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La couleur
L’histoire de la couleur est indissociable de l’histoire de l’art. En effet, dès la
préhistoire, l’homme utilise la couleur pour représenter fidèlement les animaux
sur les parois des grottes. Depuis ce moment et jusqu’à la charnière entre le
XIXème et le XXème siècle, la couleur, au « service » du sujet, va être exploitée
par les artistes pour rendre compte le plus fidèlement possible de celui-ci.
Mais les peintres impressionnistes vont révolutionner l’utilisation de la couleur
en ouvrant une nouvelle voie aux artistes du XXème siècle. Cette exposition au
Château de Waroux vous propose de découvrir, à travers l’utilisation faite de
la couleur par certains artistes du XXème, cette révolution qui va prendre des
formes et des orientations variées.
Château de Waroux
Tableau d’analyse des couleurs
Pour les plus grands, voici un tableau1 d’analyse des couleurs à appliquer
pour les différentes œuvres :
Regarde, la fumée
de la locomotive
est bleue.
Regarde ce détail de
l’œuvre,
2
Claude Monet, La gare Saint-Lazare, 1877, Musée d’Orsay.
Comment peint Emile Schuffenecker ?
Emile Schuffenecker travaillait en plein air. Il plantait son chevalet devant son
sujet et le représentait tel qu’il le voyait et non pas tel qu’il était vraiment. A
l’époque, c’est très inhabituel de peindre à l’extérieur car le plus souvent les
artistes travaillent dans leur atelier. C’est une véritable révolution !
Il utilise des couleurs pures. Les couleurs sont dites pures lorsque l’artiste les
applique directement sur la toile sans les mélanger. Observe bien le tableau,
Monet applique ses couleurs par petites touches à l’aide de son pinceau.
A toi de jouer !
Paul Gauguin
Paul Signac
Wassily Kandinsky, la force de la couleur
C’est quoi l’art abstrait ? L’art abstrait est un art qui ne représente pas la
réalité. Les artistes abstraits comme Wassily Kandinsky utilisent la ligne, la
matière et la couleur pour elles-mêmes. On utilise donc le terme « art
abstrait » pour désigner une pratique qui ne représente pas des sujets ou
des objets du monde réel ou même du monde imaginaire. Les artistes
utilisent seulement les formes et les couleurs pour partager une émotion
avec le spectateur.
Marc Chagall
La vie de Marc Chagall
Marc Chagall est né le 07 juillet 1887 à Vitebsk en Biélorussie. Il est l’aîné d’une
famille de 9 enfants. Sa famille n’est pas riche et son père travaille dans un
dépôt de vente de poisson. La famille de Chagall est juive hassidique, c’est
une pratique religieuse très populaire en Europe de l’Est à cette époque.
Chez les Chagall, on célèbre Dieu en chantant, en sautant, en dansant, en
faisant de la musique. Sa religion va fortement l’influencer et l’artiste
représente très souvent dans ses tableaux des scènes religieuses. Après un
voyage en Israël, il dira que pour lui la Bible est « la plus grande source de
poésie de tous les temps ». Mais Chagall ne peint pas que des sujets bibliques.
On retrouve aussi dans son œuvre l’univers du cirque, des gens amoureux et
de personnages qui volent au-dessus des paysages, ainsi que toute une série
d’animaux fantastiques qui dansent et jouent de la musique.
En 1910, le peintre obtient une bourse pour partir étudier à Paris. Là-bas, le
jeune Russe va découvrir le travail de nombreux autres artistes qui font partie
de ce que l’on appelle l’avant-garde. Chagall va habiter à la Ruche, un
grand bâtiment du quartier Montparnasse, découpé en ateliers d’artistes. Il
sera notamment le voisin d’un autre grand artiste de l’époque : Fernand
Léger, considéré comme un représentant d’un mouvement artistique que
l’on appelle le cubisme. Lors de son séjour à Paris, Chagall va donc
rencontrer et découvrir le travail d’autres artistes. Il va prendre chez chacun
d’entre-eux les idées qui l’intéresse et va les retravailler à sa façon. Il s’inspire
des autres mais conserve son univers personnel qui fait de lui un artiste à part.
En 1914, il retourne dans sa ville d’origine, Vitebsk. Il pense n’y rester que peu
de temps mais malheureusement, la première Guerre Mondiale, l’empêche
de retourner à Paris. Pendant cette période, il réalise de nombreux tableaux
qui montrent la vie de la communauté juive, puis part à Moscou pour réaliser
les décors du Théâtre d’art juif. En 1922, il retourne enfin à Paris, ainsi qu’à
Berlin en Allemagne. A cette époque, il est déjà connu aux Etats-Unis où des
expositions sont organisées.
Un an plus tard, il épouse sa première femme, Bella, avec laquelle il aura une
fille, Ida. Malheureusement, celle-ci décède en 1944. Chagall très triste,
suspend son travail durant des mois. Mais il rencontrera plus tard, Vava, qui
deviendra sa seconde épouse. Son histoire personnelle va beaucoup
l’inspirer et on retrouve très souvent des amoureux dans ses créations.
En 1941, en plein dans le second conflit mondial il est arrêté, mais grâce à
l’aide d’un journaliste américain il parvient à rejoindre les Etats-Unis pour fuir
l’antisémitisme. Après la seconde Guerre Mondiale, il s’établit en Provence et
se consacre à la pratique de la céramique, de la sculpture et de la
mosaïque. Il exécute également des œuvres monumentales (de grandes
dimensions) comme les vitraux de la cathédrale de Metz et le plafond de
l’Opéra de Paris.
