LA GUERRE

 
juliette 
julie 
clarisse 
 
 
L’artiste​
 : 
 
Il se nomme Otto Dix, et est né en 1891 et il est mort en 1969. 
C’est un peintre et graveur de nationalité Allemande. 
Il a été connu car il à fondé un mouvement : Nouvelle Objectivité (La nouvelle 
objectivité : mouvement artistique allemand des années 1920 qui veut représenter 
avec objectivité et réalisme la dureté de la vie quotidienne). 
Dans ses tableaux, il représente les atrocités de la Première Guerre Mondiale. 
Au début de la première guerre mondiale, il s’engage avec enthousiasme dans 
l’armée allemande. Il devient mitrailleur et combat en France notamment durant la 
bataille de la Somme. Il obtient la croix de fer mais est traumatisé par les horreurs de 
la guerre dont il a été témoin au point d’en faire des cauchemars dans lesquels il 
rampe dans des maisons en ruine. 
 
Contexte historique​
 : 
 
 L’oeuvre est réalisée entre les deux guerres mondiales.A la fin de la guerre, ​Otto 
quitte Gera pour Dresde​  ou il commence à adopter l’expressionnisme et le collage. 
Il décide de peindre les horreurs de la guerre, notamment des « gueules cassées » 
les infirmes estropiés par la guerre ( Les Joueurs de Skat, le marchand d’allumettes 
et Rue de Prague ». Les peintures d’Otto abordent souvent des thèmes lugubres 
comme la mort, la vieillesse, la prostitution et la violence. La première guerre 
mondiale connaîtra des conséquences morales et humaines ( dix millions de soldats 
morts ) et des améliorations d’armes. Dans les années 30, l’Allemagne connaît une 
crise économique et sociale importante, elle se caractérise par une ascension du 
parti nazi. Des mouvements artistiques se développeront : le Dada et la Nouvelle 
Objectivité. 
 
 
 
 
Présentation de l’oeuvre​
 : 
 
Nom de l’oeuvre​  : La Guerre 
La date de création​  : 1929 à 1932 
Les dimensions​  :  
Le panneau central mesure 204x204 cm, les panneaux latéraux 102x204 cm et le 
panneau inférieur 204 x 60cm. 
Les personnages sont donc représentés à taille réelle ce qui intensifie la force de 
l'oeuvre. Il n'y a pas d'écart d'échelle 
entre le spectateur et l'oeuvre. C’est un triptyque, c’est­à­dire une œuvre peinte sur 
trois panneaux en bois que l’on peut replier. 
 
Thématique :​  Arts, États et pouvoir   
Domaine artistique : ​ Arts du visuel  
 
Le lieu de conservation ​ : Gemaldegalerie 
Le genre:​ peinture historique, scène de bataille 
La nature​ : peinture 
La technique​  : tempera (Procédé de peinture à la détrempe dans lequel le liant, ou 
véhicule, est une émulsion contenant des substances aqueuses et huileuse telles 
que l’œuf, le lait de figue). 
Le support :​ triptyque avec prédelle,bois. 
Genre ou formes de l'oeuvre : 
Cette œuvre est un polyptyque (tableau en plusieurs parties), elle 
rappelle la forme des retables(dans une église, c'est un tableau 
placé sur un autel et sur lequel sont représentés les épisodes de la vie du Christ et 
des saints de la Renaissance). 
C'est une oeuvre figurative, car on peut reconnaître des éléments du réel. Elle 
appartient au genre pictural de la peinture d'histoire 
 
 
Problématique : Comment les artistes représentent 
la guerre (violence de masse) durant la Première 
Guerre Mondiale à travers les peintures ? 
 
 
 
 
 
2) ​
Situer​
 : 
 
Otto  Dix  en  dépeint une  image crue non pas pour choquer mais plus  pour témoigner 
et rappeler la réalité de la guerre. 
A droite,  on  peut  voir le  soir  ou la  nuit  avec  des flammes  en  arrière­plan.  Le peintre 
nous montre une vision d’apocalypse et de désespoir. 

