The 10th Anniversary Issue / Creativity has its place

Issue 27
Le numéro du 10e anniversaire La créativité a sa place
Numéro 27

Looking back at 10 years of Block, plus Montreal’s Moment Factory and

Jason Logan of The Toronto Ink Company make their mark. / Retour
sur 10 ans de Block, plus Moment Factory à Montréal et Jason Logan de
Toronto Ink Company apposent leurs marques.
 Artist’s Block / Art en Block

Cityscape by / de
Camille Jodoin-Eng
Photo by / par Dexter Forbes–Wavelens Media

BLOCK / 3
 Contents / Table des matières

In This Issue /
Dans ce numéro

ARTIST’S BLOCK / ART EN BLOCK Each issue, we ask an artist to create a block using the medium and
approach of their choice. Cityscape by Camille Jodoin-Eng is made from two-way mirror, wood,
papier mâché and melted glass. It depicts an abstract cityscape glowing within a reflective cube.
Inspired by the many creative people featured in Block over the years, Jodoin-Eng floated glass orbs
throughout, like meandering spirits. / Dans chaque numéro, on demande à un artiste de créer
en toute liberté une œuvre d’art façon bloc. Cityscape de Camille Jodoin-Eng, qui combine glace
sans tain, bois, papier mâché et verre fondu, représente un paysage urbain abstrait miroitant
dans un cube réfléchissant. Inspirée par ses prédécesseurs, elle lui a ajouté quelques billes
de verre qui flottent dans les airs à la manière d’esprits vagabonds  3

ABOVE LEFT: Papier mâché and lint were added

to the buildings. / CI-DESSUS : Papier mâché et
tissu ouaté pour la confection des immeubles.

RIGHT: Jodoin-Eng then gilded the buildings

Photos by / par Camille Jodoin-Eng

with metallic foils and lit them from below. /
À DROITE : L’artiste les a ensuite enveloppés
de papier métallisé et éclairés par en dessous.

3
CONTRIBUTORS / NOS COLLABORATEUR·TRICES
Our extended (and extensive) community
of writers, artists and photographers. / Notre
belle et grande communauté de
rédacteur·trices, artistes et photographes  6

THE STARTING BLOCK / BLOCK DE DÉPART

Why Block? The impetus for the magazine
plus interesting tidbits learned along the way. /
Pourquoi Block? La première impulsion
et les informations intéressantes glanées en
cours de route  8

THE MOMENT / LE MOMENT Cheryl Catterall

talks biophilic design at 1001 Robert-Bourassa
in Montreal. / À Montréal, Cheryl Catterall
12 introduit la biophilie au 1001, avenue
Robert-Bourassa  12

4
 Contents / Table des matières

10 YEARS OF ARTIST’S BLOCK / 10 ANS D’ART EN BLOCK MAKE ROOM FOR THE ARTS / FAITES PLACE À L’ART
Twenty-five artists’ blocks piled up over the A three-artist mural collaboration at an Edmonton
past decade. / 25 blocs d’artistes empilés en intersection. / À Edmonton, un trio de muralistes
une décennie  18 colore un carrefour  38

THE CREATOR / LE CRÉATEUR Inkmaker Jason

Logan makes pigments from Toronto-foraged
ingredients. / À Toronto, Jason Logan fabrique
38
ses encres à partir de récup’ urbaine  24

24

THE CONVERSATION / LA CONVERSATION On the RETHINK / REPENSÉ Bringing rural daydreams

musicality of cities and how they’re designed to the metropolis. / Réaliser ses rêves de
versus experienced. / On discute musicalité campagne à la ville  39
des villes et théorie versus pratique  30
THE BLUEPRINT / LE PLAN D’ACTION A miniature
NOW & THEN / D’HIER À AUJOURD’HUI Ten years Allied building. Assemble it yourself! /
of archival photo comparisons and Vancouver’s Un immeuble d’Allied version miniature
Dominion Building. / Dix ans de photos d’archives à assembler!  41
et l’édifice Dominion de Vancouver  35
FILL IN THE BLANK / VEUILLEZ COMBLER L’ESPACE
Katherine Lam’s urban infill is a watery
35 feature. / La dent creuse et aquatique de
Katherine Lam  43

43
BLOCK / 5
 Contributors / Nos collaborateurs

It Takes a Village /
Il faut tout un village

Over the years, hundreds of writers, artists and photographers have contributed
to Block. Here, we recognize a fraction of them and offer infinite thanks. / Au fil des
ans, des centaines de rédacteur·trices, artistes et photographes ont contribué à
Block : en voici une partie. Avec nos mille et un mercis.

WRITERS / RÉDACTEUR·TRICES Naomi Skwarna Tavis Coburn

Navneet Alang Mark Slutsky Sara Cwynar
Jason Anderson Ivor Tossell Dean Drever
Bert Archer Isa Tousignant Yvetta Federova
Sarah Barmak Mary Tramdack Sara Graham
Sara Baron-Goodman Eric Vellend Kellen Hatanaka
Ryan Bigge Stéphanie Verge Sam Island
Jake Bogoch Jeff Warren Kelly Jazvac
Gordon Bowness Audra Williams Laurie Kang
Chantal Braganza Karen Kraven
PHOTOGRAPHERS / Gracia Lam
Daniel Bromberg
PHOTOGRAPHES Jimmy Limit
Alexandra Caufin
Hunza Chaudhary Amber Bracken Jason Logan
Kevin Chong LM Chabot Chrissie Macdonald
Elizabeth Chorney-Booth ( Jolianne L’Allier Matteau Wendy MacNaughton
Bill Clarke and Alexandre Chabot) Simone Massoni
Gabrielle Drolet Regina Garcia Alex McLeod
Jane Farrow Hudson Hayden Kagan McLeod
Jeremy Freed Vanessa Heins Olia Mishchenko
Catherine French Alexi Hobbs Celia Perrin Sidarous
Chris Frey Jennilee Marigomen Jeannie Phan
Alison Garwood-Jones Jalani Morgan Ciara Phelan
Ximena González Cristian Ordóñez Brian Rea
Linda Hoang John Paillé Jonah Samson
Jessica Johnson Alana Paterson Leanne Shapton
Joanne Latimer Andrew Querner Gary Taxali
Yaniya Lee Curtiss Randolph Dasha Tolstikova
Sarah Liss Andrew Rowat Winnie Truong
Kristina Ljubanovic Derek Shapton Naomi Yasui
Kelli María Korducki Gabrielle Sykes Shaheer Zazai
Ossie Michelin Christopher Wahl
Juliana Moore Colin Way LONG-STANDING COLLABORATORS /
Simon Willms COLLABORATEURS DE LONGUE DATE
Christina Palassio
Susan Peters Suzanne Aubin
Philip Preville ARTISTS / ARTISTES Catherine Connes
Luc Rinaldi Monika Aichele Catherine Dean
Mélanie Ritchot Michelle Ashurov Jane Fielding
Lisa Rundle Francesco Bongiorni Lesley Fraser
John Semley Sam Brewster Benjamin Leszcz
Courtney Shea Marcos Chin Michael Nyarkoh
Hannah Siklos Hudson Christie Sarah Steinberg

6
 Contributors / Nos collaborateurs

EDITOR-IN-CHIEF / RÉDACTRICE EN CHEF

Kristina Ljubanovic

CREATIVE DIRECTORS / DIRECTRICES

ARTISTIQUES
Yasemin Emory, Whitney Geller,
Jacqueline Lane
Hannah Macready is a Vancouver-based
writer and journalist focused on business
MANAGING EDITOR / DIRECTRICE DE LA
and technology (Rethink, p. 39). She is
RÉDACTION
happiest when playing with her two dogs,
Claire Reis
Soup and Salad. / Économie et technologie
sont les deux spécialités de la journaliste
COMMISSIONING EDITOR / RESPONSABLE DES
vancouvéroise Hannah Macready. Ce
COMMANDES
qu’elle aime le plus? Jouer avec ses chiens,
Mélanie Ritchot
Soup et Salad (Repensé, p. 39).

EDITOR / RÉDACTRICE
Helaena Pezzano

PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR /

Sydney Loney (Now & Then, p. 37) is a writer,
ICONOGRAPHE
editor and journalism instructor. She has written
Catherine Dean
for The Walrus, Maclean’s and The Globe and
Mail and is currently the editorial director of
ASSISTANT PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR /
Range magazine. / Rédactrice et enseignante
ASSISTANT ICONOGRAPHE
en journalisme, Sydney Loney a écrit pour
Michael Nyarkoh
The Walrus, Maclean’s et The Globe and Mail.
Elle est actuellement directrice de la rédaction
DESIGNER / GRAPHISTE
du magazine Range (D’hier à aujourd’hui, p. 37).
Julie MacKinnon

TRANSLATOR / TRADUCTRICE
Catherine Connes

COPY EDITORS - PROOFREADERS /

This issue’s Artist’s Block and cover art are by
RÉVISEURES - CORRECTRICES
Camille Jodoin-Eng, a Toronto-based artist
Suzanne Aubin, Jane Fielding,
who combines materials and elements like ink,
Lesley Fraser
discarded trash and light to create physical
manifestations of the internal world. / Artiste
ALLIED
torontoise, Camille Jodoin-Eng combine
134 Peter Street, Suite 1700
différentes matières à de l’encre, des
Toronto, Ontario
déchets recyclés et de la lumière pour créer
M5V 2H2 Canada
des manifestations physiques du monde
(416) 977-9002
interne (Couverture et Art en Block, p. 3).
info@alliedreit.com
alliedreit.com

WHITMAN EMORSON
213 Sterling Road, Studio 200B
Toronto, Ontario
Luis Mora is an artist and commercial photographer
M6R 2B2 Canada
based in Toronto. He was born in Colombia and
(416) 855-0550
raised in the U.S. and Canada. His first self-published
inquiry@whitmanemorson.com
photo book is Say It With Flowers. He photographed
whitmanemorson.com
(and foraged with) Jason Logan for The Creator (p. 24). /
Artiste et photographe commercial torontois,
Luis Mora est né en Colombie et a grandi aux
États-Unis et au Canada. Son premier livre photo
autopublié s’intitule Say It With Flowers. À travers
son objectif, il a suivi Jason Logan dans sa chasse
à la couleur (Le créateur, p. 24).

BLOCK IS PUBLISHED TWICE A YEAR. /

BLOCK EST PUBLIÉ DEUX FOIS PAR AN.

ILLUSTRATIONS BY / PAR KAGAN MCLEOD

BLOCK / 7
 The Starting Block / Block de départ

If you are an avid reader and consumer of

Block magazine, first, thank you, and second,
you may notice this issue is a bit different
than the rest. / Si vous êtes un·e fidèle
lecteur·trice de Block, premièrement, merci,
et deuxièmement, vous avez dû remarquer
que ce numéro est quelque peu différent.

