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Capricci & Bobi Lux présentent

Distribution Karim Leklou Vimala Pons

CAPRICCI FILMS
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www.capricci.fr
VINCENT
Programmation
CAPRICCI FILMS
programmation@capricci.fr
DOIT
01 89 16 93 51
MOURIR
Relations presse
Monica Donati
monica.donati@mk2.com
un film de Stéphan Castang
06 23 85 06 18
AU CINÉMA LE 15 NOVEMBRE

MATÉRIEL PRESSE ET PHOTOS TÉLÉCHARGEABLES SUR :

www.capricci.fr France - 2022 - 1h48 - 2.39 - 5.1
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 Synopsis 7
Entretien avec le réalisateur
Stéphan Castang 8

Biographie et filmographie 14
Entretien avec le scénariste
Mathieu Naert 16
Les acteurs 20
Fiches artistique et technique 23

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 Synopsis
Du jour au lendemain, Vincent est agressé à
plusieurs reprises et sans raison par des gens
qui tentent de le tuer. Son existence d’homme
sans histoires en est bouleversée et, quand le
phénomène s’amplifie, il n’a d’autre choix que
de fuir et de changer son mode de vie.

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Entretien avec Stéphan Castang
Réalisateur
Vincent doit mourir, mais pour-
quoi ?
C’est bien la question que se pose
Vincent pendant tout le film et à
laquelle il n’arrive pas à trouver d’ex-
plication. Du stagiaire au facteur, on
cherche à le tuer au premier regard
sans aucune raison apparente. Pour-
tant Vincent est un personnage banal,
un graphiste citadin qui vit à Lyon, ni
sympathique ni antipathique, certes
content de lui mais c’est tout. Du jour
au lendemain il se retrouve au centre
de toutes les attentions et subit une
multitude d’agressions de la part d’in-
connus ou de gens familiers. Pourquoi
lui ? Est-il le seul ? Qu’a-t-il fait pour
mériter cela ? Pourquoi une telle vio-
lence irrationnelle ? On ne sait pas,
libre à chacun de se faire son idée. Et
rapidement, pour Vincent, la question
« Pourquoi on cherche à me tuer ? » va
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laisser place à une autre plus cruciale :
« Combien de temps il me reste ? » Et
c’est à travers cette nouvelle question,
et dans une forme de survie, qu’il trou-
vera du sens.
« L'ironie du film montre
que cette violence, c'est
aussi celle de notre société »
Le film est très original par sa
tonalité. Il mélange différents
genres, film paranoïaque, survi-
val, film burlesque, moments de
comédie. C’était une intention
dès le départ ?
Cet aspect était déjà présent dans le
scénario de Mathieu Naert. Il y avait
la promesse de quelque chose de
bizarre, d’un mélange de genres qui
me plaisait. Surtout, je voyais qu’il
restait de l’espace pour conjuguer
mes névroses avec celle de Mathieu.
Je sentais qu’il fallait rester loyal avec
les codes du genre, et qu’en même
temps ce n’était pas vraiment un
film de genre. Il fallait jouer avec ce
mélange, trouver un juste équilibre
pour accorder ensemble les diffé-
rents genres du film. Car chacune
des tonalités découle directement
des situations dans lesquelles se
trouve Vincent et de la violence gra-
tuite qui s’abat sur lui. À un moment
elle produit naturellement de la para-
noïa, à un autre un film d’enquête, à
un autre encore un film d’action ou
de zombies. Et comme tous ces gens
lambda ne savent pas se battre, les
combats deviennent souvent mala-
droits et sales, à la frontière du
burlesque. On ne peut pas parler véri-
tablement de comédie. Je dirais qu’il
y a une ironie qui parcourt l’ensemble
du film. Une ironie qui montre sans
le surligner que cette violence, c’est
aussi celle de notre société et de
l’absurdité qu’elle peut créer. Ce que
j’aime dans l’absurde c’est qu’il per-
met de rire des choses graves, sans
déjouer le tragique des situations ni
rendre dérisoire le propos du film.
Êtes-vous parti de références de
films précises ?
On est toujours un peu le produit de
sa cinéphilie. Il y a George A. Romero
bien sûr, mais celui des débuts, de
Martin ou de The Crazies. Par exemple
Romero n’explique pas pourquoi les
morts sortent de terre ou comment
de braves gens deviennent fous, c’est
très vite éludé, l’important est de mon-
trer comment les humains réagissent
à ces situations. Luis Buñuel est
une autre référence aussi. D’ailleurs
le film démarre comme un de ses
films, c’est-à-dire par un personnage
qui raconte un rêve. Et je tenais à ce
que cette scène soit filmée comme
un rêve : avec un très gros plan qui
fait qu’on ne sait pas très bien où l’on
se situe avant que le cadre ne s’élar-
gisse dans ce drôle d’open space.
Mais la figure tutélaire reste certai-
nement Carpenter. Je pense surtout
à Invasion Los Angeles ! Le film où il
explique que le capitalisme est le fruit
d’une invasion extraterrestre. Son côté
paranoïaque et sa dimension ironique
était très inspirante et aussi parce que
l’acteur principal est un catcheur, il y
a également à l’œuvre dans ce film la
question des combats et d’une cer-
taine physicalité.
« Karim est l'acteur idéal :
à la fois banal et singulier,
extrêmement doux
et brutal. »
Cette physicalité elle est liée au
choix d’un acteur comme Karim
Leklou ?
C’était pour moi l’acteur idéal : Karim
est à la fois banal et singulier, extrê-
mement doux et brutal. Ce n’est pas
