P r o g r a m a c i ó n
Ana Itelman, Augusto Fernandes, Viviana Tellas y
Primer Bloque 9 a 11hs
Claudia Groessman
“La danza de improvisación: una lectura a
partir de las prácticas artísticas
contemporáneas.”
Las prácticas artísticas contemporáneas priorizan
el proceso por sobre su invisibilidad en un objeto
(a través del cual el espíritu buscaba revelarse
como fondo opaco de la existencia cotidiana) y las
acciones colectivas entre aquellos que viven la
experiencia como disponibilidad y apertura, en
oposición a un sujeto cerrado y replegado sobre sí
que sale al mundo preservando su identidad de la
influencia de los otros.
A diferencia de las vanguardias históricas que al
desear la inmediatez de la vida y cuestionar la
separación del arte como esfera de acción
autónoma, procurándose espacios y escuelas de la Ciudad de Buenos Aires.
procedimientos que saltearan la débil frontera
entre uno y otra, radicalizaban su oposición al
sistema del arte, la acción de las prácticas
artísticas actuales no buscan oponerse sino
intervenir los lugares disponibles donde las
dicotomías se muestran obsoletas, generando
nuevos puntos de fuga que impidan el cierre del
sentido.
¿Cómo se manifiesta esta tendencia en la danza?
En principio la corriente de improvisación
pareciera recibir la emergencia de los cambios
socioculturales de las últimas décadas, que
fuerzan la idea de obra y expanden el horizonte de
sus posibilidades.
Lo característico de esta emergencia socio cultural
es lo que algunos autores llaman liquidez, propia
de la sociedad de mercado, que al contrario de la
solidez de las instituciones que constituían la
subjetividad como suelo firme que anticipara y
proyectara la vida de una sociedad, expresa la
fractura de ese modelo único por la disolución de
las instituciones legitimantes. Esta disolución hace
que la trama social se muestre provisional y en
situación de cambio, que lo que acontece sea
impredecible y la subjetividad una ficción
momentánea. El lazo social es vulnerable, puesto
que su eficacia depende de su necesidad concreta
y ya no hay fundamento por fuera de la acción
humana misma, más allá de su existencia
fantasmática. Pero esta eficacia ensaya otros
modos de solidaridad que multiplican y recrean el
lazo social. Desde este punto de vista, ensayar
modos de estar juntos es el sentido artístico que
resurge como función vital creadora de mundo.
Claudia Alejandra Groessman es egresada de la
Escuela de Danza Margarita Bali y de la Escuela
de Teatro de Buenos Aires, dirigida por Raúl
Serrano. Estudió con maestros y artistas como
Joao Fiadeiro. Entrenó contact-improvisation con
Andrea Fernandez, esferodinamia con Carola
Yulita y composición espontánea con Fabiana
Capriotti. Toma clases de danza contemporánea
con Eugenia Estevez. Estudió Teoría del arte y
Estética en la carrera de Artes, UBA y cursa la
carrera de Filosofía en la UBA.
Es poeta, escribió “Estudio para un paisaje,”
publicado por la editorial Tantalia, y “Vapor,”
inédito. Da talleres de danza para niños, y
seminarios para docentes de arte que trabajan
con niños en estudios de artes del movimiento de
Buenos Aires y Rosario. Organiza encuentros de
juego con el movimiento entre adultos y niños.
Participó en la Primer Jornada de Investigación
sobre Formación Docente en Arte (IUNA) con su
ponencia “Arte=Infancia. Una revisión crítica de la
docencia artística con niños”
y del Segundo Congreso de Artes de la UBA con su
trabajo “La danza de improvisación: una lectura a
partir de las prácticas artísticas contemporáneas”
Este año ha recibido el subsidio de Prodanza para
su “Proyecto Entre” en instituciones barriales y
Correo electrónico:
claudia@claudiagroesman.com.ar
Alejandra Ceriani
"El descentramiento antropocéntrico: primer
aporte al trabajo interactivo del cuerpo con
los dispositivos tecnológicos escénicos."
En base a dos experiencias sobre procesos del
cuerpo en movimiento con sistemas interactivos
de lenguaje multimedia, se originaron algunas
reflexiones que atañen tanto a lo particular de las
disciplinas artísticas, la danza performática y el
arte interactivo, así como a su mixtura. Hacemos
referencia a dos proyectos: Proyecto Hoseo y
Proyecto Speak performances interactivas de
carácter escénico desarrollados actualmente en
diversos ámbitos afines.
