that being followed
by “Time of the Season” being a huge hit has made a lot of
people wonder why you didn’t reunite in the midst of your
success. Do you think you made the right decision by not
getting back together? Why or why not?
En Rod Argent tuvimos con nosotros a un gran pianista que
también tenía años de experiencia cantando en el coro de
una Catedral. Su impresionante musicalidad fue una gran
inspiración para nosotros y nos guió por lugares en los que
algunas bandas cohetaneas se encontraban explorando.
Más tarde conseguimos cierta ventaja gracias a tener dos
compositores muy prolíficos, como Rod y Chris White.
In Rod Argent we had a world class keyboard player who also
had years of experience singing harmonies in a cathedral
choir. His sheer musicality was a huge inspiration to us as
he led us into areas that few other bands of the time were
exploring. Later on we had the advantage of having two fine
and prolific writers in the band as Rod and Chris White honed
their writing skills on the early Zombies recordings.
humanize 11
¿Qué distingue a los fans de Estados Unidos de los de
Inglaterra y de los de España? // How would you differentiate
fans from the U.S. from those in the U.K. and those two from
fans in Spain?
Tito Burns fue nuestro manager y agente. En 1964 obtuvo
un gran éxito y una gran posición de poder, y nos ayudó
inmensamente a promocionar nuestro primer single.
Tristemente, debido a que provenia de una “era” diferente
a la nuestra, creo que nunca vio la “foto completa”. Con el
tiempo perdió su notoriedad y finalmente se sumergió en la
oscuridad.
Tito Burns was our manager and our agent. In 1964 he was
very successful and powerful and helped us immensely
promoting our first single. Sadly, coming from a different era I
don’t think he ever saw the bigger picture. He eventually lost
all his big acts and in the end faded into obscurity.
¿Habeis actuado antes en España? ¿Qué tal ha sido? //
Have you performed in Spain before? If so, what was the
experience like?
Que yo recuerde, yo nunca me reuní persoalmente con
nadie de Decca o C.B.S. lo que parece algo extraño,
aunque creo que algun otro de los miembros de la banda si
lo hicieron.
From what I remember I personally didn’t once meet anyone
from Decca or from C.B.S. which seems a little strange,
although I think some of the others in the band did.
¿Qué os ha hecho hacer una gira tan grande por España? //
What made you want to do such an extensive tour in Spain?
En el momento en que “She’s Not There” se convirtió en un
hit inmediato, Decca quiso que grabaramos un album muy
rapidamente. Dado que Rod y Chris acababan de empezar
a componer nos vimos en un problema para encontrar
material, y este fue de peor calidad por el hecho de que
Tito Burns nos mantenia tocando en conciertos ca hora de
cada día y cada noche sin absolutamente ningun tiempo
para grabar. En consecuencia, nuestro primer album, “Being
Here”, fue una aventura muy precipitada, grabado en los
estudios Decca, en West Hamstead, Londres, en tan solo 2 o
3 tardes en el otoño de 1964. A posteriori nos dimos cuenta
de que simplemente fue grabado demasiado pronto, asi
como que “Odissey and Oracle” fue grabado demasiado
tarde probablemente. Por fin en 1967, se permitó a la banda
producir su propio album. De alguna manera conseguimos
tener alguna manera conseguimos grabar en Abbey Road
con algunos de los mejores tecnicos de sonido del mundo.
Cuando estuvo terminado, todo el mundo estaba encantado
con el album pero cuando empezaron las ventas y vimos
que las cifras eran decepcionantes fue evidente que los
no compositores de la banda estaban en serios problemas
económicos. Esto, sumado aalgo de falta de interés en la
banda hicieron evidente que el grupo habia llegado ya a su
techo y decidimos disolver el grupo y emprender cada uno
nuestras carreras con nuevos proyectos. La ironía está en
que en “Time of the Season” la banda obtendría su mayor
éxito a nivel mundial un año después de haber se disuelto,
y muchos años después , la revista “Rolling Stone” clasificó
“Odessey and Oracle” como uno de los mejores 100 albumes
de todos los tiempos.
humanize 12
When “She’s Not There” was an immediate hit, Decca wanted
an album recorded very quickly. Because Rod and Chris had
only just started writing we had a real problem finding material
which was made worse by the fact that Tito Burns had us
playing concerts every hour of every day and every night with
no time set by to record. Consequently our first album “Begin
Here” was an extremely rushed affair, recorded at Decca
Studios in West Hamstead, London over just 2 or 3 evenings
in the Autumn of 1964. With the benefit of hindsight it was
simply recorded too soon whereas Odessey And Oracle was
probably recorded too late. In 1967 at long last the band was
allowed to produce it’s own album. We somehow managed
to get time in Abbey Road and work with some of the best
engineers in the world. Everyone was thrilled with the finished
album but when initial sales were disappointing it became
apparent that the non-writers in the band were in serious
financial trouble. This combined with a general lack of interest
in the band seemed to signify that the band had gone as far
as it could and it was decided we should all move on to new
projects. The irony was that in “Time Of The Season” the band
would have it’s biggest worldwide hit a year after the band
had ceased to exist and that many years later “Rolling Stone”
magazine would nominate “Odessey and Oracle” as one of
the best 100 albums of all time!
¿Cómo ha evolucionado The Zombies desde su separación
desde 1967 hasta ahora? ¿Qué ha cambiado y qué sigue
igual? // How have The Zombies evolved since your initial split
in 1967 to now? What has inevitably changed and what has
remained the same?
Rod y yo empezamos a tocar juntos hace unos 10 años.
Por aquel entonces no nos llamabamos “The Zombies” ni
tocabamos muchas canciones de “The Zombies”, cuando
de repente el público empezó a demostrar un apetito
voraz por material de “The Zombies”. Durante algun tiempo
fuimos reacios a asumir este interés pero cuando la presión
empezó a llegar desde diferentes frentes “ondeamos la
bandera blanca” y poco a poco pero con paso firme fuimos
evolucionado hacia “The Zombies” de hoy en día.
Rod and I started playing together again about 10 years
ago. We didn’t use the name “The Zombies” and we didn’t
play many Zombies tunes. It genuinely surprised us when
however much we objected promoters started billing us as
“The Zombies” and then suddenly audiences started showing
a very keen appetite for Zombies material. For a long time we
refused to acknowledge this interest in our past but eventually
with pressure coming from all sides we “waved the white flag”
and slowly but surely evolved into a modern day Zombies.
humanize 13
¿Qué es lo que más os gusta hacer cuando estáis actuando Como no estabamos juntos al conocer el éxito de “Odessey
o componiendo música? // What do you all love to do when and Oracle” la primera vez que pasó fue especialmente
you’re not performing or making music? satisfactorio obtener el prestigioso “Classic Album Award”
de la revista Mojo en 2009, 42 años después de que fuera
Por supuesto reconocemos nuestra herencia gracias a tocar grabado!!
temas de los Zombies, pero tambien tocamos temas de otros As we weren’t together to acknowledge the success of
puntos de nuestras carreras , Argent, The Alan Parsons Project, “Odessey and Oracle” the first time around it was particularly
y algunos otros proyectos en solitario y los dos albumes de rewarding to be awarded the prestigious “Classic Album
estudio que grabamos cuando vovlimos a tocar juntos de Award” from Mojo magazine in 2009, 42 years after it was
nuevo. originally recorded!!
Of course we acknowledge our heritage by playing many
Zombie tunes but we also feature tracks from other other
¿Cuáles son vuestros planes de futuro cuando acabe la gira?
areas of our careers notably Argent, The Alan Parsons Project,
// What are your plans for the future after your tour ends?
various solo projects and the two studio albums we have
recorded since we started playing together again.
Para mi ha habido dos epocas de “The Zombies” claramente
dirferenciadas. En los 60, cuando disfrutamos de la emoción
¿Cuál es la mejor música que habeis escuchado
de un hit mundial con nuestro primer disco y establecimos
recientemente? ¿Qué es lo que más os gusta? // ¿What’s the
las bases de nuestras carreras como jóvenes músicos, y
best new music you’re listened to recently? What do you like
mas recientemente cuando, totalmente por sorpresa,
about them?
nos encontramos con un interés por nuestro pasado
musical y hemos vuelto a tener un calendario “estable” de
Ace Records es una buena discográfica, dirigida por
actuaciones y un buen numero de fans en todo el mundo.
enamorados de los discos a enamorados de los discos.
For me there have been two “Zombie lifetimes”. In the 60’s
Estamos muy orgullosos de formar parte de su catalogo.
when we had all the excitement of an international hit with
Ace Records is a fine record label, run by record enthusiasts
our first record and set of as young musicians to lay the
for record enthusiasts. We are very proud to be part of their
foundations of our careers and more recently when we were
catalogue.
taken totally by surprise at the interest in our past and have
through constant touring built up a solid world wide fan base
¿Creeis que se sigue haciendo buena música o creeis que la
all over again.
calidad de música que se hacía en los sesenta y los setenta
ya existe? // Do you believe that great music is still being
made or that the sort of quality music that was being created
in the sixties in seventies no longer exists?
 La realidad paralela de
ed alelarap dadilaer aL
Anke Becker Por // By: Fátima Rodríguez
Es difícil trabajar en un arte abstracto y poco figurativo, y
dar a conocer un estilo tan poco comercial es aún más
complicado. Sin embargo, una habilidosa combinación de
colores y figuras es lo que puede hacer a este tipo de arte
algo bello, y esto es lo que distingue a los cuadros creados
por las manos de Anke Becker en Constructing Utopia.
Chispas de color y genialidad conforman su obra.
It is difficult to work in abstract and non-figurative art, and
disclose this non-mainstream style is even more complicated.
However, a skillful combination of colors and shapes is what
makes this kind of art a beautiful thing, and this is what
distinguishes the paintings created by the hands of Anke
Becker in Constructing Utopia. Sparks of color and genius
make up her work.
A grandes rasgos, Constructing Utopia se puede describir de
la siguiente manera: distintos fragmentos se unen entre sí para
formar una serie de paisajes caóticos y barrocos. Estas piezas
suelen ser recortes de prensa que se mezclan con dibujos y
trazos dibujados por la propia Anke. No muestran nada en
concreto, pero producen sensaciones únicas. Explicar esto
es difícil, y por supuesto es mejor ver estas obras que intentan
explicarlas con palabras. En todo caso, dejemos que Anke
explique qué intenta expresar: “Intento crear series, que
cambian entre la realidad y la abstracción, siempre con
el objetivo de irritar y al mismo tiempo de estimular los ojos
del espectador y sus hábitos a la hora de mirar. Me gusta la
The Parallel Reality of
fo ytilaeR lellaraP ehT
imagen de caminar lentamente a través de terrenos con los
ojos, parar en determinados puntos y después ir más allá.
Trato crear composiciones, que indican una percepción
imaginaria sin fin y además enfatizar que siempre una
realidad posible junto a lo visible. De alguna manera intento
construir mapas imaginarios y plantas de paisajes utópicos”.