Creativity has its place

Summer 2013 Issue 1 /
La créativité a sa place
Creativity has its place Été 2013 Numéro 1 Creativity has its place

INCREDIBLY, this year marks the 10th anniversary Fall 2013 Issue 2 /
La créativité a sa place
Automne 2013 Numéro 2
INCROYABLE mais vrai, Block a 10 ans cette année!
Summer 2015 Issue 9/
La créativité a sa place
Été 2015 Numéro 9
Creativity has its place
of Block. As our previous editor-in-chief, Ben Leszcz, Comme le dit Ben Leszcz, notre ex-rédacteur en
Creativity has itsFallplace
2014 Issue 6 /
Fall 2015 Issue 10La/ créativité a sa place noted, that is longer than the lifespan of many great
La créativité a sa place
Automne 2014 Numéro 6
chef, c’est plus long que la durée de vie moyenne de
Automne 2015 Numéro 10
magazines. That kind of longevity merits a dose of nombreux magazines. Cette longévité mérite, vous
Creativity has its place Creativity has its place

Creativity reflection
has its place and a soupçon Winter 2014 Issue 3 /
of
La créativité a sa place celebration.
Creativity has its place
Spring 2014 Issue 4 /
en conviendrez,
La créativité a sa place
une dose de réflexion et un soupçon
Creativity has its place
Spring 2016 Issue 12/
Spring 2015 Issue 8/ Hiver 2014 Numéro 3 Printemps 2014 Numéro 4 La créativité a sa place
Winter 2015 Issue 7 /
Before
La créativité a sa place
Printemps 2015 Numéro 8
we close out 2023,
La créativité we thought,
a sa place let’s take de célébration. Printemps 2016 Numéro 12
Hiver 2015 Numéro 7 Creativity has its place
a moment — rather, an entire issue! — to look back and Fall Avant de conclure 2023, on a eu envie de prendre
2016 Issue 13 /
La créativité a sa place
Automne 2016 Numéro 13
to look forward to the next 10 years with a special un moment—ou plutôt un numéro entier!—pour
Creativity has its place
edition that honours our cities and the creatives who jeter un coup d’œil dans le rétroviseur grâce à une
Summer 2014 Issue 5 /
La créativité a sa place
Été 2014 Numéro 5 Creativity has its place
inhabit them Fall/Winter and sustain
Issue 15 /
2017 theirCreativity
vitality.
Spring/Summer
has its place
2017 éditionCreativity spéciale 2018qui met à l’honneur nos villes et les
has its place
Spring/Summer
Creativity has its place Issue 14 Issue 16 /
La créativité a sa place
Winter 2016 Issue 11 /
La créativité a sa place
After all, that’s
Automne/Hiver the2017 driving force behind
La créativité a sa place
Printemps/Été 2017
Block, its personnes La créativitécréatives
a sa place
Printemps/Été 2018
qui participent à leur vitalité.
Numéro 15 Numéro 14 Creativity has its place
Hiver 2016 Numéro 11
raison d’être. Published by Allied since 2013, initially Fall/Winter Issue 17 /
Car
2018 Numéro 16
c’est bien là que se trouve la raison d’être
La créativité a sa place
eachCreativity
quarter and eventually biannually, the magazineAutomne/Hiver
has its place de Block. 2018 Publié par Allied depuis 2013, chaque
Spring/Summer 2019 Numéro 17
has alwaysIssue 18 /
been a celebration of creativity and
La créativité a sa place
trimestre puis deux fois par an aujourd’hui, il a toujours
Printemps/Été 2019
community,Numéro 18 of the knowledge-based industries that salué la créativité et la collectivité, les entreprises de
Allied’s properties serve and beyond — to a broader la connaissance que sert le parc immobilier d’Allied
pan-Canadian fellowship of artists, designers, et, plus largement, une communauté pancanadienne
innovators, urbanists, industrialists and thinkers of d’artistes, de concepteurs, innovateurs, urbanistes,
all stripes. industriels et penseurs de tous horizons.

Over the course of 26 issues, THE ARTIST MICAH LEXIER

Block has featured a plethora
THE INDUSTRIAL DESIGNER THE RADIO STAR
of subjects on its cover. THE URBAN FARMER
Inside Sid Lee/Hot Chocolatiers/The Comic King
Who else would you need Creativity has its place
Fall/Winter 2020 Chez Sid Lee/Maîtres Chocolatiers/Le Roi de la Bande Dessinée
for a functioning society? Winnipeg’s Wonders / Hipster Heroes / TechIssue Revolutionaries
21
Ubisoft’s HQ / Jimmy Limit / Apocalypsis Now
Creativity has its place GOOGLE’S SPACE MAKER
Fall/Winter 2019
(Albeit, we’re missing the
Winnipeg multifacette / Ces hipsters, nos héros / Les cyberévolutionnaires
La créativité a sa place The Pop-Up Office / Art Meets Wine Le/ QG
Onstage Innovation
d’Ubisoft / Jimmy Limit / L’épopée d’Apocalypsis
Issue 19
THE CRAFTSWOMAN Automne-hiver 2020
Le Bureau Pop-Up / Dégustation d’Art et de Vin / Scène novatrice
all-important butcher, baker
The Puppeteer
Numéro 21
La créativité a sa place
Automne/Hiver 2019 In Praise of Idleness­/­Snowy Style­/­The Gastro-Scientists
and candlestick maker.)
Numéro 19 /
L’Éloge du Farniente­/­Style Hivernal­/­Scientifiques Gourmets THE SOAPMAKER
Pléthore de métiers se The Magic of Metric / Cowboy CoffeeTHE THEATRE
/ Publishing’s ARTIST
Future
THE EXPERIENCE DESIGNER Inside Breather / Hadley+Maxwell / Design Meets Business
Metric, comme par magie / Café façon Far West / L’avenir de l’édition
sont invités en couverture
Au cœur de Breather / Hadley+Maxwell / Créativité rime avec commerce
Creativity has its place
Film Set Secrets/ Living Walls /The Future of Work
des 26 numéros deSpring/Summer
Creativity has2020
its place
Dreamy Dresses/The Power of Play/Works on Paper
The Impresario
Issue 20
Spring/Summer 2021
Teenage Techies / The Bookstore’s Future Secret de tournage/Murs
/ Inside Shopify vivants/ L’avenir du travail
Block. Qui manque-t-il Issue 22
THE FASHION VISIONARY
Robes de rêve/Jeu de grands/Œuvres de papier
La créativité a sa place
Ados technos / Il était une fois une librairie / La boutique Shopify
au bon fonctionnement
Printemps-été
La créativité2020
Numéro 20
Printemps-été
a sa place
2021

de notre société? (Mis à

Numéro 22
Kid Koala’s Chaos /‚Scenes of Summer / A Culinary Comeback
Inside Moment Factory / Building with Felt / In Praise of Clutter

The Entertainer
Immersion dans Moment Factory / Jeu de feutrine / Vive la pagaille
part les indispensables THE POLYMATH Le chaos de Kid Koala‚/‚Prises estivales‚/ Retour culinaire en force
boulanger·ères, boucher·ères
et fabricant·es de bougies
Dorian Fitzgerald /Binational Branding / Art vs. Commerce
The Connector
Inside eOne’s New Digs / Sci-fi Dreams / Public Art’s Future The Entrepreneur
parfumées.) The Nature Enthusiast
Dorian Fitzgerald / Marques sans frontières / Une affaire d’art
Nouveaux décors pour eOne / Science-fiction de rêve / L’avenir de l’art public

The Cultural Diplomat

Creativity has its place
Evans Hunt’s Old-School Charm / Inside MOCA / The Joy of Jargon

TheBienvenue
Curator-in-Chief
Eventbase’s Home Base / The Joy of GSOFT / Wellness Gets Better Issue 25 Le charme désuet d’Evans Hunt / Visite du MOCA / La joie du jargon
Herbalist Gina Badger collaborates with plants
Gina Badger, herboriste, collabore avec les plantes chez Eventbase / Le bonheur selon GSOFT / Le bien-être va mieux La créativitè a sa place
Bjarke
Numéro 25 Ingels Builds
/ Omer Arbel Designs / Steve Zissou Lives
Subversive Recipes / Sentient Art / Wall-to-Wall Carpeting
Bjarke Ingels construits / Omer Arbel dessins / Steve Zissou vit
Recettes subversives / Art sensible / Tapis mur à mur
Creativity has its place

The Alchemist The Advocate

Issue 24
Creativity has its place
Fall/Winter 2021-22
Issue 23

The Cordwainers / En grande pompe

La créativité a sa place
V2_175_Block_SS19.indb 1 2019-06-11 12:59 PM 24
Numéro
Genre-bending choreographer and dancer, Dana Michel La créativité a sa place
Suzanne Barr, kitchen crusader
The Documentarian / Le documentariste
Automne-hiver 2021-22
La chorégraphe et danseuse qui fait pirouetter les genres Creativity has its place
Numéro 23 Suzanne Barr, chef cuisinière en croisade
Issue 26Maguire’s two founding sisters redesign the shoe industry
Les cofondatrices de Maguire remodèlent l’industrie de la chaussure
La créativité a sa place
Edward Burtynsky’s epoch-defining photography, plus the David Suzuki
The Storyteller / Le conteur
Numéro 26
The ReveristFoundation
20044_Block_FW2020_00_Book.indb 1 2020-10-15 4:24 PM
and a Calgary farm’s take on sustainable cities. / Les photos dans
Book 1.indb 1 2022-11-18 12:23 PM

TheSuzuki.
Visionary / La visionnaire
l’air du temps d’Edward Burtynsky et la collectivité durable vue par une ferme
de Calgary et la Fondation David
Kevin Calero, director of dreamy music-videos and films Hoop dancer Nimkii Osawamick goes inside the drum circle
Le rêveur : Kevin Calero, réalisateur de films et de vidéoclips Nimkii Osawamick, danseur de cerceau, entre dans le cercle des tambours
Cultural producer Umbereen Inayet looks back, goes forward
La productrice artistique Umbereen Inayet avance, un œil dans le rétro

8 23000_Block_SS2023_1h.indd 1 2023-05-03 5:25 PM


WHY DO WE LOVE
PRINT?
In Block’s inaugural issue,
Ian Cochran, co-founder
of Victoria’s renowned
Munro’s Books, told us,
“People tend to comprehend
and retain electronic text
less effectively compared
to the tactile experience
of reading a physical book”
(Issue 1, 2013). Cochran
was referencing a study
from Scientific American.
Meanwhile, researchers in
the U.K. have shown that
reading can also help reduce
stress levels.
68%
READING JUST SIX
PAGES OF A BOOK
CAN REDUCE STRESS
LEVELS BY 68%.1
68 %
LIRE SIX PAGES D’UN
LIVRE ABAISSERAIT
LE NIVEAU DE
STRESS DE 68 %1.
The Starting Block / Block de départ
POURQUOI AIME-T-ON
LE PAPIER?
Dans le premier numéro
de Block, Ian Cochran,
cofondateur de la librairie
Munro’s Books à Victoria,
nous disait : « On ne
comprend pas aussi bien
et on ne retient pas autant
ce qu’on lit en version
numérique que dans un
livre physique, tactile par
essence. » (Numéro 1,
2013). Il faisait référence
à une étude parue dans
Scientific American. Par
ailleurs, des chercheurs
britanniques ont démontré
que la lecture réduit le stress.
A magazine can feel a lot like a city. It is full of
people, opinions, ideas and spaces to wander through.
You can move through in linear fashion, cover to
cover, as if walking along an avenue. Or — as many of
us are wont to do — you can pop in here and there,
like you’ve just ascended from a subway into a new
neighbourhood. It can feel energetic (ideally not
chaotic) and it can be inspiring (hopefully not hokey).
Like a city or building, a magazine is a physical thing,
to be experienced temporally and with your senses.
It is also, of course, a vehicle for storytelling,
which remains a critical tool — our best, maybe? — for
relaying and processing information, especially in
these input-saturated, algorithmically controlled,
primarily digitally interfaced and disruptive times.
Much has changed since 2013 in the global
context. We’ve witnessed the Paris Agreement on
climate change; broad legalization of same-sex
marriage; a new sharing economy; a racial reckoning
and the rise of social justice movements like Truth
and Reconciliation, Black Lives Matter and #MeToo; a
warming climate and the emergence of “fire season”;
and parabolic-curve-shaped advancements in AI and
machine learning — not to mention a global pandemic
that rocked national economies and affected,
tragically or in the most banal of ways, most every
person on the planet.
The very nature of work — what it is and how
and where we do it — has changed too, and so have
workplaces and work culture. But then, they were
already in a state of flux 10 years ago. The more
progressive factions were moving away from cubicles
toward increasingly flexible layouts — even with
innovative play and biophilic features — paired with
a more concerted interest in health and wellness,
all based in a better understanding of how to get
the best out of a creative workforce and from an
increasingly competitive talent pool.
At Block, we’ve had front-row seats to watch
some of these changes play out and the privilege to
glimpse behind closed doors at so many inspired
work environments, from creative agency Rethink’s
Illustration by / par Marco Cibola
Un magazine peut ressembler à une ville quand il
est rempli de gens, d’idées et de lieux pour se balader.
On peut le parcourir comme une avenue, en ligne droite,
de la première à la quatrième de couverture. Ou, comme
plusieurs d’entre nous en ont l’habitude, piocher ici et
là comme en sortant d’une bouche de métro dans un
nouveau quartier. Il peut être animé (non chaotique de
préférence) et inspirant (sans être à l’eau de rose).
Comme une ville ou un bâtiment, un magazine est
une chose physique, temporelle, qui fait appel à nos sens.
C’est aussi, bien entendu, un conteur d’histoires
et un outil pour la pensée critique—le plus efficace,
peut-être?—qui relaie et traite l’information,
notamment en ces temps bousculés et saturés de
commentaires, où les interfaces numériques et les
algorithmes règnent en maître.
Le contexte mondial a beaucoup changé
depuis 2013 : Accord de Paris sur les changements
climatiques, étendue de la légalisation du mariage
entre personnes de même sexe, nouvelle économie
de partage, prise de conscience raciale et montée
de mouvements de justice sociale tels que Vérité et
réconciliation, Black Lives Matter et #MeToo,
multiplication des canicules et des incendies,
avancée à pas de géants de l’IA et de l’apprentissage
automatique, sans oublier une pandémie qui a ébranlé
les économies nationales et touché, de manière
tragique ou banale, tout un chacun sur cette planète.
La nature même du travail—définition,
fonctionnement et lieu—a également changé,
tout comme la notion de bureau et la culture
d’entreprise. Mais il y avait déjà de la transformation
dans l’air 10 ans auparavant. Les plus progressistes
remplaçaient les cubicules par des aménagements
flexibles, laissaient place au ludique et à la biophilie,
s’intéressaient à la santé et au bien-être afin de
mieux tirer parti de la créativité dans un vivier de
talents de plus en plus compétitif.
Chez Block, on était aux premières loges
pour observer certains de ces changements.
On a eu le privilège de franchir les portes de
nombreux lieux de travail inspirants, de l’agence de
BLOCK / 9
 The Starting Block / Block de départ