Analyse des panneaux​
 :  
On  peut  observer une  évolution  dans  le temps au cours des panneaux. Ils racontent 
une histoire. 

Sur  le  panneau  de  gauche,  on  voit  les  soldats  partant  au  front.  On  ne  peut 
pas  voir  leurs  visages,  on  ne peut pas  savoir  combien de  soldats  sont  présents,  ils 
disparaissent  dans  la  brume.  Otto dix rend ces soldats anonymes. Ils pourraient être 
n’importe quels soldats partis à la guerre. 
Le  panneau  central,  affiche  sans  retenue  une  vision  d’horreur  du  champ  de 
bataille.  On  peut  voir  des  cadavres  à  peine  identifiables,  des  entrailles  répendues 
dans la  boue. Au premier plan des bâtiments écroulés ou brûlés. Un des cadavres, à 
droite,  est  parsemé  de  pustules,  mort  la  main  tendue  que  l’on  imagine  dans  une 
souffrance atroce. Embroché au  reste de la  structure  d’un bâtiment,  on  peut  voir un 
squelette  pointant  d’un  doigt  accusateur  le  corps  criblé  de  balles   du  cadavre  de 
droite.  On ne peut voir qu’un seul  survivant  portant un masque à gaz et une cape. Il 
se confond avec le  chaos et  est  lui aussi privé  de son humanité. Il n’a pas  de visage 
et semble immobile. 
Le  panneau  de  droite  est  en  réalité  un  autoportrait  d’Otto  Dix.  On  le  voit 
transporter  un  blessé, et  c’est  pour  cette raison  que  c’est  le  seul personnage  vivant 
du  tableau  dont  on  voit  le  visage,  c’est  le  seul  à  avoir  son  humanité.  On  peut 
interpréter  que  la  seule  chose  d’humaine  dans  la  guerre  est  la  solidarité  entre  les 
soldats.  Le  personnage  ne  porte  pas   l’uniforme  du  soldat  et  regarde  le  spectateur 
droit  dans  les  yeux  avec  un  regard presque effrayant.  Par  là,  il  montre  comment  la 
guerre l’a transformé. 
Le  panneau  inférieur  (ou  prédelle)  représente  un  cercueil  collectif  contenant 
au moins  3  personnes. On peut  noter  que  le panneau  a les mêmes proportions que 
le cadre d’un cercueil et est aussi fait de bois. 
L'espace  formé  par  les  éléments  semble  décrire  une  boucle  :  C'est  un  éternel 
recommencement  du  cycle  de  destructions.  Le  pont  est  brisé  (dans  le  panneau 
central),  empêchant  tout  acte  de  fuite  et  le  cadavre  du  soldat  planté sur  l’arche  du 
pont  pointe  du  doigt  le  sol.  Dans  le  panneau  inférieur,  les  personnages  semblent 
coincés, étouffés.  C'est un message plein de pessimisme que  nous livre Otto Dix. Le 
ciel  est  inquiétant  :  des  nuées,  des  tourbillons  rougeâtres  y  circulent  évoquant  le 
sang et la violence du champ de bataille. 
 
Dans  ce  tableau,  Otto  Dix  énonce  très  clairement   l’horreur  de  la  guerre.  Il  montre 
que rien de positif ne peut en ressortir. 
Cette  œuvre  est là comme témoignage, pour faire prendre conscience au spectateur 
des horreurs et atrocités que provoque une guerre 
 
Ce tableau a une structure très particulière: Cette oeuvre est un polyptyque 
(tableau en plusieurs parties). Otto Dix s’inspire du modèle religieux des retables des 
maîtres  de  la Renaissance  (retable  : dans  une  église,  c'est un tableau  placé  sur un 
autel  et  sur  lequel  sont  représentés  les  épisodes  de  la  vie  du  Christ  et  des  saints 
martyres. Le  principe  des  retables  est d’articuler plusieurs  volets autour d’une partie 
centrale). 
 