Broadly speaking, Constructing Utopia could be described in
the following way: different fragments join together to form
a chaotic and baroque series of landscapes. These pieces
are often newspapers clippings mixed with drawings and
lines drawn by Anke. They do not show anything in particular,
but produce unique experiences. Explaining this is difficult,
and of course it is better to see these works that trying to
explain them with words. In any case, let Anke explains what
she tries to express: “I am trying to create settings, which
change between reality and abstraction, always with the
aim to irritate and also stimulate the spectator’s eyes and
viewing-habits. I like the image of walking slowly through my
landscapes with the eyes, of stopping at certain points and
then going further. I attempt to create compositions, which
indicate an imaginary endlessness perception and I also want
to emphasize that there is always a possible reality beside the
visible one - I somehow try to construct imaginary maps and
plans of utopian landscapes.”
humanize 17
Conectando piezas // Connecting Pieces
Llama la atención cómo algunos cuadros son similares y
podrían encajar cómo si fueran un puzzle. Esto pasa en diver-
sos lados de la sala de la exposición: a un lado, unos grandes
cuadros de gran colorido podrían juntarse para formar uno
solo. Por otro lado, una serie de mini cuadros recuerdan a
células, que también podrían unirse para formar algo, quizás
un organismo. Anke nos comenta esto: “Este efecto segu-
ramente viene por mi manera de trabajar: reúno pequeñas
piezas individuales a través de un contexto mayor y una
nueva perspectiva. Aparte de esto, suelo trabajar en series
parecidas a puzles porque en principio para mí indica, de
alguna forma, un infinito posible (de composición, tal como
pensaba)”. También es curioso cómo Anke se empeña en
subrayar el borde de algunas piezas, cómo si intentase que
éstas saltasen a la vista aún más. ¿Por qué sucede esto?:
“Mientras trabajo siempre me interesan los bordes y los filos
–no sólo porque la técnica de recortar una pieza de papel
siempre crea bordes afilados, sino también en un sentido
metafórico. En el pasado, trabajé en una gran serie de islas
compuesta por muchos pequeños detalles. La llamé Piezas
Individuales. Dibujé los bordes de toda la composición para
juntarlos todos y crear una capa uniforme que rodease a los
fragmentos individuales. Con este método añado una fina
línea alrededor de un collage de piezas en 3 dimensiones
con el objetivo de definir claramente el borde entre papel
blanco y espacio diseñado. El principio de una isla lógica-
mente sigue las mismas reglas”.
It is striking how some pictures are similar and they fit like a
puzzle. This happens on different sides in the room of the exhi-
bition: on one side, large colorful boxes could come together
to form one. On the other hand, a series of miniature paintings
resemble cells that could also join together to form something,
perhaps a body. Anke tells us that, “This effect surely comes
by the way I work: putting together small single pieces into a
larger context and a new perspective. Besides that, I often
work in puzzle-like series because for me this principle indi-
cates somehow a possible infinity (of composition as well as
thoughts).” It’s curious how Anke also strives to highlight the
edge of some parts, as if she tried to attract attention on them
even further. Why is this? “While I’m working I am always inter-
ested in borders and edges - not only because the technique
of cutting out a piece of paper always creates sharp edges
but also in a metaphorical sense. In the past I worked on large
series of islands composed by many small details. In the exhibi-
tion now there is a kind of abstract island-series as well. It is
called ‘single pieces.’ I draw the edges of the entire composi-
tion to put everything together and to create a uniform layer
surrounding the single fragments. With this method I add a flat
line around the more 3-dimensional collage pieces with the
aim to clearly define the border between white paper and
designed space. The principle of an island logically follows the
same rules.”
Ante un estilo tan poco convencional, está claro que la
creadora debe ceñirse a un método que se salga de lo
normal. Esto no significa que deba tomarse a la ligera. Todo
lo contrario, Anke sigue una metodología concienzuda y
que requiere mucha constancia: “Mi obra consiste en piezas
recortadas y superficies dibujadas. Uso revistas y fotos para
la parte de las piezas y lápices de colores, rotuladores y
bolígrafos para las partes dibujadas. Antes de empezar la
composición, defino en sucio los colores y el titulo (como, por
ejemplo, ‘ciudad jardín’, ‘plan’, ‘panorama’, ‘montaña’). Y
después trabajo como si estuviese cosiendo: empiezo en un
punto en concreto y creo la composición final juntando cada
fragmento. Siempre intento evitar composiciones central-
izadas y contenidas porque pienso que es importante crear
la impresión de que pueda ‘salirse de la raya’. Y por eso me
muevo por todo el papel mientras desarrollo los detalles. El
concepto de una composición por todo el papel es funda-
mental para mi trabajo”.
With an unconventional style, it is clear that the creator must
follow an out-of-the-ordinary method. This does not mean it
should not be taken seriously. On the contrary, Anke follows
a thorough methodology and requires much perseverance.
“My work consists of cutout collage patterns as well as drawn
surfaces. I use magazines and photos for the collage parts
and different colored pencils, markers, felt-tip pens for the
drawn pieces. Before I start with a composition I define the
rough chart of color range, and the working title (like for
example, ‘garden city,’ ‘plan,’ ‘panorama,’ ‘mountainside’).
Then I work as if I were knitting a piece of textile: I start at a
certain point and create the final composition by putting
one fragment together with another and so on. I am always
trying to avoid centralized and self-contained compositions
because I find it important to keep the impression of a pos-
sible ‘going over the border.’ In order to achieve that, I move
around the paper while working on the details. The concept
of an all-over composition is fundamental for my work.”
humanize 22
humanize 23
Los humanos no son bienvenidos // Humans Aren’t
Welcome
Una característica interesante del estilo de Anke Becker
es que no aparecen figuras humanas por ninguna parte.
Podemos ver otros elementos, como frutas o flores. Pueden
intuirse elementos humanos, como trozos de pelo o piel: pero
nunca veremos un cuerpo humano entero, como el retrato
de un hombre o una mujer. Esto me llamó la atención, así
que pregunté a Anke la razón. “Me interesan mucho mas
las estructuras y los colores que la descripción figurativa. Es
importante para me que mis dibujos y collages sean como
matrices para los ojos sin la distracción de figuras humanas.
No quiero contar historias lineales. Prefiero ofrecer la
posibilidad de pensar en lo que existe entre lo abstracto y la
realidad.”
An interesting feature of Anke Becker’s style is that there are
no human figures anywhere. We can see other items such as
fruits or flowers. We can sense human elements, like pieces
of hair or skin, but we never see a whole human body, like
the portrait of a man or a woman. This caught my attention,
so I asked Anke the reasoning behind it. “I am very much
more interested in structures and colors than in figurative
description. For me it is important that my drawings and
collages work like a matrix for the eyes without the distraction
of human figures. I don’t want to tell linear stories but rather
offering the possibility to think about the wide range between
what is abstract and what is reality.”
Al contrario que en un arte más figurativo, es más difícil
pensar en unos referentes clásicos. Todos podemos pensar
en el estilo de Jackson Pollock, pero poco más. Anke nos
habla sobre todo lo que ha influido en ella para que su
estilo sea de esta manera: “Muchos artistas que trabajan
con composiciones por todo el papel son referencias
importantes para mi. Por ejemplo, me interesa mucho el
trabajo de Jackson Pollock, aunque definitivamente sea
un pintor. También me interesan las pinturas paisajistas
medievales por su fluctuación entre la percepción abstracta,
ornamental y natural.” Por otra parte, es inevitable preguntar
qué elementos estimulan su creatividad, qué hace que la
creadora se inspire. “Definitivamente me inspiran todo tipo
de mapas e imágenes desde la perspectiva de un pájaro
(Google Earth, pinturas paisajistas y modelos arquitectónicos).
Y también me interesan mucho las teorías arquitectónicas
y políticas, las cuales tratan con conceptos vivientes, con
utopías políticas y sociales – sobretodo de los años veinte y
sesenta, y también el libro “Utopia”, de Thomas Morus fue
importante para mi y mi aproximación al arte”.
In contrast to a more figurative art, it is more difficult to think
of some classic references. We can remember Jackson
Pollock’s style, but little else. Anke talks about everything that
has influenced her style to be this way: “Many Artists who
deal with the principle of all-over compositions are important
references for me: For example I am very much interested
in the work of Jackson Pollock even though he definitely is a
painter. I am also interested in medieval landscape pictures
because of their oscillating between abstraction, ornament
and naturalistic perception.” On the other hand, it is inevitable
to ask about the elements that stimulate her creativity, what
inspires to the creative: “I am definitely inspired by all kinds of
maps and by any images from the bird’s perspective (Google
Earth as well as landscape paintings and architecture
models). And I am also very interested in architectural and
philosophical theories, which deal with new concepts of living,
with political and social utopia - especially from the twenties
and sixties, and the book “Utopia,” by Thomas Morus was also
very important to me and my approach to art.”
Una de las creaciones favoritas de Anke Becker son los
libros que ella misma ha pintado, recortado y pegado. En
Constructing Utopia hay dos, Meteor y The Sea, en el que
varias figuras y letras se intercalan para hacer disfrutar a
los sentidos. De hecho, volver a crear este tipo de libros
se encuentra entre los próximos proyectos de la creadora
alemana: “Estoy haciendo unos libros nuevos de arte –
inspirados por los libros que hice para la galería Columpio.
Nunca había creado libros, pero me encantó y ahora,
¡quiero hacer más! A la vez estoy experimentando con obras
enormes y con letras y fragmentos de textos en mis collages.
Y a partir de eso, estoy preparando un nuevo número de
una serie de exposiciones con otros artistas internacionales
llamada, ‘Dibujos Anonimos’, que empecé en el 2006”.
Some of Anke Becker’s favorite creations are the books that
she has painted, cut and paste. In Constructing Utopia she
has created two, Meteor and the Sea, where several figures
and letters are interspersed to give pleasure to the senses.
In fact, to recreate this kind of book is one of Anke’s next
projects. “I am working on some new art books - inspired by
the books I produced for Columpio Gallery. I never created
books before but I really loved it and now I want to go further!
At the same time, I am working on new large-sized works,
experimenting with letters and text fragments in my collages.
And besides that, I am preparing a new issue of an exhibition
series with international artists called, ‘Anonymous Drawings’,
which I initiated in 2006.”
humanize 25
 Melodias de
Trauma: Los
Totem Toons

