Centro Cultural ALBERTO OLMEDO

y
Centro Cultural COLEGIALES

taller de
HISTORIA del ARTE
de los centros culturales
Alberto Olmedo
y Colegiales

docente
Adriana Gaspar

DOSSIER nro. 1
 El CORREDOR
* por Gabriela Ana Suárez
G eorge Segal fue uno de los
más significativos exponentes
del Arte Pop estadounidense. Nos
remitimos con ésto, a la década
del ’60.
Se inicia como pintor
expresionista, teniendo siempre la
realidad como principal referente.
Ya a fines de los ’50, se vuelca de
lleno a la escultura. Dijo alguna
vez: “no podía divorciarme de
las cosas sensuales de la vida, las
cosas que podía tocar”.
Sus esculturas se caracte-
rizan por la utilización de vendas
de yeso. Cuenta Oscar Masotta
en su libro “La revolución en el
arte”, que Segal hacía posar a sus
amigos y familiares en actitudes
que pensaba de antemano. Los
cubría con un paño empapado
en yeso y al terminar, juntaba los
facsímiles humanos quedando la
impresión del modelo, su negati-
vo, en el interior de la escultura.
Utilizaba el color blanco puro pre-
ferentemente para “no distraer
la atención del espectador”.
Sus moldes son, entonces,
máscaras al revés. Por lo tanto, el
exterior se presenta anónimo.
Pero resulta interesante ver que lo
que se observa como anonimato
es la contracara de una nomina-
ción: los gestos, las posturas, el
lenguaje corporal, quedan abso-
lutamente manifestados. Así, en
esos cuerpos podemos leer eda-
«Creo que un minuto de existencia es
milagroso y extraordinario”.
George Segal.
des, clases sociales, profesiones,
diferentes grupos de pertenencia.
Queda anónimo el individuo, pero
no su estrato o estructura social
global, a la que pertenece. Y es eso
entonces, lo que podemos inferir
que Segal quería denunciar desde
su arte. detrás de esa puerta que se abre.
Según expresara él mis-
mo, su objetivo era captar “ la
poesía de las cosas.” Más que es-
culturas, sus obras eran presencias
que pretendían evocar al hombre
contemporáneo en su “que hacer
cotidiano, anónimo y mundano
que impone la sociedad que
vivimos captando la alienación
de la humanidad en el mundo
moderno”.
Sin lugar a dudas trascenderá en
al mundo del arte por haber que-
rido “sacar a la escultura de su
pedestal”.
La obra que atrajo mi
atención es “El corredor”,una
instalación en yeso y madera, de
1976. En ella observamos una
mujer desnuda pintada de azul,
parada al lado de una silla roja,
abriendouna puerta de madera
amarillacomo ingresando a un
corredor. Creo que esta imagen
tan simple invita al espectador a
imaginar las diferentes e imprede-
cibles posibilidades de encuentro
Me pareció una imagen cargada
de poesía y misterio.
Si bien la obra de este
artista se enmarca dentro del Arte
Pop, podríamos afirmar que por las
características de esta en particu-
lar, se trata del minimal art, en un
contexto simbólico. Digo ésto, ya
que dentro de los minimalistas,
encontramos grupos escultóricos
de grandes dimensiones, como
es el caso de Segal, trabajando a
escala humana, haciendo bocetos,
proyectando previamente la idea,
etc.
Para concluir, entre las
obras más destacadas de este ar-
tista, encontramos: “Hombre en
un vector”, “Naturaleza muerta
de Cezanne”, “Mujer en cama
naranja”, “Pareja”, “El holo-
.
causto”, “Chance meeting” y
“Pasajeros del autobús”
GEORGE SEGAL
El corredor, 1976
Conjunto escultórico en
yeso y madera, 230 x 183,5 cm.
Col. Museo Tamayo
Arte Contemporáneo
Influencias
de las
Vanguardias
en
multimedia
*por Liliana Crovetto
Desde todas las vanguardias de los años
sesenta y setenta se producen filtraciones hacia el
video, ya que es en donde se produce el tránsito
hacia nuevos dominios y manifestaciones como los
happenings, las performances, y las instalaciones. La
presentación de la realidad sustituye a los sistemas
de representación y cambia la idea que se tiene del
arte y de la práctica del arte.-
Con el video se manifiesta la vinculación que
existe entre arte, medios de comunicación y realidad
social.
En primer lugar el video se nutre del repertorio
icnográfico del arte pop, elevando a la condición
artística, al símbolo del desarrollo tecnológico de la
sociedad de consumo: el televisor
También el Minimal Art, es la tendencia que ma-
yor peso ha ejercido en la historia de los primeros
años del video, utilizando mínimas formas complejas,
pero organizadas a través de estructuras repetiti-
vas. Y con el Minimal comienza a producirse la
desmaterializacion del arte, comienza a interesar
el proceso, la formación de la obra, mas que la obra
misma, terminada y concluida. Derivan del Minimal,
a finales de los sesenta, el conceptualismo y el Land
Art, precedidos del “arte povera”.
Con respecto al Land Art, se utiliza el video, al
igual que el cine y la fotografiá por el carácter efímero
y perecedero, para documentar trabajos realizados
en grandes espacios.
Con respecto al arte conceptual, las huellas más
visibles en el video es la investigación del espacio
y del tiempo de la imagen, como de la importancia
concedida a la percepción, tanto en las instalacio-
nes como en las obras que se realizan sobre
soporte de cinta.
Algunos de los principios del conceptualismo,
ya estaban insinuados en al Arte op, que enfa-
tiza aspectos relacionados con la percepción de
los efectos visuales que postulan una respuesta
activa del espectador.
Se trata de una multiplicidad de in-
fluencias y movimientos que se suceden por
afinidad, cuando no por oposición. Todas ellas
han contribuido a favorecer practicas artísticas
multimedia y a romper con las formas tradicio-
nales de las artes plásticas, el cuadro o la es-
cultura. Si hay un soporte en el cual confluyen
todas las manifestaciones artísticas, ese es el
video.
Marcel Duchamp es el artista que ma-
yor influencia ha ejercido ya que sostiene al mismo
tiempo el aspecto físico y el mental de la obra con
los ready-made. Sus esculturas y objetos, anticipan
los ensamblajes e instalaciones.
La actitud dadaísta se plasma en esa
necesidad de acercar el arte a la realidad, en la
provocación satírica, para recontextualizar un
objeto y expandir los dominios del arte hacia
la realidad exterior, fuera del cuadro y de la
escultura. De él nace esa incitación a intervenir
en la realidad y a eliminar las fronteras entre los
diferentes formas de arte, principios asumidos
por el video.
Fuente:
“El arte del video”
Jose R. Perez Ornia, Madrid
1991

