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STRAUSS
SAISON 23

CONCERTANT
JACQUOT MARIE © WERNER KMETITSCH

24

11 AVRIL, 20 H THÉÂTRE DES CHAMPS-ÉLYSÉES

 LE PROGRAMME
RICHARD STRAUSS
Double Concertino pour clarinette
et basson en fa majeur, TrV 293
RICHARD STRAUSS
Concerto pour cor et orchestre n° 2
en mi bémol majeur, TrV 283
Entracte de 20 minutes
WOLFGANG AMADEUS MOZART
Symphonie n° 36 en ut majeur, K. 425,
dite « Linz »
STRAUSS CONCERTANT
Marie Jacquot direction
Florent Pujuila clarinette
Fany Maselli basson
David Guerrier cor
Production Orchestre de chambre de Paris
Durée du concert
environ 1 h 45 entracte compris
fin du concert vers 21 h 45
Rencontre avec les médiateurs,
Hector Cornilleau et
Chloë Richard, à 19 h 30
et pendant l’entracte.
RICHARD STRAUSS 1864-1949
Double Concertino pour clarinette
et basson en fa majeur, TrV 293
Composition en 1946-1947.
Création le 4 avril 1948 à la Radio de Lugano par Armando Basile (clarinette),
Bruno Bergamaschi (basson) et l’Orchestre de la Suisse italienne,
sous la direction d’Otmar Nussio.
I. Allegro moderato
II. Andante
III. Rondo : Allegro ma non troppo
18 minutes environ.
Dans un carnet daté du 15 décembre
1946, Richard Strauss mentionne pour
la première fois l’idée d’un concertino
pour deux instruments. Le projet se
concrétise lorsqu’Otmar Nussio, chef
de l’Orchestre de la Suisse italienne,
lui passe commande durant l’été 1947.
Si Bruno Bergamaschi est l’un des
solistes de la création, Strauss avait
en tête un autre bassoniste pendant
la composition : Hugo Burghauser,
membre de l’Orchestre philharmonique
de Vienne de 1919 jusqu’à son exil aux
États-Unis, en 1937. C’est en pensant à
la sonorité de son ami, dédicataire de ce
Duett-Concertino, qu’il a écrit la partie
de basson.
Fidèle à la traditionnelle coupe en
trois mouvements vif-lent-vif (mais
enchaînés), il choisit en revanche
un effectif sans précédent. Au duo
clarinette-basson, inédit, se joint un
ensemble instrumental tout aussi
original : un orchestre à cordes enrichi
d’une harpe, les cordes comportant en
outre un groupe de six solistes (deux
violons, deux altos, un violoncelle
et une contrebasse). Ce traitement
rappelle le concerto grosso baroque et
sa division en concertino (les solistes)
et ripieno (l’orchestre). À l’écoute des 3
premières pages, on ne pense pourtant
ni à Corelli, ni à Haendel, mais au
sextuor à cordes de l’opéra Capriccio,
créé en 1942.
La comparaison avec le monde
du théâtre lyrique s’impose, car la
clarinette et le basson ressemblent
à deux personnages qui conversent,
leurs lignes mélodiques s’entrelaçant
ou alternant souplement (on comprend
ainsi la présence du mot « Duett »
dans le titre original). Le nombre
restreint d’instruments offre un
accompagnement clair et léger, que
voilent quelques ombres – pas assez,
toutefois, pour laisser craindre un
événement funeste. C’est sur un Rondo
primesautier que s’achève l’ultime
partition orchestrale de Strauss, alors
que l’Allemagne n’est plus qu’un champ
de ruines.
 POUR L’ANECDOTE
Strauss écrit au bassoniste Hugo Burghauser que le premier mouvement
du Concertino évoquerait une intrigue similaire à celle de La Belle et la Bête :
« Une princesse qui danse est alarmée par les bonds grotesques d’un ours en train
de l’imiter. Mais surmontant sa crainte, elle danse avec l’animal, qui se transforme
alors en prince. Ainsi, à la fin, vous vous transformerez en prince et vivrez heureux
pour toujours. » Selon le musicologue Jürgen May, le programme serait plutôt
inspiré par l’Odyssée d’Homère, et plus particulièrement par la rencontre d’Ulysse
et de Nausicaa. Là aussi, il est question d’une princesse et d’une créature effrayante,
puisqu’Ulysse ressemblait à une bête au moment de son naufrage sur les rives
de la Phéacie.

