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Constructed by means of language and representation, identities are not a stable unity but
a changing thread of ideological positions built as a temporary meeting point of subjects and
codes on the crossroads of dierent social formations and personal histories. e exhibition
brings together a diverse range of artistic practices that emerge from dierent cultural,
ideological (political) and economic backgrounds, but react in similar ways. CLUELESS
tries to mark the resistance to routine and oppressions by underscoring the philosophy of life
styles and attitudes as the reference eld of expression. is is what places artistic practices
into the area of the everyday and its transformation into visual language. Artists critically
investigate questions of individual and collective existence and indicate personal or social
commentaries in the background of our common daily lives, engaging in issues between
possibility and impossibility of articulation. By diverse strategies artists create an individual
language as well as context for the artwork, establishing relationships towards artistic,
institutional and non-institutional context, showing the symbolic capital of societys fetishes
and values, individual and collective actions or struggles.
At certain point we can place majority of represented artworks within the historical
context of feminist art practices, that opened a model of understanding a relevant
part of contemporary artistic production, practices that are considering self-referential,
performative and body based activities that oen echo the revolutionary power of
womens laughter (Jo Anna Isaak) as an hommage to the legacy and heritage provided
by the subversive power of womens art. e second historical trajectory places the works
in the context of conceptual art practices with strategies of repetition and seriality and
performance based practices. Here a reference and inspiration also is drawn by the
proto conceptual photo series by Italian designer Bruno Munari Seeking comfort in an
uncomfortable chair (1950), that serves a paradigmatic piece and conceptual framework.
CLUELESS as strategies of subtle resistance explore how contemporary artists represent
a subjective fragmented mosaic structure of the world through structures of fragments,
repetition and montage displaying banality of everyday activities that by slipping signiers
took a critical position spiced with irony and humor. Subjective imagination and modes of
resistance are inscribed within spatial and temporal discontinuities that attempt to establish
the disconnected relations of failed expectations, empty gestures and negotiations, providing
new imaginative paths and possibilities of traveling through a itinerary of everyday reality.
In words by Alain Badiou at stake is the technique of demontage of intimate and ordinary
relations that connect the real and the imaginary, visible and the hidden. e exhibition
explores the tensions and ruptures between dominant and visible narratives, visible as
cracks on the surface, constituting shis and transformations, pointing out the ruptures in
the everyday.
A reection upon dierent models of self representation is present in the works by Bettina
Cohnen, Ana Prvacki, Vlatka Horvat, Felipe Aguila, Alen Florii and Marko Luli.
In ongoing series of self portraits Side Shows photographic works of Bettina Cohen engages
and describes the process of creating ones own self as a fragile construction ranging between
invention, heteronomy and various possibilities.
Based on everyday situations, ordinary and common places, and strategies of appropriation
Cohnen deconstructs possible identities. In such self stageing she runs through the spectrum
of feminine stereotypes, from diva to detached passer by, with reminiscences of works by Nan
Goldin or Cindy Sherman. In those various re-enactments and masquerade Bettina Cohnen
has dierent possibilities of reinventing herself, in an interplay that destabilizes the xed
category of identity.
Wild Goose Step (and then she said) a video by Ana Prvacki is the fruit of her reections
upon a suggestion to put on a pretty dress and chase your goose around the garden. In this
performative video artist chasing a wild goose is engaged in a hopeless quest. As use of the
phrase alludes to an undertaking which will probably prove to be fruitless - clearly wild geese
are dicult to catch. It refers to a useless action, a failed activity that the artist undertakes,
but there is no fatalistic doom, but colorful irony and cheerful and humorous game playing.
In photoseries Searching, works of performative and conceptual character, Vlatka Horvat
explores corelations of the body in dierent situations, as an encounter between a person and
a particular system. We nd the artist in a set of playful yet surreal situations set in public
space looking and exploring behind tubes, walls even with head in the washing machine.