* por Susana Pendas
El arte informal otorgó
a la materia la función principal
y formuló un rechazo que se
transformó en “la armadura y
el cuerpo del mismo cuadro”.
En 1951 Tapies organizó una
exposición donde presentó a
artistas franceses:Hartung,
Wolls,Bryen y Mathiew,junto a
colegas estadounidenses como
nombre se constituyó con las
primeras sílabas de las capi-
tales de origen de los artistas:
Copenhague,Bruselas y Áms-
terdam. Reunió a artistas dane-
ses belgas u holandeses. Fue
un movimiento activista que se
apoyó en el surrealismo y ela-
boró un trabajo colectivo sobre
la base del compromiso social

Informalismo y CoBrA
E n 1951,Michel Tapies
introdujo el termino “infor-
mal”. Esta denominación de-
signaba a la pintura realizada
por los artistas de postguerra.
Era un estado de crisis de la
pintura,que llevo’ al arte a un
acto que dejo surgir la forma
de la materia.
Este arte no había for-
mado una escuela ni un movi-
miento,sino que reunía una
comunidad artística heterogé-
nea que celebraba el gesto,el
carácter trágico y sagrado.
Willem de Kooning, Jackson
Pollock y Kline. Otros artistas
del movimiento fueron Fautrier
y Jean Dubuffet.
Los artistas del grupo
CoBrA,marcados por los de-
sastres de la guerra,invocaron
el instinto,la espontaneidad y
la libertad para reestablecer
las relaciones entre la vida y el
arte.
El movimiento CoBrA
se fundó en Paris en 1094.Su
y revolucionario del artista. Era
un arte en busca de los oríge-
nes, la infancia y la humanidad.
Rechazaron todo racionalismo,
reconizaron un arte fundado
en la experimentación de la
libertad,en los valores natura-
les e instintivos. Privilegiaba
la espontaneidad,la violencia
del gesto y la exhuberancia
del color,en busca de formas
y figuras surgidas de las artes
primitivas y populares.