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à priori un corps qu’on imagine pour
un film d’action. Karim est un acteur
formidable pour ça, car il peut aussi
avoir quelque chose d’un burlesque
entre un corps tout en réaction et un
visage impassible, à la manière d’un
Buster Keaton entrainé sur un train
à toute allure et qui va juste tenter
de s’adapter et de comprendre ce
qui lui arrive. Au-delà de sa qualité
incroyable d’acteur, si on le place
dans un lieu banal, c’est quelqu’un
de banal ! Il devient un « Monsieur
tout le monde », avec un corps de
« Monsieur tout le monde », comme
d’ailleurs tous ceux qui l’affrontent,
du facteur au comptable en pas-
sant par des enfants. C’est un peu
ça aussi le burlesque ! Des person-
nages ordinaires qui se retrouvent à
devoir affronter des situations extra-
ordinaires sans autre choix que de se
démerder. Et ça me plait qu’on puisse
voir « Monsieur et Madame tout le
monde » dans la plupart des rôles.
C’est un choix qui a aiguillé totale-
ment la tonalité générale du film.
Et concernant Vimala Pons ?
C’était une évidence ! Je trouve
qu’avec Karim ils forment un merveil-
leux duo d’amoureux. J’ai vu de
nombreux projets de Vimala, que ce
soit au cinéma ou au théâtre. Il y a
quelque chose de lumineux chez elle,
solaire et lunaire, c’est une actrice
très physique et en même temps elle
porte une vraie profondeur. Avec elle
comme avec Karim, pas besoin de
background ou de psychologie, ce
sont des artistes qui portent en eux
une véritable poésie et rappellent que
les actrices et les acteurs sont égale-
ment des créateurs.
Les acteurs qui les entourent
ont des « gueules », ce qui
donne au film un côté décalé en
même temps que « quotidien ».
Comment les avez-vous choisis ?
Il faut s’entendre sur ce qu’on appelle
« gueule ». Dès que ce sont des acteurs,
des corps qui sont moins lisses de ce
qu’on a l’habitude de voir au cinéma,
on dit vite que ce sont des « gueules ».
C’est comme lorsque des journalistes
parlent des gilets jaunes en disant « ils
sont moches ». Mais, en fait, ce sont
des gens qu’on trouve dans n’importe
quel coin de France ; ce sont simple-
ment des acteurs et actrices qui
ressemblent au commun des Français,
à des gens de ma famille ou à mes
voisins. C’est aussi l’image d’une
France qui est celle que je connais,
vivant moi-même en province. J’ai
choisi tous ces rôles parmi les acteurs
que je connaissais car j’ai été acteur
au théâtre pendant plus de vingt ans.
Pour la plupart, j’ai déjà travaillé avec
eux, comme avec François Chattot,
Emmanuel Vérité ou bien Guillaume
Bursztyn, qui interprète le facteur,
avec qui j’avais joué dans La Nuée.
« La violence est déroutante
lorsqu’elle est portée par
quelqu’un qui ressemble
à votre voisin. »
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12 13
Son combat dantesque dans une
fosse septique avec Karim est une
extraordinaire performance.
La plupart des combats mettent
en scène des personnages qu’on
n’a pas l’habitude de voir se battre
au cinéma : le stagiaire, le postier,
les enfants…
C’est cet ordinaire et ce réalisme que
je recherchais. La violence est d’autant
plus déroutante lorsqu’elle est portée
par quelqu’un qui ressemble à votre
voisin. Elle emporte tout le monde, de
la grand-mère aux enfants. Ce sont
des corps presque tabous, que l’on
ne veut pas voir se battre à l’écran.
C’est pourquoi il ne fallait pas des
chorégraphies magistrales mais des
combats maladroits, gauches, secs.
Je ne voulais pas que la violence soit
trop stylisée ou virile. Nous avons fait
très attention avec Manuel Dacosse,
le chef-opérateur, à ne jamais filmer
la violence comme quelque chose de
fun.
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Vincent est doublement victime.
Il est victime des coups qu’il
reçoit et victime de l’incrédu-
lité des autres. Tout le monde le
prend pour un fou…
La violence la plus brutale du film est
sans doute la violence psychologique
et sociale qui s’abat sur Vincent. Le
fait de devenir une cible, une victime,
le rend suspect et infréquentable
auprès de ses collègues comme de
ses voisins. Il suscite davantage l’in-
compréhension autour de lui que
l’empathie. C’est cette violence tein-
tée de bienveillance qui est insup-
portable. De ce point de vue, Vincent
doit mourir est l’histoire d’abord d’un
naufrage personnel. Le film n’est pas
post-apocalyptique, plutôt pré-apo-
calyptique, on pourrait presque dire
qu’il s’agit d’une apocalypse intime.
On peut penser pendant longtemps
que ce mec est fou, avant de réaliser
que c’est le monde qui est en train de
devenir totalement taré.
Le film parle d’une société qui
devient de plus en plus violente
et le film montre ça comme une
contamination, quelque chose
d’aveugle qui vient frapper au
hasard.
Oui, le film ne traite que de ça, il ne
traite que de la violence. Mais pour
moi, ce n’est pas tant la violence qui
est extraordinaire, c’est le fait qu’on
ne se foute pas tous sur la gueule
qui tient du miracle. Si on prend la
séquence actuelle en Occident on
peut avoir l’impression d’un temps de
paix immuable mais c’est une totale
illusion qui est en train de nous rattra-
per un peu, y compris en remettant en
cause l’exemplarité de nos démocra-
ties. L’incroyable c’est d’arriver encore