JOAS de

SEBASTIAN
NEBE
Tunes of
Trauma:
Por // By: Rebecca Schönsee
Joas
Sebastian
Traducción // Translation: Ana Mingot

Nebe’s Totem
Toons

humanize 26
“El hombre ha escapado de su cabeza como un convicto
de la prisión”. Los cuatro Totem Toons evocan esa misma
visión del ideal de Battaille en Acéphale, un hombre “cuya
cabeza decapitada en la forma de una calavera toma refu-
gio donde deberían estar sus genitales”, como Masson más
tarde describió su emblemática imagen, portada del primer
número de “Acéphale”, que apareció en junio de 1936 indu-
cido por el estallido de la Guerra Civil Española.
“Man has escaped from his head as a convict from prison.”
Nebe’s four “Totem Toons” evoke that very vision of Bataille’s
ideal of the “Acéphale,” a man “whose decapitated head in
the form of a skull head taken refuge where his genitals should
be” as Masson would later describe his emblematic image on
the cover of the first issue of “Acéphale,” which appeared in
June 1936, induced by the outbreak of the Spanish Civil War.
Acechando en las sombras de los paisajes viscerales y de los
caparazones arquitectónicos simétricamente reflejados en un
espejo, está la parábola de la hembra mantis religiosa. Cono-
cida por decapitar a su pareja durante el acoplamiento,
tiene una larga historia de simbolizar la amenaza de la cas-
tración. Las diferentes configuraciones en forma de vulva de
las que los Totems de Nebe emergen, muestran un complejo
deseo masculino por un encuentro arriesgado con la otredad
femenina.
Lurking in the shadows of Nebe’s visceral landscapes and the
folding of architectural shells around mirror axes is the par-
able of the female praying mantis. Known to decapitate her
partner during mating, it has a long history of symbolizing the
threat of the femme fatale and the menace of castration. The
different vulva-like configurations out of which Nebe’s Totems
emerge display a complex masculine desire for a hazardous
encounter with the female Other.
humanize 27
humanize 28
Mirado desde el campo fantasmático alrededor de
la mantis religiosa, el animal tótem del arte surrealista,
el tótem más tentador de este ciclo es el Toon de
Nebe titulado Spider. Aquí, las líneas sinuosas sugieren
la apertura y cierre de la vagina dentada. Es como si
fuéramos testigos de la mantis religiosa devorando a su
pareja masculina.

Read against the fantasmatic field surrounding the

female praying mantis, which has been called the
totem animal of surrealist art, Nebe’s Spider-Toon is the
most tantalizing “totem” within this cycle. Here, the
meandering lines conjure up the image of the opening
and closing of the toothed vagina. It is as if we were to
directly witness the praying mantis devouring her male
partner.

Este poderoso momento de horror es adumbrado por

Ant donde Nebe alienta las fotografías análogas de
desoladores espacios urbanos con visiones animadas
de nubes. De esta forma añade un componente
neumático al sino inmóvil Toon, jugando con la
imagen del artista como nigromante que inhala la red
cadavérica de espacios llanos con espíritu artístico
en un intento de dominar el cuerpo de lo femenino.
Sin embargo Nebe clarifica lo siguiente: El cosmos
femenino que anima es una trampa. “¡Ay! Y vano y
vacío como muros de cárcel, el cielo ciérnese como
curva guadaña sobre mi frente... “, estos versos de
Hölderlin citados por Masson al describir su Acéphale
ya no se refieren a estos Totem Toons. El cielo de Nebe
es apropiado y alterado. Su respiración mecánica
nos recuerda a un presente, esparcido de desastres
naturales, conflictos y crisis. Los efectos cataclísmicos
del cambio climático, un tema en el que Nebe ha
estado trabajando en otro ciclo de dibujo animado, no
pueden ser negados.

This powerful moment of horror is adumbrated by

the “Ant” Toon, in which Nebe inspirits the analogue
photographs of desolate urban spaces with animated
cloudscapes. He thus adds a pneumatic quality to the
otherwise motionless Toons playing on the image of
the artist as necromancer, who inhales the cadaverous
web of shallow spaces with artistic spirit as an attempt
to master the body of the feminine. Yet Nebe clarifies
the following: The female cosmos he animates is a trap.
“Alas both deceptive and bare/The sky like prison walls/
bows its weight on my head…“ These lines by Hölderlin
quoted by Masson on describing his “Acéphale” no
longer apply to the Totem Toons at hand. Nebe’s sky
is appropriated and altered. Its mechanical breathing
reminds us of a present, scattered with natural disasters,
conflicts and crises. The cataclysmic effects of climate
change, a topic on which Nebe has been working in
another cartoon cycle as well, cannot be denied.

humanize 29
Peacock y Giraffe aparecen como reliquias de
nuestros paisajes post-traumáticos. Saltando de
arriba abajo dentro de los calibrados fotogramas
poligonales, nos cuentan historias de la extinción
de la diferencia y de la pérdida de la Otredad.
Compuestos por casas fragmentadas, disecadas,
sacadas del Wild Wild West americano, se refieren a
la desaparición de las fronteras, a la alteración de
los regimenes espaciales y a la aniquilación de los
espacios urbanos.

“Peacock” and “Giraffe” appear as the remnants

of our post-traumatic landscapes. Jumping up and
down within the calibrated polygonal film-frames,
they tell us stories of the extinction of difference and
the loss of the Other. Composed of fragmented,
dissected houses of the American “Wild Wild West”
they refer to the demise of frontiers, the shifting of
spatial regimes and the annihilation of urban spaces.

Sin embargo, parecen ridículamente inconscientes

de ello. Peacock y Giraffe se nos presentan como
objetos sin cabeza, meras máscaras, dirigidos por
el maestro titiritero Nebe. Al desnudar a la película
de sus componentes esenciales, el movimiento y el
dialogo, y al desviar la acción al marco y al diseño
de sonido (Peter Kastner), Nebe deliberadamente
expone su proceso de factura e inflige su discreta
violencia en los prerrequisitos del medio aplicado.

Yet they seem to be ridiculously unaware of it.

“Peacock” and “Giraffe” appear as headless
objects, mere masks, directed by the master
puppeteer, Nebe. By stripping the film bare of its
essential components, motion and dialogue, and by
deflecting the action into the frame and the sound
design (Peter Kastner), Nebe deliberately exhibits
his process of facture and the infliction of discrete
violence on the prerequisites of the media applied.

El doblamiento de las casas, el acto de privar a los

movimientos gráficos de diálogo, y el calibramiento,
es decir la circuncisión, del marco en polígonos,
lleva consigo la compleja retórica de la violación
masculina contra los símbolos de lo femenino. Sin
embargo, la amenaza de la castración planteada
por el cuerpo de la mujer, la monstruosidad
femenina, permanece. Nebe nos hace darnos
cuenta de que no existe un exorcismo gráfico en
movimiento. La falta de profundidad de los tótems
resiente la empatía del espectador, adentrándonos
aún más en el amenazante medio, acechando en
las sombras del marco.

The folding of houses, the act of depriving the

motion graphics of dialogue, and the calibrating,
hence circumcision, of the frame into polygons
carries an intricate rhetoric of male violation against
symbols of the feminine. However, the threat
of castration posed by the woman’s body, the
monstrous-feminine, lingers. Nebe makes us aware
that there is no such thing as an exorcism motion
graphic. The flatness of the totems resents the
beholder’s empathy and leads us even deeper into
the threat environment, looming within the shadows
of the frame.
humanize 31

A la inversa, los tótems adoptan una calidad grotesca.
Al seguir sus esfuerzos en vano por orquestar un escape
dédaloniano de su caja negra, uno no puede más que
sonreír. Pues estos tótems reivindicando un poder mágico
nunca saldrán de la herida vaginal a la que están
condenados a habitar. Pero, es precisamente al inducir este
momento de ridículo que Nebe consigue un fuerte momento
de auto-reflexión.
Conversely, the totems adopt a grotesque quality. As one
follows their vain efforts to stage a Daedalian escape from
their black box, one cannot but grin. For these totems
claiming to have magical power will never leave the vulvic
wound they are bound to inhabit. But, it is precisely by
inducing this moment of ridicule that Nebe achieves a strong
moment of self-reflection.
Los Totem Toons de Nebe nos hacen preguntar si, en vez
de propiciar una sociedad a gusto con lo instintivo, como
Bataille imaginó su Acéphale, hemos caído en un laberinto
sincrético, unidimensional, y estructurado por los vectores del
miedo. El aparentemente glorioso cambio de verticalidad a
lo horizontal aparece frustrado, cuando uno se da cuenta de
que no solo el hombre ha escapado de su cabeza como un
convicto de prisión, sino que el cuerpo también ha escapado
de sus órganos. Lo que queda es una multitud de avatares,
partidarios a tótems sin una tribu. Como hormigas sobre
una cinta de Moebius, sin saber si estamos dentro o fuera,
escondiéndonos detrás de máscaras de metrosexualidad
continuamente evitando el deseo del Otro.
As Nebe urges the viewer into deciphering the paradoxical
logics of his carnival-esque game played out within his
totemistic mirrors, one is coerced into ever-new encounters
with the dissected self and its optical unconscious. By working
with an intricate meta-structure of juxtapositions, incessantly
escaping interpretation, Nebe builds up an intense feeling
of anguish. At times, the humming sound of impersonal
chatter recorded in a hotel, returns uncannily as if to mock
the beholder of the taboo of touch, reaching far beyond the
medium of filmmaking and the totems on display.
Me entra un deseo de romper el embrujamiento y salir fuera
y respirar profundamente el salado aire fresco de otoño.
Mientras siento el viento acariciar mis pulmones, oigo los
Totem Toons de Nebe pronunciar una leve risa sardónica.
Me siento tentada a aceptarla con una sonrisa, pues soy
una mujer. Y me pregunto como hubiera reaccionado un
espectador masculino. Me imagino que requiere audacia
escuchar la melodía de los Totem Toons de Nebe ya que
conlleva las monstruosas melodías del trauma.
I feel a burning desire to break the spell and to step out into
the open to take a deep breath of the fresh salty fall air. As
I feel the wind caressing my lungs, I hear Nebe’s “Totems
Toons” uttering a faint, sardonic chuckle. I am tempted to
embrace it with a smile, for I am a woman. And I wonder,
how a male beholder would have responded. I figure, it takes
some audacity to listen to the tune of Nebe’s “Totem Toons”
for it carries monstrous tunes of trauma.

Nebe’s Totem Toons make us wonder, whether instead of

bringing about a society at ease with the instinctual, as
Bataille has envisioned his Acéphale, we may have fallen into
a syncretic, one-dimensional maze, ordered from vectors of
fear. The seemingly glorious change from verticality into the
horizontal appears thwarted, as one comes to realize, not
only has man escaped his head like a convict from prison, but
the body has also escaped its organs. What’s left is a crowd
of sexually ambiguous avatars, adherents to totems without
a tribe. We run like ants on a Moebius band, not knowing
whether we are on the inside or on the outside, hiding behind
masks of metrosexuality continually avoiding the Other’s
desire.

