FRENCH PROJECT

BY
TWINKLE AGARWAL
M.A.(CP) Ist semester
AIBAS
LE SUJET :
L'art Français

Submitted to -:
Mr.Bratish
Sarkar
 Accusé De Réception

Ce projet sur « l'art français », qui a présenté un défi pour moi est
devenu facile de conclure avec l'aide de mes parents et amis. Je
tiens à exprimer ma gratitude les remercier comme ils ont fait une
grande contribution à terminer cette tâche.

Je suis très reconnaissant à mon professeur de

français respectifs "Mr.Bratish Sarkar" qui nous a encouragés à
faire de ce projet. Je tiens également à le remercier pour avoir
donné un bon sujet qui m'a aidé à en savoir plus sur une autre
culture et ses traditions.

CONTENU
 1. Introduction.

2. Aperçu historique.
2.1 Préhistoire.
2.2 Époques celte et romaine.
2.3 Époque medieval.
2.4 Early Modern période.
2.5 Période modern.

3. Française et occidentale musées d'Art de

France.

4. Types d'arts en france.

5. Art impressionniste en France

6. Célèbres peintres français

INTRODUCTION
L’art français se compose des arts plastiques et visuels (y compris
l'architecture, bois, textiles, céramiques) provenant de la zone géographique
de la France. enquêtes historiques de l'art français commencent
généralement à l'art pré-roman, l'art roman et art gothique, mais certaines
enquêtes, comme l'art français André Chastel, des discussions de l'art
préhistorique, l'art celtique, et l'art romain dans les FRANCE.

Aperçu historique
Préhistoire
Actuellement, la plus ancienne technique connue européenne est de la période du
Paléolithique supérieur comprise entre 40.000 et 10.000 ans et de la France a un grand
choix d'art préhistorique subsiste depuis les cultures Châtelperronien, Aurignacien,
Solutréen, Gravettien et Magdalénien. Cette technique comprend des peintures rupestres,
telles que les célèbres peintures de Pech Merle dans le Lot en Languedoc qui remontent à
16.000 avant JC, Lascaux, situé près du village de Montignac, en Dordogne, remontant à
entre 13.000 et 15.000 avant JC, ou peut-être , aussi loin que 25.000 BC, la grotte
Cosquer, la grotte Chauvet, et les Trois-Frères grotte, et l'art mobilier, tels que les
sculptures d'animaux et stauettes grande déesse appelée figurines de Vénus, comme la
«Vénus de Brassempouy» de 21.000 BC , découvert dans les Landes, aujourd'hui au
musée du château de Saint-Germain-en-Laye. perles d'ornement, clous à os, sculptures,
ainsi que des pointes de flèches en silex et pierre sont également parmi les objets
préhistoriques de la région de la France.

Les spéculations existent que l'Homo sapiens ne sont capables d'expression artistique,
cependant, une récente découverte, le Masque de La Roche-Cotard-un artefact moustérien
ou de Néanderthal, trouvé en 2002 dans une grotte près des rives de la Loire, datant
d'environ 33 000 BC-suggère maintenant que l'homme de Neandertal pourrait avoir
développé une tradition sophistiqué et complexe artistique.

Les alignements du Menec, le site le plus connu parmi les pierres mégalithiques de Carnac

Dans la période néolithique (voir l'Europe néolithique), les mégalithes (grandes pierres)
monuments, tels que les dolmens et les menhirs atCarnac, Saint-Sulpice-de-Faleyrens et
ailleurs en France commencent à apparaître; cet aspect est pensé pour commencer dans
le cinquième millénaire Colombie-Britannique, bien que certains auteurs pensent racines
aboutMesolithic. La France a de nombreuses pierres peintes, des haches en pierre polie,
et menhirs inscrits de cette période.

En France, du Néolithique à l'Age du Bronze, on trouve une variété de cultures

archéologiques, y compris les Rössen cultureof c. 4500-4000 Colombie-Britannique, de la
culture des gobelets c. 2800 - 1900 Colombie-Britannique, de la culture des Tumulus
c. 1600-1200 Colombie-Britannique, de la culture des champs d'urnes de c. 1300-800
avant JC, et, dans un passage à l'âge du fer, de la culture de Hallstatt de c.  1200 - 500
Colombie-Britannique.Pour en savoir plus sur les sites préhistoriques de l'Ouest France,
voir la Préhistoire de la Bretagne

Époques celte et romaine

Dans le champs d'urnes proto-celtique et cultures Hallstatt, un art âge du Fer celtique
continentale développés; principalement associée à la culture de La Tène, qui a prospéré
au cours de la fin de l'âge de fer à partir de 450 avant JC à la conquête romaine au premier
siècle de la Colombie-Britannique Cet art puise sur indigènes, classique et peut-être, de la
Méditerranée, les sources orientales. Les Celtes de la Gaule sont connus par le biais de
nombreuses tombes et tumulus trouvés dans toute la France.l'art celtique est très
ornementale, en évitant les lignes droites et seulement de temps en temps en utilisant la
symétrie, sans l'imitation de la nature, ni idéal de beauté au cœur de la tradition classique,
mais apparemment, implique souvent symbolisme complexe. Cette oeuvre comprend une
variété de styles et intègre souvent subtilement modifié des éléments d'autres cultures, un
exemple étant la caractéristique sur-et sous-entrelacement qui est arrivé en France que
dans le sixième siècle, même si elle a déjà été utilisée par des artistes germaniques. La
région de la Gaule (en latin: Gallia) passa sous la domination de l'Empire romain du Ier
siècle avant J.-C. à la cinquième siècle de notre ère Monumental œuvres de cette période
comprennent l'amphithéâtre à Orange, Vaucluse, la "Maison Carrée" à Nîmes, le Pont du
Gard, et les bains romains, et thearena de Paris .

Théâtre antique d'Orange

Époque medieval
Art mérovingien est l'art et l'architecture du Merovingiandynasty des Francs, qui a duré du
Ve siècle au VIIIe siècle dans l'actuel France et l'Allemagne. L'avènement de la dynastie
mérovingienne en Gaule du Ve siècle a conduit à des changements importants dans le
domaine des arts. En architecture, il n'y avait plus le désir de construire des bâtiments
solides et harmonieux.Sculpture régressé d'être un peu plus d'une technique simple pour
l'ornementation des sarcophages, des autels, et du mobilier ecclésiastique. D'autre part, la
montée de l'orfèvrerie et de l'enluminure a entraîné une résurgence de la décoration
celtique, qui, avec des contributions chrétiennes et autres, constitue la base de l'art
mérovingien. L'unification du royaume des Francs sous Clovis Ier (465-511) et de ses
successeurs, correspondait à la nécessité de construire des églises. Les plans pour eux
ont probablement été copiés à partir Romanbasilicas.Malheureusement, ces structures en
bois n'ont pas survécu à cause de la destruction par le feu, qu'ils soient accidentels ou
provoqués par les Normands au moment de leurs incursions.

Évangiles Aachen, c. 820, un exemple de l'enluminure carolingienne

Art carolingien est la période approximative de 120 ans de 750 à 900-pendant le règne de
Charles Martel, Pépin le Jeune, Charlemagne et ses héritiers immédiats, populairement
connu comme la Renaissance carolingienne. L'époque carolingienne est la première
période du mouvement de l'art médiéval connu aspre-romane.Pour la première fois, les rois
d'Europe du Nord avec condescendance formes classiques méditerranéens art roman,
mélange de formes classiques avec les germaniques, en créer d'entièrement nouvelles
innovations en dessin au trait figurine, et ouvrant la voie à la montée de l'art roman et,
finalement, l'art gothique dans l'Ouest .Manuscrits enluminés, de la ferronnerie, la sculpture
à petite échelle, des mosaïques et des fresques de la période de survivre. Les Carolingiens
a également entrepris d'importantes campagnes de construction architecturale à de
nombreuses églises en France. Il s'agit notamment, ceux de Metz, Lyon, Vienne, Le Mans,
Reims, Beauvais, Verdun, Saint-Germain à Auxerre, Saint-Pierre à Flavigny, et Saint-
Denis, ainsi que les ofChartres centre-ville. L'abbaye Centula de Saint-Riquier (Somme),
achevée en 788, a été une réalisation majeure de l'architecture monastique. Un autre
bâtiment important (la plupart du temps perdu aujourd'hui) a été "Théodulf's Villa"
inGermigny-des-Prés.
. Après la disparition de l'Empire carolingien, la France divisée en un certain nombre de
provinces ennemies, dépourvu de tout favoritisme organisé.art français du Xe et XIe
siècles a été produit par les monastères locaux pour promouvoir l'alphabétisation et la
piété, toutefois, les styles primitive produite n'avait pas été si hautement qualifiés que les
techniques de la première période carolingienne.styles multiples régionaux élaborés en
fonction de la disponibilité de chance de manuscrits carolingiens comme des modèles à
copier, et la disponibilité des artistes itinérants. Le monastère de Saint-Bertin est devenu
un centre important en vertu de son abbé (986-1007) Odbert, qui a créé un nouveau style
basé sur les modèles anglo-saxons et des formes carolingienne. L'abbaye voisine de Saint-
Vaast (Pas-de-Calais) a également créé un certain nombre de travaux importants. Dans le
sud-ouest France un certain nombre de manuscrits ont été produites c. 1000, au
monastère de Saint Martial de Limoges, ainsi que d'Albi, Figeac, et inGascogne Saint-
Sever-de-Rustan. A Paris, un style unique, élaboré à l'abbaye de Saint-Germain-des-
Prés. En Normandie, un style nouveau se présente en 975.À la dixième siècle plus tard
avec le mouvement de réforme de Cluny et un esprit repris pour le concept d'Empire, la
production artistique reprend.l'art roman se réfère à l'art de l'Europe occidentale au cours
d'une période de deux cent cinquante ans, d'environ l'an 1000 au lieu du style gothique, qui
se dressait au milieu du XIIe siècle en France."Art Roman" a été marquée par un regain
d'intérêt pour les techniques de construction romaine. Par exemple, les chapiteaux du XIIe
siècle sur le cloître de Saint-Guilhem-le-Désert, adopter un motif à feuilles d'acanthe et de
l'utilisation décorative des trous de forage, qui ont été généralement présents sur les
monuments romains. D'autres importants édifices romans en France, comme l'abbaye de
Saint-Benoît-sur-Loire dans le Loiret, les églises de Saint-Foy de Conques de l'Aveyron,
Saint-Martin à Tours, Saint-Philibert à Tournus de Saône-et-Loire, Saint -Remi à Reims, et
Saint-Sernin à Toulouse. En particulier, la Normandie a connu une campagne grand
bâtiment dans les églises de Bernay, Mont-Saint-Michel,Cathédrale de.Coutances et
Bayeux.La plupart sculpture romane a été intégré dans l'architecture des églises, non
seulement pour des raisons esthétiques, mais aussi pour les interventions structurelles,
fins. sculpture à petite échelle au cours de la période pré-romane était influencé la
sculpture byByzantine et paléo-chrétienne. D'autres éléments ont été adoptés à partir de
différents styles locaux des pays du Moyen-Orient. Motifs ont été empruntés aux arts de la
«barbare», comme les figures grotesques, des bêtes et des motifs géométriques, qui ont
tous été des ajouts importants, en particulier dans les régions au nord des Alpes. Parmi les
importants travaux de sculpture de la période sont les sculptures en ivoire au monastère de
Saint-Gall.sculpture monumentale a été rarement pratiquée séparément de l'architecture
dans la période pré-romane. Pour la première fois après la chute de l'empire romain, la
sculpture monumentale apparue comme une forme d'art importante.façades des églises
couvert, portes et toutes les capitales augmenté et élargi en taille et en importance, comme
dans le Jugement dernier Tympan, Beaulieu-sur-Dordogne, et le Prophète permanent à
Moissac. portes monumentales, des fonts baptismaux, et bougeoirs, souvent décorées de
scènes de l'histoire biblique, ont été coulées dans le bronze, attestant les compétences des
travailleurs de la métallurgie contemporaine.Fresques ont été appliqués aux voûtes et les
murs des églises. Rich textiles et d'objets précieux en or et argent, tels que des calices et
reliquaires, ont été produites dans un nombre croissant de répondre aux besoins de la
liturgie, et à servir le culte des saints. Au XIIe siècle, la sculpture sur pierre de grande
envergure répartis dans toute l'Europe. Dans les églises romanes de la Provence
française, de Bourgogne et Aquitaine, sculptures ornent les façades et les statues ont été
incorporées dans les capitales.

Le Western (Royal) Portail à la cathédrale de Chartres, c. 1145, ces statues d'architecture sont les
premières sculptures gothiques, une révolution dans le style et les modèles pour une génération de
sculpteurs.

