GRANDE SALLE PIERRE BOULEZ – PHILHARMONIE

Gabriel Yared
Samedi 9 décembre 2017 – 20h30
 WEEK-END MUSIQUES À L’IMAGE

Samedi 9 décembre
20H30 CONCERT AVEC IMAGES AC T IVIT É S C E WEEK-END
GABRIEL YARED SAMEDI
LONDON SYMPHONY ORCHESTRA
Visite-atelier du Musée à 14h30
DIRK BROSSÉ, DIRECTION LES MUSIQUES DE FILM
GABRIEL YARED, PIANO ET DIRECTION
CATHERINE RINGER, CHANT Ciné-conférence de 14h30 à 16h30
YAEL NAIM, CHANT RÉVÉLATIONS
JUANJO MOSALINI, BANDONÉON
LEWIS MORISON, SAXOPHONE Projection à 16h30
GABRIEL YARED
Ce concert est précédé d’une Rencontre avec
Gabriel Yared animée par Stéphane Lerouge à
11h dans la Salle de conférence - Philharmonie. Rencontre à 17h30
Entrée libre. ÉVOQUER GABRIEL YARED

Spectacle en images à 19h

Dimanche 10 décembre INFINITE, A SPACE ODYSSEY

16H30 CONCERT AVEC IMAGES DIMANCHE

Concert-performance à 15h
HOMMAGE À STEVEN SPIELBERG MUSIQUES DE FILM REVISITÉES
LONDON SYMPHONY ORCHESTRA
FRANK STROBEL, DIRECTION
E T AUS SI
Ce concert est précédé d’une Rencontre avec les
Enfants et familles
musiciens du London Symphony Orchestra animée
par Stéphane Lerouge à 15h15 dans la Salle de
Concerts, ateliers, activités
conférence - Philharmonie. Entrée libre. au Musée…
Une Récréation musicale est proposée à 16h Adultes
aux enfants de 3 à 10 ans dont les parents assistent Ateliers, conférences, visites guidées
au concert. 8€ par enfant, réservation conseillée. du Musée…
 PROGRAMME

Gabriel Yared

London Symphony Orchestra

Dirk Brossé, direction (sauf Camille Claudel)
Gabriel Yared, piano, direction
Catherine Ringer, chant
Yael Naim, chant
Juanjo Mosalini, bandonéon
Lewis Morison, saxophone

FIN DU CONCERT VERS 22H45.

 LES ŒUVRES

Suite 37°2 le matin

I. C’est le vent, Betty

II. Des orages pour la nuit
III. Betty et Zorg

Lewis Morison, saxophone solo

Réalisation : Jean-Jacques Beineix, d’après le roman éponyme

de Philippe Djian (1985).
Production/distribution : Cargo Films.
Sortie : 1986.
Durée de la Suite : environ 8 minutes.

Suite La Lune dans le caniveau

I. La Folie des docks

II. Fugue de la cathédrale
III. Valse de Loretta
IV. Tango de l’impasse

Juanjo Mosalini, bandonéon solo

Réalisation : Jean-Jacques Beineix, d’après le roman éponyme de David Goodis.

Production/distribution : Cargo Films.
Sortie : 1983.
Durée de la Suite : environ 11 minutes.

4
L’Amant

Promenade en limousine

Réalisation : Jean-Jacques Annaud, d’après le roman éponyme

de Marguerite Duras (1984).
Production/distribution : Pathé Films, France 2 Cinéma, Burrill Prod.
Sortie : 1992.
Durée : environ 4 minutes.

Suite The English Patient [Le Patient anglais]

I. Szerelem
II. The English Patient
III. Rupert Bear
IV. Convento di Sant’Anna
V. I’ll Always Go Back to That Church

Catherine Ringer, chant

Réalisation : Anthony Minghella, inspiré du roman L’Homme flambé

de Michael Ondaadje.
Production/distribution : The Saul Zaentz Company.
Sortie : 1996.
Durée de la Suite : environ 12 minutes.

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Suite Cold Mountain [Retour à Cold Mountain]

I. Ada Plays
II. I Hardly Know Her

Réalisation : Anthony Minghella, d’après le roman de Charles Frazier (1997).

Production/distribution : The Saul Zaentz Company.
Sortie : 2003.
Durée de la Suite : environ 5 minutes.

Suite The Talented Mr. Ripley [Le Talentueux M. Ripley]

I. Lullaby for Cain

II. Crazy Tom

Yael Naim, chant

Anthony Minghella, paroles

Réalisation : Anthony Minghella, d’après le roman The Talented Mr. Ripley

de Patricia Hinghsmith (1955).
Production/distribution : The Saul Zaentz Company.
Sortie : 1999.
Durée de la Suite : environ 7 minutes.

6
Suite Camille Claudel

I. Sextuor
II. Camille
III. Camille et Rodin
IV. La Valse

Gabriel Yared, direction

Réalisation : Bruno Nuytten.

Production/distribution : Studio Canal.
Sortie : 1988.
Durée de la Suite : environ 15 minutes.

