Avril 2019

ÉVÉNEMENT
À PARIS
Le trésor de
Toutankhamon

ANALYSE
Un portrait
inédit des
galeries
en France
Spécial
Europe MUSÉE D’ORSAY
La représentation
De Bucarest à Lisbonne… des Noirs dans l’art

Les 10 artistes
stars de demain Florence Obrecht
Émilie, 2018
 ARTS VISUELS
CONCERTS
PERFORMANCES
DANSE EXPOSITION
DESIGN
RENCONTRES
DU 4 AVRIL
ATELIERS AU 16 JUIN
2019

fondation.cartier.com
design graphique : deValence

261
BOULEVARD
RASPAIL
75014 PARIS
 L’ÉDITO
de Fabrice Bousteau
L’Europe, un gisement
culturel inexploité
L’
Union européenne est perçue avant tout
comme une entité politique et économique,
rarement comme une société dotée d’un
héritage partagé depuis des millénaires, incarnation
d’un vivre-ensemble. Face au Brexit, à la montée
des nationalismes, il devient pourtant essentiel
de renforcer les échanges culturels au sein de l’UE,
en favorisant la liberté d’expression, la diversité, la
compréhension entre les peuples et le développement
de valeurs communes. Le premier «Plan d’action
culturelle» de l’UE date de 1977, mais ce n’est qu’en
1992, avec le traité de Maastricht, que la communauté
se voit conférer des compétences dans le domaine
de la culture. Si quelques bonnes initiatives ont été
lancées, comme le label des Capitales européennes
de la culture (1985), le réseau de salles indépendantes
Europa Cinemas (1992), qui permet au cinéma
indépendant d’être diffusé dans toute l’Europe,
ou la prise en compte de «l’exception culturelle»
dans les années 1990 – afin de ne pas soumettre
les biens culturels aux mêmes lois économiques
que les biens de consommation –, la politique
culturelle européenne demeure quasi inexistante.
À peine 0,16 % du budget de l’UE y est consacré,
soit 250 millions par an, l’équivalent de moins
d’un quart du chiffre de la production annuelle
de la plateforme Netflix. Alors que nombre
d’événements ont déjà été consacrés aux scènes
artistiques de l’Amérique latine, de la Chine
ou de l’Inde, j’avais remarqué avec étonnement,
en 2008, lors de l’exposition «L’art en Europe»
au domaine Pommery, à Reims, dont j’étais
le commissaire, que celle-ci était la première
du genre. Il aura fallu attendre dix ans pour
qu’une autre exposition dédiée à la jeune création
européenne ait lieu, à l’initiative de la fondation
Cartier. Car, en dépit d’une politique culturelle
déficiente, la création bouillonne aux quatre coins
de l’Europe, grâce à une forte mobilité, au
développement des équipements culturels
dans certains pays comme la Lituanie ou la Lettonie
(qui consacre chacun plus de 4 % de leur budget
à la culture), aux bouleversements induits
par le numérique, etc. Pour qui n’a pas la chance
de circuler fréquemment au sein de l’UE, rares
sont les occasions de découvrir et même de
ressentir cette créativité. Les élections européennes
sont une opportunité de mettre en avant la nécessité
d’un plan ambitieux en faveur de la culture,
passée et à venir. «L’Europe est une idée qui doit
devenir un sentiment», écrivait le chanteur Bono,
du groupe U2. Quoi de mieux que la culture
pour y parvenir ?
Beaux Arts I 3
 Le parti de
l’impressionnisme
Édouard Manet
Pierre-Auguste Renoir
Claude Monet
Edgar Degas
Camille Pissarro
Paul Cézanne
Georges Seurat
Paul Gauguin
Vincent van Gogh
Henri de Toulouse-Lautrec
Amedeo Modigliani…
et William Turner

du 20 février
au 17 juin 2019

Exposition organisée par The Courtauld Gallery, Londres

et la Fondation Louis Vuitton
Réserver sur fondationlouisvuitton.fr et fnac.com #FondationLouisVuitton #CourtauldFLV
Fondation Louis Vuitton — 8 avenue du Mahatma Gandhi, Bois de Boulogne, Paris
Edouard Manet, Un bar aux Folies-Bergère, 1882 — The Courtauld Gallery (The Samuel Courtauld Trust), London
SOMMAIRE N°418 AVRIL

EN COUVERTURE

Florence Obrecht
Émilie
Le visage peinturluré, peut-être en
hommage à Matisse dont on reconnaît
les motifs à l’arrière-plan, Émilie
regarde quelque chose que le spectateur
ignore. Florence Obrecht, l’auteure
de ce portrait, est une Française
vivant à Berlin, et qui expose
régulièrement à Paris, Zurich, Lisbonne
ou Sofia, preuve vivante que l’Europe
est un vivier d’artistes ne se limitant
pas aux frontières nationales.
Les plus prometteurs d’entre eux
sont à découvrir à la fondation Cartier
et dans notre dossier spécial qui
met à l’honneur la jeune génération
tandis que se profilent les élections
européennes 2019.
2018, huile sur bois, 30 x 24 cm.

JOURNAL GRAND FORMAT GUIDE DES EXPOSITIONS

6 Vu Arrêt sur images 44 En couverture 105 Musées
12 L’essentiel de l’actualité en France DE LISBONNE À TBILISSI… 106 Quoi de neuf en avril ?
108 La Maison de l’Amérique latine
La culture s’invite au cœur
du Grand Débat
Existe-t-il un art européen ? au cœur de toutes les géopoétiques
14 Laurent Grasso entre à l’Institut Les 10 stars de demain 110
116
Les expositions en France
Entretien avec Erika Verzutti
16 Sur la planète
118 Expositions à l’étranger
L’actualité dans le monde
18 Le nouvel élan muséal de l’Inde 124 Galeries
58 Événement à la Grande Halle Nos 4 coups de cœur
20 Architecture de la Villette
La colline a des yeux Les 5 mystères de Toutankhamon
22 Les plus belles Babel MARCHÉ
66 Reportage au Qatar & POLITIQUE CULTURELLE
24 Design À Doha, l’éclosion d’une rose
La pensée Risomatique 133 À la une
des sables
26 Hommage à Alessandro Mendini Ceci n’est pas un Pissarro
70 Exposition au Grand Palais 134 Elle fait l’actu
28 Mode Soviets suprêmes
La mode s’habille avec l’art Romane Sarfati, une audacieuse
76 Entretien avec Georges-Philippe dans un magasin de porcelaine
30 Cinéma Vallois & Stéphane Corréard 136 La tribune de Pierre-Jean Galdin
Son altesse Cecil Beaton «Une galerie est un commerce 138 Cote de l’art
32 Livres de proximité où l’on vit Cherchez les femmes…
Les voyages extraordinaires une expérience unique !» 140 Conseils d’achat
de Xavier Barral 82 Exposition au musée d’Orsay Des pionnières à redécouvrir
34 Philo Modèles noirs et peintres 142 Bientôt sous le marteau
Pop music, pop art ! de la vie moderne 3 ventes à ne pas manquer
36 Médias 144 Foires & Salons
90 Visite d’atelier
Artistes à l’œuvre Art Paris sur un tempo latino
Luc Tuymans ou la décomposition
148 Le PAD grimpe sur le Rocher
38 La chronique de Nicolas Bourriaud de la peinture
150 Week-end marathon à Paris !
Méfiez-vous des faux experts… 96 L’histoire du mois 152 Art Brussels ouvre l’œil
42 La recette d’art d’Alain Passard Le marché de l’art sous
Une nature morte qui nous botte l’Occupation : les dessous d’un 156 Calendrier des expositions
pillage à grande échelle 162 La visite en BD de François Olislaeger

☞ RETROUVEZ NOS OFFRES D’ABONNEMENT EN PAGE 161 DE CE NUMÉRO

 VU
par Da phn é Bét ard

Karl Lagerfeld au-delà des clichés

En 2007, pour la couverture que nous avions choisie de consacrer à l’artiste Sophie Calle,
ce portrait énigmatique signé Karl Lagerfeld s’était imposé d’emblée. D’abord parce que
la composition plastique, avec le jeu des formes colorées qui se détachent les unes des autres,
est d’une efficacité visuelle implacable. Ensuite parce que, en cachant derrière un miroir le visage
de l’artiste (seule à voir son propre reflet) et en faisant apparaître un œil sur sa bague surréaliste,
Karl Lagerfeld
l’image déroute et saisit en un clic la personnalité d’une plasticienne habituée à faire de sa vie
Sophie Calle,
intime une œuvre, ne cessant de se dévoiler sans jamais vraiment se livrer. Styliste de génie ayant
couverture
de Beaux Arts su renouveler la maison Chanel tout en restant fidèle à l’esprit d’origine, Karl fut l’auteur d’une
Magazine, œuvre photographique singulière, nourrie d’une culture encyclopédique, comprenant aussi bien
juin 2007 des images de mode que des portraits noir et blanc, des vues d’architecture ou des nus épurés.

6 I Beaux Arts
 DONALD JUDD
CURATED BY FLAVIN JUDD

PARIS MARAIS
AVRIL – MAI 2019

DONALD JUDD, UNTITLED, 1991

CLEAR AND TURQUOISE ANODIZED ALUMINIUM WITH TRANSPARENT BLUE OVER RED ACRYLIC SHEETS
25 x 100 x 25 CM © JUDD FOUNDATION / ADAGP, PARIS, 2019

Erik Thor Sandberg
Offering, 2017
Toile présentée par la galerie
Connersmith (Washington)
à l’Armory Show (section Focus),
à New York, du 7 au 10 mars.
https://erikthorsandberg.com
8 I Beaux Arts
VU
pa r Marie Da rrieu ssecq
L’écorce des jours
Qu’y a-t-il dans la tête d’une mère ? Une autre femme. Un paysage. Un renard. Un rêve. Le peintre
américain Erik Thor Sandberg joue avec notre mémoire des maîtres anciens. Nous reconnaissons ici
toutes les Annonciations, présentations, allaitements, bref toutes les Vierges à l’Enfant que notre
inconscient a enregistrées. Et cette impossible notion de «Vierge à l’Enfant» est aussi ce qu’interroge
avec humour le peintre. L’enfant roi, qui a traversé l’hymen de sa pucelle de mère, mange avec
dédain une sorte de bulle (papale ?) alors qu’elle lui présente, soumise, un gâteau rose en forme de
tour de Babel. Notre mémoire des formes ne sait plus où donner de la tête, comme cette belle femme
stoïque, nue et démultipliée. L’identité de notre culture, quelle est-elle ? Que signifie en 2019
ce que nous nommions autrefois «l’Occident» ? Que veut une femme ? Que deviendront nos enfants ?
Autant de questions que le peintre, mine de rien, épluche ici, écorce par écorce…
* Faites le à votre image !

Make it yours !*
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suivent vos envies et structurent subtilement l’espace.
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Paa Joe
Air Jordan Sneaker,
2016
Œuvre présentée en février
dernier à la galerie parisienne
Ruttkowski 68 (exposition
«Paa Joe – A Way to Go»).
www.ruttkowski68.com
www.instagram.com/
paajoecoffins
10 I Beaux Arts
VU
par Nata cha Nataf
Pompe funèbre
La mort en Occident manque cruellement de style. Au Ghana, Paa Joe, grand sculpteur de cercueils
devant l’Éternel, vous représentera dans l’au-delà en reflétant au mieux votre personnalité
ou votre profession, voire votre dicton préféré. Célébré dès 1989 au Centre Pompidou dans
l’exposition fondatrice «Les Magiciens de la Terre», il est depuis convoité par les meilleurs musées
et serait même collectionné par Jimmy Carter, selon le Guardian. Ces cercueils personnalisés, dits
aussi de fantaisie, fantastiques ou proverbiaux, sont une tradition ancienne, liée aux croyances
des Ga. Mais les maîtres artisans d’Accra ont su s’adapter aux modes. Il y a eu les cercueils piment,
lion, Rolleiflex, Coca-Cola, Chevrolet, Rothmans, Walkman, il y a aujourd’hui les cercueils Nokia
ou Nike… Aussi pop qu’un Claes Oldenburg et toujours plus extravagant, Paa Joe saura forcément
trouver chaussure à votre pied : il suffit de passer commande. Just do it!
KENNETH
NOLAND
18.4 – 25.5
paris
Brian Calvin 9.3 - 6.4
Kenneth Noland 18.4 - 25.5

brussels
Nathaniel Mary Quinn 14.3 - 13.4
Brent Wadden 24.4 - 25.5

london
Chloe Wise 10.4 - 18.5
Jannis Kounellis 28.5 - 27.7
Claudio Abate 28.5 - 27.7

new york
Joe Andoe 5.3 - 13.4
De Wain Valentine 30.4 - 8.6

Paris Kenneth Noland, Version, 1982, acrylic on canvas, 165,1 x 41,9 cm, 65 x 16 1/2 in
© Adagp, Paris, 2019
L’ESSENTIEL FRANCE
La culture s’invite au cœur du Grand Débat
n Sans véritable surprise, la culture n’était pas
au programme du Grand Débat national lancé
par le gouvernement en réponse à la crise des Gilets
jaunes. Qu’à cela ne tienne ! Beaux Arts Magazine
et la Fondation du patrimoine en ont pris l’initiative
en créant une plateforme dédiée, clôturée le 18 mars,
et destinée à recueillir doléances et propositions
concrètes sur trois grands thèmes (la culture pour tous,
l’éducation artistique et culturelle, le patrimoine),
Beaux Arts Magazine attirant au total plus de 6 000 participants et quelque
et la Fondation 17 000 votes. Et comme l’idée était de débattre, une
du patrimoine ont vingtaine de rencontres publiques ont été organisées,
lancé une plateforme
à Paris (à l’École nationale supérieure des beaux-arts
dédiée et organisé
une série de débats. et au Centquatre) et dans toute la France (Roubaix,
Ici, le 5 mars, Saint-Yon dans l’Essonne…). Ces moments d’échanges,
aux Beaux-Arts ouverts à d’autres thématiques plus sectorielles
de Paris, en présence
de Franck Riester (notamment sur le statut et la rémunération
[au centre], ministre des artistes), ont attiré un public curieux et avisé,
de la Culture. pas uniquement constitué de professionnels du
secteur, mais où les jeunes ont souvent brillé par
leur absence. De cette catharsis culturelle ont émergé
Disparition de Pierre Encrevé
Il a grandement contribué au rayonnement
de l’œuvre de Pierre Soulages, dont il a
établi le catalogue raisonné. Le linguiste
et historien de l’art Pierre Encrevé
est décédé le 13 février à l’âge de
79 ans. Il travaillait à la rétrospective
du peintre au Louvre pour la fin
de l’année. Conseiller culturel de Michel
Rocard de 1988 à 1991 à Matignon,
puis de Catherine Trautmann au ministère
de la Culture de 1994 à 1999, il a milité pour
l’enseignement de l’histoire de l’art. Il a été ainsi l’un des
principaux artisans de la création de l’Institut national
de l’histoire de l’art (Inha). Il avait également participé
à la réalisation du musée Soulages, à Rodez.
12 I Beaux Arts
Par Françoise-Aline Blain
des remarques et propositions tous azimuts,
qui feront l’objet d’une synthèse remise le 15 avril
au président de la République et à son ministre
de la Culture, Franck Riester. Ce dernier, présent
lors du débat de l’École des beaux-arts, s’est engagé
à y répondre de manière concrète. Dont acte !
Car, au-delà des mesures qui pourraient être mises
en œuvre plus ou moins rapidement (affecter
le produit de la taxe de séjour, en particulier à Paris,
à la restauration du patrimoine ; valoriser le statut
de médiateur culturel ; allouer plus d’un milliard
d’euros pour les arts à l’école ; limiter la construction
des éoliennes pour préserver les paysages…),
ces grandes assises ont avant tout révélé l’existence
d’une méconnaissance et / ou d’une énorme
frustration par rapport aux politiques culturelles
existantes. Celles-ci manqueraient-elles cruellement
d’efficience ? C’est désormais une évidence. Au pays
de l’exception culturelle, il est désormais urgent de
rétablir ce contrat de confiance avec les citoyens. S. F.
https://granddebatculture.fr
Les métiers d’art à l’honneur
Enlumineur, fileur de verre, campaniste,
modiste, guillocheur ou encore miroitier-
argenteur… Du 1er au 7 avril, les 281 métiers
d’art sont à l’honneur, à l’occasion
des Journées européennes consacrées
à ces professions. Au programme :
plus de 8 500 événements répartis
dans toute la France et dans une quinzaine
de pays européens, et prolongés par
une exposition à la galerie des Gobelins
du Mobilier national, du 29 mars au 21 avril.
www.journeesdesmetiersdart.fr
Dans l’atelier du maître verrier
Luc-Benoît Brouard, à Ronchin (Nord).
Sophie
Whettnall
Etel
Adnan
La banquise,
la forêt et les étoiles

Expo 04.04
04.08.2019
CENTRALE
for contemporary art
www.centrale.brussels
L’ESSENTIEL FRANCE

Le plasticien propose un parcours de sculptures lumineuses, de l’entrée de l’Institut de France à la cour du nouvel auditorium.

Laurent n Un casque, une chouette et un bouclier

– attributs de Minerve, déesse qui symbolise
Grasso entre l’Institut de France –, mais aussi une étoile,
un nuage, le soleil, les première et dernière
à l’Institut lettres de l’alphabet grec (alpha et oméga)…
Dans le cadre du 1 % artistique, Laurent Grasso
a collaboré au projet de nouvel auditorium
de l’Institut de France, conçu par l’architecte
Marc Barani, à travers un ensemble de
dix sculptures en onyx rétroéclairées. «L’idée
était de se saisir des fantômes de ce lieu,
où les couches d’histoire se superposent
et se mélangent», souligne le plasticien.
Ces œuvres sont visibles à l’entrée de l’Institut,
au 3, rue Mazarine (Paris), ainsi que dans
les deuxième et troisième cours du bâtiment.

Sauvons la Butte-Rouge !
À Châtenay-Malabry (Hauts-de-Seine), la cité-jardin de la Butte-Rouge,
construite entre 1931 et 1965, constitue un ensemble patrimonial unique.
Imaginé par les architectes Paul Sirvin, Joseph Bassompierre, Paul de Rutté,
André Arfvidson et le paysagiste André Riousse, cet ensemble de près
de 4 000 logements, situé dans un écrin de verdure de 70 hectares, est
aujourd’hui menacé. Un important projet de rénovation est en effet
programmé, prévoyant notamment la démolition de certains immeubles.
Une pétition a été lancée pour tenter de sauver ce témoin de l’habitat
populaire. Inscrit à l’inventaire général du patrimoine culturel du XXe siècle,
il a fait l’objet d’une demande de classement au titre des «sites patrimoniaux
remarquables», fin 2017, mais ne bénéficie à ce jour d’aucune protection.
Pétition en ligne sur www.change.org

La cité-jardin
de la Butte- Six fontaines ornent le rond-point de la célèbre avenue parisienne.
Rouge, modèle
d’urbanisme
social à Châtenay- Les Bouroullec rafraîchissent
Malabry, risque les Champs-Élysées
d’être en partie La présence de bassins à cet endroit remonte
détruite.
à 1817, mais ils ne fonctionnaient plus.
Six nouvelles fontaines en bronze et en verre
de 13 mètres de haut, œuvres des designers
français Erwan & Ronan Bouroullec, ont été
inaugurées le 21 mars sur le rond-point des
Champs-Élysées, à Paris. Trente-cinq entreprises
ont travaillé depuis trois ans à ce projet. Il a été
financé par le mécénat privé via le Fonds pour
LE CHIFFRE DU MOIS

1
Au classement mondial QS World University Rankings,
l’ENSCI-Les Ateliers (École nationale supérieure de création
industrielle) arrive au premier rang des écoles d’art françaises,
catégorie «art et design». Ainsi, sur les 800 meilleures écoles et
universités du monde, l’établissement parisien est à la 24e place.
Paris, créé en 2015 et dont c’est la première
réalisation. La moitié du budget de 6,3 millions
d’euros a servi à recréer un système hydraulique
souterrain. Les fontaines ne seront en eau
qu’entre avril et octobre, mais effectueront toute
l’année une rotation, surmontées de branches
lumineuses qui s’éclaireront la nuit.

14 I Beaux Arts
SUR LA PLANÈTE Par Françoise-Aline Blain

DUBAI
Le nouvel eldorado ?
Dans la dynamique de l’Expo
universelle 2020, Dubai
accueille un nouveau lieu
d’expositions. L’Ishara Art
Foundation, une organisation
à but non lucratif fondée
par la femme d’affaires,
collectionneuse et mécène
Smita Prabhakar, a ainsi
ouvert ses portes le 18 mars
dans le quartier des arts
Al Quoz, à l’ouest de la ville.
Il s’agit du premier espace
permanent des Émirats
arabes unis consacré aux
artistes contemporains de
l’Asie du Sud. À sa tête, Nada
Raza, ancienne commissaire
du Tate Research Centre: Asia.
www.ishara.org
AZERBAÏDJAN
«Le pire génocide culturel du XXIe siècle»
89 églises médiévales, 5 840 khatchkars (pierres à croix
de l’Arménie médiévale) et 22 000 pierres tombales. Selon
un rapport publié par la revue Hyperallergic, le patrimoine
culturel arménien serait la cible de la République d’Azerbaïdjan,
qui aurait entrepris d’en éliminer toute trace dans les régions
du Nakhitchevan et du Haut-Karabagh. Le gouvernement
aurait notamment détruit des dizaines de milliers de gravures
anciennes sur pierre protégées par l’Unesco. Les auteurs
de cette étude soulignent que les destructions dépasseraient
celles réalisées par Daech à Palmyre, en Syrie.
https://hyperallergic.com/482353/a-regime-conceals-its-erasure-
of-indigenous-armenian-culture
Nada Raza et Smita Prabhakar,
respectivement directrice artistique
et fondatrice de l’Ishara Art Foundation.

ÉTATS-UNIS
La chapelle Rothko
bientôt réhabilitée
En 1964, le couple de collectionneurs
John & Dominique de Menil propose
à Mark Rothko de concevoir à Houston
(Texas) une chambre de méditation autour
de 14 peintures qu’il réalise spécialement
pour l’occasion. Inaugurée en 1971,
la chapelle Rothko vient de fermer ses
portes pour travaux. L’éclairage et
l’entrée du bâtiment seront reconfigurés.
C’est la première phase d’un projet
de restauration de 30 millions de dollars
(26,6 M€), qui prévoit notamment
la construction d’une annexe dédiée
à la méditation, ainsi que la création
d’un jardin. L’objectif est d’achever
l’ensemble des travaux pour le jubilé
de l’installation, en 2021.
www.rothkochapel.org
ITALIE
La banque UniCredit
disperse sa collection
L’ensemble compte de nombreux
maîtres anciens comme Canaletto
ou Tintoretto, mais aussi de grands
noms de l’art moderne tels que
Fernand Léger, Giacomo Balla ou
Kurt Schwitters, ou encore des stars
de l’art contemporain (Gerhard
Richter, Georg Baselitz…). Pour
développer et financer ses actions
sociales, la grande banque
italienne UniCredit s’apprête à céder
sa collection d’entreprise riche
de 60 000 œuvres, de l’Antiquité
à nos jours. Un ensemble estimé
à 50 millions d’euros. Une partie
sera donnée à des musées locaux.
ESPAGNE
Le musée Chillida renaît
après huit ans de fermeture
Une quarantaine d’œuvres grand format nichées
dans un écrin de verdure de 11 hectares… Fermé
en 2011, en raison de la crise économique, le musée
du sculpteur basque Eduardo Chillida (1924-2002),
situé à Hernani, près de San Sebastián, rouvre ses
portes le 17 avril, rénové par l’architecte Luis Laplace
avec le soutien de la galerie zurichoise Hauser & Wirth
(qui représente la succession de l’artiste). À la tête
de l’institution, Mireia Massagué, ancienne responsable
du Gaudí Exhibition Center de Barcelone, envisage
d’y accueillir des expositions d’art contemporain.
www.museochillidaleku.com
CHINE
Le Centre Pompidou s’implante
à Shanghai dès l’automne
Le Centre Pompidou a l’humeur vagabonde.
Après Metz, Málaga et Bruxelles, Shanghai
accueillera à l’automne une antenne
du musée parisien, conçue par l’architecte
britannique David Chipperfield, dans le cadre
du West Bund Masterplan. Un partenariat
de cinq ans renouvelable qui prévoit
notamment la coordination d’une vingtaine
d’événements et d’expositions à partir
de ses collections parisiennes, le tout contre
une redevance de 1 à 1,5 M€. Dans la foulée,
on apprend que la République tchèque
Eduardo Chillida envisagerait d’abriter à Prague une antenne
Arco de la libertad, 1993 de la célèbre institution, dans le cadre
d’un futur partenariat muséal.

16 I Beaux Arts
L’ESSENTIEL MONDE Par Fabrice Bousteau

Le nouvel élan
muséal de l’Inde
À l’initiative du ministère de la Culture
et de la galerie DAG, un nouveau musée
vient d’être inauguré dans l’un des sites
patrimoniaux les plus prestigieux du pays.
Une collaboration public/privé qui en
annonce d’autres ?

«P
ourquoi ne pas ouvrir dix musées
par an ?» Ashish Anand regarde
son portable, répond à quatre ou
cinq messages, se lève, sourit face au regard médusé
de son équipe avant de préciser «bon, allons-y
pour cinq seulement !» et de filer à un rendez-vous.
Fondateur de DAG en 1993, la plus importante galerie
spécialisée en art moderne indien implantée à Delhi,
à Bombay, mais aussi à New York (dans le mythique
Fuller Building de Manhattan), Ashish Anand
est un homme pressé. Il a ouvert le 5 février dernier
son premier musée à Delhi dans le prestigieux site
du Fort rouge (inscrit au patrimoine mondial de
l’Unesco), en collaboration avec l’ASI (Archeological
Survey of India), l’institution publique qui gère
3 691 monuments dans tout le pays. Contrairement
à la Chine, frappée depuis dix ans par une frénésie
de construction de centres culturels, l’Inde souffre
d’une grande indigence muséale et a très peu
développé son tourisme culturel. Quand la Chine
accueille plus de 56 millions de touristes par an,
l’Inde n’en est qu’à quelque 6 millions !
Trois cents ans d’histoire de l’art indien
Usha Sharma, la directrice de l’ASI, a donc décidé
d’ouvrir des musées dans des sites patrimoniaux
de tout le pays, y compris en collaboration avec
des acteurs privés tels que DAG, choisi à la suite
d’un appel d’offres. Baptisé Drishyakala (qui signifie
«arts visuels» en hindi), ce musée est implanté dans
l’une des barracks, anciennes maisons coloniales
britanniques. Abandonné depuis des années,
ce barrack n° 4 a été restauré et magnifiquement
aménagé en seulement cinq mois par le muséographe
français Adrien Gardère (qui a notamment travaillé
au Louvre-Lens ou au musée d’Art islamique
du Caire) pour recevoir des œuvres d’art. Sur
2 500 m2, à partir de sa collection qui compterait plus
de 40 000 œuvres, DAG a conçu quatre expositions
retraçant d’une certaine manière trois cents ans
de l’histoire de l’art de l’Inde, avec de véritables
chefs-d’œuvre comme une rare sculpture d’Amrita
Sher-Gil (1913-1941), figurant deux tigres, ou des
peintures de Raja Ravi Varma (1848-1906) et Jamini
Roy (1887-1972). Les traces de la colonisation sont
aussi présentes avec cet ensemble de 24 gravures
réalisées par deux artistes anglais, Thomas Daniell
et son neveu William, qui arpentèrent le pays Le musée
entre 1786 et 1793 pour peindre ses monuments, villes Drishyakala
a été réalisé
et paysages. De nombreux documents d’archives à partir d’une
(journaux, livres, affiches) témoignent également de barrack, ancienne
la collectionnite aiguë d’Ashish Anand et restituent maison coloniale
le contexte sociopolitique des œuvres. À l’entrée britannique
laissée à l’abandon
du musée, un cartel précise qu’aucune des 450 pièces qu’Adrien Gardère,
exposées n’est à vendre. Pourquoi Ashish Anand muséographe
a-t-il alors dépensé près d’un million d’euros pour français,
a totalement
ouvrir cet espace ? «J’ai deux ambitions : valoriser l’art
restaurée.
moderne indien insuffisamment connu et favoriser
la démocratisation culturelle.»
Près de 5 000 visiteurs par jour
Pari réussi puisque, depuis son ouverture, près
de 5 000 visiteurs par jour s’y bousculent (ce qui
en fera bientôt le musée le plus fréquenté du pays),
la plupart n’ayant auparavant jamais mis les pieds
dans un musée. Tout y est fait pour accompagner
les visiteurs (souvent jeunes) – cartels pédagogiques
en anglais et en hindi, accompagnement de groupes
scolaires, œuvres «tactiles»… Cette exposition,
Ashish Anand veut la faire tourner dans tout le pays
mais il est déjà en train d’imaginer que «comme
Picasso ou Van Gogh, les artistes phares indiens
méritent un musée dédié : Amrita Sher-Gil à Delhi,
Jamini Roy à Calcutta…» À l’instar des façades
illuminées de Drishyakala, il veut porter haut
les lumières de la culture indienne. www.dagworld.com

18 I Beaux Arts
ARCHITECTURE Par Philippe Trétiack

Inspirés par
les géoglyphes
de Nazca au Pérou,
les Yeux du ciel,
à Villeneuve-sous-
Dammartin (77),
ne manqueront
pas de surprendre
les dizaines de
millions de
voyageurs aériens
transitant chaque
année par
l’aéroport de
Roissy-CDG.

La colline a des yeux

Cela ressemble à une blague, mais Antoine Grumbach n’a jamais été aussi sérieux : il veut ériger en
Ile-de-France des tumulus-belvédères avec la terre excavée des chantiers du Grand Paris Express.

L
e film d’horreur de Wes Craven La colline a
des yeux fut, en 1977, un succès qui occasionna
suites et remakes. L’architecte Antoine
Grumbach vient d’en donner sa version à Villeneuve-
sous-Dammartin, dans l’alignement des pistes
de l’aéroport de Roissy-Charles de Gaulle. En 2024
(année des JO), des millions de passagers
découvriront son œuvre de land art, deux yeux de
400 m de long et 170 de large, inspirés des géoglyphes
de Nazca, au Pérou. Œuvre d’art ou mauvaise
plaisanterie ? Antoine Grumbach, qui fut l’un des
théoriciens français de la sédimentation urbaine,
ne manque pas d’arguments. Pour commencer,
il s’est rapproché de la société ECT dont la fonction
consiste à regrouper sur des terrains de la Grande
Couronne les terres excavées des divers chantiers
de démolition et de construction. Terres et gravats
mêlés ont ainsi formé des collines. Les réutiliser
est une idée assez lumineuse quand on sait combien
le secteur du bâtiment est responsable d’une grande
partie de la pollution générale.
Esthétique ou superkitsch ?
Grumbach, qui défendit également l’idée d’un
Grand Paris étiré jusqu’au Havre – vision appuyée sur
le constat qu’il n’est pas de grande capitale sans accès
à la mer –, veut pousser plus loin sa démarche.
Il envisage de créer une noria de belvédères jaillissant
de ces terrils. Se dessinerait alors une ceinture
formée de neuf points mués en lieux d’expositions,
de loisirs, d’événements festifs ou culturels…
Au-delà de la question formelle (ces yeux sont-ils
esthétiques ou superkitsch ?), s’en pose une autre :
d’où nous vient cette obsession de la ceinture ?
On eut à Paris les enceintes médiévales, la ceinture
des fermiers généraux, les boulevards extérieurs,
le périphérique. Demain une chaîne de belvédères ?
Est-ce bien raisonnable ? Peut-être si l’on estime,
comme le font nombre d’architectes, que la banlieue
indifférenciée exige des pôles reconnaissables de
loin, des équivalents contemporains de ce que furent
autrefois les flèches des cathédrales. En finir
avec l’anonymat de l’étalement urbain, rompre avec
la cassure entre un hypercentre valorisé et des
banlieues délaissées serait alors le but suprême de ces
buttes sublimées. Les belvédères, tumulus modernes
D’une surface
et même cénotaphes, trouveraient alors leur
d’environ
fonction : être des signes visibles, non seulement du 10 hectares,
ciel comme nos deux gros yeux, mais encore du sol. chaque œil
Ils constitueraient les éléments d’une carte mentale organise une
esplanade
partagée par tous. Un tournant, une nouvelle ère, comparable, dans
celle des belvédères. Une ceinture synonyme non ses dimensions,
d’abstinence mais de prodigalité. Antoine Grumbach à celle séparant
la pyramide
y croit. Bientôt, 25 % des terres excavées proviendront
du Louvre de
des chantiers du réseau de transport public Grand l’Arc de Triomphe
Paris Express. Les recycler n’est pas de la courte vue. des Tuileries.

20 I Beaux Arts
 RBC PARIS
40, RUE VIOLET
75015 PARIS
T +33(0)1 45 75 10 00
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#MolteniGroup
VVD— VINCENT VAN DUYSEN
ARCHITECTURE

Entre les pins

et les bouleaux
Stovnertårnet • Stovner
(Norvège) • 2017 • Link Arkitektur
C’est au cœur d’un parc urbain aménagé
au nord-est d’Oslo que s’est implanté le projet
Stovnertårnet. L’architecture se présente
comme une passerelle de 260 mètres de long
en bois et métal, qui serpente autour des arbres
et invite à la déambulation et à la contemplation.
De petites aires de repos sont aménagées
pour permettre de s’asseoir, de se détendre
et de profiter de la vue sur la vallée de Grorud
et jusqu’au fjord d’Oslo.

Les plus belles Babel

En plus d’être spectaculaires, elles sont vertueuses : réduisant au maximum leur impact sur
l’environnement, ces tours d’observation en pleine nature offrent une expérience inoubliable.

Le lac Depuis 2001, la société Erlebnis Akademie AG (EAK) conçoit des espaces de découverte de la nature
d’un genre nouveau. Son credo est d’offrir des expériences d’exception pour tous les publics dans
des cimes une approche à la fois ludique, pédagogique et écologique. Après plusieurs réalisations en Allemagne
et en République tchèque, son dernier projet est situé dans les Préalpes orientales, territoire réputé
Baumwipfelpfad
pour la beauté de ses lacs. Au programme pour les visiteurs : une promenade sur un sentier balisé
Salzkammergut
de 1 400 mètres et une ascension sur une tour en bois qui culmine à 39 mètres, avec un panorama
Grünberg (Autriche) à 360° sur le lac et la montagne.
2018 • EAK

22 I Beaux Arts

Vertigineuse spirale
Camp Adventure • Denderup
Vænge, Næstved (Danemark) • 2017 • Effekt
Par Céline Saraiva
Situé à une heure de Copenhague dans une forêt protégée, Camp Adventure
propose une expérience inédite et respectueuse de l’environnement, à mi-chemin
entre le parc naturel et le parc d’attraction. Un parcours jalonné par diverses
activités autour de la faune et la flore et qui se termine par une tour d’observation
hélicoïdale de 50 mètres de haut, composée d’acier et de bois produit localement.
Sa rampe spectaculaire mène les promeneurs jusqu’à une plateforme d’observation
élargie au sommet pour profiter pleinement de la vue sur la canopée.
Beaux Arts I 23
DESIGN L’OBJET CULTE Par Pierre Léonforte

Risom Magazine Table de Jens Risom, 1949

La pensée
Risomatique
Exemplaire des principes
du modernisme danois, cette table
d’appoint porte-revues a été
dessinée aux États-Unis en 1949
par Jens Risom. Aujourd’hui
rééditée, elle rappelle combien
la sobriété peut enivrer…
jusqu’à la Maison-Blanche !

N
é en 1916 à Copenhague, Jens Risom, fils
d’un architecte renommé (Sven Risom),
émigre en 1938 à New York où il s’associe
à l’entrepreneur d’origine allemande Hans Knoll dès
1941 pour créer la compagnie Hans Knoll Furniture.
Auparavant, ce disciple de Kaare Klint (auteur
de l’iconique Safari Chair en 1933) s’était déjà fait
connaître à Stockholm. Expression de la pensée
du bien-être culturel, économique et social couplée
à la recherche d’une identité nationale, fusion du
savoir-faire vernaculaire et de techniques modernes,
le design scandinave sera appréhendé tout au long
du XXe siècle comme un outil d’amélioration
esthétique, ergonomique et égalitaire des objets
peu coûteux, nécessaires à la vie quotidienne.
Risom sera celui qui en introduira les principes
aux États-Unis. Et pour cause : au service du général
Patton pendant la Seconde Guerre mondiale, il y
établit sa propre firme, Jens Risom Design, en 1946
après avoir quitté Knoll, fâché pour la vie.
En double page dans Playboy
Bureaux, hôpitaux, bibliothèques, sphère
domestique… la clientèle de Risom est à spectre large,
et la première campagne publicitaire est conçue par
Richard Avedon. En juillet 1961, Risom figure même
sur une double page de Playboy consacrée aux
révolutionnaires du mobilier en Amérique. Il y a là
George Nelson, Harry Bertoia, Edward Wormley,
Eero Saarinen, Charles Eames, et Jens Risom posant
debout à côté de sa chaise C-140 (1955) sur laquelle
le Président Lyndon B. Johnson posera son auguste Existe en placage de chêne
séant pour signer en 1964 le Civil Rights Act. naturel verni ou chêne verni
noir (47 x 40,5 x 57,5 cm).
Un Johnson qui avait choisi le mobilier confortable En vente chez Fredericia
de Risom pour moderniser la Maison-Blanche. au prix de 496 €.
Actif jusqu’à 92 ans
Belle prestance, élégant, Jens Risom est mort,
centenaire, en 2016. Il vivait dans le Connecticut,
à New Canaan, cette enclave moderniste où
Marcel Breuer et les autres bâtirent des maisons
mémorables. Après la vente de sa société en 1970,
Risom, devenu designer et consultant pour plusieurs
musées, dessinera encore, à 92 ans, les tabourets
pour la rénovation de la Glass House (1949)
de Philip Johnson, à New Canaan. Sur le marché
de la collection, le galeriste Ralph Pucci sera,
dès 2001, l’artificier de sa relance. Depuis un an,
son héritage mobilier et textile – plus de
mille références – fait l’objet d’un vaste programme
de rééditions assurées par plusieurs compagnies,
dont la danoise Fredericia qui a révélé, lors de
la Stockholm Design Week, en février dernier, cette
intrigante tablette porte-revues profilée d’équerre,
proposée en deux teintes. Une architecture à lire.
www.fredericia.com

24 I Beaux Arts
11 AVR
08 MAI
— 2019
exposition
espace commines
12h-19h du mardi au samedi
entrée libre
17 rue commines 75003 paris www.commines.com
 DESIGN

Hommage à
Alessandro Mendini

L
e designer s’est éteint à l’âge de 87 ans dans sa ville natale,
Milan, le 18 février 2019. Figure incontournable du design Anna G.
international pendant plus de cinq décennies, il était Alessi • 1993
également architecte – il inaugura avec son frère Francesco l’Atelier C’est l’un des best-sellers de la marque
Mendini en 1989 –, artiste et théoricien. Dans les années 1970 et italienne Alessi avec laquelle
1980, il fonda la revue Modo et dirigea les magazines spécialisés Alessandro Mendini a commencé à
Casabella et Domus. Lui-même se décrivait comme «un designer travailler en 1977, tour à tour architecte,
qui applique certaines méthodes typiquement artistiques ; et vice architecte d’intérieur – il a conçu
versa». Il laisse une œuvre foisonnante où couleurs et motifs la boutique de la rue Boissy d’Anglas,
à Paris – et designer.
forgent un langage personnel en constante évolution. Beaux Arts
Vendu à plus d’un million
lui rend hommage à travers quelques objets emblématiques.
d’exemplaires à travers
le monde depuis sa
création, ce tire-bouchon
porte le nom d’une amie
de l’auteur.
42 € • www.alessi.com

Bandiera
Tribu • 1988
Ondulant comme un drapeau au vent,
ce bureau tricolore fait partie d’un ensemble imaginé
dans les années 1980 pour l’aménagement de l’Institut culturel
français de Milan. En acier peint et mélaminé, il a été fabriqué
par la maison Tribu. En hommage à Alessandro Mendini, la galerie
parisienne A1043 présentera une partie de cette commande
publique du 18 avril au 1er juin.
Prix sur demande • http://a1043.com

Magis Proust
Magis • 2011
Décoré selon le principe du divisionnisme,
le «fauteuil de Proust» incarne le concept
de Re-Design élaboré par Alessandro
Mendini. Selon le designer, il n’y a plus
de formes nouvelles à inventer et le seul
recours possible tient dans le motif.
Depuis sa création (par Alchimia en 1978),
cette bergère d’inspiration Régence a
connu de nombreuses variantes. Avec
Magis, elle devient un «objet industriel»
en polyéthylène.
1 326 € en version multicolore • 806 €
en version unie • www.magisdesign.com

26 I Beaux Arts
 Par Claire Fayolle

Diderot-Seoul II
Corsi Design • 2015
Née en 2007, la collection
Mendinismi, fabriquée
de manière artisanale, est
constituée d’assiettes
et de vases en fibre de verre
aux couleurs brillantes
et aux contrastes forts.
Les motifs apposés sur
différentes formes créent
des séries potentiellement
illimitées de modèles.
Avec sa fine silhouette
presque néoclassique,
Diderot se réfère à l’époque Giotto
des Lumières. D’autres Venini • 2005
vases évoquent les cultures
chinoise ou étrusque. Mendini s’est inspiré de la peinture de Giotto – la synthèse la plus juste,
Édition limitée à 3 exemplaires à ses yeux, des qualités de l’art italien –, pour imaginer cette sculpture
2 440 € • www.corsidesign.it emblématique. Ce visage ailé fait écho à nombre de figures humaines
conçues par le designer – on pense à l’exposition «Fragilisme» à la
fondation Cartier en 2002. En verre soufflé et gravé, l’objet conjugue
un verre opale bicolore et des couches de verre multicolores.
Édition limitée à 119 + 5 exemplaires • 11 000 € • http://venini.com

Castle
Cleto Munari • 1979
La collaboration entre
Cleto Munari et Alessandro
Mendini – qui doivent leur
rencontre à Carlo Scarpa –
s’est poursuivie plus de
quarante ans. La dernière
création de l’architecte
et designer, Mobilino, est
encore au stade du prototype.
Ce vase en argent sterling
plaqué or 18 carats reflète,
avec ses petits drapeaux,
la veine esthétique du Banal
Cetonia Design développé par
Edizioni Zanotta • 1984 Alessandro Mendini au
Créé en 1989, Zanotta Edizioni est issue du laboratoire expérimental tournant des années 1970
«Zabro». Cette marque, née au début des années 1980, poursuivait et 1980.
les recherches du groupe Alchimia auquel avait participé Alessandro Édition limitée à 9 exemplaires
Mendini. L’intention était de préserver le patrimoine artisanal italien 8 000 € • www.cletomunari.com
tout en explorant de nouveaux langages esthétiques. La commode
présente une structure en bois laqué peint à la main.
Exemplaire signé • 13 760 € • www.zanotta.it

Beaux Arts I 27
MODE
La mode s’habille avec l’art
Monuments, musées… À l’occasion de la Fashion Week, les créateurs ont pris
d’assaut les lieux culturels de la capitale. Ils se réapproprient les espaces pour des défilés
tous plus théâtraux les uns que les autres.
Le Grand Palais transformé en station de ski pour le défilé Chanel
prêt-à-porter automne-hiver 2019-2020.
D
epuis quelque temps déjà, l’art et la mode
s’allient bras dessus bras dessous, distillant
un rapport de force tout en douceur qui fait
fureur, un co-branding ultratendance où l’on ne
sait plus qui adoube qui, quoique… De ce fait,
certains sites et musées emblématiques de la Ville
lumière sont systématiquement investis durant
la Fashion Week. Une opération de com donnant-
donnant, une pub à double détente où chaque
partenaire gagne à être connu et reconnu.
Un dernier hommage à Karl Lagerfeld
Dans le désordre : Celine et Valentino aux Invalides,
Miu Miu au Palais d’Iéna, Hermès à la garde
républicaine, Balenciaga à la Cité du cinéma, etc.
Et c’est parti pour une visite guidée V.I.P. des hauts
lieux de la culture parisienne revisités fashion,
mais pas si victime que ça. Comme il faut toujours
rendre à César ce qui lui appartient, commençons
notre parcours par un ultime hommage à Monsieur
Lagerfeld – Karl pour les intimes –, via cette minute
de silence solennelle observée par le Tout-Paris
mondialisé. Sous les voûtes majestueuses du Grand
Palais, l’absence du maître résonne par-delà les pas
feutrés des modèles défilant dans une villégiature
de rêve, en l’occurrence le condensé en poudreuse
artificielle d’un Gstaad stylisé. Entre nous, le disque
28 I Beaux Arts
Par Pamela Golbin
dur de la mémoire collective va devoir intégrer
le fait que M. Lagerfeld rêvait ses décors la nuit,
durant son sommeil, maintenant éternel.
Chapeau bas pour l’ensemble de son œuvre.
Rick Owens, glam-rock au Palais de Tokyo
Puis enchaînons avec Yves Saint Laurent qui, des
fontaines du Trocadéro, semble défier la tour Eiffel,
élégant quadrupède d’acier s’élançant dans les cieux.
Force est de constater qu’ils font tous trois partie des
marques de fabrique incontestables de la capitale.
Faisons ensuite un saut du côté de chez Rick Owens,
lequel a jeté son dévolu sur le Palais de Tokyo,
explorant l’architecture du lieu afin de mieux faire
circuler ses créatures glam-rock plus qu’osées. Pour
cet Américain à Paris, avoir de la suite dans les idées
induit celle de nous convier à d’autres festivités,
comme sous les arcades du Palais Royal, autour
d’un cocktail dans la Joyce Gallery, où l’on pourra
admirer une expo intimiste sur feu le couturier
Charles James. Dans la foulée, cap sur le Penseur
de Rodin méditant parmi les marathoniens de
la mode extatiques assistant au défilé Dior.
Effectuons maintenant un détour vers la cour
Carrée du Louvre où siège la masse imposante
d’un cube blanc. À l’intérieur nous attend
la reproduction partielle, tout en tubulures
colorées, du Centre Pompidou. On se
souvient que Renzo Piano avait conçu
son entrée a contrario de celle des églises,
marches supprimées et parvis descendant
en pente douce afin de, symboliquement,
désacraliser l’accès à l’art contemporain.
Qu’en est-il aujourd’hui avec cette version
tronquée plus vraie que nature sise au
beau milieu d’une cour achevée à la fin
du XVIIIe siècle ? À travers cette collection
Louis Vuitton qui puise son inspiration
au cœur des années 1980, il semblerait que
Nicolas Ghesquière ait franchi une nouvelle
étape : désormais, la mode ne se contente plus
de cohabiter avec des murs chargés d’histoire, mais
elle se les réapproprie corps et âme en transposant
ou évacuant, le temps d’un défilé, l’essence même
de l’espace alentour.
Le défilé Louis Vuitton prêt-à-porter automne-hiver
2019-2020 a reproduit pour décor le Centre Pompidou
dans la cour Carrée du Louvre : Vuitton ou toute l’histoire
de l’art en un défilé.
 UNE PYRAMIDE,
UNE HISTOIRE ET VOUS
Demain est un autre Louvre
© I. M. Pei © Getty Images / Cebb-Photo © conception graphique : Dream on / musée du Louvre.