El informalismo era la
verdadera realidad europea
vinculado a la guerra, expresó
la “tragedia humana”.
El arte informal trastocó los
valores y subordino la forma
a la materia. El artista explotó
los recursos de ésta, marcada
por la espontaneidad y por los
impulsos del gesto.

Tapies creó una mate-

ria densa, pesada, en la que im-
primió huellas y marcas,como
una afirmación personal de una
sociedad autoritaria.
Marcel DUCHAMP
* Por Paola Alejandra Prozzillo
A pesar de sus afinidades con el dadaís-
mo y con el surrealismo, Duchamp se mantuvo
como un artista independiente. Después de rea-
lizar algunas obras en la línea del impresionis-
mo, el fauvismo y el cubismo, se dedicó a la
experimentación y al arte de vanguardia.
Con su obra “Desnudo bajando por una
escalera” de 1912 Duchamp demuestra com-
partir con los futuristas su preocupación por el
movimiento y su descomposición, cuestión que
parece querer resolver con su obra “Rueda de
bicicleta”, de 1913, obra en la que de manera
irónica y polémica crea la representación del
movimiento y la velocidad.
Su “Desnudo …” fue rechazado en París,
por lo cual la tela fue presentada en Nueva York
. Allí fue donde expuso “Fuente” un urinario
firmado como “R. Mutt”, pseudónimo que tomó
del nombre de un fabricante de sanitarios. De
esta manera Duchamp fulmina la idea de “obra
de arte” y “artista” sacralizados.
Duchamp definió el ready made como
“un objeto cotidiano promovido a la dignidad de
obra de arte por la simple elección del artista”,
apartando de esta manera la creación artística del
criterio estético.
Así, estos objetos introducían una fuerte
crítica a la institucionalidad, despreciando lo
academicista, lo convencional y lo canonizado;
la combinación o disposición arbitraria de obje-
tos de uso cotidiano podían convertirse en arte
por deseo del artista.
Su influencia fue crucial para el desarro-
llo del dadaísmo. Los dadaístas restaban impor-
tancia a la utilidad mercantil de sus obras de arte
y procuraban alcanzar esa inutilidad por medio
de una degradación sistemática del material. Con
la intención de expresar el rechazo de todos los
valores sociales y estéticos del momento, recu-
rrían con frecuencia a métodos artísticos delibe-
radamente incomprensibles. Sus manifestaciones
buscan el impacto y la perplejidad del público
con el objeto de originar la reconsideración de
los valores estéticos establecidos. La obra de
arte pasó a ser el centro del escándalo, de ser una
apariencia atractiva a ser un proyectil que choca
contra todo destinatario.
En 1936, con el propósito de reafirmar su des-
precio por las instituciones, Duchamp realizó “Cajas
en maletas”, que contenían copias de sus obras en
miniaturas, como museos transportables.
El compromiso de Duchamp consistía
en oponerse al arte decorativo y a la hegemonía
de lo visual. Sostenía que es el observador el que
hace al cuadro, el que le da sentido y lo legitima.
Además del urinario expuso un portabotellas, una
pala de nieve, un perchero. La función del artista
ya no consiste en “hacer” sino en “elegir”.
Su obra “El gran vidrio”, es un enigmá-
tico montaje que mantuvo ocupado a Duchamp
desde 1915 hasta 1923, fecha en la que lo declaró
definitivamente inacabado.
Sin dudas, Duchamp dispuso el terreno
para futuros movimientos vanguardistas, como
el conceptualismo, surgido a fines de los ´60,
movimiento en el que cuenta primordialmente la
idea o el concepto que respalda sus realizaciones;
para los conceptualistas prima el sentido de las
obras sobre sus formas plásticas.
Finalmente, en mi opinión, coincido con
Octavio Paz en que “los dos pintores que han
ejercido mayor influencia en nuestro siglo son
Pablo Picasso y Marcel Duchamp, el primero
por sus obras y el segundo por una obra que
es la negación misma de la moderna noción
de obra”.
 * Por Miriam Feldman

