Table des matières

Histoire de la guitare 3

LA GUITARE ACOUSTIQUE ............................................................................................. 3

LA GUITARE ELECTRIQUE .............................................................................................. 4
LA GUITARE ELECTRIQUE .............................................................................................. 5
DE NOS JOURS ......................................................................................................... 7

Le matériel 8

LA TETE ................................................................................................................. 8
LE MANCHE ............................................................................................................. 9
LA TOUCHE .............................................................................................................. 9
LA TOUCHE .............................................................................................................10
LES CORDES ...........................................................................................................11
LE CORPS ..............................................................................................................11
MICROPHONES ........................................................................................................12
LE VIBRATO ............................................................................................................14
L’AMPLIFICATION DE LA GUITARE ELECTRIQUE ....................................................................14
LES ACCESSOIRES ....................................................................................................16
LES EFFETS ............................................................................................................19

Avant de débuter 21

LA TENUE DE LA GUITARE ............................................................................................21

LE POSITIONNEMENT DES DOIGTS SUR LE MANCHE ...............................................................22
LE JEU AUX DOIGTS OU AU MEDIATOR ..............................................................................23

Notions de base et notation musicale 25

LA LECTURE DES DIAGRAMMES D’ACCORD .........................................................................25

LA LECTURE DES TABLATURES .......................................................................................27
LA LECTURE DU SOLFEGE .............................................................................................32

Accorder sa guitare 36

L’ACCORDAGE STANDARD ............................................................................................36

L’ACCORDAGE STANDARD ............................................................................................37
EN PRATIQUE ..........................................................................................................39
ACCORDAGE STANDARD POUR 7 OU 12 CORDES..................................................................42
ACCORDAGES ET VARIANTES ........................................................................................43
DROPPED D ET DERIVES .............................................................................................44
LES OPEN-TUNINGS ...................................................................................................45

-1-
Théorie musicale 48

LES NOTES SUR LE MANCHE..........................................................................................48

LA CONSTRUCTION DES ACCORDS ..................................................................................50
ACCORDS OUVERTS DE BASE ........................................................................................52
LES ACCORDS DE SEPTIEME..........................................................................................56
DICTIONNAIRE DES PRINCIPAUX ACCORDS ........................................................................64
LA RELATION ENTRE LES ACCORDS - LE TABLEAU MODAL ........................................................65
PHENOMENE DE MODE (GRECS) .....................................................................................67
LES CADENCES ........................................................................................................69

Conseils pour démarrer et s’équiper 70

LA GUITARE ? OUI, MAIS POURQUOI ?.............................................................................70

QUESTIONS SUR LA GUITARE ........................................................................................74
SELECTEUR ET POTENTIOMETRES DE LA GUITARE .................................................................79
CONNECTEZ LE CABLE A VOTRE GUITARE...........................................................................80
ALLUMEZ L’AMPLI .....................................................................................................81
MEMO ..................................................................................................................83

Réglages de la guitare 86

MONTAGE DES CORDES ..............................................................................................86

ENTRETIEN DES CORDES .............................................................................................88
REGLAGE DU MANCHE ................................................................................................88
REGLAGE DES RESSORTS DE VIBRATO ..............................................................................89
REGLAGE DE L'INTONATION..........................................................................................91
REGLAGE DE L'ACTION (HAUTEUR DES CORDES)..................................................................91
REGLAGE DE LA HAUTEUR DU MICRO ...............................................................................92
L’INCIDENCE DE LA HAUTEUR DU MICRO ...........................................................................93
REGLAGE DE LA HAUTEUR DES PLOTS...............................................................................93
REGLAGE DES CHEVALETS ET CORDIERS TRADITIONNELS ........................................................94
REMPLACEMENT DES CORDES SUR UN VIBRATO SOUS LICENCE FLOYD ROSE..................................95
ACCORDAGE AVEC UN VIBRATO SOUS LICENCE FLOYD ROSE ....................................................98
AJUSTER L’INTONATION DE CHAQUE CORDE AVEC UN VIBRATO SOUS LICENCE FLOYD ROSE ..............100
CHANGEMENT DU CALIBRE DES CORDES AVEC UN VIBRATO SOUS LICENCE FLOYD ROSE ..................101
DYSFONCTIONNEMENTS, TRUCS ET ASTUCES DE REGLAGES D’UN VIBRATO SOUS LICENCE FLOYD ROSE 104

D’où provient le son 106

LE SON PROVIENT DES DOIGTS ....................................................................................106

LE SON PROVIENT DE LA GUITARE.................................................................................106
L'INCIDENCE DES MICROS ET DES CORDES ......................................................................107
LE SON PROVIENT DE L'AMPLI .....................................................................................108
LE SON VIENT DES HAUT-PARLEURS. .............................................................................109
LE SON VIENT DE LA DISTORSION.................................................................................110
LE SON EST AGREMENTE D'EFFETS ................................................................................112
LE SON EN RESUME .................................................................................................115

Glossaire 117

-2-
Histoire de la guitare
L’histoire de la guitare s’étend sur
quelques milliers d’années, dans la
mesure où l’on trouve des illustrations
qui représentent des instruments s’en
rapprochant de près ou de loin : bien
que le phénomène de vibration de corde
tendue soit identifié, la notion de
manche et de frette n’est présente que
vers 1800 avant J.C. sur des gravures
de vibration et découpage de la zone
d’argile trouvées lors de fouilles à
vibrante en fractions tonales.
Babylone.
La guitare est élaborée en Moyen Orient
En effet, les instruments ancêtres des
sur la base de paires de cordes vibrantes
lyres, harpes et autres instruments
accordées à l’unisson pour des raisons
modernes utilisant des cordes tendues
de puissance sonore. C’est la guitare
(clavecin, piano, …) sont apparus bien
latine portée par les Maures lors de
avant les concepts de manches, caisse
l’invasion de l’Espagne au XVe siècle qui
donnera naissance à la vielle à six cordes
et 14 cases.

Enfin, par simplification, la roue de la

vielle ou l’archet sont remplacés par la
technique de pincement et frotté des
cordes sur des instruments moins
élaborés que la vielle, sur la guitare
moderne ou guitare classique qui
franchira la manche pendant les
conquêtes des Amériques.

La guitare devient alors un instrument

de composition et d’interprétation à part
entière et, petit à petit, les principes de
l’accordage standard que l’on utilise
encore aujourd’hui se mettent en place.

Andrés Segovia
(1893-1987) se
La guitare acoustique produit de
nombreuses fois avec
La guitare de l’espagnol Antonio de cette guitare et
Torres Jurado fabriquée entre 1850 et impose aux luthiers
1860 est identique à celle utilisée des exigences
aujourd’hui pour les interprétations qualitatives de plus en
classiques, avec un barrage interne qui plus fortes, la stabilité
accentue les basses et renforce la table des instruments lors
de résonnance. des déplacements, et
une constance sonore
En parallèle, Francesco Tarrega (1852- pour ne pas décevoir
1909) popularise des œuvres à son auditoire présent
destination d’un public de plus en plus en masse dans les
nombreux sur la base de techniques de théâtres et salles de
jeux qui sont les fondements de la spectacle.
pratique moderne de l’instrument.

-3-
Les attentes des musiciens amènent à musiques traditionnelles et le jeu en
proposer une production d’instrument de orchestre.
qualité constante. Sans parler encore
d’industrialisation ou de chaînes Depuis 1946, à la sortie de la seconde
d’assemblage, les plans et côtes des Guerre Mondiale, les Allemands ont
instruments sont fréquemment développés de nouvelles matières à des
échangées entre fins militaires, et involontairement …
ateliers de luthiers. musicales. C’est le nylon qui est
désormais utilisé pour les guitares
Vers la fin du XIXe classiques et les violons en lieu et place
siècle, Christian des boyaux de chat pour des raisons de
Frederick Martin robustesse, de son, mais surtout de coût
décline aux Etats- de façonnage des cordes et pour
Unis le modèle répondre à la demande liée à la
classique en Flat-top popularité des modèles classique,
(modèles flamenco, manouche.
Dreadnought ou Folk)
présentant une table Toujours vers la fin du XIXe siècle,
plate permettant une Orville Gibson propose l’utilisation de
meilleure projection procédés de fabrication des violons et
du son et un mandoline pour créer un modèle destiné
renforcement de aux styles jazz ou blues. C’est la
l’assemblage table et naissance des modèles Archtop (table
éclisses par un bombée) dont la plus célèbre, la L5, est
barrage encore conçue par un ingénieur des
amélioré qui permet établissements américains Gibson Lloyd
alors également Loar en 1922.
l’utilisation de cordes
en acier et bronze.
Ce choix est retenu
en réponse à la
demande croissante
de puissance sonore
attendue pour les représentations de

-4-
La guitare électrique
Toujours à des fins de transmission d’un
signal sonore au volume plus puissant,
les ingénieurs cherchent à amplifier les
instruments acoustiques.
Grace aux travaux sur l’électricité et en
prenant en compte les évolutions
technologiques développées pour la
diffusion de signaux radio et les
transmissions télégraphiques et
téléphoniques, Lloyd Loar fabrique en
1924 le premier capteur de flux
électromagnétiques : le premier
prototype de micro.
Destiné à amplifier les variations de
champs magnétiques au travers d’un
haut-parleur, le micro simule un effet de
champ au travers d’une bobine de fil qui
capte les vibrations de la corde
métallique, les traduit en variations dans
un amplificateur et les transmet in fine à
un haut-parleur de radio.
La mise au point sur des guitares à
caisse de résonnance ne viendra que
plus tard, le procédé fonctionnant étant
victime d’une volonté de trop amplifier
le son (presque 5 watts !), le larsen trop
important généré par la caisse des
guitares vint contrecarrer les projets de
la firme Gibson.
-5-
En 1931, Paul Barth, Georges
Beauchamp et Adolph Rickenbacker
créent Electro String Company. Ils
imaginent la transmission de la vibration
de la corde conçue par Lloyd Loar, leur
concurrent, sur une guitare sans caisse,
donc sans larsen et dépourvue des
matériaux vibrants traditionnels, bois et
essences que l’on utilise généralement
en lutherie.
Il sort donc un modèle en aluminium très
semblable à une poêle à frire (d’ailleurs
appelée Frying Pan). Cela conduit au
faible succès de l’instrument et le
cantonne à des sonorités amplifiées bien
moins sonnantes que celles de la guitare
traditionnelle, avec une jouabilité limitée
à l’utilisation d’une barre d’acier glissant
sur le manche et les cordes (electric slide
guitar).
En 1935, la faillite de l’Electro String
Company permet à Gibson de récupérer
le brevet de fabrication et de mettre au
point un modèle Archtop légendaire, la
L5, réellement composée de matériaux
nobles, sonnant aussi bien en acoustique
qu’en électrique. Le procédé de
projection sonore par les ouïes en f
produisant un faible larsen, Gibson tient
là un réel succès dans les procédés de
fabrication de guitares électriques, mais
destinées à des sonorités assez
particulières, et relativement coûteux en
matériaux et main-d’œuvre pour faire de
la L5 un instrument modèle exclusif et
peu répandu.
Mais les problèmes de larsen subsistent
avec des besoins d’amplification toujours
plus forts. La solution réside réellement,
comme on l’avait envisagé au début des
années 30, dans une guitare sans caisse
de résonnance, munie de micros, et
produite en série avec des matériaux
moins chers, afin de rendre l’instrument
plus populaire.
procédés de fabrication à la chaine des
Le musicien Les Paul développa pour modèles de guitare électrique.
Gibson un modèle assez étrange, ne
reprenant pas les formes arrondies de la Fender imagine un premier modèle, la
guitare puisque The Log (la bûche) était Broadcaster devenue depuis la
un instrument composé d’un manche Telecaster pour des raisons de protection
prolongé par une partie centrale du nom (les dépôts de noms et de
longiligne permettant le frotté des cordes brevets n’étaient pas monnaie courante)
et l’hébergement du micro et de qui peut se produire à la chaine, tant
l’électronique. La jouabilité de pour l’usinage des pièces en bois que
l’instrument, notamment debout, et ses l’accastillage (pièces métalliques comme
caractéristiques esthétiques le les mécaniques, le cordier) ou
restreignirent à l’état de prototype. l’électronique.

Merle Travis, autre grand musicien du Equipée de 2 micros et d’un solide

début des années 40, proposa ses
services au luthier Paul Bigsby, pour
développer un modèle qui ressemblera
d’avantage aux guitares électriques
rencontrées de nos jours, mais leur
production restera en faible quantité
dans la mesure où Bigsby est un
ingénieux concepteur (on lui doit les
premiers vibratos portant son nom) et
n’a pas volonté d’industrialiser la
production de ce modèle de guitare dans
la mesure où l’électronique et les manche vissé (donc remplaçable) en
systèmes de retransmission du son ne érable, le modèle remporte un franc
sont pas encore fiables, et que le coût de succès et est encore produit de nos
fabrication est encore très élevé. jours, décliné, copié, amélioré, mais
fidèle, dans la mesure du possible, aux
Il faudra attendre 1950 pour que les sonorités d’origine. En 1954, Fender
procédés de fabrication et de concevra également le modèle
maintenance des amplificateurs soient Stratocaster, qui à l’instar de la
stabilisés, et que Leo Fender, un Telecaster, disposera d’équipement de
ingénieur en électronique qui possédait série remplaçable, mais sera également
un atelier de réparation d’amplis et de doté de 3 micros pour une plus grande
postes de radio, se penche sur les polyvalence sonore et d’un vibrato de
sérié.

Le saviez-vous ?
Léo Fender s’associa à Kauffmann pour breveter des systèmes de sonorisation et de change disques (juke
box) puis à Georges Fullerton pour développer Fender Inc. et construire des guitares, des basses et des
amplificateurs mythiques.

Léo Fender développa MusicMan, aujourd’hui racheté par Earny Ball. Et au rachat de Fender Inc. par CBS,
Léo et Georges fondèrent G&L, une autre marque d’instruments américains prestigieux.

-6-
En 1952, Gibson, face au succès de son
principal concurrent, Fender, avec la
Broadcaster, se voit obligé d’accélérer le
pas et conçoit avec Les Paul un autre
modèle de légende, la Gibson Les Paul
munie de deux micros double bobinage
alliant puissance et réduction des
parasites sonores. Le manche reste collé,
comme sur les modèles acoustiques
traditionnels, et bien que produits en
série, les matériaux nobles (acajou)
utilisés par Gibson ne positionnent pas la
guitare au même niveau de fabrication
que les grosses productions de masses
de Fender.
De nos jours
Plusieurs axes de développement de la
guitare électrique se sont développés sur
la base des modèles Fender et Gibson
précités. La production de masse,
d’abord, qui a permis de proposer des
instruments pour tous les budgets, avec
la construction d’usines sur des sites de
fabrication permettant un
approvisionnement rapide et à faible
-7-
coût des matières premières, puis
carrément en Asie où la main d’œuvre
moins chère, a permis de développer un
production à bas prix des modèles
Fender et Gibson sous la forme de copies
plus ou moins réussies.
Le deuxième axe de développement
consistait à intégrer les dernières
évolutions technologiques aux modèles
existant, développant ainsi des
mécanismes permettant de palier aux
déficiences des modèles d’origine :
améliorer le maintien de l’accord,
permettre de jouer sur la hauteur des
notes en améliorant les vibratos,
renforcer le manche, intégrer des
capteurs Midi, ou Piezzo, améliorer
l’électronique et les micros, permettre
des accordages particuliers, …
Aujourd’hui, de ces différents axes ont
découlés des modèles appelés
superstrat, qui ne sont que des
déclinaisons du modèle Fender,
généralement produits en Asie, et dont
les caractéristiques premières sont celles
du modèle d’origine mais les modèles
d’origine restent sans conteste les plus
prisés. De plus, un phénomène
particulier du marché de la guitare,
comparable au marché de l’automobile,
fait préférer les modèles d’époque
(vintage) aux conceptions modernes, en
faisant fi des procédés de fabrication de
masse, permettant de renouer avec le
temps où les meilleurs matériaux étaient
sélectionnés et l’usinage et l’assemblage
étaient manuels.
Le matériel
Dans cette section, il sera question des
caractéristiques particulières des
guitares électriques, ainsi que des
équipements généralement utilisés par
les guitaristes. Plus loin dans cet
ouvrage, un guide à l’achat du matériel
permettra d’identifier plus précisément
l’équipement dont tout guitariste
débutant a besoin.

Dans un premier temps, disséquons

l’instrument !

La tête

Située, comme son nom l’indique, à

l’extrémité du manche, c’est sur elle que
viennent s’attacher les cordes. Leur
tension peut être modifiée pour les
accorder à l’aide des mécaniques, un
système de vis sans fin actionnées par
des clefs, qui entraînent de petits
rouleaux sur lesquels s’enroulent les
cordes. Ces-dernières passent ensuite
par le sillet de tête, petite barre
généralement en os (en plastique ou en
métal), dans laquelle sont creusées de
petites rainures qui guident chaque
corde vers le manche au sortir de la tête.
On rencontre également des modèles
sans tête construits au milieu des années
80 par la firme Steinberger. L’accroche
et l’accordage des cordes se font au
niveau du cordier.
Le guitariste droitier (celui que l’on va
considérer jusqu’à la fin de ce recueil)
pince les cordes de la main droite et
bloque les cordes avec les doigts de sa
main gauche. Certains gauchers
inversent la position de la guitare, ainsi
que celles des cordes (là où d'autres la
conservent dans le même sens comme
Albert King), pour garder les graves vers
le haut : le manche est alors à droite.

Outre le déplacement des cordes,

d’autres modifications sont nécessaires
Il existe des guitares à double manche sur une guitare acoustique pour
qui permettent de changer d’accordage gaucher : le barrage (petite barre en
pendant un morceau. L aplus célèbre est bois renforçant la table) de la table
le modèle de Gibson SG double manche d'harmonie est en effet différent du côté
utilisée par Jimmy Page de Led Zeppelin, des graves et des aigus, et doit être
notamment sur le morceau Stairway to retourné.
Heaven qui est construite avec un
manche simple et l’autre en 12 cordes.

-8-

Le manche
Le manche est une pièce essentielle,
puisqu’il sert au guitariste à déterminer
quelles notes il va jouer, et de quelle
manière (et parfois à les jouer
directement, grâce à des techniques
comme le legato).
C’est également la pièce principale qui
conduit le son et entretient la vibration
de la corde jusqu’au corps de la guitare.
Des qualités intrinsèques du manche
(matériaux, épaisseur, …) comme de ses
réglages découlent directement les
qualités sonores de l’instrument. Une
guitare disposant des meilleures cordes
et des meilleurs micros pourra ne pas
sonner convenablement si le manche est
de piètre qualité ou n’est pas bien ajusté
ou réglé.
Sur une guitare classique, le manche est
relié au corps par le talon, pièce de bois
collée qui peut adopter des formes
différentes suivant les luthiers. Avec les
guitares électriques, sont apparus les
manches vissés, moins chers à produire
et plus faciles à réparer mais qui peuvent
altérer les qualités sonores de
l’instrument. Certains fabricants,
notamment Gibson Guitar Corporation,
continuent donc à utiliser la technique du
manche collé sur leurs modèles haut de
gamme, telle la Les Paul de chez Gibson.
Par convention, la corde la plus grave se
trouve en haut du manche et la plus
aiguë en bas, dans une configuration
classique de droitier. Cette convention se
répercute aussi sur l’appellation des
mains : en général on appelle «main
droite» celle qui gratte les cordes au-
dessus de la caisse, la «main gauche»
étant celle qui plaque les accords et les
notes sur le manche, quelles que soient
effectivement les mains qui réalisent ces
actions.
D’autre part, les manches des guitares à
cordes métalliques (électriques et folk)
sont en général équipés d’une "truss
rod", barre métallique traversant le
manche afin de l’aider à résister à la
tension très importante exercée par les
cordes. Cette truss rod est le plus
souvent réglable, ce qui permet au
guitariste d’adapter la forme de son
manche à ses préférences personnelles,
mais aussi aux différents tirants de
cordes, voire au vieillissement du bois.

Cette technique garantit un meilleur

sustain au son de la guitare. Enfin, pour
garantir un meilleur sustain, certaines
guitares, comme la Gibson Firebird, sont
construites à partir d’un manche dit
"conducteur" ou "traversant" appelé ainsi
car il traverse entièrement la caisse de
l’instrument, permettant de conduire
ainsi le son, et donc les vibrations, de la
meilleure des façons possibles.

La plupart des guitares sont montées "à

gauche", c’est-à-dire qu’en position de
jeu, le manche se place à la gauche du
musicien. Cependant, il existe aussi des
instruments inversés destinés aux
gauchers, appelés «guitares gaucher».

-9-
La touche

La touche, fine planche de bois dur, La touche est prolongée à partir du

souvent en ébène, en palissandre ou en
érable, fixée (collée) sur le manche, ou
pouvant être partie intégrante de celui-ci
dans le cas d’un manche en érable sans
touche rapportée (procédé utilisé
notamment par Fender) est la partie sur
laquelle le guitariste pose les doigts de
sa "main gauche" pour modifier la
hauteur des sons produits par les cordes.
Les différentes notes y sont séparées par
des barrettes appelées frettes (to fret en
anglais signifie «découper le bois») qui
délimitent des "cases".
manche sur la table d’harmonie pour les
notes les plus aiguës. Certains manches
sont dotés de touches sans frette
(fretless), ce qui permet de donner une
intonation toute particulière aux notes
glissées et de permettre l'utilisation du
quart de ton. Surtout répandue sur les
basses (pour rappeler le son et le
toucher de la contrebasse), ce type de
touche est aussi utilisé sur des guitares,
en particulier pour des musiques
n’utilisant pas la gamme tempérée.

Le saviez-vous ?
Les frettes sont posées à intervalle précis qui va s’amenuisant quand on s’approche du corps. La distance d’une
frette à l’autre est déterminée par le rapport de la racine douzième de :

2( ) ou ( ),

ce qui correspond à environ 1,059463 (la largeur d’une case est 1,06 fois celle de la case qui la suit, en
remontant des graves vers les aigus). La douzième barrette divise la corde en deux parties de longueurs
égales, et correspond à un intervalle d’une octave par rapport à la corde jouée "à vide" (c’est-à-dire sans poser
de doigt sur la corde).

La distance entre le sillet de chevalet et la ne barrette (comptée à partir du sillet de tête), ou longueur vibrante,
est donnée par la formule de mathématique:

où d est le diapason (longueur de la corde à vide).

Sur les touches de guitare folk ou On trouve ces incrustations sur la

électrique, on trouve fréquemment une troisième case, la 5e, la 7e, la 9e, puis
incrustation nacrée permettant au une double incrustation à la 12e case
guitariste de repérer rapidement la (l'octave par rapport à la note de la
bonne case pour positionner ses doigts. corde jouée à vide).

-10-

Les cordes
Le cordage (l'ensemble des cordes) est
la partie de la guitare qui produit les
notes : en étant mises en mouvement
(par frottement, par pincement ou par
percussion), les cordes vibrent et
émettent une onde sonore, d'autant plus
aiguë que la corde est fine et que la
longueur vibrante de la corde est courte.
Il existe plusieurs types de cordes: les
cordes en nylons pour les guitares
acoustiques classiques, et les cordes en
bronze et nickel ou cordes métalliques
montées sur les guitares électriques et
qui, en vibrant, produisent un champ
magnétique capté par les micros.
Le corps
C’est une partie fondamentale en ce qui
concerne l’émission des sons et qui, par
conséquent, conditionne en grande
partie la qualité de l’instrument. Cela est
vrai aussi bien pour la guitare acoustique
avec caisse de résonance (en bois verni
pour la plupart) que pour la guitare
électrique au corps le plus souvent plein
et disposant de multiples couches de
-11-
peinture ou de vernis, même si les
micros et l’amplification jouent un rôle
tout aussi important dans le second cas.
Le corps d'une guitare acoustique est
doté d'une caisse de résonance. La table
d'harmonie, fine pièce de bois (épicéa,
cèdre rouge…) en deux parties renforcée
par un barrage interne, est mise en
vibration par les cordes par
l'intermédiaire du chevalet, petite pièce
de bois à laquelle sont fixées les cordes.
Elles y passent sur un sillet lisse,
contrairement au sillet de tête rainuré.
La vibration produite par la table est
amplifiée par la caisse de résonance
dans son ensemble et sort de
l'instrument par la rosace ou bouche.
La rosace désigne aussi la partie décorée
qui entoure l'orifice, travail de
marqueterie très fine dans les guitares
de luthiers. C'est l'une des parties avec
lesquelles ils peuvent le mieux exprimer
leur virtuosité dans le travail du bois.
Les éclisses sont deux fines pièces de
bois formant la tranche de la caisse.
Parmi les bois utilisés, on trouve entre
autres le palissandre. La forme ondulée
des éclisses est obtenue à chaud en
appliquant le bois sur un cylindre chauffé
pour l'amener à la courbure souhaitée.
Le fond, comme la table, est obtenu au
moyen de deux moitiés symétriques en
palissandre ou d'autres bois, souvent
reliées au centre par un filet de
marqueterie.
La guitare électrique est le plus souvent bobinage" et les micros "doubles
dépourvue de caisse de résonance, car bobinage".
l'amplification du son y est confiée
essentiellement à des micros situés sous
les cordes. Son corps est donc
simplement constitué d'une pièce de bois
assez épaisse, sur laquelle sont fixés
chevalet, manche et parfois cordes.

Sur certains instruments, notamment

électriques de haut de gamme, le sillet
lisse du chevalet est remplacé par six
mini-sillets (généralement métalliques)
appelés "pontets" permettant un réglage
individuel de la longueur de chaque
corde.

Si les guitares électriques sont

majoritairement de type solid body
(corps plein), de nombreux modèles
existent avec des corps semi-évidés
(semi hollow) ou totalement évidés
(hollow). Appelées en français "demi
caisses", leur table d’harmonie est
habituellement pourvue d'orifices (les
"ouïes") rappelant ceux des violons. Ces
guitares sont plus légères, et un son plus Les micros simples bobinage furent les
cristallin compense des vibrations moins tout premiers : l'aimant (en AlNiCo,
puissantes. Dans le cas de manches c'est-à-dire Aluminium/Nickel/Cobalt, ou
conducteurs, la caisse consiste juste en en alliage de type céramique) est
deux "ailes" rapportées par collage de entouré de plusieurs milliers de tours
chaque côté du manche. d'un fil de cuivre fin et vernis formant le
bobinage. Ces micros ont le défaut d'être
sensibles aux interférences (champs
Microphones électromagnétiques ambiants produits
par exemple par les éclairages au néon,
Situés sur la table, entre le chevalet et le les transformateurs, les écrans
manche, sous les cordes, les micros sont cathodiques, etc.).
l'un des éléments les plus fondamentaux
d'une guitare électrique, car c'est sur
eux que repose, en l'absence de caisse
de résonance d'une taille suffisante,
toute l'amplification du son. Le principe
en est simple : chaque micro contient
des aimants qui génèrent un faible
champ magnétique.
Pour pallier à ce problème, on a créé
En vibrant, les cordes perturbent ce dans les années 1950 les micros doubles
champ, ce qui permet au micro de capter bobinage, ou humbuckers, association de
cette vibration et de la transmettre à un deux micros simples bobinage inversés.
amplificateur. Cette combinaison permet de filtrer les
perturbations en éliminant la
Il existe de nombreux types de micros, composante continue du signal grâce à
dont chacun a un fonctionnement et une l'inversion des polarisations et des sens
"couleur" de son particulier. Les plus de bobinages des deux micros simples
répandus sont les micros "simples accolés.

-12-

Enfin, les micros peuvent être passifs ou
actifs. La différence est qu'avec un micro
actif, le signal est immédiatement traité
par un préamplificateur. Les micros actifs
ont donc besoin d'une alimentation
externe (des piles).
Cette pré amplification a pour objectif
d'abaisser l'impédance, ce qui rend le
signal moins sensible aux parasites, et
réduit ses pertes lors de l'utilisation de
longues distances (câbles, et éléments
intermédiaires comme les effets, avant
d'arriver à l'amplificateur).
Une deuxième caractéristique de la pré-
amplification, c'est d'éviter la perte de
certaines fréquences de la bande
passante, qui sont "absorbés" par les
systèmes passifs (Une des conséquences
de l'impédance élevée). Cependant
aujourd'hui, de nombreux progrès ont
été faits, et les micros passifs tendent à
gommer cette différence avec leurs
homologues actifs.
Contrairement à des idées préconçues,
les micros actifs ne produisent pas un
niveau de sortie plus important que les
micros passifs et ce n'est pas la raison
pour laquelle on les voit souvent utilisés
chez les guitaristes jouant dans des
styles Métal, ou Rock. La raison à cette
utilisation vient de la nature des aimants
qui sont le plus souvent utilisés dans les
micros actifs: les aimants en céramique
-13-
(essentiellement basés sur un mélange
de baryum / strontium).
En effet, les micros utilisant des aimants
en céramique favorisent une attaque
plus franche et incisive que les micros à
aimants alnico (Aluminium Nickel
Cobalt), d'où une sensation de
dynamique et de puissance accrue. Là
encore, les constructeurs ont élargi les
possibilités et le public ciblé, en
produisant des micros actifs à aimants
alnico, et des micros passifs à aimants
céramique.
Les micros actifs sont plus couramment
utilisés pour les guitares basses. Les
bassistes ont été plus ouverts à utiliser
les micros actifs que les guitaristes, qui
eux, se sont montrés plus réticents en
raison d'une idée souvent erronée selon
laquelle les micros actifs produisaient un
son froid. Cette raison vient plus du
grain sonore très différent qui existe
entre les micros alnico et les micros
céramiques.
Depuis peu, de nouveaux micros dits
optiques voient le jour, qui mesure de
façon optique les vibrations des cordes à
l'aide d'un rayon laser. Ces nouveaux
types de micros sont totalement
insensibles aux interférences, et
permettent, selon leurs constructeurs,
un meilleur rendu des harmoniques de la
corde.
Le vibrato

Certaines guitares électriques sont

équipées d'un chevalet mobile sur lequel
peut venir se visser ou se bloquer une
tige métallique (que l'on appelle bras de
vibrato) permettant de modifier la
tension des cordes, en un mouvement
créant un effet de vibrato.

Outre un chevalet différent, il inclut un

système de blocage des cordes au
niveau du sillet afin de limiter fortement
leur désaccordage, qui peut intervenir
Un dispositif plus sophistiqué, avec d'autres modèles de vibratos
permettant des variations de tension comme par exemple sur les Fender.
extrêmement importantes, a été mis au
point par la marque Floyd Rose.

L’amplification de la guitare électrique

L'ampli guitare est utilisé non seulement

pour amplifier les sons d'une guitare
électrique, mais aussi de les colorer,
c'est-à-dire altérer précisément leurs
harmoniques.

L'ampli est constitué de trois sections :

• le pré-ampli où vont être commutés
différents canaux correspondant à
différents sons
• l'étage d'amplification où sera
réglé le volume de sortie mais
parfois la résonance et la brillance
du son,
• l’enceinte qui contient le ou les
haut-parleurs, soit dans un
"baffle" séparé de l'ampli (stack)
ou dans une seule et même unité
nommée combo

Maillon essentiel dans la restitution du

son, l’ampli n’en reste pas moins un
équipement de transformation du son de
la guitare électrique ou acoustique.

-14-
 Les amplis guitare possèdent également
une ou plusieurs sorties pour pouvoir
brancher des effets auxiliaires.

Ils sont parfois pilotés par des pédaliers

de commande pour la commutation
entre les différents canaux.

Le rendu sonore est restitué par un

micro placé devant le haut-parleur.

Le saviez-vous ?
Les premiers amplis étaient à lampes (aussi dits "à tubes"), premier composant électronique permettant
l'amplification d'un signal électrique.

La lampe, fragile capsule de verre sous vide, a été remplacée par le transistor : plus petit, moins gourmand en
électricité, plus fiable, avec une amplification constante (linéarité), quelle que soit l'intensité du signal en entrée
et enfin, pou un coût très modique de fabrication.

Cependant sa linéarité donne un son jugé plus froid et moins mélodieux.

La technologie des tubes (la grille notamment) est sensible aux vibrations entrainant une réverbération
mécanique et une coloration chaude et "chantante". Les tubes ont une meilleure impédance et stockent mieux
l'énergie : ils altèrent le signal en la saturant plus "en douceur" et peuvent supporter des pics d'intensités plus
facilement (meilleure dynamique impulsionnelle). Ces propriétés font que pour un son équivalent un ampli à
transistors classiques devra être plus puissant que son équivalent à tubes.

Les trois principaux inconvénients du tube sont sa fragilité (chocs), son usure et son coût élevé. Il bénéficie
d'un certain prestige culturel, sa sonorité étant considérée comme plus "chaleureuse" que celle d'un ampli à
transistor, ce qui explique que la grande majorité des guitaristes préfère généralement de loin un ampli à
lampes.

Les amplis à lampes étant plus chers et
plus difficiles à maintenir en état car plus
fragiles, les constructeurs ont trouvé le
moyen de simuler la coloration du son
que produit une lampe. La facilité et la
fiabilité de ces simulations ont permis
l'explosion de ce marché.
Pour des raisons de droit de marque,
différentes appellations masquent des
simulations d'amplis célèbres, comme
Fender = Black/Tweed, Vox = ACXX,
Marshall = UK (Brit.), Mesa Boogie =
Numetal et Soldano = US.

