Les valeurs de plans

Que peut-on mettre dans un cadre et dans quelle proportion ?

Il est important de vous poser cette question à chaque écriture de Story Board
et à chaque fois que vous prenez votre caméra.
Je décide de ce que je veux faire apparaître, ou au contraire, je décide de ce que
je souhaite isoler.

Le plan général.
Paysage ou décor vu à très grande distance, la
figure humaine est a peine visible.
Le plan est vaste, il met en valeur un décor
et rapetisse le sujet.

Permet d’illustrer des

sentiments psychologiques
de perte, d’abandon ou de
solitude du personnage.

Le plan d’ensemble.
Le personnage est intégré à un
environnement prépondérant,
cadré, construit.

Valorise l’environnement
du personnage.
Souvent utilisé en début ou
fin de séquence pour poser
le décor.
 Le plan large.
C’est un plan informatif qui permet de situer le lieu où se
déroule l’action. Il peut ainsi servir de plan maître que l’on
pourra ensuite entrecouper de plans plus rapprochés.

Le plan large ( par rapport

au plan d’ensemble) donne
plus de précision sur le
décor et la manière dont le
personnage va l’utiliser.

Le plan moyen.
IL se concentre plus précisément sur un ou plusieurs personnages.
Ceux-ci sont cadrés des pieds à la tête.
On veille traditionnellement à laisser un minimum d’espace libre en dessus et
au-dessous des personnages. On utilise très souvent cette valeur de plan pour
cadrer des sujets en mouvement.

Crée un équilibre entre

l’importance du
personnage et celui du
décor. C’est le plan des
actions.
 Le plan américain.
Le plan américain est un plan qui cadre le personnage à mi-cuisse.
Ce cadrage tient son nom du fait qu’il était utilisé dans les westerns.
Il permettait de cadrer les cow-boys avec leurs armes à la ceinture,
notamment pour les séquences ou ça bastonne.

Valorise le personnage, le
rend plus important que les
autres éléments de l’image.

Le plan de buste.
Il ne cadre plus les mains du personnage. C’est le plan
utilisé le plus souvent pour les reportages.
Il permet de donner une importance toute particulière à ce que la
personne est en train de dire.

Le corps du personnage,
coupé par le cadre n’est
plus un élément « parlant »
de l’image.
Le spectateur va se
concentré inconsciemment
sur les paroles.
 Le gros plan.
Il cadre spécifiquement la tête du personnage. On l’utilise
pour souligner une phrase importante ou une émotion du personnage.
(Le gros plan d’un pied qui appuie sur l’accélérateur, ça marche aussi).

Il permet de mieux
communiquer les émotions.

Le très gros plan.

Ce plan permet de retranscrire une émotion
particulière. Quant il ne cadre
pas un visage, il souligne le détail..

Utilisé pour dévoiler au

spectateur un petit détail
qui a toute son importance
dans l’histoire.
 Les axes caméra
Prise de vue en plongée
Lorsque la caméra est plus haute que le sujet et qu’elle filme ce dernier en pointant
l’objectif plus ou moins vers le bas, on parle d’un plan en plongée. Le plan en plongée
sur un personnage crée un effet d’écrasement qui permet de souligner sa vulnérabilité.
Il est souvent efficace pour un plan général puisqu’il permet d’avoir une réelle vision
d’ensemble de l’action.

Prise de vue en contre-plongée

A l’inverse, lorsque la caméra est plus basse que le sujet et que l’objectif pointe vers le
haut, on obtient un plan en contre-plongée. La contre-plongée permet de grandir les
personnages et crée un effet très dramatique. C’est ainsi que dans un film d’aventures
par exemple, on aura souvent tendance à filmer le héros en légère contre plongée afin
de lui donner une stature particulière.
Prise de vue subjective
Sans en abuser, la prise de vue subjective peut être intéressante puisqu’elle permet de
voir l’action à travers les yeux d’un des personnages.

Les mouvements de caméra

Il est très rare qu’un film soit composé uniquement d’une succession de plans fixes.
Cela peut toutefois être un effet de style et donner des résultats très intéressants.

Dans la très grande majorité des cas, la caméra est mobile et permet ainsi
d’accompagner l’action. Ce mouvement de la caméra doit être discret. Lorsqu’il est
discret, il permet de suivre l’action, d’accompagner un personnage, tout en sachant se
faire oublier. C’est le cas d’un panoramique ou d’un travelling lent et fluide que l’on
ne remarque pas, à condition qu’il ne soit ni en avance, ni en retard sur l’action.
Cette dernière condition résume tout l’art d’un mouvement de caméra réussi.

Panoramique
Le panoramique consiste à faire pivoter la caméra sur son axe. Concrètement, ce
mouvement s’effectue de gauche à droite, de droite à gauche, ou encore de haut en bas
et de bas en haut. On distingue ainsi un panoramique horizontal d’un panoramique
vertical. On peut également associer les deux mouvements ainsi que le montre notre
exemple de panoramique vertical.
Travelling
Le déplacement de la caméra elle même est connu sous le nom de ”travelling”. Le
travelling est sans aucun doute le type de plan le plus payant dans le langage
cinématographique. Il permet tout à la fois de suivre un sujet en mouvement et de
découvrir la géographie d’un lieu, ceci de manière souvent plus efficace qu’un
enchaînement de plans fixes.
Le travelling latéral va permettre, par exemple, de suivre ou de précéder un
personnage en mouvement tout en gardant la même valeur de plan rapproché. Le
travelling vertical quant à lui consiste à faire varier la position de la caméra de bas en
haut, ou inversement. Il sera plus typiquement utilisé comme un plan descriptif, par
exemple, sur la façade d’un monument.

Composition du cadre
La règle des tiers
D’une manière générale, lorsque l’on regarde une image, le regard commence par se
focaliser sur le centre du cadre puis va se décaler vers les coins ou vers les parties les
plus claires.
La règle des tiers tire partie de cette tendance naturelle du regard à se déplacer vers les
quatre coins du cadre. En plaçant les éléments significatifs de votre image sur l’un des
quatre points d’intersection, vous vous assurez d’y retenir l’attention du spectateur.