RICHARD STRAUSS 1864-1949

Concerto pour cor et orchestre n° 2

4 en mi bémol majeur, TrV 283
Composition en 1942.
Création à Salzbourg le 11 août 1943 par Gottfried von Freiberg (cor) et l’Orchestre
philharmonique de Vienne, sous la direction de Karl Böhm.
I. Allegro
II. Andante con moto
III. Rondo : Allegro molto
20 minutes environ.

« Avec Capriccio s’achève l’œuvre Métamorphoses pour cordes, le Double

de ma vie, et les partitions que je
barbouille encore pour m’exercer les
poignets […] et laisserai en guise
de succession ne sont d’aucune
signification au regard de l’histoire de
la musique », déclare Richard Strauss
à son ami Willi Schuh, le 8 octobre
1943. Les « barbouillages » de ses
dernières années ? Le Concerto pour
cor n° 2, le Concerto pour hautbois, les
Concertino pour clarinette et basson
et les Quatre derniers lieder ! Voilà qui
suffirait à la gloire d’un compositeur.
Mais Strauss décide qu’il s’agira
d’œuvres posthumes, effectivement
publiées après sa disparition.
Il autorise toutefois leur exécution,
même si leur programmation semble le
laisser indifférent. Ainsi, le 8 août 1943,
il assiste à une répétition du Concerto
pour cor n° 2, mais quitte le festival de
Salzbourg avant la création. Il donne
cette explication au chef Karl Böhm :
« Ce petit concerto pour cor, que je ne
mésestime pas, c’est-à-dire que j’aime
pour la valeur qu’il a – une gentille
œuvre posthume ! –, et puis encore
là-dessus cette ennuyeuse Symphonie
de Brahms [la Première] – n’étaient
pas assez attractifs ! » Strauss autorise
néanmoins la diffusion radiophonique
du concert du 29 novembre 1943,
quand l’œuvre est jouée à Vienne par
les interprètes de la création. Bien que
le festival de Salzbourg ait annoncé
que l’exécution du 11 août, « d’après
le manuscrit », resterait unique, le
concerto est encore programmé
plusieurs fois du vivant de son auteur.
Strauss fait le déplacement à Dresde,
le concert du 26 mai 1944 s’intégrant
dans les célébrations de son quatre-
vingtième anniversaire.
Comme les autres œuvres concertantes
composées pendant la Seconde
Guerre mondiale, le Concerto pour
cor n° 2 ne reflète ni le conflit, ni ses
répercussions sur les états d’âme de
Strauss. Favorisant le cantabile et, par
moments, un ton espiègle, il exclut les
accents héroïques souvent associés au
cor. L’une des sources manuscrites de
cette œuvre sans ombre, destinée à un
soliste de haute volée (finale virtuose
riche en grands sauts d’intervalles,
exploitant toute l’étendue du cor), porte
la mention « Dédié à la mémoire de
mon père ». C’est aussi pour son père,
corniste réputé, que Strauss avait écrit
son Concerto pour cor n° 1 en 1882-
1883. Les deux partitions comportent
d’ailleurs un certain nombre de points
communs : la même tonalité en mi
bémol majeur, la forme rondo pour le
finale, un motif de fanfare au début du
premier mouvement. À soixante ans
5
de distance, Strauss pose un regard
nostalgique – mais sans apitoiement –
sur sa propre vie.