Her interest is focused on discomforting and uncertain aspects of ordinary lived experience,
emotions and situations such as doubt, fear or hesitation, dierent conicting impulses and
obsessive attempts, the work playfully approaches strategies and conditions as frustrations,
denials and contradictions. She investigates the relationship between modes of representation
and social and cultural economies.
e videos of Felipe Aguila investigate social paradigms related to collective and personal
questions. Borrowing the title of a lm by Franois Truaut, Les quatre cents coups is
an ironic reection upon the conditions of artistic creation. e frustrations, the limits of
language and representation take shape of a 400 butts against a table. An ironic sign of rage
and inadequacy which ends with the nal fainting.
Alen Floriis videos question performative self-referential strategies. On an abstract black
background, his silhouette is an icon/sign, in a spatial-temporal pastiche and hybrid digital
time, focusing on attempts body makes in repetitive, never ending actions and disturbing
space between the physical and imaginary. Such manipulation and multiplication of the
image demonstrate the unstable character of our schizophrenic identities, human condition,
and rhythm and anxieties of everyday life. In ickering scenes and broken movement we
notice the articial and construed character of the movement that point out the fractures in
the social body.
Works by Marko Luli develop a relationship to issues of modern architecture and its
corelation to ideology and poular culture. Majority of his works, both installations and videos
question ex-yugoslavian socialist modrnism in an ironic setting, without prejudices and
aspects of nostalgia. Such approach is seen in slide show Reactivation/ Circulation where
the artist is researching the spatiality and seriousness of geometric structurea of a modern
sculpture by Vojin Bakic in public space as it were an object from an amusement park. His
actions reect the estranged everyday activities by putting the object of interest out of context.
Climbing through circular shapes, upside down Marko Luli makes use of the public
sculpture as a set for his theatre of nonsense continuity without conclusions and circularity
of meaning.
Female universe and gender relations are oen issues of the works by Cecilia Lundqvist and
Giulia Caira. e animations by Cecilia Lundqvist, of a very simple dramaturgy, a planar
and clean drawing, present routine activities, using elements from the everyday life in order
to point to some of the main problems in human relationships. By opposing few elements, in
a binary system the author juxtaposes some examples of extremes, stereotyped relations or
behavioral patterns: good and evil, male and female, body and soul. e reduced dynamics
and monotony of the plot, as well as the tendency to repeat, merge with strong primary colors.
By means of video and photography Giulia Caira explores the female universe of the
everyday. e artist herself is the subject of her works where by make-up and masquerade
the body is submitted to multiple possibilities of existence. It is a sort of research of the self
developed by the double register of ction and rituals. In La mia regola / My rule a woman
is enjoying a chocolate bon bon, and when nally she takes it to her mouth a text runs on the
screen, as a decalogue for temptation. It is as a test for resistance where the body undergoes
the temptation to dominate its needs, things that could possibly make unable to reach the
nal goal perfection.
R di Martinos works are ironic and surreal refection about the human condition. Her
research turns on a narrow dividing line, with much of the language of lm shorts to be
seen in it. e artist uses these to shake o the conventions, breaking their rules, and so to
invent new ideas and new meanings. August 2008 by R di Martino is formed around a
central dialogue scene with a male and a female character on the staircase of what might be a
bourgeois palace, but it is not a representation of a conventional dialogue in 2 ways - instead
of spoken words, it is sung, and their phrases are taken from news headlines. is vocal
performance and the meaning words places the narrative out of context in the eld of absurd
and estranged, while sound and image feel displaced and out of sync.
