Faîtes-Vous Plaisir À La Batterie

Sommaire
Préface 3
Introduction 4
1 - Découverte de la batterie 9
2 - Quelques conseils matériels supplémentaires 14
3 - Les 2 secrets des plus grands batteurs 21
4 - Les 10 conseils essentiels pour progresser rapidement 23
5 - Combien de temps s’entraîner pour progresser efficacement ? 28
6 - Les douleurs liées à la pratique de la batterie 30
7 - Les bases du solfège rythmique 32
8 - Confiance en soi et gestion du stress : surmonter la peur de jouer en public 37
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Contenu délivré gratuitement par le site academiepuchol.fr.
Toute reproduction, modification, vente, ou inclusion dans une offre commerciale est interdite.
Préface
J’étais alors professeur de percussions au conservatoire de Digne lorsque je

rencontrais Serge Puchol pour la première fois. Il devait avoir 14 ou 15 ans. Dans la
classe, il s’est très vite démarqué par son attention et sa capacité de travail.
Comme il souhaitait s’orienter vers la batterie, et que je ne pouvais enseigner cette

spécialisation dans mon établissement, je l’ai intégré à des cours particuliers. En peu
d’années, il avait acquis un niveau tel, et gardé intacte une envie de progresser, que je
lui ai recommandé de rejoindre un cycle d’enseignement répondant à ses objectifs. À
l’époque, seule une école de batterie parisienne me paraissait proposer ce niveau
d’excellence qu’il recherchait.
Malgré les nombreux obstacles liés à ce choix, il n’a pas hésité à suivre mon conseil et
s’est inscrit dans la capitale. Parallèlement à un travail alimentaire, il a donc suivi tout
le cursus d’apprentissage de l’instrument. Jusqu’au professorat.
Le diplôme acquis, il crée son école à Avignon en 1989 qui, très rapidement, devient
une référence grâce à une pédagogie sans cesse affinée par l’expérience. L’écriture de
quatre volumes pour l’apprentissage de la batterie, fruits de cette expérience
d’enseignant, à confirmé l’engagement sans faille de Serge.
Invité chaque année à faire partie du jury pour les examens de ses classes, je n’ai eu
de cesse de constater la qualité de sa pédagogie par les brillantes prestations des
élèves, dont certains deviennent des batteurs prestigieux et recherchés.
Ces cours s’inscrivent dans la voie de ce parcours exemplaire. Ils ne peuvent que
satisfaire les passionnés de cet instrument ouvert à toutes les musiques.
Jacques Lair,
À Digne, le 16 Avril 2019.
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Introduction
Démarrer ou reprendre la batterie après des années de pause n’est pas toujours évident.
Beaucoup de questions et de croyances limitantes peuvent ralentir ton projet, et ta
passion.
En 30 années d’enseignement de la batterie, J’ai vu passer des milliers d’apprentis

batteurs. Et j’ai remarqué que la plupart de mes élèves se posent exactement les mêmes
questions :
● Suis-je trop vieux pour démarrer la batterie ?

● Dois-je faire du solfège avant de jouer ?
● Mon budget me permet-il d’acheter une batterie ?
● De quel matériel ai-je vraiment besoin ?
● ...
C’est pour tenter de répondre à toutes ces questions que Victor et moi avons écrit ce
guide : “Faites-vous plaisir à la Batterie”. Nous souhaitons te donner toutes les clés pour
découvrir ce fabuleux instrument qu’est la batterie.
Dans ce document, nous partageons nos meilleurs conseils. Bien sûr, chacun est
différent et devrait recevoir des conseils adaptés. Mais on ne te connaît pas encore
suffisamment pour cela. Peut-être que cela changera… Qui sait 🙂
Si tu cherches une recette miracle pour te transformer en Dave Weckl en quelques
heures, alors j’ai une mauvaise nouvelle : ce n’est pas ici que tu vas la trouver.
Et pour être honnête, tu ne la trouveras nulle part. Il n’existe pas de recette magique. La
seule chose qui fait la différence à long terme, c’est ta motivation et ta régularité.
Mais…
Dans ce guide, je vais te partager de vrais conseils. Ceux que j’ai l’habitude de donner en
cours pour aider mes élèves, à progresser plus rapidement vers leurs objectifs. Tout en
se faisant plaisir.
Des conseils qui t’aideront, toi aussi, à devenir un(e) meilleur(e) batteur ou batteuse. À
coup sûr.
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Qui sommes-nous ?
L’Académie Puchol est une école en ligne créée par Serge Puchol et Victor GILLES.
Serge PUCHOL (à gauche) : Batteur

et professeur de batterie depuis 1989.
J’ai formé plus de 1000 élèves dans
mon école à Avignon avec la méthode
que j’ai créé : la Méthode Serge
Puchol.
Certains anciens élèves sont

aujourd’hui des batteurs
professionnels. D’autres enseignent à
leur tour.
Victor GILLES (à droite) : C’est l’un de mes anciens élèves. Il a commencé à l’âge de 5
ans et a suivi mes cours pendant 10 ans. En 2019, il m’a contacté pour créer une chaîne
Youtube, convaincu que ma méthode pourrait aider des milliers de batteurs à progresser
et vivre leur rêve. C’est ainsi que l’Académie Puchol est née.
Je passe rapidement les présentations mais si tu veux en savoir plus sur mon parcours, je
t’invite à visiter la page “Qui sommes-nous”.
Tu y découvriras notre équipe au complet, mon parcours, ainsi que l’histoire de l’école. Tu
découvriras mes débuts à la batterie…….. mouvementés 😅
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La Méthode Serge Puchol ?
Lorsque j’ai commencé à enseigner, en 1989, je n’étais pas satisfait des méthodes de
batterie existantes. Certaines méthodes n’étaient pas assez complètes. D’autres étaient
beaucoup trop difficiles et fastidieuses.
J’ai donc décidé de créer ma propre méthode. Ce fut le travail de plusieurs années, mais
je suis fier et satisfait du résultat : mes élèves étaient ravis et se sont mis à progresser
rapidement.
J’ai créé un chemin d’apprentissage complet et très progressif. De parfait débutant à

professionnel.
L’idée est de te proposer une formation solide et très progressive. Pour t’aider à
progresser rapidement, sans te confronter à une difficulté démotivante. Et surtout,
l’objectif est que tu te fasses plaisir à chaque instant.
Avec ma méthode, tout y passe.
- Position, tenue de baguettes, technique de caisse claire.

- Etude du solfège rythmique, avec des exercices ludiques (pas de leçons
théoriques ennuyeuses).
- Étude de tous les styles de musique.
- Travail d’indépendance et de coordination.
- Etude de solos des plus grands batteurs : Elvin Jones, Steve Gadd, Tony Williams,
Billie Cobham, Max Roach, et bien d’autres…
L’Académie Puchol ?
À l’origine, ma méthode était composée de 4 livres, utilisés pour mes cours. Certains
professeurs l’utilisaient aussi pour leurs propres cours.
Mais depuis 2019, nous avons recréé toute ma méthode en vidéo, pour que chacun
puisse la suivre à distance et à son rythme.
Au total, c’est 356 vidéos de cours. Pour aborder tous les sujets, dans le bon ordre, au
bon moment. Il y a de quoi t’occuper pour un bon moment !
Je t’en reparlerai en temps voulu 😉
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Pourquoi tout ce contenu gratuit ?
Comme expliqué plus haut dans cette introduction, nous sommes passionnés par la
batterie et souhaitons partager nos savoirs pour aider un maximum de personnes à
progresser.
Mais on ne va pas te mentir, il y a bien une raison pour laquelle nous distribuons ces
leçons gratuitement…
Après avoir parcouru nos cours gratuits, il est fréquent que des élèves nous contactent
car ils veulent aller plus loin et suivre nos cours en ligne payants.
En quelque sorte, les cours gratuits sont un avant goût de nos cours payants.
Ils te permettent de te faire une idée de la qualité de notre enseignement. Si tu aimes

notre travail, tu es le/la bienvenu(e) au sein de l’école.
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1 - Découverte de la batterie
La place de la batterie dans la musique

La batterie est un instrument de musique apparu entre la fin du XIXe et le début du XXe
siècle aux Etats-Unis. Dans des circonstances un peu floues, un musicien à décidé de
s’asseoir et de ramener à lui le jeu de plusieurs percussionnistes. A l’époque, dans les
marching band, les fanfares militaires, les musiciens étaient spécialisés : certains
jouaient de la grosse caisse, d’autres du tambour, ou encore des cymbales.
Au sein d’un groupe de musique, la batterie est essentielle. Il est vrai que tous les
instruments ont leur place. Au niveau des mélodies, les instruments à cordes, les claviers,
les instruments à vents sont capitaux. La basse et la contrebasse, qui font le lien entre la
mélodie et le rythme, sont très importantes également. Mais la batterie apporte de
l’énergie, l’envie de taper du pied, que ne donnent pas forcément les autres instruments.
Au départ, le rôle de la batterie est de marquer le tempo, faire respirer la musique. Elle
sert également à annoncer les changements dans la musique (comme les passages de
refrains à couplets par exemple). C’est ce que l’on appelle les breaks. Ils donnent plus de
vie au morceau.
Suivant les styles de musique, le rôle du batteur est différent. Lorsqu’il accompagne un
chanteur, en variété ou en rock par exemple, le batteur doit savoir être sobre. Il doit rester
simple, efficace.
Dans d’autres styles, comme le jazz ou le jazz-rock, il n’est pas rare que le batteur ait une
place différente. Son rôle n’est alors plus de marquer le tempo, mais d’improviser des
phrases au même titre que les autres solistes. Il peut alors développer une certaine
créativité.
Depuis quelques années, la batterie apparaît également dans des styles nouveaux,
comme les rythmes brésiliens ou afro-cubains, avec un jeu assez dynamique.
→ Voir la vidéo sur l’histoire de la batterie