ENTRACTE

Tatie Danielle

La Complainte de la vieille salope

Catherine Ringer, paroles et chant

Lewis Morison, saxophone solo

Réalisation : Étienne Chatiliez.

Sortie : 1990.
Durée de la Suite : environ 4 minutes.

7
Suite Juste la fin du monde

I. Valse de fin
II. Bach à Glass

Réalisation : Xavier Dolan, d’après la pièce de théâtre éponyme

de Jean-Luc Lagarce (1990).
Production/distribution : MK2 / Diaphana.
Sortie : 2016.
Durée de la Suite : environ 7 minutes.

Suite For an Unreleased Film

I. Moderato
II. Adagio

Durée de la Suite : environ 11 minutes.

Suite Wings of Courage [Les Ailes du courage]

I. Acceptance
II. Alley Tango
III. Waltz
IV. Finale

Juanjo Mosalini, bandonéon solo

Réalisation : Jean-Jacques Annaud.

Sortie : 1995.
Durée de la Suite : environ 7 minutes.

Les partitions ont été préparées par Jeff Atmajian.

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Les innombrables territoires musicaux de Gabriel Yared

« Quand j’écris pour un film, je veux avoir le temps de chercher dans

tous les sens, de creuser toutes les directions possibles, au risque de me
tromper. Et, en définitive, les morceaux conservés au mixage sont aussi
importants que les morceaux non conservés : cela fait partie intégrante
du processus de création. On ne peut pas donner à la musique de film
la même importance que la musique symphonique si on ne la pratique
pas avec la même rigueur et discipline. D’ailleurs, je suis étonné par
les compositeurs qui cloisonnent, ceux qui disent écrire d’un côté de
la musique pour l’image et, de l’autre, de la musique pour le concert
(sous-entendu pour un public plus mélomane et évolué). Au contraire,
c’est bien pour le cinéma qu’il faut composer avec la plus grande exi-
gence, dans l’intention d’élever un très large public. » Voilà les mots
avec lesquels Gabriel Yared évoque sa conception de l’écriture pour
l’image, reflet d’un parcours unique, au contact de cinéastes français,
britanniques, italiens, libanais, grecs, égyptiens, américains. Il y a dans
sa position une intégrité, une rectitude qui amènent au constat suivant :
Yared n’écrit pas par fonction mais par conviction. Pour apporter son
éclairage musical, sa lumière à un film, il lui faut un minimum d’affinités
avec le metteur en scène, avec le sujet et son traitement. D’où plusieurs
partitions fracassantes, fruits d’une vraie chimie humaine et esthétique
(avec Beineix, Minghella, Annaud, Dembo, Rappeneau, Ocelot, Leconte,
Dolan…). D’où aussi, parfois, des déceptions quand le film ne se révèle
pas à la hauteur de ses ambitions. « Lorsqu’il m’est arrivé d’accepter un
projet pour de mauvaises raisons, confesse-t-il, la qualité de mon travail
s’en est ressentie, fatalement. »

À sa manière, Gabriel Yared ressemble à certains dieux hindous, multi-

formes. On pourrait presque dire qu’il y a autant de Yared que de films
mis en musique par Yared. Cela tient aussi à sa trajectoire personnelle :
né à Beyrouth en 1949, il abandonne rapidement ses études de droit pour
suivre en auditeur libre les cours d’Henri Dutilleux et de Maurice Ohana
à l’École Normale de Paris. C’est à Rio qu’il va ensuite séjourner pendant
un an et demi, collaborant notamment avec Ivan Lins, ambassadeur de
la bossa moderne. La musique brésilienne l’entraîne dans un torrent de
voluptés façon sucré-salé, comme un étrange mariage de soleil et de

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larmes, rejoignant l’une de ses préoccupations : une ligne de chant claire,
qui parle au cœur, aux sentiments, mais troublée par une harmonisation
et un contrepoint savants.

À son retour à Paris, en 1973, la chanson le happe : il devient l’un des

couturiers vedettes de la variété de l’époque, écrivant les arrangements
et dirigeant les séances de Michel Jonasz, Johnny Hallyday, Charles
Aznavour, Françoise Hardy et même Francis Lai, pour l’unique incursion
de Claude Lelouch dans le western (Un autre homme, une autre chance).
Pour Gabriel Yared, l’homme providentiel va s’appeler Jacques Dutronc :
le chanteur de « J’aime les filles » le recommande aux metteurs en scène
de deux films dans lesquels il fait l’acteur, Jean-Luc Godard pour Sauve
qui peut (la vie) et Christian de Chalonge pour Malevil, d’après le roman
de Robert Merle. Si l’aventure Malevil s’achève avec désillusion (musique
tronquée, escamotée), le face-à-face avec Godard produit de belles
fulgurances. « Il ne m’a montré aucune image, ne m’a pas donné de
script, à l’exception d’un court synopsis, se souvient Gabriel Yared. On
a d’abord longuement parlé, dans un bistrot de Saint-Cloud. Puis, au
cours de l’enregistrement, Godard est resté silencieux, réagissant très
rarement aux morceaux qu’il découvrait. Il a ensuite monté ses images
sur ma musique, non sans pratiquer les coupes drastiques et brutales
qui reflètent son point de vue, passionnant, sur la bande sonore. Cette
expérience a eu une influence considérable sur mon travail : elle a fait
naître en moi l’envie de composer de la musique avant toute chose, en
restant au plus près du projet artistique, mais sans chercher à coller à
une image précise. La composition hors image, nourrie par la lecture du
scénario, par mes discussions avec le metteur en scène, a longtemps été
ma méthode préférée. Au fil des années, j’ai mis de l’eau dans mon vin :
désormais, dans un deuxième temps, j’affine, je cisèle ma musique en
fonction de l’image, de la lumière, du jeu des comédiens, du montage.
En fait, j’aime accompagner un projet du début à la fin. »