BON À SAVOIR
Franz Strauss (1822-1905) était l’un des cornistes les plus renommés de son temps.
Soliste dans l’Orchestre de la cour de Munich, il participe à la création de plusieurs
opéras de Wagner, dont il déteste pourtant la musique ! S’il remplit ses fonctions
avec un professionnalisme irréprochable, il ne cache pas ses opinions, ce qui suscite
cette remarque de la part du compositeur de Tristan et Isolde : « Ce Strauss est
vraiment insupportable, mais quand il joue du cor, on ne peut plus lui en vouloir. »
D’un tempérament conservateur, Franz aime avant tout le classicisme viennois. Il
élève son fils dans le culte de Mozart et de Haydn, et supervise ses compositions
jusqu’au début des années 1880. Le jeune Richard compose pour lui son Concerto
pour cor n° 1. Cependant, en raison de problèmes de santé, Franz Strauss n’est pas
en mesure d’en assurer la création, confiée au corniste Gustav Leinhos en 1885.
 WOLFGANG AMADEUS MOZART
Symphonie n° 36 en ut majeur,
K. 425, dite « Linz »
Composition en 1783.
Création le 4 novembre 1783 au théâtre de Linz, sous la direction du compositeur.
I. Adagio - Allegro spiritoso
II. Andante
III. Menuetto - Trio
IV. Presto
28 minutes environ.
En 1783, Mozart s’arrête à deux reprises
à Linz, entre Vienne, où il réside,
et Salzbourg où il rend visite à son
père. Lors du voyage de retour, on lui
commande une symphonie qu’il écrit
6 en quatre jours, afin qu’elle soit jouée le
4 novembre. La brièveté de son temps
de travail ne l’empêche pas d’explorer
de nouvelles voies, là où d’autres
musiciens auraient cédé à la facilité en
reproduisant des schémas familiers.
Sans doute sous l’influence de Haydn,
il abandonne l’esprit de divertissement
dans lequel se complaisent la plupart
de ses contemporains. Pour la première
fois, il dote une symphonie d’une
introduction lente, qui atteste de
nouvelles ambitions. En outre, après
la solennité des premières mesures, la
mélodie cantabile, répartie entre les
violons et les bois, est assombrie par
une incursion en mode mineur à laquelle
Mozart donne un relief particulier,
même si l’Allegro spiritoso balaie cette
inquiétude avec une énergie qui ne se
relâche jamais. Dans l’Andante, bercé
1756-1791
par un rythme de sicilienne, un détail
d’orchestration retient l’attention : la
présence des trompettes et timbales,
alors qu’à cette époque, elles sont
souvent exclues des mouvements lents.
De plus, elles interviennent dans un
discours à la forte densité expressive,
l’épisode central multipliant les
tensions harmoniques : pour Mozart, un
mouvement lent n’est pas seulement
destiné à chanter et à séduire.
Les ombres et les tensions qui
émaillent la première moitié de l’œuvre
disparaissent quasiment des deux
derniers mouvements, un menuet
aimable (dont le trio central met en
valeur le hautbois et le basson) et
un finale très enlevé. Les nombreux
contrastes qui jalonnent le Presto
rappellent que Mozart, avec les
créations récentes d’Idomeneo (1781)
et de L’Enlèvement au sérail (1782),
est alors en train de s’imposer comme
l’un des plus grands compositeurs de
théâtre de tous les temps.
POUR L’ANECDOTE
Au festival de Salzbourg, le 6 août 1943, cinq jours avant la création de son Concerto
pour cor n° 2, Strauss dirige un concert entièrement consacré à Mozart, avec le
Concerto pour piano n° 26, les Symphonies n° 39 et n° 40. Mais pas la Symphonie
« Linz » qui, en revanche, est au programme du concert d’Ernest Ansermet, le
20 août.