-15-

Les accessoires
Les câbles : généralement, ce sont des
formats jacks mâle/mâle en 6,5 mm et
de longueur variables. Ils permettent de
connecter la guitare à l’ampli :
généralement d'un minimum de 3
mètres pour une chambre, il faut utiliser
des modèles blindés obligatoirement. Ils
peuvent attendre 6 mètres pour le jeu en
groupe ou les petites scènes et au-delà,
sans limite pour d'autres utilisations.
D'une manière générale, il ne faut pas
lésiner sur leur prix, car le coût est
garant de la qualité des matériaux
utilisés. Le blindage, les prises, les
soudures, la souplesse, ... De nouveaux
câbles assez rigides ont vu le jour,
certains ressemblent à des cordons de
téléphone, d'autres à des cordages
d'escalade, ... mais l'aspect est
trompeur, rien ne vaut un bon câble,
assez souple, avec des fiches correctes
et d'aspect solide (certaines sont
plaquées or pour éviter l'oxydation) et
surtout légères (car les fiches mâles
déforment, par leur poids, les fiches
femelles des appareils comme les amplis,
les effets, ...).
-16-
Les systèmes sans fil peuvent être une
alternative aux câbles et sont placés
entre la guitare et l'ampli ou le premier
élément de la chaîne d'effets, afin de
libérer le guitariste. Ils intègrent un
préampli aux réglages sommaires qui
modifient un peu le son et le niveau
d'entrée dans les éléments de la chaîne
du son, en boostant généralement plus
les attaques. Favorables également à la
récupération du larsen, ils sont délicats à
utiliser.
Les systèmes utilisent des fréquences HF
qui réagissent parfois mal avec les
grosses structures métalliques, et
nécessitent une alimentation en pile
neuve pour l'émetteur si l'on souhaite un
très bon rendement. L'émetteur est
normalement branché à la guitare par un
cordon jack blindé assez court (20 à 50
cm) et logé dans la poche arrière du
Jean ou fixé à la sangle de la guitare.
Les capodastres servent à provoquer un
barré permanent au niveau du manche,
afin de retrouver des positions de jeu
plus aigues et plus évidentes à jouer
dans des tonalités plus élevées. Parfois
utilisé en guitare électrique lors du jeu
en "open tunning", ils servent beaucoup
aux joueurs de
blues, et aux
guitaristes
acoustiques.
Les médiators et onglets : des formes
différentes et des épaisseurs variant de
0.33 mm à 2.0 mm, ils sont le
prolongement de nos doigts. Les onglets
s'y accrochent même ! Je dirais qu'un
modèle standard médium fait 0,70 mm à
1.0 mm d'épaisseur, et convient à tous
les jeux. Il n'y a pas vraiment de règles,
il s'agit de jouer avec les médiators de
longueur ou d'épaisseur qui convient.
Généralement les courts sont plus précis,
du fait que le doigt est plus proche de
l'attaque de la corde. Plus un médiator
est épais, plus l'attaque de la corde sera
précise, mais plus les erreurs
s'entendront en cas de coup manqué.
Les accordeurs : dès qu'il s'agit de
s'accorder dans un environnement
bruyant, et lors du jeu en groupe (un
accordeur pour tous les guitaristes,
bassistes et claviers...).
Assez coûteux, en tout cas les modèles
efficaces, ils sont chromatiques (repère
de l'ensemble des fréquences du
spectre) ou diatoniques (ne se fixe que
sur les fréquences proches de certaines
notes). Certains disposent d'un circuit
permettant de les conserver insérés
entre la guitare et le premier effet, pour
apporter toute correction en cours de
-17-
jeu. Certains sont même au format
pédale, ou rack.
Les produits d'entretien: attention, on y
vient, ce n'est pas parce que la guitare
est en bois qu'il faut utiliser des produits
ménagers de traitement des meubles.
Quelle erreur ! Ils contiennent des
dérivés de silicone (ça glisse et ça brille
sans retenir la poussière !) qui viennent
se loger dans les micropores du vernis
de la guitare (manche, corps, touche).
En plus de tout boucher (pas de séchage
prolongé possible des bois) ça attaque
les substances qui composent le beau
vernis de l'instrument.
On n’attend pas du buffet de mamie, le
même type de "vieillissement" que celui
de sa guitare ! En effet, un bois qui
sèche est un bois qui devient plus dur,
plus résistant, plus léger aussi, mais
surtout plus sonnant. On recherche
rarement ces propriétés au buffet…
Il existe alors divers traitements,
sachant que des care kits ou kits
d’entretien existent et sont moins chers
que d’acheter les produits à l’unité. Les
principaux traitements à appliquer sont
d’abord sur les cordes, puis l’entretien et
le nettoyage de la touche, effacer les
traces et la poussière sur le corps et le
manche, et enfin supprimer l’oxyde dû
au dépôt procuré par la sueur sur les
parties métalliques (vibrato ou cordier,
mécaniques, …).
Le pied de guitare est aussi appelé
"stand" ; il est important qu'il soit bien
stable (la garde au sol) et qu'il puisse
recevoir votre instrument en laissant
libre les branchements de fiches jack.

Des modèles qui tiennent la guitare par

la tête existent et sont très bien,
d'autres sont plutôt classiques et offrent
deux bras de repos pour le bas du corps
ou de la caisse. Des attaches, un peu
dans le style des magasins, permettent
aussi de suspendre au mur sa guitare
par la tête. C'est le meilleur moyen de
"l'entreposer", car même si elle est
exposée à la poussière, elle est à l'air.
Attention toutefois de ne pas la laisser Des outils assez simples deviennent
dans une cuisine (vapeurs, graisses, ...), rapidement indispensables dès qu’il
ou une pièce exposée aux changements s’agit de traiter de l’entretien de la
fréquents de température (garage, ...). guitare.

Les housses et étuis : lorsqu'on se On dénombre : une pince coupante pour

déplace ou pour protéger son instrument
lorsqu'il n'est pas utilisé. Les housses
sont maintenant robustes et rendent
l'instrument facile à transporter (type
sac à dos ou bandoulière).
Les étuis, ou "flight-cases", sont plus
chers mais offrent une protection de
transport optimale dans les véhicules.
Thermo-moulés, ils adoptent la forme
des principales guitares et les protègent
d'une coque solide.
monter les cordes, une manivelle pour
enrouler les cordes, un diapason qui
donne le La 440 Hz, ce qui correspond
en accordage standard, à la note
obtenue sur la corde de Mi aigu à la
5ième case , des tournevis plats et
cruciformes pour les pièces mécaniques,
des clés Allen pour les réglages type
vibrato, pontets, truss-rod, ...

La sangle ou courroie : en cuir, nylon ou
matières synthétiques, les sangles et
attaches courroies sont des accessoires
dans lesquels il s’agit de mettre le prix
afin d’obtenir la qualité.
Enfin, un bon recueil d’accords peut bien
souvent aider à débloquer une situation
délicate de transcription, et de soulager
les méninges lorsque les diagrammes ne
sont pas suffisamment mémorisés.

-18-
Les effets

Les effets de guitare sont de formes, de

fonctions et de complémentarité aussi
diverses que variées. A commencer par
la multitude de noms aussi bizarres que
les sons qu'ils produisent.

Une autre considération sur cette

configuration d’effet, c’est la qualité de
l’effet trop souvent oubliée au détriment
du nombre d’effets pouvant être traités
par les processeurs de multi-effets : la
pédale est un dispositif dédié au
traitement numérique ou analogique de
l’effet : les composants ne sont pas
dérivés de leurs fonctions à d’autres
finalités.

Les pédales sont des blocs individuels ne

produisant généralement qu’un seul effet
paramétrable (et mémorisable) au
format d’interrupteur de sol (d’où le nom
de pédale) permettant un enclenchement
au pied, durant le jeu. Cette particularité
lui donne la faculté d’être simple
d’utilisation, pour un investissement
réduit (la pédale + un câble Par exemple, pour un effet de chorus et
supplémentaire + une pile de delay, ce sont les mêmes composants
d’alimentation). électroniques qui sont requis : des
transistors à effet de champs. Dans un
multi-effet à bas prix, le même
composant sera mutualisé pour le rendu
sonore alors que deux composants
distincts tributaires de deux
alimentations distinctes seront présents
dans deux pédales séparées…

En contrepartie, le chainage de deux

pédales implique une connectique qui
altère indéniablement le signal. Il est
difficile voire impossible de ne pas
dégrader le son sur un simple chainage
en ligne de 7 à 8 pédales… alors que le
chainage n’est plus physique, mais
logique pour un multi-effet et donc ne
pose pas ce problème lié à la longueur
des câbles…

-19-
Le pendant des pédales, c’est les multi-
effets au format de pédalier.

Embarquant une électronique complexe

permettant de supporter le traitement du
signal de plusieurs effets simultanés, ils
intègrent en plus, des fonctionnalités
intéressantes comme une interface de
navigation vers des programmes
(sauvegarde de paramètres utilisateur /
programmes d’usine), un module
d’enregistrement de ses propres Cette configuration permet également de
rythmiques pour jouer par-dessus, … piloter d’autres équipements au format
Midi, comme un séquenceur, un clavier,
Enfin, ils sont complets et permettent de une boîte à rythmes, un looper
permettant de créer des passages
enregistrés de sa propre guitare et de
jouer par-dessus, …

Dans le monde des effets, les

constructeurs et les innovations
techniques sont si nombreux que l’on en
oublie les bases.

se dispenser d’outils complémentaires

comme l’accordeur, disposent d’une
sortie casque (plus de bruit, plus
d’ampli), d’une boîte à rythmes pour
s’entraîner,…

Ce format de pédalier, pratique pour la

scène, est souvent décomposé par les
professionnels en deux sections : les
multi-effets au format rack, et le pédalier
de contrôle permettant de contrôler
plusieurs multi-effets, amplis, …

Conseil pour débuter

Il n’est pas nécessaire de disposer de la panoplie complète d’effets au tout début. C’est pourquoi le format
de pédales est recommandé. Faciles à revendre, elles ne sont pas excessives à l’achat, même neuves, et
permettent de se familiariser avec quelques sons avant d’investir dans un dispositif plus complet.

Une ou deux pédales de distorsion, un chorus et un delay suffisent à couvrir 80% des sonorités rock de
1960 à nos jours. Pour les 20% qui restent, ce sont généralement des processeurs de qualité
professionnelle qui sont utilisés par vos artistes préférés, et le fait de se rapprocher du son en couplant de
nouvelles pédales reste souvent futile.

-20-
Avant de débuter

La tenue de la guitare

En fonction du type de pratique

(apprentissage, enregistrement,
entraînement, jeu en groupe, jeu sur
scène, …) et du type de guitare, la
position est radicalement différente. Mais
on ne peut disposer de plusieurs
instruments en fonction du type de
pratique.

Il faut à la fois considérer l'exercice

intimiste, seul ou face à un auditoire Lors des séances de travail, l'élève
réduit (son professeur, un autre travaille ses morceaux généralement
musicien, …) qui incite à une position assis (ce qui est un tort), la guitare
plus posée et généralement assise, et le posée sur ses genoux. La position haute
jeu démonstratif, en public, qui est de la guitare sur l'abdomen modifie la
plutôt debout. position des mains, aussi bien sur le
manche qu'au niveau du corps.
Mais il faut également savoir que la
pratique de l'instrument comme certains Un entraînement ne consiste pas à
accessoires, diffère selon le fait que l'on seulement jouer les bonnes notes, mais
joue debout ou assis : également à pratiquer la position du jeu
• la tenue de l'instrument, la debout.
position des mains, la courbure
du dos et la répartition du poids
de la guitare sont différents,
• l'action sur des commutateurs
d'effets (pédales) est
généralement pratiquée aussi
bien assis que debout, cependant,
les effets utilisant des variateurs
à crémaillères, comme pour une
whawha, par exemple, ne
pourront être joués de la même
façon debout et assis…
• la répartition sonore et la
perception des fréquences
diffèrent en fonction de son
positionnement par rapport à la
source sonore (ampli, retours,
sono, …).

En fonction de ces critères, des

différences notoires apparaissent, et il
est bon de distinguer quelques cas de
pratique.

-21-
 Raccourcir la sangle permettra au
Le positionnement des doigts sur le débutant de bien positionner son dos et
manche sa main gauche.

Ainsi, il peut anticiper tout mouvement

Le jeu debout ou assis influe directement
attendu de la main pour le
sur la position des doigts sur le manche :
développement d’un glissé, d’un barré,
en effet, lorsque l’on est assis, il est
d’un écart, … et éviter le non-
simple de bien positionner le pouce de la
académique passage du pouce par-
main gauche au beau milieu du manche
dessus le haut du manche.
pour bien répartir la force.
Cette position consistant à "passer le
Mais une fois debout… la position de la
pouce" par-dessus le manche,
guitare contre la taille ne facilite en rien
notamment sur les guitares folk ou
le fait d’adopter des positions
électriques, ouvre la possibilité de jouer
académiques et conventionnelles de
une note sur la corde de mi et de libérer
barré sans rehausser la guitare
les doigts pour des mouvements rapides
(raccourcir la sangle).
(légato, hammer-on ou pull-off,
appogiatures) sur les cordes aigues…

Dans tous les cas, le coude doit rester

libre et décontracté (y compris en
position debout) afin, lui aussi,
d’anticiper un passage rapide des graves
aux aigus, un changement de position
d’accord, …

Il ne s’agit plus alors d’un

positionnement esthétique de la guitare,
mais plutôt pratique, voire
physiologique : le dos souffre moins
lorsque la pression de la main est
exercée de manière uniforme, selon la
répartition des forces et pressions
entre :
• le pouce positionné derrière le
manche, en son centre vertical
• les doigts sont répartis selon le
principe "un doigt par frettes".

Les conseils
Pour débuter, il sera réellement plus sage, en position debout, de ramener la guitare au plus près de la
position assise pour un meilleur équilibre et une meilleure répartition musculaire de la main droite et de la
main gauche : il faudra donc, au détriment de l’esthétique, remonter la guitare en raccourcissant la sangle.

Une sangle nylon disposant de mécanismes de strap-lock ou de fermeture sera préférée aux modèles en
cuir dont les attaches s’usent assez vite et supportent mal d’être attachés / détachés souvent de la guitare.

-22-

Le jeu aux doigts ou au médiator
Tout est question de préférence, rien
n’étant moins objectif que de prodiguer
le moindre conseil sur ce sujet. Une
personne préférant le jeu aux doigts va
intuitivement développer des techniques
de pincements simultanés des cordes et
une sensibilité du frotté qu’un adepte du
médiator ne pourra reproduire qu’après
un certain temps de pratique.
-23-
A contrario, une personne débutant avec
un médiator va acquérir rapidement une
forme de dépendance à cet outil qui lui
permet de gagner en dextérité et en
précision plus rapidement, au détriment
d’effets de jeu plus subtils.
L’idéal serait de pratiquer les deux styles
de jeu, ce qui est favorisé par le style de
musique joué voire le type d’instrument
utilisé. Bien qu’il n’existe pas de règle
établie, on constate généralement les
associations suivantes :
• Style classique  jeu aux doigts
• Style acoustique Folk  jeu aux
doigts ou au médiator
• Style Country ou Picking  jeu
aux doigts ou au médiator /
onglets
• Style électrique Pop-Rock  jeu
aux doigts ou au médiator
• Style Hard-Rock ou Métal  jeu
au médiator
Pour le choix du médiator, il y a trois
choses à déterminer : la forme, la
matière et l’épaisseur. La forme est le
plus souvent triangulaire, cependant, il
existe différentes matières (nylon, bois,
corne, os, pierre, métal) qui va avoir une
influence sur l'attaque de la corde. Enfin,
pour l’épaisseur, c’est un réel débat :
pour se rendre compte, il faut à mon
sens en essayer.
L’épaisseur, est aussi appelée dureté :
plus c’est épais et plus c’est rigide, et
plus l’attaque sera précise. La force de
l’attaque sera alors mieux maîtrisée, ce
qui permettra d’accentuer le volume des
notes jouées.

Petits trucs
Très chers pour la fonction apportée, les médiators sont parfois insolites. Brian May, guitariste de Queen,
joue avec une pièce de six pence. Certains aiment découper eux-mêmes leur médiator dans des cartes
téléphoniques usagées afin de limer l’angle d’attaque et disposer d’une épaisseur et dureté peu commune…

Il est recommandé, pour débuter, de choisir un modèle standard, en nylon, de taille medium ou d’une
épaisseur comprise entre 0.80 et 1 mm.

Certains constructeurs ont développé toute une ingénierie autour du médiator : des formes et textures
antidérapantes avec un grip, un stockage dans un distributeur pour une accessibilité accrue, un pick-holder
pour les disposer accrochés au pied de micro (effet très pro !) et même des bandes adhésives à coller sur
la tranche de la guitare… Pour démarrer, une petite boîte avec deux ou trois modèles en état suffira.

Et inutile de retailler un médiator usé. C’est certes cher pour ce que c’est, mais suffisamment répandu pour
être remplacé plutôt que réparé ou réhabilité.

Le jeu aux doigts nécessite souvent une

hygiène des ongles de la main droite
assez soignée (de la main gauche aussi
d’ailleurs) : les ongles doivent être
coupés au carré, et très courts pour les
doigts en contact avec la touche, car leur
longueur ne permet pas d’apporter la
pression suffisante sur la corde.

Pour ce qui est de la coupe des ongles

sur la main droite (pour les droitiers),
c’est plus le style de jeu qui va avoir son
importance, car des ongles plus longs et
entretenus permettront de faciliter le jeu
aux doigts. Il n’y a pas vraiment de règle
sur ce point, des gens comme Mark
Knopfler ou Jeff Beck jouent sans
médiator et modulent considérablement Et là, les techniques empêchant son
leur attaque grâce aux ongles... dédoublement sont à connaître, sinon,
plusieurs semaines d’attentes peuvent se
Pour ce qui est du pouce, prisé dans les solder par un échec…
arpèges pour les attaques franches sur
les cordes basses, c’est assez simple.
Pour les autres doigts, c’est plus difficile,
parce que c’est plus long, et que les
débutants garçons n’ont pas toujours
laissé pousser les ongles et ne savent ni
comment les couper, ni comment les
entretenir…
Des vernis transparents ont des qualités
de vernis durcisseurs, ce qui prolonge la
durée de l’ongle et évite qu’il ne casse.
Enfin, un ongle qui pousse ne se coupe
pas au coupe-ongle, de manière
traditionnelle, mais se lime.

-24-
Notions de base et notation musicale
Débuter la musique nécessite de
connaitre quelques notions tout d’abord
mathématiques, notamment dans la
représentation de ce qui doit être joué…
En contrepartie, ces notions ne
nécessitant pas la pratique, il est
recommandé de parcourir complètement
cette partie avant de se pencher sur
l’accordage et le jeu de guitare.
La lecture des diagrammes d’accord
Pour débuter, il existe plusieurs
méthodes plus ou moins rébarbatives, la
plus connue (probablement parce que la
moins populaire) est celle de
l’apprentissage bête et méchant du
solfège et de la théorie musicale.
Bête et méchant, pas tant que ça, car il
s’agit d’asseoir des bases qui seront
utiles en toutes circonstances et quelque
soit l’instrument pratiqué. Cependant,
que de difficultés et de découragement
autour d’une méthode ne présentant
aucune mise en pratique des principes
étudiés…
-25-
La particularité de la guitare, c’est de
très rapidement entrer dans les notions
d’harmonie en abordant les accords. En
effet, si cette notion n’est pas abordée
au piano ou dans la pratique des cuivres,
elle est essentielle pour la guitare, car il
est relativement accessible,
suffisamment simple et très motivant de
parvenir à jouer un accompagnement en
accords.
C’est possible même pour un débutant
lors de sa première heure de pratique à
condition de comprendre des
mécanismes de notation simples, comme
la lecture de la notation d’accords sous
forme de diagrammes.
Nous avons donc un dessin qui
schématise une portion du manche, la
guitare étant disposée la tête vers le
haut… ce n’est donc pas la position dans
laquelle on joue, et cette méthode n’est
pas vraiment valable pour les gauchers
puisque la plus grosse corde (celle de
mi) n’est pas à gauche du diagramme
mais à droite.
La convention voudra que les 6 cordes
soient représentées verticalement dans
le sens de lecture, et que les cases
soient représentées horizontalement. Le
positionnement des doigts ou des notes
jouées à vide sera alors schématisé par
des points parfois agrémentés d’un
numéro correspondant aux doigts de la
main gauche.
La lecture en sera complétée par
l’identification des cordes à éviter (à ne
pas frotter) symbolisées par des croix X,
et de la notation repère de la case par
laquelle commence le diagramme (dans
l’exemple, c’est le sillet de tête).
Sans avoir la moindre notion rythmique
ni temporelle et aucune information sur
la technique utilisée le simple fait de
frotter ce groupe de notes schématisé
conduit à "jouer" l’accord correspondant.
La ligne oblique qui surmonte un
diagramme indique que l’ensemble des
cordes va être joué dans l’accord.
Le pouce est symbolisé par un T (T
comme thumb en anglais) lorsqu’il figure
sur le diagramme (chose rare car il est
souvent positionné derrière le manche
pour maintenir la pression des autres
Cette notation est la plus graphique, et
reste très répandue, complétant très
souvent les autres représentations
trouvées dans les partitions, qu’elles
soient au format solfège ou tablatures.
Elle est également utilisée par les
guitaristes qui souhaitent réaliser des
grilles rythmiques de transcriptions de
morceaux, car la notation des notes par
lettres majuscules est devenue
universelle dans l’écriture musicale. Il
faut entrer dans des notions de théorie
musicale pour développer d’avantage sur
la construction des accords. Néanmoins,
cette notation, sans en comprendre la
finalité, permet de représenter de
nombreux accords à condition de faire
figurer un complément de notation.

Cette notation est complétée de

symboles complémentaires, comme
décrits ci-dessous :
• b pour la notion de bémol (ex :
Db est un accord de Ré bémol ou
Réb voire de Do#)
• # pour la notion de dièse (ex :
D# est un accord de Ré dièse)
doigts sur les cordes et la touche. • m pour les accords mineurs (ex :
Dm est un accord de Ré mineur)
Les autres doigts de la main gauche sont • 7 pour les accords de septième
symbolisés par des chiffres de 1 à 4. (ex : D7 est un accord de Ré dont
la septième est mineure)
Le diagramme est par fois surmonté du • 7M pour les accords de septième
nom de l’accord (dans sa notation anglo- majeure (ex : D7M est un accord
saxonne). Ici, il y aurait eu Dm par de Ré de septième majeure)
exemple pour dénommer un accord • 5+ pour les accords altérés
ouvert de Ré mineur. augmentés (ex : D5+ ou D+ ou
D7(#5))
La notation des notes en • 5- pour les accords altérés
majuscule est privilégié diminués (ex : D5- ou D- ou D°
sur ce type de notations, ou D7(b5))
non pas par convention, • / pour les accords renversés avec
mais parce que la majorité basse (ex : C/G est un accord de
des partitions (scores en Do majeur avec une basse en Sol
anglais) sont issus de jouée sur les cordes graves)
transcriptions anglo- • sus pour les accords de septième
saxonnes ou bien avec quarte (ex : D7sus4 pour un
diffusées par Internet à accord de Ré septième avec
destination d’un public qui quarte suspendue)
est familier à ces • dim pour les accords diminués
équivalences. Aussi : (ex : Ddim pour un accord de Ré
A=la, B=si, C=do, D=ré, diminué)
E=mi, F=fa et G=sol.

-26-

La lecture des tablatures
C’est cette notation, complémentaire au
solfège, qui date du Moyen-âge, et se
retrouve parmi de nombreux textes
anciens, dans des formes plus ou moins
avancées. Utilisée aussi bien pour des
instruments à cordes pincées, comme le
luth, la mandoline, elle s’avère bien plus
complète que le solfège dans une version
moderne (à peine 30 ans) adaptée à la
guitare et déclinée à la guitare
électrique.
C’est le guitariste Marcel Dadi qui a
popularisé et développé cette notation
La représentation principale est celle du
manche (vu en position de jeu) et des
cordes : la première ligne en partant
d’en haut représente la première corde,
soit la corde de mi aigu en accordage
standard, la plus fine des cordes. Ce
renversement par rapport à la technique
de représentation des diagrammes
d’accords demande un peu de pratique,
mais cette mécanique sera rapidement
et intuitivement acquise.
Les notes jouées sur les cordes sont
représentées sur chacune des lignes
-27-
pour les pays occidentaux et traduit de
nombreux ouvrages théoriques
d’apprentissage. Il lui a permis d’en
dégager la simplicité de lecture et de
compléter des effets de jeu qui ne
peuvent être transcrits sur une partition
de solfège, notamment pour tout ce qui
concerne l’attaque des notes, l’utilisation
du vibrato, des glissés, …
La faiblesse de la tablature réside dans
son non respect des règles rythmiques et
doit être accompagnée du traditionnel
solfège pour que la retranscription soit
complète.
(cordes) par un nombre correspondant
au numéro de la case. Ce système
d’abscisses et ordonnées, de connotation
tabulaire (d’où le nom de tablature)
permet une représentation simple ne
nécessitant pas la reconnaissance
visuelle ou sonore des notes et leur
identification.
Les effets de jeu, et compléments
d’information sont nombreux, et font
l’objet de notations relativement
uniformes d’un éditeur à l’autre, dans les
logiciels et les magazines.
 La représentation du diagramme d’accord figure
généralement au-dessus de la portée en solfège et de la
Diagramme
tablature. Soit le diagramme est représenté en entier,
d’accord
soit juste la notation de l’accord est renseignée (notation
anglo-saxonne).

Un bend sur la note, marqué par une flèche vers le haut

et une indication de la hauteur de note obtenue :

• full pour bend d’un ton

Bend
• half ou ½, c’est le demi-ton
• ¼ pour un quart de ton
• parfois 1,5 pour un ton et demi

Bend et Le bend et la note relâchée, ici notée en grisé, mais

Release parfois en couleur standard.

La corde a été tirée avant l’attaque de la note par

Pre-Bend
l’ongle, le doigt ou le médiator.

Corde tirée avant d’attaquer la note, puis note obtenue

Pre-Bend et
par la corde revenant en position (toujours à la 5ième
Release
case dans notre exemple).

Effet de vibrato manuel, permettant de faire durer le son

et de l’ennoblir par ce côté vibrant et vivant. L’effet est
Vibrato manuel
léger, juste par simple mouvement du doigt qui presse la
corde.

Effet de vibrato accentué, soit manuel, soit à l’aide de la

tige de vibrato, qui généralement est plus destine à
Vibrato
"triturer" la note d’origine plutôt qu’à l’embellir dans la
durée.

-28-
 Effet de glissé consistant à n’attaquer que la première
Slide ou Glissé
note, la seconde étant liée.

Shift Slide ou Idem, mais avec deux attaques successives, les sons
Déplacement intermédiaires sont utiles à la transition.

Effet de glissé provenant d’une note située au dessus de

Slide Into
la note à jouer. L’attaque à lieu pendant le glissé (vers la
(from below)
tête).

Effet de glissé provenant d’une note située en dessous

Slide Into
de la note à jouer. L’attaque à lieu pendant le glissé
(from above)
(vers les micros).

Slide Out Of La note est jouée, attaquée, puis un effet de glissé

(downwards) descendant est produit (vers la tête).

Slide Out Of La note est jouée, attaquée, puis un effet de glissé

(upwards) ascendant est produit (vers les micros).

La première note est jouée normalement et la seconde

est liée par pression précise d’un doigt de la main gauche
Hammer-On
(si l’on est droitier) qui vient taper la note suivante
(Hammer = marteau).

-29-
 La première note est jouée et le doigt est en position
pour jouer la seconde dont le son est produit par le
Pull-Off
retrait précis du doigt jouant la première note (Pull =
retirer).

Alternance rapide de hammer-on et pull-off sur deux

Trill
notes particulières.

La première note est frappée (T) par la main d’attaque

Tapping (main droite pour les droitiers), juste avant la seconde
note qui est jouée (P) normalement par pull-off.

Natural Son harmonique naturel obtenu par effleurement de la

Harmonic corde sur une case bien particulière.

Son harmonique artificiel obtenu par une note jouée

Artificial normalement mais artificiellement traité par l’adjonction
Harmonic d’un doigt de la main d’attaque (main droite pour les
droitiers).

Utilisation de la barre de vibrato pour descendre la note

Tremolo Bar d’origine puis revenir à la note initiale. Ici, le son obtenu
est un ton et demi en dessous.

Etouffement de la note par la paume de la main

Palm Mute
d’attaque (main droite pour les droitiers).

-30-
 Notes fantômes, obtenues par un blocage des cordes par
Muted Notes
la main de jeu (main gauche pour les droitiers).

Pick Slide Mouvement de déplacement du médiator sur la corde.

Tremolo Attaques successives et rapides de la même note (en

Picking fonction du tempo du morceau).

Pickstroke Attaque de la corde par un mouvement de médiator vers

(down) le bas.

Attaque de la corde par un mouvement de médiator vers

Pickstroke (up)
le haut.

Rhythm Jeu rythmique en accords, sans distinction des notes

Slashes spécifiques à jouer. Accords frottés.

-31-
La lecture du solfège
Le solfège est un système d'écriture de
la musique utilisant différents signes qui
indiquent la hauteur de chaque note par
rapport à des lignes (portées) qui
symbolisent les notes de référence. De
même, on trouvera pour chaque note,
une représentation de sa durée ainsi que
la nuance son attaque et son rapport
avec les autres notes de la
représentation.
Intéressons-nous d'abord à la valeur
relative des notes.
Chaque note de ce schéma a une durée
qui vaut le double de celle de la note de
la ligne inférieure. Ainsi, une ronde est
tenue 2 fois plus longtemps qu'une
blanche qui est tenue 2 fois plus
longtemps qu'une noire ...
Il faut donc, pour faire une ronde, 2
blanches, 4 noires, 8 croches, 16
doubles-croches, 32 triples-croches ...
Cette loi est la même pour les silences.
Enfin, les chiffres à droite sont les
nombres par lesquels on désigne les
notes dans l'indication de mesure du
morceau. Il s'agit de division de la
ronde. Ex : une croche = 1/8 de ronde,
...
Comment alors représenter une note qui
équivaut à trois quarts de ronde ou un
-32-
C'est à dire leur durée l'une par rapport
à l'autre :
• La ronde
• La blanche
• La noire
• La croche
• La double-croche
Et les silences qui leur correspondent :
• La pause
• La demi-pause
• Le soupir
• Le demi-soupir
• Le quart de soupir
tiers de noire ? Supposons que nous
sommes dans une mesure en 4/4. La
noire vaut 1 temps, la blanche 2 et la
ronde 4 : pour représenter une note de
trois temps nous allons utiliser une
blanche pointée.
Une note pointée voit sa durée
augmentée de la moitié de sa valeur.
Si la blanche dure 2 temps, la blanche
pointée dure 2 + 1 = 3 temps. Une note
peut être double-pointée, sa durée est
alors augmentée des trois quarts de sa
valeur.
Si la blanche dure 2 temps, la blanche
double pointée dure 2 + 1,5 = 3,5
temps.
Les notes double-pointées sont toutefois
rares car leur lecture n'est pas toujours
aisée.
Voyons maintenant les notes
fractionnaires qui servent à écrire des
notes dont la durée et égale à une
fraction de note autre que la moitié. Par
exemple des tiers ou des cinquièmes de
temps.
La forme la plus courante et le triolet.
Dans notre exemple nous avons un
triolet de croches qui équivaut à un tiers
de noire. Le triolet se reconnaît au chiffre
3 et aux crochets qui encadrent les
notes.
Trois notes en triolet, ont la même
valeur en durée que deux notes non
marquées en triolet. C'est à dire que le
durée des les trois croches ci-dessous
est égale à la durée de 2 croches.
Les autres exemples ont également une
durée de 1 temps. Nous avons des
cinquièmes, des sixièmes et des
septièmes de temps. Rassurez-vous de
telles divisions de temps sont plutôt
rares.
Les éléments d'une portée
Nous avons fait connaissance avec les
différentes formes de notes et de
silences. Cette forme nous renseigne
uniquement sur la durée des notes les
unes par rapport aux autres mais ne
nous dit pas encore combien de temps
dure chaque note et quelle est sa
-33-
hauteur dans la gamme. C'est ce que la
portée va préciser.
La portée est formée de cinq lignes
horizontales sur et entre lesquelles vont
être placées les notes. Plus une note est
placée haut sur la portée plus elle est
aiguë. Pour les notes très aiguës, on
rajoute des lignes supplémentaires au-
dessus de la portée. Pour les notes
graves, on ajoute des lignes sous la
portée.
Il nous faut un repaire pour savoir à
quelle note correspond chaque position
sur la portée. C'est le rôle de la clef. Les
partitions de guitare s'écrivent en Clef de
Sol. Cette clef nous indique que le Sol se
trouve sur la deuxième ligne en partant
du bas (la clé forme une spirale qui
entoure cette ligne) donc le La se trouve
sur l'interligne supérieure, le Si une ligne
plus haut, etc.
L'armure ou armature va nous préciser
la tonalité du morceau. Dans notre
exemple : Ré Majeur. Dans cette tonalité
tous les Fa et tous les Do sont diésés.
Nous reviendrons plus tard sur ces
notions.
La mesure nous renseigne un peu plus
sur le rythme du morceau. Dans notre
exemple la partition est partagée en
mesures de 3 temps (une valse, par
exemple a un rythme à trois temps).
Nous avons ici une mesure de 3/4 ce qui
signifie que chaque mesure est
composée de 3 noires ou de notes dont
la valeur relative équivaut à 3 noires. On
peut dire aussi que chaque mesure
équivaut à 3/4 de ronde.
On peut simplifier les choses en disant :
• Chiffre du haut = nombre de
temps dans la mesure
• Chiffre du bas = numéro de la
note qui vaut 1 temps (voir
tableau sur la valeur relative des
notes)
Tout morceau de musique est divisé en
mesures cela permet de le découper
rythmiquement, savoir ou placer les forts
et les temps faibles. Les mesures
facilitent également la lecture de la
partition en la découpant grâce à des
barres de mesure.
Dans notre exemple, nous voyons à la
clef que la mesure est en 2/4, c'est à
dire des mesures de deux temps où la
noire vaut un temps. Tous les deux
temps, une barre de mesure coupe la
partition.
Dans cet exemple, nous avions affaire à
une mesure simple. Dans ce type de
mesure les temps sont divisés par 2 ou
des multiples de 2. La croche, par
exemple, vaut un demi-temps. C'est le
cas des mesures en 2/4, 3/4, 4/4, 2/2 ...
Dans certains morceaux, les temps sont
divisés par 3 ou des multiples de 3. Tiers
de temps, sixième de temps. On utilise
dans ce cas des mesures composées.
C'est le cas des mesures en 6/4, 6/8,
9/8, 12/8 ...
Ici, le chiffre du haut ne désigne plus un
nombre de temps mais un nombre de
tiers de temps. Le chiffre du bas, lui,
désigne la note qui vaut un tiers de
temps. Par exemple, une mesure en 6/8
est découpée en 6 tiers de temps et c'est
la croche qui vaut un tiers de temps
(donc la note qui vaut un temps est la
-34-
La troisième et la quatrième mesure sont
encadrées par les barres de reprise. Elles
ont le même rôle que les barres simples
mais indiquent en plus que les mesures
placées entre la barre ouvrante et la
barre fermante sont jouées deux fois.
Plus loin, on voit une double barre. Elle
sert à partager le morceau en plusieurs
sections. On pourra rencontrer une
double barre dans la partition d'un chant
où elle séparera le couplet du refrain par
exemple ou dans le cas d'un changement
de mesure. Son rôle est surtout visuel.
A la fin de la partition on trouve toujours
une barre de fin. Ne pas la confondre
avec les barres de reprise qui sont
accompagnées de deux points.
noire pointée 3 croches = 1 noire
pointées). Une mesure en 6/8 est donc
une mesure en 2 temps dont les temps
sont divisés en tiers.
Les altérations sont des signes qui
modifient la tonalité d'une note. Il en
existe 5 :
• le double bémol qui abaisse la
note d'un ton
• le bémol qui abaisse la note d'un
demi ton
• le bécarre qui annule l'effet des
autres altérations
• le dièse qui élève la note d'un
demi ton
• le double dièse qui élève la
note d'un ton
On peut trouver des altérations à la clef
de la partition, c'est ce qu'on appelle
l'armure. Elle détermine la tonalité du
morceau. Ces altérations affectent les
notes tout au long du morceau. Par
exemple, si on a un dièse à la clef sur la
ligne du Fa, tous les Fa du morceau
doivent être diésés.
Si on rencontre une altération au cours
de la partition, elle affecte toutes les
notes qui se trouvent sur la même ligne
ou interligne et dans la même mesure. A
la mesure suivante, l'effet de cette
altération est annulé.
Un bécarre peut aussi annuler l'effet
d'une altération. En pratique, si on
rencontre un dièse dans une partition, on
doit jouer la note une case plus haut que
la note juste. Si on rencontre un bémol,
on joue la note une case plus bas.
Ex : Ré = 3ème case de la 2ème corde.
Ré = 4ème case. Ré = 2ème case.