El arte interactivo y multimedial está directamente
unido al proceso de exploración y conocimiento, es
formador de experiencias estéticas y nuevas
sensibilidades, conecta al cuerpo y a la mente a
nuevas velocidades y percepciones. En principio,
los límites no están trazados, las líneas concretas
que dividieron las disciplinas artísticas se
convierten en un lugar desde donde desplegar
nuevas y aventuradas experiencias, poniendo en
evidencia los posicionamientos hacia una cultura
móvil, dinámica y cambiante.
¿Qué sucede entonces con el cuerpo entre una
escena análoga y una escena digital?
En los posibles intercambios de la tecnología
interactiva con el cuerpo, el espacio, la imagen y
los sonidos, se señala, en principio, la priorización
de otros sentidos por sobre los habituales y la
constitución de un posicionamiento critico que
aventura otros procesos para entender y proyectar
cualquier propuesta de esta índole. Por lo tanto,
en los posibles resultados de estos intercambios y
particularizando en una determinada propuesta de
interactividad, se desprende la idea de que:
acontece un desplazamiento de lo
antropocéntrico. Con esto hago referencia al
antropocentrismo instituido por la propia
formación en danza.
Alejandra Ceriani es graduada en la FBA, UNLP,
Profesora y Licenciada en Artes Plásticas.
Actualmente presento la tesis del Magíster en
Estética y Teoría de las Artes. Becada por la UNLP,
para el estudio de las interrelaciones entre arte y
tecnología, y más específicamente, entre las
disciplinas del cuerpo y el espacio escénico;
transponiendo los conocimientos obtenidos a
determinados campos y/o ámbitos de referencia.
Texto que forma parte de la Beca Interna para la
Investigación o desarrollo Científico, Tecnológico y
Artístico, BECAS DE FORMACION SUPERIOR,
otorgado por UNLP.
Ver obra en la Web:
http://www.youtube.com/user/Danzainteractiva
Ver obra en la Web:
http://wwww.speakinteractive.blogspot.com
Silvio Lang
“El lugar del director y la función de la
dirección en la era de la conectividad”
Luego del agujero negro que dejó dios y las
operaciones arqueológicas, que ficcionalizan al
autor-director para hacerlo jugar entre
semblantes; luego de la deconstrucción a las
instituciones y la destotalización del mundo, que
afectan, también, a la institución de la puesta en
escena y su sentido para ponerla a la deriva de la
estructura de la red ; luego de la declinación de la
función paterna y la caída del gran Otro, que
desplazan de escena al director tirano y al texto
como ley para inscribir un ser de goce; luego de la
desagregación de los partidos políticos junto con
la implosión de las formaciones ideológicas y el
parlamentarismo antidemocrático, que emancipan
a espectadores y actores verificando una
comunidad de iguales; sin embargo, hay
directores. ¿Qué es un director de escena en la
mundialización del siglo XXI? ¿Cuál es el lugar del
director en la estructuración de las escenas
actuales? ¿Cuál es la función de la dirección en
las nuevas configuraciones procedimentales y
organizaciones grupales de la práctica escénica
contemporánea?
Silvio Lang, nació en Santa Rosa La Pampa, en
1979 y reside en la Ciudad de Buenos Aires. Es
director de teatro y se dedica a la escritura
teórica, la enseñanza y supervisión de obras.
Coordina grupos de estudio y espacios de
experimentación de prácticas escénicas. Su
actividad educativa y artística se desarrolla en
Chile, Uruguay, Ciudad de Buenos Aires y
provincias argentinas. Ha puesto en escena obras
de Griselda Gambaro, Jean Racine, Marguerite
Duras, Eurípides, Tennesse Williams, Yukio
Mishima y Daniel Veronese. Incursionó en la
dramaturgia con su montaje Tango Nómade, a
partir de letras de tangos para cancionistas
mujeres. Luego, en varios montajes, desarrolló
una dramaturgia en diálogo con la literatura: la
novela argentina Kadish, de Graciela Safranchik;
los cuentos de Juan José Sena en El deseo de la
Petra Polanco; los relatos de Alejandro Urdapilleta
en La intemperie; la poesía de Olga Orozco en Yo,
Olga Orozco; y la poesía de Idea Vilariño en Nada
de dios.