→ Voir la vidéo sur la place de la batterie dans la musique
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Présentation de la batterie
Comme son nom l’indique, la batterie est un instrument qui regroupe plusieurs éléments :
caisse claire, tambours, cymbales...
Au fil du temps, la composition d’une batterie n’a cessé d’évoluer et peut varier selon les
musiciens et les styles de musique. Certains privilégient une composition minimaliste
avec une grosse caisse, une caisse claire et une cymbale. D’autres préféreront un
assemblage plus complexe avec une multitude de toms et cymbales.
Aujourd’hui nous allons te présenter une composition de batterie standard, que l’on
retrouve le plus souvent sur scène, et qui offre au batteur de très bonnes possibilités
pour exprimer son art.
Batterie disposée pour un droitier Batterie disposée pour un gaucher
La caisse claire est située au centre de la batterie. Elle est la pièce maîtresse de
l’instrument.
Viennent ensuite s’ajouter trois toms. Le tom alto, le plus aigu, le tom médium, un peu
plus grave, et le tom basse, encore plus grave. La grosse caisse est le son le plus grave
de la batterie. Elle se joue avec un pied.
Puis arrivent les cymbales : la ride, la cymbale principale, la/les crash(s), qui servent à
ponctuer le jeu, et la charleston qui peut se jouer avec le pied et avec les baguettes.
→ Voir la vidéo sur la présentation d’une batterie
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Deux types de batteries
Il existe deux types de batteries. Les batteries acoustiques, comme présentées dans
l’illustration ci-dessus, et les batteries électroniques.
Les batteries électroniques ont pour avantage de prendre moins de place et de faire
moins de bruits. Les sons sont générés artificiellement sur un amplificateur ou dans un
casque. Seuls les sons du contact entre les baguettes et les pads sont audibles. Si tu
habites en appartement, une batterie électronique peut être une très bonne solution.
En fonction du contexte, une batterie électronique peut être également intéressante.

Pour doser le volume sonore, ou mieux s’adapter à l’enregistrement studio par exemple.
Toutefois, lorsque cela est possible, nous conseillons de privilégier une batterie
acoustique. C’est avec ce type de batterie que chaque batteur pourra développer sa
propre personnalité et jouer sur les sonorités. De plus, si tu sais jouer sur une batterie
acoustique, tu sauras jouer sur une batterie électronique. L’inverse n’est pas forcément
vrai.
→ Voir la vidéo sur les deux principaux types de batterie

→ Voir la vidéo sur les techniques pour réduire le volume sonore de votre batterie
acoustique
Qu’est-ce qu’une jazzette ?

Une jazette est tout simplement une batterie acoustique, de dimensions plus petites
qu’une batterie acoustique standard.
L’objectif étant de générer un son moins important afin de ne pas couvrir les autres
membres d’un groupe de jazz, et notamment la contrebasse.
C’est dans la lignée de batteurs comme Max Roach ou Kenny Clarke, que le jeune Tony
Williams, dans les années 1960 a popularisé la jazzette.
La jazzette est donc particulièrement adaptée au jeu en formation jazz (trio, quartet,
quintet), mais aussi pour jouer dans des lieux clos et restreints : bars, restaurants...
Si tu as la possibilité d’installer une batterie acoustique chez toi, mais que tu souhaites
limiter le volume sonore généré, la jazzette sera peut-être un compromis intéressant
pour toi.
→ Voir la vidéo de comparaison entre une jazzette et une batterie standard
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Quel budget pour démarrer ?
S’il y a bien un conseil que nous donnons à toute personne qui souhaite apprendre la
batterie, c’est de ne pas sous-estimer l’importance d’avoir un bon matériel.
Tu peux trouver des batteries neuves d’entrée de gamme entre 200 et 300€. Mais nous
conseillons d’éviter ces modèles. Par expérience, tu seras déçu. Batterie incomplète,
qualité sonore médiocre, matériaux bas de gamme, durée de vie très limitée…
Si tu veux vraiment te faire plaisir en jouant à la batterie, tourne toi vers les vers les
grandes marques : Gretsch, DW, Tama, Sonor, Pearl, Yamaha... Garde à l’esprit qu’une
bonne batterie acoustique neuve coûte environ 1000€.
Si ton budget est limité, il est possible de trouver de bonnes occasions autour de 500€. Il
vaut mieux une bonne batterie d’occasion qu’une mauvaise batterie neuve.
La règle est la même pour les batteries électroniques. Il faut prévoir environ 500€ mais le
prix peut s’élever jusqu’à plusieurs milliers d'euros. En fonction du prix évolueront : la
solidité, la qualité du son, du toucher, la possibilité de nuancer le jeu…
Plusieurs marques proposent des batteries électroniques de qualité. Mais selon moi, c’est
Roland qui propose les meilleures batteries électroniques. Le budget est un peu plus
élevé qu’ailleurs, mais ça vaut vraiment le coût.
→ Voir la vidéo sur le choix de votre batterie et le budget
Est-il obligatoire d’acheter une batterie dès le

départ ?
La réponse est non.
Au départ, un pad, et une paire de baguettes suffiront pour commencer à avoir les
sensations de frappe, apprendre le solfège rythmique et la technique rudimentaire.
La caisse claire étant l’élément principal de la batterie, le travail au pad est

indispensable pour progresser (que tu achètes ou non une batterie). C’est avec celui-ci
que tu travailleras ta technique et ta souplesse.
De fait, si tu commences en jouant uniquement au pad, ton travail sera transposé, plus
tard, à la batterie, mais tu ne perdras pas ton temps.
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Si tu n’es pas certain de ta passion pour la batterie, un budget inférieur à 100€ peut
suffire pour commencer et essayer.
Néanmoins, il semble important de préciser que, sans batterie, tu seras rapidement

limité dans ton jeu et ta progression. Tu risques également de t’ennuyer. Si tu n’as pas
la possibilité de jouer de temps à temps sur une vraie batterie (chez des amis, dans une
école de musique etc…), tu devras assez rapidement envisager d’investir dans l’achat
d’un instrument.
Pourquoi s’entraîner avec un pad ?

Il faut se rendre compte que l’élément principal d’une batterie est la caisse claire. Tous
les rudiments et les phrases que tu vas distribuer sur les toms de ta batterie
s’apprennent dans un premier temps à la caisse claire.
Aussi, la qualité du son généré par une batterie dépend de la qualité de frappe du
batteur. C’est un élément clé de succès.
Et, pour avoir une bonne frappe, il n’y a pas de miracle. Il faut passer du temps à
s'entraîner. Idem pour améliorer la souplesse de vos poignets qui te permettra
d’accélérer par la suite.
Cependant, la batterie génère un volume sonore très important, qui peut être fatiguant à
la longue. C’est là que le pad entre en jeu. Il est le parfait allié pour travailler dans un bon
confort auditif. Tu n’auras pas besoin de casque, tu joueras sans (trop) déranger ton
entourage, et tu pourras facilement jouer avec un métronome.
Enfin, le pad est léger, et peut être emmené partout avec toi (en vacances, en tournée
etc…). tu auras donc la possibilité de t’entraîner dans n’importe quel contexte.
→ Voir la vidéo sur le pourquoi et le comment du pad
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2 - Quelques conseils matériels
supplémentaires
Comment monter ta batterie ?

Tu viens d’acheter une batterie et tu es un peu perdu(e) pour l’installer ? Tu es gaucher
et ne trouves que des tutos pour installer ta batterie en droitier ?
Voici quelques conseils :
Dans un premier temps, ne t’inquiète pas trop des réglages. Le plus important est que
tous les éléments soient au bon endroit. Nous verrons les ajustements après.
1. Installe un tapis ou un carré de moquette au sol (4m²), afin que ta batterie ne

glisse pas lorsque tu joueras de la grosse caisse.
2. Positionne ta grosse caisse au centre du tapis, et règle les pieds. Parfois tu

auras la possibilité de sortir des petites pointes au bout des pieds.
3. Place la pédale de grosse caisse, et visse la machoire pour que la pédale ne

puisse pas bouger.
4. Place la caisse claire sur son pied, et positionne le pied (à gauche de la grosse
caisse pour les droitiers, et à droite pour les gauchers).
5. Place le tom alto, juste au-dessus de la caisse claire.
6. Place le tom médium, à côté du tom alto (à droite pour les droitiers, et à gauche
pour les gauchers).
7. Évite que les toms altos et médiums ne soient trop écartés, et trop inclinés. Ils
doivent être le plus à plat possible.
8. Place votre tom basse, en dessous du tom médium (à l’opposé de la caisse

claire).
9. Place le pied de la cymbale ride, à l'extérieur du tom basse.
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10. Place ta première crash, de manière à ce qu’elle soit relativement au dessus du
tom médium.
11. Si tu as une seconde crash, tu peux la place au dessus du tom alto.
12. Place le pied de la cymbale charleston, à l’extérieur de la caisse claire. En ce qui

concerne l’écart des cymbales, je te conseille de laisser un espace de 5 cm
environ.
13. Enfin, place votre siège derrière la batterie.
→ Voir la vidéo sur l’installation d’une batterie en droitier et en gaucher
La bonne posture à la batterie