Sauve qui peut (la vie) va sceller un étrange paradoxe : premier long
métrage de Gabriel Yared, dernier de Godard avec musique originale.
Voilà la carrière cinématographique de Yared lancée. Mais, à vrai dire,
c’est comme s’il avait déjà vécu plusieurs vies. À travers le cinéma, il va
simplement trouver le moyen de réaliser la synthèse entre ses différentes

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cultures. Car tel est le paradoxe de Gabriel Yared : citez Alban Berg,
il vous parlera de Marvin Gaye ; évoquez Bobby McFerrin, il vous répondra
sur L’Enfant et les Sortilèges.

Le 26 février 1981, Dutronc invite son protégé à diriger en direct deux
suites symphoniques, l’une de Sauve qui peut (la vie), l’autre de Malevil,
dans Le Grand Échiquier que lui consacre Jacques Chancel. Devant son
écran de télévision, le jeune cinéaste Jean-Jacques Beineix, dont le pre-
mier long métrage Diva va sortir trois mois plus tard, tombe amoureux
de l’écriture de Yared. Ils se rencontrent courant 1982, en amont du
tournage à Cinecittà de La Lune dans le caniveau. « J’ai le sentiment
d’avoir trouvé l’équivalent avec des notes de mon univers », déclare alors
Beineix. Impression confortée par le fait de bénéficier de la partition
sur le plateau, du Tango de l’impasse à La Folie des docks, vertigineux
ostinato dont Yared déclinera le principe dans Le Talentueux Mr Ripley
(Crazy Tom) et Bon voyage (Crazy Fred). Sans parler de la délicate et
pudique Valse de Loretta, née de sa rencontre avec Nastassja Kinski.
« Écrire la musique d’un film, c’est aussi faire un portrait, souligne-t-il. Ce
qui m’est arrivé avec Nastassja mais aussi avec Isabelle Adjani, Juliette
Binoche et Angelina Jolie. » Le binôme Yared-Beineix poursuivra sa route
avec deux autres opus, dont 37°2 le matin, premier succès discographique
à grande échelle du compositeur.

C’est aussi l’époque où Yared renoue avec ses racines, presque à son
insu. « Enfant, avoue-t-il, la musique arabe ne m’attirait pas. Au contraire,
elle me plongeait dans une infinie tristesse. Je la rejetais, je ne cherchais
ni à la comprendre ni à l’assimiler. C’est par et grâce au cinéma que j’ai
pris conscience de sa richesse, sur le tard. En réveillant des réminis-
cences musicales de mon adolescence : le son de la radio qui s’échappe
des cafés, l’appel à la prière des muezzins… D’une certaine façon, j’ai
replongé dans cette culture en exorcisant mon passé. » À Beyrouth,
le jeune Gabriel rêvait de musique occidentale ; à Paris, il fait éclater sa
redécouverte de la musique orientale au gré des images d’Hanna K.,
Les Petites Guerres, Adieu Bonaparte et Azur et Asmar.

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En l’espace de quelques années, Gabriel Yared impose sa signature à
l’échelle mondiale en multipliant les collaborations avec Bruno Nuytten
(Camille Claudel), Robert Altman (Beyond Therapy, Vincent & Theo),
Étienne Chatiliez (Tatie Danielle), Jean-Jacques Annaud (L’Amant) et
même le tumultueux Jean-Pierre Mocky, le temps de plusieurs bouf-
fonneries hallucinogènes (Les Saisons du plaisir, Une nuit à l’Assemblée
nationale) et d’un thriller très maîtrisé (Agent trouble). Inconditionnel de
la partition de 37°2, le Britannique Anthony Minghella contacte Gabriel
Yared en 1996 pour Le Patient anglais, fresque d’influence leanienne, qui
vaudra un Oscar à son compositeur. À l’instar de Maurice Jarre, c’est via
l’Angleterre que Gabriel Yared va conquérir les États-Unis. Le tsunami du
Patient anglais conditionne son image auprès du public anglo-saxon, celle
d’un compositeur d’inspiration romantique ou néoromantique. Étiquette
flatteuse (qu’Hollywood va largement exploiter) mais réductrice, ne
correspondant pas à la réelle palette de ses capacités. D’autant que ses
trois autres longs métrages avec Minghella ne copieront jamais la formule
magique du Patient anglais. Ils la contrediront presque, en particulier Par
effraction (co-composé avec le groupe pop Underworld) et Le Talentueux
Mr Ripley, dont la troublante Lullaby for Cain, au lyrisme ambivalent,
s’impose comme l’un des Everest de Yared. « Les paroles écrites par
Anthony délivrent un message extrêmement subversif, explique-t-il.
“La haine t’a fait tuer ton frère mais dors, mon fils, dors”. C’est une façon
de mettre le spectateur sur les rails du sujet mais sans rien en dévoiler.
Tout cela a été possible grâce à la confiance de Minghella. Pendant dix
ans, il a été le cinéaste qui a su le mieux me pousser vers des chemins
inexplorés, puiser au fond de moi des ressources nouvelles. Aucune de
nos aventures partagées ne souffre du syndrome de répétition. C’est
une leçon que je garde de lui : briser les habitudes, les automatismes,
car se répéter, c’est mourir. »