L'art gothique et l'architecture ont été produits d'un mouvement de l'art médiéval qui a duré
environ trois cents années. Il a commencé en France, le développement de l'époque
romane dans le milieu du XIIe siècle. À la fin du XIVe siècle, il avait évolué vers un style
plus laïque et naturel connu sous le nom, le gothique international, qui a continué jusqu'à la
fin du XVe siècle, quand il a encore évolué, en art de la Renaissance.  Les médias ont l'art
gothique primaire sculpture, peinture sur bois, vitraux, fresques et manuscrits
enluminés.l'architecture gothique est née au milieu du XIIe siècle en Île-de-France, quand
l'abbé Suger construit l'abbaye de Saint-Denis, c. 1140, considéré comme le premier
bâtiment gothique, et peu de temps après, la Cathédrale de Chartres, c.1145. Avant cela, il
n'y avait pas eu de tradition de la sculpture en Ile-de-France-afin sculpteurs ont été amenés
de Bourgogne, qui a créé les chiffres révolutionnaire agissant comme des colonnes dans
l'Ouest (Royal) Portail de la cathédrale de Chartres (voir image)-il a été une invention tout à
fait nouveau dans l'art français, et de fournir le modèle pour toute une génération de
sculpteurs.Parmi les autres églises gothiques en France notamment la cathédrale de
Bourges, la cathédrale d'Amiens, Notre-Dame de Laon, Notre-Dame de Paris, la cathédrale
de Reims, le inParis Sainte-Chapelle, la cathédrale de Strasbourg.
Les appellations des styles de l'architecture gothique française sont les suivants: gothique
primitif, gothique, rayonnant et gothique tardif ou «Flamboyant». Division dans ces
divisions est efficace, mais discutable. Parce que les cathédrales gothiques ont été
construites au cours de plusieurs périodes successives, et les artisans de chaque période
ne suit pas forcément la volonté des périodes précédentes, le style architectural dominant
souvent changé au cours de la construction d'un bâtiment particulier. Par conséquent, il est
difficile de déclarer un bâtiment appartenant à certaine époque de l'architecture gothique. Il
est plus utile d'utiliser les termes comme descripteurs pour des éléments spécifiques au
sein d'une structure, plutôt que de l'appliquer à la construction dans son ensemble.Les
idées françaises se propager. sculpture gothique évolué à partir du style du début rigide et
allongé, encore en partie romane, dans un traitement spatial et naturaliste dans la fin du
XIIe et au début du XIIIe siècle. Influences de survivre anciennes sculptures grecques et
romaines ont été incorporées dans le traitement de la draperie, l'expression du visage, et
pose du sculpteur néerlandais-bourguignonne, Claus Sluter, et le goût pour le naturalisme
premier a marqué la fin de la sculpture gothique, l'évolution dans le style classique
Renaissance d'ici la fin du XVe siècle.Peinture dans un style qui peut être appelé,
"gothique", ne semble pas avoir jusqu'à environ 1200, près de cinquante ans après le
début de l'architecture gothique et la sculpture. La transition du roman au gothique est très
imprécise et en aucun cas clairement définis, mais on peut voir le début d'un style qui est
plus sombre, sombre et émotionnelle que la période précédente. Cette transition se produit
d'abord en Angleterre et en France autour de 1200, en Allemagne autour de 1220, et en
Italie autour de 1300. Peinture, la représentation des images sur une surface, a été
pratiqué au cours de la période gothique dans quatre métiers principaux, fresques,
peintures sur bois, enluminure, et les vitraux. Fresques continué à être utilisé comme engin
récit pictural principale aux murs des églises dans le sud de l'Europe comme une
continuation de début de traditions chrétiennes et romane. Dans le nord, le vitrail est restée
la forme d'art dominante jusqu'au XVe siècle .

Early Modern période

Dans la fin du XVe siècle, l'invasion française de l'Italie et la proximité de la vibrante
Burgundycourt, avec ses connexions flamande, a introduit le français en contact avec les
produits, les peintures, et l'esprit créatif de la Renaissance italienne et du Nord. Publication
des changements artistiques à l'époque en France ont été exécutés par des artistes italiens
et flamands, tels que Jean Clouet et son fils François Clouet, avec les Italiens, Rosso
Fiorentino, le Primatice et Niccolò dell'Abbate de ce qu'on appelle souvent la première
école de Fontainebleau de 1531.Leonardo da Vinci a également été invité en France par
François Ier, mais d'autres que les peintures qu'il a apporté avec lui, il produit peu pour le
roi français.L'art de la période de François I à Henri IV est souvent fortement inspirée par la
fin italienne évolution picturale et sculpturale communément appelé le maniérisme, qui est
associé à Michel-Ange et Parmigianino, entre autres. Elle est caractérisée par des chiffres
qui sont allongées et gracieuses qui s'appuient sur la rhétorique visuelle, y compris
l'utilisation raffinée de l'allégorie et mythologie. Peut-être le plus grand accomplissement de
la Renaissance française a été la construction des châteaux de la Loire. Pas plus conçue
comme des forteresses, des palais de plaisir a profité de la richesse des rivières et des
terres de la région de la Loire et ils preuve d'une étonnante habileté architecturale.Article
détaillé: française baroque et le classicisme.Au début du XVIIe siècle, de style maniériste
tardive et du début des tendances baroques a continué à prospérer dans le ofMarie cour
de Médicis et Louis XIII. Art de cette période montre des influences à la fois du nord de
l'Europe, à savoir les écoles hollandaise et flamande, et de peintres romains de la Contre-
Réforme. Artistes en France souvent débattu des mérites contrastées de Peter Paul
Rubens avec son baroque flamand, lignes voluptueuses et de couleurs pour Nicolas
Poussin avec son contrôle rationnel, la proportion, le classicisme romain.

There was also a strong Caravaggisti school represented in the period

by the amazing candle-lit paintings of Georges de La Tour. The wretched and the poor
were featured in a quasi-Dutch manner in the paintings by the three Le Nainbrothers. In the
paintings of Philippe de Champaigne there are both propagandistic portraits of Louis XIII' s
minister Cardinal Richelieu and other more contemplative portraits of people in the
Catholic Jansenist sect.

From the mid to late seventeenth century, French art is more often referred to by the term
"Classicism" which implies an adherence to certain rules of proportion and sobriety
uncharacteristic of the Baroque, as it was practiced in southern and eastern Europe during
the same period. Under Louis XIV, the Baroque as it was practiced in Italy, was not in
French taste, for instance, as Bernini's famous proposal for redesigning the Louvre was
rejected by Louis XIV. Through propaganda, wars, and great architectural works, Louis
XIV launched a vast program designed for the glorification of France and his name.
The Palace of Versailles, initially a tiny hunting lodge built by his father, was transformed by
Louis XIV into a marvelous palace for fêtes and parties, under the direction of
architect Louis Le Vau, painter and designer Charles Le Brun, and the landscape
architect André Le Nôtre.

Rococo and Neoclassicism are terms used to describe the visual and plastic arts and
architecture in Europe from the late seventeenth to the late eighteenth centuries. In France,
the death of Louis XIVlead to a period of freedom commonly called the Régence. Versailles
was abandoned from 1715 to 1722. Painting turned toward "fêtes galantes", theater
settings, and the female nude. Painters from this period include Antoine Watteau, Nicolas
Lancret, and François Boucher. The Louis XV style of decoration, although already
apparent at the end of the last reign, was lighter with pastel colors, wood panels, smaller
rooms, less gilding, and fewer brocades; shells, garlands, and occasional Chinese subjects
predominated. Rooms were more intimate.

Inspiration par Jean-Honoré Fragonard

La seconde moitié du XVIIIe siècle a continué à voir la prééminence française en Europe,

notamment à travers les arts et les sciences, et le parlant la langue française a été prévu
pour les membres des juridictions européennes, d'où le terme, lingua franca, la langue
acceptée. Le système universitaire français a continué à produire des artistes, mais
certains, comme Jean-Honoré Fragonard et Jean-Baptiste Siméon Chardin, explorer de
nouveaux styles et de plus en plus de la peinture impressionniste avec pinceau épais.  Bien
que la hiérarchie des genres a continué à être respectés officiellement, la peinture de
genre, paysage, portrait, nature morte et ont été très en vogue.
On trouve aussi dans cette période un aspect pré-romantisme. Hubert Robert images de
ruines, inspirées par des peintures Cappricio italienne, sont typiques à cet égard. Il en va
de la modification du jardin rationnelle et géométrique française d'André Le Nôtre au jardin
Anglais, qui a souligné la nature sauvage et irrationnelle artificiellement. On trouve aussi
dans certains de ces ruines jardins-curieux de temples-disant «folies».
Le milieu du XVIIIe siècle a vu un tour de néo-classicisme en France, c'est-à-dire une
utilisation consciente des formes grecques et romaines et l'iconographie. Dans la peinture,
le plus grand représentant de ce style est Jacques Louis David, qui, en miroir les profils de
vases grecs, a souligné l'utilisation du profil. Son objet souvent impliqués histoire classique
tels que la mort de Socrate et Brutus. La question la dignité et le sujet de ses peintures ont
été grandement inspiré par Nicolas Poussin au XVIIe siècle. Poussin et David ont été à leur
tour une influence majeure sur Jean Auguste Dominique Ingres

Période modern
La Révolution française et les guerres napoléoniennes apporté de grands changements
pour les arts en France. Le programme d'exaltation et de préposé mythe mise à l'empereur
Napoléon Ier de France a été étroitement coordonnée dans les peintures de Gros et
Guérin. Pendant ce temps, l'orientalisme, motifs égyptiens, le tragicanti-héros, le paysage
sauvage, le roman historique, et des scènes du Moyen Age et la Renaissance, tous ces
éléments du romantisme créé une période dynamique qui défie la classification
facile.tendances romantiques ont continué tout au long du siècle, deux andNaturalism
paysage idéalisé peinture ont leurs graines dans le romantisme. Les travaux de Gustave
Courbet et de l'évolution logique de schoolare Barbizon, comme c'est le symbolisme fin du
XIXe siècle des peintres tels que Gustave Moreau, le professeur de Henri Matisse et
Georges Rouault, ainsi que Odilon Redon.

Pour de nombreux critiques Édouard Manet écrit du XIXe siècle et la période moderne
(autant que Charles Baudelaire ne en poésie). Sa redécouverte de la peinture espagnole
de l'âge d'or, sa volonté de voir la toile non peinte, son exploration du nu franche, et ses
coups de pinceau radical sont les premiers pas vers l'impressionnisme. Impressionnisme
prendrait l'école theBarbizon un peu plus loin, en rejetant une fois pour toutes un style
chacun répétait et l'utilisation de mélanges de couleurs et noir, pour fragile effets transitive
de la lumière comme en plein air capturé dans la lumière changeante (en partie inspiré par
les peintures de JMW Turner).Elle a conduit à Claude Monet avec ses cathédrales et des
meules de foin, Pierre-Auguste Renoir à la fois au début de son festivals en plein air et son
style plus tard plumeuses de nus rouge, Edgar Degas avec ses danseurs et les baigneurs .
Après ce seuil a été franchi, les trente prochaines années est devenu une litanie d'étonnant
experiments.Vincent van Gogh, néerlandais né, mais vivant en France, a ouvert la voie à
l'expressionnisme. Georges Seurat, influencé par la théorie des couleurs, mis au point une
technique pointilliste qui a gouverné l'expérience impressionniste. Paul Cézanne, peintre
d'un peintre, a tenté une exploration géométrique du monde, qui a laissé beaucoup de ses
pairs indifférent. Paul Gauguin, un banquier, le symbolisme trouve en Bretagne, puis
l'exotisme et le primitivisme en Polynésie française. Henri Rousseau, l'autodidacte
postmaster barboteurs, est devenu le modèle pour la révolution naïve.
Article principal: l'art français du 20e siècle.Les premières années du XXe siècle ont été
dominées par des expériences en couleur et thatImpressionism contenu et post-
impressionnisme avait déchaîné. Les produits de l'Extrême-Orient a également apporté de
nouvelles influences. Les Nabis exploré un art décoratif en plaines à l'approche graphique
d'une estampe japonaise. A peu près au même moment, Les Fauves, a explosé en
couleur, tout comme l'expressionnisme allemand.

La découverte des masques tribaux africains par Pablo Picasso, d'un salon Espagnol à
Paris, le conduire à créer ses Demoiselles d'Avignon de 1907. Travailler de façon
autonome, Picasso et Georges Braque retourné et raffiné manière de Cézanne
rationnellement la compréhension des objets dans un milieu à plat, des expériences héritier
dans le cubisme également les conduirait à intégrer tous les aspects et les objets de la vie
quotidienne, collage de journaux, des instruments de musique, cigarettes, le vin, et d'autres
objets dans leurs œuvres. Cubisme dans toutes ses phases allait dominer peintures de
l'Europe et l'Amérique pour les dix prochaines années. (Voir l'article on Cubism pour une
discussion complète.)
La Première Guerre mondiale n'a pas empêché la création dynamique de l'art en
France. En 1916, un groupe de mécontents se réunit dans un bar de Zurich, le Cabaret
Voltaire, et a créé le geste le plus radical possible, l'anti-art de Dada.  Dans le même temps,
Francis Picabia et Marcel Duchamp ont été explorant les notions similaires. Lors d'une
exposition d'art 1917 à New York, Duchamp a présenté un urinoir en porcelaine blanche
(Fontaine), signé R. Mutt comme œuvre d'art, devenant ainsi le père du ready-made.
Lorsque Dada arrivé à Paris, il a été avidement embrassé par un groupe de jeunes artistes
et écrivains qui ont été fasciné par les écrits de Sigmund Freud, en particulier par sa notion
de l'inconscient. L'esprit de provocation de Dada est devenue liée à l'exploration de
l'inconscient à travers l'écriture utilisation ofautomatic, les opérations de chance, et, dans
certains cas, les états altérés. Les surréalistes rapidement tourné vers la peinture et la
sculpture. Le choc des éléments inattendus, l'utilisation du frottage, collage,
anddecalcomania, le rendu des paysages mystérieux et images ont été rêvé de devenir les
principales techniques à travers le reste des années 1930.

Immédiatement après cette guerre, la scène artistique française divergé grosso modo en
deux directions. Il y avait ceux qui ont continué dans les expériences artistiques d'avant-
guerre, notamment le surréalisme, et d'autres qui ont adopté la nouvelle expressionnisme
abstrait et de l'action painting de New York, de les exécuter d'une manière ou français en
utilisant tachisme informel L'art. Parallèlement à ces deux tendances, Jean
Dubuffetdominated les premières années d'après-guerre tout en explorant des dessins
d'enfant, des graffitis, et des dessins animés dans une variété de médias.
La fin des années 1950 et début des années 1960 en France a vu formes d'art qui pourrait
être considéré comme le Pop Art. Yves Kleinhad belles femmes nues se rouler dans la
peinture bleue et se jeter à toiles. Victor Vasarelyinvented Op-Art en concevant des motifs
optiques sophistiqués.Artistes du mouvement Fluxus tels Asben graffitis Vautier constituée
et des objets trouvés dans leur travail. Niki de Saint-Phalle a créé pléthorique et dynamique
figurines en plastique. Arman rassemblés les objets entre eux dans des assemblages en
boîte ou enduit de résine, et César Baldaccini produit une série de grandes sculptures-
objets comprimé.