Al instar al espectador a descifrar la lógica paradójica del

juego carnavalesco desarrollado dentro de sus espejos
totémicos, Nebe obliga al espectador a reencontrarse
continuamente de manera nueva con su ser disecado y el
subconsciente óptico. Al trabajar con la compleja meta-
estructura de las yuxtaposiciones, incesantemente evadiendo
la interpretación, Nebe logra crear una intensa sensación de
angustia. A veces, el zumbido impersonal de la cháchara
grabada en un hotel retorna insólitamente, como para
burlarse de aquél que observa el tabú del tacto, llegando
más allá del medio cinematográfico y los tótems expuestos.

humanize 34
NATE
UTESCH
Entrevista // Interview: Karla D. Romero
Traducción // Translation: Gina Engst

Donde
se unen la
ilustración,
la música
y el diseño
Where
Illustracion,
Music and
Design
Meet
Izquierda // Left: para for Ferocious
Quarterly No.2/ ilustración que acom-
paña una historia de Matt Beers llamda
“The Sad Champion and Her” // For
Ferocious Quarterly No.2 / companion
to a story by Matt Beers called “The Sad
Champion and Her Trophy”

Página anterior // Previous page: Para Ferocious Quarterly No.1/ ilustración que
acompaña una historia de Scott Kirkpatrick llamada “Black Sheepish” // For Fe-
rocious Quarterly No.1 / companion to a story by Scott Kirkpatrick called “Black
Sheepish”

Derecha // Right: Para Ferocious Quarterly No.2/ ilustración

que acompaña una historia de Scott Kirkpatrick llamada
“Sound od Sounds Underwater // For Ferocious Quarterly
No.2 / companion to a story by Scott Kirkpatrick called
“Sound of Sounds Underwater”
humanize 38
1.¿Cuándo y dónde naciste? ¿Cuál es tu formación artística
(estudios, otros proyectos del pasado)? // When and where
were you born? What’s your arts background (school, other
projects from the past)?
Nací en Danville, Illinois en 1981. Hijo de un psicólogo y una
artista comercial. Danville es un pueblito pequeñito al este
de Champaign. Y siempre sigo esa frase diciendo que es el
lugar de nacimiento de Gene Hackman, Dick Van Dyke y el
astronauta de la Misión Atlas, Joe Tanner. Aún así, no reclamo
a Illinois con ninguna importancia, nos mudamos antes de
que mi cerebro empezara a guardar datos. Las copias de
seguridad de los datos empezaron en Purdue University en
Lafayette, Indiana, mientras mi padre terminaba su carrera.
Después estuvimos en San Diego, California hasta que mi
madre terminara la suya y por fin, en Fort Wayne, Indiana
hasta el día de hoy.
I was born in Danville, Illinois in 1981. Son of a psychologist and
a commercial artist. Danville is the smallest little something-
or-other east of Champaign. And I always follow this up with
saying it’s also the birthplace of Gene Hackman, Dick Van
Dyke and Atlas Mission astronaut, Joe Tanner. Although, I
can’t really claim Illinois with any sort of significance, we
moved before my brain started saving data. The data
backups started at Purdue University in Lafayette, Indiana
while my dad finished school—then San Diego, California until
my mom finished school—and finally, Fort Wayne, Indiana until
present.
Siempre me ha gustado la ilustración. Recuerdo cuando
era muy pequeño y mi padre intentaba obligarme a dejar
de dibujar para que saliera de casa y hiciera amigos. O
me intentaba convencer de que era importante dejar de
dibujar cuando tenia que hacer caca. Supongo que por eso
estaba tan estreñido cuando era chiquitín. Pero en cuanto
llegó la adolescencia, fue la música lo que realmente me
dio vida. He estado en varios grupos durante los últimos 16
años de mi vida. Algunas fueron experiencias cortas en las
que nunca llegamos a salir del sótano y otras consumieron
una gran parte de mi vida. Y he ilustrado y diseñado para
todas. Mucho antes de saber que quería hacer una carrera
profesional en ello.
I’ve always loved illustration. I have early memories from
my childhood of my dad trying to force me to stop drawing
and doodling and go out and make friends. Or to try to
convince me that it was important to stop drawing when I
needed to make a poop. I guess it lead to some pretty painful
constipation when I was a little tike. But as adolescence set in,
it was music that really breathed life into me. I’ve been in and
out of bands for the last 16 years of my life. Some short lived
and never to debut past the basement—and some that have
gobbled up significant years of my life. And I’ve designed and
illustrated for all of ‘em. Well before I knew I wanted a career
in it.
Me quedé en mi pueblo durante la universidad y fui a Indiana
University, en el campus de Fort Wayne. Inicialmente estudié
ilustración pero terminé con una licenciatura en diseño
gráfico. Sabía que podía volver a la ilustración más tarde
en mi vida pero que el arte comercial me iba a dar más
estabilidad económica. Me contrataron en una agencia
de publicidad en mi tercer año de carrera y allí trabajé
como director artístico hasta hace 4 años. En 2006 me
ofrecieron trabajo en One Lucky Guitar, Inc. - una agencia
humanize 40
de publicidad pequeña con un joven fundador que dedicó
mucho esfuerzo en crear un ambiente apasionante y de
pensamiento fuera de lo establecido entre un mundo de
publicidad caduco. ¡Estoy afortunado de poder trabajar allí y
es una suerte haberlo encontrado en el Medio Oeste!
I stayed in my hometown throughout college and attended
Indiana University’s Fort Wayne campus. Initially studied
illustration but ended up with a BFA in graphic design. I knew
that illustration would be something I could come back to in
my life but commercial art was going to be a more financially
stable pursuit. I got a job at a local advertising agency my
junior year of college and worked there as an art director
until about four years ago. In 2006, I was offered a job at One
Lucky Guitar, Inc. - a small design and ad shop whose young
founder has worked to create this incredible environment
of passion and outside-the-box thinking amidst the stale
advertising world. I’m blessed to have a career there and
lucky to have found it in the Midwest!
Me estoy yendo por las ramas… la época post-universidad
y pre-One Lucky Guitar me fue muy bien porque no me
gustaba el trabajo que hacía en la agencia de publicidad.
Me obligó a hacer cosas artísticas fuera de mi carrera
profesional. El trabajo en diseño era muy predefinido por los
clientes. Supongo que estaba pagando mis deberes. Pero
fue en esos años en los que realmente hice mucho de mi
trabajo personal de ilustración en espacios informales. Abrí
una galería con unos amigos y organicé eventos cada mes.
Me empecé a encontrar a mí mismo en la ilustración. Exploré
métodos de hacer grabados, devorando bolígrafos de tinta
y botellas de cola de mod podge, y desarrollando un nivel
de estilización y consistencia. No siento aún que he llegado
pero fue una temporada maravillosa. Me llené artísticamente
porque “la vida de agencia” no me satisfacía.
I’m getting off track a bit... the time post-college/pre-One
Lucky Guitar was really good for me because I didn’t like the
agency work I was doing. It forced me to do things artistically
outside of my career. Even though I was designing there, it
was all cut and dry, corporate client work. I was putting in
my dues I guess. But it was during those years that I really
illustrated a lot of personal work behind the scenes. I opened
a gallery with some friends and curated monthly events. I
started finding myself, illustratively. Exploring printing methods,
devouring ink pens and bottles of mod podge, developing
a level of stylization and consistency. I still don’t feel like I’m
there but it was a great season in the wings. Filling myself up,
artistically, because the “agency life” wasn’t cutting it.
Ilustración para un poster de David Bazan //
Illustration from a poster for David Bazan
Proyecto personal // Self-initiated project
humanize 44
2. ¿Crees que el lugar donde te criaste fue un factor
influyente en tu trabajo? ¿Por qué sí o por qué no? // Do you
think that where you grew up is an influential factor in your
work? Why or why not?

Estoy seguro de que sí lo fue. Hay un cierto nivel de

simplicidad casi inocente en el Medio Oeste de Estados
Unidos. Generaciones de gente que está conforme con estar
en el medio. Sin agitar, simplemente existiendo y siendo
felices. Yo creo que retomar esas sensibilidades y usarlas
como temas a veces crea algo realmente interesante. Es
como un “viejo EEUU”, nostalgia que contrasta con el arte
contemporáneo. No creo que se desborda de mi trabajo,
pero seguramente sí sea una influencia. El primer ejemplo
que pensé fue una idea que se me ocurrió hace unos años
de coger héroes poco celebrados de Estados Unidos e
ilustrarles en imágenes anaglíficas. El primero que ilustré fue
Yakima Canutt, el doble de John Wayne.
I think it was for sure. There’s a certain level of almost naive
simplicity in the Midwest. Generations of just being ok with
being in the middle. Not making waves, just existing and
being happy. I think taking those sensibilities and using them
as themes creates something really interesting sometimes.
Kind of an “old USA,” nostalgic contrast with contemporary
art. I don’t think my work is bursting out of the seams with it,
but it’s an influence for sure. The first example I thought of was
this idea I had a few years ago to take strange unsung US
heroes and illustrate them as anaglyphic images. The first one I
did was of John Wayne’s stuntman, Yakima Canutt.
3.¿Hay ilustradores o diseñadores que te influenciaron
personalmente o profesionalmente? // Do you have any
specific illustrators and/or designers that have directly
influenced you and/or your work?
Todavía me siento un poco inseguro respecto a la ilustración.
Mis años trabajando en la publicidad me ayudaron a ser
polifacético. Aun así, muchas veces me frustro, por no tener
la paciencia para concentrarme de verdad en algo que la
gente pudiera identificar inmediatamente como mi trabajo.
Eso dicho, la gente que vive en el borde de mi cerebro y me
vienen a la mente primero son: Mary Blair, Jim Flora, Alvin
Lustig, Chris Ware, Charley Harper, Daniel Clowes, Chip Kidd,
Paul Rand…
I still feel pretty self-conscious about my illustration. The years
in advertising have helped me become versatile. I am often
frustrated, though, that I haven’t been able to have the
patience to really hone in on that something that people
can immediately identify as my work. With that said, here are
all the folks who live at the edge my brain and come to my
mind first: Mary Blair, Jim Flora, Alvin Lustig, Chris Ware, Charley
Harper, Daniel Clowes, Chip Kidd, Paul Rand..
4. Mirando tu trabajo en Internet, parece que eres un artista
polifacético: ilustración, una gama amplia de diseño,
e incluso una combinación interactiva con tu proyecto
personal de Twitter, David Lynch. ¿Es posible definir tu
trabajo? ¿Cómo lo harías? // From looking at your work online,
you’re a very versatile artists, working in illustration, a wide
range of design, and even an interactive combination with
your personal David Lynch Twitter project. Is it possible to
define your work? How would you do so?
Yo lo agradezco, gracias. Y me parece gracioso, acabo
de decir que ser polifacético me parece una desventaja.
Jaja. Intentando concentrarme en una estética… hm. Me
gusta hacer trabajo estilizado y geométrico. Muchas veces
vectorial. Pero me parece que muchas veces acaba siendo
manchado de tinta. O la ejecución de esas ideas estilizadas
y simples acaba incorporando muchos elementos dibujados
a mano, texturas escaneadas, métodos de pincel y grabado.
Quiero decirte que mi ilustración se presta a libros infantiles
de mediados del siglo pasado y que mi diseño es limpio y
geométrico. Pero eso es en verdad donde quisiera estar.
I appreciate that, thank you.. that’s funny too, having just
said versatility feels like a downside to me. haha. Trying to
hone in on one aesthetic...hm. I love working very stylized and
geometric. Often vector. But it seems that I more frequently
end up very “inky.” Or the execution of those simple, stylized
ideas end up incorporating lots of hand-drawn elements,
scanned in textures, brushes and printed methods. I want to
tell you that my illustration lends itself to mid-century children’s
books and my design is clean and geometric. But that’s just
where I wish I was.
Proyecto personal llamado “Anaglyphic
History of the America // Self-initiated
project called “An Anaglyphic History of the
America”