Depuis plusieurs années, Gabriel Yared se fait plus rare, plus sélectif
et semble se régénérer auprès d’une nouvelle génération d’auteurs :
Cédric Kahn (pourtant réfractaire à la musique originale), Florian Henckel
von Donnersmarck (La Vie des autres, co-composé avec Stéphane
Moucha), Maïwenn (Le Bal des actrices), Jan Kounen (Coco Chanel et Igor
Stravinsky), Roschdy Zem (Chocolat), Rupert Everett (The Happy Prince)
et Xavier Dolan (Tom à la ferme, Juste la fin du monde, The Death and

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Life of John F. Donovan), auprès duquel il retrouve une complicité équi-
valente à celle qui le liait à Anthony Minghella. « Sur notre premier film,
souligne le jeune cinéaste québécois, je n’ai jamais rencontré Gabriel. Je
n’ai entendu sa voix qu’au téléphone. Mais j’ai rencontré sa musique, son
travail et la vaste étendue de son imaginaire. Pour moi, dans le rapport
à la musique, cette collaboration a remis les choses en perspective. »

Aujourd’hui, les rêves de Gabriel Yared semblent toujours le porter vers

la musique de ballet (où il s’est illustré avec Carolyn Carlson, Roland Petit,
Wayne McGregor et le Royal Ballet de Londres), l’opéra et les concerts
de ses compositions pour l’image, réunissant des solistes du Nouveau
Monde. Récemment, son confrère Alexandre Desplat lui a rendu hom-
mage avec une singulière relecture de Camille Claudel pour le Traffic
Quintet, retour symbolique au premier traitement de l’ouvrage, pour qua-
tuor à cordes. Après trente-sept ans de mariage avec le cinéma, Gabriel
Yared est plus que jamais un compositeur voyageur, un créateur d’une
sensibilité à fleur de peau, dont plusieurs bandes très originales font déjà
partie de la mémoire collective. Cet hommage à la Philharmonie de Paris
est l’occasion d’évoquer librement son rapport à l’image, avec sa part
d’interrogations mais aussi son lot de réussites, de convictions. Une pos-
sibilité unique d’explorer les innombrables territoires du continent Yared.

Stéphane Lerouge

Double page suivante :

Partition de Camille Claudel, Gabriel Yared.

13
Le LSO et l’industrie du rêve

Très tôt, des relations privilégiées se sont établies entre le London

Symphony Orchestra et l’industrie du cinéma. En 1935, le LSO enre-
gistre, sous la direction de Muir Mathieson, la musique composée par
Sir Arthur Bliss du chef-d’œuvre de William Cameron Menzies La Vie
future. Les rencontres avec le septième art se poursuivent avec des com-
positeurs britanniques tels que Ralph Vaughan Williams (L’Aventure sans
retour, Le 49e Parallèle) et William Walton (Hamlet, Henry V ) ou encore
le Hongrois Miklós Rózsa (Les Quatre Plumes blanches).

Point culminant de ces échanges, dans L’Homme qui en savait trop, Alfred
Hitchcock met en scène le LSO sur l’une des séquences les plus célèbres
de l’histoire du cinéma : une tentative d’assassinat au Royal Albert Hall
lors d’un concert où est interprétée la cantate Storm Clouds d’Arthur
Benjamin, sous la direction, en 1934, de H. Wynn Reeves puis, en 1956,
de Bernard Herrmann.

Mais c’est sous l’influence d’André Previn, l’audacieux et turbulent chef

nommé à la direction du LSO en 1968, que se concrétise la relation de
l’orchestre avec « l’industrie du rêve ». En 1970, Previn enregistre avec
le LSO Music Lovers de Ken Russell, libre évocation de la vie tourmentée
de Tchaïkovski. Il est mandaté pour adapter et diriger à l’image certaines
œuvres du maître russe. Rollerball, en 1974, lui donne l’occasion de
retrouver Norman Jewison (Jesus Christ Superstar). Previn s’acquitte de
la mission en adaptant judicieusement un programme constitué d’œuvres
de Bach, Chostakovitch, Tchaïkovski et Albinoni, qu’interprète le LSO
sous sa direction.