La Pyramide du Louvre fête ses 30 ans

Tout le programme sur louvre.fr – Adhérez sur amisdulouvre.fr
CINÉMA Par Jacques Morice

AUTRES FILMS À L’AFFICHE

Antoine d’Agata devant l’objectif
La violence, la drogue, le sexe, l’exclusion,
Antoine d’Agata les a explorés dans un travail
de «photobiographie» stupéfiant, irréductible,
perturbant, baroque. Franck Landron le connaît
bien, et l’a suivi dans sa route pour en tirer
ce beau documentaire, personnel, où d’Agata
lui-même parle peu (il passe en fugitif)
mais où toutes sortes de proches (critiques,
éditeurs…) éclairent de manière pertinente
la démarche et l’évolution du phénomène.
D’Agata – Limite(s) de Franck Landron
> en salles depuis le 27 mars

Trois cents ans d’histoire russe

en un seul plan-séquence
Même s’il a peu triché ici et là, Alexandre
Sokourov a réussi à filmer en un seul plan-
séquence cette visite spéciale du légendaire
musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg,
comme si nous étions au temps de la Russie
Autoportrait du photographe, scénographe, costumier, chroniqueur mondain impériale. Un défilé un peu pompeux
et même queen (à en croire David Hockney !) à New York, en 1937. de tableaux et de personnages historiques,
mais la virtuosité du geste est à saluer.

Son altesse Cecil L’Arche russe (2002) d’Alexandre Sokourov

> reprise en salles depuis le 20 mars

Dandy excentrique, théâtral jusqu’au bout de son chapeau

édouardien, sir Cecil Beaton a anobli la photographie.
Un documentaire en salles fait joliment le point sur lui.

C
ecil Beaton (1904-1980) avait une certaine classe, n’était sa voix de canard.
Oui, on est féroce, mais comme il l’était lui-même, on lui rend hommage.
On le voit un moment, coiffé de son curieux chapeau à la «bravoure
édouardienne», répondre aux questions parfois abruptes du journaliste, du tac
au tac, avec une élégance acide. Et beaucoup de lucidité aussi, sur lui-même, Le long-métrage de tous les records avec 2 000 acteurs
déployés dans les salles de l’Ermitage !
ses limites intellectuelles, son manque de confiance, son ambition. Vif, sémillant,
mais aussi mélancolique, ce nouveau documentaire de Lisa Immordino Vreeland
(Peggy Guggenheim, la collectionneuse) retrace le parcours de cet éternel dandy, RÉTROSPECTIVE
qui a beaucoup contribué à valoriser la photographie. Nul commentaire laudatif
et superfétatoire en voix off ici : la réalisatrice a habilement pioché dans le journal Les années les plus folles
de René Clair
intime de Beaton lui-même pour en extraire des passages (lus par Rupert Everett,
Il a longtemps incarné l’esprit vif et libre du
expert lui aussi en dandysme), servant de jalons ad hoc à sa riche carrière.
cinéma français, avant d’être quelque peu
Amant de Garbo et «terrible homosexuel» éclipsé. Aujourd’hui, on le redécouvre, à la fois
avant-gardiste et classique, réaliste et poétique.
Il a fait partie des Bright Young Things, cette bande de nantis excentriques À voir surtout : le surréaliste Entr’acte (1924)
à l’hédonisme insolent. Il a magnifié la mode et immortalisé bon nombre avec Francis Picabia et Marcel Duchamp,
de légendes (Gary Cooper, Marlène, Marilyn…), en a aimé passionnément Sous les toits de Paris (1930), À nous la liberté
une (Garbo), bien qu’il fût, selon ses propres termes, [ill. ci-dessous], 14 juillet (1932).
un «terrible homosexuel». Multiple, il a pu aussi bien Rétrospective René Clair du 10 avril au 9 mai
briller dans la photographie documentaire pendant Cinémathèque française • 51, rue de Bercy
75012 Paris • 01 71 19 33 33 • www.cinematheque.fr
la bataille d’Angleterre qu’auprès de la famille royale
dont il a été le portraitiste officiel. Le film éclaire
également ses talents de chroniqueur mondain,
scénographe et costumier (sur My Fair Lady, concours
d’élégance inoubliable). Sans écarter totalement
l’hypothèse selon laquelle ce grand narcissique était
un créateur superficiel. À moins que, pour paraphraser
Louise de Vilmorin avec qui il a sans doute un jour
À la fin des années 1910. pris le thé, il ne l’ait été que superficiellement.
Charlie Chaplin se serait inspiré d’À nous la liberté, film
Love, Cecil de Lisa Immordino Vreeland > en salles depuis le 27 mars culte sorti en France en 1931, pour les Temps modernes.

30 I Beaux Arts
LIVRES
Les voyages extraordinaires
de Xavier Barral
Il a exploré la planète Mars et fait disparaître Venise.
Lu dans les pierres et ranimé l’esprit des hommes
de la Terre de Feu. Le plus talentueux des éditeurs
d’art et de photographie est mort à 63 ans,
dans son sommeil. Il nous laisse tous ses rêves.
D
ans le bestiaire sentimental de Sophie Calle,
Xavier Barral avait malicieusement choisi
d’être représenté par un «modeste oiseau
des îles, élégant et fin», prêt à tout pour satisfaire
la fantaisie de cette drôle d’oiselle. L’éditeur est allé
jusqu’en Chine pour lui broder une couverture
en lettres d’or et n’a pas hésité à couvrir l’un de ses
poèmes de (fausse) fourrure. Ce «complice de rêve»
songeait même à lui confectionner un livre dont
l’encre s’effacerait au fil de la lecture… Rien n’était
trop fou : ainsi, quand Sophie Calle lui a demandé
d’imprimer Rachel, Monique en anglais en un temps
record, Xavier Barral a eu l’idée de faire fabriquer
plus de 200 tampons avec le texte traduit.
«Nous avons tamponné à la main une centaine
d’exemplaires, se réjouissait l’éditeur. Chaque
Xavier Barral photographié ouvrage de cette version anglaise est un original !»
par Patrick Gries, en 2008.
«Un chaman du papier, des encres
mystérieuses et des noirs profonds»
À vrai dire, chaque livre frappé des lettres EXB
est à la fois un livre original et un objet singulier.
Dès ses débuts, chez Hazan, Xavier Barral se
distinguait en concevant un livre en tôle réunissant
les clichés pris par Doisneau dans une usine Renault
(1988). «L’œuvre qui naissait sous ses doigts faisait
de nous des artistes, témoignent Claudine Nougaret
Xavier Barral aura fait
de ses passions des
livres de toute beauté,
et parfois même des
expositions, à l’instar
d’«Autophoto»
conçue avec Philippe
Séclier à la fondation
Cartier en 2017. Luciano Rigolini Tribute to Giorgio de Chirico, 2017
appropriation (photographe inconnu, 1958)
32 I Beaux Arts
et Raymond Depardon. Xavier Barral était un chaman
du papier, des encres mystérieuses et des noirs
profonds.» Impliqué dans ses projets jusqu’aux
moindres détails, il accordait la même attention
à une couverture qu’à une page de garde, à des livres
d’artistes (de Sergio Larrain à Martin Parr) qu’à
des ouvrages sur la flore des friches urbaines ou
la collection de minéraux de Roger Caillois. Sa proche
collaboratrice Yseult Chehata se souvient encore
de son émerveillement dans le temple des mousses
de Kyoto : «Il avait une approche très tactile.
Fasciné par les matières et d’une curiosité constante,
il vous faisait voir dans chaque image la petite
magie… Et savait vous embarquer dans ses histoires !»
De la Terre de Feu à la Lune
Amarré depuis près de trente ans dans son «atelier»
parisien de la rue Sedaine, l’ancien homme de presse
(l’Autre Journal, l’Événement du jeudi…) a fondé
avec sa femme Annette Lucas et l’illustrateur
Stéphane Trapier le studio graphique Atalante – où
il a réalisé ses premiers livres, comme Pleine mer
de Jean Gaumy. Il lancera sa propre maison d’édition
dix ans plus tard, en 2002, sous l’impulsion d’Hervé
de La Martinière et de Daniel Buren, pour son ouvrage
Mot à mot. Avec ses parquets, ses mezzanines,
ses voiles, ses échelles et ses livres par milliers,
l’endroit ressemble à un bateau ivre. Dans la cabine
du capitaine, les phases d’une éclipse de Lune
par Luciano Rigolini, une carte ancienne du détroit
de Magellan, un patronage de redingote, des feuilles
d’eucalyptus ramassées sur l’île de Porquerolles,
des cailloux, des échantillons de papiers japonais,
un monochrome noir, des croquis, la maquette
du prochain Koudelka… Au mur, deux portraits
rappellent que tout voyage devient ici un livre :
ces clichés ont été pris par le missionnaire allemand
Martin Gusinde en Terre de Feu, entre 1919 et 1924.
Le souvenir de ces petits tirages découverts en 1987
dans le musée de l’île de Navarino, à l’extrême sud
du Chili, donnera naissance, trente ans plus tard,
à l’un de ses livres les plus bouleversants, dédié aux
peuples Kawésqar, Yamana et Selk’nam aujourd’hui
disparus : l’Esprit des hommes de la Terre de Feu.
Sous l’observatoire de Meudon
S’il a passé le cap Horn – la première fois par temps
calme, la seconde fois sur une «mer blanche» –, ce
marin expérimenté était aussi «sous-marin», capable
de traverser l’Europe pour trouver un hippocampe,
se souvient le biologiste Jean-Baptiste de Panafieu,
avec qui il a élaboré pendant cinq ans son best-seller :
Évolution, une anthologie de 200 squelettes de
vertébrés, photographiés par Patrick Gries. «Chaque
animal a été une rencontre, soit par sa complexité,

Martin Gusinde Chaman Kawésqar, 1919-1924
En publiant l’Esprit des hommes
de la Terre de Feu, l’éditeur-
voyageur a non seulement
sorti les images du missionnaire
Martin Gusinde de l’oubli,
mais il les a aussi numérisées,
tirées et exposées en Terre
de Feu et à travers tout le Chili.
soit par sa beauté, soit par la grâce qui en émane
encore», s’enthousiasmait l’éditeur-voyageur. La tête
dans les étoiles, les poches pleines de cailloux, il avait
grandi sous l’observatoire de Meudon et rêvait
de consacrer un ouvrage à la Lune. L’astrophysicien
Francis Rocard l’incitera en 2011 à changer de cap :
la Nasa venait de récolter près de 30 000 images
en très haute définition de Mars. Admiratif, Barral
en sélectionnera 200, qu’il recadrera en gardant une
échelle constante de 6 km de large. «Ergs de dunes,
cratères couverts de poussière volcanique, canyons
abyssaux, pôles en débâcle»… Il passe ses jours et ses
nuits dans les abstractions noires de la planète rouge.
«C’est un travail de promeneur. J’ai souvent,
à la lecture de ces clichés, pu imaginer plusieurs
itinéraires, le temps qu’il me faudrait pour traverser
tel ou tel paysage. Il m’a semblé que ces découvertes
repoussaient plus loin les limites de mon
imaginaire», s’émerveillait ce Breton d’adoption,
Chilien de cœur, extraterrestre de vocation.
Par Natacha Nataf
Ses dernières publications
De Washington à Tokyo à tire-d’aile
Lancée l’an dernier,
Des oiseaux est
la première collection
des Éditions Xavier
Barral. Son ambition
est simple : rendre
compte de la présence
des oiseaux dans
notre monde. On piaffe d’impatience de découvrir les deux
prochains volumes. Terri Weifenbach a saisi, à hauteur de chat,
le ballet aérien des passereaux dans son jardin : une palette
vibrionnante au rythme des saisons et des enchantements
de la photographe américaine. Le Japonais Yoshinori Mizutani
s’est concentré, lui, sur les hordes d’étourneaux et de
perruches dessinant des partitions urbaines inédites sur les fils
électriques ou dans les arbres. Des haïkus aux riffs sauvages !
Des oiseaux par Terri Weifenbach et Yoshinori Mizutani
textes de Guilhem Lesaffre • 96 p. • 35 €
Un reportage de 6,5 milliards de kilomètres
Il y avait à la fois du génie de
Jules Verne, de la magie de Méliès
et de l’esprit des encyclopédistes
chez Xavier Barral. Pour preuve,
son dernier projet : la Comète,
le voyage de Rosetta, «un périple
de 6,5 milliards de kilomètres,
d’une durée de 12 ans, 6 mois
et 28 jours, pour découvrir un objet long de 5 kilomètres qui tend
inexorablement à disparaître à chacun de ses passages autour
du Soleil». Cet obscur objet est la comète 67P, surnommée
Tchoury, que l’on découvre ici sous tous les angles, c’est-à-dire
tous les noirs possibles. Un corps céleste dont les infimes
poussières nous renseignent sur la formation des planètes
et nous invitent à «reconsidérer nos références terrestres» :
toujours entre deux infinis, Xavier Barral aura consacré
ses derniers mots au vertige de son amour pour l’image
et son irrésistible force d’attraction.
La Comète – Le voyage de Rosetta
textes de Jean-Pierre Bibring & Hans Zischler • 216 p. • 55 €
Paris et New York, pôles explosifs de l’art
Les Éditions Xavier Barral sont partenaires
de longue date des plus grandes institutions,
de la fondation Henri Cartier-Bresson
au Centre Pompidou, pour lequel elles
viennent de réaliser le très complet
catalogue (840 photos !) de l’exposition
«Shunk-Kender» : deux photographes
au cœur des avant-gardes parisienne et new-yorkaise de 1957
à 1983. Des Anthropométries d’Yves Klein aux performances
délirantes de Yayoi Kusama sur les toits de Manhattan, un noir
et blanc qui nous en fait voir de toutes les couleurs.
Shunk-Kender – L’art sous l’objectif 548 p. • 49 €
> Catalogue complet sur : http://exb.fr
Beaux Arts I 33
PHILO Par François Cusset

Pop music, pop art !

Après une thèse sur Theodor Adorno, ennemi n° 1 de la «musique populaire légère»,
Agnès Gayraud, enseignante à la Villa Arson et compositrice-interprète, livre une esthétique
inédite de la pop. Et si c’était le courant musical – et artistique – majeur du XXe siècle ?

part de là, de ce «hater hyperbolique» qu’Elvis

ou les Beatles déprimaient (mort en 1969, il n’a pas pu
en entendre davantage), pour tenter de penser
les «régimes d’expression» de la musique pop.
Elle surmonte ce jugement d’un autre âge, mais sait
gré à Adorno d’avoir entrevu les contradictions
de cet «art mécanisé». Et propose de ce vaste champ
de la «musique enregistrée» une approche érudite
et lumineuse, pointant une infinité de paradoxes :
larsens pénibles et ritournelles à fredonner,
subversion surjouée et dictature du hit-parade,
impulsivité scénique et matraquage commercial…

«Il n’y a plus de King of Pop universel»

Des Sex Pistols à Céline Dion, la pop, au sens large,
est un «art technique de masse» profondément
démocratique, qui déracine l’authentique mais
donne une aura aux sons métissés, qui fait dans
l’ironie éclectique mais nous arrache des larmes
par ses «épiphanies de l’enfance». Et l’auteure
de déployer son analyse au présent, dans cette
époque où la pop est devenue un patrimoine
et où le tournant numérique a changé la donne :
«Il n’y a plus de King of Pop universel, mais
des myriades de petits rois et reines, régnant
sur les contrées parcellisées du mainstream…»
Qu’en est-il de nos cimaises, de nos galeries,
de nos objets design ? Une bonne part des analyses
d’Agnès Gayraud vaut pour les arts visuels,

I
Jamie Reid l est temps de prendre au sérieux la pop culture. au-delà de la seule vogue du pop art dans les
God Save the Queen, Y compris le fait qu’on ne la prenne jamais années 1960 : rapport au format et aux standards,
couverture de l’album
au sérieux. Commercial, stratégique, arrangé, au fétiche et à la facilité, au kitsch et au second
des Sex Pistols, 1977
ironique, publicitaire, factice… ce qui ressort degré, routinisation d’une force rebelle initiale,
du pop – dernier tube dansant, best-seller formaté, désacralisation de la grande culture, complaisance
BD «subversive» – n’est pas vraiment populaire perceptive et toute une «attitude» de l’œuvre
(au sens d’issu du peuple), ni entièrement créatif qui compte plus que son contenu esthétique…
(au sens des génies de la grande culture), et encore Mais là où l’enregistrement est le pivot de la musique
moins légitime près de soixante-dix ans après pop, la sérialité et les reproductions vendables ne
les premiers succès du rockabilly. À l’époque, sont que des aspects de l’art pop ; et là où un tube
le philosophe, compositeur et musicologue allemand nous accompagne sous la douche, aucune sérigraphie
Theodor Adorno, qui avait découvert le phénomène ne nous plongera dans des abîmes de nostalgie.
pendant son exil américain, n’avait pas de mots assez Reste l’inconséquence politique, qui leur est
durs contre le swing, le jazz ou le dessin animé : commune : crier à l’émancipation mais cachetonner
trouvant encore «insupportable», en 1968, que des millions, simuler un assaut contre l’édifice
«quelqu’un chante à propos du Vietnam sur cette même dont on tire sa force.
musique doucereuse» (il visait le folk contestataire
de Joan Baez), il voyait cette «musique populaire
légère standardisée» comme «mauvaise sans
exception», ennemie du bon goût et parangon
Dialectique de la pop
de la culture industrialisée, du capitalisme débilitant.
par Agnès Gayraud
éd. La Découverte Philosophe, critique rock et elle-même compositrice-
528 p. • 26,50 € chanteuse (sous le nom de la Féline), Agnès Gayraud

34 I Beaux Arts
 MAO LIZI
BEYOND COLOR
21 MARS - 25 MAI 2019

EXPOSITION : 21. 03 / 25 . 05 . 2019

GALERIE A & R FLEURY 36 AVENUE MATIGNON - 75008 PARIS
MODERN & CONTEMPORARY ART
+33 (0)1 42 89 42 29 - info@arfleury.com
informations sur le site www.arfleury.com

Détail: Reconstructed landscape, Huile sur toile, 2018, 195 x 130 cm. Courtesy galerie A&R Fleury & Mao Lizi
MÉDIAS Par Florelle Guillaume & Charlotte Ullmann

Patrick Ferragnes, gérant des ateliers

Art Project, et la designer Matali Crasset,
lors de la fabrication du Manège (2018),
conçu pour le Centre Pompidou.

Couples de génies
L’histoire, tragique, est tristement
célèbre : Jeanne Hébuterne, belle brune
aux yeux d’opale, se défenestre, enceinte
de neuf mois, désespérée par la mort
d’Amedeo Modigliani. Mais qui connaît
Jeanne Hébuterne l’artiste ? La peintre
des toits de Paris, la portraitiste recluse ?
En racontant l’histoire romanesque
de couples iconiques de l’art, Arte rend
à chacune de ces épouses et muses
leur rôle de créatrice. Lee Miller, Paula
Becker, Gerda Taro et Georgia O’Keeffe
occupent ici le devant de la scène à l’égal
de leur amant. Une série documentaire
foisonnante d’archives rares.
ARTE «L’amour à l’œuvre»

Artistes à l’œuvre
tous les dimanches à 19 h 15, du 7 avril
au 5 mai (et en replay sur arte.tv)

S
e glisser dans les répétitions du dernier ballet aux accents cosmiques d’Angelin
Preljocaj, assister à la réalisation du portrait princier d’Eddy de Pretto
par Pierre & Gilles, suivre à la trace l’infatigable Matali Crasset dans ses multiples
projets entre art, design et écologie… La nouvelle collection documentaire de France 5,
«Influences – Une histoire de l’art» – diffusée chaque jeudi dans le cadre du programme
«Passage des Arts» – nous embarque dans les coulisses de la création d’aujourd’hui, qu’elle
soit visuelle, théâtrale, chorégraphique ou musicale. En 52 minutes, un artiste (entre autres,
Jean-Michel Othoniel, Enki Bilal, Yan Pei-Ming ou Ernest Pignon-Ernest) dévoile son
cheminement, confie ses souvenirs et sources d’inspiration, ses secrets de fabrication
mais aussi ses questionnements, doutes et tâtonnements… La pensée se donne à voir,
juste avant l’accomplissement final de l’œuvre. Une belle collection réunie par la même idée,
mais dont chaque épisode, dirigé par un réalisateur et producteur différent, affiche
son propre style. On regrettera néanmoins une sélection d’artistes plutôt consensuelle. Célèbre pour sa relation avec Modigliani,
FRANCE 5 «Influences –Une histoire de l’art» à partir du 6 avril Jeanne Hébuterne (1898-1920) était
le samedi à 22 h 25 (rediffusion le dimanche à 9 h 25) elle-même une artiste.

ET AUSSI…
La tête dans la Lune
Le Grand Palais lance une série
de podcasts dans la lignée de sa
programmation. Thème inaugural :
«Fous de Lune – Chronologie
d’un fantasme», soit cinq épisodes
de cinq minutes retraçant plus
de quatre cents ans d’histoire
liée à notre cher satellite.
De l’invention du télescope aux
romans de Jules Verne en passant
par l’album Dark Side of the Moon
de Pink Floyd…
GRANDPALAIS.FR «Fous de Lune
Chronologie d’un fantasme»
podcast disponible le 3 avril sur
Apple Podcast, Spotify, Deezer, etc.
Qui était M. Courtauld ?
Dans une Angleterre hostile
au mouvement impressionniste,
le riche industriel et mécène
Samuel Courtauld se prend
de passion pour le mouvement
et finance la National Gallery
de Londres afin qu’elle acquière des
Manet, Cézanne, Seurat, Gauguin…
Pour en savoir plus sur cette
collection visible jusqu’au 17 juin
à la fondation Louis Vuitton,
écoutez la commissaire
de l’exposition Karen Serres.
FRANCE CULTURE
«Dans le salon des Courtauld»
podcast du 5 mars • 26 minutes
Un Cavalier bleu à deux têtes
Zoom sur deux personnalités
radicales du mouvement allemand
Der Blaue Reiter : Franz Marc, plutôt
ténébreux et mystique, et August
Macke, nettement moins spirituel…
Quoique différentes, ces deux
œuvres se font écho au musée
de l’Orangerie (jusqu’au 17 juin).
Jean de Loisy décrypte la relation
des deux peintres amis avec l’aide
de Cécile Debray et Sarah Imatte,
commissaires de l’exposition.
FRANCE CULTURE
«Franz Marc et August Macke,
à l’avant-garde allemande»
podcast du 3 mars • 59 minutes
Dans la Nuit étoilée
Nouveau spectacle numérique
pour l’Atelier des lumières, ce tout
jeune espace parisien qui projette
des peintures des plus grands
artistes sur les parois d’une
ancienne fonderie. Au micro de
Wendy Bouchard, Fabrice Bousteau,
rédacteur en chef de Beaux Arts,
et Michael Couzigou, directeur
du lieu, décrivent l’ambiance et les
coulisses de ce «son et lumière»
qui plonge cette année le public
au sein de 500 œuvres de Van Gogh.
EUROPE 1
«Le tour de la question»
podcast du 4 mars • 45 minutes

Retrouvez-nous sur BeauxArts.com et

36 I Beaux Arts
 E N S E I G N E M E N T

Quand les étudiants du CAD

revisitent le tricycle.
Au cours de design, les étudiants de 3° année
du CAD en «Architecture d’intérieur & Design»
ont créé et réalisé le prototype d’un tricycle.
Les travaux présentés sont d’Elona Terlica Pinto,
Herbert Legrand, Louise Descampe, Hugo
Kartheuser, Isra Otmane Tolba, Laura Schwab
et Axel de Clermont-Tonnerre.
Les professeurs étaient Louis de Limburg Stirum
et David Richiuso.

Le CAD est une école internationale de design

située à Bruxelles.
Les cours sont donnés (progressivement) en
anglais, uniquement par de grands professionnels.
L’enseignement est pratique.
Les étudiants effectuent de nombreux stages en
Belgique et dans le monde entier.
Le CAD organise des workshops à Shanghai,
Milan, Londres... des voyages d’étude et de
nombreuses visites d’expositions.
Résultat : 98% des diplômés du CAD trouvent
leur job en moins de 4 mois*.

ARCHITECTURE D’INTÉRIEUR & DESIGN

PUBLICITÉ - DESIGN GRAPHIQUE & DIGITAL
UX & MOTION DESIGN 3D IMAGE DESIGN
College of Advertising & Design
25, rue Roberts-Jones 1180 BRUXELLES
Les sélections commencent le 1° février. Modalités et
* Enquête auprès des diplômés du CAD depuis 2009 (certifiée par huissier). dossier d’admission sur le site : www.cad.be
LA CHRONIQUE
de Nicolas Bourriaud
Méfiez-vous des faux experts…
Pour diriger la Documenta de Kassel édition 2022, c’est un collectif d’artistes qui a été choisi.
L’émergence de communautés curatoriales telles que celle-ci pose différentes questions…
C’
Le collectif indonésien est donc un collectif indonésien d’une
Ruangrupa, fondé en 2000. dizaine d’artistes, Ruangrupa, qui conduira
la prochaine Documenta de Kassel.
Après une édition 2017 placée sous le double signe
de la Grèce et de la dette, son commissaire Adam
Szymczyk ayant décidé de délocaliser une section
de l’exposition à Athènes et de laisser filer les déficits,
on ne pourra pas dire que la manifestation phare
de l’art contemporain n’est guère en prise avec
son époque… Arrive une édition 2022 réalisée
par une sorte d’assemblée populaire, aussi large
et représentative que possible, issue d’un pays
périphérique du monde de l’art. Signe des temps,
puisque la moindre décision esthétique semble
devenue suspecte, car provenant d’un «monde d’en
haut» dont les décisions apparaissent corrompues
ou arbitraires, on a désormais recours au collectif
pour trancher. D’ailleurs, le comité de la Documenta
annonce une exposition qui fonctionnera comme
«un réseau international d’organisations artistiques
locales en lien avec les communautés», dans
une logique participative et inclusive, et allant
«au-delà du seul public de l’art» (Quotidien de l’art,
25 février). Tout cela pour revenir aux années 1990
et à l’esthétique relationnelle, corrigée par le
communautaire ? Ruangrupa, rond-point curatorial,
est aussi le symptôme d’une crise de l’expertise et
de la légitimité en art. Jadis, c’est la connaissance
de son histoire, alliée à l’analyse des forces qui
travaillent le présent, qui permettait in fine à un
curator de trancher entre différentes options, évaluer
l’importance d’un artiste, faire un diagnostic en
somme. Bref, c’est un savoir historique et esthétique
38 I Beaux Arts
qui autorisait à faire des choix et à
commenter l’actualité des formes.
Aujourd’hui, avec l’émergence de
communautés curatoriales telles
que Ruangrupa (mais les exemples
se multiplient), cette légitimité se
fonde davantage sur des panels.
L’expertise historique se dilue
dans la géographie : de quoi es-tu
représentatif ? Telle est la question
centrale. Je ne dis pas que ce
phénomène est mauvais en soi :
la coopérative de savoirs est
un format d’avenir.
La demi-mondaine de l’art
En revanche, on peut s’interroger
sur la dévaluation de l’idée de
légitimité en art : Ruangrupa
apparaît comme la version
sympathique d’une dérive plus
vaste, qui englobe ce qu’on appelle les «advisors»,
c’est-à-dire les conseillers des collectionneurs,
dont l’expertise repose sur à peu près rien sinon
leur propre désir – l’équivalent artistique des traders.
Un paradoxe : l’époque hait les corps intermédiaires
et suspecte toute autorité intellectuelle mais favorise
les parasites. Le principal problème du milieu de l’art
repose désormais sur l’existence de cette nouvelle
sphère composée de semi-professionnels (comme
on disait jadis «demi-mondaine») qui chuchotent
à l’oreille des financiers et dont l’expertise consiste
à faire croire qu’ils savent quelque chose de l’art
de leur temps. Des milliers de «professionnels»
autodéclarés naviguent ainsi entre galeries, artistes
et collectionneurs sans avoir aucune idée du contenu
des œuvres au-delà de leurs chiffres de vente aux
enchères. D’où provient leur légitimité, alors qu’ils
n’ont jamais organisé une exposition signifiante,
émis la plus minuscule idée sur l’art, ni écrit un seul
texte dont on puisse se souvenir ? Je ne peux donc
qu’appeler à mettre en cause cette fausse profession
dont les positions devraient être occupées par
de vrais commissaires d’exposition ou historiens
de l’art. Collectionneurs, qui sont vos conseillers ?
Êtes-vous sûrs de leurs compétences ? Ont-ils fait
preuve d’anticipation ou participé à quelque moment
important de l’art de leur temps ? Si ce n’est pas
le cas, vous êtes victimes d’un escroc. La question
de l’expertise devient de nos jours tellement
problématique qu’elle produit d’étranges fruits.
ROBERT
COUTURIER

GALERIE
DINA VIERNY
36 RUE JACOB
PARIS VI

3 AVRIL
29 JUIN
2019
Communiqué

PAUL AÏZPIRI
un artiste hors du temps
La Galerie Taménaga célèbre un double
anniversaire : le centenaire de la naissance de
Paul Aïzpiri (1919-2016) et les cinquante ans
de la galerie inaugurée à Tokyo en 1969.
L’occasion de redécouvrir un artiste en dehors
des modes qui célèbre la joie de vivre.

L’
art de Paul Aïzpiri est rayonnant et solaire, ancré dans une his-
toire de l’art revendiquant une filiation avec la grande peinture
qui voit se succéder des artistes ne cédant en rien aux sirènes
de la mode. Il est demeuré fidèle à la figuration dans cette tempête qui
a agité la scène internationale dès les années 1950, dans un combat
vain où les critiques semblaient donner le primat à l’abstraction, mais
rétrospectivement, il apparaît bien que la loupe grossissante – ou défor-
mante pourrait-on dire – avait soustrait de leur champ de vision des
artistes majeurs comme Aïzpiri par une cécité dogmatique, ce qui n’est
plus discuté aujourd’hui. Le galeriste Kiyoshi Taménaga avait reconnu
le talent du peintre dès son premier voyage à Paris en 1957, chez le
marchand Paul Pétridès. Depuis, une relation d’amitié et de fidélité a
lié les deux hommes, ce qui est rare dans ce XXe siècle qui a accom-
pagné la naissance du marché de l’art. Grand coloriste, Aïzpiri célèbre
Bouquet de fleurs
la joie de vivre à travers des thèmes traditionnels qu’il s’approprie : la huile sur toile, 146 x 114 cm. © Galerie Taménaga - Jean-Louis Losi

L’Atelier sous les toits de Paris La Baie de Saint-Tropez et les régates

huile sur toile, 120 x 120 cm. © Galerie Taménaga - Jean-Louis Losi huile sur toile, 130 x 162 cm.© Galerie Taménaga - Jean-Louis Losi
Les Gondoles à Venise
huile sur toile, 114 x 146 cm. © Galerie Taménaga - Jean-Louis Losi

peinture de paysage, la nature morte, le portrait et les lieux qui lui sont INFOS PRATIQUES
familiers : Saint-Tropez et la côte d’Azur avec cette lumière contrastée «Paul Aïzpiri (1919-2016). Exposition du centenaire»
qui a accouché des Fauves et nourri les avant-gardes, Venise qui Du 21 mars au 11 avril 2019
défendait déjà la couleur à la Renaissance dans cette bataille qui l’op- Galerie Taménaga • 18, avenue Matignon • 75008 Paris
posait à Florence où prédominait le dessin, le Paris de Montparnasse Tél. : +33 (0)1 42 66 61 94
qui était déjà celui de son père Ignacio, sculpteur, qui fréquentait toute www.tamenaga.com
Ouvert du lundi au samedi, de 11 h à 13 h et 14 h à 19 h.
la Bohême à la Rotonde et qui était le centre du monde dans la pre-
mière moitié du XXe siècle. Si dans les années 1950 il sculpte la matière
picturale à dominante sombre, il s’en affranchit rapidement pour se
convertir à une peinture cristalline et musicale, aérienne et éclatante.
Une véritable ode à la lumière traduite par une explosion de la couleur.
Aïzpiri est l’héritier de plusieurs mondes et c’est peut-être en cela que
sa peinture est hors du temps, attachée à la sensation, aux émotions
et célébrant la vie comme une nécessité.
 LA RECETTE D’ART
d’Alain Passard

Une nature morte qui nous botte

Alain Passard, chef triplement étoilé de l’Arpège, concocte tous les mois pour
Beaux Arts une recette inspirée d’une œuvre. Saison oblige, les asperges d’un tableau
hollandais du Siècle d’or pointent le bout de leur nez.

L’ŒUVRE LA RECETTE

Ingrédients pour deux personnes :

Ò 1 grosse botte d’asperges blanches
Ò Beurre salé
Ò 1 bâton de citronnelle
Ò Fleur de sel

➊ Épluchez et passez à l’eau claire une grosse botte

d’asperges blanches.
➋ Ensuite, refaçonnez la botte d’asperges à l’identique
en les maintenant avec plusieurs tours de ficelle de cuisine
sur toute la hauteur de la botte et dissimulez au cœur
une tige de citronnelle coupée en aiguillettes.
➌ Puis, dans un vaste sautoir, faites fondre un copieux morceau
de beurre salé et, à feu très doux, cuire la botte d’asperges «meunière»
en la roulant dans le beurre salé.
➍ Donnez une délicate coloration aux asperges et terminez la cuisson
à la verticale en arrosant l’intérieur de la botte avec le beurre chaud.
➎ Comptez 40 minutes de cuisson.
➏ Présentez la botte à la verticale à vos convives, coupez la ficelle
de cuisine et servez en assiette chaude avec le beurre de cuisson,
de l’oseille fondue et un œuf mollet.
➐ Appréciez le contraste entre les asperges colorées en périphérie
et le cœur de la botte, croquant et chaud, assaisonné de fleur de sel.

Suggestion de vin :
Pinot Gris Rosenberg 2017 du Domaine Barmès-Buecher
Adriaen Coorte Nature morte aux asperges, 1697

Retrouvez la recette en vidéo sur BeauxArts.com

B
ien avant la célèbre asperge de Manet, le peintre hollandais
Adriaen Coorte (vers 1665-1707) s’empare de ce délice
printanier pour réaliser une nature morte à la beauté simple
et sophistiquée. D’un blanc lumineux, décrite avec minutie, la botte
d’asperges apparaît tel un objet presque sacré, isolée sur un coin
de table pareil à un autel. Parfaitement maîtrisé, le clair-obscur
confère au tableau un caractère quasi mystique. Détail anecdotique
qui attire l’œil et intrigue, l’asperge courbée, qui s’est échappée
en bas de l’image et sort de la pénombre, accentue le caractère
étrange, limite impudique, de la composition. Le peintre se serait-il
amusé à jouer des contrastes entre l’austérité affichée de l’œuvre
et la symbolique de l’asperge, associée à la puissance sexuelle
et dotée de vertus aphrodisiaques dont Pline l’Ancien racontait
qu’elle était née de cornes de bélier enterrées dans le sol ? On peut
aisément l’envisager… Figure singulière du Siècle d’or néerlandais,
Adriaen Coorte tranche avec la traditionnelle nature morte
hollandaise d’habitude beaucoup plus foisonnante et chargée.
De l’artiste, on sait peu de choses : installé à Middelburg (où il était
enregistré à la prestigieuse guilde de Saint-Luc), il a réalisé une
centaine de tableaux, divers paysages à ses débuts, puis des natures
mortes intimistes qui se concentrent avec élégance et précision
sur quelques fruits, légumes ou coquillages. Ses lumineuses
asperges ont inspiré à notre chef étoilé une recette savoureuse
tout en sobriété. Daphné Bétard

42 I Beaux Arts
Agence o cédille - Photo Ben Massiot
© Bal du Moulin Rouge 2019 - Moulin Rouge® - 1-1028499

LA REVUE DU PLUS CÉLÈBRE CABARET DU MONDE ! - THE SHOW OF THE MOST FAMOUS CABARET IN THE WORLD!
DÎNER ET REVUE À 19H À PARTIR DE 185€ - REVUE À 21H ET 23H À PARTIR DE 77€ - DINNER AND SHOW AT 7PM FROM €185 - SHOW AT 9PM & 11PM FROM €77
MONTMARTRE 82, BLD DE CLICHY 75018 PARIS - TEL : 33(0)1 53 09 82 82 - WWW.MOULINROUGE.COM
EN COUVERTURE l FONDATION CARTIER
Du 4 avril au 16 juin

De Lisbonne à Tbilissi…
Existe-t-il un art européen ?
Sans s’en tenir aux frontières strictes de l’UE, la fondation Cartier
s’est lancé un drôle de défi : prendre le pouls de la création
du Vieux Continent en se focalisant sur la jeune génération.
Entreprise vaine ? Niet, nicht, não !
Par Judicaël Lavrador

44 I Beaux Arts
George Rouy
Diluted Ecstasy
(Water
Fountain)
Les créatures-
fontaines
du Britannique
George Rouy
se plient tout
en souplesse
pour laisser
circuler l’eau
et l’imagination
sans entrave.
À l’image de
l’exposition «Les
Métamorphoses»,
qui entend
décloisonner
la création
en Europe.
2018, acrylique sur
toile, 300 x 220 cm.

Beaux Arts I 45
EN COUVERTURE l JEUNES ARTISTES EN EUROPE

Particularités

L’
horizon de l’art peut-il dépasser les frontières
nationales et gagner une sphère supra-
plastiques
nationale, celle en l’occurrence de l’Europe ?
La question semble étrange. Après tout, les Même si les travaux réunis à la
artistes contemporains savent bien que les fondation Cartier sont aussi divers
voyages forment non seulement la jeunesse, mais aussi les que les passeports de la vingtaine de
œuvres et leur aura. Sans attendre de pouvoir bénéficier de
telle ou telle résidence subventionnée, de la Villa Médicis plasticiens réunis, il apparaît qu’ils
de Rome ou de la Rijksakademie d’Amsterdam, beaucoup révèlent souvent les mêmes craintes,
se laissent pousser par le vent qui enflamme telle ou telle aspirations et pratiques. Explications.
capitale au gré des modes ou des prix de l’immobilier. Après
Zurich et Berlin, Bruxelles est devenu un vivier artistique,
déjà concurrencé par Lisbonne. Preuve que l’Europe de l’art
est inscrite dans les modes de vie des créateurs. Oui, mais
l’est-elle sur les cimaises ? Bien moins que les scènes natio-
nales : à New York, la biennale du Whitney Museum est
vouée à présenter des artistes américains ou œuvrant sur
le sol américain. C’est le cas de toutes les institutions qui
prennent régulièrement le pouls de la jeune création : elles
se tiennent dans les limites des frontières nationales,
même quand elles vont voir chez les autres (la Roumanie
est ainsi mise à l’honneur en France en ce moment).