En pratique
La lecture musicale et la théorie musicale en général n’est rarement une fin en soi. C’est cependant le seul
moyen de permettre la retranscription et la transmission des informations d’un guitariste à un autre. C’est
utile dans les cours, pour lire les magazines, et les relevés des autres musiciens. Il ne faut donc pas
négliger d’en posséder les bases.

De plus, c’est le seul moyen de notation universelle compréhensible par tous les musiciens : lorsqu’il s’agit
pour un batteur, un bassiste, un claviériste et un guitariste de mettre en place un morceau, c’est par ces
codes et langages que la communication peut s’établir, ce qui permet évidemment un gain de temps
énorme.

Enfin, c’est probablement le meilleur moyen de progresser, dans la mesure où toute la littérature et la
culture musicale est à la fois accessible par l’oreille et par les ouvrages écrits. Le moindre cours fera appel
à ce type de notions et de notations, et votre désir de progresser sera conditionné par le blocage de la
lecture, comparé au blocage de la langue pour les non anglicistes, par exemple.

C’en est cependant fini des ânonnements intempestifs des règles de solfège. Même dans les sections du
conservatoire, le solfège est devenu moins rigoureux qu’il ne l’était du temps de nos parents et grands-
parents… la connaissance de ce langage et de cette notation est enseignée aux plus jeunes dès les toutes
premières années de lecture.

-35-
Accorder sa guitare
Accorder sa guitare permet de travailler
sur un même référentiel sonore et visuel
que la plupart des gens qui pratiquent la
musique.
Il découle de l’accordage une association
entre un son (une note) et la
représentation que l’on en fait
(partition). Mais il en découle également
une association entre un son entendu
(non produit) et un son à produire, ce
qui tend à développer ce que l’on a
coutume d’appeler l’oreille musicale.
S’il est un mécanisme psychomoteur
complexe, l’oreille absolue qui consiste à
associer le nom d’une note juste en
l’entendant est celui qui doit être le plus
abordable dans sa description, et le plus
délicat dans son explication. Comment
donner du crédit à un enfant qui ne sait
même pas lire mais identifie presque
instinctivement une note ? Comment
développer ce qui semble pour certains
être un don ?
-36-
Mécaniquement, l’accordage est la mise
au point, le paramétrage du référentiel
qui permet cette association entre les
sensations de toucher des cordes, le
repère dans l’espace de "coordonnées"
sur un manche, la visualisation sur les
notations papier, et la production de
vibrations composantes du son.
Il est cependant gênant, dans la pratique
de la guitare, de s’accorder, car
contrairement à l’harmonica ou
trompette, la guitare n’est pas conçue
pour conserver une longueur de corde
vibrante déterminée… Cette tension est
tributaire de phénomènes physiques tels
que les variations de température ou
d’hygrométrie, l’application de forces
contraires (barrés, tirés ou bends
appuyés) pour déformer la trajectoire
rectiligne de la corde, l’oxydation
provoquée par l’application des doigts
(contact de la peau, sueur, oxydation,
impuretés, …), …
Comme celles du piano, mais dans des
proportions plus importantes, les cordes
de guitare se distendent à chaque
utilisation, et même parfois plusieurs fois
durant une utilisation prolongée de
l’instrument. Et il s’agit alors de
réajuster les tensions adéquates par
rapport à un référentiel.
Ce référentiel est avant tout lié aux
réglages et caractéristiques de la
guitare. Ensuite, il dépend de la note de
référence, qui dans notre culture
occidentale est la vibration à 440 Hz.
Enfin, le réglage et sa variation (ou son
maintien dans le temps) dépend du
temps qui passe comme de l’état des
cordes : des cordes usées ou juste
vieilles "tiennent moins bien l’accord".
L’accordage standard
Il faut donc accorder son instrument à
chaque utilisation, et, si son oreille ou
celle d’un auditoire semble le
recommander, ajuster cet accordage dès
que nécessaire, afin de développer son
oreille musicale et tous les facteurs de
dissonances liés aux écarts entre les
notes, qui conduisent à dire "jouer faux".
L’accordage standard, Mi-La-Ré-Sol-Si-Mi
de haut en bas, a été inventé en même
temps que l’instrument a été développé.
Il ne respecte pas de séquences et
d’écarts définis entre les notes, pas plus
que des facilités de positionnement de
doigts du la touche…
D’où vient cet accordage standard, dans
la mesure où il n’est ni intuitif, ni
réellement en respect des accordages
retenus sur les instruments à cordes
pincées, qui est réalisé sur la base des
écarts de quarte entre les cordes ?
L’accordage du violon en Sol-Ré-La-Mi
par exemple, a engendré l’accordage des
violes de Gambe, des luths et des
instruments dérivés du violon comme le
violoncelle, la contrebasse, mais en ce
qui concerne la guitare, l’histoire nous
amène des éléments divers quant au
respect de cet accordage dit standard…
En fait, ce sont plutôt les frettes et la
pratique qui en sont venus au Mi-La-Ré-
Sol-Si-Mi.
-37-
L’histoire sur les caractéristiques des
premières cordes en boyaux de chat
n’est pour rien, l’accordage, en tout cas
les écarts entre les cordes ont amené à
des positionnements de doigts
standardisés, devenus la base de
positions académiques. C’était
manifestement plus évident de retenir ce
standard là pour couvrir un spectre
important de fréquences et faciliter le jeu
sur l’ensemble du manche.
La guitare est donc accordée de manière
standard selon une dénomination que
l’on pourrait appeler un "open-tuning de
Sol 6/9", afin de faire référence à la
deuxième partie de cette page.
Il faut avoir conscience que les notes
retenues dans l’accordage standard sont
indexées sur une fréquence de base,
uniformément appelée fréquence de
référence qui est le La 440 Hz. C’est la
note obtenue en 5ième case sur la corde
la plus aigue de Mi en accordage
standard.
Ce nombre de 440 est le nombre de
vibration dans l’air par seconde produit
par la note. Les accordeurs électroniques
proposent une variation autour de la
fréquence 440 Hz qui en fait reflète la
tendance de "perception" du La de
référence en fonction des époques, car
par exemple, les orchestres classiques
du XVIIième siècle s‘accordaient un poil
plus bas (435 Hz soit un 8ième de coma)
pour conserver de la brillance au niveau
des violons, mais soulager le jeu des
musicien et ménager les instruments
très sollicités… En période Baroque, le La
de référence était 415 Hz, soit
pratiquement un demi-ton au dessous
(comme les Guns ‘n Roses !).
En rapport à cette note de référence, des fréquences qui dans le spectre sont
écarts existent, et sont identifiés en complémentaires :
fonction d’écarts en Hertz (unité
mesurant le nombre de vibrations par Mi octave grave 41,2 Hz
seconde définissant une fréquence). Pour La octave grave 55 Hz
l’accordage standard d'une guitare 6 Ré octave grave 73,42 Hz
Sol octave grave 98 Hz
cordes, on retrouve les écarts suivants,
mesurés de la corde la plus grave à la
plus aigue : L’obtention de ces fréquences suppose
une tension bien définie entre le sillet de
Mi 1ère octave 82,41 Hz
tête et les pontets. Ces réglages
La 2ème octave 110 Hz dépendent du réglage du manche et de
Ré 2ème octave 146,83 Hz l’intonation (longueur exacte vibrante de
Sol 2ème octave 196 Hz la corde) et bien sûr de la tension qui
Si 3ème octave 246,94 Hz doit être homogène entre les cordes pour
Mi 3ème octave 329,63 Hz
répartir convenablement les forces et
pressions (considérables) exprimées en
Pour information, l’accordage standard kilogrammes sur les parties de la
d’une basse à 4 cordes propose des guitare.

En pratique
Un jeu de corde standard Super Light en 0,009-0,042 en accordage standard fait état des tensions suivantes :

Note Diamètre de la corde en pouces Diamètre de la corde en mm Tension sur la corde en kg

E 0.009 0.23 5.94
B 0.011 0.28 4.99
G 0.016 0.41 6.67
D 0.024 0.61 7.17
A 0.032 0.81 7.17
E 0.042 1.07 6.71

En comparaison, un jeu de corde de type jazz ou Heavy en 0,012-0,054 en accordage standard fait état des
tensions suivantes :

Note Diamètre de la corde en pouces Diamètre de la corde en mm Tension sur la corde en kg

E 0.012 0.3 10.57
B 0.016 0.41 10.57
G 0.020 0.51 10.39
D 0.032 0.81 12.74
A 0.042 1.07 11.93
E 0.054 1.37 11.16

Allez faire un bend sur une corde qui offre une tension de plus de 10 kg sur une longueur d’à peine 63
centimètres (longueur vibrante standard d’une guitare en 25,5 pouces) ! C’est assez difficile…

-38-
Alors pourquoi existe-t-il des tirants plus
forts que d’autres ? Autrement dit,
quand utiliser des cordes qui sont
injouables avec un accordage standard ?
Les principales raisons sont :
• le son, au détriment du confort de
jeu et de l’usure des pièces. Si la
corde a un diamètre fort, sa
vibration est importante.
• jouer avec de forts tirants, c’est
aussi "ne pas avoir de spaghetti
sous les doigts", ce qui est une
sensation désagréable, pour
éviter que les cordes ne frisent et
obtenir assez de puissance dans
l’attaque.
• les cordes sont plus solides.
En pratique
Le "diapason" d'une corde dépend de sa
longueur, de son épaisseur et du degré
de tension qu'on lui applique.
1ière étape : elle consiste à prendre
comme référentiel, une note de
référence.
Il est préférable, surtout lorsque l'on
débute, d'utiliser une source extérieure
sonore pour donner la note de référence,
généralement le La 440 Hz.
Il s'agit en effet d'une note très
accessible pour grand nombre
d'instruments, qui fait office de référence
car sa fréquence suffisamment élevée
est distinguée, même par le néophyte.
Cette note est présente naturellement
dans notre environnement quotidien
puisqu'il s'agit de la note standard
utilisée par les services téléphoniques
pour donner la tonalité du téléphone
(dans le cas d'un simple appel vers
l'extérieur).
Cette même note est donnée par un
"diapason" métallique vibrant sur une
-39-
Cependant, il existe des inconvénients :
• jeu plus difficile (pression des
doigts plus forte, bends moins
évidents)
• usure du matériel, les tensions
élevées conduisent à une
sollicitation plus ardue des parties
où elle s’exerce, les sillets, les
pontets, les cordiers, les pièces
de vibrato, …
• le coût, car les tirants plus lourds
sont plus chers, dans la mesure
où ils demandent plus de
matériau et que leur production
est surtout faite en plus faible
quantité.
surface amplifiant sa résonance, comme
le plan d'un bureau ou d'une table en
bois, ou encore la "table" de la guitare.
Pour un accordage standard, cette note
correspond sur la "chanterelle" (la corde
la plus fine) à la note obtenue à la 5ième
case.
Il s'agit alors dans un premier temps de
régler cette corde afin d'approcher le "la
440 Hz" de à cette position.
Un réglage plus fin, notamment avec un
accordeur, sera ultérieurement
nécessaire. Avec l'habitude, et en
développant son oreille musicale, la note
obtenue par rapprochement de la note
définitive sera de plus en plus "juste".
La corde de mi aiguë va alors être jouée
"à vide", c'est à dire sans pincer la corde
sur la touche. Cela consiste à laisser
sonner la corde sans aucune action de la
main sur le manche. Et la note mi va
alors se présenter comme la note de
référence pour le réglage de la 2ième
corde.
2ième étape : elle consiste à accorder la
2ième corde par rapport à la 1ère déjà
pratiquement ajustée en mi.
La corde dénommée "corde de si", jouée
en5ième case, va alors devoir présenter
la même justesse que la "corde de mi
aiguë" jouée "à vide".

En pratique
3ième étape : elle consiste à accorder la
3ième corde par rapport à la 2ième déjà
ajustée en si.
La corde dénommée "corde de sol",
jouée en 4ième case, va alors devoir
présenter la même justesse que la
"corde de si" jouée "à vide".
Là encore, la justesse obtenue lors de ce
réglage mérite d'être approchée au
maximum de ce que permet votre
oreille, mais ne doit en aucun cas faire
preuve d'une précision extrême
puisqu'un affinage de la justesse est
prévu dans une prochaine étape.
La note obtenue "à vide" sur cette corde
est le sol.
-40-
Là encore, la justesse obtenue lors de ce
réglage mérite d'être approchée au
maximum de ce que permet votre
oreille, mais ne doit en aucun cas faire
preuve d'une précision extrême
puisqu'un affinage de la justesse est
prévu dans une prochaine étape.
La note obtenue "à vide" sur cette corde
est le si.
4ième étape : elle consiste à accorder la
4ième corde par rapport à la 3ième déjà
ajustée en sol.
La corde dénommée "corde de ré", jouée
en5ième case, va alors devoir présenter
la même justesse que la "corde de sol"
jouée "à vide".
Là encore, la justesse obtenue lors de ce
réglage mérite d'être approchée au
maximum de ce que permet votre
oreille, mais ne doit en aucun cas faire
preuve d'une précision extrême
puisqu'un affinage de la justesse est
prévu dans une prochaine étape.
La note obtenue "à vide" sur cette corde
est le ré.
5ième étape : elle consiste à accorder la
5ième corde par rapport à la 4ième déjà
ajustée en ré.
La corde dénommée "corde de la", jouée
en 5ième case, va alors devoir présenter
la même justesse que la "corde de ré"
jouée "à vide".
Là encore, la justesse obtenue lors de ce
réglage mérite d'être approchée au
maximum de ce que permet votre
oreille, mais ne doit en aucun cas faire
preuve d'une précision extrême
puisqu'un affinage de la justesse est
prévu dans une prochaine étape.
La note obtenue "à vide" sur cette corde
est le la.
6ième étape : elle consiste à accorder la
6ième corde par rapport à la 5ième déjà
ajustée en la.
7ième étape : elle consiste à ajuster
l'accordage suivant plusieurs techniques.
Accordage simple : la première
technique, toute simple consiste à
vérifier en 1 la justesse par rapport au
"la 440 Hz".
Puis, comme décrit au cours des étapes
précédentes, il s'agit d'utiliser ensuite un
accordeur pour contrôler et affiner la
justesse de chacune des notes, selon la
même méthode.
L'accordeur va permettre de rectifier les
imprécisions, mais ne sera efficace que
sur une guitare convenablement réglée.
Dans le cas d'accessoires particuliers,
comme le fait de disposer d'un vibrato
flottant de type Floyd Rose™, les
réglages devront faire l'objet d'étapes
complémentaires décrites plus loin.
La technique de l'accordage inverse
consiste à comparer la justesse du la
obtenu en 6ième corde avec un "la
440Hz" de référence (diapason,
téléphone, …).
Elle nécessite toutefois de bien
distinguer, de manière juste, l'écart de
deux octaves entre les deux notes, ce
qui exige d'avoir développé une bonne
oreille musicale.
-41-
La corde dénommée "corde de mi
grave", jouée en 5ième case, va alors
devoir présenter la même justesse que la
"corde de la" jouée "à vide".
Là encore, la justesse obtenue lors de ce
réglage mérite d'être approchée au
maximum de ce que permet votre
oreille, mais ne doit en aucun cas faire
preuve d'une précision extrême
puisqu'un affinage de la justesse est
prévu dans une prochaine étape.
La note obtenue "à vide" sur cette corde
est le mi grave.
Le mi grave et le mi aigu sont présents
sur le manche aux deux extrémités. Ils
sont séparés de deux "octaves", c'est à
dire que le mi de la 6ième corde est plus
grave que celui de la 1ère, mais qu'il
existe aussi une autre note mi située
entre les deux…
Pour la suite de l'ajustage, il s'agit de
redescendre de la 6ième à la 1ière corde
en contrôlant la justesse à chaque
occasion, et en renouvelant la
comparaison de la note la en 1ière
obtenue à la 5ième case de la 1ièrecorde
avec le la de référence ou "la 440 Hz".
L'accordage par harmoniques nécessite
la connaissance d'une technique
particulière d'effleurement de la corde au
niveau de la frette précédent la case
normalement jouée pour obtenir un
bourdonnement aigu musical, appelé
"harmonique".
Elle fait appel à plus de technicité, et
évidemment plus de pratique.
Cependant, le registre aigu aide parfois à
mieux quantifier les écarts de justesse,
car l'oreille est plus sensible aux
décalages dans le spectre de fréquences
élevées.
 en accordage standard fait état des
Accordage standard pour 7 ou 12 tensions suivantes :
cordes
Note Diamètre de Diamètre de Tension sur
la corde en la corde en la corde en
C’est plus qu’un phénomène de mode, pouces mm kg
mais il faut le savoir : les guitares n’ont E 0.010 0.25 7.35
plus toutes six cordes ! En effet, dans les E 0.010 0.25 7.35
B 0.014 0.36 8.07
années 60 et 70, les guitares 12 cordes
B 0.014 0.36 8.07
popularisées par les musiciens de folk, G 0.023 0.58 12.34
Led Zeppelin, The Beatles, et autres ont G 0.008 0.20 6.67
apporté un complément non négligeable D 0.030 0.76 11.88
aux enregistrements. D 0.012 0.30 8.39
A 0.039 0.99 11.11
La guitare 12 cordes propose un A 0.018 0.46 10.61
E 0.047 1.19 9.03
accordage plus complexe qu’une guitare E 0.027 0.69 11.93
standard. En effet, les 3 cordes basses
sont doublées par une corde fine
Il existe certains modèles 9 cordes,
accordée sur la même note à l’octave au
rares, qui sur le même principe doublent
dessus, et les 3 cordes aigues sont
seulement les cordes basses (les 3
purement et simplement doublées.
cordes filées), dont un célèbre utilisé par
Metallica.
A noter que Rickenbacker a été le
premier à créer la guitare électrique 12
Les guitares 7 cordes ont été plus
cordes et avait respecté le guitariste en
populaires plus récemment, bien
positionnant les 3 cordes filées (les
qu’inventée il y a bien longtemps. Elles
grosses) au-dessus des cordes doublant
sont généralement livrées en sortie
la note à l’octave, ce qui facilitait
d’usine avec un accordage assez proche
l’attaque des cordes, à la manière d’un
de l’accordage standard, dans la mesure
guitariste électrique qui utilise le
où il s’agit de l’ajout d’un Si grave en
médiator vers le bas.
guise de 7ième corde (comme pour
l’ajout d’un Si grave pour les basses 5
cordes).

Note Diamètre de Diamètre de Tension sur

la corde en la corde en la corde en
pouces mm kg
E 0.010 0.25 7.35
B 0.013 0.33 6.98
G 0.017 0.43 7.53
D 0.026 0.66 8.34
A 0.036 0.91 8.84
E 0.046 1.17 7.94
B 0.056 1.42 6.71

Les sillets étaient donc adaptés à ce
montage particulier qui différait des
modèles folk et standards 12 cordes qui
positionnaient les cordes filées en
dessous…
Jimmy Page utilisait avec Led Zeppelin,
un montage de cordes comparable à
celui d’une guitare folk 12 cordes sur sa
célèbre Gibson SG double manche.
Pour information, un jeu de corde
standard Light en 0,010-0,047 pour folk
Les utilisations par Steve Vaï dans un
premier temps, puis des groupes
orientés métal, comme Korn notamment,
ont conduit à la popularisation des
modèles 7 cordes. Le problème réside
dans un jeu considérablement différent,
dans la mesure où la nouvelle corde
basse apporte certes des possibilités
rythmiques assez intéressantes mais
complique les positions d’accords et
bouleverse quelque peu les diagrammes
de gammes.

-42-
Malgré un manche plus large assez
déroutant, ces modèles ont un franc
succès, car ils permettent d’obtenir 5
notes plus basses qu’une guitare
standard (voire plus si l’on accorde le Si
grave en La, ce qui est couramment
pratiqué) et la tessiture de l’instrument
s’approche réellement de celle assez
large d’un piano. Vaï a été l’un des rares
à utiliser ces possibilités, la majorité des
autres 7-cordistes n’utilisant que le côté
rythmique de la réalisation.
Accordages et variantes
Sans parler d’open-tuning, on retrouve
de nombreux artistes et groupes qui ont
choisi de changer la tonalité de
l’instrument sans pour autant changer
radicalement les positions d’origine,
utilisées en accordage standard.
De même, ils utilisent un tirant
équivalent, voire sensiblement plus fort
afin de retrouver une tension et une
attaque convenable lors du jeu, tout en
ajoutant plus de rondeur et plus de
basses à leur jeu.
Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Eddie
Van Halen, Nuno Bettencourt et
Extreme, Slash et les Guns ‘n Roses, …
tous ces grands guitaristes ont utilisé un
accordage différent en descendant d’un
demi ton l’ensemble des cordes pour
jouer en Mib-Lab-Réb-Solb-Sib-Mib de la
corde basse à l’aigue.
-43-
Un décalage plus important
D’autres ont eu même recours à baisser
d’un ton complet l’ensemble des cordes,
juste pour assombrir le son et proposer
des tonalités rythmiques plus lourdes,
plus basses, plus percutantes et
originales, notamment dans le métal,
mais aussi dans le flamenco, et
essentiellement pour des raisons
rythmiques. Ainsi, la déclinaison en Ré-
Sol-Do-Fa-La-Ré est souvent prisée.
Autre originalité, c’est d’augmenter la
tension des cordes comme pour le
groupe Placebo qui joue quelques
morceaux en Fa-La#-Ré#-Sol#-Do-Fa !
Probablement une configuration qui les
démarque des autres, apporte peut-être
plus de brillance et de "tranchant", et
surtout s’adapte à la voix du chanteur ?
Les guitares de type Baryton sont des
guitares à mi chemin entre la basse
électrique et la guitare électrique. Fender
a sorti un modèle à la fin des années 60
basé sur une Jazzmaster, mais de
nombreux constructeurs ont présenté
des copies.
Enio Morricone, réputé pour ces
productions de musiques de film de
Western, affectionnait ces sonorités à mi
chemin entre guitare et basse. Dans le
style métal, ces accordages sont aussi
prisés pour le côté lourd et noir des sons
produits.
Voici un exemple de jeu de cordes et de deux quintes sur deux octaves
adapté à ce type de guitare, avec un différents… Rondeur, lourdeur, et son !
respect des tensions qui à peine plus
lourd que celui utilisé avec un jeu
"normal" en accordage standard :

Note Diamètre Diamètre Tension

de la de la sur la
corde en corde en corde en
pouces mm kg
B 0.013 0.33 9.49
F# 0.017 0.43 9.08
D 0.026 0.66 11.35
A 0.036 0.91 12.03
E 0.046 1.17 10.81
B 0.062 1.57 11.17
En arpège et notamment sur des
Ces guitares, comme les modèles Drop 6 positions d’accords de Ré, cette option
de Yamaha, ont un manche apporte aussi une étendue non
généralement adapté, rallongé de 20 négligeable qui tranche avec ce qui est
mm environ, afin de conserver les entendu naturellement. Bien sûr, cet
mêmes tensions de corde, et proposer accordage s’est décliné aux sauces
une intonation juste sur l’ensemble des "barytonnes" qui ont donné des Réb-Lab-
cases. En effet, une guitare standard sur Réb-Solb-Sib-Mib pour Van Halen et
laquelle de gros tirants seront montés ne encore bien pire, comme des La-Si-La-
pourra se substituer à une guitare Ré-Fa#-Si pour certains groupes de
baryton, dans la mesure où son réglage métal désireux d’approcher les
et sa justesse seront assez délicats à possibilités des 7 cordes avec leur 6
approcher. cordes…

Dropped D et dérivés

Il existe une confusion dans l’emploi de

ce terme, dans la mesure où l’appellation
commerciale Drop 6 vient en opposition
au terme Dropped D où la pratique est
différente : il s’agit là détendre d’un ton
seulement une seule corde, le Mi grave,
par rapport à l’accordage standard : Ré-
La-Ré-Sol-Si-Mi !

Cette manipulation ne nécessite pas de

réglage spécifique du manche,
d’adaptation des tirants, et influe peu sur
l’intonation de la corde. Aussi, elle est
plus couramment utilisée, car elle offre
une basse en Ré, assez prisée dans les
tonalités classiques du rock, hard-rock et
métal.

L’intérêt est d’assombrir les accords de

puissance tout en les simplifiant, car un
petit barré sur les trois cordes graves
donne immédiatement un lourd accord
composé d’une tonique (corde du milieu)

-44-
Cette pratique simple sur les guitares de
type Gibson ou Fender nécessite
cependant un accordage simple, et rendu
simplifié par le fait que la corde de Mi
grave à vide peut s’accorder sur sa
petite sœur aigue à deux octaves près 6
cordes en dessous, et que la note Ré
tant prisée est présente sur le manche à
vide un octave plus haut et 3 cordes en
dessous !
Malgré tout, des constructeurs ont
développé des systèmes qui simplifient
la tâche sur ces guitares, soit au niveau
des mécaniques où l’écart dans les spires
peut être défini en fonction d’une vis, et
un système de levier permet de passer
d’une corde à l’autre, soit au niveau du
cordier ou le pontet est plus ou moins
avancé.
Cependant, les constructeurs de guitares
destinées au style métal, ont dû faire
face à un autre problème : les joueurs
de métal sont aussi ceux qui souhaitent
disposer d’un vibrato de type Floyd Rose,
et là, le réglage n’est plus si simple ! En
effet, comme un vibrato flottant met en
avant une tenue de l’accord basée sur
l’équilibre de tensions des cordes, le
désaccordage d’un simple ton sur la
corde de Mi grave engendre le "chaos".
Les open-tunings
Les open-tunings sont infinis et sont
utilisés à des fins très diverses. Ils se
justifient surtout pour le jeu en Slide,
mais ils ont aussi été employés pour le
jeu avec certaines cordes à vide, pour un
jeu simplifié dans des tonalités vraiment
particulières (Keith Richards des Rollings
Stones) et dans tous les cas ouvrent
considérablement le spectre des
possibilités sonores…
L’open-tunning de Sol
Le principe est simple, il s’agit d’accorder
la guitare de telle façon qu’à vide, les
cordes jouées produisent les notes
composant un accord. Nous l’avons vu,
l’accord ouvert standard et un Sol6/9, ce
qui offre peu de possibilités d’utilisation
et de déclinaison dans d’autres tonalités
(sinon 6/9 !).

Il a fallu attendre l’arrivée du D-Tuner

inventé par Van Halen sur les vibratos
Gotho, reproduit par les constructeurs
d’accastillages et pièces pour guitare,
comme Shaller, et devient maintenant
copié sur d’autres modèles de vibrato (le
ZR de Ibanez par exemple). Par l’action
sur ce levier au niveau du pontet, la
tension des ressorts reste conservée et
la guitare ne se désaccorde plus. Prenons par exemple l’open-tuning de
Sol pour expliquer comment on est
Dans tous les cas, l’accordage standard arrivé à la mise au point de ce réglage
comme ses dérivés n’est pas le plus particulier, afin, ensuite, de le décliner
adapté au jeu au bottleneck, même s’il sur le même principe, à d’autres
est pratiqué par un bon nombre de tonalités.
guitaristes cherchant ce côté magique de
la glisse d’une partie arrondie sur les L’open-tuning de Sol est l’un des plus
cordes. utilisés, lors du jeu au bottleneck comme
par Keith Richards des Rollings Stones,
car il est l’un des plus simples à obtenir :
l’accord de Sol majeur est composé des
notes Sol (tonique), Ré (quinte) et Si
(tierce majeure).

-45-
Il s’agissait donc que l’accordage à vide
de chacune des cordes s’approche d’une
ou de l’autre des notes composant
l’accord, sans pour autant engendrer un
déséquilibre de tensions, et dans la
mesure où la guitare et les cordes
supporteraient ces changements.
Aussi, il a été retenu l’accordage
suivant : Ré-Sol-Ré-Sol-Si-Ré qui est
obtenu de la manière la plus simple
possible :
• la corde grave de Mi est
descendue d’un ton en Ré
• la corde de La est descendue d’un
ton en Sol
• la corde de Ré n’est pas touchée
• la corde de Sol n’est pas touchée
• la corde de Si n’est pas touchée
• la corde aigue de Mi est
descendue d’un ton en Ré
On constate que seulement 3 cordes
sont affectées pour ce changement, dont
deux basses qui supportent
généralement les tensions les plus
lourdes. Je recommande de ce fait de
monter un tirant de jeu un poil plus lourd
pour l’utilisation de cet accordage,
comme du 0.010-0.046 voire du 0.010-
0.052 si vous en trouvez.
Le point positif de cet open-tuning, c’est
qu’un simple barré en seconde case
donne lieu à un accord aussi riche de La.
Avec un capodastre les possibilités sont
encore multipliées !
On peut également remarquer la
richesse de cet accordage qui fait figurer
deux toniques et trois quintes sur deux
octaves différents et une seule fois la
tierce, ce qui peut apporter un plus pour
des basculements d’accords
-46-
majeurs/mineurs, et également enrichir
de la quarte assez simplement (très
prisée dans les tonalités rock). Les
apports de septièmes majeures et
mineures sont aussi assez faciles à
réaliser.
Les bases de l’accordage engendrent
évidemment un ré-ajustage de
l’intonation, et un apprentissage de
positions d’accords, de diagrammes de
gammes, …
L’open-tuning de Ré modal
L’open-tuning de Ré modal est aussi
assez prisé, dans la mesure où les notes
à vide sont faciles à obtenir, et sont
proches des notes à vide présente en
accordage standard. Utilisé en musique
traditionnelle irlandaise, dans le
répertoire folk et country, l’accordage
DADGAD a été aussi popularisé par
Jimmy Page de Led Zeppelin qui le
préférait à l’open-tuning classique de
Ré : Ré-La-Fa#-Ré-La-Ré.
Aussi, il a été retenu l’accordage
suivant : Ré-La-Ré-Sol-La-Ré qui est
obtenu de la manière la plus simple
possible :
• la corde grave de Mi est
descendue d’un ton en Ré
• la corde de La n’est pas touchée
• la corde de Ré n’est pas touchée
• la corde de Sol n’est pas touchée
• la corde de Si est descendue d’un
ton en La
• la corde aigue de Mi est
descendue d’un ton en Ré
Là encore, seules trois cordes sont
affectées, et dans des tonalités proches
des cordes d’origine. Un réglage de
l’intonation s’impose là encore.
Bien qu’il ne soit pas réellement dédié au
jeu au bottleneck ou au slide, cet
accordage aux sonorités celtes a été
prisé pour la simplification des positions
d’accords qu’il présentait, et les rapports
de quarte ou de quinte entre les 3 notes
utilisées ?
Les autres open-tunings
Il en existe de nombreux, divers et
variés, parfois exotiques, et qui sont sur
le même principe que les deux open-
tunings décrits précédemment.
Les Paul, plusieurs positions de
tensions exercées sur les cordes
au niveau du cordier/chevalet où
un système mécanique accroît ou
décroît la tension des cordes
pontet par pontet.
• Gibson sort également la Robot
Les Paul qui permet de se
réaccorder toute seule par le biais
de capteurs et de référents
embarqués dans une électronique
futuriste.
• Line 6 et ses guitares Variax, en
tout cas le modèle acoustique
pour l’instant, propose un réglage
d’open-tunings au niveau du
traitement du signal, de manière
équivalente à celle retenue pour
les systèmes MIDI.