Une grande partie de la production de Star Wars (1977) étant localisée

en Angleterre, George Lucas suggère à John Williams d’enregistrer
la partition à Londres. Williams et Previn se connaissent déjà, Williams
ayant arrangé et dirigé des chansons originales de Previn pour La Vallée
des poupées en 1967, et le choix du LSO s’impose naturellement.

16
La musique de John Williams entre dans la légende. L’adhésion est uni-
verselle, et le double album de la bande originale atteint des records de
vente. Les récompenses pour la musique se succèdent : Golden Globes,
BAFTA et, bien sûr, Oscar.

Le LSO, l’orchestre le plus populaire au monde, devient la caution

prestigieuse pour les producteurs et les musiciens de film. Outre les
projets de Williams (Furie, Superman, Dracula, la saga des Star Wars de
1977 à 2005, Les Aventuriers de l’arche perdue, Monsignor, Harry Potter
et la chambre des secrets), le LSO enchaîne sans relâche les musiques
de film avec James Horner (Aliens, Braveheart), Alan Silvestri (Qui veut
la peau de Roger Rabbit ?, Red 2), Basil Poledouris (La Chair et le sang),
Philippe Sarde (Tess, La Guerre du feu), Michel Legrand (Un amour en
Allemagne), Henry Mancini (Lifeforce), David Shire (Oz, un monde mer-
veilleux), Bill Conti (F.I.S.T., L’Étoffe des héros), George Fenton (Mary
Reilly, Les Ombres du cœur), Trevor Jones (Dark Crystal, Coup de foudre
à Notting Hill), Patrick Doyle (Harry Potter et la coupe de feu, Le Limier),
Thomas Newman (Les Quatre Filles du docteur March), Pino Donaggio
(Le Fils de Chucky), Alexandre Desplat (The Queen, Harry Potter et les
reliques de la mort), Roy Budd (Les Oies sauvages II) et Philippe Rombi
(Joyeux Noël).

