MyGuitare - Se Specialiser Dans Un Style

SE SPÉCIALISER DANS UN STYLE
INTRODUCTION
DÉCOUVRIR ET SE SPÉCIALISER
DANS UN STYLE MUSICAL
Tu as commencé la guitare il y a plus d’un an ?
Bientôt 2 années déjà à te faire plaisir à la guitare en exerçant régulièrement toutes les bases
que tu as appris ?
‍
Tu as maintenant l’habitude des 8 ou 12 accords ouverts essentiels, tu joues couramment des
rythmiques simples et tu sais déjà accompagner quelques chansons.
Le barré te résiste encore un petit peu, quoi que, ça dépend des positions.
‍
Arrive bientôt le moment où tu as l’impression d’avoir “touché à plusieurs styles” de musique,
et tu te rends compte que certains styles de chanson te laissent un peu froid tandis que
d’autres styles te parlent de plus en plus.
‍
Mis à part ça, bien avant de commencer la guitare, tu avais déjà tes préférences culturelles, ce
qui se comprend tout à fait, et c’est même plutôt bon signe.
‍
Ne perdons pas de vue ce dernier paramètre : il faut aimer un style de musique pour savoir
bien l’interpréter.
Si cette affirmation peut sembler évidente, il faut garder à l’esprit que personne ne t’oblige à
pratiquer des styles que tu n’aimes pas particulièrement.
Il n’y a pas d’obligation à savoir jouer du Raggae, ni de la Funk, ni du Jazz, ni du Metal si ce n’est
pas ton truc.
‍
Se spécialiser dans un style ne devrait d’ailleurs pas être une démarche tellement réfléchie,
mais plutôt une orientation logique et naturelle vers le ou les style(s) qui te ressemble(nt) le
plus.
Edouard de MyGuitare
www.myguitare.com - cours de guitare en ligne 2

Quand se spécialiser dans un style ?

Comme évoqué ci-dessus, il paraît normal avant de se spécialiser dans un quelconque style, de
s’être d’abord familiarisé avec les bases de la guitare.
‍
Les bases étant toujours universelles, il sera forcément utile de connaître :
● ‍Les principaux accords ouverts ( E.Em.A.Am.D.Dm.C.G.B7 …)
● Les 4 principaux accords barrés (barrés des schémas de E.Em.A.Am)
● Réussir leurs enchainements, en tout cas dans des cas de chansons à ton niveau.
‍
Ces bases universelles te serviront durant toute ta vie de guitariste quel que soit ton style de
prédilection.
‍
Même si tu joues du Métal à 80% composé de power-chords, une intro en arpèges et en
accords ouverts se présentera forcément tôt ou tard, car le Métal est aussi une musique faite
de contrastes.
Ici aussi les bases de la guitare te seront indispensables.
‍
Tu l’auras compris, le bon moment pour commencer à te spécialiser dans un style sera à la fois
le moment où tu estimes être à l’aise avec les bases de guitare mais aussi le moment où tes
préférences musicales se font sentir.
‍
‍Par exemple, tu ne prends pas vraiment de plaisir quand tu joues une chanson de James Blunt
(d’ailleurs tu n’as peut-être pas une interprétation magique quand tu joues cette chanson...),
par contre on ne t’arrête plus quand tu joues le riff de “immigrant song” de Led Zeppelin.
Si tel est le cas, ne cherche plus : il est urgent que tu te spécialises en Hard-Rock.
Quels sont les styles les plus faciles ? Quel

niveau ?
Il n’est pas facile de répondre à cette question, car tous les styles de musique peuvent
présenter des morceaux simplissimes comme très complexes.
‍
Mais pour faire avancer les choses, je vais d’abord évoquer 2 paramètres déterminants.
1. ‍Aimer le style en question : Comme dit plus haut, derrière cette évidence il y a surtout
une forte notion culturelle qui implique que tu aies déjà beaucoup écouté ce style, et
qu’il déclenche chez toi des sensations, des émotions, bref : avoir vraiment l’impression
de ressentir ce style est peut-être la première chose qui t’en facilitera l’apprentissage.‍

2. Prendre en compte tes aptitudes rythmiques : Guitaristiquement et musicalement il

me semble que c’est le premier paramètre à prendre en compte sérieusement. La
rythmique (ainsi que le son), donne le style.
‍
Aussi, si tu te sens “gauche” en rythmiques ternaires comme le Shuffle par exemple, il ne serait
pas très judicieux de choisir de te spécialiser en Blues, musique souvent articulée sur des
rythmiques ternaires.
‍
Ou encore si tu ne ressens pas du tout les rythmiques rapides en doubles-croches, il te sera
plus difficile d’aborder le Metal ou la Funk.
‍
Bien sûr il est toujours possible (et même prévu) de progresser quel que soit le choix du style,
mais se sentir “friendly” dès le départ avec l’essence rythmique d’un style te sera d’une
grande aide pour te spécialiser.
‍
Classement des styles par difficulté
Si je devais classer une énumération de styles par ordre de difficulté croissante (mais la
question reste plus ou moins subjective en fonction des personnes et des morceaux), je me
baserais sur mon expérience de prof et répondrais en termes de proportion d’individus :
1. ‍Chanson
2. Pop
3. Blues
4. Punk
5. Grunge
6. Rock
7. Hard-Rock
8. Reggae
9. Funk
10. Metal
11. Country
12. Jazz
13. Jazz manouche
14. Flamenco
15. ‍...
‍
Jusqu’au niveau 7 (Hard-rock), je vois en stage beaucoup de personnes réussir les reprises de
morceaux qu’ils choisissent.
‍
En Reggae, Funk ou Metal, la réussite de cover est moins rapide en moyenne, ces styles sont
plus techniques et demandent plus de temps d’entraînement.
‍
Pour les styles Jazz, Jazz manouche et Flamenco, je ne les enseigne pas, mais je sais qu’ils sont
très ardus …

‍
Encore une fois cet ordre est assez relatif, c'est en substance les tendances constatées auprès
des niveaux débutants/intermédiaires.
‍
Par exemple, je ne dis pas que le Blues est un style facile, même s’il est classé en 3.
Il est facile de pouvoir se faire rapidement plaisir en Blues, mais il est quasiment impossible de
jouer comme Stevie Ray Vaughan...
Comme il existe en Chanson (niveau 1), certains arpèges d’Yves Duteil, horriblement difficiles à
jouer...
Chaque style peut réserver des surprises de simplicité ou de difficulté, il vaut mieux le savoir.
2 types de rôles : rythmique et soliste

Comme tu le sais déjà, et à l’image de tes groupes préférés, la guitare électrique, comme
acoustique peut être jouée de façon mélodique (guitare lead), pour des mélodies, des thèmes,
des gimmicks et des solos, et bien sûr jouée de façon rythmique, égrainée, arpégée pour
l’accompagnement.
‍
Tu avais déjà identifié ces deux postes importants.
‍
Te spécialiser en rythmique
Là aussi, tu peux très bien choisir de te spécialiser en rythmique et rester “seulement”

guitariste rythmique.
‍
Je dis “seulement” sans aucun dénigrement car être un rythmicien de qualité est déjà un
accomplissement en-soi.
‍
Les exemples de grands rythmiciens ne manquent pas (Malcom Young; Rudolf Schenker;
James Hetfield; Izzy Stradlin..)
‍
Te spécialiser en soliste
Tu peux aussi te spécialiser en solo en apprenant de nouvelles techniques, en travaillant des

plans, des phrases, des impros, en connaissant bien tes gammes, tes arpèges...
‍
Mais tu n’y échapperas pas : à moins de faire partie d’un projet en mode solo de la première à la
dernière seconde du titre, ce qui n’arrive jamais, tu auras forcément besoin d’assurer aussi les
rythmiques.

‍
Ce poste sera polyvalent et tu seras autant rythmicien que soliste, ce qui serait très complet.
‍
Pour donner un ordre à difficulté croissante en solo en fonction des styles (toujours subjectif),
je donnerais 3 paliers de niveaux :
1. ‍Niveau 1 : Chanson – Pop – Reggae – Grunge – Punk
2. Niveau 2 : Blues – Rock – Hard-Rock – Funk
3. Niveau 3 : Metal – Jazz – Jazz Rock – Jazz manouche – Country – Flamenco

SOMMAIRE
INTRODUCTION 2
DÉCOUVRIR ET SE SPÉCIALISER DANS UN STYLE MUSICAL

Quand se spécialiser dans un style ?
Quels sont les styles les plus faciles ? Quel niveau ?
2 types de rôles : rythmique et soliste
CHAPITRE 1 9
APPRENDRE LE BLUES
Jouer du blues quand on débute la guitare
Les accords du Blues
La Gammes Blues à la guitare
La rythmique du Blues
Le matériel et le son Blues
Les 3 principaux genres de blues
L’histoire du blues à la guitare
CHAPITRE 2 43
APPRENDRE LE ROCK
Les Accords Rock
Les Gammes utilisées en Rock
Les Techniques utilisées en Rythmique Rock
Les Techniques utilisées en Solo Rock
Les Rythmiques utilisées en Rock
Le Matériel utilisé pour jouer du Rock
Histoire et Culture du Rock
CHAPITRE 3 58
APPRENDRE LE FUNK
Les bases du Funk
Les Accords Funk à la guitare
Les Gammes utilisées en Funk
Les Techniques utilisées en Rythmique Funk
Les Techniques utilisées en Solo Funk
Les signatures rythmiques utilisées en Funk
Le Matériel pour jouer du Funk
Histoire et Culture de la musique Funk

CHAPITRE 4 78
APPRENDRE LE MÉTAL
Les techniques utilisées dans le Métal
Les rythmiques dans le Métal
Les gammes utilisées dans le Métal
Top 10 des guitares pour jouer du Métal
Le son caractéristique du Métal
L'Histoire du Métal
Top 10 des groupes de Métal incontournables
CHAPITRE 5 133
APPRENDRE À IMPROVISER
Apprendre à improviser en utilisant la bonne langue (utiliser la bonne tonalité)
Apprendre à dire des choses cohérentes
Apprendre à dire des choses pertinentes
Les 3 types de solo possibles
La théorie est-elle indispensable pour improviser ?
Les vidéos gratuites pour apprendre à improviser
CHAPITRE 6 140
APPRENDRE À ACCOMPAGNER LE CHANT À LA GUITARE

Chanter et jouer n'est pas donné à tout le monde
Pourquoi a-t-on du mal à chanter tout en jouant de la guitare?
Que se passe-t-il quand on essaie de cumuler chant et guitare ?
Le conseil qui marche vraiment pour réussir à chanter et gratter
La méthode pour chanter et jouer de la guitare en même temps
Que faire ensuite pour apprendre à chanter et jouer de la guitare ?
Pourquoi le chant est-il libérateur ?
CONCLUSION 148
CRÉDITS 149

CHAPITRE 1
APPRENDRE LE BLUES
Par Jérôme de MyGuitare
Les premières formes de Blues apparaissent au sud des Etats-Unis au temps des camps de
travailleurs Afro-Américains, vers la fin du 19ème siècle.
‍
Si le blues est à l’origine une musique de complainte, l’exutoire des travailleurs forcés, il est le
prolongement des chants gospels religieux. Ces premières sonorités donnèrent assez vite la
base du Blues traditionnel : un Blues chanté, accompagné d’une guitare acoustique qui prit le
nom de Delta-Blues.
‍Robert Johnson, né en 1911, en est l’un des plus anciens représentants connus.
‍
Puis le Blues revêt plusieurs formes avec le temps. Lorsque les travailleurs Afro-Américains
gagnèrent le nord des Etats-Unis, vers les années 1940, le Chicago Blues apparu dans une
forme plus moderne, se jouant en orchestre, puis rapidement joué sur les premières guitares
amplifiées.
‍
Plus tard, avec les années 60 et 70, le blues engendra la base du Rock, avec cette dernière
forme : le Blues-Rock.
‍
On peut dire que le style Blues est à l’origine de tous les styles apparus dès les années mid
50’s, tels le Rock and Roll (Elvis Presley), puis la Pop des années 60 (the Beatles) et le
Blues-Rock des années 70 (Janis Joplin ; the Rolling Stones …).
‍
Jouer du blues quand on débute la guitare
Que tu sois passionné de Blues ou non, tu auras tout à gagner si tu débutes à la guitare, à en
apprendre au moins les bases.
‍
Le Blues est un style supposé simple et accessible, par sa simplicité harmonique et rythmique.

Bien sûr des formes plus complexes et évoluées existent aussi, mais en termes de conception,
c’est une musique simple dans laquelle l’expressivité de la voix et de la guitare sera à
l’honneur .
‍
Je te conseille tout de même d’attendre d’avoir “digéré” tes premiers enchaînements
d’accords avant de t’attaquer au Blues, afin de tout de suite apprécier le style lorsque tu t’y
mettras.
‍
‍
Les accords du Blues
‍
Les accords blues, qu’est ce que c’est ?
Les sonorités blues sont très identifiables : ce qui crée l’originalité de ce style, c’est la manière
de jouer les accords, l’interprétation du guitariste.
L’influence du Blues se retrouve partout, c'est pourquoi il est si important de connaître ses
accords !
‍
C’est lui qui a donné naissance au Rock, mais c’est aussi lui qui continue d’influencer toutes les
musiques modernes, de la Soul au RnB, en passant par le Rock ou la Pop.
Le blues se présente donc comme un incontournable à maîtriser pour tout guitariste.
‍
Le blues se structure sur :
● Des gammes
● Des grilles d’accords répétées
Nous allons ici étudier les accords de plus près.
Les accords blues principaux
C'est très important de savoir déplacer les accords de blues sur tout le manche.
Je vais ici te montrer les accords principaux à savoir faire pour le blues.
Les accords en DO 5 et DO 6
Les accords DO 5 et DO 6 sont les accords les plus faciles à réaliser quand on est débutant.
‍
Ils sont ce qu'on appelle des powerchords.
Quand on joue un accord en DO 5, on ne joue que la fondamentale et la quinte.
‍

Cet accord est aussi un très bon accord de rock.

Tu dois donc apprendre à le faire car il est très employé.
‍
Version 1
Il existe une deuxième version de cet accord où la fondamentale est sur la corde de LA :
‍
Version 2
À partir de là, pour avoir un DO 6, il faut bouger la quinte pour avoir la sixte.
Version 1
Cela permet de jouer n'importe quel blues dans n'importe

quelle tonalité.
Par exemple, Johnny Be Good de Chuck Berry reprend cette

forme d'accord en Si bémol.
‍

Il existe aussi une deuxième version de DO 6
Version 2
‍
Les accords qui suivent sont un peu plus complexes mais tout aussi importants dans le blues.
Tu devras donc aussi les travailler !
‍
Les accords 7
Pour réaliser les accords 7, il faut partir de DO majeur.

‍
On a en DO majeur une fondamentale, une tierce majeure et une quinte.
‍
On rajoute à l'accord DO majeur une 7e mineure et on obtient notre accord DO 7.
Il en existe 2 versions.
C'est une forme qu'on retrouve en MI dans What I Say de Ray Charles

Les accords 9
Cet accord fonctionne comme les précédents sous deux versions :
Ce dernier est important en blues, c'est l'un des plus employés.

‍
Les accords 13
Un accord 13 est un accord septième auquel on rajoute une sixte.

Nos conseils pour jouer les accords blues
Tous les accords qui ont été montrés ici sont joués en DO car c'est plus simple pour réfléchir
aux intervalles.
‍
N'oublie pas que toutes les formes que l'on a vu ici sont bien évidemment transposables à
l'envie.
Ne te prive pas quand tu joues !
Tout ce qu'il faut, c'est de bien comprendre la forme et de voir où est la fondamentale.
‍
L'accord DO 6 (version 2) peut te paraître un peu dur à jouer par manque de souplesse aux
doigts.
‍Ma petite astuce pour le réussir , c'est de jouer la quinte non plus avec l'annulaire mais avec le
majeur.
‍
Les 3 accords du Blues (degrés I - IV - V d’une tonalité)
Généralement un Blues s’articule sur 3 accords que l’on appelle les degrés I ; IV ; et V.
Pour déterminer ces trois degrés par rapport à une tonalité, il me suffit de compter les notes
dans l’ordre, en déterminant la note de départ comme étant le premier degré.
‍
Exemple
Pour un Blues en Do (C) :
C = 1er degré.
‍
Je rencontrerai ensuite dans le déroulement de l'enchaînement des accords, le 4ème degré du
C.
Je compte donc 4 degrés, ou 4 notes ascendantes à partir de la note Do pour trouver le 4ème
degré de Do.
( Do ; Ré ; Mi ; Fa = 1 ; 2 ; 3 ; 4 ) le 4ème degré de Do est donc la note Fa (F).
‍
Puis, plus tard dans l'enchaînement d’accords, je rencontrerai le 5ème degré de Do :
( Do ; Ré ; Mi ; Fa ; Sol = 1 ; 2 ; 3 ; 4 ; 5 ), le 5ème degré de Do est donc la note Sol (G).
Bien sûr, il faudra être à l’aise avec l’ordre des notes ( Do; Ré; Mi; Fa; Sol; La; Si ), pour toujours
trouver les trois degrés I ; IV et V, quelle que soit ma note de départ (mon premier degré).
‍

Exemples de tonalités courantes
Si je veux jouer un Blues en Mi (E)

E= 1er degré, (Mi; Fa; Sol ; La = 1 ; 2 ; 3 ; 4) = 4ème degré : La (A) et 5ème degré : Si (B)
Si je veux jouer un Blues en La ( A)

A=1er degré, (La ; Si ; Do ; Ré = 1 ; 2 ; 3 ; 4) = 4ème degré : Ré (D) et 5ème degré : Mi (E)
Si je veux jouer un Blues en Ré (D)

D=1er degré, (Ré ; Mi ; Fa ; Sol = 1 ; 2 ; 3 ; 4) = 4ème degré : Sol (G) et 5ème degré : La (A)
‍
4 Sonorités de Blues
Blues à 2 cordes‍
Parmi les formes de Blues les plus simples, on apprend souvent au début des riffs de Blues
joués sous forme d’accords à 2 sons.
‍
Ces riffs à 2 cordes sont composés de la fondamentale de l’accord (Mi grave pour l’accord E5
par exemple) et d’une Quinte, ou d’une Sixte, ou encore d’une Septième mineure, ajoutée sur
la deuxième corde.
Pour te donner une idée plus concrète de cette forme de Blues en riffs à 2 cordes, regarde
cette vidéo de Cyrille :
‍

Blues en accords Majeurs
Le Blues peut aussi être joué avec des accords plus complets harmoniquement, tels que les
accords Majeurs que tu dois déjà sans doute connaître.
Effectivement, je peux utiliser mes 3 degrés (I; IV et V) en utilisant des accords Majeurs.
À ce moment-là, les trois degrés seront joués avec des accords Majeurs.
‍
Exemple pour un Blues Majeur en La : A (1er degré) ; D (4ème degré) et E (5ème degré).
‍
Le Blues Majeur donne une sonorité optimiste et chaleureuse.
Pour te rendre compte facilement de cette sonorité enjouée, écoute ou réécoute la chanson
d’Henri Salvador “le lion est mort ce soir”, qui est en fait un Blues en Do Majeur (C ; F ; C ; G)
‍
Blues en accords mineurs‍
Je peux aussi interpréter un Blues beaucoup plus mélancolique, plus profond en utilisant des
accords mineurs sur mes 3 degrés I; IV et V.
À ce moment-là, les trois degrés seront joués avec des accords mineurs.
‍
Exemple pour un Blues mineur en Mi : Em (1er degré); Am (4ème degré) et Bm (5ème degré).
‍
Le Blues mineur donne une sonorité très mélancolique qui donne tout son sens à l’expression
“avoir le blues”.
Il suffit d'égrener ces trois accords pour s’en rendre compte à coup sûr.
‍
Si tu veux te rendre compte de l’aspect émotionnel d’un blues mineur, jette une oreille sur ce
backing track, tu y reconnaîtras l'atmosphère triste et envoûtant des balades à la Garry
Moore.
‍
Blues en accords 7èmes‍
Si je veux être encore plus dans une sonorité typique du style Blues, je peux utiliser des
accords de type “7ème de dominante” pour mes trois degrés I; IV et V.
L’accord 7ème est un accord Majeur qui contient l’enrichissement d’une 7ème mineure.
‍

Même avec les formes simples d’accords 7ème, tu reconnaîtras tout de suite la sonorité
typique du Blues, au point que l’on appelle parfois les accords 7ème, “les accords Blues”.
‍
Exemple pour un Blues en accords 7ème en Do : C7 (1er degré); F7 (4ème degré) et G7 ( 5ème
degré).
Si tu veux te rendre compte rapidement de la sonorité d’un blues composé d’accords de

7èmes, écoute ce backing track
‍
Si tu veux écouter et connaître quelques formes riches d’accords 7ème, je te conseille cette
vidéo de Cyrille :
‍

La Gammes Blues à la guitare

La gamme Blues ou gamme de Blues est très utile si tu veux enrichir tes solos ou improviser.
‍
Elle te permettra de sortir de la gamme pentatonique, de rendre tes solos et impros plus riches
et intéressants et te permettra également de mieux analyser et comprendre pourquoi les
guitaristes utilisent les notes qu’ils jouent.
‍
Pour débuter ton apprentissage de la gamme Blues, je te propose de regarder la vidéo
ci-dessous et si tu veux en savoir plus et retrouver le schéma des gammes, n'hésite pas à lire la
suite de ce chapitre.
‍
Comment jouer la gamme Blues ?
J'espère que tu as regardé la vidéo ci-dessus, car je vais maintenant rappeler les principaux
points :
‍
Si tu connais déjà la gamme pentatonique, tu connais presque déjà la gamme de Blues.
En effet, il suffit de lui rajouter une note pour obtenir la gamme de Blues (voir l’explication
plus bas).
‍

Le schéma de la gamme Blues
Si tu ne devais apprendre qu’une seule chose sur la gamme Blues, je te conseillerais

d'apprendre ce schéma.
‍
Il représente la première position de la gamme Blues avec les toniques et la note Blues.
‍
‍
● Les notes violettes indiquent la Tonique (c'est la note fondamentale qui donne la tonalité,
si tu veux jouer la gamme Blues dans la tonalité de La, il suffira de faire coïncider la tonique de
ce schéma avec un La sur ta guitare)
● Les notes avec un B : c'est la note Blues ou la Blue note en anglais
● Les notes en bleu foncé sont les autres notes de la gamme pentatonique
‍
Les 5 positions de la gamme Blues
Comme pour la gamme pentatonique, il n'existe pas une seule position, mais 5 positions
facilement identifiables.
‍
Tu peux toutes les retrouver un peu plus bas sur cette page.
Mais avant de les voir, il est peut-être intéressant de comprendre d'où vient la gamme de Blues
et c'est ce que nous allons voir tout de suite.

Tout savoir sur la gamme Blues
Les origines de la gammes Blues
Son nom parle de lui-même pour indiquer les origines de cette gamme.
‍
Elle est bien sûr extrêmement utilisée dans le genre musical qui lui vaut son appellation, à
savoir le Blues.
‍
Comme tu le sais peut-être déjà, le blues était chanté et joué par les esclaves noirs américains
qui travaillaient, entre autres, dans les champs de coton.
Pour exprimer leur dur labeur, ils entonnaient des chansons qui relataient leur vie quotidienne
et leur ressentiment.
‍
D'ailleurs, tu connais sans doute l’expression « avoir le blues », eh bien tu sais maintenant d’où
elle provient.
Bien évidemment, ce style n’était pas enseigné dans les écoles et les conservatoires car il ne
faisait pas partie des styles "nobles".
Le blues était avant tout une musique populaire sans codification précise.
‍
Ironie du sort, le Blues est aujourd'hui un style fondateur qui est à l'origine de quasiment
toutes les musiques modernes : Rock, Funk, Pop... tous ces styles sont les héritiers du Blues.
‍
La Blues note
Après l’abolition de l’esclavage et avec l’évolution des mœurs, quand on a voulu s’intéresser au
blues avec une approche plus académique, on s’est rendu compte que toutes les notes de la
gamme de blues pouvaient se recouper avec celles de la gamme majeure à l’exception d’une
seule.
‍
La gamme de blues comporte 6 notes et est basée sur la gamme mineure pentatonique.
‍
On retrouve bien les cinq notes de la gamme mineure pentatonique dans la gamme majeure
cependant la sixième note s’est avérée impossible à classifier.
‍
Comme cette note était particulièrement caractéristique du genre blues, on a décidé de la
nommer tout simplement « la Blues note ».
‍
Aujourd'hui, sans avoir de connaissance théorique, une astuce consiste à se souvenir que la
Blues Note est entre la 3ème et la 4ème note de la gamme pentatonique.
‍

La structure de la gamme Blues
Pour les fans de Théorie musicale, il peut être intéressant de comparer les structures de la
gamme majeure, de la gamme mineure pentatonique et de la gamme blues.
‍
Pour cette comparaison, on a choisi d’utiliser la tonalité de Do comme référence dans les
tableaux d’exemples ci-dessous :
‍
Gamme de Do majeur
Gamme de Do mineur Pentatonique
Gamme de Blues en Do
Remarque :
Avec la gamme majeure comme référence, on peut dire que la note de blues se situe entre la
quatrième note (= la quarte) et la cinquième note (= la quinte) :
‍
À mémoriser : la structure de la gamme de Blues
La structure de la gamme de blues est donc la suivante :

‍On voit bien que la tierce (le troisième degré) est située à un ton et demi de la tonique (le
premier degré), ce qui en fait une gamme mineure.
Elle serait majeure si la tierce était située à deux tons de la tonique.
‍
Tu pourras également remarquer qu’aucune note ne correspond ni au second ni au sixième
degré.
‍
De manière schématique tu peux mémoriser la structure de la gamme sous cette formule : 1,
b3, 4, b5, 5, b7
Voici pour la partie théorique, passons maintenant à la pratique et aux 5 positions de la gamme
blues sur le manche de la guitare.
Les 5 positions de la gamme Blues à la guitare
La gamme blues en position 1
C'est la position de la gamme Blues la plus utilisée.