On trouve souvent les tableaux de Miró naïfs et enfantins. Il a créé son propre
langage imaginaire, un style qui ressemble beaucoup aux dessins d’enfants à
cause de la simplicité de ses formes. C’est surtout après la seconde guerre
mondiale que Miró s’engage dans un art de plus en plus épuré. Il cherche la
pureté enfantine, la magie créatrice des premiers « gribouillages » d’enfants.
Mais chaque ligne, chaque couleur est « pensée » et en harmonie avec ce
qui est à proximité. Des motifs reviennent souvent dans ses œuvres :
« Les étoiles »
Symboles du voyage vers l’infini, les étoiles accentuent la poésie des œuvres.
« L’échelle »
Pour Miró, l’échelle symbolise l’évasion. Elle unit les mondes terrestres et
célestes et traduit son désir d’échapper à l’angoisse du monde terrestre.
« L’oiseau »
Pour Miró, l’oiseau incarne l’envol en toute liberté. « Ca m’impressionne un
oiseau qui vole », dit-il.
« Le soleil“
En parlant de son Espagne natale, Miró dira : Il y a des montagnes rouges, un
ciel magnifique et le disque du soleil qui m’a toujours fasciné ».
Dans l’exposition Observe bien les différents tableaux de Miro présents dans
l’exposition, arriveras-tu à repérer ces signes ?
A toi de jouer ! Observe bien les tableaux suivants. Ils ont tous les deux été
réalisés par Miro mais pas à la même époque, c’est pour cela qu’ils sont assez
différents. Pourtant ils ont un point commun....Lequel ?
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La couleur bien sûr !
Nous l’avons vu, Miro peint très souvent les mêmes signes dans ses œuvres.
Avec les œuvres présentes dans l’exposition, tu constates également qu’il
utilise presque toujours les mêmes couleurs : le bleu, le rouge, le vert, le jaune
et le noir.
Comme pour les œuvres de Miro, tu peux voir dans l’exposition qu’Henri
Matisse utilise souvent les mêmes couleurs d’une œuvre à l’autre. Avec cet
artiste, l’utilisation de la couleur se simplifie. Et sa technique des gouaches
découpées, lui permet de découper directement dans la couleur !
Voici un autre tableau d’Henri Matisse. Il l’a peint lorsqu’il était âgé de 39 ans.
Déjà, tu peux constater que l’artiste utilise des couleurs chaudes et vives qu’il
dépose sur la toile en de larges aplats.
Regarde cette
fenêtre, on dirait
un tableau.
Observe les
Regarde ce motif
couleurs que
sur la nappe, il
l’artiste a utilisées.
continue sur le
Comment sont-
mur. Cela donne
elles ?
à l’ensemble du
Ce sont des tableau un effet
couleurs très très décoratif.
vives et
lumineuses. Henri Matisse, La Desserte rouge,
1908, Huile sur toile, 180 x 220 cm, Saint Petersburg.
Valerio Adami
Valeri Adami est un peintre italien. Il est né à Bologne le 17 mars 1935. Les
thèmes principaux de ses œuvres sont la littérature, les voyages et les relations
entre la poésie et la musique.
La ligne noire joue un rôle très important dans les œuvres d’Adami. C’est elle
qui créé les volumes et les formes. La ligne noire structure le dessin. Elle
rappelle les vitraux des églises. Ensuite, Adami utilise toujours la même
technique est rempli ses formes avec des aplats de couleurs différents.
Regarde, il ne reste aucun blanc dans ses œuvres, elles sont entièrement
recouvertes de peinture.
Alexander Calder
Alexander Calder est surtout connu pour son travail de sculpteur. Il est né aux
Etats-Unis, à Philadelphie en 1898 et est mort à New-York en 1976.
Calder est né dans une famille d’artistes. Avant d’apprendre la peinture,
Calder fait des études d’ingénieur. En 1926, il se rend à Paris où il rencontre
de nombreux artistes avec lesquels il se liera d’amitié. Quelques années plus
tard, en 1932, il va créer des sculptures qui s’animent grâce à la présence
d’un moteur, puis uniquement grâce au vent. On les appelle Les Mobiles.
Calder est également auteur d'illustrations de livres, de décors de théâtre,
mais il est aussi peintre.
Comme Kandinsky, Calder est un artiste abstrait. Observe ces tableaux des
deux artistes, ils sont quand même forts différents, pourquoi ?
Alexander Calder
Wassily Kandinsky
Dans l’œuvre de Calder, les formes sont géométriques. Cerné par un contour
épais noir, l’intérieur des formes est rempli de couleurs disposées en aplats.
L’art cinétique, c’est quoi ? C’est un art qui propose des œuvres qui sont en
mouvement, qui bougent.
Observe attentivement cette œuvre. Les mêmes traits ont été reproduits
plusieurs fois, les uns sur les autres, dans des couleurs différentes. Grâce à
cette technique particulière, Pol Bury utilise la couleur comme moyen de
suggérer le mouvement.
Les couleurs de Folon : compare cette œuvre avec celles des autres artistes
que tu viens de découvrir. Comment sont les couleurs dans ce tableau ?
Les couleurs sont beaucoup plus claires et plus douces. Folon utilise de
l’aquarelle qu’il dispose en de larges dégradés.
Une aquarelle c’est quoi ? Une aquarelle est une œuvre faite avec de la
peinture à l’eau. Les dessins obtenus par cette technique semblent légers,
comme dans l’œuvre de Folon car les couleurs possèdent une certaine
transparence.
Après ce que tu as déjà appris, selon toi de quel genre de peinture s’agit-il
ici ? .........................................................................