à vivre ensemble. Le film raconte sur-
tout ça… Ainsi que notre indifférence à
cette violence, ou notre capacité à en
détourner le regard. D’ailleurs la pre-
mière réplique de Vincent traduit bien
cet aveuglement, il demande à un de
ses collègues « C’est qui lui ? » en par-
lant du stagiaire qui va le frapper la
scène suivante. Ce « C’est qui lui ? »
va questionner Vincent tout le long de
son périple, va l’obliger à se cogner
à une réalité qu’il ne voulait peut-être
pas voir.
On a le sentiment dans Vincent
doit mourir que le salut ne peut
venir que de la marge ?
C’est entre autres cela que Vincent finit
par découvrir. Les seules personnes à
qui Vincent peut finalement parler sont
un SDF ancien professeur d’université
puis une serveuse un peu marginale
qui habite sur un bateau. C’est un
grand classique du cinéma de complot
que de faire passer le salut par des
personnages à la marge. C’est aussi
une leçon de l’Histoire qui montre sou-
vent que la résistance commence par
des parias, par celles et ceux qui n’ont
rien à perdre. C’est le cas aussi de nos
Sentinelles du film qui ressemblent aux
membres d’un site complotiste. Pour
ce qui est du personnage de Margaux
qui habite sur un bateau, c’est une
réalité ! Il y a des gens qui n’ont pas
15
assez d’argent et qui vivent sur des
petits bateaux ou ailleurs, enfin là où ils
peuvent… L’idée n’est pas de jouer sur
le pittoresque social mais de montrer
que quand on est dans la merde, on
continue de vivre. On vit même des his-
toires d’amour. On les vit d’autant plus
dans un contexte compliqué où on s’en
tient à l’essentiel. C’est aussi ce que va
réaliser Vincent : en se trouvant subi-
tement à la marge, il va retrouver ou
peut-être découvrir ses fondamentaux.
Pickpocket de Bresson s’ouvre sur
un carton disant « Le film est la
rencontre entre deux âmes en
peine ». C’est un peu aussi l’his-
toire de Vincent doit mourir ?
Oui, tout à fait ! D’ailleurs Pickpocket
se termine aussi par une étreinte. Dans
Vincent doit mourir ce qui me plaisait
beaucoup c’était de raconter une his-
toire d’amour qui échappe aux codes
à l’eau de rose. Ce sont des naufra-
gés. Il y a une dimension mythologique
et je tenais à ce que l’image de fin y
fasse écho. Chacun y trouvera ses réfé-
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rences, on peut y voir Orphée, on peut
y voir Antigone, Tirésias… Il y a cette
chose qui fait qu’ils sont là, l’un pour
l’autre. Elle tombe amoureuse de lui
lorsqu’elle voit le désastre qu’est l’exis-
tence de Vincent. C’est ce qui est char-
mant dans le personnage de Margaux :
normalement elle devrait être effrayée
mais c’est au contraire le fait que tout
le monde veuille le tuer qui lui donne
l’envie de se jeter dans ses bras. Mais
est-ce que le film raconte que le salut
se trouve dans l’amour ? Oui et non…
Car c’est compliqué d’aimer. Le film le
montre bien : qu’est-ce que c’est que
de s’attacher à quelqu’un, au sens
propre comme au sens figuré ? La fin
est tout sauf une happy end, c’est une
échappatoire, un moment de répit…
Mais pour combien de temps ?
« En se trouvant subitement
à la marge, Vincent va
découvrir ou retrouver
ses fondamentaux. »
Dans ce film quasiment mental,
la musique joue un rôle impor-
tant. Elle est le reflet de l’humeur
de Vincent, de ses sentiments…
La musique est arrivée extrêmement
tôt car effectivement je pressentais
qu’elle jouerait un rôle crucial dans la
construction du personnage de Vincent
et dans l’architecture du film. Elle a été
composée avant le tournage par John
Kaced qui a écrit la musique de tous
mes courts métrages. Nous avons
commencé par écouter des musiques
avec John : Mahler, Chostakovitch,
des musiques de Carpenter. Des réfé-
rences hétéroclites mais notre intui-
tion nous disait qu’il fallait faire avec
tout ça. Comme le film allait tenter
de jouer avec différents genres, la
musique devait aussi travailler dans
ce sens-là. La musique allait apporter
beaucoup dans la dramaturgie, dans
la ligne narrative. La musique devait
porter le genre, la machine infernale
dans laquelle se trouve piégé Vincent.
Ainsi dès le générique du début, John
devait composer un morceau qui
donne la promesse de quelque chose
d’effrayant, de féroce mais qui serait
contredite par la première scène du
film. C’est ce dialogue avec la musique
qui m’intéressait. Je voulais qu’on tra-
vaille sur des leitmotivs. Le phéno-
mène par exemple, il fallait qu’il ait
son thème et sa fréquence. Certaines
scènes sont presque pensées comme
des scènes d’opéra. Si on enlève la
musique, on enlève une vraie dimen-
sion au film. Prenez un texte d’opéra,
c’est parfois très moyen, mais quand
on ajoute la musique, ça devient tout
autre chose. Dans Don Giovanni, la
phrase du commandeur quand il arrive
à la scène finale c’est : « Don Juan je
t’ai invité à souper et tu es venu ». Dans
le genre terrifiant on a fait mieux ! Vous
rajoutez la musique de Mozart et tout
à coup ça devient quelque chose d’ef-
frayant ! La musique de John apporte
une émotion et une compréhension
du film qui passe au-delà des mots, et
raconte de manière sensible la plon-
gée dans la nuit de Vincent doit mourir.
Entretien réalisé en avril 2023
17
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 Stéphan Castang

