Introduction

   
 
Au   cours   du   XIVe   siècle,   dans   l’ensemble   de   l’Europe,   et   plus   particulièrement   en   France,   nous  
assistons  à  un  formidable  renouveau  artistique  qui  se  traduit  notamment  par  l’émergence  d’un  
genre   nouveau,   celui   du   portrait.   S’il   est   vrai   que   les   artistes   ont   toujours   été   animés   d’une  
volonté  de  représenter  des  personnages  illustres  tels  que  les  rois,  il  faut  cependant  remarquer  
que   c’est   en   particulier   sous   le   règne   de   Charles   V   que   cet   intérêt   pour   des   représentations  
physionomiques  de  plus  en  plus  fidèles  à  la  réalité  se  développe.  En  effet,  Charles  V  se  pose  en  
mécène   des   arts   et   motive   ce   qui   est   en   fait   un   progrès   artistique   grâce   à   de   nombreuses  
commandes   parmi   lesquelles   figure   le   Parement   de   Narbonne.   Il   s’agit   d’un   ornement   d’autel,  
plus  précisement  d’une  grisaille  sur  soie,  réalisée  entre  1364  et  1378  (vraisemblablement  vers  
1375)  peut-­‐être  par  Jean  d’Orléans,  qui  était  en  fait  le  peintre  attitré  de  Jean  II  le  Bon,  Charles  V  
et  Charles  VI.    
Parvenue  jusqu'à  nous  détachée  de  son  contexte  d'origine,  cette  très  belle  et  longue  pièce  (75  x  
208   cm)   a   fait   partie   d'une   «chapelle»,   autrement   dit   d'un   assortiment   d'ornements   et   de  
vêtements   liturgiques   nécessaires   à   la   célébration   des   offices.   Le   Parement   de   Narbonne   était  
probablement   le   «   dossier   »   (la   pièce   accrochée   derrière   la   table   d'autel)   d'une   chapelle  
quotidienne   utilisée   pendant   les   jours   ordinaires   lors   du   Carême   (d’où   d’ailleurs   le  
monochrome).    
Cet  ornement  d'autel  se  présente  sous  la  forme  d’une  longue  frise  monochrome  sur  laquelle  sont  
représentés  des  épisodes  de  la  Passion  du  Christ,  allant  ainsi  de  l’Arrestation  jusqu’à  l’Apparition  
du   Christ   à   la   Madeleine.   Malgré   l’omniprésence   du   thème   religieux,   nous   pouvons   remarquer  
deux  éléments  particuliers  :  les  portraits  de  Charles  V  et  de  Jeanne  de  Bourbon,  agenouillés  et  en  
prière,  de  part  et  d’autre  de  la  scène  centrale  du  Parement,  la  Crucifixion,  ainsi  que  la  répétition  
de  la  lettre  «  K  »  dans  la  bordure,  qui  fait  référence  à  «  Karolus  »,  c'est-­‐à-­‐dire  Charles  V.      
Ainsi,   dans   quelle   mesure   pouvons-­‐nous   dire   que   le   Parement   de   Narbonne   est   un   exemple  
parfait  de  l’évolution  du  portrait  physionomique  et  de  la  représentation  des  expressions,  et  cela  
malgré  la  prédominance  d’un  motif  parfaitement  classique  qui  est  la  représentation  d’épisodes  
de  la  Passion  ?  
Nous   verrons   dans   un   premier   temps   que   le   Parement   propose   bien   des   apports   nouveaux   dans  
la  représentation  malgré  le  recours  à  un  motif  pas  spécialement  original,  et  que  finalement  l’un  
des   intérêts  majeurs   de  cette  pièce  est  précisément  de   proposer  une   représentation   nouvelle   de  
la  figure  royale.    
   