 En mai 1968, le mouvement de jeunesse radicale, par leur atelier populaire, produit
beaucoup d'affiches d'art pour protester contre la politique moribonde du président Charles
de Gaulle.

De nombreux artistes contemporains continuent d'être hantés par les horreurs de la

Seconde Guerre mondiale et le spectre de l'Holocauste.hersage installations de Christian
Boltanski de la perte et l'anonymat sont particulièrement puissants.
 Le Massacre de Scio - Eugène Delacroix

Française et occidentale musées d'Art de France

Musée du Louvre
Le Musée du Louvre (prononciation française: [dy myze luv ʁ]), ou officiellement Grand
Louvre - en anglais, le Musée du Louvre ou tout simplement du Louvre - est le plus grand
des musées du monde, le musée d'art le plus visité au monde et un monument
historique. Il est un point de repère central de Paris, situé sur theRight Banque de la Seine
dans le 1er arrondissement (district). Près de 35.000 objets de la préhistoire au 19ème
siècle sont exposés sur une superficie de 60.600 mètres carrés (652 300 pieds carrés).
Le musée est logé dans le palais du Louvre (Palais du Louvre) qui a commencé comme
une forteresse construite en fin du 12ème siècle, sous Philippe II. Les vestiges de la
forteresse sont encore visibles. Le bâtiment a été prolongé plusieurs fois pour former
l'actuel Palais du Louvre.En 1682, Louis XIV choisit le château de Versailles pour sa
maison, laissant le Louvre avant tout comme un lieu pour exposer la collection royale, y
compris, à partir de 1692, une collection de sculptures antiques.En 1692, le bâtiment a été
occupé par les Académie des Inscriptions et Belles-Lettres et l'Académie Royale de
Peinture et de Sculpture, qui en 1699 a tenu la première d'une série de salons. L'Académie
est restée au Louvre depuis 100 ans.Pendant la Révolution française, l'Assemblée décréta
que le theNational Louvre devrait être utilisé comme un musée, pour afficher chefs-d'œuvre
de la nation.Le musée a ouvert le 10 août 1793 avec une exposition de 537 peintures, la
majorité des œuvres sont confisquées église et la propriété royale. En raison de problèmes
structurels du bâtiment, le musée a été fermé en 1796 jusqu'en 1801. La taille de la
collection a augmenté en vertu de Napoleonwhen le musée a été rebaptisé Musée
Napoléon. Après sa défaite à Waterloo, de nombreux ouvrages saisis par les armées de
Napoléon ont été restitués à leurs propriétaires d'origine. La collection s'est encore accrue
pendant les règnes de Louis XVIII andCharles X, et pendant le musée du Second français
Empirethe gagné 20.000 pièces. Holdings ont augmenté régulièrement grâce à des dons et
des cadeaux depuis la IIIe République, sauf pendant les deux guerres mondiales. En 2008,
la collection est répartie entre huit départements de conservation: antiquités égyptiennes,
Antiquités orientales; grecques, étrusques et romaines; art islamique; Sculpture; Arts
décoratifs, des peintures, estampes et dessins.
Collections
Le Musée du Louvre contient plus de 380.000 objets et affiche 35.000 œuvres d'art dans
huit départements de conservation.

Antiquités égyptiennes
Le département, comprenant plus de 50.000 pièces,comprend des objets des civilisations
du Nil, qui date de 4000 avant notre ère au 4 ème siècle.La collection, parmi les plus
importantes du monde, des aperçus vie égyptienne couvrant l'Egypte antique, l'Empire du
Milieu, Nouvel Empire, l'art copte, et le romain, ptolémaïque, et byzantine. Les origines du
ministère se trouvent dans la collection royale, mais il a été augmentée par Napoléon en
1798 voyage expéditionnaire, avec Dominique Vivant, le futur directeur du
Louvre.AfterJean-François Champollion traduit la pierre de Rosette, Charles Xdecreed
qu'un département des antiquités égyptiennes être créé. Champollion conseillé l'achat de
trois collections, les Durand, Salt et Drovetti; ces ajouts ajouté 7.000 œuvres. La
croissance s'est poursuivie au travers d'acquisitions par Auguste Mariette, fondateur du
Musée égyptien du Caire. Mariette, après les fouilles à Memphis, renvoyé caisses de
découvertes archéologiques, y compris Le Scribe accr
Surveillé par le grand sphinx (c. 2000 avant notre ère), la collection se trouve dans plus de
20 chambres. Elle possède l'art, des rouleaux de papyrus, momies, outils, vêtements,
bijoux, jeux, instruments de musique, et des armes.Pièces de la période antique
comprennent le couteau de Gebel el-Arak de 3400 de BCE, Le Scribe accroupi, et  le chef
de l'Djedefre King.Moyen Empire art », connu pour ses travaux d'or et de statues», propose
du réalisme à l'idéalisation, ce qui est illustré par la statue de schiste et le bois
Amenemhatankh placement au porteur. Le Nouvel Empire égyptien copte et les articles
sont profondes, mais la statue de la déesse Nephthys et de la représentation de calcaire
de la déesse sentiment Hathordemonstrate Nouvel Empire et de la richesse.

Antiquités orientales
Antiquités orientales, le département le plus récent d'autre part, les dates de 1881 et
présente un aperçu du début du Proche-Orient et la civilisation "premiers établissements",
avant l'arrivée de l'Islam. Le département est divisé en trois zones géographiques: le
Levant, la Mésopotamie et la Perse (Iran). le développement de la collection correspond à
des travaux archéologiques tels que Paul-Émile Botta 1843 expédition de Khorsabad et la
découverte du palais de Sargon II. Ces découvertes ont constitué la base du musée
assyrien, le précurseur de service d'aujourd'hui.Le musée contient des pièces de Sumer et
la ville d'Akkad, avec des monuments comme le prince de la stèle Lagash de Vautours de
2450 de BCE et de la stèle érigée par Naram-Suen, roi d'Akkad, pour célébrer une victoire
sur les barbares dans les monts Zagros . Les 2,25 m (7,38 pi) Code d'Hammourabi,
découvert en 1901, affiche babylonienne lois en bonne place, de sorte que nul ne pouvait
plaider l'ignorance.La partie persane du Louvre contient des travaux de la période
archaïque, comme le chef funéraire et les archers perses de Darius I.Cette section contient
également des objets rares de Persépolis, qui ont également été emprunté à British
Museum pour son ancienne Perseexihibition en 2005

La Victoire de Samothrace (Victoire ailée), marbre, vers 190 avant notre ère

Antiquités grecques, étrusques et romaines

Les Antiquités grecques, étrusques et romaines affiche département pièces du bassin
méditerranéen datant du néolithique à la CE au 6ème siècle.La collection s'étend de la
période des Cyclades au déclin de l'Empire romain. Ce département est l'un des plus
ancien musée de, il a commencé par l'art royal affectés, dont certains ont été acquis en
vertu de François Ier.À l'origine, la collection axée sur des sculptures en marbre,
comme la Vénus de Milo.Des œuvres telles que l'Apollon du Belvédère est arrivé
pendant les guerres napoléoniennes, mais ces pièces ont été retournés après la chute
de Napoléon Ier en 1815. Au 19e siècle, le Louvre a acquis des œuvres, y compris les
vases de la collection Durand, bronzes tels que le Vase Borghèse de theBibliothèque
nationale.
L'archaïque est démontrée par des bijoux et des pièces telles que le calcaire Dame
d'Auxerre, à partir de 640 avant notre ère, et le cylindrique Heraof Samos, vers 570-560
avant notre ère .Après le 4ème siècle avant notre ère, se concentrer sur la forme
humaine accrue. , illustré par le Gladiateur Borghèse. Le Louvre détient chefs-d'œuvre
de l'époque hellénistique, y compris La Victoire de Samothrace (190 BCE) et la Vénus
de Milo, symbolique de l'art classique.Dans les galeries parallèlement à la Seine, une
grande partie de la sculpture du musée romain est affiché.Le portrait romain est
représentatif de ce genre; exemples incluent les portraits d'Agrippa et Annius Verus,
parmi les bronzes est le grec Apollon de Piombino.

L'art islamique
La collection d'art islamique, la plus récente du musée, s'étend sur "Treize siècles et trois
continents» . Ces expositions, de céramiques, de verre, objets métalliques, bois, ivoire,
tapis, textiles, et des miniatures, comprennent plus de 5.000 ouvrages et 1.000 éclats . À
l'origine partie du département des arts décoratifs, les exploitations se séparer en
2003. Parmi les œuvres sont les pyxide d'al-Mughira, une boîte du 10ème siècle CE
d'ivoire de l'Andalousie, le Baptistère de Saint-Louis, un bassin en laiton gravé de la
période de 13 ou 14 siècle mamelouk, et le centuryShroud 10 Josse de l'Iran. La collection
contient trois pages de l'Shahnameh, un livre de poèmes épiques de Ferdowsi en persan,
et un métal syrien nommé Vase Barberini .

Sculpture
Le département de sculpture comprend œuvre créée avant 1850 qui n'appartient pas à
l'étrusque, grecque, romaine et le ministère .Le Louvre a été un dépôt de matériel sculpté
depuis son temps comme un palais;. Toutefois, que l'architecture antique a été affichée
jusqu'en 1824 , à l'exception de l'esclave de Dying forMichelangelo et rebelle esclave.
Initialement, la collection comprenait 100 pièces, le reste de la collection de sculptures
royale étant à Versailles. Il est resté faible jusqu'en 1847, lorsque Léon de Laborde a été
donné le contrôle du ministère. Laborde a créé une section médiévale et a acheté le
premier de ces statues et sculptures de la collection, le roi Childebert et la porte Stanga,
respectivement. La collection faisait partie du Département des antiquités, mais a donné
l'autonomie en 1871 sous Louis Courajod, un administrateur qui a organisé une
représentation plus large des œuvres françaises. En 1986, tous les travaux de l'après 1850
ont été relogés dans le nouveau musée d'Orsay.Le projet du Grand Louvre séparés du
département en deux espaces d'exposition, la collection française est affiché dans l'aile
Richelieu, et à l'étranger des œuvres dans l'aile Denon.aperçu de la collection de la
sculpture française contient des œuvres romanes comme le centuryDaniel 11 dans la fosse
aux lions et le 12ème siècle Vierge de l'Auvergne. Au 16ème siècle, l'influence de la
Renaissance causé la sculpture française de devenir plus sobre, comme on le voit dans
Jean Goujon bas-reliefs, et Descente Germain Pilon de la Croix et la Résurrection du
Christ. Les 17e et 18e siècles sont représentés par Étienne Maurice Falconet femme de
baignade et menaçant Amour et obélisques de François Anguier. œuvres néoclassiques
comprend Psyché Antonio Canova Ranimée par Cupid's Kiss (1787)

Arts décoratifs
Les Objets d'art collection s'étend du Moyen Age au milieu du 19e siècle. Le ministère a
commencé comme un sous-ensemble du département de sculpture, fondée sur la propriété
royale et le transfert des travaux de la Basilique Saint-Denis, la nécropole des rois français
qui tenait l'épée de couronnement des rois de France. Parmi les œuvres les plus prisés de
la collection en herbe ont été pietre dure vases et bronzes. 1825 La collection Durand
acquisition a ajouté "la céramique, émaux et vitraux", et 800 pièces ont été donnés par
Pierre Révoil. L'apparition d'intérêt Romanticismrekindled de la Renaissance et oeuvres
d'art médiéval, et le don Sauvageot élargi du département avec 1.500 moyen-âge et
travaille faïence. En 1862, la collection Campana a ajouté bijoux en or et maiolicas,
principalement des 15ème et 16ème siècles.
Les œuvres sont exposées au premier étage de l'aile Richelieu et dans la galerie d'Apollon,
nommé par le peintre Charles Le Brun, qui a été commandé par Louis XIV (le Roi Soleil)
pour décorer l'espace dans un thème solaire. La collection médiévale de la couronne du
sacre de Louis XIV, Charles V'ssceptre, et le vase de porphyre du 12ème siècle. L'art de la
Renaissance exploitations comprennent le bronze de Jean de Bologne Nessus et Déjanire,
et la tapisserie Hunt Maximilian. Du périodes plus tard, met en évidence comprennent la
collecte de Madame de Pompadour vase de Sèvres et des appartements de Napoléon III .

