JANVIER 2024

N°677 / 6,90 €
MENSUEL
BEL 7,80 €
ALLEMAGNE 9.90 €
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SUISSE 11,70 CHF
PORTUGAL CONT 7,90 €
ITALIE 7,90 €
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CAN 11,90 $ CAN
DOM 7,80 €
NCAL(S) 1030 XPF
ILE MAURICE 7,80 €
L 19766 - 677 S - F: 6,90 € - RD
 Edito

Shanta Claus

Le sourire
déglingué
Pas envie de rire. Chaque année c’est la même chose…
A ce moment de vœux et de souhaits, d’espoir en
quelque sorte, pan, un mort. Cette fois, c’est deux !
C’était idem l’année dernière. Avec Wilko. Le premier
d’une série de guitaristes mais de chanteuses aussi.

Shane MacGowan, donc…

Un mec qu’on a aimé comme un pote. Sans le connaître.
Le fait qu’il soit vivant suffisait. Et une vie plutôt rock.
Dans ce vieux sens du terme. Excès, excès et excès, pour
faire vite. Mais talent également. Enorme. Gosse irlandais
frondeur et insolent. Meilleur client des pubs de Londres
et d’ailleurs, et bénédiction pour les prothésistes dentaires.
Même s’il ne rendit riche qu’une seule de ces deux professions.

Et puis Tai-Luc…
Devenu bouquiniste, il est peut-être mort de devoir débarrasser
ses caisses du quai de Gesvres. Ordres de la Mairie de Paris.
Oust ! Les Jeux olympiques, hein ! Anne Hidalgo coupable ?

C’est aussi ce moment de regarder en arrière. Pas un bilan,

non, seulement regarder si ce 2023 fut un bon cru. Si ce fut
si terrible que ça, pire du coup que 2022 ? Une année rock ?
Une bonne année ? Clairement pour la paix, non. Pour l’économie
et tous ces trucs éreintants, non plus. IA, CRS 8, 49.3, Cop 28…
Emeutes. Féminicides, crimes sexuels. Gérard Depardieu.
Epizootie. Nouveaux mots dans le dictionnaire : complosphère,
mégenrer, greenwashing, mégabassine, grossophobie. Nouveaux
noms aussi : Stromae, IAM… Sécheresses et inondations.
Soleil en été, pluie en automne et neige en hiver. C’est quoi ce
dérèglement climatique !? Fentanyl, drogue du zombie des villes.
Glyphosate, drogue de l’agriculteur des campagnes ?

Mais pour notre musique ? Que faudra-t-il retenir de cette année

Photo Andy Soloman/ UCG/ Universal Images Group: Getty Images

écoulée ? Se souvenir de ceux qui ont disparu, bien sûr, mais

aussi des disques que nous réécouterons et ceux qui finiront
chez le soldeur. Quid des liens d’écoute ou de téléchargement
devenus si vite obsolètes ? Qui restera ? Qui sont les groupes
d’aujourd’hui et ceux de demain ? Les meilleurs concerts
et ceux dont on ne garde comme souvenir qu’une céphalée
carabinée ou un T-shirt moche ? Les bonnes interviews,
les meilleurs vinyles, les grandes rééditions, les espoirs…
Bref. Pas un bilan, donc.
Juste le film d’une année qui s’achève.

Osera-t-on souhaiter que 2024 soit meilleure que 2023 ?

VINCENT TANNIÈRES

JANVIER 2024 R&F 003

 Sommaire 677
Parution le 20 de chaque mois

Mes Disques A Moi

Thomas E. Florin ADRIEN DURAND 10
In memoriam
Géant Vert TAI-LUC 14
Tête d’affiche
Romain Burrel SLEATER-KINNEY 16
MADNESS 18

Photo Anton-Corbijn-DR
Géant Vert

Bertrand Bouard DYLAN LEBLANC 20

JIM JONES ALL STARS 22
42 Nirvana
Géant Vert

Jérome Soligny DHANI HARRISON 24

En vedette
Thomas E. Florin KURT VILE 26
Jérôme Soligny FREDERIC LO 30
REM 34
Stan Cuesta

Ce numéro
comprend
un flyer
Basile Farkas NINO FERRER 38
“Offres Noël”
NIRVANA 42
Photo Clare Muller/ PYMCA/ Avalon/ Getty Images

déposé sur Eric Delsart

une partie de
la diffusion
abonnés.

www.rocknfolk.com
En couverture
Vianney G. 2023 ANNÉE ROCK ? 46
La vie en rock
Patrick Eudeline SHANE MacGOWAN 56
COUVERTURE : GRAPHISME FRANCK LORIOU
TOUTES PHOTOS : GETTY IMAGES - IGGY POP : DALLE - HOWLIN JAWS : MURIEL DELEPONT
SIMONON/ AYERS, LEMON TWIGS, PRETENDERS, ROLLING STONES : DR 56 Shane MacGowan
RUBRIQUES EDITO 003 COURRIER 006 TELEGRAMMES 008 DISQUE DU MOIS 061 DISQUES 062 REEDITIONS 070 REHAB’ 074 VINYLES 076
DISCOGRAPHISME 078 HIGHWAY 666 REVISITED 080 QUALITE FRANCE 081 ERUDIT ROCK 082 ET JUSTICE POUR TOUS 084 FILM DU MOIS 086
CINEMA 087 SERIE DU MOIS 089 IMAGES 090 BANDE DESSINEE 092 LIVRES 093 LIVE 094 PEU DE GENS LE SAVENT 098

Rock&Folk Espace Clichy - Immeuble Agena 12 rue Mozart 92587 Clichy Cedex – Tél : 01 41 40 32 99 – Fax : 01 41 40 34 71 – e-mail : rock&folk@editions-lariviere.com
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Courrier des lecteurs
La provocation on aime bien ça
Pierres ou huître ?
Devinette et injustice. Deux
mastodontes de la Rock Music avec
un point commun : ils ont enfin sorti
un album studio avec de nouveaux
morceaux plus de dix-huit ans après
leur précédent. Ah, ah, mais quels sont
ces deux groupes en fait ? D’un côté
The Rolling Stones dont la parution
de “Hackney Diamonds” justifie une
énième couverture ainsi que huit
pages dans mon magazine préféré.
De l’autre côté Blue Öyster Cult dont
la parution de l’excellent “The Symbol
Remains” fin 2020 s’est résumée à
une simple chronique dans Disques
Classic Rock. J’ai acheté le double
disque vinyle dès sa sortie, et je vais
certainement en faire de même pour
“Hackney Diamonds”. Pourtant, vu
la qualité de la musique du premier
nommé, je sais déjà lequel des deux
va prendre davantage la poussière !
Alors deux poids, deux mesures ?
JEAN-LOUIS RAMOND
En rouge et bleu
Ah, ces compilations rouges et bleues
de notre groupe chéri... Cela doit faire
trente-cinq ans que je ne les ai pas
écoutées mais elles représentent
tellement pour moi. On ne peut qu’avoir
une affection toute particulière pour
ces deux disques, car comme
beaucoup de (futurs) passionnés,
c’est avec eux que j’ai découvert
un groupe qui ne me quittera plus
jamais. Ils ont représenté ma porte
d’entrée dans leur discographie
avec leurs différents albums qui
continuent à me faire vibrer !
BRUNO SWINERS
006 R&F JANVIER 2024
Pas d’accord !
Thomas E. Florin dans son article
sur les Rolling Stones paru dans le
dernier numéro (article bien écrit
au demeurant) trouve le dernier
album des Stones mal produit.
Personnellement, je trouve la
production d’Andrew Watt excellente.
C’est simple, il est arrivé à faire sonner
un groupe d’octogénaires comme
des trentenaires hyper-testéronés,
ce n’était pas gagné d’avance.
JEAN-PHILIPPE
Pas d’accord
du tout !
Un mot sur l’article affligeant
de cynisme sur la sortie du nouvel
album des Rolling Stones. Attendu
avec impatience par bon nombre de
fans, nous en sommes pratiquement
tous agréablement surpris. Bien sûr
que les guitares sont gonflées à bloc,
la production trop carrée et moins
“bancale” que les grands disques
d’antan. Bien sûr que Steve Jordan
n’est pas Charlie Watts. Et pourtant,
compte tenu de l’âge des trois
survivants, ce disque est un miracle.
Les trois Stones jouent et chantent
impeccablement bien. Cette fois, ils
y ont mis du cœur. Alors, respectons
au moins cela. Mick et Keith ont
expliqué qu’ils voulaient retrouver
l’âme des Stones, mais avec un
son plus moderne. A mon avis, le
pari est réussi. Pas de sample ni
de synthétiseur. Tout est joué en
direct. Et, non, le dernier morceau,
joué live par Mick et Keith autour
d’un micro, n’est pas anecdotique.
Alors merci à Andrew Watt d’avoir
donné un grand coup de pied au cul
aux trois protagonistes pour enfin
sortir un disque à la fois totalement
inattendu, et digne des Stones.
COLIN ARMSTRONG
A la lettre près
J’apprends dans les condoléances
du numéro 676 de Rock&Folk
le décès de Rigo Star. Du coup,
je m’inquiète pour Paul McCartey...
ANTOINE
Si
Si Shane MacGowan était né
en Italie, il ne serait pas chanteur,
il ne serait pas célèbre. Il serait vivant.
PATRICK MOALIC
Qualité France
Mettre en couverture Howlin’ Jaws et
consacrer un article à une sélection de
50 jeunes groupes français, je vous
dis bravo et... enfin ! Enfin, parce
que les groupes rock français sont
trop rares dans vos pages et depuis
l’arrêt du regretté fanzine “Abus
Dangereux”, notre scène hexagonale
n’est pas assez mise en avant dans
la presse spécialisée alors que tant
de bons et même excellents groupes
la composent. C’est au milieu des
années quatre-vingt que j’ai découvert
et côtoyé cette scène alors en pleine
ébullition grâce à Daniel qui tenait un
bar concert fabuleux à côté de Saint-
Brieuc, Le Barracuda. Tous les grands
noms de l’époque y sont passés, qu’ils
soient de la scène alternative ou pas.
C’était chaud, sale et humide mais
bon Dieu que c’était bon ! A l’époque,
les lieux pour faire jouer les groupes
florissaient partout, notamment
chez nous en Bretagne, le bonheur.
Avec les copains, nous avons ensuite
programmé ces groupes dans notre
club de jeunes ou en salle des fêtes.
Les Thugs, Kid Pharaon, City Kids,
Blue Valentines, Thompson Rollets,
Dominic Sonic, Cherokees, No Man’s
Land, Drive Blind, Lonely Games,
Forguette Mi Note, Les Rats,
Les Gunners, Cyclope, King Size,
Les Locataires, Mr Moonlight... sont
venus jouer chez nous, accompagnés
de quelques pointures internationales
telles The Troggs, The Fleshtones
et autres Vibrators. Puis les lieux
ont baissé pavillon, contraints par
le voisinage, les normes de sécurité,
les soucis financiers, et beaucoup
d’associations ont également
lâché l’affaire. Les gros festivals
ont alors occupé le paysage ;
quelques activistes ont poursuivi
comme le Mondo Bizarro à Rennes
ou le Galion à Lorient, mais le Covid
finira par avoir raison de la pugnacité
de leurs patrons. Aujourd’hui il y a
une scène rock française qui a
besoin de lieux pour s’exprimer
et d’une presse pour les soutenir
afin de ramener des jeunes dans
les bistrots et salles de concerts,
pas seulement pour quelques
groupes post-punk anglo-saxons
ou quelques trop rares groupes
hexagonaux. Et cette scène a besoin
du soutien et de la mise en forme
en lumière d’un magazine comme
le vôtre. Alors bravo, enfin et encore !
FABRICE
Très chers artistes
Et si un jour on parlait money, hein...
Clapton, c’est 800 000 euros aux
Arènes de Nîmes cet été. Les Stones,
c’était 1 million chacun soit Jagger,
Keith et Ron, engagé en tant que
membre du groupe permanent
depuis peu ; pour 2024, c’est passé
à 5 millions pour les trois. Iggy, il me
semble qu’à Istres, il demandait à
l’époque 36 000 euros comme cachet.
Après, c’est un choix et je préfère les
voir là qu’à trimer au New Morning ou,
comme un soir, Mick Taylor aviné
à l’Espace Julien à Marseille.
STEVE LIPIARSKI
Fièvre adolescente
Je me baladais sur l’avenue.
Quand me vint une vision parmi les
magazines... La sulfureuse et toujours
jolie Chrissie assise en tailleur, l’air
rebelle et qui ose me toiser. Mon Dieu :
c’est Rock&Folk que j’avais perdu
de vue depuis... arf... 35-40 ans
(j’en ai 53). A l’époque, je le fauchais
à mon grand frangin quand il rentrait
de ses études le week-end. C’était au
temps où la new wave et la pop rock
nous régalaient. Je ne pigeais sans
doute pas grand-chose aux articles
et critiques truffés de périphrases
et d’allusions à prendre à différents
degrés. Mais je m’accrochais, lisais,
relisais, m’imprégnais. Et tenant pour
dit ce qui était analysé et disséqué. Le
papier glacé de la couverture entre les
mains, le feuilletant avant de passer en
caisse, j’ai eu la résurgence de cette
adolescence, certes pas facile, mais
incroyablement bien accompagnée
par Rock&Folk. Merci d’avoir existé
et d’exister encore. Chut... silence...
je me (re)plonge dedans.
LAURENT
Moitié-moitié
Une face Beatles et une face Rolling
Stones, indiscutablement la meilleure
réponse à la grande question... !
RINGA STORR
Ecrivez à Rock&Folk,
12 rue Mozart,
92587 Clichy cedex
ou par courriel à rock&folk@
editions-lariviere.com
Chaque publié reçoit un CD
Télégrammes PAR YASMINE AOUDI

AIR ANNA CALVI FRANK CARTER NICK CAVE

En amont d’une série de concerts
prévue en Europe à partir du
24 février prochain, le duo
versaillais a dévoilé son “Moon
Safari” (1998) en Dolby Atmos.
BEACH BOYS
“Beach Boys By Beach
Boys” est le premier livre
officiel (édition limitée à
500 exemplaires) signés par les
membres du groupe, et attendu
courant 2024. Il comprendra des
interviews des protagonistes et
autres contributeurs de renom
(Bob Dylan…), des photos rares
et emblématiques de leurs débuts
à leur renommée mondiale.
BJÖRK
Ode à la perte et au deuil,
“Fossora”, le onzième disque
studio (2022) de l’Islandaise
bénéficie d’une réédition
en Boxset Deluxe en édition
limitée. Elle contient versions
alternatives de chansons, photos,
partition, livret, carnet de notes
et... une écharpe en soie.
BLUE ÖYSTER CULT
En 2022, les Américains
ont célébré le cinquantenaire
de leurs prouesses live lors de
trois concerts à guichets fermés
au Sony Hall de New York.
Le bien nommé “50th
Anniversary Live – First Night”
La multi-instrumentiste
poursuit sa contribution
aux bandes originales
consacrées à la série
britannique de BBC One.
“Peaky Blinders Season
5 & 6”, la double BO, est
espérée pour le 26 janvier.
& THE RATTLESNAKES
Précédé du single “Man Of
The Hour”, le nouvel album
“Dark Rainbow” des Anglais
originaires de Hertfordshire
est prévu le 26 janvier. Ils
l’interpréteront le 24 février
à Paris, au Bataclan.
Photo DR
“The Death Of Bunny
Munro”, deuxième ouvrage
de l’Australien paru en 2009,
sera adapté pour la télévision.
Matt Smith interprétera le rôle
principal et le produira avec
l’aide d’Isabella Eklöf, sous le
regard attentif de l’auteur. Le
début du tournage est prévu au
printemps prochain. En amont,
“Australian Carnage — Live
At The Sydney Opera House” est
paru le 1er décembre en version
digitale dix-huit titres ou vinyle
huit titres série limitée.
CULT
Pierre angulaire du combo rock
britannique emmené par Ian
Astbury, “Electric”, paru en 1987
et produit par Rick Rubin, a été
réédité en vinyle standard et en
vinyle bleu en édition limitée.
dUTRONC & dUTRONC
Alors que les nouvelles ne
sont pas bonnes pour Françoise
Hardy, Jacques et Thomas ont
réuni leurs meilleurs moments
dans “Dutronc & Dutronc La
Tournée Générale !”. Disponible
en double LP, CD livres, maxi
45 tours 2 titres, et digital.
EELS
Précédé du doucereux single
inédit de Noël “Christmas, Why
You Gotta Do Me Like This”,

renfermant l’intégralité de les californiens reviennent avec

la première date est proposé Anna Calvi une nouvelle compilation.
en 2 CD, 2 CD/ DVD, 2 CD/
BD, 3 LP… Déjà en vente.

CHATEAU d’HEROUVILLE
France 5 diffusera le
documentaire, “Le Château
D’Hérouville, Une Folie Rock
Française”, le 19 janvier.
L’épopée du studio
d’enregistrement résidentiel
à l’initiative du compositeur
Michel Magne, qui accueilli
dans les années 70 nombreuses
stars (Iggy Pop, David Bowie,
Pink Floyd, Nino Ferrer…).

dAVId BOWIE
Les pages manuscrites des
paroles de “Rock N’Roll
Suicide” et “Suffragette City”
écrites par l’icône disparue en
2016 ont trouvé acquéreur pour
la modique somme de 89 000 £
lors d’une vente aux enchères.

ARTHUR BROWN
Le chanteur de rock
Photo Harvey Waller-DR

britannique a reçu pour

la seconde fois le Legend
Award au Hard Rock
Hell Prog XII à Great
Yarmouth (Royaume-Uni) Arthur Brown
le 8 novembre dernier.

008 R&F JANVIER 2024

“Eels So Good: Essential
Eels Vol 2” contient vingt
titres, le meilleur de sept
albums studio (2007-2020),
trois inédits. Disponible
en CD, 2 LP ou digital.

dAVE EVANS
“Elephantasia”, l’opus folk
datant de 1972 du regretté
Australien d’origine britannique
parti en avril 2021, bénéficie
d’une réédition en CD et vinyle.

BILLY IdOL
Live capté en avril dernier au
barrage Hoover sur le fleuve
Colorado, “Billy Idol – State
Line: Live At The Hoover Dam”
a fait l’objet d’un film disponible
en DVD ou Blu-ray. Avec Alison
Photo Marieke Macklon-DR

Mosshart (The Kills), Steve

Jones (ex-guitariste des Sex
Pistols) ou encore Tony Kanal
(No Doubt) en invités spéciaux.

