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Synthèse théâtrale pour la dissertation

Par Mathieu

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Rédigé le 8 avril 2021
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10 minutes de lecture

RessourcesLanguesFrançaisNiveau Lycée1ère SFiche Résumé sur le Théâtre

Chapitres

• Introduction
• Le genre théâtral : un support idéal pour s'exprimer ?
• Les éléments importants au théâtre
• Les grandes figures du théâtre

Introduction
Le théâtre est un art antique qui n'a jamais cessé de plaire, quel que soit le genre !
"Rien de plus futile, de plus faux, de plus vain, de plus nécessaire que le théâtre"
- Louis Jouvet

Le genre théâtral compose une grande partie de la Littérature, et ce, depuis

l'antiquité jusqu'à aujourd'hui. Le théâtre, qu'il soit lu ou représenté présente une
spécificité : il peut être argumentatif ou polémique entre autres. Le théâtre est une
forme vivante de littérature, qui se prête à défendre des idées, de par ses dialogues qui
peuvent adopter une forme argumentative, et par sa double énonciation.

Il permet ainsi une opposition à certaines idées de façon plus ou moins détournée et
est accessible à tous. Mais le théâtre n'est pas lu ou écouté de façon assez attentive,
tournée vers les arguments de l'auteur. En effet, le théâtre se présente comme
un divertissement.

De plus l'auteur doit faire face à la censure et aux malentendus avec les spectateurs.
Les pièces mettent souvent en scène des conflits : les conflits comiques se révoltent
en rires, les conflits tragiques exigent le plus souvent la mort du personnage principal.
Le genre théâtral : un support idéal pour s'exprimer ?

Le théâtre est un endroit où l'on peut s'exprimer et faire passer des idées sous le
couvert de l'humour. C'était donc un moyen très utilisé pour dénoncer les régimes
autoritaires ou les injustices !

Un support idéal pour défendre des idées

Pour l'auteur le théâtre se présente comme un support idéal pour présenter et défendre
ses idées par sa forme propre permettant d'utiliser le registre polémique, et la double-
énonciation (le personnage ou acteur s'adresse non seulement aux autres personnages
présents sur scène, faisant avancer l'intrigue, mais aussi au spectateur).

A travers cette forme, il peut se permettre une opposition plus ou moins importante face
à la société puisqu'il parle à travers un personnage. Enfin, le théâtre est accessible à
tous, et permet une spectaculaire propagation des idées, par support écrit et surtout
oral.

La double énonciation permet à l'auteur de s'impliquer d'avantage dans ses propos :

une opposition plus ou moins importante à la société lui est permise. Il emploie un
moyen détourné en impliquant ses idées dans la tirade d'un de ses personnages.
Les monologues, notamment, permettent une réflexion plus profonde sur la société,
puisque le personnage est face à lui-même ( et au spectateur ) : Longue tirade de
Figaro dans Le Mariage de Figaro qui conteste l'ordre sociale.

Un autre avantage du théâtre semble être sa facilité d'accès à la majorité de la

population : se propageant par deux modes, et principalement par celui qui consiste à
être représenté. Le théâtre s'ouvre à un public plus large. Les idées de l'auteur peuvent
ainsi être mieux répandues.

L'observation des pièces de Molière confirme cet aspect. Molière – grand dramaturge et
comédien – a crée un grand nombre de comédies-critiques où il montre les défauts de
la société. L'Avare de par son genre, une comédie classique, se rend accessible
aisément et les spectateurs ont ainsi accès aux idées de Molière, à ses critiques.

Un support peut être pas si idéal ?

Le théâtre n'est peut être pas un support si idéal pour exposer des idées : le spectateur
peut ne pas les prendre au sérieux voire pire, ne pas les comprendre : les pièces
peuvent être censurées. Les pièces de Molière comiques sont sensibles vis-à-vis du
lecteur. Les rires fusent durant la représentation, les pièces aux intrigues faciles sont
très compréhensibles.

Mais qu'en est-il des idées transmises ? Celles-ci peuvent ne pas être prises au
sérieux, et l'histoire peut supplanter la critique. L'Avare est ainsi une pièce ambiguë
pour la transmission des idées. Retiendra-t-on plus le ridicule du personnage
d'Harpagon ou la morale transmise par l'histoire sur l'avarice ?