Si tu débutes en blues, n'apprends que celle-ci pour le moment, elle est largement suffisante
pour jouer des blues en Mi ou en La qui sont les deux tonalités les plus fréquentes en blues.
La seconde position est assez pratique pour prolonger la 1ère (logique me diras-tu).
‍
Pour la mettre dans les doigts, tu peux t'entraîner à faire des slides de la position 1 à 2 et
réciproquement.
‍

Essaye de trouver des notes avec lesquelles tu es le plus à l'aise car ce sont celles que tu
utiliseras quand tu voudras improviser.
D'ailleurs, si tu souhaites apprendre à improviser, je te conseille de jeter un oeil à notre cours
d'impro.
‍

Connecter les 5 positions de la gamme blues
Comme pour la gamme pentatonique, les 5 positions de la gamme Blues se superposent et il

est possible de les connecter pour pouvoir jouer sur tout le manche.
‍
Regarde comme les notes sur la droite d'une position se superposent parfaitement avec les
notes sur la gauche de la position suivante.
‍
Prenons par exemple la position 5 et la position 1.
‍

Position 5
Position 1
Pour t'entraîner, tu peux essayer de jouer la tonique sur la 5ème case de la corde de Mi, soit
un LA et de couvrir ensuite tout le manche en enchaînant les positions. C'est un très bon
exercice pour les mémoriser.
‍
Mise en garde
Encore une fois, c'est très bien de connaître toutes les positions, mais c'est encore mieux de
savoir les utiliser.
‍
Si tu as besoin d'un ordre de priorité pour les apprendre, voici ce que je te conseille :
1. Commence par apprendre la 1ère position de la gamme pentatonique
2. Apprends ensuite la 1ère position de la gamme de Blues
3. Puis la seconde position de la gamme pentatonique

4. Puis la seconde position de la gamme de Blues

5. ...
‍
À chaque fois, entraîne-toi bien à faire le passage d'une position à l'autre avant d'ajouter une
nouvelle position.
Voici enfin les 5 positions les unes à la suite des autres pour mieux visualiser l'ensemble.
‍
Position 1 Position 2
Position 3 Position 4
Position 5

La rythmique du Blues
Si dans d’autres variantes du Blues, notamment en Rock and Roll, des rythmiques binaires sont
utilisées, l’empreinte rythmique typique du Blues au sens traditionnel, est un balancement
ternaire que l’on appelle le Shuffle.
Ce battement rythmique est calqué sur un débit de triolets (décomposition de chaque temps
en 3), dans lesquels on ne joue que la première et la troisième croche de chaque triolet.
‍
Si tu en as besoin, je te recommande cette vidéo explicative des croches ternaires, afin que le
Shuffle n’ait plus de secret pour toi :
‍
Différentes structures de Blues
Le Blues est apparemment une musique “déjà composée” qui permet à chacun de deviner
rapidement les trois accords utilisés et qui permet donc aux musiciens de pouvoir jouer
ensemble sur le coup, sans avoir besoin de répétitions.
‍
Si les enchaînements harmoniques ne sont pas bien surprenants, différentes structures
peuvent être proposées.
‍
On parle alors de Blues en 8 mesures, comme de Blues en 12 mesures, voire de Blues en 16
mesures.
D’autres cas plus complexes peuvent également exister.

Voyons ici les 3 exemples les plus courants

‍
Blues en 8 mesures
A7 - E7 - D7 - D7
A7 - E7 - A7/D7 - A7/E7
Blues en 12 mesures
E - E - E- E
A - A - E- E
B - A - E - E/B
Blues en 16 mesures
C - C - C - C
F - F - C - C
F - F - C - D7
G - F - C - G
Pour cet exemple, l’accord D7 a été ajouté comme un accord de passage (2ème degré) car il
peut arriver qu’un Blues soit agrémenté d’autres accords que nos 3 degrés favoris ( I ; IV ; V ).
Le matériel et le son Blues
Le Blues est une musique sobre, sans artifice.

‍
Il n’est pas nécessaire de miser sur un gros équipement, une collection de pédales d’effets, ni de
posséder une guitare ultra perfectionnée (vibrato flottant, micro actifs etc…).
‍
N’oublions pas que le Blues est d’abord né d’une guitare acoustique (Folk) avant de
s’électrifier.
N’oublions pas non plus que c’est au départ la musique de complainte des travailleurs exploités,
aussi il serait d’assez mauvais goût d’utiliser un équipement très onéreux.
‍Le Blues n’a vraiment pas besoin d’options luxueuses pour s’exprimer en tout cas.
‍

Le matériel nécessaire pour jouer du Blues
Hormis cette considération quasiment “politique”, revenons à nos besoins concrets matériels
pour jouer du Blues.
‍
Un peu comme pour d’autres styles, je préfère indiquer le type de matériel non adapté pour
jouer du Blues, car il est possible de pratiquer le Blues avec n’importe quel équipement
finalement. On exclura donc plutôt les équipements “trop froids” pour le style, trop
spécifiques au Métal, ou trop modernes.
‍
Pour prendre un exemple flagrant : ne choisis pas une guitare de la marque LTD, par exemple le
modèle M-1 CTM ‘87. Dans l’absolu tu pourrais quand même jouer du blues avec cette guitare,
mais elle ne sera vraiment pas la plus chaleureuse pour honorer le style. En Métal par contre,
elle sera parfaitement adaptée.
‍
Si tu ne veux pas prendre de risque pour le choix d’une guitare pour le Blues, tu peux t’en tenir
aux modèles classiques, aussi bien dotés de micros simples, comme toutes les Fender, que
dotés de micro doubles comme les guitares Gibson.
‍
Ah, j’y pense : le micro simple P90 est une valeur sûre pour son grain mat et chaleureux.
Bien des guitares en sont équipées depuis longtemps.
N’hésite pas à l’essayer en Blues.
‍
Ce micro par contre sera plus limité pour restituer des gros sons saturés, par contre avec un
son clair ou crunch tu devrais l’apprécier.
‍
‍Le Blues peut bien évidemment se jouer sur une guitare Folk, comme à ses origines sous forme
de Blues Acoustique. Toute guitare Folk fera l’affaire, même si ce type de guitare nous limitera
tout de même un peu en Solo, tout en étant une très bonne école pour s’y faire les mains.
‍
Ceci étant dit, voici toute une sélection faite par Edouard des 5 meilleures guitares pour jouer
du Blues !
‍

Les 5 meilleures guitares pour jouer du Blues

‍
La plus Blues : la BB King Lucille de Gibson
On débute ce classement en rêvant un peu,

avec une guitare incontournable : Le modèle
BB King Lucille de Gibson. Et qui dit BB King,
dit évidemment Blues.
‍
Avec les ES-335, c’est une guitare classique
de la marque, parfaite pour jouer tes gammes
de Blues et tes morceaux préférés du King.
‍
Pour la petite histoire, la première guitare de BB King était une Gibson L-30 payée quelques
dollars. Lors d’un concert, à l’aube de sa carrière, une bagarre éclate sur les lieux, provoque un
incendie, et BB King s’enfuit… Mais revient quelques minutes après, bravant les flammes pour
récupérer sa précieuse guitare. Le conflit avait éclaté à cause d’une fille nommée Lucille, il
donnera alors ce nom à sa fameuse guitare.
‍
Mais la véritable Lucille de Gibson n’apparaît que dans les années 1980.
Elle a pour base les guitares ES-335, mais son manche est plus épais et se manie facilement,
avec simplicité.
‍
La résonance étouffée du son nous amène à des sonorités blues incroyables, qui la dresse au
Panthéon des guitares Blues, sans hésitation.
‍
La Stratocaster de Fender
‍
Hendrix, Clapton, Ray Vaughan… Ils en avaient
tous une.
La Stratocaster de chez Fender est une
incontournable dans le Blues, le modèle
“American Special”, précisément.
‍
En plus d’être une bonne guitare pour jouer
du Blues, elle est tout à fait maniable et
abordable pour un guitariste à niveau
intermédiaire.
Le son est cristallin, et sur la plupart des positions du sélecteur en crunch, le son sonne un blues
à la Stevie Ray Vaughan, avec beaucoup de chaleur.
Et si tu te branches en son saturé, tu retrouveras les sons que pouvait produire Hendrix, tu
verras.

‍
En soit, c’est une guitare très polyvalente, très bien conçue pour jouer différents types de
blues (mais pas que du blues, d’ailleurs!). D’autant plus que le prix est assez abordable
(démocratique, je dirais), pour une guitare de qualité comme celle-ci.
‍
La Fender Telecaster Baja‍
On continue ce classement avec une Fender.

Promis pour les pro Gibson ou autres
marques en tout genre, il n’y en aura plus
après.
Mais il faut dire que Fender conçoit de très
bonnes guitares pour le Blues.
‍
La Telecaster Baja, conçue au Mexique, est
de bonne qualité et à bon prix. Elle possède
des micros simple bobinage qui lui donne un
son à tonalité blues plutôt sympathique.
Le manche est assez épais, mais parfait pour manier correctement les gammes de blues et la
blues-note.
‍
Une bonne prise en main, une bonne lutherie, un bon son… Que demander de plus ?
La Les Paul Standard de chez Epiphone
Bien sûr, on aurait pu parler de la Les Paul de

Chez Gibson.
Mais nous avons déjà parlé du modèle Lucille

de la même marque, et varier un peu ne fait
pas de mal. D’autant plus que celle de chez
Epiphone est tout aussi remarquable !
‍
C’est en fait la copie officielle de la Les Paul
Standard de chez Gibson, elle est
simplement beaucoup moins chère, et permet
une bonne prise en main pour les guitaristes
à niveau débutant à intermédiaire. Le seul
reproche que l’on pourrait lui faire, c’est son poids, beaucoup trop élevé.
‍
En son clair, c’est très chaud, gras, velouté et bluesy sur le micro grave.
Sur ce micro, on retrouve ce même caractère très blues en son crunch.
Elle est donc très efficace dans le registre Blues.

Un National amplifié
Certes, le National n’est à la base pas un

instrument électrique, mais il sonne quand
même très Blues. Aujourd’hui, il est simple
avec quelques micros d’amplifier un National.
‍
Ces guitares à résonateur sont en fait une
alternative aux guitares électriques, puisque
c’est dans les années 20 que leurs créateurs
ont eu cette idée d’amplifier une guitare sans
électricité, grâce à un résonateur métallique.
Leur caisse est d’ailleurs faite de métal
uniquement.
‍
Souvent utilisées avec un bottleneck ou une slide bar, ces guitares sonnent très blues. Elles
font partie de la même famille que les Dobro.
‍
Une très bonne alternative entre la guitare acoustique et l’électrique.
Quel son pour jouer du Blues ?
‍Majoritairement, on entend plutôt des Blues joués sur guitares électriques, au sein de
formations (groupes) souvent en trio, avec le soutien d’une basse et d’une batterie (power trio
à la Jimi Hendrix ou à la Stevie Ray Vaughan), parfois dans des formations plus complètes avec
claviers, cuivres, percussions (Joe Bonamassa).‍
‍
Le son de guitare électrique utilisé en Blues pourra aller d’un son très clair et profond (Fender
Stratocaster+Ampli Twin Reverb Fender), en passant par tout type de son crunchy (son clair
qui sature à peine sur les attaques fortes) ou drive (son légèrement distordu), en jouant sur le
bouton “Gain” de son Ampli en visant le seuil de début de saturation des lampes.
‍
On pourra aller jusqu’au son franchement saturé à la Garry Moore dans certains thèmes
(Guitare Gibson Les Paul+Ampli Marshall JTM45).‍
‍

Les amplis pour jouer du Blues
Côté Ampli : je ne vais pas non plus donner de référence spéciale.

‍Le choix d’un ampli est d’abord le choix d’une puissance à déterminer en fonction de nos
besoins sonores. Entre 30 et 100 watts, la fourchette est largement suffisante pour couvrir
l’étendue de tous nos besoins, je trouve même que 100 watts c’est un peu trop, même sur
scène.
‍
Ce que je ne conseillerais pas en matière d’amplis, ce serait les amplis à transistors (amplis
sans lampes).
‍
En effet, surtout en Blues, on aura besoin de jouer avec la beauté du son à lampes et de sa
dynamique. L’ampli à transistors “refroidira” malheureusement l’expressivité du son, du grain.
‍
Les amplis à lampes sont plus chers, mais peut-être qu’aujourd’hui il faut aussi regarder ce qui
se fait en matière d’amplis à modélisation ou de simulateurs d’amplis, comme les “Sans Amp”.
Il y a parfois de bonnes surprises dans ce type de matériel, pour des budgets raisonnables.
‍
Pour clore ce chapitre sur le matériel à utiliser en Blues, je dirais là aussi qu’une fois les outils
inadaptés mis de côté, ce sera en essayant, écoutant, comparant différents modèles de
guitares et d’amplis que tu pourras cerner tes préférences en fonction de tes goûts, et de tes
références. Tu sauras donc mieux que personne, ce qui te plait, ce qui te convient.
Les 3 principaux genres de blues
Ce genre musical est si riche qu’on pourrait en parler pendant des heures.
‍
Il existe une telle variété de blues avec leurs spécificités qu’il serait difficile de tous les décrire
ici. Mais aujourd’hui, je te propose de te donner un aperçu des styles de blues les plus connus.
‍
Bien qu’ils aient tous eu un impact sur l’évolution du blues, les trois types de Blues dont nous
allons vous parler ont certainement été les plus innovants.
‍
Alors blues traditionnel, Chicago blues ou blues rock… Nous allons vous présenter ces blues
aux spécificités si différentes et qui ont marqué l’histoire.
‍
Le blues traditionnel (Delta Blues)
Je souhaitais tout d’abord te parler de l’un des styles de blues le plus connu et le plus vieux. Il se
rapporte surtout à de nombreux sous-genres du blues, et c’est aussi ce qui en fait sa richesse !

J’en parlerai donc d’une manière générale, sans détailler toutes les sous-catégories auxquelles
il se rapporte.
‍
Pour mettre les choses à plat, sache qu’il y a eu tout d’abord la naissance du Blues, au sens le
plus pur du terme et tel que nous le connaissons.
Il est né au sud des Etats-Unis, dans les camps d’esclavages. Très vite a suivi le Delta Blues.
‍
Les particularités du blues traditionnel
C’est peu de temps après le Delta Blues que le Blues traditionnel fait son apparition.
‍
Il se développe en fait suite à l’abolition de l’esclavage, lorsque la population afro-américaines
commence à quitter la campagne pour trouver du travail, dans le nord des Etats-Unis.
‍
Le blues traditionnel s’est ainsi
rapidement développé dans toute
l’Amérique, donnant naissance à de
nombreux styles et variantes comme
le Detroit blues, le Texas blues, le
Memphis blues, le Piedmont blues, le
Western blues, le Louisiana blues…
etc.
Il en existe une telle variété qu’on ne
pourrait tous les citer !
‍
Ce que tu dois retenir, c’est qu’on

appelle “Blues traditionnel” toutes
formes acoustiques du blues.
‍
Ce qui nous intéresse, c’est qu’il est particulièrement joué avec des instruments à cordes, qui
ont eux même donné naissance au blues. Et je ne parle pas de n’importe quel instrument à
corde, non non ! Je parle bien sûr ici de la guitare.
‍
Ce genre de blues est aussi appelé folk-blues, blues rural ou country blues.
‍
Le blues traditionnel puise son inspiration à la fois dans le ragtime (genre très à la mode au
début du vingtième siècle), mais aussi dans le jazz, dans la country ou encore dans les chants
religieux.
De la même manière, ses spécificités telles que les gammes pentatoniques, les progressions
d’accords ou la “blues note” inspirent ces genres musicaux que nous venons de citer.
‍

La naissance du bluesman
John Lee Hooker, figure du Chicago Blues, rue Hasting,

année 1940
‍
Si tu te demandes d’où vient la figure des bluesmen,
et bien sache que c’est aussi à cette période
qu’apparaît cette figure mythique !
‍
Ils se feront très largement connaître par le public à
Détroit, dans le ghetto Black Bottom (si tu es encore
plus curieux, c’était sur la rue Hasting). Ils
deviendront aussi très célèbres à Chicago, mais nous
en parlerons plus tard.
‍
En tant que grands bluesmen traditionnels, on
retrouve en partie Son House, Charley Patton ou
encore Blind Willie Mc Tell.
‍
Le Chicago Blues
Comme grande ville du Blues, il y avait Détroit, nous venons d’en parler. Mais il y avait aussi
Chicago !
‍
Cette ville a pris sa réputation de ville du blues grâce à l’exode rurale et à l’arrivée des
musiciens bluesmen du Mississippi. Nous citerons leurs noms plus bas.
Le Chicago Blues, qu’est-ce que c’est ?
Le Chicago Blues a fait son apparition dans la première moitié du vingtième siècle, dans les
années 40, grâce à la multiplication des groupes de bluesmen et à leur arrivée massive à
Chicago (si tu n'avais toujours pas compris).
‍
Le guitariste Big Bill Broonzy et son groupe, années
1940
‍
Le chanteur de blues, seul avec sa guitare, rejoint
alors pianiste, bassiste et batteur et rajouterons
parfois à leur orchestre les instruments cuivres,
principalement l’harmonica.
‍

Cette structure musicale est la base de longues années de musique derrière eux, puisqu’elle
sera reprise quelques années plus tard par les groupes de rock.
‍
La guitare électrique, la scène…
Ce qui caractérise aussi le Chicago Blues, et qui le rend essentiel, c’est l’apparition de la guitare
électrique.
‍
Elle leur permettra de revenir à leurs fondamentaux, les instruments à cordes, après une
période de musique blues jouée au piano. Et oui, arrivés en ville, les bluesmen ne pouvaient pas
jouer assez fort avec leur guitares acoustiques. Mais avec le Chicago Blues, ce problème fût
réglé !
‍
C’est durant cette période de l’après-guerre que le public commence réellement à s’intéresser au
blues. Alors qu’il fut un temps où le blues était considéré comme “la musique du diable”, on y
trouve avec le Chicago Blues et l’amplification des guitares des sonorités nouvelles, plus brute,
plus profondes, plus intenses et dramatiques.
‍
L’industrie du disque aura elle aussi profondément émergée après la guerre, et s’intéressera
aux bluesmen et à leur groupe. Les musiciens passeront donc de la rue ou des cafés, aux salles
de concerts et aux studios d’enregistrement.
‍
Si tu veux avoir une idée du Chicago Blues, tu peux écouter Albert King, l’une des figures du
Chicago blues les plus connues.
‍
Ici, « Blues Power », plus tard que l’âge d’Or du Chicago Blues, dans les années 1970.
‍
En guitariste de légende dans le Chicago Blues, vous retrouverez notamment Big Bill Broonzy,
issu de l’âge d’or du Chicago Blues des années 1930-1940.
‍
Le Blues Rock
Tu ne peux pas ne pas connaître le Blues Rock.

‍
Tu ne peux pas, puisque ce sont des grands groupes et guitaristes tels qu’Eric Clapton ou les
Rolling Stones qui ont développé ce style de blues. Ou plutôt ce sont eux, qui ont révolutionné
l’histoire de la musique.
‍
Le blues rock s’est en fait développé en deux temps. Initialement, c’est en Angleterre que le
Blues Rock est né, mais les musiciens américains ont très vite suivi.
‍
Le Blues Rock, du rock’n’roll ou du blues ?
Ce n’est pas très difficile à deviner… Le blues rock mêle le blues et le rock’n’roll.
Mais il faut reconnaître qu’il est plutôt difficile de faire distinctement la différence.

‍
C’est en fait le style précurseur du rock. La plupart des grands groupes de rock et des
guitaristes et figures mythiques des années 1960 et 70 s’en sont inspirés. Ils ont fait découvrir
au jeune public ce qu’était le blues.
‍
Le Blues Rock est apparu dans la foulée des grands personnages du blues moderne étasuniens,
tels que BB King ou John Lee Hooker. Ils ont inspiré une nouvelle génération de grands
musiciens, d’abord britannique, comme les Yardbirds ou Cream, puis américains avec Hendrix,
Joplin ou Stevie Ray Vaughan.
‍
Comme nous l’avions dit précédemment dans la partie sur le Chicago Blues, la composition des
groupes de bluesmen a largement été reprise par les groupes de rock.
‍
Si tu es un grand rockeur dans l’âme, il faut que tu saches que même si ce sont deux styles
différents, le rock, c’est d’abord du blues.
‍
Encore, et toujours du blues…
Même après l’apparition du rock, le blues n’a pas cessé de sonner.

‍
Pour entendre du blues rock, tu peux écouter ce morceau « Yer Blues », presque inimaginable : il
réunit John Lennon, Clapton, Keith Richards, et le batteur du groupe d’Hendrix, Mitch Mitchell,
à l’occasion du concert « Rock & Roll Circus », en 1968.
‍
Pour apprécier encore plus ce qu’est réellement le blues rock, je te laisse découvrir cet article
qui te fera découvrir des pépites des années 1960-1970.
‍
Et voilà, tu es maintenant incollable sur trois blues qui ont marqué l’histoire !
‍
Évidemment, tous les genres de blues ont eu une influence et ont été importants dans
l’évolution de blues, mais pour la guitare, ces trois-là ont été majeurs.
‍
● Le blues traditionnel a marqué le succès de la guitare acoustique.
● Le Chicago Blues a été l’un des premiers genre de blues à utiliser la guitare électrique.
● Le blues rock a été porté par des guitaristes et légendes du rock.

L’histoire du blues à la guitare

Nous savons tous ce qu’est plus ou moins le blues, de près ou de loin.
‍
Au travers de certains musiciens devenus des légendes dont nous avons au moins une fois
entendu parler, par les films américains ou par un quelconque reportage à la télévision.
‍
Mais sais-tu d’où vient le blues ?
‍
Pour nous, guitaristes, il est important de connaître ce genre musical mythique. Le blues à la
guitare nous permet de perfectionner nos solos, notre improvisation, notre rythme… Mais
au-delà de ça, nous nous devons de connaître son histoire pour mieux appréhender son
apprentissage !
‍
Amis guitaristes, nous vous faisons aujourd’hui une rétrospective de l’histoire du blues à la
guitare.
‍
Il est officieusement apparu aux Etats-Unis à la fin du XIXème siècle, mais n’a cessé d’évoluer
jusqu’à nos jours.
‍
Que signifie le blues ?
En fait, ce terme vient à l’origine de l’expression anglaise “Blues devils”, qui signifie “idées
noires”.
‍
Nous retrouvons aussi cette idée dans une de nos expressions populaires, “avoir le blues”, qui
signifie être légèrement triste, être mélancolique ou comme nous pourrions traduire en
langage plus littéraire, ce que Baudelaire appelait “avoir le spleen”.
‍
‍
Mais revenons à notre Blues.
‍
Ce genre musical n’avait pas de nom prédéfini jusqu’à ce que l’écrivain américain Washington
Irving associe le mot “blues” au sens où nous le connaissons, en 1807.
‍
Le blues signifie donc une forme de plainte, un sentiment douloureux.

Il s’inscrit plus précisément dans un style poétique qui vise l’expression des émotions comme
l’une des plus fréquente dans le blues, la mélancolie.
‍
L’origine et l’histoire de la musique blues
En écoutant le blues, on se rend donc compte très rapidement que ce que veulent faire passer
ceux qui le jouent, c’est une forme de complainte. Par la musique ou par la voix.
‍
‍Mais d’où vient ce “blues devils” dont nous avons parlé précédemment ?
‍
Nous ne ferons pas une histoire détaillée du blues et de l’apparition de tous ses sous-genres,
nous risquerions d’y passer des nuits. De plus, je t'ai parlé dans la section plus haut des 3
principaux types de blues.
‍
Il s’agit ici de te raconter les grandes origines du blues, qui sont le fondement de tous les autres
types de blues ainsi que du blues à la guitare comme il peut exister.
‍
Les origines de la guitare blues
Nul ne sait exactement quand le blues est apparu.