Open C C G C G C E
Open D D A D F# A D
Modal D D A D G A D
Open D Mineur D A D F A D
Open G D G D G B D
Modal G D G D G C D
Open G Mineur D G D G A# D
Open A E A C# E A E

Il ne s’agit pas, bien sûr, de se forcer à

la pratique des open-tunings, car ils
doivent correspondre à un besoin et un
style précis. Je vous laisse juge de leurs
sonorités, vous encourage à les tester,
et à développer les repères théoriques
qui vont autour.

Sachez que de plus en plus de

processeurs d’effets, de modulation,
d’instruments, proposent, sur la base de
capteurs ou de pitch shifters, d’obtenir
les open-tunings les plus connus, comme
vos propres délires, par un paramétrage
de matériel, et sans toucher aux Des processeurs d’effets numérisent
réglages de l’instrument : directement les notes du signal d’entrée
• les capteurs MIDI permettent pour harmoniser de manière intelligente,
déjà depuis bien longtemps un arpège, un changement de la hauteur
d’associer une note à chaque de la note, une gamme… pourquoi ne
corde à vide. Ainsi, un réglage pas proposer de procéder à un
automatique est envoyé pour être changement simulant le jeu en open-
traité en même temps que la tuning !
numérisation des signaux.
• Gibson a sorti un auto-tuning
system qui mémorise dans une

-47-
Théorie musicale

Les notes sur le manche

Après s'être accordé, la première étape
consiste à savoir repérer les cordes sur
le manche.
Ce repérage consiste dans un premier
temps à se souvenir des notes formées
par les cordes à vide mi, la, ré, sol, si et
mi de la plus grave à la plus aiguë.
Ensuite, il s'agit de connaître la seconde
règle, simple, qui consiste à décomposer
le spectre dodécaphonique demi-ton par
demi-ton selon la séquence unique :

do# ré# fa# sol# la# do#

do ou ré ou mi fa ou sol ou la ou si do ou …
réb mib solb lab sib réb

Les signes # ou b signalent une On retrouvera donc le schéma suivant

"altération" correspondant à :
• un ajout d'un demi-ton pour le #
• une réduction d'un demi-ton pour
le b
L'altération du mi en mi# n'existe que
sous la forme de fa dans la notation ;
ainsi, le fab est un mi. De même, si# est
un do et donc le dob est un si.
L'abus de notation n'existe même pas.
Cependant, en fonction de la "tonalité"
d'un morceau, la notation sera
uniformément en #ou en b pour des
raisons de compréhension.
Cette notation sera également retrouvée
dans la notation alphabétique où A=la,
B=si, C=do, D=ré, E=mi et F=fa.
Par convention, les accords seront
préférablement notés en notation
alphabétique, comme la culture anglo-
saxonne le clame dans les transcriptions.
spécifiant le nom des notes case par
case, dans le cas d'un accordage
standard :
Ainsi, de la case 0 (notation utilisée pour
la mention de la corde à vide) à la case
12, les écarts des notes obéiront au
même schéma.
La 12ième case reprend la même
succession de notes que lorsque les
cordes sont jouées à vide, mais un
"octave" plus haut.
Au-delà de la 12ième case, la même
séquence est répétée jusqu'à la 24ième,
voire plus dans certains cas.
Ainsi, à la 15ième case sur la corde de
mi, on retrouvera la même note qu'à la
3ième case (15 – 12 = 3), donc un sol,
mais cette fois-ci, "à l'octave".
Il est d'usage de noter l'intervalle entre
deux notes en fonction du nombre de
demi-tons les séparant :

Tonique ou "fondamentale", donne le nom à la gamme ou l'accord, notée 1

Seconde tonique + 1 ton notée 2 dans les gammes
Tierce mineure tonique + 1,5 ton notée m3 ou b3 dans les gammes et les accords
Tierce majeure tonique + 2 tons notée 3 dans les gammes et les accords
Quarte tonique + 2,5 tons notée 4 dans les gammes et les accords
Quinte diminuée tonique + 3 tons notée b5 ou #4 dans les gammes et les accords
Quinte tonique + 3,5 tons notée 5 dans les gammes et les accords
Quinte augmentée tonique + 4 tons notée b6 dans les gammes et les accords
Sixte tonique + 4,5 tons notée 6 dans les gammes et les accords
Septième mineure tonique + 5 tons notée m7 ou b7 dans les gammes et les accords
Septième majeure tonique + 5,5 ton notée 7 ou M7 dans les gammes et les accords
Octave 6ième ton (retour à la tonique) notée 1 dans les gammes et les accords

-48-
Ces intervalles doivent à la fois être
repérés visuellement, mais aussi
auditivement. C'est un exercice très
complexe pour le débutant que de
repérer à l'oreille l'écart entre deux
notes, et d'en traduire simultanément la
valeur selon le tableau ci-dessus. Ça l'est
d'autant plus que l'oreille n'indique pas
toujours le nom des notes de manière
intuitive, ce qui se développe au travers
des exercices de transcription et de
dictée musicale.
Cette faculté n'est pas un don, et se
développe totalement, mais certaines
personnes qui possèdent "l'oreille
absolue" définissent naturellement les
-49-
intervalles entre les notes ainsi que le
nom des notes. Cette quantification
auditive est en quelque sorte que
l'extrapolation de l'écart par rapport à un
référentiel, par exemple le "la 440 Hz".
Si la personne sait identifier l'écart d'une
note par rapport à ce référentiel, elle
saura logiquement nommer la note après
une petite gymnastique cérébrale.
Cette faculté est aussi courante que
"chanter juste", ce qui est très subjectif,
mais relativement courant pour ne pas
être identifié comme un don à part
entière. Il sera alors question de
développer son "oreille musicale".
La construction des accords
Les accords dits "simples" obéissent aux
mêmes règles que les accords que l'on
soupçonne "complexes". A savoir, la
même règle de construction ou plutôt de
séquence de notes. Ils sont dénommés
"simples", car ils ne comportent pas de
difficulté technique dans leur pratique,
comme le fameux "barré", terreur des
guitaristes débutants, … et que nous ne
tarderont de découvrir.
Les accords appartiennent à deux
familles distinguées par le nombre de
sons qui les composent :
• les accords de trois sons,
• les accords de plus de quatre
sons et plus.
-50-
Dans un premier temps, nous allons
explorer la famille des accords de trois
sons, faisant intervenir la tonique, la
tierce (majeure ou mineure) et la quinte.
Une règle de la composition des accords
réside dans le fait que :
• l'accord est appelé accord majeur
si la tierce jouée est majeure,
• l'accord est appelé accord mineur
si la tierce jouée est mineure.
De même, au sein de cette même
famille, on distinguera les accords dits
"ouverts" faisant intervenir des cordes à
vides, et ne comportant pas de "barrés".
Prenons un accord de Do majeur ou C :
• la tonique est donc la note do,
• la tierce majeure est le mi,
• la quinte est le sol.
La composition d'un accord, c'est la
combinaison de ces notes sur le manche.
Cependant, ces notes peuvent se répéter
sur l'ensemble des cordes, afin de rendre
la sonorité plus "riche" et plus
"puissante" en termes de
complémentarité sonore.
Analysons un accord ouvert de Do ou de
C (nous retiendrons la notation anglo-
saxonne C pour dénommer les accords,
et la notation latine do pour distinguer
ces deux notions qui en définitive portent
le même nom).
L'accord est bien "ouvert", car il est joué
"en haut du manche", près du sillet.
Notons que l'expression "en haut du
manche" évoque les sons les plus
graves, donc basses en fréquence,
pouvant être obtenues sur une guitare.
La représentation graphique des notes
(lecture de droite à gauche pour
respecter l’ordre des cordes) :
• la 1ière corde est jouée "à vide
(ou case 0)" et la notation du
diagramme le symbolise par le
petit signe  sur un mi qui est la
tierce majeure de do,
• la 2ième corde est jouée à la
1ière case (représentée par le
signe ● sur le diagramme), ce qui
donne un do et constitue la
tonique,
• la 3ième corde est jouée "à vide
(ou case 0)" et la notation du
diagramme le symbolise par le
petit signe  sur un sol qui est la
quinte de do,
• la 4ième corde est jouée à la
2ième case (représentée par le
signe ● sur le diagramme) ce qui
donne mi et constitue la tierce
majeure,
• la 5ième corde est jouée à la
3ième case (représentée par le
signe ● sur le diagramme) ce qui
donne do et constitue la tonique,
• la 6ième corde n'est pas jouée
(représentation par le signe x sur
le diagramme).

En pratique
Les accords sont abordés à la base de l’apprentissage de la guitare, avant même le fait de développer la
connaissance du manche ou des notes sur le manche.

Les positions peuvent être mémorisées tels des diagrammes et jouées rapidement. Cela permet de
travailler la dextérité, le placement des doigts et la pression sur les cordes.

Si des douleurs en bout de doigt se font sentir, il faut comprendre que ce type de pression est anormal : la
peau va d’ailleurs réagir naturellement en produisant au bout de quelques jours de pratique une corne qui
protègera le doigt et permettra une pression plus soutenue sur les cordes.

Souffrez, mais persévérez, ça vaut le coup !

-51-
Accords ouverts de base

Le concept de la construction tonique + tierce (majeure ou mineure) + quinte vient

d’être abordé. Mais il n’existe pas que des accords de Do, il faut généralement plusieurs
accords pour aborder les tout premiers morceaux. Et pour ne pas vous ennuyer à
reprendre les chansons traditionnelles du folklore américain ou français, mieux vaut
posséder plusieurs diagrammes (plusieurs accords et positions d’accords) très
rapidement.

L’accord de Sol ouvert ou G est un des premiers

abordés.

Sa composition :
• la tonique est donc la note sol,
• la tierce majeure est le si
• la quinte est le ré

Prenons un accord ouvert de Do majeur ou C :

• la tonique est donc la note do,
• la tierce majeure est le mi,
• la quinte est le sol.

Prenons un accord ouvert de Ré ou D :

• la tonique est donc la note ré,
• la tierce majeure est le fa#,
• la quinte est le la.

-52-
Il est déjà possible d’enchainer de petites structures musicales avec ces trois accords. En
effet, ils sont simples et liés par une "chaîne harmonique" qui, dans une tonalité de Sol,
permettra de respecter une cadence particulière I-IV-V pour laquelle des notions
théoriques seront développées, en toute logique, par la suite.

Je vous invite, sur Internet, à rechercher le nombre de morceaux pop ou rock composés
grâce à cette suite de 3 accords, vous risquez d’être surpris par le résultat.

Par souci de pratiquer et compléter votre dictionnaire d’accords ouverts, il est utile de
compléter ces 3 premiers accords par d’autres accords simple ou accords ouverts.

Prenons un accord ouvert de Mi ou E :

• la tonique est donc la note mi,
• la tierce majeure est le sol#,
• la quinte est le si.

Prenons un accord ouvert de La ou A :

• la tonique est donc la note la,
• la tierce majeure est le do#,
• la quinte est le mi.

Il est assez difficile de superposer ses doigts sur les

trois cordes. Cet effort est cependant à travailler car
la position sera utilisée dans des déclinaisons de
positions de barrés basées sur l’accord de La.

Prenons un accord de Fa ou F :
• la tonique est donc la note fa,
• la tierce majeure est le la,
• la quinte est le do.

Remarque : il n’est plus question d’accord ouvert,

mais d’un doigté hybride : en effet, l’index couvre le
jeu sur deux cordes, ce qui est plus difficile à
réaliser. C’est le début des accords avec barré (ici,
un mini- barré).

-53-

En pratique
Jusqu’alors, seuls des accords ouverts ont été abordés. Ils sont dénommés ouverts car leur position est
généralement exécutée en haut du manche, et pratiqués pour plusieurs raisons dont la plus importante est
qu’ils font intervenir des notes produites par une corde à vide, ce qui donne un son plus riche en
harmonique et en puissance sonore.

Ensuite, leur doigté, même s’il est limité et difficile à décliner, est simple à mémoriser, ce qui est plutôt
bien pour le débutant qui ne se découragera pas en réalisant des doigtés particuliers, plus difficiles, comme
les barrés.

Enfin, les accords ouverts sont souvent utilisés en rythmique sur les morceaux populaires, y compris avec
une guitare électrique : c’est comme les verbes irréguliers en anglais, car les accords ouverts sont
particuliers, mais font partie du vocabulaire de base que tout guitariste se doit de maitriser.

Jusqu’ici, seuls des accords majeurs
avaient été abordés. Et les trois
nouvelles positions ouvrent des
perspectives qu’il sera utile de reprendre
lors des déclinaisons d’accord, chose
quasi impossible avec les doigtés
standards utilisés pour les trois accords
ouverts de Sol, Do et Ré.
En effet, les accords de Mi, La et Fa, non
seulement constituent une seconde suite
harmonique empruntée à de nombreux
morceaux, mais en plus, la séquence
introduit de nouveaux mouvements de
poignet et une coordination de doigts qui
seront les bases de nombreux accords à
venir.

Mais les règles harmoniques ne mêlent pas que des accords majeurs dans les suites les
plus populaires. En fait, de nombreuses incursions d’accords mineurs, septièmes, mineur
septième et septièmes majeurs sont rencontrées dans les morceaux contemporains.

Il est donc normal de compléter son "vocabulaire" par ces accords simples qui ajoutent
de nouvelles "couleurs" aux accords majeurs jusqu’ici rencontrés.

Il est important de rappeler que les accords mineurs diffèrent des accords majeurs du fait
que leur tonique soit mineure.

Commençons par un accord de La mineur noté Lam

ou Am, qui a la particularité de retrouver le même
doigté que l’accord de Mi (sous entendu majeur) ou
E, en décalant tous les doigts une corde en
dessous.

Prenons un accord de Lam ou Am :

• la tonique la note la,
• la tierce mineure est le do,
• la quinte est le mi.

-54-
 Prenons un accord de Mim ou Em :
• la tonique la note mi,
• la tierce mineure est le sol,
• la quinte est le si.

Prenons un accord de Rém ou Dm :

• la tonique la note ré,
• la tierce mineure est le fa,
• la quinte est le la.

Les accords mineurs abordés sont des accords de doigté simple qui viennent juste pour
compléter la liste maîtrisée par le guitariste débutant. Ils vont permettre de jouer des
suites intéressantes comme celle-ci :

Ces accords vont surtout apporter un rythmiques et tempéraments musicaux

réel intérêt harmonique lorsqu’ils vont
être combinés à des suites mixtes où
accords majeurs et mineurs sont mêlés.
Mais qu’est-ce qui conditionne que la
suite d’accord devient plus intéressante ?
C’est notre oreille occidentale qui nous
amène à mesurer les suites
harmoniques : en effet, dans la culture
orientale (au sens large), les musiques
jouées au cora, au sitar, les ajustements
de tonalité des instruments indous,
chinois ou australiens, ... toute cette
partie de la musique trop souvent
occultée nous échappe. Notre seul
référentiel est composé de 12 notes, de
maîtrisés et précisément identifiés.
Aussi, dans notre obscurantisme
musical, nous n’associons que certaines
combinaisons de notes ou d’accords sans
quoi, l’impression de dissonance est
immédiate. Beaucoup de compositeurs
ont travaillé avec les limites et les
dissonances pour développer de manière
expérimentale une forme d’exotisme ou
d’originalité. Il en résulte que la
dissonance dérange et que le "tube du
moment" souvent asséné à nos oreilles,
n’est composé d’accords répondant à des
règles harmoniques strictes ; nos oreilles
auraient-elles des "œillères" ?

-55-
Et pour compléter notre panoplie sonore,
et enrichir d’avantage encore notre
champ musical (en comparaison au
champ lexical), il s’agit dans les premiers
temps et avant d’aborder de réelles
partitions, de considérer les accords de
septième, complémentaires aux accords
majeurs ou mineurs.
Ils se déclinent dans leurs formes
simples de dominante septième, majeurs
septième et mineurs septième.

Les accords de septième

Les accords de septième sont constitués de quatre notes distinctes : la tonique, qui est la
note la plus grave et qui donne son nom à l'accord, puis la tierce, la quinte et la
septième.

Le type de l'accord dépend de la nature des intervalles entrant dans sa composition

(tierce majeure / mineure, quinte juste / augmentée / diminuée et septième mineure /
majeure).

En fait, la notation des accords de septième reprend celle des triades (tonique + tierce +
quinte), auxquelles on ajoute une information sur la septième.

Ainsi, si on ajoute une septième mineure à une triade, on fait suivre, le nom de cette
triade d'un 7, et si la septième est majeure, on ajoute M7.

Ainsi, l'accord AM7 est constitué d'une tierce majeure, d'une quinte juste, et d'une
septième majeure (M7).

Un accord de D-7 est constitué d'une tierce mineure, d'une quinte juste et d'une
septième mineure (7).

Nom de l'accord Analyse Intervalles

Augmenté 7 1 3 #5 7 M3, 5+, M7
Majeur 7 1 357 M3, P5, M7
de septième 1 3 5 b7 M3, P5, m7
mineur 7 1 b3 5 b7 m3, P5, m7
Demi diminué 1 b3 b5, b7 m3, 5°, b7

On va donc compléter (dans la mesure où le doigté reste simple) les accords déjà
abordés, et rajouter quelques autres (toujours ouverts) afin de découvrir les différences
et les subtilités des accords de septième.

Prenons un accord de Ré7 ou D7 :

• la tonique la note ré,
• la tierce majeure est le fa#,
• la quinte est le la,
• la septième (mineure) est le do.

-56-
Prenons un accord de Sol7 ou G7 :
• la tonique la note sol,
• la tierce majeure est le si,
• la quinte est le ré,
• la septième (mineure) est le fa.

Prenons un accord de La7 ou A7 :

• la tonique la note la,
• la tierce majeure est le ré,
• la quinte est le mi,
• la septième (mineure) est le sol.

Prenons un accord de Do7 ou C7 :

• la tonique la note do,
• la tierce majeure est le mi,
• la quinte est le sol,
• la septième (mineure) est le la#.

Prenons un accord de Mi7 ou E7 :

• la tonique la note mi,
• la tierce majeure est le sol#,
• la quinte est le si,
• la septième (mineure) est le ré.

-57-

En pratique
Il faut également considérer la variant importante par la suite sur la position de Mi7, car elle résume bien
la simplification de l’ajout simple de la septième mineure par le placement d’un doigt (l’auriculaire doigt n°
4) en rapport à la tonique en rouge.

qui donne

Prenons un accord de Si7 ou B7 :

• la tonique la note si,
• la tierce majeure est le ré#,
• la quinte est le fa#,
• la septième (mineure) est le la.

On note l’importance de la connaissance des deux schémas représentant les notes sur le
manche, et l’autre, composé de notes concentriques, qui décrit les écarts entre les notes.

A trop vouloir entrer dans la pratique et s’évertuer à donner la sensation de nécessité

pratique de disposer d’accords présentant des sons nouveaux, il n’est pour autant pas
question d’oublier les bases théoriques. Elles nous rattraperont bientôt, lorsqu’il sera
question de progresser.

Afin de compléter notre palette sonore (champ lexical pour l’écriture, palette pour la
peinture, … la musique est vraiment un art !) il est nécessaire pour couvrir les besoins
des compositions des styles modernes, d’appréhender les autres sonorités de septième.

Toujours dans l’éventail des accords de septième,

et en adjonction de sonorités sur les accords
majeurs ouverts, il existe les accords de dominante
septième, en opposition aux accords de septième
dont la septième est mineure.

Prenons un accord de Lamaj7 ou Amaj7 ou AM7 :

• la tonique est la note la,
• la tierce majeure est le do#,
• la quinte est le mi,
• la septième (majeure) est le sol#.

-58-
 Prenons un accord de Domaj7 ou Cmaj7 ou CM7 :
• la tonique est la note do,
• la tierce majeure est le mi,
• la quinte est le sol,
• la septième (majeure) est le si.

Prenons un accord de Rémaj7 ou Dmaj7 ou DM7 :

• la tonique est la note ré,
• la tierce majeure est le fa#,
• la quinte est le la,
• la septième (majeure) est le do#.

Prenons un accord de Famaj7 ou Fmaj7 ou FM7 :

• la tonique est la note fa,
• la tierce majeure est le la,
• la quinte est le do,
• la septième (majeure) est le mi.

En pratique
La septième majeure est techniquement facile à identifier : elle se situe ½ ton en-dessous de la tonique.
Cependant, elle se veut être jouée plus aigue pour ne pas renverser l’accord.

Ce rapprochement entre la tonique et la septième majeure crée presque un décalage d’une octave. En
effet, le fait de jour 12 notes au-dessus ou en-dessous constitue un renforcement de l’accord. Ici, c’est
réellement une dissonance, identifiée comme tension.
C’est cette tension qui rend ces accords si particuliers.

-59-
Dans l’univers musical contemporain, il réside une autre catégorie d’accords septième
importante, les accords mineurs de septième (les accords mineurs de septième majeure
existent mais son par contre peu utilisés). Consacrons-nous, avant de passer aux règles
harmoniques, aux accords m7.

Prenons un accord de Lam7 ou Am7 :

• la tonique est la note la,
• la tierce mineure est le do,
• la quinte est le mi,
• la septième (mineure) est le sol.

Prenons un accord de Mim7 ou Em7 :

• la tonique est la note mi,
• la tierce mineure est le sol,
• la quinte est le si,
• la septième (mineure) est le ré.

Prenons un accord de Rém7 ou Dm7 :

• la tonique est la note ré,
• la tierce mineure est le fa,
• la quinte est le la,
• la septième (mineure) est le do.

Comme pour l’accord de Fa ou F, un mini-barré est

utilisé pour ce doigté.

Pour compléter le dictionnaire des accords, il s’agit maintenant d’élargir les doigtés à des
accords, tonalités qui n’ont pas encore été abordées au travers des accords ouverts, mais
qui pourtant sont bel et bien présents dans l’univers musical occidental.

-60-
Il s’agit pour ça de reprendre certaines de jouer un accord ouvert, dans une
positions qui étaient identifiées comme autre position.
intéressants car elles permettent d’être
déclinées. Qu’entend-t-on par la Par exemple, lorsqu’un accord de Mi est
déclinaison d’une position ? décalé d’une case, soit d’un demi-ton,
l’accord obtenu est alors un Fa.
Une position d’accord est jouée avec
pour point de repère le sillet de tête. Le
décalage des doigtés est donc possible
sur chacune des cases, et conservant un
sillet virtuel qui se décalerait le long du
manche… c’est ce que propose le
capodastre ou capo.

Le capo, positionné sur le manche,

reproduit l’action du sillet, ce qui permet

En effet, comparons les structures des deux accords :

Accord ouvert de Mi ou E :
• la tonique est donc la note mi,
• la tierce majeure est a note sol#,
• la quinte est la note si.

Accord de Fa ou F :
• la tonique est la note fa,
• la tierce majeure est la note la,
• la quinte est la note do.

Position Accord de Mi + 1 case Accord de Fa

Tonique E F
Tierce majeure G# ½ ton A
Quinte B C

Il serait donc assez facile d’imaginer (non pas de réaliser) qu’un doigt
puisse se substituer au capo pour servir de "sillet amovible"… ce qui
indique qu’il serait opportun de changer de doigté et de décaler
l’ensemble des positions digitales (des doigts) pour libérer l’index (notre
capo).

C’est le propre de la position de barré.

-61-
Il est alors indispensable d’identifier les différentes positions d’accords issues de ce
décalage. Elles sont résumées dans le tableau suivant :

Case 0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12
Accord E F F# G G# A A# B B# C C# D E

Il semble alors possible de réaliser l’ensemble des positions d’accords selon le même
schéma, entre la première et la 12ième case.

En effet, il est facile de décliner les accords mineurs, les accords de septième rencontrés.
Il est même possible, et uniquement au travers cette technique de jour des accords
jamais évoqués comme le Si (B) ou Si mineur (Sim ou Bm).

Mais en fait, il existe d’autres raisons pour ne pas systématiquement utiliser cette
technique du décalage qui fonctionne en théorie, et la meilleure de ces raisons est la
rapidité d’accès.

En effet, imaginez un morceau faisant se succéder une

séquence de deux accords successivement G et C
distants de 6 cases ? Le jeu va nous conduire à déplacer
la main très rapidement, alors qu’il existe peut-être une
position de C plus proche que celle du G en 3ième case…
l’accord ouvert, par exemple ?

Il existe probablement un accord de barré qui fait appel

à une autre position que celle du "Mi décalé sur le
manche"…

-62-
La position d’accord de La permet conservant le "barré" du G en 3ième case
probablement le même type de avec le doigté du Mi, on peut réaliser un
décalage. En effet, en gagnant du temps, C en 3ième case avec le doigté du La
on découvre par le tableau suivant qu’en (compliqué …) :

Case 0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12
Accord A A# B C C# D D# E F F# G G# A

Et puis tant qu’à faire, les positions des
accords mineurs et de septième vont
être plus simples à mémoriser : il suffit
alors d’en connaître une, et puis, hop !
on décale…
Ça veut surtout dire que l’on est en
mesure de régler le problème de
mémorisation, mais pas de pratique des
accords, et que l’enchainement de
barrés, accords complexes,
synchronisation de doigtés, rien ne va se
faire seul pour autant.
Et ça donne une mémorisation de 12
accords basés sur la position de Mi, 12
accords basés sur la position de La, une
douzaine pour les positions d’accords
ouverts, puis les déclinaisons en mineur,
on est déjà à une soixantaine de
représentations à mémoriser sans parler
d’améliorations. Il est normal de
rencontrer alors des dictionnaires de
1000 accords, des générateurs
automatiques, des chord charts sous
forme de fiches, de posters, …
Les accords et déclinaisons de ces
accords, liaisons entre ces accords et
autres accords renversés donnent une
multitude de positions possibles et
déclinables. Aussi, des outils à présent
électroniques embarquent des
dictionnaires complets à des fins utiles
pour tout bon interprète.

En résumé
La construction des accords ouverts nous donne la possibilité de couvrir les attentes des premiers
morceaux de guitare contemporains. De nouvelles positions vont devoir être abordées. Il est souhaitable,
probablement, de revoir un tableau de tous les diagrammes d’accords ayant été abordés, et complétés de
nouveautés.

-63-
Dictionnaire des principaux accords

-64-
La relation entre les accords - le tableau modal

Il existe, bien sûr beaucoup plus
d’accords que les 35 formes répertoriées.
Il est même probable que certains
accords portent un nom musical, mais ne
trouvent pas de jouabilité pour nos
chastes oreilles.
Des simples relations géométriques qui
permettent ce travail sur les diagrammes
et les formes, des relations
mathématiques sur les décalages sur le
manche et de l’utilisation certes
intelligente, barré, véritable sillet virtuel,
il reste à identifier des composantes
beaucoup plus "pratiques", comme la
musicalité d’un enchaînement d’accords.
La base de notre culture musicale
occidentale est construite sur l’écart
existant entre les 12 notes du manche :
les 7 notes de bases (do, ré, mi fa, sol,
la et si) et les altérations (# ou b)
viables et existantes.
En effet, tout comme il n’y a pas de Si#
ou de Dob, de Mi# ou de Fab, des règles
semblent exister depuis la nuit des
temps sur les intervalles. Toute la
musique occidentale, qu’il s’agisse de
musique classique, jazz, blues, rock,
folk, hard rock, ... est basée sur une
échelle de 7 notes appelée gamme
diatonique majeure.
Les notes de cette gamme forment une
succession d’intervalles de tons (notés 1)
et de demi-tons (notés 1/2). La note de
départ désignant cette gamme est la
tonique notée T :
T 1 1 ½ 1 1 1 ½
Le chiffrage suivant permet de mieux
identifier chaque note de la gamme
majeure :
T 2 3 4 5 6 7M
... où l’on retrouve les correspondances
suivantes par rapport à la tonique ou la
tonique à l’octave au-dessus :

1 tonique tonique ou octave

2 seconde 1 ton au-dessus de la tonique sus-tonique
3 tierce majeure 2 tons au-dessus de la tonique médiante
4 quarte 2 tons et ½ au-dessus de la tonique sous-dominante
5 quinte 3 tons et ½ au-dessus de la tonique dominante
6 sixte 1 ton et ½ en dessous de la tonique sus-dominante
7M septième majeure ½ ton en dessous de la tonique sensible

A ces 7 notes, il convient d’en ajouter 3 autres qui vont jouer un rôle d’importance elles
aussi :

3m tierce mineure 1 ton ½ au-dessus de la tonique

b5 quinte bémol 3 tons au-dessus de la tonique
7 septième 1 ton en dessous de la tonique

Remarque
La tonique peut aussi être représentée par le chiffre 1, la tierce mineure par b3, la septième majeure par 7
et donc la septième mineure par b7.

C’est donc par abus de notation qu’il y a incohérence, selon les ouvrages, entre la désignation de la tierce
et de la septième...

-65-
Jouons (enfin, si je puis me permettre)
aux décalages : comme nous l’avons
observé sur le manche avec les positions
d’accords, pourquoi ne pas glisser, pour
les triades, ce même type de décalage,
et construisant un accord à partir de
chacune des notes de la gamme.
A quoi ça sert ? Nous cherchons une
relation entre les accords pour trouver ce
qui "sonne bien" à nos oreilles. Comme
la gamme majeure connue de tous et sur
la base de laquelle les instruments
orientaux sont construits nous semble
"bien sonner"…
La construction d’accords de 3 sons en
partant de chacun des degrés de la
gamme de Do, se déclinera de la
manière suivante :

Do Le premier accord C de degré I est constitué des notes : do, mi et sol.

Ré Le deuxième accord Dm de degré II est constitué des notes : ré, fa et la.
Mi Le troisième accord Em de degré III est constitué des notes : mi, sol et si.
Fa Le quatrième accord F de degré IV est constitué des notes : fa, la et do.
Sol Le cinquième accord G de degré V est constitué des notes : sol, si et ré.
La Le sixième accord Am de degré VI est constitué des notes : la, do et mi.
Si Le septième accord Bdim de degré VII constitué des notes : si, ré et fa.

De même, avec des accords de 4 sons, la gamme de DO se décline ainsi :

Do Le premier accord CM7 de degré I est constitué des notes : do, mi, sol et si.
Ré Le deuxième accord Dm7 de degré II est constitué des notes : ré, fa, la et do.
Mi Le troisième accord Em7 de degré III est constitué des notes : mi, sol, si et ré.
Fa Le quatrième accord FM7 de degré IV est constitué des notes : fa, la, do et mi.
Sol Le cinquième accord G7 de degré V est constitué des notes : sol, si, ré et fa.
La Le sixième accord Am7 de degré VI est constitué des notes : la, do, mi et sol.
Si Le septième accord Bm7b5 de degré VII constitué des notes : si, ré, fa et la.

Cette déclinaison de la gamme en accords correspondant donne lieu au tableau modal

issu de la gamme majeure. Il existera des tableaux modaux issus de chacune des
gammes, et que l’on pourra compléter par simple transposition mathématique. Dans un
premier temps, ce qui nous préoccupe, c’est le tableau modal majeur qui nous fait
associer des degrés et des accords pour une tonalité donnée.

Par exemple, en tonalité de Do, les accords issus du tableau modal composé par la
gamme majeure seront :

I II III IV V VI VII
Do Rém Mim Fa Sol Lam Sidim
Do DoM7 Rém7 Mim7 FaM7 Sol7 Lam7 Sim7b5

-66-

Considérations
Il a été utilisé la gamme majeure de Do comme base de construction du tableau modal. Dans le même
ordre d’idée, il aurait été possible de proposer une déclinaison de la gamme majeure (diatonique) de Ré…

D’autres relations entre les notes existent, notamment la gamme mineure mélodique et la gamme mineure
harmonique qui donnent suite à des tableaux modaux, pouvant à leur tour être déclinés en tonalités de Do,
de ré, …

Le propos de ce recueil n’est pas de décrire la totalité méthodologie de construction des différents tableaux
modaux (majeur, mineur mélodique, mineur harmonique), mais plutôt de comprendre le concept de
construction de ces tableaux afin d’en arriver au tableau modal ultime qui permettra de trouver les degrés
de chaque accord, de déduire le type de cadence utilisé et ainsi dans l’analyse harmonique du morceau
considéré, en apprenant à la compléter, l’enrichir ou le simplifier.

Ce sont les prémices d’une musique qui d’abord semble complexe, mais dont le fondement n’est pas
théorique, mais musical : le jazz. Ce mouvement particulier repose sur la faculté des musiciens de décliner
de manière musicale des thèmes parfois très simples, parfois plus complexes, sur la base de construction
harmoniques structurées (cadences, grilles d’accords définies) et d’improvisation.

La parfaite maîtrise de ces éléments théorique est évidemment requise, et bien que certains diront que ces
parties théoriques n’apportent pas le "fun" recherché dans la pratique, il faut bien avoir à l’esprit que la
plupart de ces musiciens ne déclinent pas les concepts théoriques volontairement, mais ils en possèdent
une telle maîtrise que la pratique leur semble innée.

Sans connaissances, pas d’improvisation. Sans improvisation, pas de connaissance.

Phénomène de mode (grecs)

Une autre technique permettant de garantie de la musicalité de

trouver une relation entre les notes
et/ou les accords consiste à classifier des
groupes de notes sous la forme de
modes.
En d’autres termes, il s’agit d’identifier
une suite de notes non plus en fonction
des intervalles qui les caractérise, mais
en fonction du sentiment dégagé par cet
enchaînement.
Nous sommes loin de construction de
tableaux modaux et de gammes, mais
nous approchons plus les notions de
tempéraments et de tonalités. La
l’enchaînement de notes (d’accords)
n’est plus jugée d’un point de vue
mathématique, mais d’un point de vue
musical (ce qui ne signifie pas qu’il n’y a
plus de maths et que c’est plus simple
pour le débutant, car il faut une certaine
oreille pour pouvoir, en pratique,
dégager rapidement ces principes
méthodologiques).
Cette méthode consiste, pour une même
tonalité, à décliner une gamme en la
"commençant" sur un degré différent de
la tonique (fondamentale).