Fernanda Tappatá
“Decisiones”
Las diferentes relaciones entre hacer y observar,
proponer y escuchar, percibir y accionar en la
danza se están modificando constantemente tanto
para el bailarín como para el espectador. Clarificar
nuestros focos de atención cuando bailamos nos
permite por un lado concentrarnos en un tema y
por el otro relacionarnos con el espacio de una
manera particular (moverse desde un tipo de
mirada aborda el espacio en forma diferente que
si nos moviéramos desde la inercia de la espiral).
Observar como nos movemos y también atender a
las acciones que realizamos cuando observamos
es crucial para lograr la empatía necesaria para
exista la comunicación.
La danza es comunicación por lo que el bailarín no
solo se mueve sino que también observa, tanto en
el momento de la creación como en el momento
de la interpretación.
Los límites del lenguaje corporal son imprecisos.
En parte porque su significante, el cuerpo, es sede
de muchas otras funciones. El cuerpo significa
siempre. Cuando además tiene la intención de
significar, entonces comunica. Y si además posee
la intención de resignificar, entonces danza. La
abundancia de la información en los lenguajes
corporales y su esquiva significación nos devuelve
a la valoración de lo más simple y nos obliga a
reelaborar cotidianamente los códigos. La
sistematización de la observación del cuerpo y su
relación con el entorno permite una comunicación
a la vez codificada y personalizada, facilitando el
camino a la producción artística propia.
Nos propondremos reflexionar acerca de éstas
relaciones: simultaneidad, alternancia,
y todas sus variables intermedias entre percibir y
accionar. No sólo del intérprete o bailarín, sino
también del espectador. Ser concientes de la
importancia de éstas variables y sus infinitas
combinaciones nos permite concluir que en la
concepción de una obra son decisiones
importantes que tomar ya que (aunque no seamos
concientes de ellas), modifican la obra y su
potencial comunicativo con las personas en
particular y la sociedad en general.

"Siempre me gustó bailar, pero mi interés se
profundizó al conocer el Contact improvisación
porque comencé a experimentar la danza como
comunicación. Y como comunicación que se
reinventa constantemente a sí misma. La danza
no se agota dentro nuestro sino que se alimenta
saliendo de nosotros y transformarse en algo
tangible y compartible.”
Fernanda Tappatá es docente y organizadora de
jornadas destinadas a difundir las distintas
vertientes del Contact improvisación a través de
clases con docentes de ésta y otras ciudades,
jams y performances.
Es creadora de obras coreográficas como
TerminAl final, La caída, Dúo-Matic, Resaltador
(creación colectiva) y obras coreográfico-teatrales
para niños como Bicharraco, Rayos y Centellas y
Más allá del más acá.
Ha participado de distintos grupos de
performances como Nadie Sabe y Río de Nada.
Comienza su investigación en la danza a partir del
Contact improvisación, aprendiendo con maestros
argentinos como Alma Falkenberg, Mayra Bonard
y Daniela Schwartz y extranjeros como Nancy
Stark Smith, Alito Alessi, Dany Leptkof, Lisa
Nelson, Martin Keogh y Eckhard Mueller.
Como complemento de su formación estudió
Escenografía, Danza Contemporánea y de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata.
Feldenkrais.
Segundo Bloque 11.30 a 13 hs
Mónica Menacho
“Estilo y singularidad en Merleau-Ponty”
La noción de estilo es utilizada por M. Merleau-
Ponty principalmente en el contexto de sus
escritos sobre estética –dedicados,
fundamentalmente, al análisis de la pintura. Sin
embargo, lejos de tratarse de una categoría
meramente estética es también una categoría
ontológica. Tal como se ha señalado, el examen
del arte en general y de la pintura en particular le
permite a Merleau-Ponty localizar aquellos
aspectos del estilo que son transferibles a otras
dimensiones de la existencia. Y esto, porque la
pintura constituye un caso paradigmático de
emergencia del estilo al tiempo que una
instanciación de un fenómeno más general, a
saber: el despliegue de un punto de vista singular,
de un modo distintivo de “ser en el mundo”.
Desde un punto de vista ontológico, pues, es estilo
funciona como un principio de singularización o
individuación.