Comme nous l’avions dit précédemment, le Blues serait né au Sud des Etats-Unis à la fin du
XIXème siècle. La légende dit que le Delta du Mississipi fut son berceau.
‍
Son histoire commence grâce à la population afro-américaine, esclaves originaires d’Afrique
déportés sur le continent américain. Leurs chants de travail exprimait leur dur labeur et leur
tristesse. Le blues était donc d’abord un genre vocal avant d’être musical.
‍
Il pouvait tout de même parfois être accompagné d’instruments de musique rudimentaires,
comme les toutes premières guitares construites d’une corde et d’une pièce en métal.
‍
Tout comme le gospel, le blues en tant que style musical trouve donc ses racines dans les chants
traditionnels et les spirituals.
‍
À vrai dire, il n’y a aucun document fiable permettant de dater avec précision la naissance du
blues. Nous savons simplement que les toutes premières partitions ont été publiées en 1912 et
que le blues se formalisera très vite.
‍

Le blues après-guerre
Après l’abolition de l’esclavage, les populations noires ont migré vers les régions du Nord, dans
l’espoir de trouver du travail dans les usines.
‍
Alors que dans les campagnes, la guitare acoustique servant au blues ne nécessitait pas
d’amplificateur, cela n’a pas été la même chose lorsque les bluesmen sont arrivés en ville.
‍
Passant d’une musique rurale à un style plus
urbain, les joueurs de blues ont donc préféré
pendant un temps le piano à la guitare
acoustique.
‍
Le ragtime, joué au piano et très populaire, a
grandement inspiré le blues. De plus, le son des
guitares acoustiques n’était pas assez puissant
pour pouvoir jouer dans les bars, les
restaurants ou dans la rue.
‍
Le piano était principalement utilisé pour le blues, précisément jusqu’à l’arrivée de la guitare
électrique dans les années 30.
‍
Les premiers groupes ont donc commencé à se former, ils étaient composés généralement d’un
pianiste, de guitaristes, et d’un batteur.
‍
Ils se produisaient dans les bars des grandes villes comme Chicago ou Détroit dans le ghetto
de Black Bottom, sur la rue Hasting. Les blues-men et women finiront par remplir les salles de
concert.
‍
Dans les années 1950, Chicago devient un haut lieu de la musique blues.
Elle accueillera des nouveaux musiciens fraîchement arrivés des États du Sud. La guitare
électrique prendra de plus en plus de place dans la vie des joueurs de blues et inspirera les
nouvelles générations, jusqu’à l’invention du rock.
‍
John Wells et le guitariste Buddy Guy dans les
années 50 à Chicago
‍
Depuis les années 1970 à 1980, la musique
blues évolue toujours et inspire les artistes du
monde entier.
‍
Le blues est précurseur de nombreux styles
musicaux et continuera de l’être !
‍

Les particularités du style blues
Tu trouveras toutes les particularités détaillées du style blues plus haut dans cet article. Mais
pour rappel, voici les spécificités techniques qui le distingue si bien des autres genres musicaux
:
● Un rythme ternaire syncopé
● Une harmonie dite en I-IV-V
● L’utilisation des notes blues dans la gamme pentatonique
‍
Pour ma part, je trouve que les fondements et la théorie du blues nous permettent de mieux
connaître notre guitare, à travers les impros, les solos, etc…
‍
Les grands noms du blues
Certains guitaristes sont devenus des icônes.

Pour leur technique, leur style, leur présence scénique, leurs compositions mythiques…
Et parfois même pour tout cela à la fois !
‍
Voici quelques noms incontournables de la Blues Guitare…
● Le blues traditionnel fut marqué par de grands noms tels que Robert Johnson ou Son
House.
● Le delta blues voit apparaître John Lee Hooker, Charley Patton ou encore Muddy
Waters.
● Le chicago blues fait la part belle à Albert King ou TBone Walker.
● Et parmis les joueurs de blues modernes, on trouve Stevie Ray Vaughan, Taj Mahal et BB
King.
‍
Bien sûr, certains artistes ont connu une carrière de plusieurs décennies, ils ont marqué
l’histoire de la musique blues à différentes périodes et dans différents styles…
‍
Cette liste est bien évidemment succincte mais nous espérons qu’elle te donnera envie d’en
savoir plus sur le blues et ses nombreux artistes !
‍
Pour finir cet article en beauté, nous te proposons d’écouter un titre de Muddy Waters et son
groupe de bluesmen, « Got My Mojo Workin' » :
‍

Conclusion
La route sera longue si tu veux devenir un vrai bluesman accompli, mais ces bases te serviront
à comprendre ce style précurseur de tous les autres styles, en guitare électrique comme en
acoustique.
‍
J’espère que cet article t’éclairera sur quelques points et qu’il pourra te donner envie
d’apprendre le Blues à la guitare.
‍
Si c’est ton cas, tu seras comblé car sur MyGuitare tout un programme Blues t’attend, avec les
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CHAPITRE 2
APPRENDRE LE ROCK
L’appellation “Rock” est aujourd’hui très large et couvre une infinité de sous-genres de styles
musicaux.
Comme les appellations “Classique” ou “Jazz”, qui elles aussi regroupent des infinités de
styles, ou encore l’appellation “Variétés”, le Rock est le nom donné à des dizaines de courants
musicaux, plus ou moins énergiques, électriques, revendicatifs, plus ou moins riches ou
minimalistes, au point que l’on pourrait s’y perdre.
‍
Un point commun cependant à tous ces sous-genres du Rock, serait tout de même l’utilisation
de guitares électriques pour le jouer, car même dans les groupes de New Wave (pop rock
souvent synthétique), la guitare électrique est présente et incontournable.
‍
Nous parlerons plus tard dans cet article d’autres codes inhérents au style, ainsi qu’un peu
d’histoire et de culture du Rock, ce très vaste style que nous aimons tant.
‍

Les Accords Rock
Commençons tout de suite avec les considérations concrètes du Rock à la guitare, en parlant
des accords utilisés dans ce genre musical.
‍
Dans un style aussi vaste et étendu que le Rock on ne s’étonnera pas de rencontrer, selon les
genres, selon les titres, pratiquement tous les types d’accords existants.
‍
J’exclurai tout de même les accords typiquement jazz (sans quinte ou les accords très altérés),
et encore, tout est possible en Rock.
‍
De façon générale, on utilisera des accords Majeurs et mineurs “naturels” aussi bien ouverts
que barrés.
‍
On pourra aussi tout à fait fréquemment utiliser des accords de 7ème de dominante, ainsi que
des Power-Chords (accords de quintes, à deux ou 3 sons).
‍
Aussi large que le style Rock, une bonne connaissance de tous ces types d’accords, sera
recommandée.
‍
Jouer des Power-chords
Si je devais conseiller un ordre d’apprentissage des accords pour aborder le Rock, j’inciterais
mes élèves à apprendre, savoir faire sonner et enchaîner, en priorité les Power-Chords.
‍
Voici une vidéo de Cyrille qui t'explique comment jouer les powerchords à la guitare :

Ces accords, aussi appelés en français “accords de puissance” portent bien leur nom et
délivrent un son assez tranchant, droit, sans fioriture et surtout sans tierce, ce qui leur donne
un son plus “brut”, moins mélodique que d’autres accords, comme par exemple dans le riff de
“I love Rock&Roll” de Joan Jett.
‍
Dans bon nombre de titres de Rock, on entendra des accords habituels, Majeurs et mineurs
qui sont déjà plus riches, plus complets que les Power-Chords, comme dans “Sunday bloody
sunday” de U2, entre mille autres exemples.
‍
Les accords complexes Rock
Dérivés du Blues et bien présents en Rock, les accords 7ème de dominante (accord Majeur
contenant une septième mineure) sont aussi bien présents et “réchauffent” les harmonies,
comme par exemple le deuxième accord du titre “Settle for a draw” du groupe Arctic Monkeys,
entre moult autres exemples.
‍
On croisera aussi de temps en temps des types d’accords plus ou moins enrichis, tels les
accords “mineur 7”, ou “Majeur 7” (refrain de “Can’t stop” des Red Hot Chili Peppers),
pourquoi pas des accords de type "sus 4" (“Walking on the moon” the Police ), voire un peu plus
rarement, mais tout de même, des accords diminués (°) ou demi-diminués (m7b5).
‍
Tu l’auras compris, en Rock on utilise quasiment tous les types d’accords, sauf les accords
vraiment réservés au Jazz.

Les Gammes utilisées en Rock
Au sujet des gammes utilisées en Rock, aussi bien pour jouer des thèmes, des mélodies, et des
solos, pour tout ce qui concerne la guitare lead (mélodique), c’est un peu comme pour les types
d’accords : plusieurs types de gammes seront utilisées.
‍
On fera majoritairement usage de la gamme mineure Pentatonique qui a elle seule couvrira
bien 70% des besoins lead en Rock, mais aussi l’usage des gammes Majeures et mineures
naturelles :
● dans une utilisation directe (ex : tonalité Bm = gamme de B mineur naturel)
● dans une utilisation relative (ex : tonalité D = gamme relative de B mineur naturel)
● ou encore dans une utilisation modale (ex : tonalité de Dm en mode Dorien = 2ème
mode de C Majeur naturel).
‍
Il restera possible de rencontrer parfois des gammes plus rares, plus riches, dans des univers
plus originaux, avec les emplois possibles de gammes chromatiques (par demi-tons), de
gammes par tons (par intervalles de tons), de gammes mineures harmoniques, mineures
mélodiques, ou encore d’arpèges diminués, même si ces 3 derniers exemples sont plus
fréquemment représentés en Métal.
‍
La gamme mineure pentatonique pour commencer
Dans un premier temps et surtout avant de te disperser dans l’apprentissage de ces

différentes gammes, je te conseillerais surtout de t’en tenir à la gamme mineure
Pentatonique, de bien savoir la pratiquer sur tout le manche et dans plusieurs tonalités.
‍
Comme tu l’as compris, c’est La gamme indispensable pour jouer du Rock.
‍
Énormément de plans de solos de guitare Rock sont issus du Blues, ce qui confirme l’usage de
la gamme Pentatonique et même de sa note bleue (blue note = quarte augmentée ou quinte
bémole).
‍

Cyrille a fait un tuto pour chacune des 5 positions de la gamme mineure pentatonique. Voici la
première position :
‍
Les autres gammes Rock
Dans un second temps il te sera utile de maîtriser aussi plusieurs positions (ou les 7) de la
gamme Majeure naturelle.
‍
Cette gamme est aussi la gamme mineure naturelle, si l’on change la note de départ, la
fondamentale. Par exemple, la gamme de Do Majeur naturel est aussi la gamme de La mineur
naturel.
‍
Sans entrer ici dans les détails, retiens surtout que l’apprentissage de la gamme Majeure
naturelle t’apprendra en même temps les positions de la gamme mineure naturelle, ça en
vaut la peine car ces gammes sont plus complètes que la gamme mineure Pentatonique et
complètent parfaitement la sonorité pentatonique pour assurer tous les besoins mélodiques
des parties que tu rencontreras en Rock, ou pour enrichir tes solos.
‍
Pour les autres gammes plus complexes et autres curiosités, tu as tout ton temps pour les
apprendre, elles sont assez rares en Rock alors ne risque pas de faire des confusions en
apprenant tout ça “en vrac”, il vaut mieux procéder dans l’ordre de tes besoins.

Les Techniques utilisées en Rythmique Rock
Les rythmiques rencontrées en Rock peuvent être tout autant

● des mesures rythmiques distribuées sur des grilles d’accords (suite d’accords =
enchaînement d’accords),
● que des motifs rythmiques bien définis comportant des silences, telles des écritures
rythmiques répétées (des riffs).
‍
Le jeu au médiator
Pour ces deux cas rythmiques qui représentent 80% du paysage d’accompagnement
rythmique Rock, le jeu au médiator s’imposera.
Tu peux lire un article complet sur le jeu au médiator ici !
‍
Aussi bien pour une rythmique sur guitare acoustique (folk), que sur guitare électrique, le jeu
au médiator fera mouche. Il sera adapté au style pour son côté défini, tranchant et
dynamique.
‍
On retiendra deux gestuelles fréquemment utilisées en rythmique Rock
● ‍Les battements en aller/retour de médiator
● Les battements rythmiques en allers stricts (uniquement des attaques de médiator
vers le bas), pour exprimer plus de tension dans le style.
‍
Les autres cas d’accompagnement peuvent être aussi des arpèges qui peuvent être joués en
picking (aux doigts) pour un son très doux, pour plus de rondeur, mais bien-sûr aussi joués au
médiator, en aller/retour, comme en allers-simples, comme en retours-simples, pourquoi pas.
‍
Dans des cas plus rares on trouve des accords égrenés, au médiator aussi.
‍
Les sons rythmiques Rock
Du côté des sons rythmiques présents en Rock on peut aussi évoquer les ghost-notes (sons
percussifs de cordes bloquées ) moins récurrentes qu’en funk mais tout de même bien utiles
par moments dans certaines séquences.
‍
D’autres “artifices” bien utiles aussi dans un registre rythmique comme mélodique : les slides
(glissés) de relance (usage rythmique souvent employé sur des 4èmes temps), agrémenteront
aussi le jeu Rock rythmique.
‍
‍

Les Techniques utilisées en Solo Rock
En solo, comme dit plus haut, on se rendra vite compte qu’en Rock, beaucoup de “plans”
(figures de solos) proviennent directement de la guitare Blues et donc de la gamme
Pentatonique mineure.
‍
Comme en Blues, pour développer l’expressivité et une certaine vélocité, on aura recours aux
techniques classiques de solo avec l'utilisation :
● des “hammer-ons”(marteaux)
● des “pull-offs”(retirés)
● des “bends”(tirés)
● des “slides” (glissés).

Voici quelques vidéos pour t'aider à appliquer ces techniques :

‍

Les autres techniques de lead-guitar telles que le “legato”, le “tapping” et le “sweeping”, seront
plutôt réservées au Métal.
‍
Plus rarement, certains guitaristes solistes de Rock jouent en picking, comme Mark Knopfler
du groupe Dire Straits.
‍
‍Cette technique qu’il a sûrement héritée de son bagage Country, lui donne une attaque d’une
finesse incomparable en solo par rapport à un jeu lead attaqué au médiator.
Il faut dire que Dire Straits ne pratiquant pas un Rock très dur, cette finesse de son en solo est
parfaitement adaptée à l’ambiance générale de leur musique.
‍
Il faut dire aussi que l’apprentissage du jeu lead en picking est beaucoup plus long et
fastidieux.
‍
Mais que cela ne t’empêche pas de t’y pencher si tu es fan de cette sonorité en solo.
Les Rythmiques utilisées en Rock
Une grande variété de rythmiques sera représentée en Rock.

Elle va de pair avec les multiples formes de styles de Rock, là aussi.
‍
Selon les influences de ses compositeurs, on pourra trouver en Rock toutes sortes d’influences
rythmiques issues d’autres styles, comme le Rockabilly, le Rock&Roll, la Folk, la Country, le
Blues, le Reggae, la Funk, la Valse, la Pompe, le Fox-Trot, la Pop… La liste pourrait être très
longue.
‍
Ces influences rythmiques pouvant provenir de partout, il sera normal de rencontrer une
multitude de signatures rythmiques.
‍
En métrique (nombre de temps par mesures), on rencontrera tout de même 90% de métriques
à 4 temps (4/4 = mesures à 4 temps) pour la grande partie des cas.
‍
Plus rarement mais possible aussi : les mesures à 3 temps (¾ ou 6/8) qui occuperont une plus
mince partie des rythmiques Rock.
‍
Les autres signatures, notamment impaires (5/4 ; ⅝ ; 7/4 ; ⅞ ; 9/8 et autres ) sont rarissimes en
Rock, elles restent plutôt le jeu des jazz-rockers ou de certains jazzmen.

En ce qui concerne l’empreinte Binaire ou Ternaire des rythmiques rencontrées en Rock, je

dirais que dans plus de la moitié des cas, on rencontre plutôt des rythmiques Binaires (emploi
des croches régulières toutes de même durée) et dans des cas plus rares certaines rythmiques
Ternaires, le plus souvent jouées en “Shuffle” (découpage de chaque temps en 3 = triolets +
attaques de la première et de la troisième croche de chaque triolet).
‍
Pour synthétiser, les rythmiques Rock sont majoritairement Binaires, les balancements
“shuffle” comme le “swing” sont plutôt hérités des styles de la musique noire américaine,
comme, le Jazz, le Blues, la Soul, le Reggae, et aussi des musiques noires africaines.
3 rythmiques rock indispensables
Enfin, je t'ai fait un petit tuto avec 3 rythmiques à travailler pour jouer du rock à la guitare !
‍

Le Matériel utilisé pour jouer du Rock
Malgré le fait qu’il soit possible d’exprimer toutes sortes d’intentions Rock sur toutes sortes
de guitares, même sèches… Il convient de préciser quand-même le genre d'outillage a priori
recommandé pour jouer du Rock.
‍
Avec quelle guitare jouer du Rock ?
Le Rock ayant besoin de délivrer une certaine énergie, une certaine intensité, il sera
nécessaire d’employer plutôt une guitare électrique qu’une guitare folk, même si tout est
possible et si tout existe, encore une fois.
‍
En tout cas, pour le cas d’une guitare acoustique il faudra plutôt envisager l’achat d’une
guitare électro-acoustique, de façon à pouvoir monter le volume et équilibrer la balance avec
le volume de la batterie.
‍
Guitare électrique donc plutôt recommandée.
Celle-ci pourra être toute simple avec un seul micro, même un seul micro simple bobinage,
comme plus complète, avec 3 micros, un ou plusieurs micros à double bobinage.
‍
‍Le son de la guitare et de ses micros aura déjà son importance par rapport au “grain”, à
“l’épaisseur” du son délivré.
‍
● Tu trouveras un article complet pour bien choisir ta guitare électrique ici
● Tu trouveras un article complet pour bien choisir ta guitare (électro-)acoustique ici
‍
C’est selon les goûts et les influences de chacun et aussi selon les besoins de la composition :
on peut préférer un Rock léger et un grain en rapport, en utilisant des sons très clairs,
moyennement clairs ou crunchy, comme un Rock plus puissant, plus lourd, avec des sons
overdrive, distorsion, fuzz…
‍
Quels amplis et effets pour jouer du Rock ?
Puisque l’on parle de “grain” du son, abordons aussi le choix de l’ampli et des effets.
‍
● Tu trouveras un article complet ici sur le choix d'un ampli
● Tu trouveras un article complet ici sur toutes les pédales et effets
‍
Comme ampli, je conseillerais évidemment plutôt un ampli à lampes pour restituer une bonne
chaleur de son et lui donner tout son charme, notamment pour les sons saturés.

‍
Je ne cite pas de modèle spécifique d’ampli, comme je n’ai pas cité de modèle de guitare en
particulier, pourquoi ?
‍
Je trouve le style Rock si vaste que c’est à chacun d’essayer les bons outils, se faire son propre
avis par rapport à ses propres attentes. Il faut surtout savoir ce qu’il ne faut pas acheter.
‍
La chose que je pourrais dire à ce sujet c’est de ne pas choisir du matériel spécifique au Métal
(guitare en carbone avec 2 micros-doubles (surtout actifs) et un chevalet floyd-rose), ni un
ampli de la marque Mesa-Boogie “Rectifier”, qui est plutôt conçu pour un Métal lourd (et un
peu froid).
‍
Inversement, je ne conseillerais pas non plus du matériel trop spécifique pour le Jazz, comme
les guitares demi-caisses, les amplis Jazz-Chorus de Roland, les cordes à filets plats, les
médiators “Dugain”…
‍
Revenons un instant sur les effets susceptibles d’être utilisés en Rock, aussi bien sous forme
de pédales (analogiques ou numériques) qu’intégrés à l’ampli.
‍
● Parmi les effets utilisés en Rock, bien sûr on trouve tous les effets de “grain” cités au
dessus, allant du crunchy à la distorsion, avec une moyenne d’utilisation sur des
positions plutôt drive/overdrive.
‍
● On trouve aussi les effets dimensionnels tels que la Reverb, le Delay, le Chorus, le
Flanger, le Phaser, le Tremolo, le Vibrato. Pourquoi pas aussi mais plus rarement, des
effets de filtres tels que la Wah-Wah, les auto-Wah, l’Enveloppe Filter… et parfois
même des effets de dubling avec les Octaver ou les Harmoniser, la Wammy. Ces trois
derniers exemples sont plus souvent représentés en Métal.
‍
Tu auras compris que tout matériel permet de jouer du Rock, à condition d’éviter les outils
spécifiques aux styles trop différents, pour leur côté trop froid ou inconfortable, inadapté au
Rock en tout cas.
‍
Ah, je n’ai pas parlé de la guitare Classique, qui n’est pas indiquée non plus pour le Rock, encore
moins en groupe.

Histoire et Culture du Rock
Le terme “Rock” faisant aujourd’hui autant partie du langage puis tellement associé chaque
année à de nouveaux sous-genres, nous ferait presque oublier son sens premier.
‍
Elvis et les origines du Rock'n Roll
Il faut remonter l'année 53 pour voir apparaître Sieur Elvis Presley, à 18 ans, commencer à se
dandiner lors d’une émission tremplin de télé américaine, puis revenir plus sérieusement en
1955, puis 1956 avec son premier véritable disque pour commencer à entendre le mot “Rock
and Roll”, puis rapidement ensuite, le mot “Rock”.
‍
Au-delà du style de musique et de sa sonorité nouvelle pour l’époque, c’est surtout une
attitude qui marqua alors les esprits en ces temps-là.
‍
Elvis et son pas de danse endiablé
‍
En effet, Elvis, pour dissimuler son trac et ses
jambes tremblantes, (mais aussi selon une autre
version, pour rendre hommage à certains
artistes noirs encore interdits dans les médias
mainstream) opta pour une danse assez
particulière, se tordant les jambes et exagérant
son déhanché de façon flagrante.
‍
En plus de son talent de chanteur et d’une
certaine beauté plastique, cette danse marqua
les esprits et assura son succès, surtout auprès
de la gente féminine.
‍
Le Rock était né.
‍
Si l’on analyse ce phénomène et tout ce qu’il engendra par la suite, on peut dire que l’attitude
de l’artiste fut aussi importante que sa voix. Elvis ne plaisait pas aux parents des années mid
50, mais rendait folles toutes les filles.
‍
D’autre part, d’innombrables artistes en herbe comme les Beatles (qui avaient 15 ans à cette
époque) tombèrent immédiatement en admiration pour ce nouvel artiste à l’image
émancipée, qui se permettait de “danser comme un pitre” devant toute cette vieille Amérique,
choquant tous les parents de l’époque.
‍

Toute la génération qui suivit ensuite fut imprégnée par le phénomène Elvis, tant ce nouveau
souffle devait être libérateur pour cette jeunesse obéissante.
‍
L'émergence du Rock
Les années 60
Avec l'émergence des premiers groupes de Pop

et de Rock anglais, et toute la vague des années
60, le Rock continua son ascension, assorti de
libération sexuelle, de promotion de toutes les
drogues, surfant toujours avec une attitude
libertaire, parfois provocante et assumée.
‍
Les Rolling Stones
Les années 70
Avec les années 70, il fallut aller encore plus

loin dans cette heureuse dérive des mœurs.
Ce fut alors l’émergence des premiers groupes
de Hard-Rock qui déplaisaient eux aussi aux
médias main-stream ainsi qu’aux parents. Le
phénomène Punk arriva aussi en 77, comme
une réponse à la musique disco très
commerciale de ce temps-là.
‍
Led Zeppelin est reconnu comme le premier groupe hard rock
‍
Les années 80
Les années 80 furent aussi très prolifiques en matière de Rock et d’innombrables mélanges de
styles apparurent, comme le reggae-rock de Police, ou la synth-pop (new-wave) à la façon de
The Cure ou Joy Division.
‍
On peut reprocher à l’industrie de la musique (exploitations commerciales en radio puis en
clips vidéos) d’avoir plusieurs fois “lissé” l’image du Rock pour le rendre plus commercial, plus
vendeur. Mais c’est un mauvais calcul car le Rock a pour essence d’être anticonformiste.

‍
Sonic Youth, groupe grunge
C’est comme ça qu’à la fin des années 80, les

groupes de Hard-Rock étant (pour beaucoup)
devenus trop commerciaux, créèrent
l’émergence d’un nouveau genre brut, sans
fioriture, représenté par de vrais artistes en
mal de vivre : le Grunge (Nirvana, Pearl Jam,
Melvins, Green River, Sound Garden, Sonic
Youth...).‍
Les années 90
Si l’on peut dire que depuis les années 90, il n’y a pas eu réellement de révolution dans le Rock,
le style ne cesse de perdurer, de se mêler à d’autres genres plus actuels (électro), de fusionner,
de se réinventer dans une certaine mesure.
L’attitude est toujours là, c’est elle qui fait que ces artistes nous font rêver.
Il n’y a qu’à voir l’engouement toujours croissant pour les festivals de Rock pour comprendre
que le mythe de la Rockstar est toujours là, indétrônable.
Conclusion
Le Rock réveille en nous notre jeunesse et notre fougue.
C’est une énergie saine délivrée par une musique jubilatoire quasiment universelle.
‍
Même si chacun aura toujours ses préférences propres et son style de Rock préféré, la
fonction du Rock reste l’anticonformisme, la prise de risque, et une certaine forme
d’insolence.
‍
On pourrait opposer le Rock à la Variété dans un certain angle de vue et c’est très bien comme
ça, car le Rock, c’est la musique que l’on n’a pas le droit d’aimer, c’est la mauvaise influence, les
mauvaises fréquentations...
‍
Ah oui pendant que j’y pense : pour ceux qui craignent que le Rap ait mangé le Rock… non non,
c’est peut-être vrai pour les ventes de disques, mais rassurez-vous en voyant le nombre
d’apprentis guitaristes toujours croissant, les très nombreux festivals de Rock et leurs publics
qui se comptent en centaines de milliers de personnes.
Le Rock va avoir 70 ans mais il reste en pleine forme, et moi je crois qu’il est immortel.
Vive Elvis, vive le Rock !