humanize 47
Ilustración del packaging para “Loosen the bands” de Metavari //
Illustration from the packaging for “Loosen the Bands” by Metavari

humanize 48
Ilustración del packaging para “Be One of Us and Hear No Noise” de
Metavari // Illustration from the packaging for “Be One of Us and Hear
No Noise” by Metavari

humanize 49
Izquierda // Left: Para For Ferocious Quarterly No.1 /
ilustración que acompaña una historia de Matt Beers
llamada “In the Shadow of The Standard and Hope” // For
Ferocious Quarterly No.1 / companion to a story by Matt
Beers called “In the Shadow of The Standard and Hope”
Derecha // Right: Ilustración para un postor para
El Ten Eelevn // Illustration from a poster for El Ten
Eleven
humanize 51
Portada para “Got to Get a Message
to You” // Cover art for “Got to Get a
Message to You” Wildflower Records
compilation

humanize 52
Parte de ilustraciones del packaging de “Loosen the
Bands” de Metavari // Sections of an illustration from the
packaging for “Loosen the Bands” by Metavari

humanize 53
5. Cuéntanos de otros proyectos en los que participas, como
Ferocious Quarterly (por cierto, ¡increíble!), y otros proyectos.
// Tell us about the other projects your involved in, such
as Ferocious Quarterly (amazing, by the way!), and other
projects.
¡¡Muchísimas gracias!! Sí, el proyecto más grande en el
que participé este año fue la concepción y el lanzamiento
de Ferocious Quarterly. En resumen ahorré mucho dinero
y contacté con un buen número de mis ilustradores y
escritores de ficción favoritos para ver si querían contribuir
con su trabajo para una colección que estaba organizando.
Respondieron 31 personas y publiqué el libro. Ahora unos
meses después acabamos de terminar el segundo libro
- esta vez todo el trabajo se hizo exclusivamente para
Ferocious. Colaboraciones de 44 artistas y 10 ilustradores/
escritores. Quién sabe a dónde irá, pero hemos tenido
suficiente suerte y nos han destacado en varios sitios web
y blogs bastante admirables. Aunque no estamos pidiendo
dinero exactamente… se sostiene sólo. Y eso es todo lo que
podemos pedir.
Thanks so much!! Yeah, the biggest thing I’ve been involved
in this year was the conception and launch of Ferocious
Quarterly. In a nutshell, I saved a bunch of money and
contacted a number my favorite illustrations and short fiction
writers to see if they’d wanna contribute work for a collection I
was curating. 31 folks responded and I printed the book. Now
a few months later, we’ve just actually finished the second
book - this time all work created just for Ferocious. 44 artists
and 10 illustrator/writer collaborations. Who knows where it’ll
go, but we’ve been fortunate enough to be featured on
some really admirable websites and blogs. Even though we
aren’t exactly making money... it’s sustaining itself. And that’s
all we can ask for.
La otra bestia en mi vida es mi banda de música, Metavari.
Hemos tenido mucha suerte por estar incluidos en los rosters
de Crossroads of America Records en EEUU y Friend of Mine
Records en Japón. Toco los Fender Rhodes y hago todo el
muestreo y programación. Entre estar de gira con Metavari,
organizar Ferocious, y todas las ilustraciones sueltas, lo poco
que queda lo dedico a mi Masi Randonneur o en mi chica.
Tiene que tratar con un adicto al trabajo y yo se lo agradezco
mucho, jaja.
The other beast in my life is my band, Metavari. We’ve
been really lucky to be able to join the rosters of Crossroads
of America Records in the US and Friend of Mine Records
in Japan. I play the Fender Rhodes and do all the digital
sampling and programming. Between touring in Metavari,
managing Ferocious and all the odds and ends illustrations,
what little is left is spent on my Masi Randonneur or with my
gal. She’s got quite the workaholic on her hands and I love
her for it. haha
6. ¿Cómo ves tu futuro como ilustrador y diseñador? // How
do you see your future as an illustrator and designer?
Me encanta trabajar como director artístico en One Lucky
Guitar, Inc. Creo que estaré aquí todo el tiempo que me
dejen. Aun así, me gustaría dedicarme más a la ilustración y
perseguir más trabajo editorial. Apenas lo he podido saborear
en mi trabajo de freelance y me encantó la ilustración
editorial. 2011 comenzará con la búsqueda concentrada de
trabajo en revistas impresas y online. Tengo tres libros impresos
en proceso para Ferocious en 2011 y algunos trabajos
humanize 54
encargados para publicar en la web. Parece que tendremos
una historia/artículo cada semana en el 2011 en la web de
Ferocious.
I love working as an art director at One Lucky Guitar, Inc.
I think I’ll be here as long as they’ll have me. I’d love to
start getting more serious about my illustration, though,
and even pursue some more editorial work. I’ve only had
a glimpse of that in my freelance career and I really love
editorial illustration. 2011 will commence a targeted pursuit
of work in some online and printed magazines. I’ve got three
printed books in the works for Ferocious in 2011 and a some
commissioned, written work for our online features. Looks like
we’ll almost have one story/article each week in 2011 for the
online features on Ferocious.
7. ¿En qué otros proyectos estás trabajando actualmente? //
What other projects are you currently working on?
Tengo algunos proyectos divertidos en camino que están
relacionados con la ilustración. Una ilustración fuera de serie
que hago como invitado para el “Picture Book Report” de
Meg Hunt (estoy trabajando en una escena de Dune de Frank
Herbert); un fondo de pantalla para The Fox is Black de Bobby
Solomon, “Desktop Wallpaper Project”; me invitaron a ilustrar
el lema estatal del Kentucky para el proyecto de lemas
estatales “50 and 50” de Dan Cassaro; e ilustraciones para la
colección juvenil de 2011 en Matilda Jane. Además, acabo
de descubrir hoy que estaré organizando la “Collection No.2”
de Poogla del programa de fondo de pantalla de iPhone/
iPad en la tienda de programas de Apple. El impresionante
ilustrador danés, Luis Mendo, hizo el primero así que me siento
muy afortunado de que me hayan considerado para hacer el
segundo.
I’ve got a few fun illustration related projects down the pike. A
one-off, guest illustration for Meg Hunt’s “Picture Book Report”
(I’m doing a scene from Frank Herbert’s Dune); a wallpaper
for The Fox is Black, Bobby Solomon’s “Desktop Wallpaper
Project;” I was invited to illustrate Kentucky’s state motto
for Dan Cassaro’s “50 and 50” state mottos project; and
illustrations for the 2011 youth collection at Matilda Jane. I also
just found out today that I’ll be curating Poolga’s “Collection
No.2” for their iPhone/iPad wallpaper app on Apple’s app
store. The outstanding Danish illustrator, Luis Mendo, did the
first one so I’m really honored to have even been considered
for the second.
Puedes ver la obra de Nate en // You can see Nate’s work at:
www.nateutesch.com
También puedes ver Ferocious Quarterly en // You can also
take a look at Ferocious Quarterly: fe.rocious.com
Javier Chavarría

humanize 56
 Por // By: Fátima Rodríguez

La muerte de un poeta siempre es una tragedia, pero ésta

es aún mayor si resulta que él era una de las grandes voces
críticas de una sociedad decadente. Éste es el leit motiv
de la última exposición del artista Javier Chavarría, Hanno
Ucciso, un poeta. Una muestra que intenta hacernos pensar
sobre nuestro presente y futuro, y pretende que reflexionemos
sobre hacia dónde vamos.

The death of a poet is always a tragedy, but this is even

greater if he was one of the greatest critics of a decadent
society. This is the leit motiv from the last exhibition of the artist
Javier Chavarría, Hanno Ucciso, Un Poeta. An exhibition that
tries to make us think about our present and future, and it
intends to make us reflect on where we are going.

Javier Chavarría se inspira en una de las figuras claves tanto

del mundo del arte como del pensamiento crítico del siglo
XX: Pier Paolo Pasolini. Aunque la mayoría de la gente lo
conoce por su faceta de director de cine, el artista italiano
también escribía: sus artículos de opinión tenían renombre
en Italia, y también escribía poemas, aunque su faceta de
poeta no era demasiado conocida. A lo largo de la vida
se caracterizó por ser uno de los personajes más polémicos
de Italia, hecho que culminó en su estremecedor asesinato.
Precisamente la emoción de su entierro fue lo que inspiró a
Javier Chavarría: “Por casualidad vi en YouTube un vídeo del
funeral de Pasolini. En el vídeo aparecía Alberto Moravia, que
también era escritor y un gran amigo del poeta. Ante cientos
de personas hizo una intervención muy emotiva, y en un
momento dijo “Han matado a un poeta”. Él intentó cargar el
sentido en eso: la pérdida de cualquier persona es un drama,
y más cuando se produce en unas circunstancias violentas
como en un asesinato. Pero también habla de intolerancia,
de no escuchar a los demás. El hecho de que esa persona
también fuera un poeta era algo tremendamente importante
para Moravia, porque ¿cuántos poetas hay en una
generación con una conciencia despierta y que puedan
alertar a la sociedad sobre si se está equivocando? El poeta
no es sólo una persona que rima versos, es alguien de utilidad
pública para la sociedad. Ése es el drama de asesinar a un
poeta”.