Each installation by Magda Tthov tells a dierent narrative. In her works, she uses the
space to recreate a fantastic world where it is possible to move in, to get lost and nd the
beginning again. Tothovas minimal interventions ironically focus on moments denoting an
unconventional reading of social paradigms. e video Rhythm in red focuses on a hypnotic
movement of a red nails. Starting slowly, the action becomes faster and disturbing, alluding in
a metaphorical sense to a frenetic rhythm of anxiety,
Characters of the Provmyzas videos are passive, relative, as if time and place of their
existence would settled exclusively by the moment of the action directed on them. In the
ree Sisters project from Chekhovs play, children face to a choice. ey are given right to
play degree of their decision importance, fraught with serious consequences. It is a certain
theatrical performance for children, an aspect of competitive spirit and, at last, an element of
entertainment. But childrens imagination is those that their behaviour actually balances on
the verge of game-life. ree sisters are a seductive and immersive contemporary video that
based on a literary pre-text (Chekhov) combines two russian traditions one deriving from
the fantastic folk fairy tales and the second one with the ostranienie (V-) eect of the absurd,
bizzare dada- based avantgarde.
e works by Marko Tadi are hybrid forms that question the status of artistic and everyday
objects, such as souvenirs, memorabilia or postcards, their use, and decorative and symbolic
function. Even new postcard drawings from the series e Second Moon are formed at
the intersection of drawing, collage, ready made, grati, photography, or tachisme, and
are determined by the sphere of privacy, collecting, archiving, diaries, with an interest
for everyday, towards decoration, kitsch, or nostalgia, but as well the imaginative power
and transformative possibilities of the ordinary things. His forms are of a specic bastard
iconography that is constituted by fragmented narratives, forming oen absurd, estranged,
surprising, imaginary, uncanny and surreal combinations, an image text of disruptive
narrative, dicult to read and in need to decipher. In e Second Moon as oen in Markos
recent work, such as animated video and accompanying installation I Speak rue ings
we nd references of an imaginary journey, obsolete images, distant places and (ctional)
archives.
Early lms and photographs by Babette Mangolte from the 1970s use elements of minimal
performance for an abstract narration. Babette Mangolte is esteemed as a director of
splintered, non narrative, subjective experimental lms. In (NOW) or Maintenant entre
parenthesis we evidence Mangoltes preoccupation with the artistic concerns prevalent in the
late 70s: seriality, logical permutation, documentary candor and metatextual commentary.
As she explains the lm as A linear succession of activities and manipulations of objects.
Film = Now / Projected Film = (Now). e manipulation of objects and male female
relationship are mirrored in a tautological trajectory and mosaic structure of the constructed
on screen objects. Babette Mangolte turns the used artistic means, strategies and procedures
in the real topic of her lm. Ideas of conceptual performance and object relations in dance
informed Mangoltes own lmic aesthetic.
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Nella denizione familiare, la parola clueless signica non avere idea. Riferito a una persona,
indica un soggetto naf, che si trova spesso in dicolt a portare avanti situazioni e a prendere
decisioni sostanziali.
Ripetizioni, tentativi falliti, gesti banali non portati a compimento e incomprensioni
linguistiche caratterizzano i lavori in mostra, rappresentando con ironia e senso dellhumour
un universo apparentemente nonsense. Azioni, spesso inscritte in una discontinuit spaziale
e temporale, e relazioni tra aspettative, gesti e risultati, danno vita a percorsi immaginativi e
possibilit di viaggiare attraverso un itinerario di realt che, da subito, appare poco ordinario.
Ciascun artista racconta piccoli atti di inconcludenza e paradossi della vita quotidiana,
partendo dalla prospettiva secondo cui il privato ha in qualche modo anche un aspetto pi
politico e sociale. Molti di questi lavori possono essere letti sotto leco di un testo che ha
dato uninterpretazione rilevante della produzione artistica contemporanea da un prolo
femminista. Si sente infatti la presenza di Jo Anna Isaak e del suo Feminismand Contemporary
Art: Revolutionary power of womens laughter (1996) nelle pratiche auto-referenziali, nelle
azioni performative e uso del corpo di queste opere che strappano con ironia un sorriso letto
dallautrice proprio come potere sovversivo dellarte.
I lavori di Bettina Cohnen, Ana Prvacki, Vlatka Horvat, Alen Florii, Marko Luli, Babette
Mangolte, Magda Tthov e Felipe Aguila hanno in comune una riessione sui modelli
di rappresentazione di s e del linguaggio. Il corpo dellartista diventa infatti il mezzo con
cui compiere azioni fuori dalle righe che hanno pi livelli di lettura, da quello pi diretto
e immediato (nevrosi, indecisioni, frustrazioni, ansia) a quello meno evidente (identit,
memoria, denizione linguistica).
