psychés en référence à l’une de ses divas, Nico et à sa chanson :
I’ll Be Your Mirror.
© 2009
« Va(r)nish Dead People »
« Miroir, mon beau miroir, dis-moi qui est la plus belle…»
Seulement voilà, le miroir ne répond plus. Un filtre opaque
s’est emparé de sa surface polie. Il y en a trop des belles. Elles
fleurissent – et fanent – sur tous les médias, tous les supports.
Ecrans en tous genres, cinéma, télévisions, téléphones dernier
cri, Mac, PC ou plasma, voici que toutes les surfaces se mettent
à diffuser leur reine et leur princesse. Le miroir en a eu assez,
dépassé par les évènements, à moins… qu’il n’ait décidé,
derechef, de quitter ce vieil objet désuet pour se faufiler dans
ces écrans, ces affiches, ces publicités. Toutes ces façades qui
exploitent la crédulité et la vanité. Tous ces vernis…
Ideal Chorus , le satin blanc élimé dessine des interprètes
chantants, bouches ouvertes. Ce groupe idéal rassemble
diverses chanteuses aux carrières et styles hétéroclites, pour
certaines déjà décédées, en un chœur idéal ne pouvant qu’être
complètement dissonant. Le tissu est abîmé au moyen d’une
aiguille, délicatement, pour ne pas le traverser ; l’usure laisse
apparaître un léger volume pelucheux dessinant les visages
de ces personnalités, encadrées dans des psychés. Oh, vanités
fantomatiques… L’échos de leurs voix à travers ce vernis
délavé : monochrome blanc, peinture désenchantée de divas
désincarnées ne survivant que dans cette improbable mise en
scène aphone. La vision du motif est une part importante de
ce travail ; selon l’angle de vue, le regardeur perçoit les images
en un positif/négatif et non en une picturalité mimant la chair,
sorte d’apparition sur la lisse surface chatoyante du tissu. Le
rapport à la carnation disparaît, le corps n’est présent que par
sa représentation, plate et superficielle. Le cadre des miroirs,
baroque au demeurant, fait allusion aux lourds cadres dorés
de la peinture classique. Et puisque tout le travail d’Aïcha
Hamu opère de subtils renvois entre ce qui est montré et leur
représentation, il est vraisemblable que l’artiste ait choisi ces
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Sur ces satins usés, gît la question de la surface où se meut
Aïcha Hamu. Son espace est le glacis des peintres anciens.
Alors toujours cette question de la peinture et encore cet
écho… Vélasquez et sa Vénus .
Le miroir comme surface, le satin comme aire sur laquelle
quelque chose se révèle. Une toile qui n’en est pas une, une
Vénus qui n’en est pas une, une peinture qui n’en est pas une,
un dessin qui n’en est pas un non plus. Citations. C’est un re,
un énième. L’usure sur satin convoque le rapport au dessin.
Cependant, selon les termes de l’artiste, on parle de « non
dessin », dans le sens où il n’est pas académique. En effet,
les images sont projetées sur le tissu. La technique même du
dessin est évincée : le support est une toile et la projection
rappelle la camera obscura des peintres.
Sur la blancheur, la série Shakes joue de tremblement,
dessins parkinsoniens qui se décalent en surface du papier.
Là encore, le dessin est un moyen de recomposer des images,
au même titre que l’a été la chronophotographie au début
du 20ème siècle, et qui a inspiré le célèbre Nu Descendant
l’Escalier  de M. Duchamp.
La broderie est une surface aussi, sorte de métaphore de la
peinture. Sans Titre , propose des broderies sur un matelas
en une forme surajoutée, reprise des Anthropométries
d’Yves Klein. Plusieurs remarques quant à cette œuvre : le
matelas lui-même est déjà orné d’un motif floral faisant échos
au walldraw de l’artiste et à cet univers baroque qui lui, résonne
avec la peinture et la décoration. Le matelas est accroché au
mur et ce renversement fait penser aux actes des peintres
du Nouveau Réalisme (dont Yves Klein est l’instigateur) ; ou
encore à la figure emblématique de Pollock et de ses dripping
avec ce geste symbolique du renversement de la toile. Il est
clair qu’Aïcha Hamu cite les Nouveaux Réalistes, en marquant
toujours cette impossibilité de peindre par la présence de la
mort, de la décomposition : la toile virginale de Kandinsky
s’est transformée en un matelas où l’acte d’amour entre le
peintre et la peinture a été consommé. Date de péremption.