Les couleurs : 
Elles  sont  principalement  ternes  :  le  gris  et  le  noir  pour  les  gravats,  la  mort  et  les 
cendres.  On repère  cependant des  couleurs  plus  chaudes notamment le rouge et le 
marron pour le  sang et  la boue. Les  couleurs  sont  sombres,  ternes  et sales comme 
l’est  l’univers  guerrier  que  dépeint  Otto DIX : une  guerre qui se déploie dans la boue 
et  la  crasse et  qui répand  la violence et  la  mort. Ça  renforce  l'idée que l'on  ne peut 
échapper à ce cauchemar. 
 
La lumière : elle nous  donne  quelques  indices et  l’on  peut  distinguer une bande de  
lumière  qui  traverse  les  trois  panneaux,  partant  de  la  gauche  en  bas,  montant 
jusqu’à  la  gauche  du  panneau  central  puis  descendant  en  bas  à  gauche.  On  peut 
également dire  de  la lumière qu’elle est pale, elle ne parait pas naturelle tout comme 
le ciel. 
 
Les  lignes :  On  peut également  noter un contraste  important  dans les  lignes  et  les 
formes  du  tableau.  Alors  que  celles  des  panneaux  de  gauche  et  de  droite  sont 
principalement  droites,  celles  du  panneau   central  son  courbées  et  enchevêtrées.  Il 
semble  que  le  peintre  veuille  faire  passer  par  là l’idée  du chaos et  de la  désolation 
du champ de bataille. 
 
 
 
 
 
Conclusion​
 : 
Le  triptyque  montre  avec  précision,  panneau  par  panneau,  les  étapes  de 
l’anéantissement des individus. 
Otto  Dix  se  concentre  sur la  représentation  des  effets  de  la guerre sur les hommes, 
sur la nature (terre dévastée, crevée de trous d’obus), sur la civilisation (ruines). 
Otto  Dix  s’attache  surtout  à  montrer  les conséquences  de la  guerre. La bataille  est 
terminée,  elle  a   laissé  place  aux  morts  et aux blessés,  aux  paysages dévastés par 
les bombardements. 
Avec cette  œuvre,  on comprend le sens des expressions «barbarie de la guerre » et 
«violence de masse». 
Otto  Dix  dénonce avec force  la guerre pour que l’humanité  se  souvienne  et tire des 
leçons de son histoire. 
 
 
 
 
 

Verdun : Felix Valotton​
 : 
 
  

L’oeuvre :  
L’oeuvre s’intitule : “Verdun” 
Date de création :​
 1917 
Date représentée :​
 1917 
Dimensions ​
: Hauteur 114 cm ­ Largeur 146 cm 
Technique et autres indications ​
: Huile sur toile. 
:​
Lieu de Conservation ​ ​
Musée de l'Armée​
 (Paris) 
Lieu de création:​
 Paris 
Le genre :​
 c’est une peinture d’histoire qui représente une scène de bataille qui se 
passe dans la nature, c’est un évènement historique. 
Nature : ​
peinture 
Domaine artistique :​
 Art, techniques, expressions 
Thématique ​
: Art du visuel 
 
 
L’auteur :  
 
Félix VALLOTTON (1865­1925) 
À  l'âge  de  17  ans,  Félix  Vallotton  entre  à  l'Académie  Julian,  dont  les  ateliers  sont 
fréquentés par de nombreux artistes. 
En  moins  de  dix   ans,  le  jeune  Suisse  parvient  à  se  faire  un  nom  auprès  de 
l'avant­garde  parisienne.  Sa renommée  devient internationale  grâce  à ses gravures 
sur  bois et à ses illustrations en noir et blanc qui font sensation.À partir de 1899, il se 
consacre  essentiellement  à  la  peinture.  Il expose  régulièrement  à  Paris,notamment 
en  janvier  1910,  lors  d'une  exposition  dont  le  catalogue  est  préfacé  par  Octave 
Mirbeau.  Il expose aussi ses oeuvres en Suisse et dans d'autres pays. Vallotton était 
un  travailleur  dévoué,  sans cesse à la  recherche  de  nouvelles formes  d'expression. 
Touché  par  l'horreur  de  la  Première  Guerre  mondiale,  il  trouva  dans  le  conflit  une 
source  d'inspiration qui  le poussa  vers l'art abstrait. Il renoua avec  le succès vers la 
fin de la guerre, avant de mourir en1925. 
 