La Joconde, Léonard de Vinci, huile sur panneau, 1503-19, probablement achevés, tandis que l'artiste
était à la cour de François

Peinture
La collection d'art a plus de 6.000 oeuvres du 13ème siècle à 1848 et est géré par 12
commissaires qui supervisent l'affichage de la collection. Près des deux tiers sont d'artistes
français, et plus de 1.200 sont l'Europe du Nord.La peinture italienne de composer la
plupart des restes de François Ier et les collections de Louis XIV, d'autres sont non-retour
des oeuvres de l'époque napoléonienne et certains ont été achetés. La collection a
commencé avec Francis, qui a acquis des œuvres de maîtres italiens tels
que andMichelangelo Raphaël,et a Leonardo da Vinci à sa cour.Après la Révolution
française, la collection Royal ont formé le noyau du musée du Louvre. Lorsque la gare
thed'Orsay a été transformé en musée d'Orsayin 1986, la collection a été divisée, et les
oeuvres terminées après la Révolution de 1848 ont été déplacés vers le nouveau
musée. ouvrages français et l'Europe du Nord sont dans l'aile Richelieu et Cour
Carrée,peintures espagnoles et italiennes sont au premier étage de l'aile Denon
Illustrant l'école française sont les premiers Avignon Pietà d'Enguerrand Quarton, la
peinture anonyme du roi Jean le Bon (c.1360), peut-être le plus ancien portrait
indépendants dans la peinture occidentale de survivre de l'ère post-classique, Hyacinthe
Rigaud Louis XIV; David Jacques-Louis Le Sacre de Napoléon, et la Liberté de Delacroix
Eugène guidant le peuple. Nord œuvres européennes comprennent Johannes Vermeer La
dentellière et de l'astronome; Tree Caspar David Friedrich of Crows, Rembrandt Le souper
à Emmaüs, Bethsabée au bain, et le bœuf abattu.Les exploitations italiennes sont
notables, en particulier la collection Renaissance. Les travaux comprennent Andrea
Mantegna et Calvarys Giovanni Bellini, qui reflètent le réalisme et de détail »vise à décrire
les événements marquants d'un monde plus spirituel. La collection Haute renaissance
comprend Leonardo da Vinci de Mona Lisa, La Vierge et l'Enfant avec sainte Anne, St.
John the Baptist, et Madonna de l'Rocks.Caravaggio est représentée par The Fortune
Teller et de la mort de la Vierge. Du 16ème siècle à Venise, l'affiche du Louvre Titien Le
Concert Champêtre, La Mise au tombeau et le Couronnement d'épines.

Trois têtes de lion, Charles le Brun, la France, plume et lavis sur papier quadrillé, 1671

La Collection La Caze, un legs à la Musée du Louvre en 1869 par Louis La Caze a été la
plus importante contribution d'une personne dans l'histoire du Louvre. La Caze a donné
584 tableaux de sa collection personnelle au musée. Le legs inclus joueur Antoine Watteau
Commedia dell'arte de Pierrot ("Gilles"). En 2007, ce legs a été le thème de l'exposition
«1869: Watteau, Chardin ... entrent au Louvre La collection La Caze.

Estampes et dessins
Le Cabinet des estampes comprend des œuvres sur papier.Les origines de la collection
ont été les 8.600 œuvres dans la collection royale (Cabinet du Roi), qui ont été
augmentées par le biais de crédits d'État, les achats tels que les 1.200 oeuvres de la
collection Fillipo Baldinucci dans 1806, et les dons.Le ministère a ouvert le 5 août 1797,
avec 415 pièces présentées dans la galerie d'Apollon. La collection est organisée en trois
sections: le noyau du Cabinet du Roi, 14.000 royale cuivre impression des plaques, et les
dons d'Edmond de Rothschild, qui comprennent 40.000 estampes, dessins 3.000 et 5.000
livres illustrés. Les fonds sont affichés dans le pavillon de Flore; en raison de la fragilité du
support papier, une partie seulement est affichée à un moment donné .

Musées satellite
Lens
En 2004, les autorités françaises ont décidé de construire un musée par satellite sur le site
d'un puits de charbon abandonnée dans l'ancienne ville minière de Lens pour soulager le
surpeuplement Paris Louvre, visites augmentation musée total, et d'améliorer l'économie
du Nord industriel.Six villes ont été considérés pour le projet: Amiens, Arras, Boulogne-sur-
Mer, Calais, Lens, et Valenciennes. En 2004, le Premier ministre français Jean-Pierre
Raffarin a choisi de Lens à l'emplacement de l'édifice nouveau, appelé Le Louvre-
Lens. Les responsables du musée a prédit que le nouveau bâtiment, capable de recevoir
environ 600 œuvres d'art, d'attirer jusqu'à 500.000 visiteurs par an quand elle a ouvert en
2009.

Abu Dhabi
En Mars 2007, le Louvre a annoncé que le musée du Louvre serait achevé d'ici 2012 à Abu
Dhabi.Un accord de 30 ans, signé par le français ministre de la Culture Renaud Donnedieu
de Vabres et Cheikh Sultan bin Tahnoon Al Nahyan, établira le musée au centre-ville d'Abu
Dhabi, en échange de € 832 000 000 (US $ 1,3 milliards).Le Louvre Abu Dhabi, conçu par
l'architecte français Jean Nouvel et le cabinet d'ingénieurs de Buro Happold, occupera
24.000 mètres carrés (260.000 m²) et sera couvert par un toit en forme de soucoupe
volante. La France a accepté de tourner entre 200 et 300 oeuvres d'art au cours d'une
période de 10 ans; de fournir une expertise de gestion et de fournir quatre expositions
temporaires par an pendant 15 ans. L'art viendront de plusieurs musées, dont le Louvre,
theGeorges Centre Pompidou, le Musée d'Orsay, Versailles, le musée Guimet, le musée
Rodin et le musée du quai Branly.

Galerie
Cycladic, a votive head, 2700– Egyptian, stele, Priest Ancient Persia, the Ancient Greek,
2300 BCE burning incense before Ra- Ibex Rhyton, 600- Athens, The Rampin
Horakhty-Atum, ca. 900 300 BCE Rider,
BCE

Etruscan amphora,Diomedes Hellenic Near East, The Fayum Roman, portrait

and Polyxena, ca. 540–530 BCE Eros Medallion, ca. 250-200 Egyptian, Fayum of Marcus Agrippa, 25
BCE mummy portrait BC

Frankish, ivory, Christ between Islamic art from Iraq, Romanesque art Romanesque

two apostles, 5th century terracotta cup. architecture

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris-Paris Museum of Modern Art) est un musée
d'art à Paris dédié aux arts du 20e siècle. Il est situé au 11, avenue du Président Wilson
dans le 16ème arrondissement de Paris.

Description
Situé dans l'aile est du Palais de la Tokyoand construit pour l'Exposition internationale
des arts et de la technologie de 1937,le musée a été inauguré en 1961. Les collections
du musée comprennent plus de 8000 œuvres illustrant les différentes tendances de l'art
du 20e siècle.Expositions sur les grands mouvements et les artistes les points saillants
de la scène européenne du 20e siècle, mais aussi expositions monographiques et
thématiques présentent les principales tendances de l'art d'aujourd'hui. Des expositions
temporaires exécuter toutes les six semaines.

Collections
Les collections du musée comprennent, entre autres, des œuvres de Pablo Picasso, Henri
Matisse, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck, Georges Rouault, Fernand Léger, Georges
Braque, Francis Picabia, Amedeo Modigliani, Giorgio de Chirico, Kees van Dongen, Pierre
Bonnard, Chaïm Soutine, André Derain, Suzanne Valadon, Maurice Utrillo, andSonia
Robert Delaunay, František Kupka, Juan Gris, Hans Bellmer, Jean Fautrier, Jean Arp,
Alberto Giacometti, Yves Klein, Pierre Soulages .

Musée des arts décoratifs, Paris

 Peinture par Charles André van Loo dans le Musée des arts décoratifs

Musée des Arts Décoratifs, un musée des arts et du design thedecorative, 107 rue de
Rivoli, Paris1er, France. Il fait partie des Arts Décoratifs

Le muse
Situé dans l'aile ouest du musée du Louvre, connue sous le nom Pavillon de Marsan, le
musée a été fondé en 1905 par des membres de l'Union des Arts Décoratifs. L'architecte
Gaston Redon. Il maisons et des meubles affiche, design d'intérieur, retables, tableaux
religieux, des objets d'arts, tapisseries, papier peint, céramique et verrerie, et des jouets à
partir du Moyen Age à nos jours.
La collection se compose principalement du mobilier français, vaisselle, tapis comme ceux
fromAubusson, porcelaine comme celle de la Manufacture nationale de Sèvres, et un
grand nombre de pièces de verre par René Lalique, Émile Gallé et bien d'autres. Il
comprend de nombreuses œuvres dans le style Art nouveau et Art déco et des exemples
modernes par des designers comme Eileen Gray et Charlotte Perriand. Toutefois, les
exploitations profondes du musée arrière de la cuisinière au 13 siècle en Europe.D'intérêt
pour le public sont les salles d'époque.Les exemples incluent une partie de la maison de
Jeanne Lanvin (décoré par Albert-Armand Rateau (1884-1938) dans le début des années
1920) au 16 rue Barbet-de-Jouy à Paris. D'autres sont la salle à manger graphiste Eugène
Grasset de 1880, et le 1752 Gold Cabinet ofAvignon. Et, propre à un musée français
paraît-il, il ya la chambre 1875 de courtisane Lucie Delabigne Émilie, prétendument
l'inspiration pour le personnage principal du roman d'Émile Zola Nana (1880).Il est un
célèbre plafond il a appartenu à la célèbre Baptiste Jeanne d'Albert de Luynes, maîtresse
du duc de Savoie, puis.Certains grand nombre du musée d'expositions a été
distingué. Yvonne Brunhammer, un administrateur, puis conservateur du musée depuis
plus de quatre décennies de début des années 1950 et la personne qui a redécouvert
Eileen Gray, a organisé l'exposition 1966, "Les Années '25 ': Art Déco / Bauhaus / Stijl,
Esprit Nouveau". L'exposition a permis de pièce "Art Déco", le terme qui est venu à décrire
de conception entre les deux guerres mondiales, en particulier français design moderne.
Le musée est un peu sur un pied d'égalité avec similaires et vénérable des arts décoratifs
et du design des institutions ciblées telles que la plus internationale Victoria and Albert
Museum à Londres et a été l'inspiration pour la collection du sœurs Hewitt dans la Cooper
Union (l'ancêtre de la non -plus-affiliatedCooper-Hewitt, National Design Museum) à New
York. Toutefois, en raison du grand nombre d'expositions de beaux-arts monté à Paris le
musée, son objectif a été diluée et a causé son nom-Musée des "Arts Décoratifs" à être un
abus de langage.Le Musée des Arts Décoratifs de 1996 a été fermée en raison d'une
rénovation du bâtiment et des quelque 6.000 oeuvres de la collection, le coût de rénovation
€ 35 millions (environ 45 M $ en 2006). Le musée a rouvert Septembre 15, 2006.Béatrice
Salmon, l'actuel directeur et de surveillant de la restauration, a appelé la collection
"l'histoire du goût français et des arts décoratifs et du design en France" et a suggéré: «Les
gens [en France] à comprendre comment se rapportent à la peinture et la sculpture dans
un musée, mais ils ne savent pas comment interpréter des objets "(Rawsthorn,
International Herald Tribune, Septembre 3, 2006).

Musée Carnavalet

Le cœur du Musée Carnavalet

Le Musée Carnavalet à Paris, est consacré à l'histoire de la ville. Le musée occupe deux
maisons voisines: l'Hôtel Carnavalet et l'ancien Hôtel Le Peletier de Saint Fargeau. Sur les
conseils du baron Haussmann, le fonctionnaire qui a transformé Paris dans la seconde
moitié du 19ème siècle, l'Hôtel Carnavalet a été acheté par le Conseil municipal de Paris
en 1866, il a été ouvert au public en 1880. Vers la fin du 20e siècle, le musée a été pleine à
craquer. L'Hôtel Le Peletier de Saint Fargeau a été annexé à la Carnavalet et ouvert au
public en 1989.

La collection
Dans la cour, une magnifique sculpture de Louis XIV, le Roi-Soleil, accueille le visiteur. À
l'intérieur du musée, les expositions montrer la transformation du village de Lutèce, qui a
été habitée par les tribus Parisii, à la grande ville d'aujourd'hui avec une population de
2.201.578.
Les maisons Carnavalet environ 2.600 peintures, dessins 20.000, 300.000 et 150.000
photos gravures, sculptures modernes 2.000 et 800 pièces de mobilier, des milliers de
céramiques, de nombreuses décorations, des modèles et des reliefs, des signes, des
milliers de pièces de monnaie, articles innombrables, beaucoup d'entre eux des souvenirs
de personnages célèbres, et des milliers de fragments archéologiques. . . . La période dite
Modern Time, qui s'étend de la Renaissance jusqu'à nos jours, est connue essentiellement
par la grande quantité d'images de la ville. . . Il ya de nombreuses vues de la rue et les
monuments de Paris à partir du XVIe au XXe siècle, mais il ya aussi de nombreux portraits
de personnages qui ont joué un rôle dans l'histoire de la capitale et les travaux montrant les
événements qui ont eu lieu à Paris, en particulier les nombreux révolutions qui agite la
capitale, ainsi que de nombreuses scènes de la vie quotidienne dans toutes les classes
sociales

Parmi les faits saillants des pièces du Carnavalet comprennent-

 canots long et étroit fait à partir d'un seul tronc d'arbre (pirogues), datant de bien
avant la première description écrite du village (connue à l'époque comme Lutèce) en
l'an 52 de Jules César De Bello Gallico.
 Une belle bouteille du IVe siècle utilisé pour le parfum, du vin ou du miel.

 Une poitrine ornée du 13ème siècle, qui venait probablement de l'abbaye de Saint-
Denis .

 Un bien conservé sculpture du 14ème siècle de la tête de la Vierge Marie, pacifique

et contemplative, malgré les événements tumultueux qui a décimé la ville à cette
époque: la guerre de Cent Ans et de la Grande Peste de 1348.

 du 16ème siècle représentant des hommes et de femmes célèbres de l'époque, y

compris François Ier, Catherine de Médicis et Henri IV.
 Peintures Une peinture du Pont-Neuf vers 1660 montrant Parisiens à cheval ou à Un
vendeur montre ses marchandises à une foule de spectateurs intéressés sur, et un
homme marche courbé avec un paquet sur son dos .
Plusieurs peintures de Madame de Sévigné, qui était considéré comme la plus belle
femme à Paris.