Défi n° 2 : éviter le côté «Eurovision»

Alors, pourquoi dépasser ce cadre, comme l’entreprend
la fondation Cartier avec son exposition «Jeunes artistes
en Europe – Les Métamorphoses», qui réunit 21 créateurs
originaires de 16  pays différents, vivant à Lisbonne,
Moscou, Amsterdam, Tallinn, Londres ou Tbilissi ?
Du nord au sud, de l’ouest à l’est, de l’Atlantique à l’Oural,
les commissaires ont sillonné l’Europe – visitant 28 pays
sans s’en tenir aux seuls membres de l’Union. Vite, ils se
sont confrontés à quelques difficultés. À commencer par
celle de savoir quelles étaient au juste les limites du conti-
nent et si, par exemple l’Arménie ou bien l’Azerbaïdjan en
étaient. Puis, la situation politique ou l’isolement de cer-
tains pays (l’Ukraine, la Moldavie, la Macédoine) peuvent
rendre compliqué le travail de repérage et de découverte.
L’autre défi encore était d’éviter le côté «Eurovision» de
l’exposition. Chaque représentant devait-il porter ou non
les couleurs, les formes esthétiques et les préoccupations
politiques de son pays, fût-ce un pays d’adoption ? Le
risque est alors de réduire chaque artiste au terreau dans
lequel il évolue, de balkaniser la création européenne alors
Jonathan Vinel
Martin pleure
1/Les traumas d’une jeunesse
même que celle-ci emprunte des chemins plus fluides. Entièrement prise pour cible
L’exposition tisse bel et bien des liens entre les différents réalisé grâce
plasticiens et donc les différentes régions du continent. aux outils du jeu À leur façon, jamais linéaire, toujours imagée, les
vidéo Grand Theft
Beaucoup tiennent au travail fait main et mettent en œuvre œuvres disent quelque chose de l’histoire de l’Europe et
Auto, le film
des techniques artisanales. Certains partagent une même met en scène de ses populations. Toutefois, pour ces jeunes gens, qui
appétence pour une représentation grotesque de l’homme l’errance solitaire tous ont grandi ou sont nés après la chute du mur de
et de la nature, tandis que d’autres semblent porter un et violente Berlin, il est assez peu question de l’Europe de la guerre
d’un héros sans
regard critique sur le développement des outils et de l’éco- chair dans un froide, divisée en deux blocs Est-Ouest. Ce qu’ils mettent
nomie du numérique. Élargir la focale, dépasser les cadres monde sans vie. en scène, ce sont des histoires plus mouvantes, ancrées
imposés, ceux des frontières, c’est, à vrai dire, ce que l’art 2017, vidéo, 16 min. dans des territoires très locaux mais bondissant vite à
et les artistes font par nature. Penser ou montrer l’art tel l’échelle mondiale. Une histoire aussi davantage mar-
qu’il se pratique à l’échelle européenne, c’est se donner une quée peut-être par le traumatisme de la vague d’attentats
chance de mettre ses pas et ses yeux dans ceux des artistes. qu’a connue l’Europe ces dernières années. La jeunesse
Les rejoindre là où ils se meuvent déjà. artiste semble en avoir gardé le sentiment qu’elle pouvait

46 I Beaux Arts
 CI-CONTRE
Nika
Kutateladze
Maison
géorgienne
Cette
reconstruction
approximative est
l’une des œuvres
in situ produites
par la fondation
Cartier.

CI-DESSOUS
Kasper
Bosmans
Sint rombout
+ vitiligo,
série Legend
Mélangeant
blasons
et abstraction,
schémas
scientifiques
et palette pop,
le Belge entrelace
histoire et vie
quotidienne.
2018, gouache sur
panneau, 28 x 21 cm.

tout perdre du jour au lendemain. Se profile ainsi une

angoisse, celle d’être sans attaches, sans groupe, sans
famille, sans amis, sans corps, sans communauté (de pen-
sée et d’action). C’est ce dont l’unique personnage du film
du Français Jonathan Vinel, Martin pleure, est l’incarna-
tion. Perdu dans un paysage désolé, le type à la silhouette
androgyne recherche sa bande, disparue on ne sait com-
ment, en surmontant les obstacles par tous les moyens, y
compris les plus brutaux. Le film, produit uniquement à
partir des moyens et de la palette d’outils offerts par le jeu
Grand Theft Auto, arbore la texture synthétique et hyper-
réaliste des jeux vidéo, ce qui accentue sa fibre dysto-
pique. Curieusement, la jeune Suédoise Lap-See Lam
emprunte le même grain digital pour retracer sur trois
générations l’histoire de la diaspora chinoise en Europe
du Nord avec en toile de fond les décors de restaurants
asiatiques scannés. De l’Extrême-Orient à l’Europe, les
visions idéalisées de l’empire du Milieu s’opposent à l’his-
toire familiale travaillée par les écarts culturels (et linguis-
tiques) qui se sont creusés entre la grand-mère et sa petite-
fille. Les artistes ont écouté et pris note des récits qu’on
leur a transmis. Ils les mâchent et les digèrent pour les res-
tituer à leur tour avec énergie, mais de manière délibéré-
ment hésitante et bancale, comme si les transformations
sociales et politiques de l’Europe empêchaient désormais
de conserver la mémoire du vieux monde. Ainsi, le
Géorgien Nika Kutateladze, à la fondation Cartier, tente
de reconstruire, à Paris, un pâté de maisons du village où
il a grandi, lequel est aujourd’hui déserté et abandonné.
De même, le Belge Kasper Bosmans revient dans sa pein-
ture sur la tradition héraldique de sa région flamande, sans
prétendre détenir les clés de ces blasons qui, dès lors,
deviennent des espèces de rébus. L’histoire européenne ?
Une pelote qui, entre les mains des artistes, reste à démêler
pour retrouver le fil. QQQ
Beaux Arts I 47
 Magnus
Andersen
Un pour tous
tous pour un II
S’inspirant
de l’imagerie
traditionnelle
vernaculaire,
cette toile
se veut aussi
ironiquement
moralisante.
2017, huile et acrylique
sur toile, 195 x 205 cm.

2/Mi-sauvages, mi-spirites, Piotr Łakomy

Waiting Room
et sans limites Avec ses
objets de la vie
quotidienne
La fondation Cartier a rameuté une foule effervescente
figés dans des
et bigarrée de créatures mi-humaines, mi-animales… par- couleurs ternes,
fois aussi florales – tant les artistes semblent assez peu se le plasticien
soucier des règles de la raison mathématique pour préférer polonais cultive
une forme
suivre les préceptes de la magie et de l’irrationnel, des de froideur.
mythes et légendes ancestrales. Leurs œuvres prêtent La preuve ici
formes et couleurs à des personnages grotesques, mais très avec cette «salle
d’attente», r
dignes, connectés au règne de la nature et aux rythmes du
éduite à des
cosmos. Ceux-là sont pensifs, plutôt qu’agités, recroquevil- sièges délabrés
lés plutôt qu’exubérants. Ils résident dans une autre réalité, patientant
où nul n’est sommé d’adopter une identité stable et défini- benoîtement
devant une
tive. Leurs silhouettes se liquéfient et leurs contours fenêtre-tableau
divaguent. Leur couleur de peau se distingue assez peu de ajouré, donnant
l’arrière-plan sur lequel ils s’inscrivent. À l’image de ces sur un mur.
personnages massifs et mous que dépeint le Britannique 2018, technique mixte.

George Rouy [ill. p. 44-45] : agglutinés les uns contre les

autres dans de pudiques étreintes, ils font corps jusqu’à ce
qu’on ne sache plus à qui attribuer tel bras ou tel pied.
Ce qui est ainsi mis sens dessus dessous, ce sont bien sûr
les catégories de genre, puis la division entre l’homme et
les autres espèces vivantes, mais aussi la hiérarchie entre
les types de représentations. Les petites sculptures grossiè-
rement modelées du Russe Evgeny Antufiev empruntent
ainsi leur gestuelle théâtrale et leurs expressions édifiantes
à celles des totems primitifs tandis que les peaux tannées
et peintes par l’Allemande Raphaela Vogel prennent,
suspendues dans l’espace d’exposition, plissées et frois-
sées, la forme de masques immenses et grimaçants, der-
rière et autour desquels semble percer l’âme de démons et
démones. Exécutés à grands coups de pinceau, éclabous-
sés de rouge sang et de vert marécageux, ces cuirs donnent
chair à des spectres que suivent de près les sculptures du
Polonais Piotr Łakomy, de latex, de sable, d’aluminium
fondu parfois dans les alvéoles cireuses de nids d’abeilles.
Un dernier trait caractéristique de cette veine sauvage de
l’art européen réside dans sa capacité à se mouler dans l’es-
pace, à y terrer, à y tapir tout en souplesse ses carcasses
flasques et ses peaux mortes pour mieux donner l’impres-
sion qu’il en est sorti, qu’il est déjà ailleurs, au milieu des
spectateurs, dans l’air que ceux-là respirent, dans leur corps
et dans leur esprit. C’est un art sans frontières, passe-
muraille, organique et spirite.

48 I Beaux Arts
3/Des survivalistes Formafantasma
Cabinet, projet
experts en la matière Ore Streams
La fondation
Trier les déchets ? Recycler, ne rien gâcher, dépiauter, Cartier fait aussi
une place au
rapiécer, redonner vie aux choses qu’on croyait mortes et design avec ce
usagées, les artistes aussi s’y mettent, ou plutôt s’y duo italien et ses
remettent, tant le processus de récupération (des matières objets aux formes
épurées, créés
et des matériaux) imprègne cycliquement l’art et sa pensée.
à partir de déchets
Mais, au XXIe siècle, ce travail de collecte et de refonte électroniques.
prend une tonalité plus inquiète : il y va, on ne le sait désor- 2017-2019, éléments
mais que trop, de la survie de la planète, des espèces voire, informatiques recyclés.

selon les scénarios les plus catastrophistes, de l’espèce

humaine elle-même.
Des œuvres, faites de bric et de broc, agrégats composites
d’objets promis à une obsolescence prématurée, réper-
cutent cette préoccupation majeure en échafaudant des
volumes et des tableaux à l’équilibre précaire. Empile-
ments bancals en surpoids, pans de matières tenus de tous
les côtés par des fils qui menacent de rompre, toiles trouées,
plus ou moins raccommodées, greffées d’objets qui
prennent part à l’élaboration d’une image de sauve-qui-
peut, monuments de peu de prix figurant un naufrage : les
artistes européens ouvrent des brèches dans la cuirasse de
leurs œuvres en même temps qu’ils travaillent à les colma-
ter. Un double mouvement qui fait toute l’originalité des
sculptures de la Néerlandaise Tenant of Culture, qui coud
et colle ensemble de vieilles chaussures de sport, des sacs

à dos, des anoraks, dans une esthétique qu’elle nomme À GAUCHE

«ornementation survivaliste». Car, s’il s’agit de se préparer Marion

Verboom
à survivre à la fin du monde, il faut le faire avec grâce, en y
Temporaldaten
mettant les formes d’une main agile et soigneuse. À l’image
De fait, ces artistes remettent la main à la pâte. Leurs de l’exposition,
pièces appellent des gestes et des techniques artisanales les empilements
traditionnelles. Coudre donc, mais aussi tricoter, tisser, bigarrés de
Marion Verboom
broder, ficeler, modeler, cuire l’argile, le kaolin, au four. La ne craignent
texture des œuvres se veut épaisse, filasse, palpable : tout pas d’allier
sauf lisse, comme ont pu l’être, il y a cinq ans à peine, les les contraires.
productions de dispositifs imbibés d’une imagerie et d’une 2017, céramiques.

technologie post-Internet. Éteignant les écrans numé-

riques, les jeunes artistes européens rallument les four-
neaux d’un art où le contact avec la matière prévaut.
Comme si celle-ci, rugueuse et pleine d’aspérités, redon-
nait du poids et de la gravité à l’art à un moment où la légè-
reté et la nonchalance ne sont plus de mise. n

Un Grand Tour de la jeune création européenne

À travers les œuvres de 21 artistes, tous nés dans les années 1980 ou 1990 et issus de 16 pays «Jeunes artistes en Europe
Les Métamorphoses»
différents, l’exposition propose un Grand Tour de la jeune création européenne. Dans une scénographie du 4 avril au 16 juin
aérée signée du Français Benjamin Graindorge, peintures, sculptures mais aussi objets de design Fondation Cartier • 261, bd Raspail
et films, «Les Métamorphoses» font la part belle à des créations in situ avec 11 pièces créées pour 75014 Paris • 01 42 18 56 50
www.fondationcartier.com
l’espace de la fondation Cartier. En parallèle, des événements performatifs sont proposés dans
le cadre des Soirées nomades et autres Nuits de l’incertitude. À noter que le show inaugure un cycle
d’expositions consacré aux jeunes scènes artistiques à travers le monde.
Découvrez l’exposition en vidéo sur BeauxArts.com
QQQ
Beaux Arts I 49
EN COUVERTURE l JEUNES ARTISTES EN EUROPE

Les 10 stars de demain

Ils sont tous nés après 1985 et ont grandi à mesure que
le mur de Berlin se fissurait. De la chute des utopies
au dérèglement climatique, ils se sont familiarisés avec l’idée
d’une fin d’un monde plus ou moins imminente. Grave
ou ironique, jouisseur ou zombi, leur travail étonne et témoigne
d’une grande vivacité de la scène européenne.

Raphaela Vogel
Née en 1988 à Nuremberg (Allemagne).

Peau sauvage
D’ores et déjà largement adoubée
par la critique après ses expositions
personnelles à Bonn, Munich ou Zurich,
la jeune Allemande passée par
les écoles d’art de Nuremberg et de
Francfort, installée à Amsterdam,
cultive une forme d’engagement
féministe à travers des œuvres qui
ne font pas dans la dentelle. Ses cuirs
(de cheval), badigeonnés de peinture
rougeâtre ou bleuâtre, pendent au mur
avec la mollesse charnue de la Raie
de Chardin, tandis qu’ici et là des
espèces d’arches plâtreuses marquent
le seuil d’un temple voué à l’on se sait
quel saint. Animal, fibreux, nerveux,
sanguin, physique enfin, cet art se
hérisse contre la domination masculine
et retourne le virilisme, ses symboles
et son énergie contre lui-même.
Dans ses vidéos, Raphaela Vogel
n’hésite jamais à se mettre en scène,
adoptant l’air crâne de celles qui
savent rectifier le sens de l’histoire
et des rapports entre les sexes.

Das Herz fliegt in die Hose, 2018

50 I Beaux Arts
Maya Rochat
Née en 1985 en Suisse.

Joueuse de paintball techno trash

Elle habille les espaces d’exposition de motifs abstraits qui partent en loques sous le feu incendiaire
des couleurs qu’elle y injecte. Et le spectateur ne peut manquer d’être rattrapé par des retours
de flamme. Maya Rochat communique à ses œuvres gravées (sur tout type de papier et de tissu)
une énergie contagieuse qui est aussi celle d’une génération biberonnée aux images numériques,
éclairées d’un halo acide et fluorescent, comme le light show des dancefloors techno trash. Ce sont
bel et bien des créations abstraites et totales que déploie la plasticienne suisse selon une tradition
qui va des constructivistes russes à Katharina Grosse. Mais Maya Rochat pousse l’ivresse et l’extase
un peu plus loin en éclaboussant cette veine de motifs plus décousus.

Dojo Despacio, 2018

Beaux Arts I 51
EN COUVERTURE l JEUNES ARTISTES EN EUROPE

Oli Epp
Né en 1994 à Londres (Royaume-Uni).

Esthétique geek sur toile

À 25 ans, en peinture, vous êtes d’ordinaire
un adolescent. À cet âge, Oli Epp, lui, est déjà
suffisamment mûr pour multiplier les lignes
de son CV, les followers de son compte
Instagram et les tableaux sur les cimaises
de ses nombreuses galeries. En France,
on a vu à la galerie Semiose ses toiles aussi
lisses que l’écran d’un smartphone mettre
en scène des personnages aux silhouettes
molles et languides, touillant leur café
d’un geste nonchalant tout en tapotant
distraitement sur le clavier d’un ordinateur.
Ces scènes de genre contemporaines,
portrait d’une jeunesse happée par
les mondes virtuels au point d’en oublier
comment se tenir sur la toile, sont drôles
et attendrissantes. Un peu agaçantes aussi.
Comme le sont les ados…

Catfish, 2018

52 II Beaux
52 Beauxx Arts
 Luís Lazáro Matos
Né en 1987 à Évora (Portugal).

Dans les eaux profondes

d’histoires captivantes
Il est encore fort peu connu, mais ses
peintures murales qui recouvraient
la galerie lisboète Madragoa de calamars
violets ou bien la galerie marseillaise
Bastide Projects de requins au ventre carré
sur un fond bleu pervenche auraient
tapé dans l’œil de tous ceux pour qui
la peinture est encore une promesse
d’aventures. Formé aux Beaux-Arts
de Lisbonne puis au Goldsmiths College
de Londres, Luís Lazáro Matos a cette
Kris Lemsalu capacité de déployer en peinture
et dans l’espace des histoires captivantes.
Née en 1985 à Tallinn (Estonie).
Il plonge dans les heurs et malheurs
Poupées de rêve et de cauchemar de l’excentrique Louis II de Bavière aussi
bien que dans le triste sort des dinosaures,
Elle représentera l’Estonie à la prochaine biennale de Venise où elle révélera
en rendant la chose actuelle et réjouissante.
ses sculptures à mi-chemin entre le monstrueux et le comique, c’est-à-dire
Comme sur les murs ou la toile, il peint
pile dans les ornières du grotesque. Toute la panoplie des poupées est passée
et expose des vêtements ornés de motifs
en revue par Kris Lemsalu, des poupées gonflables et sexuées aux innocentes
décoratifs et présentés sur cintres.
marionnettes de théâtre pour enfants. Puis rhabillées au moyen de mille
Une peinture décompressée.
et un matériaux (silicone, céramique, fourrure synthétique, porcelaine) et objets
(baskets, masques de fête foraine, portières de voiture…) pour en faire des espèces White Shark Cafe, 2018
de divinités baroques, puissantes et vulnérables à la fois, prêtes à s’écrouler
ou à s’envoler vers des sphères plus confortables. Cette œuvre tient à la fois
du rêve d’enfant et du cauchemar de la surconsommation qui transforme les vies
d’adultes en cabas trop garni de tout et de rien.

Wisdom and Eggs, 2011

Beaux Arts I 53
EN COUVERTURE l JEUNES ARTISTES EN EUROPE

Gaëlle Choisne
Née en 1985 à Cherbourg (France).

La représentation du monde
coulée dans le béton
Diplômée des Beaux-Arts de Lyon en 2013, Gaëlle Choisne
a séjourné dans le saint des saints des résidences d’artistes :
la Rijksakademie, à Amsterdam. Un parcours déjà idéal,
surtout si l’on ajoute qu’elle est représentée par la galerie
parisienne Untilthen. Pour y montrer quoi ? Des images
de chantier, pétries dans le béton, ou des plaques de plâtre
badigeonnées de couleurs atmosphériques et se tenant dans
l’entrebâillement d’une porte. Ou bien encore un coquetier
en céramique portant fièrement un œuf noir et difforme.
C’est un art de la reprise en main des images numériques
sans texture et sans poids. Et de la remise en chantier
de la représentation du monde qui, sans cela, sans ce grain,
sans ce caillou, pourrait bien se réduire à vue d’œil comme
cette Peau de chagrin.

Peau de chagrin, 2016

John Skoog
Né en 1985 à Kvidinge (Suède).

Apocalypse folklo
Les films et les vidéos de John Skoog ont déjà raflé pas mal
de récompenses dans des festivals suédois, allemands
ou suisses. Sa galerie, Pilar Corrias (celle également
de Philippe Parreno), est londonienne. Il vit à Copenhague.
Ces quelques lignes extraites de son CV suffiront sans doute
à situer le jeune homme, européen par tous les bouts
qu’on veuille le prendre. Ses films, Federsee notamment,
montrent des personnages à peine humains, des créatures
costumées comme d’antiques guerriers, mi-effrayants
mi-loufoques, s’aventurant dans des terres froides
et désertiques, tels les derniers survivants d’un monde
qui aurait subi un cataclysme… Porté par une fascination
pour le folklore et par la volonté de mettre en scène les
menaces écologiques tout comme les théories survivalistes,
John Skoog colle à l’actualité terrifiante de la planète,
en puisant son énergie dans la profondeur des mythes.

Federsee, 2013

54 I Beaux Arts
Kostas Lambridis
Né en 1988 en Grèce.

Designer d’orgies baroques

Issu de la Design Academy Eindhoven, aux Pays-Bas, le Grec Kostas Lambridis
est plutôt catalogué et repéré dans le champ du design. Lequel se mêle de plus en plus
à l’art contemporain (ou l’inverse). Quoi qu’il en soit, son Elemental Cabinet
prend une stature sculpturale et baroque. Reposant sur des pieds de piano repeints
et déformés, il est constitué d’un amoncellement de tiroirs et de coffres coiffé
d’une horloge un rien pompière. Kostas Lambridis creuse une veine baroque (celle
d’Alessandro Mendini, mort en février dernier) en y ajoutant une monumentalité qui fait
dériver ses meubles vers une dimension orgiaque et monstrueuse. Ses meubles
ventripotents et babéliens prennent sans doute la forme et les dimensions de notre
désir insatiable de tout posséder, de tout stocker jusqu’à plus soif, plus place.

Elemental Cabinet, 2017

Beaux Arts I 55
EN COUVERTURE l JEUNES ARTISTES EN EUROPE

Klára Hosnedlová
Née en 1990 à Uherské Hradiště
(République tchèque).

Mélancolie vintage
On est tombé sous le charme de ses
peintures au grain épais et un peu vieux
jeu, qui se rapprochent de leur modèle
en se concentrant sur un détail :
une main ridée, une natte strictement
nouée, les plis d’une robe bouffante…
Encadrés d’une matière grisâtre,
ces tableaux sont soigneusement
mis en scène dans une espèce de patio
ou de chambre, qui abrite la garde-robe
du modèle sous un rideau de tulle.
L’artiste tchèque Klára Hosnedlová,
installée à Prague, cultive dans
sa peinture et vaporise dans l’air
un parfum qui fleure la mélancolie
fin-de-siècle de l’aristocratie déclinante
et les désirs inassouvis.

Sans titre, 2018

Miryam Haddad
Née en 1991 à Damas (Syrie).

Une touche onctueuse et fougueuse

Diplômée des Beaux-Arts de Paris, installée dans la capitale depuis six ans, la jeune Syrienne
n’a pas froid aux yeux si l’on en juge d’après le format imposant de ses toiles, mais plus encore
d’après cette touche à la fois onctueuse et fougueuse sous laquelle prennent forme ses
paysages chaotiques. Qui ose encore aventurer ses pinceaux sur ce terrain terrain accidenté
où la fantaisie le dispute à l’inquiétude ? La palette vive, pleine d’indigo, d’orangé et de jaune,
paraît primesautière, comme une ode à la beauté des éléments. Mais les tremblements du
pinceau et le capharnaüm des motifs à peine identifiables et pullulants (frêles embarcations ?
colonnes antiques ?) donnent l’impression d’un monde en ruines. Et que chaque tableau a été
renversé. Une manière de reverser la peinture dans le chaudron de l’histoire contemporaine.
La Chute, 2018

56 I Beaux Arts
Beaux Arts I 57
ÉVÉNEMENT l GRANDE HALLE DE LA VILLETTE
Jusqu’au 15 septembre

Les 5 mystères
de Toutankhamon
Tout le monde connaît la fabuleuse histoire de la découverte
de son tombeau en 1922. Et l’exposition d’une partie
de son trésor à Paris promet de réveiller comme jamais
notre égyptomanie nationale. Mais savez-vous qui
était vraiment ce pharaon mort à 19 ans, en 1 327 avant
notre ère ? Beaux Arts vous révèle tout.

Par Malika Bauwens

T
Statue outankhamon ! Sans la découverte de
gardienne son fabuleux trésor de 5 398 objets par
du ka du roi
Howard Carter en 1922 dans la vallée des
portant
la coiffe némès rois, ce nom ne vous dirait sans doute pas
Cette statue grand-chose. Et pour cause ! Toutankha-
gardait l’entrée mon a beau être l’un des plus célèbres pharaons, il
de la chambre détient aussi la palme des énigmes. On sait qu’il est
funéraire au sein
du tombeau de
monté sur le trône d’Égypte à l’âge de 9 ans pour y
Toutankhamon. régner dix ans, il y a trois mille trois cents ans. Pas
Elle représente beaucoup plus… Car son nom a été littéralement
son ka, c’est-à- effacé de l’histoire. Horemheb, qui lui succéda après
dire sa «force
créatrice», et sa disparition prématurée, a pris soin de marteler
associe l’or, presque toutes les traces de son existence en apposant
solaire, et la son nom sur celui de son prédécesseur. Malédiction
couleur noire,
pour les archéologues ! Presque un siècle après la
symbole de
résurrection. découverte d’Howard Carter, la vie du souverain égyp-
Bois, bitume, gesso, tien reste à écrire. Qui étaient ses parents ? De quoi est-
dorure, alliage il mort ? Que sait-on de son trésor ? D’où vient cette
de cuivre, calcaire,
obsidienne, maudite histoire de malédiction ? Les recherches
190 x 56 cm. scientifiques menées ces dernières années ont permis
d’éclairer cette légende sous un nouveau jour. QQQ
58 I Beaux Arts
Beaux Arts I 59
ÉVÉNEMENT l TOUTANKHAMON

Relief représentant la famille royale : Akhenaton,

Néfertiti et trois de leurs filles
Le règne d’Akhenaton, père de Toutankhamon, a vu éclore
un nouveau canon artistique, aux corps féminins
et aux visages allongés. C’est là l’expression de la nouvelle
religion, dédiée au dieu Aton, que le roi avait imposée.
1 350 avant J.-C., calcaire, 32,5 x 39 cm.

1 / À quoi ressemblait-il ?
Oubliez le lustre de son éblouissant
masque d’or. Toutankhamon
n’avait pas un physique très
avantageux…

Dominée par l’art amarnien, révolution artistique

égyptienne qui stylise certains traits physiques, laissant
voir des crânes allongés, des hanches larges et des
membres graciles, l’iconographie de l’époque de Toutan-
khamon est trompeuse… Car lorsqu’elle a été scannée en
2010, sa momie a révélé un tout autre visage ! À commen-
cer par des problèmes buccodentaires : le pharaon souf-
frait d’une surocclusion et d’un mauvais alignement… Le fabuleux masque d’or
Bref, il avait des dents de lapin ! On a aussi observé un est composé de deux épaisses
palais fendu et un bec-de-lièvre, mais ces données ont couches d’or. De récents
examens aux rayons X ont
pu être mal interprétées car Toutankhamon n’a pas été révélé que les artisans avaient
momifié correctement. Derrière le masque et les bande- ajouté par endroits un alliage
lettes de lin, la chair de son visage a été carbonisée, à cause d’or, d’argent et de cuivre
du mélange de bitume, d’asphalte, de sel et de plantes aro- pour le faire briller davantage.
matiques ayant servi à l’embaumer. Les 130 cannes décou-
vertes dans son tombeau ont longtemps laissé penser que
le pharaon était handicapé ! Hypothèse corroborée par les
analyses de ses os : un pied bot côté gauche, avec des Reconstitution du visage
orteils très espacés, l’empêchait probablement de mar- de Toutankhamon
cher correctement. Mais, là encore, méfiance… une mau- par la plasticienne
Élisabeth Daynès d’après
vaise position du pied momifié dans les bandelettes a pu des analyses scientifiques
provoquer une déformation post-mortem. menées en 2006.

60 I Beaux Arts
 Statue colossale en quartzite
de Toutankhamon usurpée
par Aÿ et Horemheb
Cette statue colossale (un peu
plus de 5 mètres à l’origine) a été
réalisée pour Toutankhamon
mais usurpée par ses
successeurs, Aÿ et Horemheb,
après la mort prématurée du
jeune roi.
Quartzite, h. 285 cm.

2 / Comment
est-il mort ?
Plusieurs hypothèses ont
été avancées pour expliquer
sa disparition précoce,
à l’âge de 19 ans.

Aurait-il été victime d’un assassinat ? Le bruit

a couru lors des premiers rayons X pratiqués sur
la momie du pharaon en 1968 : les scientifiques
ont découvert des débris osseux à l’intérieur de
son crâne, laissant croire que Toutankhamon
aurait pu, par exemple, être battu à mort par l’un
de ses successeurs. Romanesque… mais faux !
Les scanners pratiqués depuis ont montré que ce
sont tout simplement les embaumeurs qui, au
cours de leur rituel, ont brisé l’arrière du crâne
afin d’en extraire le cerveau. L’hypothèse privilégiée est désormais celle d’un
accident de char. Cela d’après une fracture, jamais résorbée, découverte sur
la momie au niveau du fémur gauche. Le pharaon aurait succombé à une
chute lors d’une course de char, loisir et activité guerrière très
prisée de l’élite dans l’Égypte antique. Reste cette
question : si Toutankhamon avait un pied
bot, comment faisait-il pour tenir sur un
char dont la plateforme était très instable, à
la seule force de ses jambes ? Par ailleurs, la
consanguinité de ses parents augmentait ses
risques d’avoir une malformation ou une maladie
génétique. Les analyses ADN pratiquées sur sa
momie ont également montré qu’il était porteur
du parasite Plasmodium falciparum, responsable
du paludisme. Des crises de malaria auraient-elles
fini par l’épuiser ? En tout cas, ses arrière-grands-
parents, Touya et Youya, avaient la même mala-
die… Et sont morts à un âge avancé. QQQ

Chapelle à statue en bois doré décorée de scènes

représentant Toutankhamon et Ankhesenamon
Objet des plus fascinants découvert dans la tombe,
cette chapelle miniature montre l’intimité de
Toutankhamon et son épouse Ankhesenamon.
Cette dernière – qui était aussi sa sœur – tient un rôle
vivifiant sur Terre comme dans l’au-delà.
Bois, gesso, feuille d’or, argent, 50,5 x 30,7 x 48 cm.

Beaux Arts I 61
 3 / Ce fabuleux trésor est-il vraiment le sien ?
Parmi les quelque 5 000 pièces du mirifique trésor, les archéologues
ont constaté qu’un nombre considérable a été usurpé et portait à
l’origine le nom d’un autre roi, ou d’une reine…

«À l’évidence, affirme Marc Gabolde, égyptologue spé-
cialiste de la XVIIIe dynastie et auteur de Toutankhamon
(éd. Pygmalion), les noms de Toutankhamon recouvrent
ceux d’un autre pharaon sur deux des quatre chapelles
funéraires, deux des arcs du roi, plusieurs bijoux…»
L’archéologue britannique Carl Nicholas Reeves partage
cet avis, ajoutant que près de 80 % du trésor de Toutan-
khamon est un recyclage ! Dans ce pêle-mêle d’«emprunts»
se trouvent des chefs-d’œuvre tels les petits sarcophages
62 I Beaux Arts
à viscères, le masque d’or et l’un des colliers pectoraux.
Ils portent les traces d’un premier nom renvoyant à une
reine. «La plupart des chercheurs, précise Marc Gabolde,
pensent qu’[il s’agit] de Néfertiti, mais plusieurs indices
renvoient beaucoup plus sûrement à la fille aînée
d’Akhenaton et de Néfertiti, la princesse Mérytaton.»
Cette dernière – dont la dépouille n’a pas été identifiée –
aurait pris les rênes de l’Égypte avant que son jeune frère
Toutankhamon ne monte sur le trône. QQQ
CI-DESSUS À GAUCHE CI-CONTRE
Mur nord Chaîne et figurine Figure d’Horus
de la chambre en or représentant en faucon
funéraire un roi accroupi solaire sur
À droite de cette fresque Howard Carter l’attelage des
restaurée par le Getty a découvert ce roi chevaux
Museum, Aÿ procède accroupi, dans Cette figure
à la cérémonie de la position des faisait partie des
l’ouverture de la bouche enfants-dieux, ornements du
sur Toutankhamon en dans la tombe char d’apparat du
Osiris. Au centre, de Toutankhamon, pharaon. Il était
Toutankhamon, habillé avec une boucle monté sur la
en roi vivant, est de cheveux qui, barre principale.
accueilli dans le après analyse, s’est
Bois, gesso, dorure,
royaume des dieux par avérée être celle de h. 42,5 cm.
la déesse Nut. À gauche, Tiyi, sa grand-mère.
Toutankhamon, suivi Or, verre, h. (figure) 5,4 cm ;
par son ka, est embrassé long. (chaîne) 54 cm.
par Osiris.

Beaux Arts I 63
ÉVÉNEMENT l TOUTANKHAMON

DE GAUCHE
À DROITE 4 / Qui sont ses parents ?
Akhenaton
Néfertiti Akhenaton ? Néfertiti ? Sa généalogie est brumeuse…
Chefs­d’œuvre
de l’Ägyptisches
Museum et du Entre 2005 et 2009, l’«Egyptian Mummy Project», Marc Gabolde, avancent qu’il s’agit de Néfertiti, la pre­
Neues Museum une grande campagne de tests génétiques et radio­ mière épouse d’Akhenaton. D’autres qu’il s’agit de Kiya,
de Berlin,
ces bustes ne
logiques conduite au Caire par des égyptologues et des sa seconde femme… Mais l’énigme reste entière.
viendront pas professionnels de santé, promettait de trancher la filia­ Une chose est sûre : l’ADN a montré que Toutankha­
compléter tion de Toutankhamon en se penchant sur le cas de mon est le fruit de parents très proches génétiquement.
le trésor de 16 momies de la XVIIIe dynastie, où prend place le règne Étaient­ils frère et sœur ? Cousin­cousine ? Très
Toutankhamon
exposé à la du pharaon au fabuleux trésor. Révélés en 2010, les résul­ probablement… «À l’époque, l’endogamie est une norme,
Grande Halle tats sont sans appel… Du moins, côté paternel : «Toutan­ les unions royales se font entre personnes du même clan
de la Villette. khamon est à 99,99999981 % le fils d’Akhenaton», ont et de la même génération», souligne Dominique Farout,
Vers 1355 av. J.­C., conclu les scientifiques. égyptologue et conseiller scientifique de l’exposition.
stuc, h. 25 cm.
Vers 1355 av. J.­C., Et pour sa mère ? Les choses sont moins limpides. La
calcaire, h. 50 cm. comparaison de l’ADN mitochondrial des momies (cet
ADN transmis seulement par la mère) a certes permis de
l’identifier : il s’agit d’une «jeune dame», une momie
connue des scientifiques sous le matricule KV35YL…
Mais on ignore son nom ! Certains égyptologues, comme

64 I Beaux Arts
 5 / D’où vient cette
histoire de malédiction ?
La découverte en 1922 du
tombeau de Toutankhamon est
suivie de plusieurs morts
mystérieuses : la presse y trouve
un filon romanesque.

Erich Schilling C’est la mort de lord Carnarvon, mécène de l’expédition

Toutankhamon d’Howard Carter dans la vallée des rois, qui allume les pre-
chasse les
miers feux d’une soi-disant malédiction : «Le pharaon s’est-
Anglais
il vengé ?» s’interrogent, au lendemain du 6 avril 1923, les
d’Égypte
Après l’ouverture journaux du monde entier. Quelques semaines plus tôt, le
du tombeau de comte britannique à la santé fragile s’était fait piquer par
Toutankhamon, un moustique. La plaie s’est infectée, une pneumonie s’en
les rumeurs font
est mêlée. Presque trop banal ! Les rédactions s’emballent.
les choux gras
de la presse. Précision importante : la presse avait été écartée de la
Simplicissimus découverte du tombeau – lord Carnarvon ayant vendu
du 10 mars 1924. l’exclusivité du reportage au quotidien britannique Times.
Or l’époque raffole des histoires de momies maudites.
L’Angleterre a frissonné en
lisant The Mummy! A Tale of
the Twenty-Second Century
de la romancière Jane Webb
Loudon. Résultat : un cata-
logue de «faits» étranges Howard Carter ouvrant les portes de la chapelle dorée
vient noircir les unes. Au et contemplant le sarcophage de Toutankhamon, en 1923.
hasard : lorsque Lord Car-
narvon rend son ultime dizaine d’autres – du frère de Carnarvon, de l’assistant
souffle, les lumières du Caire de Carter, du magnat américain George Jay Gould, ou
auraient clignoté ; il aurait encore du prince égyptien Ali Kamel Fahmy, mort dans sa
parlé subitement dans une chambre d’hôtel… d’un coup de fusil tiré par sa femme.
langue incompréhensible ; La réalité a beau être beaucoup moins romanesque (sur
sa chienne serait tombée les vingt-six personnes présentes à l’ouverture de la tombe,
raide morte en même temps six sont mortes au cours des dix années suivantes), la presse
que lui… Après ce premier s’accroche. Notamment à une brique «magique», décou-
épisode, et pendant des verte par Howard Carter dans la salle du trésor et recouverte
années, tout décès d’une d’une inscription : «C’est moi qui empêche le sable d’enva-
personne ayant approché de hir la chambre secrète. Je suis celui qui protège le défunt
près ou de loin le trésor est et je tuerai quiconque osera franchir ce seuil pour entrer
associé à la malédiction : dans la tombe sacrée du roi éternel qui vit à jamais.» Sauf
c’est le cas – parmi une que, là aussi, la transcription était fantaisiste… n

«Toutankhamon – Le trésor
Une occasion en or du pharaon» jusqu’au 15 septembre
Grande Halle de la Villette
C’est une chance unique qui s’offre à vous ! Cet extraordinaire trésor ne devrait ensuite 211, avenue Jean Jaurès
plus jamais sortir d’Égypte. L’exposition de la Grande Halle de la Villette, proposée 75019 Paris • 01 40 03 75 75
www.expo-toutankhamon.fr
en partenariat avec le musée du Louvre, profite du transfert d’une partie des collections
Catalogue sous la dir. de Zahi
du musée du Caire de la place Tahrir vers le Grand Musée Égyptien de Gizeh, qui devrait
Hawass • coéd. IMG / Melcher Media
ouvrir ses portes dans quatre ans. Les 150 objets réunis (pas le masque funéraire ni le trône 320 p. • 50 €
en or, hélas, mais l’exceptionnel naos en bois doré, un cercueil miniature à l’effigie du roi, ✶ Hors-série
et des dizaines de bijoux tout de même) promettent de déplacer les foules… Record Beaux Arts Éditions
108 p. • 7,90 €
à battre ? Celui de «l’exposition du siècle» en 1967, où la venue du jeune roi avait attiré plus
de 1,2 million de visiteurs au Petit Palais, à Paris.

Visitez l’exposition de la Villette en diaporama sur BeauxArts.com

Beaux Arts I 65
REPORTAGE l QATAR

À Doha, l’éclosion
d’une rose des sables
Le nouveau Musée national du Qatar vient d’être inauguré
dans la capitale de l’émirat. Ce spectaculaire bâtiment,
conçu par Jean Nouvel et retraçant l’histoire du pays, rappelle
la délicatesse du désert au milieu des gratte-ciel de la ville.
Visite guidée de ce musée hypnotique !
Par Fabrice Bousteau

66 I Beaux Arts
Beaux Arts I 67
REPORTAGE AU QATAR l INAUGURATION DU MUSÉE NATIONAL

Le musée, réalisé par Jean

Nouvel (ci-contre) sur le modèle
d’une rose des sables,
est construit autour du palais
historique de Doha.