 
I) Le  recours  à  un  motif  classique  avec  des  apports  nouveaux    
 
a) Une  composition  rythmée    
 
Le  Parement  de  Narbonne  donne  donc  à  voir  un  enchainement  de  scènes  issues  de  la  Passion  du  Christ,  
présentées  sous  la  forme  d’une  frise  insérée,  encadrée  véritablement  par  une  architecture  feinte  qui  n’est  
pas   sans   rappeler   l’intérieur   des   églises.   Cette   insertion   des   scène   dans   un   cadre   architectural   est   elle   –
même  contenue  à  l’intérieur  d’une  longue  bordure  ponctué  de  médaillons  comprenant  le  chiffre  K,  et  qui  
imite  tel  un  trompe  l’œil  le  cadre  d’un  tableau  et  propose  aussi  d’une  certaine  façon  un  portrait  de  Charles  
V  :   c’est   une   façon   de   marquer   sa   présence   et   sa   qualité   de   mécène   et   de   commanditaire   en   ce   qui  
concerne  le  Parement.  Par  ailleurs,  la  composition  en  frise  rappelle  la  tradition  antique  et  assoie  de  cette  
façon  la  figure  du  roi  et  légitime  son  pouvoir.  En  représentant  le  roi  au  sein  de  cette  composition  en  frise,  
l’artiste  traduit  en  fait  en  image  le  pouvoir  royal  grâce  à  la  représentation  de  la  figure  du  roi.    
Le   décor   d’architecture   qui   rappelle   les   églises   permet   également   de   rythmer   la   composition   et   de   bien  
délimiter   chaque   scène   sans   pour   autant   les   séparer   complètement  :   les   personnages   peuvent   parfois  
dépasser  du  cadre,  ce  qui  suggère  l’idée  d’une  continuité  entre  les  scènes.    
Cette   architecture   feinte   comprend   une   suite   d'arcs   brisés   (=une   arcature),   baies   géminées   et   triforium,  
éléments   trilobés,   avec   écoinçons,   médaillons,   arcature   en   haut,   clef   pendante,   cadre   :   rinceau   avec  
médaillons  et  initiale  K  qui  se  rapporte  à  Charles  V.    
La   lecture   des   scènes   est   particulièrement   simple  :   de   gauche   à   droite:   baiser   de   judas   /   arrestation   du  
Christ  (saint  pierre  qui  remet  son  épée  dans  son  fourreau  après  avoir  voulu  couper  l'oreille  d'un  militaire),  
flagellation   du   christ   (pieds   et   poings   liés   à   une   colonne   de   l'architecture   feinte,   portement   de   croix  
(présence  de  Marie,  jean  l'évangéliste  -­‐>  cheveux  long,  très  féminin),  scène  centrale:  scène  de  la  crucifixion  
du   christ   avec   les   deux   larrons,   Marie   à   droite,   Jean   à   gauche,   soldat   avec   le   sceau   de   vinaigre,   il   y   a   un  
filactaire:   "assurément   c'était   le   fils   de   Dieu",   un   crâne   qui   fait   référence   au   mont   gogath   et   crâne   d'Adam,  
séraphin  avec  trois  paires  d'ailes,  anges  qui  recueillent  le  sang  du  christ.    
Avec  cette  architecture  et  cette  omniprésence  de  la  religion,  cette  pièce  de  soie  se  fait  l’écho  de  plusieurs  
autres   œuvres   tels   que   des   manuscrits   enluminés   (le   Bréviaire   de   belleville   notamment,   qui   date   des  
années   1380)   et   où   l’on   retrouve   des   représentations   des   personnages   emblématiques   de   l’histoire  
religieuse  mais  aussi  des  retables  extrêment  nombreux.    
 
b) Des  scènes  claires  et  classiques    
-­‐  A  gauche  :  
Arrestation  du  Christ  /  Flagellation  /  Portement  de  croix  :  véritable  symétrie,  deux  groupes  sur  les  côtés  
confus   avec   bcp   de   mouvements,   qui   se   répondent   entre   eux   avec   positions   des   bras   et   des   jambes   des  
soldats  qui  flagellent  le  christ.  La  lecture  des  scènes  s’opère  grâce  aux    gestes  des  personnages  qui  nous  
"amènent"  vers  les  scènes  suivantes.  Scène  du  portement  de  croix  est  particlièrement  subtile  puisque  tout  
s’organise   autour   de   la   croix.   Le   christ   se   retrouve   du   côté   de   ceux   qui   demande   sa   mort   et   du   côté   des  
instruments  de  la  passion  :  ce  qui  est  en  fait  une  façon  de  signifier  qu’il  est  passé  du  côté  du  sacrifice.    
 