JASON ISBELL Bill Ryder-Jones

ANd THE 400 UNIT
Le bassiste Jimbo Hart a LEd ZEPPELIN BILL RYdER-JONES (pour la version automatique).
officialisé sa rupture avec Les éditions Petit A Petit Cinq ans après “Yawn”, A l’arrière, l’emblématique
les 400 Unit. Cofondateur du publieront le 10 janvier prochain “Iechyd Da” (prononcer “yak- scorpion du groupe est gravé.
combo, il prend un congé pour “Led Zeppelin : En Bande ih dah”) le cinquième opus
se consacrer à sa santé mentale Dessinée”. Retour en images de l’ancien guitariste de The TY SEGALL
et régler d’anciens traumatismes. et en couleur sur 160 pages Coral est attendu le 12 janvier. Le work addict californien
sur “l’empreinte sur l’histoire a concocté un nouvel opus :
KISS de la musique populaire SOUNdGARdEN “Three Bells”, quinze chansons,
Un fan de 56 ans et son moderne” du mythique groupe. Le batteur Matt Cameron paraîtra le 26 janvier prochain.
épouse ont trouvé la mort dans a avoué dans un podcast
un accident de voiture en se TEd NUGENT Vinyl Guide que le différend SMASHING PUMPKINS
rendant à Ottawa (Canada) pour Face à la prolifération de opposant le groupe à la veuve Les Citrouilles se sont fendues
assister à un concert de Kiss supers-porcs (cochons sauvages) de Hugh Cornwell, Vicky, d’un chant inédit de Noël,
annulé plus tôt dans la journée envahissant l’Amérique depuis n’est toujours pas réglé. “Evergreen”, et d’une version
en raison de la grippe du leader le Canada, le guitariste de revisitée de “Silver Bells”
Paul Stanley. Leur Bentley hard rock américain, ardent STONE TEMPLE PILOTS de Bing Crosby pour Disney.
a percuté de plein fouet un chasseur, se posant en“Mère Dénoncé par sa moitié Jenn,
véhicule sur le Rainbow Bridge. Teresa”, a émis l’idée sur Fox le guitariste Dean DeLeo a été SPINAL TAP
News de les abattre depuis un appréhendé pour conduite en état Le réalisateur Rob Reiner
hélicoptère et de redistribuer d’ivresse et violences conjugales. a révélé que le tournage de
dancing la viande aux sans-abris.
SCORPIONS
la suite de “This Is Spinal Tap”
débuterait en février prochain,
in the street PULP
Dans le cadre de sa tournée de
En mémoire de la chute du Mur
de Berlin le 9 novembre 1989,
avec les protagonistes du film
de 1984. Paul McCartney,
Le 8 janvier prochain,
à l’initiative de Jérôme retrouvailles, lors d’un concert les hard-rockers se sont associés Elton John et Garth Brooks
Gourmet, maire du XIIIème à Mexico, le combo britannique avec la maison horlogère allongeront la liste des invités.
arrondissement, Paris sera a dévoilé “Background Noise”, Col&MacArthur pour créer
officiellement dotée d’une rue nouveau morceau du leader “Wind Of Change”, une montre VILLAGERS
david Bowie. L’artère, toujours Jarvis Cocker dédicacé à sa (en édition limitée à 1989 Le singer-songwriter Conor
en construction, est située rive petite amie. Annonciateur exemplaires pour la version O’Brien et l’Irlandaise
gauche — dans un quartier d’un futur microsillon ? automatique) et numérotée Lisa Hannigan ont accordé
qui abrite déjà les places contenant en incrustation leurs voix pour revisiter un
Keith Haring et Jean-Michel AXL ROSE un fragment du Mur, et classique de Noël de 1941 :
Basquiat — et débutera Sheila Kennedy, ancien une corde de leurs guitares “The Little Drummer Boy”.
au numéro 61 de l’avenue mannequin de Penthouse,

Condoléances
Pierre-Mendès-France. Jérôme poursuit en justice le leader
Soligny a été sollicité par la de Guns N’Roses pour : Chad Allan (musicien et chanteur canadien
Ville de Paris pour organiser agression sexuelle présumée de rock, soft rock et country rock, cofondateur des Guess Who, Bachman-
cette journée avec la Mairie du en 1989, lors d’une fête Turner Overdrive), Buzy (auteure, compositrice et interprète française),
XIIIème. George Underwood dans un hôtel new-yorkais. Charlie dominici (chanteur américain de metal progressif, The Dream
et Geoff MacCormack, L’avocat du chanteur réfute Theater), Claude Fléouter (journaliste, producteur et réalisateur français,
les deux amis d’enfance de les accusations, qu’il qualifie fondateur des Victoires De La Musique, coproducteur de “L’Ile Aux
David Bowie restés proches de “réclamations fictives”. Enfants”), Jeffrey Foskett (chanteur et guitariste américain, Beach Boys),
de lui jusqu’à la fin de sa Myles Goodwyn (chanteur, auteur-compositeur et guitariste canadien,
vie, dévoileront la plaque. QUEEN April Wine), Jean Knight (chanteuse américaine de soul, “Mr Big Stuff”),
Quelques Français qui l’ont Pendant le week-end du denny Laine (guitariste britannique de rock, Moody Blues, Wings), Tai Luc,
bien connu, des journalistes 18 au 21 janvier sera projeté Shane MacGowan, Michel Sardaby (compositeur et pianiste français de jazz),
et des fans seront conviés exclusivement dans les salles John “Rambo” Stevens (ami fidèle et manager britannique de John Lydon),
en fin de journée à la mairie Imax “Queen Rock Montreal”, Karl Tremblay (chanteur québécois, Cowboys Fringants), Goerdie Walker
pour une rencontre informelle concert emblématique capté (guitariste britannique de post-punk, Killing Joke), Chiba Yusuke (musicien,
au son de ses chansons. en novembre 1981 au Forum chanteur et compositeur japonais de garage rock, Thee Michelle Gun
de Montréal (imax.com/queen). Elephant…), Benjamin Zephaniah (écrivain et poète anglais, rasta et dub).

JANVIER 2024 R&F 009

Mes disques à moi

“A la question Stones ou Beatles,

je suis obligé de répondre : ni l’un ni l’autre”

ADRIEN DURAND
Musicien, programmateur, attaché de presse, journaliste, auteur d’essais
et désormais romancier, ce touche-à-tout connaît l’industrie musicale
sous toutes ses coutures et porte un regard singulier sur ce milieu, tout
en gardant un rapport viscéral avec ce qui compte : la musique.
RECUEILLI PAR THOMAS E. FLORIN - PHOTOS WILLIAM BEAUCARDET
SON LIVRE EST NOIR COMME LA MUSIQUE QU’IL cette période étrange : le deuil de Kurt Cobain. Moi, je n’écoutais
ÉCOUTE. Pourtant, Adrien Durand a su se trouver où était pas Nirvana à 7 ans, mais on sentait ce flottement dans l’air avec
la lumière : attaché de presse du meilleur festival de France un trône à prendre et les prétendants qui tentaient leur chance.
(Villette Sonique), rédacteur en chef adjoint du meilleur C’était une époque plombée, située entre deux guerres en Irak, on
webzine musical du pays (“Noisey”), il fête ce mois-ci le parlait tout le temps de sida aux enfants et les stars qu’on voyait à
premier anniversaire de ce qui pourrait bien devenir la la télé se suicidaient où faisaient des overdoses… Nos parents nous
meilleure maison d’édition rattachée de près ou de loin à inculquaient des idéaux hippies et racontaient leur Mai 68, le tout
la musique au monde (Le Gospel). Ce Nick Hornby hypra depuis nos lotissements de banlieue pavillonnaire. Tout cela créait
mélancolique, auteur de “Tuer Nos Pères” et “Je N’Aime une ambiance de regrets et donnait naissance à des personnages
Que La Musique Triste”, sortait en septembre dernier son comme Trent Reznor. “The Downward Spiral”, pour moi, incarne
premier roman : “Cold Wave”. Un anniversaire, un premier cette noirceur, ce nihilisme qui semblait être la seule solution pour
roman, deux bonnes occasions de discuter autour d’un jus se sortir d’un marasme quotidien.
d’orange glacé.
R&F : On écoutait de la musique chez vous ?
Adrien Durand : Surtout de la chanson à texte, que j’ai toujours
Une époque plombée rejetée. Je n’aime pas la musique qui se prend trop au sérieux. Puis
ROCK&FOLK : Premier disque acheté ? mes parents écoutaient beaucoup les Beatles, mais c’est un groupe
Adrien Durand : Le premier disque que je n’aime pas du tout. Donc à la question Stones ou Beatles, je
que j’ai acheté en étant conscient de le suis obligé de répondre : ni l’un ni l’autre. On écoutait “Harvest”
faire, c’était le single de Beck, “Loser”, qui était un peu le disque familial et Neil Young était très présent à
en CD deux titres. Une chanson qui m’a l’époque, avec la BO de “Dead Man” ou “Mirror Ball”, l’album avec
suivi, puisque j’ai intitulé un livre “Je Pearl Jam. Mais rapidement, ce qui m’a attiré, c’était des choses
Suis Un Loser Baby” où je racontais beaucoup moins… professionnelles.
notamment l’histoire de Carl Stephenson
qui a co-écrit ce morceau puis est devenu R&F : C’est-à-dire ?
fou et a lancé toutes ses machines dans Adrien Durand : L’esthétique slacker, lo fi avec Sebadoh ou
la baie de Santa Monica. Dinosaur Jr. : des groupes qui avaient plus d’humour et de recul,
beaucoup moins le côté rock star tête de noeud de certains artistes dont
R&F : Comment découvriez-vous la musique à l’époque ? on a parlé avant. La BO du film “Kids” de Larry Clark m’a beaucoup
Adrien Durand : Beaucoup par hasard. Par exemple, j’ai découvert ouvert à cela aussi. C’était un film sur le skate mais dessus, au lieu du
Rage Against The Machine parce qu’un soir ma sœur revenait de punk à roulettes habituel, il y avait Daniel Johnston, Folk Implosion...
soirée, il pleuvait et quelqu’un lui avait Ça nous disait : “Oui, tu peux faire du
prêté un bonnet avec le nom du groupe skate sans n’être jamais monté sur une
imprimé dessus. Ça pouvait être aussi planche ; oui, tu peux monter un groupe
bête que ça. Puis la télévision jouait un sans n’avoir jamais joué de guitare”.
rôle très important. C’est par les clips
que j’ai acheté “Mellon Collie And R&F : Les films étaient donc des pas-
The Infinite Sadness” des Smashing serelles vers la musique ?
Pumpkins, un album qui a beaucoup Adrien Durand : Oui, ils participaient
compté. Vers 1995 ou 1996, il y avait à une ambiance générale. On découvrait

010 R&F JANVIER 2024

JANVIER 2024 R&F 011
“Les toilettes de bar
sont associées pour
moi à ‘True Colors’
de Cyndi Lauper”
les films de Gregg Araki en écoutant “Monster” de REM. Où Michael
Stipe assumait peut-être plus son homosexualité. C’était le côté
gothique fluo, gender fluid de ces années. Personnellement, j’associe
les Deftones au film “Donnie Darko” parce que les premiers m’ont fait
découvrir Depeche Mode et Duran Duran alors que dans le second,
il y a Tears For Fears.

Etat émotionnel
R&F : Chez “Noisey” vous vous moquiez énormément de
tout le folklore qu’il y a autour des rock stars, la culture
rock en général ?
Adrien Durand : Oui. Pour moi, c’est un peu comme le catch :
tout cela est une construction. Les groupies, les boas à plumes, les
bagouses, c’est pas mon truc. Je viens de la classe moyenne plutôt
basse, donc cette mondanité, le côté “J’ai un avion avec mon nom
pour faire la bise au dalaï-lama”… A vrai dire, cela fait maintenant
trois ans que je me demande pourquoi j’aime la musique, c’est devenu
le sujet de plusieurs de mes livres. Ce que j’ai découvert, c’est que
mon rapport est beaucoup plus direct : la musique elle-même, les
chansons, m’arrache à la réalité en créant une sorte de bulle autour de
moi. C’est cela que j’ai essayé d’explorer dans mon livre “Je N’Aime
Que La Musique Triste”.

R&F : Comment ça marche ?

Adrien Durand : La musique me met dans un certain état émotionnel.
Je me suis rendu compte de cela à force de voyager seul. Certaines
chansons devenaient mes compagnons
parce qu’elles se trouvaient là où
j’allais. Par exemple, les toilettes de
bar sont associées pour moi à “True
Colors” de Cyndi Lauper, parce que
je l’entendais toujours quand je faisais
la queue pour aller aux toilettes. Puis,
il y a des disques qui sont un peu
comme une maison : “I Could Live In
Hope” de Low par exemple, qui est très
enveloppant, ou l’album de Grouper,
“The Man Who Died In His Boat”, une
musique minimale qui a un fort pouvoir
d’évocation.
R&F : Comme la cold wave, qui est
au cœur de votre premier roman.
Adrien Durand : Mais c’est par les
groupes que je viens de citer que j’en
suis venu à écouter de la cold wave. Longtemps, la cold wave était
pour moi la musique des gens plus âgés. Mais j’ai arrêté d’écouter
de la musique par mouvement ou par genre, je suis sorti du côté
encyclopédiste avec toutes ses listes
du type “les trois plus grands albums
de la house de Chicago” où quelqu’un
nous impose à l’avance une lecture d’un
album que l’on n’a jamais entendu.
Je veux passer par un rapport direct,
personnel, émotionnel. Ça a été cela
ma passerelle vers la cold wave : tous
les groupes slowcore, tout comme des
artistes électroniques du milieu des
années 2010 que j’aimais beaucoup — Helena Hauff ou Daniel
Avery — en parlaient. Alors, quand j’écoute les Cure ou Bauhaus pour
la première fois, je retrouve tout ce que j’aime : de la musique bricolée,
pas trop de virtuosité, le tout extrêmement assumé dans ses intentions.
Un état d’esprit qu’on peut retrouver dans toutes les musiques, comme
dans “World Of Echo” d’Arthur Russell par exemple.
R&F : Donc, si on résume : slacker adolescent, slowcore
adulte… Que s’est-il passé entre les deux ?
Adrien Durand : A la fin des années 2000, il y a une période
que j’ai trouvée très pénible, c’était l’époque des crossovers : rap
et metal, jungle et metal... A l’époque, j’écoutais beaucoup Tricky,

012 R&F JANVIER 2024

 MES DISQUES A MOI
ADrIEn DUrAnD

ouvert à Fugazi, Arab On Radar, et tous

ces groupes qui faisaient des morceaux de
45 secondes déguisés en mouches géantes,
comme The Locust… Puis j’ai commencé
à travailler pour Villette Sonique et là,
Etienne Blanchot, le programmateur, m’a
fait découvrir énormément de groupes.

R&F : Comme à tout le monde. Villette

Sonique a été le meilleur festival qui
alliait défrichage et groupe culte dans
les années 2000.
Adrien Durand : Etienne faisait venir
des microgroupes pour une seule date,
arrivait à avoir des affiches de gens hors
tournée. C’est comme ça que j’ai découvert
les Liars par exemple. Je n’ai pas du tout
aimé le revival rock des années 2000, cela
reprenait des codes qui me dérangeaient.
Alors, quand les Liars, qui étaient associés à tout cela, arrivent avec “Drum’s
Not Dead”, un disque sans guitare, personnellement, j’ai trouvé ça génial.

City Of Shit
R&F : Des souvenirs de concert particulier ?
Adrien Durand : Jay Reatard à Montréal
peu de temps avant sa mort. Il a joué vingt
minutes, la salle était à un étage d’un
immeuble, j’ai vraiment cru que le sol
allait s’effondrer. C’est étrange la fin de
la carrière de Jay Reatard : peu de temps
après, j’étais en Louisiane dans une ville
que les habitants surnomment City Of
Shit, ce qui en dit long sur l’ambiance
qui y règne. Le gros truc, c’était que Jay
Reatard venait de virer son groupe et qu’il organisait des auditions.
Tous les musiciens de la ville voulaient tenter le coup car ils étaient
persuadés qu’ils allaient être le next big thing. Et c’est vrai que “Blood
Visions” est un album à part. Tellement intense qu’on avait l’impression
que le disque allait se balancer tout seul contre les murs...
qui me semble avoir bien mieux vieilli
qu’un groupe comme Massive Attack. R&F : Pourquoi avoir appelé votre
Personnellement, je pense que dès que maison d’édition Le Gospel ? Vous
la musique ressemble à un pitch, c’est écoutez du gospel ?
très mauvais signe. C’est terrible, parce Adrien Durand : Ah ah ah, non, pas
que c’est ce que l’on demande au groupe spécialement. Je crois surtout que j’ai
aujourd’hui. “Pitchez-moi votre projet un rapport assez mystique aux choses.
en deux minutes.” Je suis persuadé que J’aime cette idée d’une musique qui
la professionnalisation tue en partie la élève, mais qui devient une bulle en
musique. même temps. Les disques récents que
j’écoute sont comme ça : le dernier album de Tirzah, “trip9love… ???”,
une chanteuse anglaise qui fait une sorte de shoegaze un peu trip hop,
Déguisés assez fantomatique… Quand on met ça, on a l’impression d’être
en mouches géantes légèrement défoncé, suffisamment pour que la réalité s’éloigne.
R&F : Que ce soit par vos textes ou même quand vous étiez atta-
ché de presse pour Villette Sonique, vous semblez toujours du R&F : Quel album emporteriez-vous sur une île déserte ?
côté de l’underground. Adrien Durand : “The Moon And The Melodies” de Harold Budd et
Adrien Durand : Ça a commencé quand j’avais un groupe. On organisait les Cocteau Twins. Je suis très fan des deux, c’est un disque comme
des concerts et, à cette époque, la plupart des formations faisaient deux un palais des glaces, fabuleux, le genre d’album qui crée le même
dates où ils retournaient la salle puis ils disparaissaient à tout jamais. Je flottement que les drogues. Et c’est très compliqué pour moi d’écouter
trouvais ça beau, ce côté gratuit. C’était l’époque du post hardcore, où le un autre disque derrière ça. H
groupe qui a fait la transition pour moi, ça a été At The Drive-In, qui m’a Livre “Cold Wave” (Le Nouvel Attila)