13% Toronto office, with its traffic-pylon pendant lights

and glamping tents (Issue 8, 2015), to the “organized
chaos” of Ubisoft’s versatile, vibrant workshop
COMPANIES THAT
TAKE MEASURES inspired by Montreal’s Mile End (Issue 9, 2015) to
TO SUPPORT architect Perkins&Will’s Vancouver studio “alive with
EMPLOYEE WELL-
plant life and activity” (Issue 22, 2021).
BEING HAVE SEEN
THEIR PRODUCTIVITY We’ve also had some eye-opening conversations
IMPROVE BY AN over the years, on topics as important and varied
AVERAGE OF 13%.2 as how we might begin the process of decolonizing
our design (Issue 21, 2020) and arts institutions
communication torontoise Rethink avec ses cônes
de signalisation en guise de lustres et ses tentes
chics (numéro 8, 2015) au « chaos organisé » des
bureaux polyvalents d’Ubisoft à l’image du Mile-End
montréalais (numéro 9, 2015), en passant par le
cabinet d’architectes vancouvérois Perkins&Will,
« animé de plantes et de projets » (numéro 22, 2021).
Durant ces années, on a abordé des sujets
riches en prise de conscience. On se rappelle
notamment nos conversations sur la décolonisation

13 %
(Issue 22, 2021) to the ways our building code is
failing a large portion of the disabled population
(Issue 25, 2022). We learned from author and urbanist
LES ENTREPRISES
QUI PRENNENT Charles Montgomery the recipe for a happy city
DES MESURES EN (Issue 18, 2019) and received advice from Ray Reddy,
FAVEUR DU BIEN- CEO of order-ahead app Ritual, to the tune of “slow
ÊTRE DE LEURS down and hone your skills” (remarkable, coming
EMPLOYÉS ONT VU
from a tech guy) (Issue 18, 2019).
LEUR PRODUCTIVITÉ
AUGMENTER DE 13 % We’re deeply moved by and grateful to all the
EN MOYENNE2. people, opinions, ideas and spaces that have passed
through Block over the course of 26 issues. Whole
cities of people. A world of ideas. A majesty of artist
contributions and visuals, each telling its own story
(or a thousand). As a supplement to our familiar and
favourite sections, in this issue we’re honouring our
past contributors (p. 6), indulging in our catalogue of
Artist’s Blocks (p. 18) and, throughout, reflecting
on some of our favourite moments from the past
10 years of the magazine.
We’re also celebrating new achievements and
looking forward. Take, for instance, the renovation
of Allied’s 1001 Robert-Bourassa in Montreal, a
remarkable space that layers the physical and
digital experience, authored by architects Gensler
and experience designers Moment Factory
(The Moment, p. 12). (Make a DIY mini model
du design (numéro 21, 2020) et celle des institutions
culturelles (numéro 22, 2021) et sur l’impuissance
du code du bâtiment à répondre aux besoins
d’une majorité de personnes ayant un handicap
(numéro 25, 2022). L’urbaniste et auteur Charles
Montgomery nous a donné sa recette pour une
ville heureuse (numéro 18, 2019) et le PDG de l’appli
Ritual, Ray Reddy, nous a conseillé de « prendre
le temps de maîtriser notre métier en peaufinant
nos compétences » : remarquable de la part d’un
technicien (numéro 18, 2019).
Les personnes, idées et lieux croisés au cours
de ces 26 numéros de Block nous ont profondément
touchés. Une métropole de gens. Un monde
d’idées. Une majesté de contributions artistiques,
chacune racontant son histoire (ou des centaines).
Dans ce numéro anniversaire, on enrichit nos
rubriques préférées en mettant à l’honneur tous
nos collaborateurs (p. 6), en nous replongeant dans
notre collection d’Art en Block (p. 18) et en nous
rappelant les moments les plus marquants de ces
dix dernières années.
On regarde aussi vers l’avenir en vous parlant
de nouvelles réalisations. Citons, par exemple,
la rénovation de l’immeuble d’Allied situé au 1001,
avenue Robert-Bourassa à Montréal : le cabinet

Author and urbanist

Charles Montgomery
Despite the challenges posed by the pandemic, the 2023 World Happiness
shared his vision for
a happy city, where
Report affirmed that global happiness persevered, with “positive emotions
health, happiness and
prosperity intersect
[remaining] twice as prevalent as negative ones and feelings of positive social
(Issue 18, 2019). / Une support twice as strong as those of loneliness.”3 / Malgré les défis posés par
ville heureuse, selon
l’urbaniste et auteur la pandémie, le Rapport mondial sur le bonheur de 2023 affirme que le
Charles Montgomery,
combine santé, bonheur bonheur persévère avec des émotions positives deux fois plus présentes
et épanouissement
(numéro 18, 2019). que les négatives et un sentiment de soutien social deux fois supérieur à
celui de solitude3.

of the building with The Blueprint, p. 41.) Then
there’s Jason Logan, our creator, who has for years
created illustrations for the magazine, this issue
included (Rethink, p. 39). We look at his broader
fascinating practice as an inkmaker (The Creator,
p. 24). And, finally, we hear from urban planner
Lourdes Juan and urban thinker Marcin Kedzior
(The Conversation, p. 30) on, among other things,
d’architectes Gensler et le studio multimédia Moment
Factory signent ensemble un espace remarquable
associant expériences physique et numérique (Le
moment, p. 12), et dont vous trouverez la maquette à
construire (Le plan d’action, p. 41). Ou encore Jason
Logan, notre créateur, qui illustre le magazine depuis
des années, ce numéro y compris (Repensé, p. 39), et
se lance dans la fabrication d’encre (Le créateur, p. 24).

10
 The Starting Block / Block de départ

Since 2017, Allied has

been repurposing unused A study found that “the ceiling height in a
rooftop space into room changes the way your brain processes
honeybee habitats. In information: Higher ceilings foster creativity
2022 alone, 41 hives across and emotion, while lower ones promote
Canada produced 4,000 more practical thinking.” This “ceiling effect”
jars of honey and housed demonstrates the impact of thoughtfully
approximately two million selecting and configuring environments for
bees.4 / Depuis 2017, specific kinds of work and activity5 (Issue 16,
Allied reconvertit ses 2018). / Des chercheurs ont découvert que
toits en habitat apicole. « la hauteur du plafond a une influence sur
Rien qu’en 2022, les le fonctionnement du cerveau : plus haut,
deux millions d’abeilles il favorise la créativité et l’émotion, plus
vivant dans les 41 ruchers bas, l’esprit pratique ». Cet « effet plafond »
installés d’un océan à montre l’importance de bien choisir, et de
l’autre ont produit 4000 bien aménager, les lieux en fonction du travail
Photo courtesy of / offerte par Allied REIT

pots de miel4. ou de l’activité exercée5. (Numéro 16, 2018)

the musicality — nay, the polyrhythmic symphonic
cacophony! — of cities and how urban planning can
be a form of fortune telling.
Change is inevitable. Cities — and magazines —
grow, recede and sometimes dwindle and die.
But here at Block, and at Allied, we hold on to the
philosophy conçu pour durer, which means “built
to last,” as it applies to both brick-and-beam buildings
and robust creative communities. Maybe “built
for change-and-embracing-whatever-comes-next”
is more accurate.
Here’s to the next 10.
Enfin, l’urbaniste Lourdes Juan et le penseur urbain
Marcin Kedzior discutent de la musicalité— ou plutôt
de la cacophonie polyrythmique!—des villes et du don
de prédiction de l’urbanisme (La conversation, p. 30).
Le changement est inévitable. Les villes, et
les magazines, grandissent, rapetissent et, parfois,
dépérissent et disparaissent. Ici, chez Block,
on s’accroche à la devise « conçu pour durer », qui
s’applique tant aux bâtiments qu’aux collectivités
créatives. Mais peut-être que « conçu pour s’adapter
à tout ce qui pourrait arriver » serait plus juste.
Aux 10 prochaines années!

1. Galaxy Commissioned Stress Research, Mindlab International, Sussex University (2009).

2. The Next Frontier of Workplace Culture, Boston Consulting Group (2023).
3. “The World’s Happiest Countries for 2023,” CNN (2023).
4. Allied Environmental, Social and Governance Report (2022). / Rapport de gouvernance, social et environnemental d’Allied (2022).
5. “The Influence of Ceiling Height: The Effect of Priming on the Type of Processing People Use,” University of Minnesota (2007).

10 X 10
A not-comprehensive list of highlights from
the past 10 years of Block. / 10 ans de Block,
10 moments forts (liste non exhaustive).

1
ISSUE / NUMÉRO 1, 2013
Art by / par Nadia Belerique and / et Jennifer Rose Sciarrino

Before there was Artist’s Block, there was, for one

issue only, The Work, a commissioned installation
by Nadia Belerique and Jennifer Rose Sciarrino
inspired by Block and Allied’s philosophy
conçu pour durer, which means “built to last.” /
Avant Art en Block, il y a eu, dans un numéro
seulement, L’œuvre, une installation artistique
signée Nadia Belerique et Jennifer Rose
Sciarrino, qui se sont inspirées de Block et de la
philosophie d’Allied : « Conçu pour durer ».

BLOCK / 11
 The Moment / Le moment

Cheryl Catterall, creative director at Moment Factory, stands in the

lobby of 1001 Robert-Bourassa in Montreal. Here, the team, known
for their design of immersive spectacles, applied a technological
“experiential layer” atop the architecture to subtly evoke nature and
create place. / Cheryl Catterall, directrice de création chez Moment
Factory, et son équipe ont appliqué une « couche expérientielle »
dans le rez-de-chaussée du 1001, avenue Robert-Bourassa à Montréal.
Connu pour ses spectacles immersifs, le studio multimédia a donné
vie à ce lieu en y faisant entrer la nature.