 Le célèbre tableau inachevé de Jacques-Louis David, Le Serment de tennis (1789),

portrait d'un événement charnière dans l'histoire française lorsque les membres de
l'Assemblée nationale a prêté serment émotionnelle qu'ils ne seraient pas dissoudre
jusqu'à ce qu'ils aient passé un solide "et équitable.

 Constitution. "Cet événement est souvent considéré comme le début de la

Révolution française.

 montrant la vengeance du peuple sur la Bastille, un donjon qui était devenu «un
symbole de l'arbitraire du pouvoir royal."

 Peintures ou des acteurs célèbres dans le drame de la Révolution, dont Mirabeau,

Danton, Robespierre, et la famille royal.
 Peintures sculptures Une peinture de la mort par la guillotine à la place de la
Révolution, par Pierre-Antoine Demauchy: le sort qui a frappé le roi Louis XVI, la
reine Marie-Antoinette, les royalistes, les Girondins, le Herbertists, les Dantonistes,
Robespierre et ses partisans,  beaucoup d'autres.

 Les effets personnels appartenant à Marie-Antoinette.

 Un document sur lequel Robespierre avait partiellement sa signature quand il a été

saisi par des soldats de la Convention nationale .

 cas préférée de Napoléon de toilette .

 du début du 19e siècle, Paris .

 Peintures Une peinture représentant la suppression de l'un des moments les plus
importants de la révolution de Juillet: la saisie du Louvre, 29 Juillet 1830, par Jean-
Louis Bézard .

 merveilleuses sculptures des Parisiens de l'époque, certains portraits réalistes,

d'autres caricatures, par Jean-Pierre Dantan.

 Le berceau très décoré du prince impérial, Louis-Napoléon Bonaparte, fils du III

EmperorNapoleon et l'impératrice Eugénie .

 affiches illustrées de la Belle Epoque.

 peintures réalistes de la fin du 19ème siècle à Paris.

 Une montre en or chronomètre qui appartenait à Émile Zola..

 Une peinture de la construction de la Statue de la Liberté, qui a été expédié aux

États-Unis en pièces.

 de l'Exposition Universelle, dont un de la Tour Eiffel, qui a été spécialement conçu

pour cet événement.
 Peintures Une reconstruction, avec des meubles originaux, de la salle où Marcel
Proust a écrit A la recherche du temps perdu.

 du 20e siècle à Paris par Eugène Atget et Henri Cartier-Bresson.

 Photographies Une peinture stylisée d'un bistrot bondé du milieu des années 1900,
par l'artiste naturalisée japonaise, Léonard Foujita.

 Une photo en daguerréotype, Le Forum des Halles, prises par deux photographes
américains en 1989 pour une exposition à la Carnavalet célébrer le 150e
anniversaire de l'invention de la photographie.

Près de Paris

Château d'Écouen
Le Château d'Écouen, à Écouen, ofParis nord, a été construit en 1538-50 pour Anne
de Montmorency, connétable, qui a été faite en 1538.Il avait hérité du château en
1515, et ses campagnes de construction ont été informés par son expérience de
première main dans la surveillance des travaux royale andFontainebleau Saint-
Germain-en-Laye.Jean Bullant est susceptible d'avoir été l'architecte, car il
étaitchargé de concevoir la tombe du gendarme Grand. L'ordre colossal est
extrêmement rare dans l'architecture française avant Bullant;. Son utilisation
caractéristique de celui-ci fait sa première apparition en France ici, sur le pavillon sur
le côté de la cour. Anne de Montmorency a été un des principaux mécènes des arts
en France, et d'artistes ofHuguenot protecteur, lorsque le tribunal a été fortement
catholique: sa chapelle a été décorée de sculptures par Jean Goujon, et Jean
Bullant, Barthélemy Prieur, Bernard Palissy et certains de la famille Androuet du
Cerceau trouvé une protection et de travailler à Écouen.Malheureusement, pas de
comptes de construction de survivre, de sorte que la séquence précise de la
construction ne peut pas être suivi de près; panneaux de vitraux en grisaille dans la
galerie de l'aile ouest sont datés 1542 et 1544,et l'aile est a été ouvert en  1549-
50. Le bâtiment a été décorée de fresques et fournis durant les années 1550, dans
le style de l'école de Fontainebleau.Écouen a été illustré de gravures dans
bastiments Jacques Androuet du Cerceau excellents Plus Les de France, 1576.
En 1787, l'Est (entrée) aile a été démoli par le propriétaire, Louis Joseph de
Bourbon, prince de Condé, quand il a émigré à la Révolution, Écouen est tombé à
l'État, comme une «propriété nationale» («bien national»). Beaucoup de
modifications ont été apportées à Écouen dans le milieu du 19e siècle.
En dehors de Paris

Les grands musées

 Musée Faure d'Aix-les-Bains

Le musée Faure est un art museumsituated à Aix-les-Bains en France dans le

département de Savoie. Il s'agit d'un musée de France, selon la loi n ° 2002-5 du 4
Janvier 2002 [1]. Elle a été fondée en 1949 et comportait à l'origine des oeuvres de
la collection privée du docteur Jean Faure (1862-1942), léguée à la ville. Le musée
Faure possède la deuxième collection en France d'oeuvres de Rodin et la deuxième
collection de peintures impressionnistes de France .

Collections
Les abris Faure Musée des collections constituées par le docteur Faure, entre
les deux guerres mondiales, composée de peintures impressionnistes et
sculptures, se sont réunis avec ses fréquentations parisiennes et en particulier
avec le marchand d'art parisien André Shoeller.

Sculpture
Le musée Faure possède la deuxième collection en France d'œuvres de rodin.

Peintures

Une remarquable collection de peintures sur l'impressionnisme (avec des

peintres près par l'impressionnisme, comme ceux du romantisme, du post-
impressionnisme et le symbolisme), ont été recueillies, pour la plupart d'entre eux par le
docteur Faure, et enrichie avec le temps par de nouvelles acquisitions.
On peut y admirer des œuvres de peintres tels que: Corot, Boudin, Jongkind, Ravier, Puy,
Cézanne, Sisley, Pissarro, Degas, Bonnard, Vuillard, Lebourg, Lebasque, Marquet, Robert
Louis antrale, Charles Cottet, Jules Desbois, Edmond Aman- Jean, John Singer Sargent,
Victor Vignon, Constant Troyon, Stanislas Lépine et Adolphe Monticelli, Georges Michel,
Jean Victor Bertin ...

Musée Fabre

Le musée Fabre est un musée dans la ville southernFrench de Montpellier, capitale de la

Héraultdépartement.
Le musée a été fondé par François-Xavier Fabre, peintre Montpellier, en 1825. À partir de
2003, le musée a subi une rénovation € 61200000, qui a été achevée en Janvier 2007. Il
est l'un des principaux sites touristiques de Montpellier et à proximité de la place principale
de la ville, la Place de la Comédie. importance nationale du musée est reconnu par lui être
classé comme un Musée de France par le Ministère français de la Culture.

Collection

Sur l'affichage sont des céramiques de la Grèce et le reste de l'Europe. En outre, le musée
possède une importante collection de peintures du 17ème jusqu'au 19ème siècle, avec une
large représentation du mouvement theluminophiles. Il ya aussi la sculpture.

Types d'arts
L'art du paysage
Thémistocle von Eckenbrecher (allemand, 1842-1921), Vue de Laerdalsoren, sur le Sognefjord, 1901.

Hasegawa Tohaku, Pine Trees, un d'une paire de paravents, Japon, 1593. 156,8 × 356 cm (61,73 x
140,16 en)

L'art du paysage est un terme qui couvre la représentation des paysages naturels comme
les montagnes, les vallées, les arbres, les rivières et les forêts, et surtout l'art où le sujet
principal est une vue large, avec ses éléments disposés en une composition
cohérente. Dans d'autres œuvres fonds de paysage pour les chiffres peuvent encore
former une partie importante du travail. Le ciel est presque toujours inclus dans la vue,
andweather est souvent un élément de la composition.paysages détaillés comme un sujet
distinct ne se trouvent pas dans toutes les traditions artistiques, et de développer alors qu'il
existe déjà une tradition sophistiqués de représenter d'autres sujets. Les deux principales
traditions de printemps paintingandChinese art fromWestern, remontant bien plus de mille
ans dans les deux cases.Landscape photographie a été très important depuis le 19ème
siècle, et est couvert par son propre article.Le paysage mot provient du néerlandais, à
l'origine landschap sens un lopin de terre cultivée, puis une image. Le mot est entré dans la
langue anglaise au début du 17ème siècle, purement comme un terme pour des œuvres
d'art;. Il n'a pas été utilisée pour décrire les points de vue réelle avant 1725.

Histoire

Paysage avec scène de l'Odyssée, Rome, c. BCE 60-40.

Main G, Bas-de-page du Baptême du Christ, Heures de

Turin-Milan, la Flandre c. 1425

Pieter Brueghel l'Ancien, Les Moissonneurs, 1565: la paix et

de l'agriculture dans un paysage idéal pré-romantique, sans terreurs sublime
 Claude Lorrain, Ascagne tir du cerf de Sylvia, 1682. Le paysage comme la peinture d'histoire

Caspar David Friedrich, Voyageur contemplant une mer de nuages, 1818. Une image classique de
GermanRomanticism

Les premières formes d'art à travers le monde montrent peu qui pourrait vraiment être
appelé paysage, bien que chaque ligne de fond et parfois des indications de montagnes,
d'arbres ou d'autres caractéristiques naturelles sont inclus. Les premiers "paysages purs"
sans arefrescos figures humaines de la Grèce minoenne d'environ 1500 avant notre
ère.Les scènes de chasse, en particulier celles qui figurent dans la vue ci-joint des
roselières du delta du Nil de l'Égypte ancienne, peut donner un sens fort de place, mais
l'accent est mis sur les formes végétales individuelles et figures humaines et animales,
plutôt que la mise en paysage global. Pour une description cohérente de tout un paysage,
un système bruts de la perspective, ou la réduction de la distance, est nécessaire, et cela
semble de témoignages littéraires d'avoir d'abord été développé inAncient Grèce à
l'époque hellénistique, mais pas d'exemples à grande échelle survivre. Nous avons un peu
plus survivances de l'Antiquité romaine art, à partir du 1er siècle avant notre ère, en
particulier les fresques des chambres paysages décoration qui ont été préservés
atPompeii, andmosaics Herculanum et ailleurs, La tradition de la peinture d'encre chinoise
Shan Shui («montagne-eau»), ou «pur» du paysage, dans lequel le seul signe de vie de
l'homme est généralement un sage, ou un aperçu de sa hutte, utilise fonds de paysage
sophistiquées pour comprendre les sujets, et l'art du paysage de cette période conserve un
statut classique et souvent imité dans la tradition chinoise.Les deux traditions romaine et
chinois montrent typiquement grands panoramas de paysages imaginaires, généralement
soutenu avec une chaîne de montagnes spectaculaires - en Chine, souvent avec des
cascades et à Rome, y compris souvent la mer, les lacs ou les rivières. Ils ont été
fréquemment utilisés, comme dans l'exemple illustré, pour combler le fossé entre une
scène de premier plan avec des chiffres et une vue panoramique lointaine, un problème
persistant pour les artistes du paysage. Le style chinois ont généralement montré qu'une
vision lointaine, ou utilisés au sol morts ou de brouillard pour éviter cette difficulté.Un
contraste majeur entre la peinture de paysage dans la région Asie de l'Ouest et de l'Est a
été que tout à l'Ouest jusqu'à ce que le 19e siècle, elle occupait une position basse dans la
hiérarchie des genres reconnus, en Asie de l'Est de la peinture chinoise classique d'encre
de montagne-eau a été la plus prestigieuse forme d'art visuel.théories esthétiques dans les
deux régions a donné le statut le plus élevé pour les travaux considérés le plus besoin de
l'imagination de l'artiste. En Occident, cette peinture a été l'histoire, mais en Asie c'est le
paysage imaginaire, dont les plus célèbres praticiens ont été, du moins en théorie, lettrés
amateurs, y compris plusieurs empereurs de la Chine et le Japon. Ils étaient souvent aussi
des poètes dont les lignes et images illustrées de l'autreToutefois, dans l'Ouest, la peinture
d'histoire est venu d'exiger d'un fond de paysage vaste, le cas échéant, si la théorie n'a pas
tout à fait le travail contre le développement de la peinture de paysage -. Depuis plusieurs
siècles paysages ont été régulièrement promu au statut de la peinture d'histoire par
l'addition de petites figures de faire une scène narrative, typiquement religieux ou
mythologiques.