Salvador Dalí
Sus comienzos

Dalí se inicia en la pintura

a los diez años, cuando
conoce la obra de Ramón
pitxot, pintor influído
por el impresionismo y el post-im-
presionismo Franceses- y amigo (1904-1989)
de la familia.
De 1917 datan sus primeras obras,
La abuela Ana cosiendo, que
acusan esa influencia, y muestran
una maestría insólita con quien es
apenas un niño. su obra conoce un éxito inmediato, Segunda Guerra mundial; por los
Cinco años después traba amistad como en Europa. descubrimientos científicos ligados
con Lorca y Buñuel, atentos como Nace en Figueras, donde su padre a la física nuclear.
él a nuevas corrientes. era notario. El nombre de Salvador
Desde el principio Dalí alterna es el mismo que llevara un hermano Ultimos años
pintura y literatura, publicando ince- suyo, muerto a temprana edad. Esa
santemente poemas, reflexiones y circunstancia determina por una Muy activo hasta la muerte de Gala
glosas de su propia pintura. parte que sus padres proyectaran en 1982, el se consagra a su museo
sobre él dosis suplementarias de de Figueras, inaugurado y conce-
Paranoia crítica. afecto que contribuyeron a forjar bido como itinerario iniciático a su
su personalidad egocéntrica y ex- universo. Su obra última se centra
Dalí se une a los surrealistas en cada vez más en la revisión de los
1929, pero en 1922 había leído grandes maestros, como Miguel
«La interpretación de los sueños»,
de Freud.
Su pintura incorpora materiales
oníricos e inconcientes. Dirá Bre-
tón, desde las obras de Max Ernst
-1923 -1924 y las de Miró 1924-
no se había dado una revelación
semejante.
Cuando ingresa en el grupo surrea-
lista su personalidad artística está
plenamente conformada, en los
próximos diez años su militancia
surrealista será plena. Su primera
exposición Parisina fue en 1929.

Gala.

Todavía casada con el poeta Paul
Eluard, se convierte en su perma-
nente compañera, modelo y musa a
la manera obsesiva de Dalí.
Los temas Dalinianos
travagante pero también que se vea
a sí mismo como el fantasma de su
hermano muerto, familiarizándose
pronto con la idea obsesiva de la
muerte, uno de los temas que alien-
tan toda su obra.
Angel o Velásquez.
El reconocimiento de su talla artísti-
ca, objeto de polémica durante toda
su carrera parece haber alcanzado
unanimidad a su muerte en 1989.

La década del 30 es especialmen- La tradición

te intensa. Todos los temas de su
obra, salen a la palestra en esos
años, los relojes blandos, (la per-
sistencia de la memoria) 1931.-Las
figuras dobles, (El hombre invisible)
1929-1933.
Los alimentos y organismos en
putrefacción (el espectro del sex-
appeal) 1934. Dalí va construyendo
la imagen extravagante y mundana
que le convierte en seguida en un
personaje popular y grato a la pren-
sa, tanto en Estados Unidos donde
Su separación del surrealismo ofi-
cial propicia un acercamiento a la
tradición pictórica, sin abandonar
sus temas característicos, ni los pro-
cedimientos paranoico- críticos.
Instalado con Gala en Portilligat,
cerca de Cadaques , Dalí incorpora
la temática religiosa a su universo
con las distintas versiones de la
Madonna de Portilligat, o del Cristo
de San Juan de la Cruz.
También se interesa a partir de la
Marc
Chagall
* Por Gladis Gaggino
Marc Chagall es un pintor
ruso de la primera mitad del si-
glo XX que ha dejado una obra
personalísima e inconfundible.
Nació en Vitebsk en 1889, cur-
só estudios en San Petesburgo,
y hacia 1910 se trasladó a París
donde se puso en contacto con
el rico ambiente del arte que allí
se concentraba.
La vida de su pueblo natal,
apegado a la religión y tradi-
ciones judías como su propia
familia, lo marcaron profunda-
mente, al punto de que en toda
su obra aparecen escenas y per-
sonajes propios de lo cotidiano
que él logra representar con
toda su alegría o su dolor , con
su ingenuidad y su dramatismo,
aún en sus obras más abstractas.
Así vemos a los aldeanos con
sus ropas y actitudes típicas,
al rabino, al magistrado, a los
músicos y al típico violinista
ejecutando su instrumento
sentado en un tejado o flotando
en el aire, y también a algunos
animales –la vaca, la cabra, el
pez, el gallo- que conforman un
mundo real y familiar más allá
de lo intelectual y abstracto que
amplía y generaliza.
En la presente reproducción:
“Los enamorados sobre la
Surrealismo
*por Darío Fleitas
El surrealismo comienza en 1924 en París, con el escri-
tor André Breton , como lider del movimiento, quien fue el que
publicó el primer Manifiesto Surrealista.
El fenómeno surrealista investigó nuevas técnicas como
el frottage, la decalcomanía, el grattage, el cadáver exquisito,
pero lo que más lo caracterizó es el mundo de los sueños, como
plasmar lo onírico y los fenómenos subconscientes.
El surrealismo afectó también al cine (Luis Buñuel), a
la poesía (Paul Eluard, André Breton, Antonin Artaud); pero su
máximo exponente fue Salvador Dalí con su pintura; aunque
cuestionaría algunos aspectos de este ángel y demonio, no voy
a negar su genialidad, su talento y su técnica.
ciudad” (1913-1918), aparece
un tema reiterado en su obra:
la pareja. Aquí estos dos per-
sonajes, que en parte parecen
uno solo, son el mismo Chagall
y su esposa, recién casados,
transportados en el aires por
la fuerza de su felicidad. La
composición está en cierto
modo simplificada en cuanto a
la anécdota, pero asimismo nos
muestra un pequeño pueblo: las
casas, los tejados, el templo,
con detalles de puertas y ven-
tanas, empalizadas tupidas que
hacen contrapeso a la pareja
flotante, la escalera apoyada en
el granero, la pequeña cabra
solitaria. El color es suave y
los difuminados logran ilumi-
nar la composición a pesar de
los tonos oscuros de la pareja
y los cercos, provocando una
sensación de paz y felicidad.