CHAPITRE 3
APPRENDRE LE FUNK
Si l’on devait résumer la fonction de la musique Funk et l’effet que cette musique peut avoir
sur nous, je penserais avant tout à la danse.
‍
En effet s’il existe une musique plus qu’entraînante, qui réveille, chez presque tout le monde,
l’envie de bouger, de danser, de battre le temps, c’est bien la musique Funk.
‍
Les bases du Funk
Cette musique de transe rythmique est née quelque part aux Etats-Unis vers la moitié des
années 50, en même temps que le mot “Funk”. C’est avec les années 60 que le Maître James
Brown amena ce nouveau son au devant de la scène et depuis, ce courant n’a jamais disparu.
Nous reviendrons en fin d’article à ces quelques notions d’histoire et de culture de la musique
Funk.
‍
Précisons tout de suite que pour nous les guitaristes, ce style nous concerne car il est presque
toujours joué sur des guitares électriques et des guitares basses.
‍
Malgré l’arrivée puis le règne des synthétiseurs, la guitare électrique et ses ghost notes en
cordes bloquées, reste l’élément indispensable du Funk, au même titre que la basse et ses
plans de slap et la batterie.
‍
Si la guitare est un peu moins démonstrative en Funk notamment en solo, qu’en Blues ou en
Rock, elle reste l’élément rythmique imparable du style, avec ses rythmiques ciselées et ses
cocottes.
‍

Tu peux déjà commencer par regarder cette vidéo de Cyrille sur les bases du Funk :
‍
‍
Sache que si tu veux apprendre le Funk, tu vas pouvoir t'éclater sur notre site avec deux cours:
● Le Cours de Funk Débutant, qui est gratuit, et qui te permet de voir si tu aimes le style
● Le Funk dans la Peau, qui est un cours hyper complet pour devenir roi/reine du Funk.
‍
3 conseils pour démarrer le Funk
Avant de te plonger dans cet article qui te donnera d'excellentes bases pour débuter en Funk,
laisse-moi te donner 3 conseils avant que tu te lances dans cette nouvelle aventure !
‍
1. Avoir déjà un bon niveau à la guitare
Le Funk est un style musical où le rythme occupe une place majeure (pour ne pas dire presque
toute la place).
‍
Si tu es un débutant, ce style sera trop dur à aborder pour toi et tu risques juste de te
décourager. Mais rassure-toi, dès que tu auras atteint un certain niveau tu pourras commencer
ton apprentissage du Funk.
‍
Voilà les 2 pré-requis de niveau que tu dois avoir avant de commencer le funk :
1. Pré-requis rythmique : Si tu as débuté la guitare il y a moins de 6 mois, je te conseille
d’attendre un peu avant de te lancer dans le Funk car tu ne maîtrise sûrement pas les
doubles croches. Or elles composent 99% des rythmiques funks.

2. Pré-requis d’accords : Les accords funky sont plus difficiles que les accords de base à
maîtriser. Attends déjà d’avoir des bases solides et des bonnes habitudes à la guitare
avant de commencer le Funk !
‍
2. Aimer et écouter ce genre musical
Mon deuxième conseil va peut-être te sembler étrange, et pourtant il est primordial.

‍
Ne te lance surtout pas dans le funk si tu n’aimes pas ce genre musical !
Beaucoup de rockeurs décident parfois d’apprendre le Funk pour apprendre la rythmique alors
qu’ils n’aiment pas particulièrement ce style. Dans ce genre de cas il ne parviennent jamais
vraiment à la maîtriser et perdent leur temps. C’est dommage.
‍
Une grande partie de l’apprentissage passe par l’écoute de la musique.
Donc si tu veux apprendre le Funk, fais-toi une playlist avec des morceaux funky que tu adores
et imprègnes-en toi !
‍
Si tu n’aimes pas le Funk, concentre-toi sur un autre genre que tu aimes davantage. Tu verras
que tu progresseras beaucoup plus vite et en plus de ça, tu y prendras beaucoup plus de plaisir.
‍
3. Avoir une guitare électrique
Et enfin mon dernier conseil, qui te semblera peut être un peu évident, mais qu’il est bon de
répéter :
Si tu comptes jouer du Funk, tu auras besoin d’une guitare électrique.
‍
Tu peux bien évidemment commencer avec une guitare acoustique le temps de t’en acheter
une. Mais si tu ne comptes pas t’acheter de guitare électrique, tu n’obtiendras jamais le bon son
et le résultat que tu espères.
‍
Je te déconseille donc fortement de jouer du funk si tu ne veux pas investir dans une guitare
électrique (voir partie Matériel où je te donne pleins de conseils sur le matos).
James Brown dans les années 60

‍
Nous allons décortiquer dans cet article, de
quoi est faite la musique Funk, quelles sont ses
techniques de jeu et quel Matériel et Son(s)
sont nécessaires pour la jouer.

Les Accords Funk à la guitare

Du point de vue de l’harmonie, c’est-à-dire des types d’accords utilisés et des grilles d’accords
rencontrés, le Funk est une musique riche.
‍
‍
Le Funk étant typiquement l’héritage de la musique noire américaine, on trouvera à ses
origines plusieurs courants musicaux comme le Gospel, le Blues, le Rythm and Blues, la Soul et
le Jazz.
‍
Le Funk peut donc rester très groovy en utilisant peu d’harmonie avec parfois l’emploi d’un
seul accord, comme tantôt totalement bluesy harmoniquement, pour devenir parfois très
riche en termes d’harmonies souvent issues du Jazz, avec des types d’accords et des cadences
(II - V - I) très élaborés.
‍
Bien sûr il sera bon de connaître déjà les natures d’accords principaux, comme les accords
Majeurs et les accords mineurs naturels avant de s’aventurer dans ce style, car en définitive,
ces accords naturels seront peu utilisés, par contre pour bien comprendre les natures des
nouveaux types d’accords que l’on utilisera en Funk, mieux vaut avoir bien digéré les bases
harmoniques pour pouvoir aller plus loin.
‍
👉 Pour tout savoir sur les Accords à la guitare, jette un oeil à notre SuperGuide Accords ici !
‍

Les accords 7ème en Funk
Il sera utile pour ton bagage harmonique Funk de bien connaître les accords 7ème.
‍
Ce sont des accords de type 7ème de dominante (accord contenant une tierce Majeure ET
une septième mineure) mais que l’on rencontre souvent en Funk, enrichis de 9ème, de 11ème
et de 13ème.
‍
Ces mêmes accords septièmes pourront aussi être altérés, comme l’accord 7b13 par exemple
ou l’accord 7/9+.
‍
Les accords de type 7ème, en Funk, seront plutôt entendus dans les genres de Funk des
origines, c'est-à-dire dans des harmonies à la James Brown, dans un style plutôt Rythm and
Blues, où l’accord 7/9 domine beaucoup.
La musique ayant besoin d’harmonies Majeures et mineures, on connaîtra en Funk aussi ces
natures-là mais de façons plutôt enrichies, le plus souvent.
‍
● ‍L’accord Majeur indispensable sera l’accord Majeur 7 (accord contenant une tierce
Majeure ET une septième Majeure). Celui-ci peut aussi prendre des formes plus ou
moins enrichies, tel que Majeur 9; Majeur 11..
● L’accord mineur indispensable sera l’accord mineur 7 (accord contenant une tierce
mineure ET une septième mineure). Celui-ci peut aussi prendre des formes plus ou
moins enrichies, tel que mineur 9; mineur 6; mineur 7/11 …
Les harmonies Funk étant parfois très riches, dans une lignée plus Jazz avec des résolutions de
grilles d’accords et des formes de cadences II - V - I, on rencontre aussi les accords diminués et
demi-diminués (m7/b5).
‍
Ceux-ci sont des accords de passage qui ont la particularité de contenir une quinte bémole, ce
qui donne l’état de tension de l’harmonie appelant une résolution sur le premier degré de
l’harmonie du morceau.
C’est donc un bon bagage harmonique qu’il te faudra acquérir si tu veux être totalement à
l’aise dans ce style pour jouer tous ces accords couramment.
‍
C’est important car en Funk les rythmiques aussi sont exigeantes, tu t’en doutes.
Il faudra donc automatiser tous ces placements d’accords.
‍
Rien de tel pour ça : Commencer à travailler lentement des grilles d’accords, sans rythmique
pour l’instant, en jouant juste les accords sur les premiers temps des mesures, juste pour
apprivoiser ces nouvelles positions, ces nouveaux types d’accords (par exemple la grille de
“Sunny”).
‍

Peu importe le choix du titre, le but étant de s'entraîner à la lecture et à la reconnaissance de

ces nouveaux types d’accords, sur la guitare pour les apprivoiser, les banaliser.
Les Gammes utilisées en Funk

La musique Funk, a priori n’est pas le style de musique dans lequel la guitare solo est la plus
représentée.
‍
‍Le solo de guitare de milieu de titre n’est pas du tout systématique, il peut se présenter mais ce
n’est vraiment pas toujours le cas, la guitare restant en premier lieu un élément
d’accompagnement rythmique dans ce style.
‍
Cependant, dans des formes Jazz-Funk comme chez George Benson, le solo de guitare peut
devenir mythique et magistral. Dans ce cas, ces solos peuvent être des solos écrits ou de pures
improvisations.
‍
La gamme pentatonique en Funk
Les gammes utilisées pour ce faire sont tout d’abord et comme d’habitude pour les autres
styles courants, la gamme mineure Pentatonique (avec ou sans blue-note).
‍Cette gamme à elle-seule couvrira plus de la moitié des besoins grâce à son côté
“passe-partout”.
Comme dit plus haut à propos des accords et de l’harmonie en Funk, cette musique peut
parfois devenir riche et élaborée.
‍
Il sera donc logique d’avoir à connaître d’autres types de gammes plus complètes, comme les
gammes Majeures et mineures naturelles, qui par rapport à la gamme mineure Pentatonique,
contiennent une seconde et une sixte, les rendant beaucoup plus mélodiques que la gamme
Pentatonique.
‍
Les gammes de passage
Dans le cadre d’une musique riche contenant des tensions et des résolutions, nous aurons
parfois besoin d’utiliser des gammes de passage, pour exprimer certaines tensions et les
résoudre.
‍
Dans ce dernier cas, notamment pour le cas d’un 5ème degré altéré (ex: B7/5+) qui appelle une
résolution sur le 1er degré (ex: Em9), on pourra utiliser la gamme mineure mélodique, comme
la gamme mineure harmonique, comme l’arpège diminué, comme l’arpège augmenté, comme
la gamme par tons ou encore la gamme chromatique, entre autres idées adaptées.
‍

Ce sont des gammes plus rares dont l’emploi est assez limité par rapport à une gamme ultra
récurrente comme la gamme mineure Pentatonique, mais ces connaissances te permettront
de restituer toute la richesse et la beauté de l’harmonie du support sur lequel tu improviseras.
‍
Là aussi, il vaut mieux avoir bien digéré l’emploi des gammes courantes avant de s’aventurer
dans les gammes de passage, afin d’éviter les confusions.
Les Techniques utilisées en Rythmique Funk
Nous y voilà !
‍Ce chapitre est peut-être le plus important de cet article car comme tu le sais, la rythmique de
guitare est Le “plat de résistance” du style Funk, c’est vraiment l’âme du style.
‍
Plutôt que d’écrire ici plusieurs rythmiques possibles à titre d’exemples, je préfère te parler de
cette vidéo parue récemment, dans laquelle j’expliquais “les règles du jeu” pour s’initier à la
Rythmique Funk.
‍
‍
Si l’on veut résumer les codes utilisés pour jouer de bonnes rythmiques de Funk, on parlera de
:
● Rythmiques en doubles-croches (chaque temps divisé en 4)
● Accords ou notes appuyé(e)s brièvement (jeu piqué) pour obtenir un son court et
dynamique
● Ghost-notes, ces bruits percussifs en cordes bloquées (tchak tchak)

C’est l’articulation et les combinaisons de ces trois éléments qui nous donneront le son et la
crédibilité nécessaires pour interpréter des rythmiques de Funk.
‍
Comment jouer des cocottes Funk ?
Un autre son de la rythmique Funk : les Cocottes.

‍
Ce sont des motifs rythmiques souvent sur une corde, sur une ou plusieurs notes que l’on
entend derrière avec un son généralement palm-mute.
‍
La guitare basse en Funk
Juste un mot sur la Basse : les parties de guitare basse sont en Funk aussi présentes et
indispensables que les parties de guitare.
‍
Même si en tant que guitaristes nous sommes ici en train de parler de guitare, nous devons
tenir compte de l’importance pour ne pas dire de la prédominance de la Basse dans le Funk.
‍
Aussi efficace en Slap qu’en jeu aux doigts (en Butté), la basse est peut-être l’instrument N°1
du Funk. On ne compte plus le nombre de lignes de basses de classiques du Funk qui ont été
samplées, recyclées dans tous les sens.
‍
Voici pour clore ce chapitre sur le son Funk et il me semblait obligatoire de citer la Basse.

Les Techniques utilisées en Solo Funk
Pour le solo de guitare Funk, on pourra surtout mentionner l’aspect rythmique de ce jeu
mélodique.
‍
Rien d’étonnant non plus étant donné la richesse rythmique et l’univers syncopé du style
Funk.
‍
Comme dit plus haut, ce sont finalement les mêmes gammes que celles utilisées couramment
dans d’autres styles, que l’on utilisera en Funk, notamment la gamme mineure Pentatonique.
‍
On peut alors se demander si en solo, c’est le même jeu sur du Funk que sur du Blues qu’il faut
pratiquer.
‍
Je dirais presque "oui" mais à condition d’inaugurer des phrases mélodiques plus rythmiques
que d’habitude, en utilisant aussi beaucoup de placements de notes syncopés par l’utilisation
des retours de médiator, comme très bien expliqué par Cyrille dans cette vidéo :
‍
‍
Les phrases doublées en octave
Autre élément susceptible d’être utilisé en solo/impro Funk et pas seulement : les phrases
doublées en octaves qui seraient un mince point commun entre George Benson et Jimi
Hendrix.
‍

En son clair comme en son saturé, cet usage pourra “épaissir” certaines phrases, comme un
effet.
‍
Le scat
Encore une autre possibilité : l’impro scatée.

‍Le Scat est aussi un effet qui consiste à chanter les phrases de solo en même temps qu’on les
joue sur la guitare.
‍
Cet usage du Scat provient du Jazz et peut être aussi utilisé par les pianistes.
En guitare Funk, c’est encore George Benson qui illustre parfaitement ce son de doublage
guitare/voix, comme entre mille exemples dans ce magnifique titre : “The world is a getto” à
5’17” (attention, c’est grave…) puis à 7’38”.
‍
Les signatures rythmiques utilisées en Funk

Dans la très très grande partie, pour ne pas dire dans 95% des cas, le Funk empruntera la
Métrique à 4 temps : Les mesures à 4 temps.
‍
Il est très rare en Funk de rencontrer des mesures à 3 temps, en tout cas je n’ai pas d’exemple
qui me viennent de cet ordre-là.
‍
Il existe par contre des styles complexes, où sont fusionnés le Funk et le Jazz, donnant parfois
des projets aux rythmiques très originales souvent impaires comme le Jazz-Funk aux mesures
composées de Steve Coleman (saxophoniste américain).

L'intérieur du temps en Funk
L’intérieur du temps, c’est le débit de découpage de chaque temps, qui peut comme tu le sais
être binaire ou ternaire.
‍
Il est difficile d’affirmer que ce soit plus l’un ou l’autre, en Funk.
Le débit utilisé pourra autant être binaire, sous forme généralement de doubles-croches que
ternaire, employant à ce moment-là plutôt un débit de triolets pour des shuffles ou de
sextolets pour des rythmiques en half-time-shuffle.
‍
Dans une grande partie des cas tout de même, ce sera l’emploi des doubles-croches qu’il
faudra utiliser.
‍
‍La rythmique binaire en doubles-croches est donc au programme si tu veux accéder à une
grande partie des morceaux et Tubes de Funk bien connus et toujours aussi imparables.
Le Matériel pour jouer du Funk
Je commencerai par le petit paragraphe sur la guitare acoustique comme équipement pour
jouer du Funk, sachant bien que le Funk est prévu pour être joué sur une électrique.
‍
Les guitares pour jouer du Funk
Une guitare acoustique en Funk
Pourtant, l’artiste Keziah Jones a très bien su exprimer sa Funk-Acoustique avec talent.
‍
Si tu as l’intention de jouer des rythmiques Funk sur une guitare Folk, tu peux et il te faudra
une guitare électro-acoustique pour pouvoir faire un bon équilibre des volumes sonores entre
ta guitare et les autres instruments, surtout la batterie.
‍
● Lis notre article complet sur les guitare acoustiques folk ici.
‍
Le Funk à la guitare électrique
Le Funk à la guitare électrique sera possible avec n’importe quelle guitare.

‍
● Lis notre article complet sur les guitare électriques ici.

Attention cependant à avoir une guitare bien réglée, une action (hauteur des cordes) pas trop
haute car on aura besoin d’une certaine brillance et d’un certain claquant.
‍
N’importe quelle guitare oui car les rythmiques de Funk peuvent tout à fait être jouées avec
des humbuckers (micros double bobinage) de type guitare Gibson, comme avec des micros
single-coil (micros simple bobinage) de type guitare Fender strato ou Tele, mustang, jaguar…
‍
Si tu cherches la « meilleure guitare électrique

possible » pour avoir un son funky, dis-toi bien
une chose : elle n’existe pas.
‍
N’importe quelle guitare peut groover si tu
joues bien et si tu as le bon ampli.
‍Le funk c’est plus un feeling qu’un instrument !

‍
Mais il est clair que pour imiter un bon son funk, tu peux prendre en compte quelques critères :
tu auras besoin d’une guitare qui peut produire un son qui claque.
Pourquoi ?
Parce que le son funk est connu pour être incisif et rythmé.
‍
J’ai fait quelques recherches et je t’ai répertorié dans cet article mes recommandations.
‍
Les différents types de guitares électriques pour le Funk
Il existe 2 types de micros pour guitare électrique, c’est ce qui divise les guitares électriques en
2 catégories.
‍
Tu peux jouer du Funk avec les deux, mais il vaut mieux connaître la différence.
‍
Les micros simple bobinage : « single coil »
Ils ont l’avantage de produire un son plus brillant et

piquant que les micros à double bobinage.
‍
En revanche, ils peuvent créer des effets
indésirables comme les bourdonnements et le
volume sonore est moins élevé que l’autre type de
micro. Ils ressemblent à ça :
‍

Les micros double bobinage : « humbuckers »
Ce sont des micros qui ont un nombre

d’enroulements de fils plus élevés en raison du
double bobinage, ce qui permet un niveau de sortie
sonore plus élevé qu’avec les simples bobinages et
également de réduire l’effet de bourdonnement.
‍
En revanche, les humbuckers ont tendance à
déformer légèrement le son original en y ajoutant
de la distorsion et peuvent aussi produire un son
un peu terne. Ils ressemblent à ca :
J’ai repéré les meilleures guitares « single coil » et « humbucker » que tu peux trouver…
‍
Les 2 meilleures guitares « single coil » pour avoir un son

funky
Si je devais choisir la meilleure guitare pour n’importe quel amateur guitariste funk, ça serait
sans aucun doute un compromis entre la légendaire ‘Stratocaster’ et la ‘Telecaster’ (de
Fender).
‍
Ces deux guitares ont été immortalisées sur un grand pourcentage de disques de Funk célèbres
et sont généralement la principale arme de choix des joueurs pour de bonnes raisons….
● Superbes sonorités
● Finesse et belle sonorité aiguë
● Facilement jouables
● Polyvalentes
● Idéales pour les débutants
‍
Tu peux trouver des modèles de Telecaster et Stratocaster entre 949 et 1700€.
‍
La Telecaster de Fender
Prisée par de très nombreux guitaristes dans le monde, la Telecaster est l’un des modèles de
guitares les plus célèbres aujourd’hui.
Dans sa version initiale, elle est équipée de deux micros single coils, et se caractérise par un son
claquant que les anglo-saxons nomment le « twang ». Le twang est lié à la fois à la construction
de la guitare (bois et assemblage du manche et du

corps par vissage), et aux micros dont le bobinage est étroit, favorisant un son précis et net.
‍
La Telecaster a connu beaucoup de modifications et d'améliorations, ce modèle est vendu en

série depuis 1951.
La Stratocaster de Fender
La Stratocaster succède à la Telecaster, sans la

remplacer.
Sa silhouette est devenue l’icône même de la
guitare électrique et c’est l’un des modèles les plus
répandus au monde.
‍
Pour jouer du Funk, la Stratocaster est idéale car
elle est composée de trois micros simples dont le
sélecteur pourra se mettre en position «
intermédiaire » (micro manche + micro milieu).
Il s’agit de la fameuse « quatrième position » qui
sera particulièrement utilisée en Funk.
L’avantage de cette configuration est un certain son claquant, un peu nasillard, nommé le «
quack » (qui s’oppose au « twang » de la Telecaster).
‍
Avant de passer aux guitares à double bobinage, je te laisse admirer la performance de Nile
Rodgers qui joue avec Chic.
‍
‍

Les 3 meilleures guitares « humbuckers » pour avoir un son

funky
La Ibanez de Benson
Pour changer, une guitare Jazz qui est

parfaitement adaptée au Funk : un son qui claque
et un toucher différent des autres, plus doux et
plus moelleux.
Elle est vendue autour de 1200€.
La Gibson ES-335
Mi-jazz-, mi-rock, cette guitare est l’une des plus utilisée par les groupes
Funk qui utilisent des guitares à double bobinage.
Elle est vendue autour de 2200€.
Cette guitare a notamment été le bébé de Chuck Berry pendant de

nombreuses années.
‍
D’ailleurs, si tu as un moment, juste pour le plaisir je te mets ici un
concentré de ses meilleures performances avec elle.
‍
‍

La Jazzmaster de Fender
La Jazzmaster est polyvalente et imposante, elle nous rappelle la Stratocaster

mais avec plus de personnalité.
‍
Ses micros sont d’une très bonne qualité, particulièrement le médium qui offre
un son puissant et clair. C’est une alternative à ses cousines Fender, car plus
abordable (autour de 1000€).
‍
Elvis Costello
C’est la guitare préférée d’Elvis Costello.

Il l’a choisie pour sa facilité de jeu, ainsi que le trémolo flottant, qui lui donne ce son de « film
d’espion ». Fender a créé un modèle en l’honneur de Costello, l’un des guitaristes les plus
célèbres, en se concentrant davantage sur l’aspect de la finition bois que sur tout autre
changement technique majeur.
‍
Voilà pour le tour d’horizon des modèles de guitares adéquats si tu veux jouer un bon son Funk,
j’espère qu’il t’aura été utile !
‍
Pour rappel, n’oublie pas que « ce sont les doigts du guitariste qui font le son de la guitare »…
‍
Le son en Funk
A priori, le son de guitare en rythmique de Funk est plutôt clair, voir très clair pour le son des
guitares de nos Tubes eighties favoris à la Chic, Kool and the Gang, Earth Wind and Fire,
Cameo, Zapp …
‍
Dans d’autres cas, on peut entendre des sons de guitares plus “rappeux”, moins propres
comme dans le Rock-Funk de Lenny Kravitz ou de John Frusciante.
‍
À part pour ces mélanges plus ou moins teintés de Rock, on aura besoin en rythmique Funk
d’un bon son clair.
‍

‍
En solo par contre tout est possible côté son.
Du son totalement clair et cristallin, en passant par le son velouté Jazz demi-caisse, jusqu’au
gros son heavy-metal ou aux sons de guitare synthé, ou encore des effets abusés de filtres, tout
est vraiment possible en Funk du côté des sons de solos.
‍
Revenons à l’accompagnement rythmique en abordant l’ampli.
‍
‍Quel ampli choisir pour jouer de la Funk ?
Une question qui appelle plusieurs réponses, car cela dépend avant tout de chacun.
‍
Ça dépend du type de Funk que tu veux jouer, si tu pratiques un Funk un peu sale, un peu Rock
sur les bords, tu apprécieras les amplis Vox (à lampes), comme les Marshall (anciens) ou encore
certains vieux modèles de la marque Ampeg, ou encore la marque Orange, entre autres
références. Le tout c’est d’aimer le grain, le son clair d’un ampli afin de choisir celui-ci pour
jouer ton Funk.
‍
Si par contre tu aimes les sons clairs ultra limpides, vraiment clairs, tu préfèreras peut-être la
clarté et la profondeur des amplis Fender à lampes comme le Twin Reverb, cet ampli est
merveilleux (mais cher...).
‍
En enregistrement, pour un son ultra propre, certains guitaristes aiment se brancher
directement en D.I (interface qui rentre directement dans la carte son ou passe d’abord par un
préampli).
‍L’emploi d’un compresseur au moment de l’enregistrement ou plus tard en plugin de
traitement de son, pourra flatter la dynamique de tes rythmiques.