Les auteurs en critiquant trop ouvertement les défauts, en s'attaquant plus à des
groupes de la société que d'autres, peuvent être censurés : leurs pièces ne peuvent
être représentés avant qu'ils n'en aient modifié des extraits voire le livre entier : Le
Mariage de Figaro qui a eu des problèmes de censure.

Le livre remet en cause l'ordre social, attaque la justice et dénonce la condition injuste
des femmes. Non seulement l'auteur doit craindre de n'être pas assez explicite, et
qu'ainsi les spectateurs ne perçoivent pas le message, d'être au contraire trop
explicite, prenant le risque d'être censuré, mais il doit aussi se méfier du lecteur qui
peut ne pas comprendre le point de vue de l'auteur et faire des erreurs d'interprétation.

Les vertus du monologue

Le monologue permet d'exprimer de manière intense des conflits sur scène. En effet,
seule en scène, à l'abri des oreilles des autres personnages, le héros peut tout dire, il
peut dévoiler ses secrets les plus intimes. Ainsi, grâce au monologue, le spectateur
connaît la vérité sur le personnage et saisit mieux les véritables conflits de la pièce.
Lorsque le rideau se lève, le spectateur de Le Malade Imaginaire, comédie grinçante de
Molière, découvre Argon, écumant de colère et de rage contre ses médecins qui ne le
soignent pas suffisamment, sa famille qui l'abandonne, ses domestiques qui font preuve
de négligence.

Cet excès révèle au public que le véritable conflit dans la pièce n'est pas la lutte d'un
malade, abandonné de tous, pour survivre, mais la lutte d'un homme contre lui-même,
la lutte d'un homme malade de solitude contre sa santé vigoureuse malgré tout.

Le spectateur, dans cette relation privilégiée avec le héros, hésite ainsi entre
le rire moqueur et la pitié. Le monologue peut donc exprimer des conflits individuels ou
collectifs, établit un rapport privilégié entre le personnage et le public.

Les vertus du dialogue

La forme du dialogue théâtral offre au dramaturge la possibilité de multiplier les points

de vue, et ainsi de donner un meilleur éclairage sur un conflit. Le spectateur peut en
effet se faire une plus juste opinion du conflit qui oppose les personnages.

Ainsi dans Antigone, Ismène et sa sœur présentent un portrait antagoniste et

radicalement différent de leur oncle Créon. Ismène voit en son oncle un être puissant et
soumis aux lois du pouvoir tandis qu'Antigone nie son pouvoir en le rendant inexistant
dans ses répliques.

On voit donc s'établir un conflit entre une âme soumise et faible et une femme forte et
libre. La confrontation des deux personnages met à jour leur caractère et interdit au
spectateur d'adhérer pleinement au discours de l'un ou de l'autre, il garde ici ses
distances et adopte la position du juge.

Le théâtre doit présenter les hommes tels qui sont par souci de vérité
psychologique, parce que le comique est souvent fondé sur le réalisme, pour que
le public en tire des enseignement.

Le théâtre peut aussi présenter les hommes tels qu'ils devraient être car seuls
les héros font rêver, pour élever moralement, pour changer le monde. Le théâtre
semble présenter les hommes tels qu'ils ne devraient pas être : en suscitant
la terreur et la pitié dans la tragédie, en nous montrant des caricatures d'hommes en
particulier dans la comédie.

Les éléments importants au théâtre

Le théâtre peut également être musical : ainsi les comédies musicales font partie du
genre, tout en étant destinées à un autre public et n'ayant pas les mêmes objectifs.

La voix

La parole postée par la voix de l'acteur permet de rendre compte de la violence des
conflits. En effet, la voix ne fait pas seulement entendre les mots, elle fait entendre une
excitation, une tension, un hésitation... Un soupir, une voix qui se casse soudain en un
sanglot, un cri de gorge en disent aussi long que certaines répliques.