JANVIER 2024 R&F 013

014 R&F JANVIER 2024

TAI-LUC
Fer de lance d’une génération spontanée poussée sur les cendres du punk 77,
La Souris Déglinguée reste dans l’inconscient collectif l’exemple parfait
du groupe dont les parents ne souhaitaient pas voir leurs enfants à leurs concerts.
PAR UNE NUIT DE DÉCEMBRE,
TAI-LUC, MÉGAPHONE ET
FIGURE DE PROUE DE CE COMBO
LYSERGIQUE, A BOUCLÉ SON
PAQUETAGE DANS LA PLUS
PARFAITE TRADITION DU 1ER R.I.
PICARDIE, le régiment où il était
radio et où il a appris à maîtriser la
phonie, un moyen de communication
comme un autre. Retour sur une
époque définitivement révolue
en quelques points essentiels.
Poésie urbaine
Pour les gens qui l’ont approché un
peu, Tai-Luc était d’un abord facile malgré
une expression faciale digne d’un bouddha
taiseux. Produit de la banlieue parisienne,
il est élevé par sa mère Jacqueline, un des
personnages les plus importants dans le
devenir du musicien. Militante très engagée
à gauche, elle élève son fils en prenant soin
à ce qu’il sache faire très rapidement la
différence entre les mots prolétariat et
bourgeoisie. A ceux-là s’y ajoute très
rapidement un troisième : révolution ;
car c’est le maître-mot de tous les foyers
œuvrant pour la lutte des classes, un
fondement sociétal désormais caduque
et remplacé par le droit à un train de
vie confortable pour tous. Comme tous
les adolescents rebelles, il découvre les
New York Dolls et le Velvet Underground.
Si les frasques en platform boots des
premiers le marquent, ce sont les textes
de Lou Reed qui lui font découvrir une
forme de poésie urbaine qui parle de sujets
nettement plus visuels que les textes de
Photo Touchard Heyman/ Dalle
Victor Hugo ou Baudelaire appris en cours.
Des trottoirs de Vélizy au lycée de Versailles,
Tai-Luc s’ennuie ferme sur les bancs du
bahut alors que l’été de la haine commence
à pointer son nez. Entre la découverte
de l’Open Market de Jacques Dauty
in memoriam
1958-2023
et Marc Zermati, un voyage à Londres
pour découvrir les Jam et un autre à San
Francisco pour un prétexte familial qui se
transforme en exploration du punk local
grâce au charisme de Penelope Houston,
chanteuse des Avengers, il rentre en
France avec le fervent désir d’avoir lui
aussi ses quinze minutes de gloire sur
la première scène qui s’offrira à lui.
Avec des copains de lycée, il crée
La Souris Déglinguée, un quatuor de
rock’n’roll speed au répertoire déjà
polémique dès le concert du lycée
Rabelais, en décembre 1978.
L’ironie du titre “Nuremberg Blues”,
qui parle de l’évasion du SS Herbert
Kappler, passe mal auprès de certains
élèves. Peu réceptif aux remarques, Tai-
Luc dessine des faucilles et des marteaux
à la craie jaune sur les tableaux portatifs
qui délimitent les loges. Déjà, une certaine
distanciation envers les récriminations
de la plèbe pointait à l’horizon.
Bonjour tristesse
Des années LSD, l’histoire retiendra un
premier album extraordinaire à la gloire
de la zone et de toute la voyoucratie qui
la pavoise. Devant cette carte de visite
rédigée à la chaîne de vélo, les plus anciens
se souviennent encore du grand bruit fait
par les portes du succès quand elles se
sont refermées dès les premières mesures
de “Rock’N’Roll Vengeance”. Ensuite,
malgré un sens de l’innovation et de la
prise de risque au-dessus de la moyenne,
le musicien n’arrivera jamais à imposer
ses albums, qu’ils soient d’obédience rap
ou tournés vers l’Asie. De fil en aiguille,
d’absence de concerts en désillusions
encore et encore, Tai-Luc se prend les
pieds dans son personnage et fréquente
les mauvaises personnes. Dans un monde
où les juges sont les réseaux sociaux,
le couperet tombe vite.
Exit la Souris et bonjour tristesse.
Loin de la musique, Tai-Luc se retrouve
seul devant son ordinateur. Derrière,
comme ultime public, un mur de livres
principalement érigé avec des ouvrages
sur l’Asie du Sud-Est dont la plupart lui
ont servi de guides dans sa longue quête
identitaire pour réussir à cerner qui il était
vraiment. Dans sa nouvelle solitude de
paria imposée par un monde de la musique
à l’amour versatile, regrette-t-il de n’avoir
jamais ouvert des ouvrages aux titres
évocateurs rédigés par Roger Peyrefitte ou
Pierre Choderlos de Laclos ? Dommage. Car
à trop laisser la main droite n’en faire qu’à
sa guise, bien souvent la main gauche finit
sous le marteau comme l’écrirait l’ami qui
s’en est allé, ulcéré de ne point être écouté.
Entouré de ses amis de papier, Tai-Luc se
refait une vie en commençant par remplir
un dossier pour devenir bouquiniste sur les
quais de Seine, à Paris. La démarche n’est
pas si simple. S’il est accepté, il faut encore
savoir où il aura droit d’ouvrir ses quatre
boîtes d’une couleur verte tirant plus vers le
sapin que vers celle d’un bomber. Mais quel
que soit l’endroit, le paysage ne pourra pas
être moche. Finalement, le quai de Gesvres
lui tend les bras pour un nouveau départ
très vite chamboulé par une catastrophe
sanitaire. De ces années de nouvel enfer-
mement, Tai-Luc en sort difficilement.
Diminué par des décennies à marteler
le pavé, à vivre sa vie de rebelle, il paye la
facture tout en faisant un boulot d’arpenteur
de bitume aussi merveilleux que pénible.
Dans ton dernier contact, tu me présentais
tes condoléances pour mon père. Merci.
Parlons-en mais plus tard, là-haut, devant
une tasse de thé ; je viendrai avec le mien,
car je suis désolé de te le dire, j’ai toujours
trouvé ton thé chinois dégueulasse. H
GEANT VERT
JANVIER 2024 R&F 015
Tête d’affiche
“Quelle idée à la con !”
SLEATER-KINNEY Le duo culte est de retour avec un album aux guitares féroces.
Réponse viscérale au deuil et à l’horreur de l’époque.
QUICONQUE AYANT PRÊTÉ OREILLE
À LEURS ALBUMS — OU, MIEUX,
LES AYANT VUS FERRAILLER SUR
SCÈNE — SAIT QUE LES SLEATER-
KINNEY SONT UNE DES MACHINES
DU ROCK DES ANNÉES 2000. Trente
ans après leurs débuts en pleine fièvre
riot grrrl, le duo originaire de l’Etat de
Washington publie un onzième album
politique, rouge et teigneux. Anatomie
magistrale d’un monde qui part en torche,
“Little Rope” est également marqué par
le deuil. Pendant son écriture, la mère et
le beau-père de Carrie Brownstein sont
décédés dans un accident de voiture en
Italie. C’est sa complice, Corin Tucker,
qui a reçu le coup de fil des autorités.
Depuis plusieurs jours, l’ambassade
américaine tentait en vain de joindre
Brownstein et sa sœur. Un numéro était
répertorié comme le contact d’urgence
de Brownstein : celui de Tucker. C’est
dire si leurs vies sont entrelacées. Deux
options s’offraient alors à la musicienne :
s’écrouler ou transcender la douleur.
Pédaler dans le chaos
ROCK&FOLK : L’album s’ouvre avec
une bourrasque intitulée “Hell”. C’est
l’endroit où vous étiez lorsque vous
travailliez sur le disque ?
Carrie Brownstein : Je crois qu’ici, on
voulait surtout explorer notre relation à la
violence. Créer une chanson qui refléterait
l’état du monde. On vit une époque très
sombre, non ? Mais c’est vrai que lorsqu’on
enregistrait, je traversais une période émo-
tionnellement très difficile…
R&F : La musique aide ?
Carrie Brownstein : Elle m’a aidée à
traverser le deuil. Elle a donné une place au
chagrin. Travailler sur le disque a été une
façon pour moi de garder la tête hors de l’eau.
Jouer de la guitare, utiliser mes mains, ma
voix, c’est une chorégraphie que je maîtrise.
Tandis que la mort de ma mère était un évé-
nement totalement incompréhensible.
016 R&F JANVIER 2024
R&F : “I Don’t Feel Right” est un des
joyaux du disque. De l’anxiété pure sur
une mélodie trépidante. Ce contraste,
c’est un peu la marque de fabrique des
Beach Boys…
Corin Tucker : On vient du punk mais on
a toujours été attirées par des gens comme
les Beach Boys ou Tom Petty. Il y a cette
dissonance entre des paroles sombres et une
musique entraînante qui est une combinaison
vraiment intéressante. Les textes parlent de
léthargie mais la musique te botte le cul.
Jamais je n’aurais pu écrire un truc pareil à nos
débuts. Cette arrogance qu’était la nôtre à vingt
ans, on l’a perdue. On pensait tout savoir. Avoir
compris dans quel sens le monde tournait. Mais
c’était du flan. A quelques rares moments dans
la vie, tu touches le sol. Mais la plupart du
temps, tu fais comme tout le monde : tu pédales
dans le chaos.
Un cri de ralliement
R&F : “Crusader” est la chanson la
plus évidemment politique de l’album.
S’adresse-t-elle à Ron DeSantis, le
gouverneur républicain de Floride en
guerre contre le progressisme ?
Carrie Brownstein : Oui et non. Il y a beau-
coup de désespoir dans une chanson comme
Etat rock’n’roll
Situé à l’extrême nord-ouest des
Etats-Unis, l’Etat de Washington peut
revendiquer le titre d’Etat le plus
rock’n’roll des Etats-Unis. Si Seattle a
vu naître Jimi Hendrix, elle a surtout
généré des dizaines de groupes grunge
qui ont retourné la planète (Nirvana,
Mudhoney, Pearl Jam, Mother Love
Bone, Soundgarden, Melvins, Alice In
Chains…). Cent kilomètres au sud, la
petite ville d’Olympia (capitale d’Etat) a
été le berceau du mouvement riot grrrl
avec Bikini Kill, Bangs, Bratmobile
puis Sleater-Kinney. Beth Ditto y a
aussi formé le groupe Gossip. A mi-
chemin entre ces deux villes, on trouve
Tacoma, cité des Sonics et des Wailers,
les plus féroces des groupes garage
des années soixante, et plus à l’est
Ellensburg, ville de Mark Lanegan et
ses Screaming Trees. Qui dit mieux ?
“Crusader”. Il y a des vies de personnes qui
sont écrasées, contre lesquelles on légifère. En
ce moment aux Etats-Unis, des lois sont prises
contre le progrès social. Cette chanson existe
pour dire qu’on est solidaires des personnes
visées dans ces textes mais aussi pour pointer
l’hypocrisie de ces politiciens qui s’en prennent
aux plus vulnérables. C’est un cri de ralliement
pour surmonter toute cette négativité.
R&F : Pas une seule chanson de l’album
ne dépasse les quatre minutes…
Corin Tucker : Le paramètre de la durée est
essentiel. “Ok, on a 3 minutes 30. Un couplet,
un refrain, un pont. Comment on en tire le
meilleur ?” On est toujours prêtes à tester des
trucs nouveaux. On est vraiment persuadées
que si on devient prévisibles, on va perdre
notre public.
R&F : Sleater-Kinney est né en 1994.
A l’époque, la guitare était une évidence.
Ça veut dire quoi être un groupe de rock
à l’heure où le hip-hop domine les charts
et la culture ?
Carrie Brownstein : Il y a des tas de
formations à guitares qui m’excitent en ce
moment : Palehound, Blondshell… La guitare,
c’est le langage de Sleater-Kinney. J’adore
comme la distorsion exprime le désordre,
la vulgarité. Lorsque Corin et moi jouons
ensemble, il y a des imperfections, de la
dissonance et je trouve ça beau. Ce disque, on
l’a vraiment écrit ensemble à Portland, l’une en
face de l’autre. Et je crois que ça se sent. C’était
moins vrai sur nos deux précédents albums.
R&F : Avant de nous quitter, c’est le
moment de régler quelques comptes.
On a visité votre ville natale, Olympia.
Histoire de comprendre comment des
groupes comme Bikini Kill, Bratmobile
ou le vôtre ont pu y naître. On a rarement
connu ville aussi rasoir…
Photo Chris Hornbecker-DR
Carrie Brownstein : Pardon mais quelle idée
à la con (rires) ! Il n’y a absolument rien à faire
là-bas ! A part monter un groupe de rock… H
RECUEILLI PAR ROMAIN BURREL
Album “Little Rope” (Loma Vista/ Universal)
JANVIER 2024 R&F 017
Tête d’affiche
“La vision que j’en ai eue
était proche du syndrome
de Gilles de la Tourette”
MADNESS
Les parrains du ska britannique célèbrent l’absurdité
du monde dans un album enregistré en autarcie.
DE SES LOINTAINS DÉBUTS DU ROCK&FOLK : Comment s’est déroulée
CÔTÉ DE CAMDEN TOWN, MADNESS l’élaboration du disque ?
S’ ES S A I E À U N S TYL E MO INS Suggs : Nous avons attendu que la situation
ÉNERGIVORE AVEC UN NOUVEL revienne à la normale. Je n’ai pas trop apprécié
ALBUM À LA FABRICATION AUSSI ces deux années de pandémie. C’était un peu
EXPÉRIMENTALE QUE BIEN VUE. comme dans la série “Le Prisonnier” : le cadre
De passage près de la place de la est agréable mais vous n’êtes pas libre de faire
République, les deux frontmen Mike ce que vous voulez.
Barson et Graham “Suggs” McPherson Mike Barson : Nul. Tous ces gens qui
ont bien voulu se renvoyer la balle tournaient en rond en s’accusant mutuellement
autour d’un micro pour éclairer leur pour une question de vaccination. J’en suis
fan-club hexagonal. même arrivé aux mains avec mon propre frère.
C’était hallucinant. Pour cette raison, je
tiens à préciser que ce n’est pas du tout un
lockdown-album ; pendant ces deux années,
j’ai fait tout sauf de la musique. Comment
voulez-vous penser à ce genre de chose quand
tout autour de vous tourne à l’affrontement ?
De toute ma vie, je n’avais pas connu une
situation aussi proche de la prison. C’était
déconcertant.
Suggs : J’ai peut-être eu une ou deux idées
pendant le confinement, mais elles devaient
tourner autour de la situation. Une fois
 redevenu libre, je me suis mis à écrire des
choses plus marrantes, plus réelles, plus
ancrées dans la vraie vie. Pas dans ce moment
pour le moins bizarre.
Mike Barson : J’ai entendu ce mec, Elton
John, qui racontait comment il avait enregistré
son album pendant le confinement. J’ai trouvé
ça ahurissant et j’ai essayé d’imaginer le
type chez lui devant son micro en train de
gesticuler. Je ne devrais pas dire cela mais
la vision que j’en ai eue était proche du
syndrome de Gilles de la Tourette.
Suggs : Donc, pour résumer, c’est un album à
mettre dans la catégorie after-lockdown, c’est
compris (rires) ?
Des gens bizarres
R&F : C’est votre premier album en tant
que producteur. Qu’en pensez-vous ?
Suggs : Il faut remettre les choses dans
le contexte. En 2019, le problème était
la dispersion des différents membres du
groupe. Il fallait trouver une solution afin
d’améliorer notre façon de travailler. Nous
avons alors eu l’idée de louer un grand local
industriel à Cricklewood, où nous pourrions
entreposer le matériel et répéter. Très vite,
nous avons ajouté l’idée d’en faire un studio
d’enregistrement. Et c’est là que le covid
Photo DR
a débarqué.
Mike Barson : Ça a chamboulé nos projets,
mais nous avions eu le temps d’aménager
et d’apprécier le lieu. Une fois la situation
revenue à la normale, nous avons demandé un
coup de main à Matt Glasbey pour qu’il nous
assiste tout au long du processus.
Suggs : Même si le résultat final résume les
envies des six membres de Madness, Matt
était là pour veiller à ce que nous ne partions
pas dans toutes les directions.
Mike Barson : Oui. Et j’ajouterai que l’idée
de produire son premier disque avec la
présence d’un vrai producteur dans le studio
est vraiment excellente (rires).
R&F : Pourquoi ce choix d’un studio
non professionnel ?
Suggs : L’idée d’être chez nous nous confor-
tait. Au début, il y a eu quelques soucis avec
les prises de son. Au bout d’un moment, nous
avons fini par trouver comment passer au-
dessus de ces problèmes techniques.
Mike Barson : Nous avions vu ce documen-
taire sur les Beatles en train d’enregistrer
l’album “Let It Be” et nous en sommes ins-
pirés. Passé cela, quand nous sommes arrivés
à Cricklewood, toutes les chansons avaient
déjà été écrites. On a un peu fait comme
d’habitude, beaucoup de discussions pour
savoir où se trouver la place de tous dans les
titres retenus.
R&F : D’où vous est venue cette réfé-
rence au théâtre de l’absurde ?
Suggs : C’est une idée de Mike. Le titre
vient d’un livre d’un critique britannique
qui commentait différents auteurs comme
Samuel Beckett ou Eugène Ionesco, dont
les pièces n’hésitaient pas à bousculer les
formes traditionnelles du théâtre. L’album
est presque conceptuel avec une succession
de chansons qui sont autant de petites
saynètes parfois séparées par des interludes
de présentation. Nous n’avions jamais fait
cela auparavant.
Mike Barson : Après cette période de confi-
nement, tout était absurde : les gens, les actes,
la vie. Le mot était juste parfait pour décrire
de manière abstraite des gens bizarres dans
un monde étrange. En fait, c’était de l’art
abstrait sans le mot art à l’intérieur.
R&F : Un mot sur votre quasi-demi-
siècle dans l’industrie du disque ?
Mike Barson : Pour résumer les choses, je
ne sais pas si nous avons passé ces cinquante
ans dans cette soi-disant industrie, mais en
revanche, qu’est-ce qu’on s’est marré à faire ce
que nous avions envie de faire : de la musique.
Suggs : Tant que nous serons créatifs, nous
ferons partie intégrante de cette industrie. H
RECUEILLI PAR GEANT VERT
Album “C’Est La Vie” (BMG)
020 R&F JANVIER 2024

“Gamin, je voulais être gangster”
DYLAN LEBLANC
Une voix habitée, un son à mi-chemin de Laurel Canyon et de Tulsa
et des chansons étincelantes inspirées par un narco mexicain…
Dylan LeBlanc a signé l’un des plus intrigants et des plus beaux albums de l’année 2023.
DYLAN LEBLANC DEVAIT AVOIR UNE
DOUZAINE D’ANNÉES. Lui et son père
résidaient à Muscle Shoals, en Alabama,
bourgade rurale bien connue des ama-
teurs de soul pour ses studios légendaires,
notamment ceux de Fame Recordings.
Son père, guitariste et songwriter, s’y ren-
dait tous les jours, rejoint par son fils à
la sortie de l’école, qui y traînait jusqu’à
minuit, dormait parfois sur place.
Placardée sur un mur, une photo d’une
chanteuse passée par les lieux, longue
chevelure brune, visage de vestale,
silhouette courbée sur un piano, fascinait
jusqu’à l’obsession le jeune adolescent.
“Je passais des heures à bloquer sur la
photo de Bobbie Gentry, se souvient
Dylan aujourd’hui. C’est probablement
la première fois de ma vie que je suis
tombée amoureux.” Tout à sa passade
platonique, le jeune homme s’immerge
dans la musique de la southern belle, et
notamment le morceau qui fit sa gloire
en 1967, “Ode To Billy Joe”. “J’adorais
sa façon de raconter l’histoire, mais aussi
la production, les cordes, son phrasé.
Cette chanson est l’une des principales
raisons pour lesquelles j’ai voulu devenir
songwriter”, dit-il.
Des flingues
Nous sommes en novembre 2023 et le
jeune adolescent transi d’amour pour une
mystérieuse chanteuse du passé est devenu
un compositeur éblouissant de trente-trois
ans qui vient de publier l’un des plus beaux
disques de l’année, “Coyote”. L’album raconte
le périple d’un narco mexicain, Coyote, sur
le sol américain. Le thème peut paraître
singulier, mais Dylan LeBlanc admet vite que
le personnage, solitaire aux abois cherchant
une voie vers la rédemption, lui ressemble
comme deux gouttes d’eau. L’inspiration, elle,
lui vient d’une jeunesse passée pour partie à
Photo DR
Shreveport, une ville de Louisiane dévastée
Tête d’affiche
par le trafic de drogue. “J’ai grandi entouré
de gens qui ressemblaient beaucoup à Coyote.
Gamin, je voulais d’ailleurs être un gangster,
je trouvais ça trop cool. Pas mal de mes amis
menaient ce genre d’existence, et certains ne sont
plus là aujourd’hui. Je ne faisais pas vraiment
partie de ce milieu, mais je me suis retrouvé mêlé
à des situations dangereuses, avec des flingues
sortis, des trucs vraiment flippants...”
Dylan passe ses premières années au côté de
sa mère pétrie de religion et de son beau-père,
et connaît une scolarité difficile, kleptomane
à ses heures perdues, qui sont nombreuses.
Finalement confié à James, le paternel, il
quitte la Louisiane pour l’Alabama, troque son
école délabrée contre une école privée dont le
directeur goûte les châtiments corporels. Mais
Bobbie Gentry et la musique lui ouvrent des
perspectives et lui permettent de flirter avec
autre chose que la délinquance. Des premiers
groupes, dans lesquels il joue de la guitare, des
premières chansons, une voix haute, singulière,
qu’il apprivoise. Et, à travers la fréquentation
des studios Fame, des conseils de vénérables
piliers des lieux, le propriétaire Rick Hall
ou le pianiste Spooner Oldham, lequel lui
recommande d’écrire tous les jours, seule façon
de s’améliorer. Avec la complicité de l’ingénieur
du son de Fame, Ben Tanner, futur Alabama
Shakes, il enregistre des premières démos
Alabama chic
Légendaire claviériste de la soul sudiste
(l’orgue de “When A Man Loves A
Woman” !), Spooner Oldham,
80 printemps, a enregistré et joué
aux côtés de la Terre entière depuis
la fin des années 1960, d’Aretha
Franklin jusqu’à Neil Young ou Cat
Power. Il est aussi un compositeur
responsable avec son complice Dan
Penn de merveilles telles que “I’m
Your Puppet” ou “Cry Like A Baby”.
Dylan LeBlanc, qui le côtoie depuis une
vingtaine d’années, cite “A Woman
Left Lonely” comme sa préférée, ce
qui est loin d’être un mauvais choix.
vers seize, dix-sept ans. Puis deux premiers
albums la vingtaine venue, aux ventes confi-
dentielles. Un troisième en 2016. Il tourne à la
dure, dix spectateurs, puis cinquante, cent.
Parvient à s’éloigner des bouteilles et de
la fumette qui lui ont longtemps servi de
béquilles. L’horizon se dégage vraiment à la
faveur d’un deal avec le label ATO, qui lui
offre des moyens plus confortables pour le
quatrième, “Renegade” (2019).
Musiciens d’élite
Cajun du côté de son père, Dylan a vécu
quelque temps à La Nouvelle-Orléans, une
ville dangereuse qui le fascine. Mais il est
revenu habiter dans les environs de Muscle
Shoals, pour des raisons pratiques. “Ma fiancée
et ma fille habitent en Norvège, je suis souvent
fourré là-bas ou en tournée, l’idée est donc
de trouver un endroit pas cher où laisser mes
affaires. Et il n’y a rien à faire le soir, c’est
donc l’endroit idéal pour composer.” C’est dans
les studios Fame, où tout avait commencé
pour lui, qu’il a enregistré “Coyote”. Visuel
au point de plonger l’auditeur dans un film
dès ses premières notes, l’album baigne dans
un son organique, équidistant de Laurel
Canyon et de Tulsa, dont Dylan dit qu’il lui
fut justement inspiré par le “Naturally” de
JJ Cale, le “Sensitive Kind” du même homme
lui donnant l’envie d’une section de cordes
décisive. Les guitares, souvent en open
tuning, sont une splendeur, jouées par Dylan
et par son père James, qui a cosigné plusieurs
titres. Le jeune homme a produit l’album lui-
même, pas tant par volonté de contrôle que
pour pouvoir financer le cachet de musiciens
d’élite de Nashville. Dylan LeBlanc joue donc
beaucoup, et en a conscience : après des
années de vaches maigres, il brûle de voir
sa carrière franchir enfin un palier, et même
plusieurs. Lui a fait sa part du boulot. H
RECUEILLI PAR BERTRAND BOUARD
Album “Coyote” (ATO)
JANVIER 2024 R&F 021
Tête d’affiche
“J’ai sniffé les cendres de Stiv Bators”
JIM JONES
ALL STARS
De Thee Hypnotics à Jim Jones All Stars, le phénix de High Wycombe n’arrête pas
de renaître de ses cendres chaque fois que le sort, qu’il soit funeste ou pandémique,
s’acharne sur sa destinée de performer né pour brûler son trop-plein d’énergie sur scène.
EN PLEINE TOURNÉE EUROPÉENNE,
LE PRÊCHEUR DU ROCK A MARCHÉ
SUR LES EAUX DE LA SEINE avant
de nous accorder quelques minutes de
son temps sur le cuir centenaire d’une
brasserie de la gare du Nord.
Comme
un moteur V12
ROCK&FOLK : Depuis vos débuts, une
chose ne change jamais groupe après
groupe, c’est la débauche d’énergie à
chaque concert. Comment faites-vous ?
Jim Jones : Je ne l’explique pas. C’est
comme cela que je vis la musique. Au contact
du public, j’ai envie de sortir tout ce que j’ai
en moi : mes influences, ma façon de voir et
faire les choses. C’est organique au point que
je me pose la question de savoir si tout cela
n’a pas un rapport avec le jour où j’ai sniffé
les cendres de Stiv Bators...
R&F : Pardon ?
Jim Jones : Je l’avais croisé à l’époque des
Lords Of The New Church et nous avions
sympathisé. A l’annonce de sa mort, je suis
allé au Père-Lachaise avec le guitariste
de Thee Hypnotics. Après la cérémonie, tout
le monde s’est rendu du côté du Louvre, là
où il vivait avec sa copine Caroline. Une fois
sur place, elle nous a expliqué que le souhait
de Stiv était de se faire sniffer par ses proches
s’il devait lui arriver malheur. Elle a alors
déversé le contenu de l’urne sur un grand
miroir et nous avons fait partie des personnes
qui ont souhaité respecter sa volonté. Bon,
c’était courageux de notre part mais je dois
avouer que je ne m’attendais pas à une
réaction aussi violente de mon organisme.
C’était super douloureux, mon corps a très
mal réagi à ce geste un peu surréaliste.
022 R&F JANVIER 2024
Se taper un rail de cendres, ce n’était pas
franchement une bonne idée mais on l’a fait.
Et on a beaucoup pleuré (rires).
R&F : D’accord... Qu’est-il arrivé à Jim
Jones And The Righteous Mind ?
Jim Jones : Un putain de bon groupe. Mais,
malheureusement, la pandémie a eu sa peau
comme celle de pas mal d’autres groupes.
Depuis le début, je passe plus de temps à
jouer que de rester à la maison. Pareil pour
mes potes. Quand on s’est retrouvé chacun
seul dans son coin à ne rien faire, il a
fallu se débrouiller pour vivre. Alors nous
sommes tous passés à autre chose. La vie
passe rapidement. Et nous ne sommes pas
des personnes particulièrement sages et
patientes. Les concerts m’ont manqué à un
point inimaginable.
R&F : Pourquoi ?
Jim Jones : J’ai un besoin urgent de faire
ma musique devant un public. Une fois que
je suis derrière le micro, ce n’est plus un
simple concert. Je vois les choses comme
une sorte de prêche dans une église. A partir
de là, il n’est pas question que j’interrompe
mon sermon pour boire un peu d’eau ou
tirer un coup entre deux chansons. Je dois
escalader la montagne pour me rendre à
son sommet sans faire la moindre pause.
Interrompre le rythme d’un concert pour se
reposer quelques instants, c’est accepter de
perdre toute l’énergie accumulée au fil des
chansons. C’est cette accumulation de titres
qui me rend performant. Quand je monte un
groupe, je ne le vois pas comme une réunion
de personnes mais comme un assemblage
d’expériences diverses mises ensemble
pour fonctionner comme un moteur V12. Au
moindre changement de pièce, la mécanique
n’est plus la même.
R&F : Quel est votre truc pour faire un
bon concert ?
Jim Jones : Tout est dans la bonne set-list.
On ne peut pas espérer avoir du résultat si les
titres sont choisis n’importe comment. Avec la
set-list adéquate, chaque concert devient une
mine d’expérience à exploiter pour le suivant.
Ensuite, il faut transposer tout ça en studio pour
en faire un disque le plus remuant possible.
Mon ami
Vincent Hanon
R&F : Comment vous êtes-vous retrouvé à
enregistrer “Ain’t No Peril” à Memphis ?
Jim Jones : A l’époque où Thee Hypnotics
tournait avec Placebo du côté de Seattle, nous
avons croisé ce gars du label qui habitait
Tacoma. On a sympathisé et gardé le contact.
Et là, il nous appelle pour nous proposer un
séjour à Memphis. Pour sonner Deep South, la
nouvelle ne pouvait que mieux tomber. C’était
comme un pèlerinage à La Mecque avec visite
du studio de Sam Philips et tout ce que des
touristes peuvent bien faire à Memphis.
R&F : Dans cet album, le groupe déterre
encore une belle pépite du passé. Parlez-
nous de ce “Troglodyte”.
Jim Jones : En dépit du succès incroyable
qu’a été ce titre de Jimmy Castor en 1972,
ce monument funk-soul déjanté est tombé
dans l’oubli. C’est Louis, le frère de mon
ami journaliste Vincent Hanon, qui nous l’a
fait redécouvrir un jour où il nous servait de
chauffeur pendant une tournée. Le gars possède
une collection de disques invraisemblable.
L’enregister a été une bonne façon de se
Photo Jeff Pitcher-DR
rappeler Vincent, une personne qui, désormais,
nous manque quand nous passons en France.H
RECUEILLI PAR GEANT VERT
Album “Ain’t No Peril” (Ako-Lite Records)
JANVIER 2024 R&F 023
024 R&F JANVIER 2024