12
 The Moment / Le moment
2023-09-27
15:11 EST/HNE
BY / PAR DANIEL BROMBERG
PHOTOS BY / PAR FREDERIC TOUGAS
Cheryl Catterall is all smiles, her hand movements agile as
she ties the laces of her steel-toe boots and her eyes deliberate
as they meet the large construction site before her.
The project at 1001 Boulevard Robert-Bourassa in Montreal’s
Quartier international is close to seeing the light of day.
Co-designed by Montreal-based multimedia studio Moment
Factory and Gensler, an American architectural firm, the lobby
of this downtown high-rise is undergoing a transformation to
meet the changing needs of modern work environments — and
the people who use them.
Slated for completion in early 2024, the space is a work
in progress, with wires hanging from the exposed ceiling
and safety vests and helmets de rigueur. The plan for the lobby,
however, was conceived more than four and a half years ago,
well before the pandemic changed the way many of us work.
At that time, notions of how workplaces should look and function
were already shifting, influencing the vision to convert the
underused space at this Allied property into something more
functional, livable and breathable.
Something that feels a little like your living room.
“It was important [for us] to consider how to create a framework
where the people traversing the space, either for work or simply in
transit, feel welcome and alive,” says Catterall, Moment Factory’s
creative director.
Traditionally investing in historic brick-and-beam buildings,
Allied seized on an opportunity to imbue the post-modern
high-rise with a warm ambience — a quality often lacking in spaces
built with strict functionality in mind.
Furthermore, the creative teams embraced and integrated
the concept of biophilia, a hypothesis that suggests humans
seek out environments that satisfy an intrinsic demand for and
innate connection to nature.
“Biophilia is capable of bringing a built environment to life in
a way that traditional architecture can’t,” Catterall says. “It provides
a more sensory experience, especially [in] how we respond to
natural systems physiologically.”
Equal importance was placed on how to zone the lobby, with
the belief that spaces that are amenable to gathering are more
contained and, ultimately, more convivial. How exactly they would
achieve this came down to a particular flash of inspiration.
“A member of the Gensler team had done a study on
Mount Royal,” Catterall says. “Recalling its three summits,
[they got the idea] to design tiered seating areas, with forms
generated by the mountain’s contour lines.”
Cheryl Catterall est tout sourire en laçant ses bottes à embout
d’acier, les yeux rivés sur le grand chantier qui lui fait face.
Le projet du 1001, boulevard Robert-Bourassa, dans le
Quartier international de Montréal, est sur le point de voir le jour.
Coconçu par le studio multimédia montréalais Moment Factory
et le cabinet d’architectes américain Gensler, le rez-de-chaussée
de cet immeuble du centre-ville est en pleine métamorphose
pour répondre aux besoins des milieux de travail modernes et
des personnes qui les utilisent.
Avec une ouverture prévue en 2024, l’espace est en cours
d’aménagement : vestes et casques de sécurité sont toujours
de rigueur sous les fils électriques qui pendent des plafonds
ouverts. Cela fait plus de quatre ans et demi que les plans ont
été dessinés, bien avant que la pandémie ne vienne bousculer
nos habitudes personnelles et professionnelles. À cette
époque, l’amorce d’un changement flottait déjà dans l’air,
influençant la conversion de cette tour de bureaux appartenant
à Allied en un lieu plus fonctionnel, plus vivable, plus respirable.
Un lieu qui pourrait s’apparenter à votre salon.
« Il était important [pour nous] d’imaginer un cadre
accueillant et plein de vie pour les travailleurs, ou les gens
de passage, qui empruntent ce rez-de-chaussée », explique
Cheryl Catterall, directrice de création chez Moment Factory.
Allied, qui a plus l’habitude d’investir des bâtisses
anciennes chargées d’histoire, souhaitait une ambiance
chaleureuse, qualité qui fait souvent défaut aux édifices post-
modernes à l’architecture strictement fonctionnelle.
L’équipe créative a poussé le raisonnement plus loin en
y intégrant le concept de biophilie, à savoir l’affinité de l’être
humain pour le vivant et la nature, un lien inné qu’il recherche
où qu’il se trouve.
« Avec la biophilie, on peut donner vie à un cadre bâti;
l’architecture traditionnelle, elle, est plus limitée, poursuit-elle.
L’expérience est plus sensorielle, en particulier dans notre
réaction physiologique aux systèmes naturels. »
La délimitation du rez-de-chaussée était tout aussi
essentielle, avec la conviction que les zones qui se prêtent
au rassemblement se doivent d’être circonscrites pour
gagner en convivialité. Et c’est grâce à un éclair de génie qu’ils y
sont parvenus.
« Un des membres de l’équipe de Gensler avait fait des
recherches sur le Mont-Royal et ses trois sommets notamment.
Il a alors eu l’idée d’aménager des places assises sous forme de
gradins, inspirés des courbes de niveau de la montagne. »
BLOCK / 13
 The Moment / Le moment

LEFT: A rendering of the

completed lobby shows the
tiered seating and light feature,
the large screen and a view
of the outdoors. / À GAUCHE :
Sur cette projection du
hall, on peut voir les sièges
en gradins, les luminaires
suspendus, le grand écran et
une vue sur l’extérieur.

BOTTOM LEFT AND FAR

RIGHT: The three seating areas
in the ground-floor lobby
mimic the contours of Mount
Royal and its three summits.
/ EN BAS À GAUCHE : Les
places assises en gradins
reproduisent la silhouette du
Mont-Royal et de ses trois
sommets.

BOTTOM RIGHT: Moment

Factory-produced dynamic
graphics for the large screen
convey topical information
to users of the building, like
weather conditions. / EN BAS À
DROITE : Les éléments visuels
dynamiques du grand écran,
produits par Moment Factory,
informent les visiteurs du
bâtiment : actualités et météo
par exemple

Images courtesy of / offertes par Moment Factory

Naturally, elevated seating brings one closer to the ceiling,
and, further, the team brought the ceiling down by installing low-
hanging light fixtures to create an intimacy not often found in post-
modern architecture, which favours large open spaces with high
ceilings. This, Catterall explains, was due to the firms’ consideration
of how shared moments are created in public spaces.
Seated on the top row of one of those tiered hillocks, leaning
back and propped up on her hands, Catterall identifies another
“aha” moment in the creative process: the need for and integration
of a narrative that connects explicitly with Montrealers.
To deliver on this, an immense screen will be affixed to the
western wall of the lobby. Measuring a cool 30 feet by 20 feet, the
screen will display more than 65 clips of Montreal’s largest and
best-loved urban parks, from Parc La Fontaine and Parc du Mont-
Royal to the less-visited Cap-Saint-Jacques on the island’s western
edge. In projecting scenes common to Montrealers’ collective
identity, Moment Factory found an overall narrative for the
architecture and scenic design.
“The integration of local nature that feels familiar to us
lends a sense of intimacy that we connect to more easily,”
Catterall explains. “We can’t always tear down walls, but
we can change the warmth, the vibe, the soundscape. Digital
technology can and should be applied to architecture.”
Pour créer un sentiment d’intimité (plutôt absent des
bâtiments post-modernes) dans cette immense aire ouverte à
très haut plafond, il fallait casser la hauteur : d’un côté, les gradins,
qui rapprochent du plafond, de l’autre, de très longs luminaires
suspendus. Ensemble, ils définissent une zone privée, propice à
un moment partagé dans un espace public.
Assise au sommet de cette montagne imaginaire, appuyée
sur ses mains, bras en arrière, Cheryl Catterall me raconte l’autre
« eurêka » de ce processus créatif : l’intégration d’un narratif qui
s’adresse explicitement aux Montréalais et Montréalaises.
Pour ce faire, un écran géant de 9 m x 6 m sera installé sur
le mur côté ouest, écran sur lequel défileront 65 vidéoclips des
grands parcs populaires de la ville, du parc La Fontaine au parc du
Mont-Royal, en passant par le parc-nature du Cap-Saint-Jacques
au bord du lac des Deux-Montagnes. En projetant des paysages
appartenant à la mémoire collective montréalaise, Moment
Factory a trouvé le fil conducteur de son récit, englobant à la fois
architecture et scénographie.
« L’intégration d’une nature qui nous est familière ajoute
à l’intime, le lien nous paraît plus évident, continue-t-elle. On ne peut
pas toujours abattre des murs, mais on peut réchauffer l’ambiance,
changer la bande-son, apporter du ressenti, jouer sur la lumière. La
technologie numérique peut, et doit, s’appliquer à l’architecture. »

14
The Moment / Le moment

BLOCK / 15
16
The Moment / Le moment

Images courtesy of / offertes par Moment Factory

 The Moment / Le moment
LEFT: Two renderings of the light feature show
how colour temperature and brightness alter over
the course of the day — and season — to atmospheric
effect. / À GAUCHE : L’éclairage suivra le fil de la
journée, et des saisons, grâce à des variations de
luminosité et de température des couleurs.
Ambient lighting will be programmed to adapt to and evolve
along with the four seasons, transitioning from the bold reds
of autumn to the subtle coolness of winter’s soft whites. On the
north end, a green wall of preserved moss laid atop red brick
sourced from Nevada is interwoven with LED lights, furthering
the integration of nature and technology.
The blend of natural materials, light and sound, along with
the integration of concepts surrounding biophilia and its effects on
the human psyche, are meant to create a warm, holistic space not
often found in traditional workspaces. This 360-degree approach,
pairing architecture and digital design, along with a keen
awareness of how users will occupy the space, sets an example for
how we can transform our environments to be more thoughtful
and more humane.
Scanning the vast space, Catterall acknowledges how far
they’ve come since the project’s origins, and how open collaboration
between firms can result in something truly unique.
“This project shows how real estate and architecture
have fully embraced experiential disciplines as an important
way of bringing well-being into spaces,” she says. She adds that
it is unusual for a digital design team to be brought in from
the beginning. In the case of 1001 Robert-Bourassa, this has
contributed to the project’s success.
“It was a gift to be at the table before the architects started
designing, as we were able to align around the narrative
and influence certain decisions to integrate the technology.”
ISSUE / NUMÉRO 3, 2014
In 2014, The Globe and Mail’s resident architecture critic, Alex
Bozikovic, introduced readers to a radical innovation in tall building
design: wood. At the time, cross-laminated timber (CLT) was just
emerging as a structural solution. Nearly 10 years later, CLT is being
used in contemporary building design across the country. / En 2014,
Alex Bozikovic, critique architectural du Globe and Mail, vous
présentait une innovation révolutionnaire dans la construction des
gratte-ciels : le bois lamellé croisé (ou CLT). Dix ans plus tard ou
presque, il est utilisé dans de nombreuses structures d’immeubles
contemporains partout au pays.
3
Art by / par Tatsuro Kiuchi
L’éclairage suivra le fil des saisons, passant des rouges et
orangés flamboyants de l’automne aux blancs bleutés doux
et froids de l’hiver. Côté nord, un tableau de mousse végétale
stabilisée sublime un mur de briques rouges du Nevada,
dans lequel s’entrelacent des ampoules DEL, multipliant les
combinaisons entre nature et technologie.
Le but de ce mélange d’éléments naturels, de lumière et
de trame sonore? Créer un espace holistique chaleureux, qui
fait écho à la biophilie et à ses effets sur notre psyché. Cette
démarche à 360 degrés, associant architecture, multimédia
et conscience aigüe de l’occupation de l’espace, est un bel
exemple de l’humanisation d’un lieu.
En balayant le grand hall du regard, Cheryl Catterall réalise
le chemin parcouru et s’enthousiasme de l’ouverture d’esprit
qui a animé cette collaboration et abouti à un résultat unique en
son genre.
« Cette réalisation montre que l’immobilier et l’architecture
ont pleinement intégré les disciplines expérientielles et s’en
servent à des fins de bien-être. » Et d’ajouter qu’il est rare
qu’une entreprise multimédia soit consultée dès le début d’un
projet. Cela a contribué, toujours selon elle, à la réussite du
1001, boulevard Robert-Bourassa.
« C’était un vrai cadeau que de pouvoir commencer la
conception avant l’arrivée des architectes autour de la table.
On a pu s’aligner sur le narratif et influencer certaines décisions
pour intégrer la technologie. »
2
Art by / par Yvetta Fedorova
ISSUE / NUMÉRO 12, 2016
Tokyo-based artist Tatsuro Kiuchi’s urban infill is
pure joy. Before branching into editorial work, Kiuchi
illustrated children’s books. His first picture book,
The Lotus Seed (with text by Sherry Garland), has
sold more than 250,000 copies worldwide. / La dent
creuse de Tatsuro Kiuchi n’est que joie. Avant de
bifurquer vers la presse, l’artiste tokyoïte illustrait des
livres pour enfants. Son premier album, The Lotus
Seed, écrit par Sherry Garland, s’est vendu à plus de
250 000 exemplaires dans le monde.
BLOCK / 17
 10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

10 Years of Artist’s Block

10 ans d’Art en Block
Each issue, we ask an artist to create a block using the medium and approach of their
choice. For the 10 years Block has been in production, we’ve accumulated a total of
25 artist-created blocks of every kind and variety — some refined, a few perplexing,
many sheer delights. / Dans chaque numéro, on demande à un artiste de créer en
toute liberté une œuvre d’art façon bloc. Depuis 10 ans que le magazine existe,
on a eu la joie d’en recevoir 25, chacun ayant sa personnalité : certains raffinés,
quelques-uns déroutants, la plupart enchanteurs.