-­‐  Au  Centre  -­‐  Crucifixion  :  
La   croix   est   à   nouveau   l’élément   central   qui   sépare   les   personnages   mais   qui   les   fait   pourtant   tous  
converger  vers  le  Christ.  On  remarque  que  la  gestuelle,  notamment  dans  les  bras  des  proches  du  Christ,  
traduit  les  émotions.  4  compartiments  d’architecture  feinte  encadrent  cette  scène  centrale  du  Parement  et  
on   remarque   notamment   les   portraits   de   Charles   V   et   de   son   épouse,   dont   les   mains   en   prière   convergent  
vers  le  Christ.  Au-­‐dessus  du  Roi  et  de  la  Reine,  on  a  l’Église  accompagnée  du  prophète  Isaïe  +  la  Synagogue  
accompagnée  du  roi  David.    
 
-­‐  A  droite  :  
Mise  au  tombeau  (Marie  embrasse  le  Christ,  Jean  l'Évangéliste,  Marie-­‐Madeleine  et  la  troisième  femme  qui  
peut  être  Marie  mère  de  Jacques,  les  deux  hommes:  jean  nicodème  -­‐un  des  premiers  disciples  du  christ-­‐  et  
joseph  d'arimacie)  /  Descente  aux  limbes  (christ  au  centre  qui  tient  la  croix  qui  représente  la  résurrection  
du  Christ,  Adam  accompagné  d'Eve  dans  les  enfers,  saint  Jean-­‐Baptiste-­‐  vêtement  de  peau  de  bête  car  il  a  
vécu   dans   le   désert   -­‐   qui   observe   la   scène)   /   Madeleine   va   au   tombeau   et   voit   une   apparition,   celle   du  
Christ,  qui  lui  dit  "ne  me  touche  pas".  
Scènes  de  la  mise  au  tombeau  :  lignes  qui  forment  des  cercles  concentriques  et  une  foule  de  personnages  
qui   accentue   la   tristesse   de   la   scène   représentée,   alors   que   les   deux   autres   scènes   sont   construites   avec  
moins  de  personnages  et  des  lignes  plus  droites.  
 
c) Des  expressions  marqués  
 
L’artiste  à  l’origine  du  Parement  allonge  les  personnages,  rend  leurs  silhouettes  verticales  et  rectilignes,  
témoignant  ainsi  d’une  plus  grande  maîtrise  de  la  représentation.  Il  fixe  en  l'air  leurs  mouvements  et  leurs  
gestes  les  plus  dramatiques.  La  douleur  des  uns  ne  s’exprime   que  par  une  délicate  tension  des  sourcils,  la  
haineuse  cruauté  des  autres  fige  leur  faciès  en  masques  de  métal  ciselé.  Il  y  a  donc  une  vraie  variété  dans  
les  expressions  et  c’est  ce  qui  fait  de  ce  parement  une  pièce  particulièrement  éloquente  en  ce  qui  concerne  
la  représentation  de  l’être  humain.    
Technique  de  la  grisaille  a  pour  effet  de  délimiter  toutes  les  formes  grâce  à  des  variations  de  la  couleur.  
Les   personnages   sont   représentés   avec   bcp   de   réalisme   et   c’est   notamment   le   cas   de   Charles   V   /  
comparaison   avec   son   gisant.   Qql   personnages   sont   montrés   de   dos   afin   d’accentuer   la   vivacité   de   leur  
posture.    
Autre  marque  et  innovation  de  l’artiste  :  l’aspect  tridimensionnel  qui  fait  ressortir  les  figures  du  fond.  Sa  
science  consommée  du  modelé  a  été  servie  par  la  surface  lisse  de  la  soie.    
 