Tradition occidentale
Au début de l'intérêt de l'art occidental médiéval dans le paysage disparaît presque
entièrement, maintenu en vie uniquement dans des copies ofLate antique des œuvres
telles que le Psautier d'Utrecht, le remaniement de cette dernière source, dans une version
gothique, réduit les paysages déjà étendue à quelques arbres de combler les lacunes  dans
la composition, sans aucun sens de l'espace en général.Un regain d'intérêt pour la nature
d'abord se manifeste principalement dans les représentations de petits jardins comme le
Conclusus Hortus ou les tapisseries inmillefleur. Les fresques de chiffres à travailler ou de
jouer devant un fond d'arbres denses dans le célèbre Palais des Papes, Avignon sont
probablement un vestige unique de ce qui était un sujet commun.Plusieurs fresques de
jardins ont survécu de maisons romaines comme la Villa de Livia.Au cours du 14ème siècle
Giotto di Bondone et ses partisans ont commencé à reconnaître la nature de leur travail, de
plus en plus l'introduction d'éléments du paysage comme toile de fond à l'action des
personnages dans leurs peintures. Au début du 15ème siècle, la peinture de paysage a
été établi comme un genre en Europe, en tant que paramètre de l'activité humaine, qui
s'exprime souvent dans un sujet religieux, tels que les thèmes de la Repos pendant la fuite
en Egypte, le voyage des Mages, orSaint Jérôme dans le désert.Prestige manuscrits
enluminés sont très importants dans le développement précoce du paysage, en particulier
la série des theLabours des mois, comme ceux de la Très Riches Heures du Duc de Berry,
qui a montré des chiffres classiquement genre de petits dans les milieux du paysage de
plus en plus grande. Une avance est particulièrement indiqué dans les Heures de Turin-
Milan moins bien connu, aujourd'hui en grande partie détruit par un incendie, dont les
évolutions se sont traduites dans la peinture du début néerlandais pour le reste du
siècle. L'artiste connu sous le nom "main G", probablement l'un des frères Van Eyck, a
particulièrement bien réussi à reproduire les effets de la lumière et dans une progression
naturelle en apparence du premier plan à la vue lointaine. Cela a été quelque chose d'autre
artistes ont été à trouver difficile pour un siècle ou plus, souvent de résoudre le problème
en montrant un fond de paysage de plus haut d'un parapet ou rebord de la fenêtre, comme
si d'une hauteur considérable.horizons du paysage pour différents types de peinture est
devenue de plus en plus importante et habile au cours du siècle. La période autour de la fin
du 15ème siècle a vu les dessins et aquarelles paysage pur fromLeonardo da Vinci,
Albrecht Dürer, Fra autres Bartolomeoand, mais les sujets pur paysage dans la peinture et
la gravure, encore faible, ont d'abord été produite byAlbrecht Altdorfer et d'autres de l'école
allemande du Danube dans le début du 16ème siècle. À l'Patinir timeJoachim même aux
Pays-Bas a développé un style de paysages panoramiques avec un point de vue aériennes
à haute qui est restée influente depuis un siècle, utilisé, par exemple, par Pieter Brueghel
l'Ancien. Le développement d'un système italien approfondie du point de vue graphique est
maintenant connue dans toute l'Europe, qui a permis à des vues larges et complexes pour
être peints de manière très efficace.Paysages ont été idéalisée, reflétant principalement
idéal apastoral tirées de la poésie classique qui a été pleinement exprimé par Giorgione et
du jeune Titien, et est restée associée surtout avec collines boisées paysage italien, qui a
été représenté par des artistes d'Europe du Nord qui n'avaient jamais visité l'Italie,
juste que lettrés plain-logement en Chine et au Japon peint montagnes vertigineuses. Bien
souvent les jeunes artistes ont été invités à visiter l'Italie à l'expérience italienne de lumière,
de nombreux artistes européens du Nord pourraient faire leur vie en vendant des paysages
italianisants sans jamais prendre la peine de faire le voyage. En effet, certains styles sont
si populaires qu'ils sont devenus des formules qui pourraient être copiés, encore et
encore .La popularité des scènes de paysages exotiques peut être vu dans le succès du
peintre Frans Post, qui a passé le reste de sa vie la peinture des paysages du Brésil après
un voyage là-bas en 1636-1644. D'autres peintres qui n'ont jamais franchi les Alpes
pourraient en faire un paysage sellingRhineland l'argent, et d'autres encore pour la
construction de scènes fantastiques d'une commission particulière, comme vue Cornelis de
Man de Smeerenburg en 1639,formules de composition en utilisant des éléments comme
le repoussoir ont évolué qui demeurent influents dans la photographie et la peinture
moderne, notamment par Poussin et Claude Lorrain, les deux artistes français vivant au
17ème siècle de Rome et de la peinture classique largement objet, ou des scènes
bibliques dans le jeu mêmes paysages. Contrairement à leurs contemporains néerlandais,
italien et paysagistes français le plus souvent encore voulaient garder leur classement
dans la hiérarchie des genres comme la peinture d'histoire, y compris par de petits
personnages pour représenter une scène de la mythologie classique ou de la
Bible. Salvator Rosa a donné l'excitation à ses paysages pittoresques en montrant sauvage
de pays du sud italien, souvent peuplés d'banditi .L'Age d'or hollandais peinture du 17ème
siècle a vu la croissance spectaculaire de la peinture de paysage, dans lequel de
nombreux artistes spécialisés, et le développement de techniques réalistes extrêmement
subtile pour décrire la lumière et aux intempéries. Il existe différents styles et époques, et
sous-genres de la peinture marine et animale, ainsi que d'un style distinct du paysage
italien. La plupart des paysages hollandais ont été relativement faibles, mais les paysages
en peinture baroque flamande, encore le plus souvent peuplé, ont été souvent très grande,
surtout dans la série d'œuvres qui Peter Paul Rubens pour sa propre maison.
Les Hollandais avaient tendance à faire des petits tableaux pour les petites
maisons. Quelques spécialités du paysage hollandais, des stocks période comprennent les
Batalje, ou bataille scène; le Maneschijntje, scène ou au clair de lune, le Bosjes , la scène
ou dans la forêt, le Boederijtje, ou une scène de ferme, et la scène Dorpje ou village.Bien
que n'étant pas nommé à l'époque comme un genre spécifique, la popularité des ruines
romaines inspiré de nombreux peintres paysagistes hollandais de la période de peindre les
ruines de leur propre région, tels que les monastères et les églises en ruines
après l'Beeldenstorm. La popularité de paysages aux Pays-Bas a été en partie le reflet de
la quasi-disparition de la peinture religieuse dans une Calvinistsociety, et le déclin de la
peinture religieuse dans les 18e et 19e siècles dans toute l'Europe combinée avec le
romantisme de donner des paysages une place beaucoup plus grande et plus prestigieuse
dans l'art du 19e siècle que ce qu'ils avaient pris avant.En Angleterre, des paysages avait
d'abord été pour la plupart de milieux de portraits, généralement suggérant des parcs ou
des biens d'un propriétaire terrien, mais la plupart du temps peint à Londres par un artiste
qui n'avait jamais visité acres roulant sa gardienne, la tradition anglaise a été fondée par
Anthony van Dyck et d'autres mostlyFlemish artistes travaillant en Angleterre. Au 18ème
siècle, peinture à l'aquarelle, principalement des paysages, est devenue une spécialité
anglaise, à la fois un marché porteur pour les travaux professionnels, et un grand nombre
de peintres amateurs, de nombreux systèmes de la suite de la populaire n'a été trouvé
dans les livres de Alexander Cozens et d'autres. Au début du 19e siècle, les artistes
anglais avec la plus grande réputation modernes ont été essentiellement consacrée
paysagistes, montrant la diversité des interprétations romantiques de la campagne
anglaise dans les oeuvres de John Constable, JMW Turner et Samuel Palmer. Cependant,
toutes ces difficultés avaient s'établir dans le marché de l'art contemporain, qui préfère
encore la peinture d'histoire et de portraits. L'allemand Caspar David Friedrich avait un
style, influencé par sa formation danoise, où un style national distinct, en s'appuyant sur
l'exemple néerlandais du 17e siècle, avait mis au point. peintres français ont été plus lents
à développer la peinture de paysage, mais d'environ Corot 1830sJean-Baptiste-Camille et
d'autres peintres de l'école de Barbizon établi une tradition paysagiste français qui allait
devenir la plus influente en Europe depuis un siècle, avec theImpressionists et post-
impressionnistes pour la première fois faire la peinture de paysage la principale source
d'innovation stylistique générale pour tous les types de peinture.
En Europe, comme John Ruskin a dit,et Sir Kenneth Clark a confirmé, la peinture de
paysage a été la «création artistique en chef de la dix-neuvième siècle», et «l'art
dominant», avec le résultat que dans la période qui suit les gens ont été "apt de supposer
que l'appréciation de la beauté naturelle et la peinture de paysage est une partie normale
et durable de notre activité spirituelle Dans l'analyse de Clark, qui sous-tendent les
manières européennes pour convertir la complexité du paysage à une idée quatre
approches fondamentales: l'acceptation de symboles descriptifs, une curiosité sur les faits
de la nature, la création de la fantaisie d'apaiser les craintes profondes de la nature, et la
croyance en un âge d'or de l'harmonie et l'ordre, qui pourraient être récupérées.
Le nationalisme de la nouvelle Provinces-Unies avait été un facteur de la popularité du
paysage hollandais du 17e siècle et au 19ème siècle, comme d'autres pays ont tenté de
développer distinctive des écoles nationales de la peinture, la tentative d'exprimer la nature
particulière du paysage de la patrie est devenu une tendance générale. En Russie, comme
en Amérique, la taille gigantesque de peintures a été lui-même une déclaration
nationaliste.Aux États-Unis, la Hudson River School, de premier plan dans le milieu à la fin
du 19ème siècle, est sans doute le développement le plus connu indigènes dans l'art du
paysage. Ces peintres ont créé des œuvres d'échelle gigantesque visant à retracer
l'épopée des paysages qui les ont inspirés. Le travail de Thomas Cole, fondateur
généralement reconnu de l'école, a beaucoup en commun avec les idéaux philosophiques
des peintures de paysages européens - une sorte de croyance séculière dans les
bénéfices spirituels à tirer de la contemplation de la beauté naturelle. Certains des artistes
plus tard, l'Hudson River School, comme Albert Bierstadt, créé des œuvres moins
réconfortant que mettre davantage l'accent (avec beaucoup d'exagération romantique) sur
les premières, l'énergie même terrifiants de la nature. Les meilleurs exemples de l'art du
paysage canadien se trouve dans les œuvres du Groupe des Sept, de premier plan dans
les années 1920. Bien que certainement moins dominante dans la période après la
Première Guerre mondiale, de nombreux artistes importants encore peint des paysages
dans la grande variété de styles illustré par Neil Welliver, Alex Katz, Milton Avery, Peter
Doig, Andrew Wyeth, David Hockney et Sidney Nolan.

Aquarelle
Aquarelle (US) ou à l'aquarelle (UK), alsoaquarelle du français, est une méthode de
peinture. Une aquarelle est le médium ou le resultingartwork, dont les peintures sont faites
ofpigments suspension dans un véhicule soluble dans l'eau. Le support traditionnel et le
plus commun pour peintures à l'aquarelle est le papier; autres supports comprennent
papyrus, papier d'écorce, plastique, papier vélin ou en cuir, tissu, bois, andcanvas. En Asie
orientale, peinture à l'aquarelle avec des encres est appelé pinceau ou rouleau de
peinture. Dans la peinture chinoise, coréenne, japonaise et il a été le principal moyen,
souvent en monochrome noir ou bruns. pays Inde, l'Ethiopie et d'autres aussi ont une
longue tradition.Tamponnant à l'aquarelle est originaire de Chine

Histoire
Bien que l'aquarelle est très ancien, datant peut-être pour les peintures rupestres du
Paléolithique Europe, et a été utilisé pour l'enluminure depuis au moins l'époque
égyptienne, mais en particulier dans le Moyen Age européen, son histoire continue en tant
que médium artistique commence à la Renaissance. L'Allemand du Nord artiste de la
Renaissance Albrecht Dürer (1471-1528) qui a peint plusieurs belles plantes, la faune et
des aquarelles du paysage, est généralement considéré comme parmi les premiers
exposants du milieu. Une importante école de peinture à l'aquarelle en Allemagne a été
dirigée par Hans Bol (1534-1593) dans le cadre de la Renaissance durer.

Malgré ce démarrage précoce, aquarelles étaient généralement utilisés par les peintres de
chevalet baroque que des croquis, des copies ou des dessins animés (petits dessins
échelle). Parmi les notables premiers praticiens de l'aquarelle ont été Van Dyck (lors de
son séjour en Angleterre), Claude Lorrain, Giovanni Benedetto Castiglione, et beaucoup de
Néerlandais et Flemishartists.Toutefois, illustrations botaniques et de la faune sont peut-
être la tradition ancienne et la plus importante dans la peinture aquarelle. illustrations
botaniques est devenu populaire à la Renaissance, à la fois comme woodblockillustrations
coloriée à la main dans des livres ou journaux et des dessins à l'encre teintée comme sur
du vélin ou du papier. artistes botaniques ont toujours été parmi les aquarellistes les plus
exigeants et accompli, et aujourd'hui

encore, aquarelles-à leur capacité unique de résumer, de clarifier et d'idéaliser en pleine

couleur sont utilisés pour illustrer les publications scientifiques et muséales. illustration de
la faune a atteint son apogée au 19ème siècle avec des artistes comme John James
Audubon, et aujourd'hui de nombreux guides de terrain naturaliste sont toujours illustrés
par des aquarelles.

école anglaise Plusieurs facteurs ont contribué à la propagation de l'aquarelle au

cours du 18ème siècle, en particulier en Angleterre. Parmi les classes d'élite et
aristocratiques, l'aquarelle a été l'un des ornements accessoires d'une bonne éducation,
surtout pour les femmes. En revanche, aquarelle est aussi fort appréciée par les
géomètres, cartographes, des officiers militaires et des ingénieurs pour son utilité dans la
description de propriétés, terrains, des fortifications ou la géologie sur le terrain et pour
illustrer les travaux publics ou de projets mis en service. aquarellistes étaient souvent
portées avec des expéditions géologiques ou archéologiques financé par la Société des
Dilettanti (fondée en 1733) pour documenter les découvertes dans la Méditerranée, l'Asie
et le Nouveau Monde. Ces stimulé la demande de peintres topographes qui concocter
peintures souvenir de sites célèbres (et des sites) le long de la Grand Tour en Italie qui a
été parcourue par chaque homme à la mode ou une jeune femme de l'époque. Dans la fin
du 18e siècle, les Anglais William clerc Gilpinwrote une série de livres populaires
extrêmement décrivant son «pittoresque» voyages à travers l'Angleterre rurale et illustré de
ses propres aquarelles monochromes sentimentale de vallées, d'anciens châteaux et les
églises abandonnées; son exemple popularisé comme une aquarelle sous forme de journal
personnel touristique. La confluence de ces culturel, technique, scientifique, touristique et
des intérêts amateur a abouti à la célébration et la promotion de l'aquarelle comme un très
anglais "art national". Parmi les nombreux artistes aquarelle significatifs de cette période
ont été Thomas Gainsborough, John Robert Cozens, Francis Towne, Michael Angelo
Rooker, William Pars, Thomas Hearne et John Warwick Smith.William Blake a publié
plusieurs livres de la main gravé teinté de poésie, illustrations de l'Enfer de Dante, et aussi
expérimenté avec des œuvres de grandes monotype à l'aquarell.