Biographie
Né en 1973, Stéphan Castang est cinéaste et comédien. Au théâtre, il a joué
avec Marion Guerrero, Benoît Lambert, Ivan Grinberg ou Thomas Poulard.
Il a travaillé avec la compagnie L’Artifice en tant que comédien (Nam-Bok le
hâbleur, Aucassin et Nicolette) ou dramaturge (Lettres d’amour de 0 à 10,
Molière du spectacle jeune public 2005) et est auteur de textes pour le
théâtre : Boule de gomme, Le Défilé de César, Une divine tragédie (co-écrit
avec Sacha Wolff). Comme cinéaste il a écrit et réalisé plusieurs courts-
métrages dont Jeunesses françaises en 2011, Panthéon Discount en 2016
et Finale en 2020. Il est également chargé de cours à l’Université
Bourgogne-Franche-Comté et à Paris VIII. Lauréat 2021 de la Fondation Gan
pour le cinéma, Vincent doit mourir est son premier long-métrage.

Filmographie
2020 – FINALE
Sélectionné au festival International de Clermont-
Ferrand, Prix du Jury à Off-Courts (Trouville),
Prix du public au Festival Côté Court (Pantin),
Prix spécial du jury (Brussels Short Film Festival).
2016 – PANTHÉON DISCOUNT
Prix du public et prix de la jeunesse au festival
International de Clermont-Ferrand, Prix spécial
du Jury et prix du public du Festival Itinérances
(Alès), Prix du public du Festival du film européen
2015 – FIN DE CAMPAGNE
Sélection au Festival Côté court (Pantin)
2014 – SERVICE COMPRIS
Prix de la meilleure interprétation masculine
au festival d’Aubagne
2011 – JEUNESSES FRANÇAISES
Sélectionné à la Berlinale 2012, primé aux
festivals Côté Court (Pantin), Un festival, c’est trop