 
 
 
 
 
 
  
 
II) Une  représentation  nouvelle  de  la  figure  royale  
a) Une  commande  royale  pour  un  édifice  sacré    
 
Cette   œuvre   est   probablement   commandée   et   offerte   par   Charles   V   à   la   cathédrale   de  
Narbonne,  sanctuaire  qui  représente  beaucoup  pour  les  rois  de  France.  Le  parement  de  
la  cathédrale  Saint-­‐Just  de  Narbonne  fait  partie  de  toute  une  chapelle  de  carême,  il  aurait  
été  offert  par  Charles  V  pour  faire  suite  à  la  tradition  des  donations  royales  au  sanctuaire  
qui  abritait  le  tombeau  des  entrailles  de  Philippe  III  (mort  en  1285).  De  plus  Charles  V  
confie  à  l’archevêque  de  Narbonne  une  mission  diplomatique  à  la  cour  de  Navarre.    
Pour  marquer  le  don  il  se  fait  représenter  sur  la  pièce,  qui  devient  alors  un  prétexte  à  un  
portrait   royal.   En   effet   on   trouve   de   part   et   d'autre   de   la   Crucifixion,   dans   un   cadre  
architectural   gothique,   la   figure   du   roi   Charles   V   et   sa   femme   Jeanne   de   Bourbon,  
agenouillés  dans  des  niches,  tournés  vers  la  Crucifixion.  Le  couple  royal  est  représenté  
en   prière,   la   position   de   leur   main   créant   des   diagonales   de   composition   menant   le  
regard   vers   le   visage   du   Christ.   Le   roi   ne   se   fait   pas   représenté   dans   des   vêtements  
d’apparat   mais   au   contraire   dans   un   tissu   d’une   grande   sobriété.   Sa   position   en   prière  
montre   qu’il   veut   témoigner   de   sa   piété   sur   une   œuvre   visible   de   tous   les   fidèles   qui  
participent   au   cérémonie   du   Carême,   placée   sur   l’autel   principal   de   la   Cathédrale   de  
Narbonne.  
Au-­‐dessus  de  la  niche  de  Charles  V,  une  femme  est  couronnée  et  porte  le  calice  et  l’Ostie,  
c’est   une   allégorie   de   l’église   chrétienne.   Doctrine   affirmant   que   l’église   Chrétienne  
existe   par   la   cérémonie   de   l’Eucharistie   qui   répète   la   dernière   scène,   précédent   la  
passion   de   Jésus.   Elle   est   accompagnée   du   prophète   Isaïe,   qui   annonce   la   venue   du  
messie,  c’est-­‐à-­‐dire  Jésus  Christ.  De  façon  symétrique  on  trouve  au-­‐dessus  de  la  niche  de  
Jeanne  de  Bourbon  l’allégorie  de  la  Synagogue  avec  le  roi  David  et  une  femme  aux  yeux  
bandés   car   n’a   reçu   la   révélation   de   façon   imparfaite.   Elle   porte   les   tables   de   la   loi   qui  
sont  à  l’ancien  testament  ce  que  l’eucharistie  est  au  nouveau.  Elle  porte  aussi  une  lance  
brisée   symétrique   de   la   croix   que   porte   l’église   et   qui   rappelle   peut-­‐être   l’arme   par  
laquelle  Jésus  en  croix  fut  achevé.  Il  nous  présente  un  discours  théologique  complet  sur  
l’histoire   du   salut   qui   s’accomplie   par   la   mort   de   Jésus   sur   la   croix.   Ces   deux   niches  
exposent  la  relation  entre  l’ancien  testament  et  le  nouveau,  la  loi  mosaïque  qui  fit  place  à  
la  loi  d’amour  symbolisé  par  l’eucharistie.    
 