Hélène Cao

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© CHRISTIAN JUNGWIRTH
Marie Jacquot s’est hissée au rang
des jeunes chefs d’orchestre les plus
intéressants de sa génération grâce
8 à ses débuts exceptionnels avec des
orchestres de premier ordre, à son
travail constant et à son intérêt pour un
large répertoire.
Après avoir suivi des études de
trombone à Paris, elle étudie la
direction d’orchestre à Vienne et
Weimar, suit diverses masterclasses
et devient boursière du Forum des
chefs d’orchestre du Conseil allemand
de la musique. En 2016, elle a été
cheffe assistante au Bayerische
Staatsoper, et a dirigé par la suite ses
propres productions au Munich Opera
Festival. Entre 2016 et 2019, Marie
Jacquot a été première Kapellmeister
et directrice générale adjointe de la
musique à Würzburg. À partir de 2019,
elle a été pendant trois ans première
Kapellmeister du Deutsche Oper am
Rhein Düsseldorf Duisburg, et a aussi
Marie Jacquot
DIRECTION
dirigé des concerts du Düsseldorfer
Symphoniker et du Duisburger
Philharmoniker.
Depuis la saison 2023-2024, elle
est cheffe invitée principale du
Wiener Symphoniker, avec lequel elle
tourne également au Konzerthaus de
Vienne, au Musikverein de Vienne et
au Bregenzer Festspiele. En 2024-
2025, elle assumera le poste de
chef d’orchestre du Théâtre royal
danois de Copenhague et, à partir
de 2026-2027, elle dirigera le WDR
Sinfonieorchester. Marie Jacquot
a été invitée par le Staatsoper
Stuttgart, l’Opéra national du Rhin,
le Semperoper Dresden et le Dallas
Symphony Orchestra, entre autres.
Ses débuts, en 2023-2024, incluent
une première mondiale de Marc-André
Dalbavie au Deutsche Staatsoper de
Berlin, ainsi que des concerts avec le
Münchner Philharmoniker, l’Orchestre
symphonique de la Radio suédoise et
l’Orchestre symphonique Yomiuri
du Japon.
Marie Jacquot a obtenu plusieurs
distinctions comme le Ernst Schuch
Prize en 2019, ainsi qu’une nomination
« Nouveau venu de l’année » aux
International Opera Awards. En février
2024, elle est sacrée « Révélation chef
d’orchestre » lors des 31e Victoires de
la musique classique.

©JEAN-BAPTISTE MILLOT
Lauréat de plusieurs concours dont le
prestigieux ARD de Munich, Florent
Pujuila s’est produit avec de nombreux
orchestres en France et à l’étranger,
tels que le Symphonieorchester des
Bayerischen Rundfunks, le Münchener
Kammerorchester ou le Collegium
Musicum Basel. Il est aujourd’hui
clarinette solo de l’Orchestre de
chambre de Paris, professeur au
conservatoire à rayonnement régional
de Rueil-Malmaison, chef invité de
divers orchestres français et directeur
du festival et de l’académie de musique
Dels Monts. Nommé « Génération
Spedidam » en 2017, Florent Pujuila est
aussi artiste ambassadeur Selmer.
On le retrouve en musique de chambre
aux côtés d’interprètes de renom
comme Roland Pidoux, le Quatuor
Modigliani, Anneleen Lenaerts,
Thomas Zehetmair, Jean-François
Zygel, François Salque, Éric Le Sage,
Pierre Fouchenneret, ou encore Yovan
Florent Pujuila
CLARINETTE
Markovitch, Deborah Nemtanu et
Romain Descharmes, avec qui il a
enregistré un disque consacré aux trios
avec clarinette, récompensé d’une Clef
ResMusica et d’un Ring Classique Info.
Florent Pujuila s’est produit en récital
dans des salles prestigieuses telles
que le théâtre des Champs-Élysées, la
salle Gaveau, le Konzerthaus Berlin, le
Prinzregententheater et la Herkulessaal
à Munich.
Ardent défenseur du répertoire
contemporain, il a travaillé avec des
compositeurs qui ont une influence
quotidienne sur ses orientations 9
artistiques. Il a ainsi rencontré Luciano
Berio, György Kurtág, Pierre Boulez,
Bruno Mantovani, Nicolas Bacri, Vinko
Globokar et Thierry Escaich. Son goût
pour les musiques modernes ou d’avant-
garde, ainsi que pour l’improvisation, l’a
aussi conduit à partager la scène avec
des artistes tels que Jacques Di Donato,
Bernard Lubat, Bruno Chevillon,
Fabrice Martinez, Beñat Achiary, Éric
Échampard ou Vincent Peirani.
La discographie de Florent Pujuila
s’étend tant dans les champs du jazz
– son dernier album, Hypocrisis, a été
salué par la critique – que du classique,
avec l’intégrale de la musique de
chambre de Brahms (B Records).