ON THE COVER: Artist Camille
Jodoin-Eng contributed our
10th anniversary Artist’s Block.
Cityscape is made of two-way
mirror, wood, papier mâché
and melted glass. Jodoin-Eng
chose to photograph the
work outside to contrast
with the block’s surreal
contents. / EN COUVERTURE :
Camille Jodoin-Eng fête nos
10 ans en signant son Art en
Block. Cityscape combine
miroir sans tain, bois, papier
mâché et verre fondu. Elle
a choisi de le photographier
de l’extérieur pour mettre
en contraste son contenu
surréaliste.
There was our inaugural block (Issue 2, 2013) by
Sara Cwynar, a clear acrylic cube loaded with
tropical fruits. Jennifer Murphy’s block (Issue 4,
2014) was an entire ecosystem — of birds, cocooning
moths, grasshoppers and spiders — living in delicate
harmony. Contrast that with Naomi Yasui’s clay
block (Issue 14, 2017) emerging from a bucket of silty
water or Dean Drever’s perfect cube constructed of
one-eighth-inch birch dowels (Issue 17, 2018). And
then there was Katie Bethune-Leamen’s so-called
cuddly cube (Issue 16, 2018) featuring ceramic arms
embracing a hunk of nubbly bits.
“I think a good block is identifiable as a work
by that artist and shows what is unique about their
practice,” says Catherine Dean, Block’s long-standing
photo and illustration editor. Dean has been key to
casting a wide net and sourcing contributors, from
Cwynar back in 2013 to the present day. “It helps to
have an example by a well-respected artist when
you’re asking other artists to contribute,” says Dean
when asked how Cwynar’s block set the stage.
“It shows that artists can work in their own style
and that the block form is the only constraint.”
For Dean, choosing a favourite from the
catalogue is a harder task, “especially since there’s
so much variety,” she says. “We’ve been fortunate
to work with so many incredible artists over the
years, and every block is unique and surprising,”
a decade-long testament to the creative mind and
spirit and the capacity to take a simple assignment
and turn out something entirely original.
“That’s the best part,” she says. “Artists see
things in ways you can’t anticipate.”
Le tout premier, signé Sara Cwynar, était un cube
en plexiglas rempli de fruits exotiques (numéro 2,
2013). Celui de Jennifer Murphy représentait un
écosystème branchu où oiseaux, papillons de nuit,
sauterelles et araignées vivaient en délicate harmonie
(numéro 4, 2014). Tout un contraste avec le bloc de
béton émergeant d’un seau d’eau trouble de Naomi
Yasui (numéro 14, 2017) ou avec le cube parfait
de Dean Drever, composé de chevilles en bouleau
(numéro 17, 2018). Sans oublier le cube soi-disant
câlin de Katie Bethune-Leamen, dont les bras en
céramique enlaçaient un bric-à-brac aux couleurs
tendres (numéro 16, 2018).
« Je crois qu’un bon bloc est un bloc signature,
qui montre ce qui est unique dans la pratique de
l’artiste », explique Catherine Dean, iconographe
de Block depuis des années. C’est elle qui a
mis en place un vaste réseau pour chercher les
participants. « Avoir un exemple d’un artiste de
renom aide beaucoup à convaincre les suivants »,
répond-elle quand on lui demande comment le bloc
de Sara Cwynar a ouvert le bal. « Les artistes ont vu
qu’ils pouvaient travailler comme bon leur semblait,
la seule contrainte étant la forme cubique. »
Choisir son bloc préféré est une tâche plus ardue :
« Ils sont tous si différents, lance-t-elle. On a eu la
chance de travailler avec des artistes incroyables,
chaque bloc est singulier et surprenant. » Un
témoignage de 10 ans de créativité et de la faculté à
transformer une simple mission en quelque chose
de tout à fait original.
« C’est le plus agréable, conclut-elle. On ne
peut jamais prévoir ce qu’un artiste va imaginer. »

18
 10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 1 -
ISSUE / NUMÉRO 3 - JAMES NIZAM ISSUE / NUMÉRO 4 - JENNIFER MURPHY
THE MISSING BLOCK /
LE BLOC MANQUANT
As noted in our 10 x 10 (p. 11), Block’s very first
issue featured a different, more difficult, ask.
Artist’s Block, as we know and love it, arrived
in Issue 2, inspired by the block symbol at
the end of every story. / Comme raconté
dans 10 x 10 (p. 11), notre premier numéro
présentait une installation artistique, plus
difficile à reproduire. Art en Block, tel qu’on
le connaît et tel qu’on l’aime, est arrivé
au numéro 2, inspiré par le petit cube qui
marque la fin de chaque article.

ISSUE / NUMÉRO 2 - SARA CWYNAR ISSUE / NUMÉRO 5 - OREST TATARYN

ISSUE / NUMÉRO 6 - CIARA PHELAN

BLOCK / 19
 10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 7 - CHRISSIE MACDONALD ISSUE / NUMÉRO 8 - TAMMI CAMPBELL ISSUE / NUMÉRO 9 - JIMMY LIMIT

ISSUE / NUMÉRO 10 - VANESSA MALTESE ISSUE / NUMÉRO 11 - DORIAN FITZGERALD

DID YOU KNOW? /

LE SAVIEZ-VOUS?
While Dorian FitzGerald’s block appears minimal —
even ascetic — the Toronto-born artist is better
known for his “monumental paintings of materially
excessive situations.” / Même si le bloc de Dorian
FitzGerald paraît minimaliste, voire austère,
l’artiste-peintre torontois est connu pour ses
tableaux monumentaux, bondés à l’excès.

20

ISSUE / NUMÉRO 12 - JAIME
ANGELOPOULOS
ISSUE / NUMÉRO 13 - JEREMY LAING
ISSUE / NUMÉRO 14 - NAOMI YASUI
10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block
ISSUE / NUMÉRO 15 - DEAN BALDWIN
ISSUE / NUMÉRO 16 - KATIE BETHUNE-
LEAMEN
DID YOU KNOW? /
LE SAVIEZ-VOUS?
Dean Baldwin’s block looks good enough to sip.
The installation artist has historically created
works that are part art, part life and part bar,
asking viewers to inhabit, query and imbibe. /
On n’a qu’une envie devant le bloc de Dean
Baldwin : le siroter. L’artiste-installateur a
toujours créé des œuvres mêlant art, vie et bar,
invitant le public à les habiter, les questionner
et s’en imbiber.
BLOCK / 21
 10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 17 - DEAN DREVER ISSUE / NUMÉRO 19 - JONAH SAMSON

ISSUE / NUMÉRO 18 - CELIA PERRIN

SIDAROUS

DID YOU KNOW? /

ISSUE / NUMÉRO 20 - ALEX MCLEOD ISSUE 21 / NUMÉRO - LAURIE KANG
LE SAVIEZ-VOUS?
Montreal-based Celia Perrin Sidarous’s artistic
practice is all about creating assemblages. So, too,
is her Artist’s Block, an arrangement of eucalyptus
within glazed stoneware, set against blue silk. /
L’artiste montréalaise Celia Perrin Sidarous
a fait de l’assemblage son mode de création
de prédilection. Ici, son arrangement réunit
branches d’eucalyptus et grès émaillé dans un
écrin de soie bleue.

22
 10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 22 - WINNIE TRUONG ISSUE / NUMÉRO 23 - SHAHEER ZAZAI ISSUE / NUMÉRO 25 - KAREN KRAVEN

ISSUE / NUMÉRO 24 - MICHELLE ASHUROV ISSUE / NUMÉRO 26 - KELLY JAZVAC

DID YOU KNOW? /

LE SAVIEZ-VOUS?
Michelle Ashurov of Reverie Deli is a graphic
designer turned cake artist. Her contribution to
our canon was the magazine’s first and only truly
edible block. / Michelle Ashurov de Reverie Deli
est une graphiste devenue artiste-pâtissière.
Gourmande et fruitée, sa contribution à notre
collection était le tout premier bloc comestible.

BLOCK / 23
 The Creator / Le créateur

The Inkmaker
Le faiseur d’encre
In an urban environment, where foraging isn’t on local
activity guides, Jason Logan finds colour. / Jason Logan
pratique la chasse à la couleur en milieu urbain, une activité
non répertoriée dans les guides touristiques.

BY / PAR MÉLANIE RITCHOT

PHOTOS BY / PAR LUIS MORA

24
BLOCK / 25
 The Creator / Le créateur
PREVIOUS SPREAD: Illustrator turned inkmaker Jason Logan blurs the lines between what
we think of as urban and natural, inspired by ingredients he forages for in cities. / DOUBLE-PAGE
PRÉCÉDENTE : Illustrateur devenu fabricant d’encre, Jason Logan estompe les différences
entre urbain et naturel, inspiré par les ingrédients qu’il récolte en ville.
BELOW RIGHT: A teal pigment can be extracted from copper and turned into ink, which reacts
differently on paper depending on factors like the water used. / À DROITE : Selon l’eau utilisée
dans sa fabrication, cette encre couleur sarcelle, un pigment extrait du cuivre, réagira
différemment sur le papier.
ONE AFTERNOON in August, the task at hand was to carbonize
a peach pit. Other days, it’s foraging for black walnuts or rust
somewhere in Toronto.
Though Jason Logan’s idiosyncratic career has included
illustration, design and writing, at times all at once — if you have
ever wondered what each neighbourhood in New York City
smells like, his map “Scents and the City” in The New York Times
will help — he is now primarily an inkmaker.
“I just got curious about what ink actually is,” Logan
says. And so he began foraging for natural sources of colour
around him and experimenting with pigments. “It feels
like this quirky niche, but, in fact, it’s one of our oldest forms
of communication.”
Among his books (including an illustrated guide to
recovery post-breakup and the 2018 Make Ink: A Forager’s
Guide to Natural Inkmaking), recent reads (like Metazoa, a non-
fiction title about the origins of thinking) and now-occasional
illustrations (which Block is fortunate to feature most issues),
Logan says he sees a common thread through his work and how
he spends his time: finding the meeting point between visuals
and ideas.
Logan founded The Toronto Ink Company in 2014 and
shipped thousands of vials of ink to his favourite artists, hoping
they’d try it. Now, his ink is used by artists, illustrators and
calligraphers around the world. People often look to him when
they need a very particular ink or if they want an ink made from
a specific ingredient.
The appeal for some is the non-toxic quality of Logan’s
ink, while to others it’s the unpredictability of it, depending on
factors like the pH of the water used or what he’s harvested that
particular year.
26
CET APRÈS-MIDI d’août, c’est la carbonisation d’un noyau
de pêche qui est au programme de Jason Logan. À venir :
recherche de rouille dans les rues de Toronto et cueillette de
noix de noyer noir.
Cet illustrateur, graphiste et auteur, connu entre autres
pour son étonnante carte des odeurs de New York en été,
intitulée « Scents and the City » et parue dans le New York
Times, se consacre désormais à la fabrication d’encre.
« Un jour, je me suis demandé ce qu’était l’encre »,
explique-t-il tout simplement. Il s’intéresse alors aux couleurs
naturelles qui se trouvent à sa portée et fait des essais. « On a
l’impression que c’est un sujet niche, mais en fait c’est un de
nos plus anciens modes de communication. »
Entre ses livres (dont un guide illustré pour se remettre d’une
rupture amoureuse et un autre sur l’encre artisanale : Make Ink:
A Forager’s Guide to Natural Inkmaking paru en 2018), ses lectures
(dont Metazoa, un essai sur les origines de la pensée) et ses
illustrations qui se font de plus en plus rares (Block a la chance de
continuer à en profiter), il voit un fil conducteur : la recherche du
point de rencontre entre l’image et l’idée.
En 2014, Jason Logan fonde son entreprise, The Toronto
Ink Company, et envoie des milliers de fioles d’encre à ses
artistes préférés en espérant qu’ils en fassent bon usage.
Aujourd’hui, peintres, illustrateurs et calligraphes du monde
entier s’en servent. Quand ils ont besoin d’une nuance
particulière ou d’une encre fabriquée à partir d’un ingrédient
précis, ils s’adressent à lui, confie-t-il.
Pour certains, l’attrait de ces encres réside dans leur non-
toxicité, pour d’autres, dans leur imprévisibilité : le pH de l’eau
entrant dans leur composition ou la récolte de l’année ayant
leur rôle à jouer.
The Creator / Le créateur