-67-
Les modes proposent avec plus de recul, Un mode se veut intimement lié à un
une approche des gammes fondées sur accord, et réciproquement.
les couleurs sonores. Ainsi, un mode
sera à la fois construit sur une gamme, Pour rappel, le tableau reprenant la
pour bénéficier de sa richesse convention de notation des intervalles
mélodique, mais aussi sur un accord qui entre les notes :
apportera une notion de "couleur
harmonique".

Décalages en ½ ton Représentation Signification

0 T fondamentale
1 9- neuvième diminuée
2 9(2) neuvième ou seconde
3 3m tierce mineure
4 3 Tierce
5 4 quatrième
6 5- cinquième diminuée
7 5 cinquième
8 5+ cinquième augmentée
9 6 Sixième
10 7 Septième (mineure)
11 7M Septième majeure

Prenons une gamme majeure, et A chacune de ces déclinaisons

déclinons-là 7 fois en commençant
chaque fois par la note de la gamme de
degré supérieur. Chaque déclinaison
donne lieu à une nouvelle gamme dont la
structure et la sonorité est particulière,
et qui pourtant est "bâtie" sur la gamme
majeure :
• 1 2 3 4 5 6 7 soit la gamme
majeure classique (gamme
diatonique)
• 2 3 4 5 6 7 1 soit une gamme de
structure 1 2 m3 4 5 6 b7
(gamme mineure)
• 3 4 5 6 7 1 2 soit une gamme de
structure 1 b2 m3 4 5 b6 b7
(gamme flamenco)
• 4 5 6 7 1 2 3 soit une gamme de
structure 1 2 3 #4 5 6 7 (proche
d'une gamme majeure avec une
quarte augmentée)
• 5 6 7 1 2 3 4 soit une gamme de
structure 1 2 3 4 5 6 b7 (gamme
blues)
• 6 7 1 2 3 4 5 soit une gamme de
structure 1 2 m3 4 5 b6 b7
(gamme mineur naturelle)
• 7 1 2 3 4 5 6 soit une gamme de
structure 1 b2 m3 4 b5 b6 b7
(gamme espagnole)
correspond donc une "couleur",
introduisant des caractéristiques sonores
plus riches et ouvrant donc des horizons
nouveaux à notre improvisation, tout en
utilisant les mêmes positions que celles
utilisées dans le jeu de la gamme
majeure.
On parle alors de modes pour désigner
ces degrés de déclinaisons, identifiés
logiquement par des chiffres romains,
comme pour les degrés d'harmonie
basés sur la gamme en question. La
tonalité propre à chaque mode est
également spécifiée en complément :
• I - Ionien - M7
• II - Dorien - m7
• III - Phrygien - m7
• IV - Lydien - M7
• V - Myxolydien - 7
• VI - Eolien - m7
• VII - Locrien - m7b5
Dans la mesure où les notes sont
directement rapprochées d’un accord, de
façon absolue, le jeu se voit libéré des
actions consistant à calculer quelle est la
prochaine note éviter ou par quel moyen
l’improvisateur retombera sur une note
caractéristique afin de ne pas trop
"s’éloigner".

-68-
Les cadences

Une cadence est une suite d'accords que
l’on repère afin de la transposer dans la
plupart des musiques occidentales.
L’intérêt de connaître les principales
cadences réside dans le fait d’identifier
certaines progressions ou suite
d’accords, afin de les reproduire plus
facilement, pour improviser en terrain
connu, pour s’orienter vers la
transcription ou la composition de
morceaux. C’est une étape qui n’est pas
si près du début dans une logique de
progression musicale ou dans tous les
parcours musicaux.
La cadence dite "parfaite" consiste à
enchaîner un accord de 5e degré à
l'accord de premier degré (par exemple :
G7 – C respecte l’enchaînement V- I).
Cette cadence a une sonorité conclusive
et termine la plupart des morceaux des
styles classiques et blues. La cadence
"imparfaite" est identique à la cadence
parfaite mais un ou plusieurs de ses
accords a été renversé.
L’opposée est la "demi cadence" qui
consiste à laisser la fin d'un morceau en
suspend sur un accord de 5e degré. Un
effet d'attente et de suspension est alors
créé.
La cadence "plagale" reprend
l’enchaînement des degrès IV - I. Moins
conclusive que la cadence parfaite, cette
cadence tire son nom de la musique
sacrée où elle a été très utilisée. Elle
peut avoir plusieurs variantes (majeur
mineur - majeur majeur - mineur mineur
- mineur majeur...).
La cadence "rompue" consiste à moduler
(faire une modulation) en passant de
l'accord V a l'accord VI.
La cadence sixte napolitaine est une
cadence parfaite enrichie d'une sixte
napolitaine : le IV - V - I est remplacé
par un bII/3 – V - I (exemple: Db/F G
C), elle est très employé dans la
musique classique.
L'anatole est un canevas harmonique
très utilisé dans le jazz "classique" mais
également adopté par le jazz "be-bop". Il
commence par la suite d'accords
suivante : I - VI m - II m - V7 (en do :
do - la mineur - ré mineur - sol
septième), etc. En jazz un anatole est
appelé tourne ou turnaround dont la
version de base est I-VI-II-V que l'on
peut varier avec des substitutions
diatoniques (par exemple : III-VI-II-V ou
I-IV-II-V ou I-VI-IV-V) ou avec des
substitutions tritoniques (par exemple :
I-bIII-II-bII).

Conclusion
Les théories de la musique doivent être considérées telles que des outils d’apprentissage et d’amélioration
du jeu. En aucun cas ces éléments ne peuvent être une fin en soi.

Le fait de consacrer tant de page à la théorie ne consiste pas à rentrer dans le détail, mais plutôt à aborder
de très loin les principes enseignés dans nombreuses écoles de musique, renseignés dans certaines
méthodes ou retranscriptions, et qui seront peut-être un jour présents dans vos échanges avec d’autres
musiciens (lectures, cours, jeu en groupe, …).

Bien que techniques, ces principes décrits ici sont la base de tout enseignement théorique. N’hésitez pas à
les aborder en plusieurs étapes, revenir sur les descriptions pour les approfondir au travers de nombreux
ouvrages complémentaires.

-69-
Conseils pour démarrer et s’équiper
La guitare ? Oui, mais pourquoi ?
Qu’est-ce qui engendre la motivation ?
Qu’est-ce qui donne envie de jouer ?
Qu’est-ce qu’il me faut pour
commencer ? Autant de questions par
lesquelles beaucoup sont passés après
avoir franchi le pas…
Le désir de pratiquer la guitare peut se
manifester de différentes manières : on
peut être séduit par la sonorité de
l’instrument, on peut aimer la forme de
l’instrument (c’est quand même très
sensuel une guitare, c’est comme une
belle bagnole, une belle moto… et
regardez comment c’était sexy lorsque
Jimi Hendrix l’utilisait !), on peut aussi
aimer un style musical la mettant en
valeur …
-70-
On peut imaginer que la pratique de cet
instrument est un outil de socialisation
(jeu en groupe), on peut aussi rêver des
à-côtés de la guitare qui la positionne en
tant qu’objet ou vecteur de séduction (le
look, la position de jeu, le côté "filles
faciles" associé au bon vieux Rock, ou
par amour pour son prof ou la baby-
sitter, …), on peut également avoir
l’envie de diversifier son approche
musicale lorsque l’on joue déjà d’un
autre instrument ou bien on peut nous
avoir imposé ça parce que les parents ou
la famille proche sont déjà "impliqués",
…
C’est en fait très délicat de savoir
pourquoi, et pourtant c’est primordial de
déterminer l’origine de sa motivation, et
la mesure de son "ampleur". Pourtant,
les guitaristes sont légions et tous ont
eu, de près ou de loin, une motivation
qui les a poussés à "passer le cap" et
prendre en main, un beau jour, un
manche agrémenté de cordes.
La plupart des guitaristes que j’ai
côtoyés ont eu ce déclic à l’adolescence,
au moment où l’éveil musical transcende
le besoin de shooter dans un ballon et
dépasse la pulsion extrême du village
Barbie© ou Playmobil© (c’est selon)…
De même, c’est souvent la période où
l’on rencontre d’autres camarades,
copains, et copines, qui habitent au-delà
des limites du quartier, et qui sont peut-
être déjà plus ouverts à ce type de
pratique. Enfin, c’est aussi à
l’adolescence que l’on participe à des
réunions, soirées et autres concerts, qui
viennent attiser d’avantage les flammes
de la tentation.
D’autres, ils se reconnaitront, ont
démarré plus tard, à 20, 30 voire 50
ans. Vous conviendrez aisément (et
d’aucun ne me contredirez) que ce sont
dans de nombreux cas, des adolescents
"attardés" dont la motivation de jouer
n’a d’égal l’ampleur du désir de
progresser très vite. Le besoin de
canaliser toute cette énergie est évident.
Le pouvoir d’achat de ces derniers
venant parfois accélérer les rythmes de
progression que suivent les ados (les
adultes ont souvent plus facilement
accès à des cours, à du bon matériel, car
la gestion des finances est sensiblement
différente chez un actif stable que chez
un étudiant festif.
Les désirs personnels ont très souvent
été mis en veille depuis l’adolescence et
ressortent alors que leur pouvoir d’achat,
leur situation familiale ou leurs
hormones se sont stabilisés…
Plus sérieusement, c’est essentiellement
un besoin se démarquer, de s’exprimer
et de s’affirmer qui motive
principalement les gens qui vont se
mettre à pratiquer la guitare. Et c’est
d’autant plus normal, que la guitare est
par excellence l’instrument qui peut
pousser à l’extrême l’affirmation de soi
par l’expression musicale.
Paradoxalement, cette affirmation de soi
va commencer, dans la plupart des cas,
par l’imitation des autres, des idoles, des
icones… Parce que l’instrument n’est pas
si facile à pratiquer, à comprendre et à
dompter, on est obligé de se
compromettre au travers d’honteuses
reprises de morceaux qui en on fait sa
-71-
réputation, avant de pouvoir clamer haut
et fort que l’on sait jouer…
On se rend également compte que parmi
les "guitaristes en herbe", beaucoup
d’entre eux présentant les symptômes
de découragement ou de perte de
motivation, n’ont franchis le pas, en
définitive, que pour des raisons peu
nobles de pratiquer, comme le fait
d’avoir voulu faire comme son copain,
pour séduire untel ou unetelle, pour
avoir l’accessoire indispensable de son
look orienté Kiss, ou pour avoir cherché
à "séduire les gonzesses" !
Cette vulnérabilité qui trahit cette
population composée des gens qui ont
essayé puis abandonné, s’accompagne
souvent d’expériences similaires dans
des domaines sportifs, culturels, voire
musicaux (à ce stade-là, peut-on parler
de culture et de musique de manière
amalgamée ?).
Mais il y a aussi ceux qui s’y sont frotté,
et qui, par manque de capacité se sont
vus voués à abandonner : "je n’ai pas
plus le rythme à la guitare qu’à la
batterie", "les barrés m’ont trop fait
mal", "j’ai plus joué de guitare parce que
mes études m’ont pris tout mon temps",
… La "sélection naturelle", quoi… Sans
méchanceté aucune, c’est un phénomène
courant, que l’on pratique le judo, la
couture, la guitare ou les échecs…
Personnellement, j’ai eu une toute
première console de jeu, et je dois
encore être la risée de mes copains de
l’époque, tant je présentais peu de
prédispositions à progresser dans le
domaine de l’utilisation des jeux vidéos,
alors que paradoxalement, l’initiation
musicale, le dessin ou la mythomanie me
semblaient mieux maitrisés.
Parmi ceux qui ont "passé le cap", et ont
tenu à "ramener le bateau à bon port",
on retrouve ceux qui envahissaient trop
régulièrement la chambre du copain qui
a une guitare parce qu’ils n’avaient pas
encore assez pour acquérir la sienne. On
trouve également ceux qui empruntaient
régulièrement la guitare de leur grande
sœur (c’est aussi bon pour tout autre
membre de la famille), et ceux qui
investissaient les magasins avant de
pouvoir investir dans l’instrument…
Ceux-là ont senti pousser le désir de
jouer, ont manifesté l’envie de continuer,
et ont craqué pour leur première guitare.
S’ils ne perçoivent pas encore qu’il
faudra peut-être persévérer (toujours !)
et d’avantage s’impliquer dans
l’apprentissage de l’instrument, ils ne
sont plutôt satisfaits de posséder leur
propre instrument et d’en jouer.
On rencontre également ceux qui
possédaient chez eux une guitare pour
eux (la vieille de papa, mais qui marche
encore super) et qui en plus baignent
dans la culture d’apprentissage de la
musique car la sœur fait du piano et le
petit frère du violon au conservatoire…
quand ce n’est pas eux-mêmes qui
pratiquent déjà d’autres instruments.
Pour eux, ce ne sera pas pour autant
gagné, dans le sens où l’instrument
peut, de toute évidence, finir par
rebuter, tant par ses sonorités que la
pratique. C’est finalement proche sur la
théorie, mais si éloigné sur la pratique
d’un piano, que la guitare peut parfois
être oubliée dans un grenier ou pire,
vendue au premier dépôt-vente du coin…
-72-
Enfin, pour bien résumer la situation, il y
a ceux qui écoutent activement de la
musique, ont chargé à "la toque" leur
lecteur MP3 par amour des jolis soli des
"guitar heroes" du moment. Ceux-là ont
presque adopté un look et une attitude
rock, voire métal, mais sont ouverts
éventuellement à d’autres styles. Ils ont
bien, dans un placard, une cave ou un
grenier, une vieille guitare folk que leur
papa avait rangée (abandonnée) là, et
qu’ils ont tenté de nettoyer. Ladite
guitare a bien été accordée par un
copain, mais même lui pour qui l’on
ressent tant d’admiration tant il s’adonne
à la pratique de l’instrument avec une
virtuosité relative le positionnant comme
le meilleur du quartier. Ce même
meilleur copain à bien expliqué que des
accords portaient le nom des notes que
l’on obligeait d’apprendre et de jouer au
pipeau lorsqu’on était au primaire…
Et puis, si jamais on se mettait à croire
de nouveau au Père Noël, un peu pour
faire plaisir aux parents, pour rêver un
peu, et faire comme ce copain, posséder
sa guitare et son ampli, et s’essayer aux
riffs et solos dévastateur de ses idoles.
Je complète en enrichissant d’un
truculent passage spécial «débutantes»
qui est vraiment atypique. Sans
reprendre le cliché, et parce que se
mettre à la guitare est dévastateur pour
les garçons comme les filles, on
rencontre un phénomène d’attraction des
représentantes du sexe faible vers la
pratique de cet instrument.
C’est une grande bêtise, car les filles
guitaristes existent (en faible nombre)
depuis longtemps notamment dans le
domaine du folk ou du rock, le jazz étant
encore plus macho ! Mais de là à
sombrer dans le ridicule, par le biais de
guitares fuchsia, avec des Hello Kitty©
en guise de motif, je trouve ça
pathétique : il n’y a pas de frein à
l’expression musicale, de frontière
délimitant la musique par les filles et par
les garçons. C’est par contre flagrant,
dans mes relations, j’ai pu constater que
les filles, moins nombreuses, avaient des
idées claires sur ce que l’instrument
allait leur apporter (généralement, elles
ont des choses à dire) et savaient que la
guitare permettrait de véhiculer une
idée, donc de s’orienter vers la
composition originale plus que vers la
reprise de morceaux existant.
Je reviens aux motivations en résumant
un cas malheureusement (ou
heureusement, c’est selon) de la guitare
instrument de séduction : "si ça me
permettait d’attirer l’attention de la
petite brunette aux yeux clairs qui a les
mêmes goûts musicaux que moi, ou me
destinait à devenir membre du groupe
au collège…", ou bien "si la guitare était
un accessoire de mode, au même titre
que ceux que je retiens dans mes choix
vestimentaires et musicaux, parce
qu’après tout, ils font aussi partie de ma
personnalité… et j’ai des choses à dire, je
composerai pour les exprimer…".
Enfin, il existe le cas de figure le plus
complexe, celui du débutant qui remplit
un peu toutes les conditions de
motivations énoncées plus-haut. C’est le
cas qui correspond, de près ou de loin, à
la majorité des néophytes que j’ai pu
rencontrer. C’est aussi ce cas qui m’a
poussé à aider le débutant ou la
débutante, car c’est lorsqu’on l’on hésite,
mais que la motivation est pourtant bien
présente, qu’il faut donner le petit coup
de pouce aidant se lancer dans la
pratique d’un instrument. Il n’y a qu’un
pas à acheter un instrument, à
apprendre à s’en servir et le régler
correctement, pour que cela devienne
-73-
rapidement un passe-temps, puis loisir
et enfin une passion.
Alors je reviens sur les motivations
citées en introduction de cet ouvrage
destiné à aider ceux qui veulent s’y
mettre, en développant un peu le contre-
pied les méthodes et magazines qui
n’évoquent pas cette difficulté de
premier contact avec un instrument
accessible, simple à pratiquer à condition
de bien l’aimer. L’approche de
l’instrument, vous en conviendrez, est
fondamentale. L’implication que l’on va
montrer dans sa pratique, la passion que
l’on va nécessairement nourrir (c’est tout
de même de la musique) peuvent
dépendre de cette première impression
que l’on a de cet instrument. Et on le
sait, c’est la première impression qui
compte. Alors pour avoir la meilleure
impression, il s’agit d’expliquer au
débutant, de la manière la plus
exhaustive possible, le fonctionnement,
la composition et l’utilisation de la
guitare, en complément des ouvrages
plus pédagogiques qui présentent la
manière de bien l’utiliser d’un point de
vu sonore.
Il est donc temps de vous aiguiller
pendant les premiers temps (trois mois,
… un an, … je ne sais dire). Armez-vous
de patience, de courage et d’une forte
dose d’humour, pour assimiler tout ça :
c’est technique, physique et souvent très
logique.
Questions sur la guitare

J’ai des amis qui jouent de la guitare, et j’apprécie cet instrument. Est-ce
difficile de m’y mettre ?

La pratique de la guitare ne nécessite que le son électrique semble, avant

pas grand-chose pour débuter, sinon même d’en avoir joué, plus intéressant,
beaucoup de motivation. Pour un budget alors je recommande d’économiser
minimum (premiers prix pour moins de encore 100,00 € de plus pour démarrer
150,00 €), une guitare acoustique est avec une guitare électrique et un ampli.
souvent le premier choix du guitariste,
car il n’est pas indispensable de
l’amplifier, et la base de la théorie
musicale, ainsi que les premières notes
peuvent être abordées avec cet
instrument.

Cependant, il se peut que le son vous

lasse rapidement, auquel cas, je
recommande toujours d’investir un peu
plus, et de miser sur un instrument qui
donnera des sons qui vous motiveront
d’avantage. Il ne faut pas "griller" tout
son budget sur un instrument en se
disant que c’est bon pour commencer :
si la guitare sèche n’est pas la finalité et

Quelles sont les différences entre les types de guitare ?

La guitare classique qui comporte les modèles d’entrée de gamme), elle ne

souvent un prix attractif (moins de demande pas non plus d’entretien, et ses
100,00 €), et qui se prête parfaitement à cordes en acier et bronze sont plus
l’étude. Son entretien est minimal, bien accessibles (10,00 €).
que les cordes en nylon soient un peu
chères (près de 15,00 €). Les styles
abordés sont assez variés, et vont du
classique au flamenco, de la bossa nova
au picking, voire jazz parfois.

La guitare électrique avec son corps

La guitare folk avec des cordes acier, qui
est plus populaire, parce qu’elle est
retrouvée dans de nombreux styles
comme le rock, le blues ou la pop. D’un
prix légèrement supérieur (120,00€ pour
plein, qui généralement se prête à des
sons amplifiés, donc pour le rock, le hard
rock, etc… Il faut compter un minimum
de 250,00 € pour une guitare permettant
de débuter, sans compter un ampli qui
au bas mot coûte dans les 150,00 € ainsi
que quelques câbles (20,00 €) et jeux de
cordes en nickel (8,00 € les 6 cordes).

-74-
La guitare jazz, comportant une caisse chevronné, qui connaît déjà mieux
comme pour une guitare sèche et des l’achat guitare.
micros comme une guitare électrique.
Généralement destinée à un but précis,
elle nécessite souvent de gros efforts de
lutherie, ce qui ne la destine pas aux
plus infortunés d’entre nous, puisque son
prix moyen approximatif est de 1500,00
€. Elle s’amplifie également, et des effets
sont également utilisés, mais on
s’adresse alors à un public plus

Est-ce que la théorie est la même quelque soit la guitare jouée ?

Oui, les accordages fonctionnent sur les on ne joue pas de "slide" sur une guitare
mêmes bases, donc la théorie qui en à cordes nylon par exemple.
découle s’applique quelque soit
l’instrument que vous avez retenu. Ainsi, Il s’agit d’aborder alors le particularisme
ce qui est appris sur une guitare sera de certains instruments en tant
profitable sur une autre, à peu de choses qu’élément du style abordé, ce qui
près. implique que votre démarche musicale
soit un peu plus poussée. Ça viendra en
Plus tard, dans la pratique de pratiquant !
l’instrument, il existe des différences :

J’aime le rock et le hard rock. Dois-je débuter avec une guitare classique ?

Non. Même si l’avis de beaucoup de et que cela peut être fait dans tous les
professeurs est de passer styles, y compris les plus décriés.
académiquement par l’étude du solfège
et de la théorie musicale avec une Si la guitare est pour vous un loisir, il
guitare classique, je recommande plutôt faut que sa pratique reste un
de privilégier la motivation et d’aborder amusement, et que l’instrument que
tous les outils théoriques et pratiques vous avez choisi vous permette avant
sur l’instrument et dans le style de son tout d’aborder le style que vous aimez
choix. écouter (là aussi par plaisir, et non par
obligation).
De plus, je pense qu’apprendre les bases
théoriques ne doit pas être une torture,

Combien de temps pour jouer les premiers morceaux que j’affectionne tant ?

Tout dépend du style abordé et du temps En effet, la progression et l’assimilation

que vous allez pouvoir passer avec votre des bases théoriques nécessitent
instrument. également une pratique régulière.

Là encore, il faut s’imposer pas mal de En respectant ce rythme hebdomadaire

rigueur, et si possible, jouer le plus
souvent possible : 4 fois une heure par
semaine, c’est mieux que 4 heures tous
les samedis, ou tout un week-end tous
les mois.
de 4 fois une heure, des morceaux
simples de trois accords seront maîtrisés
d’ici trois mois. Par contre, il faut avoir
retenu une bonne méthode et avoir
rigoureusement planifié sa progression
dans l’apprentissage.

-75-
Existe-t-il une méthode
particulièrement appropriée ?
Là encore, il n’y a pas de règle, si ce
n’est que la méthode doit être adaptée à
l’instrument joué, et qu’elle offre un bon
découpage dans la progression (mais
comment juger quand on n’a pas de
point de repère ?).
Il faut en retenir une réellement adaptée
à votre niveau et au style que vous
souhaitez aborder. Une bonne méthode
Faut-il nécessairement débuter avec un professeur ?
Je suis de ceux qui pensent qu’il existe
de bons et de mauvais professeurs. Un
bon conseil sur la position des mains, la
tenue de la guitare ou le partage d’un
avis sur la compréhension d’une partie
théorique sont toujours les bienvenus.
Cependant, un prof qui impose sa
méthode, ses morceaux et sa vision des
choses me parait de prime abord moins
adapté au débutant, mais peut-être plus
à la progression dans un style donné.
Je veux débuter la guitare électrique. De quoi ai-je besoin ?
Tout dépend du style abordé, du budget,
et de ton ambition. Prenons le cas d’un
débutant souhaitant aborder le style
hard-rock, étant peu fortuné et voulant
dans un premier temps jouer pour lui
dans sa chambre (ce qui correspond à
70% des débutants m’ayant directement
posé cette question).
Il faut privilégier le choix de sa première
guitare à l’ampli ou aux effets : acheter
une guitare neuve de préférence, même
pour un prix d’entrée de gamme. En
effet, il faut déjà connaître l’instrument
pour savoir si un modèle d’occasion sera
ou non une bonne affaire. Et ce, quoi
qu’en dise le vendeur, dont le métier est
avant tout de vendre et non de faire
plaisir ! Evitez les marques peu connues,
en anticipant le fait de trouver des pièces
de manière assez standard en cas de
réparation, et en envisageant toujours
que ce premier modèle puisse être
-76-
pour débutants vaut dans les 25,00 €
pour un livre + CD audio. Les supports
informatiques Web ou CD-ROM me
paraissent compliqués à utiliser car il
faut se préoccuper aussi bien de
l’ordinateur que de sa guitare.
Les vidéos ou DVD avec support papiers
existent à présent et donnent de bons
résultats pour un coût qui n’est pas
beaucoup plus excessifs. Oscar Music,
par exemple propose un vaste choix de
méthodes distribuées dans tout
l’hexagone.
C’est vrai qu’un débutant ne sait pas
vraiment exprimer ce qu’il attend de
l’instrument, mais ce n’est pas une
raison pour lui dicter ce qu’il doit faire ou
ne pas faire… Parfois, on progresse plus
entre copains que dans un cours
relativement cher (20,00€ de l’heure).
Cependant, le professeur (diplômé ou
non) ou le "grand frère" restent tous
deux biens plus efficaces que le concept
autodidacte "tout seul dans mon coin".
revendu pour acheter celui dont on rêve
déjà !
Ne choisissez pas de modèle 7 cordes
tout de suite, c’est déjà assez difficile de
se dépatouiller avec les 6 cordes d’un
modèle classique. De même, choisissez
une guitare équipée au moins d’un micro
double bobinage pour pouvoir jouer des
sons saturés caractéristiques du style
métal. A titre indicatif, je vous propose
des marques pour les débutants ou les
petits budgets (250,00 €) : Cort, Ibanez,
Yamaha, Squier, Epiphone pour ne citer
que les plus distribuées.

Le set d’effets minimal dans ce style est
de deux types : le module de multi-
effets ou le set de pédales d’effet. Le
module regroupe le tout en un en terme
de budget et de branchements et qui
coûte au minimum 200,00 € pour du
matériel neuf. Il doit comporter une
distorsion, un chorus et un delay au
minimum, plus un compresseur et une
égalisation au mieux.
Le set d’effet peut être, à contrario de la
guitare, acheté d’occasion, ce qui accroît
ses possibilités pour un budget
équivalent au neuf. Il peut se brancher
aussi bien dans un ampli de guitare, que
dans la sortie AUX de la chaîne hi-fi, ou
l’entrée Line IN de la carte son de
l’ordinateur. Il peut aussi être utilisé
avec un casque audio. Des marques :
Zoom, Digitech, Korg, Beringher…
Les pédales d’effets conduisent à un
investissement plus cher : elles coûtent
à minima 50 à 70,00 € chacune et
nécessitent une alimentation (pile 9 volts
ou transformateur séparé) et une
connectique (plusieurs petits câbles)
pour les chaîner entre elles.
Cependant, elles disposent d’un réglage
dédié de l’effet, et de sons façonnables à
la demande. Autre problème, elles ne
permettent pas d’enregistrer en mémoire
les réglages, mais peuvent être
modifiées instantanément. Enfin, elles
doivent impérativement être branchées
-77-
dans un ampli de guitare. Elles sont
disponibles d’occasion pour un prix plus
faible. Des marques : Boss, Ibanez,
Beringher, …
L’ampli est un élément indispensable
dans le rendu sonore, et à mon sens ne
peut être remplacé par un casque, une
chaîne hi-fi ou un ordinateur que dans
des cas extrêmes ou lorsque le budget
est insuffisant.
En effet, les réglages qu’il propose sont
dédiés à l’utilisation d’une guitare, ce qui
n’est pas le cas des autres procédés
d’amplification. Il peut aussi être acheté
d’occasion, d’autant que les modèles
transistors de faible puissance sont
disponibles et très robustes. Je
recommande par contre de miser sur un
modèle de 15 watts minimum, avec un
haut-parleur de 8 pouces (10 pouces
serait idéal, et 12 pour du rêve, mais on
ne trouve ça que sur des amplis à
lampes de cette puissance !), tant le
rendu sonore des modèles inférieurs
n’est pas bon, et que la différence de
prix ne mérite pas d’investir dans un
modèle de puissance inférieure !
S’il dispose d’un canal saturé de
distorsion, il ne remplacera peut-être pas
totalement la pédale de distorsion ou le
module de multi-effets dans la mesure
où la distorsion de l’ampli demande un
minimum de volume de sortie pour commencer), un accordeur, des
sonner correctement, ce qui n’est pas le médiators, une sangle, une housse ou un
cas d’un effet, ce qui est parfois gênant étui, un métronome, un dico d’accords,
dans une chambre ! Des marques : et un stand.
Peavey, Fender, Marshall, Ibanez, …
proposent des modèles à moins de Privilégiez des câbles blindés de bonnes
200,00 € pour un 15 watts. qualités, ils constituent un bon
investissement dans la durée.
Les accessoires qui pèsent dans la L’accordeur électronique à 20,00 € suffit,
balance : un jeu de corde (voire pas besoin d’un modèle haut de gamme
plusieurs), quelques outils (pinces, clé pour démarrer. Enfin, la méthode et les
Allen, manivelle ou enrouleur, tournevis quelques magazines devront également
et chiffon), quelques produits d’entretien être pris en compte dans le budget, au
(touche, cordes, …), de bons câbles même titre que les jeux de cordes
(deux de 3m et un de 6m pour supplémentaires.

Coup de pouce
Définissez correctement vos besoins et vos envies… il y a souvent beaucoup de différences entre les deux. Le
tout est de trouver le dénominateur commun. D’autant qu’on n’a pas parlé de la 3ième dimension : le budget.
N’hésitez pas à demander le maximum de conseils objectifs (donc, pas aux vendeurs) au travers d’internet ou à
des copains et profs, il y a des personnes serviables et peu intéressées. Analysez – relativisez !

Il existe des sets complets proposant guitare + ampli + pédale d’effet + accordeur ou sangle ou housse à bas
prix. Il faut évidemment considérer ces sets avec méfiance, dans le sens où ils sont constitués d’articles de
qualité disproportionné (l’ampli n’est pas à la hauteur de la guitare, les accessoires sont un peu "cheap", la
guitare est une fin de série, …). Cependant, c’est probablement le mode d’investissement le plus rentable et le
plus pratiqué aujourd’hui par les débutants, dans la mesure où ils sont à même d’investir à faible prix dans une
configuration et qu’ils gardent la possibilité de revendre leur matériel ou d’agrémenter le set (généralement par
des effets).