«La rose des sables est la première architecture auto-

créée par la nature, le vent, le sable et les millénaires.
Elle est d’une poésie surprenante.» Jean Nouvel

C’
est un monochrome couleur sable qui celui de la pêche des perles et leur commerce. Puis, après
semble totalement explosé dans l’es- la Seconde Guerre mondiale, la découverte du pétrole. Et
pace. Une forme chaotique saisissante vingt plus tard, d’un autre trésor : le plus important gise-
de beauté, comme née des profondeurs ment au monde de gaz naturel. En à peine cinquante ans,
du désert en des temps lointains. Le d’un pays pauvre de pêcheurs, le Qatar est devenu un géant
Musée national du Qatar dessiné par l’architecte Jean des énergies fossiles, avec un PIB par habitant parmi les
Nouvel est tel le «ready-made augmenté» d’une rose des plus élevés au monde. Cette
sables. Ces roches que l’on qualifie joliment d’évaporitiques richesse a permis à l’émirat
se forment principalement dans le désert par la cristallisa- d’ériger sur la corniche de
tion de minéraux dont la disposition rappelle les pétales Doha une skyline de tours
d’une rose. Jean Nouvel considère la rose des sables comme plus impressionnante les
la «première architecture autocréée par la nature, par le unes que les autres, dont
vent, les embruns, le sable et les millénaires. Elle est d’une l’une conçue par Jean Nou-
complexité et d’une poésie surprenantes». Et de pour- vel (High Rise Office Tower,
suivre : «Prendre la rose des sables comme point de départ inaugurée en 2012). À coups
devient une idée très progressiste, pour ne pas dire utopiste. de «gazodollars», les «star-
Je parle d’utopie parce que, pour construire un bâtiment chitectes» de la planète s’y
de 350 mètres de long, avec ses grands disques incurvés, bousculent – Ieoh Ming Pei
ses intersections, ses éléments en porte-à-faux, il fallait pour le Musée d’art isla-
relever d’énormes défis techniques.» mique, Arata Isozaki pour
un centre de conférences,
Les «starchitectes»remodèlent le pays Reem Koolhaas pour la
Dédié à l’histoire du Qatar, ce musée national devait sym- Bibliothèque nationale de
boliquement évoquer, par son architecture, «le désert, sa Doha –, d’autres réalisations
dimension silencieuse et éternelle, mais aussi la modernité spectaculaires étant en
et l’audace qui sont venues perturber ce qui semblait à construction en vue de la
jamais imperturbable», explique Jean Nouvel. Habité depuis Coupe du monde de football
des milliers d’années, le Qatar a été «perturbé» par trois de 2022, comme le stade
miracles économiques. Ce fut d’abord, pendant l’Antiquité, conçu par Zaha Hadid ou les

68 I Beaux Arts
trois ponts de Santiago Calatrava. Mais impossible d’en
connaître le coût réel, comme si cela était obscène… À cette
question, au sujet du Musée national, Jean Nouvel sourit :
«Personnellement, je suis favorable au fait de communiquer
le coût de chacune de mes réalisations, mais mes comman-
ditaires me l’interdisent. Pourtant, une architecture est
parfois moins chère qu’une œuvre d’art, par exemple si l’on
compare avec le prix du Salvator Mundi de Vinci !» [vendu
382 millions d’euros aux enchères, en 2017.]
Une expérience immersive
Au Musée national du Qatar, il y aura toutefois peu
d’œuvres, l’institution étant avant tout dédiée à l’histoire
de l’émirat. Le parcours a été imaginé par Jean Nouvel
comme une installation immersive qui s’étend sur plus de
1,5 km, à travers 11 galeries et 3 sections : les origines, la vie
au Qatar et la construction de la nation. La complexité de
l’architecture, due à l’entrelacement des grands disques
incurvés extérieurs, ses intersections, ses éléments en
porte-à-faux, se retrouve à l’intérieur du musée. Définis-
sant ainsi des volumes improbables aux formes géomé-
triques, tous différents et jamais verticaux. Du sol au pla-
fond, ils sont aussi de couleur sable, renforçant le caractère
monochrome de l’extérieur. L’idée de génie de Nouvel est
d’avoir utilisé ces murs courbes qui dessinent des sortes de
grottes comme de très vastes espaces de projection happant
le visiteur. Sons et éclairages sophistiqués y rappellent le
procédé utilisé par l’Atelier des lumières, à Paris. Pour
chaque galerie, des commandes ont été passées à des
réalisateurs de renom, comme Jacques Perrin (auteur
notamment du film Océans). Ce dernier a filmé la nature
qatarie, des vols de faucons planant à 50 mètres d’altitude
à la vie aquatique dans les profondeurs de la mer du Golfe
persique. Abderrahmane Sissako, réalisateur du célèbre
Timbuktu, a tourné en noir & blanc le quotidien d’une
famille dans le désert. Quant au vidéaste Doug Aitken, il
a produit une installation à 360 degrés évoquant la beauté
du pétrole et son impact sur la vie des habitants. Au total,
une dizaine de films qui mettent en scène quelques objets
de l’histoire du Qatar, comme le fameux tapis de Baroda
réalisé en 1865 avec 1,5 million de perles, émeraudes,
diamants et saphirs !
Lors de notre visite du musée, l’ensemble des installa-
tions n’était pas achevé, mais les quelques galeries tout
comme l’architecture procuraient déjà un sentiment hyp-
notique. À l’issue de la visite du musée, le public est invité
à découvrir le palais restauré de Sheikh Abdullah bin
Jassim Al Thani (1880-1957), fils du fondateur du Qatar
moderne, aujourd’hui cerné par les roses de sable de Jean
Nouvel. Plusieurs sculptures monumentales ont aussi été
commandées spécialement pour cet ensemble patrimonial
et muséal, dont une gigantesque fontaine de perles noires,
longeant la corniche face à la mer, du Français Jean-Michel
Othoniel. Une fontaine qui rappelle celle imaginée par
l’artiste pour le bosquet du théâtre d’eau du château de
Versailles… en beaucoup plus monumentale. Rien d’éton-
nant, tant le Qatar veut faire de son émirat un véritable
Versailles du XXIe siècle. n
Beaux Arts I 69
EXPOSITION l GRAND PALAIS
Jusqu’au 1er juillet

Soviets suprêmes
Cinéma, photographie, peinture, théâtre, architecture, design… La révolution sera
une œuvre d’art totale ou ne sera pas ! Entre avant-garde constructiviste et réalisme de
chevalet, l’Union soviétique aura engendré des styles à nul autre pareils. Flash-back.

Par Daphné Bétard

Alexandre Deïneka Donbass – La Pause déjeuner

Personnalité phare de la Société des artistes de chevalet (OST), Alexandre Deïneka a participé à l’élaboration des grandes lignes
du réalisme socialiste en privilégiant des sujets tirés de la vie quotidienne soviétique, telle qu’il l’imaginait dans un futur proche.
Sensible au monde industriel, il aime à mettre en scène des ouvriers sportifs, solidaires et actifs dans de grands élans collectifs.
Ici, après l’effort, le réconfort d’un bain de jeunes travailleurs du bassin minier du Donbass, au sexe à peine esquissé.
Deïneka cherche à susciter l’enthousiasme chez le spectateur en exaltant les valeurs socialistes.
1935, huile sur toile, 149,5 x 248,5 cm.

Gustav Klucis
L’URSS est la brigade de choc du prolétariat mondial
D’une grande efficacité visuelle et politique, le photomontage connaît son heure de gloire en URSS.
Associant photographie, slogan et formes graphiques de couleurs vives, il remplace la peinture dans les milieux productivistes
pour scander les idéaux communistes, notamment l’internationalisme. Gustav Klucis est l’un de ses plus éminents représentants,
lui qui s’est essayé à cet art de propagande dès 1919, en même temps que Rodtchenko.
1931, lithographie, 140 x 104,3 cm.

70 I Beaux Arts
Beaux Arts I 71
EXPOSITION l ROUGE
«Le carré est un enfant royal plein de vie. […] Notre monde
de l’art est devenu nouveau, non figuratif, pur.»
Kazimir Malevitch, Du cubisme et du futurisme au suprématisme, 1916
U
n tableau rectangulaire, presque un carré,
couvert d’un pigment vermillon. Rien
d’autre. C’est par un monochrome rouge
sang que Rodtchenko annonce la fin de la
peinture et le début d’un nouvel art qui doit
participer pleinement à l’avènement de la société sovié-
tique. Pris dans le tourbillon de la révolution d’Octobre
1917, les artistes russes participent, avec plus ou moins de
défiance, au grand projet communiste, exaltés par les bou-
leversements en cours et de nombreux espoirs (bientôt
déçus). C’est à cette production singulière, qui accouchera
de l’esthétique dite du réalisme socialiste, que s’intéresse
le Grand Palais. «Il ne s’agit pas d’une exposition sur les
avant-gardes de cette période que l’on connaît déjà, ni
d’un panorama sur la création soviétique. L’idée est plutôt
de s’interroger sur la politisation des arts et en quoi
l’utopie communiste a engendré des formes de création
spécifiques qui, tout au long des années 1920, verront s’op-
poser différents groupes pour définir ce que doit être l’art
du socialisme», explique le commissaire de la manifesta-
tion Nicolas Liucci Goutnikov.
Dès 1918, les futuristes russes, avec un premier décret,
annoncent l’entreprise de démocratisation de l’art qui
doit se fondre dans la vie quotidienne et se mettre au ser-
vice de la Révolution tandis que le suprématiste Malevitch
propose d’explorer de nouvelles voies plastiques sans
72 I Beaux Arts
El Lissitzky
Esquisse de costumes
pour Je veux un enfant
de Tretiakov, mise en scène
Meyerhold (spectacle
non réalisé)
Le théâtre est l’un des grands
terrains d’expérimentation
d’un art qui se veut total
et en prise directe avec la vie.
Artiste multiforme, peintre,
graphiste, architecte, designer,
El Lissitzky se lance avec
le metteur en scène Vsevolod
Meyerhold sur une pièce de
Sergueï Tretiakov, racontant
l’histoire d’une jeune militante
qui cherche le géniteur idéal.
Pour ce projet qui sera
finalement censuré, ils
imaginent faire participer
les auditeurs en direct
à la radio et étendre la scène
à toute la salle. Une
performance délirante !
1928, photomontage et aquarelle,
35 x 52,9 cm.
renier pour autant le caractère sacré de l’art. Ils sont
coiffés au poteau par leurs amis constructivistes, emme-
nés par Rodtchenko, qui s’imposent sur le devant de la
scène avec leur «art de la production» en prise directe avec
le matériau et une réalité pratique. Exit la peinture, place
à des médiums plus susceptibles de réinventer l’espace à
vivre, le design, l’architecture, le graphisme, la photogra-
phie, l’imprimé, le théâtre et le cinéma. Assez vite, Lénine
et les bolchéviques reprochent au constructivisme son
caractère trop complexe, qui ne parle pas assez au peuple.
Ils lui préfèrent l’AKhRR (Association des artistes de la
Russie révolutionnaire) et son lot de peintures traditiona-
listes sans intérêt ni talent. D’autres artistes choisissent
eux aussi la peinture et la figuration, mais avec plus
d’inventivité : ceux de l’OST (Société des artistes de che-
valet), fondée en 1924 à Moscou, et du Cercle des artistes,
créé en 1926 à Leningrad. Leurs compositions, si elles
louent les bienfaits du régime, témoignent aussi de trou-
vailles plastiques originales, dans une course effrénée
pour savoir quel art, à l’arrivée, sera le plus prompt à incar-
ner les idéaux soviétiques. Staline met un coup d’arrêt à
la création en 1932 avec la dissolution de tous les groupes
au profit de l’Union des artistes, dont la plupart des diri-
geants provient de l’AKhRR. Déjà très fortes sous Lénine,
la censure, la propagande et la répression se durcissent
encore, annihilant tout élan créateur. n
 Alexandre Samokhvalov Komsomol militarisé
À la question «quel doit être l’art de la nouvelle société socialiste ?» Samokhvalov répond : la peinture de chevalet. Issu du Cercle des artistes
de Leningrad, il est fasciné par les fresques des églises orthodoxes russes et les grandes compositions des artistes de la Renaissance italienne, Giotto
et Michel-Ange en tête. Compilant plusieurs actions en une, il associe ici différentes temporalités. À l’arrière-plan, des membres du Komsomol (Union
des jeunesses léninistes communistes) en pleine baignade évoluent en frise pour devenir, au premier plan, une bande de jeunes disciplinés et armés.
1932-1933, huile sur toile, 198,5 x 276 cm.

Alexandre Deïneka
Lénine en promenade
avec des enfants
La formule «réalisme
socialiste» apparaît pour
la première fois en 1932,
après la dissolution
par Staline des divers
groupes d’artistes au
profit d’Unions des
artistes dans les grandes
villes d’URSS. Dans
la seconde moitié des
années 1930, les portraits
des dirigeants et la
peinture d’histoire
se hissent au sommet
des sujets les plus
appréciés. Deïneka fait
une belle carrière,
multipliant les sujets
à la gloire de l’ouvrier
et de l’État. Il offre des
images idylliques à
souhait, telle cette vision
d’un Lénine accompagné
d’enfants sur fond de
paysage kolkhozien.
1938, huile sur toile, 136 x 190 cm.

Beaux Arts I 73
EXPOSITION l ROUGE

«À bas les scénarios-histoires de la bourgeoisie. Vive la vie

en elle-même ! […] Vive le ciné-œil de la Révolution !»
Dziga Vertov, Kinoks-Revolution, 1923

CI-CONTRE
Alexandre Deïneka
Construction
de nouvelles usines
On voit bien ici comment
la peinture a assimilé les codes
graphiques constructivistes.
À la fois peintre, illustrateur,
affichiste, fresquiste et
mosaïste, Deïneka reprend le
principe du montage, associant
à l’architecture industrielle
les figures de deux ouvrières.
Des femmes aux traits
simplifiés et au corps
monumental qui s’imposent
dans l’espace et expriment
l’énergie des travailleuses
volontaires enthousiastes.
1926, huile sur toile, 21,2 x 20,1 cm.

À DROITE
Alexandre Rodtchenko
Kino Glanz
Le plus important des arts
pour Lénine fut sans conteste
le cinéma. Rodtchenko met
ici ses talents au service
du cinéaste soviétique Dziga
Vertov. Monteur et réalisateur
de films documentaires, il est
l’auteur du manifeste Kinoks-
Revolution («Ciné-Œil»), publié
en 1923, prônant un cinéma
qui n’aurait pas recours
à la littérature ou au scénario :
«Je suis un œil. Un œil
mécanique. Moi, c’est-à-dire
la machine, je suis la machine
qui vous montre le monde
comme elle seule peut le voir.
[…] Le cinéma dramatique est
l’opium du peuple. […] Vive
le ciné-œil de la Révolution !»
1924, lithographie, 70 x 92,7 cm.

L’art au service de l’utopie «Rouge – Art et utopie au pays des Soviets»

Pour témoigner des effets du communisme sur la création, cette exposition, conçue jusqu’au 1er juillet • Grand Palais
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par le commissaire Nicolas Liucci-Goutnikov, convie tous les pans de la création 01 44 13 17 17 • www.grandpalais.fr
sous l’ère soviétique : la peinture, la sculpture, le photomontage, l’affiche, le design,
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Le documentaire d’Arte sur l’exposition est à découvrir en avant-première sur BeauxArts.com

74 I Beaux Arts
Beaux Arts I 75
ENTRETIEN

Rencontre avec
Georges-Philippe Vallois
& Stéphane Corréard

«Une galerie est

un commerce
de proximité
où l’on vit
une expérience
unique !»

76 I Beaux Arts
L’un est président du Comité
des galeries d’art ; l’autre, fondateur
du salon Galeristes et critique
d’art. Ils posent un regard lucide
sur un secteur en pleine mutation
et essentiel pour la place de l’art
français sur la scène internationale.

Propos recueillis par

Fabrice Bousteau
Photos Léa Crespi
pour Beaux Arts Magazine

Aujourd’hui, en France, à quoi ressemble

le paysage des galeries ?
Georges-Philippe Vallois : Le paysage est encore très pari-
sien, mais il faut se méfier de certaines statistiques qui font
ressortir des milliers de galeries alors qu’elles recensent
aussi des vendeurs de cartes postales. Pour sa part, le
Comité professionnel des galeries d’art, que je préside,
s’intéresse aux galeries à vocation nationale ou internatio-
nale qui représentent des artistes. Notre chiffre tourne donc
plutôt autour de 300-350, dont moins de 10 % en régions.
Leur chiffre d’affaires varie entre 100 000 € et plusieurs
millions. Nous défendons tout autant celles de premier et
de second marché, c’est-à-dire les galeries qui vendent une
œuvre pour la toute première fois parce qu’elle vient d’être
produite, et celles qui la revendent par la suite.
Stéphane Corréard : D’après moi, cela fait encore trop de
lieux par rapport à la demande potentielle ! Les galeries qui
mènent ce vrai travail et arrivent à en vivre, à payer leurs
artistes et leurs fournisseurs, sont très peu nombreuses.
Pourtant, Paris est sans doute la seule capitale au monde
où se côtoient autant d’artistes venus de tous les conti-
nents : nous ne mesurons pas assez la richesse incompa-
rable de cette offre artistique.

Quelle définition donneriez-vous, l’un et l’autre,

d’une galerie ? Et quelle est la différence entre un
galeriste et un marchand ?
S. C. : On m’a dit un jour : «Un galeriste a des artistes, un
marchand a des collectionneurs.» C’est assez sévère, mais
c’est une définition possible. Un galeriste est un passeur
entre des artistes et un public parmi lequel se trouvent QQQ
Beaux Arts I 77
ENTRETIEN l PORTRAIT INÉDIT DES GALERIES EN FRANCE
des collectionneurs. Il est proche de ses artistes et leur est
fidèle, il les représente sur le long terme, en accueille régu-
lièrement de nouveaux pour rester en prise avec l’actualité.
Il est aussi un médiateur pour les amateurs d’art et les
collectionneurs, il sait parler des œuvres et accompagner
les créateurs dans leur production, leur diffusion.
G.-P. V. : Un galeriste se manifeste par son engagement
envers les plasticiens qu’il représente en premier marché.
Un marchand – il y en a de bons et de mauvais, comme les
galeristes ! – se manifeste plutôt par son engagement sty-
listique. Chacun peut se définir par la durée de cet engage-
ment et la pérennité de ses choix.
D’un point de vue économique, quelle est
la situation des galeries françaises ?
G.-P. V. : En étant victime d’un sous-développement éco-
nomique, dû à la coexistence de très nombreuses petites
entités et peu de grandes, le marché français n’a pas suivi
le déploiement international. C’est un bien et un mal, car
cette caractéristique artisanale permet à un grand nombre
d’artistes d’émerger. Mais, hélas, cette émergence est
contrebalancée par un manque de suivi lorsque les artistes
arrivent à maturité, occasionnant une relative faiblesse qui
s’est amplifiée avec l’apparition d’acteurs internationaux
plus pugnaces que dans le passé. Certains pays tiennent
pourtant le cap. L’Allemagne reste très active avec ses gale-
ries et son marché intérieur, l’Angleterre est un acteur pré-
pondérant sur le marché international. Les États-Unis sont
restés au même niveau tandis que le marché chinois est
devenu très puissant, sans oublier d’autres pays satellites.
Pour autant, le taux de présence des galeries françaises
dans les grandes foires internationales se maintient autour
de 20-25 %. La standardisation de ces dernières et la pré-
sence de galeries identiques, sans aucun renouvellement,
sont bien plus inquiétantes. C’est un vrai problème pour
les enseignes qui peinent à intégrer ce cénacle.
S. C. : Il ne faut pas juger une galerie uniquement à partir
d’indicateurs économiques. Il s’agit aussi d’une entreprise
culturelle et cette dimension doit être prise en compte. En
78 I Beaux Arts
«Acheter l’œuvre
d’un artiste français
est une manière
de s’inscrire dans
le temps. On est
un peu à l’opposé
d’une spéculation.»
Georges-Philippe Vallois
France, traditionnellement, les biens culturels ne sont pas
des marchandises comme les autres.
Comment se comportent les collectionneurs
français par rapport à notre scène artistique ?
Sont-ils suffisamment engagés ?
G.-P. V. : Si les collectionneurs français ne s’inscrivent pas
dans une logique médiatique, ils sont de grands donateurs
dont les musées dépendent – raison de plus pour ne pas
toucher à la fiscalité des œuvres d’art. Quant au soutien à
la scène française, il faut savoir qu’acheter l’œuvre d’un
artiste français est une manière de s’inscrire dans le temps.
On est un peu à l’opposé d’une spéculation, d’une labélisa-
tion propre à une grande galerie étrangère.
S. C. : Il faut mener des actions fortes pour accroître le
nombre de collectionneurs, petits et moyens, qui financent
la diversité de la création. Si ceux qui financent l’art
contemporain étaient les mêmes que ceux qui soutiennent
la musique, il n’y aurait ni rap ni heavy metal ! Il est vrai
aussi que deux des plus grands collectionneurs et acheteurs
mondiaux, François Pinault et Bernard Arnaud, ne sont pas
les plus engagés sur la scène française.

Les galeries ne seraient-elles pas trop dépendantes
d’un nombre restreint de collectionneurs ?
G.-P. V. : C’est un fait avéré depuis des années, mais pas
forcément un signe de fragilité économique. La question
est plutôt de savoir à quel rythme se fait le renouvellement.
La dépendance s’installe lorsqu’on est lié, pendant toute
une carrière, à cinq collectionneurs qui sont susceptibles
de disparaître. En ce qui me concerne – et je pense que c’est
le sentiment de la plupart de mes confrères –, ce renouvel-
lement existe.
S. C. : Sur le fond, c’est plutôt sain. Ce sont ceux que les
galeristes appellent «le premier cercle». On devient collec-
tionneur d’une galerie à partir du moment où l’on y achète
des œuvres d’au moins deux artistes. C’est là qu’on entre
vraiment en résonance avec sa programmation.
Revenons à la scène française. Il y a quinze
ou vingt ans, on disait : «Les artistes allemands et
britanniques sont partout et les Français nulle part.»
N’y a-t-il pas eu, malgré tout, un rééquilibrage ?
G.-P. V. : L’histoire se répète. Dans les années 1980-1990, la
Figuration libre était très présente à l’étranger. Leo Castelli
montrait Robert Combas, Hervé Di Rosa… Cette pénétra-
tion a toujours existé, mais je n’ai pas l’impression qu’elle
s’amplifie. Bien sûr, Camille Henrot, Tatiana Trouvé,
Cyprien Gaillard ou Laure Prouvost ont trouvé une place
dans le concert international. Mais est-ce que cela signifie
que la France existe davantage ? J’en doute. Je retiens un
indicateur objectif : les expositions d’artistes français dans
les grandes institutions ne trouvent aucune itinérance et il
est difficile de les exporter.
S. C. : On parle de scène française, mais les artistes font
souvent des carrières très individuelles et construites, en
grande partie, contre le milieu français. Ceux, cités, aux-
quels on posait la question, dans les années 1980-1990,
«Quels autres artistes y a-t-il en France ?» répondaient tou-
jours «Personne». Cela n’a permis ni la carrière de galeristes
ni celle de commissaires, contrairement à l’Allemagne ou
à l’Angleterre. Ayant eu moi-même une galerie, je n’ai pu
organiser que les toutes premières expositions, à Paris, des
douze artistes que je représentais. Trois ou quatre ont fait
une brillante carrière à l’international, comme Jean-Luc
Mylayne ou Ghada Amer, mais quand j’ai fermé, plus aucun
n’avait de galerie en France ni en Europe. Pour eux, c’était
même une nécessité de couper avec le milieu français, qui
reste entaché de suspicion dans la carrière d’un artiste.
Comme me le disait un conservateur français,
les Français sont-ils moins bons que les autres ?
S. C. : J’ai écrit voilà dix ans qu’«un bon artiste français
est un artiste mort !» Et c’est encore le cas aujourd’hui avec
Martin Barré, disparu en 1993, qui aura enfin les honneurs
du Centre Pompidou mais n’a bénéficié, de son vivant,
que de deux expositions en institution publique. Quelle
réactivité ! Tout cela n’est qu’une question de choix. En
France, il existe également un problème de ressources
humaines. Les deux conservatrices qui ont dirigé les plus
grandes manifestations mondiales (la biennale de Venise
pour Christine Macel et la Documenta de Kassel pour
Catherine David) ne sont pas à la tête d’un musée. C’est
très significatif.
Les dirigeants d’institutions seraient donc déficients ?
S. C. : Ceux qui président les plus grandes institutions
artistiques dans ce pays ne le doivent pas à la pertinence
de leurs choix ni de leurs résultats ! Je ne peux pas le dire
plus clairement. On pouvait hier, et on peut aujourd’hui,
diriger le plus grand musée de France et n’avoir jamais
réalisé une exposition significative à l’étranger !
G.-P. V. : Sans culpabiliser les uns ou les autres, avant
d’exporter des artistes, il faudrait les montrer. Il est atter-
rant de constater que nous avons tous ce maître mot à la
bouche : «Émergence». Or, en favorisant à outrance cette
émergence, on crée une forme d’«immergence», ce qui
corrobore ce que dit Stéphane Corréard. Certains artistes
ont été montrés jeunes, puis ont été oubliés quand ils sont
arrivés à maturité parce qu’ils n’ont pas été soutenus dans
leur intégration au marché. Il faudrait insuffler une volonté
politique forte de travailler tous ensemble, galeries, insti-
tutions, responsables du ministère de la Culture, syndicats
d’artistes… Pour l’instant, elle n’existe pas.
Faudrait-il alors arrêter de «saupoudrer»
pour se concentrer sur quelques locomotives ?
S. C. : Je n’en suis pas persuadé. Des artistes français impor-
tants n’ont aucune présence forte sur le marché et Sophie
Calle ou Xavier Veilhan ne pèsent strictement rien sur le
marché des ventes aux enchères. On recrute de nouvelles QQQ
«Ceux qui président
les plus grandes institutions
artistiques dans ce pays
ne le doivent pas à la
pertinence de leurs choix
ni de leurs résultats !»
Stéphane Corréard
Beaux Arts I 79
ENTRETIEN l PORTRAIT INÉDIT DES GALERIES
«En France, tout le monde
se réjouit quand le film les Tuche 3
fait cinq millions d’entrées,
parce que ce succès va financer
le cinéma d’auteur. Cela n’existe
pas dans notre secteur.»
Stéphane Corréard
générations de collectionneurs sur ce hiatus. On leur vend
«monts et merveilles» en leur expliquant que tel artiste
est exposé à Venise, au Centre Pompidou… Ils achètent
une œuvre assez cher sur le premier marché mais,
lorsqu’ils veulent la revendre, les galeries leur disent en
avoir trop dans leur stock et les ventes aux enchères
n’en proposent que 2 000 € ! Or, une collection est un orga-
nisme vivant. Comment construire une situation durable
de cette manière ?
G.-P. V. : Il est vrai que des artistes français majeurs ont
souvent une cote inférieure à leurs homologues interna-
tionaux. Mais il serait faux de penser qu’ils sont les seuls
concernés. Certains Américains, Anglais ou Allemands,
qui faisaient la gloire des biennales il y a quelques années,
ont totalement disparu du marché. Avec une grosse diffé-
rence cependant : un prix d’achat de plusieurs centaines
de milliers d’euros.
À se concentrer sur des artistes stars,
n’y a-t-il pas un risque de voir disparaître les autres ?
S. C. : C’est une certitude. Regardez le nombre d’exposi-
tions monographiques d’artistes français contemporains
dans les institutions publiques parisiennes : une dizaine
par an, au mieux. Combien de créateurs le méritent, depuis
les années 1960 ? Environ 500 à 800. Il est dramatique que
tout un pan de l’histoire de l’art français soit, ainsi, en train
de disparaître totalement.
G.-P. V. : Un conservateur qui veut faire carrière a souvent
intérêt à travailler avec un artiste étranger, pour sa notoriété
internationale, mais aussi pour la réputation et la puissance
de production de la galerie le représentant dans une
80 I Beaux Arts
période de baisse ou de stagnation des budgets. Il est clair
que le secteur des arts plastiques n’est plus une priorité
pour l’État. Quand on sait que le budget d’acquisition du
Centre Pompidou est d’environ un million et demi d’euros
par an pour des acquisitions comprenant le design, l’art
contemporain et l’art moderne, on a envie de pleurer.
Comment sortir de cette situation ?
S. C. : L’État doit retrouver un pouvoir de désignation et
de prescription pour les artistes en dehors du marché, voire
contre le marché. Le monde a changé, mais la politique de
l’État n’a pas évolué. Les films en compétition au festival
de Cannes ne pèsent rien en termes économiques, mais
c’est LE lieu de désignation de la cinéphilie mondiale. Il
faudrait, urgemment, inventer un mécanisme vertueux
permettant que la réussite de certains galeristes ou spécu-
lateurs profite à tout le monde. Poursuivons la comparaison
avec le cinéma. En France, tout le monde se réjouit quand
le film les Tuche 3 fait cinq millions d’entrées, parce que ce
succès va financer le cinéma d’auteur. Cela n’existe pas
dans notre secteur, le seul où l’État n’a toujours pas mis en
place de mesures pour favoriser les indépendants et limiter
l’hégémonie d’un marché mondialisé. Il existe le prix réduit
du livre, les quotas pour la chanson, l’avance sur recette
pour le cinéma… Un mécanisme de solidarité et d’entraide
doit être imaginé, sans doute via une taxe parafiscale sur
les plus grosses galeries ou les œuvres revendues très rapi-
dement avec une importante plus-value. Cet argent devrait
permettre la mise en place d’aides automatiques, comme
pour le livre ou le cinéma. Mais sans être conditionnées par
des critères esthétiques.
G.-P. V. : Je comprends le fondement de cette idéologie,
mais je ne le partage pas. Pour moi, Emmanuel Perrotin fait
le même métier que les autres, avec une remarquable qua-
lité entrepreneuriale en plus. Nous l’avons tous connu au
départ dans son petit appartement, lançant de jeunes plas-
ticiens : ce sont ses choix qui lui ont permis de réussir. Alors
je ne pense pas qu’il faille le taxer spécialement pour cela !
Mais d’autres acteurs pourraient être solidaires : par
exemple, les opérateurs de vente soutiennent ce qu’on leur
demande de vendre. Ils n’ont jamais choisi tel ou tel artiste,
même si, aujourd’hui, ils prétendent exercer la profession
qui est la nôtre. Ils ne sont pas engagés. Si la solidarité doit
exister, ce serait en taxant ceux qui ne participent ni à la
diffusion initiale ni à l’engagement que nous avons déjà
évoqué. Et, comme cela ne doit décourager personne, il ne
pourrait s’agir que d’une toute petite part du bénéfice, pour
ne pas mettre en danger l’activité des uns et des autres.
Cette taxe serait affectée non pas à une institution, mais à
un fonds de dotation indépendant.
Nous connaissons tous l’explosion du nombre
de foires et, en parallèle, la diminution considérable
du nombre de visiteurs dans les galeries.
Quel est votre avis sur cet état de fait ?
S. C. : Je dis aux galeristes, sous forme de boutade :
«Pourquoi y a-t-il encore des gens dans les galeries ?» Il y
a quarante ans,
visiter les gale-
ries était le seul
moyen de s’en-
quérir sur l’art
contemporain.
Aujourd’hui, à
tort ou à raison,
on peut s’infor-
mer ailleurs, à
commencer par
Internet. Alors
pourquoi le
public conti-
nue-t-il à fré-
quenter le s
galeries ? Parce qu’il recherche le contact humain. Mais
c’est aussi l’histoire de la poule et de l’œuf : les foires ont
pour effet de vider les espaces de leurs galeristes, occupés
ailleurs… Or, le système pervers des foires est qu’il impose
un modèle. Dans le monde du vin, on appellerait cela des
«dégustations marathon»… Même Robert Parker, grand
dégustateur souvent critiqué, déclare qu’après avoir goûté
50 vins différents on ne sait plus si l’on boit de la bière ou
du Mouton Rothschild. Je cite souvent cette phrase cruelle,
mais drôle, du collectionneur Antoine de Galbert :
«Aujourd’hui, pour un collectionneur, la semaine de la
Fiac est devenue comme la fête de la musique pour le mélo-
mane : une torture.»
G.-P. V. : Les galeries sont des acteurs culturels, et pas seu-
lement commerciaux. Encore faut-il qu’elles fassent un tra-
vail sur elles, car l’accueil n’est pas toujours à la hauteur. La
profession doit aussi se prendre en main. Je lis, depuis une
vingtaine d’années, que le système des galeries est dépassé,
que la relation à l’art peut se faire de façon virtuelle, que
l’espace n’a plus une grande importance… Pourtant, des
plus moyennes aux plus importantes, elles ne pensent qu’à
se développer et à ouvrir des espaces dans plusieurs pays.
Quelle est la plus-value réelle d’une foire ?
Au risque d’une uniformisation esthétique,
les galeries vendent-elles davantage dans
les foires que dans leurs propres espaces ?
G.-P. V. : Les foires ont créé leur propre virtualité. Aucun
professionnel ne vous dira «Ma foire a été un échec !» parce
que cela remettrait en question la qualité de son travail et
non pas celle de la foire. La participation constitue un label :
on joue en première, deuxième ou troisième division, ce
qui est scandaleux, car d’excellentes galeries n’y sont plus.
La réalité des ventes est souvent plus nuancée et certaines
enseignes ne couvrent même pas leurs frais. Structurelle-
ment, la foire est un accélérateur de temps. En six jours, on
reçoit plus de visiteurs qu’en cinq ans dans une galerie.
À l’inverse d’un lieu de discussion, il n’y est question que
de rapidité et d’efficacité. Mais ce que je déplore le plus,
c’est que le choix des galeristes n’y est plus souverain. La
plupart des foires imposent ou rejettent leur sélection artis-
tique. Elles se sont arrogé ce droit.
S. C. : D’autant que ce traitement est réservé à la frange la
plus fragile des galeries et que ce système va à l’encontre
du temps long, le seul qui vaille dans l’art. Un exemple :
Jean Brolly, un ancien collectionneur devenu galeriste à sa
retraite, a toujours eu un très bon œil et a défendu des
artistes très tôt. Quand il avait présenté, à la Fiac, un
projet de Steven Parrino, peintre abstrait new-yorkais
rock’n’roll, tout le milieu de l’art l’avait trouvé ringard et il
s’était fait éconduire. Steven Parrino est mort peu après. Sa
représentation a été reprise par Gagosian, revenu en
majesté montrer l’artiste à la Fiac… Les exemples de ce type
sont légion. La standardisation vient aussi de cette offre
démesurément pléthorique. Lorsqu’on voit 4 000 œuvres
en quatre heures, on ne retient que les plus spectaculaires
dans les stands les mieux placés. Tout est fait pour qu’il y
ait le moins de rapport au monde réel, pour qu’on passe
d’une galerie à l’autre sans s’en rendre compte : même
moquette, mêmes murs, même éclairage… mêmes œuvres.
Interrogez Emmanuel Perrotin sur l’ouverture
d’un espace à Shanghai alors qu’il en a
déjà un à Hong Kong… Sa réponse est claire :
parce que Shanghai n’est pas Hong Kong.
Pensez-vous que, pour chaque marché,
il faut développer des relations spécifiques
avec les collectionneurs ?
G.-P. V. : Dans les années 1970-1980, les grandes galeries
américaines octroyaient des exclusivités à leurs consœurs
européennes. Puis elles se sont mises à ouvrir leurs propres
espaces en Europe pour éviter de payer des commissions.
Plus vous disposez d’espaces d’expositions, plus vous dis-
posez des œuvres des artistes que vous représentez par
rapport à vos concurrents. L’adapta-
tion du métier de galeriste a souvent
été liée à sa rentabilité.
S. C. : Cela confirme l’idée qu’une
galerie reste un commerce de proxi-
mité, au sein duquel les visiteurs
QUELQUES
peuvent vivre une expérience unique.
CHIFFRES
Dans un monde de «surinforma-
300 à 350
tion», elle doit continuer à apporter
sa spécificité, celle du galeriste qui
entretient et partage un regard Nombre de galeries en France
singulier, à l’exemple de Georges-
10 %
Philippe Vallois qui va des surréa-
listes jusqu’à Gilles Barbier, en pas-
sant par Tomi Ungerer ou de très Nombre de galeries en régions
jeunes artistes. Pour les collection-
100 000 €
neurs, c’est irremplaçable : ils peuvent
faire confiance, adhérer à ce regard
particulier et développer leur collec- Chiffre d’affaires moyen
tion dans le sillage de la galerie. n d’une galerie
Beaux Arts I 81
EXPOSITION l MUSÉE D’ORSAY
Jusqu’au 21 juillet

Modèles noirs
et peintres
de la vie
moderne
Une exposition inédite en France se penche
sur ceux que l’histoire de l’art aura jusqu’à
présent souvent désignés sous les termes
infamants de nègre et de négresse
en révélant leur identité et leur parcours.
D’Ingres à Félix Vallotton, enquête
au cœur des pires préjugés racistes comme
des plus nobles idéaux républicains.

Par Daphné Bétard

Frédéric Bazille
Jeune Femme
aux pivoines, dit
précédemment
Négresse
aux pivoines
Ce tableau
marque un
moment clé dans
l’histoire de
la représentation
du modèle noir.
Lequel ne sert
plus de faire-
valoir, mais
devient le sujet
principal d’une
œuvre aux
significations
multiples.
1870, huile sur toile,
60 x 75 cm.

82 I Beaux Arts
Beaux Arts I 83
EXPOSITION l LE MODÈLE NOIR

A
ssise bien droite sur une étoffe bleue, coif-
fée d’un foulard et vêtue d’un drapé blanc
qui dévoile un sein et fait ressortir sa peau
d’ébène, elle fixe le spectateur de son regard
franc et mélancolique. Le portrait peint par
Marie Guillemine Benoist en 1800 [ill. ci-contre] témoigne
des convictions républicaines et abolitionnistes de son
Jean-Léon auteure sans toutefois échapper à certains clichés exo-
Gérôme tiques. Longtemps connue comme le Portrait d’une
À vendre
négresse, cette peinture conservée au Louvre porte désor-
Esclaves
au Caire
mais le nom de son modèle, Madeleine, que des cher-
Malgré les clichés cheurs ont identifiée récemment. Elle incarne à elle seule
orientalistes, les paradoxes d’une période divisée entre ses idéaux
Gérôme accorde d’égalité et la grande entreprise coloniale.
à la jeune femme
En s’intéressant à la représentation de la figure noire, de
noire une
attention la Révolution française à la naissance du concept de négri-
particulière, tude porté par Aimé Césaire, le musée d’Orsay vient com-
soulignant bler les lacunes d’une histoire de l’art trop souvent unila-
sa grâce
et sa pudeur. térale. Première exposition à se consacrer exclusivement
1873, huile sur toile, au sujet en France – pays peu habitué aux cultural studies –,
217,5 x 142,5 cm. elle montre comment artistes et intellectuels participèrent
à l’affirmation d’une certaine identité noire, parfois de
façon ambiguë, cassant les poncifs portés tant par la litté-
rature de voyage que par les zoos humains. Ce projet s’ap-
puie sur la thèse menée par la chercheuse et commissaire
d’expositions Denise Murrell à Columbia University, à
New York, où l’exposition a d’abord été présentée.
Le clown Chocolat s’appelait en réalité Rafael
La proposition parisienne se veut plus nuancée sur le
XIXe siècle et moins engagée dans sa démarche globale.
«Il ne s’agit pas d’une exposition sur la représentation des
Noirs perçus comme groupe social. C’est bien au “modèle”
que nous nous intéressons, modèle dont le double sens
–  sujet regardé, représenté par l’artiste, aussi bien que
porteur de valeurs – est parfaitement assumé», précise
d’emblée Laurence des Cars, la présidente de l’établisse-
ment, bien que les deux notions aient tendance à se
rejoindre au fil du parcours, offrant une image sociolo-
gique et culturelle inédite du Paris moderne. L’accent est
mis sur les destinées individuelles de ces hommes et
femmes, majoritairement originaires d’Afrique et des
Antilles, qu’immortalisèrent peintres, sculpteurs et photo-
graphes. Aux côtés de personnalités célèbres, comme
l’écrivain Alexandre Dumas, le clown Chocolat ou Jeanne
Duval, la maîtresse métisse de Baudelaire, qui lui inspira
quelques-uns de ses plus beaux poèmes, la plupart d’entre
eux sont restés anonymes. Un formidable travail de
recherche a donc été mené pour redonner une identité à
celles et ceux qui jouèrent les modèles parallèlement à leur
«petit métier» de domestique, nourrice, blanchisseuse ou
lavandière, ou bien encore d’une carrière au cirque, au
théâtre ou dans les cabarets.

Servantes noires et odalisques blanches

Difficile d’interpréter précisément quel regard les
artistes posaient sur ces modèles qui leur ouvraient de
nouvelles possibilités plastiques et l’occasion de sortir des
canons de la beauté classique. Delacroix soulignait ainsi
l’intérêt d’étudier «la lumière absorbée et non plus
réfléchie par la peau» quand d’autres, comme le sculpteur
Charles Cordier, jouaient avec les matériaux pour restituer
les tonalités des différentes carnations. Ambiguë, son
œuvre l’est résolument, puisque tout en voulant exalter
l’égalité entre les peuples, il en accentuait aussi les parti-
cularités physiques. Ce que firent également les orienta-
listes, dont les tableaux exotiques mettent en scène des
harems fantasmés, où les servantes noires musclées et
puissantes servent à valoriser des odalisques blanches,
plus sensuelles et raffinées. Pourtant, certains des plus émi-
nents représentants du courant orientaliste, comme
Gérôme [ill. ci-contre], s’intéressèrent aussi au modèle noir
en tant que tel, réalisant des portraits d’une grande beauté.
«La position de l’artiste peut apparaître comme ambiva-
lente, même lorsqu’elle est positive, car toujours en prise
avec un contexte marqué par l’esclavage, le colonialisme
ou des formes d’exotisme et d’altérité très différentes de
nos projections actuelles – le qualificatif de “moderne” ne
recoupant pas systématiquement un regard émancipa-
teur», soulignent les commissaires. Ce fut le cas du portrait
de Madeleine et de celui de Jean-Baptiste Belley, député de
Saint-Domingue à la Convention, peint par Girodet en 1795,

84 I Beaux Arts
 À GAUCHE
Marie
Guillemine
Benoist
qui glorifie la dignité politique d’un ancien esclave dont la présence en dit pourtant long sur l’œuvre et les
Portrait de
affranchi pour son courage, tout en incarnant un compro- intentions de l’artiste. Ainsi de Laure, la domestique qui Madeleine, dit
mis au service de la République. En s’emparant du modèle apporte les fleurs dans l’Olympia de Manet (1863), restée précédemment
noir, les artistes n’hésitèrent pas à se ranger du côté des dans l’ombre de la scandaleuse prostituée au regard Portrait
abolitionnistes, comme Géricault qui fit figurer dans son glacial. Souriante, prévenante, elle semble jouer les faire- d’une négresse
Radeau de la Méduse trois naufragés noirs (alors qu’en réa- valoir, sa peau se confondant presque avec le fond sombre Chef-d’œuvre
néoclassique,
lité il n’y en eut qu’un), dénonçant l’incompétence du capi- du tableau et contrastant avec celle, diaphane, de Victo-
ce portrait illustre
taine de la frégate échouée en juillet 1816 au large de la rine Meurent. Manet rejouerait-il la partition orientaliste ? le nouvel idéal
Mauritanie, et des élites en général, tout en faisant écho L’œuvre est en réalité plus complexe. Et si le peintre satis- d’égalité promu
aux crimes commis par la traite des esclaves. fait ici le goût du public et des collectionneurs, il n’aban- par la République.
1800, huile sur toile,
donne pas pour autant la cause républicaine, lui qui lors 81 x 65 cm.
Manet, ou la modernité contre l’exotisme de son séjour au Brésil parle du «spectacle désolant» de
Pour son Radeau, Géricault fit poser Joseph, l’un des l’esclavage. C’est ce que défend Denise Murrell dans son CI-DESSUS

très rares modèles noirs dont la vie est connue. Originaire analyse minutieuse de cette icône de l’art moderne. Pour Joséphine Baker,
vers 1928
de Saint-Domingue, arrivé en France en 1800 et engagé à elle, Manet, qui situe cette servante sur le même plan que
Incarnation de
Paris comme acrobate et acteur dans la troupe de Victorine, la montre avant tout comme une travailleuse, la beauté exotique
Madame  Saqui «pour jouer les Africains», Joseph est certes dans le cadre interlope d’une maison close : une par excellence,
repéré par le peintre qui en fait son modèle favori, ce qui femme noire du prolétariat français. Là où les orienta- la chanteuse et
lui apporte le succès puisqu’il posera ensuite pour Horace listes représentaient les Africaines dans une nudité pri- danseuse sut jouer
avec son image
Vernet et Alfred de Dreux, avant d’être embauché par mitive fantasmée, Manet a choisi une tenue sobre – une et se moquer
l’École des beaux-arts entre 1832 et 1835 (ils n’étaient que robe blanche volumineuse de mode européenne –, avec des préjugés.
trois dans ce cas). À part Joseph, il a fallu du temps pour quelques éléments, comme le foulard, indiquant des
que les chercheurs s’intéressent à l’identité de ces modèles origines créoles. Il donne l’image d’une «femme noire QQQ
Beaux Arts I 85
EXPOSITION l LE MODÈLE NOIR

86 I Beaux Arts
«L’art doit
découvrir
et révéler la beauté
que les préjugés
et la caricature
ont dissimulée.»
Alain LeRoy Locke
in The New Negro, 1925

Théodore
Chassériau
Étude d’après
le modèle
Joseph, dit
précédemment
Étude de Noir
Ingres a l’esprit
retors lorsqu’il
demande à son
élève Chassériau
(lui-même
métisse) de faire
poser, selon des
directives très
précises, un
modèle noir
destiné à figurer
dans une de ses
futures grandes
compositions,
sans lui préciser
que le personnage
en question sera
un démon...
L’œuvre ne verra
pas le jour.
Mais le très
beau portrait
de Joseph par
Chassériau,
lui, demeure.
1839, huile sur toile,
54,8 x 73,5 cm.