Histoire et Culture de la musique Funk
Le mot Funk est apparu dans les années 50, à la Nouvelle-Orléans en même temps que le style
de musique.
‍
Bien sûr le Funk de l’époque n’avait pas encore la forme qu’on lui a bien connue par la suite car
il était joué d’abord sur le piano du bar du coin comme seul divertissement pour la clientèle.
‍
Puis rapidement il commença à arpenter les rues de la ville, sous forme de Brass-Bands
(orchestres composés de cuivres). Le Funk existait déjà comme la musique festive noire
américaine, dès les années mi-50.
‍
La révolution James Brown
C’est ensuite James Brown qui s'est approprié la musique Funk à partir de la moitié des années
60. En effet on lui attribue encore aujourd’hui le titre de “Parrain de la Soul”, “Parrain du Funk”.
‍
James Brown roi de la Soul.
Photographie : David Corio/Getty Images
‍
James Brown avec son concept de “the One”
(l’accent du premier temps) aurait paraît-il
révolutionné la rythmique de la musique de son
temps.
‍
Il avait également compris l’effet de transe généré
par une rythmique répétitive parfaitement exécutée, tel le précurseur de tous les styles “faits
pour danser” qui suivirent par la suite, du Funk jusqu’aux formes de House et d’Electro en
passant par la Techno.
‍
Il parait que James Brown sanctionnait parfois ses musiciens sous forme de retenues sur
salaire, en cas d’erreur (“pain”) sur scène. Sa rigueur rythmique le menait jusque-là.
‍
Le Parrain a engendré et influencé toutes sortes de projets dès la fin des années 60, avec
l’apparition de formations telles que “Sly and the Family Stone”, “Archie Bell and the Drells”,
“the Meters”...
‍

Le Funk grand public
Puis avec le succès de “sex machine” en 1970, la musique Funk est devenue mainstream
(grand public) au point que durant toute la décennie de nouvelles formes de Funk
apparaissent.
‍
En allant d’un Funk traditionnel à la “Tower Of Power” vers un Funk plus mélodique, avec des
groupes comme “The Commodores” (feat Lionel Richie), “Chic” (feat Nile Rodgers), “The
Brothers Johnson” et permettant à des groupes pourtant présents depuis la fin des années 60,
comme “Earth Wind and Fire” et “Kool and the Gang” de rencontrer un succès considérable.
‍
Avec les années 80, les plus gros artistes tels que Stevie Wonder, Prince, Michael Jackson
sortent leurs meilleurs albums de Funk, le style évoluant aussi au gré des nouveaux
instruments synthétiques comme les synthétiseurs, les boîtes à rythmes et les basses
synthétiques parfois.
‍
Stevie Wonder
‍
Certains artistes assez méconnus aussi sortirent
quelques joyaux comme Don Blackman en 1982.
‍
Les nouvelles formes de Funk
À partir de la deuxième moitié des années 80, le succès du style Funk tel qu’on le connaît
semble s'essouffler un peu dans la mode musicale des productions grand public.
‍
Il faudra attendre le début des années 90 en Angleterre pour voir apparaître à nouveau une
nouvelle forme de Funk, appelée en toute intimité branchée et indépendante “Acid-Jazz”.
‍
L’Acid-Jazz ne réinventa pas grand-chose finalement, mais à ce moment-là, l’existence de labels
comme “Talking Loud” (Angleterre) et “Big Cheese Records” en France, faisait du bien par leur
fraîcheur et surtout le fait de réentendre enfin de la Funk avec des groupes comme “Brand
New Heavies”, “Corduroy”, “Mother Earth”, “Freak Power”.
‍
L’arrivée du groupe Jamiroquai fut également un très bon événement au début des 90ties,
avec son Acid-Jazz, teinté de Disco-Funk.
‍

Aujourd’hui ce sont des groupes comme Daft Punk qui utilisent les codes de la musique Funk
en matraquant leurs Riffs avec un son inouï.
‍
Daft Punk utilise les codes Funk

‍
‍D’autres groupes ont choisi un son Funk “à l’ancienne” et réussissent parfaitement à produire
une musique au son ressemblant à s’y méprendre aux productions des années 79/82, comme
Vulfpeck, étonnant groupe américain formé en 2011.
‍
Conclusion
La musique Funk a toujours été conçue pour faire danser le monde et c’est pour cette raison
qu’elle résiste au temps, en existant constamment depuis les années 50, comme un style à
part entière et non comme un phénomène de mode, ce n’est pas une passade.
‍
Si les formes de Funk peuvent varier en fonction de l’air du temps, les codes restent les mêmes
ainsi que les effets de cette merveilleuse musique sur les êtres humains.
‍
J’imagine que tu connaissais déjà ce créneau, mais j’espère que cet article t’apprendras encore
des choses sur le Funk et surtout pourra te donner envie d’en jouer.
‍
Je n’ai pas parlé de ça mais si tu veux “mettre le feu” au bar d’à côté en y jouant quelques
reprises de Funk, tu verras, c’est radical pour que tout le monde se mette à danser en 20
secondes, tu peux me croire ...
‍
Du coup, si tu veux être un.e pro du Funk, je ne peux que te conseiller notre super cours Le
Funk dans la Peau, qui est accessible si tu as déjà quelques mois de guitare dans les doigts.
Si tu veux un aperçu de ce cours, tu peux essayer le cours gratuit Funk Débutant !

CHAPITRE 4
APPRENDRE LE MÉTAL
Par Maryline de MyGuitare
Laisse parler le côté dark qui est en toi !

‍
Si tu veux faire crier ta guitare et énerver tes voisins, c'est le style qui te correspond !
À travers les âges, le Métal a su perdurer, s'étendre et se diversifier.
‍
Dans cet article on te dit tout sur le Métal, de son histoire en passant par les techniques ou
encore les gammes utilisées.
Les techniques utilisées dans le Métal

‍
Le Palm Muting
Le palm muting est une technique consistant à poser le tranchant de la main sur les cordes à
une distance d'environ 1 cm - 1,5 cm des pontets afin de les étouffer pour apporter une
certaine lourdeur.
‍
Cela permet de nuancer le jeu rythmique en ne faisant sonner que certaines notes de temps à
autres (toutes les autres fois étant palmutées).
En effet, laisser continuellement sonner les cordes lorsque l'on utilise un son saturé produirait
une sorte de bouillie sonore.
‍
On peut effectuer cette technique aussi bien sur une seule corde que sur des accords.
Cette technique se retrouve aussi dans certains morceaux de Rock, pas que dans le Métal.
‍

Dans cette vidéo, Cyrille t'apprends comment effectuer cette technique sur ta guitare
électrique :
‍
‍
Sur une tablature, le palm muting se représente par l'inscription "P.M".
‍
Le vibrato
Le vibrato est produit avec un mouvement du doigt mais aussi du poignet, un mouvement
d'oscillation.
Cela consiste à jouer la note puis à bouger le doigt de manière verticale ou horizontale
généralement.
Le mouvement doit être détendu.
‍
Le vibrato peut être plus ou moins rapide selon les styles, pour le Métal on verra le plus souvent
des vibratos verticaux rapides et énergiques.
Ils sont un peu comme une sorte de micro-tirés et relâchés successifs.
Il faudra bien doser la vitesse pour être raccord au tempo du morceau, le débit produit par le
vibrato doit être réalisé en respectant le tempo.
‍
Les guitaristes de Heavy metal ont un vibrato très prononcé, c'est donc une technique qui te
sera très utile si tu souhaites faire du Métal.
Le vibrato, quel que soit les styles de musique, est l'arme absolue pour mettre une note en
valeur (de façon à ce qu'elle ne sonne pas de manière plate).
‍

Dans cette vidéo Cyrille t'explique comment réaliser un vibrato horizontal et vertical :
‍
Une autre technique consiste à utiliser une barre de vibrato "whammy bar" si ta guitare en
dispose.
‍
Le sweeping, le tremolo picking et le legato
Le sweeping, le tremolo picking ainsi que le legato ont tous un point commun et un but bien
précis : ce sont des techniques utilisées pour jouer "vite".
‍
Le Métal est souvent associé à un jeu rapide avec des tempos assez élevés selon certains
genres de Métal.
‍
Ces techniques sont expliquées dans l'article pour travailler sa vitesse et l'article sur le legato
que je t'invite à consulter, cela enrichira encore tes connaissances techniques.
‍
Certains guitaristes dit "shredders" se sont fait connaître pour leurs techniques tels que Eddie
Van Halen pour son tapping légendaire ou encore Zakk Wylde (guitariste et fondateur du
groupe de Heavy metal Black Label Society) pour ses notes sifflées avec son vibrato d'enfer.
‍Il utilise en fait le principe des harmoniques artificielles, autre technique pas mal utilisée aussi
dans le Métal que nous allons voir dans la suite de cet article !
‍

Le tapping
Cette technique a été popularisée par Eddie Van Halen.

‍
Elle consiste à venir prendre appui avec le pouce de la main qui tient habituellement le
médiator sur le côté haut du manche et de venir faire une succession de hammer-ons et de
pull-offs avec l'index.
‍
On peut également taper les cordes à vide avec les doigts de l'autre main (celle qui joue les
notes sur le manche) sur certaines cases et même se servir des 2 mains alternativement pour
venir taper sur la corde.
‍
Cyrille te montre cette technique dans cette vidéo :
‍
‍
Les harmoniques naturelles
Lorsque nous jouons une note sur notre guitare, la note que nous entendons principalement
est la note fondamentale, la note la plus forte.
‍
Or, cette note jouée émet aussi ce que l'on appelle des harmoniques.
Naturellement, l'harmonique dont on parle souvent est celle que nous trouvons à la 12ème
case, c'est-à-dire la même note que la corde jouée à vide mais à l'octave.
‍
Les harmoniques sont des notes réalisées juste au-dessus d'une frette sans appuyer sur la
corde, le doigt va juste venir frôler la corde au-dessus de la frette.
‍

Les harmoniques principales sont l'octave, la quinte et la tierce .

‍
Exemple
Pour produire l'harmonique à l'octave de la note de Mi grave (sur la corde de Mi grave jouée à
vide), il faudra venir placer le doigt sur la corde sans l'appuyer, juste au-dessus de la 12ème
frette.
‍
Voici les notes que l'on obtient en produisant les harmoniques à l'endroit de la guitare suivant:
‍
● 12ème frette : on obtient l'octave
● 7ème frette : on obtient la quinte
● 4ème frette : on obtient la tierce
● 5ème frette : on obtient le son de la fondamentale mais 2 octaves au-dessus.
‍
La note que l'on trouvera au niveau de la frette 7 correspondrait à la quinte de la corde jouée à
vide, on obtiendra donc un Si.
‍
Sur une tablature, une harmonique naturelle sera représentée ainsi : <12> pour une
harmonique réalisée avec une corde à vide et jouée au-dessus de la 12ème frette.
‍
Les harmoniques artificielles
Pour bien faire ressortir et entendre les harmoniques artificielles il est fortement conseillé
d'avoir sur sa guitare électrique un micro humbucker (double-bobinage) et un bon paquet de
distorsion.
‍
On parle aussi de notes sifflées car on va faire siffler les harmoniques de ces notes.
Cette technique, contrairement aux harmoniques naturelles, est à réaliser en appuyant la note
sur la case.
Lorsque l'on joue une harmonique artificielle, on entend la note jouée qui est mélangée à
l'harmonique réalisée.
‍
Le principe est que la corde va toucher quasiment simultanément le plastique du médiator et
la peau de notre doigt.
Tout le secret de cette technique tient donc dans la façon dont on va tenir le médiator !
‍
Sur une guitare avec un micro simple bobinage on aura beaucoup plus de difficultés à faire
entendre ces harmoniques artificielles, de même si l'on a une faible distorsion.
‍

Cyrille te montre comment réaliser la technique des harmoniques artificielles dans cette vidéo:
‍
‍
Ajoute à cette technique un bon vibrato de la note et tu obtiendras la recette de Zakk Wylde !
‍
Ce type d'harmonique artificielle sera représenté sur une tablature par l'inscription "P.H" (pour
Pinch Harmonic) qui représentent les notes sifflées.
‍
Les harmoniques tapées
C'est une technique qui a également été développée par le très célèbre Eddie Van Halen.
‍
Les harmoniques naturelles couramment réalisées sont celles au niveau des frettes 4, 5, 7, 9, 12
et 17.
Pour bien les entendre, il faudra avoir une bonne distorsion au niveau du son de ta guitare.
‍
Nous avons vu quelles notes sont produites lorsque l'on joue une corde à vide et que l'on
réalise des harmoniques naturelles aux différentes frettes mentionnées dans le paragraphe sur
le sujet.
Eh bien, les harmoniques tapées sont en fait réalisées en appuyant sur la corde sur une case
cette fois et non plus à vide, c'est comme si notre doigt était un capodastre et donc la note que
que l'on produira en jouant l'harmonique 12 cases (sur la frette cette fois) plus loin, 7 cases plus
loin ou encore 5 cases plus loin seront les mêmes (l'octave, la quinte et la note 2 octaves
au-dessus).
‍

Pour bien exécuter cette technique, il faut que le doigt qui vient taper la frette la tape plutôt à
l'horizontal.
‍
Attention également à ne pas toucher le bois du manche avec le doigt qui vient taper la corde,
sous peine de jouer en réalité la note de la case et non l'harmonique.
‍
Cyrille te montre comment réaliser cette technique dans les moindres détails dans cette vidéo:
‍
Sur une tablature, une harmonique tapée sera indiquée par l'inscription "TH" (pour Tapped
Harmonic).

Les rythmiques dans le Métal

‍
Dans le Métal, les rythmiques sont puissantes et le point clé sera de rester parfaitement
détendu.
‍
De plus, comme les tempos sont souvent très rapides, tenir un palm muting sur une longue
durée à un débit élevé si on est contracté sera beaucoup plus difficile.
‍
L'utilisation des Power Chords tient une place importante dans ce style de musique.
‍
L'explication est simple, ces accords ne contiennent que 2 notes : la fondamentale qui donne
son nom à l'accord et la quinte qui apporte stabilité et puissance et c'est bien là tout l’intérêt de
leur utilisation.
D'autre part, cette position d'accord peut être déplacée partout sur le manche et permet donc
de jouer des rythmiques en se déplaçant rapidement d'un endroit à l'autre du manche.
‍
Cyrille t'explique comment faire des accords Power Chords à la guitare :
‍

Dans cette vidéo Cyrille te dévoile le secret des rythmiques Métal :

‍
‍
Les sextolets sont également souvent utilisés dans le Métal.
Cyrille te montre une utilisation de cette division de temps très rapide à exécuter dans un plan
de Dimebag Darrell, qui est le guitariste de légende du groupe de Métal Pantera :
‍
‍
Ce plan est pour les niveaux avancés car il demande déjà une certaine dextérité et coordination
des doigts, mais c'est aussi un très bon exercice.

‍
Les motifs d'un temps et demi sont très utilisés dans les morceaux de Hard Rock et de Métal
sur des rythmiques en double-croches où les accords tombent une fois sur le temps, une fois
sur le contre-temps.
‍
On retrouve ce genre de motifs rythmiques dans le morceau Crazy Train, ou encore sur l'intro
du morceau Paranoid de Black Sabbath et dans beaucoup d'autres.
C'est donc ce placement des accords qui varie une fois sur deux qui va créer de la surprise. En
effet, si toutes les rythmiques étaient jouées sur le temps, ce serait plus ennuyeux à écouter.
‍
‍
‍

Les gammes utilisées dans le Métal

‍
Pour commencer, nous ne pourrions parler de gammes dans le Métal sans citer la gamme
pentatonique qui est la base pour ce style mais aussi pour beaucoup d'autres.
‍
Zakk Wylde (guitariste du groupe Black Label Society) est un bel exemple de l'utilisation de
cette gamme dans le Métal.
Il a d'ailleurs déjà été surnommé le roi de la penta !
En effet, il est capable de la tourner et retourner dans tous les sens pendant des heures.
‍
La gamme de C# mineure pentatonique est par exemple utilisée pour le morceau Iron Man de
Black Sabbath, ainsi que la mineure blues.
‍
On peut également prendre pour exemple leur morceau Paranoid qui est majoritairement
conçu sur la gamme de Mi mineure pentatonique.
‍
La gamme pentatonique mineure est également très utilisée par Kirk Hammett (guitariste de
Metallica), ainsi que la gamme blues de temps à autres, puis il s'aventurera par la suite
également sur la gamme majeure.
‍
Les gammes mineures sont très appréciées dans le Métal, par leur sonorités sombres et
mélancoliques. On entendra également la gamme mineure harmonique avec sa sonorité
typiquement classique/néo classique, elle est utilisée entre autres par Yngwie Malmsteen.
‍
Ce sont les gammes les plus couramment utilisées, d'autres gammes moins courantes sont
parfois également utilisées pour apporter un côté un peu dissonant sur certains passages.
‍
Il n'y a pas une gamme définie par type de Métal (Death meal, Black metal, etc...), on notera
simplement la présence dominante des gammes mineures dans ce style à connotations plutôt
sombres.
‍
Les guitares harmonisées à la tierce sont aussi très appréciées et utilisées dans le Métal (on
pourra en retrouver par exemple dans le morceau The Trooper d'Iron Maiden ou encore dans
plusieurs morceaux de Métallica). Pour ce faire, il faut connaître la gamme utilisée et jouer la
tierce de chacune des notes jouées par la première guitare.
‍
On retrouvera aussi parfois l'utilisation de certains modes comme le mode mixolydien ou
encore le mode Phrygien dominant comme pour le morceau Wherever I May Roam de
Metallica par exemple.

Top 10 des guitares pour jouer du Métal

‍
Tu es fan de Métal, tu recherches la meilleure guitare possible pour bien jouer ton style
préféré ?
‍
Qu'il s'agisse ou non de ton premier achat, en matière de guitare le choix est toujours
cornélien.
Pour jouer du métal, plusieurs modèles de guitares s'offrent à toi ! 🎸
‍
J'ai passé en revue toutes les guitares Métal les plus populaires sur le marché, afin que tu
puisses trouver celle qui te fera vibrer.
‍
Avant de te présenter ces 10 guitares, pour que tu saches mieux de quoi on parle,
intéressons-nous aux caractéristiques d'une guitare Métal.
‍
Caractéristiques d'une guitare Métal
Pour bien jouer du métal, tu dois avoir un instrument précis et confortable car c'est un style
très technique.
‍
Avant de t'offrir ta guitare Métal, voici les 5 critères principaux que tu dois donc prendre en
compte :
‍
Le manche
Le choix du manche est subjectif :

● Certains métalleux expérimentés préfèrent un manche étroit et épais
● En général, il vaut mieux opter pour un manche au profil plat et plutôt fin pour une
bonne technique instrumentale
Les frettes
● Pour le Métal, choisis plutôt une guitare avec de grosses frettes

● Vérifie toujours que les frettes ne dépassent pas des côtés du manche (elles pourraient
te blesser les mains)
‍
Les cordes
● Selon le confort de jeu souhaité on choisira peut-être une hauteur de cordes plutôt
basse, mais pas trop non plus afin que les cordes ne se mettent pas à friser (bruit de
vibration métallique).

‍
Les micros
● Opte pour les micros humbuckers : ils offrent un son puissant et précis, l'idéal pour
jouer du Métal.
‍
Le bois
Tilleul
Le + : un son tranchant et incisif, et une guitare légère à porter/jouer
Le - : elle est plus fragile
‍
Acajou
Le + : un son puissant, un son "lourd" comme l'appellent les métalleux
Le - : la guitare est lourde
Passons maintenant aux différents modèles que j'ai sélectionné pour t'aider à faire ton choix de
guitare Métal.
‍
Je les ai classées par gamme de prix (de la guitare la moins chère à la plus chère), mais ce
classement n'indique aucune préférence, elles sont toutes uniques et différentes et il en existe
beaucoup d'autres sur le marché !
‍

1. La Jackson Kelly
● Prix : entre 300 et 700€ selon les modèles

● Corps en Tilleul
Jackson Kelly "Gloss Black"
‍
Infos générales
La Jackson Kelly (ou KE) est en production depuis le début des années 1980 et est disponible
en plusieurs formats différents.
‍
Cette guitare dispose d'un bouton de volume, d'un bouton de tonalité et d'un interrupteur
pour changer le micro utilisé.
‍
Avantages
● C'est une guitare d'entrée de gamme, assez simple

● Elle est très efficace, même si elle est un peu sèche à jouer
‍
Donc si tu privilégies l'efficacité au confort, elle sera bien pour toi.
‍

2. La Dean V

● Corps en tilleul
● Manche vissé en érable
Dean V "Black"
‍
Infos générales
La Dean V est reconnaissable avec sa fameuse forme en V !

Elle a été créée par Dean Guitars, un constructeur d'instruments de musique surtout connu
pour ses guitares électriques.
‍
La Dean V fait partie de la gamme classique de guitares Dean avec les Dean ML, Dean Cadillac
et Dean Z.
‍
En plus de sa forme corporelle, la Dean V se distingue par sa tête en V et son cordier en V.
Parmi ses principaux utilisateurs figurent Michael Schenker, Michael Amott, Eric Peterson et
Karl Sanders.
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Avantages
● le manche très agréable

● le prix : elle le vaut largement

3. La Damien Elite 8

● Corps en acajou
● Manche en acajou
Damien Elite 8 cordes
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Infos générales
Cette guitare à 8 cordes divise car elle n'est pas faite pour tout le monde, mais essaie-la et tu
verras par toi-même si le son de dingue qu'elle produit te fait vibrer ou non.
En effet, tu seras sûrement amené à voir des guitares de 7 ou 8 cordes dans les groupes de
Métal.
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Avantages
● les deux micros qui renvoient un son génial

● le manche très fin et confortable malgré ses 8 cordes
● sa légèreté, malgré ses 8 cordes
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En bref
Sur le marché de la 8 cordes, la Damien Elite reste une valeur sûre pour un budget qui reste
raisonnable au regard de ses performances.
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4. La DBZ Bolero Calavera

● Corps en acajou/érable
DBZ Bolero Calavera "Black"
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Infos générales
Cette guitare est similaire à une Les Paul non seulement par son esthétique mais aussi par ses
caractéristiques :
La sonorité de la guitare est plutôt lourde.
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Avantages
● Le corps épais en acajou lui donne une sonorité chaleureuse et épaisse

● Sa sonorité la rend idéale pour le Hard Rock et le Métal

5. La Jackson RR24 X Series Rhoads

● Corps en acajou
● 2 micros humbuckers
Jackson RR24 X Series Rhoads
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Infos générales
Cette guitare a été construite pour les riffs puissants.

La guitare Jackson RR24 X Series est dotée d'un manche en bois de tilleul et d'un manche en
érable.
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Avantages
● la construction du manche traversant le corps : ça permet d'avoir un grand soutien !

● sa solidité pour les solos
● son manche doux au toucher
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En bref
Cette guitare est un véritable chef-d'œuvre dans l'art de la lutherie. C'est une bête !
La construction du corps et du manche, le choix du bois, la quincaillerie, l'électronique, qui
ensemble font toute la différence.
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6. La Dean Razorback Cemetery Gates

● Corps en acajou
● 2 micros Dean Dimebuckers
Dean Razorback Cemetery Gates
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Infos générales
Cette guitare crie MÉTAL ! Son corps et son manche sont en acajou. Le manche est enchâssé
dans le corps.
‍
La finition de la guitare est vraiment étonnante, avec des graphismes inspirés du Dimebag et
des paroles de Cemetery Gates. Cela rend tous les fans de Pantera avides de cette belle gratte.
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Avantages
● Super son - Les micros sur les portes du cimetière de Razorback sont tout simplement
incroyables ! Il faut l'essayer pour comprendre.
‍
Inconvénients et défauts potentiels
● Poids lourd - Commence à faire de l'exercice, ou tu auras du mal à apprécier pleinement

les tons brutaux et le manche lisse de cette guitare...
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En bref
Si tu es un fan de Métal, tu sais ce que Dimebag Darrell signifie dans le monde du Métal. The
Cemetery Gates Razorback de Dean est une machine à tuer avec un son incroyable et un
manche lisse.
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Vraiment un super instrument ! Un peu cher, mais qui en vaut la peine, c'est sûr.
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7. La LTD EC-Black Metal
● Prix moyen constaté : 849 euros

● Corps en acajou
● 1 micro Seymour Duncan Blackened Black Winter
LTD EC-Black Metal "Black"
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Infos générales
Le corps de la guitare est en acajou, tandis que le manche est en acajou trois pièces avec une
touche en ébène de Macassar.
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LTD EC-Black Metal n'a qu'un seul micro, c'est le Seymour Duncan Black Winter humbucker,
qui fournit une tonalité d'octet agressif, et pour les contrôles, il a un bouton de contrôle Master
Volume.
‍
Pas de clochettes et de sifflets ; il suffit de brancher et de siffler !
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Avantages
● Un pick-up, un contrôle de volume, un manche incroyable, des sons superbes - il suffit

de la brancher pour comprendre !
● Cette guitare est assez abordable compte tenu de la qualité que tu obtiendras. Elle
pourrait facilement rivaliser avec des trois fois plus chères.