b) L’occasion  de  portraits  physionomiques  royale  
 
L’apparition  du  portrait  physionomique  est  très  présente  lors  du  règne  de  Charles  V.  Le  
parement   associe   les   traits   caractéristiques   du   couple   royal   à   un   objet   extrêmement  
précieux  d’une  grande  qualité  technique.  Le  parement  est  exécuté  en  encre  sur  soie,  au  
style  de  la  grisaille,  ce  qui  réclame  un  véritable  savoir-­‐faire.  En  effet  cela  ne  permet  pas  
une  grande  reprise.  Les  dessins  préparatoires  doivent  être  très  approfondie  avant  d’être  
reporté   sur   le   tissu.   Cependant   on   peut   faire   l’hypothèse   que   le   roi   est   intervenu   dans   la  
création   ce   qui   expliquerait   la   retouche   sur   la   figure   assez   ingrate   de   la   reine.   Un  
infrarouge   a   mis   en   évidence   un   repentir   qu’on   peut   voir   facilement   à   l’œil   nu   sur   le  
buste  et  le  nez  tout  deux  amincis.  La  véracité  du  portrait  peut  donc  être  discuté  car  ce  
rétrécissement  est  une  idéalisation  de  la  forme  pour  une  meilleure  image  de  la  reine.    
Cet  élément  permet  de  faire  une  hypothèse  quant  a  la  datation  de  ce  parement  car  il  a  dû  
être   réalisé   du   vivant   de   Jeanne   de   Bourdon   morte   le   6   février   1378.   Il   n’y   a   aucune  
raison  de  voir  dans  le  portrait  si  réaliste  de  la  reine  une  effigie  posthume.  D’autre  part  
divers   éléments   conduise   à   penser   que   l’homme   ainsi   représenté   a   ainsi   environ   35   ans,  
donc  la  commande  aurait  été  passée  dans  les  alentours  de  1375,  trois  ans  avant  la  mort  
de  la  reine.    
 
En   Europe   occidentale,   le   goût   pour   le   portrait   n'a   cessé   de   s'affirmer   tout   au   long   du  
XIVème   siècle.   Dans   les   territoires   de   langue   française,   la   transposition   fidèle,   sous   la  
forme   d'une   œuvre   d'art,   des   traits   d'un   visage   singulier   commence   à   être   appelé  
«  semblance  ».   Cette   forme   se   distingue   du   «   pourtrai   »   qui   désigne   vers   1400,   toute  
espèce  de  dessin,  quel  que  soit  l'objet  représenté.  Qu’il  faille  utiliser  un  nouveau  terme  
indique  bien  le  caractère  illusoire  que  les  contemporains,  attachait  aux  représentations  
réalisé   au   cour   de   la   période   précédentes   durant   laquelle   le   portrait   n'étaient   pas  
identifiables   grâce   aux   particularités   physionomiques,   mais   par   des   codes   et   des  
attributs.    
Charles  V  a  favorisé  la  diffusion  de  sa  propre  image  en  s’appuyant  sur  l’intérêt  pour  le  
portrait  qui  se  développait  à  la  cour  des  Valois.  Pour  cela  il  se  sert  de  différents  supports  
destinés   à   circuler   au   sein   d’une   élite,   les   manuscrits   enluminés,   ou   à   être   vus   du   plus  
grand  nombre,  les  sculptures.    
Dans   cette   entreprise,   le   roi   a   été   bien   servi   par   sa   physionomie   marquée   qui   est   décrite  
avec  précision  par  sa  biographe  Christine  de  Pizan  vers  1404  :  «  un  peu  longuet  »,  au  «  
grant  front  et  large  »,  aux  «  sourcils  en  archier  »,  au  «  hault  nez  assez  »  et  à  la  «  bouche  
non  trop  petite  ».    
On  peut  voir  ces  caractéristiques  sur  le  gisant  du  roi  à  l’église  abbatiale  de  Saint  Denis  
par  André  Beauneveu,  commandé  vers  1364  à  sa  montée  au  trône.  Le  portrait  est  réalisé  
«  ad  vivum  »,  au  vif,  d’après  le  modèle  vivant  du  roi.  Il  montre  donc  son  visage  individuel  
sur  son  tombeau  témoignant  de  la  volonté  d’exister  en  tant  que  roi  personne  en  même  
temps  que  le  roi  fonction.  Si  le  parement  de  Narbonne  n’a  pas  été  exécuté  au  vif  ce  gisant  
a   pu   servir   de   modèle   au   peintre,   mais   l’hypothèse   est   peu   probable   étant   donné   la  
précision  de  la  représentation  peinte.    
L’exécution  de  ce  parement,  seul  objet  de  ce  type  conservé,  est  le  point  de  départ  d'un  
style  et  d'un  tradition  française.    
 