Ainsi, dans L'Île des Esclaves, Arlequin conclut une de ses répliques à Iphicrate de
manière assez banale : la phrase à alors force de menace pour Iphicrate, dont on
comprend alors le geste désespéré. Ainsi, l'oralisation des répliques met en évidence
la force des conflits qui trouve en elle toute leur signification.

Le geste

Le geste peut également soutenir un affrontement, surtout lorsqu'il met en scène

plusieurs personnages. Dans Roméo et Juliette de Shakespeare, une scène oppose
Roméo à Tybalt : les deux personnages, représentant de deux familles qui se haïssent
depuis plusieurs générations, se font face avant de s'affronter dans un duel équipe où
Tybalt trouve finalement la mort.
Le conflit central de la pièce s'exprime dans les paroles de haine, mais aussi et surtout
dans la violence des corps, dans des images qui suscitent l'émotion du spectateur. Le
gestuelle dont la compréhension est quasiment universelle, rend au conflit, qui sur le
papier pouvait apparaître abstrait, sa violence immédiate.

Les costumes

Les costumes portés par les acteurs sur scène peuvent immédiatement signifier et faire
voir des tensions ou conflits entre personnages. Ce ne sont pas ici les mots qui
traduisent et expriment la querelle mais l'apparence même des personnages.

Dans Les Mains Sales de Sartre, pourquoi ne pas imaginer le jeune Hugo, vêtu de
fripes un peu élimées, qui diraient son goût de l'idéal et son détachement des
contingences matérielles, tandis que Hoederer pourrait porter un costume trois pièces
aux couleurs strictes et arborer une décoration sur la poitrine, pour signifier qu'il est un
emblème du pouvoir et de l'ordre établi ?

Cet antagonisme dans les tenues montrerait mieux que tous les discours, peut-être,
combien les visions du monde de ces personnages s'opposent.

Les accessoires

Les objets permettent de visualiser un conflit qui ne peut s'exprimer dans la parole ou
dans les gestes. Dans En Attendant Godot de Samuel Beckett, Lucky, esclave privé de
toute humanité et partant de toute parole ne peut pas exprimer ses sentiments, mais la
corde qu'il a au cou suffit à susciter la révolte de Vladimir et d'Estragon et celle du
public, à instaurer un conflit entre les défenseurs de l'humanité et ceux qui l'accablent.
Ainsi, les éléments matériels de la représentation contribuent également à la mise en
scène et à la mise en valeur des conflits.

L'illusion théâtrale

Le jeu des acteurs, lorsqu'il annule la distance entre le personnage et la personne,

peut servir l'illusion. Il y a alors une confusion entre le lieu de la représentation et la
réalité. Cette perte de repère génère l'illusion. Ainsi, il y a confusion entre le personnage
et la personne.

En effet, les acteurs jouent avec naturel, en se servant de leur expérience émotionnelle
pour jouer. Il s'inspire donc directement de leur vécu. Le théâtre joue sur l'identification
entre le spectateur et l'acteur. Effectivement, au premier abord, ce qui emporte
l'adhésion du spectateur, est ce qui copie la réalité.

Les acteurs interprètent des sentiments et des passions universelles qui ont déjà été
éprouvés par le spectateur. Le théâtre pour créer l'illusion, joue avec la mise en scène
de conflits et de problématiques réels. L'illusion vient aussi du fait que le théâtre expose
des problématiques sociales ou politiques inspirées directement du réel. L'acteur met
alors son jeu au service des conflits, inhérents aux hommes.

Les éléments auditifs

Le spectacle est majoritairement constitué d'éléments visuels mais il comporte aussi

des éléments auditifs. La musique et les bruitages peuvent également préciser
l'ambiance de la pièce. Le sentiments est tout à fait différent lorsqu'on est présent dans
une salle et qu'on assiste à une représentation. Elle permet d'avoir une vision différente
de la pièce, par le regard du metteur en scène.