Beaux Arts I 87
EXPOSITION l LE MODÈLE NOIR

désorientalisée et présentée non pas comme un étranger ou Théophile Gautier, qui admire CI-CONTRE

exotisé, mais de manière moderniste», précise-t-elle. Si Maria Martinez, chanteuse et guita- Félix Vallotton
Isolde Pludermacher, l’une des commissaires de l’exposi- riste originaire de La Havane, qui La Blanche
tion au musée d’Orsay, nuance son propos, soulignant que pourrait bien ne faire qu’une avec la et la Noire
Détournement
la domestique noire au service d’une courtisane de basse célèbre Maria photographiée par
réjouissant de
extraction accentue le caractère scandaleux de la scène Nadar, comme le révèle le musée l’Olympia de
car elle renvoie implicitement au statut de l’aristocratie d’Orsay. Manet, le tableau
coloniale, le tableau marque un tournant. Il aura d’ailleurs montre l’intimité
Harlem Renaissance de deux femmes
une grande influence sur la scène artistique française. après l’amour.
Frédéric Bazille pousse plus loin l’expérience de son à Paris dans les années 1920
1913, huile sur toile,
mentor et ami en offrant au modèle féminin noir le pre- La Première Guerre mondiale voit 114 x 147 cm.

Pierre Puvis mier rôle. Sa Jeune Femme aux pivoines [ill. p. 81] est une l’arrivée en Europe des tirailleurs
de Chavannes référence directe à la servante au bouquet de fleurs africains et des soldats noirs améri-
Jeune Noir d’Olympia. Mais, ici, elle occupe tout l’espace, incarnant cains, dont quelques milliers décident de rester en
à l’épée
une femme libre et indépendante, qu’elle soit domestique France à la fin du conflit, tandis qu’en 1919 est organisé à
Une maison
brûle au loin
ou marchande de fleurs. Pour Denise Murrell, les fleurs Paris le Congrès panafricain, ouvrant la voie aux futurs
mais l’adolescent peuvent suggérer de multiples interprétations, puisant mouvements de lutte pour l’indépendance et la dignité
armé, peint leur source dans les mythes de l’Antiquité gréco-romaine des peuples. Des associations, des revues, des journaux
à la manière ou de grands textes littéraires. Ce qui correspond à la sont créés dans la foulée en France. Les musiciens de jazz
d’un nu antique,
nous fixe d’un nouvelle vision du modèle noir chez les modernes, qui et écrivains les plus célèbres d’Harlem Renaissance
air étrangement dépasse l’image de l’autre, cet étranger, pour incarner une (mouvement d’émancipation qui déconstruit les stéréo-
indifférent, composante de la société française. La présence de per- types racistes dans des œuvres dépeignant la réalité quo-
semant le trouble
sonnalités noires dans le milieu du spectacle retient éga- tidienne des communautés noires des villes) séjournent
dans nos esprits.
1848-1849, huile
lement l’attention de Degas, fasciné par Miss Lala, acro- à Paris, tel le poète et dramaturge Langston Hughes, qui
sur toile, 105 x 73 cm. bate qui s’élève dans les airs par la force de sa mâchoire, décrit la capitale, en 1924, comme un havre de culture et
de liberté, même si elle est sale, coûte trop cher et qu’on y
crève de faim. Le jazz inspire à Fernand Léger et Henri
Matisse des compositions rythmées et colorées. Et pen-
dant que Joséphine Baker devient la sensation musicale
du moment, poussant les stéréotypes jusqu’à la caricature
pour mieux s’en moquer sous l’œil fasciné des affichistes,
photographes, dessinateurs et graveurs, le grand mouve-
ment culturel et intellectuel de la «négritude» forgé par le
jeune poète martiniquais Aimé Césaire définit l’identité
noire en termes de «résistance», en valorisant ce qui était
jusque-là méprisé ou ignoré.

Breton et Césaire, même combat ?

Comme le résume l’historien Pap Ndiaye, cette époque
fut celle de «l’expression vigoureuse d’une subjectivité
noire très documentée, par laquelle les artistes, écrivains
et intellectuels ont dit, de toutes les manières possibles,
ce qu’était la condition noire dans les mondes urbains du
XXe siècle. Ce faisant, ils ont transformé la notion même
de modèle : non plus seulement celle ou celui que l’artiste
représente, mais aussi celle ou celui qui propose une
manière d’être au monde. D’objet d’étude, le modèle noir
est devenu un sujet politique». Les surréalistes seront les
artistes les plus proches des protagonistes de la négritude.
Ils organisent avec la Ligue de défense de la race nègre,
d’obédience communiste, une contre-proposition à
l’Exposition coloniale de 1931. Quelques années plus tard,
en pleine guerre mondiale, André Breton rencontre Aimé
Césaire à Fort-de-France. Il s’exclame : «Ainsi la voix de
l’homme n’était en rien brisée, couverte, elle se redressait
ici comme l’épi même de la lumière.» Surréalisme et négri-
tude semblent alors unis pour un même combat, analyse
le chercheur Vincent Debaene. L’un et l’autre rejettent de
façon radicale l’idéal civilisateur européen et le colonia-
lisme, aspirent à changer le monde, le transformer pour
«inventer de nouvelles façons de penser et de sentir». n

88 I Beaux Arts
Le musée d’Orsay abolit les marqueurs raciaux
«Le modèle noir
Après une première étape à la Wallach Art Gallery de New York et avant le Mémorial ACTe de Pointe- de Géricault à Matisse»
à-Pitre, l’exposition consacrée au modèle noir du musée d’Orsay joue les prolongements contemporains jusqu’au 21 juillet • musée
d’Orsay • 1, rue de la Légion
en exposant des artistes comme Romare Bearden, Larry Rivers ou Aimé Mpane, proposant une relecture
d’Honneur • 75007 Paris
d’Olympia. Elle s’accompagne aussi d’une riche programmation de spectacles, films et rencontres, 01 40 49 48 14
notamment une création du rappeur Abd Al Malik qui s’est inspiré d’un tableau de Puvis de Chavannes : www.musee-orsay.fr
Jeune Noir à l’épée. Enfin, l’institution envisage de renommer certaines œuvres en supprimant les ✶ Hors-série
Beaux Arts
marqueurs raciaux, à l’image de la Négresse aux pivoines de Bazille conservée à la National Gallery of Art Éditions
de Washington, devenue Jeune femme aux pivoines. Cela pourrait être un énorme chantier puisque 68 p. • 9,50 €
les collections couvrent toute la période de la colonisation. En abordant l’un des grands non-dits
de l’histoire de l’art, Orsay affirme son ambition de renouveler la discipline et s’affiche comme un musée
en prise avec les grands enjeux d’aujourd’hui.

Rencontre avec le rappeur Abd Al Malik sur BeauxArts.com

Beaux Arts I 89
VISITE D’ATELIER

Luc Tuymans
ou la décomposition
de la peinture

Air défraîchi, lumière raréfiée, flou glaçant… Qu’elle soit

frontale ou allusive, la peinture de Luc Tuymans est grave
et pose entre le spectateur et elle une distance, qui est celle
de l’histoire. Beaux Arts a rendu visite à l’artiste à Anvers,
à la veille de son exposition au Palazzo Grassi de Venise.
Par Judicaël Lavrador • Photos Charlie De Keersmaecker
pour Beaux Arts Magazine Ballone
Un clown, assez
peu enjoué du fait
des teintes (du
blanc, du beige,
du gris) que
Luc Tuymans
lui inflige et aussi
du fait de
l’apparition de
son ombre portée
où se dessine
la silhouette d’un
double difforme.
2017, huile sur toile,
185,6 x 151,2 cm.

90 I Beaux Arts
Beaux Arts I 91
VISITE D’ATELIER l LUC TUYMANS
À
The Rabbit ses débuts, il y a quarante ans, Luc Tuymans
On dirait un lapin vivait et travaillait au même endroit, vivait
pris dans les
et travaillait donc dans la peinture, ses
phares d’une
voiture. Pétrifié effluves toxiques et sa matière poisseuse.
et aveuglé, «Cela ressemblait un peu à l’atelier de
l’animal n’est déjà Francis Bacon», lance-t-il, légèrement dégoûté.
plus que l’ombre
de lui-même, Aujourd’hui, succès aidant, fortune et réputation faites (et
et la peinture méritées), il en est sorti. De la bohème, pas de la peinture
se contente, – même si, entre 23 et 28 ans, il a abandonné celle-ci pour
avec une grande
le cinéma et la vidéo. Désormais, les pinceaux, les pig-
économie
ments, le moment de peindre, il les tient bien à l’écart du
de matière,
d’en surprendre reste de sa vie et de son travail. Il ne passe qu’une journée
l’éclat blafard. par semaine, «en général, le jeudi ou le vendredi», dans
1994, huile sur toile,
son studio. Murs immaculés, sol de béton brut, lumière
59,5 x 72 cm.
zénithale impeccablement étale et pénétrante… Deux fau-
teuils défoncés, une table encombrée de livres d’art, de
photos imprimées et de sodas, une autre, repoussée dans
un coin, chargée de peintures, des caisses imposantes
dans le couloir de l’entrée (où quelques-unes de ses der-
nières toiles attendent confortablement d’être convoyées
à Venise, au Palazzo Grassi)… l’endroit, qui ne respire pas
la vie, n’est pas le genre de ceux où l’on s’attarde.
D’ailleurs, Tuymans nous emmène vite à son bureau, à
un quart d’heure de là, dans le quartier portuaire d’Anvers.
Murs blancs, larges baies vitrées, grande table de réunion,
les lieux ressemblent à n’importe quel bureau de créatif.
Quand il ne voyage pas, l’artiste s’attelle avec ses trois col-
92 I Beaux Arts
laborateurs à l’édition de son
monumental catalogue rai-
sonné, dont deux tomes ont
déjà paru. Que Luc Tuymans, à
61 ans, se soit lancé dans l’in-
ventaire de son œuvre complet,
dit déjà à quelle étape il se situe
dans sa carrière : au pic, à un
moment où il est temps de se
retourner, et, assez mystérieu-
sement, de savoir quoi léguer à
ceux qui viennent. Ce travail-là
semble en tout cas résonner
fortement sur la manière dont
il a conçu sa rétrospective véni-
tienne quand il dit souhaiter y
«réaliser une sorte de fin et
donner l’impression que plus
personne ne peindra ainsi»,
sans que l’on comprenne au
juste s’il s’inclut lui-même dans
ce «plus personne». Il ajoute
vouloir se préparer à la transmission, à l’héritage qu’il lais-
sera. «La Pelle» («la Peau» en italien), le titre qu’il a
emprunté pour son exposition vénitienne à l’autobiogra-
phie de Curzio Malaparte, semble éclaircir l’horizon et
revivifier le tableau. «La Pelle» renvoie à l’enveloppe des
choses, à la carnation des êtres et d’abord à la surface des
toiles elles-mêmes. Puis à des questions «de composition
et de décomposition», souffle l’artiste. Composition et
décomposition de la peinture, des corps, des images, des
âmes et de l’époque.
L’unique programme que Tuymans continue à mettre
sur le métier avec un pinceau qu’on comparera à un
scalpel, à une lame froide et aiguisée, qui viendrait
appuyer, sans frémir, là où ça fait mal : partout et nulle
part. Les sujets de Tuymans ont la peau dure. La plupart
n’ont pas de cœur, pas d’os, pas de chair. Ce sont ou bien
des êtres puissants et criminels (Himmler, 1997-1998),
froids et calculateurs (Albert Speer in Der Architekt, 1997),
inflexibles et déterminés (Condoleezza Rice, l’ancienne
secrétaire d’État de George W. Bush, portraiturée en 2005
avec un regard de glace), ou bien des victimes du colonia-
lisme (Patrice Lumumba, marxiste indépendantiste
congolais assassiné) et des antres de l’horreur (les
chambres à gaz, les tours jumelles du 11 Septembre).
Tuymans a abordé chacun de ces sujets après «un travail
de journaliste», d’enquêteur consultant les archives
photographiques avant de passer celles-ci au tamis des
«On ne pleure pas
devant mes tableaux.
Il n’y a pas d’immédiateté
dans ma peinture.
J’y instaure une distance
émotionnelle.»

«Une seule peinture à la fois,

et il faut qu’elle soit achevée
à la fin de la journée.
Quand je ferme la porte,
je dois avoir le sentiment
que je suis content
de ce que j’ai accompli.»

Derrière l’artiste,
une série de portraits
d’anonymes, réalisés
d’après des images de
police qui reconstituent,
en le vieillissant,
le visage de personnes
disparues. Au sol,
la rampe n’a rien à voir
avec la peinture : elle
appartient à une équipe
télé qui tourne un
reportage sur Tuymans
et s’en sert pour les
travellings…

Beaux Arts I 93
VISITE D’ATELIER l LUC TUYMANS

Allo! I
La toile reproduit la scène finale
d’un film hollywoodien,
The Moon and Sixpence (1942),
qui retrace la vie de Paul Gauguin.
Tuymans s’amuse de l’atmosphère
dramatique dans laquelle la dernière
toile du peintre est découverte par
son médecin après sa mort.
2012, huile sur toile, 133,7 x 182,6 cm.

vibrations» de la toile tendue sur châssis. Ensuite, il pré-

fère ne pas s’en tenir à un format prédéterminé. Le tableau
aura les dimensions que la peinture lui aura prêtées. Non
l’inverse. De fait, les proportions des œuvres de Tuymans
sont aussi peu orthodoxes que leur accrochage dans l’es-
pace d’exposition. «Je ne les accroche jamais au milieu
d’un mur.» Il bat ainsi, entre les toiles, un tempo irrégu-
lier, rythmé par les intervalles de blanc (du mur) plus ou
moins larges et longs. On peut y voir une réminiscence de
ses années de cinéma.
Mais alors, on rembobine : que se passe-t-il avant que la
Schwarzheide toiles. Voilà pourquoi il ne se rend que parcimonieuse- porte ne se referme le jeudi ou le vendredi soir ? Que peut
Production in situ ment à son atelier : parce qu’au préalable, il doit laisser faire la peinture face à l’histoire ? Et face à ces traces ? Il
pour l’atrium
l’image advenir. «Je photographie à l’iPhone, je dessine, je nous montre l’histoire, non pas en images saisissables,
du Palazzo Grassi,
cette gigantesque peins à l’aquarelle, sur papier. Je regarde des images que mais de la manière dont elle a imprimé la mémoire col-
mosaïque je garde en tête pendant des années et qui finissent ou non lective. Avec des défauts, des blancs, des ratés, des éva-
reproduit un par ressurgir : je dois les peindre pour les comprendre.» Ce nescences, avec des zones qui clignotent et d’autres qui
tableau ancien
de Tuymans. n’est pas tant les images qu’il peint que ce travail d’anam- se sont affadies, affaissées, affaiblies. Là vient la peinture.
À Schwarzheide, nèse, la manière dont elles le hantent sans qu’il sache au Le pinceau, la touche, le flou, les tonalités, cette gram-
au nord de juste pourquoi. maire du peintre qui vise à rendre visible ce que les images
Dresde, était situé
sources laissent flotter devant ou derrière. Une espèce
un camp de Un flou «très aigu»
concentration d’aura nébuleuse et immatérielle traduite par un effet de
nazi dont certains Là commence le génie de Tuymans. Et le travail du flou qui n’a rien à voir, insiste Tuymans, avec celui de
déportés firent peintre proprement dit. Qui doit être bref. Les tableaux Gerhard Richter : «Le flou pictural dans mes propres toiles
des croquis sur de
petits fragments
sont exécutés d’une traite. «Une seule peinture à la fois, est très aigu, très formalisé. Il dépend de la tonalité plus
de papier cachés. précise Tuymans, et il faut qu’elle soit achevée à la fin de que de la couleur, d’une luminosité étrange qui donne de
2019 (d’après l’huile la journée. Quand je ferme la porte, je dois avoir le senti- la profondeur au sujet représenté. Il y a un jeu entre la
sur toile éponyme ment que je suis content de ce que j’ai accompli.» Les chaleur et la froideur qui vient créer une distance néces-
de 1986), mosaïque
de marbre de Fantini toiles ne sont jamais enchâssées au préalable. L’artiste y saire avec le sujet.» Et avec le spectateur : «On ne pleure
Mosaici (Milan), trouve un double bénéfice. Tuymans dit avoir d’abord pas devant mes tableaux, lance Tuymans, cinglant. Il n’y
960 x 960 cm.
besoin «de cette résistance du mur, de ne pas sentir les a pas d’immédiateté dans ma peinture. J’y instaure une
distance émotionnelle.» Laquelle résulte «d’un travail
chirurgical avec un timing précis et prémédité. Il n’y a pas
d’accident, pas de muse. Je traite la toile de manière très
pragmatique.» Or, ce programme, suivi au poil de pinceau,
aboutit à des représentations qui défaillent, qui déraillent
et bifurquent vers les zones les plus étranges et ambiguës
du visible.

Quelque chose d’inhumain

Il tient à nous montrer la première page du tome I, sa
première peinture, réalisée en 1972, à 15 ans. Appartenant
à une collection japonaise, elle figure un homme de face,
qui semble fourailler dans un tas informe de ce qui res-
semble à des feuilles mortes ou du sable ou des vieilles
frusques… La scène est dépeinte d’un pinceau un peu
brusque déréalisant le personnage comme le décor. Mais,
après tout, on n’est pas si loin des visages comme taillés à
la serpe que l’artiste vient de finir de peindre et qui sont
encore accrochés, sans châssis, aux murs de l’atelier : des
figures humaines soit, mais avec quelque chose d’inhu-

94 I Beaux Arts
main, cette expression de marbre peut-être, ou bien ce
regard figé, cette peau tendue, ces traits tirés, cette mine
stupide au point d’en devenir inquiétante. De fait, les
modèles sont des personnes depuis longtemps disparues,
dont la police a vieilli et reconstitué numériquement le
visage en partant de photos de famille.
Autrement dit, il n’y a, derrière ses portraits, nul être de
chair et d’os. À moins que si, allez savoir. Il y a un gouffre
creusé par le temps écoulé et l’invisibilité, qu’ont essayé
de colmater la technologie, les souvenirs des proches,
peut-être. La peinture de Tuymans vient livrer un verdict
mi-figue mi-raisin : les visages ne sont ni noirs ni blancs,
ils sont gris. Baignant dans une lueur aussi irréelle et pâle
que leur peau, ils ont cette teinte morbide des êtres qui
agonisent sans rien vouloir céder à la mort. Déroutant
puisqu’effrayant : la source, encore une fois, n’est qu’un
portrait hypothétique.
Tuymans n’aime rien tant que jouer faux. Il dit qu’il
cherche à faire des «faux authentiques et donner cette
impression que les toiles, au vu de leur facture, fanée et
passée, pourraient avoir été faites il y a trente ans». Mais
la dissonance dans sa peinture ne se limite pas à cela.
Prenez la toile Twenty Seventeen [ill. ci-contre], qui fait
office d’affiche pour son exposition à Venise. C’est le visage
d’une femme, bouche bée, les yeux écarquillés, pétrifiée
par la peur. Sauf que ces traits et cette expression tragiques
ne sont jamais déformés et sublimés que par la projection
vidéo d’un visage sur un ballon de baudruche à l’occasion
de la promotion d’une série télé brésilienne. L’image
source est donc triviale, le visage, un artefact. N’empêche,
Tuymans vient figer l’instant et, d’un pinceau glaçant et
silencieux, transformer, ironiquement, cette innocente
figurine publicitaire en figure quasi mythologique. n

Twenty Seventeen
Ce visage à l’effroi muet a pour
source étrange une image projetée
sur un ballon de baudruche
publicitaire. L’image et son double
déformé, encore, vue au prisme
de la peinture, qui ajoute
une marge d’erreur.
2017, huile sur toile, 94,7 x 62,7 cm.

80 tableaux livrés à eux-mêmes

«Luc Tuymans – La Pelle»
Alors que Luc Tuymans a l’habitude d’encadrer nettement ses expositions entre les rets d’une histoire jusqu’au 6 janvier
Palazzo Grassi
bien ficelée, nourrie par des toiles se rapportant toutes au même sujet (par exemple, la décolonisation
Campo San Samuele 3231
du Congo belge à la biennale de Venise en 2001), «La Pelle» («la Peau») laisse les tableaux se perdre Venise • +39 041 2001 057
sous les ors du Palazzo Grassi, sans les tenir en laisse, sans esquisser la moindre tentative de les grouper www.palazzograssi.it
par quelque biais raisonnable que ce soit. Pas question de suivre un ordre chronologique (il y aurait Catalogue sous la dir.
de Caroline Bourgeois
pourtant de quoi en remontant le fil à partir d’un tableau présenté là et peint en 1986), pas question éd. Marsilio • 224 p. • 45 €
non plus d’inscrire au mur le moindre texte explicatif, ou bien d’assigner à chaque salle sa thématique,
voire un genre (nature morte, paysage ou portrait, le Belge les a tous traités). Les 80 tableaux réunis
sont ainsi livrés à eux-mêmes. Il s’agit pour l’artiste de montrer ce qu’ils ont dans le ventre, sous la peau.
Ou, comme il dit, d’offrir une «expérience picturale». La peinture sans rien sur la peau.

Beaux Arts I 95
L’HISTOIRE DU MOIS

Le marché de l’art sous l’Occupation

Les dessous d’un pillage
à grande échelle

Spoliations des galeristes juifs persécutés,

trafics juteux et transferts massifs
d’œuvres en Allemagne : le marché
de l’art a fait florès en France, entre 1940
et 1944. Emmanuelle Polack a réalisé
une enquête édifiante sur cette page
sombre de l’histoire, à travers un livre et
une exposition au Mémorial de la Shoah.
Un indispensable devoir de mémoire.

Par Emmanuelle Lequeux

Adolf Hitler lors d’une exposition d’art français à Berlin, en 1937. À ses côtés
se tient André François-Poncet, homme politique et diplomate français.
Ce cliché a été pris par Heinrich Hoffmann, photographe personnel de Hitler.

C
hampagne, mondanités et biens spoliés… Sous l’Occu-
pation, le marché de l’art est florissant. L’économie
française fonctionne au ralenti dans un pays soumis
au joug allemand ? Pourtant, les ventes aux enchères
attirent la foule, l’argent coule à flots, les trafics
minables font florès. Près de deux millions d’objets d’art auraient été
échangés entre 1940 et 1944.
Cette économie, aussi prospère que déboussolée, l’historienne de
l’art Emmanuelle Polack a consacré sept ans de sa vie à en étudier les
secrets bien gardés et les rouages, dans le cadre de sa thèse soutenue
à la Sorbonne, et aujourd’hui publiée chez Tallandier (le Marché de
l’art sous l’Occupation, 1940-1944). Une recherche passionnante, qui
dissèque un trafic aussi complexe qu’odieux. «Avoir la possibilité de
réaliser ce devoir de mémoire, d’aider à la réparation, est une grande
joie, nous confie-t-elle, alors qu’elle est à quelques jours de l’ouverture
de l’exposition qui, au Mémorial de la Shoah, dévoilera au grand Le 4 novembre 1943, l’idéologue nazi Alfred Rosenberg et Bruno Lohse, son adjoint,
sont accueillis au Jeu de paume par René Huyghe, conservateur au département
public ses découvertes. Il faut absolument que nos musées et nos ins- des peintures du Louvre, en présence de Germain Bazin, adjoint de Huyghe. À
titutions deviennent plus transparents, tout le monde en sortira gauche, apparaît la silhouette de Rose Valland, qui garde, elle, les mains croisées.

96 I Beaux Arts
En avril 1941 a lieu l’inventaire des biens confisqués à la galerie Wildenstein, à Paris. Plus de 500 de ses tableaux sont saisis.
Pourtant, en 1946, les services américains font figurer ce nom dans une liste de marchands suspects de collaboration
avec les Allemands. Jusqu’aux années 2000, différents procès dévoilent le rôle trouble de la famille pendant la guerre.

grandi. Il y a un vrai travail dépassionné à faire : personne aujourd’hui
n’est responsable de ce qui s’est passé pendant la guerre.»
Pour cette chercheuse indépendante ayant travaillé deux ans au
sein de la taskforce chargée d’explorer la stupéfiante collection Gurlitt,
restée cachée jusqu’en 2012, «le chemin n’a pas été pavé de roses, et
l’accès aux archives n’allait pas de soi. Les Archives nationales m’ont
beaucoup aidée. J’ai également trouvé des documents à la préfecture
de police, ainsi qu’au Getty Center de Los Angeles. Mais les ports
francs et la Suisse font partie de nos gros problèmes concernant ce
domaine». Pillages et spoliations, enchères plus ou moins honnêtes,
négoces en galerie, elle a tout disséqué pour dresser un panorama,
qui fait froid dans le dos, de ce marché pris de frénésie dans une
France vivant, pour reprendre les mots de Roland Barthes, «un cau-
chemar sinistre et glacé».
Elle décrit les mécanismes à l’œuvre : «Un afflux de marchandises,
dont une partie pouvait être issue des spoliations ou autres pillages
artistiques (…) ; un changement de clientèle, les collectionneurs pro-
vinciaux et internationaux tout comme la clientèle juive désertant le
marché en zone occupée, bientôt remplacés par les nantis de l’Occu-
pation ; une abondance de capitaux, puisqu’à partir du
17 décembre 1941 la communauté juive de la zone occupée se voyait
infliger une amende d’un milliard de francs, en représailles d’atten-
tats perpétrés contre l’occupant»
Dans les galeries, les affaires abondent. Dans les galeries «aryennes»
ou «aryanisées», du moins. Car dès la promulgation des infâmes lois
antisémites, promulguées par l’occupant et sur lesquelles surenché-
rit le régime de Vichy, tous les grands marchands juifs se voient
contraints d’abandonner leur commerce. Déchu de la nationalité
française, Paul Rosenberg trouve refuge aux États-Unis, mais son
incroyable collection connaîtra de nombreux outrages, alors que son
hôtel particulier du 21, rue de La Boétie deviendra le siège de l’Insti-
tut d’études des questions juives. «Galeriste de combat», comme il se
définissait, Pierre Loeb s’exile à Cuba. À son retour, en 1945, il ne doit
qu’à l’intervention de Picasso de récupérer les clés de sa galerie, inves-
tie par le marchand Georges Aubry, enrichi par son commerce avec
les musées allemands. Quant à leur confrère René Gimpel, il paya de QQQ
Beaux Arts I 97
L’HISTOIRE DU MOIS l LE MARCHÉ DE L’ART SOUS L’OCCUPATION

DE GAUCHE À DROITE
Pierre Loeb
Depuis son exil à Cuba (ici, en 1944),
le galeriste confie sa détresse
à Picasso : «Hélas, pourquoi notre
cœur doit-il tant souffrir ? […]
Vous avez de la chance, vous,
de pouvoir toujours travailler.»

René Gimpel
Ce galeriste, entré dès 1940 dans
la Résistance avec ses fils, sera
dénoncé par un concurrent sans foi ni
loi, Jean-François Lefranc, et mourra
en 1945 au camp de Neuengamme.

Rose Valland
Combien d’œuvres auraient
été perdues sans cette conservatrice
bénévole ? Elle note durant
quatre ans le va-et-vient des œuvres
spoliées transitant au Jeu de paume
et passera des années après guerre
à les traquer dans les caches nazies.

sa vie son engagement contre Vichy, dénoncé par un marchand d’art négociations de paix», prétexte la Wehrmacht. En réalité, il s’agit de
et malfrat amoureux de ses Chardin, Jean-François Lefranc, qui n’en dresser un inventaire des trésors destinés au musée dont Hitler rêve
était pas à un méfait près. Surnommé avant guerre «l’escalier de pour Linz, la ville où il a grandi.
l’Amérique», tant le succès était au rendez-vous, le secteur de la rue
de La Boétie est anéanti par l’occupant. Des administrateurs provi- Le Jeu de paume devient le musée des confiscations
soires, à l’honnêteté souvent toute relative, sont nommés à la tête de Cette cartographie permet à l’occupant nazi, dès l’été 1940, d’effec-
ces négoces. Une «besogne de charognard», enragent les Rosenberg. tuer des rafles terriblement rentables. Différentes structures se mettent
En 1943, plus de la moitié des galeries d’art moderne sont sous le joug en place, aussi efficaces que rivales. Nombre de toiles, sculptures et
de ces lois d’exception. Le journal collaborationniste Au Pilori le objets d’art du baron Édouard de Rothschild, du collectionneur
célèbre à sa manière : «La rue de La Boétie était, avant la dernière Alphonse Kann, de Rosenberg ou de la famille Bernheim sont très vite
guerre, la guerre juive, le centre de l’art vivant. L’art vivant ! Cette hon- transférés à l’ambassade d’Allemagne, plaque tournante des pillages.
teuse fumisterie qui consista à vous faire prendre pour de l’adorable «Une incroyable moisson», pleure Rose Valland, conservatrice béné-
naïveté ce qui n’a jamais été que de l’impuissance. Impuissance de vole au Jeu de paume, qui jouera un rôle fondamental, après guerre,
peindre, bien entendu.» « Sous le concept d’Arisierung, il s’agit d’éra- pour la restitution de ces biens. Mais en parallèle aux initiatives de
diquer toute influence juive de la vie économique française et de pri-
ver la population juive de tout
moyen de subsistance», précise
Emmanuelle Polack.
Les collectionneurs juifs sont
LES GRANDES
DATES D’UN PILLAGE tout autant touchés, leurs biens
«aryanisés» par les ordonnances
Juillet 1940 Premières saisies nazies ou spoliés par leurs admi-
dans les collections de grandes nistrateurs provisoires. Dès
familles juives.
juin 1940, l’occupant écume les
Automne 1940 Les nazis investissent négoces d’art appartenant aux
le Jeu de paume pour y déposer
les milliers d’œuvres spoliées. grandes familles juives. Toutes
Novembre 1940 La maison les richesses des maisons Selig-
de ventes Drouot rouvre mann, Jansen, Lazare Wildens-
après six mois de fermeture. tein, et de dizaines d’autres, sont
26 avril 1941 Vichy interdit répertoriées, sous l’égide d’un
aux Juifs toute activité de commerce.
commissaire de police parisien.
23 juillet 1943 Les soldats allemands «Le Fürher a donné l’ordre de
brûlent des centaines de toiles
dans le jardin du Jeu de paume. mettre en sûreté (…) les objets
Novembre 1944 Le gourvenement d’art appartenant à des particu-
provisoire du général de Gaulle liers, notamment à des Juifs.
crée une commission destinée Cette mesure ne doit pas consti-
à faciliter la récupération des biens Une partie de la collection d’Adolphe Schloss, conservée avant guerre
tuer une expropriation, mais un
spoliés. Aucun représentant dans son hôtel particulier parisien. Le sort de cette collection est
des grands collectionneurs juifs transfert sous notre garde en tragiquement rocambolesque. Là encore, c’est Lefranc qui a aidé les nazis
n’est invité à y participer. vue de servir de gage pour les à la dénicher dans le château où elle était cachée.

98 I Beaux Arts
Une vente aux enchères à la galerie Charpentier,
à Paris, en juin 1944. Ses vernissages étaient parmi
les plus courus de l’Occupation, où se croisaient
dignitaires nazis et artistes, notamment Van Dongen,
qui fit le voyage en 1941 en Allemagne avec Derain.

l’ambassadeur Otto Abetz, Hermann Göring met en place un système

dont il espère bien qu’il alimentera sa propre collection : le Reichs-
marschall est, hélas, lui aussi féroce amateur d’art (à la fin de la guerre,
il possédera 1 376 tableaux). Il charge de cette mission, qu’il s’obstinera
à poursuivre jusqu’à ses derniers instants, l’ERR, l’Einsatzstab Reichs-
leiter Rosenberg. Soit l’état-major des services du Reichsleiter Alfred
Rosenberg, idéologue du régime diligenté pour «mettre en sécurité
les objets qui lui semblent précieux». Sa tâche s’avérera bien plus
immonde. Dès octobre 1940, l’ERR déniche les collections Jacobson,
Reichenach ou Rouff, qui avaient cru les protéger en les cachant à
Chambord, puis 130 caisses de la collection David-Weill. Des fiches
circonstanciées sont établies à chaque arrivage. «Une opération de
recensement et de saisie artistique unique en ce genre dans l’histoire»,
sera-t-il relevé après guerre au procès de Nuremberg.
Au début de l’hiver 1940, le Jeu de paume est choisi comme le lieu
de ce recel d’ampleur inédite. Tous les Modigliani, Picasso, Chagall et
autres artistes «dégénérés» de sa collection ont été évacués. Ils sont
peu à peu remplacés par des artistes dont l’esthétique ravit Hitler et
ses acolytes. À savoir les écoles allemandes et hollandaises. Les plus
recherchés ? Vermeer, Rembrandt, Cranach, Van Dyck, Frans Hals.
Principal critère de beauté ? Le réalisme. À l’inverse, tous les artistes
Toutes les richesses des maisons
Seligmann, Jansen, Lazare
Wildenstein, et de dizaines
d’autres, sont répertoriées,
sous l’égide d’un commissaire
de police parisien.
d’avant-garde sont destinés au pilori. Les collections juives pillées en
sont pourtant riches. Au Jeu de paume, la salle des martyrs est donc
destinée à recueillir les œuvres méprisées de Hans Arp, Braque, Cha-
gall, Ernst, Matisse, Masson, Tanguy ou Vallotton arrachés aux mains
de Paul Rosenberg, d’Alphonse Kann ou de Georges Bernheim.
Un autodafé a-t-il été réalisé en juillet 1943, derrière le musée des
Tuileries ? Dans ses précieuses notes, où elle notait tous les déplace-
ments d’œuvres, la résistante Rose Valland rapporte que cinq ou QQQ
Beaux Arts I 99
L’HISTOIRE DU MOIS l LE MARCHÉ DE L’ART SOUS L’OCCUPATION

Tout ce vilain monde tourne

autour de l’hôtel de ventes
Drouot, qui reste pendant
la guerre la plus grande place
d’enchères au monde.

À partir du 17 juillet 1941, le Commissariat général aux questions juives impose

l’interdiction d’accès des Juifs à l’Hôtel Drouot. Dès lors, la maison de ventes
devient un «salon franco-nazi», », selon le journaliste Jean Dutour, en 1945.

six cents tableaux auraient été

brûlés. Mais certains auraient pu
être, préservés du feu. «Il arrive
que l’on retrouve des tableaux
notés “vernichtet”, ce qui signi-
fie “à détruire”», précise Emma-
nuelle Polack. CI-DESSUS avec les musées allemands.
Car, plutôt que de les réduire En 1942, Drouot connaît Nazi de la première heure, il tra-
une année exceptionnelle.
en cendres, la bande maléfique Nantis de la collaboration vaille en direct avec le Führer.
qui grouille autour du Jeu de et dignitaires nazis font «Pour cette mission, l’argent ne
paume a mis en place un sys- grimper les enchères jusqu’à compte pas. Seule préconisa-
tème des plus profitables. L’Alle- des sommets. tion : la collection du Führer
mand Bruno Lohse est chargé C-CONTRE
doit être supérieure en nombre
d’écouler la peinture moderne L’acteur Jean Tissier, à Drouot, et en qualité à celle du Reichs-
qui afflue, par tous les moyens possibles. Passionné par le Siècle d’or le 30 octobre 1942. Le héros marschall», précise Emma-
hollandais, l’historien de l’art impressionne Göring par ses connais- de L’assassin habite au 21, tourné nuelle Polack. Il saisit à ce titre
en 1942, sera inquiété dès
sances. Son acolyte, le marchand d’art Gustav Rochlitz, «le plus actif 1944 par la Résistance, mais 262 chefs-d’œuvre de la collec-
de ces filières sordides», lui permet de s’introduire dans le milieu de un non-lieu sera prononcé. tion Schloss, retrouvés grâce à
l’art parisien que ce dernier fréquente depuis une dizaine d’années. une dénonciation, au bénéfice
Au moins 82 peintures modernes, reçues de l’ERR, passent entre leurs du musée de Linz. Autre voyou redoutable, l’Allemand Hans
mains : ils les échangent contre des classiques dignes de la collection Wendland. Proche de l’amateur d’art et marchand d’armes Emil
Göring, à parfois dix contre un. «Entre mars 1941 et novembre 1943, Bührle, le résident suisse se chargeait de convoyer les œuvres que
l’ERR aurait conclu 28 échanges de tableaux confisqués», retrace Bührle achetait «à Paris, via l’état-major de Göring». Dernière grosse
Emmanuelle Polack. Voire 36, dévoilent les archives américaines. filière, celle de Maria Almas-Dietrich. Elle acquiert à Paris au moins
L’historienne s’est acharnée à les analyser. Göring se taille la part du 80 toiles, revendues à Hitler. Son goût était cependant moins sûr :
lion, devant Hitler et Ribbentrop. En décembre 1941, par exemple, il plus d’un faux a été refourgué à la galeriste munichoise. Ce marché
«acquiert» un Jan Brueghel en échange de quatre Matisse. a offert l’opportunité à «un milieu composé d’intermédiaires, d’in-
Ce florissant trafic incite toute une pègre internationale à frayer formateurs, de courtiers, de marchands comme de grands négo-
autour du Jeu de paume. Là encore, Emmanuelle Polack retrace leur ciants, de prospérer grâce à des pratiques douteuses, mais générant
parcours : « J’ai travaillé à identifier très clairement ces filières, ce qui d’énormes profits personnels», résume la chercheuse.
aide à la traçabilité des œuvres. Autant d’indices auxquels il serait heu- Tout ce vilain monde tourne également autour de l’hôtel de ventes
reux que les grandes maisons comme Sotheby’s ou Christie’s prêtent Drouot, qui reste pendant la guerre la plus grande place d’enchères
désormais attention.» Aux premiers rangs de cette pègre sans foi ni au monde. «Cent pour cent enjuivée», aux dires du journal Au Pilori,
loi, la bande du marchand d’art allemand Karl Haberstock, dont le la salle des ventes est interdite aux «Israélites» à l’été 1941. Zibeline,
réseau rassemble plus de 75 négociants faisant commerce notamment argenterie, dentelles, tout s’y échange. Et surtout les toiles de grands

100 I Beaux Arts
En 1942, un
marchand d’art,
ou un collectionneur,
s’éloigne de l’Hôtel
Drouot, un tableau
sous le bras. Au total,
deux millions de
ventes d’œuvres d’art
ont été effectuées
sous l’Occupation.

Beaux Arts I 101
Le 3 décembre 1941,
au Jeu de paume, Hermann
Göring, Walter Andreas
Hofer, conservateur
de la collection de ce dernier,
et Bruno Lohse procèdent
à l’échange, en faveur
de Göring, d’une toile
de Jan Brueghel contre
quatre peintures de Matisse
issus de la collection
de Paul Rosenberg.

CI-CONTRE
Henri Matisse
Daisies (Femme et fleurs)
Cachées dans le château
de Floirac et dans un coffre
de banque de Libourne,
les œuvres de la collection
Rosenberg, dont nombre
de Matisse, ont été pour
la plupart pillées et
transférées en Allemagne.
À ce jour, une soixantaine
d’entre elles n’ont toujours
pas été retrouvées.
16 juillet 1939, huile sur toile,
90,5 x 71,5 cm.

À LIRE
Le Marché de l’art sous
l’Occupation (1940-1944)
par Emmanuelle Polack
préface de Laurence
Bertrand Dorléac • éd. Tallandier
304 p. • 21,50 €

Nombre d’œuvres de provenance douteuse sont

écoulées sur le marché. Un seul exemple ? Daisies,
de Matisse. Spoliée dans la collection Rosenberg,
rangée dans la salle des martyrs du Jeu de paume,
elle est vendue à Drouot en 1944.
102 I Beaux Arts
ou petits maîtres, parmi lesquels Braque, Maurice
Denis, Seurat, Renoir, Ingres, Bonnard. Les prix
s’envolent, multipliés par neuf en quatre ans d’après
Emmanuelle Polack. «Conjoncture excellente en
1941, exceptionnelle en 1942», souligne-t-elle après
avoir eu accès aux 3 000 catalogues de ventes, de
1938 à 1950, numérisés par l’Institut national d’his-
toire de l’art (Inha) avec l’aide de la Fondation pour
la mémoire de la Shoah. Et de regretter, laconique :
«À part cela, Drouot ne m’a pas du tout ouvert ses
portes. Quant aux archives des commissaires-
priseurs, légalement contraints de les verser à
l’État, on remarque pas mal de lacunes. Il y a
d’ailleurs eu un grand cynisme de la part de cer-
tains d’entre eux qui, après guerre, tournaient brus-
quement casaque en organisant des ventes pour la
veuve et l’orphelin ou les FFI, alors que les mêmes,
pendant la guerre, faisaient lever les premiers rangs
pour laisser place aux dignitaires nazis.»