La idea de una “firma personal” o estilo de
movimientos que no puede reducirse a meros
determinantes anatómicos, se halla presente en
las reflexiones de algunos de los coreógrafos más
influyentes de la danza del s.xx y, según
entendemos, constituye, hoy en día, una de las
principales preocupaciones e intereses de las
producciones coreográficas en el campo de la
danza contemporánea. La idea es que cada
intérprete, e incluso, cada individuo, posee un
modo singular o estilo de movimientos que lo
caracteriza y éste modo propio expresa, no sólo
un modo de bailar o moverse sino, de manera afín
a la noción de estilo de Merleau-Ponty, un modo
singular de habitar el mundo. Si esta intuición que
presentamos aquí es correcta, y la búsqueda
estética actual de la danza contemporánea
efectivamente se interesa prioritariamente por la
captación y manifestación de las singularidades,
nos interesa reflexionar acerca del impacto que
esto genera en la labor, tanto técnica como
poética y política, de coreógrafos y bailarines.
Mónica Isabel Menacho es Profesora de Filosofía.
Se desempeña como profesora auxiliar en la
cátedra Introducción a la Filosofía de la Facultad
de Humanidades y Ciencias de la Educación de la
UNLP.
Actualmente se encuentra realizando, con una
beca del CONICET, el Doctorado en Filosofía de la
FaHCE, UNLP, con el proyecto "Merleau-Ponty
lector de Descartes. Continuidades y
discontinuidades en las concepciones de cuerpo,
percepción, movimiento y espacio en René
Descartes y Maurice Merleau-Ponty".
Es alumna de la carrera de Danza Contemporánea
Carolina Escudero
“Un recorrido de investigación en danza”
La idea de la exposición es presentar de manera
sintética la propia experiencia de investigación
con el objetivo de poner en común los diversos
recorridos, temas y problemas, que supone llevar
adelante una investigación científico-académica
sobre el cuerpo y la danza. En este sentido, la
exposición versará más sobre la forma que sobre
el contenido específico. Con esto quiero decir que
más que hablar de unas teorías que entienden
que el cuerpo es esto y unos textos que suponen
que la danza es aquéllo, trataré de mencionar
cuestiones vinculadas a cómo construir un
problema de investigación o cómo diferenciar
entre supuestos e hipótesis, o acerca de la
necesidad de encontrar coherencia interna y
demás.
Carolina Escudero es, licenciada en sociología por
la Fahce- UNLP, docente e investigadora,
actualmente cursa el doctorado en Ciencias
Sociales en la misma casa de estudios. Ha sido
distinguida con diversas becas y cuenta con beca
de formación de conicet. Trabaja temas de cuerpo
y danza en el marco de un proyecto de
investigación y en el marco del proyecto de tesis
doctoral. Se ha formado de manera independiente
en danza contemporánea y en improvisación
desde el año 2000.

Ana Sabrina Mora
“El cuerpo en la danza entre el control y la
libertad”
Entre los años 2005 y 2010 he desarrollado una
investigación de corte etnográfico en los
profesorados en Danzas Clásicas, Danza
Contemporánea y Danza – Expresión Corporal de
la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata. La
investigación sobre el cuerpo en la danza desde la
antropología constituye no sólo un aporte para la
comprensión de la totalidad socio-cultural de la
que toda danza forma parte, sino también
comprender modos particulares en que puede
darse la construcción de cuerpos, sujetos,
corporalidades y subjetividades. Cuando una
investigación de este tipo se enfoca en la
construcción particular de los cuerpos que se da
en ella, permite conocer las representaciones y
significaciones asociadas al cuerpo, las prácticas y
usos concretos vinculados con él, las experiencias
corporales que se dan en esa práctica concreta.
En esta oportunidad me propongo presentar
algunos resultados de este trabajo, como punto de
partida para poner en discusión dos cuestiones:
por un lado, las vinculaciones, determinaciones y
desbordes que se establecen entre las
representaciones acerca del cuerpo y las
experiencias corporales que se dan en torno a la
práctica de la danzas; y por otro, las múltiples
vinculaciones entre técnica y expresión, y entre
control y libertad.
Ana Sabrina Mora es Licenciada en Antropología
(UNLP). Estudiante del Doctorado en Ciencias
Naturales orientación Antropología (UNLP), en
momentos previos a la defensa de su tesis
doctoral. Becaria de postgrado del Consejo
Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas
(CONICET). Docente e investigadora de la
Universidad Nacional de La Plata y de la
Universidad Nacional de Tres de Febrero.