La posture est primordiale pour bien jouer de la batterie pour deux raisons.
1. Tu risques de te faire mal (au dos notamment).
2. Tu risques de manquer de contrôle et de frapper involontairement sur les cercles,

ou à côté des cymbales.
Voici donc quelques conseils pour bien te positionner derrière ta batterie. D’une manière
générale, garde toujours à l’esprit que c’est ta batterie qui doit être adaptée à ta
morphologie, et pas l’inverse.
Bien s’asseoir sur son siège de batterie

Tout d’abord, je te conseille de porter ton attention sur l’assise. C’est elle qui te permettra
de ne pas avoir mal au dos, quelque soit la récurrence et la durée de tes entraînements.
Tu dois donc:
● Te munir d’un siège de bonne qualité : les sièges dont l’assise est trop fine sont à
bannir si tu veux préserver ton dos.
● Régler la hauteur du siège, de manière à ce que vos cuisses soient parallèles au

sol, ou en ayant les fesses légèrement plus hautes que les genoux.
● Ajuster ta batterie de manière à ce que les pédales arrivent dans le

prolongement des pieds.
Bien positionner ses pieds pour jouer de la batterie

Ils doivent être bien à plat lorsque tu ne joues pas.
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Lorsque que tu t’apprêtes à jouer à la grosse caisse ou à la pédale de charleston, il faut
lever les talons et jouer avec la pointe des pieds, sans quitter la semelle de la pédale.
Tu auras peut-être l’occasion de découvrir d’autres techniques, mais si tu débutes, je te
conseille de ne retenir que celle-ci pour le moment.
Bien positionner ses bras pour jouer sur la caisse claire et les toms
Au niveau des fûts et de la caisse claire, tu dois travailler la même technique qu’au pad.
C’est-à-dire que les poignets doivent être bien à plat et les mains fermées (sans être
crispées).
Sur les toms, tu dois avoir les épaules relâchées et monter seulement les avants bras et
les poignets. Tu as seulement à tourner le buste lorsque tu viens au tom basse.
Bien positionner ses bras pour jouer sur les cymbales

Pour les cymbales, les poignets doivent être légèrement tournés.
● La cymbale ride se joue avec l’olive de la baguette, au milieu entre l’arête et le

centre. Le mouvement du poignet doit être montant en relâchant les épaules.
● La cymbale crash se joue avec le corps de la baguette sur l’arête et surtout pas
avec l’olive.
● Pour la cymbale charleston, il faut avoir les épaules bien descendues avec les
poignets ni à plat ni tournés. Il ne faut pas jouer sur l’arête, ni sur le dôme mais
bien au milieu du rayon.
En résumé : Il faut être bien assis, avoir les pieds au sol pour être stable, et relâcher
les épaules pour être souple et à l’aise.
→ Voir la vidéo sur la bonne posture à la batterie
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Quelles peaux choisir pour votre batterie ?
Lorsque l’on débute à la batterie, on doit faire face à de nombreux choix : la batterie en
elle-même, les cymbales, les accessoires (siège, baguettes, hardware…), mais aussi les
peaux. Si tu as déjà cherché des informations sur les peaux de batterie, tu as dû te
rendre compte qu’il existe une infinité de possibilités. La question est donc la suivante :
comment choisir les peaux pour ta batterie ?
Depuis les années 1960 deux grandes marques proposent un large éventail de peaux
pour batterie, qui vont nous permettre d’avoir une sonorité particulière : Remo et Evans.
Ces deux marques proposent une gamme qualitative et très large. A tel point qu’il peut
être difficile de s’y retrouver lorsqu’on débute. Je propose donc de t’aider à y voir un peu
plus clair, avec ma propre sélection (non exhaustive).
Pour ma part, je travaille depuis des années avec la marque REMO dont je suis très
satisfait.
Quand changer les peaux de votre batterie ?

Les peaux influencent grandement le son de votre batterie. De mauvaises peaux sur une
bonne batterie peuvent complètement gâcher son potentiel. Si tu viens d’acheter une
batterie, le premier conseil que je peux te donner, serait donc de changer les peaux.
Si ta batterie est neuve, elle est équipée des peaux d’usines, qui ne sont généralement
pas les meilleures. Si tu as acheté une batterie d’occasion, et que les peaux sont usées,
tu risques de perdre en qualité sonore. Il vaut donc mieux les changer.
Il est clair que changer très souvent les peaux de ta batterie peut représenter un budget
conséquent. Si tu débutes, rassure-toi, les peaux de ta batterie peuvent durer plusieurs
années !
Si tu joues en groupe et que tu as l’opportunité de faire une représentation, je te

recommande d’acheter des peaux neuves, pour que le son de votre batterie soit optimal.
Types de peaux pour votre batterie

Avant de te présenter ma sélection, il est important de préciser quelques détails.
Comme évoqué plus haut, les peaux que tu installes vont largement influencer le son de
ta batterie. Pour savoir quelles sont les peaux les plus adaptées à ton besoin, tu dois
savoir quel type de son tu souhaites obtenir :
● un son brillant : avec beaucoup de “sustain”, de résonance qui dure quelques

instants après la frappe.
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● un son mat : à l’inverse du son brillant, le son mat sera plus brut. Il n’y aura pas
vraiment de résonance dans le temps.
Ensuite, tu fois connaître la différence entre les deux types de peaux installées sur ta
batterie :
● La peau de frappe : la peau située sur la face supérieure des fûts. C’est la peau
sur laquelle tu vas taper avec les baguettes.
● La peau de résonance : située sur la face inférieure des fûts.
Sur une batterie, la peau de résonance doit toujours être plus fine que la peau de
frappe.
Ma sélection de peaux pour votre caisse claire

La configuration que je propose pour ta caisse claire, est tout simplement la
configuration la plus utilisée au monde par les batteurs.
● Pour la peau de frappe : je conseille inconditionnellement la peau Remo

Ambassador Coated. Elle va donner un joli grain et un joli son. Cette peau étant
granuleuse, tu pourras avoir un super swing si tu joues avec des balais de temps
en temps.
● En peau de résonance : je conseille la peau Remo Ambassador Hazy Snare Side.

Une peau transparente qui accompagnera très bien la peau de frappe présentée
ci-dessus.
Ma sélection de peaux pour vos fûts et votre grosse caisse

Pour jouer un son très brillant, dans l’esprit du rock des années 50, 60 (Chuck Berry, The
Beatles, Rolling Stones), jazz, afro cubain, reggae, je te conseille :
● Peau de frappe : Remo Ambassador Coated.

● Peau de résonance : Remo Diplomat Coated.
Pour un son moyennement brillant, je te conseille :

● Peau de frappe : Remo Emperor Coated.
● Peau de résonance : Remo Diplomat Coated.
La peau Remo Emperor est constituée de deux peaux. C’est la raison pour laquelle le son
est légèrement moins brillant dans cette configuration.
Pour jouer un son plus mat, dans l’esprit du rock californien, hard rock, métal, je te
conseille :
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● Peau de frappe : Remo Pinstripe Clear.
● Peau de résonance : Remo Ambassador Clear.
→ Voir la vidéo sur le choix des peaux pour votre batterie
Comment accorder ta batterie ?

Contrairement à la plupart des instruments, dont les sons correspondent aux notes de
musique (do, ré mi, fa, sol, la, si), la batterie produit des sons indéterminés. Partant de là,
il peut être difficile de savoir comment accorder votre batterie. La réponse dans ce
chapitre.
Une même batterie peut s’accorder différemment en fonction du style de musique que
tu joues, des peaux que tu utilises etc… Voici toutefois quelques recommandations qui te
serviront de point de départ.
Afin de comprendre comment accorder une batterie, il est important de comprendre

comment est construite ta batterie :
● Les fûts : ce sont les caisses de résonance. La plupart du temps, il est en bois ou
en métal.
● Les peaux : une peau de frappe et une peau de résonance sur chaque fût.
● Les cercles : qui viennent se poser sur chaque peau.
● Les coquilles et les tirants : qui servent à fixer l’ensemble.
Ce qu’il faut retenir : au plus les tirants seront vissés, au plus les peaux seront
tendues.
Comment accorder ta caisse claire ?

Pour une caisse claire, c’est assez simple : les peaux doivent être bien tendues afin
d’avoir un son aigu et une belle résonance.
Comment accorder les fûts de ta batterie

Tout d’abord, vous dois éviter qu’il y ait des ondulations sur la peau. Tu peux donc
pré-tendre les peaux, sans te soucier du son.
Ensuite, je te conseille de démarrer par le tom basse, et de régler chaque fût dans l’ordre
du plus grave au plus aigu. Avec la baguette, tu taperas en serrant pour obtenir un son
plus aigu ou au contraire en desserrant pour obtenir un son plus grave. Il faudra
procéder de cette manière pour chacun des fûts.
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● Si tu as fait le choix d’utiliser des peaux blanches (avec beaucoup
d’harmoniques), je te conseille une tension égale sur la peau de frappe et sur la
peau de résonance.
● Si tu as fait le choix de peaux transparentes (pour un son plus mat), alors la peau
de frappe doit être légèrement moins tendue que la peau de résonance.
Comment accorder ta batterie, sans clé ?