 
 
La guerre  de 1914­1918  a  fortement marqué  les peintres  comme la grande majorité 
des  artistes  et  intellectuels  de  l’époque.  Qu’ils  soient  mobilisés  ou  non,  tous  ont 
participé  à  la  culture  de  guerre.  Mais  compte  tenu  de  la  brutalité  des  combats,  de 
leur  durée,  la   représentation  du  conflit  a  vu  ses  codes nécessairement évoluer. De 
ce point de  vue, la  figuration de la  bataille est  révélatrice.  Dans l’élan de l’assaut, la 
lutte  de  tranchées  ou  sous  la  pluie  des  bombes,  on  ne  peut  avoir  qu’une  vision 
fiévreuse  et  partielle  de  l’affrontement.  L’action  limite  considérablement  la 
perception.  Ce  n’est  qu’après  qu’il  est  possible  de  chercher  à  traduire  cette 
expérience,  par  des  mots,  par  des  images  qui  imposent  non  seulement  d’autres 
signes,  mais  aussi  d’autres  significations.  Certains  peintres  vont  ainsi  utiliser  des 
moyens  nouveaux,  plus  subjectifs,  plus  audacieux,  souvent  d’une  grande 
expressivité,  pour  aboutir  à  des  résultats  beaucoup  plus  évocateurs  que  n’importe 
quelle  tentative  de  restitution  fidèle  du  combat,  voire  à  des  démarches  abstraites 
permettant d’en transcender la terrible réalité. 
 
. 
Contexte (historique, social, artistique ...: 
 
En  ​
1916​ ,  les  poilus  et  leurs  ennemis  sont  engagés  dans  un  conflit  qui  a 
sombré  dans  l’​immobilisme  total.  La  ligne  de  front  n’évolue  plus  et  les  combats 
épuisent  tant  les  soldats  que  les  stocks  des  deux  camps  adverses.  Désireux  de 
trouver  une  issue,  les  Allemands  préparent  une  ​ offensive  dans  la  région  de 
Verdun  en vue de  «  saigner à blanc  »  les  Français.  La  ​ bataille  de Verdun s’ouvre 
le  ​
21  février  avec  un  déferlement  incessant  de  bombes  qui  s’abattent  sur  les 
tranchées  françaises.  Elle  s’achève  le  ​ 18  décembre  avec  la  ​ proclamation  de  la 
victoire  française​ .  La  situation  n’a  pourtant  pas  été  modifiée après de  longs mois 
d’intenses  combats.  Les  centaines  de  milliers  de morts n’ont  pas  offert un  tournant 
au  conflit.  La ligne de  front  n’a quasiment pas  évolué et les  épuisants échanges  de 
tirs reprennent. 
 
Trop  âgé pour participer  aux  combats,  Félix Vallotton  s’est  néanmoins  approché  de 
la  ligne  de  front  en ​
juin  1917 dans le  cadre  d’une ​ mission de peintres aux armées 
pour  laquelle  il  était  ​volontaire​ .  L’objet  de  cette  opération  est  de  ​
constituer  une 
collection  publique  d’œuvres  relatives  au conflit.  Face au  désastre causé  par l’ « 
enfer  de Verdun » et  la reprise  aveugle des hostilités, Vallotton tente de renouveler 
les  codes  de  la  peinture  de  guerre.  S’écartant  de  la  représentation  de  soldats 
héroïques,  il  privilégie  une  ​ vision  abstraite  et  cubiste​ ,  voire  futuriste  (ce  qui  est 
particulièrement rare dans son œuvre), de l’effroyable « ​ no man’s land​  ». 
 