8. La Schecter Synyster Gates Signature

● Corps en acajou
Schecter Synyster Gates Signature
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Infos générales
La Schecter Synyster Custom est une guitare qui vous fait voyager dans l'univers Métal en
quelques secondes !
La guitare a un corps en acajou et un manche en trois parties en acajou.
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Avantages
● Design impressionnant - Non seulement elle est superbe, mais la Schecter Synyster
Custom est très agréable au toucher et très fiable - elle ne se désaccorde jamais !
● Super son ! - Les Seymour Duncans sur cette guitare font des merveilles !
‍
En bref
La Schecter Synyster est définitivement une guitare à essayer.

Si tu es vraiment passionné par le Métal, tu dois l'essayer. Elle est construite avec une grande
attention aux détails, joue super bien, et sonne plus que bien !
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9. La Fender Jim Root Signature Telecaster
● Prix: environ 1450 €

● Corps en acajou
● 2 micros humbuckers
Fender Jim Root Signature Telecaster
Infos générales
La Jim Root Signature Fender Telecaster est un autre modèle de Fender.

Le corps de la guitare est en acajou, tandis que le manche moderne en forme de "C" est en
érable avec touche en ébène.
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Avantages
● Jim Root - C'est un de ces gars qui savent ce qu'il font. Le design de cette guitare est
exceptionnel ! Une Telecaster pour le Métal ? Vraiment ? C'est pas cool, ça ?
● Super son - Cette guitare fonctionne très bien pour le Métal, mais elle sonne aussi très
bien avec la musique Rock. Idéal pour les guitaristes qui jouent les deux styles.
● Cou magnifique - Tu es probablement familier avec les manches de Télécasters. Mais un
manche Telecaster fait pour le Métal/Rock lourd, c'est vraiment quelque chose de
spécial. Hyper agréable à jouer.
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En bref
Si tu es un grand fan de Telecaster, et que tu veux jouer de la musique lourde, Jim Root a conçu
la guitare parfaite pour toi ! Merci, Jim Root !
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La Fender Jim Root Telecaster a un corps et un cou incroyables, et les deux EMG's sont
vraiment géniaux ! Super guitare !
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10. L'Ibanez Prestige RGR5220M

● Corps en acajou
Ibanez Prestige RGR5220M
Infos générales
L'Ibanez Prestige RGR5220M est une véritable guitare-bête.

Elle a un corps en acajou africain avec le dessus en frêne, un manche en cinq pièces en érable
blanc.
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Avantages
● sa polyvalence : tu peux diviser les bobines des humbuckers à l'aide de l'interrupteur de

prise de bobine, ça te permet d'avoir plusieurs choix sonores.
● le manche de la guitare : il est très agréable au toucher
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Inconvénients et défauts potentiels
● Au début, je n'aimais pas la couleur, puis j'ai essayé la guitare, et je suis tombé amoureux
d'elle. Le vert fluorescent est maintenant mon préféré !
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En bref
Cette guitare mérite bien le mot "Prestige" dans son nom. C'est une guitare incroyable ! Elle est
polyvalente et magnifique...
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Et Voilà pour ces 10 guitares Métal.
Bien sûr, la liste est non exhaustive, il y a encore plein d'autres modèles à explorer.
J'espère que les modèles que j'ai sélectionné t'ont inspiré et t'ont donné envie de jouer du
Métal !
‍
D'ailleurs puisque le métal t'intéresse je te conseille de jeter un coup d'œil à nos cours gratuits
sur le Métal.

Le son caractéristique du Métal

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Nous avons évoqué les guitares dans le paragraphe précédent, car oui la guitare fait déjà
beaucoup pour le son et surtout les micros !
‍
Le micro
Un micro humbucker situé au niveau des pontets, va capter les aigus et sera tout à fait adapté
pour un son lourd et puissant tel qu'il est présent dans la musique Métal.
Ainsi, une guitare avec un micro de ce type permettra de mieux faire sonner et entendre
certaines des techniques vues plus haut comme les harmoniques naturelles ou artificielles.
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L'ampli
L'autre point important dans le son va être l'ampli sur lequel la guitare sera branchée !
On privilégiera un ampli à lampes pour la puissance, le grain et la chaleur du son.
Les configurations de type tête d'ampli à lampes + baffle 4x12 est très courant, le baffle de 4
haut-parleurs permet une diffusion large et profonde du son et dans le Métal on aime bien faire
beaucoup de bruit !
Bien sûr d'autres systèmes et configurations sont tout à fait possible, nous indiquons
simplement l'une des plus courantes.
‍
Les réglages
Il sera ensuite intéressant de mettre pas mal de gain pour apporter un côté saturé au son et
aussi de la distorsion.
Certains amplis disposent d'un étage de puissance mais aussi de paramètres d'effets que l'on
peut utiliser pour gonfler le son et le modeler à son goût.
On pourra aussi utiliser des pédales d'effets plus spécifiques telles que le phaser ou le flanger
utilisés par Van Halen.
On peut mettre aussi un peu de delay.
On évitera de mettre trop de réverb pour ne pas noyer le son de la guitare car on veut qu'il soit
bien présent dans le Métal et les rythmiques Rock en général d'ailleurs.
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Le brown sound
Si tu joues déjà un peu de Métal, tu as peut-être déjà entendu parler du fameux "brown sound"
qui fait référence à Eddie Van Halen et qui a beaucoup fait parler de lui comme "le son à
atteindre", comme le son de guitare électrique "parfait".
‍
En effet, Van Halen marque un tournant dans la musique après la sortie de son album éponyme
en 1978.
Ce son n'avait jusqu'alors jamais été entendu.

Une distorsion énorme, un gain très élevé et un son un peu déformé.
‍
Le brown sound pourrait être obtenu avec une guitare stratocaster disposant de humbuckers
et branchée sur un ampli Plexi britannique.
Mais voilà, ce n'est pas aussi simple que cela.
Il s'agit d'un tout, avec également une sélection précise d'ampli et d'enceintes utilisées pour
apporter toute la chaleur caractéristique de ce son.
‍
De même (comme évoqué plus haut) Van Halen utilise aussi des pédales d'effets comme une
pédale Phaser que l'on peut entendre sur l'intro du morceau Atomic Punk, ainsi qu'une réverb
et un bon delay.
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On retrouvera aussi de temps à autre une petite pédale de Fuzz dans la musique Métal, que l'on
pourra entendre notamment sur le morceau Paranoid de Black Sabbath par exemple.
‍

L'Histoire du Métal
Le Métal ou Heavy metal t'évoque sûrement un genre musical atypique et bruyant, voire
disgracieux pour les oreilles si tu n'es pas familier de ce genre un peu particulier.
‍
Mais sais-tu vraiment ce qu'est le Métal?
Comment et quand est- il né ?
Quels sont les groupes qui ont été porteurs de ce genre ?
‍
Le Métal : c’est quoi ?
Avant de s'intéresser à l'histoire de ce genre musical si particulier, je te propose de voir

ensemble ce qui le caractérise et le rend unique !
‍
Définition du Métal
Le Heavy metal plus communément appelé Métal est un genre musical dérivé du Rock apparu
au Royaume-Uni et aux US à la fin des années 60.
‍
Ce genre musical est souvent comparé au Hard rock car il présente des caractéristiques
similaires au Blues et au Rock avec notamment une très forte présence de la batterie et de la
guitare amplifiée.
‍
Il est compliqué en fait de rentrer le Métal dans une définition générique !
‍
Le terme Métal englobe en réalité une multitude de styles divisés en sous-genres : hard rock,
heavy metal, speed metal, trash metal, death metal, doom metal, symphonic metal, black metal,
gothic metal, industrial metal, electro metal, folk metal, pagan metal, progressive metal, glam
metal, stoner metal, nu metal, rap metal, hardcore, deathcore, metalcore, grindcore, heavy
melodic, etc...
‍
Comme tu peux le voir, la liste est longue !
‍
Si tu veux en savoir un peu plus sur chacun de ces styles, je t'invite à lire la section au bas de ce
chapitre qui parle de 10 Nuances du Métal.
‍

Caractéristiques du Métal
Style musical
Le Métal est un genre très complexe et diversifié, il est donc assez difficile d’établir des
généralités sur ce style.
Cependant, il existe quand même certains éléments typiques présents dans la majorité des
différents sous-genres.
‍
Le Métal se caractérise tout d’abord par la dominance de la guitare et de la batterie, le tout
avec une rythmique puissante.
La double-pédale est souvent présente à la batterie dans les diverses rythmiques de ce style.
‍
Dans ce genre musical, le son de la guitare est assez saturé.
C'est en quelque sorte le « symbole sonore » principal de cette musique.
On peut aussi y ajouter l‘accélération ou la lenteur, que certains qualifient de lourdeur du
rythme.
Par ailleurs, on reconnaîtra aussi l'exécution de certaines techniques qui sont nées avec le
Métal (comme certaines dont nous avons parlé plus haut).
‍
La voix occupe également une place importante dans le Métal.
On trouve aussi bien du chant clair et symphonique que du chant beaucoup plus sombre avec
une voix gutturale et éraillée.
Tout dépend du sous-genre de Métal que tu écouteras et des choix artistiques de chaque
groupe.
‍
Thématiques du Métal
Les textes occupent également une place très importante dans le Métal.
‍
Si le Métal dans l’imaginaire populaire est surtout lié à l’univers du fantastique - certains diront
même que c'est un genre musical sataniste, il serait dommage de ne le réduire qu’à ces deux
thèmes.
En effet, on retrouve dans le Métal un aussi grand choix de thèmes que de sous-genres !
Il y en a pour tous les goûts !
‍
La mythologie nordique et celtique par exemple occupent une grande place dans l’imaginaire
du folk metal et du black metal.
Elles y sont associées à la volonté de retrouver les origines de l’humanité et de communier avec
les forces de la nature.
‍
La liste des thèmes abordés par le Métal est encore longue, on peut entre autre citer : la poésie,
la philosophie antique, l’amour, la mort, mais aussi le chaos et la guerre, la revendication

sociale ou politique, ainsi que des thèmes de société comme l’écologie, la mondialisation…
tout en conservant les sujets empruntés au Rock comme le sexe ou la drogue.
‍
Le Métal dans les années 60 à 80 aborde en effet des thèmes plus engagés et sombres que ceux
de la Pop de la même époque.
Entre autres exemples de chansons traitant de ces sujets, on peut citer : War Pigs de Black
Sabbath, Killer of Giants d'Ozzy Osbourne, l'album ...And Justice for All de Metallica, 2 Minutes to
Midnight d'Iron Maiden, Civil War de Guns N' Roses, ou encore Behind the Crooked Cross de
Slayer.
‍
‍
Scénographie des groupes de Métal
Impossible de parler du Métal sans aborder l’imagerie et la mise en scène qui va avec.
‍
De tous les genres musicaux, le Métal est sûrement un de ceux dont l’image et l’apparence
occupent une des places les plus importantes.
‍
Si la musique demeure la composante principale de l’univers d’un groupe elle n’est pas la seule.
‍
Les couvertures d’albums et tous les artworks liés à un groupe sont très importants dans le
Métal.
En effet, les illustrations participent à l'ambiance générale des albums en leur donnant un
aspect visuel très important, grâce auquel le public peut se plonger plus rapidement dans
l'univers de chaque groupe.
‍
À titre d’exemple on pourrait citer l’univers d’Iron Maiden avec Eddie, la mascotte du groupe,
qui figure sur toutes leurs pochettes d’album !
‍

D'où vient le nom Métal ?
L’origine du terme Heavy metal en tant qu’expression faisant référence à de la musique est
assez floue.
‍
L’expression heavy metal naît en Angleterre lorsque les secteurs de la chimie et de la
métallurgie connaissent un essor.
Heavy metal est donc d’abord une expression utilisée dans les secteurs industriels !
‍
Mais comment cette expression technique est-elle alors devenue le nom d’un genre musical ?
‍
Voici la première hypothèse :
‍Heavy et Metal étaient des termes d’abord utilisés par les communautés hippies.
Ils étaient utilisés pour désigner une humeur lourde et puissante.
Petit à petit ces termes ont été associés à ce style de musique.
Des groupes comme Led Zeppelin avec leur nom faisant une référence directe à du Métal ont
sûrement contribué à instaurer ce nom.
‍
Le nom heavy metal pourrait aussi venir du fait que ce style s’est principalement développé
dans les alentours de la ville de Birmingham dans le courant des années 1960 qui était alors un
haut lieu de l’industrie métallurgique en Angleterre.
‍
Ou peut-être que ce nom serait dû à Jimi Hendrix ?
Rien à voir me diras-tu, et pourtant !
Le manager de The Jimi Hendrix Expérience a déclaré que l’expression était apparue dans un
article du New York Times en 1969, un journaliste y aurait écrit qu’écouter The Jimi Hendrix
Experience, c'était « ...comme écouter du métal lourd (heavy metal) qui tombe du ciel. »
‍
Et il existe sûrement encore d’autres hypothèses quant à l’origine de l’utilisation de l’expression
heavy metal en musique !
Le Métal : naissance et développement du style
Maintenant que tu en sais un peu plus sur le Métal, je te propose un bref historique de ce genre
apparu dans les années 60 et qui continue de faire parler de lui encore aujourd'hui.
‍
Du Hard rock au Heavy metal
Le Heavy metal est d'abord un dérivé du Rock.

‍
Il est né dans les années 60 suite aux nouveaux champs d’expérimentation offert par les
multiples possibilités de la guitare électrique amplifiée.

La puissance sonore de celle-ci et les dissonances qu’elle pouvait engendrer ont en effet inspiré
plus d’un artiste à cette époque.
‍
Cette nouvelle façon de jouer à la guitare a entraîné des modifications au sein des groupes de
musiques qui l'adoptent.
Les batteurs durent adopter un jeu plus musclé, complexe et amplifié pour se mettre au
diapason du son des guitares et de leur côté les chanteurs adaptent leurs techniques vocales.
‍
Mais tout cela reste du domaine de l’avant-garde au début des années 60 et on ne peut pas
encore vraiment parler du style Métal.
‍
Il faut attendre la fin des années 60 avec la sortie des albums Led Zeppelin III du groupe Led
Zeppelin, Black Sabbath de Black Sabbath et In Rock de Deep Purple pour que les codes du
Heavy metal soient instaurés.
‍
On retrouve ainsi chez Led Zeppelin le côté si théâtral du Métal avec, par exemple, les
hurlements du chanteur Robert Plant comme on peut le voir dans cette vidéo de leur chanson
immigrant Song.
‍
Chez Black Sabbath on retrouve le recours intensif aux power chords du guitariste Tony
Lommi.
‍
Petite anecdote, c'est d'ailleurs au guitariste Tonny Iommi que l'on doit les sonorités assez
lourdes et lentes du Métal.
Le guitariste s'était sectionné 2 phalanges de la main qui lui servaient à pincer les cordes de sa
guitare sur son lieu de travail.
Après une rééducation complexe, il réussit à rejouer mais avec une nouvelle méthode.
‍
En effet, pour jouer avec sa main affaiblie et moins sensible, il doit assouplir la tension des
cordes de sa guitare, ce qui mécaniquement en abaisse la tonalité vers les graves.
Il utilisa également une prothèse qu'il commença par concevoir lui-même dans un premier
temps.

Lorsque cet incident arriva, il pensa arrêter la guitare, mais il surmonta ce tragique accident en
s'adaptant à son handicap physique.
Grand respect pour sa persévérance qui lui valu un grand succès en tant que guitariste.
‍
C'est donc à lui que l'on doit cette couleur de jeu assez sombre associée au Métal.
‍
Le groupe Deep Purple adopte également des

codes similaires avec les choix des techniques
vocales de Ian Gillan ainsi que les
arrangements du guitariste Ritchie
Blackmore.
‍
Ces groupes sont aujourd'hui considérés au sein de la communauté comme des groupes de
Hard rock et non pas de Heavy metal au vu de l'évolution du genre.
Mais ils en sont indéniablement les précurseurs !

‍

L’avènement du Heavy metal traditionnel
Le succès rencontré par ces trois groupes et tout particulièrement par le groupe Black Sabbath
a inspiré de nombreux autres artistes par la suite.
‍
Aux États-Unis on observe par exemple l’émergence du style glam metal qui connaîtra son
véritable succès dans les années 80.
‍
On y voit également l'apparition de groupes comme Kiss et Alice Cooper aux mises en scènes
volontairement provocantes et choquantes qui participent au développement du Métal.
‍
En Angleterre on suppose que le développement du Punk rock, plus agressif que le Rock
traditionnel a également fortement contribué à l’avènement du Métal.
‍
Mais on peut également citer la New Wave of British heavy metal apparue aux alentours de
l'année 1980, menée par des groupes comme Motörhead, Def Leppard, Saxon et Iron Maiden
qui deviennent par la suite des gros noms du genre.
‍
Tous les historiens n'accordent pas la même importance à ses différents acteurs dans le
développement du Métal.
‍
Mais la plupart s'accordent pour dire que que les
fondations du style et du son caractéristiques du
Heavy metal pur, dit « classique », ont été établies
par le groupe britannique Judas Priest, avec trois
de ses premiers albums : Sad Wings of Destiny
(1976), Sin After Sin (1977) et Stained Class (1978).
‍
D'une certaine manière on peut dire que c'est avec
Judas Priest que le Métal devient un genre à part
entière.
‍

Le Métal qui était encore un genre avant-gardiste au début des années 60 commence donc
pendant cette nouvelle décennie à prendre de l’ampleur et à connaître le succès.
‍
Les années 80 ou le succès du style Métal
Le Métal qui a connu une véritable expansion devient alors véritablement populaire au cours
des années 80.
‍
Le glam metal qui était apparu pendant la décennie précédente devient extrêmement
populaire aux États-Unis à Los Angeles aux alentour de la célèbre Sunset Strip.
Là-bas on voit l'avènement de groupes comme Mötley Crüe, Guns N’Roses, Poison, W.A.S.P
Twisted sister, etc...
‍
La plupart d'entre eux reprennent les codes initiés précédemment par Alice Cooper et Kiss à
travers des mises en scène toujours plus provocantes.‍
‍
Le glam metal envahit alors les ondes radios grand public du début des années 80 jusqu'aux
années 90, intronisant le Métal comme genre populaire.
‍
Le succès de ce sous-genre de Métal crée néanmoins une rupture au sein de la communauté
opposant les groupes glam metal à l'imagerie assez androgyne comme le groupe Poison aux
groupes de trash metal ayant une imagerie beaucoup plus masculinistes.
La diversification des styles de Métal à partir des années 90
Avec l'avènement et le succès du Métal, beaucoup de sous-genre ont vu le jour à partir des
années 80 et ont continué de se développer dans les années 90.
‍
Les encyclopédies du Métal multi-volumes de Sharpe-Young par exemple séparent le Métal
underground en cinq catégories majeures :
● thrash metal
● death metal,
● black metal,
● power metal,
● doom metal
‍
Mais c'est plus particulièrement le Thrash metal qui connait le succès parmi tous ces nouveaux
sous-genres.
‍
Le son de ce sous-genre du Métal est plus agressif, plus bruyant et plus rapide que celui des
groupes de Métal originaux ou des groupes de glam metal populaire à l'époque.
‍
Ce sous-genre a été porté par ce que certains appellent le Big Four Of Thrash (Les Quatre
Grands du Thrash) : Anthrax, Megadeth, Metallica, et Slayer.
‍

10 styles de Métal : Les différents genres de Métal
Le Métal est un style de musique qui souffre de beaucoup de clichés.

‍
Dans cette partie, je vais t'aider à démêler le vrai du faux en t'expliquant 10 sous-genres
différents de Métal.
‍
Pour que tu puisses mieux te repérer, je les ai classés dans leur ordre chronologique
d'apparition et je les ai tous illustrés par quelques exemples de groupes de Métal qui
correspondent au style décrit.
‍
Avant de commencer, il faut revoir quelques définitions de base et en particulier ce qu'est le
Métal.
‍
Le Métal le plus célèbre et ancien : le heavy metal
Le heavy metal est un sous-genre de Métal.

‍
C'est une musique dérivée du Rock qui s'est d'abord développée dans les pays anglo-saxons
dans les années 1960 avant de s'étendre dans le monde entier dans les années 1970.
‍
Le terme de heavy metal est parfois employé - à tort - pour désigner aujourd'hui dans un sens
large le Métal, mais il sert dans un premier temps et majoritairement à parler du heavy metal
traditionnel, qui est un de ses sous-genres.
‍
Le heavy metal traditionnel est le sous-genre "originel" du Métal.
Il est né grâce à des groupes qui se sont écartés du Hard rock traditionnel et du Blues et qui se
sont inspirés du Punk.
Ce mélange d'inspirations a donné naissance au heavy metal.
‍
Le heavy metal est donc une fusion de genres musicaux (= le mélange de plusieurs genres
musicaux pour en former un nouveau, qui en devient automatiquement un sous-genre) issus de
divers horizons des années 1960-1970.
‍
Le heavy metal est le sous-genre musical du Métal qui présente lui-même le plus de sous-genre
et de genres dérivés (sous-genres musicaux partiellement inspirés du heavy metal).
Parmi ces sous-genres, on retrouve le black metal (cf. groupe Venom), le doom metal, le death
metal, le glam metal... etc.
Il existe énormément de sous-genres de heavy metal.
‍

Parmi les principaux groupes célèbres de heavy metal, on trouve :

‍
● Black Sabbath, considérés comme les précurseurs/fondateurs du heavy metal. Leurs
chansons Paranoid et Heaven and Hell sont des classiques du genre). (Tu peux apprendre à
jouer ce morceau dans notre cours le Métal dans la Peau)
● Iron maiden, autre groupe fondateur du heavy metal
● Judas Priest à ses débuts
‍
On pourrait également citer les groupes Aerosmith, Deep Purple et Led Zeppelin comme
précurseurs du heavy metal traditionnel, avec une musique dans un style qui mélange le heavy
metal et le Hard rock.
‍
Cette liste est évidemment non exhaustive, mais elle te permet d'avoir une première vision
d'ensemble de ce qu'est le heavy metal traditionnel.
‍
Comme je l'ai dit plus tôt, il a donné naissance à beaucoup de sous-genres de Métal. Voici ma
sélection des autres principaux styles de Métal.
‍
Les autres styles principaux de Métal
New Wave Of British Heavy Metal
Le New Wave Of British Heavy Metal (NWOBHM) est un genre de Métal qui s'est développé à
la fin des années 1970 au Royaume-Uni mais qui s'est ensuite popularisé dans les années 1980,
après le déclin de certains groupes cités plus haut parmi le heavy metal traditionnel.
‍
Il est donc fortement influencé par tout le style heavy metal qui s'est développé pendant la
décennie précédente et ajoute des éléments d'inspiration punk, ce qui rend un son plus dur et
un tempo plus rapide que pour le heavy metal.
‍
C'est un sous-genre du Métal qui a fortement influencé tout le metal thrash, qui est un des
sous-genres les plus importants du Métal.
‍
● Motörhead
● Diamond head : un des groupes de NWOBHM connu pour avoir eu de l'influence sur le
style musical des groupes Metallica et Megadeth
‍
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Le glam metal
Le glam metal est un genre de Métal né à la fin des années 1970 aux États-Unis.
‍
La musique glam metal mélange des touches de Heavy metal, de Hard rock et de glam rock.

Cela lui donne un son avec des caractéristiques pop, ce qui lui a valu le deuxième nom de "pop
metal".
‍
Ce genre a été très populaire dans les années 1980, mais a vite décliné dans les années 1990,
avec l'arrivée du grunge et d'autres musiques alternatives.
‍
Parmi les groupes célèbres de glam metal, on retrouve :
‍
● Slade
● Cinderella
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Le thrash metal
Le thrash est un style de Métal à la croisée du heavy metal et du Punk.