Petite astuce si tu es sur un lieu de concert, que tu as besoin d’accorder ta batterie, et
que tu as oublié la clé.
Il suffit de commencer à visser les tirants avec les doigts pour faire une pré-tention de la
peau. Ensuite, place le fût à plat sur le sol, et appuye-toi de tout ton poids sur le cercle.
Tu pourras alors serrer un peu plus avec les doigts, en veillant à serrer les tirants
opposés les uns aux autres. De cette manière, tu pourras avoir un son correct, et sauver
ton concert !
→ Voir la vidéo sur les deux techniques pour accorder votre batterie
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3 - Les 2 secrets des plus grands
batteurs
Secret n°1 : il n’y a pas de secret

Sais-tu ce qu’ont en commun John Bonham (Led Zeppelin), Phil Rudd (AC/DC), Lars
Ulrich (Metallica), Phil Collins (Genesis), Ian Paice (Deep Purple), Elvin Jones ou encore
Dave Weckl ?
La réponse est la suivante : un nombre incalculable d’heures d’entraînement.
Les plus grands batteurs ont consacré entre 10 et 15 heures par jour, pendant des
années, à perfectionner leur technique. Certaines personnes sont évidemment plus
douées que d’autres dans l’apprentissage, mais à long terme, seul le travail fait la
différence. Du temps, de la détermination, de la rigueur. Voilà le secret.
Il serait mentir de dire que l’apprentissage de la batterie est “facile”, “sans prise de tête”,
“sans solfège”, “sans effort”. Apprendre la batterie est tout sauf facile.
Mais pour la plupart d’entre nous, apprendre la batterie est un loisir et doit le rester.
S’il devait y avoir un véritable secret, ce serait d’aimer le chemin autant que la
destination. De prendre du plaisir à t’entraîner à la batterie, autant que d'atteindre
ton objectif.
Je sais que cette philosophie n’est pas toujours évidente à avoir. Il faut donc se poser la
question suivante : Comment trouver cet équilibre entre la rigueur et le plaisir ?
C’est justement l’objectif de la Méthode Serge Puchol : te donner des objectifs clairs et
concrets sur lesquels travailler, tout en proposant un contenu ludique et accessible. Pour
se faire plaisir tout de suite.
Plaisir = motivation = travail = progrès = plaisir = motivation = …
21
Secret n°2 : le solfège et la technique sont
importants
Comme beaucoup d’écoles de batterie, nous pouvons te proposer des cours sans
solfège, en donnant des tutoriels de musiques connues ou des exercices magiques.
Mais cela ne te rendrait pas service. Tu ferais de faux progrès. Tu ne comprendrais pas
ce que tu es en train de jouer et serais toujours limité par tes connaissances et ta
technique.
Mon objectif est de t’aider à progresser et jouer ce qui te fait plaisir à la batterie.
Mais je préfère le dire une bonne fois pour toute : l’étude du solfège et le travail de la
technique sont importants.
Maîtriser le solfège rythmique et la technique offre une grande liberté et te permettra de

jouer non pas un, mais tous les morceaux de ton choix. De plus, seule une bonne
connaissance musicale permet l’invention. Au plus tu as de vocabulaire, au plus tu
pourras développer ta personnalité musicale, et improviser.
On imaginerait pas un enfant écrire un livre sans connaître, ne serait-ce que l’alphabet.
Voilà. C’est dit.
A l’inverse, il ne faut pas tomber dans l’excès. Certains élèves viennent nous voir après
avoir étudié 2 ans au conservatoire. En deux ans, ils n’avaient jamais touché à la
batterie. Ils apprenaient la musique… sur des cahiers. C’est certainement la méthode la
plus démotivante que l’on puisse trouver.
Selon nous, apprendre le solfège rythmique est indispensable, mais ne doit pas être
démotivant. C’est pourquoi la méthode Serge Puchol regroupe l’apprentissage du
solfège rythmique avec l’apprentissage de l’instrument.
Tu apprends une notion dans une leçon “théorique”, puis tu la joues en situation à la
batterie. De cette manière, tu obtiens de solides bases, tout en te faisant plaisir.
22
4 - Les 10 conseils essentiels pour
progresser rapidement
Depuis plus de 30 ans que j'enseigne la batterie et encore un peu plus que je suis
musicien, j'ai résumé les 10 conseils pour bien jouer et progresser à la batterie. Ce sont
les 10 conseils que j'aurai aimé recevoir lorsque j'ai débuté.
Les 10 conseils qui font la différence entre quelqu'un qui progresse et quelqu'un qui
stagne dans son apprentissage. Sans oublier, bien sûr, pour graduer l'effort, de travailler
au métronome !
1. Place-toi correctement
Je l’ai déjà dis un peu plus tôt dans ce guide, mais le placement est très important pour
bien jouer de la batterie.
Le placement est primordial pour bien jouer de la batterie car il te permet d'être efficace :
● En étant mal positionné, tu risques de manquer de contrôle, frapper

involontairement les cercles des peaux, faire des erreurs... En faisant des erreurs,
tu vas te reprendre plusieurs fois dans tes entraînements, et ainsi perdre du
temps.
● En étant mal positionné, tu risques de te faire mal, au dos notamment.
2. Décontracte-toi
Il est très important de te décontracter lorsque tu joues de la batterie. Alors évidemment,

c'est plus facile à dire qu'à faire quand on débute. Certains de nos élèves débutants
jouent en étant crispés : cou, dos et bras raides comme des piquets.
Tout d'abord, être trop raide peut te faire faire des erreurs ou perdre ton rythme. Par
exemple un geste qui part trop tôt, ou trop tard car tu l'as retenu involontairement.
En plus, si tu veux gagner en souplesse, en indépendance, en coordination, en vitesse,

cela passe inévitablement par la décontraction. Garde ton bras et ton corps souple, fais
des gestes amples, et tu verras la différence tout de suite.
Et puis...la musique est une affaire d'expression, d'émotions, de ressenti.
23
Lorsque tu joues de la batterie, tu incarnes ta musique. La meilleure chose que tu
peux faire, c'est de transmettre ton énergie : donner à ton public l'envie de taper des
mains, du pied, de danser. De vivre votre musique.
Malheureusement, ce partage n'est pas possible si toi-même ne vis pas ta musique.

Essaye de s'imprégner du rythme, et de bouger ton corps en conséquence. Par
exemple en marquant les temps avec un mouvement de tête ou de buste. Essaye de
"danser ta musique" et tu progresseras à la batterie plus rapidement. Tu
embarqueras tout le monde avec toi.
Souvent, le manque de décontraction est lié au manque de confiance en soi, au stress

de jouer et de ne pas être à la hauteur. C’est le sujet du prochain chapitre.
3. Ferme tes mains

Depuis quelques temps, on voit sur internet de nombreuses vidéos qui parlent de "finger
control" de "techniques pour faire une roulement très rapide sans se fatiguer", de
"batteurs les plus rapides au monde" etc...
Alors que les choses soient claires. Oui, il existe des techniques qui consistent à jouer de
la batterie en ouvrant les doigts. En fonction de l'intensité, de la vitesse et du contexte
dans lequel tu joues, cela est possible.
Mais je ne conseille pas ces techniques aux batteurs et batteuses débutants.
La plupart du temps, je recommande aux élèves de jouer avec les mains fermées, mais
pas crispées, car cela permet d’avoir une bonne maîtrise de tes coups (donner le nombre
exact de coups que vous le souhaitez, au moment où vous le souhaitez), et de jouer de
jolis sons.
En fait, jouer correctement avec les mains ouvertes nécessite de déjà savoir jouer
correctement avec les mains fermées. Il s'agit d'apprendre à marcher avant de courir.
Inspire toi des plus grands batteurs : Tony Williams, Dave Weckl, Peter Erskine, les
grands batteurs de métal... Tous faisaient/font sonner leur batterie avec les mains
fermées.
Et puis, garde à l'esprit que la qualité n°1 d'un batteur n'est pas de jouer le plus vite
possible, mais de faire groover sa batterie... en jouant de beaux sons avec énergie et
enthousiasme.
Si tu n’es toujours pas convaincu, retiens au moins les quelques points suivants :
● Si tu veux améliorer ton contrôle, tu dois fermer les mains sur tes baguettes.
● Si tu veux améliorer la qualité de tes coups : tu dois fermer les mains.
● Si tu veux améliorer ta vitesse : tu dois assouplir tes poignets. Et pour cela, ferme
les mains. C’est l’unique moyen !
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● Si tu as des difficultés de coordination ou d’indépendance : ne rajoute pas des
contraintes supplémentaires en ouvrant les doigts. Ferme les mains et
concentre-toi sur l’essentiel.
En résumé, si tu veux progresser à la batterie, ferme les mains.
4. Joue lentement (au départ)

Jouer lentement est très important durant l'apprentissage, car ce qui se conçoit bien se
prépare d'abord lentement, pour bien conditionner les réflexes.
Au lieu d'essayer de jouer vite tout de suite, et de te reprendre une fois, deux fois, dix
fois, cent fois, commence par jouer lentement, tu vas gagner du temps.
En jouant lentement, tu vas plus facilement enregistrer le morceau et développer ta

virtuosité. Ensuite, tu seras capable d'accélérer sans difficulté, et tu progresseras
rapidement.
5. Joue fort
Frapper fort avec tes baguettes est très important, tout simplement car la batterie est un
instrument de percussion, et que la principale qualité d'un batteur est de savoir faire
sonner sa batterie.
Si tu veux faire sonner ta batterie, il faut y aller franchement, sans retenue.
Avec l'expérience et la maîtrise, tu vas apprendre à jouer en nuance. Avec plus de finesse
et de musicalité. Mais pour en être capable, tu dois savoir donner des coups en nuance
forte.
6. Compte à voix haute