Coordinadora del Grupo de Estudio sobre Cuerpo
en el Núcleo de Estudios Socioculturales (UNLP).
Toma clases de danza desde los seis años de
edad.
Tercer bloque 14:30 a 17hs
Ana González Vañek
“Cuerpo Creativo y Diversidad Cultural. Una
propuesta comunicacional para la inclusión
social en el proceso educativo”
Este trabajo surge a partir de mi experiencia en el
campo de la educación pública, específicamente
en el nivel primario de la Escuela Normal Superior
Número 10, Juan Bautista Alberdi -ubicada en el
barrio de Belgrano de la Ciudad de Buenos Aires-
donde desarrollé un trabajo de observación
participante, elaboración de diagnóstico y
posterior planificación en comunicación.
En Construcciones de alteridad y conflictos
interculturales, Alejandro Grimson sostiene que
“más que entender la diferencia como
incomunicación, se trata de comprender la
comunicación como vivencia subjetivizadora de la
diferencia y la igualdad.”
Por su parte, Aníbal Ford afirma, en Navegaciones,
que “los Estados modernos jerarquizaron la
escritura casi como única forma de comunicación
y de información, desplazando otras formas, otros
canales. De alguna manera nuestra cultura
bloqueó la reflexión, el conocimiento sobre la
percepción corporal, kinésica y proxémica”.
Siguiendo a Silvia Citro en Cuerpos Significantes
(2009), esta ausencia del cuerpo sería heredera
de una invisibilización mayor; aquella vinculada al
predominio de un enfoque dualista del sujeto,
fuertemente legitimado por el sistema capitalista
y sus procesos de disciplinamiento corporal. A
partir de esta idea de cuerpo, el sujeto se viviría a
sí mismo como sometido a la naturaleza
inmutable de las cosas y no como parte de un
orden social al que le sea posible el cambio y la
transformación.
A partir de la noción de Cuerpo Creativo que María
del Cármen Mena Rodríguez desarrolla en El
cuerpo creativo. Taller Cubano para la Enseñanza
de la Composición Coreográfica (2009), y de
ciertos conceptos que Cornelius Castoriadis
propone para comprender el funcionamiento social
y cultural, me interesa mostrar cómo la inclusión
de prácticas artísticas del movimiento en procesos
educativos cuyos campos de acción se encuentran
atravesados por la diversidad cultural, constituye
una herramienta fundamental para la creación de
nuevas significaciones imaginarias sociales que
contemplen la inclusión y participación activa de
todos los actores intervinientes en ellos.
Ana González Vañek es Licenciada en Ciencias de
la Comunicación por la Universidad de Buenos
Aires, con orientación en Políticas y Planificación
en Comunicación.
Investigadora en Danza y Comunicación, integra
equipos de investigación en la Facultad de
Ciencias Sociales y en la Facultad de Filosofía y
Letras de la Universidad de Buenos Aires.
Dirige el grupo Danza y Comunicación,
especializado en investigación en danza
contemporánea desde una perspectiva
comunicacional crítica.
Realiza trabajos de Diagnóstico y Planificación en
Comunicación en escuelas públicas de la Ciudad
de Buenos Aires, especializados en inclusión social
en contextos de crisis.
Es bailarina y creadora de danza. Trabaja en la
creación, difusión e implementación de proyectos
artísticos socialmente comprometidos con el
quehacer cultural.
Es Periodista cultural miembro de la Asociación
Argentina de Investigación y Crítica Teatral y
Coordinadora Editorial de la Revista DanzaNet
Argentina.
Diana Rogovsky
"Taller Coreográfico del Centro C. I. M.,
modos y estrategias de creación en la danza,
una experiencia conjunta"
La exposición tratará acerca de las diferentes
experiencias de cada asistente al taller
coreográfico en lo que hace a la creación y
composición coreográfica, desde enfoques
subjetivos. Se pretende exponer la diversidad de
experiencias, expectativas y derivas transitadas.