“Je parle aux arbres”
DHANI HARRISON
La voix, le regard, ce ton de sage… Dhani est bien le fils de George.
La parution de “Innerstanding” est prétexte à un échange à propos de l’état de la musique
en Angleterre en 2023, de Air et, oui, de “Now And Then” des Beatles.
A PEINE L’A-T-ON FÉLICITÉ POUR
LA QUALITÉ DE SON NOUVEAU
DISQUE, EN INSISTANT SUR LE FAIT
QU’IL SORT DES SENTIERS BATTUS
DE LA POP, QUE LA CONVERSATION
DÉMARRE. Non pas l’interview car
aucune des questions préparées ne sera
utilisée. Dhani Harrison, qui admet
d’emblée qu’il a un mal fou à écrire des
chansons conventionnelles, a le débit facile
mais parle pour dire des choses. Ça fait
la différence.
De la colère
ROCK&FOLK : Alors, ce deuxième
album ?
Dhani Harrison : Disons que je suis plutôt
égoïste, je fais avant tout de la musique pour
moi-même… J’ai grandi dans les années quatre-
vingt-dix et passé pas mal de temps à Bristol,
à Londres, et je trouve que cette décennie était
fascinante. Des groupes comme Primus ont été
numéro 1, Tricky, Massive Attack vendaient des
disques… Cette scène m’a inspiré…
R&F : Et aujourd’hui ?
Dhani Harrison : Il y en a une nouvelle…
Blur invite Jockstrap, il y a des groupes comme
Sleaford Mods, Idles, The Smile, des gens
comme Four Tet, c’est de la musique intel-
ligente et aussi très cinématographique. J’ai
quitté Los Angeles en 2020 et j’ai le sentiment
que Londres et même Paris, où j’ai passé un
peu de temps, comprennent ce que je fais.
Vous avez des groupes comme Air…
R&F : On en a surtout un.
Photo Josh Giroux-DR
Dhani Harrison : “10 000 Hertz Legend” est
un de mes albums préférés, il m’a énormément
influencé. Je suis impatient de voir le duo
en concert !
Tête d’affiche
R&F : Comme beaucoup de musiciens
de krautrock des années soixante-dix,
vous vivez désormais dans la forêt.
Dhani Harrison : Oui, dans un hameau ! A
Los Angeles, tout le monde bosse sans arrêt,
ici on prend le temps de faire les choses bien.
La pandémie nous a indiqué une autre voie,
une autre manière de communiquer et d’appré-
hender la vie. Sincèrement, l’homme n’a pas
besoin de l’intelligence artificielle, il a la
vraie au fond de lui et doit l’utiliser à bon
escient. Nikola Tesla a dit que les idées émer-
geaient de la solitude et je partage ce point
de vue. Moi, je vis avec mon chien, je marche
dans la forêt et je parle aux arbres…
R&F : Exprimez-vous ce que vous res-
sentez à l’égard du monde dans vos
textes ?
Dhani Harrison : Oui, ils couvrent pas mal
de terrain. On y trouve de la colère, surtout
envers ceux qui rognent les libertés, qui
pratiquent la discrimination à l’égard des gens
qui ne rentrent dans aucun moule, ce que je
considère comme un fléau. Mais je crois en de
meilleurs lendemains. Les gens qui travaillent
sur eux-mêmes et dégagent quelque chose de
positif sont plus difficiles à manipuler.
Une sorte de boucle
R&F : Pour la sortie de “Innerstanding”,
vous avez joué à Londres.
Dhani Harrison : Oui, pour la première
fois en fait.
R&F : Quelques musiciens célèbres, qui
pourraient se produire dans des grandes
salles, préfèrent les petits clubs, quitte
à ne pas gagner beaucoup d’argent…
Dhani Harrison : Oui, c’est parfait pour
donner ce que j’appelle un “nerdy” show !
A mes concerts, on a joué mes deux albums
dans l’ordre des chansons. Ça demande un
boulot considérable et il faut que le public
joue le jeu. A la fin, on aurait pu recommencer
au début car le dernier morceau du set est au
même tempo et dans la même tonalité que
le premier.
R&F : Une histoire sans fin…
Dhani Harrison : Oui, et d’ailleurs,
quand je travaillais sur l’album, j’ai revu
“Interstellar” de Christopher Nolan. Ce film
et ce réalisateur ont eu beaucoup d’influence
sur moi. “Interstellar” est une sorte de boucle,
on peut commencer le film où on veut, aller
jusqu’à la fin, presser “Play” à nouveau et le
regarder jusqu’à l’endroit où on a commencé.
C’est ce à quoi j’aspire également, faire de la
musique non-linéaire.
R&F : Bon, on n’est pas autorisé à vous
en parler, mais ce single des Beatles ?
Dhani Harrison : Disons qu’il touche tout
le monde, mais de façon différente. Person-
nellement, j’ai fini par m’habituer à la perte de
mon père, à l’idée qu’il n’était plus là. Depuis
vingt-deux ans, j’ai appris à dealer avec ça.
Alors, franchement, je suis très content que le
disque soit numéro 1, mais pour moi c’est dur
car ce n’est pas mon père qui joue la guitare
dessus, enfin il fait un peu de rythmique, mais
pas la lead… J’ai échangé avec Peter Jackson
au moment où il a eu l’idée de la fin du clip et,
même si ça m’émeut à chaque fois, je lui ai dit
que ce que je voulais voir, c’est le début, pas
la fin. Que “Now And Then” soit leur dernier
titre ou pas n’a pas beaucoup de sens pour
moi, les Beatles sont éternels. H
RECUEILLI PAR JEROME SOLIGNY
Album “Innerstanding”
(H.O.T. Records/ BMG)
JANVIER 2024 R&F 025
En vedette

“Le moment parfait”

KURT VILEEn s’offrant la liberté de laisser parler les guitares et d’étirer ses chansons
durant des sessions d’enregistrement décontractées, le chanteur
de Philadelphie a publié un des albums les plus fascinants de sa carrière.
RECUEILLI PAR THOMAS E. FLORIN
NATUREL. UN ADJECTIF BEAUCOUP UTILISÉ POUR LA à l’âge de 44 ans. Kurt Vile n’évoquera cette disparition
NOURRITURE ET LE MAQUILLAGE DE NOS JOURS. Il y a qu’une seule fois lors de cette longue conversation sur la
un demi-siècle, il était très à la mode pour la musique. C’était musique, ses filles, les plages et la guitare électrique utilisée
ce que recherchait l’époque : le talent naturel, une production comme une navette spatiale.
naturelle, un jeu naturel. La nature revenait au galop et cela
a donné quelques chefs-d’œuvre : “Naturally” de JJ Cale,
“On The Beach” de Neil Young. Deux œuvres de jeunes Un type vraiment sauvage
trentenaires assez matures pour ne plus rien forcer, ne plus ROCK&FOLK : Comment tout cela a-t-il commencé ?
rien démontrer, seulement laisser faire les choses. Et c’est ici Kurt Vile : En septembre 2019, nous étions à Stinson Beach, juste
que Kurt Vile semble se trouver. Avec dix ans de plus, certes, à l’extérieur de San Francisco, en studio, et on avait la vue sur la
mais tout est paradoxalement plus lent à l’époque de la 5G. plage. J’étais en tournée avec Cate Le Bon, j’adore traîner avec elle,
Et “Beach On A Moon”, ce disque, appelé alternativement et elle a produit Deerhunter, beaucoup d’albums en fait, plus les
EP ou compilation, est court. Un album court avec des siens qui sont excellents. Elle est aussi très amie avec l’une de mes
chansons longues. Cinq à huit minutes pour la plupart. En meilleures amies : la batteuse Stella Mozgawa. Puis, j’étais obsédé par
littérature, on appelle ce genre d’œuvre un machin. Kurt la musique de Chris Cohen : il a fait trois albums qui pour moi sont
Vile vient donc de sortir un sublime machin, peut-être le plus des chefs-d’œuvre. On venait de jouer dans un festival de bluegrass
Photo Lance Bangs-DR

beau machin de sa carrière, parce qu’il est hanté de toutes à San Francisco et je savais que c’était le moment parfait pour
parts. Ce n’est malheureusement pas une image, le disque enregistrer car nous sortions d’une grosse tournée. J’ai ramené
étant dédié à Rob Laakso, guitariste des Violators (nom du Rob Laakso avec moi et on s’est retrouvé avec Cate, Stella et Chris.
backing band de Kurt Vile), mort brutalement d’un cancer Adam Langellotti nous a rejoints : il allait construire mon home studio,

026 R&F JANVIER 2024

JANVIER 2024 R&F 027
KUrt VIlE

donc je trouvais que c’était une bonne idée de travailler avec lui, où on peut nicher des mélodies. On avait fait ce genre de chose dans
et on a fini cet album ensemble deux ans plus tard. C’est ça qui est la chanson “Goldtone”, le dernier morceau de mon album “Wakin
beau avec ce disque : quand je l’écoute, je vois deux époques de ma On A Pretty Daze”. Rob Laakso avait joué beaucoup de Fender VI
vie se superposer. dessus. Mais je pense qu’on n’avait pas essayé ce registre depuis.
Donc, quand je suis rentrée à la maison, j’ai acheté exactement la
R&F : Il y a une chanson un peu centrale, qui résume tout même guitare qu’Erik Paparozzi, elle n’est pas très chère et en plus
l’esprit de l’album — elle lui donne même son nom : c’est elle a un vibrato : donc tu es à la fois dans l’espace et dans l’océan !
“Back To Moon Beach” ? C’est exactement “Nager dans le ciel”. (“Swiming In The Sky”, paroles
Kurt Vile : “Back To Moon Beach” est une autoréférence à l’une de “Back To Moon Beach”, ndr).
de mes chansons, “Beach On The Moon” qui est sur l’album “God Is
Saying This To You…” sorti en 2009. Enregistrer cette suite à Stinson
Beach, qui est vraiment une très belle plage, très psychédélique, c’est Ode à la liberté américaine
mélanger avec le fait d’être perdu dans sa guitare, de jouer une ligne R&F : Le ciel, l’océan… vous rattachez chaque son à un
mélodique et avoir l’impression d’être envoyé dans l’espace. C’est ce élément. Vous avez aussi fait une chanson sur la forêt, qui
que Neil Young m’a dit, la seule fois où j’ai eu une conversation avec est franchement la plus déprimante de l’album ?
lui : “Avec un instrument, on peut quitter la Terre quand on veut”. C’est Kurt Vile : C’est certain que si on se concentre sur les paroles de
le côté magique de la chose : on est assis sur sa chaise, on pense à ses “Like A Wounded Bird Trying To Fly”, oui, c’est très déprimant. Mais
amis, ce que l’on va devenir, et en même temps, on est très loin. Pour moi je n’y pense pas de cette manière. Cette phrase, elle vient de ma
terminer la chanson, j’ai ajouté d’autres paroles et invité d’autres amis fille, Awilda. Elle est tout le temps en train de lire, alors ma femme
à jouer dessus, bien plus tard, et on a fait ça chez moi. lui fait faire un peu de yoga. Pour un certain mouvement, Awilda lui a
dit : “Ah oui : comme un oiseau blessé qui essayerait de s’envoler”. Peu
R&F : Vous avez deux types de chansons : celles composées à de temps après, on est allé camper, j’ai décidé de mettre sa phrase
la guitare et d’autres au piano, comme l’excellente “Another dans ma chanson et Awilda m’a dit : “OK, mais assure-toi de bien me
Good Year For The Roses” ? créditer alors”. Ah, ah, ah ! C’est pour ça que je la cite à la fin de la
Kurt Vile : J’ai commencé à écrire avec cet instrument vers 2015–2016. chanson, parce que plus personne ne lit les notes de pochette. Donc
J’étais complètement obsédé par George Jones à l’époque, j’avais lu pour moi, ce n’est pas déprimant : mes enfants sont dans cette chanson,
son autobiographie et beaucoup d’autres livres sur lui, et quelqu’un les bois, quelques oiseaux, une guitare acoustique, mes parents…
m’a parlé de sa chanson “A Good Year For The Roses”, une chanson
qui est devenue pour moi l’une des meilleures R&F : Mais il y a cette thématique que toute
du répertoire country. George Jones était un cette joie, tous ces moments de beauté
type vraiment sauvage. Quand on lit son Le Bon compte seront perdus. C’est aussi le thème de “Tom
Petty’s Gone” ?
autobiographie, c’est comme lire “Hellfire” sur Cate Le Bon est de tous les bons coups
Jerry Lee Lewis : on se rend compte à quel en ce moment : après “Several Songs Kurt Vile : Oui. J’ai écrit celle-là le jour de sa
About Fire” d’Andrew Savage,
point ces types étaient de parfait antihéros. la musicienne galloise joue sur “Back mort. J’en avais fait une démo la nuit même et
A Stinson Beach, j’ai joué cette chanson parce To Moon Beach” de Kurt Vile, soit j’ai joué cette démo à l’envers qui est devenue
que j’avais les paroles, il y a un piano dans les deux derniers disques du mois de le morceau “Palace Of OKV In Reverse” sur
Rock&Folk. Productrice recherchée,
le studio, tout cela était très bien structuré elle a récemment travaillé sur les l’album “(Watch My Moves)”. Puis il y a eu la
et est ressorti de cette session un peu pop. albums de Devendra Banhart (“Flying strophe sur Bob Dylan… Son couplet parle de
Puis, je suis rentré de Philadelphie et j’ai Wig”) et de Wilco (“Cousin”) publiés en cette chose amusante quand on voit quelqu’un
fin d’année 2023. Avant cela, elle avait
ajouté ces guitares barytons, deux différents publié en 2022 le magnifique “Pompeii”, qu’on admire, et comment on agit de manière
types de guitares qui font un contre-chant disque solo synthétique sur lequel elle étrange. Et tout cela m’a amené à DCB, David
joue de quasiment tous les instruments.
avec le piano, et j’ai trouvé que c’était très Berman des Silver Jews. J’avais ces quelques
accrocheur. Comme je chante la même ligne phrases en tête depuis ses funérailles. J’ai
mélodique que le piano, ça imprime vraiment cette mélodie dans le passé des années avec tout cela mais j’avais peur, peur de parler
cerveau. On a ajouté quelques autres guitares explosives, énormément de Bob Dylan comme cela, aussi ouvertement. Puis mon ami, Rob,
de guitares en fait, et c’était terminé. Rob Laakso, est mort, donc j’ai décidé de sortir cette chanson sur
laquelle il joue. Et la chanson ne s’appelle pas : “Tom Petty Est
R&F : Il y a beaucoup de guitares barytons sur cet album, Parti”. Elle s’appelle “Tom Petty Est Parti, Mais Dites-Lui Que Je
ce qui lui donne ce côté mélancolique. Le Cherche”. Ce qui montre que rien n’est jamais entièrement perdu.
Kurt Vile : L’année dernière, j’étais en Australie et j’ai vu Cat Power
en concert. Erik Paparozzi, l’un de ses musiciens, joue des claviers R&F : Oui, c’est votre propos sur l’héritage de la musique
pendant la plupart du set mais, d’un coup, le temps d’une chanson, américaine, une sorte de filiation, non ?
il sort cette guitare baryton Westwood complètement noire, qu’il joue Kurt Vile : J’imagine que cela traverse les générations. La poésie
avec un son clair, sans aucun effet. Et ce registre, ce son, ce sont des de David Berman est pour moi aussi importante que celle de Bob.
fréquences que l’on n’utilise pas souvent. Parce qu’on a la basse, J’ai grandi quand sortaient les disques des Silvers Jews et beaucoup
les aigus de la guitare, mais entre les deux, il y a tout cet espace de gens sont d’accord sur le fait que… cela a été déterminant.

028 R&F JANVIER 2024

 “Je ne sais pas si
vous avez souvent
l’occasion de rouler
des joints au volant
par chez vous”
C’est pour cela que son suicide est si difficile à accepter : il n’était
pas monté sur scène depuis dix ans, il était très stressé, mais qui
sait, s’il avait attendu ne serait-ce que deux semaines, il serait parti
en tournée, entouré de jeunes musiciens, beaucoup de gens étaient
heureux de le voir… Il avait tellement peur, mais peut-être que tout
cela l’aurait soulagé.