Bien compter les temps à voix haute va t’aider à progresser à la batterie sur deux deux
aspects :
● Te situer dans la musique. On joue par rapport à une métrique (mesures, temps
etc...) et tu dois être capable de savoir où tu en es dans un morceau. Imagine un
batteur qui lance un break pour annoncer le refrain 1 mesure trop tôt.
● Compter à voix haute est une forme d'indépendance. La voix est un instrument,
donc compter et jouer avec tes pieds et tes mains te sera très bénéfique. Comme
un guitariste ou pianiste qui chante en même temps.
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7. Applique toi
Cela peut paraître évident comme conseil, mais on voit souvent des élèves brouillons, qui
jouent un peu à la dégoutée, sans vraiment avoir envie de jouer correctement. Si tu ne
t’appliques pas, tu ne vas pas progresser à la batterie.
C'est donc important de le rappeler car jouer avec application et envie fait la différence.
Applique toi à avoir une bonne posture, applique toi à avoir une bonne gestuelle,
applique toi à bien faire. Tu feras des progrès impressionnants.
La musique est un art. Ça vient de loin. C'est magique. Si tu t'appliques, il se passera des
choses avec ta musique. Les émotions seront là.
8. Sois patient
La musique c'est un art. C'est difficile et ça ne vient pas tout de suite. C'est un
apprentissage. Un cheminement autant physique que psychologique.
Il faut être progressif dans l'évolution, car on ne peut pas tout avoir d'un coup.
Alors, il est primordial d'être patient. Avec le temps, tu joueras avec plus d'aisance, de
décontraction et de plaisir.
Il est difficile d'en prendre conscience, mais nous vivons dans un monde à 200 à l'heure,
ou l'on peut tout acheter, tout le temps, très rapidement.
Nous vivons dans un monde où le fantastique, le hors du commun est devenu la norme.
A l'instar des blogueurs / Youtubeurs / Instagramers qui affichent toute la journée des
vies merveilleuses, sans problèmes, ou tout est parfait, facile.
Nous vivons dans un monde où l'on cherche la popularité, les "likes" sur les réseaux
sociaux en exhibant une partie de nos vies. La face lisse et brillante.
Mais ces images virtuelles ne sont qu'une partie de la réalité. Elles ne prônent que
rarement les valeurs de l'effort, du travail et de la patience.
Malheureusement, un savoir-faire ne peut pas s'acheter. On ne sait pas encore faire de

greffe de talent. Cela ne peut donc pas être instantané.
Être bon en musique, ça se mérite, et ça ne vient pas tout seul. Alors sois patient,
accroche-toi. Les résultats seront au rendez-vous !
9. Sois persévérant
Quel que soit le domaine dans lequel tu évolues, nous considérons que la persévérance
dans le travail paye toujours.
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Comme nous l'avons évoqué dans le point précédent. Maîtriser la musique est difficile et
long. Mais c'est à ta portée, si tu en as la volonté.
Entraîne-toi régulièrement et vas progresser. Très rapidement. Expérience garantie.
10. Sois à l'écoute

Le dernier conseil est sans doute le plus important. Si tu veux progresser à la batterie,
développer ton sens de l'écoute.
Écoute de la musique le plus souvent possible, sans que cela devienne un calvaire
évidemment, sinon tu ne pourras pas faire de musique (rires).
C'est bête à dire, mais écouter de la musique et te rendre à des concerts te donnera de
l'inspiration, de la motivation, des exemples de musiciens à suivre.
Écoute ton professeur si tu en as un. Si il te donne des conseils, il y a de fortes chances

pour qu'il ait raison et qu'il veuille simplement t’aider (sauf s'il s'agit d'un très mauvais
professeur).
Écoute quand tu joues. Sois à l'écoute des sonorités que tu crées. Si le son n'est pas bon,
tu dois t’en rendre compte pour pouvoir t’améliorer. Si le son est bon il se passera
quelque chose, une émotion.
Écoute les autres musiciens, si tu joues en groupe. Il est très important d'être en osmose.
Ne pas jouer un rythme trop puissant sur une musique douce, ou un petit chabada sur
du hard rock.
→ Voir la vidéo sur les 10 conseils pour progresser rapidement
27
5 - Combien de temps s’entraîner
pour progresser efficacement ?
Mes nouveaux élèves demandent souvent combien de temps s'entraîner à la batterie, et
à quelle fréquence ?
Dans ce chapitre nous répondons à ces deux questions afin de vous aider à préparer ton
planning et progresser au maximum.
S'entraîner à la batterie 15 heures par jour ?

Tout d'abord, je pense qu'il faut prendre les meilleurs batteurs comme modèle.
Par exemple, le grand batteur de jazz Elvin Jones disait qu'il faudrait "s'entraîner à la
batterie 8 heures par jour" et que "quand les mains souffrent, c'est que l'on est sur la
bonne voie".
Le grand batteur Dave Weckl a avoué avoir travaillé jusqu'à 15 heures par jour
pendant une partie de sa vie.
Néanmoins, il y a de fortes chances pour que tu n’aies pas autant de temps à consacrer
à la batterie.
Si tu as un travail et/ou une vie de famille, il semble difficile de libérer plusieurs heures
tous les jours pour s'entraîner à la batterie.
Pour être honnête nous sommes aussi dans cette situation. Tout comme beaucoup de
batteurs professionnels. Cela ne les empêche pas d'avoir un très bon niveau, de se faire
plaisir, et de vivre de leur passion.
En plus, prévoir un plan d'entraînement trop ambitieux ne fera que te démotiver.
Imaginons que tu aies pour objectif de participer à un marathon en partant de zéro. Tu

sais que l'objectif à atteindre et 42km. Mais tu ne vas pas pas commencer ton
entraînement en courant 42km tous les jours. Premièrement tu risques de te blesser. Et
ensuite tu vas te démotiver, arrêter de t’entraîner, et tu n’atteindras jamais ton objectif.
La régularité est primordiale

Essaye de t’entraîner un peu tous les jours. Ou du moins le plus souvent que ton emploi
du temps ne le permet. Même si tu n'as pas beaucoup de temps.
À choisir, il vaut mieux faire 15-20 minutes par jour plutôt qu'une demi-journée toutes les
2 semaines (alors que les durées sont équivalentes).
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Si quelquefois, tu as la possibilité de jouer 1 ou 2 heures d'affilée, c'est encore mieux !
Vas-y progressivement.
Jouer de la batterie est souvent comparé au sport car c'est assez physique.
Si tu démarres trop fort, trop vite, tu risques de te faire mal et de te démotiver.
Je te conseille donc de démarrer à un rythme qui t’est largement confortable. C'est à toi
de trouver le bon équilibre durée/fréquence.
Néanmoins, tout comme lors d’un entraînement sportif, notre corps à besoin de dépasser
ses limites pour progresser à la batterie. En s'entraînant 20 minutes par jour, tu vas
progresser pendant un certain temps. Puis, après quelques mois, tu commenceras à
stagner.
À ce moment-là, je te conseille d'augmenter ton temps d’entraînement pour continuer à

progresser. L’idée est d'augmenter progressivement ton temps d’entraînement en
fonction de ton niveau, de ta disponibilité et de ta motivation.
Sois patient(e) et indulgent(e) envers toi-même.

Apprendre un instrument de musique prend parfois du temps. Il est donc important que
tu tiennes sur la durée. C'est ça la clé.
Je te conseille donc d'écouter ton corps et ton esprit :
● Tu commences à avoir mal au dos, aux mains, ou aux avant-bras ? Repose-toi. Je

n'aimerais pas que tu déclenches une tendinite…
● Tu commences à faire beaucoup d'erreurs et tu perds patience ? Fais une pause,

souffle, et reviens-y plus tard (ou un autre jour).
Pour la plupart d'entre nous, la batterie est un loisir. Il faut donc que cela reste un
plaisir avant tout !
→ Voir la vidéo sur la durée / fréquence des entraînements à la batterie
29
6 - Les douleurs liées à la pratique
de la batterie
Lorsque l'on s'entraîne beaucoup à la batterie, il est possible de ressentir des douleurs.
Comme nous te le disions dans le chapitre précédent, la batterie est un sport qui
nécessite un peu de préparation physique afin de ne pas se faire mal. Dans cette vidéo,
on te parle des différentes douleurs liées à la pratique de la batterie, ainsi que leur
remèdes.
Les ampoules
Le frottement des baguettes peut entraîner des ampoules, surtout lorsque l’on débute.
Avec le temps, une corne va se former sur tes doigts et tu n’auras plus d’ampoules.
Moi j'en avais beaucoup au début, jusqu'au sang, et ça a fini par passer.
Pour soigner une ampoule, c'est assez simple : tu peux la percer sans enlever la partie
décollée, appliquer un antiseptique qui servira à désinfecter et assécher rapidement.
Si tu veux jouer malgré tes ampoules (répétition importante, concert, ou motivation tout
simplement) nous te conseillons de mettre un pansement, ainsi qu’un strap
par-dessus. Un pansement seul ne tiendra pas sous le frottement des baguettes.
Le mal de dos
Lorsque l’on passe des heures à s'entraîner à la batterie, il peut arriver d’avoir mal au
dos. Si cela arrive, tes séances d'entraînement se transformeront rapidement en calvaire.
Le bien être étant un élément essentiel pour apprécier le travail à la batterie et garder sa
motivation, nous n'insisterons jamais assez sur l'importance d'avoir un bon siège. Ne
t’assoies donc pas sur une chaise en bois ou un siège très bas de gamme. Tu le
regretteras. Nous conseillons un siège confortable, avec un bon rembourrage afin
d’amortir les vibrations.
Si tu joues avec un bon siège et qu'il t’arrive malgré tout d'avoir mal au dos, tu peux
essayer de changer ton placement pour solliciter des muscles différents.
Si le mal de dos persiste, n’hésite pas à consulter un professionnel de la santé. Une ou

deux séances d'ostéopathie par an peuvent être suffisantes et vous faire énormément de
bien.
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Les tendinites
Lorsque l’on s'entraîne trop, il est possible de sur-solliciter certains muscles et avoir des
tendinites.
Tout d’abord le meilleur remède est le repos. Là aussi, n’hésite pas à consulter un
médecin qui t’orientera vers le meilleur remède.
Pour ma part, j’ai eu une grosse tendinite pendant un an et demi, alors j’ai consulté
plusieurs médecins. La thérapie qui a été le plus efficace pour moi a été la
cryothérapie.
D’ailleurs, après chaque entraînement ou concert, je me met du froid sur le coude.