© Stef Bloch
court (Nice), Festival européen du court métrage
de Brest, pré-sélection au César 2018 du meilleur (Lille), Prix de qualité CNC, Pré-sélectionné au
court-métrage. César 2013 du meilleur court-métrage.

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22 23
Entretien avec Mathieu Naert
Scénariste
Comment vous est venue l’idée
de Vincent doit Mourir ?
Cette idée, ou plutôt cette névrose, était
liée à mon état d’esprit de l’époque où
je me disais : « Et si, à n’importe quel
moment, quelqu’un devenait fou et
voulait me tuer sans raison ? » Cette
pensée a germé jusqu’à ce que j’abou-
tisse à un scénario, celui d’un type qui
se sent persécuté, il se méfie de tout
le monde et pense qu’on va le tuer.
C’était un postulat loufoque semblable
à celui des mort-vivants de Romero.
Ensuite, le personnage est arrivé. Un
homme lambda, un urbain qui n’a pas
l’habitude de se battre, qui n’est pas
spécialement sportif. Comment réagi-
rait-il à cette situation ? Qu’est ce qui
se passerait dans sa tête ? Je voulais
que ce soit sombre mais que Vincent
sorte de sa petite vie pour se décou-
vrir autrement. J’ai ensuite développé
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le scénario aux résidences Sofilm
de genre avec le soutien de Nicolas
Peufaillit. J’ai compris alors que je vou-
lais traiter de la phobie de l’intimité, tout
était plus évident.
« Je voulais traiter
de la phobie de
l’intimité »
Le film mélange des couches
différentes venant de plusieurs
genres, avec plusieurs tonalités.
Mes histoires sont très sombres,
violentes, sexuelles, adultes, et en
même temps j’y mets un certain
humour noir. Dans le scénario, Vincent
est d’abord quelqu’un d’assez détes-
table. C’est un anti-héros : il bosse dans
la pub, il est complètement inconsé-
quent et immature. Son parcours va le
révéler et le sortir, paradoxalement, de
sa médiocrité. C’est avant tout la satire
d’une génération, urbaine et travaillant
dans le secteur tertiaire, qui ne sait rien
faire de ses mains.
Vincent est pris dans un engre-
nage qui ne cesse de croître.
Comment avez-vous travaillé la
structure ?
Ce qui m’intéressait, c’était de faire se
développer le phénomène progressive-
ment. Il démarre doucement puis petit
à petit se répand. Au début, c’est un
stagiaire du bureau, ensuite un autre
type au travail, puis de plus en plus
de gens. Vincent se met à soupçonner
tout le monde, une névrose commence
à s’étendre comme une maladie. C’est
un peu comme dans The Truman
Show, il y a lui et le reste du monde.
J’ai voulu qu’on reste focalisé sur le
personnage et qu’on puisse toujours se
demander si tout cela n’est finalement
pas que dans sa tête.
Vincent est victime de tous types
de persécutions. Aux agressions
s’ajoute son isolement social…
Ça le rend d’autant plus attachant.
L’une des rares choses que j’ai retenu
de mon école de cinéma, c’est ce qu’un
professeur de scénario m’a dit : « Pour
s’attacher à un personnage, il faut qu’il
ait un maximum de problèmes. » Plus
le personnage a des difficultés, plus
tu t’y attaches, c’est humain. Dans le
cas de Vincent, je souhaitais un per-
sonnage détestable au départ qui
devient par la suite sympathique. Tout
le monde se fiche d’un personnage
parfait qui devient encore plus parfait,
alors qu’un anti-héros qui finit en héros
devient très attachant... D’où l’impor-
tance de l’histoire d’amour car elle per-
met la rédemption d’un homme et sa
redécouverte de lui-même. Il se recon-
necte à ce qui est important et reprend
possession de son corps. Lui qui vivait
dans un monde virtuel, dans la ville,
dans le monde de la pub, se recon-
necte à plein de choses, dont l’amour.
25