c) Une   œuvre   qui   s’inscrit   dans   une   lignée   héritière   de   l’enluminure   et   du  
dessin    
 
Les   ensembles   similaires   au   Parement   de   Narbonne   paraissent   avoir   été   rares   et   limités  
à   l'usage   des   princes   de   très   haut   rang.   La   technique   de   la   grisaille   est   très   prisée   à   la  
cour  et  ici  maîtrisée  avec  autorité  par  un  artiste  de  grande  envergure,  dans  la  lignée  de  
Jean   Pucelle.   (Comparaison   avec   la   grisaille   de   J.   Pucelle   dans   les   Heures   de   Jeanne  
d'Evreux)  
L'auteur  du  Parement  s'est  nourri  des  traditions  gothiques  de  l'art  de  Jean  Pucelle  dont  
il  reprend  les  schémas  de  plusieurs  compositions  et  le  répertoire  des  visages  virulents  
des   ennemis   du   Christ.   Mais   il   abandonne   le   dessin   sinueux,   les   arabesques   et   le  
mouvement  accentué  de  Pucelle,  proche  des  Siennois,  ses  inspirateurs.  En  revanche  les  
contacts  avec  l'art  italien  ne  cessant  de  s’intensifier,  il  est  naturel  d’en  observer  dans  le  
parement  de  Narbonne  une  certaine  influence,  sans  qu’il  s’agisse  une  imitation  directe.    
Les  historiens  voient  dans  l’auteur  de  ce  parement  en  camaïeu  un  peintre  plutôt  qu’un  
enlumineur.  Il  existait  en  France,  à  la  fin  du  XIVe  siècle,  des  tableaux  sur  bois  peints  en  
grisaille  :   l’inventaire   des   collections   du   duc   de   Berry,   rédigé   en   1402   mentionne   un  
panneau  où  un  Christ  de  Pitié  et  un  Vierge  à  l’Enfant  qui  étaient  peints  «  de  noir  et  de  
blanc  ».    
Parmi  les  peintres  travaillant  à  Paris  au  XIVe  siècle,  Jean  d’Orléans  est  parmi  les  mieux  
documentés.   Divers   éléments   font   présumer   qu’il   s’agirait   de   l’auteur   du   parement   de  
Narbonne.  Il  est  durant  le  dernier  tiers  du  siècle,  l’artiste  le  plus  important  à  Paris  à  côté  
de   Jean   Bondol.   L’étude   de   l’historien   Philippe   Henwood   nous   a   permis   de   connaitre  
l’activité  de  cet  artiste  entre  1361  et  1407.  En  décembre  1361,  Jean  d'Orléans  prend  la  
succession   de   son   père   Girard   d'Orléans,   comme   peintre   et   valet   de   chambre   du   roi   Jean  
II  le  Bon  (mort  en  1364).  Déjà  au  service  du  dauphin,  il  devient  à  son  avènement  peintre  
en   titre   de   Charles   V   qui,   lui   fera   don   d'une   maison   à   Paris   1367   et   l'anoblira   en   mai  
1368.  Jean  d'Orléans  a  travaillé  à  l'échelle  monumentale,  à  plusieurs  reprises  il  exécute  
des  peintures  murales  et  peintes  des  retables  d'autel,  notamment  pour  le  duc  de  Berry  
avec  qui  il  aura  un  contact  privilégié  dès  1369.  On  a  trouvé  dans  l’inventaire  de  Charles  V  
la  description  d’un  camaïeu  pour  le  carême  rattaché  au  nom  de  Girard  d’Orléans,  ce  qui  
signifiait   ou   bien   le   père   de   Jean   exécutait   de   telle   œuvre   ou   bien   que   l’attribution   au  
père  plutôt  qu’au  fils  est  trompeuse.  
On  peut  facilement  rapprocher  le  langage  figuratif  du  parement  de  Narbonne  de  celui  de  
quelques   feuillets   des   Très   Belles   Heures   de   Notre-­‐Dame   du   duc   de   Berry   avec  
notamment   la   figure   du   Christ.   On   voit   la   même   posture,   le   même   visage   et   la   même  
grâce.    
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Conclusion    
Finalement,  même  si  au  premier  abord,  nous  pouvons  être  tenté  de  limiter  cette  pièce  à  
sa   fonction   liturgique,   celle   d’ornement   d’autel,   il   faut   bien   avouer   que   le   Parement   de  
Narbonne   apparaît   comme   étant   un   objet   particulièrement   exceptionnel   et   intéressant  
du   point   de   vue   du   développement   de   la   représentation   physionomique,   et   cela   grâce  
notamment  grâce  à  la  présence  des  portraits  de  Charles  V  et  de  son  épouse  Jeanne.  Le  
Parement  de  Narbonne  témoigne  ainsi  d’une  tendance  qui  tend  à  s’affirmer  sous  le  règne  
de   Charles   V.   Celle-­‐ci   vise   à   livrer   des   représentations   de   plus   en   plus   fidèles   (et   donc  
reconnaissables)   de   personnages   bien   réels,   mais   aussi   à   accentuer   le   rendu   des  
sentiments  dans  les  expressions  faciales  et  la  gestuelle.  Le  Parement  de  Narbonne  se  fait  
donc  l’écho  d’une  multitude  d’œuvres  qui,  d’une  certaine  façon,  constituent  les  prémices  
d’une  nouvelle  ère  dans  le  monde  artistique.    
 