Diana Rogovsky es bailarina, coreógrafa y
docente. Se formó en danza contemporánea en la
Escuela Armar Danza Teatro, continuando luego
con maestros argentinos y extranjeros. Completó
asimismo el profesorado en Expresión
Corporal.Actualmente cursa el Posgrado
Especialización en Análiis e la Producción
Coreográfica en la FBA, U. N. L. P. Se desempeña
como docente en la Escuela de Danzas de La
Plata, Conservatorio Gilardo Gilardi, C. C. Islas
Malvinas y Espacio A.
Carolina Donnantuoni es actriz, directora,
dramaturga y docente. Formada con prestigiosos
maestros en Argentina y otros países, asiste al
taller desde 2006.
Fernada Ibarlin es antropóloga. Ha estudiado
distintas técnicas de danza.Ha realizado trabajos
de gestión y organización de ciclos y
festivales.Asiste al taller desde 2007.
Elizbeth Arce ha estudiado distintas técnicas de
danza y es profesora de yoga. Asiste al taller
desde 2007.
Gabriela Rylands ha estudiado filosofía y distintas
técnicas de danza. Actualmente realiza la
tecnicatura en tango y toma clases de técnica
Alexander. Asiste al taller desde 2010.
Colectivo Siempre
“Danza y acción política. Experiencias del
Colectivo Siempre”
¿Es posible trabajar desde el lenguaje de la danza
como un modo de accionar políticamente?
Para los artistas identificados con el arte activista,
la creación artística puede convertirse en una vía
para reflexionar y operar sobre la realidad y por
consiguiente en un modo de acción política. Hay
numerosos ejemplos de arte activista en las artes
visuales y audiovisuales, también en el teatro y la
música, pero no tanto en la danza.
Desde el Colectivo Siempre, venimos
desarrollando desde hace más de tres años una
producción diversa que intenta contestar
positivamente al interrogante planteado al inicio.
Contenida dentro de los amplios límites del campo
del movimiento, nuestra producción persigue
centralmente propósitos de corte social y político.
Trabajamos desde un arte posicionado
ideológicamente pero que deja margen para abrir
preguntas y habilitar distintas respuestas.
En esta presentación nos proponemos compartir
algunas experiencias de nuestro trabajo y a partir
de ellas reflexionar conjuntamente sobre estas
cuestiones.
El Colectivo Siempre, es un grupo
interdisciplinario que trabaja a partir de distintas
problemáticas de orden social y /o político,
utilizando el discurso artístico como medio de
manifestación, y el cuerpo como principal
herramienta. En su producción se combinan obras
coreográficas y acciones performáticas en
espacios públicos.
Este grupo inició sus acciones en el año 2006, con
una obra de danza y música – cuyo título dio lugar
al nombre del grupo- creada para el evento
internacional Arte y dignidad, llevado adelante por
la Facultad de Bellas Artes, UNLP, con motivo de la
conmemoración del golpe cívico – militar del 76, y
presentada luego a lo largo de todo ese año en
diversas facultades, colegios y ámbitos públicos. A
fines de 2007, después de haber obtenido un
subsidio del Fondo Nacional de las Artes, se filmó
un video danza, a partir del material de esta obra.
En los años 2007 y 2008, el grupo realizó acciones
callejeras vinculadas con la denuncia de la
desaparición del testigo del juicio al represor
Etchecolatz, Jorge Julio López, en articulación con
otros artistas, agrupaciones políticas y de DDHH.
En línea con estas acciones de orden activista, el
grupo ha intervenido también en eventos
vinculados con las luchas de género, intentando
darles desde lo artístico, una mayor visibilidad.
Participó en 2008, del Festival Ciudad en
movimiento, (10º aniversario de COCOA) con la
obra Cuerpo de baile -gestada para un escenario
no convencional – que propone una mirada crítica
en torno a los usos del cuerpo en diferentes
ámbitos, incluido el de la danza. Posteriormente,
en el año 2009, se elaboró una segunda parte de
esta obra que fue presentada en la V Muestra
ambulante, organizada por el grupo cultural La
grieta, en el barrio Meridiano V de la Ciudad de La
Plata (en la Muestra del año 2007 el grupo
participó con la obra Piel de naranja).
Asimismo el grupo impulsa otro tipo de acciones
de orden cultural y pedagógico que amplían su
campo de acción, como mesas de debate con
especialistas en torno al tema “arte y política”,
talleres con adolescentes sobre la misma
temática, escritura de ponencias para congresos,
encuentros con otros colectivos de artistas
activistas, entre otras.
www.colectivosiempre.blogspot.com