Les grandes figures du théâtre

Shakespeare est, avec Molière, le plus grand représentant de l'art dramaturgique de

tous les temps ! (source : Radio-Canada.ca)

Le théâtre antique

"La vie est pièce de théâtre : ce qui compte, ce n'est pas qu'elle dure longtemps,
mais qu'elle soit bien jouée" - Sénèque

La dramaturgie est née en Grèce ancienne et plusieurs auteurs l'ont élevé au rang d'art.
Parmi eux, il faut évidemment évoquer les tragiques grecs que
sont Eschyle, Sophocle et Euripide. Leurs œuvres, qui étaient en grande majorité des
tragédies, sont des références du théâtre.
Aristophane est également un grand nom du théâtre grec antique, mais cette fois-ci
dans le registre de la comédie. Les Romains reprendront cet art comique avec des
dramaturges comme Plaute et Térence, tandis que Sénèque s'illustre plus dans la
tragédie.

Parmi les œuvres célèbres, nous pouvons citer :

• L'Orestie (Eschyle),
• Les Perses (Eschyle),
• Œdipe Roi (Sophocle),
• Antigone (Sophocle),
• Electre (Sophocle),
• Médée (Euripide),
• Andromaque (Euripide),
• Les Nuées (Aristophane),
• Les Oiseaux (Aristophane),
• Amphitryon (Plaute),
• Heautontimoroumenos (Térence),
• Les Adelphes (Térence),
• Hercule Furieux (Sénèque).

La période médiévale n'est pas sans auteurs de théâtre mais ne comporte que peu de
noms célèbres. Parmi eux, nous pouvons citer Rutebeuf, Arnoul
Gréban et Marguerite de Navarre pour la France.

Le théâtre moderne

La période moderne a vu le théâtre entrer dans son heure de gloire partout en Europe
et notamment en Angleterre, puis en France. La référence incontestable du théâtre
élisabéthain est William Shakespeare (Roméo et Juliette, Hamlet, Macbeth, Le Songe
d'une Nuit d'Eté, etc.) mais nous pouvons également citer son rival Ben
Jonson (Volpone, L'Alchimiste, etc.).

Le XVIIème siècle marque l'arrivée en force des dramaturges français, à commencer

par Molière (L'Ecole des Femmes, Dom Juan, L'Avare, Tartuffe, Les Fourberies de
Scapin, Le Malade Imaginaire, etc.), mais également Pierre Corneille (L'Illusion
Comique, Le Cid, etc.) et Jean Racine (Andromaque, Britannicus, Iphigénie, etc.).

C'est bien Molière qui occupe une place extrêmement importante dans la culture
française, à tel point que l'on parle de "langue de Molière" !

Au XVIIIème siècle, le théâtre se développe partout en Europe, que ce soit

en France (Beaumarchais, Diderot, Scribe, De Vigny), en Italie (Goldoni, Gozzi, Alfieri)
ou en Allemagne (Lessing, Goethe, Schiller) et dans bien d'autres pays.

Le théâtre contemporain
A partir du XIXème siècle et jusqu'au XXIème siècle, les auteurs de théâtre sont très
nombreux et de toutes les nationalités. Pour la France, nous pouvons citer Hugo, mais
aussi Dumas (père), Musset, puis au XXème
siècle Giraudoux, Guitry, Cocteau, Ionesco, Anouilh et Duras, entre autres.

Au XIXème siècle, on voit apparaître des grands noms de la dramaturgie dans l'Empire
Russe, comme Gogol et Tchekhov alors que l'Angleterre se fait plus discrète au profit
de l'Irlande avec Wilde, Shaw puis Beckett au XXème siècle.

Le théâtre grandit également dans le monde entier au XXème siècle et notamment aux
Etats-Unis avec Williams ainsi qu'au Japon avec Mishima !

Pour terminer, voici un tableau récapitulatif des plus grands dramaturges de tous les
temps :

Dates Nom Œuvre la plus célèbre

526 - 456 av J-C Eschyle L'Orestie

495 - 406 av J-C Sophocle Œdipe Roi

480 - 406 av J-C Euripide Médée

1564 - 1616 William Shakespeare Roméo et Juliette

1606 - 1684 Pierre Corneille Le Cid

1622 - 1673 Molière Le Malade Imaginaire

1639 - 1699 Jean Racine Phèdre

1906 - 1989 Samuel Beckett En Attendant Godot

1909 - 1994 Eugène Ionesco La Cantatrice Chauve

1911 - 1983 Tennessee Williams Un Tramway Nommé Désir