Attraverso lutilizzo della propria immagine o quella di altri, le fotograe di Bettina Cohnen
descrivono il processo di costruzione di unidentit basata sullinvenzione. In questo modo,
lartista analizza come la questione identitaria sia condizionata da regole collettive, geograche
e aspetti della memoria. Nella serie di autoritratti che compongono il ciclo Side Shows, lartista
utilizza la propria gura per riettere sul processo della creazione della sua immagine che si
situa in bilico fra invenzione e realt, mescolando varie possibilit. Basate su materiali diversi
come foto darchivio, vecchi documenti, scatti di situazioni quotidiane, queste immagini
fotograche decostruiscono il concetto di unicit e ne mostrano un aspetto frammentato
e instabile.
e Wild Goose Step (and then she said) di Ana Prvacki mette in scena una situazione
divertente e fuori dalle righe. Lartista infatti insegue ed a sua volta inseguita da unoca
selvatica. Il titolo, che tradotto signica appunto Il passo delloca selvatica allude ad un
tentativo che si riveler inutile nel catturare lanimale. Il video rappresenta un divertissement
e lazione si concentra pi sullatto performativo dellartista che sul risultato della sua impresa:
unironica rappresentazione di una caccia senza speranza.
Anche Babette Mangolte e Magda Tthov si impegnano su azioni che acquistano senso
nellatto di compiersi come gesto a s stante.
Babette Mangolte una fra le principali rappresentanti del cinema sperimentale femminista
americano, nonch fotografa e autrice di saggi. I primi lmdegli anni Settanta di questartista
utilizzavano elementi di performance minimali per comporre narrazioni astratte.
In (NOW) or Maintenant entre parenthesis Mangolte cerca di impilare alcune piccole
scatole su cui campeggia la scritta NOW (adesso). Lartista spiega il video come un
lineare susseguirsi si attivit e manipolazioni di oggetti che mettono in evidenza il suo
particolarissimo e riconosciuto stile delle opere degli anni Settanta, fatte di concettualismo
di matrice statunitense e sensibilit del French Realism, elaborati attraverso il forte senso
immaginativo dellartista. Nel video Rhythmin red di Magda Tthov, il campo visivo
occupato da unghie laccate di rosso che compiono un movimento ipnotico. Lazione inizia
lenta e senza particolari traumi, come quando durante la nostra giornata ci troviamo a
compiere un gesto sovrappensiero. Poco a poco il ritmo diventa pi veloce e disturbante, le
unghie - mano a mano che lazione si fa pi frenetica - si spezzano, no ad arrivare alla caduta
denitiva. Lopera, dal sapore minimalista, fa delle unghie e del loro ritmo ansiogeno lunico
protagonista per ragurare con disturbante musicalit uno stato di ansia.
Vlatka Horvat, in Searching, si ritrae in una serie di situazioni surreali: dentro una valigia,
nascosta dietro una porta, a cavallo di un muro da cui spuntano solo i suoi piedi. Ogni azione
ragura laspetto di un fallimento, costituendo un archivio visivo di scontte quotidiane e
desideri frustrati. Di volta in volta, Vlatka Horvat assume una posizione sicamente scomoda
e improbabile durante il tentativo di mascherare il suo corpo dietro gli oggetti comuni -
bidoni della spazzatura, lampioni, valigie, scatole di cartone. E ogni volta, i suoi tentativi di
occupare sicamente e concettualmente gli spazi domestici e sociali, e quindi trovare una
collocazione nel vivere di tutti i giorni, sono implacabilmente scontti.