Cette œuvre hurle la mort de la l’art pictural symbolisée ici
par la broderie qui se transforme en asticots grouillants sur
un cadavre, celui de la mariée… Le « ici et maintenant » est
remplacé par « ce fut ici et ça n’est plus ». C’est l’angoissante
question : suite à Duchamp, comment décemment peindre
encore ?
Cet acte érotique, puisque l’érotisme est un « isme » de l’art,
est le corollaire de la mort qui ensemble forment le vernis
glacé de l’œuvre d’Aïcha Hamu. Hyphen qui représente
des chamans en transe nous parle de ce double aspect de
l’érotisme, également partagé par G. Bataille qui gardait
toujours avec lui la terrible photographie d’un supplicié
chinois, entre mort et extase. Il disait y voir l’expression
parfaite de l’éros. C’est ce qui est convoqué dans ces images,
frôlant l’invisible et touchant à la connexion entre les vivants
et les morts, la jouissance et la souffrance…
De cet érotisme inséparable de la question de l’attraction,
Aïcha Hamu exalte la séduction par un double jeu plastique
et iconographique. Les matières sont choisies pour leurs
connotations sensuelles et leur lien au corps – qui du reste,
est absent. Toutes les représentations de femmes convoquées
dans l’œuvre de l’artiste le sont pour cette idée du summum
de la séduction, de femmes fatales – et tragiques : divas,
actrices, mannequins. Si le travail d’Aïcha Hamu est envisagé
comme un lavis, le rouge lui, s’éternise, puissant évocateur
de la passion, de la beauté et de la féminité. Les bouches sont
rouges , les étoffes de la pièce Dream That Money Can Buy
, le sont aussi. Certaines installations se déploient dans
des demeures et lieux luxueux. Des draps ruissellent d’une
fenêtre tel un torrent de flux menstruels. Le lit, lieu du sexe
et de l’amour mais aussi du sommeil et de la mort, mêle sa
signification au carmin : déflorer la jeune vierge ou princesse
est-ce s’en prendre à la peinture ? La mariée est mise à nue,
défraîchie, usée et non peinte, sorte de désaveu de l’artiste
quant à ses envies de peinture et son impossibilité même
de réalisation. Cette idée est développée différemment dans
une autre œuvre Step Back . Ici encore, les strates de lecture
s’accumulent entre détournement d’une facture publicitaire
aux relents Pop de Lichtenstein et ces sanglants pompons
textiles propres à l’univers de l’artiste.
Capté et ravi, notre regard se laisse prendre au piège que
sont les œuvres de l’artiste. Plastiquement réussi, son travail
tente de nous y faire croire… Jusqu’à ce que nous y regardions
à deux fois : voici qu’apparaît la contrefaçon ! Un mauvais
raccord a été repéré, l’angle de vue vient de changer, c’est
une autre saisie du réel. La fausse note, l’accro en leur surface
entachent ces simulacres glamour. Aïcha Hamu joue des
images et de ce qu’elles véhiculent. Elles sont accessibles ?!
Qu’à cela ne tienne, saisissons les !
Et en effet, pour recomposer ses œuvres elle va chercher son
inspiration et glaner les icônes de son évènement plastique
dans le réservoir collectif d’images qu’est Internet. C’est dans
ce lieu atopique, utopique, qu’elle va emprunter des visuels
tous aussi ressassés les uns que les autres. Le web, espace-
dépôt, mémoire collective, encyclopédique et universelle
devient donc le vecteur conceptuel de son travail. Les
recherches historiques qu’elle effectue, l’iconographie qu’elle
se réapproprie, les logiciels gratuits dont elle se sert forgent
sa démarche artistique qui n’est pas sans rapport avec celle
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du Pop Art dans ce lien à la publicité, aux images phares et au
média de diffusion dont l’Internet semble être un aboutissement.
Cependant, c’est un Pop Art délavé. « Plus blanc que blanc »,
Brillo , la lessive de Warhol a fait son œuvre, voici les années
90 !
La publicité, la tradition, la mode, la star, la femme, le chic, le
glamour, le graphisme, le kitch sont les critères de sélection de
ces images empruntées au « déjà-vu ». Il y a dans toute l’œuvre
un rapport aux stéréotypes : l’esthétique baroque est attirante
mais frôle le cliché, un peu comme un téléfilm plein d’effets, trop
d’effets ou une excellente série Z.