« C’est avant tout la satire
d’une génération, urbaine et
travaillant dans le secteur
tertiaire »
En voyant le film, on pense forcé-
ment à la période Covid, est-ce
quelque chose qui a influencé
l’écriture?
Le scénario a été écrit avant la pandé-
mie ! Mais la sensation d’isolement ne
date pas d’hier. Je pense que le confi-
nement a juste exacerbé la manière
dont on vivait déjà avant ! On était déjà
tous devant nos ordinateurs chacun de
son côté. Chacun peut y voir ce qu’il
veut, la souffrance du covid, la cris-
pation politique du pays... On est de
plus en plus seul avec nous-même,
nous n’avons confiance en personne,
26
nous sommes devenus des individus
déconnectés les uns des autres. Tout
le monde est une menace car on ne se
fait plus confiance. Certains diront aussi
que ça parle de l’insécurité. Donc fina-
lement, non, le film n’est pas en rapport
avec la pandémie, mais elle a rendu le
scénario encore plus pertinent.
Il est aussi question de la violence
sociale…
À l’époque où je l’ai écrit, ce n’était pas
du tout volontaire. C’était une idée vis-
cérale, instinctive, pas intellectuelle.
Pour moi, ce n’est pas une histoire
d’« ensauvagement » de la société, c’est
plus profond que ça. Ça parle peut-être
plutôt de solitude. La solitude te fait
devenir paranoïaque et méfiant. Tous
les forcenés que l’on voit dans les faits
divers, ce sont des gens qui sont com-
plètement seuls. Notre société crée de
la solitude de manière industrielle, et on
en récolte les fruits.
Avez-vous eu des références pour
ce film ?
La première c’est John Carpenter,
c’est grâce à lui que je suis venu au
cinéma. Si je n’avais pas regardé
L’Antre de la folie et The Thing à
14 ans, je ne serais pas là. Ça a
été un choc. J’aime tellement son
cinéma que je n’ai pas beaucoup de
recul dessus. ça infuse forcément
dans mon travail. Il y a aussi évi-
demment George Romero, c’est lui
qui a inventé ce genre. Buñuel m’a
aussi beaucoup influencé par cette
manière qu’il a d’utiliser le fantas-
tique de manière très subtile. Dans
L’Ange exterminateur le postulat fan-
tastique est quasiment invisible. Il y
a juste une petite dissonance qui est
d’autant plus perturbante qu’on se dit
que ça pourrait nous arriver. L’idée
fantastique c’est que les gens ont un
blocage mental.
Vincent doit mourir, mais
pourquoi ?
Parce qu’il doit renaître !
Entretien réalisé en avril 2023
Mathieu Naert
Biographie
Né à Paris, Mathieu Naert est réalisateur,
scénariste et comédien. En 2006, après
un passage par l’ESRA, il réalise son
premier court métrage. La même année
il est un des lauréat du concours Sopadin
junior pour son premier scénario de long
métrage. Entre 2013 et 2018, il réalise
plusieurs courts-métrages qui explorent
le drame, le thriller et le fantastique.
En 2018 le scénario de Vincent doit mourir
est un des lauréats des résidences Sofilm
de genre. Il a depuis écrit Lionel meurt à la
fin, sorte de suite spirituelle et thématique
de Vincent doit mourir, et a réalisé
Submersibles, un court sur le thème d’une
histoire d’amour folle et perverse, qui
commence son parcours en festivals.
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 Karim Leklou