Jedburgh Abbey de la rivière, par Thomas Girtin 1798-1799

(aquarelle sur papier).

De la fin du 18e siècle à travers le 19e siècle, le marché pour les livres imprimés et de l'art
domestique a contribué sensiblement à la croissance du milieu. Aquarelles ont été utilisées
comme document de base à partir duquel paysage de collection ou de gravures
touristiques ont été développés, et les originaux ou des copies aquarelle peinte de tableaux
célèbres ont contribué à de nombreux portefeuilles supérieure d'art de classe. bordées
satirique par Thomas Rowlandson, de nombreux publié par Rudolph Ackermann, ont
également été très populaire.Les trois artistes anglais crédités à l'établissement de
l'aquarelle comme un organisme indépendant, techniques de peinture sont matures Paul
Sandby (1730-1809), souvent appelé "le père de l'aquarelle anglaise», Thomas Girtin
(1775-1802), pionnier de son utilisation pour le grand format , la peinture de paysage
romantique ou pittoresque, et Joseph Mallord William Turner (1775-1851), qui a introduit
l'aquarelle au plus haut degré de puissance et de raffinement et créé avec des centaines
de superbes peintures historiques, topographiques, architecturaux et mythologiques.Sa
méthode de développement de la peinture à l'aquarelle par étapes, en commençant par les
grandes zones de couleur vague établie sur papier mouillé, puis d'affinage de l'image à
travers une séquence de lave et les émaux, lui a permis de produire un grand nombre de
peintures à l'efficacité des ateliers et fait de lui un multimillionnaire en partie par la vente de
sa galerie d'art personnelle, la première en son genre. Parmi les contemporains important
et très talentueux de Turner et Girtin étaient John Varley, John Sell Cotman, Anthony
Copley Fielding, Samuel Palmer, William Havell et Samuel Prout.Le peintre suisse Louis
Ducros était également bien connu pour son grand format, des peintures romantiques à
l'aquarelle.

La confluence de l'activité d'amateur, de l'édition des marchés, au milieu collection d'art de

classe et 19e siècle, technique de peinture conduit à la formation de l'anglais sociétés
aquarelle: la Société des Peintres dans l'eau Couleurs (1804, maintenant connu sous le
nom de la Société royale Aquarelle), et le Nouveau Société couleur de l'eau (1832). (Une
société écossaise de peintres en aquarelle a été fondée en 1878.) Ces sociétés prévues
des expositions annuelles et des références acheteur pour de nombreux artistes et aussi
engagé dans des rivalités mesquines et l'état des débats esthétiques, en particulier entre
les partisans des pratiques traditionnelles ("transparent") aquarelle et l' adopteurs
précoces de la couleur plus dense possible avec fortes aquarellées ou à la gouache
("opaque" aquarelle).Les périodes de fin géorgienne et victorienne produit le zénith de
l'aquarelle britannique, parmi les œuvres les plus impressionnantes du 19ème siècle
sur papier, par Turner, Varley, Cotman, David Cox, Peter de Wint, William Henry Hunt,
John Frederick Lewis, Myles Birket Foster,Frederick Walker, Thomas Collier et bien
d'autres.En particulier, les peintures gracieuses, lapidaire et atmosphériques genre de
Richard Parkes Bonington créé un engouement international pour l'aquarelle, en
particulier en Angleterre et en France, dans les années 1820.La popularité des
aquarelles stimulé de nombreuses innovations, y compris les plus lourds et plus
largement de taille papiers vélin et brosses (appelé «crayons») fabriqués expressément
pour l'aquarelle. Aquarelle tutoriels ont d'abord été publié dans cette période par Varley,
Cox et autres, l'innovation des instructions étape par étape, la peinture qui caractérise
encore aujourd'hui le genre; "Les éléments de dessin", une aquarelle tutoriel par le
critique d'art anglais John Ruskin, a été épuisé qu'une seule fois depuis sa première
publication en 1857. marques commerciales sont apparues fabrication de peintures et
les peintures ont été conditionnés dans des tubes métalliques ou gâteaux secs qui
pourraient être «effacé» (dissous) en porcelaine studio ou utilisés dans des portables
boîtes de peinture en métal dans le domaine. percées dans la chimie contemporaine
fait beaucoup de nouveaux pigments disponibles, y compris le bleu de Prusse, le bleu
outremer, bleu cobalt, vert émeraude, violet de cobalt, le jaune de cadmium, aureolin
(cobaltinitrite de potassium), le blanc de zinc et un large éventail de lacs et de carmin
de garance. Ces stimulé à son tour une plus grande utilisation de la couleur à travers
tous les médias la peinture, mais à l'aquarelle anglaise en particulier par les peintres
pre-Raphaelites.

La peinture d'histoire

Le Dernier Jour de Pompéi (1833) est une peinture d'histoire par

excellence.

La peinture d'histoire est la peinture de scènes avec le contenu narratif de l'histoire

classique, l'histoire chrétienne, et la mythologie, ainsi que représentant des événements
historiques du passé proche ou lointain.Il s'agit notamment de peintures avec des religieux,
mythologiques, historiques, littéraires, ou sujets allégoriques. La peinture d'histoire peut
incarner une certaine interprétation de la vie ou de transmettre un message moral ou
intellectuel.

Description La peinture d'histoire est une peinture de genre défini par sujet plutôt
que d'un style artistique, mais il est souvent réaliste dans le style. Les événements
historiques choisis peuvent être iconographique, non seulement représentant des
événements importants, mais ceux d'une importance particulière à la société du peintre,
comme par exemple, la signature de la déclaration d'indépendance dans la peinture
d'histoire américaine. L'événement, si approprié, n'a pas besoin d'avoir réellement eu lieu,
et les artistes ont souvent pris de grandes libertés avec les faits historiques afin de
présenter le message souhaité.Les dieux et déesses de la mythologie antique représentés
les différents aspects de la humanpsyche, les chiffres de religions représentées idées
différentes, et l'histoire, comme les autres sources, représentée une dialectique ou jeu des
idées. Pendant longtemps, surtout pendant la Révolution française, la peinture d'histoire
sont souvent concentrées sur la représentation de l'héroïque nu masculin, bien que ce
diminué dans le 19ème siècle.
 Benjamin West, "La mort du général Wolfe»

D'autres artistes représentaient des scènes, indépendamment du moment où ils se sont

produits, en robe classique. Lorsque, en 1770, Benjamin West proposé de représenter «La
mort du général Wolfe» en costume contemporain, il était fermement demandé d'utiliser
costume classique par de nombreuses personnes. Il a décrit de la scène dans les
vêtements qui ont eu lieu sur la scène. Bien que George III a refusé d'acheter le travail,
l'Ouest a réussi à surmonter les objections de ses critiques et en inaugurant un style
historiquement plus précis dans ces peintures.

Dans le milieu du XIXe siècle, il y eut un ashistoricism style connu, qui a marqué une
imitation formelle des styles historiques et / ou artistes.

Un autre développement dans le dix-neuvième siècle a été la combinaison de ce genre

avec la peinture asgenre connu: la représentation de scènes de la vie quotidienne. 

Grand représentations d'événements de grande importance ont été complétés par des
scènes plus incidents personnels dans la vie des grands, ou la vie quotidienne dans un
cadre historique. Les artistes qui les dépeint parfois liés au changement avec la morale
messages véhiculés par les manifestations publiques; ils ont affirmé que les messages ont
été également instructif morale dans la vie ordinaire, et en effet, étaient même supérieurs,
car plus de personnes seraient en mesure d'appliquer la leçon implicite dans une
représentation de la vie familiale que dans celle d'un mort héroïque sur le champ de
bataille.
Historique des peintres

Serment Jacques-Louis David des Horaces (1784) dramatise un événement historique.

Un peintre d'histoire n'est pas seulement un peintre de motifs historiques, mais représente,
dans un "grand" de style, l'homme en général, et en particulier les grands événements de
la fable grecque et romaine et de l'histoire, les sujets du capital de l'histoire de l'Écriture,
une scène d'un grand œuvre littéraire, ou d'un événement célèbre dans la vie d'un potentat
baroque. Le sujet devrait être couramment soit une instance de l'action héroïque ou des
souffrances héroïques, avec des personnages peints dans des poses classiques.La
peinture d'histoire était la forme dominante de academicpainting (la peinture qui
provenaient de différentes académies nationales) dans le 19e siècle, en particulier, mais
aussi dans la France post-révolutionnaire ainsi. En tant que tel, la peinture d'histoire a été
une cible pour des mouvements plus tard. Le Impressionistsrejected tous les sujets
historiques et tableau, en dehors de peintures de guerre d'Édouard Manet. Dans d'autres
pays, des mouvements tels que la Confrérie préraphaélite en Angleterre porté sur des
sujets de la littérature nationale et le mythe, plutôt que des sujets classiques. Au tournant
du 20e siècle, il était possible de voir des peintures émergents des académies nationales
officielles représentant Nausicaa en même temps que d'autres peintres ont quitté le studio
pour peindre avec la lumière ambiante et se concentrer uniquement sur des sujets humble
et pure sensation. Histoire des peintres comme Antoine-Jean, le baron Gros, Jacques-
Louis David, Claude Joseph Vernet, Carle Vernet, Pierre-Narcisse Guérin et d'autres a
attiré un suivant d'étudiants parmi les jeunes peintres dont plusieurs développé le
mouvement romantique dans le début du 19e siècle. Artistes dont Théodore Géricault,
Eugène Delacroix, Paul Delaroche et ont d'abord été considéré comme peintres d'histoire.
Tapestry
Tapestry est une forme d'art textile, tissé sur un verticalloom. Il est composé de deux séries de fils
entrelacés, les parallèles à la longueur (appelée la chaîne) et ceux parallèles à la largeur (appelé la
trame); les fils de chaîne sont mis en place sous tension sur un métier à tisser, et le fil de trame
estpassé et d'autre de tout ou partie des funes. La tapisserie est l'effet trame de tissage, dans
lequel tous les fils de chaîne sont cachés dans les travaux achevés, à la différence de tissage où la
chaîne et les fils de trame peut être visible. Dans la tapisserie, les fils de trame sont généralement
discontinu; l'artisan entrelace chaque trame de couleur d'avant en arrière dans son domaine propre
modèle de petite taille. Il s'agit d'une armure toile de trame-face ayant des fils de trame de couleurs
différentes ont travaillé sur des portions de la chaîne pour former la conception.La plupart des
tisserands utiliser un fil de chaîne fonde naturellement comme le lin ou le coton. Les fils de trame
sont généralement en coton woolor, mais peuvent inclure de soie, d'or, d'argent ou d'autres
alternatives

Fonction

Henry VIII est assis sous un chiffon tapisserie de l'Etat

Le succès de la tapisserie décorative peut s'expliquer en partie par sa portabilité (Le

Corbusier appelait autrefois tapisseries "murales nomades").Les rois et les nobles
pouvaient rouler et de transport tapisseries d'une résidence à l'autre. Dans les églises, ils
pourraient être affichées sur des occasions spéciales.Tapisseries ont également été
drapée sur la ofcastles murs pour l'isolation en hiver, ainsi que pour l'affichage de
décoration.
Au Moyen-Age et la Renaissance, un panel riche tapisserie tissée avec des emblèmes
symboliques, les devises, ou sur des couches de armscalled un baldaquin, dais de drap
d'État ou l'État était accroché derrière et sur un trône comme un symbole d'autorité. Le
siège vertu d'un tel couvert de l'État devrait normalement être soulevées sur une estrade.
L'iconographie de la plupart des tapisseries de l'Ouest remonte à des sources écrites, la
Bible et les Métamorphoses d'Ovide étant deux des choix populaires. Outre les images
religieuses andmythological, des scènes de chasse font l'objet de nombreuses tapisseries
produites pour la décoration intérieure.

Tapisseries célèbres

Tapisserie avec monogramme "SA" de KingSigismund II Auguste de Pologne, à Bruxelles,

c. 1555. Une partie de JagiellonianTapestries célèbre, aussi connu sous le nom tentures en tissu ou
WawelTapestries Wawel.

 La tapisserie Sampul, la pendaison de laine mur, 3e au 2e siècle avant JC, Sampul, Ürümqi
Xinjiang Museum.

 La Tapisserie de Hestia, 6e siècle, l'Egypte, Dumbarton Oaks Collection.

 La Tapisserie de Bayeux, qui dépeint les événements entourant la bataille de Hastings; noter que
ce n'est pas (à proprement parler) une tapisserie, mais au lieu de la broderie.En Juin 2007, la
tapisserie a été inscrit sur le registre de UNESCO'sMemory mondiale.

 La tapisserie de l'Apocalypse est la plus longue tapisserie dans le monde, et représente des
scènes de l'Apocalypse. Il a été tissé entre 1373 et 1382. A l'origine de 140 m (459 pi), le 100m
survivants sont affichées dans le Château d'Angers, à Angers

 Les six parties pièce La Dame à la Licorne (La Dame à la Licorne), stockées dans l'Hôtel de
Cluny, Paris
Vitrail

Une grande Gothicwindow style perpendiculaire de huit feux dans la cathédrale de Canterbury,
c. 1400, qui contient du verre médiéval.