N’hésite pas même à utiliser de simples glaçons, ça marche vraiment bien.
Prévention des douleurs liées à la batterie

● Echauffe-toi avant chaque entraînement. En particulier les poignets, les coudes,
les épaules, le dos et le cou.
● Étire-toi après chaque entraînement pour soulager tes muscles (dos, poignets,
avant-bras...).
● Place du froid sur les articulations potentiellement douloureuses.
● Utilise un bon siège, c'est très très important. Protège ta santé.
→ Voir la vidéo sur les douleurs à la batterie, et leurs remèdes
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7 - Les bases du solfège
rythmique
Les mesures
La musique s’écrit généralement sur une portée musicale, que l’on nomme aussi la
partition. La portée est divisée en plusieurs parties nommées les mesures. Ces mesures
sont elles-mêmes divisées en plusieurs temps. Enfin, le nombre de temps dans une
mesure peut varier (2,3,4,5,7 etc…).
Nous trouvons sur une partition :

● des lignes horizontales, qui permettent d’écrire les différentes hauteurs de sons.
● des lignes verticales, qui permettent de délimiter les mesures.
Par exemple, la partition ci-dessous est composée de 4 mesures. Arrives-tu à les repérer
?
Les notes et les silences

A l’intérieur des mesures, précédemment découvertes, nous écrivons la musique avec
des notes et des silences. Ces derniers permettent d’écrire avec précision la hauteur et la
durée des notes et silences à jouer.
Tu trouveras ci-dessous la liste et les valeurs des principales notations. Cette liste n’est
pas exhaustive, mais te présente les notations les plus couramment utilisées.
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En débutant à la batterie (ou n’importe quel instrument), tu commenceras par rencontrer
des notes et silences dont la durée est plus importante. Comme la ronde, la blanche, la
noire, la croche, la pause, la demi-pause, le soupir et le demi-soupir.
Puis, en progressant, tu rencontreras des partitions de plus en plus complexes, et avec

elles des notes plus courtes, qui nécessitent plus de maîtrise.
→ Voir la vidéo sur la première leçon de solfège
La pulsation, le tempo
La plupart des musiques sont conçues par rapport à une pulsation de base que l’on
appelle le tempo. C’est l’unité de mesure de la vitesse d’exécution d’un morceau de
musique (un morceau peut être très lent, moyennement lent, rapide très rapide etc…).
Et on peut suggérer cette pulsation ou marquer plus fortement cette pulsation, en

fonction du contexte. En disco ou dans les musiques électroniques actuelles par exemple,
tous les temps sont marqués à la grosse caisse. Ce qui donne envie de taper du pied et
de danser.
Il existe deux types de pulsations : la pulsation binaire et la pulsation ternaire.
La pulsation binaire : on divise la pulsation en deux parties égales. Dans ce contexte,

on compte les temps “1, ET, 2, ET, 3, ET, 4, ET…”.
La pulsation ternaire : on divise la pulsation en trois parties égales. Dans ce contexte,

on compte les temps « 1,2,3, 1,2,3 1,2,3 1,2,3... » ou « 1,2,3, 2,2,3 3,2,3 4,2,3... ».
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Il est important de ressentir la vitesse et la pulsation de base. Puisqu’en tant que batteur,
tu seras le pilier de cette pulsation autour duquel viennent jouer tous les autres
instruments.
Pour t’entraîner, rien de plus simple : écoute de la musique et essaye de compter les
temps et repérer laquelle des deux pulsations est utilisée pour cette musique : “1, ET, 2,
ET…” ou plutôt “1,2,3, 1,2,3, …”.
→ Voir la vidéo sur le tempo
Les mesures simples

Les mesures simples ne sont pas simples au sens “facile”. On appelle les mesures
simples les mesures dont l’unité de temps est une valeur entière (la noire ou la blanche
par exemple).
Pour être tout à fait clair, le nombre de temps compris dans une mesure peut varier. Cela
fait évoluer le nombre et le type de notes que nous pouvons jouer dans une mesure, et
donc, cela impacte directement le contenu de la musique.
Il est important de savoir identifier le type de mesure et de compter le bon nombre de

temps puisque c’est qui te permettra de te repérer dans une musique. En concert par
exemple, un batteur qui ne compte pas correctement pourrait jouer un break au mauvais
moment et se retrouver en décalage avec les autres musiciens.
Il est très facile d’identifier le type de mesures en lisant une partition. L’information est
donnée au tout début de la partition, par les deux chiffres superposés. Comme sur le
schéma ci-dessous.
Dans cet exemple, il s’agit d’une mesure 2/4.

● Le chiffre 2 indique le nombre de temps que compose la mesure.
● Le chiffre 4 indique l’unité de temps, en l'occurrence, la noire.
Voici donc la liste des mesures simples :
● La mesure 2/4 : composée de 2 temps, avec pour unité la noire.

Cela signifie que dans cette mesure, nous pouvons rencontrer :
- 2 noires, ou l’équivalent.
- 1 blanche.
- 1 noire et 2 croches.
- 4 croches.
- 1 noire et 4 doubles croches.
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- etc...
● La mesure 3/4 : composée de 3 temps, avec pour unité la noire.

- 1 blanche et 1 noire.
- 1 blanche et 2 croches.
- 2 noires et 2 croches.
- etc...
● La mesure 4/4 : composée de 4 temps, avec pour unité la noire. C’est la mesure
la plus utilisée en musique occidentale.
- 1 ronde.
- 2 blanches.
- 1 blanche et 2 noire.
- etc…
● La mesure 5/4 : composée de 5 temps, avec pour unité la noire. C’est une mesure
asymétrique. C'est-à-dire que nous allons souvent rencontrer une mesure à 3
temps, suivie d’une mesure à 2 temps. Pour éviter de changer à chaque fois de
types de mesures, nous écrivons en 5/4.
Si tu veux savoir ce que cela donne en contexte musical, tu peux écouter la

musique de Mission Impossible, ou Take Five de Dave Brubeck par exemple.
● La mesure 6/4 : composée de 6 temps, avec pour unité la noire. C’est aussi une
mesure asymétrique. C'est-à-dire que nous allons souvent rencontrer une mesure
à 4 temps, suivie d’une mesure à 2 temps. Pour éviter de changer à chaque fois
de types de mesures, nous écrivons en 6/4.
● La mesure 7/4 : composée de 7 temps, avec pour unité la noire. C’est aussi une
mesure asymétrique. C'est-à-dire que nous allons souvent rencontrer une mesure
à 4 temps, suivie d’une mesure à 3 temps. Pour éviter de changer à chaque fois
de types de mesures, nous écrivons en 7/4.
Si tu veux savoir ce que cela donne en contexte musical, tu peux écouter la musique
Money des Pink Floyd.
Ici aussi, vous pouvez vous entraîner à repérer les types de mesures en écoutant vos
musiques préférées puis en essayant de compter les temps. Commencez par essayer de
compter 4 temps (c’est la mesure la plus utilisée). Si vous ressentez un décalage, il vous
faut essayer de compter le nombre de temps que dure une phrase musicale.
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Si tu essayes de compter 4 temps sur la musique de Mission Impossible, ou sur Money
des Pink Floyd, tu ressentiras très rapidement un décalage.
→ Voir la vidéo sur les mesures simples
Les mesures composées

A l'inverse, les mesures composées sont des mesures dont l'unité de temps n'est pas
une valeur entière. Ce sont des mesures à temps ternaire.
Les plus utilisées sont les mesures 6/8, 9/8 et 12/8. Le chiffre 8 signifie que l'unité de
temps est la noire pointée.La noire pointée vaut une noire et demi (1 temps et demi).
Elle équivaut donc à trois croches (alors qu'une noire équivaut à 2 croches).
● la mesure 6/8 : une mesure ternaire à deux temps : 2 temps par mesure, 3
battements par temps. Donc 6 battements au total (qui correspond au chiffre 6,
de 6/8).
Lorsque tu joues un morceau en 6/8, le compte se fera de la manière suivante :

1,2,3, 1,2,3, ou, 1,2,3, 2,2,3.
Exemple de musique en 6/8 : All Blues - Miles Davis.
● la mesure 9/8 : une mesure ternaire à trois temps : 3 temps par mesure, 3
battements par temps. Donc 9 battements au total (qui correspond au chiffre 9,
de 9/8).