BLOCK / 27
 The Creator / Le créateur
“The ink that I make has unexpected qualities when it
hits the paper,” Logan says. Even once a recipe is complete, the
colours aren’t necessarily fixed. If you squeeze a bit of lemon
on a wild-grape ink, it goes from purple to pink, and if you
sprinkle a bit of baking soda on it, it turns bluish green. “It really
is living.”
That mutable quality of ink — flowing, rippling and trailing
brushes across artists’ pages — was brought to new audiences
through The Colour of Ink. The film, directed by Brian Johnson,
debuted at the Toronto International Film Festival last year
and walks viewers through Logan’s inkmaking process and
how it comes into being: from foraging for raw ingredients to
experimenting to find the perfect hue to seeing a vial plucked
out of a shipping box by a master calligrapher in Japan. Between
vivid macro shots of different inks, Logan reintroduces viewers
to something we encounter every day (and maybe don’t think
twice about). “[You leave the] theatre feeling like the world is full
of colour,” he says.
28
« Mon encre a des qualités inattendues quand on la couche
sur le papier. C’est un produit vivant », poursuit-il. En effet, la
couleur du produit final n’est pas forcément fixée. Il suffit d’ajouter
quelques gouttes de jus de citron dans une encre de raisin
sauvage pour qu’elle passe du violet au rose ou de la saupoudrer
de bicarbonate de soude pour qu’elle vire au vert bleuté.
Cette mutabilité de l’encre, ondulant sous les pinceaux
des artistes, s’est répandue sur les écrans grâce à The Colour
of Ink, un documentaire réalisé par Brian Johnson et projeté en
avant-première au Festival international du film de Toronto en
2022. Il y dévoile la méthode de fabrication de Jason Logan,
de la collecte des ingrédients à la sortie d’une fiole de sa boîte
d’expédition par un maître calligraphe japonais, en passant
par les multiples essais pour trouver la juste teinte. Au travers
de prises de vue macro éclatantes, le spectateur redécouvre
une chose qui fait partie de son quotidien (mais qu’il a parfois
tendance à oublier) : « [On sort du cinéma] avec le sentiment
que le monde est rempli de couleur. »
 The Creator / Le créateur

LEFT: Wild grapes that Logan often finds along railway tracks
and fences result in a deep-purple ink. / À GAUCHE : Le raisin
sauvage, que Jason Logan cueille le long des voies ferrées,
donne une encre au violet profond.

When Logan first sought to make ink, he realized there
weren’t many definitive resources on how to do it. He says
his solution was to dig up medieval recipes or to do “strange
internet rabbit-hole searches for alchemical texts. People have
been making ink for a long time; it was just a bit hidden.”
He found similarities in textile dyeing. “When I’m starting
with a new plant or some new weird substance, I usually talk to
the people who do natural dyeing first. That gives me a hint about
how to start extracting colour. Then I do a lot of fiddling.”
Logan says his book Make Ink is the one he wishes he had
when he was starting and learning. When he began getting
invited to talk about inkmaking post-publication, he opted to
run workshops. “Rather than talking, I would often say, ‘Let’s
just go out as a group and make our own ink.’” He adds that
the network of people making ink has grown since his book
was published.
Ink can be as simple as three elements, Logan explains:
a liquid (water in most of his recipes), a pigment and a binder
that connects the colour to the liquid. “I try to forage for
everything. I like to forage for my own water. I like to forage for
the pigments. I use binders like cherry sap. The vast majority of
what I put in my inks are things that I can find right at my feet.”
“It doesn’t have to be leaves and berries,” he says. “There are
rusty nails and bits of copper wire and drywall dust — all these
amazing things that are being underutilized in cities [and] make
extraordinary colours.” The word “foraging” is often associated
with non-urban environments, but Logan says that as his craft
has progressed, he’s become increasingly interested in blurring
the line between what we think of as urban and natural.
“It’s almost democratizing the idea of making your own
colour supplies by recognizing,” finding value in and using “the
stuff on the streets.”
À ses débuts, Jason Logan ne trouve que très peu de
manuels de référence. Il doit dépoussiérer des grimoires
moyenâgeux ou se perdre dans les dédales d’Internet à la
recherche de recettes d’alchimistes : « On fait de l’encre depuis
très longtemps, donc c’était un peu caché. »
Son autre source? Les teinturiers. « Quand je teste une
nouvelle plante ou une substance insolite, je commence par
demander à quelqu’un qui pratique la teinture naturelle pour
savoir comment extraire la couleur. Ensuite, c’est du bricolage. »
Son guide sur la fabrication d’encres artisanales est né de
ce constat. Tout comme les ateliers qu’il a organisés par la suite :
« Quand on m’invitait à parler du livre, ma première réaction
était de proposer une sortie pour qu’on fabrique de l’encre
ensemble. » Et d’ajouter que son guide a suscité des vocations.
Toujours selon lui, l’encre peut se résumer à trois
éléments : un liquide (de l’eau dans la plupart de ses recettes),
un pigment et un liant qui, comme son nom l’indique, permet
de lier couleur et liquide. « La grande majorité de mes
ingrédients sont locaux, des choses que je peux trouver à mes
pieds : je vais chercher mon eau moi-même, pareil pour les
pigments et les liants. J’utilise notamment de la gomme de
cerisier pour ces derniers. »
« Les pigments, eux, sont des clous rouillés, de vieux fils
de cuivre ou de la poussière de placoplâtre : toutes ces choses
formidables qu’on trouve en ville et qui sont sous-utilisées pour
créer de la couleur. Il n’y a pas que les feuilles et les baies! »
Il est vrai qu’on associe souvent pigment et nature. Plus il
peaufine son savoir-faire, plus l’artisan tente de brouiller les
pistes entre l’urbain et le naturel.
« Faire ses couleurs à partir de trucs récupérés dans la
rue, c’est presque démocratiser la fabrication d’encre. » C’est
aussi lui ajouter une plus-value, conclut-il.

4
ISSUE / NUMÉRO 21, 2020
Amid the uncertainty of the pandemic, Block
profiled Siphesihle November — then the newest
member of The National Ballet of Canada—from
his Toronto apartment: “I dance to move people,
whether that’s to make them happy, to make
them think or to make them feel something
that I’m feeling.” Soon after, November was
promoted, making him the youngest and
only the second Black principal dancer in the
company’s history. / En pleine incertitude
pandémique, Block brossait le portrait de
Siphesihle November, nouveau venu au Ballet
Video by / vidéo par Siphesihle November

national du Canada, depuis son appartement

torontois : « Je danse pour émouvoir, pour
rendre les gens heureux, pour les faire
réfléchir ou pour transmettre un sentiment. »
Quelques entrechats plus tard, il devenait
le plus jeune, et seulement le deuxième à ce
jour, danseur étoile noir de la compagnie.

BLOCK / 29
 The Conversation / La conversation

Photo by / par GS & CO

30
 The Conversation / La conversation
City Rhythms
Rythmes urbains
BY / PAR LOURDES JUAN AND / ET MARCIN KEDZIOR
In an endeavour she calls “food rescue,”
Lourdes Juan, an urban planner and the
founder of Calgary-based Hive Developments,
launched a tech start-up called Knead that
connects the dots between food waste and
organizations looking to recover it. She joined
Marcin Kedzior, a Toronto-based design
professional, educator and urban thinker,
for a chat about urban planning as a mode of
prophecy and how cities are designed versus
how they’re experienced.
MARCIN KEDZIOR: A recent obsession of mine has been thinking
of the formation and inhabitation of cities from the point of
view of rhythm — as a series of improvisations and responses
that develop over time. Maybe every neighborhood has its
own rhythm?
LOURDES JUAN: I’m in Calgary — a city that is still in a very pimply-
teen awkward phase — in a province that has been largely
dominated by one industry, so we really haven’t had the
opportunity to think about cool things like architecture and
design until more recently.
I grew up here, and when I think of Calgary 40 or so
years ago versus what it looks like today, in so many ways
the city is making the right moves. For example, right
now I’m sitting in Platform Calgary — a tech and innovation
centre — and the f loor heights are such that the building is
convertible [to other uses]. In the future, we can turn it into
offices or housing, and it’s right across the street from our
[newly built] central library.
Urbaniste et fondatrice de Hive
Developments à Calgary, une agence de
conseils en urbanisme et travail de proximité,
Lourdes Juan a lancé Knead, une jeune
pousse qui facilite le rapprochement entre
la nourriture gaspillée et les organismes à
sa recherche pour en faire bon usage. Avec
Marcin Kedzior, enseignant en architecture
et penseur urbain torontois, elle discute
aménagement de l’habitat : de la théorie à la
pratique et don de prophétie ou pas.
MARCIN KEDZIOR : Depuis quelque temps, je réfléchis à la
formation et à l’occupation des villes par leurs habitants du
point de vue du rythme, comme une série d’improvisations
et de réactions qui évoluent au fil du temps. Peut-être que
chaque quartier a son propre rythme?
LOURDES JUAN : Je vis à Calgary, une ville qui est encore dans
sa phase d’adolescente boutonneuse et mal à l’aise, dans une
province largement dominée par une seule industrie. Donc
ici, on commence à peine à penser à des trucs cools comme
l’architecture et le design.
J’y ai grandi, et quand je vois ce qu’elle est devenue en
une quarantaine d’années, je crois qu’elle est sur la bonne
voie. Par exemple, en ce moment, je te parle depuis Platform
Calgary, un centre de technologie et d’innovation où la
hauteur sous plafond est telle que le bâtiment pourra servir
à d’autres usages : il pourra être converti en bureaux ou en
logements. Et il se trouve juste en face de notre toute nouvelle
bibliothèque centrale!
BLOCK / 31
 The Conversation / La conversation

MK: That’s a great example of how certain buildings can set
in motion the future of a neighbourhood or constitute a
community or even a distinct form of living — especially if the
design engages with the complexities of how people actually
live, their everyday habits and practices.
LJ: When I think of making a true impact on a complex problem,
it goes back to community engagement. We cannot take — and
Marcin, maybe you’ve come across this in your design process —
one idea or one architectural style and plunk it into a city. You
really have to understand the roots and the context.
And you really can’t affect things like food waste, food
security or food access without thinking about urban planning.
When it comes to accessing healthy or affordable food, the [big
box grocers] in Calgary are primarily in places that you need
to drive to. If you are a young immigrant family, for example,
and you don’t have access to a vehicle, or you’re a single mother
and you have six children, or you’re a senior who lives alone,
how on earth are you going to get to the grocery store that is
an hour and a half away by bus. I don’t think it was done on
purpose, but we’ve created these “food deserts” in the city. And
also “food swamps,” in that there are lots of fast-food options in
inner-city communities but access to healthy food like fruits and
vegetables is almost non-existent. There’s a built-in inequity.
MK: That’s a great point about accessibility in the food landscapes
you describe. Going to the market is — or should be — a pleasurable
event, an amazing social and cultural experience.
Sometimes, in planning discourse, there is an emphasis
on getting from point A to point B, but something about the
richness of living in a city is harder to capture. When we talk
about social cohesion, we often use musical terms like “unison”
or “harmony,” but I don’t think those terms are as good as
“polyrhythmic,” which describes when a rhythm is open enough
to accommodate other rhythms to enter and become part of
it — the tempos, speeds and possibilities of urban life.
I know Calgary has an extensive above-ground walkway
system. It’s interesting the kind of co-operation that it took
between different partners to create that circulation system.
I would love to learn more about how you think about these
things, how long it takes for things to improve in the city and
how those relationships are nurtured.
LJ: There’s a political layer, then there’s this engagement layer
with all who want to be at the table, then there’s a cultural layer.
I remember doing a project in Chinatown here that was fairly
controversial. In just a three-block radius, there were over 120
different community associations. It takes all these different layers
to get [a full picture and] all the feedback. Then we sift through
what’s helpful, what’s not helpful and where we can do better.
I wrote a paper in university about how the Plus 15 skyway
network was the most inequitable system. Someone in my
master’s program wanted to see, if they dressed a little scrappy,
how long it would take to get kicked out of the walkway. I think
the average was about 4.6 seconds. It’s pedestrianism for only
certain folks, and that decision was made from a political
standpoint. It’s like, we put time, energy and effort into making
something that is not accessible for many people, who probably
need that shelter from the cold. I don’t know how that’s going to
play out in 30 or 40 or 50 years.
Like I said, we’re in an awkward phase. We can always
envision what we want something to look like, but we’re really
just gathering information from cities that we want to emulate.
MK: On the point of envisioning futures, I think that kind of
analysis is like a mode of prophecy, done by the Oracles
of Data! My rule of thumb has been that beyond 200 years
is unfathomable, which is about the time frame between
someone’s great-grandparent and great-grandchild. It does
feel a bit controlling, trying to own the future before it
happens by making predictions. Though I love what you said
earlier, Lourdes, about building flexibility into the design of
Platform Calgary.
LJ: Anticipation and optimism! I hope this building isn’t a
parking lot in 50 years. I hope the library across the street is a
historical building my grandchildren can enjoy. And maybe
it will function differently, but the architecture and design will
really stand.