Édouard Dubois

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 LE COMPOSITEUR ET INTERPRÈTE
Gabriel Yared
Récompensé d’un Oscar, Gabriel Yared
compte parmi les compositeurs les plus
reconnus et respectés aujourd’hui.
Il a remporté l’Academy Award pour
la musique du film Le Patient anglais
d’Anthony Minghella, lequel lui a éga-
lement valu le BAFTA, le Golden
Globe et le Grammy Award. Né à
Beyrouth, Gabriel Yared s’est d’abord
fait connaître pour son travail dans
le cinéma français, commençant avec
Jean-Luc Godard puis composant
la bande originale de 37°2 le matin
réalisé par Jean-Jacques Beineix. On
lui doit également la musique de ballet
de Clavigo donné à l’Opéra de Paris
ou de Raven Girl de Wayne McGregor
LES INTERPRÈTES
Catherine Ringer
Mannequin enfant, Catherine Ringer
devient, à 17 ans, chanteuse dans divers
spectacles musicaux. En 1979, à 21 ans,
elle rencontre Fred Chichin, 24 ans,
guitariste, fou de synthétiseurs, com-
positeur et ingénieur du son, et fonde
avec lui ce qui deviendra en 1982 Les
Rita Mitsouko. En 1985 sort leur single
« Marcia Bailla », succès à la fois rock,
dance et chanson française. Suivront
18
donné par le Royal Opera Ballet de
Londres. Plus récemment, il a com-
posé la musique du sixième film de
Xavier Dolan, Juste la fin du monde,
qui a remporté le Grand Prix du Festival
de Cannes en 2016. Gabriel Yared était
membre officiel du jury du Festival
de Cannes en 2017. Il a composé
la musique du prochain film de Xavier
Dolan, The Death and Life of John
F. Donovan, avec Jessica Chastain et
Natalie Portman, de The Happy Prince
(Oscar Wilde) réalisé par Rupert Everett,
et travaille actuellement sur la bande
originale du dernier film d’animation de
Michel Ocelot, Dilili à Paris.
« Andy », « C’est comme ça »… Catherine
Ringer et Fred Chichin travaillent avec
Tony Visconti, Iggy Pop, les Sparks,
Jesse Johnson, William Orbit, Serj
Tankian… Ils sont également connus
pour leurs vidéoclips dans le style « petit
music-hall ». Catherine Ringer et Fred
Chichin travaillent ensemble mais aussi
séparément : musiques de film, comé-
dies musicales, productions hip-hop…
Leur collaboration durera vingt-huit ans
et donnera naissance à huit albums.
En 2007, un cancer fulgurant fauche
Fred Chichin en pleine tournée de
leur album Variéty. La tournée reprend
quelques mois plus tard puis se termine,
fin 2008, sur l’album Catherine Ringer
chante Les Rita Mitsouko and more
enregistré en live. En 2011 paraît Ring
n’ Roll, son premier album solo. En 2014
sort Plaza Francia, A New Tango Song
Book, où elle interprète le tango nuevo
­d’Edouardo Makaroff et Christoph
H. Müller (de Gotan Project). Son der-
nier album, Chroniques et Fantaisies,
a tout juste paru le 3 novembre 2017.
Yael Naim
Née à Paris, Yael Naim passe son
enfance en Israël, où elle se découvre
une passion pour la musique classique
– dix ans de cours de musique et de
piano au conservatoire – puis pour les
musiques pop, jazz et folk. Durant son
service militaire, elle fonde le groupe
The Anti Collision, au sein duquel elle
se produit sur les scènes des clubs israé-
liens. En 2000, elle revient en France et
est repérée par le label EMI. En 2001,
elle sort, sous le pseudonyme de Yael
et de façon assez confidentielle, l’al-
bum In a Man’s Womb. À la même
époque, elle participe successive-
ment à trois projets initiés par Élie
Chouraqui : deux comédies musicales
(Les Dix Commandements et Spartacus
le gladiateur) et une bande originale
de film, Harrison’s Flowers. En 2004,
Yael Naim collabore avec le musicien
et producteur Readymade FC pour
19
l­’enregistrement de deux chansons
qui figureront sur l’album Babilonia.
La même année, elle rencontre David
Donatien et commence à travailler avec
lui sur un nouvel album. Leur travail
commun aboutit au bout de trois ans
à une signature sur le label Tôt ou tard
et à l’album Yael Naim (2007). Il atteint
la sixième place du Top Albums et
sortira dans dix-huit pays. L’année sui-
vante, la chanson « New Soul » de ce
premier album, utilisée par Apple dans
l’une de ses publicités, fait son appari-
tion dans la plupart des autres charts
internationaux, dont le Billboard Hot
100 (Top 10). En France, la chanson se
classe en deuxième place des ventes.
La même année, Yael Naim remporte
la Victoire de la musique du meilleur
album musiques du monde. Yael Naim
et David Donatien entament alors une
tournée de deux ans et de plus de deux
cents concerts à travers le monde. En
parallèle, Yael Naim est conviée à par-
ticiper à quelques projets extérieurs
– un album autour de Robert Wyatt
avec l’Orchestre National de Jazz de
Daniel Yvinec, un projet hommage au
groupe de musique industrielle Coil sur
l’album The Dark Age of Love, le mor-
ceau « Love is Bird » en duo avec Variety
Lab. Au printemps 2010, Yael Naim est
choisie comme invitée d’un épisode
de la série télévisée d’animation Les
Simpson (La Plus Grande Histoire jamais
ratée). L’album She Was a Boy (2010),
de nouveau coproduit avec David
Donatien, comporte treize chansons ori-
ginales. L’album est salué par la presse
et confirme les talents d’écriture de Yael
Naim ; il sera certifié platine en France.
Une tournée internationale de deux
ans suit la sortie de l’album, traversant
l’Europe, les États-Unis, le Japon et
l’Amérique du Sud. En 2011, Yael Naim
est consacrée Artiste féminine de l’an-
née par les Victoires de la musique. Elle
est marraine de l’association Solidarité
Sida ; elle a également offert la chanson
« If You See » à Amnesty International.
En 2013, elle a été nommée chevalier
dans l’ordre des Arts et des Lettres.
En 2014, elle chante en duo le single
« Cover me Over » avec Slow Joe & the
Ginger Accident, premier extrait de
l’album Lost for Love de ce dernier. En
2015 sort un nouvel album, coproduit
et co-composé avec David Donatien,
Older. En 2016, Yael Naim est à nouveau
Artiste féminine de l’année des Victoires
de la musique.
Juanjo Mosalini
Héritier de la tradition du bandonéon,
Juanjo Mosalini développe aujourd’hui
toutes les facettes de l’instrument
au sein d’ensembles qui perpétuent
la grande expression musicale de
­l’Argentine. Mais il est avant tout l’inter­
prète passionné des compositeurs
phares de ce début du xxie siècle. Dans
les formations de chambre ou les plus
prestigieux orchestres du monde dont
il est le soliste, Juanjo Mosalini fait
parler le fueye avec tout le vocabulaire
musical classique, moderne et contem-
porain. En duo avec le guitariste Vicente
Bögeholz, il explore l’univers des
20
rythmes argentins dans la musique de
chambre actuelle. Plus encore, il plonge
dans les improvisations et dans la com-
position de musique électronique avec
la complicité du contrebassiste de
jazz Olivier Sens. C’est aussi pour lui
une évidence de laisser libre cours à
sa création personnelle dans une har-
monie parfaite avec la voix humaine,
comme celle de Silvana Deluigi. Sur les
scènes du monde entier, il est présent
au sein du quatuor de Luis Bacalov, de
l’ensemble de Gerardo Jerez Le Cam
ou avec Tomás Gubitsch. Enfin, Juanjo
Mosalini est l’un des rares bandonéo-
nistes internationaux à jouer réguliè-
rement comme soliste avec de grands