-78-
Sélecteur et potentiomètres de la guitare
Sur les guitares de type Stratocaster, un
sélecteur à 5 positions commande
l’activation des micros, ce qui donne, en
partant du manche et en allant vers le
cordier / vibrato :
• micro manche (les deux bobines
du micro dans le cas d'un double
bobinage)
• micro manche + micro central
(une seule bobine du micro
manche est activée dans le cas
d'un micro double bobinage)
• micro central seul
• micro central + micro aigu (une
seule bobine du micro aigu est
activée dans le cas d'un micro
double bobinage)
• micro aigu (les deux bobines du
micro dans le cas d'un double
bobinage)
Les sons obtenus vont du grave à l'aigu,
avec les caractéristiques suivantes :
• son grave et puissant, idéal en
rythmique et riffs en son clair
comme saturé
• son intermédiaire grave, position
caractéristique du son clair et
rond typique au blues
• son médium, claquant et léger,
idéal en rythmique et sons clairs
• son intermédiaire aigu idéal pour
les soli rock et blues
• son aigu puissant, pour les soli
demandant beaucoup de présence
et de puissance
Les réglages permis par les
potentiomètres sont les suivants :
• un potentiomètre de VOLUME
commandant l'ensemble des
micros de la guitare
• un ou deux potentiomètres de
tonalité (TONE) :
o un seul potentiomètre
TONE pour le réglage des
fréquences de grave à aigu
sur l'ensemble des micros
-79-
o deux potentiomètres
 le plus près du
volume commande
la tonalité du micro
grave
 le bouton TONE le
plus bas commande
la tonalité des
micros central et
aigu
Pour les guitares de type Les Paul, on ne
dispose que de deux doubles micros (les
guitares de type Télécaster disposent de
deux sections de micro, parfois doubles
ou simples, et répondent au même
schéma) :
• un double micro près du manche
• un double micro près du cordier /
vibrato
Le sélecteur est généralement limité à 3
positions. L'action sur le sélecteur
permet de choisir quelle section près du
manche ou des aigus (près du cordier /
vibrato) est retenue. On parle alors de
"micro manche" ou de "micro aigu".
Les positions rencontrées sont listées de
haut en bas, le sélecteur (ou "toggle
switch") étant de manière générale
monté dans ce sens :
• position manche (ou grave),
sélecteur vers le haut : le double
bobinage côté manche est activé
(souvent notée RYTHM)
• position intermédiaire, sélecteur
au milieu, où les deux micros sont
activés, mais une seule des deux
bobines est retenue
• position aigue, sélecteur vers le
bas : le double bobinage côté
aigu est activé (souvent noté
TREBLE)
Les guitares disposant de 4 •
potentiomètres (2 pour le VOLUME et 2
pour TONE) comportent des réglages
dédiés à chaque micro.
Ces actions séparées permettent une
grande musicalité, et le changement de
son par le biais du sélecteur est bien
marqué. Le couple VOLUME + TONE du
haut concerne le micro grave et celui du
bas le micro aigu.
Les sons obtenus sont décrits de la
manière suivante :
Connectez le câble à votre guitare.
Accordez votre guitare… soit en
connectant le cordon jack à l’accordeur,
soit en utilisant le capteur de l’accodeur
qui permettra d’identifier la fréquence.
Reportez-vous à la section consécrée à
l’accordage au besoin, pour en détailler
la technique.
Si vous connectez la guitare
l’accordeur, vous supprimez toute
nuisance extérieure pour régler votre
guitare, ce qui apporte un certain confort
(surtout en répétition). Veillez à disposer
d’un endroit éclairé si l’écran de
l’accordeur n’est pas rétro-éclairé ou ne
dispose pas de LED d’affichage des notes
(problèmes des accordeurs chromatiques
à aiguille sur affichage digital… ).
Il est possible de disposer d’un accordeur
disposant d’une entrée et d’une sortie
permettant alors le raccordement à
l’ampli qui nécessitera un second câble
jack. Si vous devez laisser branché
l’accordeur entre la guitare et l’ampli,
une fois l’accordage terminé, pensez à
éteindre votre accordeur pour préserver
la pile.
Des accordeurs au format de pédale
existent et sont très pratiques. Ils se
positionnent juste après la guitare, afin
que le signal entrant ne soit pas
dénaturé et soit direct (celui de la
guitare). L’accordeur deviendra donc le
premiers composant de votre set
en position grave (en haut), le
son est dédié à la rythmique et
sonorités rondes blues ou jazz
• en position intermédiaire, les sons
clairs obtenus par l'utilisation
d'une seule bobine (on peut
couper l'autre bobine lorsqu'on
dispose de 4 potentiomètres en
baissant à 0 l'un ou l'autre des
boutons VOLUME)
• en position aigue (en bas), le son
est puissant et tranchant, dédié
aux soli rock et hard-rock
composé de vos autres pédales d’effets,
et pourra, dans la majorité des cas,
recevoir une alimentation par adaptateur
(généralement 9V), au même titre que
les pédales.
Tous les multi-effets intègrent la fonction
d’accordeur à présent, l’investissement
à n’est donc pas indispensable si vous avez
opté pour un pédalier.
Si vous disposez d’une tige de vibrato,
enclenchez-là avant de raccorder votre
instrument à l’ampli. De même, pensez à
serrer les vis du sillet bloque cordes si
vous êtes équipé d’un vibratoo de type
Floyd Rose.
Si vous devez vous déplacer pour
chercher du matériel (clés Allen,
accordeur, …) reposez votre guitare sur
son stand disposé de manière stable au
sol.
-80-
Allumez l’ampli

Attachez la sangle à la guitare ou Dans le cas où il en existe deux, il s’agit

positionnez-vous assis près de l’ampli. alors de distinguer les deux
Munissez-vous du médiator (si c’est dénomination Hi et Low qui peuvent
votre choix) et raccordez à l’ampli toutes deux accueillir des cordons jacks
seulement s’il est éteint : de guitare, mais de provenance
• soit votre guitare différente :
• soit la sortie de l’accordeur • HI est réservée à une guitare
• soit la fin de votre chaîne de déjà préamplifiée, la sortie d’un
pédales multi-effets ou la sortie d’une
guitare munie de micros actifs
Les amplificatuers disposent d’une ou • LOW est réservé au branchement
deux fiches d’entrée nommée INPUT. direct de la guitare dans l’ampli

NE CONNECTER LE CORDON JACK DANS L'AMPLI QUE SI CELUI-CI EST ETEINT

BAISSER LE VOLUME PRINCIPAL AVANT D’ALLUMER L’ALIMENTATION GENERALE

LAISSER CHAUFFER VOTRE AMPLI A LAMPES

Vérifiez bien que la volume général est Allumez l'ampli, d’abord par le bouton
au plus bas (à zéro ou 0). POWER (sur un ampli à lampes, activer
le bouton STAND BY au bout de deux
bonnes minutes seulement).

Protocole
Le raccordement des instruments et le démarrage de l’ampli semblent gérés par des protocoles rigides. En
fait, il s’agit de préserver la santé de votre ampli qui une fois allumé, risque d’encaisser des signaux peu
musicaux si vous branchez alors votre guitare. Tout branchement et débranchement de jack s’effectue
avec l’ampli éteint (et non le volume à 0), ou positionné en STAND BY.
En plus, vous ménagerez vos oreilles et celles de votre entourage !

L'ampli peut posséder plusieurs canaux :
les amplificateurs de plus de 15 watts
proposent en général un canal clair qui
délivre les sons directs amplifiés de la
guitare (CLEAN) et un canal permettant
d’obtenir des sons saturés (OVERDRIVE)
qui peuvent être commutés par un
sélecteur (commande au pied et sur le
panneau).

-81-

Dans ce cas, l’ampli intègre un réglage
de préamplification permettant de
saturer le son (saturation ou distorsion
du signal) sans être possé dans ses
retranchements. C’est alors que le GAIN
ou DRIVE permettent d’augmenter le
signal d’entrée de l’instrument, et le
L’ampli dispose d'une égalisation de
fréquences de pré-amplification sur 3
bandes BASS, MIDDLE et TREBLE. Cette
correction peut être individuelle pour
chaque canal, ou bien le réglage sera
identique pour l’ensemble des canaux.
L’égalisation à mi-course donne une
sonorité neutre. Il s’agit alors par la
suite d’ajuster le GAIN et les
potentiomètres BASS (fréquences
graves), MIDDLE (fréquences médium)
et TREBLE (fréquences hautes ou aigues)
pour régler les paramètres du son.
Certaines égalisations vont de 0 à 10
(équalizer passif) et d’autres de -12 à
+12 (équalizers actifs). Dans le premier
cas, seul le boost de la fréquence est
possible, alors que dans le second cas la
plage de fréquence peut être réduite
comme augmentée, ce qui permet
d’obtenir une plus grande palette sonore.
Ces paramètres ne doivent être pris en
compte que si vous utilisez directement
la guitare dans l’ampli : l’utilisation
intermédiaire d’effets conduira à taille des haut-
n’utiliser l’ampli que comme
amplificateur du son, et non comme
générateur intrinsèque du son.
La commande PRESENCE permet le
contrôle général du rendu de l’ampli
-82-
VOLUME ou MASTER de réduire le signal
de sortie vers le haut-parleur.
Il est recommandé, pour obtenir les
meilleurs réglages, de se référer à la
documentation de l'ampli qui souvent est
agrémentée de réglages types :
post-amplification, et doit être utilisé
pour un contrôle global du son (taille de
la salle, son trop nazillard, …) jouant
essentiellement sur les aigus.
Enfin, la sortie se fait naturellement sur
le haut-parleur (parfois plusieurs sur des
amplificateurs de taille et de pouissance
plus conséauente). Le rendu sonore est
lié à la taille du haut parleur : la
restitution des fréquences basses est
généralement meilleure sur un haut-
parleur de 30 cm ou 12" (12 pouces) qui
va nécessiter plus de puissance sonore
pour les délivrer.
Aussi, les constructeurs ont eu recour à
diverses technologies pour amplifier
fidèlement les sons de guitare à faible
volume, comme fermer au maximum
(chauffe, fragilité des composants
électronique et des haut-parleurs) le
caisson du haut-parleur (enceinte) pour
obtenir plus de compression sonore
(enceinte close ou enceinte bass-reflex),
et réduire la
parleurs dans
des caissons
semi-clos.

Conseil de démarrage
Il est possible de rajouter des effets entre la guitare et l’ampli ou bien dans la boucle d’effets de l’ampli
entre les fiches SEND et RETURN de la section de pré amplification. Cependant, dans la mesure où le cas
du guitariste débutant est observé, il s’agit plutôt de se familiariser avec les premiers gestes de base.

Connectez plutôt votre guitare à l’accordeur pour commencer à jouer … juste.

Pour ce qui est des amplis avec effets intégrés, dans la mesure du possible, désactivez-les (lire la notice)
ou réduisez leur action.

Mémo

Pensez à votre matériel. L’entretien des Pensez également à remplacer vos

équipements et accessoire permet de cordes au moins tous les trois à six mois,
leur donner plus de longévité et ou plus souvent en fonction de votre
d’anticiper d’éventuelles défaillances. utilisation !

Passez un coup de chiffon sur les cordes Coupez le bout de vos cordes après les
après chaque utilisation de la guitare avoir monté. Ça permet de ne pas
pour évider que l’oxydation due à la déteriorer l’intérieur de la housse ou de
sueur des doigts n’entraine une l’étui, mais surtout de ne blesser
dégradation des cordes et des parties personne. Le je-m’en-foutisme cool de
métaliques. cette négligence est passé de mode
depuis la fin du mouvement Grunge…
N’attendez donc pas que la guitare soit
enfermée dans sa housse ou son étui, ni
même qu’elle soit restée plusieurs heurs
sur son stand !

Optez pour des cordes qui s’usent moins apparaissant moins "brillant" et moins
vite comme les marques Elixir ou DR qui "claquant".
traitent le nickel par des procédés de
bains anti-corrosion et recouvrent la Vissez les attaches courroies… Cela peut
totalité de la cordes avec des laques de paraître idiot, mais les sangles
protection, sorte de péllicule colorée défectueuses sont à l’origine des
(bonjour le look !) qui protège la corde manches / têtes de guitare cassés. C’est
des agressions extérieures. Attention, avec la chutte de la guitare qui n’est pas
ces procédés de protection sont posée sur le stand, la principale cause de
générateurs d’une dénaturation du son mortalité des guitares.

-83-
Posez systématiquement votre
instrument sur son stand lorsque vous
ne l’utilisez plus.
Dépoussiérez votre ampli avec un chiffon
sec différent de celui utilisé pour
nettoyer les cordes (quelques règles
d’hygiène seraint-elles nécessaires ?).
Enroulez vos câbles correctement en
cercle de 20 cm de diamètre (le secret :
réaliser 1/4 de tour sur le câble lui-
même à chaque tour de cercle pour
éviter qu’il ne vrille) et attachez-les avec
des serre-câble, ou des bandes de velcro
(on en trouve au rayon mercerie des
grands magasins).
Vérifiez les fiches, vissez-les au besoin.
Ménagez les câbles lorsque vous les
déroulez et quand vous les branchez, les
collisions des fiches contre le sol (par
terre, pas la corde de guitare) sont à
l’origine de 90% des pannes de jack.
Stockez-les dans un lieu sûr, comme une
poche matelassée de la housse de la
guitare un dans une valise de
rangement.
Pensez, si vous êtes un guitariste
nomade (cours, étude, répétitions, …), à
vous munir de sacs ou valises de
transports de votre matériel. Pour
-84-
l’ampli, certains ont recours à un
système de transport en bandoulière
avec 2 fixations de sangle de guitare et
la sangle elle-même.
Des valises de transport et autres
housses sont disponibles pour les
différents matériels et outils du
guitariste. Reciclez vos vieilles trousses
d’écolier ou trousses de toilette pour
stocker vos outils et éviter de les
disperser et d’endommager câbles ou
autre accordeur (pinces coupantes,
tournevis, …).
Prévenez l’oubli en dédiant un calendrier
ou mieux, un agenda à votre set de
guitare. En effet, vous pourrez repérer la
date du dernier changement de corde, le
prochain rendez-vous avec votre prof, la
date des soirées à venir, les répétitions,
les dates des grands entretiens et des
réglages de vos instruments, les dates
de concerts, les emprunts de bouquins à
la bibliothèque…
En effet, il est important, notamment
pour les moins expérimentés, de
connaitre votre budget à l’avance et
d’anticiper vos achats de cordes et de
produits d’entretien. D’autant que les
cordes se vendent par pack de 5 jeux, ce
qui constitue normalement l‘utilisation
normale d’un jeu par trimestre sur
l’année + un jeu consacré à des
remplacements accidentels, casses, …
De même, n’appliquez pas du polish sur
le manche et le corps trop souvent. Un
bon nettoyage mensuel suffit si vous
utilisez souvent et régulièrement votre
guitare.

Trucs & astuces
Des trucs de "grand-mère" pour entretenir votre instrument préféré :

1. Les tampons de type "GHS™ Fast Fret" sont idéaux pour l'application sur les cordes, mais d'autres
produits existent, sous forme liquide.

2. Pour l'oxydation des parties métalliques : pour le traitement des vibratos et mécaniques... Le produit
"Essence F", vendu au rayon des produits ménagers en grande surface, est un dégraissant très
efficace qu'il est bon d'appliquer sur les pièces en acier (ressorts, vibratos, ...)

3. Pour le corps et le manche : des produits à base de jus citronné ou de compléments acidulés, qui
n'attaquent ni le bois, ni la peinture, ni les vernis.

4. La graisse rouge permet, mieux que l'huile, de lubrifier les parties de l’accastillage sujettes à des
frottements ou bien qui se vissent (application au pinceau). On la trouve en grande surface, dans les
magasins de bricolage et même au rayon cycle des hypermarchés.

5. La laine d'acier "triple 0" utilisée par les antiquaires pour les traitements et la finition du bois, permet
de nettoyer complètement la touche des traces d'oxydation et de dépôt verdâtre que l’on rencontre au
raz des frettes.

6. Le chiffon de coton, les brosses à dents, les cotons-tiges et l'huile de coude : cela reste les meilleurs
standard, pour l’entretien !

Jettez vos médiators usés, et pensez à Réglez votre guitare dès que vous
réviser vos câbles jack, mais aussi vos changez de tirant de cordes. Les
prolongateurs électriques, câble changement de diamètre (et parfois de
d’alimentation de l’ampli ou boîtiers marque pour un même diamètre)
multi-prises s’ils sont usés. Votre santé conduisent à un changement des
en dépend, et je connais bon nombre de tensions des cordes.
guitaristes encore secoué par une
"chataîgne" de 220 volts survenue L’intonation, comme la courbure du
quelques années plus tôt, pour un simple manche, en patissent.
câble défectueux.

Faites des étapes de révision (d’où le

calepin !) qui permettront de vérifier
l’intonation, l’action, la courbure du
manche, l’usure des couteaux du vibrato,
l’attache des ressorts, … comme un
contrôle technique pour une automobile,
ces points d’étape permettent de
conserver la même qualité de jeu,
notamment durant son apprentissage, là
où l’on n’a généralement pas la
possibilité de renouveler son instrument
pour des raisons budgétaires évidentes.

Mieux vaut prévenir que guérir

Ces conseils ne vous sont pas communiqués pour jouer les donneurs de leçons, ni même pour toucher les
dividendes des produits et accessoires dédiés aux guitaristes, mais parce que ce type de négligence existe,
qu’aucune connaissance de ces pratiques ne sont connues au début, et qu’il est préférable de traiter
l’instrument avec précaution. Une guitare n’est pas si solide que ce que l’histoire du rock veut bien le
laisser supposer !

-85-
Réglages de la guitare
D'une manière générale, tous les réglages d'une guitare doivent être réalisés au moment
du changement des cordes.

Dans la totalité de ce chapitre, les réglages proposés sont applicables aux guitares
électriques modernes classiques, type SuperStrat, disposant de vibrato flottant, de sillet
bloque cordes et de tige de réglage de manche.

La polyvalence de ces instruments, leur prix attractif et leur accastillage fourni les
rendent généralement complexes à régler, bien qu'elles soient majoritairement
répandues.

Montage des cordes

Le changement des cordes devient nécessaire lorsque :
• les cordes ont perdu de leur brillance (l'oxyde sur le
métal renforce ce phénomène),
• elles ne "tiennent plus l'accord" et ont tendance à se
détendre ou se désaccorder facilement,
• essentiellement en fonction de leur utilisation, bien que
tous les trois mois, même sans utilisation, des cordes
éprouvent le besoin d'être changées.

Pour une guitare électrique, les tirants standards sont :

Modèles mi si sol ré La mi
"Super Light" .009 .011 .016 .024 .032 .042
"Super Light Top" .009 .011 .016 .026 .036 .046
"Regular Light" .010 .013 .018 .026 .036 .046

Les outils nécessaires pour cette intervention basique sont:

• une pince coupante,
• une clé Allen pour débloquer les cordes du pontet de serrage et du bloque corde
en haut du manche (généralement, il s'agit de la même clé Allen 3mm),
• d'un tournevis cruciforme de petit format pour éventuellement revisser les
mécaniques,
• d'un enrouleur mécanique (petite manivelle).

Cette opération ne nécessite pas de "décorder" complètement la guitare. Au contraire,

démonter les cordes une à une permet de conserver le manche dans un état de tension
proche de son état définitif.

Enlever toutes les cordes d'un coup peut au contraire favoriser le relâchement du
manche, qu'il faudra par la suite régler à nouveau pour éviter de "friser" et retrouver le
confort de jeu.

La première des choses à réaliser est de dévisser les vis de serrage

du bloque corde en haut du manche. Puis, démonter la corde à
changer au niveau du pontet sur le vibrato.

Il s'agit ensuite de sectionner à la pince coupante la boule de

blocage rencontrée sur la quasi-totalité des cordes distribuées en France. Cependant,
certaines cordes existent aussi pour les vibratos de type Floyd Rose, avec un taquet de
serrage au lieu de la boule ou des "bullets".

-86-
N'hésitez pas, pour les cordes filées (Mi grave, La et Ré) de couper la corde à l'endroit de
raccordement de la boule, généralement plus épais que la corde elle-même. Ainsi, la
partie plus solide permettra un serrage plus performant. Bien centrer le "carré" de métal
pour enserrer la plus longue partie de code dans le pontet.

La mise en place d'une corde est une opération critique dans la tenue de l'accord.
L'enroulement, le nombre de spires, le blocage de la corde "dessus/dessous" sont autant
d'éléments favorisant la tenue de l'accord.

Avant de passer la corde dans le trou de la mécanique, profiter du fait que

la mécanique soit libérée de la corde pour la revisser (doucement) à la
tête du manche, soit par l'intermédiaire de la vis de fixation sur le revers
de la tête du manche, soit par le biais de l'écrou (10 mm) sur le dessus de
la tête.

Serrer (pas trop) l'action de la mécanique à bain d'huile

sur la tête de la mécanique.

Passer la corde dans le trou central de la mécanique, puis la tendre

sans forcer "à la main" et la couper en laissant dépasser 5 à 7
centimètres (plutôt 5 cm pour les 3 cordes graves et 7 cm pour les
cordes aiguës). Puis retirer la corde afin de ne laisser dépasser du trou
que 5mm, le reste servira à être enroulé.

De nombreuses personnes font un simple nœud sur la corde elle-

même (schéma ci-dessous).

Une autre manière d'enrouler la corde consiste à différencier le premier tour de

mécanique des autres : le premier tour doit passer "par-dessus" la corde tendue, les
autres tours (de 3 à 5, ça suffit)
passent "par-dessous" la corde tendue,
et ainsi, la corde est prise en étau entre
les deux tours, au fur et à mesure que
s'accroît la tension.

Il est important de revenir à un niveau

de tension proche de celui de
l'accordage. Toutefois, si le changement
de cordes précède le réglage du
manche, il est inutile de tomber sur l'accordage juste, mais
plutôt de se positionner un peu "en dessous" de
l'accordage souhaité.

-87-
Entretien des cordes

Les outils nécessaires pour ce nettoyage sont :

• un chiffon de coton sec et souple,

• le jus d'un demi-citron,
• un antioxydant de type GHS Fast-FRET.

L'entretien des cordes permet de les faire perdurer...

Des produits spécifiques comme le GHS Fast-FRET
permettent de ralentir les effets néfastes de l'oxydation.
Cependant, les composantes graisseuses de ce produit
constituent un réel danger envers le vernis du
bois, et par conséquent peuvent entraîner, à la
longue, un "déchaussement" des frettes. Il faut
donc changer les cordes souvent,
éventuellement les détendre et les faire claquer
sur le manche afin d'éliminer l'oxyde de surface,
et les frotter avec un chiffon sec légèrement
imbibé d'alcool ou du jus d'un demi citron (ce qui
éliminera l'oxyde, mais ne protègera pas
réellement les cordes).

Réglage du manche

Les outils nécessaires pour ce réglage :

une clé Allen (5mm) ou la clé à pipe spéciale (ex : pour la marque Ibanez, 8,5 mm),
• un petit tournevis cruciforme,
• la clé de serrage du bloque corde.

La courbure du manche a une incidence sur le confort de

jeu. Un manche idéalement plat suit la rectitude de la
corde tendue. Un manche trop concave ou trop convexe
entraîne un effet de "buzz" au niveau des cordes... ça
"frise" ! Il faut donc agir sur l'action de la vis située en
tête de manche pour régler cette courbure.

Commencer d'abord par dévisser la plaque de cache de la tête (3 petites vis), puis les vis
du bloque cordes et de détendre les cordes de quelques tons.

Les cordes de ré et de sol doivent pouvoir être déplacées sur le sillet, dans les cavités
respectives des cordes de la et de si.

Ainsi, l'écart laissé en milieu de manche au niveau de la vis de réglage du manche va

permettre un meilleur débattement de la clé. De toute façon, il ne faut pas plus du quart
de tour de clé...

Un manche convenablement réglé est souvent concave. Il comporte généralement un

"creux" visible entre la 5ième et 7ième frette. Mais il doit aussi tenir compte de
l'intonation de la guitare, du réglage du vibrato, donc, et de la hauteur des cordes
montées.

-88-
L'action sur la vis de tête de manche, soit au travers d'une clé Allen, soit grâce à une clé
à pipe, permet de serrer ou relâcher la tige filetée ("truss-rod"), et donc d'agir sur la
forme du manche.

Attention, une trop forte tension de cette touche peut entraîner le bombage de la touche.

Visser rend le manche concave, et au contraire dévisser (attention à la tension des

cordes) le rend plus plat ou directement convexe.

En fin d'opération, revisser la plaque plastique de cache sur la tête et positionner les
cordes de Ré et de Sol dans leur cavité définitive. Procéder à un accordage sommaire
avant d'enchaîner par un réglage de la hauteur des cordes, voire de l'intonation.

Sachez que les différences de température et le séchage du bois ne se stabilisant

réellement qu'au bout de 10 ans, 2 à 3 réglages par an sont nécessaires pour une guitare
neuve. Courage !

Le ré accordage est par la suite nécessaire, bien sûr.

Réglage des ressorts de vibrato

Les outils nécessaires pour ce réglage :

• un tournevis cruciforme,
• un tournevis plat,
• la clé de serrage du bloque corde (clé Allen 3mm).

Cette opération, tout comme toute opération de réglage et d'entretien de votre guitare,
se réalise après avoir dévissé les vis du bloque cordes et avoir détendu les cordes.
Cependant, la tension définitive est aussi fonction de l'inclinaison des ressorts...

Dévisser la plaque arrière de la guitare et contrôler la tension des ressorts. Ils doivent
favoriser l'équilibre du vibrato afin que ce dernier soit positionné à plat, sans inclinaison
vers l'avant ou l'arrière.

Pour cela, dévisser de quelques tours la plaque de tension des ressorts afin de détendre
leur action.

-89-
Démonter la plaque de maintien des ressorts sur le bloc vibrato, afin d'en déloger les
ressorts.

Afin d'équilibrer la tension des ressorts, il s'agit de les disposer de manière homogène,
pour mieux répartir les forces.

L'idéal est de ne monter que 2 ou 3 ressorts, autrement, l'action du vibrato flottant n'a
plus lieu d'être. Pour retrouver un vibrato de type Fender Stratocaster™, monter 4
ressorts, et la tension vers l'arrière ne sera plus possible.

Cinq ressorts
bloquent
totalement le
vibrato en
arrière, mais il
s'agira alors de
surélever le
bloc de vibrato
en disposant
une butée
contre le corps afin de combler la défonce de la table.

L'attache des ressorts sur le bloc vibrato a parfois besoin d'être revissé pour garantir un
meilleur maintien.

Cependant, cette partie n'existe pas sur les vibratos monoblocs. Le maintien est assuré
par deux vis plates.

Le ré accordage est par la suite nécessaire, bien sûr.

-90-
Réglage de l'intonation

Les outils nécessaires pour ce réglage :

• la clé Allen (5mm) de réglage de la hauteur,
• la clé Allen de réglage de l'avancée des pontets,
• la clé de serrage du bloque corde (clé Allen 3mm),
• un accordeur chromatique.

L'intonation est ajustée lorsque les cordes sont montées et accordées de proche en
proche (pour tenir compte de l'angle du vibrato). Elle est réglée en avançant ou en
reculant les pontets individuels. On
utilise un accordeur chromatique
en "la 440 Hz", d'abord à vide,
puis sur l'harmonique en 12ième
frette.

Si l'harmonique en 12ième frette

tend vers une altération de # par
rapport à la note jouée à vide, le
pontet doit être reculé. Ce dernier
doit être avancé si l'altération
mesurée entre l'harmonique en
12ièmefrette et la corde à vide est bémol.

Le principe consiste à ajuster pour chaque corde, l'avancée du pontet vers a ou b (sur le
schéma) pour conserver cette justesse. Chaque corde doit alors être détendue et réglée
avant d'être retendue.

Réglage de l'action (hauteur des cordes)

Les outils nécessaires pour ce réglage :

• la clé Allen (5mm) de réglage de la hauteur,
• un tournevis cruciforme de précision,
• la clé de serrage du bloque corde (clé Allen 3mm),
• un accordeur chromatique.

L'action est ajustée lorsque les cordes sont montées et accordées ainsi que
lorsque la courbure du manche est définitivement ajustée. L'action corrige
la hauteur des cordes. Plus cette hauteur est grande, plus la corde va vibrer
et donc "sonner" (une corde trop près du micro est fortement attirée par
l'aimant et perd du "sustain"). Plus l'action est grande, plus le jeu sera
difficile ! et moins les micros sonneront...

La hauteur des cordes, ou action, est variable en fonction des tirants.

Au delà de 2.1 mm sur le "gros mi"et de "1.7 mm sur le "petit",
l'action ne me convient plus du tout, aimant jouer très près du
manche pour un confort de jeu optimal. Ce réglage est lié aux autres
réglages d'intonation et de la "truss-rod".

-91-
Tout est réglé de part et d'autre du vibrato par l'ajustement de la hauteur des deux vis
de maintien du vibrato à la table.

La hauteur des cordes, ou action, est également fonction de la hauteur du vibrato qui
peut être ajustée facilement par la vis d'ancrage du vibrato dans le corps.

Une clé Allen permet de fixer la hauteur du bloc par rapport à la table, et une seconde
petite vis accessible par un tournevis cruciforme de précision, permet d'en fixer la butée
basse de descente du bloc.

Ce réglage doit pouvoir être réalisé une bonne fois pour toutes si l'on conserve l'habitude
de jouer sur le même type de tirant...

Le ré accordage est par la suite nécessaire, bien sûr !

Réglage de la hauteur du micro

Les outils nécessaires pour ce réglage :

• un tournevis cruciforme,
• une clé Allen 3mm.

Le réglage de la hauteur des micros ainsi que des

plots peut avoir ensuite une incidence sur le jeu,
et est réglé en fonction de l'action, après un ré
accordage. Un micro près des cordes les attire et
modifie leur tonalité en générant une bosse dans
les médiums.

Le son obtenu est certes plus agressif mais produit certainement moins de "sustain", le
champ électromagnétique ralentissant la vibration.

Le rapprochement du micro est ajustable avec un simple tournevis cruciforme.

Si malgré tout l'attaque et la sonorité vous convient, il est possible d'agir sur le micro lui-
même en montant ou baissant les plots avec la clé Allen 3mm.

Cette action donne un résultat sensible, uniquement possible sur certains modèles
doubles bobinages.

Je ne sais pas réellement s’il existe une méthodologie de réglage du micro lui-même. Ma
seule expérience me permet de dire que l’incidence sur "l’équilibre sonore" de
l’instrument est certaine, mais que les variations du son ne sont, par contre, pas
flagrante, et qu’il ne faudra pas penser avoir un meilleur grain de son par ce type de
réglage.

Par contre, ce que je définis comme "l’équilibre sonore" de l’instrument permettra un

rendu plus homogène de la présence de chaque note, de chaque son, dans le spectre
tonal délivré par l’instrument. En gros, une corde ne semblera pas sonner moins ou plus
fort qu’une autre, quelle que soit la position de la note sur le manche.

-92-
L’incidence de la hauteur du micro

Plus le micro est proche de la table ou de la plaque de protection, plus le son est faible,
mais plus le son est riche en harmoniques et fréquences basses, ce qui est prise en
rythmique. On le constate pour les cas suivants :
• plus le micro est près des cordes, plus le son est présent et le niveau d'entrée
élevé
• plus le micro est près des cordes, plus les parasites sont présents et le son en
devient moins contrôlable

En fonction de la position d’un micro sur le corps de la guitare :

• plus un micro aigu (chevalet) est haut (proche des cordes), à l'endroit même où
les cordes sont plus tendues du fait du rapprochement logique du cordier / bloc de
vibrato, plus l'attaque est élevée, et c'est souvent recherché
• en position grave (micro près du manche), l'éloignement du micro des cordes
accentue l'effet de sustain. La corde vibre en effet mieux et délivre plus de basses
du fait de l’attirance des aimants du micro. On le dit, je le crois, physiquement,
c’est possible, mais à mon avis d’incidence faible pour des micros passifs. Je
pense plutôt que la vibration de la corde qui est plus importante à cet endroit sur
la longueur vibrante, ce qui ne nécessite pas de rapprocher le micro des cordes
pour avoir une bonne définition sonore…

Pour avoir examiné des photos en gros plan, des guitares de pros, je peux dire que
souvent les micros sont surbaissés afin de contrôler les caractéristiques sonores, et dans
la mesure où le son est pré-amplifié et traité (bien souvent égalisé) en entrée du sytème
ampli + effets...
Pour les amateurs, j'aurais tendance à conseiller de pousser d'avantage (si possible)
l'ampli et d'avoir un son propre, ... mais c'est plus facile à dire qu'à faire, et souvent, il
est très tentant d'avoir une attaque "de la mort" en réglant les micros très haut.

N’oubliez pas que les deux vis qui permettent ce réglage ne nécessitent pas d’être
ajustées de la même manière : vous pouvez rapprocher la partie basse du micro, celle
qui s’occupe des cordes aigues, afin d’équilibrer le son et compenser l’écart moindre sur
les cordes basses du fait de leur grosseur…

Réglage de la hauteur des plots

Les plots permettent une répartition de l'équilibre des sons des cordes graves aux
l'aigues. Généralement, leur réglage permet de suivre le rayon de courbure du manche,
non pas sur la longueur (concave ou convexe), mais sur la largeur de la touche. Un
manche de stratocaster a bien un manche arrondi alors qu'une Gibson, ou une guitare
avec un Floyd a un manche plat.

Ensuite, par le réglage de la hauteur, les plots sont plus ou moins rapprochés de la
plaque céramique et/ou de l'aimant. Le son est donc respectivement moins ou plus
puissant (plus près des cordes = plus puissant).

-93-
Et l'équilibre est autant fonction du réglage de hauteur général du micro (qui n'est pas
nécessairement parallèle à la table, mais plus relevé pour mieux capter les cordes
aigues) que du tirant de cordes utilisé qui nécessite une hauteur plus importante s'il est
léger et inversement si l'on joue en 0.013-0.056 comme Steve Ray Vaughan !

Réglage des chevalets et cordiers traditionnels

Les outils nécessaires pour ce réglage :

• un tournevis cruciforme,
• un tournevis plat,
• une clé Allen de 0,5mm pour les modèles à pontets (généralement vendues avec
la guitare ou le bloc chevalet).

Le réglage des et cordiers vibratos traditionnels sont à réaliser avec autant de précision.
Ce réglage est cependant plus simple car les cordes ne sont pas "autant" maintenues en
équilibre que lorsqu'il s'agit de régler un vibrato flottant.

Il existe globalement deux systèmes, rencontrés sur les modèles inspirés des deux
grands constructeurs Fender et Gibson. Le premier à être apparu sur le marché est le
système de cordier Gibson, ou plutôt Rickenbacker.

Composé de deux parties, il propose un dispositif ne nécessitant par de traverser le corps

de part et part pour passer les cordes. Aussi, ces dernières sont maintenues par un
cordier vissé dans la table. L'ajustement de l'action se
fait perpendiculairement à l'aide des deux molettes ou à
l'aide d'un tournevis plat suivant les modèles. La
justesse est réglée au moyen d'un tournevis plat, ayant
ainsi une incidence sur l'avancement du mini-pontet
dans son bloc chevalet.

Composé d'un bloc fixe ou maintenu par des ressorts, il

traverse le corps de la guitare de part en part afin de laisser l'accès aux cordes par le dos
de la guitare. Elles sont alors maintenues soit par des rivets à même le bois dans le cas
d'un bloc chevalet fixé (figure ci-contre) à la table soit au bloc vibrato. le réglage de la
hauteur des cordes est rendu possible de manière individuelle au niveau d'un pontet
maintenu en hauteur par deux vis sans tête pouvant être vissées et dévissées par une clé
Allen. La justesse est réglée au moyen d'un tournevis cruciforme au niveau de chacun
des pontets (un par corde là encore, qui sont maintenu au bloc chevalet par des ressorts.

-94-
Remplacement des cordes sur un vibrato sous licence Floyd Rose

1. pontet
2. taquet de blocage de corde
3. vis de réglage de l’intonation
4. fine tuner
5. tige de vibrato
6. sillet bloque cordes
7. barre de rétention de tête
8. ressorts
9. plaque de tension des ressorts
10. clés Allen

Le remplacement des cordes et l’opération standard consistant à retirer les cordes et les
replacer une à une. Un remplacement suscite également le changement des cordes par
un jeu neuf de calibre identique. En aucun cas la touche du manche ne sera libre
complètement pour son nettoyage, celui des frettes, le réglage de la tige de tension
("truss-rod").