100 000 œuvres transférées

en Allemagne
À Drouot se vendent essentiellement «des pay-
sages et des femmes alanguies, typiques du goût
petit-bourgeois, et très peu d’œuvres de l’avant- Tableaux retrouvés en mai 1945 dans le château de Neuschwanstein,
garde, dont les prix ont chuté», résume-t-elle. L’es- en Bavière, provenant des collections Rothschild et Stern de Paris et qui avaient
thétique prônée par l’exposition nazie «Entartete été rassemblés par Hermann Göring pour constituer un musée particulier.
Kunst» prédomine : «La presse collaborationniste
reprend cette “thèse” de l’art “judéo-bolchevique” en dénonçant l’art perdus et souvent retrouvés, la lenteur insupportable des restitutions.
“casher”, puis zazou. Pour eux, Matisse est un zazouvrier, et Picasso Mais Emmanuelle Polack parvient à résumer la situation. « Le calcul
un comte de Saint-Germain qui sera vite oublié. C’est dire s’ils ont été est simple : 100 000 œuvres ont été transférées à l’Allemagne, 60 000
visionnaires.» Et la physionomie de la clientèle a changé : « Des sont revenues, dont 45 000 restituées dans l’immédiat après-guerre.
hommes enrichis sur le marché noir, qui cherchent à transformer Restent 15 000 œuvres : de 1950 à 1953, une commission en choisit
rapidement leurs liquidités mal acquises, et les nantis de l’Occupa- 2 000, parmi les plus importantes : ce sont les MNR [Musées nationaux
tion. D’ailleurs, l’argenterie et les beaux flacons étaient eux aussi très récupération], désormais signalés comme tels dans les musées natio-
recherchés, pour alimenter les soirées du gai Paris.» naux. Quid des 13 000 restantes ? Durant ces trois  années, elles
Les «ventes forcées» de «biens israélites» sont également fré- semblent mises en vente par les Domaines, sans que l’on ne retrouve
quentes, dont les collections Fabius, Hessel, Kann et Bernheim- aucune trace de transactions dans les archives. On n’est donc pas du
Jeune. Impossible aux éventuels acquéreurs d’en ignorer l’origine. tout à l’abri de réapparition soudaines sur le marché.»
Nombre d’œuvres de provenance douteuse sont écoulées sur le mar- Le processus de restitution s’accélérera-t-il enfin ? Après avoir été
ché. Un seul exemple ? Daisies, de Matisse. Spoliée dans la collection missionné par Audrey Azoulay, David Zivie devrait prendre bientôt
Rosenberg par l’ERR, rangée dans la salle des martyrs du Jeu de la tête d’une structure sous l’égide du ministère de la Culture, riche
paume, elle est vendue à Drouot en 1944 (elle se trouve aujourd’hui à de quatre experts travaillant déjà sur la question. En juillet 2018, le
l’Art Institute of Chicago). Bref, comme l’écrira Jean Dutour dès la Premier ministre Edouard Philippe insistait : «C’est une question
Libération dans le journal Action, Drouot est devenu «un véritable d’honneur. Une question de dignité. De respect des victimes de ces
salon franco-nazi». Rarissimes en sont pourtant les acteurs à avoir été spoliations, de leur mémoire et de leurs descendants.» Après
inquiétés au moment de l’épuration. Il faudrait plusieurs tomes pour le temps du secret, le temps de l’action ? Plus aucun retard n’est
évoquer ensuite l’après-guerre, les ineffables odyssées de tableaux désormais excusable. n

Au Mémorial de la Shoah, l’histoire d’œuvres spoliées

C’est la première fois qu’une exposition institutionnelle dévoile les coulisses du marché de l’art sous l’Occupation. «Le marché de l’art sous
l’Occupation (1940-1944)»
Autour de documents révélés par les recherches d’Emmanuelle Polack, commissaire scientifique, sont
jusqu’au 3 novembre
évoquées les galeries et maisons de ventes de ces années noires. Incarnant le sort tragique des collections Mémorial de la Shoah
juives spoliées, les trajectoires de trois tableaux sont retracées, de Constable, Romney ou Thomas Couture, 17, rue Geoffroy l’Asnier
75004 Paris • 01 42 77 44 72
dernière toile qui ait été restituée, en janvier dernier. Chaque dimanche, la commissaire est sur place,
www.memorialdelashoah.org
ainsi que des chercheurs, afin d’expliquer leur méthode et, qui sait, recueillir de nouveaux témoignages.

Beaux Arts I 103
N O 418 Avril 2019

GUIDE DES EXPOSITIONS Pages coordonnées par

Emmanuelle Lequeux

Jean-Baptiste Huynh
Cil, 2003

MUSÉES &
CENTRES D’ART

106
Quoi de neuf en avril ?

1O8
Au cœur de toutes les
géopoétiques latinas

110
Notre sélection
d’expositions en France

116
Entretien
avec Erika Verzutti

118
Les expositions
à l’étranger

GALERIES

124
Nos coups de cœur

11O
Huynh les yeux grands ouverts
Né de mère française et de père vietnamien, le photographe
Jean-Baptiste Huynh a arpenté le musée Guimet comme
on erre sur un continent aimé : en cherchant à développer
un regard intérieur. Noir et blanc ou couleur, son compte
rendu de voyage met le visiteur en apesanteur.

Beaux Arts I 105
 L’ACTUALITÉ DES MUSÉES & CENTRES D’ART

Quoi de neuf en avril ?

Plan-relief d’Ath, en Belgique, 1697
En médaillon : plan-relief de Namur, 1750

1 À Lille,
les plans-reliefs en beauté
Le plus ancien, celui de Calais, a été réalisé en 1690.
Après dix mois de restauration, quatorze plans-reliefs
de villes du Nord et des Flandres, parmi lesquelles Lille,
Namur ou encore Maastricht, conçus à des fins militaires
sous le règne du Roi-Soleil, sont de nouveau visibles
au Palais des beaux-arts de Lille, dans une muséographie
renouvelée. Un nouvel éclairage et un dispositif numérique
inédit permettent ainsi de mieux les observer. Jadis classées
secret défense, ces maquettes réalisées à l’échelle 1/600e
ont été longtemps conservées dans les combles
de l’Hôtel des Invalides à Paris, où demeure une partie de
la collection (au sein du musée des Plans-Reliefs), scindée
dans les années 1980. www.pba-lille.fr

2 À Bordeaux, la Fabrique Pola

s’ancre rive droite
C’est un lieu dédié à la création contemporaine et à la production
artistique et culturelle qui regroupe 19 structures mutualisées en lien
avec les arts visuels (parmi lesquelles le Labo Photo, révélateur d’images,
Zébra3, Les Requins Marteaux ou encore Pointdefuite) et des artistes du
territoire. Après presque vingt ans de nomadisme dans l’agglomération

3
bordelaise, la Fabrique Pola prend ses quartiers, durablement (bail
emphytéotique de dix-huit ans), sur les quais de la rive droite, entre
la Caserne Niel et la Cité du Vin, dans un ancien entrepôt de 4 000 m2
entièrement réhabilité par le cabinet d’architecture Nouvelle Agence.
Pour fêter la fin du chantier, une journée portes ouvertes est organisée
le 4 mai avec visite guidée, interventions artistiques et dance floor.
www.pola.fr
À Paris, le premier centre d’art
flottant dédié au street art
43 m de long pour 1 000 m2 d’espaces transparents et modulables.
Lauréat de l’appel à projets 2017 «Réinventer la Seine», Fluctuart, premier
centre d’art urbain flottant, jette l’ancre en mai au pied du pont des Invalides,
face au Grand Palais, rive gauche. Un projet à 4 M€, porté notamment
par Nicolas Laugero Lasserre, collectionneur et directeur de l’école des
métiers de la culture ICART. La cale du bateau accueillera les expositions
temporaires (trois par an) et un atelier, le pont principal hébergera
la collection permanente, une librairie spécialisée tandis qu’un bar-
restaurant prendra place sur la terrasse supérieure. Le tout s’accompagne
d’une programmation culturelle (ateliers créatifs et pédagogiques,

4
projections, concerts et conférences). Et en plus, l’entrée est gratuite !
https://fluctuart.fr

Belfort révise En 2016, il avait été fermé d’urgence suite à l’effritement d’une voûte. Le musée des Beaux-Arts
de Belfort (Franche-Comté), installé depuis 2008 dans la tour 41, bâtiment qui faisait partie
son musée de la citadelle construite par Vauban au XVIIe siècle, a rouvert ses portes après des travaux de
https://musees.belfort.fr/accueil-991.html consolidation. La nouvelle muséographie, «plus aérée», savamment orchestrée de manière
chronologique, met à l’honneur le sculpteur Camille Lefèvre (1853-1933), qui a donné son fonds
d’atelier et sa collection (Rodin, Carrière, Luce, Signac…) aux musées de la ville. Hommage est
également rendu au peintre Bernard Gantner (1928-2018) avec treize œuvres, issues de collections
particulières, mises en relation avec le fonds d’estampes japonaises (Hokusai et Hiroshige) du musée.
 MUSÉES l LE MUSÉE DU MOIS

Vue de l’exposition
«Fiesta gráfica».

u PARIS • MAISON DE L’AMÉRIQUE LATINE

Au cœur de toutes les géopoétiques latinas

S
igmund Freud décrivait les lieux, en 1886,
comme un «château féerique». Ancien hôtel
particulier du neurologue Jean-Martin
Charcot, l’actuel siège de la Maison de l’Amérique
latine mérite toujours ce qualificatif. Mais ce sont
moins, aujourd’hui, ses spectaculaires salons,
privatisables pour des événements, et son élégant
restaurant réaménagé par le designer et sculpteur
franco-argentin Pablo Reinoso que ses expositions
qui ravissent l’œil et l’esprit. Dernière en date,
«Fiesta gráfica» agit à la manière d’une déflagration
visuelle, éclatant sur des murs saturés de couleurs :
y sont accrochées 180 affiches, sélectionnées par
le graphiste français Michel Bouvet, qui donnent
une petite idée de la puissance de ce support outre-
Atlantique. Géométries électrisantes de Marta
Granados, blague culottée du duo El Fantasma
de Heredia célébrant les 100 ans de Karl Marx
avec un portrait de Groucho, «ragoût graphique»
Kiko Farkas au fumet social du collectif Onaire, Vierge Marie
Semana ABC, 2016 rockabilly et vieil Enfant Jésus à corps de
xoloitzcuintle (chien sans poil) chez Dr. Alderete,
frégates des îles Galápagos à énorme jabot rouge
annonçant une parade d’amour reggae-rock (Pablo
Iturralde), affiches dénonçant en fluo mille inégalités
(Natalia Iguiñiz Boggio), silhouette de paysanne
À VOIR andine au sommet de la virtuosité graphique (Giselle
«Fiesta gráfica» Monzón)… Ils sont ainsi 26 à bombarder sans pitié
jusqu’au 7 mai nos rétines à coups de carteles (affiches) venus de
217, bd Saint-Germain
Medellín, comme de La Havane, Lima ou São Paulo.
75007 Paris
01 49 54 75 00
www.mal217.org Carlos Cruz-Diez Intervention chromatique, 2014
Ce précipité de la création latina est à l’image du lieu
qui l’accueille. Une Maison à la personnalité forte
et à l’esprit farouchement indépendant. Créée en 1946
par un De Gaulle attiré par ces «sociétés ardentes»
qui soutinrent la France combattante, elle fut dans
les années 1970 le lieu de réunion des artistes
et intellectuels en exil. Aujourd’hui que le continent
magnétise à nouveau tous les regards, elle connaît
un second souffle, porté par la programmation
défricheuse et pointue d’Anne Husson. C’est grâce
à elle que l’on a pu découvrir les «dessins sans papier»
suspendus dans les airs de Gego, les perforations
magiques de Carmen Perrin, l’œuvre photographique
du cinétique Carlos Cruz-Diez, les encres subtiles
de Johanna Calle ou encore le noir et blanc solaire
de Lola Álvarez Bravo… Précision : la Maison, ouverte
à tous les vents de l’art, de la littérature, de la
musique, des sciences humaines, de la psychanalyse
et du cinéma, est en accès libre. «Et affranchie de tout
ce qui relève du marché», renchérit sa dynamique
directrice culturelle. ¡Vamos! Natacha Nataf

108 I Beaux Arts
 PASS
SÉSAME
À PARTIR DE 25€

PLUS D’INFORMATIONS SUR GRANDPALAIS.FR

COUPE-FILE ET ILLIMITÉ
ET DU MUSÉE

19SESBAM
AVEC LE CODE
SÉSAME+ DUO
DU LUXEMBOURG
TARIF RÉDUIT SUR

JUSQU’AU 14 AVRIL
DU GRAND PALAIS
TOUTES LES EXPOS

Marc Chagall, Le Paysage Bleu (détail), 1925 © VG Bild-Kunst, Bonn ; Photo © KARTOTHEK © ADAGP, Paris 2019 I
Henri de Toulouse-Lautrec, Au Salon de la rue des Moulins (détail), 1894, huile sur toile © Musée Toulouse-Lautrec,
Albi,  France I Boris Koustodiev, Le  Bolchévique (détail) ©  Collection  de la Galerie nationale Trétiakov, Moscou I
Greco (Domínikos Theotokópoulos, dit El), Le Partage de la Tunique du Christ dit aussi L’Espolio, 1577-1579. Sacristie
de la cathédrale, Espagne, Tolède, cathédrale Sainte-Marie Photo © Archives Alinari, Florence, Dist. Rmn – Grand
Palais / Raffaella Bencini I Édouard Vuillard, Jardins publics : La Promenade (détail), 1894, détrempe sur toile, 214.3 ×
97,2 cm, Houston, Museum of Fine Arts, The Robert Lee Blaffer Memorial Collection, don de M. et Mme Kenneth Dale
Owen, 53.9 © The Museum of Fine Arts, Houston I Sir Joshua Reynolds, Colonel Acland and Lord Sydney : The Archers
(détail), 1769, oil paint on canvas, 23,60 x 18 cm © Tate, London 2018 I Graphisme, Claire Rolland et Ségolaine Pertriaux
 MUSÉES l EXPOSITIONS
Fils, 2004
u PARIS • MUSÉE GUIMET JUSQU’AU 20 MAI
Jean-Baptiste Huynh
aux couleurs du musée Guimet
Son nom rime avec noir et blanc : jamais le regard voyageur
de Jean-Baptiste Huynh ne quitte ce doux territoire. Invité par
le musée Guimet à y mener une recherche libre, le photographe
franco-vietnamien a pourtant glissé vers la couleur avec
une grande délicatesse. Ce sont d’abord les miroirs, au sein
de la collection, qui l’ont arrêté. Mais plutôt que de digresser
sur leur nuancier de grisaille argentique, il a saisi leurs nuances
de rouille et de pierre. D’autres formes rondes dialoguent
aujourd’hui avec ces reflets d’antan : coupe Han, bol à thé ou pierre
de rêve, bientôt rejoints par les visages en sommeil des bouddhas.
Cette seconde résidence en musée (après celle du Louvre
en 2012) s’avère pour lui nouveau souffle. Emmanuelle Lequeux
«Jean-Baptiste Huynh – Infinis d’Asie»
6, place d’Iéna • 75116 • 01 56 52 54 33 • www.guimet.fr
✶ Hors-série Beaux Arts Éditions • 52 p. • 9,50 €
u PARIS • ATELIER DES LUMIÈRES JUSQU’AU 31 DÉCEMBRE
Van Gogh du sol au plafond !
Après le succès de «Klimt», l’Atelier des Lumières, ancienne fonderie
de l’est parisien reconvertie en centre d’art numérique, accueille
l’exposition «Van Gogh – La nuit étoilée». Avec comme
fond musical des titres de Nina Simone, Miles Davis,
Janis Joplin mais aussi Brahms et Puccini, des centaines
d’œuvres du peintre à l’oreille coupée défilent sur la totalité
des parois, en épousant parfaitement les aspérités
et contours de cette immense boîte noire. Une expérience
immersive qui subjugue un public venu en famille
s’abreuver de cette explosion d’images de champs de blé,
de paysages nocturnes et d’autoportraits tourmentés.
La seconde partie de la projection est consacrée
au «Japon rêvé – Images du monde flottant» comme
un clin d’œil à la fascination de Van Gogh pour les
estampes d’Hokusai et de l’Ukiyo-e. Après les tournesols,
place à un tourbillon de pieuvres, vagues et geishas.
Immersion garantie. Charlotte Ullmann
110 I Beaux Arts
Atelier de François Clouet Henri II, vers 1560
u SAINT-GERMAIN-EN LAYE • MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE
NATIONALE (CHÂTEAU) DU 31 MARSAU 14 JUILLET
Henri II en voie de réhabilitation
L’invention de la Renaissance française, c’est aussi lui ! Tout autant que
son père François Ier, Henri II soutint la création, au XVIe siècle, d’un art
typiquement français, savant syncrétisme entre tradition et innovations
venues d’Italie… Mais le discret monarque, mort tragiquement en 1559
au cours d’un tournoi, est oublié de l’historiographie, éclipsé par la figure
paternelle et par les femmes de sa vie : sa redoutable épouse Catherine
de Médicis et sa non moins retorse maîtresse, Diane de Poitiers, souvent
dépeinte en nymphe voluptueuse. Cinq cents ans après sa disparition,
le château de Saint-Germain-en-Laye rend hommage au roi mal aimé
– notamment en raison de son intransigeance vis-à-vis des protestants –,
dans les murs qui l’ont vu naître et qu’il avait largement remodelés pour
en faire sa résidence favorite. Cette exposition révèle les différentes
facettes de ce souverain méconnu qui s’efforça de se départir d’un lourd
héritage… avec plus ou moins d’adresse et d’autorité. Sophie Flouquet
«Henri II – Renaissance à Saint-Germain-en-Laye»
Place Charles de Gaulle • 78100 • 01 39 10 13 00
www.musee-archeologienationale.fr
«Van Gogh
La nuit étoilée»
Une création Gianfranco
Iannuzzi, Renato Gatto,
Massimiliano Siccardi.
Avec la collaboration musicale
de Luca Longobardi
38, rue Saint-Maur
75011 Paris • 01 80 98 46 00
www.atelier-lumieres.com
✶ Hors-série Beaux Arts
Éditions • 68 p. • 9,50 €
© Thomas Houseago. Photo : Fredrik Nilsen Studio. © Adagp, Paris, 2019
 MUSÉES l EXPOSITIONS
Sans titre (En attendant), 2018
u PARIS • CENTRE CULTUREL IRLANDAIS JUSQU’AU 5 JUILLET
So long, Tomi Ungerer
Alsacien, il l’était dans l’âme. Mais irlandais, il l’était aussi en diable, lui qui finit
à vie face à l’océan, dans son atelier de West Cork qui offrait une vue imprenable
sur le récif dit de «la dent du démon». D’où cet hommage, rendu par le
Centre culturel irlandais, et qui coïncide malheureusement avec son décès,
advenu en février dernier. En guise de dernière révérence, le géant de
l’illustration pour enfants dévoile les pans les plus secrets de son œuvre :
à savoir tous ces collages restés dans l’ombre de ses Trois Brigands, best-seller
de la littérature jeunesse. Où il s’avère enfant de Beckett et des révolutions
du XXe siècle, érotique paradoxal et surréaliste corrosif. Autre découverte,
trois sculptures en forme
de digressions autour
de la pièce En attendant
Godot du métaphysique
dramaturge irlandais :
une seconde raison
de sa présence dans
cet élégant espace.
Comment rêver plus belle
fin de partie ? E. L.
«Tomi Ungerer
En attendant»
5, rue des Irlandais
75005 • 01 58 52 10 30
www.centreculturel
irlandais.com
Sans titre (En attendant), 2018
112 I Beaux Arts
SUCCÈS
& ÉCHECS
Grand Palais, Paris
Þ «Miró»
Du 3 octobre au 4 février
Nombre d’entrées par jour Cumul des entrées
4 367 475 618
Un très beau score pour cette exposition
exceptionnelle qui réunissait près de 150 œuvres
sous la houlette de Jean-Louis Prat,
et ce malgré les nombreuses fermetures liées
aux manifestations des Gilets jaunes.
Musée du Luxembourg, Paris
Þ «Alphonse Mucha»
Du 12 septembre au 27 janvier
Nombre d’entrées par jour Cumul des entrées
2 489 342 040
Après l’exposition «Chagall – Entre guerre et paix»
en 2013 (451 398 visiteurs), c’est la plus
forte fréquentation enregistrée par le musée
du Luxembourg, depuis 2011.
Fondation Cartier, Paris
Þ «Géométries Sud»
Du 14 octobre au 24 février
Nombre d’entrées par jour Cumul des entrées
790 90 000
Une réussite pour cette exposition
qui a rassemblé près de 250 œuvres de plus de
70 artistes, de la période précolombienne
jusqu’aux productions les plus contemporaines.
Grand Palais, Paris
à «Michael Jackson»
Du 23 novembre au 14 février
Nombre d’entrées par jour Cumul des entrées
2 145 156 307
Un chiffre en deçà des attentes, alors que les
expositions du Grand Palais attirent en moyenne
250 000 à 300 000 visiteurs !
Aix-en-Provence
MUSÉE GRANET
FRENCH ARCHIVES, AIX-EN-PROVENCE 1957-1958

16 MARS > 21 JUILLET 2019

HARRY CALLAHAN

Harry Callahan, Aix-en-Provence, 1957-1958. Collection Maison européenne de la photographie, Paris, don de l’auteur © The Estate of Harry Callahan ; courtesy Pace/MacGill Gallery, New York
MUSÉES
MUSÉES l l EXPOSITIONS
EXPOSITIONS Par Emmanuelle Lequeux

EN BREF
Par Stéphanie Pioda

Issy-les-Moulineaux
Musée de la Carte à jouer
Robert Doisneau l’avait déjà immortalisé
dans les années 1930, à l’époque où il y
habitait. Aujourd’hui, c’est Raymond Depardon
qui dresse le portrait d’Issy-les-Moulineaux.
Autrefois territoire industriel, la ville s’est
métamorphosée sous l’action des architectes
(Christian de Portzamparc, Jean Nouvel,
Jean-Michel Wilmotte...). Visite en 40 clichés,
commandés par le musée au photographe
amoureux du paysage urbain.
«Paysages d’architecture – Une
promenade à Issy par Raymond Depardon»
jusqu’au 30 juin • 16, rue Auguste Gervais • 92130
01 41 23 83 60 • www.museecarteajouer.com

Lyon / Fondation Bullukian
Vincent Fournier est nourri par le rêve des
étoiles. Pendant dix ans, il a mené une enquête
sur les moyens mis en œuvre pour conquérir
cet espace devenu utopique et livre des
photographies entre documentaire et image
recréée, où se percutent le réel et l’esthétique
futuriste. De quoi entretenir les «frissons
philosophiques des mystères de l’Univers»
qui titillent toujours l’artiste.
«Vincent Fournier – Space Utopia»
jusqu’au 18 mai • 26, place Bellecour • 69002
04 78 82 93 86 • www.bullukian.com

Nice / Musée d’Archéologie

u TOURS • CCC OD JUSQU’AU 1er SEPTEMBRE Après deux années passées à explorer
le musée et le site archéologique de Cimiez,
Alicja Kwade en son palais des glaces Florian Schönerstedt livre le fruit de sa
Les escaliers mènent à une impasse, les murs sont bienveillants aux passe- réflexion à travers une installation et des
muraille, les vides sont des pleins, et les reflets, des réalités. Et vice versa… vidéos : un regard critique autour d’éléments
L’installation d’Alicja Kwade est un vortex où verticales et horizontales suffisent de notre quotidien qui seront la matière
à créer le vertige. Mais quel vertige ! Il y a du théâtre de l’absurde dans l’univers première de l’archéologue dans quelques
de la jeune artiste berlinoise, qui se déploie pour la première fois en France, centaines d’années. Si les traces de ces
avant d’investir le toit du Metropolitan Museum de New York, à la mi-avril. produits de surconsommation programmés
Après Pierre Huyghe, Tomás Saraceno ou Huma Bhabha, c’est une consécration à être périssables perdurent...
méritée pour la sculptrice illusionniste. Sa digression tourangelle se constitue «Florian Schönerstedt – Méta-archéologie»
jusqu’au 19 mai • 160, avenue des arènes
de cadres noirs, écho aux immenses baies vitrées du CCC OD, de murs de béton
06000 • 04 93 81 59 57 • www.ville-nice.fr
clair, et de glaces qui brouillent tout sens de l’orientation. Si, d’ordinaire,
«les miroirs réfléchissent trop», au dire de Jean Cocteau, ceux d’Alicja Kwade
Roubaix / La Condition publique
se contentent d’un rôle minimal, mais n’en étourdissent pas moins. Çà et là,
«Shaz», c’est pour Shadi Alzaqzouq.
ponctuant ce paysage métaphysique, des troncs d’arbres artificiels – en
Artiste palestinien engagé, il revendique
marbre, bronze ou pierre – et des colonnes en torsade. À chaque nouvelle
la liberté de vivre sa foi et son art, sans
apparition d’une silhouette dans cette espèce d’espace, d’autres perspectives
jugement ni a priori. Il crée des images fortes
s’imposent ; des transparences, des illusions, des gémellités cachées.
et inattendues, comme le portrait de cette
Pendant ce temps, une énorme horloge tique-taque au-dessus de nos têtes,
femme dont le voile est surmonté d’une crête
oscillant inlassablement. La montre du lapin blanc ? Alicja Kwade nous mène
de punk, le détournement du Cri de Munch
en tout cas dans un bien étrange pays des merveilles. E. L.
pour l’appel à la prière ou, lors de la révolution
«Alicja Kwade – The Resting Thought»
tunisienne, il écrivait le fameux «dégage»
Jardin François Ier • 37000 • 02 47 66 50 00 • www.cccod.fr
en arabe sur un slip bien trop large, brandi
par une femme au regard combatif.
«Shaz – Reborn» jusqu’au 13 avril
14, place Faidherbe • 59100 Roubaix
03 28 33 48 33 • www.laconditionpublique.com

114 I Beaux Arts
 MUSÉES l EXPOSITIONS
u PARIS • CENTRE POMPIDOU
Entretien avec Erika Verzutti
«J’ai fait un podium un peu dingue
en forme de cygne»
Est-ce un jardin zen, pris d’une folie légère, ou un paysage digne
du Facteur Cheval et de l’architecte carioca Roberto Burle Marx ?
L’exposition d’Erika Verzutti se déploie en tout cas comme une
parenthèse enchantée. Remarquée à la dernière biennale de Venise,
la sculptrice brésilienne y retrouve la conservatrice Christine Macel
pour sa toute première rétrospective en Europe.
Installée derrière les baies vitrées du rez-de-chaussée
du Centre Pompidou, votre exposition s’ouvre sur la rue.
Comment aborde-t-on un tel espace ?
J’ai eu énormément d’émotion à investir ces salles qui
invitent à composer avec la vraie vie, avec l’homme de la rue.
Ce «maintenant» a été d’une grande aide, il a beaucoup
aiguisé ma conscience de travailler dans le présent.
C’est pourquoi j’ai fait un podium un peu dingue, en forme
de cygne, destiné à recevoir mes sculptures plus petites,
et que les piétons voient bien de l’extérieur.
Pourquoi votre accrochage évoque-t-il un paysage
de neige, où errent les silhouettes de vos sculptures ?
J’ai mis longtemps à m’intéresser à l’exposition comme
médium, mais j’y viens. J’ai décidé d’arrêter de me plaindre
et de me dédier à ça. Par exemple, mettre du jaune en haut
des murs, c’est une manière de dire : oui, je suis consciente
de ces murs, et de ce plafond fou, avec tous ces tuyaux.
D’où cette mise en scène quasi japonaise, très zen
malgré la bizarrerie de vos formes ?
«Mutations / Créations 3 C’est au Japon que je vais chaque fois que je veux recharger
Erika Verzutti»
mon esprit ! Dans ma tête, c’est ça : un grand chaos,
place Georges Pompidou
75004 Paris
avec une aspiration très grande à l’organisation, comme on
01 44 78 12 33 peut l’observer dans les pièces que j’appelle mes Cimetières
www.centrepompidou.fr pour animaux. Au sol, en rang, sont posés tous mes échecs,
116 I Beaux Arts
JUSQU’AU 15 AVRIL
mes rebuts de fonte ou d’argile, des choses non identifiées.
Les spectateurs aiment particulièrement ces pièces,
car ils y voient le pardon accordé à leurs propres échecs.
Vos dernières œuvres – bas-reliefs, tableaux,
sculptures – sont accrochées au mur : quel statut
ont-elles ?
J’ai mis longtemps à oser les mettre à la verticale,
mais, maintenant, cette sensation de gravité qui se dégage
d’elles me fascine. En les revoyant toutes ainsi accrochées
au Centre Pompidou, j’ai eu envie que reviennent l’insécurité,
les doutes que je connaissais à mes débuts. Je voudrais aller
vers plus d’affection, et moins d’assertion.
Vous êtes en rupture totale avec le modernisme brésilien
et son abstraction «tropicalisée». N’y faites-vous pas
de plus en plus de clins d’œil, notamment à la peintre
Tarsila do Amaral ?
De manière générale, je pars toujours de la matière,
jamais de l’histoire de l’art. J’ai beaucoup travaillé dans
ma cuisine, à mes débuts. Une betterave, un céleri ?
De leur rencontre naît par exemple cette sculpture où ils
semblent s’embrasser, comme deux mâchoires tendues
l’une vers l’autre. A posteriori on peut y voir un hommage
à une sculpture de Maria Martins, la muse de Duchamp.
Mais ce n’est pas cela qui a engendré l’objet. Références
à l’art ou à la cuisine, tout est au même niveau pour moi.
Faut-il voir une autre allusion à l’art moderne avec cette
forêt de colonnes évoquant les totems de Brancusi ?
Oui, l’allusion est très directe. Mais, pour moi, ce sont des
êtres plus que des sculptures. J’ai souvent l’impression qu’ils
vont s’animer, comme dans le film Une nuit au musée !
Propos recueillis par E. L.
© David Commenchal - Conception graphique : PINK LEMON COMMUNICATION

Exposition créée en partenariat

avec le Musée des Beaux-arts et de la Dentelle d’Alençon

des Beaux-arts et de la Dentelle

,
 MUSÉES l EXPOSITIONS À L’ÉTRANGER

u BRUXELLES • FONDATION CAB DU 24 AVRIL AU 22 JUIN

John Armleder fonce dans le décor

À l’occasion de la dénicheuse foire Art Brusells, musées et centres d’art belges
rivalisent d’imagination. Cette qualité n’a jamais fait défaut à John Armleder.
Invité comme commissaire par la fondation CAB, le délicieux plasticien suisse
fait exploser le format de la carte blanche. Avec la complicité des abstraits
géométriques John Tremblay et Stéphane Kropf, il crée une vertigineuse
installation : un maelström de lignes en trompe-l’œil fait vaciller les superbes
espaces de cette fondation créée en 2012 par le collectionneur belge
Hubert Bonnet. John Armleder ne se prive pas non plus, dans un second temps,
d’insérer les tableaux de Philippe Decrauzat, Sylvie Fleury, Olivier Mosset,
Mai-Thu Perret ou encore Blair Thurman dans ces Furniture Sculptures
qui l’ont rendu célèbre : soit des ensembles «clé en main» d’aménagement
intérieur, pas forcément du meilleur goût, incluant chaise, fauteuil, table
et peinture au mur. Le tout obéissant à l’adage le plus joliment cynique
de l’artiste : «Puisque je sais que mes tableaux vont finir au-dessus du divan,
autant fournir aussi le divan.» E. L.
«Alentour – Un projet par John Armleder»
Rue Borrens 32-34 • Bruxelles • +32 2 644 34 32 • https://fondationcab.com

John Armleder Furniture Sculpture 254, 1991

u BRUXELLES • PALAIS DES BEAUX-ARTS

JUSQU’AU 26 MAI

Dans l’atelier
de Bernard van Orley
Son nom n’est guère passé à la postérité pour le grand public.
Mais Bernard van Orley fut pourtant l’un des talents les plus
éclatants de la première Renaissance flamande. Formé par
son père, cet héritier de Van der Weyden fut nourri tout autant
d’influences italiennes. De ses références raphaéliennes
à sa rencontre avec Dürer lors de son voyage aux Pays-Bas,
il fait l’objet de sa première monographie à Bozar, avec des
œuvres venues du monde entier. Peintre à la cour de Marguerite
d’Autriche et de Marie de Hongrie, Barend Van Brussel,
comme on l’appelait aussi, était prolifique autant dans le
domaine de la peinture religieuse que dans celui de la tapisserie
(on lui doit les cartons des fameuses Chasses de Maximilien,
chef-d’œuvre du genre) et du vitrail. Mais c’est particulièrement
sur ses portraits que cet accrochage met l’accent. Conseillers
politiques, ecclésiastiques ou philosophes humanistes,
tous se bousculaient dans son atelier. Mais c’est l’étonnant
visage de Marguerite, saisi entre les voiles raides de sa coiffe,
qui rayonne le plus. L’institution bruxelloise a également
reconstitué, autre première, son retable démembré de saint
Jean Baptiste. Présenté au côté de la descente de croix du
triptyque Haneton, il confirme l’intensité de son génie. E. L.
«Bernard van Orley – Bruxelles et la Renaissance»
Rue Ravenstein 23 • Bruxelles • +32 2 507 83 36 • bozar.be

Portrait du médecin Joris van Zelle, 1519

118 I Beaux Arts
 MUSÉE SAINT REMI
53 rue Simon - Reims
03 26 35 36 90 musees-reims.fr

16 MARS
30 JUIN, 2019
–
MUSÉE
TOULOUSE-
LAUTREC morganE
En partenariat avec
ALBI –
tschiEmbEr
honey
la Fondation Giacometti, Paris

GIACOMETTI
OM honey !

Exposition
du 30 mars au 1Er juin 2019
www.musee-toulouse-lautrec.com

Avec le soutien de
www.lEportiquE.org
FONDATION-
GIACOMETTI
 MUSÉES l EXPOSITIONS À L’ÉTRANGER

Femme nue se reposant sur un coussin, vers 1658

> À voir au Mauritshuis de La Haye

u AMSTERDAM • RIJKSMUSEUM JUSQU’AU 10 JUIN

u LA HAYE • MAURITSHUIS JUSQU’AU 15 SEPTEMBRE

Rembrandt et son réseau social

On connaît les mouvements de son âme comme ceux d’un ami
que l’on se plairait à regarder vieillir. Jamais, jusqu’alors,
un artiste ne s’était autant représenté. Rembrandt a réalisé plus
de 80 autoportraits au fil de sa vie. Intimes, paternels, bibliques
ou grimaçants, ils mettent en scène «toutes les émotions de l’homme,
ses joies comme ses questionnements», résume le Rijksmuseum,
qui chérit tendrement ce trésor national. Alors que la restauration
de son chef-d’œuvre, la Ronde de nuit, va être entamée en juillet
prochain, et menée au vu et au su du public, l’institution d’Amsterdam
a lancé les festivités du 350e anniversaire de sa mort avec
une exposition où elle donne tout. Tous ses Rembrandt, à savoir
22 peintures, 60 dessins et 300 gravures. L’accrochage serré révèle,
au-delà du fabuleux peintre d’histoire, un fin observateur de la vie
quotidienne, qui croque de quelques traits mendiants et musiciens,
scènes de marché et rues pittoresques. À quelques encablures de là,
son atelier devenu musée fait entrer un peu plus dans son intimité,
en révélant son «réseau social», du cercle familial au plus officiel.
Mais, de Delft à Haarlem, tout le pays se prête à l’hommage.
À La Haye, le Mauritshuis met en valeur ses 18 toiles, avec là aussi
quelques révélations, comme ce portrait de deux Africains, une des
rares représentations à l’époque de personnes noires (si l’on excepte
les Rois mages). La Leçon d’anatomie du docteur Tulp n’en finit
pas de livrer de nouveaux secrets grâce au travail sans relâche
des historiens : on apprend ainsi grâce à l’étude d’un repentir que
l’une des mains du cadavre, un voleur condamné, était d’abord
représentée coupée, signe de son crime, mais Rembrandt a renoncé
à ce détail réaliste car il attirait trop le regard. E. L.
«Tous les Rembrandt» Rijksmuseum • Museumstraat 1 • Amsterdam
+31 20 6747 000 • www.rijksmuseum.nl
«Rembrandt au Mauritshuis» Mauritshuis • Plein 29 • La Haye
+31 70 3023456 • www.mauritshuis.nl

Tout le programme des 350 ans de la mort de Rembrandt

et le Siècle d’or sur www.holland.com
«Tronie» d’un homme avec un béret à plumes, 1635-1640
> À voir au Rijksmuseum d’Amsterdam

120 I Beaux Arts
 OSER LA PEINTURE
MARKUS LÜPERTZ
Arcadie (Cassandre), 2018 ( détail ) - Technique mixte sur toile- © Markus Lüpertz / ADAGP, Courtoisie de la Galerie Michael Werner Märkisch Wilmersdorf, Cologne & New York
Cette exposition bénéficie du soutien exceptionnel
du musée d’Orsay, Paris, de Francine et Michel Quentin et de
l’association des Amis et descendants de Jean Francis Auburtin.

Jean Francis Auburtin, L’Aiguille d’Étretat, ciel rouge (détail), vers 1898-1900. Collection particulière © Collection particulière / photo : François Doury

Recrutement de Dirigeants

LES GALERIES
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SONT PRÉSENTES AU
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2019
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 GALERIES l EXPOSITIONS
Ingar Krauss Sans titre (Tomate), 2014
Nos 4 coups de cœur
Galerie Templon
Abdelkader Benchamma
explore la matière grise
Les dessins d’Abdelkader Benchamma font souvent penser
à des trous noirs. Une densité singulière, une capacité à absorber
le regard, un statut indécis, entre matière et antimatière :
ses fresques ont l’ampleur théâtrale de véritables décors
autant que l’allure de mini-big bang. Du macro au microcosme,
le va-et-vient est coutumier chez l’artiste, qui revient tout
juste d’une résidence de trois mois à la Villa Médicis de Rome.
Récemment, il s’est passionné pour la recherche en
neurophysiologie, et plus précisément pour le rôle joué par
l’engramme, cette trace biologique laissée par la mémoire
dans le cerveau. Comment donner forme à ce concept ?
Comment mettre les mille strates de son noir et blanc en
dialogue avec la valse des microcellules porteuses de souvenirs ?
À travers son installation où conversent fresque immersive
et dessins multiples, il travaille l’image comme un sédiment. E. L.
«Abdelkader Benchamma – Engramme» jusqu’au 11 mai
30, rue Beaubourg • 75003 Paris • 01 42 72 14 10 • www.templon.com
124 I Beaux Arts
Sans titre (Poire), 2014
Galerie Camera Obscura
La nature magnifiée par Ingar Krauss
Ses images ont la suavité des natures mortes hollandaises, qui donne
envie de caresser les précieux tirages. Poire, courge, citron, tête de brochet,
champignon, artichaut, céleri… Venu au genre sur le tard, le photographe
allemand, qui a choisi de vivre dans une ferme, en contact étroit avec
la nature, la magnifie avec une infinie douceur, la posant sous une lumière
dorée. Pour renforcer l’allure sans âge de ses photographies, il les rehausse
même d’un fin glacis de peinture à l’huile, reprenant la technique
de retouche des pionniers de ce médium. D’où ce velours de mélancolie,
à nul autre pareil. E. L.
«Ingar Krauss» du 4 avril au 1er juin • 268, boulevard Raspail • 75014 Paris
01 45 45 67 08 • www.galeriecameraobscura.fr
Abdelkader Benchamma
Engramme, 2019
QQQ
Catalogue Raisonné de l’artiste
Parution officielle
Sculptures & Peintures
Expositions

ART PARIS 2019

Grand Palais [ Stand E16 ]
4 au 7 avril 2019

Galerie LOFT
3 bis et 4 rue des Beaux-Arts, Paris
4 avril au 1er juin 2019

Librairie ARTCURIAL
Signature du Catalogue Raisonné
le Mercredi 10 avril 2019

Yellowstone-design.fr

3 bis et 4, rue des Beaux-Arts 75006 PARIS

Mardi au Samedi 11 h > 19 h
Tél.: +33 (0)1 46 33 18 90
info@galerieloft.com www.galerieloft.com Librairie d’Art
 GALERIES l EXPOSITIONS

EN BREF
Par Stéphanie Pioda

Paris / Galerie Mathivet

Le designer Franck Evennou a deux matériaux
de prédilection, le bronze et le bois, et ce,
depuis 1978. Il façonne aussi bien des
Trump Tie avec tache,
luminaires, du mobilier que des sculptures
2019 en bois (exposées pour la première fois),
avec pour point commun, une inspiration
poétique de la nature et une filiation avec
des créateurs comme Jean Royère.
«Franck Evennou – Bronze / Bois»
du 5 avril au 11 mai • 6, rue Bonaparte • 75006
01 43 54 19 00 • http://galeriemathivet.com

Paris / Galerie W
Olivier Dassault aurait pu être peintre, tant
ses clichés nous plongent dans des étendues
Galerie Rabouan-Moussion abstraites. Démonstration en 20 images
L’odyssée d’Hervé Télémaque et une installation totémique. «Fidèle
à la photographie argentique, j’ai toujours
Hervé Télémaque est peut-être le dernier des surréalistes. Né en 1937, le peintre haïtien improvisé des surimpressions, avec de
reste en tout cas inventif comme jamais, usant de la ligne claire comme du marc multiples expositions. Je compose des
de café, de la sculpture autant que du collage. Depuis les années 2000, il opère un harmonies graphiques instantanées, essayant
retour aux sources africaines. Le verra-t-on à l’œuvre pour cette nouvelle exposition de défier les apparences.» De quoi nourrir
chez Rabouan-Moussion ? En son cœur, un immense tableau de dix mètres de long. nos «RéFlexions»...
«Un tableau sur la mort, confie-t-il à Hugo Vitrani, commissaire de cet accrochage «Olivier Dassault – RéFlexions»
(et collaborateur de Beaux Arts Magazine). Son titre, Al l’en Guinée («Aller en Guinée»), jusqu’au 30 avril • 5, rue du Grenier Saint-Lazare
«c’est mourir, mais c’est aussi le paradis en créole haïtien». À 81 ans, il sait pourtant 75003 • 01 42 54 80 24 • www.galeriew.com
toujours faire preuve de légèreté. «La peinture devrait pouvoir aussi faire éclater de rire
parfois. Elle est trop contaminée par le sérieux, regrette-t-il. Il faudrait apprendre Toucy / Galerie de l’Ancienne Poste
à se servir de la légèreté du cerveau, qui passe d’une chose à l’autre : la peinture est Dans les sculptures récentes de Tessa Eastman,
apte à faire ce même mouvement». Mouvement que l’on devrait voir à l’œuvre ici. E. L. il y a toujours une dualité entre une matrice
«Hervé Télémaque – L’inachevée “conception”» (évoquant un rocher ou un corail) et un
jusqu’au 9 mai • 11, rue Pastourelle • 75003 Paris • 01 48 87 75 91 organisme parasite en argile vernissée.
www.rabouanmoussion.com «Je cherche à ce que mes formes soient belles
de façon étrange, afin de faciliter l’appréciation
des absurdités de la vie, où les choses n’ont
Galerie Jocelyn Wolff pas toujours de sens.» Il s’agit de la première
exposition en France de cette jeune artiste
Diego Bianchi, un hymne à la folie londonienne, née en 1984.
Pantins grotesques ou nanas ravagées ? Les sculptures molles de Diego Bianchi «Tessa Eastman – Œuvres récentes»
du 13 avril au 16 mai • place de l’Hôtel de Ville
mettent le corps dans tous ses états. Rose poupon, démembrées, pressurées,
89130 • 03 86 74 33 00
elles dévoilent toute leur puissance quand elles deviennent l’objet de performances. www.galerie-ancienne-poste.com
Il s’agit simplement de glisser sa bouche sur l’un
des multiples embouts qui les transpercent
Toulon / Galerie du Canon
et de souffler : les voilà cornemuse, corps ouvert
Les quatre artistes réunis dans cette exposition
à tous les vents. Découvert lors de l’exposition
n’ont rien en commun plastiquement. Gilles
«My Buenos Aires» de la Maison Rouge, l’artiste
Boudot détourne des objets du quotidien
argentin se renouvelle à chaque étape avec
pour créer une autre réalité, des paysages
une douce folie. Pour cette exposition parisienne,
inventés qu’il photographie ; Goulven plie
il s’est aussi emparé de pièces de mobilier, qu’il
des plaques d’acier transformées en autant
a déstructurées pour créer des zones d’inconfort.
de sculptures minimales ; Jean-Noël László
Quant à ce matelas abandonné devant le palier
travaille la lettre et le signe, quand Jérémy
de la galerie ? Il fait également partie de l’exposition,
Liron peint des paysages silencieux. Ce qui
invitant dès l’entrée à se laisser légèrement
les réunit, c’est d’être des Mocos, terme
déséquilibrer. E. L.
emprunté au monde marin pour désigner
«Diego Bianchi – Soft Realism» un Provençal, ou plus particulièrement
jusqu’au 20 avril • 78, rue Julien Lacroix • 75020
Paris • 01 42 03 05 65 • www.galeriewolff.com
un Toulonnais.
«Les Mocos – Du chaos naît l’ordre»
jusqu’au 4 mai • 10, rue Pierre Sémard • 83000
Blacking Me, 2019
04 94 24 82 06 • http://galerieducanon.com

126 I Beaux Arts
 PRÉSENTE

EXPOSITION — 25|04 > 18|05.2019

Galerie David Pluskwa Art Contemporain,
53 rue Grignan 13006 Marseille
MARSATWORK.FR

david-pluskwa.com 06 72 50 57 31 galerie.david.pluskwa
galerie-pluskwa.com david@david-pluskwa.com david_pluskwa_art_contemporain
 APPEL
D’OFFRES

École normale supérieure Paris-Saclay

APPEL À CANDIDATURES - 1% ARTISTIQUE
© Agence Renzo Piano Building Workshop

L’École normale supérieure Paris-Saclay est une grande
école sélective de formation aux métiers de la recherche et
de l’enseignement supérieur et, plus largement, une école
de formation des élites à forte expertise scientifique.
Dans le cadre de la construction de son nouveau bâtiment
conçu par l’agence Renzo Piano Building Workshop sur le
plateau de Moulon, l’ENS Paris-Saclay lance un appel à
candidatures pour la création d’œuvres d’art au titre du 1%
artistique. La commande se décline en quatre lots destinés
à la réalisation de créations artistiques pour le salon d’hon-
neur, l’atrium, le théâtre et le jardin.
Les commandes sont ouvertes à toutes les catégories d’ex-
pressions artistiques : peintures, sculptures, compositions
musicales et théâtrales etc., jusqu’aux formes les plus ac-
tuelles : installations, mobilier de designer, performances,
œuvres sonores, etc.
Le présent appel à concourir s’adresse à toutes les catégo-
ries d’artistes, présents sur la scène internationale ou fran-
çaise.
Sans constituer une contrainte, les artistes pourront envi-
sager un lien entre leurs propositions et le contexte dans
lequel elles s’insèrent : les activités et les missions de l’École
(recherche, enseignement supérieur), autant que ses tem-
poralités (concours, rentrées, cérémonies des diplômes,
etc.), l’architecture du bâtiment conçu par Renzo Piano (le
répertoire des matériaux —béton, acier et verre—, la couleur
orange du sol de l’atrium), la conception paysagère du jardin
(conçu par Pascal Cribier).
Les propositions seront sélectionnées sur leur qualité artis-
tique, leur force d’innovation, d’intégration sur le site et sur la
faisabilité des interventions.