Consommable, consumable, customisable, ses œuvres font acte
de gimmicks, Aicha Hamu sample les images de notre quotidien
en une mise en scène qui relave leur identité première. Dans ce
préfixe re il y a l’idée de répétition, de retour à un état antérieur,
d’appuyer la notion à tel point que « re ! », dans le langage,
est devenu un substitut à un autre « bonjour ». Ici, l’artiste
reprend des images déjà existantes, éculées, passées et qui par
son truchement se retrouvent convoquées dans un présent et
fonctionnent comme un référentiel plastique. Cette idée du re est
également un clin d’œil au mix musical ou au cinématographique
remake et cela tombe bien puisque ce sont les principales
sources de l’artiste. Il s’agit de remasteriser les images, de les
« re quelque chose »… Cette méthode de travail nous amène
à l’idée de recomposition d’un paysage culturel analogique aux
paysages que pouvaient construire les peintres dans leur atelier,
avant l’apparition du tube de peinture.
Dans son œuvre, le rapport à l’image est assez énigmatique.
En effet, toutes séduisantes qu’elles soient, nous pouvons nous
poser la question de leur raison d’être, de leur fondement ?
Finalement, comment l’ombre du Comte Orlock de Nosferatu en
dentelle arrive t’elle à jouxter une image de J.F.K. brodée sur
skaï . Le rapport n’est pas évident à la première lecture et il
serait facile de tomber dans le piège des images et de l’artiste
: ne sont-elles pas seulement prétexte à faire des œuvres ou
encore d’autres images ?

Ideal Chorus, installation : usure sur satin blanc, bois,
mousse, peinture, dimensions variables, 2008.
I’ll Be Your Mirror, Nico and the Velvet Underground, 1967.
La Vénus au Miroir, Velasquez, huile sur toile, 122,5 x 177
cm, environ 1650.
Shakes, série de dessins : mine de plomb sur papier,
dimensions variables, 2008.
Nu Descendant l’Escalier, Marcel Duchamp, huile sur toile,
146 x 89 cm, 1912.
Sans Titre, broderie au point de poste sur matelas, 140 x
200 cm, 2005.
Anthropométrie de l’Epoque Bleu (ANT 82), Yves Klein,
pigment pur, résine synthétique sur toile, 155 x 281 cm, 1960.
Hyphen, série : empreintes d’images sur transcryl entre
deux plaques de verre encadrées, 72,5 x 93 cm, 2008.
The Love and Terror Cult, vidéoprojection, dimensions
variables, 2007.
Dream that Money can Buy, installation : usure sur satin
rouge, 2008.
Step Back, impression sur papier marouflé, tissu, 290 x 200
cm, 2008.
Boîte de Savon Brillo, boîtes de contre-plaqué avec
sérigraphie et acrylique, 43,2 x 43,2 x 35,6 cm chacune, 1964.
Nosferatu, dentelle noire, 1200 x400 cm, 2004.
Shooting (the Single Bullet), broderie sur skaï, capiton,
mousse, bois, 70 x 167 x 15, 2008.
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Voici l’article REVµ :
« Va(r)nish Dead People »
autour d’Aïcha Hamu.
REVu est un format hybride entre revue et objet
d’art ! REVu, un espace de création, de réflexion
critique et analytique.
Né de rencontres, REVu, est un projet éditorial
plastique, artistique et critique composée autour de l’art
contemporain.
REVu se construit autour et avec les rencontres.
Ses entrevues - parcours à entrées multiples où se
croisent le dessin, la peinture, le volume et autres
formes plastiques - sont l’occasion d’échange, de
questionnement, de débat
Ce qui nous intéresse c’est ce que disent les artistes.
Ce que nous proposons, un article critique, analytique,
une revue hybride où, sur deux faces, dialoguent l’œuvre
et le texte.
Nous ne nous voulons pas sentence - cette veine critique
n’est définitivement pas la notre.
Pour autant, notre engagement vis à vis de l’art et des
artistes est bien réel : notre volonté de nous tenir à l’écart
du milieu marchand de l’art (la revue est disponible en
une centaine d’exemplaires à votre libre disposition et nos
écrits, via notre site), notre ligne directrice d’indépendance,
nos choix esthétiques mais aussi, simplement, notre
existence (associative) face aux différents monstres et
piliers, commerciaux ou non, du monde de l’art actuel.
REVu est un univers diaphane, délicat, qui se pose - un
regard - sur l’œuvre d’un l’artiste.
C’est une édition confidentielle qui demande une
attention de votre part, lecteurs. Cette attention, c’est
votre regard, votre curiosité, vos impressions. Cette
attention, c’est ce qu’a toujours demandé l’art ; c’est la
condition pour l’appréhension d’une œuvre. De cet égard
nait le dialogue qui donne à l’art son sens : sa formidable
capacité d’éveiller en vous, en nous, le trouble, les
émotions, les réflexions, les questionnements, ... quant à
notre contemporanéité.
Association REVµ - 6 rue Cerisaie, 92700 Colombes
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