 
 
 
Analyse : 
 
Ce qui est représenté : 
 
Sur ce tableau, au premier plan,  nous  pouvons voir  de  la fumée, de  la terre et de la 
pluie.  Des  rayons  de  lumières  de  différentes  couleurs  apparaissent  sur  tous  les  
plans, ces rayons vont dans tous les sens.  
Au second  plan, à droite,  nous pouvons  voir  des  flammes  qui embrasent une 
forêt.  Nous  apercevons  à  gauche  une  forêt  verte  dont  les flammes  se  rapprochent 
dangereusement,  de  la pluie et  des cercles  blancs.  L’espace  est  structuré de façon 
très géométrique.  Entre  ces deux forêts, nous distinguons deux épais nuages blancs 
et  noirs,  des  flammes  et  jaillissement  de  rayons  rouges,  noirs  et  bleus  qui 
s’entrecroisent et se superposent.  
Au dernier plan, le ciel bleu est caché par les faisceaux de lumière. 
 

 
  Le  paysage  n’est  que  désolation  avec  ses  arbres  brûlés  et  ses  terres 
devenues  vierges.  La  cause  en  est  essentiellement  les  ​ pluies  de  balles 
(représentées  dans  le premier  quart de  gauche), les  ​ incendies rougeoyants et  les 
envois d’obus fumants​ . 
 
Appuyée  par  la  géométrie,  elle  incarne la  réalité froide et  déshumanisée  des  fronts 
de la Première Guerre mondiale. 
 
Couleurs  : Les  couleurs  sont  chaudes dans  la partie gauche  de  l’oeuvre  mais  sont 
froides  dans  la  partie  droite.  Elles  représentent  les  forces  massives  en  action.  On 
peut  observer  des  couleurs  sombres  comme  le  bleu,  noir,  marron  tandis  que  l’on 
peut  voir des couleurs  chaudes comme  le jaune,  l’orange  et  le rouge.  Ces couleurs 
chaudes expriment sûrement de la violence. 
 
Lumière  ​
:  ​
On  peut  observer  que  de  la  lumière  provient  des  flammes,  ainsi  qu’en 
haut  du  tableau. De  la lumière est aussi présente sur les gaz. La lumière est directe, 
pour mettre en valeur les flammes. 
 
Les lignes :  ​
On  peut voir des lignes diagonales qui traversent le tableau d’un bord à 
l’autre.  On  peut   aussi  voir  des  lignes  courbées  au  niveau  des  barils  de  gaz.  Des 
petites lignes droites sont présentes à droite sur les arbres. 
 ​
La composition du tableau :​formes géométriques qui s'opposent (des lignes 
avec  la  pluie  et  les  faisceaux  lumineux,des  courbes  avec  les  nuages  épais,  des 
trianglesavec  les  rayons  de  lumière.)  →  impression  de  mouvement,  de  forces  et 
d'oppositions  symboliques  de  la  guerre.  Les  lignes  pourraient  représenter  du 
désordre car elles sont toutes en désordre. 

 
Conclusion​
 : 
  Les  artistes  essayent  de  montrer  que  l’idée  n’est  pas  d’essayer  de  rendre  compte 
des  instants  décisifs  du  combat,  ni  d’en montrer les  tenants et  les aboutissants. La 
bataille  de   Verdun  qui  est  restée  le  symbole  de  l’enfer  de  la  Première  Guerre 
mondiale  par l’acharnement des attaques allemandes qui y eurent lieu, et le symbole 
de  l’héroïsme  des  Français  résistant  à  l’invasion  ennemie,  apparaît  ici  sous  une 
forme  quasi  abstraite.  L’enjeu  est  bien  là  :  la   violence  extrême  des  combats 
provoque  la  désagrégation  du  paysage,  la  disparition,  l’effacement  de  l’humain 
derrière  les  machines  de  guerre  ;  mais  ce  cataclysme  bouleverse  aussi  les 
catégories  esthétiques  existantes  et  conduit  à  remettre  en  cause  certaines  
représentations  de  l’art.  Ces tableaux  prouvent ainsi, à leur manière, qu’aucune des 
formes  connues  n’est  propice  à  l’expression  de  l’extrême,  et  que  seules  les 
tentatives  les  mettant  en  crise  ont  une  chance  d’exprimer  ce  qui  ne  peut  se  dire 
et/ou se montrer. 
 
Clarisse