- Les candidats peuvent télécharger gratuitement l’intégralité du dossier, disponible en fran-

Date limite de remise çais et en anglais, soit depuis la plate-forme de dématérialisation à l’adresse suivante :
des candidatures :
15/05/2019 avant 12h00 https://www.achatpublic.com/sdm/ent/gen/ent_detail.do?PCSLID=CSL_2019_6YG-
Bx5FgD3&v=1&selected=0

Budget frais de procédure soit sur simple demande auprès de pierre.royer1@ens-paris-saclay.fr

inclus :
1 183 000 € TTC - L’avis sera également relayé sur les sites du Ministère de la culture, de l’ENS Paris-Saclay,
e-flux, achatpublic.com, BOAMP, Journal officiel de l’Union européenne.
 Bibliothèque
Forney
1, rue du Figuier
Paris 4e

llustration : Jacqueline Duhême, Tapisserie Prune © ADAGP Paris, 2019 / Composition : Ô Majuscule
www.bibliotheques.paris

ENTRÉE LIBRE

Du mardi au samedi
de 13h à 19h

Fermeture
les 20 avril, 1er, 8,
30 mai et 8 juin
 WEEK-END CULTUREL l 36 HEURES À…

SAINT-ÉTIENNE
Le saint des saints du design
Ex-cité industrielle florissante, Saint-Étienne a fermé son dernier puits de mine en 1973.
Estampillée ville créative par l’Unesco, elle s’est redynamisée au point de s’ériger aujourd’hui
en capitale du design. La preuve à l’occasion de la biennale Design Saint-Étienne.

Ú  Samedi / 10 h
33 000 m2 de design !
Inaugurée en 2009 sur l’ancien site de la manufacture d’armes, la Cité du design,
à cinq minutes à pied de la gare Carnot, accueille jusqu’au 22 avril
la 11e biennale de design. Cœur du quartier Manufacture-Plaine-Achille,
pépinière de jeunes créateurs et ingénieurs, elle occupe trois structures
restaurées, des ateliers techniques et pédagogiques, mais aussi le bâtiment
de l’Horloge où loge l’administration de l’École supérieure d’art et de design.
Deux nouvelles bâtisses complètent cet ensemble en plein développement,
la Tour de l’observatoire, qui surplombe la ville, et la Platine, qui réunit
une serre, un restaurant, une bibliothèque-matériauthèque – véritable
mine pour les étudiants alentour ! – et le centre d’accueil de la biennale,
où les visiteurs sont invités à mettre la main à la pâte dans le cadre d’ateliers.
Cité du design 3, rue Javelin Pagnon • 04 77 49 74 70 • www.citedudesign.com Banc 21S de Marc Aurel (2015), place Jean Jaurès, et chaise Étoile
11e biennale «Me You Nous – Créons un terrain d’entente» de Kamel Secraoui / KLD Design (2017), square Massenet.
jusqu’au 22 avril • www.biennale-design.com

Ú  Samedi / 14 h 30
Une promenade magique
Outre la City Card qui vous ouvre les portes de la ville
(transports, expositions et lieux partenaires de la
Inaugurée il y a biennale), des «pédibus magiques» (tours à pied) sont
dix ans, la Cité organisés les 6 et 20 avril afin de découvrir les pièces
du design a été de mobilier urbain accumulées au fil des biennales et
conçue par
de rencontrer ceux qui les ont conçues ou fabriquées.
les architectes
Finn Geipel Ici on les appelle les Bancs d’essai : il y a le «coin
et Giulia Andi, salon» aménagé par Marc Aurel place Jean Jaurès,
de l’agence LIN. la chaise au dossier qui s’étire comme une échelle
plantée square Massenet par Kamel Secraoui, le
«néo-totem urbain» de Dorothée Noirbent en forme
de maison Gigogne place Chavanelle, non loin du
groupe de pigeons hyperréalistes en fonte installés en
cercle par Ghyslain Bertholon et Maxime Bourgeaux.

130 I Beaux Arts

Ú  Samedi / 16 h 30
Jardin signé et shopping éco-responsable
Si vous avez encore des jambes, rien de tel qu’une visite au musée
d’Art et d’Industrie pour comprendre les origines du design. Rénové
par Jean-Michel Wilmotte, cet édifice austère du XIXe siècle recèle
trois collections techniques – armes, cycles et rubans –, le ruban
étant à Saint-Étienne ce que la soie est à Lyon. En contrebas se profile
un jardin, redessiné par deux jeunes diplômés de l’École supérieure
d’art et design Saint-Étienne, Sylvie Filière et Jean-François Dingjian.
Tout autour, des boutiques spécialisées, tel le Vieux Colombier Design,
show-room de 400 m² de mobilier haut de gamme, ou Bødo, fleuron
du design éco-responsable.
Musée d’Art et d’Industrie
2, place Louis Comte • 04 77 49 73 00 • www.musee-art-industrie.saint-etienne.fr
Ú  Dimanche / 10 h  la France des années 1930» analyse, elle, l’influence de l’art
Rendez-vous avec Le Corbusier
Accessible en train ou en bus (ligne M1 Saint-Étienne Bellevue /
Firminy), la ville de Firminy abrite le plus grand site réalisé
par Le Corbusier en Europe. Bâtiment phare de cet ensemble,
la Maison de la culture, à l’audacieuse toiture en forme
de voûte inversée, est le seul élément bâti du vivant de l’architecte
et classé au patrimoine mondial de l’Unesco. Viennent ensuite
le stade, l’église Saint-Pierre, achevée seulement en 2006,
où est programmée l’exposition «La Luce – Le Corbusier,
Charlotte Perriand» (jusqu’au 3 novembre). L’unité d’habitation
se visite sur réservation (le samedi uniquement).
Site Le Corbusier Maison de la culture • boulevard périphérique du Stade
42700 Firminy • 04 77 61 08 72 • https://sitelecorbusier.com
La Maison de la culture de Le Corbusier (1961-1965).
Par Sarah Belmont
Vue de l’exposition «Design et merveilleux», à voir jusqu’au 22 avril.
Ú  Dimanche / 14 h
Au pays des merveilles d’Othoniel
Fort de 20 000 œuvres, dont quelque 400 voyagent par
roulement chaque année dans le monde entier, le musée d’Art
moderne et contemporain vient de fêter ses 30 ans. Cette
institution, où est née la vocation d’artiste de Jean-Michel
Othoniel, présente deux expositions en écho à la biennale.
«Design et merveilleux – De la nature de l’ornement» (jusqu’au
22 avril) retrace, à la manière d’un cabinet de curiosités
numériques, le renouvellement des formes et des motifs
à l’ère digitale. «Coup de pub – Graphisme et publicité dans
moderne à l’œuvre sur les dépliants, catalogues et encarts
de presse qui inondèrent la rue et les foyers dans l’entre-deux-
guerres. Enfin, ne manquez pas la chorégraphie de sculptures
en polystyrène expansé, pétrole brut, mousses isolantes ou
ruches d’abeilles conçue par le grand explorateur de matériaux
Gyan Panchal («Rompre l’orbe» jusqu’au 22 septembre).
Musée d’Art moderne et contemporain
Rue Fernand Léger • 42270 Saint-Priest-en-Jarez • 04 77 79 52 52
https://mamc.saint-etienne.fr
Où déjeuner
La FABuleuse Cantine Bâtiment 244 • 1, rue Claudius Ravachol
06 50 69 68 79 • www.lafabuleusecantine.fr
> Concept unique lancé il y a un an et demi, ce restaurant propose
une cuisine d’autant plus savoureuse qu’elle est vertueuse.
Le chef Boris Fontimpe et sa fine équipe luttent activement contre
le gaspillage en ne travaillant que des produits invendus. Menu à 9 €
(4,50 € pour les étudiants et les chômeurs). Ouvert à midi
uniquement (fermé le dimanche).
Où passer la soirée
Le Méliès 10, place Jean Jaurès • 04 77 32 32 01 • www.lemelies.com
> Cinéma indépendant situé en plein centre, dont la façade Art déco
cache un bar animé, doté d’une terrasse en été. Ouvert tous les jours.
Où passer la nuit
Hôtel Continental 10, rue François Gillet • 04 77 32 58
www.hotelcontinental42.fr
> Rénové par la designer Pascaline de Glo de Besses, cet ancien
relais de poste a remporté le prix Commerce Design 2015.
Aucune de ses 23 chambres ne se ressemble, de près ou de loin.
C’est ce qui fait son charme et son originalité. À partir de 42 € la nuit.
Où se documenter
Sur la web app www.stephanois-hors-cadre.fr
Beaux Arts I 131
 www.galeriealb.com
galeriealb@ gmail.com
47, rue Chapon - 75003 Paris
+ 3 3 ( 0 ) 1 4 9 9 6 5 8 0 9

Galerie ALB, 47 rue Chapon 75003 Paris - www.galeriealb.com

Haut : The Kid, peinture à l’huile, 2019 - Bas : Nicolas Pegon, dessin au fusain sur papier, 2019
N° 418 Avril 2019

MARCHÉ & POLITIQUE CULTURELLE Pages coordonnées

par Armelle Malvoisin

Paul Gauguin
Le Jardin de Pissarro, quai du Pothuis à Pontoise
(deux esquisses d’autoportrait au verso)
1881, huile sur toile, 66 x 54,4 cm.
Estimation : de 600 000 à 900 000 €
Vente à Paris, le 29 mars chez Sotheby’s

134
ILS FONT L’ACTU
Romane Sarfati

136
LES ACTEURS DU MARCHÉ
La tribune de Pierre-Jean Galdin

138
COTE DE L’ART
Cherchez les femmes…

140
CONSEILS D’ACHAT
Des pionnières à redécouvrir

ART MODERNE 142

BIENTÔT SOUS LE MARTEAU

Ceci n’est pas un Pissarro 3 ventes à ne pas manquer

144
A
vec cette touche impressionniste, ces couleurs et cette lumière, on jurerait au premier
abord voir un Pissarro. Exécuté en 1881 et intitulé le Jardin de Pissarro, quai du Pothuis FOIRE
à Pontoise, ce tableau est pourtant l’œuvre de son élève, Paul Gauguin, rencontré
Art Paris sur un tempo latino

146
quelques années auparavant. Gauguin est alors agent de change, profession qu’il abandonnera
pour se consacrer entièrement à la peinture l’année suivante. Grâce à son mentor, il évoluera
dans le sillage du mouvement impressionniste avec brio, comme le prouve ce paysage d’une
modernité saisissante, avec son cadrage particulier et novateur, s’inspirant de certains procédés FOIRE
photographiques, et ses branches d’arbre entrant de façon inattendue dans le champ pictural. Le PAD grimpe sur le Rocher

150
La toile sera mise en vente aux enchères, le 29 mars, à Paris chez Sotheby’s. Restée dans la même
famille depuis près d’un siècle, elle est inédite sur le marché. Mais pas inconnue : elle a notamment
été exposée à Pont-Aven en 1964 et au Cleveland Museum of Art en 2015. Elle est un formidable
témoignage de l’étroite relation entre Gauguin et son maître. La maison représentée est celle
de Pissarro et «il est quasiment certain que le personnage sous l’ombrelle soit Pissarro lui-même,
SALONS
Week-end marathon à Paris !
dont on sait qu’il avait l’habitude de peindre sous une ombrelle, ainsi qu’en attestent de nombreux

152
témoignages et images de l’artiste à Pontoise. Ce tableau est donc un véritable hommage
à son professeur, dont la présence est ici suggérée», rapporte Aurélie Vandevoorde, directrice
du département Art impressionniste et moderne de Sotheby’s France. Cerise sur le gâteau :
deux autoportraits de Gauguin sont peints au dos de la toile. Il y a fort à parier que ce double FOIRE
tableau s’envole au-delà de son estimation fixée raisonnablement entre 600 000 et 900 000 €. A. M. Art Brussels ouvre l’œil

Beaux Arts I 133
 POLITIQUE CULTURELLE l LES ACTEURS
Up
Anne-Solène Rolland
La directrice de la recherche
et des collections du musée
du Louvre prend la tête du service
des Musées de France, à la suite
du départ de Marie-Christine Labourdette,
partie pour la Cité de l’architecture
et du patrimoine en février 2018.
Philipe Vergne
Le Français, qui n’avait pas
été reconduit à la tête du MoCA
de Los Angeles en raison de
nombreux désaccords avec le conseil
d’administration, rejoint le musée
d’art contemporain Serralves de Porto
(Portugal). Il succède à João Ribas,
qui avait démissionné après une
controverse autour d’une exposition
de Robert Mapplethorpe.
Guillaume Kientz
Conservateur au département
des peintures du musée du
Louvre et spécialiste de la peinture
espagnole et latino-américaine, il vient
d’être nommé à la tête de la collection
d’art européen du Kimbell Art Museum
de Fort Worth, au Texas.
Axel Rüger
Le directeur du musée Van Gogh
d’Amsterdam a été nommé
directeur général de la Royal
Academy of Arts de Londres, qui a célébré
son 250e anniversaire en 2018. Il succède
à Charles Saumarez Smith, parti rejoindre
la galerie Blain/Southern.
Down
Stéphane Breitwieser
Il était sorti de prison en 2015.
Le «pilleur de musées» a été
de nouveau arrêté. Déjà condamné
pour des vols d’œuvres d’art en Europe,
il est soupçonné d’avoir dérobé de
nombreux objets anciens dans des musées
de la région Grand Est.
Mary Boone
La galeriste new-yorkaise avait
plaidé coupable dans une affaire
de fraude fiscale estimée à plus
de 3 M$ (plus de 2,6 M€), prétextant
des problèmes mentaux et de drogue.
Elle a été condamnée à deux ans et demi
de prison. Elle a par ailleurs annoncé
la fermeture de ses deux galeries.
134 I Beaux Arts
Elle fait l’actu…
Romane Sarfati
Une audacieuse dans
une maison de porcelaine
Alors que s’achève son premier
mandat, la directrice de la Cité
de la céramique fourmille de projets
et rêve de continuer l’aventure. Photo Maurine Tric pour Beaux Arts Magazine.
C
omment convaincre, au
XXIe siècle, de la nécessité de
continuer à investir dans une
manufacture nationale ancestrale aux
savoir-faire d’exception ? C’est à cette
question que Romane Sarfati, directrice
générale de la Cité de la céramique
(qui comprend la manufacture
nationale de porcelaine mais aussi
les musées de Sèvres et de Limoges),
répond avec sagacité depuis sa
nomination en 2014. Avec une stratégie
limpide : impulser une forte dynamique
créative et artistique à la production
(pourtant très limitée), «sans déroger
à sa qualité», conforter le déploiement
de la marque Sèvres (quitte à envisager
de nouvelles licences pour des produits
papetiers ou du mobilier…) et renforcer
l’attractivité des musées grâce à une
programmation culturelle audacieuse.
«Avec Sèvres, nous parlons aussi
d’exception culturelle, s’exclame-t-elle.
Celle d’une
1992
manufacture où est
Directrice de la galerie Templon.
1995 assurée depuis trois
Responsable du studio
cents ans la
de production de jeux vidéo
transmission de
chez Cryo Interactive.
métiers d’art très
2005
Responsable du pôle Internet rares.» D’où la grande
et audiovisuel du musée amertume des
du quai Branly. 120 artisans lorsque,
2006 l’été dernier, la
Directrice de cabinet de
commande par l’Élysée
l’adjointe au maire de Paris puis
directrice de la culture d’un service de
au conseil général de l’Essonne. 1 500 assiettes a défrayé
2010 la chronique après
Création d’un concept store
les chiffres fallacieux
spécialisé dans le design
asiatique.
publiés par le Canard
enchaîné quant à son
2012
Conseillère en charge des arts coût (500 000 € au lieu
plastiques, de l’architecture, de 50 000 €). «Pour
de la mode et du design nous, c’était une fierté,
au cabinet de la ministre de
car cela fait partie des
la Culture Aurélie Filippetti.
2014 missions de notre
Directrice générale de la Cité de institution que de
la céramique, Sèvres & Limoges. répondre à ce type
de commande», déplore-t-elle.
Conçu par Evariste Richer, choisi parmi
30 artistes par le Président Macron,
ce service intitulé Bleu Élysée
commence à être livré.
Ces métiers d’art que
«le monde entier nous envie»
Romane Sarfati reconnaît toutefois
l’existence d’un contexte «compliqué»,
qui s’est manifesté récemment par
un rapport à charge de la Cour des
comptes contre une autre institution
culturelle patrimoniale, le Mobilier
national et la Manufacture des
Gobelins… «Il faut se saisir de cette
occasion pour redonner du sens
à nos manufactures, plaide-t-elle,
pour réaffirmer l’importance de nos
métiers d’art que le monde entier
nous envie.» À Sèvres, les projets sont
encore nombreux pour celle qui aura
toujours navigué entre secteurs
public et privé, diplômée à la fois de
Sciences Po, d’une école de commerce
et d’histoire de l’art, et qui saura, fin
mai, si elle peut poursuivre son action
pour trois années supplémentaires.
Avec, dès septembre, l’ouverture
de l’École de Sèvres et d’un bureau
d’études dédié à l’innovation au sein
des ateliers historiques. Mais le plus
gros morceau serait la rénovation
du musée national de la Céramique,
aujourd’hui figé dans un parcours
historique très hermétique.
«Une opportunité est à saisir avec
le Grand Paris et les travaux de
requalification du pont de Sèvres
et de l’île Seguin», soutient Romane
Sarfati. Qui imagine déjà un musée
privilégiant les sens et la magie des arts
du feu et dans lequel les métiers
de la manufacture trouveraient enfin
une vraie place. À Sèvres, la porcelaine
n’a pas fini d’être dépoussiérée…
Sophie Flouquet
 MARCHÉ l LES ACTEURS
L’œil du
La tribune de… collectionneur

Alain Draeger
Pierre-Jean Galdin Ancien imprimeur, à Paris

Les écoles d’art

Directeur général des Beaux-Arts de Nantes et Saint-Nazaire
«
Je collectionne tout ce
qui touche aux peuples
indiens d’Amazonie»
doivent renoncer à la sélection
Les études artistiques suscitent un tel engouement que la sélection
Quelle est l’histoire
se fait de plus en plus drastique. Parallèlement, l’uniformisation de la collection
des parcours et des profils devient problématique… Draeger dont vous
êtes l’héritier ?
C’est l’histoire d’une
collection familiale

L
e réseau public des classes préparatoires aux concours d’entrée des écoles supérieures
d’art est une richesse essentielle ! Majoritairement situées dans des villes françaises
de taille moyenne, ces prépas permettent aux jeunes des territoires d’embrasser
leurs passions et leurs rêves. Mais les chiffres sont cruels. En 2018, sur les 11 700 jeunes
inscrits en prépa, moins de 1 000 l’étaient
dans une classe publique. Et sur les
2 400 étudiants reçus chaque année dans
les écoles supérieures d’art publiques
en France, 65 % le sont après avoir suivi
cette année préparatoire au concours.
Pour les écoles les plus attractives,
ce pourcentage dépasse les 90 %. Enfin,
les prépas privées sont cinq fois plus chères
et concentrées dans les métropoles.
qui a commencé
en 1886 lorsque
mon grand-père
Charles Draeger
a fondé l’imprimerie d’art Draeger
et, en collaboration avec une centaine
d’artistes, produit de très beaux albums
et affiches publicitaires. J’ai moi-même
travaillé dans l’entreprise familiale
jusqu’à sa cession en 1971. Quelques
années plus tard, les archives ont été
vendues par les repreneurs à Drouot,
où j’ai eu l’occasion de racheter un
certain nombre de documents qui ont
complété ce que nos grands-parents
avaient personnellement conservé.

Prônons plutôt l’égalité Que va-t-elle devenir ?

de la réussite Pour que la nouvelle génération garde
Le législateur a réagi et a voté en 2016 un souvenir de cette extraordinaire
épopée des maîtres imprimeurs, j’ai
une loi donnant un agrément aux écoles
réalisé un livre, Draeger – Les pages d’or
préparatoires publiques et un statut de l’édition, qui sera lancé au Salon
d’étudiant aux élèves. Je milite pour que international du livre rare [lire p. 150],
le relais soit maintenant pris par ces et financé par la vente d’une partie de
collectivités qui ont tant besoin d’étudiants la collection, notamment les originaux
et de revitalisation de leur centre-ville. conservés par ma famille. L’expert
et spécialiste en livres et catalogues
Elles doivent multiplier par dix leurs
illustrés Jean Izarn, de la librairie
Examen des beaux-arts de l’Université d’art capacités d’accueil. La responsabilité des Chrétien, présentera sur son stand
et de design du Shandong à Jinan, en Chine. établissements supérieurs sera de jouer une centaine d’œuvres originales :
le jeu et de réinventer les modalités peintures, aquarelles, encres de Chine
d’entrée. D’accompagner les professeurs d’arts plastiques enseignant dans les collèges et ouvrages signés Matisse, Léger,
et lycées afin d’affirmer non plus l’égalité des chances face aux concours, mais l’égalité Van Dongen, Dufy, Buffet, Dalí,
de la réussite par des orientations pertinentes. Face au coût élevé des études, les droits Jean de Brunhoff – le créateur
de Babar –, Boutet de Monvel…
d’inscription et les frais pédagogiques devraient être modulables de 0,5 % à 20 % selon les
ressources des familles. Ne nous effrayons pas que les étudiants extra-européens participent Avez-vous d’autres domaines
financièrement à la mise en place d’une réelle qualité d’accueil, à un apprentissage en de collection ?
profondeur de la langue française, à la création de modules internationaux pour une Amoureux de l’artisanat de marine
adaptation pleine de ces étudiants à nos enseignements. Ici encore, l’égalité de la réussite depuis ma plus tendre enfance, j’ai
doit primer sur l’égalité des prix. La mesure la plus efficace serait la création d’un concours collectionné des maquettes de bateaux
concerté à l’échelle nationale. Notre jeunesse a besoin de sortir de l’époque de la sélection, pendant des années. Cette collection
devenant un peu trop envahissante,
d’une méritocratie écrasante pour se tourner vers une ère de l’orientation et corrélativement
j’ai fini par tout vendre. Depuis je
du temps modulable des choix où la passion est le critère premier. Nous nous devons de collectionne tout ce qui touche aux
relever les enjeux des réformes visant à mieux orienter les lycéens, sans vision caricaturale peuples indiens d’Amazonie – coiffes
de Parcoursup. Dire non à la sélection, c’est savoir encourager l’intelligence sensible tout en plumes, objets usuels… – que j’ai
au long de la vie et accepter les petites et grandes histoires de chacun. eu l’occasion de découvrir durant
mes séjours au Brésil.

136 I Beaux Arts
JONONE
« P O E T RY I N M O T I O N »
09/04/2019 - 18/05/2019 GALERIE BRUGIER-RIGAIL
40, RUE VOLTA - PARIS 3
V E R N I S S A G E L E 9 AV R I L CONTACT@GALERIE-BRUGIER-RIGAIL.COM
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DÉDICACE LE 13 AVRIL TEL : 01 42 77 09 00

ARTISTES À RETROUVER À LA GALERIE : J-M BASQUIAT, PIERRE SOULAGES, GUY DENNING, SHEPARD FAIREY, KEITH HARING, JONONE, LADISLAS KIJNO,
LA II, L’ATLAS, MADC, JOHN CRASH MATOS, M.CHAT, MONKEYBIRD, SETH, CÉDRIC TALING, TANC, BERNAR VENET, FABIEN VERSCHAERE, NICK WALKER
 MARCHÉ
Réapparues sur les
Cherchez les femmes… écrans radars de l’art
Même si elles font toujours l’objet d’une discrimination dans l’art
et son marché, quelques artistes femmes voient leur cote s’envoler.

Marinette Cueco
Tondo
1992, entrelacs de jonc capité,
diam. 135 cm.
Galerie Univer, Paris.
De 1 200 et 30 000 €
Quelque peu éclipsée par son Zuka (1924-2016)
mari, le peintre et écrivain Blue Footed Boobies
Henri Cueco, Marinette Cueco 1982, collages sur toile, 100 x 81 cm.
développe depuis 1978 une Galerie Françoise Livinec, Paris.
pratique artistique singulière :
De 1 000 à 50 000 € pour un collage
le tressage d’herbe. À découvrir
à la fondation Villa Datris, Mariée à l’illustrateur et dessinateur
à Paris, jusqu’au 29 juin. de presse Tim, cette Californienne
à Paris a eu du mal à percer.

E
n 2009, sur une proposition de sa conservatrice Camille Morineau
(actuellement directrice des expositions et collections de la Monnaie de Paris),
le Centre Pompidou a dédié pendant un an l’accrochage de ses collections
à des artistes femmes du XXe siècle : plus de 200 d’entre elles ont ainsi fait partie
de l’exposition «elles@centrepompidou». Derrière ce geste militant, un constat :
la création au féminin est peu mise en avant dans les institutions, comme dans
le marché de l’art d’ailleurs. «Même si les choses s’arrangent lentement, les prix Sarah Kaliski (1941-2010)
Marieke, série Brel
des œuvres des artistes femmes, leur reconnaissance et leur visibilité restent
2003, encre et pastel sur papier, 20 x 30 cm.
problématiques ; et malheureusement, la plupart des collectionneurs – qui sont Galerie Loeve&Co, Paris.
majoritairement des hommes – n’en sont absolument pas conscients. La majorité De 1 000 € pour une œuvre sur papier
des galeries représentent seulement 10 % à 15 % de femmes. Ce qui revient très à 10 000 € pour une toile
souvent à une à trois par galerie, rarement plus», observe Hélianthe Bourdeaux- Marquée par la déportation de son père
Maurin, à la tête de la H Gallery, à Paris, qui défend le travail d’un peu plus de 50 % à Auschwitz, la peintre belge est restée
dans l’ombre de son frère adoré René,
de femmes. «Mes choix n’ont jamais été faits en fonction de quotas, mais de ma brillant dramaturge.
sensibilité, de rencontres et de coups de foudre pour des œuvres d’artistes qui,
souvent, se trouvent être des femmes, précise-t-elle. Les écoles d’art accueillent 60 %
de femmes. Mon programme reflète et encourage seulement cette réalité.»

À Art Paris, «Une scène française d’un autre genre»

Dix ans après l’exposition du Centre Pompidou, les prises de conscience ont opéré.
«Nombre de femmes, restées dans l’ombre, ont créé avec plus de liberté
d’expérimentation et de force inventive car elles n’étaient pas soumises à la pression
du marché de l’art, remarque le critique d’art et galeriste Stéphane Corréard. On les
retrouve aujourd’hui avec d’autant plus de plaisir.» Parfois au point de faire de ce
rattrapage historique un vrai business : beaucoup de galeries se sont mises en tête de
faire entrer dans leur écurie une «vieille dame» dont la carrière aurait été mésestimée
Hessie (1936-2017)
et sous-évaluée. «Want to Get Rich Buying Art? Invest in Women», provoquait Sans titre [détail]
l’auteure Mary Gabriel dans une tribune du New York Times, le 24 septembre dernier. 1970, collage d’un filet à légumes bleu sur papier blanc,
Entre-temps, l’association Aware (Archives of Women Artists, Research & Exhibitions), 50 x 65 cm. Galerie Arnaud Lefebvre, Paris.

cofondée en 2014 par Camille Morineau, œuvre à renforcer la visibilité des artistes À partir de 2 000 € pour un collage
femmes à travers de nombreuses actions (travaux de recherche, archives, prix, et jusqu’à 100 000 € pour une broderie
Engagée dans le Mouvement de
expositions…). Cette année, le salon Art Paris Art Fair s’est associé à Aware
libération des femmes, l’artiste textile
pour mettre en lumière 25 projets d’artistes femmes en France, ce qui a conduit franco-cubaine était très (trop ?)
à une progression de 50 % du nombre de femmes exposées sur la foire. A. M. en avance sur son temps.

138 I Beaux Arts
 MARCHÉ l CONSEILS D’ACHAT

Des pionnières à redécouvrir

Elles ont traversé un siècle où les avant-gardes étaient
rarement féminines, bravé les critiques et le mépris, avant
d’être enfin reconnues. Portrait de trois guerrières.

Sheila Hicks Roots of Culture

2018, lianes en lin, coton
Toujours prête à en découdre et cuir, 200 x 300 cm.

Installée à Paris depuis 1964, l’artiste textile américaine, ancienne élève

Transformation de 64 carrés / réf. B de Josef Albers à Yale, n’a été que récemment adoubée par ses pairs.
1973, dessin à l’ordinateur, plotter sur papier, 52 x 52 cm. Ses œuvres novatrices, tissées, ficelées, nattées ou tricotées, ont été
rarement montrées en France, à l’exception de l’exposition «Fil»
à Montreuil en 1978, et souvent associées à une forme d’artisanat.
Vera Molnár En 2018, le Centre Pompidou lui a consacré une belle rétrospective qui
L’appel du pixel réunissait une centaine de pièces recouvrant soixante ans de carrière.
Mais c’est la biennale du Whitney de New York, en 2014, qui l’a révélée.
Née à Budapest en 1924,
> Représentée par la galerie Frank Elbaz (Paris-Dallas).
la peintre abstraite d’origine
hongroise vit à Paris À partir de 30 000 € pour un Minime et jusqu’à 400 000 €
pour une installation sculpturale.
depuis 1947. Précurseur
de l’art numérique (dès 1968 !),
elle sera considérée avec mépris
pendant plus de trente ans.
Aujourd’hui, les institutions s’arrachent
son travail. Sa première rétrospective en France (au musée
des Beaux-Arts de Rouen) date de 2012, soit huit ans
après celle du Wilhelm-Hack-Museum à Ludwigshafen,
en Allemagne. Vera Molnár est lauréate (ex-aequo avec
Nil Yalter) du prix d’honneur Aware 2018, qui récompense
une femme pour l’ensemble de sa carrière artistique.
> Représentée par les galeries Oniris (Rennes)
et Berthet-Aittouarès (Paris).
De 2 500 € pour un dessin à 25 000 €
pour une toile.

Bernadette Bour
Insupportable Supports/Surfaces
La seule femme du mouvement Supports/Surfaces, au début des années 1970,
en France, en a un peu bavé : quand son nom ne disparaissait pas des affiches
des expositions, ses camarades s’amusaient à se placer devant elle sur la photo
de groupe. Pour enfoncer le clou, en 1977, Alfred Pacquement, co-commissaire
de l’exposition collective «Unstretched Surfaces» à l’Institute of Contemporary Art
de Los Angeles, signe, en fin de catalogue, cette présentation effarante : «Bernadette
Bour, enfin, pique à la machine des toiles ou des feuilles de papier buvard, attitude
évidemment très féminine.» On aurait plutôt aimé lire que son écriture marquée par
un piquage à la machine suggère un hommage silencieux au travail des femmes. A. M.
> Représentée par la galerie Françoise Livinec (Paris). Sans titre
De 3 000 € pour une œuvre sur papier à 75 000 € pour une toile. 1974, technique mixte sur buvard, 32,5 x 25,5 cm.

140 I Beaux Arts
Douces Lumières

VIANNEY
du 30 mars au 20 avril 2019

3 CERISES SUR UNE ÉTAGÈRE

48 rue Mazarine . 75006 Paris . Tél : 06 25 48 27 72 . www.3cerisessuruneetagere.fr
Ouvert du mardi au samedi de 11h à 19h. Métro : Odéon - Parking public rue Mazarine
 MARCHÉ l BIENTÔT SOUS LE MARTEAU

3 ventes à ne pas manquer

1 Lille • Mercier & Cie • 31 mars

Exquise esquisse
«Tableaux anciens des XVIe et XVIIe siècles»
14, rue des Jardins • 59000 Lille • 03 20 12 24 24 • www.mercier-art.com

Peter Paul Rubens

Sainte Marguerite
Vers 1620, huile sur panneau
de chêne, 33 x 45,7 cm.
Estimation :
de 200 000 à 300 000 €

Ce panneau est une esquisse inédite de Rubens (1577-1640), issue d’une série d’œuvres
préparatoires pour des peintures bibliques qui ornaient les 39 caissons en boiserie Giorgio de Chirico Interno metafisico con officine
du plafond de l’église des Jésuites d’Anvers (aujourd’hui église Saint-Charles-Borromée). 1951-1952, huile sur toile, 80 x 60,2 cm.
L’artiste flamand, alors au sommet de sa gloire, réalisa cette commande en une année
Estimation : de 400 000 à 600 000 €
seulement. Si beaucoup de tableaux qui décoraient les murs ont été confisqués
ou volés lorsque la Compagnie de Jésus fut supprimée en 1773, les caissons furent

3
détruits lors d’un incendie en 1718. Les scènes peintes sont néanmoins connues par Paris • Sotheby’s • 16 avril
des gravures exécutées peu de temps auparavant. Témoignage d’une œuvre majeure
disparue, cette esquisse typique de l’esthétique baroque est assurément de la main Cent ans
du maître, lequel avait l’habitude de confier une partie de la réalisation de ses grands
formats à ses élèves – Antoine Van Dyck en tête. «Il y a, dans cette esquisse, tout
de peinture italienne
le génie et le feu de Rubens», souligne l’expert Stéphane Pinta. Cette Sainte Marguerite «Collection particulière italienne
rejoint le corpus des 33 autres esquisses identifiées. De Giovanni Fattori à Giorgio de Chirico»
76, rue du Faubourg Saint-Honoré • 75008 Paris
01 53 05 53 05 • www.sothebys.com

2
Un entrepreneur milanais passionné d’art a réuni dans les
Fontainebleau • Osenat • 7 avril années 1950 à 1970 un ensemble d’une soixantaine de tableaux
italiens, conservé jusqu’à présent par ses descendants.
Game of Thrones Exécutées entre 1850 et 1950, ces œuvres représentent
«L’Empire à Fontainebleau – Souvenirs historiques» de nombreux courants, du mouvement des Macchiaioli à la
Hôtel d’Albe • 9-11, rue Royale • 77300 Fontainebleau Pittura Metafisica, en passant par le réalisme, l’impressionnisme
01 80 81 90 04 • www.osenat.com et le divisionnisme. Le surréaliste Giorgio de Chirico signe
les deux lots les plus importants de la vente : une énigmatique
Quatre trônes de Napoléon sont conservés Piazza d’Italia (est. 180 000 €) et Interno metafisico con
au musée du Louvre, au château de Fontainebleau, officine [ill. ci-dessus] dans lequel on aperçoit – tableau dans
au Sénat et au musée des Arts décoratifs. le tableau – un paysage d’usines aux cheminées fumantes.
Mais il existe d’autres «trônes», appelés
par certains historiens de l’art «sièges
de représentation», qui étaient destinés
aux résidences impériales établies
aux quatre coins de l’Empire. Celui-ci
présente les mêmes caractéristiques
que le fauteuil livré pour le palais Fauteuil de trône ou de représentation,
des Tuileries en 1804, notamment à grand dossier
un dossier rond cerné d’une large Époque Empire (1804-1815), médaillon en bois redoré, richement
couronne de laurier, mais avec des sculpté d’un large tore de laurier rythmé par des arceaux de perles,
dimensions légèrement différentes. les montants quadrangulaires ornés de palmettes, épis de blé,
Collectionneurs et institutions rosaces et fleurs de lotus, 124 x 76 x 67 cm.
devront batailler pour l’emporter. Estimation : de 60 000 à 80 000 €

142 I Beaux Arts
 UNE DES PLUS GRANDES COLLECTIONS
D’ŒUVRES D’ART, LIVRES ET MANUSCRITS
JAMAIS PROPOSÉES AUX ENCHÈRES

SEPT VENTES : 1er-5 AVRIL 2019

A.

B.
A. VINCENT VAN GOGH
(1853-1890)
D’UN ENSEMBLE
DE 2 ŒUVRES DE L’ARTISTE

B. CAMILLE PISSARRO
(1830-1903)

C. HENRI MARTIN
(1860-1943)
D’UN ENSEMBLE DE 8
ŒUVRES DE L’ARTISTE

D. PIERRE-AUGUSTE
RENOIR (1841-1919)
C. D’UN ENSEMBLE DE
4 ŒUVRES DE L’ARTISTE
D.

BEAUX-ARTS OPÉRATEUR POUR CETTE VENTE :

IMPRESSIONNISTES & MODERNES

LUNDI 1ER AVRIL 2019 - 16H30 - DROUOT, PARIS
EXPOSITIONS PUBLIQUES
SAMEDI 30 ET DIMANCHE 31 MARS DE 11H À 18H - LUNDI 1ER AVRIL DE 11H À 12H

EXPERT CHARLOTTE REYNIER-AGUTTES | +33 (0)1 41 92 06 49 | REYNIER@AGUTTES.COM

CATALOGUES VISIBLES SUR WWW.COLLECTIONS-ARISTOPHIL.COM

 MARCHÉ l FOIRE

Art Paris sur un tempo latino

Boussole aimantée sur les «étoiles du Sud» ! Art Paris prend le pouls de la créativité
du continent sud-américain tout en le resituant dans une perspective mondialisée.

Julian Burgos
Let It Ride
2018, peinture, 87 x 118 cm.
La Balsa Arte, Bogotá.
Moins de 5 000 €
Peintre colombien,
Julian Burgos (né en 1976)
se nourrit d’«influences
nomades» comme il
les qualifie, de Velázquez
à Francis Bacon,
en passant par Boucher
ou Picasso. Des références
qu’il détourne à travers
des commentaires
plastiques, une façon
de susciter le désir
de regarder autrement.

D
u désert de Sonora au Mexique jusqu’à
la Terre de Feu en Argentine, l’Amérique
latine est, à l’instar de la Méditerranée de
l’historien Fernand Braudel, «mille choses à la fois»,
une somme de «civilisations entassées les unes sur
les autres». Si Valentina Locatelli, la commissaire
invitée, tente de botter en touche tant l’exercice est
difficile, elle finit par dresser les grandes tendances :
le continent n’échappe pas à cette histoire partagée
de luttes contre les dictatures et l’oppression,
terreau sur lequel chaque pays tente de construire
une identité revendiquant les cultures ancestrales
et populaires, lesquelles fusionnent de façon
originale avec un art mondialisé. La découverte
sera le mot d’ordre au fil des vingt galeries
présentant une soixantaine d’artistes, que ce soit
la surréaliste Leonor Fini, «longtemps méprisée» Art Paris en chiffres
comme le regrette le commissaire général de 21e édition
la foire Guillaume Piens, les dessins troublants 150 galeries
de Sandra Vásquez de la Horra, la féerie numérique
44 % de nouvelles participations
de Nicola Constantino, les œuvres engagées de
20 pays représentés (dont,
Felipe Ehrenberg, la relecture des chefs-d’œuvre de
pour la première fois, le Cameroun,
François Boucher par Julian Burgos ou l’abstraction
la Bulgarie et le Pérou)
de l’incontournable Carlos Cruz-Diez. Un art peu
Plus de 1 000 artistes représentés
bavard, mais qui réveille les esprits. Stéphanie Pioda
43 % de galeries étrangères
> Art Paris Art Fair 2019 «Étoiles du Sud 57 % de galeries françaises
Une exploration de l’art de l’Amérique latine»
du 4 au 7 avril • Grand Palais
avenue Winston Churchill • 75008 Paris
www.artparis.com

144 I Beaux Arts
 Leonor Fini Dans la tour
1952, huile sur toile, 100 x 73 cm.
Weinstein Gallery, San Francisco.
Galerie Minsky, Paris.
Autour de 350 000 €
Les galeries Weinstein et Minsky
se sont associées pour proposer
un solo show de l’artiste argentine
Leonor Fini (1908-1996), dont
l’œuvre surréaliste commence
à être redécouverte, alors qu’elle
a été collectionnée aussi bien
par Max Ernst, Peggy Guggenheim,
Meret Oppenheim que par John
Huston, Luciano Visconti et même
Johnny Depp. Un catalogue raisonné
sera publié en fin d’année.