Il est indispensable de disposer du matériel suivant :

• Jeu de cordes neuf
• Clé Allen 3 mm
• Pinceau d’écolier
• Graisse rose (rayon cycle, bricolage)
• Un accordeur
• Un cordon jack pour se connecter à l’accordeur
• Crayon gris gras (mine 5B)
• Pince coupante
• Enrouleur pour cordes
• Chiffon sec
• Description des opérations :
• Dévisser les 3 écrous un niveau du sillet bloque corde en faut du manche. Utilisez
une clé Allen 3mm.

Sur le vibrato, positionner les "fine-tuners" à mi-course (la vis doit suffisamment être
enfoncée pour permettre une correction de la justesse de la note aussi bien vers le grave
que vers l’aigu.

Ne pas dévisser la barre de plaquage des cordes après le sillet sur la tête de la guitare.
La hauteur fixée convenait au réglage précédent, dans la mesure où l’on conserve les
mêmes calibres de cordes.

Changer une corde à la fois en ménageant la tension des ressorts au maximum. Pour
cela, alternez le changement d’une corde aigue, puis grave et intermédiaire. Par
exemple, respectez l’ordre suivant :
• corde de mi aigu
• corde de mi grave
• corde de si
• corde de la
• corde de sol
• corde de ré

-95-
A chaque changement de corde :
• détendre complètement la corde au niveau de la mécanique sur la tête du manche
à l’aide d’un enrouleur
• dévisser le bloc de serrage au niveau du pontet sur le bloc vibrato
• passer la corde sous la barre de plaquage des cordes sur la tête de la guitare pour
retirer la corde
• récupérer le précieux bloc de serrage et dévisser complètement l’écrou
• nettoyer le pontet et le sillet bloque corde à l’aide d’une brosse à dents et du
chiffon sec, ainsi que le bloc de serrage de la corde en l’extrayant du le pontet
• passer le crayon gris gras (graphite) sur les parties de friction de la corde, sur le
pontet comme sur le sillet bloque corde en "coloriant" abondamment. Le graphite
est un lubrifiant non gras qui n’attaque pas la corde, contrairement à la graisse ou
aux produits non adaptés
• enduire de graisse rose la cavité filetée du pontet, l’écrou de serrage ainsi que la
cavité et l’écrou du sillet bloque cordes avec un pinceau, puis passer un chiffon
sec pour enlever le surplus de graisse
• à l’aide des pinces coupantes couper la corde 2 cm après l’œillet (la boule) de
fixation afin de ne laisser qu’une partie homogène de corde pour procéder à la
fixation
• insérer environ 1 cm de corde par la
partie coupée dans la cavité du
pontet et positionner le bloc de
serrage et l’écrou
• serrer assez fermement pour
"écraser" la corde dans le pontet
avec la clé Allen. Ne pas serrer trop,
afin d’éviter les forces de tension
trop importantes entraînant
généralement la rupture du pontet
• passer l’autre extrémité de la corde
sous la barre de plaquage des cordes
sur la tête de la guitare
• positionner la mécanique afin que le
trou soit dans l’alignement de la
corde et y passer la corde complètement, de manière à la positionner dans le sillet
bloque cordes
• laisser dépasser 5 cm environ (4 pour la corde de la et 3 pour la corde de mi
grave) de cordes et couper
• positionner l’enrouleur sur la mécanique et retirer la corde de la cavité afin qu’il
ne dépasse qu’un demi centimètre environ
• enrouler la mécanique en veillant à ce que les spires soient régulières et que le
premier tour enserre par-dessus le demi centimètre dépassant de la mécanique et
que les autres spires soient séquentiellement en dessous. La corde ainsi enserrée
autour d’elle-même, comme pour un nœud) se bloque convenablement autour de
la mécanique pour un rendement optimal du rôle de la mécanique, le blocage des
cordes, la tenue de l’accordage ainsi qu’une tension homogène
• accorder la corde complètement seulement à partir de la mécanique et non des
fine-tuners

-96-
 Mauvaises positions du vibrato :
I. vibrato en équilibre
II. vibrato trop "en avant"
III. vibrato trop "en arrière

La tension des cordes influe sur le réglage

du vibrato. L’accordage peut être juste,
mais le débattement permis par le bloc
flottant doit être parfaitement droit et en
équilibre pour que la guitare fonctionne.

Une fois toutes les cordes montées, contrôler l’accordage complet de la guitare et
n’ajuster la tension qu’à l’aide des mécaniques (les fine-tuners ne doivent être utilisés
que si les écrous du sillet bloque cordes sont serrés).

Serrer à la main (du bout des doigts) les écrous du sillet bloque cordes afin de procéder à
une écoute de la guitare et laisser les cordes se mettre en place.

Jouer normalement, procéder à quelques bends appuyés sur toutes les cordes et à
plusieurs endroits du manche. Ajuster l’accordage avec les mécaniques tant que possible.
Bloquer les écrous et bloc de serrage au niveau du sillet bloque cordes.

A présent, utiliser les fine-tuners pour ajuster avec précision l’accordage de chacune des
cordes.

-97-
Accordage avec un vibrato sous licence Floyd Rose

S’accorder avec un vibrato flottant est une affaire de pratique, et avec le temps, la
connaissance de votre instrument et de ses composants, du matériel adapté, et un peu
de fidélité dans les accordages et les tirants de cordes.

La position du bloc de vibrato, qui doit toujours être parallèle au corps de la guitare,
influe sur la tension générale des cordes. Cet équilibre est lié à l’ensemble forces
appliquées par les cordes tendues et les ressorts vissés "sous les micros" apportant une
tension sur le vibrato.

Aussi, dès qu’une corde se détend (usure, jeu, tension trop forte
l’ors d’un bend ou d’une action sur la tige du vibrato, variation de
température, …), cet équilibre est menacé. Pendant le jeu, lorsque
la guitare est au repos, cet équilibre est en permanence menacé.
Mais les composants de la guitare sont là pour "rattraper".

Par contre, lorsqu’un des éléments est mal bloqué, lorsque la tige du vibrato est
actionnée anormalement (encore que ce n’est pas toujours vrai, vous connaissez Steve
VAI ?) ou lorsqu’une corde casse… le déséquilibre provoque un chao dans l’accordage !

Pire encore, lorsque vous accordez cotre guitare… normalement, comme lors du
changement des cordes, on peut admettre que dès que la tension d’une seule corde varie
d’un simple demi-ton, l’équilibre est très menacé, et qu’il faut, avec ce type de matériel,
procéder méthodiquement à un accordage complet de la guitare, les fine-tuners ne
suffisent peut-être pas…

Il est indispensable de disposer du matériel suivant :

• Clé Allen 3 mm
• Un accordeur
• Un cordon jack pour se connecter à l’accordeur
• Un tournevis cruciforme
• Description des opérations :
• Dévisser les 3 écrous un niveau du sillet bloque corde en faut du manche. Utilisez
une clé Allen 3mm.

Sur le vibrato, positionner les "fine-tuners" à mi-course (la vis doit suffisamment être
enfoncée pour permettre une correction de la justesse de la note aussi bien vers le grave
que vers l’aigu.

Accorder les cordes une à une en utilisant l’accordeur et en commençant par la corde de
mi grave (là où les tensions sont les plus fortes et influent le plus sur l’équilibre de
l’ensemble).

Quand chaque corde a été individuellement accordée,

l’ensemble n’est pas pour autant juste :
• si le mi grave semble plus bas que la note mi
désirée, recommencer l’accordage depuis le mi grave
avec cette fois une légère tendance à accentuer la
hauteur des 4 premières cordes (mi grave, la, ré,
sol).
• si le mi grave est plus haut que la note mi désirée, recommencer l’accordage
depuis le mi grave avec cette fois une légère tendance à diminuer la hauteur de
l’ensemble des cordes.

-98-
Chaque changement de hauteur d’une corde entraîne la modification de la tension dans
le sens opposé des 5 autres cordes, voire du réglage du positionnement du vibrato qui
doit rester bien parallèle à la table…

De proche en proche ajuster l’ensemble des cordes en prenant pour repères les deux
éléments suivants :
• la justesse et la hauteur du mi grave
• la parfaite position parallèle du bloc vibrato par rapport à la table, qui est
indispensable si l’on ne souhaite pas que la force soit mal répartie sur les
couteaux permettant le mouvement du vibrato

Lorsque le vibrato a changé de position et n’est plus parallèle à la table, il est nécessaire
de toucher à la tension des ressorts. De manière uniforme visser ou dévisser les ressorts
sous dans le bois pour ajuster la tension des ressorts et donc l’équilibre du vibrato. Cette
opération n’est généralement pas nécessaire, sauf en cas de dé cordage complet de la
guitare, ou lors du changement des cordes par des cordes de calibre différent.

Veiller à :
• ne procéder qu’à un ou deux tours de vis, autrement, penser à détendre
l’ensemble des cordes pour permettre de ne pas agir trop violemment sur la
tension de l’ensemble des cordes et de les casser
• de manière uniforme, tendre ou détendre tous les ressorts afin que la plaque de
tension des ressorts soit elle aussi bien parallèle à la défonce de la caisse dans le
bois de la guitare
• changer les ressorts si la tension n’est plus efficace (un ressort s’use et sa durée
de vie n’est pas infinie) et modifier éventuellement leur nombre afin de mieux
répartir cette tension (3 ressorts en parallèle, 3 ressorts en flèche, ou 4 ressorts
montés en parallèle pour ce type de vibrato)

Ré accorder la guitare lorsque le parallèle est à nouveau obtenu.

Une fois toutes les cordes montées, contrôler

l’accordage complet de la guitare et n’ajuster la
tension qu’à l’aide des mécaniques (les fine-
tuners ne doivent être utilisés que si les écrous
du sillet bloque cordes sont serrés).

Serrer à la main (du bout des doigts) les écrous

du sillet bloque cordes afin de procéder à une
écoute de la guitare et laisser les cordes se
mettre en place.

Jouer normalement, procéder à quelques bends

appuyés sur toutes les cordes et à plusieurs
endroits du manche. Ajuster l’accordage avec les
mécaniques tant que possible.
Bloquer les écrous et bloc de serrage au niveau
du sillet bloque cordes.

A présent, utiliser les fine-tuners pour ajuster avec précision l’accordage de chacune des
cordes.

-99-
Ajuster l’intonation de chaque corde avec un vibrato sous licence Floyd Rose

L’intonation d’une corde, c’est le contrôle de la justesse de la note obtenue sur

l’ensemble du manche. En effet, une corde peut être juste lorsqu’elle vibre à vide, ou sur
une case précisément.

Cependant, il faut au moins, pour une même corde, deux points de contrôle à deux
endroits différents sur le manche, par exemple la corde à vide et la même note un octave
au-dessus sur la même corde, c'est-à-dire à la 12ième case.

On peut déduire que si l’intonation est juste sur ces

deux points, elle est juste sur la corde pour la totalité
des notes du manche. En réalité, si un manche est
vrillé, si les réglages matériels ne sont pas parfaits, …
l’intonation peut varier. Le principal est de s’approcher
le plus possible d’une intonation parfaite.

Ce réglage effectué, il n’est pas indispensable de le

modifier si l’on conserve le même type d’accordage
(accordage standard, open tuning, …) et le même
calibre de cordes.

Il est indispensable de disposer du matériel suivant :

• Clé Allen 3 mm
• Clé Allen 1,5 mm
• Un accordeur
• Un cordon jack pour se connecter à l’accordeur

Description des opérations :

• Dévisser les 3 écrous un niveau du sillet bloque corde en faut du manche. Utilisez
une clé Allen 3mm.
• Sur le vibrato, positionner les "fine-tuners" à mi-course (la vis doit suffisamment
être enfoncée pour permettre une correction de la justesse de la note aussi bien
vers le grave que vers l’aigu.
• Accorder les cordes une à une en utilisant l’accordeur et en commençant par la
corde de mi grave (là où les tensions sont les plus fortes et influent le plus sur
l’équilibre de l’ensemble).

Pour chacune des cordes procéder comme suit :

• tester avec l’accordeur la justesse de la corde
en 12ième case :
• si la note est plus basse que la note
souhaitée, il faut augmenter la longueur
vibrante de la corde et donc reculer le pontet
(par rapport au manche) de quelques
fractions de millimètre après avoir détendu la corde (3 tours de mécanique
suffisent) pour pouvoir dévisser son écrou de maintien afin d’ajouter
• si la note est plus haute que la note souhaitée, il faut réduire la longueur vibrante
de la corde et donc avancer le pontet (par rapport au manche) de quelques
fractions de millimètre après avoir détendu la corde (3 tours de mécanique
suffisent) pour pouvoir dévisser son écrou de maintien
• il existe deux emplacements pour fixer un pontet, qui peuvent être utilisés en
fonction du diamètre des cordes. Plus le calibre de la corde est élevé, plus le
pontet est reculé. Cependant, en fonction de la tension de la corde et de la
composition (corde filée ou non), il n’existe pas de règle définie, même si on

-100-
 constate souvent une organisation en 2 groupes de 3 cordes (mi-la-ré et sol-si-
mi) où la plus grave du groupe est la plus reculée et la plus aigue la plus avancée
• Serrer à la main (du bout des doigts) les écrous du sillet bloque cordes afin de
procéder à une écoute de la guitare et laisser les cordes se mettre en place.
• Jouer normalement, procéder à quelques bends appuyés sur toutes les cordes et à
plusieurs endroits du manche. Ajuster l’accordage avec les mécaniques tant que
possible.
• Bloquer les écrous et bloc de serrage au niveau du sillet bloque cordes.
• A présent, utiliser les fine-tuners pour ajuster avec précision l’accordage de
chacune des cordes.

En bref
Les vibratos Floyd Rose sont très prisés dans un style de musique particulier : le hard-rock ou métal et les
dérivés. Ils permettent d’obtenir des sonorités particulières de montées et descentes fulgurantes de la
hauteur de certaines notes.

Cependant, ils présentent un inconvénient majeur : l’accordage de la guitare se fait "de proche en proche"
par ajustements successifs, car le principe repose sur le maintien en équilibre entre cordes et ressorts.
Lorsqu’une corde ne conserve plus sa tension d’origine (casse, désaccordage, mais aussi juste un dimple
bend), c’est l’ensemble de l’accordage de la guitare qui perd sa justesse.

Changement du calibre des cordes avec un vibrato sous licence Floyd Rose

Lors du changement de calibre de cordes, il est fort probable que les tensions soient
telles que non seulement l’équilibre du vibrato, l’intonation des cordes mais également la
courbure du manche en soient affectés.

Cette opération cumule alors les différentes actions de maintenance en ajoutant un

réglage précis et délicat qui est celui de la courbure du manche.

En effet, un manche dispose d’une tige filetée

permettant, par vissage, d’influer sur le
rapprochement des cordes avec le manche
tout en conservant le côté rectiligne d’un
manche le plus plat possible pour accentuer le
confort de jeu.

En fait, plus que sur toute autre guitare

équipée d’un cordier ou d’un vibrato standard,
les guitares avec vibrato sous licences Floyd
Rose, ne permettent pas de réglage individuel
de la hauteur du pontet.

C’est la hauteur du bloc vibrato qui repose sur

les deux vis où se logent les deux couteaux,
qui va déterminer la hauteur des cordes para rapport à un manche plat (les manches
Fender sont arrondis).

Aussi, s’il n’est pas vraiment possible de toucher à ce paramètre de manière très précise,
il est obligatoire de se convaincre des éléments suivants :
• conserver une hauteur de corde très faible (joueur de slide s’abstenir), ce qui
convient aux performances de jeu attendues par les possesseurs de ces modèles
qui peuvent alors allier confort et rapidité de jeu

-101-
 • être fidèle à un mode d’accordage et au calibre de cordes utilisé (9-42 ou 9-46 ou
10-46, … et c’est tout !)
• ne pas oser d’accordage spécifique sortant des sentiers battus, comme les
accordages très détendus en do, chers aux amateurs de nu-métal, car les pièces
détachées, les manches, et les réglages ne sont
généralement pas adaptés

Il est indispensable de disposer du matériel suivant :

• Jeu de cordes neuf
• Clé Allen 3 mm
• Clé Allen 1,5 mm
• Clé Allen 5 mm
• Pinceau d’écolier
• Graisse rose (rayon cycle, bricolage)
• Un accordeur
• Un cordon jack pour se connecter à l’accordeur
• Crayon gris gras (mine 5B)
• Pince coupante
• Enrouleur pour cordes
• Chiffon sec

Description des opérations :

• Procéder à un changement complet des cordes par le jeu de cordes neuves,
comme décrit précédemment.
• Accorder la guitare avec les mécaniques sans remonter les écrous du sillet bloque
corde.
• Contrôler le son produit par chaque corde, notamment pour les 5 premières et 5
dernières cases. Si un son "buzz" est rencontré la corde frise et il est
indispensable d’ajuster la courbure du manche.
• Si le manche est concave, ou convexe, il est nécessaire de corriger cette action en
procédant de la manière suivante :
• dévisser complètement les écrous et blocs de serrage du sillet bloque cordes
• détendre l’ensemble des cordes de 2 ou 3 tours de mécanique
• dévisser la barre de placage des cordes sur la tête du manche
• dévisser la plaque plastique de cache d’accès à la truss-rod sur la tête
• sortir de son emplacement la corde de ré et la loger dans l’emplacement de la
corde de la

• sortir de son emplacement la corde de sol et la loger dans l’emplacement de la

corde de si
• avec la clé Allen 5 mm ou une clé à pipe dédiée (fournie avec la guitare), régler la
courbure du manche :
o si le manche est trop concave (touche vers le haut, creusé vers le bas)
alors visser la truss-rod de ¼ de tour (attention, ça craque et c’est très
sensible en terme d’action).
o si le manche est trop convexe (touche vers le haut, manche bombé) alors
dévisser la truss-rod de ¼ de tour (attention, ça craque et c’est très
sensible en terme d’action).
• remonter les cordes dans leur cavité d’origine

-102-
• ajuster la hauteur des cordes en agissant sur la hauteur du bloc de vibrato par
vissage des deux vis de réglage retenant les couteaux avec
la clé Allen 5 mm ou le tournevis cruciforme (suivant les
modèles)
• contrôler que le bloc soit parallèle à la table de la guitare
• remonter la barre de placage des cordes sur la tête du
manche
• accorder la guitare sans régler l’intonation ni repositionner
les blocs de serrage et les écrous du sillet bloque cordes
• contrôler la courbure du manche, les cordes qui frisent et
éventuellement procéder à nouveau à un réglage de la
truss-rod (c’est assez long et fastidieux la première fois). Un manche correct est
généralement légèrement concave (visible entre la 5ième et la 7ième frette)
• Si le résultat obtenu est insatisfaisant en bas du manche (près du corps), il est
possible de jouer sur la hauteur du bloc vibrato par vissage des deux vis de
réglage retenant les couteaux avec la clé Allen 5 mm ou le tournevis cruciforme
(suivant les modèles)
• Si le résultat obtenu est insatisfaisant en haut du manche (près de la tête), il est
parfois possible de rehausser le sillet de tête par de petites plaques métalliques
fournies par le constructeur (ou façonnables soit même), perforées) à glisser sous
le bloc métallique du sillet bloque cordes. Les épaisseurs disponibles en standard
sont de 1/10 de mm, 2/10 de mm et 3/10 de mm.
• La même action peut individuellement être menée pour rehausser un pontet,
cependant, je n’ai pas trouvé de modèle standard de plaque métallique. Adressez-
vous à un luthier avant de procéder à ce type d’intervention, généralement les
réglages standards suffisent à obtenir une courbure de manche satisfaisante.
• Régler l’intonation de chaque corde comme décrit précédemment
• Serrer à la main (du bout des doigts) les écrous du sillet bloque cordes afin de
procéder à une écoute de la guitare et laisser les cordes se mettre en place.
• Jouer normalement, procéder à quelques bends appuyés sur toutes les cordes et à
plusieurs endroits du manche. Ajuster l’accordage avec les mécaniques tant que
possible.
• Bloquer les écrous et bloc de serrage au niveau du sillet bloque cordes.
• A présent, utiliser les fine-tuners pour ajuster avec précision l’accordage de
chacune des cordes.

-103-
Dysfonctionnements, trucs et astuces de réglages d’un vibrato sous licence
Floyd Rose

Le vibrato sous licences Floyd Rose est généralement une partie assez lourde de la
guitare. Elle constitue également le point central des tensions développées par le jeu,
l’usure, le temps.

Aussi, la maintenance de ce type d’instruments se doit d’être plus fréquente que celle de
tout autre guitare à chevalet fixe ou vibrato standard.

L’équipement, l’outillage ainsi que les pièces de rechange

doivent faire l’objet d’une attention toute particulière.
Prévoyez d’investir réellement dans les outils et matériels
nécessaires et n’hésitez pas d’anticiper d’éventuelles
réparations en cas de casse de matériel.

Les distributeurs, magasins, peuvent généralement

s’approvisionner des quelques éléments les plus fragiles
comme :
• les pontets
• les vis de blocage des pontets
• les blocs de serrage des cordes dans les pontets
• les écrous de blocage des blocs dans le pontet
• des ressorts de vibrato

Ne forcez jamais trop sur les clés et les écrous, et vissez fermement par tours réguliers
et lents. Utilisez également les clés adaptées, et ne procédez qu’à des vissages et
dévissages manuels (la visseuse est l’ennemie jurée des apprentis luthiers).

Il est parfois recommandé d’utiliser un élément permettant de maintenir le vibrato en

équilibre pendant le changement d’une corde. Cette pièce se glisse
alors sous le bloc de vibrato et maintient le vibrato fixe pendant
l’opération.

Autre variante, maintenir fixe le vibrato en dévissant la plaque de

cache des ressorts et en trouvant l’épaisseur nécessaire pour
compenser l’action des ressorts. Il existait même auparavant le bloc-
stop qui était commercialisé pour ça, mais il réduisait l’action flottante
de ce vibrato et … prévenait également de la casse de pièces pour les
plus étourdis ! Il existe dans un format chez l’accessoiriste Shaller
pour 20,00 € environ.

Dans tous les cas, ce maintien qui compense

alors la tension des ressorts peut permettre de
gagner du temps pour un montage rapide de la
corde. Il est par contre difficile donner des
dimensions standard dans la mesure où les
réglages, les calibres de cordes, etc… influent
sur sa "fabrication".

N’hésitez pas enfin à procéder à ces réglages

vous-mêmes, pour assumer le choix fait pour ce
type de vibrato, en comprendre parfaitement
son fonctionnement, mais également pour
prévenir des casses de pièces et profiter

-104-
pleinement de cet accessoire aux possibilités multiples qu’est le vibrato sous licences
Floyd Rose.

En bref
Le vibrato est souvent appelé "tremolo" par erreur : le trémolo est un effet de variation du volume d’une
note alors que le vibrato influe non pas sur le volume mais la hauteur de la note…

Les premiers vibratos sont des mécanismes solidaires au corps de la guitare qui permettent exclusivement
de jouer sur la tension des cordes par un effet de détente de l’ensemble des cordes. La note jouée peut
alors être "descendue" de manière raisonnable d’un ton et revenir dans la position initiale par le biais d’un
mécanisme de ressorts.

Les modèles Bigsby montés sur les guitares Gibson et Rickenbacker notamment s’avèrent être de lourdes
mécaniques, esthétiques mais peu fiables en matière de retour à la position initiale : l’accordage n’est pas
maintenu convenablement.

Fender proposa sur la Stratocaster des modèles dits flottants, maintenus en place par des couteaux qui
sont maintenus en équilibre par des ressorts. Ils offrent plus de débattement et sont plus précis lors du
retour en position initiale. Jimi Hendrix en a fait les meilleures utilisations et démonstrations au cours de sa
courte carrière, notamment en live (Woodstock en 1969).

Puis les systèmes dits flottants ont évolué jusqu’à proposer un bloc encore plus volumineux, permettant
d’assurer le maintien des cordes et un réglage plus fin, corde par corde, par un mécanisme de pontets
surmontés de fine tuners (ajustement fin, emprunté au violon).

C’est Floyd Rose qui en déposa le brevet dans les années 80 et Eddie Van Halen ou Steve Vaï qui en
montrèrent les limites d’utilisation. Ces mécanismes propres à un style métal, en plus de conférer un bon
sustain à la guitare du fait de l’inertie de la grosse partie métallique, permet de descendre l’accordage de la
guitare de plusieurs ton et de tendre (bending) les cordes sur pratiquement un ton. Les ressorts
permettent le retour en position initiale et le sillet de tête maintient solidement l’accordage.

-105-
D’où provient le son
Le son provient des doigts Les guitaristes qui découvrent la pratique
de l'instrument pratiquent un petit jeu
Avant toute chose, un guitariste qui d'entraînement qui consiste à identifier
dispose d'une bonne technique et d'un le guitariste en fonction du toucher, du
bon "toucher" de jeu, va produire un son son, du jeu, du style de musique, du
bien meilleur. Ce sont les heures et les matériel utilisé, ...
heures d'acharnement qui vont conduire
à une pratique sure, une bonne Comment ne pas reconnaître des sons
dextérité, un jeu complètement caractéristiques comme Gary Moore,
identifiable. Steve Ray Vaughan, Eddie Van Halen,
Santana, Mark Knopfler ou Brian May ?

Quelque soit le type de matériel, l'origine

du son vient avant tout du guitariste, de
l'attaque qu'il transmet aux notes en
fonction de sa sensibilité et de son
interprétation.

Le toucher qui traduit cette sensibilité

est la plus belle preuve artistique de
l'expression musicale d'un guitariste. Il
se reconnaît que la guitare soit sèche ou
électrique, que le son soit distordu ou
non...

Conseil
Personne n’aurait imaginé que le son provienne d’une attaque et/ou d’une pression particulière de la corde.

Des nuances du toucher flamenco aux extravagances d’un Eddie Van Halen qui joue sur le manche à deux
mains, voire qui active ses cordes par le champ magnétique délivré par une perceuse, en passant par The
Edge de U2 ou David Gilmour de Pink Floyd qui jouent avec un archet électronique, on a rencontré d’autre
"allumés" qui jouaient de la guitare avec un archet de violoncelle comme Jimmy Page, ou encore avec des
vibromasseurs comme Reeve Grabels !

Pour démarrer, les doigts et les médiators classiques seront le minimum pour trouver sa sonorité et lui
conférer toute l’expression désirée…

un rendu sonore identifiable au jeu de

Le son provient de la guitare Van Halen sur tout type de guitare et
avec tout type de son.
Bien souvent, on considère que
l'instrument est à l'origine de la Avec votre
composante principale du son. Même s'il guitare, il pourra
est vrai qu'il a une incidence certaine sur sonner comme
le son, il est cependant très compliqué, lui et lui seul
dans le mix final d'un morceau de dire arrive à sonner.
que la guitare utilisée lors de
l'enregistrement était en frêne ou en Ses guitares
acajou. signature lui
permettent de
Mais il faut énormément relativiser : un prendre en
guitariste comme Eddie Van Halen que compte les
nous évoquions ci-dessus doit produire composants et

-106-
matériaux lui permettant au mieux de
retranscrire le son qu'il souhaite obtenir.
C'est le long travail de collaboration
entre l'artiste et les constructeurs qui
permettent d'aboutir à ce résultat. Le
son est magnifié du fait que des
constructeurs se soient intéressé à son
jeu de guitare.
Ne vous méprenez donc pas : ce n'est
pas en achetant la guitare de Van Halen
que vous allez sonner comme Van Halen.

Remarque
S’il est une partie de la guitare qui ait un impact direct sur le son, c’est le manche. En effet, en fonction de
la touche, de la grosseur des frettes et de l’équilibrage (sonore) du manche et de la guitare, le son produit
est très différent. Ecoutez une guitare fretless (sans frettes) et comparez la définition des notes et la
richesse harmonique des sons pouvant être rendus. Mais il faut également considérer que ce type de
guitares n’est produit que sur des modèles comportant des matériaux de bonne qualité, et que le son est le
rendu de chacun des composants et matériaux utilisés…

caractéristiques intrinsèques de
L'incidence des micros et des l'instrument (bas de gamme). Ce n'est
cordes donc pas en changeant les micros que le
son va devenir radicalement meilleur,
J'ai croisé pas mal de guitaristes puisque le reste (notamment le manche
débutants qui ont investi dans du et les cordes) restent dans la gamme de
matériel bas de gamme et qui au bout de prix.
quelques mois de pratique, souffrent de
la piètre qualité des composants de la Changer de micro permettra de rectifier
guitare, notamment des micros qui sur les lacunes tonales des modèles
les instruments à bas prix ne comportent précédents : plus de basse, moins
pas de micros de qualité pour des d'aigus, meilleure définition des
raisons évidentes médiums, plus de puissance du signal
de coût de d'entrée, ... en aucun cas le son sera
fabrication. modifié. Il faut donc considérer
l'investissement assez coûteux du
Une autre raison, changement de micro en rapport au
moins évidente, besoin, et au coût total de l'instrument :
mais tout aussi est-ce qu'un investissement de 150,00 €
respectable, réside pour l'installation d'un humbucker est
dans le fait que les vraiment profitable sur ma guitare à
micros montés sur 250,00 € ?
des guitares bas de
gamme, se De plus, la guitare a effectivement une
contentent de importance, tout comme les cordes et les
restituer le son de micros. La puissance du son provient
la guitare, et des souvent (et en partie) des cordes et des

-107-
micros, c'est à dire les éléments de
retransmission directe du son.
Pensez déjà à optimiser les réglages de
la guitare, des micros. Changez de corde
en prenant un tirant plus lourd et
analysez le son. Il existe plus de
changements issus de réglages basiques
que de transformations miraculeuses du
son par changement d'un micro.

Conseil
Ne privilégiez le changement de micro qu’à des fins de remplacement d’un micro cassé, car dans la
majorité des cas, le micro apportera, certes, une meilleure définition sonore (peu perceptible dans un
ampli 10 watts) voire une retransmission accrue des harmoniques sur l’ensemble du spectre, ce qui peut
enrichir le son naturellement capté s’il n’est pas inséré dans des équipements qui formatent le son (un
processeur d’émulation d’ampli, un égaliseur, …).

De manière générale, le remplacement d’un micro permettra de remédier à des nuisances parasites (ou
bien d’en rajouter si le travail est approximatif) mais n’engendrera pas d’augmentation de la puissance
d’entrée dans l’ampli, par exemple ou encore un accroissement flagrant des basses !

En effet, un micro … n’est qu’un micro ! Les subtils apports n’auront réellement d’incidence que si les
câbles, l’ampli et la guitare sont des équipements de très bonne qualité et capables de prendre en compte
et magnifier les spécifications techniques apportées par chaque micro…

Méfiez-vous donc des guerres de constructeurs !

Le son provient de l'ampli

Cet étage dispose d'une caractéristique
Toute note est un signal sinusoïdal particulière de saturation : si le signal
possédant une multitude d'harmoniques d'entrée dépasse un seuil particulier (en
caractérisant le timbre propre à chaque poussant le signal d'entrée ou le GAIN),
instrument. A l'attaque d'un coup de le préamplificateur tente d'amplifier la
médiator, la guitare produit un signal sinusoïde sans y parvenir et provoquera
sinusoïdal plus ou moins intense (fort en un "écrêtage" provoquant une
volume). Celui-ci reste tout de même déformation du signal appelée
très faible pour attaquer un amplificateur "distorsion".
de puissance dans les meilleures
conditions. Ce signal doit passer par un Cette distorsion n'existe qu'en théorie.
étage de pré amplification (un ampli En pratique, le signal sinusoïdal est
guitare est toujours muni d'un préampli, transformé en signal crénelé. Le
et d'un ampli de puissance). préampli dispose d'un potentiomètre de
réglage du niveau d'entrée au-delà du
seuil, favorisant la distorsion du signal.
Petite précision sur les termes : en
électronique, l'écrêtage est également
appelé "distorsion". En revanche, le mot
"saturation" traduit un autre
phénomène. C'est plutôt la sensation
produite par un son très distordu qui
conduira à dire qu'un son est "saturé".

Mais le constat purement théorique, mis

en pratique, ne donne qu'un résultat
médiocre et peu musical : un écrêtage
trop brutal est peu musical pour nos
oreilles. Lors de la création des premiers
amplificateurs, les sons étaient
essentiellement clairs et ne saturaient
qu'avec un volume poussé à l'extrême.
De plus, les composants électroniques de

-108-
fabrication étaient les mêmes que pour Mais identiques aux transistors, elles
l'équipement des radios. Les lampes possèdent un taux de compression
alors utilisaient avaient des naturel, dû autant à leur conception
caractéristiques particulières qui ne moins robuste et "imparfaite", ainsi qu'à
permettaient pas la saturation du son leur vieillissement et leur usure qui
telle que le guitariste l'entend produit non pas un signal "mal" écrêté
aujourd'hui. de manière plus irrégulière que les
transistors.

Conseil
Là, pour la part, le changement d’ampli a une très forte incidence sur la coloration finale du son. Il est
d’ailleurs très étrange qu’il soit commun de posséder plusieurs guitares ou plusieurs processeurs de
distorsion, mais plus rarement d’amplificateur, comme s’il se comportait de manière neutre dans le rendu
sonore…

Erreur ! L’ampli, de par ses composants, les transformateurs qu’il utilise et de part sa conception et ses
procédés de fabrication modifie de manière forte le rendu sonore. Peut-être parce qu’il se situe en fin de
chaîne ?

Ne vous y trompez pas, les sons les plus identifiables sont souvent liés à une combinaison guitare + ampli,
et rarement à des éléments intermédiaires. Je dois être le seul à penser qu’une Fender dans un Marshall ne
sonne pas comme une Gibson dans un Vox, même au travers des meilleurs émulateurs. On se rapproche,
mais souvent grâce à une chaine complexe de composants intermédiaires de prix.

Les professionnels ont accès en studio à de nombreux amplificateurs, et jouent régulièrement sur scène
avec deux systèmes d’amplification, l’un dédié aux sons clairs et l’autre au son saturés !

Le son vient des haut-parleurs.