© JEAN-BAPTISTE MILLOT
Née en Italie, Fany Maselli se rapproche
très tôt du monde de la musique.
Après avoir obtenu son diplôme de
10 basson au conservatoire Giuseppe
Verdi de Turin en 1998, elle poursuit
ses études à Vienne dans la classe
de Milan Turkovic. Puis, dans le cadre
d´échanges européens, elle travaille
dans les classes de Gilbert Audin et
de David Walter au Conservatoire
national supérieur de musique et de
danse (CNSMD) de Paris. En septembre
2001, elle entre à la Karajan Akademie
de Berlin. Elle a alors l’opportunité
de collaborer régulièrement avec les
Berliner Philharmoniker et de jouer
sous la direction de Claudio Abbado,
Sir Simon Rattle, Daniel Barenboim,
Bernard Haitink, William Christie, Zubin
Mehta et Mariss Jansons. Elle termine
ses études dans la classe de Klaus
Thunemann à la Hochschule für Musik
Hanns Eisler Berlin en 2005.
Fany Maselli
BASSON
Professeure assistante au CNSMD de
Paris, Fany Maselli tient à faire partager
la richesse de son instrument et les
différentes approches esthétiques
auxquelles elle ne cesse de se
confronter, en Europe et dans le monde
entier. Une grande partie de son
travail est orientée vers la musique de
chambre, notamment avec l’ensemble
Pasticcio Barocco. Les projets avec
cet ensemble aboutissent, en 2008,
à la réalisation d’un enregistrement
consacré aux compositeurs Jean-Marie
Leclair et Jan Dismas Zelenka (label
Herisson).
Finaliste du concours Gillet Fox
(Muncie, Indiana, États-Unis) en 2006,
Fany Maselli est depuis quelques
années régulièrement invitée au
sein de formations symphoniques
européennes telles que le London
Symphony Orchestra, le Chamber
Orchestra of Europe, la Camerata
Bern, le Mahler Chamber Orchestra, le
Berliner Sinfonieorchester, le Wiener
Staatsoper, l’Orchestre de Paris ou
encore le City of Birmingham Symphony
Orchestra. Elle participe par ailleurs
à de nombreux festivals en Europe,
notamment aux cotés de David Walter,
Wensel Fuchs, Kolja Blacher, Hans-Jörg
Schellenberger, Radovan Vlatković et
Pierre Moragues.
Fany Maselli est basson solo de
l’Orchestre de chambre de Paris depuis
mai 2005.