Vu pour vous
Felipe Ehrenberg
In the Usual Order (Social Page)
1985, peinture, 125 x 60 cm. Freijo Gallery, Madrid.
Entre 8 000 et 35 000 €
Artiste conceptuel associé au mouvement
Fluxus, Felipe Ehrenberg (1943-2017)
souhaitait abolir toute frontière entre la vie
et l’art. La maison d’édition qu’il avait
cofondée au Mexique en 1971 avec sa
femme Martha Hellion et l’artiste David
Mayor, Beau Geste Press, a fait l’objet d’une
exposition au CAPC de Bordeaux en 2017.
Entre activisme et anti-art exactement.

Carmen Mariscal
La Esposa esposada
José Luis Martinat Ladrillo #1
[L’Épouse menottée]
2017, sculpture, installation, 9 x 24 x 13 cm.
Galerie Younique, Lima-Paris. 2018, photographie, 190 x 120 cm.
Ana Mas Projects, Barcelone.
3 000 €
Moins de 10 000 €
José Luis Martinat (né en 1974) est le plus suédois des
Péruviens ! Pour cause, il vit aujourd’hui à Göteborg, L’espace conjugal est parfois
après des études à la Malmö Art Academy. le théâtre de violences
Quel que soit le médium choisi (vidéo, dessin, texte, faites aux femmes. L’artiste
installation…), son travail a toujours une connotation mexicaine (née en 1968)
politique et sociale, comme ici avec cette brique ornée l’exprime à travers cette série
d’un phylactère peint où est écrit : «Les Condamnés». dans laquelle 20 femmes
D’autres briques affichent : «Les Élus» ou «Éternité». ont posé avec une robe
de mariée composée de plus
d’un millier de petites menottes
en acier. Elle interviendra
le 5 avril à la Maison de
l’Amérique latine, partenaire
de la foire, dans la table-ronde
«Artistes femmes latino-
américaines en France».

Beaux Arts I 145
 MARCHÉ l ART PARIS

Nicola Costantino
El verdadero jardín nunca es verde
[Le vrai jardin n’est jamais vert]
2017, installation vidéo.
CKK (Centro Cultural Néstor Kirchner )/
Institut français d’Argentine, Buenos Aires.
30 000 €
Le corps scruté dans ses moindres
détails, sans pudeur, mais avec
élégance. L’Argentine Nicola
Costantino (née en 1964) est connue
pour ses travaux impertinents
qu’elle poursuit avec cette installation
immersive. Où elle recrée en 3D
la «fontaine de vie» du Jardin des
délices de Jérôme Bosch.

Sandra Vásquez de la Horra

Deidad Planetaria
2015, graphite sur papier et cire, 78 x 108 cm.
Wooson Gallery, Daegu (Corée du Sud).
Entre 2 500 et 8 000 €
La Chilienne Sandra Vásquez
de la Horra (née en 1967) crée un
univers symbolique et mystique à
travers des dessins sombres et
énigmatiques qu’elle trempe dans

Vu pour vous la cire tel un rituel, comme pour

maîtriser les forces démoniaques
qu’elle aurait imaginées.

Adonis Flores
Camuflajes – Aliento
2006, photographie, 90 x 67 cm.
Xin Dong Cheng Gallery, Beijing.
4 000 €
Cuba. Le pouvoir militaire n’en
peut plus de faire vomir le peuple
qui s’efface derrière sa peur.
Adonis Flores (né en 1971)
traite de cet écrasement avec
humour et dérision, lui qui a été
marqué par les années Castro
et a combattu en Angola à la fin
des années 1980.
Betsabeé Romero
Recuerdo del Dorado
2017, installation. Galería Saro León,
Las Palmas de Gran Canaria.
Entre 15 000 et 20  000 €
Depuis 1997, la plasticienne
mexicaine Betsabeé Romero (née
en 1963) a en ligne de mire la
voiture, comme l’atteste son
installation sur le parvis du
Grand Palais : Requiem pour la
voiture polluante. La galerie Saro
León présente sur son stand un
autre volet autour du miroir, à la
fois objet magique et offrande
dans les cultes préhispaniques.

146 I Beaux Arts
 S N E Z A N A
PETROVIC

i s ar i u m
Improv 2019
11 ma i
4a v r i l /
3, rue Saint-Philippe du Roule - 75008 Paris
galerieboris@gmail.com
www.galerie-boris.com
 MARCHÉ l FOIRE

Le PAD grimpe
sur le Rocher
Trois semaines après Paris début avril, le Pavillon
des arts et du design (PAD) fera une escale à Monaco,
pour une première très luxueuse.

P
Thierry Lemaire our la 23e année consécutive, le PAD
Applique R12 plantera ses tentes blanches dans le jardin
grand modèle
des Tuileries. Outre la joaillerie et les objets
2018, bois d’abaca et bronze,
hauteur : 100 cm.
d’art chinois et africains, le design historique et
Galerie Thierry Lemaire, contemporain reste très prisé dans cet élégant salon
Paris.
qui offre une belle sélection de créations d’époques
3 220 € et de styles variés. Habituée de ce rendez-vous,
la galerie Chastel-Maréchal présentera une paire
de fauteuils inédite de José Zanine Caldas [ill.
ci-dessous], architecte-sculpteur-designer brésilien
dont elle célèbre le centenaire de la naissance en
2019, à côté de rares pièces des années 1930 et 1940
des créateurs français Serge Roche, Gilbert Poillerat,
Jean-Michel Frank ou encore Marc du Plantier.
Sobriété et pièces iconiques
Ce goût de l’épure se retrouve chez les
contemporains, notamment chez l’architecte
d’intérieur et designer Thierry Lemaire
qui signe sa première participation au PAD
avec un canapé Niko aux douces formes de galets,
une console Twist tel un ruban en suspension,
un bureau K aux lignes plus radicales, un fauteuil
géométrique Koumac habillé d’une peau de mouton,
et des luminaires très graphiques, présentés
dans un écrin sobre en travertin blanc et ocre.
La galerie parisienne Mouvements Modernes mixera
des pièces iconiques des années 1980-1990, dont
le Cabinet Jalousie d’Elizabeth Garouste & Mattia
Bonetti et une paire de fauteuils Zigo de Ron Arad,
avec des œuvres actuelles comme des sculptures
minérales et sensuelles, inspirées des cristaux
et formations géologiques, de la Danoise Turi
Heisselberg Pedersen, et des sculptures
Harry Bertoia
Sculpture Willow
1970, Inox, pièce unique, hauteur : 144 cm.
Galerie Alexandre Guillemain, Paris.
Autour de 80 000 €
expérimentales du Britannique Matthew Chambers,
influencé par les mouvements constructivistes
et l’art optique. À l’occasion de son lancement
à Monaco trois semaines plus tard, en collaboration
avec le salon d’art contemporain artmonte-carlo,
le PAD réunira une trentaine d’exposants. Pour
séduire ce nouveau public, il mettra à l’honneur
la joaillerie vintage et contemporaine, présentes
sur huit stands : les bijoux d’artistes et de designers
chez la Britannique Elisabetta Cipriani, les précieux
bracelets et boucles d’oreilles signés Cartier, Després
ou Chaumet chez Véronique Bamps (Monaco),
ou encore les dernières créations originales
des Parisiens Walid Akkad et Lorenz Baümer.
En espérant que les pièces de design attireront
aussi l’attention de cette clientèle. A.M.
Pavillon des arts et du design
> Du 3 au 7 avril • Jardin des Tuileries
234, rue de Rivoli • 75001 Paris
> Du 26 au 28 avril • Grimaldi Forum
10, avenue Princesse Grace • Monaco
www.pad-fairs.com

José Zanine Caldas

Paire de fauteuils Tronco
Vers 1970, bois vernis et tissu, 80 x 80 x 80 cm.
Galerie Chastel-Maréchal, Paris.
Prix sur demande

148 I Beaux Arts
 MARCHÉ l SALONS

Week-end marathon
à Paris !
Paris • du 10 au 14 avril

Saint-Germain-
des-Arts-premiers
Paris • du 12 au 14 avril > Paris Tribal
Quartier de Saint-Germain-des-Prés
Le street art hors les murs 75006 Paris • www.paristribal.com

> Urban Art Fair

Créé en 2014 par une poignée de
Carreau du Temple • 4, rue Eugène Spuller • 75003 Paris • www.urbanartfair.fr
marchands, Paris Tribal est une
promenade au fil des galeries
La 4e édition de la foire Urban Art Urbain continue d’explorer toutes les
spécialisées dans les arts d’Afrique,
facettes de la scène street art et graffiti, confirmée ou émergente, à travers
d’Amérique, d’Himalaya, d’Indonésie
les propositions d’une trentaine de galeries. Sont notamment à découvrir
et d’Océanie de Saint-Germain-des-Prés.
les peintures hyperréalistes de Saype [ill. ci-dessous] et un tunnel de 12 mètres
S’il s’apparente au «Parcours des
d’œuvres rétro-éclairées de Maxime Drouet (Openspace, Paris). Pour l’occasion,
mondes» qui a lieu au même endroit
Mist présentera une sculpture de 3,40 m sous la nef centrale du Carreau
en septembre, cet événement a
du Temple, tandis que Ludo s’emparera de la façade pour réaliser une fresque
ses spécificités : un nombre réduit
monumentale de ses fameux collages, entre autres performances.
de participants (27), une attention
particulière portée aux nouveaux
collectionneurs, avec une sélection
d’objets de qualité à des prix inférieurs
à 5 000 € et, nouveauté cette année,
un brunch offert aux visiteurs du
dimanche par des food trucks installés
dans le quartier. Cette 6e édition
propose des expositions thématiques
comme «Les instruments de musique
dans l’art ethnographique d’Asie» par
la galerie l’Asie animiste, «Sur les traces
du Capitaine Cook, du Pacifique Nord
au Pacifique Sud» à la galerie Flak,
ou encore «Les anciens textiles du
royaume Kuba» chez Jo de Buck. Pour sa
première participation, la toute nouvelle
galerie Nicolas Rolland présentera
Saype Statue Dogon une sélection de statues, masques
7 h 16, Vallée du Rhône Mali, XIXe siècle (ou antérieur), et éléments architecturaux des Dogon
2019, acrylique sur toile et Plexiglas, 73 x 100 cm. bois, h. 40 cm. et Bambara du Mali, des Mossi, Bobo
Galerie David Pluskwa, Marseille. Galerie Nicolas Rolland, Paris. et Lobi du Burkina Faso, et des Sénoufo
3 000 € 11 000 € de Côte d’Ivoire. A. M.

Paris • du 12 au 14 avril

Sang d’encre
> Le Salon international du livre rare et de l’objet d’art
Grand Palais • avenue Winston Churchill • 75008 Paris
www.salondulivrerare.paris • ww.salonobjetdart.expert

Premier rendez-vous mondial du patrimoine écrit avec

160 exposants, le Salon du livre rare invite le public à
partager sa passion pour les ouvrages en tous genres, telle
cette rare épreuve de Buffon-Picasso. «Non seulement sa
reliure extraordinaire est un des fleurons de l’époque, mais
aussi l’autographe et le dessin de Picasso multiplient la Buffon-Picasso
valeur de cet ouvrage déjà rare», souligne le libraire Ludovic 1942, textes de Buffon
illustrés de 31 eaux-fortes
Miran. On attend également avec impatience de voir le stand originales de Picasso, tirage
de la librairie Chrétien, qui présentera la collection de limité à 226 exemplaires,
l’imprimeur Draeger [lire aussi p. 136], et l’exposition Boris format In-4°, reliure originale
Vian proposée par Sur le fil de Paris. À ne pas manquer, de 1966 signée de Paul Bonet,
envoi autographe de
l’espace «Vrai ou faux» où des experts confronteront des Picasso accompagné d’un
objets authentiques à des copies, productions postérieures dessin original.
ou imitations modernes : diamant véritable ou de synthèse, Studio bibliographique
objet en ivoire ou en os, meuble vintage ou réédition… Ludovic Miran, Chartres.
Hyperludique ! A. M. Plus de 100 000 €

150 I Beaux Arts
 VERA
MOLNAR

DEBRÉ / JACQUET

Art Paris Art Fair, du 4 au 7 avril 2019 au Grand Palais

STAND C25
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école alsacienne
École alsacienne
109 rue Notre-Dame-des-champs
75006 Paris
www.ecole-alsacienne.org

Recrute un professeur
d’art plastiques
Etablissement privé laïque sous contrat
d’association avec l’Etat, situé à Paris
6ème, recherche pour la rentrée sco-
laire 2019 :

Un enseignant du public ou du privé

sous contrat, agrégé en Arts plas-
tiques, pour le collège et le lycée.

Les Professeurs de l’enseignement pu-

blic peuvent postuler et nous recrutons
régulièrement des suppléants dans
toutes les disciplines.
07/03 - 20/04
N’hésitez pas à nous adresser vos GALERIE
candidatures
(CV, lettre de motivation et éventuel der-
BERTHET-AITTOUARÈS
nier rapport d’inspection) sur notre site 14 RUE DE SEINE PARIS
internet : http://alsa.ovh/ea-emploi www.galerie-ba.com
 MARCHÉ l FOIRE

Art Brussels ouvre l’œil

En se renouvelant sans cesse, la manifestation bruxelloise a su rester attractive.
Son leitmotiv : scruter le monde contemporain et ses pratiques émergentes.

Carlos Aires
Reflections in a Golden Eye
2018, impression sur plaque d’Inox
finition or, peinture, vernis,
polycarbonate noir, aimants, vis,
édition de 3 exemplaires,
190 x 150 x 7 cm.
ADN Galería, Barcelone.
> Secteur Prime
Autour de 20 000 €
Leur esthétique singulière,
entre tradition et
contemporanéité, intègre
aussi bien de l’art baroque
que des références
publicitaires. Les œuvres
de l’Espagnol Carlos Aires
(né en 1974) jouent avec
ce qu’on peut voir, ce qu’on
ne peut pas voir et ce qui
est suggéré pour dénoncer
les dérives sociétales :
totalitarisme, religion,
exploitation ouvrière…

P
our sa 37e édition, la foire d’art contemporain
Art Brussels se veut toujours plus originale
et dynamique. À travers ses différentes
sections, elle est force de propositions et permet
d’observer d’un œil neuf les différents aspects d’une
scène internationale très prolifique. Cette année,
elle innove avec la section Invited «qui soutient
l’évolution du marché de l’art et encourage
une nouvelle génération de jeunes galeries
internationales participant pour la première fois
à Art Brussels», selon les organisateurs. Invited,
qui se limite à neuf invités, vise à mettre en lumière
des professionnels se détachant du modèle
traditionnel de la galerie d’art. À l’instar de Ballon
Rouge Collective, un réseau de curateurs qui,
depuis 2017, ouvre des galeries pop-up à Istanbul,
> Art Brussels Londres, Los Angeles, Bruxelles, São Paulo, Paris,
du 26 au 28 avril New York, et vient d’inaugurer un espace collaboratif
Tour & Taxis
à Bruxelles sous le nom B.R. Club. On y verra
avenue du Port 86C
Bruxelles aussi Paid by the Artist (Anvers), d’après un concept
www.artbrussels.com de Simon Delobel, où l’espace de la galerie
152 I Beaux Arts
est repensé en totalité par l’artiste, ou encore
la Maison de Rendez-Vous, un nouveau lieu
bruxellois créé à l’initiative de quatre galeries
internationales : LambdaLambdaLambda (Pristina),
Lulu (Mexico), Misako & Rosen (Tokyo) et Park View/
Paul Soto (Los Angeles).
Vision internationale
Tandis que la section Discovery fait la part belle
aux œuvres récentes (créées entre 2016 et 2019)
d’artistes prometteurs, présentés pas des galeries
émergentes, Rediscovery met en exergue les
plasticiens un peu oubliés ou sous-estimés.
QG Gallery (Bruxelles) remet à l’honneur Georg Karl
Pfahler, qui a représenté l’Allemagne à la biennale
de Venise en 1970. Callewaert-Vanlangendonck
(Anvers) soutient l’œuvre de Guy Vandenbranden,
un important constructiviste belge de l’après-guerre.
La galerie Charlot (Paris-Tel-Aviv) met en lumière,
de son côté, le travail de Manfred Mohr, l’un
des pionniers marquants de l’art numérique. QQQ
 MARCHÉ l ART BRUSSELS

QQQ Les œuvres du Japonais Tsuyoshi Maekawa,

un promoteur du groupe Gutai, sont à voir chez Axel
Vervoordt (Wijnegem-Hong Kong), et les peintures
du Soudanais Ibrahim El-Salahi, représentant majeur
du mouvement Hurufiyya visant à créer des arts
visuels inspirés de la calligraphie arabe, sont
dévoilées à la Vigo Gallery (Londres). Pour donner
un peu de sel à la section principale Prime sont
disséminées des solo shows d’artistes, comme
des toiles abstraites de grand format de l’Américain
Ethan Cook (Patrick De Brock, Knokke-le-Zoute),
des installations surprenantes de l’Espagnol
Daniel Steegmann Mangrané (Mendes Wood DM,
Bruxelles-New York-São Paulo), ou encore des
installations vidéo sculpturales du Belge Emmanuel
Van der Auwera (Harlan Levey Projects, Bruxelles).
Histoire d’en avoir plein les yeux. A. M.

Merve Iseri Nightwalk

2017, huile et pastel sur coton noir, 120 x 120 cm.

Vu pour vous
Ballon Rouge Collective, Bruxelles. > Secteur Invited
Autour de 3 500 €
Jeune artiste de 27 ans d’origine turque installée
à Londres, Merve Iseri a développé une pratique
picturale contemplative aux lignes fluides.
Chaque œuvre possède sa propre narration,
où les éléments (un personnage, une plante,
une forme) ne sont pas hiérarchisés.

Carlos Kusnir Mama

1986, acrylique sur toile et objets, 240 x 310 cm.
Galerie Éric Dupont, Paris. > Secteur Rediscovery
Autour de 35 000 €
Admiratif depuis trente ans du travail de l’Argentin Carlos Kusnir,
le galeriste Éric Dupont a choisi de faire redécouvrir son travail «puissant, possédant
une multitude de possibilités d’interprétation. Ce visionnaire anticipe, tant avec
ses œuvres “in situ” qu’avec ses œuvres “situées”, des pratiques et des préoccupations
au sein desquelles nombre d’artistes se reconnaissent aujourd’hui».

Nyaba Léon Ouedraogo

Phantoms of Congo Rivers
2011, impression couleur,
édition de 5 exemplaires, 90 x 69 cm.
Galerie Félix Frachon, Bruxelles.
> Secteur Prime
5 000 €
Le travail du Burkinabé
Nyaba Léon Ouedraogo relève
d’une recherche aussi bien
esthétique que documentaire.
Son but est de raconter
l’histoire des sociétés
africaines et leurs mutations.
En 2011, le photographe a reçu
le prix de l’Union européenne
aux Rencontres de
la photographie de Bamako.

154 I Beaux Arts
Six siècles d’interdits
et de résistances
Thomas Schlesser

Édition
actualisée
et
augmentée

En librairie et sur www.BeauxArts.com

LE CALENDRIER DES EXPOSITIONS
ILE-DE-FRANCE
Musées & centres d’art
Archives nationales
60, rue des Francs-Bourgeois
75003 • 01 40 27 60 96
archives-nationales.culture.gouv.fr
Mobile / immobile
Jusqu’au 29 avril
Atelier des Lumières
38, rue Saint-Maur • 75011
01 80 98 46 00
atelier-lumieres.com
Van Gogh – La nuit étoilée
Jusqu’au 31 décembre
 Hors-série Beaux Arts
Le Bal
6, impasse de la Défense
75018 • 01 44 70 75 50 • le-bal.fr
Alex Majoli
Jusqu’au 28 avril
Beaux-Arts de Paris
14, rue Bonaparte • 75006
01 47 03 50 00 • beauxartsparis.fr
Léonard de Vinci
et la Renaissance italienne
Jusqu’au 19 avril
Centquatre
5, rue Curial •75019
01 53 35 50 00 • 104.fr
Circulation(s) 2019
Du 20 avril au 30 juin
Centre Culturel Irlandais
5, rue des Irlandais•75005
01 58 52 10 30
centreculturelirlandais.com
Tomi Ungerer – En attendant
Jusqu’au 5 juillet
Centre photographique
d’Ile-de-France
107, avenue de la République
77240 Pontault-Combault
01 70 05 49 80 • cpif.net
Paul Pouvreau
Jusqu’au 14 avril
Centre Pompidou
Place Georges Pompidou
75004 • 01 44 78 12 33
centrepompidou.fr
Vasarely – Le partage des formes
Jusqu’au 6 mai
 Hors-série Beaux Arts
Une saison roumaine
Jusqu’au 20 mai
La fabrique du vivant
Jusqu’au 15 avril
Erika Verzutti
Jusqu’au 15 avril
Ellsworth Kelly – Fenêtres
Jusqu’au 27 mail
Isidore Isou
Jusqu’au 20 mail
Shunk-Kender
L’art sous l’objectif (1957-1983)
Jusqu’au 5 août
Cinémathèque française
51, rue de Bercy • 75012
01 71 19 33 33 • cinematheque.fr
Quand Fellini rêvait de Picasso
Du 3 avril au 28 juillet
 Vidéo sur BeauxArts.com
CNEAI
1, rue de l’Ancien Canal
92500 Pantin • 07 71 89 01 74
cneai.com
Geste
Jusqu’au 31 mars
156 I Beaux Arts
Espace Fondation EDF
6, rue Récamier • 75007
01 40 42 35 35 • fondation.edf.com
Fabrice Hyber et Nathalie Talec
Jusqu’au 6 octobre
 Vidéo sur BeauxArts.com
Fondation Cartier
261, boulevard Raspail • 75014
01 42 18 56 50
fondationcartier.com
Jeunes artistes en Europe
Les métamorphoses
Du 4 avril au 16 juin
 Vidéo sur BeauxArts.com
Fondation Custodia
121, rue de Lille • 75007
01 47 05 75 19 • fondationcustodia.fr
Le musée Pouchkine
500 ans de dessins de maîtres
Jusqu’au 12 mai
Fondation Louis Vuitton
8, avenue du Mahatma Gandhi
75116 • 01 40 69 96 00
fondationlouisvuitton.fr
La collection Courtauld
Jusqu’au 17 juin
 Hors-série Beaux Arts
 Vidéo sur BeauxArts.com
Grand Palais
3, avenue du Général Eisenhower
75008 • 01 44 13 17 17
grandpalais.fr
Rouge – Art et utopie
au pays des Soviets
Jusqu’au 1er juillet
 Hors-série Beaux Arts
La Lune – Du voyage réel
aux voyages imaginaires
Du 3 avril au 22 juillet
 Hors-série Beaux Arts
Halle Saint Pierre
2, rue Ronsard • 75018
01 42 58 72 89
hallesaintpierre.org
Chicago – Foyer d’art brut
Jusqu’au 2 août
Institut du monde arabe
1, rue des Fossés Saint-Bernard
75005 • 01 40 51 38 38
imarabe.org
À la plume, au pinceau,
au crayon – Dessins
du monde arabe
Jusqu’au 15 septembre
Foot et monde arabe
La révolution du ballon rond
Du 10 avril au 21 juillet
Jeu de paume
1, place de la Concorde • 75008
01 47 03 12 50 • jeudepaume.org
Luigi Ghirri
Florence Lazar
Julie Béna
Jusqu’au 2 juin
Maison d’art
Bernard Anthonioz
16, rue Charles VII
94130 Nogent-sur-Marne
01 48 71 90 07 • maba.fnagp.fr
La vérité n’est pas la vérité
Jusqu’au 20 avril
Maison des Arts
105, avenue du 12 Février 1934
92240 Malakoff • 01 47 35 96 94
maisondesarts.malakoff.fr
«Où est la maison de mon ami ?»
Un regard sur la scène
contemporaine syrienne
Jusqu’au 14 avril
Mémorial de la Shoah
17, rue Geoffroy l’Asnier
75004 • 01 42 77 44 72
memorialdelashoah.org
Le Marché de l’art sous
l’Occupation (1940-1944)
Jusqu’au 3 novembre
Monnaie de Paris
11, quai de Conti • 75006
01 40 46 56 66 • monnaiedeparis.fr
Thomas Schütte
Jusqu’au 16 juin
Musée d’Archéologie
nationale – Château
de Saint-Germain-en-Laye
Place Charles de Gaulle • 78100
01 39 10 13 00
musee-archeologienationale.fr
Henri II – Renaissance
à Saint-Germain-en-Laye
Du 31 mars au 14 juillet
 Vidéo sur BeauxArts.com
Musée d’Art et d’Histoire
du judaïsme
71, rue du Temple • 75003
01 53 01 86 60 • mahj.org
Helena Rubinstein
L’aventure de la beauté
Jusqu’au 25 août
 Hors-série Beaux Arts
Musée d’Art moderne
de la Ville de Paris
12-14, avenue de New York
75116 • 01 53 67 40 00
mam.paris.fr
Thomas Houseago
Almost Human
Jusqu’au 14 juillet
Musée Guimet
6, place d’Iéna • 75116
01 56 52 53 00 • guimet.fr
Jean-Baptiste Huynh
Infinis d’Asie
Jusqu’au 20 mai
 Hors-série Beaux Arts
Fables d’Orient
Miniaturistes, artistes
et aventuriers à la cour
de Lahore
Jusqu’au 27 mai
Musée Jacquemart-André
158, boulevard Haussmann
75008 • 01 45 62 11 59
musee-jacquemart-andre.com
Hammershøi – Le maître
de la peinture danoise
Jusqu’au 22 juillet
 Journal d’expo Beaux Arts
Musée Jean-Jacques Henner
43, avenue de Villiers
75017 • 01 47 63 42 73
musee-henner.fr
Roux ! De Jean-Jacques Henner
à Sonia Rykiel
Jusqu’au 20 mai
Musée du Louvre
Quai du Louvre • 75008
01 40 20 53 17 • louvre.fr
Graver pour le roi
Jusqu’au 20 mai
Tissus liturgiques de tradition
byzantine de Roumanie
Du 17 avril au 29 juillet
L’archéologie en bulles
Jusqu’au 1er juillet
Musée du Luxembourg
19, rue de Vaugirard
75006 • 01 40 13 62 00
museeduluxembourg.fr
Les nabis et le décor
Jusqu’au 30 juin
 Hors-série Beaux Arts
Musée Maillol
61, rue de Grenelle
75007 • 01 42 22 59 58
museemaillol.com
La collection Emil Bührle
Jusqu’au 21 juillet
 Hors-série Beaux Arts
Musée Marmottan Monet
2, rue Louis Boilly • 75016
01 44 96 50 33 • marmottan.fr
L’Orient des peintres
Jusqu’au 21 juillet
Musée de l’Orangerie
Jardin des Tuileries
75001 • 01 44 77 80 07
musee-orangerie.fr
Franz Marc / August Macke
Jusqu’au 17 juin
 Hors-série Beaux Arts
Musée d’Orsay
1, rue de la Légion d’Honneur
75007 • 01 40 49 48 14
musee-orsay.fr
Le Talisman de Sérusier
Jusqu’au 2 juin
Le Modèle noir
De Géricault à Matisse
Jusqu’au 21 juillet
 Hors-série Beaux Arts
Musée Picasso-Paris
5, rue de Thorigny
75003 • 01 85 56 00 36
museepicassoparis.fr
Calder / Picasso
Jusqu’au 25 août
Musée départemental
de Préhistoire d’Ile-de-France
48, rue Étienne Dailly
77140 Nemours • 01 64 78 54 80
musee-prehistoire-idf.fr
Évolution
Jusqu’au 29 septembre
Musée du quai Branly
Jacques Chirac
37, quai Branly • 75007
01 56 61 71 72 • quaibranly.fr
Fendre l’air
Jusqu’au 7 avril
 Vidéo sur BeauxArts.com
Océanie
Jusqu’au 7 juillet
Anting-Anting
Jusqu’au 26 mai
Palais de Tokyo
13, avenue du Président Wilson
75116 • 01 81 97 35 88
palaisdetokyo.com
Theaster Gates – Amalgam
Franck Scurti – More is less
Julien Creuzet
Louis-Cyprien Rials
Jusqu’au 12 mai
La Terrasse
57, boulevard de Pesaro
92000 Nanterre • 01 41 37 62 67
parisnanterre.fr
Raphaël Dallaporta
Jusqu’au 25 mai
La Villette (Grande Halle)
211, avenue Jean Jaurès • 75019
01 40 03 75 75 • lavillette.com
Toutânkhamon
Le trésor du pharaon
Jusqu’au 15 septembre
 Hors-série Beaux Arts
Galeries
Galerie 22,48 m2
30, rue des Envierges• 75020
09 81 72 26 37
2248m2.com
Émilie Brout & Maxime Marion
Great Stories Start Here
Jusqu’au 29 mai
Galerie Almine Rech
64, rue de Turenne • 75003
01 45 83 71 90 • alminerech.com
Brian Calvin
Jusqu’au 13 avril
Galerie Ange Basso
64, rue Mazarine • 75006
01 56 81 03 30
galerie-angebasso.com
Urban Shapes
Dans le cadre d’Art Paris Art Fair
Du 4 au 7 avril
Galerie Anne Barrault
51, rue des Archives • 75003
09 51 70 02 43
galerieannebarrault.com
Manuela Marques
Jusqu’au 13 avril
Galerie Brugier-Rigail
40, rue Volta • 75003
01 42 77 09 00
galerie-brugier-rigail.com
Poetry in Motion – Jonone
Du 9 avril au 18 mai
Galerie Kamel Mennour
47, rue Saint-André des Arts
75006 • 01 56 24 03 63
kamelmennour.com
Zao Wou-ki – Encres
et aquarelles (1948-2009)
Jusqu’au 13 avril
Galerie Kamel Mennour (bis)
6, rue du Pont de Lodi
75006 • 01 56 24 03 63
kamelmennour.com
Hicham Berrada
Jusqu’au 13 avril
Galerie Karsten Greve
5, rue Debelleyme • 75003
01 42 77 19 37
galerie-karsten-greve.com
Loïc Le Groumellec
Jusqu’au 11 mai
Galerie Lelong & Co.
13, rue de Téhéran
75008 • 01 45 63 13 19
galerielelong.com
Barry Flanagan
Jusqu’au 11 mai
Galerie Lelong & Co (bis)
38, avenue Matignon • 75008
01 45 63 13 19 • galerielelong.com
Jean-Baptiste Huynh
Jusqu’au 11 mai
Galerie Lumière des roses
12-14, rue Jean-Jacques Rousseau
93100 Montreuil
01 48 70 02 02
lumieredesroses.com
Laure Tiberghien
Jusqu’au 13 avril
Galerie Marian Goodman
79, rue du Temple
75003 • 01 48 04 70 52
mariangoodman.com
Giulio Paolini
Jusqu’au 11 mai
LE CALENDRIER DES EXPOSITIONS
Galerie Miranda Francesco Vezzoli
21, rue du Château d’eau Le Lacrime Dei Poeti
75010 • 01 40 38 36 53 Jusqu’au 10 juin
galeriemiranda.com
Merry Alpern BESANÇON
Dirty Windows Musée des Beaux-Arts
Jusqu’au 13 avril et d’Archéologie
1, place de la Révolution
Galerie Perrotin 25000 • 03 81 87 80 67
76, rue de Turenne • 75003 mbaa.besancon.fr
01 42 16 79 79 • perrotin.com  Hors-série Beaux Arts
Kim Chong-Hak Maîtres carrés
Jusqu’au 11 mai Marnotte et Miquel
au pied du mur
Galerie Templon Jusqu’au 14 avril
30, rue Beaubourg • 75003
0 1 42 72 14 10 • templon.com BOURGES
Abdelkader Benchamma Transpalette
Jusqu’au 11 mai 26, route de la Chapelle • 18000
02 48 50 38 61 • emmetrop.fr
Galerie Templon (bis)
Myriam Mechita
28, rue du Grenier Saint-Lazare
Jusqu’au 6 avril
75003 • 01 85 76 55 55
The Residents
templon.com
Du 21 avril au 2 juin
Anthony Caro / Jules Olitski
Jusqu’au 11 mai
CARCASSONNE
Musée des Beaux-Arts
Galerie Thaddaeus Ropac
7, rue Debelleyme • 75003 15, bd Camille Pelletan • 11000
04 68 77 73 70 • carcassonne.org
01 42 72 99 00 • ropac.net
Donald Judd Samouraï
Art et symbolisme du Japon
Du 6 avril au 15 juin
Jusqu’au 5 mai
Galerie Vallois
33, rue de Seine • 75006 DOLE
Musée des Beaux-Arts
01 42 03 17 16 • galerie-vallois.com
Group show – Ladies Only 85, rue des Arènes • 39100
03 84 79 25 85
Jusqu’au 12 avril
musees-franchecomte.com
Tous les sexes du printemps
Galerie Vallois (bis)
36, rue de Seine • 75006 Jean Messagier (1920-1999)
Jusqu’au 15 septembre
01 46 34 61 07 • galerie-vallois.com
Jacques Villeglé
Jeune, gay et impudique ÉVREUX
Musée d’Art, d’Histoire
Jusqu’au 12 avril
et d’Archéologie
Galerie Xippas 6, rue Charles Corbeau • 27000
108, rue Vieille du Temple 02 32 31 81 90• evreux.fr
75004 • 01 40 27 05 55 Par quatre chemins
xippas.com Autour du portrait
de François Ier par Titien
Echoing Trees
Jusqu’au 5 mai
Jusqu’au 4 mai
IBOS
RÉGIONS Le Parvis scène nationale
Tarbes Pyrénées
AIX-EN-PROVENCE Route de Pau • 65420
Musée Granet 05 62 90 08 55
Place Saint Jean de Malte parvis.net
13100 • 04 42 52 88 32 Rachel Labastie – Instable
museegranet-aixenprovence.fr Jusqu’au 13 avril
Harry Callahan
Jusqu’au 21 juillet LANDERNEAU
Fonds Hélène & Édouard Leclerc
ALBI Les Capucins • 29800
Musée Toulouse-Lautrec 02 29 62 47 78
Palais de la Berbie fonds-culturel-leclerc.fr
81000 • 05 63 49 48 70 Mitchell / Riopelle
musee-toulouse-lautrec.com Un couple dans la démesure
Alberto Giacometti, Jusqu’au 22 avril
d’après modèle
Jusqu’au 30 juin LENS
Louvre-Lens
ARGENTAN 9, rue Paul Bert • 62300
Maison des dentelles 03 21 18 62 62 • louvrelens.fr
34, rue de la Noé Matières du temps
61200 • 02 33 67 50 78 Jusqu’au 20 mai
argentan.fr Homère
Jolies Ornaises Jusqu’au 22 juillet
Jusqu’au 17 novembre
LES BAUX-DE-PROVENCE
AVIGNON Carrières de Lumières
Collection Lambert Route de Maillane • 13520
5, rue Violette • 84000 04 90 49 20 02
04 90 16 56 20 carrieres-lumieres.com
collectionlambert.fr Van Gogh – La nuit étoilée
Un art de notre temps ! Jusqu’au 5 janvier
Jusqu’au 28 mai  Hors-série Beaux Arts
158 I Beaux Arts
LYON
Mac
Cité Internationale • 81, quai
Charles de Gaulle • 69006
04 72 69 17 17 • mac-lyon.com
Sounding new
Jusqu’au 7 juillet
Tal Isaac Hadad
Jusqu’au 28 avril
Musée Jean Couty
1, place Henri Barbusse
69009 • 04 72 42 20 00
museejeancouty.fr
Bernard Buffet & Jean Couty
Parcours croisés
Jusqu’au 14 avril
 Hors-série Beaux Arts
MARSEILLE
Mucem
7, promenade Robert Laffont
13002 • 04 84 35 13 13
mucem.org
On danse ?
Jusqu’au 20 mai
METZ
Centre Pompidou-Metz
1, parvis des Droits de l’Homme
57000 • 03 87 15 39 39
centrepompidou-metz.fr
Peindre la nuit
Jusqu’au 15 avril
 Hors-série Beaux Arts
L’aventure de la couleur
Œuvres phares
du Centre Pompidou
Jusqu’au 22 juillet
Lee Ufan
Habiter le temps
Jusqu’au 30 septembre
 Vidéo sur BeauxArts.com
MONTPELLIER
Frac Occitanie Montpellier
4-6, rue Rambaud
34000 • 04 11 93 11 60
frac-om.org
Respirations
Patty Chang, Simone Decker,
Maïder Fortuné, Grazia Toderi
Du 6 avril au 8 juin
La Panacée
14, rue de l’École de Pharmacie
34000 • 04 34 88 79 79
lapanacee.org
Cookbook’19
Jusqu’au 12 mai
MULHOUSE
Kunsthalle
16, rue de la Fonderie
68100 • 03 69 77 66 47
kunsthallemulhouse.com
La Brique, The Brick,
Cărămida
Jusqu’au 28 avril
Musée de l’Impression
sur étoffes
14, rue Jean-Jacques Henner
68100 • 03 89 46 83 00
musee-impression.com
Quand les fleurs
font l’étoffe
Jusqu’au 29 septembre
NANTES
Château des ducs de Bretagne
Musée d’Histoire de Nantes
4, place Marc Elder
44000 • 0 811 46 46 44
chateaunantes.fr
Charles Fréger
Cimarron
Jusqu’au 14 avril
Musée d’Arts
10, rue Georges Clemenceau
44000 • 02 51 17 45 00
museedartsdenantes.
nantesmetropole.fr
Éloge de la sensibilité
Jusqu’au 12 mai
NICE
Villa Arson
20, avenue Stephen Liégeard
06100 • 04 92 07 73 73
villa-arson.org
Flora Moscovici
& Linda Sanchez
Jusqu’au 26 mai
Tainted Love
Jusqu’au 26 mai
REIMS
Domaine Pommery
5, place du Général Gouraud
51100 • 03 26 61 62 63
vrankenpommery.com
Expérience Pommery #14
L’esprit souterrain
Jusqu’au 15 juin
 Hors-série Beaux Arts
 Vidéo sur BeauxArts.com
Musée Saint-Rémi
53, rue Simon
51100 • 03 26 35 36 90
musees-reims.fr
Couleurs de la Chine
contemporaine
Du 30 mars au 16 juin
ROANNE
Musée des Beaux-Arts et
d’Archéologie Joseph Déchelette
22, rue Anatole France
42300 • 04 77 23 68 77
museederoanne.fr
Muséalies #2
Faces, masques et portraits
Jusqu’au 29 juillet
ROUEN
Musée des Beaux-Arts
Esplanade Marcel Duchamp
76000 • 02 35 71 28 40
mbarouen.fr
Le temps des collections VII
Élégantes et dandys
romantiques
Jusqu’au 19 mai
SAINT-PAUL-DE-VENCE
Fondation Maeght
623, chemin des Gardettes
06570 • 04 93 32 81 63
fondation-maeght.com
L’esprit d’une collection
Les donations
Jusqu’au 16 juin
SAINT-PIERRE-
DE-VARENGEVILLE
Matmut pour les arts
425, rue du Château
76480 • 02 35 05 61 73
matmutpourlesarts.fr
Françoise Pétrovitch
Jusqu’au 7 avril
SÉRIGNAN
Musée régional d’art
contemporain
146, avenue de la Plage • 34410
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Le laboratoire de la nature
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 Claude Monet, Champ de coquelicots près de Vétheuil (détail), vers 1879,
Huile sur toile, 73 x 92 cm, Collection Emil Bührle, Zurich, Photo : © Peter Schälchli/Roland Schmidt, Zurich

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Directrice générale et directrice de la publication : Marie-Hélène Arbus * (101) P. 8 Courtesy Connersmith, Washington / © Erik Thor Sandberg. P. 10 © Courtesy
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Rubrique Actualités : Françoise-Aline Blain • Rubrique Expositions : Emmanuelle Lequeux éditions Xavier Barral, Fondation Cartier pour l’art contemporain / © Luciano Rigolini.
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Secrétaires de rédaction : Audrey Leclere, Cécile Rigolet & Virginie Vernevaut P. 38 © Gudskul /Jin Panji. P. 42 Coll. & © Rijksmuseum, Amsterdam. Photo Bernhard
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Florelle Guillaume & Charlotte Ullmann [Culture numérique] • Alain Passard [La recette d’art] © Piotr Lakomy. P. 49 © Marion Verboom, courtesy galerie Jérôme Poggi / Photo Nicolas
François Cusset [Philo] • Nicolas Bourriaud • François Olislaeger [La visite en BD] Brasseur. © Formafantasma. P. 50 © Raphaela Vogel. © Raphaela Vogel, courtesy galerie
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Ont également participé à ce numéro P. 52 © Renaud Monfourny. Courtesy Semiose galerie, Paris / © Rebecca Fanuele.
Malika Bauwens, Sarah Belmont, Judicaël Lavrador, Stéphanie Pioda © Katharina Reckendorfer. P. 53 © Edith Karlson. Courtesy Bastide Projects, Marseille /
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Département artistique P. 54 © Gaëlle Choisne / Courtesy galerie Untilthen, Paris. © Gaëlle Choisne. Photo D.R.
Direction artistique : Bernard Borel * (117) • Création graphique : Ingrid Mabire * (129) © John Skoog. P. 55 © Yen-An Chen. © Maarten Coolen. P. 56 Courtesy de l’artiste et Art :
Concept, Paris / Photo Fabrice Gousset. © Miryam Haddad. P. 57 © Klára Hosnedlová.
Iconographie Courtesy Hunt Kastner / © Photo Vojtech Veskrna. P. 58-59 © Laboratoriorosso, Viterbo/
Alexandra Buffet * (136), Laurène Flinois * (137), Pierre Morio * (135), Italy. P. 60 Coll. Staatliche Museen, Berlin / © Fine Art Images / Heritage Images / Getty
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Éditions & partenariats P. 63 © Laboratoriorosso, Viterbo/Italy. P. 64 Coll. SMB Musée égyptien, Berlin / © akg-
Directrice des partenariats, directrice adjointe des éditions : Marion de Flers * (110)
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des Beaux-Arts de Lille. Coll. Palais des Beaux-Arts de Lille / Photo J. M. Dautel / © Musée
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 LA VISITE EN BD de FRANÇOIS OLISLAEGER
À Coyoacán, au sud de Mexico, se trouve un musée extraordinaire conçu par le peintre muraliste
Diego Rivera. Un temple néo-indigéniste abritant sa collection de 60 000 objets précolombiens…

Museo Anahuacalli • Museo 150 • Colonia San Pablo Tepetlapa • Coyoacán • Mexique • +52 55 5617 4310 • http://museoanahuacalli.org.mx
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