1,2,3, 1,2,3, 1,2,3, ou, 1,2,3, 2,2,3, 3,2,3.
Exemple de musique en 9/8 : Apocalypse in 9/8 - Genesis
● la mesure 12/8 : C'est la mesure composée la plus utilisée dans la musique

occidentale.
La mesure 12/8 est une mesure ternaire à quatre temps : 4 temps par mesure, 3
battements par temps. Donc 12 battements au total (qui correspond au chiffre
12, de 12/8).

1,2,3, 1,2,3, 1,2,3, 1,2,3 ou, 1,2,3, 2,2,3, 3,2,3, 4,2,3.
Exemples de musiques en 12/8 : Feeling Good - Muse, Sixteen - The Heavy.
→ Voir la vidéo sur les mesures composées
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8 - Confiance en soi et gestion du
stress : surmonter la peur de jouer
en public
Jouer de la musique en public est un vrai bonheur mais peut rapidement se transformer
en calvaire lorsque l'on manque de confiance en soi et que l'on ressent un stress très fort.
Voici donc nos conseils pour vaincre la peur de jouer en public.
Ce chapitre a été écrit sur la base d’une discussion entre Serge et Victor.
Le stress, c’est quoi ?

Serge : En fait, je pense que le stress, c’est surtout la peur du regard de l’autre et la
peur de mal faire. Il faut donc, si possible, faire abstraction du regard de l’autre et se
faire confiance, afin de ne pas avoir peur de mal faire, de ne pas être à la hauteur.
Victor : Le premier point que je souhaite aborder et sur lequel j’aimerai te rassurer,
c’est que même les plus grands artistes ressentent le stress. Avant de monter sur
scène, ou d’entrer en studio par exemple.
Tout le monde connaît cette appréhension. La différence entre un professionnel et un

débutant / amateur réside dans sa capacité à gérer et à surmonter la peur de jouer
en public.
Avoir peur n’est pas réservé qu’aux débutants. Avoir le stress de mal faire, cela ne fait
pas de vous un mauvais musicien ou quelqu’un de nul. C’est tout à fait humain.
Serge, quel est ton avis à ce propos ?
Serge : Avoir le trac est tout à fait normal. J’ai en mémoire Jacques Brel, qui vomissait
à chaque spectacle à cause du stress.
Donc, quand on a le trac avant de monter sur scène ou avant de jouer en public, c’est
normal. Une fois qu’on a commencé à jouer, normalement ça passe assez
rapidement. Il ne faut pas avoir peur d’avoir du trac, car il se passe des choses
magiques aussi.
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Alors quelles sont les solutions pour surmonter la peur de jouer en public ?
1- Tu n’es pas obligé d’avoir un public

Serge : Tout d’abord ce qu’il faut savoir, c’est que vous n’êtes pas obligé de jouer pour
d’autres personnes. Vous pouvez jouer pour votre propre plaisir. On peut très bien
jouer de la musique pour soi.
Victor : Alors oui effectivement, la musique, c’est avant tout un plaisir personnel. Qui
peut se partager ou non avec un public. Comprenez-moi bien, un public, ça peut très
bien être 2 personnes. Votre femme, votre mari, vos enfants, vos amis… Peu importe,
tant que quelqu’un vous écoute jouer, vous avez un public.
Il se trouve que Serge et moi jouons un peu du piano. Ni lui, ni moi n’avons l’intention
d’en faire notre métier, ou de faire des représentations. Pour ma part je ne joue que
très peu devant ma famille ou mes amis. Car je ne suis pas très à l’aise avec ça. Et
c’est très bien comme ça. Il faut toujours avoir en tête que tu joues pour ton propre
plaisir avant tout.
Si tu n’es pas à l’aise avec le fait de jouer devant d’autres personnes, c’est pas
grave. Ne te force pas. Peut-être qu’un jour ça viendra. Mais en attendant, cela ne
doit pas t’empêcher de réaliser ton rêve de faire de la musique, et de te faire plaisir.
En l’occurrence, si tu as une batterie électronique, c’est simple. Tu branches ton

casque et personne ne t’entend. Si tu joues avec une batterie acoustique et que cela
te dérange d’être entendu, essaye de trouver des moments où tu es seul. Tu seras
alors à l’aise pour jouer.
2- Le travail est la clé de la confiance

Serge : On insiste souvent sur l'importance du travail de la batterie, car c'est la clé si
tu veux progresser réellement. Mais ce n'est pas tout. Au plus tu joueras, au plus tu
progresseras, et plus tu seras sûr de toi. Par extension, si tu es sûr de toi, tu auras
moins tendance à avoir peur de jouer en public.
3- Ne joues pas à votre maximum

Serge : Souvent quand j’auditionne des gens qui jouent déjà ou même dans des petits
groupes, les élèves savent peu de choses et essayent de tout jouer, de tout montrer, et
le résultat n’est pas là. Il est important de savoir jouer simple, efficace.
Quand on te dit en famille « tiens tu nous fais quelque chose… », joue quelque chose
qui te paraît simple. Du coup, tu vas avoir confiance parce que tu vas réussir ce
que tu es en train de jouer, et tu auras encore plus envie de progresser, et donc de
travailler. Et dans cette spirale-là, c’est que du bonheur : du travail, de la confiance,
des résultats, l’envie de travailler encore plus, donc plus de confiance, progrès etc…
Rapidement, ta peur de jouer en public sera une histoire ancienne.
38
Alors les plus grands batteurs font sonner leur batterie parce qu’ils jouent, à leur
niveau, des choses simples. Et bien sûr après ils se lancent dans des traits
monstrueux, mais ils cherchent surtout à faire sonner d’abord. A faire groover.
Joue simple, sois à l'aise. Et petit à petit, avec la maîtrise technique et l'expérience, tu
vas progresser et jouer des morceaux de plus en plus complexes. Tout en étant
toujours à l'aise.
Victor : J’en profite ici pour préciser une chose. Si tu joues devant des amis, ou ta
famille, souviens-toi que beaucoup d’entre eux ne jouent pas de la musique. Ce qui te
paraît simple et basique, ne le sera pas forcément pour eux. Il y a donc des chances
pour qu'ils apprécient ta prestation. Et puis, ce sont tes proches, a priori ils feront
preuve d’un peu de bienveillance.
4- Techniques mentales : méditation, affirmations,

visualisation
Méditation
Serge : Si la peur de jouer en public et le stress sont un vrai problème pour toi, la
méditation peut être d'une grande aide. Tous les jours, prend un moment pour te
connecter à ta respiration, en laissant venir et passer tes émotions et tes pensées.
Comme tu regarderais un nuage dans le ciel.
● Un exercice simple : Essaye d'effectuer 10 longues inspirations et 10 longues

expirations en ne pensant à rien. Compte simplement à chaque inspiration et
expiration. Recommence à zéro à chaque fois que tu perds le fil à cause d'une
pensée qui a envahi ton esprit.
● Une variante : Prends quelques minutes pour te concentrer sur ta respiration, en
essayant d'identifier tous les endroits de ton corps où le mouvement de l'air se
fait ressentir, comme le ressac de la mer sur le sable (le bout du nez, le dos, le
ventre...). Durant ce moment, n'essaye pas de bloquer tes pensées (si tu débutes,
tu en auras beaucoup car ton cerveau cherche à meubler le vide), observe les, et
laisse les partir.
Fais cela tous les jours. D’abord 5 minutes, puis 10, 15 minutes. Au début, cela peut
sembler difficile et tu vas te déconcentrer. Avec l'entraînement, cela deviendra
instinctif. Il te suffira de quelques secondes pour te recentrer et surmonter la peur de
jouer en public. Que ce soit avant de monter sur scène, en répétition, pour un
examen…
Victor : Et il existe aussi deux autres techniques mentales qu’utilisent les sportifs de
haut niveau ou les artistes. Il s’agit de pratiquer les affirmations et la visualisation.
Affirmations
Pratiquer l'affirmation, ça consiste à prendre un moment dans ta journée, le matin

avant d’aller travailler par exemple, pour formuler et exprimer clairement une
situation dans laquelle tu souhaites réussir. Par exemple : « Je vais réussir à jouer ce
39
morceau qui me plait tant », « Je vais mettre une ambiance de malade avec ma
batterie la prochaine fois que mes copains viennent à la maison ».
Voilà, tu définis ton objectif, tu l’écris très clairement sur une feuille, et tu le mets en
évidence quelque part chez toi (dans votre salle de bain, la cuisine, vos toilettes, peu
importe). Et tous les jours, tu répéte cette phrase à voix haute.
Le stress, ça se passe en premier dans la tête, alors en faisant ça, tu vas te

conditionner à atteindre ton objectif, et te mettre dans un état d’esprit de réussite. Et
donc cela peut t’aider à moins appréhender les situations dans lesquelles tu joues en
public.
Visualisation
On en vient maintenant à la visualisation. C’est la technique qu’utilisent les plus

grands sportifs de la planète. C’est un peu le même principe. Il s’agit de fermer les
yeux et de t’imaginer en train de jouer devant un public. Tu imagines la scène dans
les moindres détails. Comment tu te tiens sur ton siège, comment tu tiens les
baguettes, avec quelle force, quel rythme tu vas jouer, comment tu vas frapper, à quel
tempo, comment les gens vont réagir, comment tu vas te sentir...
Faites cela un petit peu tous les jours, ou pendant une période précise si tu as une
échéance : tous les jours pendant les 30 jours qui précèdent un concert, un examen,
ou ton prochain repas de famille par exemple dans lequel on te demandera
inévitablement de jouer un morceau par exemple.
Là aussi, en visualisant la scène régulièrement, tu te conditionnes à ce qu’elle se

réalise comme tu le souhaites. Cela t’aidera beaucoup à être à l'aise.
5- Joue en respirant normalement