R&F : Comme pour illustrer cette grande conversation

entre les chansons, vous avez glissé votre reprise de Wilco,
“Passenger Side” dans cet album ?
Kurt Vile : “Passenger Side”, nous l’avons enregistré avec Adam
Langellotti alors que nous étions en tournée avec Dinosaur Jr. pour un
tribute à Wilco organisé par “Uncut”. Je suis tellement heureux que le
groupe m’ait autorisé à la mettre sur ce disque. J’ai grandi avec cette
chanson. Mon cousin était dingue de Wilco. Il était dans mon groupe,
on la jouait déjà sur scène, et je me souviens de les voir en concert,
adolescent, quand ils chantent : “Roules-en un autre pour la route :
tu es la seule personne sobre que je connaisse”, c’est hilarant pour un
gamin, ça renvoyait à “Albuquerque” de Neil Young : “Ils disent que
Sante Fe n’est qu’à 19 miles. J’ai le temps d’en rouler un et de louer
une voiture.” C’est un peu une sorte d’ode à la liberté américaine. Je
ne sais pas si vous avez souvent l’occasion de rouler des joints au
volant par chez vous…

R&F : Le pays est trop petit, puis on ne peut plus aller nulle
part avec un plein à cinq dollars comme dans la chanson.
Mais vos meilleures paroles à vous sur cet album, elles sont
dans “Blues Come For Some”, non ?
Kurt Vile : “Anathema, agate-eyed beauty, Valium is ephemera to
me now where I’m at, drink the diamond stream, slip into a dream.”
Oui, j’en suis assez fier. Ces chansons viennent à force de rester au
piano à la maison, et elles viennent lentement parce que je ne suis
pas aussi à l’aise avec cet instrument qu’une guitare. Cette chanson
avait besoin de trouver sa place sur un disque. Elle était faite pour
être le milieu d’une face B. Et voilà : elle est le milieu de cette face B.
C’est la chanson préférée de ma fille, qui, comme je l’ai dit, a quelque
Photo Adam Wallacavage-DR

chose avec la poésie. Très tôt dans sa vie, elle a lu l’anthologie des
paroles de Bob Dylan, donc j’ai l’impression que cette chanson a bien
un petit quelque chose de particulier. H

Album “Back To Moon Beach” (Verve)

030 R&F JANVIER 2024

“C’était Daniel...”
FRÉDÉRIC LO
A l’heure où paraît “Cœur Sacré”, son disque hommage à Daniel Darc
en compagnie, notamment, de la crème de la pop française (Daho, Medeiros,
Birkin…), le compositeur-producteur s’est confié comme rarement à un journal.
Comment son chemin de musicien aussi discret que prisé
l’a-t-il mené à l’ex-chanteur de Taxi Girl et à “Crèvecœur” ?
RECUEILLI PAR JEROME SOLIGNY
GRANDIR À NOGENT-SUR-MARNE DANS LES ANNÉES
1960/ 70. Avoir une sœur aînée fan des Rolling Stones, du
Velvet Underground, qui a acheté “Aladdin Sane” le jour de sa
sortie… Une sœur dont le petit ami était Alain Weiss, qui écrivait
à “Best”, puis au “Monde”. Une sœur vraiment Stones alors
que lui, futur mélodiste de talent, sera vraiment plus Beatles.
Un tour par le conservatoire pour maîtriser le contrepoint et
la composition. Et, bien sûr, des concerts, plein de concerts
où, dans le public, il voyait Pacadis, Riberolles ou Constantin…
Toute une époque. Une ère de quelque chose. Et donc un
premier concert de Taxi Girl, des gars qui paraissaient plus doués
que les autres, mais un poil violents… Evidemment, le Pavillon
Baltard, Joe Jackson, Marquis de Sade et The Jam en 1983.
Photo Richard Dumas-DR
Un pote y a perdu une dent. Et encore Taxi Girl. Au Théâtre
de l’Empire pour un tournage de “Chorus”, l’émission musicale
incontournable. Et très vite une attirance pour les underdogs,
pas les meilleurs instrumentistes, mais des types qui avaient
quelque chose en plus. Robert Smith, The Cure, c’était fou.
En vedette
Ce décor, en préambule à un échange marathon, c’est Frédéric
Lo lui-même qui le plante. Lorsqu’il se lancera véritablement
dans la musique, en groupe puis en solo, il va croiser souvent
Daniel Darc. Les nuits parisiennes, tout ça. Il y avait encore
de la fumée, des cendriers. Daniel pas toujours en forme.
Ça grouillait dans sa tête, ses veines et autour de lui. Laurent
Sinclair, de Taxi Girl, va jouer des claviers pour Eléonora, le
groupe de Fred. Une nuit, ils squatteront le studio de Canal+
et seront pris les mains sur la SSL. Plus de peur que de mal.
Cette collaboration ne fera pas long feu, Eléonora non plus.
La faute à des labels qui promettaient, puis capotaient. Un
grand classique du rock français. Le vécu, pas celui des
livres. A la fin des années 1980, New Rose rééditera Taxi
Girl et Eléonora va jouer en première partie du groupe au
New Morning. Mais Darc sera en boucle : il demandera dix
fois à Fred s’il a un harmonica et finira par lui piquer sa wah-
wah. Pour la revendre. Il faisait le même plan à Mirwais, le
Taxi Girl qui a décroché la Lune.
JANVIER 2024 R&F 031
ROCK&FOLK : Vous revoyez Daniel sur scène au milieu
des années 90…
Frédéric Lo : Oui, c’est sa période “Nijinsky”. Il a quelque chose
de fascinant, mais c’est déjà ma limite. Il est en chute libre, un peu
fracassé. Moi, malgré tous les freaks que j’ai fréquentés, je n’ai jamais
été bluffé par la dope. Je ne suis pas un compagnon de défonce. Quand
mon groupe s’arrête, je décide de faire un vrai métier. Mais avec mes
démos, je décroche un deal chez Universal. J’ai le cul entre deux
chaises : je ne fais pas de la variété, mais pas du rock non plus. Mon
premier album, “La Marne Bleue”, me vaut de bonnes critiques, mais
pour le deuxième, je veux un réalisateur car je me rends compte de
mes limites. Je choisis Blanc-Francard qui est au creux de la vague,
mais qui vient de monter son studio. Ça se passe hyper-bien, mais le
disque ne va pas marcher. Universal me rend mon contrat et la fille
que j’aime me largue. Une très bonne année (rires) !

R&F : Bientôt, une lueur au bout du tunnel : on vous sollicite

pour écrire un titre pour Dani que le duo avec Etienne Daho,
“Comme Un Boomerang”, vient de relancer…
Frédéric Lo : Ça me parle aussitôt ! Et puis, ça faisait trois-quatre ans
que je voyais un type déambuler dans ma rue, un voisin en somme :

Photo Richard Dumas-DR

c’était Daniel. Je me souviens de lui à vélo, un bandeau sur la tête
comme un poilu de la guerre 14-18, avec une tache de sang. Parfois,
il était vautré dans le caniveau ! Il devait prendre aussi des médocs…
Je me disais : “C’est quand même dingue, ce mec qui a eu cette carrière,
ce talent, qu’il ne fasse rien !” Un jour, je sors de chez moi et je percute
quelqu’un : Daniel ! Il ne me remet pas, mais je lui propose d’aller
manger un morceau. Là, il me teste, veut savoir ce que j’écoute et,
au bout du compte, il me prend pour un peu moins con que ce qu’il “On a dit de
pensait (rires). Je lui propose d’écrire le texte du morceau pour Dani
qui ne s’appelle pas encore “Rouge Rose”. Il accepte et dit qu’il va
me rappeler, ce qu’il ne fait pas. Mais je vais le recroiser au Franprix
‘Crèvecoeur’ que c’était
près de chez nous. Il achetait trois 8.6, et moi du lait.
un chef-d’oeuvre.
R&F : Vous allez ensuite chez lui ?
Frédéric Lo : Oui, sa mère lui avait payé un studio et il vivait d’une
pension d’invalidité. Sans elle, il aurait été à la rue. Mais chez lui,
Mais pour moi,
c’est le bruit et l’odeur ! A chaque pas, on écrase quatre disques
ou cinq livres, le chaos total. La photo intérieure de la pochette de
un chef-d’oeuvre, c’est
“Crèvecœur”, on l’a prise là. Et il me fait le show : il a un pistolet, il
joue à la roulette russe. Il me sort des gants avec du plomb dedans, des
poings américains. La totale ! Je vois bien qu’il est dingo, mais c’est un
la ‘Messe En Si Mineur’
jeu. Il me bizute ! Et après avoir critiqué ma guitare, en entendant la
chanson que je lui propose, il me prend au sérieux. Comme c’était pour
c’est ‘Pet Sounds’,
Dani, j’avais pensé à Gainsbourg. Les couplets, c’est un peu un mix
entre “La Javanaise” et “Sunday Morning”. Le lendemain, c’est lui
qui est venu chez moi, mais je n’étais pas tranquille. Quand j’allais
‘Abbey Road’...”
aux toilettes, je craignais qu’il me pique un truc. Mon studio était dans disaient qu’ils étaient plus amis avec lui que moi, je leur répondais :
une pièce et on a enregistré “Rouge Rose” très vite. Dani a adoré le “Nous, on a juste bossé ensemble pendant huit ans.”
titre. Et peu de temps après, alors qu’il avait plus ou moins tiré un
trait sur sa carrière d’artiste, Daniel m’a demandé tout timidement R&F : Quand vous commencez à réellement travailler sur
qu’on refasse des chansons pour d’autres. Je lui ai répondu qu’on “Crèvecœur”, c’est sans label ?
devrait plutôt en faire pour lui. Bon, il a bien essayé de me taper du Frédéric Lo : Sans rien. Et pendant un an, on va bosser tous les
fric, j’ai dû lui expliquer : “Moi, je suis la personne qui va te rapporter jours. Daniel disait qu’il écrivait un roman, mais ça n’était pas vrai.
de l’argent, donc tu ne lui en empruntes pas, tu la laisses tranquille. Il avait toujours un carnet où il griffonnait des trucs, mais de façon
Tu attends que ça arrive” (rires). obsessionnelle. Il trouvait une phrase super, mais il la répétait
sur cinq pages. On lui avait diagnostiqué une phobie sociale…
C’était un enfant battu.
Madonna
R&F : Etiez-vous proches ? R&F : Daniel a-t-il livré les textes facilement ?
Frédéric Lo : Quand je voyais des fans qui me disaient qu’ils étaient Frédéric Lo : Hum, j’ai été patient. Parfois, j’ai fait un travail
super amis avec Daniel, j’étais sceptique parce qu’il pouvait vous faire d’éditeur. Comme il écrivait tout chez moi, je pouvais lui dire : “Cette
croire qu’il était votre meilleur pote et aussi balancer sur la person- phrase, tu ne peux pas l’utiliser, tu l’as déjà mise dans telle chanson.”
ne avec qui il venait de passer huit heures. Donc, les mecs qui me Il m’est arrivé de compléter des paroles. Ce titre qu’on cite tout le

032 R&F JANVIER 2024


temps comme étant celui qui abrite les plus belles phrases de Daniel,
c’est moi qui l’ai écrit. Mais il était fort : il pouvait pondre un texte
en deux minutes ou mettre six mois pour ne pas en terminer un autre !
Et on a parfois fait appel aux bons vieux cut-ups. Nos maîtres, c’était
David Bowie ou Lou Reed. Il y avait déjà ça dans l’écriture de Daniel
à l’époque de “Cherchez Le Garçon”, ce truc un peu vrillé, hyper-
poétique, cru, limite dangereux.
R&F : Vous écoutiez quoi pendant l’élaboration de l’album ?
Frédéric Lo : Le premier de Day One. J’adorais ce côté un peu
hybride, le retour des boîtes, la french touch… J’avais bien aimé les
Comateens, la TR-606, Kraftwerk… Je vais mélanger tout ça avec
une guitare acoustique… Et aussi coacher Daniel pour qu’il chante
moins. Il aurait voulu être Iggy Pop mais il n’avait pas la voix pour
ça. A mi-chemin, on se retrouve avec six ou sept chansons qui nous
plaisent et là, il manque de mourir, comme il est mort d’ailleurs,
d’une hémorragie stomacale. Je vais le voir à l’hôpital et il me dit :
“Si je meurs, sors-le !” Il était vraiment fragile, mais heureusement,
il s’en tire.
R&F : Comment ça se passe avec les maisons de disques
lorsque vous commencez à démarcher ?
Frédéric Lo : Je suis assez surpris que les labels indés adorent tous
et qu’aucun ne me rappelle (rires). Ça ne le fait pas avec Pias, encore
moins avec Le Village Vert… En fait, ce sont les majors qui vont se
manifester. Sony et Mercury. Le truc le plus dingue, c’est que chez
Mercury, c’est le directeur artistique qui m’avait signé qui me rappelle,
et c’est le boss qui m’avait viré qui veut nous signer (rires). Il y a aussi
un truc magique à cette époque, c’est que Mirwais vient de travailler
avec Madonna. Et Daniel bavait sur lui. Un jour, je lui fais : “Arrête
d’être con à ce point-là ! C’est ton pote, tu pourrais être content pour
lui ! Et tu sais, par ricochet, ça peut être intéressant pour toi si je dis
aux labels : ‘Mais oui, Taxi Girl, c’était le groupe de Mirwais ! Vous
savez : Madonna, “Music”, quatorze millions d’albums vendus’ (rires)”.
Chelsea Hotel
R&F : La presse et le public vont adorer “Crèvecœur”
Frédéric Lo : Et pourtant, on se demandait si ça allait plaire aux
gens. On avait une copine aux “Inrocks” qui a tout de suite aimé… La
rédaction, pareil… Finalement, j’ai signé en licence. J’ai monté mon
label pour signer Daniel et je suis resté propriétaire du master. J’étais
total dans le rouge à la banque, mais Universal a lâché une très grosse
avance. “Qu’est-ce qu’on fait ce soir, chérie, on va au restaurant ?”.
R&F : Daniel devait être ravi…
Frédéric Lo : Oui et on a tellement fait de promo à ce moment-là,
on était collés au siège ! Il était hyper heureux mais en revanche, ça
a changé dès qu’on a commencé à bosser sur “Amours Suprêmes”,
l’album suivant. On a eu davantage de moyens et lui, d’un coup, il
s’est retrouvé avec mille potes. Il arrivait aux séances trois heures
en retard, une bouteille de whisky à cent cinquante euros à la main.
Il a cramé toute son avance et a dû changer de pharmacien…
R&F : La rançon du succès…
Frédéric Lo : Ouais et il n’arrivait plus à écrire… Il était total bourré
ou surexcité… Ça a été le début de la fin. Daniel, avant et pendant
“Crèvecœur”, était une sorte de héros underground… Et d’un coup,
bam ! Tout le monde s’est mis à l’adorer. J’ai vécu ça aussi, en moins
frontal, avec Peter Doherty. Un jour, un pote m’a dit : “Ben c’est bizarre,
tout baigne pour toi et on a l’impression que ça ne va pas”. J’ai bien
vu qu’il ne comprenait pas… Daniel a commencé à faire des plans
pourris en promo, il s’embrouillait même avec les chauffeurs de taxi.
Avec lui, ça pouvait virer à la baston comme un rien.
FréDérIc lO
R&F : Après “Crèvecœur” en 2004 et “Amours Suprêmes”
quatre ans plus tard, vous continuez à travailler ensemble ?
Frédéric Lo : Oui, mais là il est ingérable. Pour les textes, c’est la
cata. C’est le début de l’iPhone, il prétend que je ne lui ai pas envoyé
de musiques. Je lui montre sur son téléphone tous les messages, à
telle date, il suffit d’appuyer sur “Play”, etc. Il pouvait avoir un côté
branleur, avec un ego énorme. Il disait : “On raconte que je suis un
génie ! Quel dommage que je ne travaille pas plus !” A un moment, je
lui ai fait : “Oh, rassure-moi, tu ne l’as pas cru, hein ?” Et finalement,
il meurt en 2013. Quinze jours avant son décès, alors qu’on s’était
perdus de vue, il m’a demandé qu’on retravaille ensemble. Il n’était
pas content de l’album qu’il venait d’enregistrer, “Chapelle Sixtine”.
Le truc flippant, avec tout le respect que je lui dois parce que c’était un
mec brillant, c’est qu’il a vieilli super vite. Quand il meurt, il n’a que
cinquante-trois ans, et on a l’impression qu’il en a soixante-dix-huit.
Quand je le rencontre, il en a quarante et un, le temps où on a bossé
ensemble, il en a pris vingt-cinq ans. Dans la tête, pareil.
R&F : Vous étiez toujours liés contractuellement ?
Frédéric Lo : Je suis resté son éditeur, mais le contrat de production,
je l’ai déchiré. Il ne me devait plus rien. J’ai bien essayé de relancer
sa machine… On était fasciné par New York, mais il n’y était jamais
allé. Les mecs comme lui, ça ne bouge pas. Je lui ai dit : “On passe
deux ou trois semaines au Chelsea Hotel et on bosse là-bas. Dès qu’on
a deux-trois chansons, on réserve un petit studio. On est tous les deux
fans de Suicide, je vais choper les coordonnées de Martin Rev… Comme
ça, plutôt que de me regarder en disant que tu n’arrives plus à rien,
on continue l’histoire et on avance…” Mais ça lui a fait peur. Il était
plus à l’aise dans son arrondissement. C’était un type excessif…
Je dois les attirer, Peter est comme ça aussi.
Chef-d’œuvre
R&F : Il subsiste une part de mystère dans cette collaboration,
ce qui la rend encore plus belle.
Frédéric Lo : Beaucoup de gens ne comprennent pas comment j’ai
fait pour travailler avec Daniel. Mais c’est comme ce projet d’aller
à New York… Je suis plus aventureux que lui qui stagnait dans
la défonce. C’était un peu le paradoxe : il était libre et, à la fois,
enchaîné. On n’est jamais allé au Chelsea Hotel et, peu après la sortie
de “La Taille De Mon Ame”, l’album qu’il a publié en 2011, il s’est
rendu compte que les médias m’appréciaient. J’ai fait “Les Chansons
D’Amour” et le disque avec Eicher… Je ne suis pas show off, ni ultra-
présent, je suis là et je fais mon job, c’est tout. Et Daniel ne trouvera
rien de mieux à faire que ce qu’il avait fait avec Mirwais, c’est-à-dire
baver sur moi en promo pour des raisons à la con, et notamment que
j’avais tenu à ce qu’on enregistre avec des musiciens d’Elvis Costello !
Ses derniers albums, il les fera avec Laurent Marimbert qui a un CV
plutôt lunaire, les 2B3, la Star Academy… C’est un bon musicien,
mais merde, c’était Daniel quoi !
R&F : Que retenez-vous de lui et de “Crèvecœur”, aujourd’hui
élevé au rang de classique ?
Frédéric Lo : A sa mort, il y a eu quatre ou cinq bios. Pas un seul de
ces biographes n’a songé à m’appeler (rires). J’ai trouvé ça génial. Je
ne connais même pas celui qui est devenu le biographe officiel (rires).
On a dit de “Crèvecœur” que c’était un chef-d’œuvre. Mais pour moi,
un chef-d’œuvre, c’est la “Messe En Si Mineur” de Bach, c’est “Pet
Sounds”, “Abbey Road”, “Hunky Dory”… Il aura fallu que Daniel
meure pour que je sois en paix avec cette idée. De lui, je retiens les
bons moments. Sur scène, je l’ai adoré, même si, trois fois sur cinq,
il n’était pas en état d’assurer. Ça me rendait dingue et j’avais envie
de lui balancer la guitare dans la gueule. H
Album “Cœur Sacré” (Virgin)
JANVIER 2024 R&F 033
En vedette
“Tu commences petit, tu deviens gros,
et puis tu redeviens petit !”
REM
Le groupe d’Athens poursuit la réédition de son catalogue, chaque album ressortant
en version augmentée pour son 25ème anniversaire. Voici “Up”, de 1998, un
album charnière à réécouter d’urgence, prétexte à un entretien avec Mike Mills.
RECUEILLI PAR STAN CUESTA
DE 1980 À 2011, REM A MENÉ UNE CARRIÈRE PRESQUE
PARFAITE. C’était notamment l’avis de l’un de ses plus
grands fans, Kurt Cobain, qui le tenait pour un exemple
d’intégrité dans le monde pourri du rock mainstream — le
groupe a ainsi toujours signé ses chansons collectivement,
un fait très rare. Il venait de l’indie rock et a connu une
progression régulière de son audience grâce aux college
radios, avant d’obtenir un succès mondial — et d’y résister.
Cobain avait d’ailleurs des projets communs avec Michael
Stipe, dans un style acoustique proche de celui de “Automatic
For The People”, le chef-d’œuvre de REM, dernier disque
qu’il écoutera avant de mettre fin à ses jours... Michael Stipe !
Quel chanteur ! Dire que le gars ne fait plus rien ou presque
depuis dix ans... A ses côtés Peter Buck, le guitariste dingue
de musique que nous avions interviewé à Melbourne début
1995, pour le lancement de la tournée “Monster”, quand
REM faisait la Une de Rock&Folk ; Mike Mills, bassiste,
pianiste, le musicien le plus classique, l’arme secrète du
groupe, et Bill Berry, le batteur, qui jettera l’éponge en
1997. L’année suivante, REM réduit à un trio publiera un
album étonnant, ce très beau “Up”, pièce maîtresse d’une
discographie chatoyante et incroyablement variée, alternant
disques pop, expérimentaux et bruitistes.
Un passage très difficile
Rock & Folk : Quels sont vos albums préférés ?
Mike Mills : Vous savez, je ne les écoute pas vraiment pour le plaisir,
je suis trop critique... Les quatre dont je suis le plus fier sont “Murmur”,
“Automatic”, “Up” et probablement “Accelerate”.
R&F : Vous auriez dit qu’après “Automatic For The People”,
le groupe aurait dû s’arrêter... L’album était tellement bon !
Mike Mills : Oh, non, je n’ai pas pu dire ça ! Il était très bon et j’en
suis très fier mais... Il n’y avait aucune raison de laisser tomber à ce
moment-là.
R&F : Que s’est-il passé avec Bill Berry ?
Mike Mills : Il n’aimait rien dans le fait de tourner, à part les concerts.
Il ne voulait plus voyager, parler à des gens qu’il ne connaissait pas...
Donc il a décidé de déclarer forfait. C’était très courageux. J’étais triste
pour le groupe mais j’étais content pour Bill, parce que c’est ce dont il
avait besoin pour être heureux, et c’est ce qui compte.
034 R&F JANVIER 2024
R&F : Vous étiez un groupe très uni. Avez-vous pensé à tout
arrêter ?
Mike Mills : Ça aurait pu arriver. Nous avons eu un passage très
difficile, à essayer de nous ajuster au fait de ne plus être que trois.
D’autres groupes auraient pris du temps pour se réorganiser mais ce
n’est pas notre genre, nous avions déjà planifié un disque et nous
avons décidé d’aller de l’avant. Je suis heureux que nous l’ayons fait
parce que ça a donné “Up”, un super disque.
R&F : Le plus facile aurait été d’embaucher un nouveau
batteur...
Mike Mills : Je n’ai jamais voulu remplacer Bill. Nous avions déjà
le projet de faire de “Up”, une sorte de disque très mécanique,
électronique. Peter achetait des claviers vintage et des boîtes à rythmes
depuis un moment, c’était la direction dans laquelle nous allions. Il
n’y avait aucune raison d’essayer d’intégrer un nouveau batteur à ce
moment-là.
R&F : On a dit que Michael et vous étiez les plus impliqués
dans ce disque, que Peter s’était un peu mis en retrait...
Mike Mills : Ce n’est pas un disque de grosses guitares. Donc il n’y
avait pas autant de choses à faire pour Peter que sur certains autres
(long silence). En plus, Michael et moi travaillons différemment de
Peter. Peter et Bill pouvaient compter l’un sur l’autre. Une fois Bill
parti... cet équilibre était rompu. Et Peter n’avait pas envie de traîner
au mixage à ce moment-là donc, en ce sens, il n’était pas aussi présent.
Mais il a fait beaucoup de choses sur cet album, il a écrit plein de
chansons au piano, il en joue sur “Lotus”. Il est partout sur le disque,
mais pas de sa façon traditionnelle.
Hommage à Brian Wilson
R&F : L’hommage aux Beach Boys, “At My Most Beautiful”,
est excellent.
Mike Mills : Peter et moi sommes de grands fans, mais quand j’ai écrit
cette partie de piano, je ne pensais pas à eux. Après l’avoir écrite, je me
suis dit : “Wow, ça ressemble à quelque chose que les Beach Boys auraient
pu faire !” Et donc, nous avons décidé d’aller dans ce sens à fond, d’en
Photo Craft Recordings-DR
faire un hommage à Brian Wilson. Les chœurs, le piano, la ligne de
basse, tout est très Beach Boys. Et comme c’était un disque où il n’y
avait plus de règles, Michael, qui n’avait jamais écrit une simple chanson
d’amour, a décidé d’en faire une, et elle est vraiment belle. J’aimerais
savoir si Brian l’a entendue, j’adorerais savoir ce qu’il en pense.
JANVIER 2024 R&F 035
R&F : Les chansons de “Up” sur le CD bonus live, “Party
Of Five”, sont beaucoup plus rock que les versions studio.
Mike Mills : C’est naturel. Les disques sont une chose et les concerts
une autre. En live, nous aimons nous lâcher (il parle toujours au présent,
ndr). Nous ne voulons pas que les gens restent assis tranquillement
à écouter la beauté de nos chansons, à part peut-être pour une ou
deux d’entre elles, mais qu’ils soient debout et qu’ils s’éclatent.
“Walk Unafraid” est devenue vraiment rock en live, super fun à
jouer. Même chose pour les chansons de “Around The Sun”, sur
scène, elles acquièrent une vie propre et deviennent quelque chose
de complètement différent.
R&F : “Up” n’a pas été un énorme succès, comparé aux
précédents...
Mike Mills : Il n’a pas mal marché, mais il y a une courbe dans la
carrière d’un groupe : tu commences petit, tu deviens gros et puis tu
redeviens petit ! Ça arrive à tout le monde... Nous avons plus ou moins
atteint le sommet avec “Out Of Time”, “Automatic For The People”
et “Monster”, mais les goûts musicaux changent, les fans vieillissent,
les jeunes veulent un groupe avec lequel ils ont grandi, pas un groupe
avec lequel leurs parents ont grandi. C’est comme ça, on ne peut pas
“Les jeunes veulent un groupe
avec lequel ils ont grandi, pas un groupe
avec lequel leurs parents ont grandi”
vendre plus de disques que le précédent à chaque fois. Même si ça
nous est arrivé pendant longtemps...
R&F : Les rééditions permettent de réhabiliter certains
albums...
Mike Mills : Le passage du temps peut aider à apprécier des choses
qu’on n’avait pas trop aimées. Les gens n’ont pas aimé “Monster”
parce que c’était un tournant radical par rapport à “Automatic”, mais
quand ils le réécoutent vingt ans plus tard, ils font : “Oh, ce n’est pas
si mal, vu dans son propre contexte”. Je pense que la même chose va
se passer avec “Up”. Quand ils l’ont comparé avec le précédent, les
gens ont fait : “Ce n’est pas un disque de REM, je n’aime pas ça !”
Mais vingt-cinq ans plus tard, quand on n’essaie plus de le comparer
à autre chose, on peut avoir un point de vue différent.
R&F : Pour les précédentes rééditions, vous aviez exhumé
des démos, des inédits...
Mike Mills : Nous avons choisi de ne pas le faire cette fois-ci. Nous
ne voulions pas mettre toujours le même genre de bonus. Il était temps
d’essayer quelque chose de différent, puisque “Up” était un disque
tellement différent.