Le verre teinté terme peut se référer à verre coloré comme un matériau ou à des œuvres
qui en sont issus. Tout au long de son histoire de mille ans, le terme a été appliqué
presque exclusivement aux fenêtres des églises et autres bâtiments importants. Bien que
traditionnellement dans des panneaux plats et utilisées comme des fenêtres, les créations
des artistes modernes vitraux aussi comprendre les structures en trois dimensions et de la
sculpture.Modern usage vernaculaire a souvent étendu le terme «vitrail» pour y inclure à
vitraux domestiques et objets d'art créés à partir de baguettes de plomb et de cuivre en
feuille glassworkexemplified les fameuses lampes de Louis Comfort Tiffany.Comme un
verre teinté matériel est en verre qui a été coloré par addition de sels métalliques lors de sa
fabrication. Le verre coloré est fabriqué en vitraux dans laquelle de petits morceaux de
verre sont disposés pour former des motifs ou des images, maintenus ensemble
(traditionnellement) par des bandes de plomb et soutenu par un cadre rigide. Peint de
détails et de tache jaune sont souvent utilisés pour améliorer la conception. Le verre teinté
terme est aussi appliqué à des fenêtres dont les couleurs ont été peintes sur le verre et
ensuite fusionnés pour le verre dans un four.Le vitrail, un art et un métier, il faut le talent
artistique de concevoir une conception appropriée et viable, et les compétences techniques
pour assembler la pièce. Une fenêtre doit être bien ajusté dans l'espace pour lequel elle est
faite, doit résister au vent et la pluie, mais aussi et surtout dans les fenêtres plus grandes,
doivent supporter son propre poids. Beaucoup de grandes fenêtres ont résisté à l'épreuve
du temps et est resté pratiquement intact depuis la fin du Moyen Age.  En Europe
occidentale, ils constituent la principale forme d'art pictural à avoir survécu. Dans ce
contexte, l'objet d'un vitrail n'est pas de permettre à ceux d'un édifice à voir le monde
extérieur ou même principalement à laisser entrer la lumière, mais plutôt de la
contrôler. Pour cette raison, les vitraux ont été décrits comme des «décorations murales
éclairées.
La conception d'une fenêtre peut être non-figuratives ou figurative; peut incorporer des
récits tirés de theBible, l'histoire ou la littérature; peut représenter saints ou des mécènes,
ou de l'utilisation des motifs symboliques, en particulier armoiries. Windows dans un
bâtiment peut être thématique, par exemple: dans une église - des épisodes de la vie du
Christ; dans un bâtiment du parlement - boucliers des circonscriptions; dans une salle de
collège - les chiffres représentant les arts et les sciences, ou dans une maison - la flore , la
faune, ou paysage.

Revival en France
En France il y avait une plus grande continuité de la production de vitraux qu'en
Angleterre. Dans le début du 19e siècle en verre teinté plupart a été faite de larges vitres
qui ont été longuement peints et cuits, les dessins étant souvent copiés directement à partir
de peintures à l'huile par des artistes célèbres. En 1824, la manufacture de Sèvres
Porcelain a commencé à produire des vitraux de fournir à la demande croissante. En
France, de nombreuses églises et cathédrales subi spoliation pendant la Révolution
française.Pendant le 19ème siècle un grand nombre d'églises ont été restaurées par
Viollet-le-Duc.Beaucoup des plus beaux de France vitraux anciens ont été restaurés à
cette époque. À partir de 1839 beaucoup vitrail a été réalisé de très près imite verre
médiévale, tant dans l'œuvre d'art et de la nature du verre lui-même. Les pionniers étaient
Henri et André Gerente Lusson. Autre verre a été conçu d'une manière plus classique, et
se caractérise par la couleur bleu azur brillant du fond bleu (contre le bleu-violet du verre
de Chartres) et l'utilisation de verre rose et mauve.

Toujours la vie

Jan Brueghel l'Ancien Bouquet (1568-1625), (1599), Kunsthistorisches

Museum, Vienne.Certains des premiers exemples de la nature morte des peintures de fleurs par
Northern Renaissance, hollandais et flamands.
Une nature morte (pluriel de natures mortes, est une œuvre d'art représentant la plupart du
temps la matière inanimée objet, les objets typiquement courante qui peut être soit
naturelle (nourriture, fleurs, plantes, roches, de coquillages) ou artificiels (verres, livres,
vases, bijoux, pièces de monnaie, des tuyaux, et ainsi de suite) dans un cadre
artificiel. Avec des origines au Moyen Age et le grec ancien / art romain, natures mortes
donner l'artiste une plus grande latitude dans l'arrangement des éléments de conception
dans une composition à faire des peintures d'autres types de sujets tels que le paysage ou
portrait.natures mortes, en particulier avant 1700, contiennent souvent un symbolisme
religieux et allégoriques relatives aux objets représentés.Certains modernes Still Life brise
la barrière à deux dimensions et emploie trois dimensions techniques mixtes, et utilise des
objets trouvés, la photographie, l'infographie, ainsi que la vidéo et du son.

Gravure

Mont Fuji, à partir de la trente-six vues du mont Fuji, colorwoodcut par Katsushika Hokusai

La gravure est un processus de makingartworks par impression, normalement sur le

papier.Gravure couvre normalement que le processus de création d'estampes avec un
élément d'originalité, plutôt que d'être une reproduction photographique d'une
peinture. Sauf dans le ofmonotyping cas, le processus est capable de produire des
multiples de la même pièce, qui est appelé une «impression». Chaque pièce produite est
pas une copie, mais considérée comme un original, car il n'est pas une reproduction d'une
autre œuvre d'art et il est techniquement (plus correctement) connue comme une
«impression». Gravure (autres que monotype) n'est pas choisi uniquement pour sa
capacité à produire des copies multiples, mais plutôt pour les qualités uniques que chacun
des processus de gravure se prête à.Les impressions sont créées à partir d'une seule
surface d'origine, connu techniquement comme une matrice. Les types de matrices
comprennent: des plaques de métal, généralement en cuivre ou de zinc pour la gravure,
pierre, utilisée forlithography; des blocs de bois pour les gravures sur bois, linoléum pour
linogravures et des plaques de tissu pour la sérigraphie. Mais il ya beaucoup d'autres types
de substrats de la matrice et les processus connexes ci-dessous.Ouvrages imprimés à
partir d'une seule plaque de créer une édition, dans les temps modernes en général,
chaque signée et numérotée de former une édition limitée. Les photos peuvent également
être publiées sous forme de livre, comme des livres d'artistes. Une impression unique
pourrait être le produit d'un ou de plusieurs techniques .

Art impressionniste en France

Suite aux travaux d'avant-garde de Courbet et d'autres, c'était pour les impressionnistes à
faire avancer la prochaine étape dans le développement de l'art et la peinture en France.
Il n'est pas facile de comprendre maintenant, mais à l'époque des impressionnistes a reçu
une énorme quantité de critiques de l'art établi en raison de leur approche de la peinture -
larges coups de pinceau, des taches de couleurs, de détails souvent pas clairement peint -
il a été considéré comme enfantin et amateur.Beaucoup dans le monde de l'art à cette
époque a vu l'impressionnisme comme une simple, une approche désinvolte de la peinture
pour être bafoué, rejeté, et les impressionnistes ont souvent été contraints de tenir leurs
propres expositions, étant empêché l'accès aux expositions officielles de l'époque.
Les impressionnistes de «rébellion» contre le monde de l'art établi était peut-être jamais
une fatalité. L'actuel 'Académie des Arts »du monde a été limitée dans ce qu'elle pouvait
offrir, et a été, en substance, que la peinture une petite partie du monde et que d'une façon
très artificielle.
Il doit toujours avoir été qu'une question de temps avant que les artistes ont réalisé qu'ils
n'étaient pas de saisir le monde autour d'eux dans n'importe quelle forme ou de forme
significative.Les impressionnistes passé beaucoup de temps de discuter de la fonction de
leur peinture et l'art, et ce qu'elle devrait être.Les peintres a rejeté l'opinion publique, ou
plus précisément l'avis du monde de l'art et de critiques d'art à cette époque. Ils ont
également rejeté les contraintes d'un atelier de peinture - préférant la peinture à l'endroit où
ils ont été d'essayer de recréer. Ils ont cru que toute la scène était approprié pour la
peinture, même un «triste» l'objet comme un lever de soleil ou un bateau dansant sur l'eau,
et ne voulaient pas qu'on leur dise ce qu'ils doivent peindre.
Nous reconnaissons maintenant que cette approche représente plus de précision la façon
dont nous vraiment voir le monde - quand on regarde un nénuphar nous n'avons pas de
voir immédiatement tous les détails de chaque pétale, nous avons plutôt l'impression
générale des fleurs, la lumière frappant la l'eau, l'ombre d'un arbre voisin. Nous voyons
aussi une jolie scène, l'enregistrement vaut la peine sur la toile, malgré l'absence d'un
grand monument ou personnage.
La plupart des impressionnistes importantes ont été soit en français, ou nés à l'étranger
mais résidant en France. Voir les articles sur quelques-uns des peintres les plus influents
impressionniste:

•Manet
•Monet
•Renoir
•Degas
Qui aurait pu deviner à la fois l'importance de ce développement était vraiment, ou la
rapidité avec laquelle le monde serait oublier une grande partie de la peinture classique qui
était venu avant.
Célèbres peintres français
Le peintre français Édouard Manet était un personnage central dans la période de
transition entre le réalisme et l'impressionnisme. Il est surtout connu pour prendre sa
formation en techniques réalistes des anciens maîtres et à appliquer sa propre expérience
personnelle de la modernisation qui se passait dans la ville de Paris. Bien que considéré
comme un chef de file de l'impressionnisme, il n'a jamais pleinement embrassé le
mouvement, et jamais exposé avec d'autres impressionnistes de l'époque.
Manet est né à Paris dans une famille aisée et connectés - si l'origine poussé vers une
carrière en droit par son père qui était un éminent juge, il a réussi à convaincre ses parents
(sa mère était la filleule de le prince héritier de Suède) à poursuivreune carrière de
peintre. Il s'est formé à l'atelier de Thomas Couture, et fait ses débuts avec la peinture, Le
buveur d'absinthe (1862), qui a été représentant de son affinité pour la peinture des modes
de vie modernes, et souvent celle de la 'dark-side »de la vie.
Ses techniques sont souvent considérés comme des «entre-deux, ni totalement
impressionniste, ni réaliste. Bien qu'il n'ait pas idéaliser ses sujets comme les anciens
maîtres a fait, il n'a pas renoncé à certaines techniques, telles que l'utilisation de la couleur
noire, qui a été rejeté par des couleurs impressionnistes beaucoup plus léger. Il s'est
engagé à peindre "sincèrement", en restant fidèle à lui-même plutôt que tout autre groupe
créé.Manet a mené une vie assez confortable, étant né dans la bourgeoisie. Il mourut à
Paris en 1883 de la syphilis, laissant une femme et son fils.
Certaines de ses œuvres célèbres:

La Musique aux Tuileries (1862) - une œuvre de jeunesse montrant le développement de techniques
de Manet et son penchant pour les scènes de loisirs peinture. Rechercher pour son auto-portrait
caché là-dedans.
Bar aux Folies-Bergère (1882) - Un an avant sa mort, Manet peint ce chef-d'œuvre, retour à la fixation
des cafés

Pierre-Auguste Renoir, peintre et artiste français

Produire des milliers de peintures, de son vivant (1841-1919), Renoir a été très préoccupé
par la forme féminine. Ses tableaux étaient souvent vibrante et colorée, et ils ont souvent
véhiculé l'intimité dans les moindres détails.Dans ses premières années, Renoir a été très
influencé par le réalisme de Courbet et Manet, alors il a utilisé beaucoup de noir dans son
travail.Lui, comme la plupart, aussi admiré observations Degas étroite et la représentation
du mouvement (en particulier chez les danseurs).Peut-être l'exemple le plus marquant de
son travail pendant cette période est de Diana, qu'il termine en 1867. Fortement influencé
par Courbet, la peinture est très naturaliste et clairement fait dans un studio.

Mais même si c'est juste le début de la carrière de Renoir la pièce ne passion grandissante
vitrine Renoir pour la forme féminine.Avec Monet (son ami) de Renoir dans la fin des
années 1860 a découvert la couleur dans les ombres des objets. Ils ont fait cette
découverte quand la lumière de peinture et de l'eau à l'air libre (en plein air). En fait, l'une
des œuvres les plus célèbres de Renoir est son 1876 Le Bal au Moulin de la Galette.  Ceci,
comme beaucoup d'autres, est un paysage en plein air rempli de gens dans un jardin de
danse. Ces extérieur, coloré et expérimentale avec des images type de lumière, étaient
très typiques de son passage à l'en âge de travailler.
Lorsque milieu des années 1880 à la fin venu, Renoir avait commencé à se libérer de la
libre circulation et exploratoire à laquelle il avait lui-même consacré. Au lieu de cela, il a
commencé à appliquer une plus grande discipline dans son travail. Il a appliqué un peu de
sévérité plus trop, et son travail est devenu encore plus axé sur les femmes. Un travail
typique qui montre que ce n'est les baigneurs, ce qui bien sûr a vu le jour entre 1884-1887.
De là, Renoir a commencé à aller de plus en plus sévères. Il a même reculé de retour dans
le dessin et décrivant les chiffres dans une tentative qui semblait s'efforcer de retour au
classicisme.La décennie qui a suivi, les années 1890, il a changé à nouveau.  Il a
commencé à utiliser plus de couleur et la dissolution de son contour. Il n'a pas de risque à
l'extérieur où il a commencé bien, mais a commencé à virer vers l'intérieur des sujets
féminins - Jeunes filles au piano (1892) serait un exemple de ses motifs internes de cette
époque.