C'est un des sous-genres de Métal les plus connus.
‍
Ce style se développe dans les années 1980 de façon underground, avant de se populariser
dans les années 1990 sur scène auprès du grand public.
Il est à son apogée dans les années 2000.
‍
Comme vu plus haut dans cet article, quatre groupes sont mondialement reconnus comme
étant les leaders de ce genre.
Ils sont surnommés les "Big four of Thrash" : Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax.
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● Metallica
● Slayer
● Megadeth
● Anthrax
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Le doom metal
Le doom metal est un sous-genre de Métal fortement influencé par le groupe Black Sabbath,
qui a posé les bases de ce qu'est le doom metal avec sa chanson Black Sabbath.
‍
Le doom est un style qui recherche de la lourdeur et de la puissance.
Il s'inspire d'un mélange de Heavy metal, de Punk hardcore et de Blues avec des influences de
Rock.
‍
Un des groupes les plus célèbres de doom metal est Candlemass.
‍
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Le death metal
Le death metal est un mélange entre le thrash metal et le black metal (la forme la plus
"sombre" de Métal, plus violente et plus lourde que le Heavy metal, le groupe Cradle of Filth est
un groupe de référence en black metal).
‍
Il apparaît au milieu des années 1980 en Europe et aux États-Unis, mais a surtout gagné en
popularité au cours des années 1990.
‍
Les pionniers de ce style sont Mantas, Death Strike, Ravage et plusieurs autres.
Le groupe Possessed est aussi considéré (pas unanimement) comme un des pionniers du style,
encore à la croisée entre le thrash metal et le death metal.
‍
Néanmoins, l'album Death Metal de Possessed (1984) marque l'influence du groupe sur le
genre death metal.
De nombreux groupes vont par la suite s'en inspirer et se renommer, comme Mantas qui va
s'appeler ensuite Death.
‍
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Le funk metal
Le funk metal (aussi appelé thrash funk) est un mélange de funk-rock et de heavy metal.
‍
Ce style s'est développé au milieu des années 1980 en Californie avec notamment les Red Hot
Chili Peppers à leurs débuts ou encore les groupes comme Infectious Groove, Faith No More
(Amérique), Holy Moses, Extreme.
‍
On entend que le rôle de la basse est important dans ce style.
‍
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Le metal industriel
Le metal industriel est un type de Métal qui puise ses sources dans la musique industrielle
(électronique, qui évoque des thématiques transgressives et provocatrices), le thrash metal et
le punk hardcore.
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Ministry, Laibach, Godflesh sont à compter parmi les groupes fondateurs de ce style,
s'ensuivent des groupes comme Nine Inch Nails, Fear Factory, ou plus récemment Rammstein
(Tu peux apprendre à jouer ce morceau dans notre cours le Métal dans la Peau).
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On pourrait classer le très connu Marilyn Manson dans ce style de Métal, bien qu'il se
rapproche également d'un style alternatif.
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Le metalcore
Le metalcore est un genre de metal qui est resté assez underground dans les années 1990
avant de gagner la scène publique avec succès dans les années 2000.
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Deux types de metalcore sont à distinguer : le metalcore original, qui conserve plus les
caractéristiques respectives du punk hardcore et du heavy metal, et le metalcore mélodique
qui mélange plus de styles.
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Ce dernier type de metalcore s'est particulièrement popularisé dans les années 2000.
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Parmi les groupes les plus connus de metalcore, on peut citer :
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● Avenged Sevenfold
● Killswitch Engage
Le metal gothique
Le metal gothique est un style issu d'un mélange de death-doom, heavy metal et musique
gothique.
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Le Métal gothique était originellement une forme de Métal empruntant quelques
caractéristiques du style gothique, notamment l'inclusion de voix féminines.
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La plupart des gens a donc immédiatement associé du Métal avec une voix féminine à du
gothique, ce qui a fait naître la notion de metal gothique.
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Des groupes comme Paradise Lost ou encore Theatre of tragedy sont considérés comme des
précurseurs de ce style. Plus récemment on peut également faire référence à des groupes
comme Lacuna Coil.
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En résumé, voici un schéma simplifié des différents genres de Métal cités et de leurs influences
:
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Maintenant, tu en sais beaucoup plus sur les différents styles de Métal !

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Top 10 des groupes de Métal incontournables
Quand on parle de Métal, la plupart du temps on pense à des groupes hystériques qui hurlent
dans un micro, accompagnés d'un rythme agressif et d'un univers sombre.
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Pourtant, si tu t'intéresses de plus près à ce style, que tu as lu notre article (tu es presque arrivé
à la fin rassure-toi) et que tu apprends à apprécier ce style de musique à sa juste valeur, tu
comprendras que le Métal, c'est bien plus que ça !
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Les 10 groupes de Métal que je vais te présenter maintenant en sont la preuve.
Ils incarnent avec succès ce style musical incroyablement riche, et sont mondialement connus.
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La liste est non exhaustive évidemment, mais ces 10 groupes sont un bel échantillon de ce que
le Métal nous a offert de mieux.
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1. Metallica
2. Iron Maiden
3. Black Sabbath
4. Pantera
5. Rammstein
6. Slayer
7. System of a down
8. Guns N'Roses
9. Motörhead
10. Nightwish
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Avant de rentrer en profondeur dans le sujet, écoutons un premier extrait du groupe numéro 1
en terme de Métal : Metallica 🎸
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1. Metallica
Vous êtes nombreux à penser à Metallica en premier lorsqu'on évoque le Métal...

Ce n'est pas un hasard.
Intéressons-nous de plus près à ce groupe de Métal iconique.
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Origine et identité du groupe Metallica
Metallica est un groupe de heavy metal américain.

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Le groupe Metallica à ses débuts
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Le groupe a été formé en 1981 à Los Angeles par le
chanteur/guitariste James Hetfield et le batteur
Lars Ulrich, et a été basé à San Francisco pendant
la majeure partie de sa carrière.
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Ils font partis du top 4 du thrash metal fondateur "Big four of Thrash", avec Megadeth,
Anthrax et Slayer.
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Metallica se distingue des autres groupes par ces 3 caractéristiques :
● Les tempos rapides
● Les instrumentaux mélodiques et très présents
● L'agressivité de la musicalité
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Le succès de Metallica
Avec ses cinq premiers albums, Metallica s'est taillé une place de plus en plus importante dans
le milieu de la musique underground et a été acclamé par la critique.
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Le troisième album du groupe, Master of Puppets (1986), a été décrit comme l'un des albums
de thrash métal les plus lourds et influents.
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En voici un extrait, avec la chanson à succès, du même nom que l'album :
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‍Son cinquième album éponyme, Metallica (1991),
le premier du groupe à s'enraciner principalement
dans le heavy metal, a séduit un public plus large,
remportant un succès commercial considérable et
se vendant à plus de 16 millions d'exemplaires aux
États-Unis à ce jour.

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Metallica a sorti :
● 10 albums studio
● 4 albums live
● 1 album de reprises
● 5 pièces de théâtre
● 37 singles
● 39 vidéoclips
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Metallica est l'un des groupes qui a connu le plus grand succès commercial de tous les temps.
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En résumé, Metallica c'est :
● 9 Grammy Awards sur 23 nominations
● 6 albums studio (à commencer par Metallica) classés numéro un sur le Billboard 200.
● 125 millions d'albums vendus dans le monde en 2018
● 61e rang sur la liste des 100 meilleurs artistes de tous les temps par le magazine Rolling
Stone
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Metallica aujourd'hui
La formation actuelle de Metallica comprend les membres fondateurs et les

auteurs-compositeurs principaux Hetfield et Ulrich, le guitariste principal de longue date Kirk
Hammett et le bassiste Robert Trujillo.
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Les anciens membres du groupe sont :
● Le guitariste Dave Mustaine (qui a formé Megadeth après avoir été viré du groupe)
● Les bassistes Ron McGovney et Cliff Burton (décédé dans un accident de bus en Suède
en 1986)
● Jason Newsted sont les anciens membres du groupe.
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Voilà, après cette synthèse sur qui est Metallica, on se quitte avec ce célèbre live de 1991,
année de sortie de l'album Metallica :
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(Tu peux apprendre à jouer ce morceau dans notre
cours le Métal dans la Peau)
‍
Passons au numéro 2 de ce top ! 😉

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2. Iron Maiden
Origine et identité du groupe Iron Maiden
Iron Maiden est un groupe anglais de heavy metal formé en décembre 1975 par le bassiste
Steve Harris et rejoint très rapidement par Dave Murray.
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Il a été parmi les pionniers de ce qui est appelé la New wave of British heavy metal, La Nouvelle
Vague de Heavy Metal Britannique.
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"Eddie" la mascotte du groupe Iron Maiden
‍
Iron Maiden représente l'un des plus grands succès
commerciaux du heavy metal, ayant vendu près de 100
millions d'albums.
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Le succès de Iron Maiden
Iron Maiden a connu un premier succès au début des années 1980.

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Après plusieurs changements de line-up, le groupe sort une série d'albums de platine et d'or
britanniques et américains, dont :
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● The Number of the Beast en 1982
● Piece of Mind en 1983
● Powerslave en 1984
● Live After Death en 1985
● Somewhere in Time en 1986
● Seventh Son of a Seventh Son en 1988
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Ah les Iron Maiden !
Un vrai plaisir pour les oreilles si tu es fan de Métal...
Tu pourras aussi apprendre certains de leurs morceaux dans notre cours le Métal dans la peau.
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Je te présente maintenant 4 anecdotes que tu ne connaissais peut-être pas sur le groupe.
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4 choses à savoir sur Iron Maiden
● Malgré un faible soutien à la radio ou à la télévision, Iron Maiden est considéré comme
le groupe anglais de heavy metal le plus populaire de l'histoire.
● Le groupe a remporté le prix Ivor Novello en 2002 pour ses succès internationaux.
● Depuis octobre 2013, le groupe a donné plus de 2000 concerts tout au long de sa
carrière.
● Depuis 40 ans, le groupe est soutenu par leur célèbre mascotte, "Eddie", qui a participé
à la quasi-totalité de leurs pochettes d'albums et de single, ainsi qu'à leurs concerts.
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C'est tout pour Iron Maiden !
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3. Black Sabbath
Origine et identité du groupe Black Sabbath
Black Sabbath est aussi souvent cité comme pionnier du heavy metal.
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Black Sabbath était un groupe de Rock anglais formé à Birmingham en 1968 par le guitariste et
auteur-compositeur Tony Iommi, le batteur Bill Ward, le bassiste et parolier principal Geezer
Butler et le chanteur Ozzy Osbourne.
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Ils se sont distingués par des thèmes sombres avec des paroles inspirées de l'horreur et des
guitares accordées vers le bas.
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Après de multiples changements dans la bande, ils se sont séparés en 2017.
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Black Sabbath en 1970 - De gauche à droite : Geezer

Butler, Tony Iommi, Bill Ward, Ozzy Osbourne.
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Le succès de Black Sabbath
Le groupe a contribué à définir le genre du heavy metal avec des albums tel que :
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● Black Sabbath (1970)
● Paranoid (1970) (Tu peux apprendre à jouer ce morceau dans le Métal dans la Peau)
● Master of Reality (1971)
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5 choses à savoir sur Black Sabbath
● Le groupe a connu de multiples changements de line-up, Lommi étant le seul membre

constant tout au long de son histoire.
● À leur tout début, le groupe s'appelait Polka Tulk Blues Band and Earth. Le groupe a pris
le nom de Black Sabbath en 1969.
● Les textes parlent du diable, de la mort, de la religion, de l'amour, de la guerre, de la
drogue, de la rébellion et de la vie.
● Le magazine Rolling Stone a affirmé que leur album Paranoid « changea la musique pour
toujours » et a renommé le groupe « les Beatles du heavy metal »
● En 2017, le groupe recense plus d'une centaine de millions d'albums vendus à travers
le monde.
Passons au numéro 4, que tu connais sûrement aussi...

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4. Pantera
Pantera est un groupe de Heavy metal originaire du Texas formé en 1981.

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Pantera a déjà été définit comme l'un des "meilleurs groupes de Métal des années 1990".
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Le guitariste virtuose Dimebag Darrell utilise des riffs complexes et ponctue la plupart des
chansons avec un solo.
C'est l'album Cowboys from Hell sorti en 1990 qui marque un tournant dans la discographie du
groupe, qui considère alors cet album comme le début « officiel » de Pantera.
‍(Tu peux apprendre à jouer ce morceau dans notre cours le Métal dans la Peau)
‍
Le groupe se sépare officiellement en 2003.
À la suite de la séparation de Pantera, les frères Abbott décident de former un nouveau groupe
du nom de Damageplan.
Le 8 décembre 2004, au tout début d'un concert privé à la villa Alrosa à Columbus dans l'Ohio,
Nathan Gale, 25 ans, monte sur scène, tire et tue Dimebag Darrell ainsi qu'un fan, un employé
du club et un des gardes du corps du groupe avant d'être abattu par un policier.
C'est une fin des plus tragiques pour une guitariste de talent.

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En 2008, la chanson Walk sera reprise par le groupe de metalcore californien Avenged
Sevenfold, dans leur DVD Live in the LBC & Diamonds in the Rough29.
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Le succès de Pantera
Les critiques musicaux, comme les fans, considèrent leur 2ème album Vulgar Display comme le
meilleur de Pantera.
‍
Des chansons comme Fucking Hostile au rythme rapide et agressif, ou encore les riffs de Walk et
Mouth for War, sont parmi les plus appréciés du répertoire de Pantera.
‍
Les singles de Vulgar Display of Power sont diffusés à la radio et leurs clips passent souvent sur
MTV.
‍Mouth for War est le premier single Métal à entrer en première place des classements, battant
Enter Sandman de Metallica.
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Voici quelques chiffres qui t'aideront à mesurer le succès du groupe :
● Pantera a enregistré 9 albums studios et 3 albums live
● Leurs morceaux ont été utilisés dans beaucoup de films, séries (Buffy contre les
vampires, The Crow, Dracula, Massacre à la tronçonneuse...)
● Leur album Vulgar Display of Power en 1992 confirme largement la montée en puissance
de Pantera, l'album se classe n° 44 aux États-Unis
● Far Beyond Driven en 1994, fait de Pantera le nouveau phénomène Métal. Classé n° 1
aux États-Unis
Et voilà pour Pantera 😉

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5. Rammstein
Origine et identité du groupe Rammstein
Rammstein est un groupe de metal industriel allemand formé en 1994 par 6 jeunes allemands
à Berlin : Till Lindemann, Richard Zven Kruspe, Paul H. Landers, Christoph « Doom » Schneider,
Oliver « Ollie » Reidel, Christian « Flake » Lorenz.
‍
Le groupe Rammstein en 1998
‍
Connu pour ses concerts multipliant les effets
pyrotechniques et des mises en scènes créatives,
Rammstein a aujourd'hui sorti six albums studio
dont la musique s'apparente le plus souvent à du
metal industriel qui se rapproche parfois plus du
Rock, voire de la Pop, ou de la musique
électronique suivant les albums.
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Rammstein est devenu l'un des groupes allemands les plus populaires dans le monde en même
temps qu'une référence dans le metal industriel.
‍
Le succès de Rammstein
Rammstein est aujourd'hui le groupe allemand qui a vendu le plus de disques en langue
allemande dans le monde.
‍
Le groupe connait un succès international depuis son deuxième album Sehnsucht, en 1997.
‍
Rammstein a réalisé pour la première fois une tournée mondiale entre 2009 et 2011 pour son
sixième album Liebe Ist Für Alle Da.
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‍
3 choses à savoir sur Rammstein
● Le nom du groupe provient de la ville palatine de Ramstein, en référence à un crash

survenu lors d'un meeting aérien sur la base aérienne américaine de Ramstein en 1988,
dans lequel 67 personnes trouvent la mort et 500 autres sont blessées. Les membres
du groupe écrivent une chanson sur le thème et l'intitulent Rammstein.
● David Lynch, fan de Rammstein, a inséré deux chansons du premier album Herzeleid
(1995) dans son film Lost Highway (1997), ce qui a permis à Rammstein de se faire
connaître Outre-Atlantique.
● Rammstein est célèbre pour ses performances sur scène, leurs concerts sont connus
pour être particulièrement barrés, je vous laisse en juger avec ce live datant de 2016 :

Il est temps pour nous de passer au numéro 6 de ce top non exhaustif !

Et pour cela, on retourne aux États-Unis, berceau des premiers groupes de Métal comme tu
l'auras constaté...
‍
6. Slayer
Origine et identité de Slayer
Slayer est un groupe de thrash metal américain,

originaire de Huntington Park, en Californie.
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Le groupe est formé en 1981 et réunit le
bassiste/chanteur Tom Araya (ex-Quits), le batteur
Dave Lombardo (ex-Sabotage) et les guitaristes
Kerry King (ex-Quits) et Jeff Hanneman.
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Slayer en 2009
‍
Le groupe choisit de s'appeler Slayer en hommage au film "Dragonslayer" sorti la même année.
‍
Slayer est connu pour son style musical particulier, y compris pour les tremolo picking, les solos,
la double grosse caisse et le chant hurlé.
‍

Le succès de Slayer
Slayer est connu pour être l'un des groupes leaders du mouvement thrash metal, avec la sortie
en 1986 de Raining Blood, nommé « le meilleur album heavy de tous les temps avec Master of
Puppets de Metallica » par Kerrang.
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Depuis leur premier enregistrement en 1983, le groupe recense :
● 2 albums live
● 1 coffret CD
● 11 albums studio (dont un cover album)
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Slayer a également :
● vendu 35 millions d'albums dans le monde
● été nommé 2 fois aux Grammy Awards
‍
Le groupe a été récompensé en 2007 pour la chanson Eyes of the Insane.
Et en 2008 pour la chanson Final Six.
‍
‍
Les controverses sur Slayer
Slayer est le groupe qui contribua très largement à répandre l'idée « malsaine » du Métal :‍
Slayer joue en effet beaucoup sur la provocation avec ses paroles sataniques.
‍

Les chansons du groupe et ses pochettes, basées sur des sujets tels que les tueurs en série, le
satanisme, la religion, la guerre et la politique, ont entraîné des censures, des retards, des
procès et de fortes critiques de la part des groupes religieux et du public.
‍
Le penchant du groupe pour la seconde guerre mondiale fut assimilé par certains à du nazisme
alors que Jeff Hanneman s'est toujours défendu d'être un passionné de cet événement, son
père y ayant participé.
‍
Si le groupe dégageait une image plutôt subversive, sa musique a toujours impressionné car
Slayer était plus rapide et violent que tout ce qui se faisait au début des années 1980.
‍
Let's move to number 7 : moins hard mais pas moins engagé...
‍
7. System of a down
Origine et identité de System of a down
System of a Down (parfois abrégé en SOAD ou System) est un groupe américain, originaire de
Californie.
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Formé en 1994, le groupe est actuellement
composé de quatre membres, ayant tous des
origines arméniennes : Daron Malakian, Serj
Tankian, Shavo Odadjian, et John Dolmayan.
SOAD au complet
‍
Du fait de la diversité de ses influences et de sa
tendance à l'expérimentation, le style musical de
System of a Down reste difficile à classifier.
‍
Nettement influencé par le rock progressif, le style musical du groupe se caractérise par des
riffs de guitare, des chants mélodieux et par des structures sonores inhabituelles.
‍
Les paroles de System of a Down, souvent
dadaïstes et indirectes, laissent paraître
l'engagement politique du groupe, qui fustige la
guerre, la société de consommation et la
mondialisation.
‍
SOAD au début des années 2000

Ses paroles engagées ont fait du groupe le porte-drapeau de grandes causes, notamment la
reconnaissance du génocide arménien, question abordée dans certaines de ses chansons.
‍
Albums célèbres SOAD
Issu de la scène underground californienne, le groupe rencontre son premier succès majeur
avec la sortie de son premier album homonyme en 1998.
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La sortie de Toxicity en 2001, premier album du groupe à atteindre la première place du
Billboard 200, popularise System of a Down sur la scène nationale et internationale :
‍
‍
Le succès de SOAD
Le groupe rencontre un succès commercial considérable au fil de la sortie de ses 5 albums

studio, 3 d'entre eux ayant atteint la première place du Billboard 200.
‍
System of a Down est nommé pour 4 Grammy Awards, et remporte en 2006 celui de la
meilleure performance Hard rock avec le single B.Y.O.B.
‍
Tu l'as compris, SOAD incarne le Hard rock dans toute sa splendeur.
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On arrive vers la fin de ce top, mais on ne baisse pas en qualité pour autant, et les prochains, tu
en as forcément entendu parler !
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8. Guns N'Roses
Si tu ne les connais pas, commence par jeter un oeil à cette vidéo :

Origine et identité des Guns N'Roses ?
Guns N' Roses est un groupe américain de Hard rock, originaire de Los Angeles, en Californie.
Guns N’ Roses vient de la fusion des groupes Hollywood Rose et L.A. Guns.
‍
Formé en 1985, il se compose du chanteur Axl Rose, des guitaristes Slash et Izzy Stradlin, du
bassiste Duff McKagan et du batteur Steven Adler.
‍
Aujourd'hui, le groupe est composé des trois
membres originaux dont Axl, Slash et Duff
s'ajoutant a ceux-ci Dizzy Reed, Richard Fortus,
Melissa Reese et Frank Ferrer.
‍
Le succès des Guns N'Roses
Le groupe est devenu en peu d'années l'un des groupes de Hard rock les plus populaires, avec
plus de 100 millions d'albums vendus dans le monde, dont 45 millions aux États-Unis.
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L'album Appetite for Destruction (1987) recense plus de 30 millions d'exemplaires vendus et
demeure l'un des albums les plus vendus de l'histoire.
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Issue de cet album, la chanson Sweet Child O' Mine atteint la première place du Billboard Hot
100.
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Sympathique, n'est-ce pas ?
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Allez, on retourne en Grande Bretagne pour l'avant-dernier groupe de notre liste.
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9. Motörhead
Origine et identité du groupe Motörhead
Motörhead est un groupe de heavy metal britannique, originaire de Londres, en Angleterre.

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Le groupe, formé en 1975 par le bassiste et chanteur Lemmy Kilmister et dissout en 2015 à la
suite de la mort de ce dernier, fait partie de la New wave of British heavy metal dont nous
parlions plus haut, qui donne un nouveau souffle à la scène heavy metal au Royaume-Uni à la
fin des années 1970 et au début des années 1980.
‍
Alors que Motörhead est généralement classé dans le heavy metal et est reconnu comme l'une
des principales influences du speed metal et du thrash metal, Kilmister admet qu'il déteste ce
terme, préférant décrire le son du groupe par rock 'n' roll.
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À chaque concert, ils rappelaient d'ailleurs "We're Motörhead, and we play rock'n'roll" ("nous
somme Motörhead et nous jouons du rock'n'roll").
‍
Le succès de Motörhead
Habituellement un power trio, Motörhead connaît un certain succès au début des années 1980
avec plusieurs singles qui atteignent l'UK Singles Chart.
‍
Les albums Overkill, Bomber, Ace of Spades et particulièrement No Sleep 'til Hammersmith, ont fait
de Motörhead l'un des plus grands groupes de rock britannique.
‍
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Pour le dernier groupe de ce top, nous partons direction... La Finlande !
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10. Nightwish
Origine et identité du groupe Nightwish
Nightwish est un groupe de metal symphonique finlandais, originaire de Kitee, dans la région
de la Carélie du Nord.
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Formé en 1996, il est considéré comme l'un des représentants du genre et comme l'un des
groupes responsables du gain de popularité que connaît le metal symphonique à la fin des
années 1990.
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Nightwish est né d'une idée de Tuomas Holopainen, après une nuit avec des amis autour d'un
feu de camp.
‍
Il invite le guitariste Erno Matti Juhani « Emppu »
Vuorinen, dont il fait la connaissance peu de temps
avant, ainsi que Jukka Antero Nevalainen et la
chanteuse Tarja Turunen.
C'est la voix féminine de cette dernière qui a

participé au succès du groupe !
‍
Le succès de Nightwish
Le groupe est devenu célèbre dans son pays natal dès la sortie de son premier single, The
Carpenter (1997).
‍
‍
La renommée internationale de Nightwish ne débute cependant qu'avec la sortie des albums
Oceanborn (1998) et Wishmaster (2000).
‍

La chanson Sleeping Sun (composée en 1999) est le premier des singles du groupe à paraître
au-delà des frontières de la Finlande, lui permettant ainsi de se faire connaître à travers toute
l'Europe.
‍
En octobre 2005, les membres du groupe décident de se séparer de leur chanteuse, Tarja
Turunen, qui est officiellement remplacée en mai 2007 par la chanteuse suédoise Anette
Olzon, puis c'est la chanteuse Floor Jansen qui deviendra par la suite l'un des membres
permanents du groupe.
‍
Et voilà pour le top 10 des groupes de Métal incontournables !
Conclusion
Si tu veux tester le Métal à la guitare, découvre notre cours gratuit de métal débutant.
Et si tu veux approfondir ton jeu de guitare dans le Métal et jouer quelques-uns des morceaux
que tu as écoutés dans cet article (je t'ai indiqué lesquels), tu peux aller voir notre cours du
Metal dans la Peau !
‍
Alors, prêt à devenir un Métalleux ?

CHAPITRE 5
APPRENDRE À IMPROVISER
L’improvisation représente pour beaucoup de musiciens un rêve, un but ultime, synonyme

d’accomplissement musical, parfois au point même de ne pas oser en rêver, de ne pas s’en
sentir un jour capable, de ne pas s’y projeter.
‍
Pourtant l’improvisation s’apprend bel et bien.
‍
La vidéo de Cyrille sur l’introduction à l’improvisation est si bien argumentée que je vais
reprendre ici son parallèle très pertinent entre l’improvisation à la guitare et le langage parlé.
‍
En effet, on peut dire qu’improviser avec sa guitare serait comme “apprendre à parler avec sa
guitare”. Je trouve la métaphore vraiment très bien trouvée pour faire comprendre à nos
MyGuitaristes qui ne le réalisent pas encore forcément, le temps et la patience que cette
nouvelle discipline demandera.