5
ISSUE / NUMÉRO 25, 2022
Block featured Ottawa-based printmaker and ceramicist Gayle Uyagaqi
Kabloona’s second-ever wall hanging, Uvagut (which means “all of us”
Photo courtesy of / offerte par Canada Goose, Inc.

in Inuktitut). Kabloona has since achieved some remarkable milestones,

including a collaboration with Uniqlo and designing a Canada Post stamp
as part of a Truth and Reconciliation series. / C’est dans Block que
Gayle Uyagaqi Kabloona, graveuse et céramiste à Ottawa, a décidé
d’accrocher sa tenture intitulée Uvagut (« nous tous » en inuktitut).
Elle a depuis tracé sa route, croisant sur son passage Uniqlo pour une
collaboration et Postes Canada pour l’illustration d’un timbre de la
série Vérité et réconciliation.

32
 The Conversation / La conversation
“Maybe every neighbourhood has its own
rhythm?”/« Peut-être que chaque quartier
a son propre rythme? »
M. K. : C’est un bel exemple de la façon dont un bâtiment peut
mettre l’avenir d’un quartier en mouvement, constituer une
communauté ou même un mode de vie distinct, surtout si
l’architecture tient compte des complexités de la vie réelle, des
habitudes quotidiennes des résidents.
L. J. : Pour avoir un vrai impact face à un problème complexe,
je pense toujours engagement communautaire. On ne peut pas
prendre, et Marcin, tu pourras peut-être me le confirmer, une
idée ou un style architectural et le balancer, tel quel, dans une
ville. On doit tenir compte des causes et du contexte.
De la même façon, on ne peut agir sur le gaspillage ou
la sécurité alimentaire et l’accès à la nourriture sans penser
à l’urbanisme. Pour avoir accès à des aliments santé à prix
abordables à Calgary, il faut se rendre dans les grandes
surfaces qui se trouvent presque toutes hors du centre-ville.
Comment une jeune famille immigrée qui n’a pas d’auto, ou une
maman solo avec six enfants, ou encore une personne âgée
qui vit seule, va-t-elle aller faire ses courses dans une épicerie
qui est à plus d’une heure de bus de chez elle? Je ne crois pas
que ce soit un fait exprès, mais nous avons créé ces « déserts
alimentaires ». Et des « bourbiers alimentaires » également,
car les choix de restauration rapide pullulent dans les quartiers
alors que les fruits et légumes y sont pratiquement inexistants.
C’est une iniquité construite de toutes pièces.
M. K. : Ce que tu viens de décrire est tout à fait juste. Faire son
marché est, ou devrait être, un moment agréable, une sortie
sociale et culturelle. Parfois les urbanistes se concentrent
sur le fait d’aller d’un point A à un point B en perdant de vue la
richesse de la vie en ville, plus difficile à saisir. Quand on parle de
cohésion sociale, on a souvent recours à des termes musicaux,
tels que « unisson » ou « harmonie ». Ils sont bons, mais pas
autant, je crois, que « polyrythmie », qui est l’emploi simultané
de structures rythmiques différentes : les tempos, les vitesses,
les possibilités de la vie citadine.
Je sais que Calgary dispose d’un vaste réseau de passerelles
piétonnières. Cette coopération entre divers partenaires pour
créer un tel système de circulation est intéressante. J’aimerais
avoir ton avis sur ce sujet, sur le temps qu’il faut pour améliorer
une ville et comment on arrive à ce genre de collaboration.
L. J. : Il y a une couche politique, puis une couche engagement
avec toutes les personnes qui veulent s’impliquer, et enfin
une couche culturelle. Je me souviens d’un projet ici, dans
le quartier chinois, qui a été pas mal controversé. Dans un
rayon d’à peine trois blocs, il y avait plus de 120 associations
communautaires. Toutes ces couches sont nécessaires pour
avoir une vue d’ensemble. Ensuite, on passe ces infos en revue :
ce qui est utile, ce qui ne l’est pas et ce qui peut être amélioré.
J’ai écrit un article à l’université, expliquant pourquoi le
Plus 15 [réseau de passerelles piétonnières vitrées de Calgary]
était injuste. Quelqu’un de mon programme de maîtrise a voulu
savoir combien de temps il lui faudrait, s’il était mal habillé,
pour être expulsé de la passerelle. Je crois que la moyenne était
de 4,6 secondes. Ce n’est pas une piétonnisation pour tous,
et cette décision est politique. On a dépensé du temps et de
l’énergie à construire quelque chose qui n’est pas accessible à
ceux qui en auraient besoin pour se protéger du froid. J’ignore
ce que ça va donner dans 30 ou 50 ans. Comme je l’ai dit, on
est dans une phase délicate. On peut toujours imaginer ce à
quoi on voudrait que notre ville ressemble, mais on ne fait que
recueillir des infos sur celles qu’on veut imiter.
M. K. : En ce qui concerne la prédiction de l’avenir, je crois que ce
genre d’analyse est une forme de prophétie rendue par l’oracle
des données! Ma règle de base est qu’au-delà de 200 ans, c’est
insondable, ce qui correspond à peu près au laps de temps
entre nos arrière-grands-parents et nos arrière-petits-enfants.
Essayer de s’approprier l’avenir en le prédisant me paraît un
peu contrôlant. Mais j’aime beaucoup ce que tu as dit à propos
de l’aménagement flexible de Platform Calgary.
L. J. : Anticipation et optimisme! J’espère que, dans 50 ans, ce
bâtiment ne sera pas un stationnement. Et que la bibliothèque
en face sera un monument historique que mes petits-enfants
pourront admirer. Que son architecture restera, même s’il n’a
pas le même usage.
BLOCK / 33
 6
ISSUE / NUMÉRO 25, 2022
Brad McCannell and Kristen Habermehl from the Rick Hansen Foundation discussed with Block
the often-unseen impacts of making spaces accessible. We learned that 57% of people with physical
disabilities “who are willing and able to work are unemployed because of barriers in the workplace.”
Imagine the increased agency — and the benefit to the economy — if workplaces could support people of
all abilities. / Brad McCannel et Kristen Habermehl de la Fondation Rick Hansen ont discuté avec
Block des effets souvent invisibles de la mise en accessibilité des bâtiments. On y apprenait que
57 % des personnes ayant un handicap physique, « désireuses et capables de travailler sont sans
emploi à cause d’obstacles sur le lieu de travail ». Imaginez les avantages économiques si ces
derniers pouvaient accueillir des personnes de toutes aptitudes!

Photo by / par Maxime Brouillet

7
ISSUE / NUMÉRO 22, 2021
Block checked in with master mason
Kostas Kotoulas, who was leading
the efforts to restore the caryatids
and copper dome atop Vancouver’s
Sun Tower. In the pandemic-era
issue dedicated to the theme of
caring, Kotoulas shared, “You must
be passionate and care for a building
the way you care for yourself.” /
Une rencontre au sommet a eu
lieu entre Block et le maître maçon
Kostas Kotoulas, qui chapeautait
la restauration du dôme en cuivre
et des caryatides de la Sun Tower
de Vancouver. Dans ce numéro
consacré aux métiers du soin, il nous
disait : « On doit être passionné et
prendre soin d’un bâtiment comme
de soi-même. »
Photo by / par Martin Tessler

34
 Now & Then / D’hier à aujourd’hui

Now & Then x 10 / D’hier à aujourd’hui x 10

Each Allied property is a unique alchemy of forms, uses and stories, accruing value and history over
time. For 10 years, Now & Then has been capturing those stories. / Chaque propriété d’Allied est
une subtile alchimie de formes, usages et histoires, augmentant sa valeur au fil du temps. Des
histoires que D’hier à aujourd’hui raconte depuis 10 ans.

1872 1905 1912

TORONTO
Gurney Stove Factory /
La fonderie Gurney
VANCOUVER
The Landing
EDMONTON
The Revillon Complex /
Le complexe Revillon

c. 1913 c. 1931
CALGARY
Lougheed Building /
L’édifice Lougheed
OTTAWA
The Chambers

VANCOUVER
Barber-Ellis Building /
L’édifice Barber-Ellis
TORONTO
Dominion Paper Box
Company
c. 1931 1956
MONTRÉAL
Le Nordelec
CALGARY
Odd Fellows Temple

Photos courtesy of / offertes par (from left to right from

1960 c. 1971
top / de gauche à droite à partir du haut): Toronto Public
Library; City of Vancouver Archives; Glenbow Archives;
Ibid: William James Topley/Library and Archives
Canada; City of Vancouver Archives; Allied REIT; Bell
Canada Historical Collection; Calgary Library Archives

BLOCK / 35
 Now & Then / D’hier à aujourd’hui

2013 2021 2011

2014 2012

2013 2013

2017 2012
Photos courtesy of / offertes par (from left to right
from top / de gauche à droite à partir du haut): Harry
Choi; Allied REIT; Amber Bracken; Harry Choi; Ibid; Ibid;
Allied REIT; Marc-Olivier Bécotte; Harry Choi

36
 Now & Then / D’hier à aujourd’hui

Back to the Future

Retour vers le futur
How Vancouver’s first skyscraper attained movie-star status. / Le premier
gratte-ciel vancouvérois se hisse au rang de star de cinéma.
BY / PAR SYDNEY LONEY

The 13-storey Dominion Building at 207 West Hastings Street in Vancouver arose from futuristic
thinking in the early 1900s when it was commissioned by the Imperial Trust Company to be
“a landmark in the city.” It was big (at 45 metres, the tallest building in the British Empire and
Vancouver’s first “skyscraper”), it was bold (with a striking flat-iron shape and rose-coloured
terracotta facade) and it marked a new approach to architecture in the city’s downtown core.
The man behind its look was John Shaw Helyer, who designed yachts as a member of
the Royal Institution of Naval Architects in the U.K. before immigrating to Canada in 1900.
Helyer departed from conventional heavy stone construction and paired an innovative steel
and concrete interior with classical columns, a curved mansard roof and decorative detailing.

1915
Then, he added a few unexpected flourishes to the Dominion, including a 10-storey staircase
spiralling up through the heart of the building.
The Dominion made the papers when it was completed in 1910 and has continued to attract
attention over the decades, appearing on the big screen, in both fantastical and futuristic settings,
in The NeverEnding Story, Battlestar Galactica and Blade: Trinity. It also caught the eye of Allied
Properties, which bought the building in 2021, cementing its star status for decades to come. /
Au début des années 1900, le Dominion Building, situé au 207, rue Hastings Ouest à Vancouver,
émerge de la vision futuriste de l’Imperial Trust Company, qui veut que son immeuble soit « le
point de repère de la ville ». Pari réussi : il est grand (avec ses 13 étages empilés sur 45 mètres,
il est le plus haut édifice de l’Empire britannique et le premier gratte-ciel de Vancouver), il est
audacieux (avec sa silhouette en fer à repasser et sa façade en terre cuite rose) et il révolutionne
l’approche architecturale du centre-ville.
Il est signé John Shaw Helyer, qui dessinait des voiliers en tant que membre de l’Institution

2021
Top / En Haut: R. Broadbridge / courtesy of /
offerte par Vancouver Public Library 8393.
Bottom / En bas: Photo courtesy of / offerte
par Allied REIT.
royale des architectes navals (RINA) au Royaume-Uni avant d’émigrer au Canada en 1900. Le
maître d’œuvre décide de s’éloigner des constructions traditionnelles en pierre pour combiner une
structure innovante en acier et béton à des colonnes classiques et un toit mansardé convexe. Puis,
il lui ajoute quelques ornements étonnants, dont un escalier intérieur central déroulant sa spirale
jusqu’au 10e étage.
Le Dominion fait les gros titres lors de son inauguration en 1910 et ne cesse d’attirer les
regards depuis, apparaissant notamment sur grand écran dans L’Histoire sans fin, Battlestar
Galactica et Blade 3 : la trinité. Il a aussi tapé dans l’œil d’Allied, qui en est devenu propriétaire
en 2021, cimentant son statut de star pour les années à venir.