Javier Chavarria was inspired by one of the most important

figures of the world of art and critical thinking of the 20th
century: Pier Paolo Pasolini. Although most people know him
for his work as a film director, the Italian artist used to write too.
His opinion articles were well known in Italy and he also wrote
poems, although his role as a poet was not known. During his
life he was one of the most controversial characters of Italy,
a fact that culminated in his shocking murder. The emotion
that was present during his funeral was what inspired Javier
Chavarria: “I happened to watch a video on YouTube about
Pasolini’s funeral. Alberto Moravia appeared in the video,
who was a writer and a great friend of the poet. In front of
hundreds of people he made a very emotional speech and
at one point he said, “They killed a poet.” He tried to mean
that the loss of anyone is a tragedy, especially when it occurs
in violent circumstances, like a murder. But it also speaks
about intolerance, about not listening to others. The fact that
this person was also a poet was something tremendously
important to Moravia, because how many poets have a
generation with awareness and who can alert society about
whether people are mistaken? The poet is not only a person
who can rhyme verses, he is someone with a public interest to
society. This is the drama of murdering a poet.”
humanize 58
humanize 59
La muerte de Pasolini no sólo conmocionó a la sociedad de la época, sino
que fue una gran pérdida para la humanidad en general.
Al menos eso es lo que opina Javier, ya que Pasolini fue
una de las voces más críticas de su tiempo, alguien que
se atrevía a cuestionar a la Iglesia, los comunistas y a la
derecha. Incluso se atrevió a atacar la revolución del 68,
calificándolos como niños de papá ricos que jugaban a
hacer la revolución tirando piedras a los policías, cuando
precisamente los gendarmes eran los obreros a los que había
que entregar rosas en vez de apedrear. Chavarría se inspira
en el pensamiento revolucionario de Pasolini a la hora de
crear Hanno Ucciso, un poeta: “Han matado a un poeta es
algo que había que decir muy alto para que todo el mundo
se enterara, así que pensé en algo así como poner una
pancarta en un castillo. De ahí nació la idea, y pensé en
usar los espacios públicos de la sociedad para expresar lo
que se piensa. Pasolini siempre hablaba de tolerancia, de la
permeabilidad de las ideas”.
Pasolini’s death not only shocked the society at the time, it
was a great loss to humanity in general. That’s what Javier
says, because Pasolini was one of the harshest critics of his
time, someone who dared to question the Catholic Church,
the Communists and the right wing. He even dared to attack
the revolution of ‘68, calling it ‘rich daddy kids playing to
make the revolution by throwing rocks at policemen, when
gendarmes precisely were those workers who had to deliver
roses instead of stones.’ Chavarria was inspired by Pasolini’s
revolutionary thought at the time of creating Hanno Ucciso, A
Poet. “They Killed A Poet is something I had to say out loud for
the whole world, so I thought something like putting a banner
in a castle. That is where the idea came from and I thought to
use the public spaces of society to express what people think.
Pasolini always spoke of tolerance, about the permeability of
ideas.”
Cuando entras en la sala de la exposición, lo primero que
llama la atención son unas letras gigantes que rezan “Han
matado a un poeta”. Son de un rojo intenso que en su
diseño intentan imitar a los grandes carteles de neón de
Broadway. Chavarría lo explica: “El cartel grande se podría
colocar en el campo, al lado de los edificios, etc. La idea
sería ocupar las azoteas, los balcones libres y que no son de
nadie. Las letras recuerdan a los neones de espectáculos
estilo Broadway. De ahí surge otra idea: la de la sociedad
que sólo busca la diversión, que no quiere un discurso que le
obligue a pensar, sino que sólo quiere divertirse y olvidarse de
la realidad. Así usamos un lenguaje parecido al publicitario,
porque ante la publicidad somos muy receptivos. Lo mismo
nos pasa con el cine. Se trata de usar esos medios para
contar otras cosas, para evitar que los ciudadanos sigan
siendo gente que no piensan en nada”.
When you enter the showroom, the first thing that attracts your
attention is some giant letters when we can read “They killed
a poet.” They had bright red design that tries to imitate the
big neon lights of Broadway. Chavarría explains it: “The big
sign could be placed on the field, next to buildings, etc… The
idea would be to occupy the roofs, the free balconies that
don’t belong to nobody. The letters are reminiscent of the
neon Broadway-style shows. This is another idea: a society that
doesn’t want a speech that force them to think, but just want
to have fun and forget reality. So we use a language similar to
advertising, because we are very receptive to advertising. The
same thing happens with movies. It’s about using the media
to tell other things, to avoid that citizens remain people who
do not think in anything.”
Uno de los dibujos estrella es una estantería vacía, en la que
sólo hay un papel en el se puede leer la frase Sapere Aude.
Chavarría nos cuenta el significado de esta frase en latín:
“Sapere aude es una máxima latina que se traduce como
Atrévete a saber. En este caso, sería para que veamos más
allá del mundo que nos rodea y nos creamos una conciencia
social. es una exhortación, como para decir ‘Toma partido’.
Así puedes intentar cambiar la sociedad y mejorarla”. Las
frases continúan en la pizarra donde leemos la inquietante
frases Todos “Estamos En Peligro”: “Aquí vuelvo a utilizar
los espacios públicos, como la pizarra de un restaurante.
Más abajo se recoge una frase que dijo el propio Pasolini
el mismo día que murió: ‘Todos estamos en peligro’. Esto lo
dijo esa mañana, en una entrevista que le hicieron, cuando
hablaba de la mecanización de la soledad y de la pérdida
de los valores morales y éticos. Esa frase se la recomendó
al periodista como título del artículo. Y se trata de una frase
premonitoria, porque se fue a cenar y luego lo mataron”.
One of the most important drawings is an empty shelf, where
there is only one paper with a sentence where we can read
Sapere Aude. Chavarria tells us the meaning of this Latin
phrase, “Sapere Aude is a Latin maxim that we can translate
as Dare To Know. In this case, it would be for us to see beyond
the world around us so we create a social conscience. It is
an exhortation, as to say ‘Take the match!’ So you can try to
change society and improve it.” The phrases are still on the
board where we read the others that were more disturbing,
such as, “We Are All In Danger,”: “Here I use public spaces
again, such as a blackboard from a restaurant. Below, it
contains a phrase that Pasolini said on the day that he died,
‘We are all in danger.’ He said it during an interview he did
that morning, when he spoke about the mechanization
of loneliness and loss of moral and ethical values. He
recommended that the journalist make that phrase the
headline of the article. And it was a premonition, because he
went to dinner and then they killed him.”
humanize 61
humanize 64
Salvo en uno, en todos los cuadros hay frases o letras,
algo que hace referencia a la importancia que se le da al
lenguaje como forma de exhortación y/o manipulación.
Aparte de la repetición de ‘Han matado a un poeta’,
podemos leer otros dibujos que muestran carteles con
frases como ‘Lucha’. El artista nos explica, “En este cartel
pone Lucha, y hace referencia a cuando Pasolini se había
enfrentado a tanta gente al final de su vida: a la Iglesia, a
los comunistas, a la derecha…. Le preguntaron si merecía
la pena seguir así después de tantos disgustos, a lo que él
respondió que la pregunta era si merecía la pena la lucha.
¿Es verdad que la sociedad avanza a pesar de todo, o no
sirve de nada luchar? A lo mejor simplemente intentarlo
merece la pena”.
All of the tables have phrases or letters, except one, which
refers to the importance given to language as a form of
exhortation and/or manipulation. Apart from the repetition of
“They Killed A Poet,” we can read other drawings that show
signs with phrases like “Fight”. The artist explains, “This sign
says “Fight”, and makes reference to the idea that Pasolini
had faced so many people at the end of his life: the Church,
Communists, the right wing.... He was asked whether it was
well worth following after all these troubles and he replied that
the question was whether it was worth the fight. Is it true that
society progresses despite everything, or was it not worth the
fight? Maybe just trying makes it worth it.”
En una sociedad cada vez más consumista y menos
preocupada por los valores éticos, es difícil ser honesto y vivir
de algo tan voluble y difícil como el arte. Algo que Javier
Chavarría conoce muy bien, pero aún así este panorama no
le desanima, sino todo lo contrario: “Este proyecto artística
es altruista y apenas da beneficios económicos, pero aún
así lo haría porque pienso que esto es lo que puedo aportar.
Incluso dentro del arte, la acuarela por ejemplo se ve como
una técnica sencilla y naif, pero con ella también se pueden
transmitir mensajes muy fuertes. El ganar más o menos
dinero no debe ser el argumento que te anime a seguir
hacia adelante”. Además, es de ese tipo de personas que
considera el arte algo más grande que la vida, o al menos
algo más que un simple cuadro bonito: “Creo que el arte es
relacional: entre la persona y la obra se establece un vínculo,
y cada uno establece el suyo. La persona que se ha decidido
a comprar un dibujo lo hace porque le está transmitiendo
una paz o una alegría que va más allá de lo que haya
incluido en la obra”.
In an increasingly consumerist society that is less concerned
about ethical values, it is difficult to be honest and live on
something so fickle and difficult as art. Javier Chavarria feels
this is all too familiar, but this situation does not discourage
him, but rather the opposite: “This project is altruistic and
it doesn’t give any economic benefit, but I would do this
again because this is how I can contribute. Even in art, in
watercolor , for instance, is such a simple technique, but it
can also spread very strong messages. To earn more or less
money should not be what encourages you to go forward.”
Moreover, he is a person who considers art to be something
larger than life, or at least something more than a beautiful
picture. “I think art is relational: a bond is made between
the person and work. The person who has decided to buy a
picture does it because the drawing transmits peace or joy,
something that goes beyond what has been included in the
work.”
De momento, Javier Chavarría sigue dibujando y trabajando
en un proyecto a largo plazo, aunque se muestra optimista
de cara al futuro, o al menos animado. Aunque es verdad
que el mundo es como es, tener a gente que aún cree en
la humanidad es algo alentador. Ojalá hubiera más poetas
vivos.
For now, Javier Chavarria continues to draw and work on a
long-term project, but he is optimistic for the future, or at least
lively about it. Despite the fact that the world is the way it
is, to know people who still believe in humanity is something
encouraging. If only we had more living poets.
humanize 65
JOSE LUIS
ÁBALO
Antiguo pero funcional
Old But Functional

Por // By: Karla D. Romero

Nacido en Caracas, Venezuela en 1959, José Luis Abalo
Abalo nos transporta en este reportaje a uno de los desastres
ecológicos más destructivos de la historia de España. El
desastre del Prestige.

Born in Caracas, Venezuela in 1959, José Luis Abalo Abalo

transports us to one of the most destructive environmental
disasters in Spanish history. The Prestige oil spill.

Su pasión hacia la fotografía nació en 1983, cuando conoció

a un fotógrafo. Empezó sacando fotos con una Nikon y
aunque dice que no le parece importante la cámara, ha
evolucionado y actualmente trabaja con una Hasselblad.

His passion for photography began in 1983, when he met a

photographer. He began taking pictures with a Nikon and
although he says that the camera is not important, he has
evolves and currently works with a Hasselblad.

humanize 67
 ¿Tienes algunas influencias especificas dentro del mundo de la fotografía? //
Do you have specific photographic influences?