R&F : Le CD live bonus est super.... Pouvez-vous nous
expliquer ce qu’est “Party Of Five” ?
Mike Mills : C’était une série pour jeunes adultes, à propos de gamins dont
les parents étaient morts je crois... Je ne l’ai pas tellement regardée, pour
être honnête ! Mais ça a cartonné chez les jeunes. Ils nous ont contactés...
Peter et moi avons toujours aimé voir des groupes à la télévision et dans
des films. Comme cette série américaine, “The Munsters”, dans laquelle
jouent les Standells, ou ce film, “Diary Of A Mad Housewife”, avec Alice
Cooper et son groupe. Alors nous avons dit : “Ok, nous pouvons assumer
ce genre de chose qui combine télévision et rock’n’roll”.
Toujours amis
R&F : Pourquoi avez-vous dissous le groupe ?
Mike Mills : C’était le moment. Nous avions touché le fond avec
“Around The Sun”, puis nous étions revenus en force avec deux super
albums. L’industrie du disque avait complètement changé. Notre
contrat avec Warner. se terminait. Nous nous sommes demandé si
nous voulions signer un nouveau contrat ou sortir des disques nous-
mêmes. Et pourquoi pas faire quelque chose qui n’avait jamais été
fait : se serrer la main et s’en aller en restant amis ?
rEM
R&F : Que faites-vous en ce moment ?
Mike Mills : J’ai écrit un concerto pour violon, groupe de rock et
orchestre à cordes ! Nous le jouons avec Chuck Leavell, des Rolling
Stones et des Allman Brothers, au piano, et Bobby McDuffie au violon.
Et bien sûr, je joue avec Peter dans le Baseball Project. Et je vais enfin
aller en studio pour enregistrer des démos et voir ce que ça donne.
R&F : Et les autres ?
Mike Mills : Michael va sortir un disque, je pense. Et Peter trois ! Peter
est très occupé, comme toujours, il joue avec un nombre incroyable
de gens. Bill travaille avec un groupe local, il l’aide à démarrer, il
fait un peu de musique, mais pas beaucoup.
R&F : Vous vous voyez toujours ?
Mike Mills : Oh oui ! La semaine dernière, le groupe était au complet
avec Micky Dolenz (The Monkees! ndr), qui fait des reprises de REM...
Nous sommes toujours amis et en contact. H
Album “Up (25th Anniversary Edition)” (Craft Recordings/ Universal)

REM de beauté
La discographie studio du groupe peut se découper en trois périodes de cinq albums chacune : chez IRS,
chez Warner, puis en trio... Mike Mills : “Amusant. Je savais pour les cinq premiers avec IRS, ils formaient
une sorte d’ensemble. Mais je n’avais pas réalisé qu’ensuite, c’était cinq avec Bill et cinq sans lui...”

IRS Warner Trio

“Murmur” (1983)
“C’était tout simplement notre
premier disque et il forme
un tout très homogène.”
“Reckoning” (1984)
“Nous l’avons appelé comme
ça (le jugement, ndr) parce que
nous étions conscients de ce
qu’en Amérique on nomme le
‘sophomore jinx’ (la malédiction
de la deuxième année d’étude) :
si ton premier disque est bien
accueilli, le deuxième ne le sera
pas ! Mais nous avions tellement
de chansons qu’il s’est avéré être
un très bon album, bien reçu.”
“Fables Of
The Reconstruction” (1985)
produit par le mythique Joe Boyd
(Pink Floyd, Fairport Convention, etc.)
“Il a été fait dans des conditions
difficiles : l’Angleterre, son
climat, un studio bizarre et
froid, rien de bon à manger
(rires). Il sonne très différemment
des autres mais c’est le
disque préféré de beaucoup
de gens que je respecte...
Donc j’en suis très fier.”
“Lifes Rich Pageant” (1986)
“Très rock, nous nous sommes
bien amusés à le faire.”
“Document” (1987)
Photo Craft Recordings-DR
“Green” (1988)
“Nous avons aimé faire ce
disque. Nous commencions à
échanger nos instruments, à
jouer de la mandoline... Et il
contient une de mes chansons
favorites, ‘Orange Crush’...”
“Out Of Time” (1991)
“Nous avons travaillé dans le studio
de Prince à Minneapolis et nous
avons eu un hit vraiment immense
qui nous a rendus célèbres dans
le monde entier, ce qui était...
intéressant. Entendre ‘Losing
My Religion’ dans la jungle au
Paraguay, était assez génial. C’était
un disque enthousiasmant.”
“Automatic
For The People” (1992)
“Probablement notre meilleur
en termes d’intensité de la
première à la dernière chanson.”
“Monster” (1994)
“L’un de nos grands virages, qui
n’a pas été apprécié à sa juste
valeur à l’époque mais qui était
exactement ce que nous voulions
qu’il soit, sexy et bruyant... Et
après un long break, nous sommes
repartis sur la route, une tournée
merveilleuse. Même si certains sont
tombés malades, moi inclus, nous
nous sommes bien marrés à jouer
du rock partout dans le monde...”
“Up” (1998)
“Le plus grand changement,
pour un groupe, est de perdre
un de ses membres, donc nous
avons fait de notre mieux et
réalisé un disque... unique.
Qui ne sonne comme personne
d’autre, REM compris ! C’était
intéressant, et je suis très fier
de ce que nous avons fait.”
“Reveal” (2001)
“Probablement le disque de
REM le plus sous-estimé. Je
pense que c’est l’un de nos plus
beaux, un disque d’été. Avec
un peu de chance, les gens le
reconsidèreront quand le temps
sera venu de le rééditer.”
“Around The Sun” (2004)
“Un disque malheureux
parce qu’il contient de super
chansons, mais nous avons fait
l’erreur de tourner au milieu de
l’enregistrement. Quand nous
sommes revenus, nous n’étions
plus sûrs du genre de disque que
nous étions en train de faire...
Donc il est très flou. Mais écoutez
le live à Dublin [‘Live’ (2007)],
les chansons provenant de cet
album sont super. Nous ne les
avons simplement pas réalisées
comme il le fallait en studio.”
“Accelerate” (2008)

“Notre premier avec Scott “Un disque avec lequel nous

Litt, le début d’une super “New sommes revenus en force.
association. Notre premier Adventures In Hi-Fi” (1996) Nous avons fait autant de
hit, aussi, ‘The One I Love’, “Un disque étrange, littéralement bruit que nous pouvions”
un bon single... C’est sympa, fait sur la route, aux balances.
mais nous avons toujours Il part dans tous les sens, ce “Collapse Into Now” (2011)
fait des disques sans n’est pas un album cohérent, “Un très beau disque d’adieu.”
penser aux hits.” mais c’est un excellent disque.” SC
038 R&F JANVIER 2024

Un être contradictoire
NINO
FERRER
Trois compilations tentent de rafraîchir le répertoire du chanteur franco-italien.
Que retenir hormis les quelques tubes ? De jolies choses çà et là,
dans une carrière et une vie à l’évolution acerbe.
PAR BASILE FARKAS
NINO FERRER S’EST DONNÉ LA MORT D’UN COUP DE
FUSIL DANS LE CŒUR LE 13 AOÛT 1998 À SAINT-CYPRIEN,
un village du Lot situé dans ce Quercy blanc riche en truffe
noire où le chanteur s’était installé à la fin des années 1970. La
postérité a souvent des raccourcis cruels. L’opinion courante
résume la plupart du temps Nino Ferrer en une idée : il a vécu
le succès de ses tubes rigolos comme une malédiction et aurait
voulu qu’on écoute ses œuvres plus profondes, dont “Le Sud”
est le seul exemple de réussite commerciale. C’est un peu
court. Avant de parler musique, il s’agit de dire que, durant
les soixante-quatre ans moins deux jours de son existence
torturée et tortueuse, le chanteur blond a été beaucoup de
choses. Pêle-mêle : expatrié en Nouvelle-Calédonie, italien,
français, romain, parisien, aspirant archéologue, vedette
flamboyante, paria du showbiz, acteur, châtelain lotois,
éleveur de chevaux, écologiste, collectionneur de bolides,
Photo Mondadori/ Getty Images
humaniste, misanthrope, colérique, érotomane libertaire
parfois très embarrassant, peintre surréaliste malheureux...
Un être contradictoire qu’une récente chanson de Bob Dylan
résumerait assez bien : Nino Ferrer contenait des multitudes,
mais des multitudes qui ne se voulaient pas forcément du
bien entre elles.
En vedette
Pour ce qui concerne l’œuvre, le corpus est aussi considérable
(seize albums en français, deux en italien, une foultitude d’EP) que
changeant. En plus de trente ans de carrière, l’homme a donné dans
beaucoup de styles : jazz, chanson, rythm’n’blues, rock, prog, bossa
nova, funk, pop, comptine... Pourtant, sur les presque 200 chansons
qu’il a publiées, peu sont restées de véritables tubes : “Mirza”,
“Le Téléfon”, “Les Cornichons”, éventuellement “Oh ! Hé ! Hein ! Bon !”
pour la catégorie R&B fantaisiste et, dans un registre plus grave,
“La Rua Madureira”, “La Maison Près De La Fontaine” et, bien sûr,
“Le Sud”, ballade définitive sur l’été, ce temps qui dure longtemps et
suinte la mélancolie. L’une des plus belles chansons en français qui
soit. Après ce dernier immense succès en 1975, sa cote dégringolera
dans les hit-parades. Pour ne rien arranger, sa discographie, comme
souvent chez les musiciens à cheval sur plusieurs époques et labels,
est assez désordonnée. Elle a même été rééditée avec des modifications
qui ne font qu’amplifier la confusion. Un exemple : son premier
album “Enregistrement Public” (1966), un vrai-faux live, a depuis
été renommé “Nino Ferrer” avec un tracklisting différent, des titres
en plus, d’autres en moins... Sans doute pour ordonner un peu les
choses, Universal vient de publier trois compilations thématiques (voir
encadré) : “Nino Rebel”, “Nino Groovy”, “Nino Dandy”. L’idée est
intéressante : 60 titres éditorialisés et bien choisis pour aborder l’œuvre
JANVIER 2024 R&F 039
 Une version
française crédible
de la musique de
Wilson Pickett
d’Agostino Arturo Maria Ferrari. De ses débuts discographiques en
1963 aux albums délaissés sortis sous François Mitterrand, c’est une
somme où l’on découvre dans les interstices des titres moins connus,
quelquefois splendides, souvent pas du tout. Un droit d’inventaire
(©Lionel Jospin) s’impose.

Fiction tragique
L’arrivée du succès fin 1965 avec “Mirza” est un premier décalage.
Ferrer est plus vieux que les chanteurs qu’on voit dans “Salut Les
Copains” (sauf Hugues Aufray), il arrivera d’ailleurs trop en retard à
la fameuse séance photo de groupe du magazine en avril 1966 pour
y figurer. Il est né à Gênes en 1934 et sa famille arrive en France
en 1947. Jeune étudiant romantique, féru de jazz et de chanson rive
gauche, il pratique la musique sérieusement à partir de 1953. D’abord
au banjo, puis à la contrebasse, Nino (diminutif d’Agostino) joue de la
musique New Orleans à Paris avec un ami, Richard Bennett, et des
musiciens qui deviendront les Dixie Cats. Ces années sont formatrices.
Le jazz fait encore audience, son groupe court le cachet un peu partout,
notamment dans les bals de grandes écoles. Au début des années
1960, l’affaire se professionnalise pour de bon : les Cats (nommés
à l’époque RB RB) acceptent de sonner plus rock pour tourner en
première partie des Chaussettes Noires. Ils accompagnent ensuite
Nancy Holloway, chanteuse de jazz américaine qui fait carrière en
France. Mis en confiance par Holloway qui l’autorise à prendre le
micro, Nino, excellent à la basse électrique, se mue en chanteur. Il
comprend logiquement l’importance du rhythm’n’blues qui débarque,
mais le musicien blond sort d’abord, à partir de 1963, des EP dont les
chansons (“Pour Oublier Qu’On S’Est Aimé”, “Un An D’Amour...”) “Oui Mais Ta Mère N’Est Pas D’Accord” ou “Le Blues Antibourgeois”
ont une teneur tragique qui ne trouve pas audience. qui a surtout le problème d’être anticonsentement), on recense aussi
En revanche, la France gaullienne rigole sur “Mirza” et les tubes qui quelques pétaradantes réussites, “Je Vends Des Robes”, “Madame
suivent. La période est faste, on l’invite régulièrement à la télévision, Robert”. Plus intéressant encore, il rencontre Daniel Beretta sur le
Fernand Raynaud parodie “Oh! Hé! Hein! Bon”... Ses 45 tours sont tournage d’“Un Eté Sauvage” en Corse, et dans la Bentley qui les
aussi truculents que du Boby Lapointe, parfois trop, à la différence près emmène sur le plateau écrit le texte superbe d’une bossa-nova dont
que Ferrer y révèle de vrais talents de shouter sur des instrumentaux Beretta gratouille la musique : “La Rua Madureira”, première grande
qui sonnent magnifiquement. Ferrer et ses excellents musiciens (dont chanson, une fiction tragique qui parle d’un crash aérien. Nino, pour la
Bernard Estardy à l’orgue) ont des centaines de concerts dans les pattes musique du film de Marcel Camus, a également composé un morceau
et savent jouer le R&B américain avec un groove et une précision que à la mode carioca, “Oerythia”, moins inspirée mais qui change du
personne n’a en France. L’intention est noble : donner une version sillon rhythm’n’blues (plus ou moins) comique rémunérateur, mais
française crédible de la musique de Wilson Pickett ou James Brown, dont Ferrer commence à se lasser.
dont il traduit dignement le “It’s A Man’s Man’s Man’s World” en “Si
Tu M’Aimes Encore”, rare cas d’adaptation chez lui, exercice très
fréquent chez ses collègues hexagonaux. James Brown, qui est nommé Grand déballage
dans “Je Veux Être Noir”, déclaration d’amour à la culture afro- psychanalytique
américaine sincère mais maladroite (Manu Dibango, un temps organiste La décennie 1970 coïncide avec un changement de vision. Après l’échec
pour Ferrer, en fait un instrumental jerk en 1967, Michel Leeb reprend d’un album d’originaux en italien, “Ratts & Roll’s” (1971), Ferrer délaisse
malheureusement le titre en 2015). Cette période de la fin des sixties sa première patrie pour Paris, où Eddy Barclay paie de quoi réenregistrer
est faste musicalement. Alors que certaines chansons passeraient une version de l’album en français : cela donne “Métronomie”, premier
difficilement aujourd’hui (“Les Petites Jeunes Filles De Bonne album réellement conçu comme tel, avec une dizaine de musiciens
Famille”, “Mamadou Mémé”, “Mao Et Moa” et son intro en mandarin, chevelus et habiles, réalisé en toute liberté avec longs instrumentaux