orchestres classiques. Né en 1972 à
Buenos Aires, il est le fils de Juan José
Mosalini, grande figure du tango argen-
tin. Passant toute son enfance au sein
de la communauté des musiciens argen-
tins, ayant comme professeurs Gustavo
Beytelmann et Enzo Giecco, il ressent
très tôt le désir d’ouvrir de nouveaux
chemins à cette forme musicale. Il com-
mence ses études de bandonéon avec
son père à l’âge de 16 ans. En 1989,
Juanjo Mosalini est l’invité de Marcel
Azzola à Radio France. Cette même
année est créée la classe de bandonéon
du Conservatoire de Gennevilliers.
Il en obtient le premier prix en 1993 et
y enseigne dès lors durant cinq années
parallèlement aux cours qu’il donne
au Conservatoire d’Alfortville. Juanjo
Mosalini est aujourd’hui professeur
du Conservatoire de Gennevilliers.
Sa carrière prend un essor notoire de
1992 à 1997 comme b ­ andonéoniste de
l’Orchestre Mosalini et du Trio Gomina
dirigé par Leonardo Sánchez. Il par� -
tage également la scène avec Toots
Thielemans, Mino Cinelu, Gotan Project,
Le Cirque du soleil, Catherine Lara,
Julien Clerc, Elli Medeiros, Juliette,
I Muvrini, Julia Migenes. Il travaille
aussi avec Gabriel Yared pour le film
Wings of Courage de Jean-Jacques
Annaud, ou avec Éric Serra pour Léon
de Luc Besson et en tant qu’interprète
et compositeur pour Jeanne et le gar-
çon formidable d’Olivier Ducastel et
Jacques Martineau, avec le compositeur
Philippe Miller.
Lewis Morison
Lewis Morison a étudié la musique et
la prise de son à l’Université du Surrey
en Grande-Bretagne, où il a remporté
le prix de composition Joyce Dixey
en 2004. Très présent sur la scène de
jazz londonienne, il s’est formé auprès
de Tim Whitehead, Iain Ballamy,
Tony Woods et Terry Evans avant de
se rendre à Paris pour travailler avec
Gabriel Yared. Il continue d’écrire et de
se produire avec son groupe de jazz ou
d’autres ensembles à Paris, à Londres
et dans le monde entier. Très actif dans
les domaines de la composition et du
cinéma, il a participé à la production de
plus de quatre-vingts bandes originales
de films et de téléfilms, parmi lesquels
Jackie, Le Hobbit, Skyfall et Argo.
21
Dirk Brossé
Né à Gand, Dirk Brossé mène une
brillante carrière internationale de
chef d’orchestre et de compositeur.
Il est aujourd’hui directeur musical du
Chamber Orchestra of Philadelphia et
du Film Fest Gent, également profes-
seur de composition et de direction
au Conservatoire royal de musique
de Gand. John Williams l’a choisi
comme chef titulaire de la tournée
internationale Star Wars en concert.
On lui doit près de quatre cents com-
positions – touchant à des genres
aussi variés que le concerto, l’orato-
rio, le lied, la musique de chambre,
la musique de film, la comédie musicale
ou la symphonie. En 2015, il a enre-
gistré son concerto pour violoncelle
Cello Concerto for Isabelle avec Marie
Hallynck et le London Symphony
Orchestra. Il a éga­lement beaucoup
composé pour le cinéma, la télévision
et la scène, pour des films tels que
Boerenpsalm, Koko Flanel, Daens,
The Lovers et Knielen, ou pour la série
télévisée Parade’s End de la BBC/HBO,
ce qui lui a valu une nomination aux
Emmy Awards. Dirk Brossé a réalisé
plus de quatre-vingts enregistrements
et collaboré avec des artistes de renom
international tels que José Van Dam,
Barbara Hendricks, Julia Migenes,
Claron McFadden, John Williams,
Toots Thielemans, Hans Zimmer,
Elmer Bernstein, Emma Thompson,
Kenneth Branagh, Sinead O’ Connor,
Maurice Jarre, Michel Legrand, Youssou
N’Dour… Il a travaillé notamment avec
les metteurs en scène Stijn Coninx,
Frank Van Laecke, Susanna White et
Roland Joffé, ainsi qu’avec les écrivains
Gabriel García Márquez, Seth Gaaikema
et Didier Van Cauwelaert. Sa carrière
de chef d’orchestre l’a amené à diriger
de grandes formations, en Belgique
ou dans le reste du monde, parmi les-
quelles le London Symphony Orchestra,
le London Philharmonic Orchestra,
le Royal Philharmonic, l­’Opéra de
Vancouver, l’Orchestre de l’Opéra de
Lyon, le Hong Kong Chinese Orchestra,
l’Orchestre de la Suisse Romande… En
2008, il a fait ses débuts au Royal Albert
Hall de Londres à la tête du London
Symphony Orchestra dans un pro-
gramme consacré à la musique de film,
« A Night of Music from the Movies ».
Il a débuté au Carnegie Hall de New
York en 2016. Il s’est vu remettre le titre
d’ambassadeur culturel des Flandres,
la médaille d’or du Mérite du Parlement
des Flandres, le prix Achille Van Acker,
le prix honoraire Joseph Plateau et
le prix d’excellence en créativité cultu-
relle du Global Thinkers Forum. Dirk
Brossé a été fait citoyen honoraire de
Destelbergen en 2010 et chevalier
de Belgique en 2013. Il est membre
de l’Académie royale flamande des
sciences et des arts de Belgique.
London Symphony Orchestra
Le London Symphony Orchestra
(LSO) a toujours à cœur d’offrir une
musique d’une grande qualité au plus
grand nombre de spectateurs. C’est
la pierre angulaire de ses activités. Cet
22
­ ngagement s’est développé et conso-
e
lidé depuis plus de cent ans. Fondé en
1904 par de grands musiciens londo-
niens, le London Symphony Orchestra
est un collectif musical autonome basé
sur la propriété artistique et le partena-
riat. L’orchestre est encore aujourd’hui
la propriété de ses membres, et sa
signature sonore est la combinaison
de l’implication et de la virtuosité de
ses quatre-vingt-quinze musiciens, qui
viennent du monde entier. Le LSO est
en résidence au Barbican de Londres,
où il donne soixante-dix concerts sym-
phoniques par an. Il donne par ailleurs
soixante-dix autres concerts chaque
saison à travers le monde. L’orchestre
collabore avec de nombreux artistes
dont les plus grands chefs d’orchestre
– Sir Simon Rattle, son nouveau direc-
teur musical, Gianandrea Noseda et
François-Xavier Roth, ses chefs invités
principaux, Michael Tilson Thomas,
son chef lauréat, et André Previn, son
chef émérite. LSO Discovery, le pro-
gramme communautaire et éducatif de
l’orchestre, basé à LSO St Luke’s, par-
tage le travail du LSO avec l’ensemble
de la société et touche soixante mille
personnes chaque année. Le LSO va
plus loin avec son propre label d’en-
registrement, LSO Live – le premier
du genre lancé en 1999 –, qui diffuse
sa musique partout dans le monde et
touche des millions d’auditeurs.
Directeur musical Violons II
Sir Simon Rattle Thomas Norris
Miya Vaisanen
Principaux chefs invités Matthew Gardner
Gianandrea Noseda Naoko Keatley
François-Xavier Roth Belinda McFarlane
Iwona Muszynska
Chef lauréat Paul Robson
Michael Tilson Thomas Laura Balboa
Ingrid Button
Chef émérite Caroline Frenkel
André Previn Dmitry Khakhamov
Csilla Pogany
Chef de chœur
Simon Halsey Altos
Edward Vanderspar
Malcolm Johnston
Violons I Anna Bastow
Carmine Lauri Julia O’Riordan
Clare Duckworth Robert Turner
Ginette Decuyper Jonathan Welch
Gerald Gregory May Dolan
Maxine Kwok-Adams Steve Doman
Claire Parfitt Stephanie Edmundson
Laurent Quenelle Alistair Scahill
Harriet Rayfield
Rhys Watkins Violoncelles
Laura Dixon Rebecca Gilliver
Takane Funatsu Alastair Blayden
Alix Lagasse Jennifer Brown
Daniel Meszoly Noel Bradshaw
Helen Paterson Eve-Marie Caravassilis
Daniel Gardner
Hilary Jones
Deborah Tolksdorf