© FLORENCE FOUCHER
David Guerrier commence l’étude de la
trompette à sept ans. En juin 2000, il
sort du Conservatoire national supérieur
de musique et de danse (CNSMD) de
Lyon avec un premier prix (mention
Très Bien à l’unanimité, félicitations
du jury et mention spéciale pour la
qualité exceptionnelle de la prestation).
Il étudie également le cor au CNSMD
de Lyon. Il complète son éducation
musicale au sein du European Union
Youth Orchestra avec Sir Colin Davis
et Bernard Haitink (1999) puis avec
Vladimir Ashkenazy (2000), ainsi qu’à
l’Académie de musique du XXe siècle
avec Pierre Boulez et David Robertson
( juillet 1999).
Il se produit avec l’Orchestre national
de Bordeaux, l’Orchestre national du
Capitole de Toulouse, ou encore au
Théâtre des Champs-Élysées. Il a été
l’invité de l’Orchestre de chambre de
Paris, de l’Orchestre philharmonique
de Radio France, de l’Orchestre
David Guerrier
COR
national de France, de l’ensemble
Les Siècles, de l’Ensemble Matheus,
de la Chambre Philharmonique, ainsi
que des orchestres du Luxembourg, de
Barcelone, de Rio de Janeiro, d’Euskadi
et de la Suisse Romande. Il s’est
également produit lors des festivals
de Saint-Denis, Strasbourg, La Roque
d’Anthéron, La Grange de Meslay,
Colmar, Radio France, Schwarzenberg,
ainsi qu’à l’occasion du Verbier Festival
et du Rheingau Musik Festival.
En 2000, David Guerrier a reçu le
premier prix du concours international
Maurice André et, en 2001, le premier 11
prix du concours international Philys
Jones, avec le quintette de cuivres
Turbulences. En 2003, il reçoit lors
du Midem, à Cannes, le prix AFAA
(Association française d’action
artistique) et, à New York, le prix Young
Concert Artists International Auditions.
La même année, il remporte le premier
prix du concours de l’ARD de Munich. Il
est aussi soliste instrumental de l’année
des Victoires de la musique 2004 et
2007. Il a été cor solo de l’Orchestre
national de France et de l’Orchestre
philharmonique du Luxembourg, et
enseigne au CNSMD de Lyon.
 12
© BERNARD MARTINEZ
Orchestre de chambre de Paris
Près d’un demi-siècle après sa création,
l’Orchestre de chambre de Paris s’est
imposé comme un orchestre
de chambre d’excellence et de
référence en Europe. À partir de la
saison 2024-2025, il accueille comme
directeur musical le chef d’orchestre
Thomas Hengelbrock.
L’Orchestre de chambre de Paris
rayonne à Paris et dans sa métropole
avec des concerts à la Philharmonie
dont il est résident, au Théâtre des
Champs-Élysées, à l’Opéra Comique,
au Théâtre du Châtelet avec lequel il
s’inscrit dans le projet de la Place des
théâtres, ainsi qu’à la Salle Cortot,
mais également au plus près des
publics. Acteur musical engagé, il allie
l’excellence artistique à une démarche
citoyenne, s’adressant à la fois aux
personnes accueillies en centres
d’hébergement d’urgence, aux patients
d’hôpitaux, aux résidents d’Ehpad et
aux personnes incarcérées. Dans cette
perspective, l’orchestre propose des
créations musicales partagées avec
ces publics. Il s’adresse également aux
jeunes musiciens dans le cadre de son
programme OCP-Transmission, à travers
différentes actions d’accompagnement
professionnel. En 2023-2024, il
reconduit trois académies : l’académie
du joué-dirigé (7e édition), l’académie
de jeunes compositrices (2e édition) et
l’académie d’orchestre, destinée aux
étudiants du CNSMDP.
Au cours de la saison 2023-2024,
l’orchestre poursuit le dialogue
privilégié qu’il a engagé avec la
violoniste Antje Weithaas et le
pianiste Javier Perianes. Il retrouve
également des artistes avec lesquels
se tissent des liens de fidélité :
le violoniste Pekka Kuusisto, les
violoncellistes Nicolas Altstaedt
et Jean-Guihen Queyras, le
pianiste Roger Muraro, les chefs
d’orchestre Maxim Emelyanychev,
Thomas Dausgaard, Andrea Marcon.
De nouvelles rencontres marquent cette
saison : avec Thomas Hengelbrock,
Ton Koopman, Elisabeth Leonskaja,
Marie Jacquot, Matthias Pintscher
13
et Gábor Takács-Nagy.
À l’approche des Jeux de 2024, il
s’inscrit pleinement dans l’Olympiade
Culturelle avec plusieurs spectacles
musicaux, notamment au Panthéon
en septembre 2024, et à l’occasion
d’un grand évènement lyrique et
symphonique sur le parvis de l’Hôtel de
Ville de Paris pour la Fête de la musique.
L’Orchestre de chambre de Paris,
labellisé Orchestre national en région,
remercie de leur soutien la Ville de
Paris, le ministère de la Culture (Drac
Île-de-France), ainsi que les entreprises
partenaires et les donateurs privés
du cercle accompagnato pour
leurs contributions.
orchestredechambredeparis.com
 Les musiciens