Serge : La respiration à tendance à s'accélérer quand on est en situation de stress.
C'est un réflexe de survie. Travailler ta respiration aura donc une grande influence sur
ta sérénité.
Habitues-toi à t’entraîner en respirant normalement. Pour cela, fais des exercices

simples, en t’imposant de respirer longuement (en exagérant presque la lenteur des
inspirations et expirations). De cette manière, vous serez beaucoup plus calme le jour
J.
6- La kinésiologie
En dernier recours, si le stress est vraiment insurmontable. Si tu n’arrives plus à jouer
du tout, plus d’énergie, les notes ne partent pas, c’est un calvaire pour toi de jouer, tu
en es malade, alors dans ce cas, la kinésiologie peut être intéressante.
La kinésiologie, c’est la science du mouvement. Une technique de rééquilibrage

psycho-corporel. Le traitant interroge ton corps en effectuant des points de pression
et trouvera rapidement comment te libérer du stress. A ce moment-là, tu seras libéré
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de ce surplus de stress et ce qui vous semblait insurmontable deviendra plus
accessible.
7- Vas-y progressivement
Victor : Si tu as envie de jouer devant un public et que c'est quelque chose qui te
motive, mais que tu ne te sens pas prêt pour le moment, voici quelques étapes qui
peuvent t’aider à te confronter à la peur de jouer en public, et te sentir plus à l'aise.
1. Filme-toi en train de jouer. La caméra fera office de spectateur, et elle a

l’avantage de ne pas faire de commentaire. Elle n'a pas d'avis ni de ressenti, donc
c'est un peu moins impressionnant que d'avoir une personne en face de soi. Le
fait d'avoir cette caméra qui est pointée vers toi va te donner la motivation, l'envie
de bien faire et un petit peu le stress de se tromper que tu pourrais ressentir si tu
avais un public. L'avantage cependant, est que personne ne vous regarde.
2. Demande à une personne de t’écouter jouer, mais sans te regarder, ou sans
même être dans la même pièce que toi. De cette manière, elle ne sera pas tout à
fait là dans ton esprit.
3. Ensuite, si tu es à l’aise comme ceci, tu peux inviter cette personne à entrer dans
la pièce ou à te regarder.
4. Puis tu peux ajouter de nouvelles personnes progressivement.
L’idée est de te confronter graduellement à la situation qui t’effraie de manière à y

être habitué et de savoir la gérer. De cette manière, tu prendras l'habitude d'avoir
des gens qui te regardent jouer, et tu seras rapidement à l’aise pour jouer sur de
petites scènes.
8- Accepte le regard des autres

Certaines personnes consacrent leur vie à devenir excellents, voir les meilleurs dans
leurs domaines. Qu’ils soient des artistes, des sportifs, des entrepreneurs... ils auront
beau travailler aussi dur que possible, il y aura toujours quelqu’un pour critiquer ce
qu’ils font. Cela ne leur enlève pas pour autant leur talent ou leur succès.
Pourquoi ? Parce qu’en fait, nous avons tous un cerveau différent et une perception
différente de la réalité. Ce qui est bien et beau pour moi, pourra être nul et moche pour
quelqu'un d'autre.
Partez donc du principe que tu vas inévitablement recevoir des critiques. Il faut t’y
attendre et l’accepter. Le jour où tu recevras une critique, souviens-toi simplement
qu’elle est le reflet de la réalité de quelqu’un d’autre, et non pas une réalité absolue.
Si, par exemple, quelqu'un te dit "Je n'aime pas ta musique", cela ne veut pas dire que
ta musique est nulle. Cela veut juste dire que la personne en question n'aime pas ta
musique, mais que probablement, d'autres personnes vont l'aimer.
41
Souviens-toi que pendant de nombreuses années, on a répété à Charles Aznavour
qu’il était trop petit, que sa voix n’était pas bonne et qu’il ne ferait jamais carrière
dans la musique.
Souviens-toi que Ray Foster, le producteur d’EMI trouvait les paroles du groupe Queen
trop confuses et refusait de les diffuser à la radio.
Pour autant Charles Aznavour, tout comme Queen ont connu un succès immense.
Pourquoi ? Car ils ont accepté les critiques et ne se sont pas découragés. Ils se sont
acharnés, ils ont continué à travailler et le résultat a été là.
9- Jette-toi à l'eau
Voilà, je voulais terminer cet article en te disant que, même si tu as peur de jouer en
public pour le moment, je t’encourage vivement à te jeter à l'eau. Essaye de jouer
devant un public, même un tout petit public. Parce que, même si tu peux vraiment te
faire plaisir en jouant tout seul, la musique, c'est comme un bon repas, c’est meilleur
quand c’est partagé.
On le répète souvent, mais la musique est une affaire d'émotions, de ressentis. Et si tu

joues, ne serait-ce qu'avec quelques copains, et que tu parviens à créer cette
atmosphère qui relie les gens entre eux, avec toi et avec ta musique, alors tu vas créer
une ambiance vraiment particulière et vivre un moment magique. Et là, tu auras
envie de recommencer, de t’entraîner encore plus pour devenir meilleur et continuer à
jouer. Tout ça c'est un cercle vertueux dans lequel tu vas vraiment t’éclater.
42

Faîtes-Vous Plaisir À La Batterie

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Sommaire

2 - Quelques conseils matériels supplémentaires 14

3 - Les 2 secrets des plus grands batteurs 21

4 - Les 10 conseils essentiels pour progresser rapidement 23

5 - Combien de temps s’entraîner pour progresser efficacement ? 28

6 - Les douleurs liées à la pratique de la batterie 30

7 - Les bases du solfège rythmique 32

8 - Confiance en soi et gestion du stress : surmonter la peur de jouer en public 37

J’étais alors professeur de percussions au conservatoire de Digne lorsque je

Comme il souhaitait s’orienter vers la batterie, et que je ne pouvais enseigner cette

En 30 années d’enseignement de la batterie, J’ai vu passer des milliers d’apprentis

● Suis-je trop vieux pour démarrer la batterie ?

Serge PUCHOL (à gauche) : Batteur

Certains anciens élèves sont

J’ai créé un chemin d’apprentissage complet et très progressif. De parfait débutant à

Avec ma méthode, tout y passe.

- Position, tenue de baguettes, technique de caisse claire.

Je t’en reparlerai en temps voulu 😉

Ils te permettent de te faire une idée de la qualité de notre enseignement. Si tu aimes

La place de la batterie dans la musique

→ Voir la vidéo sur l’histoire de la batterie

Batterie disposée pour un droitier Batterie disposée pour un gaucher

→ Voir la vidéo sur la présentation d’une batterie

En fonction du contexte, une batterie électronique peut être également intéressante.

→ Voir la vidéo sur les deux principaux types de batterie

Qu’est-ce qu’une jazzette ?

→ Voir la vidéo de comparaison entre une jazzette et une batterie standard

→ Voir la vidéo sur le choix de votre batterie et le budget

Est-il obligatoire d’acheter une batterie dès le

La caisse claire étant l’élément principal de la batterie, le travail au pad est

Néanmoins, il semble important de préciser que, sans batterie, tu seras rapidement

Pourquoi s’entraîner avec un pad ?

→ Voir la vidéo sur le pourquoi et le comment du pad

Comment monter ta batterie ?

Voici quelques conseils :

1. Installe un tapis ou un carré de moquette au sol (4m²), afin que ta batterie ne

2. Positionne ta grosse caisse au centre du tapis, et règle les pieds. Parfois tu

3. Place la pédale de grosse caisse, et visse la machoire pour que la pédale ne

5. Place le tom alto, juste au-dessus de la caisse claire.

8. Place votre tom basse, en dessous du tom médium (à l’opposé de la caisse

9. Place le pied de la cymbale ride, à l'extérieur du tom basse.

11. Si tu as une seconde crash, tu peux la place au dessus du tom alto.

12. Place le pied de la cymbale charleston, à l’extérieur de la caisse claire. En ce qui

13. Enfin, place votre siège derrière la batterie.

→ Voir la vidéo sur l’installation d’une batterie en droitier et en gaucher

La bonne posture à la batterie

1. Tu risques de te faire mal (au dos notamment).

2. Tu risques de manquer de contrôle et de frapper involontairement sur les cercles,

Bien s’asseoir sur son siège de batterie

● Régler la hauteur du siège, de manière à ce que vos cuisses soient parallèles au

● Ajuster ta batterie de manière à ce que les pédales arrivent dans le

Bien positionner ses pieds pour jouer de la batterie

Bien positionner ses bras pour jouer sur les cymbales

● La cymbale ride se joue avec l’olive de la baguette, au milieu entre l’arête et le

→ Voir la vidéo sur la bonne posture à la batterie

Quand changer les peaux de votre batterie ?

Si tu joues en groupe et que tu as l’opportunité de faire une représentation, je te

Types de peaux pour votre batterie

● un son brillant : avec beaucoup de “sustain”, de résonance qui dure quelques

● La peau de résonance : située sur la face inférieure des fûts.

Ma sélection de peaux pour votre caisse claire

● Pour la peau de frappe : je conseille inconditionnellement la peau Remo

● En peau de résonance : je conseille la peau Remo Ambassador Hazy Snare Side.