23
Contrebasses Cors
Colin Paris Laurence Davies
Patrick Laurence Angela Barnes
Matthew Gibson Alexander Edmundson
Joe Melvin Kathryn Saunders
Jani Pensola Stephen Craigen
Jeremy Watt
Trompettes
Flûtes Niall Keatley
Gareth Davies Gerald Ruddock
Patricia Moynihan Paul Mayes

Piccolo Trombones
Sharon Williams Peter Moore
James Maynard
Hautbois
Gabriel Pidoux Trombone basse
Rosie Jenkins Paul Milner

Cor anglais Tuba

Christine Pendrill Jean Xhonneux

Clarinettes Timbales
Chris Richards Nigel Thomas
Chi-Yu Mo
Percussions
Clarinette basse Neil Percy
Arthur Stockel David Jackson
Sam Walton
Bassons
Dan Jemison Harpe
Joost Bosdijk Bryn Lewis

Contrebasson Piano
Dominic Morgan John Alley

24
Administration du London Symphony
Orchestra

Directrice générale
Kathryn McDowell

Directrice de la programmation
Sue Mallet

Responsable des tournées

et des projets
Tim Davy

Directrice du personnel adjointe

Alice Gray

Régisseurs plateau
Nathan Budden
Neil Morris

Licences E.S. 1-1083294, 1-1041550, 2-1041546, 3-1041547 – Imprimeur : BAF

Remerciements particuliers à Tim Davy,

Oliver Howlett, Jeff Atmajian, Chantal
Cicé, Alain Français.

25
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Photo : © Martyna Pawlak - Licences ES : 1-1041550, 2-041546, 3-1041547

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# 1 E N FA N T 1 I N S T R U M E N T