Il corpo dellartista anche al centro nella ricerca di Alen Florii. I suoi video sono girati in
ununica ripresa, durante la quale lartista compie una serie di attivit siche, ridicolizzando la
propria persona con innite ripetizioni di identici e noiosi movimenti. In questo modo, ritrae
un vissuto quotidiano pieno di frustrazione, ansiet, tensioni e incertezza. In Untitled 01/07,
la silhouette dellartista posta davanti a uno sfondo nero che la evidenzia nel suo essere
centro dellazione. Florii scatta per correre, poi si ferma, poi riparte di nuovo, senza mai
compiere il movimento no in fondo. Lartista manipola digitalmente le coordinate di spazio e
tempo per evidenziare lelemento disturbante tra aspetto reale e immaginario della condizione
umana. Lintervento sulla moltiplicazione della sua gura dimostra infatti il carattere instabile
e schizofrenico dellidentit e la frammentazione della personalit.
Il concetto di spazio - e di corpo nello spazio - ritorna nel lavoro di Marko Luli. In questo
caso lartista si concentra sullarchitettura modernista ex-iugoslava, vista nel suo rapporto con
le ideologie. Da anni infatti Luli analizza in maniera dissacrante la storia culturale di questo
paese, legato alla sua famiglia di origine, mettendone in evidenza gli aspetti politici e sociali
senza alcun approccio nostalgico.
In Reactivation / Circulation in space Luli pare chiedersi se la scultura pubblica possa essere
usata come un parco giochi. In questo slide-show, ritratto mentre fa ginnastica in una
scultura creata da Vojin Bakic nel 1971 che si trova davanti al Museo di Arte Contemporanea
di Belgrado, costituita esclusivamente da anelli. Egli compie unazione quotidiana, ma
straniante perch decontestualizzata e re-inserita in un luogo non deputato a ci. Arrampicato
fra i cerchi, a testa in gi, usa lopera come teatro di una performance nonsense - senza
conclusione a causa della circolarit della struttura - che nasconde anche una critica
metaforica sulla funzionalit del modernismo sotto laspetto formale e ideologico.
Felipe Aguila, con Les quatrecents coups, prende in prestito il titolo dal noto lmdi Franois
Truaut per riettere in maniera ironica, ma non leggera, sulla condizione artistica. Lartista
ripreso mentre sbatte la testa contro un tavolo per quattocento volte. Dai primi colpi no
allultimo svenimento nale, Felipe Aguila mostra in questo gesto tutta la sua frustrazione
verso i limiti di un linguaggio, quello creativo, che spesso sfugge a una forma che gli si vuole
imporre. In questo modo, le problematiche dellesistenza quotidiana riguardano quello che
giornalmente attanaglia lartista: che fare quando non si riesce a dominare qualcosa in tutta
la sua complessit? Quando non si sa dove sbattere la testa? Non resta che prendersela con
un tavolo e sfogare il senso di inadeguatezza sicamente
Universo femminile e questioni di genere sono il soggetto principale, anche se non lunico,
dei lavori di Giulia Caira e Cecilia Lundqvist.
Giulia Caira esplora con fotograa e video luniverso femminile quotidiano. Lartista il
soggetto delle proprie opere dove, grazie a un massiccio ricorso al trucco e al travestimento,
realizza attraverso luso del suo corpoinvolucro la declinazione delle molteplici possibilit
dessere. Una sorta di ricerca del s sviluppata attraverso il doppio registro della nzione e
del rituale, indagati no a farvi emergere lanima. Ne La mia regola, una donna in carne si
delizia nel gesto di scartare un cioccolatino e, quando nalmente fa per portarselo alla bocca,
una scritta scorre sullo schermo. Il testo un grido di ammonimento, una sorta di decalogo
nalizzato ad allontanare la tentazione. Si tratta di una prova di resistenza a cui il corpo si
sottopone nel tentativo di dominare le proprie pulsioni che potrebbero in qualche modo
confonderlo dal raggiungimento dellobiettivo nale: la perfezione...