S
X
Su amigo Jorge Luis Borges lo describió así:
“Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de
todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes,
de utopías, de mitologías y astrólogo, perfecto en
la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul
Solar es uno de los acontecimientos más singula-
res de nuestra época”. Oscar Agustín Alejandro
Schultz Solari, tal el nombre que le fue
dado, nació en San Fernando, Pcia. de
Buenos Aires en 1887 y murió en 1963,
a los 75 años.
No resulta apropiado ceñir su actividad
al marco de la pintura ya que a lo largo
de su vida, abordó múltiples disciplinas
vinculadas con el arte y la expresión,
así quizás lo que se aproximaría a una
definición sería describirlo como un
auténtico “creador” a quien aún se le
debe, al decir de los conocedores, un
merecido reconocimiento.
Se trató de un personaje excéntrico
e ingenioso que se hallaba fuera de
su época. Poseedor de una gran cul-
tura, que según cuentan exhibía con
sencillez, gracia, fina ironía, modestia
y gentileza. En general, fue ignorado
o rechazado por sus contemporáneos,
pero ello no lo llevó a aislamiento algu-
no, quizás porque su búsqueda iba más
allá del tiempo, se centraba en ahondar
en los conocimientos trascendentales,
en generar un puente entre el hombre
y el universo, lo finito e infinito.... Por
eso, su obra –no sólo la artística-, era
el soporte y la trasnmutación de esa
búsqueda. Fue pintor, escritor, músico,
astrólogo, filólogo (creo la “panalengua”
y el idioma “neocriollo”), matemático,
inventor de juegos (el “panagedrez”) y de técnicas
teatrales, pictóricas y musicales; estudioso de la
arquitectura, el derecho y las religiones. Hijo de
alemán e italiana, Xul Solar se embarca hacia
Oriente en 1912, no obstante por circunstancias
inesperadas, termina en Londres, donde va a iniciar
su viaje hacia el arte.
Residió en Italia y Alemania, haciendo frecuentes
visitas a París. En Florencia conoce a Pettoruti,
con quien va a regresar al país en 1924.En el viejo
continente, se va impregnando de las vanguardias
del momento: cubismo, fauvismo, futurismo, expre-
sionismo y surrealismo. Se conecta principalmente
con el movimiento del Jinete Azul, especialmente
Paul Klee. Sin embargo su estilo no puede ser
encasillado en ninguna vanguardia específica. Su
obra se identifica por símbolos oníricos: castillos,
soles, serpientes, horóscopos, laberintos, escaleras,
ul olar
* por Claudia Graciela Blanes.
signos astrológicos, banderas, dragones, cúpulas
y torres También por la firmeza y personalidad del color,
refinadas transparencias; soltura en la composición; espa-
cios habitados por curiosas figuras, letras y palabras, pero
fundamentalmente es el lenguaje simbólico a que se hizo
referencia aquello que más lo identifica.
Xul Solar era un místico, un buscador incansable, un
buceador de la religiosidad de
oriente y occidente, un seguidor
de la filosofía hermética como
también lo era Kandinsky. Se
lo ha identificado también como
un poeta que pinta y un pintor
que poetiza , frente a los arca-
nos del tiempo y el espacio, el
hombre y el universo, el alma
y el cuerpo, con el afán de
develarlos. Compartió con los
expresionistas la idea de que la