Karim Leklou apparaît pour la première fois au cinéma dans Un Prophète de

Jacques Audiard en 2009. Entre 2011 et 2013, il poursuit le chemin du cinéma
d’auteur en imposant sa présence chez Bouli Lanners (Les Géants) ou Rebecca
Zlotowski (Grand Central). Son rôle principal dans Coup de chaud de Raphaël
Jacoulot (2015) marque un premier tournant, puis il retrouve Tahar Rahim (son
partenaire de jeu dans Un Prophète) pour Les Anarchistes d’Elie Wajeman
(2015), Réparer les vivants de Katell Quillévéré (2016) et Joueurs de Marie
Monge (2017).
En 2018, la carrière de Karim Leklou se confirme avec Le Monde est à toi de
Romain Gavras, rôle pour lequel il est nommé au César du Meilleur Espoir
masculin. Il est la même année l’un des protagonistes de la série Hippocrate
de Thomas Lilti. Depuis 2020, Karim Leklou poursuit dans le cinéma d'auteur,
récemment Un Monde de Laura Wandel ou Goutte d'or de Clément Cogitore,
tout en se diversifiant avec des rôles plus physiques comme La Troisième
Guerre de Giovanni Aloi et Bac Nord de Cédric Jimenez. Son rôle dans Vincent
doit mourir se situe à la lisière de ces deux mondes.

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 Vimala Pons
Artiste de cirque et actrice, Vimala Pons entame des études d'Histoire de l'Art,
puis d'Histoire du Cinéma avant d'intégrer la Classe Libre du Cours Florent
et d'enchaîner sur des formations au Conservatoire National Supérieur d'Art
Dramatique de Paris au Centre National des Arts du Cirque. Depuis 2013, elle
évolue devant la caméra d'une nouvelle génération de cinéastes indépendants
(Antonin Peretjatko, Bertrand Mandico, Thomas Salvador, Lucie Borleteau,
Sébastien Betbeder) et de figures de proue du cinéma d'auteur (Philippe
Garrel, Jacques Rivette, Alain Resnais, Paul Verhoeven, Christophe Honoré).
Parallèlement, Vimala Pons met en scène des spectacles performatifs de cirque
avec la collaboration de Tsirihaka Harrivel notamment GRANDE en 2017 et
Le Périmètre de Denver en 2022 dont découlent les projets musicaux Victoire
Chose (Murailles Music / Teenage Menopause Records) et Eusapia Klane
(Wariorecords / Kythibong). Elle confirme son appétence pour le cinéma de
genre et les univers singuliers en interprétant Margaux dans Vincent doit mourir.

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 FICHE ARTISTIQUE
Vincent..................................Karim Leklou
Margaux.................................Vimala Pons
Le Père............................François Chattot
Joachim...............................Michaël Perez
Yves.................................Emmanuel Vérité
Le Facteur.................Guillaume Bursztyn
Le Policier.........................Benoit Lambert
Le DRH........................Jean-Rémy Chaize
Motard 1.................................Maurin Olles
Motard 2................Jean-Christophe Folly

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 FICHE TECHNIQUE Producteurs.................................Thierry Lounas,
Claire Bonnefoy
Réalisation................................Stéphan Castang Production.............................................Capricci,
Scénario.........................................Mathieu Naert Bobi Lux
Adaptation et dialogues..............Mathieu Naert, Coproduction.....................Arte France Cinéma,
Dominique Baumard, Gapbusters
Stéphan Castang En association avec..........................Goodfellas,
Photographie............................Manuel Dacosse Avec la participation de..........................Canal +,
Musique.............................................John Kaced Ciné +
Son....................................................Dirk Bombey Avec l’aide de..........CNC - Avance sur recettes,
Émilie Mauguet, Eurimages,
Xavier Thieulin Centre du cinéma et de l’audiovisuel
Montage.........................................Méloé Poillevé de la fédération Wallonie Bruxelles
Costumes.................................Charlotte Richard Avec le soutien de.......................Fondation Gan
Maquillage...............................................Pia Quin, pour le cinéma,
José Luis Blasco Cofinova 19,
Décors.................................Samuel Charbonnot, Région Auvergne-Rhône-Alpes,
Aurore Benoit, Région Pays-de-la-Loire,
Lucie Poichot Procirep-Angoa
Régleur cascades............................Manu Lanzi Ventes internationales.......................Goodfellas

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