Después de una pequeña etapa de autodidactismo, me forme con un cono-

cido fotógrafo Venezolano, José Alirio Sigala, que a su vez se había formado el
los Estados Unidos. Desde casi el primer día, este hombre nos mostró la obra de
los grandes Maestros Norteamericanos. Por otra parte siempre me intereso el
trabajo de los fotógrafos Latinoamericanos, por lo que a pesar de los 24 años
que llevo viviendo en España, sigo pensando que mi trabajo es mucho más
“Americano” que “Europeo”. Si tuviera que nombrar a una figura clave dentro
de mis influencias fotográficas, esta sería sin la menor duda, Lee Friedlander.

After a short period of self-teaching, I began to study under José Alirio Sigala,
a well-know Venezuelan photographer, who had studied in the United States.
Almost from day one, this man showed us the work of the great American
masters. On the other hand, I’d always been interested in the work of Latin
American photographers, and despite living in Spain for 24 years, I still feel that
my work is a lot more “American” than “European.” If I had to name a single
key within my photographic influences, it would be without a doubt Lee Fried-
lander.

¿Cuál es tu tema favorito para fotografiar? // What’s your favorite theme to

photograph?

La gente. Esto tiene que ver con lo que expuse en la pregunta anterior,
aunque me interesan y he fotografiado un sin numero de temas distintos. El
único que quizás permanece inédito en mi trabajo, es la naturaleza.

People. This has to do with what I said in the previous answer, although I’m inter-
ested and have photograph numerous other topics. The only one that perhaps
remains untouched is nature.

Viendo tus fotos, hemos observado que tiendes a hacer muchos retratos.
¿Cuáles son las razones por hacer este tipo de fotografía? // Looking through
your photographs, we’ve observed that you take many portraits. What are the
reasons behind doing this type of photography?

Soy una persona muy tímida y es el retrato el que me permite establecer una
relación (en ocasiones, de pocos segundos) con mis congéneres. Me obliga a
comunicarme y me ayuda a vencer mi timidez.

I’m a very shy person and portraits allow me to establish relationships (on occa-
sions, for a few seconds) with those around me. It makes me communicate and
helps me beat my shyness.

¿Por qué optas por la fotografía en blanco y negro? // Why do you choose to
shoot in black and white?

Cuando comencé, se decía que el blanco y negro siempre era el inicio para
pasar luego al color. Está claro que me quedé en la salida. Lo que sucede es
que me gusta mucho el proceso de laboratorio (revelado y copiado) y en
color este proceso era francamente complicado. Con el paso de los años he
logrado adaptar mi trabajo y mi metodología, con lo cual nunca me he visto
en la necesidad de utilizar el color. Alguna vez me he preguntado si alguno de
mis trabajos hubieran funcionado mejor en color, pero nunca he pasado de
ahí.

When I started, it was said that black and white was the beginning before mov-
ing on to color. It’s obvious I got stuck. The thing is I love the lab process (devel-
oping and copying) and in color this process is very difficult. As time has passed
I’ve been able to adapt my work and methodology, in which I’ve never found
it necessary to use color. Sometimes I ask myself if some of my work would have
turned out better in color, but it’s never gone past that.

humanize 68
Usas material analógico en una edad dominada por lo digital. ¿Cuáles
crees que son las diferencias más importantes entre la fotografía analógica
y la digital? // You use analog material in a age dominated by digital
technology. What do you think are the most important differences between
analog and digital photography?

Para mi, existe una diferencia, que en mi caso en particular, define,

según mi criterio, el hecho de que nos encontramos antes dos cosas
completamente distintas. La fotografía analógica se toca, se huele, se
siente. Produce sensaciones en el momento de su creación. Después de
tantos años, me sigue maravillando lo que siento al meter la mano en el
revelador, al oler el fijador, al colgar las copias a secar y al plancharlas
finalmente el la prensa de calor. Nada de esto sucede con la fotografía
digital. Coger una vieja caja de papel fotográfico donde tienes guardadas
tus copias y examinarlas tocándolas una a una, no tiene nada que ver con
abrir una carpeta en el ordenador y ver unas fotos en “pantalla”.

For me, there is a difference which in my case defines, according to my

criteria, the fact that we’re facing two completely different things. You can
touch, smell and fell analog photography. It produces emotions in the act
of its creation. After so many years, I’m still amazed at what I feel when I
stick my hand inside developer when I smell fixative, when I hang copies to
dry and when I iron them at the end. None of this takes place with digital
photography. To get an old box of photographic paper where you stored
copies and to examine them by touching them, one by one, is nothing
like opening a folder on a computer and to see some photographs on the
screen of your computer.

¿Crees que va a desaparecer la fotografía analógica? ¿Qué significaría

esto para ti? Y en tu opinión, cómo afectaría esto a la fotografía? // Do
you think analog photography is going to disappear? What would that
mean for you? In your opinion, how would this affect photography in
general?

La información que tengo (y que espero, sea acertada), es que no solo no

desaparecerá, sino que además, en ciertos ámbitos, se esta produciendo
un retorno a lo analógico. Por el momento y en contra de la opinión
de algunos, yo no estoy teniendo excesivos problemas para comprar
película, papel y químicos. Si se diera el caso, no creo que la desaparición
de lo analógico afectara de modo significativo al “Hecho Fotográfico”.
De todos es conocida nuestra gran capacidad de adaptación. El
único inconveniente sería, a mi juicio (aunque esto ya esta sucediendo
actualmente), es que el número de fotos existentes se multiplicaría por
cientos de millones, lo que hace y haría aun más difícil diferenciar lo
bueno, lo mediocre y lo malo.

What I know (and I hope I’m right) is that not only is it not going to
disappear, but also that in certain sectors, a triumphant return of analog
photography is taking place. For the time being and contrary to what
some people are saying, I’m not having a hard time finding film, paper
and chemicals. If it were the case, I don’t think that the disappearance
of analog photography would significantly affect the overall existence
of photography. We’re all known for our great ability to adapt. The only
inconvenient factor would be, to my judgment (although this is already
happening), that the number of existing photographs would multiply by
billions, which would make it even more difficult to differentiate the good,
the mediocre and the bad.

humanize 73
Cuéntanos como llegaste a fotografiar el desastre del Prestige. // Tell us
how you came across and photographed the Prestige oil spill disaster.

Como todo ciudadano Español durante aquellos días, seguí la noticia,

primero de la avería del barco y finalmente de su hundimiento. En un
primer momento no considere necesario hacer un trabajo sobre el
tema, porque ya había un sin numero de fotógrafos documentando
el acontecimiento. También a mi, como a muchos Españoles, me
sorprendió la respuesta de miles y miles de voluntarios que de forma
casi automática se lanzaron a las playas para contribuir en la limpieza.
Me llamo la atención que en las imágenes de prensa y televisión, estos
voluntarios siempre eran mostrados como una masa uniforme dentro de
sus trajes blancos y pensé que era necesario ponerle cara, aunque solo
fuera a un pequeño número de ellos (624 en total).

Like every other person living in Spain during those days, I followed
the news, first regarding the shipwreck and finally when it sank. At first
I didn’t think it was necessary to do project out of the disaster, since
there were already so many other people documenting the incident
with their cameras. I was shocked, as were many other Spaniards, at
the thousands upon thousands of volunteers that launched themselves
onto the beach to clean it. I found it interesting that in the news, these
volunteers were shown as a huge, singular mass in their white suits and
I thought that it was necessary to give them a face, even if it was just a
small number of them (there were 624 total).

¿Qué fue lo que más te impactó durante el tiempo que fotografiaste el

desastre? // What impacted you the most about the spill?

La solidaridad que manifestaban cada una de las personas que

estaban luchando contra el desastre. Quiero y debo aclarar que esta
solidaridad se manifestaba no solo en el trabajo de limpieza, si no en
todo lo que rodeó la tragedia. Gracias a ello fue muy fácil para mi
realizar el trabajo. Eran conscientes de la necesidad de documentar lo
que sucedía. Y de 626 personas a las que le pedí que posaran para una
foto, solo 2 se negaron.

The solidarity manifested by each of the people that were fighting

against this disaster. I want and I should clarify that this solidarity was not
only manifested in the cleaning, but in every aspect that surrounded
the tragedy. Thanks to this, it was very easy for me to do my job. They
were aware of the fact that it was necessary to document what was
happening. And of the 626 people I asked to pose for a single picture,
only two said no.

¿Qué propósito crees que tiene la fotografía que capta situaciones

como la de el Prestige? // What purpose do you think this type of
photography serves?

El propósito, sin duda es mostrar y concienciar. Lamentablemente,

hechos de este tipo se producen con demasiada frecuencia y lo
que estamos logrando es precisamente el efecto contrario, es decir,
indiferencia y cansancio. En este punto tengo que decir que la actitud
de algunos fotógrafos, verdaderos especialistas en catástrofes, guerras,
hambrunas, etc., no ha contribuido en absoluto. Todos conocemos
casos en que éste tipo de acontecimientos se han convertido en
auténticos “Talleres de Fotografía”. El conflicto étnico de Ruanda, sin ir
mas lejos.

The purpose is, without a doubt, to show and make others conscious.
Unfortunately, incidents such as this one happen too often and what
we’re trying to do is exactly the opposite. I mean, indifference and
tiredness. On this note, I must say that some photographers’ attitudes,
true specialists in catastrophes, wars, famine, etc., hasn’t contributed at
all. We all know of cases like these that have resulted in “photography
workshops.” The ethnic conflict in Rwanda is a clear example.
Si pudieras fotografiar cualquier cosa (persona, evento, etc.), ¿qué sería y
por qué? // If you could photography anything (a person, an event, etc.),
what would it be and why?

En este momento y después de realizar durante 24 años un trabajo

bastante intensivo en Galicia, lo que desearía sería tener más tiempo
y recursos para viajar y fotografiar otras realidades. Pero seguiría
manteniendo mas o menos mi estilo e interesándome por mi tema
favorito. La gente.

At the moment and after working in a very intensive job in Galicia for the
last 24 years, what I would love is to have more time and resources to
travel and photograph other realities. But I would maintain my style, more
or less, always interested in my favorite topic. People.

¿Cómo definirías tu estilo fotográfico? // How would you definte your

photographic style?

Antiguo pero funcional.