pintura es el anhelo de lo remoto,
un hacer visible lo invisible, la
necesidad de expresar el interior.
Lo real, desde su concepción, es
lo que palpita replegado, oculto
en el corazón interior, intangible,
de las cosas.
Entendía que el pintor debe
traer, convocar la realidad
lejana mediante símbolos,
formas extrañas y vivaces
combinaciones de colores. Tan
trascendente era para él la sim-
bología del color que durante
el período que duró la segunda
güera mundial, su paleta se
modificó, utilizando en ese pe-
ríodo el blanco, el negro y los
ocres para describir la angustia
existencial del hombre. También sus figuras reflejaban
la pequeñez del hombre frente a la violencia, las
grandes escaleras llevaban a espacios vacíos, las
mismas escaleras que posteriormente llevaban al
ser hacia el infinito, hacia la superación, nuevamente
impregnadas de color, las cúpulas reflejaban templos
y las montañas, vías hacia la ascención.
Nunca obtuvo premios en vida, pero nada de eso le
importó, varios años después de su muerte, en 1968,
el Museo Nacional de Bellas Artes aceptaría algo
de su obra Hoy podemos disfrutar de su legado, no
sólo a través de diferentes exposiciones como la
que se llevó a cabo tiempo atrás en el Malba sino
también conocerlo en su ámbito, aquél lugar donde
tantas veces se juntaba a discurrir con sus amigos,
Borges, Macedonio Fernández, Girondo, pues su
casa de la calle Laprida 1212 se transformó en el
Museo Xul Solar.
 Max Ernst
“El placer de pintar es escuchar
los latidos de la tierra “
El curso de Historia del
Arte me permitió conocer al
surrealista Max Ernst (1881-
1976).
Pintor autodidacta,
cursó estudios de Historia del
Arte, Literatura y Psiquiatría,
conocimiento este último que
le permitió adentrarse de lleno
en las manifestaciones surrea-
listas: “este artista es puente
entre el dadaísmo y el surrea-
lismo “ (Adriana Gaspar).
Lo que más me impre-
siono de su obra fueron los
paisajes en los que empleaba
algunas técnicas como por
ejemplo el Frottage (frota-
miento) y el Grattage. En las
mismas pudieron observarse
imágenes de una fauna y flora
completamente inventadas,
* por Noemí, Alumna del taller de Historia del Arte
Max Ernst
Assamblage: Fue un procedi-
miento que aplicó en sus es-
culturas, en la que unía distin-
tos objetos, los unificaba con
yeso y por ultimo realizaba al
fundición en bronce, como si
se tratara de una única pieza.
así como cuidades fantásticas,
todo lo cual crea un ambiente al-
Dripping: (pintar por go-
teo): En 1942 Ernst tomo la
tamente poético y sobrecogedor.
técnica de los indios HOPI
de ARIZONA. La misma fue
utilizada posteriormente por el
Técnicas creadas por principal representante de la
Ernst ACCION PAINTIG (pintura
de acción)
Frottage: El mismo artista
explica que descubrió esta
técnica por casualidad al caer
sobre el piso de madera unas
hojas de papel, tomo el impul-
so de frotarlos con Graffito,
obteniendo así extrañas for-
maciones que luego traslada-
ría a sus cuadros.
Grattage: Supone el trasla-
do del frottage a la pintura
al óleo. Consiste en raspar o
arañar la superficie de la tela
pintada con óleo para obtener
diferentes texturas.
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Noviembre 2005