‍
Mais quand on y pense, c’est vrai qu’apprendre à parler nous a pris quelques années, avant de
bien prononcer les mots, avant de dire des choses qui ont du sens. Et encore, on peut
progresser tout au long de la vie dans ce domaine, par l’habitude de s’exprimer, par la culture,
les connaissances… exactement comme en guitare !
‍
‍
Apprendre à improviser en utilisant la bonne
langue (utiliser la bonne tonalité)
‍
Bien sûr, la toute première étape consistera à adapter le bon langage au support musical,
comme utiliser la bonne langue selon le pays.
‍
Cela demande d’utiliser la bonne gamme (les bonnes notes) en fonction de la tonalité du
passage sur lequel on veut improviser.
‍
En général pour commencer d’une façon simple et représentative du jeu de guitare, il vaut
mieux choisir la gamme pentatonique mineure et savoir dans quelle tonalité le support
demande de l’utiliser.
‍
Pour ça, la connaissance théorique d’harmonie (les 7 degrés de la gamme de Do Majeur) peut
aider pour réussir à déterminer la tonalité du morceau en fonction des accords de
l’accompagnement.
‍
Improviser en travaillant son oreille
Malgré ce moyen, il faut toujours écouter ce que l’on fait en essayant de valider à l’oreille que
les notes de la gamme sonnent bien, si possible en réussissant à les chanter en même temps
qu’on les joue sur la guitare et par-dessus l’accompagnement.
‍
Certaines personnes sont capables grâce à une bonne oreille, de trouver la bonne tonalité,
c’est un plus.
‍
La guitare permet aussi d’utiliser la piste visuelle pour être sûr d’utiliser la bonne gamme, le
bon schéma, il y aura donc aussi ce moyen pour valider le choix des notes en complément de
l’oreille.
‍
Cette première étape consiste donc surtout à savoir se repérer :
● Parvenir à trouver tout seul la tonalité
● Retrouver sur la guitare la ou les bonnes position(s) de la bonne gamme
● Commencer à jouer les notes de la gamme sur l’accompagnement en question, en les
écoutant
● Les chanter pour s’assurer d’être dans le ton.

‍
Un travail technique isolé pour la pratique des gammes sera nécessaire en complément pour
fluidifier le jeu, permettre de bien jouer ces notes. Si tu veux tout savoir sur les gammes et les
mettre en pratique, tu peux aller voir notre Superguide sur les Gammes.
Apprendre à dire des choses cohérentes

(se faire comprendre)
‍
L’étape de repérage étant franchie, c’est le moment de commencer à dire nos premiers mots,
répéter nos premières phrases pour commencer à pratiquer ce nouveau langage.
‍
Sur la guitare, cela va consister pour l’instant à reproduire un “plan”(figure guitaristique toute
faite), une phrase, et petit à petit être capable de jouer tout un solo appris par cœur.
‍
Cette étape n’est pas encore de l’improvisation, mais elle est techniquement très formatrice,
permettant de progresser sur le placement rythmique des notes, la durée des notes, la
justesse des bends, la bonne coordination des hammers, des pull-offs et des slides, sur la
fluidité et lisibilité du jeu mélodique dans son ensemble.
‍
Étape donc très utile pour la suite car en plus de tous les progrès techniques qu’elle apporte,
elle permet de mieux ressentir son instrument, mieux le connaître et à force de pratique de
commencer à deviner les notes à l’oreille, ce qui sera très précieux.
‍
Il est important de ne pas rester à cette étape.
‍Je le précise car beaucoup de personnes n’osent pas vraiment s’essayer à l’improvisation,
partant du principe qu’elles n’auront pas d’idées assez bonnes à proposer. Ce serait dommage
de ne pas aller à la prochaine étape qui concerne en fait le vrai sens du mot "improvisation’".
‍
Apprendre à improviser prend du temps
Cyrille indique et préconise environ 6 mois/1 an du cours “Le Solo dans la peau” avant de
commencer à improviser.
‍
Pour l’instant nous avons analysé, repris, compris, voire ressenti les impros, les solos d’autres
guitaristes et c’est très bien, il fallait passer par là, mais c’est maintenant que les choses
commencent réellement …

Apprendre à dire des choses pertinentes

(écrire ou improviser son propre discours)
‍
Nous avons donc appris à prononcer des phrases en les comprenant et en les ressentant.
‍
À présent, nous devrions être capables d’écrire nos propres phrases, nos propres discours et
surtout de décider de ce que l’on a envie de dire selon le sujet (le support, l’accompagnement).
‍
Faire confiance à sa créativité
Cette envie d’improviser devra absolument réveiller notre créativité.

‍
Malgré tout, il est clair qu’au tout début les idées ne seront pas toujours très originales ni
novatrices, mais tout viendra au fil de la pratique, surtout en s’écoutant jouer ou en
s’enregistrant pour se réécouter.
‍
Petit à petit on travaillera notre sens de l’impro par le fait de savoir introduire un solo, le
développer sur une certaine durée, savoir aussi le conclure.
‍
On essaiera d’élaborer en parallèle de cet entraînement d’impro, un travail de recherche de
“plans à soi”, de phrases plus ou moins recherchées…
‍
On pourra aussi s’intéresser de plus près au support (harmonie/accords/modes) pour voir s’il
n’y a pas quelques notes de couleurs, quelques notes modales ou quelques tensions à
souligner en essayant de les placer à bon escient.
Les 3 types de solo possibles

‍
J’ajoute ce chapitre pour distinguer les trois types de solos possibles.
‍
Le Solo écrit
Parmi ces trois exemples, l’un n’est plus tout à fait en rapport avec l’improvisation au sens pur:
Le solo écrit.
‍
Comme son nom l’indique, c’est une composition mélodique créée en amont.
À ce sens, ce n’est plus de l’improvisation, mais elle peut avoir l’avantage d’être très riche, très
pertinente, bien optimisée, super musicale et restituer l’identité forte d’un guitariste.
Certains diront peut-être “pfff tricherie !”, personnellement c’est souvent mes solos préférés…
‍

L'improvisation partielle
L’improvisation partielle consisterait plutôt à calculer à l’avance les grandes lignes du solo :
“Je compte commencer comme ça, puis à un moment il faut que je passe par là, et je compte finir avec
ça, le reste c’est de l’impro“.
‍
Cette façon de faire peut se défendre, elle reste encore sécurisante (moins peur de la page
blanche, du manque d’inspiration) tout en laissant de la place à l’improvisation. Moi j’ai
souvent fait plutôt ça sur scène.
‍
L'improvisation pure
L’improvisation pure est plus impressionnante.

Elle demande une bonne habitude des jams pour savoir tout de suite se placer, s’inspirer,
développer quelque chose “à l’improviste”, c’est vraiment le cas de le dire.
‍
Discipline plus difficile à mon sens.
Malgré tout, on peut s’interroger sur le concept “d’impro pure” : à quel point on improvise les
phrases quand on les joue ? Ne sont elles pas des phrases un peu toutes faites déjà jouées des
centaines de fois, ou même des fragments de ces phrases?
‍
Il est vrai que pour que ces tirades sortent bien il a bien fallu apprendre à les dire… Bref.
‍
Oui il a fallu en amont travailler le phrasé et l’impro, mais le mérite reste immense chez ceux
qui pratiquent l’improvisation pure (surtout quand ça sonne bien..)
La théorie est-elle indispensable pour

improviser ?
‍
Deux réponses à cette question :
● ‍Non : car le Blues a montré avec des guitaristes comme BB King que l’on peut se faire
emporter par une impro de 4 minutes sur 4 notes sans jamais s’ennuyer.
● ‍Oui : pour nourrir, enrichir ses phrases, gagner en pertinence harmonique.
‍
Remarque : le savoir théorique doit rester un plus au service de la musicalité.
Il ne doit pas remplacer l’aspect sensitif.
‍
Il faut toujours écouter ce que l’on fait, chanter ses phrases ou les chanter intérieurement,
essayer de se mettre à la place de l’auditeur dans un souci de musicalité.
En tout cas essayer de mettre du sens dans cette prise de parole qu’est l’impro.

‍
Voici d'ailleurs une vidéo de Cyrille qui parle du sujet :
Les vidéos gratuites pour apprendre à

improviser
‍
Si tu n'es pas encore abonné à notre chaîne Youtube MyGuitare, abonne-toi ici !
‍
Nous avons créé une playlist spéciale "Comment apprendre à improviser à la guitare" qui te
donnera déjà de bons conseils pour t'essayer à tes premières impros !
‍

‍
Conclusion
Si l’on aime l’expression à la guitare, si le rêve d’improviser est là, c’est possible : Improviser
peut s’apprendre. C’est possible pour tout guitariste patient et motivé.
Après tout, on a tous commencé à parler un beau jour… (mais on ne se souvient plus du temps
que ça nous a pris…)
Si tu veux apprendre à improviser étape par étape, nous avons créé un cours spécial :
"L'improvisation dans la Peau" !

CHAPITRE 6
APPRENDRE À
ACCOMPAGNER LE CHANT
À LA GUITARE
Voici certains faits qui te seront utiles.

‍
Chanter et jouer n'est pas donné à tout le monde
Certains guitaristes sont capables de jouer des solos d’envergure mais n’arrivent pas à chanter
en même temps.
‍
À l’inverse, des débutants en guitare arrivent à chanter tout en jouant dès les premières
semaines. Comme moi, tu te demandes sûrement comment cela est possible ?
‍
Tu es peut-être dans l’une ou l’autre de ces situations et tu souhaites comprendre pourquoi.
‍
Et c’est bien normal de se poser ces questions-là. Dans cet article, tu apprendras comment
chanter et jouer de la guitare en même temps.
‍
Pourquoi a-t-on du mal à chanter tout en jouant de la
guitare?
D’un point de vue neurologique, ton cerveau lance constamment des « applications » qui
fonctionnent de façon simultanée.
‍
● Tu es capable de descendre des escaliers et de parler ou de faire la cuisine en écoutant
la radio.
● Dès que tu fais quelque chose d’habituel, tu peux cumuler les activités. Il s’agit
d’automatismes.
● Pourtant, ça se complique lorsque l’on fait quelque chose de nouveau ou qui ne semble
pas encore naturel.

‍
La difficulté c’est que quand tu lances deux applications en même temps, parfois ton cerveau a
du mal à les lire simultanément.
‍
« Te doucher et chanter en même temps c’est facile, mais pourtant, dès que tu souhaites jouer de la
guitare et chanter… Patatra ! Impossible de faire deux choses en même temps. Tu perds tes moyens. »
‍
Que se passe-t-il quand on essaie de cumuler chant et
guitare ?
‍
Les difficultés rencontrées peuvent être nombreuses
● Tu ne sais pas comment placer ta voix sur les accords
● Tu perds le rythme
● Tu oublies l’air de la chanson
● Tu modifies la mélodie
● Tu finis par ne plus reconnaître le morceau
‍
Qu’est-ce que cela engendre ?
● De la frustration
● De l’énervement
● Un sentiment brûlant d’échec
● Une perte de confiance en soi
● L’abandon de sa guitare dans un coin du grenier
Et on nous répète « c’est facile, continues tu y arriveras »…

Pourtant ce conseil est vrai !
‍
À force d’acharnement, on peut y parvenir.
Mais où est passé le plaisir ?
Alors qu’il suffit d’avoir un « déclic » !
‍
Ce « déclic », c’est d’abord de rendre le rythme automatique.
Puis de rendre le chant automatique en même temps.
‍

Le conseil qui marche vraiment pour réussir à

chanter et gratter
Il existe pourtant un conseil très simple qui permet d’avoir ce fameux « déclic ».
‍
C'est d'ailleurs le même conseil que lorsque tu dois apprendre n'importe quelle nouvelle
chose.
‍
Tu dois :
● Découper la nouvelle activité en morceaux plus petits et maîtrisables (chanter, jouer le
rythme, jouer les accords, faire un changement d’accords…)
● T’entraîner sur chaque petit morceau séparément et insister sur les parties qui te
paraissent plus difficiles
● Et petit à petit, réassembler les morceaux deux à deux (mais uniquement une fois qu’ils
sont devenus naturels !)
‍
Édouard explique tout ça dans une petite vidéo.
‍
Nous allons maintenant voir les 4 étapes pour parvenir à chanter et jouer de la guitare en
même temps :
1. Travailler et enregistrer la partie guitare
2. Chanter par dessus l’enregistrement
3. Chanter par dessus l’enregistrement en effectuant le geste rythmique de guitare
4. Ajouter les accords

‍
Voyons cela plus en détail.
‍
Voilà tout ce qu’il te faut :
● Ta guitare
● Ton téléphone (ou n’importe quel magnétophone)
● Les paroles de ta chanson
● Ta voix 😉
‍
La méthode pour chanter et jouer de la guitare

en même temps
1. Travailler et enregistrer la partie de guitare‍
Toute chanson, toute musique, a besoin de fondations solides.

‍
Une rythmique stable, un tempo respecté, un bon accordage aussi, sont les piliers d’un
accompagnement fonctionnel et efficace qui donnent envie de chanter.
De toute évidence il faudra en premier lieu s’affranchir de ce travail.

C’est pour cette raison qu’il est bon d’aborder des chansons déjà travaillées dans “le Rythme
dans la Peau”.
‍
Une fois la partie guitare bien travaillée, il faudra l’enregistrer.
Peu importe la qualité de l’enregistrement, là n’est pas le souci pour ce travail.
‍
Avec n’importe quel dictaphone de téléphone on parvient très bien à s’enregistrer, dans le
premier but de se libérer les mains pour pouvoir se consacrer au chant.
‍
Une fois le “backing-track” réalisé, on peut passer à la deuxième étape.
‍
2. Chanter par-dessus l’enregistrement
Cette étape n’est pas la plus difficile normalement.

‍
Si le backing track est à peu près bien réalisé, il donne les repères qu’il faut pour savoir placer
les paroles dessus.
‍
Là non plus la qualité vocale ne doit pas nous bloquer, peu importe pour l’instant.

Il s’agit d’arriver à placer le rythme des paroles (c’est encore mieux si la mélodie est
reconnaissable bien sûr), car le gros travail qui nous attend est un travail d’indépendance
rythmique entre la guitare et la voix. Il faut donc profiter que la guitare soit enregistrée pour
travailler et apprendre par cœur les placements de la voix.
‍
Quand la voix devient aussi sûre et précise (toujours concernant en premier lieu le placement
rythmique) que la partie guitare, on n’est plus très loin de rassembler les deux “instruments”.
‍
Pour ça, la prochaine étape va être cruciale.
‍
3. Chanter par-dessus l’enregistrement en effectuant le geste

rythmique de guitare
On a commencé par isoler le travail de la guitare, puis celui de la voix et nous ne sommes plus
très loin d’associer les deux.
‍
Cette troisième étape consiste à ajouter le geste rythmique de guitare.
C’est très logique et très progressif, c’est ce qu’il faut faire.
‍
Pour cela, munis-toi de ta guitare, en bloquant les cordes pour ne pas ajouter la difficulté des
accords pour l’instant.
‍
Malgré tout, c'est une étape difficile pour laquelle il pourrait être utile de prévoir aussi
l’enregistrement d’un backing-track lent. Un tempo bien plus lent qui permet de décomposer
lentement le geste rythmique de guitare en même temps que l’on chante.
‍
C’est là que l’on commence réellement à rassembler la guitare et la voix et éventuellement se
confronter à quelques soucis d’indépendance rythmique.
‍
Pendant ce travail, note ces différents points :
● Surveille absolument ton geste rythmique pour être sûr qu’il ne s’inverse pas.
● ‍Surveille également le placement rythmique des paroles car il est possible à cette
étape de faire de grosses erreurs.
● Si besoin, ralentis encore plus pour te questionner sur le placement de certaines
syllabes par rapport au balancier de la rythmique de guitare.
‍
Il peut être utile aussi d’enregistrer le tout : guitare en mode lecture via le téléphone +
battements rythmiques en cordes bloquées + chant.
‍
Cet aperçu nous confirmera (ou non) que l’on joue bien en même temps les bons rythmes de
guitare et de voix.

4. Ajouter les accords
Cette dernière étape n’est pas la plus difficile finalement.

‍
‍Elle consiste à jouer cette fois-ci la vraie partie guitare, avec les défilements d’accords.
‍
À moins d’avoir encore quelques difficultés techniques pour le passage de certains accords, le
plus dur travail aura été fait aux étapes 1, 2 et 3, car encore une fois s’accompagner à la
guitare est plutôt un défi d’indépendance rythmique qu'autre chose.
‍
Normalement, si l’étape 3 s’est bien passée, tu seras tout à fait capable d’ajouter les accords en
continuant le geste rythmique et le chant.
Remarque
Comme toujours et dans bon nombre de disciplines, on trouve tous les niveaux de difficulté en
s’accompagnant à la guitare.
‍
Certaines chansons seront simples à accompagner, tellement la guitare et la voix empruntent
quasiment le même rythme (ex: “La poupée qui fait non”) quand d’autres chansons seront
beaucoup plus difficiles et demanderont un gros effort d’indépendance rythmique (ex:”Ma
petite entreprise”) et surtout une bonne préparation.
‍
Chanter sur un arpège non plus, ce n’est pas évident du tout au début (ex : “Hélène”).
‍
Cette aptitude est plus ou moins naturelle selon les personnes, comme toutes les aptitudes
d’ailleurs mais c’est surtout le travail et la préparation qui feront la différence.
‍
Que faire ensuite pour apprendre à chanter et
jouer de la guitare ?
En seulement quelques minutes, le « déclic » peut se produire pour un plaisir vraiment décuplé
à la guitare.
‍
Ce sera peut-être l’occasion pour toi de te lancer enfin dans la musique ou de mettre les feux à
tes soirées cet été.😉 Sur la plage, à un barbecue ou avec ta famille, tu pourras animer et
partager des moments de musique inoubliables.
‍
Très vite, tu te sentiras plus libre !
‍

Un cours dédié pour apprendre à s'accompagner
Beaucoup de personnes choisissent d’apprendre à jouer de la guitare dans le but de

s’accompagner pour chanter.
‍
Cette finalité est compréhensible par la satisfaction qu’elle apporte.
C’est une nouvelle dimension qui s’ouvre alors, celle d’être autonome pour interpréter des
chansons.
‍
Néanmoins, il sera important de bien respecter les différentes étapes avant de commencer
notre cours dédié sur MyGuitare : “S’accompagner à la guitare”.
‍
Ces étapes préparatoires seront indispensables pour pouvoir suivre ce cours, car il n’est pas si
simple de s’accompagner en chantant. Afin d’avoir toutes les aptitudes pour pouvoir suivre le
cours “S’accompagner à la guitare”, il faut au moins avoir suivi et terminé si possible, le premier
niveau du “Rythme dans la Peau” ou notre cours "Je Débute la Guitare".
‍
Il est possible de démarrer le cours “S’accompagner à la Guitare (module1)” à la suite du cours
RDLP 1, et pour passer au 2ème module de “s’accompagner à la guitare”, il faudra avoir
terminé le cours RDLP niveau 2, c’est vraiment nécessaire.
‍
L’apprentissage du cours “S’accompagner à la guitare" est très progressif.
● ‍Il commence par des rythmiques de guitares simples et des placements vocaux simples
aussi.
● Il ne fait pas double-emploi avec les cours de rythmique car il est complémentaire.
● Il permet d’aller encore plus loin dans les notions de placements rythmiques et
demande d’ailleurs de séparer les difficultés en travaillant d’abord la rythmique de
guitare puis le placement de la voix avant de rassembler les deux.
● Ensuite, avec le 2ème niveau, on abordera des rythmiques plus complexes avec la
présence de doubles-croches, et des placements de paroles assez évolués.‍
‍
À l’issue de cette formation progressive, on se trouve capable d’aborder quasiment toutes les
chansons de son choix, car on a déjà pratiqué tous les cas d'indépendance rythmique entre la
guitare et la voix.
‍
Notons aussi qu’il est bon d’aborder dans ce cours des chansons déjà travaillées dans le
Rythme dans la Peau. Ça aide beaucoup pour commencer car le travail de la guitare est
normalement déjà fait pour ces chansons.

Pourquoi le chant est-il libérateur ?

La voix touche au registre émotionnel et peut t’aider à te sentir vraiment mieux, plus léger,
plus en accord avec toi-même.
Cela te permet de t’exprimer !
‍
Lorsque tu chantes, ta cage thoracique, ta boîte crânienne, ta mâchoire… Ton corps vibre !
‍Tu es l’instrument de musique lorsque tu chantes.
‍
Pour aller plus loin et vraiment passer maître en guitare-chant, il va falloir prolonger tes efforts
sur la maîtrise du rythme associé au chant.
‍
Bientôt, tu auras complètement oublié tes difficultés du début.
Poser ta voix sur ta musique sera parfaitement naturel !
‍
Conclusion
C’est une discipline à part entière que d’apprendre à s’accompagner en chantant à la guitare,
il ne faut pas en minimiser la difficulté.
Je conseille à tout le monde de prendre son temps et de commencer bien sûr par des chansons
aux rythmes (guitare et voix) très simples.
‍
Mais je conseille surtout de suivre notre cours “S’accompagner à la guitare”.
Tu peux aussi essayer le cours débutant gratuit pour chanter et jouer de la guitare.
‍
Si tu as toujours eu envie de chanter en t’accompagnant, si tu as déjà de bonnes bases
rythmiques, tu seras ravi(e) de progresser encore plus grâce à ce cours et tu deviendras
bientôt autonome, ce qui te permettra d’animer, d’interpréter, d’accompagner toutes les
chansons que tu aimes.

SUPERGUIDE SE SPÉCIALISER
DANS UN STYLE
CONCLUSION
‍
Voici pour la présentation de ce grand sujet sur les différents styles pratiqués en guitare.
‍
Ces indications te serviront déjà pour confirmer ou infirmer tes choix, tes envies.
‍
C'est maintenant le moment de creuser chacun de ces styles.
‍
Si tu le souhaites, tu peux retrouver nos cours dédiés (gratuits ou payants) à chacun de ces
styles sur les liens suivants :
● Apprendre le blues
● Apprendre le rock
● Apprendre le funk
● Apprendre le métal
● Apprendre à improviser
● Apprendre à accompagner le chant à la guitare
Et si tu as des questions ou des remarques à propos de ces Styles à la guitare, tu peux nous les
soumettre ici !
‍

CRÉDITS
Ce guide a été entièrement créé et demeure la propriété de MyGuitare.
La reproduction, même partielle, sans autorisation écrite, du contenu, des articles et illustrations de ce
guide est interdite.
Rédacteurs : Edouard de MyGuitare, Jérôme Paret, Maryline Hertzog, Marion Lagarde

Vidéos : Cyrille Jakob, Edouard de MyGuitare, Jérôme Paret, Maryline Hertzog
Montage : Caroline Chaigneau
Mise en page : Marion Lagarde
Création graphique couverture : Dany Limouzin & Castlelab
Pour joindre MyGuitare : support@myguitare.com
MyGuitare est une marque du groupe URock SA

c/o Fidemery
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SE SPÉCIALISER DANS UN STYLE

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Quand se spécialiser dans un style ?

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2. Prendre en compte tes aptitudes rythmiques : Guitaristiquement et musicalement il

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2 types de rôles : rythmique et soliste

Là aussi, tu peux très bien choisir de te spécialiser en rythmique et rester “seulement”

Tu peux aussi te spécialiser en solo en apprenant de nouvelles techniques, en travaillant des

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DÉCOUVRIR ET SE SPÉCIALISER DANS UN STYLE MUSICAL

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APPRENDRE À ACCOMPAGNER LE CHANT À LA GUITARE

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Par Jérôme de MyGuitare

Jouer du blues quand on débute la guitare

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Nous allons ici étudier les accords de plus près.

Les accords blues principaux

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Cet accord est aussi un très bon accord de rock.

Cela permet de jouer n'importe quel blues dans n'importe

Par exemple, Johnny Be Good de Chuck Berry reprend cette

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Il existe aussi une deuxième version de DO 6

Pour réaliser les accords 7, il faut partir de DO majeur.

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Cet accord fonctionne comme les précédents sous deux versions :

Ce dernier est important en blues, c'est l'un des plus employés.

Un accord 13 est un accord septième auquel on rajoute une sixte.

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Nos conseils pour jouer les accords blues

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Exemples de tonalités courantes

Si je veux jouer un Blues en Mi (E)

Si je veux jouer un Blues en La ( A)

Si je veux jouer un Blues en Ré (D)

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Blues en accords Majeurs

Blues en accords mineurs‍

Blues en accords 7èmes‍

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Si tu veux te rendre compte rapidement de la sonorité d’un blues composé d’accords de

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La Gammes Blues à la guitare

Comment jouer la gamme Blues ?

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Le schéma de la gamme Blues

Si tu ne devais apprendre qu’une seule chose sur la gamme Blues, je te conseillerais

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Tout savoir sur la gamme Blues

Les origines de la gammes Blues

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La structure de la gamme Blues

Gamme de Do mineur Pentatonique

À mémoriser : la structure de la gamme de Blues

La structure de la gamme de blues est donc la suivante :

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Les 5 positions de la gamme Blues à la guitare

La gamme blues en position 1

C'est la position de la gamme Blues la plus utilisée.