Le son de Hendrix tenait à la fois de son

jeu, de son matériel, sa Fuzz Face
Abiter, ses amplis Sun ou Marshall
branchés sur des HP Fender, sa Wha-
wha, etc … Tous ces éléments rentrent
en jeu dans la composition des sons
distordus qui l'ont rendu célèbre.

Jimmy Page joue encore des Vox AC 30

et a toujours un son terrible alors que
Slash utilise des murs entiers de
Marshall pour obtenir un son formidable.
Mais ce son, qui semble géant n'est,
sans aucune mesure, comparable à celui
de Brian May, puisqu'il utilise
essentiellement de petits amplis et
obtient un son colossal !
Il est illusoire de penser que le mur de
baffles présents sur scène restitue le son
du guitariste : ils sont bien souvent
positionnés à des fins de marketing, le
son n'étant produit qu'à partir d'un seul
haut-parleur repiqué par une bonne
paire de micros.
Des considérations existent, cependant :
la projection sonore qui est définie par
les diamètres du haut-parleur (ou bien la
taille de la rosace ou de la guitare
acoustique) a une grande incidence sur
le son, notamment dans la production de
fréquences basses, qui sont mieux
définies si la taille du haut-parleur est
grande. Sur les guitares basses, les
fréquences graves proviennent de haut-
parleurs de 15 pouces. En guitare
électrique, les 12 pouces suffisent pour
la restitution des fréquences normales
produites par une guitare ajustée en
accordage standard.

-109-
Par contre, un autre effet, lié à la de stéréo qui améliore la projection
spatialisation du son, engendre une très sonore de certaines fréquences et
nette différence dans le rendu sonore. Le produit une vraie stéréo, avec une
fait de jouer sur deux amplis sensation de puissance accrue.
simultanément produit un effet efficace

Conseil
S’il vous est permis de jouer en réelle stéréo sur la base de deux sources sonores, ou même en émulation
de stéréo via les sorties panoramiques (droite / gauche) de certains multi-effet et composants, vous
constatez une réelle différence dans le rendu sonore. Ce n’est pas tant une augmentation de volume
qu’une répartition sonore différente qui donne au son une plus grande ampleur.

Si vous pouvez orienter la source sonore vers deux amplis de caractéristiques différentes, cet effet sera
amplifié, d’autant qu’il sera alors possible de travailler sur la complémentarité sonore des deux amplis
(égalisation, réverbération d’un seul côté, …). En plus du côté spatial, le son initial se trouve enrichi par
l’ampli aux caractéristiques complémentaires.

C’est souvent la technique utilisée lors des enregistrements studio où le même signal est testé dans
plusieurs amplis repiqués différemment…

Les pédales nous offrent deux options :

Le son vient de la distorsion distorsion et overdrive. Il y a une
différence entre les deux. "Pour moi," dit
"Peu de musiciens réalisent combien ils Lomas, "l'overdrive conserve quelque
entendent souvent une pédale chose du signal initial. La distorsion
transistorisée branchée sur un ampli à manipule ce dernier d'une façon qui
lampes", dit John Lomas, ingénieur en change son caractère."
chef chez lbanez. "C'est une bonne façon
de pousser un ampli à l'overdrive." C'est
une coutume hautement pratiquée
depuis le milieu des années 60. Hendrix
utilisait une Arbiter Fuzz Face sur ses
Marshall, Eric Johnson et Gary Moore se
servent de pédales pour renforcer leurs
solos. Stevie Ray Vaughan le faisait aussi
avec plusieurs Tube Screamer Ibanez.

En fait, l'overdrive booste le signal, y

ajoutant un peu de distorsion. En
bousculant sévèrement le signal de la
guitare, les pédales de distorsion
délivrent un son complètement modifié à
l'entrée de l'ampli.

-110-
Certains aiment utiliser une pédale germanium ou encore des LED, pour
d'overdrive modérément réglée pour obtenir leurs sons distordus.
ajouter du mordant à un ampli déjà
saturé, ça fonctionne parfaitement pour Une troisième catégorie de pédales
relever les notes d'un solo. Avec les utilise des lampes 12AX7 et une
distorsions, on conserve en général le alimentation. Certains guitaristes
son clair de l'ampli ; l'idée est alors pensent que les pédales à lampes
d'amplifier le son de la pédale. Les deux préservent la réponse au toucher et la
types d'effets comprennent des dynamique mieux que les
ingrédients transistorisés, comme des transistorisées.
diodes poussées, des composants au

Conseil
Les amplis permettent généralement d’obtenir le son clair, et un overdrive et une distorsion sans artifice
supplémentaire (égalisation active, boost, …). Ce qui est difficile à obtenir, ce ne sont pas ces sons
intermédiaires et généralement assez standard, mais plutôt les sons plus nuancés, ou les extrêmes…

Il est donc judicieux d’investir prioritairement sur des équipements permettant de produire ces sons
intermédiaires, s’ils sont souhaités, et notamment une pédale qui permette un léger overdrive (Tube
Screamer, Blues Driver, …) et/ou un dispositif qui permette l’obtention d’une palette sonore étendue aux
styles hard-rock et métal avec des distorsions plus soutenues (Metal Zone, Ultra Distorsion, …).

On décrit certains sons obtenus (Kirk Hammet, Joe Satriani, Steve Vaï) par la combinaison d’une pédale
avec le son distordu de l’ampli (Steve Ray Vaughan combinait même deux Tube Screamer avant d’attaquer
l’ampli). On conseille alors l’investissement dans une pédale qui booste légèrement le signal (léger
overdrive) afin d’augmenter la puissance du signal d’entrée dans le canal saturé pour obtenir une distorsion
plus puissante et plus riche, qui peut aussi être utilisée pour produire plus de larsen, compresser le son ou
augmenter son sustain.

Réglages modérés !

L'oreille distingue plusieurs types de distorsions,

sans que l'on puisse réellement définir de limite
entre chacun d'entre eux. Ces distinctions sont aussi
liées aux différences que les musiciens trouvent
entre les styles musicaux.

• Clean : le son n'est pas coloré par une action

sur le gain.
• Crunch : très légère distorsion. Si le coup de médiator est léger, le son est clair.
Si au contraire il est plus marqué, le son est subtilement teinté de distorsion.
Appliqué au Blues et Soft-Rock.
• Overdrive : distorsion douce caractéristique des canaux saturés des amplis
britanniques de type Marshall, non poussés en volume. Appliquée au Blues, et au
Rock.
• Distorsion : distorsion moyenne, plus riche en harmoniques. Assez polyvalente,
elle s'applique au Blues-Rock, Rock, Hard-Rock FM.
• Fuzz : distorsion assez forte et sale. Rock, Grunge.
• Saturation : distorsion agressive, jouée généralement à fort volume. Assez
précise, elle s'applique au Grunge, Hard-Rock, Metal, Thrash...

Encore une fois, il n'existe pas de règles établies pour définir les types de distorsion. Ces
classements sont autant dus aux références des constructeurs qu'à l'évolution des effets
et des sons guitares (un son ultra-saturé dans les années 60's peut paraître bien faible
de nos jours).

-111-

Le son est agrémenté d'effets
Le son direct de la guitare dans l'ampli
constitue déjà un montage sonore
relativement complexe, non ? Malgré
cela, les sons qui sont entendus
habituellement sont agrémentés d'effets,
pour un rendu différent.
On assimile souvent les pédales de
distorsions aux effets du fait qu'elles
sont produites par les mêmes
constructeurs. Mais leur effet (si l'on
peut dire) n'est plus lié à l'agrément du
son, mais constitue une différence
majeure des composantes du son.
Les premiers effets agrémentant le son
étaient naturellement liés à l'espace
dans lequel le guitariste se produisait ou
bien dans lequel le son était émis : les
réverbérations naturelles de certains
lieux (églises, grottes, stades, ...) et les
phénomènes d'écho furent prisés.
Cependant assez difficile à reproduire,
variant en fonction du remplissage des
salles voire du climat, la garantie de
retrouver le même son lors d'une
prochaine prestation est faible ! Même
les plus grandes stars du rock n'ont pas
-112-
poussé le caprice au point de faire suivre
une chapelle pour disposer de leur
réverbération préférée...
Alors il a fallu simuler ces effets, à
commencer par des dispositifs
d'enregistrements courts et de répétition
pour reproduire les échos (écho à
bande), et les plaques ou les ressorts
pour la réverbération... Mais si l'on
trouve encore des amplis équipés de
réverb à ressorts (alors que le procédé
de fabrication de l'effet numérique reste
à présent quasiment aussi coûteux), on
ne rencontre guerre d'écho à bandes,
sinon dans les musées...
Mais ces effets reposant sur le
changement de dimension présentent
quelques désagréments : s'ils sont
insérés lors du mix, ils agrémentent les
sons des différents instruments, ce qui
noie en quelque sorte l'ensemble des
instruments dans un même niveau de
transformation, et ce n'est pas
nécessairement l'effet désiré : l'effet
souhaité par les guitaristes a surtout été
imaginé pour démarquer leur son dans le
mixage final.
De plus, les changements de paramètres
associés aux effets se voulaient de plus
en plus paramétrables : pour une
réverbération déjà bien soutenue, il était
difficile de la baisser en fonction des
fréquences de tous les instruments, pour
bien distinguer le son souhaité dans le
résultat final.
Aussi, les constructeurs se sont orientés
vers le développement d'effets
individuels. Ainsi, on mesurera l'écho en
fonction du temps de retard (basé sur le
tempo du morceau) appelé delay (ce qui
donna le nom à l'effet répétitif) et la
réverbération en fonction du temps
pendant lequel l'effet de réverb est
maintenu.

De ces paramètres se sont distingués
des effets particuliers, notamment en
fonction de la répartition et la
propagation sonore du son dans
l'espace, comme l'effet panoramique de
la stéréo (à droite – à gauche) qui
lorsqu'il n'était appliqué en alternance
que d'un seul côté donnait un effet
vibratoire ou trémolo. De même, l'effet
de répétition du signal sur un paramètre
de delay < 40ms produit un doublement
du signal avec un très léger décalage qui
"grossit" le son, un peu comme une voix
qui est émisse à l'unisson : c'est l'effet
de chorus traduit de chœur en anglais.
Enfin, d'autres effets célèbres sont
survenus, on pourrait dire par accident :
l'effet de flanger (flange veut dire bord
en anglais) a été produit par un
technicien qui ralentissait avec le bout
du doigt la bande analogique pendant sa
rotation lors d'un enregistrement des
Beatles. L'effet produit est cet effet
trainant, basé sur un décalage entre une
piste et une ralentie artificiellement.
Un décalage plus mécanique se
rapproche du son flanger, avec un effet
dit rotatif : le phaser. Avant d'être
décalé, le signal revient en position
d'origine selon un temps de retard dit de
modulation de phase. Ainsi, sur plusieurs
canaux, la réintroduction du signal
retardé sur la piste conduisant le signal
normal. L'effet produit est équivalent à
un effet sonore bien connu sur les
aéroports lorsque l'avion émet le bruit
mais que la réplication du son produit
précédemment nous parvient également
-113-
aux oreilles avec ce léger retard. On
rencontre alors cet effet de balayage.
Un autre effet, issus de cette famille
d'effets tournants, fut reproduit avec un
haut-parleur tournant repris par un
micro. Les variations de volumes
combinées à "l'effet de traine" constaté
produit un résultat intéressant, riche en
amplitude sonore et très crémeux : le
rotary-speaker a essentiellement été
utilisé pour les orgues mais a connu ses
heures de gloire dans les années 60 et
70.
Enfin, des effets sur le signal d'entrée
ont été construits par des électroniciens
pour agir sur les fréquences ou le
volume. Sans parler d'effets, les pédales
de volume sont de simples variateurs au
pied provocant la même incidence sur le
son que le potentiomètre de volume de
l'instrument. Bien utilisé de manière
synchrone à l'attaque de chaque note,
elle permet de l'effacer, ce qui donne un
effet de violoning qui s'approche d'un jeu
fluide joué à l'archer.
La pédale wha-wha sur le même
principe, n'a pas décliné l'effet du bouton
de volume, mais de tonalité, dans une
plage de fréquence crête qui correspond
à la variation entre deux tonalités
médium. La course de la pédale ne
traitant le signal produit qu'entre ces
deux seuils de tonalité, l'effet produit
"wha" est immédiatement
reconnaissable.
Pour ce qui est de la fabrication des
consoles d'enregistrement, il a souvent
été demandé de "linéariser" au
maximum le signal d'entrée entre deux
seuils de volume : un seuil mini et un
seuil maxi permettant de masquer les
variations de jeu, et de traiter réellement
le signal sur une intensité bien définie,
donc pou un mix simplifié.
La compression du signal rehausse donc
les attaques faibles du médiator et
masque l'intensité de jeu pour des
attaques plus soutenue, donc ou perd les
nuances du jeu, mais au contraire, on
enrichit les rythmiques, par le
compresseur.
-114-
De même, jouer sur la tonalité ou
l'intensité sonore, autant jouer sur la
hauteur de la note. Le fait de varier par
transposition simultanée une note
donnée un ou plusieurs octaves plus
haut ou plus bas produit un effet de
doublage intéressant : c'est l'octaver.
Lorsque le même mécanisme est utilisé
sur d'autres fréquences que l'octave,
mais pour des tierces, des quintes, ... on
parle d'effet harmoniseur, dont le plus
célèbre est piloté au pied : la whammy.
D'autres effets étranges issus des
tourments d'électroniciens géniaux ont
été produits par des accessoires plus que
des processeurs d'effets. L'idée de jouer
la même rythmique sur deux pistes
différentes en les distinguant d'un léger
décalage, le fait d'utiliser des bottlenecks
ou des capodastres, l'utilisation de la tige
de vibrato sont autant d'exemples.
Peut-on considérer un égaliser comme
une pédale d'effet ? Ils sont construits
par les mêmes acteurs du marché, et
permettent une coloration différente en
cours de jeu. Souvent secondés par des
filtres qui coupent carrément certaines
fréquences, comme les filtres passe-haut
ou bas qui produisent des effets de
mégaphone (juste les haut-médium) ou
d'ampli miniature sans fréquences
basses que l'on retrouve sur des voix et
des guitares.
Au contraire, certains effets augmentent
certaines fréquences, notamment
enhancer ou exciter qui jouent comme
des égaliseurs graphiques, ou encore des
enveloppe filters qui, comme pour les
synthétiseurs, agissent comme des
filtres d'effets sur le signal de base.
On trouve également (à tort ?) des
systèmes de nettoyage du son, qui
suppriment certaines fréquences et
réduisent ainsi le bruit de fond (au
détriment de l'expressivité de jeu qui
souvent est masquée, comme sur un
compresseur).
On en dénombre quelques uns assez
remarquables comme la talkbox qui
s'insère entre l'amplificateur de
puissance et le haut-parleur et qui
conduit une partie du signal vers une
bouche humaine par un petit tuyau de
plastique. Le son conduit ainsi est
recueilli dans la bouche et modulé par le
guitariste lui-même puis renvoyé vers la
sono pour un effet de "voyélisation"
assuré car le son obtenu produit des
variations de voyelles rapprochant le son
de guitare de la voix humaine (voyelizer
ou humanizer).

De même, l’e-bow ou le sustainer

consistent à produire électriquement un
champ magnétique proche des cordes,
augmentant artificiellement le sustain ou
le larsen des notes produites.

Le son en résumé

C'est l'alchimie complexe, le mélange subtil de plusieurs ingrédients, une chaine, voire
plusieurs chaines de paramètres qui définissent des couleurs d'une palette offrant des
possibilités infinies, les ingrédients des mets les plus subtils comme les plus basiques, les
plus délicat ou raffinés comme les plus essentiels, comme pour revenir aux tons
primaires, aux matières les plus brutes ou pour sublimer par de subtils arrangements
perceptibles au bout de plusieurs écoutes, un peu comme un tableau qui dévoile chaque
fois un peu plus à chaque visite au musée...

-115-
Indissociables de tout son de guitare moderne, les effets sont des armes à double
tranchant : utilisés avec discernement et parcimonie, ils magnifieront votre son et
constitueront un plus au service de votre expression ; mal maîtrisés ils peuvent détruire
l’intelligibilité même de votre musique. C’est pourquoi il est primordial de les connaître
bien et de les essayer en détail avant que de les employer sur une scène ou dans un
studio. Enfin souvenez-vous que quelles que soient les qualités intrinsèques d’un effet, il
est tributaire de tout ce qui, dans la chaîne, va se trouver et en amont (guitare, autres
effets, préampli ampli), et en aval (autres effets, ampli, sono etc.). [Judge Fred]

Réflexion
On constate que toute la magie du son du guitariste n’est pas uniquement liée au matériel, mais à des
paramètres de restitution du son, comme la prise de son. Toute la richesse d’un bruit n’est pas uniquement
liée à la grosseur du portefeuille mais parfois à l’expérimentation, l’énergie, … la folie ou l’ingéniosité des
acteurs de l’industrie du son.

Sommes-nous arrivés aux limites de la transformation sonore ? Est-ce que de nouveaux effets ont été
développés ? En ce qui concerne les mécanismes de synthèse et d’émulation des sons existant, il est
évident que depuis plusieurs années, l’innovation des constructeurs est mise de côté face aux
performances ou aux prix des équipements.

Devenus plus stables, plus fiables, ils ouvrent de plus en plus de perspectives aux guitaristes offrant des
paramètres jusqu’alors impossible à exploiter, mais autour des algorithmes traditionnels de décalage, de
répétition ou de doublage.

Qui pourrait s’engager sur l’avenir de la création sonore tant la production musicale tend vers un formatage
et une uniformité, il semble hasardeux de proposer un effet qui reproduise des expérimentations sonores
complexes… et les constructeurs l’ont bien compris en rééditant d’anciens modèles ou en proposant des
systèmes d’émulation.

-116-
Glossaire
Accord : Ensemble de notes jouées
simultanément et se référant aux règles
de l'harmonie. Suivant l'intervalle de ces
notes, l'accord peut être majeur, mineur
ou dissonant.
Altération: Signe conventionnel placé
soit au début d'une portée pour en
indiquer la tonalité, soit à gauche d'une
note pour en modifier la hauteur. Il
existe trois types d'altération : le dièse
(#), le bémol (b) et le bécarre.
Amplification : C'est le processus qui
consiste à transformer les vibrations des
cordes grâce aux micros en énergie
électromagnétique qui est transportée
vers l'amplificateur qui de nouveau
converti ces signaux en sons.
Appogiature : technique consistant à
maintenir une position d’accord tout en
l’agrémentant d’une mélodie composée
de notes complémentaires.
Archtop : Guitare à table bombée,
inspirée du violon. La table et le dos en
sont bombés à l'aide d'une presse ou
franchement taillés dans la masse (on
parle alors de table sculptée). Le manche
est légèrement incliné par rapport au
plan de la table et le chevalet. Entouré
de deux ouïes en f, il est indépendant du
cordier.
Armature: L'armature est constituée
d’une ou plusieurs altérations donnant la
tonalité générale d'une pièce musicale.
Elle est toujours placée juste après la
clé.
Arpège: Manière de jouer les notes d'un
accord une par une.
Augmenté : Augmenté d'un demi-ton.
Barrage : Souvent appelées barres
d'harmonies, ces petites barres de bois
sont placées à l'intérieur de la caisse
d'une guitare acoustique, afin d'atténuer
les effets de vibration du bois. Il existe
deux principaux types de barrages :
parallèle ou en X.
-117-
Barré : (bar) Technique consistant à
barrer plusieurs cordes avec le doigt,
généralement l'index. Il peut aussi s'agir
d'un petit barré, exécuté à l'aide de
l'annulaire ou de l'auriculaire.
Barre de tension : (truss-rod) Barre de
métal intégrée au manche, sur toute sa
longueur, et qui offre une résistance à la
pression exercée par la tension des
cordes. Le plus souvent, cette barre de
tension offre la possibilité d'ajuster
l'inclinaison du manche.
Basses alternées : En finger-picking,
cette technique consiste à jouer une
mélodie, en s'appuyant alternativement
sur des basses.
Bend : Cette technique de la main
gauche consiste à tirer ou à pousser le
long d'une frette une corde afin de
monter la hauteur de la note. Les bends
les plus courants se situent entre un
demi-ton et un ton et demi.
Bobinage : (coil) Maillon essentiel du
micro, le bobinage consiste en un fil de
cuivre extrêmement fin, enroulé autour
d'une pièce trouée sur laquelle viennent
se greffer les plots magnétiques.
Bottleneck : Littéralement, c'est un
goulot de bouteille. Mais il peut s'agir
d'un tube en métal, en verre ou en
plastique destiné à glisser (slide) sur les
cordes. Il peut être placé soit sur
l'annulaire soit sur l'auriculaire. C'est
l'instrument de prédilection des
bluesmen.
Capodastre : (capo) Objet qui bloque
les cordes sur le manche et exécute un
barré parfait. Il permet de jouer
facilement dans une tonalité différente,
sans changer la position des accords de
base.
Chevalet : Petite plaque de bois ou de
métal servant à fixer les cordes d'une
guitare.
Chorus : synonyme de solo. Effet de
chorus qui donne de l’ampleur au son,
un peu comme s’il était double, par le
biais d’une répétition du signal ajustée
sur un temps de retard très court.
Clé : Signe conventionnel placé au début
de portée qui identifie les notes.
Exemple : Clé de SOL ou de FA.
Corde à vide : Une corde à vide est une
corde que l'on joue sans qu'aucun doigt
ne la pince.
Caisse : (body) Cavité, le plus souvent
en bois, qui permet d'amplifier le son
émis par les vibrations des cordes sur
une guitare acoustique. La caisse se
compose de la table d’harmonie (la face)
et du dos (le fond), les deux parties
étant séparées par des éclisses.
Circuit actif : Circuit qui comprend un
dispositif destiné à augmenter le sustain
ou la longueur dans le temps de la tenue
de la note. Avec ce type de système, qui
comporte une alimentation par piles et
un pré-amplificateur, le signal de sortie
est plus important et sans souffle.
Circuit passif : Circuit à électronique
passive (potentiomètres ou boutons de
volume et tonalité pour une guitare,
égalisation pour un ampli) dans lequel le
signal n’est pas amplifié et reste brut.
Cordier : (tailpiece) Pièce située sur la
table et où sont fixées les cordes. Selon
les modèles, les cordes, passant à
travers le cordier, peuvent être nouées
ou bien retenues par des plots ou encore
traverser le corps de la guitare.
Cutaway : Echancrure, simple ou
double, permet à la main gauche d'aller
plus près du manche, sur la touche, et
d'accéder ainsi plus aisément aux notes
aiguës. La Gibson SG, par exemple,
possède un double cutaway.
Degré : Dans une gamme position d'une
note par rapport à la tonique. Exemple :
dans l'échelle de DO, le 5eme degré est
SOL.
Demi-caisse : Modèle de guitare
électrique à caisse creuse, destiné à
-118-
rendre le son moins électrique.
Généralement les ouïes en «f» qui
ornent la table sont souvent peintes. La
plus illustre de ces guitares est
assurément la Gibson ES335.
Diminué : Abaissé d'un demi-ton.
Distorsion : Effet de modification du
son d'une guitare amplifiée par la
saturation d'un des éléments du
système. La distorsion peut être obtenue
soit par l'intermédiaire d'une pédale
placée entre la guitare et l'ampli, soit
directement avec l'ampli.
Doigté : (fingering) C'est la façon dont il
faut appliquer les doigts de la main
gauche sur la touche. Généralement, sur
les tablatures, le doigté est représenté
par les chiffres 1, 2, 3 et 4
(respectivement l'index, le majeur,
l'annulaire et l'auriculaire).
Dominante : 5ème degré d'une gamme.
Double bobinage : (humbucker) Le
micro à double bobinage est destiné à
atténuer les bruits de fond (ronflettes
dues au captage du champ
électromagnétique, sensibilité aux
champs électriques environnants) et
s'avère être beaucoup plus puissant que
le micro à simple bobinage.
Eclisse : (side) Côté de la caisse de
résonance qui consiste en une planche
de bois incurvée qui sépare la table du
dos.
Fondamentale : Note qui sert de base à
un accord.
Flat-top : (table plate) Modèle de
guitare dont la table d'harmonie est
plane. Les guitares classiques, de même
que les guitares folk sont des flat-top
Frette : (fret) Ce sont les petites barres
de métal qui forment la touche. L’espace
entre chaque frette diminue au fur et à
mesure qu'on se rapproche du corps de
l'instrument.
Gamme : Série de sons ascendants ou
descendants disposés à intervalles
convenus.
Guitare rythmique : Guitare
d'accompagnement qui suit le rythme
d'un morceau.
Gain : Le rapport entre le signal d'entrée
(guitare) et le signal de sortie (haut-
parleur) est généralement linéaire. Le
gain est le coefficient de multiplication
de chaque élément des signaux. Il est
mesuré en décibels (dB).
Gauge : (calibre) Diamètre d'une corde,
dont la mesure par convention est le
pouce. Encore appelé «tirant» (heavy
gauge pour gros tirant, light gauge pour
faible tirant).
Glissé : (slide) Technique de la main
gauche, qui consiste à lier deux notes
par un effet de glissé.
Hammer-On : Liaison ascendante entre
deux notes.
Harmonique : C'est d'abord un élément
de la décomposition d'un son en
fréquence ; mais c'est aussi une sonorité
obtenue en effleurant légèrement à un
endroit donné, appelé "nœud" ou "point
nodal" (ex: frettes 5, 7 et 12). On
distingue les harmoniques naturelles,
effectuées à la main gauche sur une
corde à vide et les harmoniques
artificielles, jouées à la main droite sur
une corde frettée.
Humbucking : voir "Double bobinage"
Impédance : Mesure de résistance
électrique. Les guitares électriques
actuelles sont généralement équipées de
circuits à forte impédance.
Intervalle : Distance qui sépare deux
tons (seconde, tierce, quarte, quinte,
sixte, septième etc...).
Jack : Prise électrique qui permet de
raccorder une guitare à un amplificateur.
De l'un à l’autre, il peut également relier
des pédales d'effets. Sur les Les Paul, la
prise se situe sur l'éclisse, tandis que sur
les Fender elle se situe sur la table.
Jumbo : Modèle de guitare à table plate
et dotée d'une caisse très large ; le
terme s'applique également au tirant des
cordes le plus gros.
-119-
Lead : Terme appliqué aux guitaristes
"solo", par opposition aux guitaristes
rythmiques.
Majeur : Mode ou Gamme dans laquelle
les demi-tons sont situés entre le 3ème
et le 4ème degré, et entre le 7ème et le
8ème degré.
Manche : (neck) Partie de la guitare qui
prolonge la caisse et porte la touche
ainsi que les mécaniques. Il existe trois
types de manches: manche collé,
manche vissé et manche transversal.
Mécaniques : (machine heads) Les
mécaniques, placées sur la tête de
manche, permettent de réduire ou
d'augmenter la tension des cordes, donc,
de descendre ou de monter la hauteur
des notes (les plus connues sont les
Grover et les Schaller).
Médiator : Petit morceau, généralement
de plastique, qui sert à frapper les
cordes d'une guitare.
Mesure : Division du temps musical en
unités égales, matérialisées sur la portée
par des barres verticales dites barres de
mesure.
Microphones : Il existe de grandes
catégories de microphones. Les
dynamiques, particulièrement adaptés
pour les concerts et les condenseurs,
surtout destinés aux enregistrements en
studio. Distinguez également les
microphones unidirectionnels et les
multidirectionnels.
Mineur : Mode ou Gamme dans laquelle
3 demi-tons sont situés entre le 2ème et
le 3ème degré, entre le 5ème et le 6ème
degré, et entre le 7ème et le 8ème
degré.
Note : Elle représente une durée et un
son, suivant sa figure et sa position.
Note bloquée : C'est une façon de
bloquer avec le doigt ou la paume de la
main une note pour étouffer sa
résonance.
Octave : Intervalle de huit degrés. Jouer
à l'octave consiste à reproduire la même
note mais plus aigue (octave supérieure)
ou plus grave (octave inférieure).
Open tuning: La méthode actuellement
utilisée pour l'accordage de la guitare est
la suivante. De haut en bas: MI-LA-RE-
SOL-SI-MI. Cependant, il existe d'autres
formes d'accordage, appelés "open
tuning" (accord ouvert). Généralement,
les open tuning permettent d'accéder,
cordes à vide, à un accord parfait sur les
six cordes.
Pentatonique : La gamme pentatonique
(penta = cinq) est une des gammes les
plus anciennes et les plus courantes. Elle
est composée de cinq notes et se
différencie de la gamme diatonique par
l'absence de deux notes, la quarte et la
septième.
Pickguard : Plaque de protection,
destinée à préserver le bois des attaques
de cordes. Gibson fut l'une des
premières sociétés à ajouter cette pièce
à l'instrument.
Picking : (pincé) Technique de la main
droite qui consiste à frapper ou à tirer
une corde pour la faire sonner. Plus
précisément, cette technique peut
consister à replier le doigt sur lui-même
après l'attaque de la corde. A ne pas
confondre avec le finger picking (ou
picking) qui consiste en un jeu de basses
alternées, jouées au pouce.
Piezzo : C'est le type de micro le plus
populaire en ce qui concerne les guitares
acoustiques. Mis au point par la société
Ovation (souvent injustement appelé
transducteur), le Piezzo est composé de
cristaux spéciaux qui génèrent de
l'énergie électrique par rapport à une
action mécanique (vibrations des cordes
ou de la caisse).
Pitch : Longueur de corde (Pitch pipe :
diapason).
Plectre : (plectrum) Médiator.
Pré-amplificateur : (pre-amp) La
fonction du pré-ampli est d'enregistrer le
signal résultant des vibrations des cordes
-120-
et de l'amplifier sans modifier pour
autant la couleur du son. Le pré-ampli
est généralement doté d'un équaliseur et
se place à la sortie de l'instrument.
Portée : Série de cinq lignes
horizontales utilisées pour noter la
musique.
Pull-Off : Liaison descendante entre deux
notes.
Renversement : Il y a renversement
d'accord, lorsque la note supérieure
devient inférieure. Autrement dit, dans
ce cas, quand la fondamentale n'est plus
la basse.
Repère : (position marker - dot)
Incrustation de nacre, de bois ou de
plastique placée à des endroits
déterminés de la touche. Généralement,
ces repères se trouvent à hauteur des
frettes 3, 5, 7, 9, 12, 15, 17, 19 et 21.
Riff : Thème principal de 2, 4 ou 8
mesures, joué rythmiquement ou
mélodiquement, qui reviennent
régulièrement sur une pièce rock.
Rosace : C'est une ouïe généralement
ronde percée dans la table d'une guitare
acoustique. Le terme s'applique
également à la décoration de cette ouïe.
Silence : Interruption plus ou moins
longue du son. Les expressions de
silence sont représentées par des signes
conventionnels.
Saturation : (cleeping) Phénomène de
distorsion harmonique dû à la surcharge
d'appareils électroniques tels les amplis
ou les égaliseurs. Il peut également
s'agir d'un phénomène délibéré provoqué
par la saturation des étages de pré-
amplification.
Septième : Septième degré d'une
gamme.
Sillet de tête : (nut) Généralement
travaillé dans l'ivoire, l'os, le métal ou le
plastique, cette pièce se situe au bord de
la touche, avant la tête, et constitue
l'extrémité de la longueur de corde
vibrante.
Sillet de chevalet : (bridge saddle)
Travaillé dans les mêmes matériaux, il
est placé sur le chevalet et constitue la
seconde extrémité de la longueur de
corde vibrante.
Sustain : Durée de résonance naturelle
après l'attaque de la corde. Il s'agit d'un
des éléments qui permet de définir la
qualité sonore d'une guitare.
Tablature : Notation musicale qui
représente les cordes de la guitare et
l'emplacement des doigts sur le manche.
Tapping : (Two-handed-tapping)
Technique rendue célèbre par Eddie Van
Halen qui consiste à jouer legato les
deux mains sur la touche. Pour ce fait, la
main droite exécute des coulés,
complétant ainsi ceux, naturellement
plus aisés, de la main gauche.
Tempo : Vitesse d'exécution d'un
morceau. Le tempo s'exprime en
fonction d'une unité de temps de
mesure.
Tension : La tension des cordes est
imputable aux mécaniques et induit
directement la hauteur de la note.
Lorsque deux cordes de masses
différentes sont jouées, celle qui a la
masse la plus importante vibrera à une
fréquence plus faible et sonnera donc
plus grave.
Tierce : Troisième degré d'une gamme.
Ton : Rapport des hauteurs entre deux
notes conjointes correspondant à la fréquence centrale d'un égaliseur.
l'intervalle de seconde majeure. Le ton
est lui même constitué de deux
intervalles égaux nommés demi-tons.
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Tonalité : Ensemble des relations entre
les degrés hiérarchiques d'une échelle de
sons ou d'une gamme par rapport à la
tonique.
Tonique : Première note de la gamme
du ton dans lequel est composé le
morceau.
Transposition : C'est le fait de
reproduire une même ligne mélodique ou
une même pièce dans une autre tonalité.
A ce titre, le capodastre est un outil de la
transposition.
Trémolo : Répétition rapide d'une note,
donnant ainsi l'impression d'un gros
sustain. Le terme s'applique aussi à un
système électronique adapté sur certains
amplificateurs et destiné à modifier le
volume d'une note. Enfin, c'est
l'appellation anglo-saxonne pour le
vibrato.
Truss-rod : (barre de réglage) Voir
"Barre de tension".
Tun-O-Matic : Chevalet Gibson,
intégralement réglable, mis au point en
1955 par Seth Lover et Ted McCarthy.
Vibrato : Technique qui consiste à faire
onduler une note, au moyen de hammer-
on et de pull-off légers et rapides. La
même ondulation peut être obtenue à
l'aide d'un bras mécanique (celui du
vibrato) qui permet de modifier
alternativement la tension des cordes.
Wah-wah : Effet permettant de modifier
Whammy-bar : Bras de levier du
vibrato.