040 R&F JANVIER 2024

 nInO FErrEr

plus ciselées et joliment produites avec wah-wah et cordes synthétiques

déliquescentes. Elles sont chantées en anglais, pourquoi pas ? Echec
complet, élégant mais retentissant. La pochette hurle un message plus
clair : Nino veut qu’on lui demande ce que pense sa femme Kinou
de la pochette où il pose avec une Radiah nue enlacée à son côté. Il
réenregistre finalement “South”, la chanson d’ouverture, en français, et
c’est le miracle. “Le Sud”, en plus de marcher en France, s’exporte en
Europe, y compris dans ses versions espagnole et italienne. Mais Ferrer
a détesté ces séances à CBE, près de la porte de Clignancourt, avec
Bernard Estardy, brillantissime aussi derrière la console. Le tube,
produit à la manière de Phil Spector sur “All Things Must Pass”, est
somptueux, mais le chanteur n’apprécie pas la présence d’un contre-
pouvoir en studio. Ainsi débute la vraie autarcie pour celui qui fait
aménager un studio dans la cave de sa villa de Rueil-Malmaison.
L’idée est séduisante — jammer en toute liberté après le cognac —
mais engendrera des albums où manque quelqu’un pour serrer les
boulons. Le premier de la liste est “Suite En Œuf” (1975). L’ingénieur
du son, Patrick Orieux, assure l’intendance et Nino décide de tout. Il
veut un autre grand single avec “Alcina De Jesus” et c’est un four.
La musique est réussie, le texte un désastre : Nino, tel Nadine de
Rothschild, parle à la troisième personne de sa femme de ménage
portugaise qui s’émerveille devant le récit qu’il lui fait de la révolution
des Œillets. Autres écueils : du mauvais prog rock, une chanson pour
le nouveau-né, une pochette affreuse... Le disque suivant porte un titre
ironique mais hélas descriptif, “Véritables
Variétés Verdâtres” (1977), qui part dans
Compilations tous les styles, du hard rock au dixieland, et
a pour seule cohérence l’inspiration, assez
qui sont... faible. CBS lâche l’affaire. Quoi de mieux pour
L’idée était bonne : classer en trois thèmes
l’œuvre protéiforme de Nino Ferrer. se relancer qu’un disque enregistré dans le
Cela donne trois doubles compilations Sud-Ouest, “Blanat” (1979), essentiellement
intitulées “Nino Groovy”, anglophone et toujours invendable. Le grand
“Nino Rebel” et “Nino Dandy”.
Les pochettes sont signées Loustal public l’ignore, la presse rock se moque, il
et le tracklisting, impeccable, fait un décide de rendre les coups. Rock&Folk ? Pour
travail de curation précieux pour qui
n’aurait pas le courage de trier le bon lui une “revue horrible et nauséabonde pour
grain parmi les presque 200 titres l’extension de la musique en France” apprend-
du Franco-Italien. Seul problème, on dans “Un Homme Libre” (Le Mot Et Le
le premier disque de chacune des
compilations est le même pour les trois Reste), une biographie que lui consacre Henry
volumes (un best of réglementaire), Chartier. Le département du Lot lui a plu au
ce qui est fatalement frustrant ou
redondant selon qu’on achète un seul moins, il s’y installe mais retrouve l’antre
volume ou les trois. Un coffret quatre parisien d’Estardy pour tenter de raccrocher
riches en solos d’orgue baveux, beaucoup de disques eût été plus pratique... un peu le succès. “La Carmencita” (1980)
bavardage à la mode “Hair” mais de jolies le voit reprendre d’anciens titres sur fond
chansons : “Enfants De La Patrie”, “Cannabis” de rock vaguement discoïde. C’est le grand
et “La Maison Près De La Fontaine”. Pour la déballage psychanalytique auquel personne
seconde fois, texte et mélodie atteignent une ne veut assister. Il met des bruits de fusil
émotion plus belle et profonde. Le thème : une dans “Prélude A La Mort De Mirza” et ressort
rumination à la Ray Davies sur le progrès qui un “Petite Lili” au texte pédophile à peine
pollue et menace la vie rurale et contemplative voilé, “Petite Lili”, qu’il chante en anglais
à laquelle semble aspirer le Génois. Cette dernière chanson cartonne à la télé française aux “Rendez-Vous Du Dimanche” et dédie à
en single mais éclipse les ventes de l’album. Ce qui permet d’enchaîner Roman Polanski... Personne ne s’offusque, c’est pire : tout le monde
sur un autre, plus sec et musclé par les guitares de Mickey Finn, s’en cogne. “Rock N’Roll Cowboy” (1983), pochette de Margerin, est
musicien anglais qui jouera de longues années avec lui. “Nino Ferrer & moins passible de prison et à peine meilleur créativement. Il y a des
Leggs” (1973) renferme quelques réussites bien tenues “L’Angleterre”, boîtes à rythmes, du piano électrique avec du chorus et aucun original
“Moby Dick” avec parties de cordes arrangées par Jean-Claude valable. “13è Album” (1986) est un désastre teinté de synthé DX7,
Vannier, “Je Vais Te Dire Adieu” où Nino hésite vocalement entre “La Désabusion” presque aussi mauvais, mais avec les claviers de 1993.
délicatesse et soul à grosses soupapes en français, quand ce n’est L’année suivante, il réassemble un long-format avec des chutes du
dans la langue de Joe Cocker (“Listen To The Master”). L’album pâtit précédent, “La Vie Chez Les Automobiles” (1994), la pochette permet
Photo Patrick Bertrand-DR

d’une tendance à l’autocomplaisance, dans les paroles ou ces tics
musicaux de l’époque (solo de violon électrique !). En langage simple :
il n’y a aucun single. Barclay coupe le robinet et Ferrer part vendre
à CBS un album enregistré à Londres qu’il finit par cosigner avec
une chanteuse américaine, Radiah Frye. Les chansons sont douces,
de découvrir le peintre Nino Ferrer. Son ultime disque est un album
live, “Concert Chez Harry” (1995), anecdotique mais plus digne
après deux décennies où le panache s’est transformé en obstination,
puis en irrémédiable amertume. H
Compilations “Nino Groovy”, “Nino Rebel”, “Nino Dandy” (Universal)

JANVIER 2024 R&F 041

En vedette
Le groupe de la génération X
NIRVANA Il y a trente ans sortait “In Utero”,
ultime album studio de Nirvana et pièce majeure de sa mythologie.
DEPUIS SA SORTIE EN 1993, “IN UTERO” EST PRÉSENTÉ
PAR ERIC DELSART
COMME L’ALBUM DE NIRVANA OÙ KURT COBAIN A
REPRIS LE CONTRÔLE DE LA DESTINÉE DU GROUPE
APRÈS UN “NEVERMIND” QU’IL VOYAIT COMME UN
COMPROMIS. C’est, depuis trente ans, le récit officiel qui
vaut dans certains cercles à Butch Vig (producteur qui a fait
de “Nevermind” l’album radio-friendly qui a propulsé Nirvana
sur le toit du monde) un certain dénigrement et à Steve Albini
d’être proclamé sauveur et garant de la vision artistique
de Kurt Cobain. Trente ans après sa
sortie, “In Utero” reste un disque clef
de l’histoire du groupe, son grand geste
héroïque pour certains. Attendu avec
impatience — et appréhension — par
les fans comme peu d’albums depuis,
le troisième album du trio clôt l’œuvre
studio de Nirvana de façon idéale car
le groupe s’y montre plus extrême et
intransigeant que jamais. Un disque sans
concession qui a cimenté la réputation
du groupe comme incorruptible et
fidèle à ses convictions.
Une jeunesse
désabusée
“ ‘Nevermind’, c’est trop clean, moi je préfère
‘In Utero’ parce que c’est le vrai son du
groupe que désirait Kurt.” Voici le genre de débat qu’on pouvait
entendre dans les cours de récré au milieu des années 1990, et qu’on
entend encore parfois des quadragénaires tenir quand on évoque le
groupe de leur adolescence. Car Nirvana, pour les mômes nés entre
1975 et 1980, était LE groupe d’une génération baptisée X. Il faut
rappeler à quel point “Nevermind” fut un séisme en 1991. Le son
de l’underground triomphant face aux grosses machines aseptisées,
l’avènement de musiciens intelligents, sensibles et militants (pour
le féminisme, contre toutes formes d’intolérance) face aux lourdaux
célébrant drogues, violence et petites pépées. En 1990, aucun album
de rock n’avait atteint la première place des charts aux Etats-Unis.
042 R&F JANVIER 2024
De quoi faire dire à certains que cette fois-ci, le rock était mort pour de
bon. Pourtant, un an plus tard, “Nevermind” allait changer la donne.
La raison d’un tel succès ? L’album est empli de chansons en phase
avec leur époque, cette angoisse fin de siècle transformée en énergie
brute par un trio de punk-rockers. Et un tube absolu avec “Smells
Like Teen Spirit”. Les sujets qu’abordait Cobain dans ses chansons,
comme le mal-être, l’aliénation, le déclassement, résonnaient avec les
angoisses de la jeunesse de l’époque. Les mélodies étaient immédiates,
les chansons des hymnes pop sertis dans un écrin rock avec habileté.
“Nevermind” fut un classique instantané,
écoulé aujourd’hui à trente millions d’unités,
qui a remis le rock indépendant au centre
de l’échiquier et ouvert la porte des majors à
l’underground. Kurt Cobain — bien malgré
lui — devint l’icône qu’une génération, saou-
lée par ses parents baby boomers, attendait.
Un mec torturé, fragile, beau, talentueux, au
charisme fou. Un guide pour une certaine
jeunesse désabusée que les crétins vulgaires
et prétentieux en Spandex laissaient de
marbre. Le défenseur de l’underground, qui
mettait ses influences à l’honneur et rendait
justice à ses idoles. Combien de personnes
ont-elles acheté “Hi, How Are You?” de
Daniel Johnston parce que Kurt Cobain avait
porté un T-shirt à l’effigie de cet album ?
Combien d’adolescents ont découvert David
Bowie grâce à la reprise de “The Man Who
Sold The World” lors du fameux concert MTV ? Difficile aujourd’hui de
parler de Kurt Cobain avec un œil neuf tant son œuvre a été décryptée,
analysée en profondeur. Le détail de ses derniers jours a fait l’objet
de plusieurs documentaires volontiers conspirationnistes et d’un
film qui l’évoque de façon romancée (“Last Days” de Gus Van Sant).
Ses journaux personnels ont été publiés, faisant totalement fi de son
Photo Jesse Frohman-DR
intimité, mettant à nu ses pensées les plus personnelles, dans la quête
de cette même question, encore et encore : pourquoi s’est-il suicidé ?
La perte de Kurt Cobain fut un traumatisme aussi grand que celles
de Jimi Hendrix, Jim Morrison ou John Lennon le furent. Un drame
dont le rock ne s’est jamais remis.
JANVIER 2024 R&F 043
Dans ce XXIème siècle qui, après deux décennies, n’a pas encore vu
éclore de véritable icône rock (Pete Doherty ? On y a cru cinq minutes.
Jack White ? Trop businessman. Alex Turner ? Trop intelligent pour son
propre bien. Ty Segall ? L’ascenseur de sa gloire est en panne. Kevin
Parker ? Allons bon…), la réédition de “In Utero” est l’occasion de nous
rappeler que Kurt Cobain est la dernière rock star à avoir fait l’una-
nimité. Le seul mec de nature à rassembler rockers et métalleux
(ce que même Dave Grohl, malgré toute la sympathie qu’on lui porte,
ne parvient pas à faire).
“In Utero”
versus “Nevermind”
C’est ainsi que Cobain portait cette croix et se trouvait, en 1992, face à
cette question impossible : comment faire quand votre deuxième album,
contre toute attente, devient un phénomène qui bouscule tous les codes
de l’industrie ? Faire un break. Le succès, et surtout la célébrité, avaient
affecté les membres du groupe, en particulier Cobain. L’année 1992
fut ainsi consacrée par le groupe à prendre du recul, se remettre d’aplomb.
Ce fut aussi l’année où Cobain et sa femme Courtney Love — chanteuse
de Hole s’il fallait le préciser, avec qui il formait le couple le plus sulfu-
reux de la planète rock — allaient accueillir leur fille Frances Bean,
dont la garde leur fut aussitôt retirée suite à un article de “Vanity Fair”
044 R&F JANVIER 2024
stipulant que Love avait avoué avoir consommé de l’héroïne durant
Photo Anton Corbijn-DR
sa grossesse. Les tourments n’allaient pas s’arrêter. Tout le monde
voulait se goinfrer sur le dos de la bête, à commencer par la presse
à scandales qui se délectait des troubles de Kurt avec la drogue ou
le groupe britannique des sixties Nirvana qui obtint opportunément
une large somme en échange des droits d’utilisation de son nom.
Pire encore, une querelle interne entre les trois membres du groupe
(Krist Novoselic, Dave Grohl et Kurt Cobain) concernant les royalties
mit le fragile équilibre à mal. Dans ce contexte étrange, DGC publia
“Incesticide”, compilation d’inédits, raretés et de faces B en décembre
1992, pour faire patienter les foules et flinguer le marché parallèle.
Sous-division de Geffen, c’est le label qu’avait choisi Cobain au
moment de signer sur une major car c’était celui sur lequel Sonic
Youth avait publié son album “Goo”. L’occasion de rappeler que
“Nevermind” n’est pas sorti sur un petit label indépendant et que toute
la mystique autour du fait que Kurt Cobain vivait mal son succès doit
être remise en cause par le fait qu’à l’origine ce succès était désiré.
Personne ne fait des disques pour ne pas vendre. Mais personne ne
pouvait non plus anticiper la déflagration que serait “Nevermind”.
C’est ainsi que, comme un mécanisme d’autopréservation, le groupe
commença à faire circuler l’idée en interview que son prochain album
serait inaudible, ultra-violent, anticommercial au possible. Interviewé
par la presse britannique à l’été 1992, Cobain annonçait vouloir entrer

en studio dès septembre, avec les producteur Jack Endino (qui avait
enregistré “Bleach”, l’abrasif premier album du groupe) et Steve Albini
(que Cobain admirait pour son travail avec les Pixies et les Breeders)
comme possibles choix. Deux producteurs pas vraiment connus pour
leur approche pop polie.
Sur une guitare déglinguée
Après des premières sessions infructueuses en octobre 1992 avec
Endino, le groupe se rendit au studio Pachyderm à Cannon Falls, dans
la froideur du Minnesota, pour enregistrer avec le compétent Albini.
Un endroit que Krist Novoselic comparera plus tard à un goulag (“Il y
avait de la neige à l’extérieur, on ne pouvait aller nulle part. On a juste
travaillé” confiera-t-il au journaliste américain Gillian G. Gaar), bien loin
du confort du studio glamour de Sound City à Los Angeles, où Nirvana
avait enregistré “Nevermind”. On a souvent dit qu’Albini avait été
choisi pour produire Nirvana parce que le groupe avait mal vécu la façon
dont celui-ci sonnait. C’est une des raisons pour lesquelles “In Utero”
a souvent été opposé à “Nevermind”, comme s’il fallait choisir un camp.
Entre un disque taillé pour les charts, très produit, trop aux yeux de
certains, et son successeur plus brutal. A en croire certains, le groupe
aurait été manipulé par une major pour produire une musique grand
public et s’était émancipé de ce joug pour sortir avec “In Utero”
nIrVAnA
Un modèle dont
l’influence est
toujours palpable
dans la scène
underground
actuelle
un album plus conforme à sa véritable identité. Pourtant, l’approche
directe de Steve Albini n’a jamais vraiment séduit le label (rien d’éton-
nant) ni le groupe lui-même, qui demandera plus tard à Scott Litt
(producteur historique de REM qui venait de faire le très classieux
“Automatic For The People”) de remixer les morceaux “All Apologies”,
“Heart-Shaped Box” et “Pennyroyal Tea” pour leur sortie en single.
Au-delà de ces considérations sonores, “In Utero” reste un geste
artistique d’une puissance folle. A une époque où on ne pouvait écouter
les CD qu’en préécoute dans les boutiques, mettre en ouverture deux
morceaux aussi lourds et dissonants que “Serve The Servants” et
“Scentless Apprentice” était une façon de tester les limites de leurs
nouveaux fans. On était loin de “Nevermind” s’ouvrant sur son
morceau le plus bankable. Mais après cette déflagration (et l’ironique
ligne d’ouverture de l’album où Cobain chante “Teenage angst has
paid off well/ Now I’m bored and old”), c’est l’enchaînement de tubes :
“Heart-Shaped Box”, “Rape Me”, “Dumb”, “Pennyroyal Tea”, “All
Apologies”, morceaux à la mélancolie tenace où le chanteur semble
exorciser ses tourments dans des refrains hurlés. “In Utero” montre
Kurt Cobain à son meilleur en tant que songwriter et nous rappelle
qu’il était avant tout un fan des Beatles qui jouait une musique puisant
autant son inspiration chez Black Sabbath et Black Flag que chez Neil
Young, un auteur qui avait compris que la noirceur du blues était bien
plus fascinante et profonde que n’importe quel numéro de croque-
mitaine de pacotille. C’est ce qui fait la beauté du disque, qui est empli
de grandes chansons, interprétées avec ferveur et une émotion à fleur
de peau. Car Cobain n’avait que faire des postures, il était en mission.
Mystique, il écrivait des chansons sur une guitare déglinguée, une
Stella Harmony H912 de la fin des années soixante, une réplique cheap
de la guitare de Leadbelly qu’il avait achetée à un mont-de-piété en
1989. Elle n’avait plus que cinq de ses douze cordes originales, n’avait
plus de Mi aigu et ne restait accordée que grâce à du chatterton qui main-
tenait les chevilles en place. On peut l’entendre sur des titres tels que
“Polly” et “Something In The Way”, sur les home-recordings de
Cobain du documentaire “Kurt Cobain: Montage Of Heck”, et même
en fantomatique repisse sonore sur quelques passages calmes de “In
Utero” (“Dumb”, “All Apologies”), Cobain ayant enregistré les prises
témoin avec son fétiche désaccordé. C’est sans doute cette approche
romantique et cette absence de filtre au moment de mettre ses émotions
à nu qui lui a valu tous ces tourments. C’est aussi ce qui fait de “In Utero”
le moment pivot de la carrière de Nirvana, celui où le groupe s’est
affiché plus que jamais comme saint patron des freaks et des weirdos.
Coincé entre les deux disques les plus emblématiques du trio
— “Nevermind” et le “MTV Unplugged In New York” (une tout autre
histoire), c’est un modèle de disque rock dont l’influence est toujours
palpable dans la scène underground actuelle, d’où on espère plus que
jamais voir émerger d’autres héros. H
Album “In Utero” (Sub Pop/ Universal)
JANVIER 2024 R&F 045
En couverture

2023
ANNÉE
L’ÉDITO DU PREMIER NUMÉRO DE L’ANNÉE DERNIÈRE
SE LIVRAIT À UN PRONOSTIC ASSEZ TÉMÉRAIRE :
“ET SI 2023 ÉTAIT MIEUX QUE 2022 ?”. Douze mois après,
force est de reconnaître que l’expérience est moyennement
concluante. La plupart des artistes que l’on voit défiler devant
nous s’accordent à trouver les temps légèrement angoissants.
On les comprend. Mais face à la crasse ambiante, le rock (au
sens extensible qui a toujours été le sien ici) reste, lorsqu’il
est fidèle à lui-même, une incomparable école de liberté et
quelque chose comme un phare dans la nuit de l’époque.

Piñata humaine
et vodka au bar
Soixante ans de carrière pour les Rolling Stones, “ça en fait du trimestre !”
s’amuse Vincent Tannières, notre rédacteur en chef. Pas faux ; mais
il est vrai aussi qu’on imagine difficilement Mick Jagger s’époumoner
au cul d’un camion-poubelle à six heures du matin. Le sujet fut en
tout cas matière à quelques notables interventions musicales, celle
par exemple de Pascal Bouaziz et de son groupe Bruit Noir — respon-
sables par ailleurs de ce qui est peut-être l’album le plus kamikaze de
l’année — sur le très beau morceau à la Manset qu’est “Communiste”,
dans lequel il espère qu’un nouveau virus emporte “tous les
retraités partis à 60 ans et qui votent maintenant pour la retraite à
65 ans” et rêve d’un monde où “la saloperie aura perdu à jamais”.

046 R&F JANVIER 2024

 Retour des Rolling Stones
et des Beatles, article 49-3,
Intelligence Artificielle
et fin du monde :

ÉE ROCK
tentative de synthèse. PAR VIANNEY G.

On danse le tango
avant de sombrer ?
On les aura Pascal, on les aura. Patrick Moalic, l’un des deux Glimmer
Twins officieux du courrier des lecteurs (avec Phil l’Autre, présent de
janvier à décembre !), propose “49.3” comme titre du prochain album
de Trust ; c’était bien vu, mais la bande à Bonvoisin s’est fait griller
la politesse par le groupe Dalle Béton, avec son bien nommé “49.3”,
incluant un feat en talk-over de Lizzie Borne (“Sur le fondement de
l’article 49 alinéa 3 de la Constitution”, etc.). On aura aussi entendu
Father John Misty (impérial lors de son passage à Pleyel) et Morrissey,
entre autres, exprimer leur soutien aux grévistes français.
L’actualité n’aura jamais été aussi littéralement brûlante qu’en cette
année. Des pages du magazine se dégageaient au fil des mois comme
une légère odeur de roussi, que ce soit chez Pascal Comelade et les
Limiñanas (la gainsbourienne “Fin Du Monde”) ou chez Sqürl, le
groupe de Jim Jarmusch (même thème, en version anglaise, avec
“The End Of The World”). Josh Homme, interrogé sur ce point par
Romain Burrel (logique après tout, c’est le maître d’œuvre des “Desert
Sessions”), résume l’alternative à sa manière toute personnelle : “On
est tous ensemble sur le Titanic et ça me va. Ok, il ne nous reste plus
beaucoup de temps avant qu’on ne touche l’eau. Alors on fait quoi ?