 
 
 
  
 
 
A   l'origine   d'un   genre,   le   parement   développe   le   thème   du   portrait   dans   les   figures   royales,  
réalistes  et  simples.  La  technique,  à  la  mode  à  Paris,  sert  aussi  pour  les  vitraux  (ceux  de  jean  de  
Berry   à   la   sainte   chapelle   de   bourges)   comme   pour   les   miniatures   (cf   heures   de   jeanne  
d'Evreux).  
En  raison  de  ses  scènes,  de  ses  teintes  et  de  ses  dimensions,  le  parement  ornait  sans  doute  le  dos  
d'un  autel.  
Encre  noire  sur  soie.  
 
Vers   1375,   dimension   :   75   sur   208   centimètres.   Commandée   par   Charles   V,   servait   à   la  
cathédrale  de  Narbonne,  durant  la  période  de  la  passion  et  était  tendu  devant  l'autel.  Couleurs  
absentes  car  technique  de  la  grisaille  car  but  est  de  favoriser  le  recueillement.  
Problématique  :    
 
Dans  quelle  mesure  peut-­‐on  dire  que  ce  parement  est  l’occasion  d’observer  une  évolution  
du  portrait  malgré  un  motif  des  parfaitement  classique  ?  
 
Dans   quelle   mesure   ce   parement   témoignage   d’une   représentation   physionomique  
réservée  aux  figures  royale  et  d’une  évolution  dans  la  représentation  des  expressions  de  
manière  plus  générale  ?    
Par  un  clair-­‐obscur  peaufiné,  l’autel  du  Parement  prête  aux  corps  un  volume  tactile.  Composés  
de   telles   figures,   les   groupes   gagnent   en   dignité,   en   force   et   en   sensibilité.   Ils   sont   savamment  
rythmés  et  les  scènes  de  la  Passion  s’enchainent  sous  un  décor  d’architecture  continu  qui  n’est  
pas  sans  rappeler  les  intérieurs  d’églises  (système  de  baies  géminées  pour  encadrer  les  scènes  et  
en  arrière-­‐plan,  on  reconnaît  des  triforium).  Ainsi,  ce  dessin  monochrome,  long  de  près  de  trois  
mètres,  égale  en  éloquence  monumentale  un  retable  peint  sur  un  panneau  capable  de  s’imposer  
de  loin.