Le animazioni di Cecilia Lundqvist - realizzate attraverso una drammaturgia semplice e un
disegno pulito e chiaro rappresentano attivit di routine utilizzando gli elementi della vita
quotidiana, per evidenziare alcuni fra i pi comuni problemi delle relazioni umane. Nei suoi
video, spesso lartista concentra lazione su esempi estremi di situazioni stereotipate: male e
bene, uomo e donna, anima e corpo. Proprio un uomo e una donna, e la loro dicolt di
comprendersi reciprocamente, sono il soggetto di Making Pancakes. Errori banali, come
ad esempio latto di preparare la cena, diventano terreno di scontro di due personalit
che marciano su mondi separati e incondivisibili. Ognuno di loro gioca a essere un
personaggio: luomo rude ma in cerca di aermazione, la donna tutta tesa a mantenere
unimmagine di facciata. Nei loro discorsi inconcludenti si esprime tutta lassurdit delle
relazioni di tutti i giorni.
Un forte senso immaginativo e di matrice teatrale ci porta inne verso i lavori di R di
Martino, Provmyza, Magda Tthov e Marko Tadi.
La ricerca di R Di Martino riguarda principalmente il mezzo video e i suoi risvolti pi
cinematograci, come luso meticoloso della telecamera, la ricercatezza delle inquadrature
e della fotograa, utilizzati per per scardinarne le convenzioni e creare nuove logiche
e signicati. I personaggi dei suoi video sono spesso caratterizzati dallimpossibilit di
unazione razionale e immersi in situazioni di spaesamento visivo, sia temporale che
spaziale. In August 2008 due attori creano una sorta di tableau-vivant in una temporalit
bloccata che richiama i lm degli anni Cinquanta. Di colpo, i due personaggi iniziano un
discorso cantato, tratto dalle notizie di fatti accaduti appunto nellagosto 2008, ognuno
seguendo un proprio percorso, nellimpossibilit di creare un discorso comune. Una
riessione ironica e surreale sulla comunicazione quotidiana tra gli individui e quindi pi
genericamente sulla condizione umana.
Galina Myznikova e Sergey Provorov (Provmyza) lavorano insieme dal 1998. Si ispirano ai
classici dellarte russa del XX secolo, in particolare per i meccanismi della nzione e i modelli
della rappresentazione. I personaggi sono passivi, come se tempo e spazio della loro esistenza
fossero deniti esclusivamente dal momento dellazione; la persona come forzata, deve
operare una scelta che si rivela spesso illusoria. Presentato per la prima volta alla Biennale
di Venezia 2005, ree Sisters sta fra la produzione cinematograca sperimentale e la pratica
teatrale. Si basa sullomonima pice di Cechov in cui le protagoniste vivono in provincia
sperando di tornare a Mosca, dove hanno trascorso linfanzia, ma questa speranza si rivela
sempre pi dicile da realizzare e le tre sorelle continuano ad attendere un cambiamento che
non arriver mai. I Provmyza prendono spunto dal dramma per mettere in scena il senso pi
profondo della storia: la paura di decidere, la dicolt di scegliere. E mettono in scena una
moderna interpretazione con tre bambine sul punto di buttarsi e cadere, senza mai compiere
il gesto, spaventate ma attirate dallignoto.
Quella di Marko Tadi invece una narrazione pi fantasiosa. I suoi lavori sono forme
ibride che analizzano lo stato degli oggetti, siano essi artistici e duso quotidiano, nella loro
funzione simbolica e decorativa. Sono colorati collages che combinano immagini, frasi
quotidiane, numeri e citazioni, formando assurde e ambigue combinazioni verbali. Anche le
cartoline della serie e Second Moon mescolano disegno, collage, grati, fotograa come
frantumi di vita privata e archivio di vissuto. Anche se la giocosit uno degli elementi
guida nel lavoro di Tadi, questi disegni trasmettono comunque una sorta di disagio, e
appaiono come un antidoto al peso della vita quotidiana, come se disegnare fosse un modo
per liberarsi e scacciare un malessere. Il gesto veloce, la narrazione frammentata e priva
di un senso apparente, a sottolineare come per lartista questa pratica sia in qualche modo
un antidoto personale allinconcludenza quotidiana.
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