8
ISSUE / NUMÉRO 26, 2023
The Montreal Mile End-focused 1KM Guide, illustrated by Sean Lewis,
centred on Ubisoft’s Canadian headquarters and celebrated the
great community that surrounds it. While it’s one of the city’s busiest
corners, Lewis captured the intimate atmosphere and beloved
local haunts that draw people from all walks of life. / Illustrée par
Illustration by / par Sean Lewis

Sean Lewis, notre rubrique 1 km autour vous dévoilait les bonnes

adresses entourant le QG canadien d’Ubisoft. Dans ce quartier
animé du Mile-End montréalais, l’artiste a su capter l’atmosphère
intime des lieux préférés des habitués du coin.

BLOCK / 37
 Make Room for the Arts / Faites place à l’art
Heroic Efforts
L’héroïne
BY / PAR XIMENA GONZÁLEZ
PHOTO BY / PAR VICKY MITTAL
PHOTO COURTESY OF / OFFERTE PAR EDMONTON MURAL FESTIVAL
In an environment designed for cars, in downtown Edmonton,
a new mural enlivens the intersection of 104 Street NW and
103 Avenue NW. Using the former blank wall of a six-storey
parkade as a canvas, three artists transformed a nondescript
landscape into a statement of hope and strength.
Part of the inaugural year of the Edmonton Mural Festival,
The Hero is one of 10 murals painted across the city this past
September. It’s the first collaboration between Bernhard
Suryaningrat, an Indonesian graffiti artist also known as
Hardthirteen, and Annaliza Toledo and Trevor Peters of Rust
Magic International, a multidisciplinary art agency based in
Edmonton and Bali.
Evoking the work of other socially minded artists such as
Eric Almanza, a Chicanx figurative painter based in California,
the trio opted for a vivid colour palette that drastically changes
the energy of its surroundings and attracts the attention of
passersby. “It was a six-storey blank wall that nobody could
interact with,” says Peters, “and now it’s a six-storey symbol that
people can admire.”
Together, the trio brought to life a vision of bravery that
invokes a more hopeful future for Indigenous women and girls.
“This is such an important project for us moving forward,”
says Toledo. “This is a stepping stone for us to do projects that
question, raise conversations, build awareness and shed light on
issues that affect everybody.”
Born and raised in Edmonton, Peters (who is Cree) and
Toledo work toward the preservation of graffiti and urban art
history through their artistic practice, as the presence of graffiti
in public spaces is often misunderstood.
Through The Hero, the artists use graffiti art to challenge
clichés and invite viewers to reconsider their positions. “We know
graffiti as an art form,” says Peters, who’s been a graffiti artist since
1994. “It’s one of the largest art movements of our time.”
38
Plantée dans un décor pensé pour la voiture, une nouvelle
murale égaye le croisement des 104e Rue NO et 103e Avenue
NO au centre-ville d’Edmonton. Trois artistes ont transformé le
mur bétonné d’un stationnement étagé en déclaration de force
et d’espoir.
The Hero fait partie des 10 œuvres peintes en septembre
dernier dans le cadre du premier festival de murales de la
ville. C’est aussi la première collaboration de l’artiste graffeur
indonésien Bernhard Suryaningrat, alias Hardthirteen, avec
Annaliza Toledo et Trevor Peters de Rust Magic International, une
agence artistique multidisciplinaire basée à Edmonton et à Bali.
Inspiré par d’autres artistes socialement engagés,
comme Eric Almanza, peintre figuratif californien d’origine
mexicaine, le trio a opté pour une palette vive qui insuffle au lieu
une énergie nouvelle tout en attirant le regard des passants.
« C’était un mur gris de six étages, sans aucune interaction,
explique Trevor. C’est aujourd’hui un symbole de six étages
qu’on peut admirer. »
L’illustration représente la bravoure, évoquant un avenir
plus prometteur pour les femmes, jeunes filles et fillettes
autochtones. « Cette réalisation est très importante pour nous,
poursuit Annaliza. C’est un tremplin pour d’autres projets qui
font réfléchir, qui ouvrent le débat, sensibilisent et mettent en
lumière des sujets qui touchent tout le monde. »
Elle et Trevor, artiste graffeur Cri depuis 1994, travaillent
à la préservation des graffitis et de l’art urbain en général dans
Edmonton (ville où ils sont nés et ont grandi), leur présence
dans l’espace public étant souvent mal comprise.
Ils se sont servis de l’art du graffiti dans The Hero pour
défier les clichés et inviter le public à reconsidérer ses positions.
« Le graffiti est reconnu en tant que forme d’art : c’est un
des plus grands mouvements artistiques de notre époque »,
conclut Trevor.

Deus Exurban Machina
Oasis urbaines
BY / PAR HANNAH MACREADY
ILLUSTRATION BY / PAR JASON LOGAN
People in the city always want to move.
To a bigger apartment. To a house with
a yard. Downtown. Uptown. Or out of
the city entirely. I’ve watched my friend
group fragment over the years as people
trade SkyTrain stops for suburban
parking spots and walkable routes for
more bedrooms.
Here in British Columbia, the
obvious remedy for metropolitan
burnout is its exact opposite: rural living.
Penticton. Nelson. Fernie. Squamish.
Every year, these rustic small towns see
an influx of urban defectors seeking local
coffee shops, artisanal farmers’ markets
and houses with woods so thick you can’t
see or hear the road.
For a long time, I thought, eventually,
I would be among them. I wanted space
for my dogs to run. I wanted a backyard
criss-crossed with hiking trails. I longed
to watch the quiet magic of evaporating
morning dew.
I wanted all of this — that is, until
the fires started. The past decade has
brought a steady invasion of wildfires to
B.C.’s interior communities. In 2021, the
village of Lytton literally burned to the
ground — vanished in just a few hours.
My friends and family members who live
outside of the city have spent the past
five years on rotating evacuation notices.
Summer, now, is a time of deep stress
and uncertainty.
Apprehension abounds, and as
citizens of Canada’s most expensive city,
Vancouverites have already lived through
too much housing uncertainty.
So, what do we do when our dreams
get torched? We hit pause on our rural
plans and find new dreams. We bring the
rural here.
Instead of saving for a four-bedroom
house in Summerland, we’re starting
community gardens and raising backyard
chickens. We’re buying Mitsubishi Delicas
and converting them into movable
homes. Tomato plants and basil sprigs
overflow from our balconies. Soon, we’ll
Rethink / Repensé
build rooftop farms, set up cocktail bars
in gardens and plant enough shrubbery
and security cameras to capture the
morning dew from the comfort of our
25th-floor apartments.
This isn’t to say that urbanization
can replace the rural. Or that the plight
of those who already live in these small
towns is theirs to bear alone. But I am
suggesting that we city folk
stay put and make our
dreams come true
right where we are.
Vancouver can
be our Osoyoos,
Revelstoke or
Argenta. Vancouver
can be our wooden,
rural dream. We
don’t have to leave
the city to find peace. We just need to
be creative in how we live in it. / Les
citadins veulent toujours déménager.
Pour du plus grand. Pour une cour. Pour
un quartier plus calme ou plus chic. J’ai
vu mon groupe d’amis se fragmenter
au fil des ans, échangeant un arrêt de
métro contre une place de stationnement
garantie ou une piste cyclable contre
deux chambres de plus.
Ici, en Colombie-Britannique,
l’antidote au surmenage urbain est la
vie à la campagne. Penticton. Nelson.
Fernie. Squamish. Tous les ans, ces
villes champêtres voient affluer des
métropolitains désenchantés en quête
de petits cafés sympas, de marchés
fermiers et de maisons au bois épais pour
ne plus voir ni entendre les autos.
Pendant longtemps, j’ai eu la même
envie. Je voulais de l’espace pour que
mes chiens puissent courir. Une cour
d’où partirait un chemin de rando. Une
baie vitrée de laquelle contempler la
rosée du matin.
Jusqu’au jour où les incendies ont
commencé. Ces 10 dernières années,
l’arrière-pays britanno-colombien a été
envahi par les feux de forêt. En 2021,
le village de Lytton a disparu dans les
flammes en quelques heures. Mes amis
qui vivent hors de la métropole ont tous
été évacués à tour de rôle. L’été est devenu
synonyme de stress et d’incertitude.
L’appréhension pullule, partout.
Les Vancouvérois et Vancouvéroises,
citoyens de la ville la plus chère du
Canada, craignent aussi pour leur
capacité à se loger.
Alors, que fait-on
quand nos rêves
s’évanouissent en
fumée? On met nos
projets sur pause et du
bucolique en ville.
Au lieu
d’économiser pour
une grande maison à
Summerland, on s’inscrit
au jardin communautaire et on élève
des poules dans sa cour. On s’achète un
Mitsubishi Delica pour le transformer en
maison mobile. On cultive des tomates
sur son balcon. Bientôt, on construira des
fermes sur les toits, on installera des bars
à cocktails au milieu de la verdure et on
plantera assez d’arbustes et de caméras
de surveillance pour pouvoir admirer la
rosée du matin dans le confort de son
salon au 25e étage.
Cela ne veut pas dire que l’urbain
peut remplacer le rural. Ou qu’il faut
abandonner les habitants des petites
villes à leur triste sort. Ma proposition
est plutôt que nous, citadins et citadines,
arrêtions de bouger et réalisions nos
rêves sur place.
Vancouver peut être notre Osoyoos,
Revelstoke ou Argenta. Notre rêve de
maison dans le bois. On n’a pas à quitter
la ville pour trouver la paix. Il suffit de faire
preuve de créativité.
BLOCK / 39
 9
ISSUE / NUMÉRO 25, 2022
Shepard Fairey — the creative force
behind Obama’s presidential
campaign “HOPE” poster — created
another socially minded and
meaningful piece, titled Paix
et Justice, for Montreal’s 2022
MURAL Festival. Emblazoned
on the side of an Allied building,
the larger-than-life ode to
justice calls attention to some
of the most pressing issues of
our time. / En 2022, dans le
cadre du festival montréalais
Mural, Shepard Fairey,
créateur de Hope, l’affiche de
la campagne présidentielle de
Barack Obama, réalisait une
autre œuvre du bout de son
pinceau socio-engagé : Paix et

Photo by / par Jon Furlong, courtesy of / offerte par MURAL Fest

Justice. Déployée sur le flanc
d’un immeuble d’Allied, elle
donne matière à réflexion sur
certaines questions urgentes
de notre époque.

10
ISSUE / NUMÉRO 26, 2023
For decades, famed photographer Edward Burtynsky has been pulling the veil off industrial
landscapes to reveal how they affect the planet. He welcomed Block into his Toronto studio for
an intimate look at his process and most recent book, African Studies, sharing the reach — and
impact — of globalism on the African continent. / Son objectif braqué depuis des années
sur les paysages industriels, Edward Burtynsky lève le voile sur ces activités humaines
qui mutilent la terre. Block a pu pénétrer dans l’antre torontois du photographe et jeter
un œil sur son dernier livre, African Studies, témoignant des effets du mondialisme sur
le continent africain.
Photo by / par Derek Shapton

40
 The Blueprint / Le plan d’action

Scale Model / Modèle réduit

After reading about Moment

Factory’s efforts at 1001 Robert-
Bourassa in Montreal (The
Moment, p. 12) make it yourself —
in miniature (at a scale of 1:1250).
/ Après avoir découvert le futur
hall du 1001, avenue Robert-
Bourassa à Montréal, imaginé
par Moment Factory (Le
moment, p. 12), amusez-vous à
le construire à l’échelle 1/1250.

Mountain fold /
Pli montagne

Valley fold /
Pli vallée

BLOCK / 41
 The Blueprint / Le plan d’action

42
 Fill in the Blank / Veuillez combler l’espace

EACH ISSUE, WE ASK AN ARTIST: WHAT WOULD YOU DO WITH YOUR OWN URBAN INFILL? / DANS
CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE CE QU’IL FERAIT DE SA PROPRE DENT CREUSE

BY / PAR KATHERINE LAM

BLOCK / 43
JASON LOGAN, BY LUIS MORA, OCTOBER 3, TORONTO / JASON LOGAN, PAR
LUIS MORA, 3 OCTOBRE, TORONTO