VIOLONS ALTOS CLARINETTES

Deborah Nemtanu Jossalyn Jensen Florent Pujuila
solo supersoliste solo solo
Franck Della Valle                          Claire Parruitte Kevin Galy
violon solo co-solo
Olivia Hughes Arabella Bozic BASSONS
violon solo Aurélie Deschamps Fany Maselli
Caillon                                                     solo
Suzanne Durand-Rivière
co-solo Stephie Souppaya Maxime Briday
Charlotte Giraud
Nathalie Crambes CORS
Jeroen Dupont                                               VIOLONCELLES Yun-Chin Gastebois
Kana Egashira Robin de Talhouët solo invitée
Sophie Guille des Buttes co-solo
Tania Passendji Gilles Bertocchi                             
Yuriko Shimizu                                 Etienne Cardoze
Mirana Tutuianu Livia Stanese TROMPETTES
14
Alexandrine Caravassilis Sarah Veilhan Adrien Ramon
Guillaume Roger Romane Bestautte solo
Elise De-Bendelac   Jean-Michel Ricquebourg
CONTREBASSES solo honoraire
William Cravy
solo invité TIMBALES
Jean-Edouard Carlier                     Nathalie Gantiez
Marine Clermont solo

FLÛTES HARPE
Marina Chamot-Leguay Aliénor Mancip
solo
Liselotte Schricke

HAUTBOIS
Guillaume Pierlot
Capucine Prin

Mme Brigitte Lefèvre M. Jörn Tews

présidente du conseil d’administration directeur général
Conseil d’administration, équipe administrative et technique sur orchestredechambredeparis.com
PARTAGEONS
UNE PHILANTHROPIE
RESPONSABLE
ET ENGAGÉE 15

C’est une vision philanthropique responsable et engagée que nous vous

proposons avec accompagnato, le cercle des donateurs de l’Orchestre
de chambre de Paris. Il a pour ambition d’entretenir une relation de
partage et de proximité entre ses membres et l’orchestre tout en étant
attentif aux évolutions et à la diversité de notre société contemporaine.

Pour développer une programmation d’excellence à Paris et dans les

plus belles salles du monde et favoriser l’accès à la musique de tous
les publics, l’Orchestre de chambre de Paris a besoin de votre soutien.
Rejoignez accompagnato et entrez dans une relation
privilégiée avec l’Orchestre de chambre de Paris !
Les prochains concerts
JEUDI 25 AVRIL 20 H JEUDI 16 MAI 20 H
THÉÂTRE DES CHAMPS-ÉLYSÉES THÉÂTRE DES CHAMPS-ÉLYSÉES

© Foppe Schut

© Igor Studio
BACH CONCERTOS
HAENDEL TRAGIQUES

L’Orchestre de chambre de Paris utilise pour ses supports de communication des papiers Papier FSC ® et de l’encre végétale. CRÉATION : HOULTONSMETS
J.-S. BACH MOZART
Suite n° 4 en ré majeur, BWV 1069 Symphonie n° 16 en ut majeur, K. 128
Concerto brandebourgeois n° 1 MOZART
en fa majeur, BWV 1046 Concerto pour piano n° 24 en ut mineur,
C.P.E. BACH K. 491
Symphonie n° 4 en sol majeur BEETHOVEN
G.F. HAENDEL Concerto pour piano n° 3 en ut mineur,
Musique pour les feux d’artifice royaux op. 37

Ton Koopman direction Javier Perianes direction et piano

Orchestre de chambre de Paris Deborah Nemtanu direction et violon
Production Orchestre de chambre de Paris Orchestre de chambre de Paris
Production Orchestre de chambre de Paris

RETROUVEZ-NOUS SUR

#OCP2324

orchestredechambredeparis.com