Old but functional. humanize 77

 Josef Karolys
Traducción // Translation: Ana Mingot

humanize 82
LIBERTAD
Creo en la libertad
de los niños que juegan,
la que se pierde en la adolescencia;
no creo en la libertad escrita
del “mayor de edad”.
No creo que sea libre
quien elige su trabajo,
no encuentro libertad
en el inútil jubilado.
No encuentro libertad
en el suicida,
en el vicioso,
en el enamorado,
en el estudiante obligado
a ser lo que es.
No creo
en la libertad del fugitivo,
no creo en la libertad
de quienes creen decidir.
No hay para mí
libertad francesa,
ateniense,
o norteamericana;
¿Cuál libertad de Hobbes,
de Voltaire,
del Marqués de Sade?
Somos esclavos todos:
desde Eva hasta Lucifer.
La prisión se llama “yo”,
prisión perfecta,
de ilusiones, deseos
y pecados capitales;
prisión en la que nadie
sabe que está interno:
jaula que se lleva
a todas partes.
Creo en la libertad
de aquel
que siempre es libre,
así se encuentre encadenado;
libre de la muerte,
del paso del tiempo;
libertad de los nacidos de mujer,
muertos una sola vez,
que después nacen del viento.
FREEDOM
I believe in the freedom
Of children playing,
the one lost in adolescence;
I don’t believe in the written freedom
of adulthood.
I don’t think he’s free
the one that chooses his job
I don’t find freedom
in the useless senior.
I don’t find freedom
in the suicide victim
in the vicious one
in the person in love
in the obliged student
to be what he is.
I don’t believe
in the freedom of the fugitive,
I don’t believe in the freedom
of those that believe they decide.
There isn’t for me
French freedom
Athenian,
Or North American;
The freedom of Hobbes, Voltaire,
Marquis de Sade?
We are all slaves:
from Eve to Lucifer.
The prison is called “I”,
perfect prison,
of illusions, desires
and capital sins;
Prison in which nobody
knows that they’re confined:
cage one takes
everywhere.
I believe in the freedom
of the one
that is always free,
even if he finds himself chained;
Free of death
and the passage of time;
The freedom of those born from women,
only dead once
and then born to the wind.
humanize 83
Tan siquiera una palabra Not even an utterer

Esta mañana me levanté, This morning I woke up,

y un pensamiento me daba vueltas;
no sé por qué,
pero la idea de que cada día podría ser el último
me despierta en cada despertar,
y me recuerda que una noche,
tal vez en años,
el mes entrante
o ahora mismo,
caeré dormido para siempre
y jamás tendré que madrugar.
Pasaba por aquí y te vi sentada,
entonces me dije:
“si en una noche todo termina,
nunca me perdonaré
haber pasado por la vida,
y no haberle dicho
tan siquiera una palabra...”.
And a thought kept going through my head;
Not sure why,
But the idea that each day could be
the last
Wakes me every time I awake
And reminds me that one night
Maybe years from now,
Next month
Or right now,
I will fall asleep forever
And never again will I have to wake up early.
I was passing by and I saw you sitting there,
So I said to myself:
“if one night everything ends,
I’ll never forgive myself
for having gone through life
without even uttering
a word to you, sitting there…”

humanize 84
El buitre
Cada mañana me esperas
en la baranda de mi cama,
con tus ojos lánguidos,
tu silencio espectral;
me vigilas en la noche
en un rincón de mi cuarto,
con tu mirada de Caronte,
y el llamado dulce
de tus alas.
En las tardes grises
te posas en mi hombro;
el llanto de un viejo
me recuerda tu existencia...
Buitre, buitre negro,
que despliegas tu vuelo
sobre las montañas,
regálame más sonrisas
cuando te vea jugar.
El luto de tus plumas
cava un poco mi tumba
cada día,
bajo el peso lento
de tu espera.
Y en un atardecer
volarás desde mi cama,
hasta mi lapida húmeda
por la lluvia de invierno que cae;
y volaremos juntos
hacia el sol que corre
a otras búsquedas,
más allá,
entre las nubes pálidas
de la noche marchita.
Entonces serás
el guardián de mi recuerdo...
The vulture
Each morning you waited for me
by the side of my bed,
with your languid eyes,
your spectral silence;
Watching over me at night
in a corner of the room,
with your Caronte stare,
and the so-called sweet
of your wings.
In gray afternoons
you lean on my shoulder;
the wail of an old man
reminds me of your existence...
Vulture, black vulture,
you spread out your flight
over the mountains,
give me the gift of more smiles
When I see you playing.
The mourning of your feathers
Digs a bit my tomb
Each day
Under the slow weight
of your delay.
And one evening
you’ll fly from my bed
To my humid gravestone
through the falling winter rain;
and we’ll fly together
towards the sun that runs
to other pursuits
beyond,
between the pale clouds
of the withered night.
And then you will be
the guardian of my memories...
humanize 85
Hijos de la posmodernidad
Hijos de la posmodernidad
Hijos de la posmodernidad,
engendros de la era
del desencanto y la ausencia
de utopías,
vástagos del caos
individual;
asesinos y suicidas
de las causas perdidas.
Sociedad ebullente,
sociedad huérfana,
sociedad anárquica,
sociedad
adolescente,
generación del minuto presente
dirigida por botones,
procesadores
y hormonas.
Sociedad digital,
prisionera del deseo,
emancipada de la causa
y del efecto,
sociedad escéptica:
Sin Ciencia,
sin Dios,
sin Ley,
¡Sociedad de la inconsciencia!
Ya el pasado se olvidó,
el futuro será historia,
cuando llegue,
ya veremos...
mientras tanto, ¿qué importa?
Vive rápido,
muere joven,
eso es real, ahora mismo,
lo demás
son ilusiones:
sucumbe todo a la verdad
de la muerte
y de la eterna inexistencia,
abismo en el que todos caeremos,
inevitable,
inevitablemente.
humanize 86
Entrégale las riendas
al caballo,
deja que la música
te saque a bailar;
engaña el hambre y el dolor
con explosiones químicas
y humos de colores,
consúmete hasta no dar más.
¿Qué importa?
¿Quién se dará cuenta?
¿Quién lo notará?
Conecta tu mente a un cable
cuando te espante el silencio,
perfórate el cuerpo,
dale gusto,
modifícalo;
¡mutila desde ahora
a sus futuros hijos,
manda a la mierda
tu intimidad;
vuélvete el show
para el que le dé
la puta gana de mirarte!
Volumen al sintetizador:
no te enamores,
no extrañes
absolutamente a nadie,
rompe la barrera del exceso,
ahógate en océanos furiosos,
contaminados
por turbulencias, adrenalina,
por sobredosis;
Hijos de la posmodernidad,
engendros de la era
del desencanto y la ausencia
de utopías,
vástagos del caos
individual;
asesinos y suicidas
de las causas perdidas!
¡¿Qué importa ya?!
Postmodern Children
Postmodern children,
offspring of the era
of disenchantment and absence
of utopias,
spawn of individual
chaos;
killers and suicides,
of lost causes.
Hand over the reins
to the horse
Let the music
ask you to dance;
Deceive hunger and pain
With chemical explosions
and colored smokes,
consume yourself until you run out.

Overflowing society Who cares?

orphaned society Who will realize?
anarchic society Who will notice?
adolescent
society Connect your mind to a cable
generation of the present minute if you are frightened by the silence,
led by buttons, Perforate your body,
processors enjoy it
and hormones. Modify it;
mutilate from now on
Digital society, your future offspring,
prisoner of lust, send to hell
emancipated from the cause your intimacy
and effect, become the show
skeptical society: for whoever fucking feels
without Science, like looking at you!
without God
without Law, Volume to the synthesizer;
Society of unconsciousness! don’t fall in love,
don’t miss
The past is already forgotten, absolutely anyone,
The future will be history, break the barrier of excess
When it gets here, drown in furious oceans,
then we’ll see... contaminated
Meanwhile, who cares? by turbulence, adrenaline,
by overdose;
Live fast, Postmodern children,
Die young offspring of the era
that is real, right now, of disenchantment and absence
the rest of utopias,
is only illusions: spawn of individual
Surrender everything to the truth chaos;
of death killers and suicides,
and the eternal non-existence, of lost causes
abyss into which we’ll all fall,
inevitable, Who cares still?
inevitably.

humanize 87
Desde Eros, hacia Ágape

Ku tur mi amor.

“... en los momentos críticos

he de reencontrar mi espíritu,
igual que otrora,
ascético”.
Kavafis

Canta, mi bella Agláope, Saldrás a flote en mi recuerdo,

esta vez no hay mástil cuando mi cuerpo vuelva al polvo
del que amarrarme. y mi espíritu hacia el Hades.
Dame un poco de esa vida envenenada, Vengo del mar, voy hacia él,
de ese fuego llevaré en mis labios
que terminará por consumirme tu perfume con aroma a media noche.
hasta las frías cenizas. Hacia el infinito océano de Ágape,
llevaré la Llama oculta de tu vida;
Desenvuelve tu sabiduría en un papiro, a través del horizonte,
deseo devorarla sin demora; donde el cielo y las olas se unen,
despliega ya tu libro antiguo, y el día y la noche se abrazan,
hija de la Tierra, entre las nubes doradas del Ocaso;
tan dulce en el paladar, como ambrosía, cuando tu fuego haya vivido
y amargo después, lo suficiente para destruir
como la mar, con él
que hasta tus puertas me ha traído. el templo en mí construido,
y así volver a edificarlo...
Por las tierras salvajes de Eros
condúceme; Canta, mi bella Agláope,
por sus bosques, aunque me lleves
donde asechan bestias imposibles de domar; más allá
escribe un mapa en cicatrices de la morada de Tiresias;
sobre este corazón invadido por el hambre, mi alma es sólo sed y vacuidad;
menesteroso de vida y tu cuerpo,
y sangre; sólo agua para ella.
de reflejos y memoria.

La luna crece,
lentamente
entre manantiales escarlatas
de nubes y deseos;
sella ahora con tus labios
este instante,
y sálvalo
del cruel paso del tiempo...

humanize 88
From Eros, to Agape

Ku tur mi amor.

“... when I wish, at critical moments

I’ll recover my ascetic spirit
as it was before”.
Kavafis

Sing, my beautiful Aglaope, You’ll keep afloat in my memory,

this time there is no mast when my body returns to dust
from which to tie myself. and my spirit towards Hades.
Give me some of that poisoned life, I come from the sea, towards it I roam,
of that fire I will carry in my lips
that will end up consuming your perfume with its midnight scent.
its cold ashes. Towards the infinite ocean of Agape,
I will carry the hidden Flame of your life; through the horizon,
Unwrap your knowledge in a papyrus, where heaven and waves unite,
I wish to devour it without delay; and day and night hug,
Unfold your ancient book, between the golden clouds of Twilight;
daughter of the Earth, when your fire has lived
as sweet to the palate, as ambrosia, enough to destroy
and bitter afterwards, with it
like the sea, the temple built in me
and which to your door it has brought me. and that way rebuild it…

Through the wild lands of Eros Sing, my beautiful Aglaope,

guide me; even if you take me
through its forests, beyond
where beasts impossible to tame lurk; Tiresias´ dwelling;
write a map in scars my soul is only thirst and emptiness;
on this heart invaded by hunger, and your body
deserving of life only water for it.
and blood;
of reflections and memory.

The moon grows,

slowly
between scarlet springs
of clouds and desires;
seal now with your lips
this instant,
and save it
from the cruel passage of time...

humanize 89
HUMANIZE
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