JANVIER 2024 R&F 047

 Se souvient-on que Keith Richards était
des “most likely to die”
On danse le tango avant de sombrer ? Ou on s’envoie des huîtres et de la
vodka au bar ?”. Avant de conclure par cet encourageant conseil final :
“Soyez prêts à nager, motherfuckers”. Dans le genre encourageant,
Damon Albarn n’est pas mauvais non plus : “Il y a forcément des gens
qui vont s’en sortir, mais pas tous… (rires)”.
La dystopie à venir, c’est aussi le lendemain de la machine. Réponse
laconique de Keith Richards lorsqu’on lui demande ce qu’il pense
des musiciens qui utilisent l’intelligence artificielle : “C’est bien
simple : soit on joue avec des jouets, soit on est vrai. J’ai choisi mon
camp depuis un bail”. Même constat en plus développé chez Nick
Cave : “ChatGPT pourra peut-être bientôt créer une chanson qui sera,
à première vue, indiscernable d’un original, mais ce sera toujours
048 R&F JANVIER 2024
Beatles vs Stones :
dernier round
C’était la surprise du mois de novembre : un nouveau disque des
Rolling Stones et un nouveau simple des Beatles dans les bacs,
presque en concurrence frontale. Si l’opposition “Angry”/ “Now
And Then” pâlit face aux joutes de jadis, telle celle de “Satisfaction”/
“Help” de l’été 1965 (notons qu’à l’époque les faux ennemis
faisaient en sorte de ne jamais s’affronter frontalement dans les
charts, espaçant leurs sorties de quelques semaines), le retour de
cet antagonisme légendaire, soixante ans après la sortie de leur
collaboration “I Wanna Be Your Man”, n’a pas manqué de sel.
 2023 AnnéE rOcK ?

Le classic rock
On le sait, les nouvelles générations de fans redécouvrent les
classiques les unes après les autres, mais les années 1960 et 1970
se taillent la part du lion de ce qu’on nomme classic rock au
point d’étouffer leurs successeurs. Ce qui soulève la question :
à partir de combien de décennies de carrière devient-on un
groupe classic rock ? Les récentes reformations de groupes
britpop (Blur, Supergrass, Pulp…) ont touché leurs fans mais
intéressent peu le grand public qui préfère aller voir des tribute
bands de Pink Floyd. Difficile pour les générations antérieures
et postérieures d’exister en dehors de cet âge d’or du rock.

une parodie, une sorte de burlesque. Ce qui fait une grande chanson
n’est pas sa ressemblance avec une œuvre reconnaissable. Ecrire une
bonne chanson n’est pas du mimétisme, ni de la réplication, ni du
pastiche, c’est le contraire”. L’écoute de la version de “God Only
Knows” chanté par les Beatles grâce à l’IA tend à leur donner raison.
Rubrique “modèle Amish” de nouveau : France 3 nous apprenait
récemment qu’Agnès Pannier-Runacher, ministre de la Transition
énergétique, adooore les Clash (“Pour retrouver de l’énergie, ‘London
Calling’, c’est extraordinaire. C’est un cri de gauche !”). Difficile de
savoir ce que Joe Strummer en aurait pensé, mais l’on se souvient
que lorsque David Cameron (ancien Premier ministre britannique
ayant donné un sens radicalement nouveau à l’expression “copains
comme cochons”) avait déclaré son amour pour les Smiths, Morrissey
avait répliqué qu’il lui interdisait de les aimer. David Lisnard (qui
ça ?) lui aussi croit en son destin : “Le Monde” nous informe que
lors de sa rentrée politique, “ce grand amateur de rock est arrivé sur
scène au son de ‘I’m Free’ des Who”. “Either Way I Lose” de Nina
Photo Steve Gullick-DR

Simone n’aurait-elle pas mieux fait l’affaire ? Autre interrogation :

Izïa Higelin est-elle sortie de l’arc républicain ? Lors de son passage
au festival Les Nuits Guitares de Beaulieu-sur-Mer, la chanteuse,
dans une inspiration quoi qu’on en pense indéniablement rock,
s’est lancée dans une longue tirade antimacroniste impliquant

numéro un sur la liste

il y a déjà cinquante ans ?
“une piñata humaine géante” et “d’énormes battes avec des clous
au bout comme dans ‘Orange Mécanique’.” On raconte que le petit
Benjamin Duhamel en a fait dans son pot et que Nathalie Saint-
Cricq a dû être hospitalisée d’urgence, tandis qu’une enquête pour
“provocation publique à commettre un crime ou un délit” a été ouverte
par le parquet de Nice. (Le prix de la raffarinade va cette année à Ben
Harper, visité par le fantôme de Jacques Chirac : “Je visais haut mais le
plafond était bas”.) La politique est décidément plus marrante quand
c’est Captain Sensible des Damned, et fondateur en 2006 du Blah!
Party, qui s’en empare : “A la base, c’était une blague. J’ai eu la surprise
de voir que des gens s’inscrivaient. Je me suis demandé pourquoi on me
faisait confiance, à moi qui ne suis qu’un guitariste punk alcoolique”.
Le foie qu’est pas droit, Vincent Furnier (Alice Cooper) a connu aussi,
et pas qu’un peu (“Ces disques du black-out, je les adore, mais je ne
m’en souviens pas”), avant de devenir aujourd’hui le plus improbable
des role models : “Le golf m’a sauvé. Quand j’ai arrêté l’alcool et le
reste, il m’a fallu une autre drogue et je l’ai trouvée dans ce sport”. En
matière de sobriété, à l’impossible nul n’est tenu, n’est-ce pas Margo
Price : “Toujours écouter les champignons. Ce sont les champignons
qui m’ont dit d’arrêter la picole. J’ai aussi arrêté la clope et la cocaïne.
Mais pas la weed. Faut pas déconner.” A tout seigneur, tout honneur,
difficile de ne pas terminer cette rubrique “Bien-être & Santé” avec
le Brestois Miossec : “La première joie de l’arrêt de l’alcool, c’est
d’avoir des matins qui ne sont pas embrumés. C’est la première joie de

JANVIER 2024 R&F 049

 Kundera avait raison sur
l’alcoolique qui arrête de boire. Et, c’est bête à dire, faire les choses
qu’on ne faisait pas avant.”

Nécropole dérisoire
Un lecteur fait remarquer dans le numéro de mars, il est vrai
particulièrement fertile en la matière, que “la rubrique In Memoriam est
devenue (malheureusement) une rubrique bien vivante car mensuelle”.
Guitaristes, chanteurs, bassistes : où êtes-vous ? David Crosby ? —
Mort. Jeff Beck ? — Mort. Tom Verlaine ? — Mort. (Nous offrons
le dernier album des Greta Van Fleet aux lecteurs ayant identifié
le plagiat). Auront également traversé l’Achéron cette année, par
ordre de disparition : Jet Black, Wilko Johnson, Paul Alessandrini,

Le prix du vinyle
C’est un fait : depuis que le vinyle remplit à nouveau les rayons
des boutiques, son prix a enflé jusqu’à atteindre un degré absurde.
“Hackney Diamonds” des Stones en version standard ? 32 €
en moyenne, et plus du double si on souhaite que le disque soit
coloré. Les best of rouge et bleu des Beatles en triple vinyle ?
On dépasse allègrement les 60 €. Qui en est responsable ? La
hausse du prix des matières premières d’une part, les contraintes
Photo Reg Lancaster/ Getty Images

liées à la pandémie d’une autre, mais aussi un arrangement

passé entre les trois grosses majors en 2021 afin d’augmenter
de manière significative les tarifs. Une opération dénoncée à
l’époque par le Gredin (Groupement des Disquaires Indépendants
Nationaux) et dont on sent aujourd’hui les effets. Sont-ils en
train de tuer la poule aux œufs d’or ? Les amateurs de musique
se lamentent et les disquaires sont plus en danger que jamais
en raison de la baisse de fréquentation liée à cette inflation.

050 R&F JANVIER 2024

 2023 AnnéE rOcK ?

au moins un point, le rock est une extase

Angelo Badalamenti, Terry Hall (“clown blanc d’une musique bicolore”,
trouvaille signée Olivier Cachin), Jim Stewart, Vivienne Westwood,
Burt Bacharach, David Crosby, Dave de De La Soul, Ryu-ichi Sakamoto
(Bertrand Burgalat évoquait à cette occasion la beauté de la musique
composée pour la cérémonie d’ouverture des Jeux de Barcelone
en 1992 ; c’était effectivement autre chose que Jean Dujardin en
Superdupont), Harry Belafonte, Kenneth Anger, Jean-Louis Murat
(“Si Je Devais Manquer De Toi”, toujours superbe), Tina Turner, Cormac
McCarthy, Sinéad O’Connor (qui résumait ainsi sa rencontre avec
Prince : “Il m’a dit qu’il n’aimait pas m’entendre dire des grossièretés en
interview, je lui ai répondu d’aller se faire foutre !”), Robbie Robertson,
Sixto Rodriguez, Jacques Rozier, Dwight Twilley, Shane MacGowan,
Taï-Luc… Et Jane Birkin, peut-être la plus déchirante de toutes.
La réédition
permanente
Imaginez un film de science-fiction où un héros voyageant dans
le temps arriverait de 1974. Il ne manquerait pas de s’émerveiller
devant les innovations technologiques d’aujourd’hui, mais il
ne se trouverait pas vraiment dépaysé en arrivant au rayon
disques d’une Fnac, entre les coffrets vinyles de Pink Floyd,
les rééditions des Beatles, Bowie et Steely Dan. Pas un mois ne
se déroule sans qu’il n’y ait des rééditions-événements, dans
des cycles d’anniversaires qui se répètent, si bien qu’on peut
aujourd’hui comparer les rééditions entre elles (les bonus du
20ème anniversaire, les inédits du 30ème, les live du 40ème…).

Rien d’autre à faire que réécouter, parmi tant d’autres, “Max”,

“Ta Sentinelle” ou sa reprise d’ “Alice”, et rester inconsolables.
Pete Townshend, cité par Patrick Eudeline, assurait que “les accords
violents du rock n’ont sauvé la vie de personne”. Peut-être ; mais tous
ceux-là, il les aura au moins sauvés de l’oubli.
Se souvient-on que Keith Richards était numéro un sur la liste des
“most likely to die” il y a déjà cinquante ans ? Hors catégorie les Rolling
Stones, en couverture du magazine pour la quarante-quatrième fois
(oui), et déjà morts neuf fois selon le décompte d’Eric Delsart. Voire
une dixième avec “Hackney Diamonds” ? Certains semblaient y croire
à ce nouvel album. Verdict ? Beaucoup d’immondices (“Mess It Up”,
le refrain d’ “Angry”, “Whole Wide World”, et cette pochette !), une
production qui a valu à juste titre à Andrew Watt d’être qualifié de
“criminel contre l’humanité”, et trois titres à sauver — c’est déjà ça
après tout — (“Dreamy Skies”, “Tell Me Straight”, “Live By The
Sword”). Pour sa défense, on ne peut accuser Watt de détournement
de seniors : Jagger, toujours aussi désespérément soucieux de rester
à la page, voulait le son d’aujourd’hui, il l’a eu. Mais, comme l’écrit
Thomas E. Florin, “que ‘Hackney Diamonds’ soit bon ou mauvais, au
fond, importe si peu : il est dans la logique des albums du groupe, et
de ce côté-ci, l’importance des disques va plutôt déclinant. Mais à la
fin du film, le héros gagne toujours”. Levons un dernier mystère sur
l’identité de l’amateur de bonne chère présent aux côtés de Jagger
lors de la sauterie versaillaise organisée pour la venue de Charles III
en France : il s’agit de ce bon vieux Gérard Larcher, président du
Sénat à vie, avec lequel le lippu a paraît-il longuement parlé du
Val-de-Loire.
Rock&Folk ne se sera jamais entretenu avec Milan Kundera. Et pour
cause, l’écrivain franco-tchèque (pas relu depuis des lustres) écrivait
sur le rock le même genre de conneries superficielles qu’Adorno sur le
jazz quelques décennies plus tôt : “La musique appelée (couramment
et vaguement) rock inonde l’ambiance sonore de la vie quotidienne
depuis vingt ans ; elle s’est emparée du monde au moment même où le
XXème siècle, avec dégoût, vomit son Histoire ; une question me hante :
cette coïncidence est-elle fortuite ? Ou bien y a-t-il un sens caché dans
cette rencontre des procès finals du siècle et de l’extase du rock ? Dans
le hurlement extatique, le siècle veut-il s’oublier ? Oublier ses utopies
sombrées dans l’horreur ? Oublier son art ? Un art qui par sa subtilité,

JANVIER 2024 R&F 051

052 R&F JANVIER 2024

par sa vaine complexité, irrite les peuples, offense la sainte Démocratie ?”
(extrait de son essai “Les Testaments Trahis”). Kundera avait raison
sur au moins un point, le rock est une extase.
Entre Dieu et diable
Février 2023, numéro 666, nombre de la bête : impossible de faire
l’impasse. Deux approches possibles, celle des démystificateurs et
celle des mythographes, celle qui hausse les épaules et rétablit les
“faits” et celle qui se laisse emporter par son propre délire “et défie
la lisse temporalité de l’Histoire”. S’il est vrai, comme l’écrit également
Alexandre Breton, que le motif a vite dérivé vers la pantomime (Ozzy
Osbourne confesse ainsi dans son autobiographie : “Je peux honnêtement
dire qu’on n’a jamais pris ces histoires de magie noire au sérieux, ne
serait-ce qu’une seconde. On aimait juste leur côté théâtral. Même mon
dabe a fini par entrer en jeu : il m’a fait une fantastique croix en métal
pendant une de ses pauses thé à l’usine”), d’autres ne plaisantent pas sur
le sujet ; les boucheries entre black métalleux norvégiens font passer les
règlements de comptes entre rappeurs pour des batailles de polochons.
Eric Delsart rappelle ainsi que, lorsqu’en 1991, Dead, chanteur du
groupe Mayhem, se suicide, son guitariste Euronymous photographie la
dépouille, fait un ragoût avec le cerveau de son comparse et confectionne
des colliers avec les os de son crâne, avant d’être lui-même assassiné
deux ans plus tard par le leader de Burzum. On n’est pas dans “Astérix
Et Les Vikings”. En face, dans le camp divin, on retrouve T Bone Burnett,
L’histoire du rock est aussi celle de sa mort
sans cesse annoncée et toujours repoussée
Photo Mark Seliger-DR
2023 AnnéE rOcK ?
qui précise cependant : “Je suis chrétien, ok. Mais les chrétiens, je peux
vous dire que je ne crois pas eux”. Pas non plus spécialement praticien
du death growl, Brian Wilson affirme : “Je crois que la musique est la voix
de Dieu”. Même opinion, en version nettement trollesque, pour Cameron
Winter, leader surdoué des New-Yorkais de Geese : “Je commence ma
journée avec une prière. Je parle à Jésus et il me donne des idées. Et puis je
m’assois, j’écoute de la musique et, au bout d’un moment, je me dis : ‘Hey,
je peux faire ça moi aussi’.” Parmi les choses qu’il détestait le plus dans
la vie, Lemmy citait quant à lui au moment de la sortie d’“Orgasmatron”
(réhabilité par Benoît Sabatier dans le numéro de novembre 2023),
Le streaming
en question
Si le vinyle reste le support préféré des romantiques et le CD
celui des audiophiles, le streaming est désormais — de loin — le
moyen de consommation le plus répandu. Le service est pratique :
on peut se promener avec 100 millions d’albums dans sa poche
en permanence et se créer des playlists personnalisées. Seul
problème : les musiciens ne touchent que des miettes de millions
de streams (3 000 € pour un million environ !), et certains gros
artistes ont recours à l’achat (illégal) de streams afin de booster
leurs audiences. Deezer perd de l’argent et le leader du marché
Spotify vient de licencier 20% de ses effectifs, preuve que le modèle
économique ne fonctionne pas vraiment. A qui profite le crime ?
JANVIER 2024 R&F 053
2023 AnnéE rOcK ?
Ni vieux jeunes, ni jeunes vieux,
ni la déploration geignarde et nihiliste
du “c’était mieux avant”
La précarisation
des artistes
2023 : année galère pour les groupes. Si les concerts ont repris
comme au temps d’avant la pandémie, les coûts ont explosé au
point que les artistes jouent quasiment à perte. Aujourd’hui, une
tournée entière peut être remise en question par l’annulation
d’une grosse date lucrative et avec le Brexit, aller au Royaume-
Uni est un défi logistique et financier. Ne pas s’étonner de voir
de fait moins d’Anglais venir en France. Si on ajoute à cela
les rémunérations scandaleuses proposées par les plateformes
de streaming, le seul moyen de gagner de l’argent pour des
groupes de taille respectable reste le merchandising. Pas de
bol, certaines salles continuent de prendre un pourcentage
sur les ventes. En 2023, vivre de son art est un combat.
054 R&F NOVEMBRE 2022
“les gens à l’église qui jutent dans leur pantalon en communiquant avec
Jésus-Christ”. Dieu, la Musique et le Sexe, rien d’incompatible pour
Dolly Parton qui, dans un entretien qui fera date, expliquait à Thomas
E. Florin qu’elle avait volé son look à l’unique prostituée de son village
natal : “Je la trouvais sublime. Tout le monde disait qu’elle était trash
alors, j’ai décidé d’être cela plus grande : trash”. Pour d’autres enfin,
c’est le rock lui-même qui s’est fait dogme et religion, comme pour
Henri-Paul Tortosa, enterré aux côtés de sa Gibson.
Notre jeunesse
Qu’en est-il de l’état de notre musique en 2023 ? Vieille préoccupation
pour nous autres, gens de rock : Nicolas Ungemuth rappelle que les
Rubinoos chantaient “Rock And Roll Is Dead (And We Don’t Care)”
en 1977. Le dernier édito de l’année en est persuadé, “le rock souffle
bientôt ses 70 bougies mais refuse de vieillir comme il refuse de mourir”.
Ou alors il n’en finit pas de ne pas vouloir crever, tant l’histoire du rock
est aussi celle de sa mort sans cesse annoncée et toujours repoussée.
Encore faut-il savoir de quoi l’on parle : Wreckless Eric a raison lorsqu’il
soutient que cette musique n’a jamais consisté à porter “une ceinture
cloutée et un bandana avec des têtes de mort”, de même qu’Adrien Durand
qui, dans “Tuer Nos Pères Et Puis Renaître” (voir la chronique d’Agnès
Léglise dans le numéro d’août), ironise sur “ceux qui ont confondu le
déguisement avec la réalité” (suivez notre regard…). Mieux que des
promesses, 2023 aura apporté quelques flamboyantes confirmations
de ce constat. S’il faut des preuves à certains, en voici une liste d’une
grosse douzaine, volontairement subjectives : “Every Day Is The Worst
Day Of My Life” des Lemon Twigs, “St. Elmo” de Geese, “Dernier Soir”
des Lullies, “National Team” de Hotel Lux, “I Thought I Understood” de
The Underground Youth, “Autumn Term” de PJ Harvey, “To The Crush”
d’En Attendant Ana, “Rocking Machine” de Dick Russo, “West End
Girls” (reprise d’un classique des Pet Shop Boys) des Sleaford Mods,
“When I Was Young” de Robert Forster, “Hate” de Dylan LeBlanc,
“Stops” de Timber Timbre. Telle est toujours notre ligne de conduite : ni
vieux jeunes, ni jeunes vieux, ni la déploration geignarde et nihiliste du
“c’était mieux avant”, ni l’arrogance du présent — nihiliste elle aussi —,
ni les courbettes à l’égard des dinosaures, ni la célébration aveugle de la
jeunesse pour elle-même, notion par ailleurs toute relative ; Lee Fields
(72 ans) et Steve Earle (68 ans), vus il y a quelques mois à Pleyel et
au Café de la Danse, nous ont fait nous sentir tout aussi vivants que
les Lemon Twigs, Geese ou Hotel Lux. Seule la vitalité — qui n’a pas
d’âge — nous importe. A ce titre, le récent dossier sur les 50 groupes
de rock français pour 2024 est à la fois célébration d’un bouillonnement
déjà présent et pari sur l’avenir, pari sur le fait que, pour finir sur les
mots de Dan Auerbach, “ça n’est qu’une question de temps avant que
quelque chose d’énorme nous tombe dessus”. H
056 R&F JANVIER 2024

Un Rod Stewart punk
SHANE
MacGOWAN
Poète débraillé connu autant pour ses excès que pour sa plume
magnifique, Shane MacGowan incarnait l’âme irlandaise du punk.
Le chanteur des Pogues nous a quittés à l’âge de 65 ans.
Souvenirs d’une figure légendaire de l’après-punk londonien.
PAR PATRICK EUDELINE
CELA SE PASSAIT AU VORTEX, club punk de Wardour
Street qui avait remplacé l’historique Roxy. Nous étions en
1978 et, déjà, le punk avait évolué. De la stricte bourrinade
ramonesque des origines, nous étions passés à autre chose.
Le punk explosait mais déjà les punks des origines étaient
ailleurs. Du reste, alors que nous remontions Wardour
Street pour nous rendre au Vortex, notre petite bande
(Asphalt, Octavio... cinq ou six personnes) s’était
faite arrêter par les bobbies. Moins bienveillants qu’à
l’accoutumée, et ce qu’ils nous dirent, ce fût un...
“- French Hell’s Angels ? Where are you goin’?”
Parce que nous étions sapés... en rockers ?
Des groupes que nous vîmes ce soir,
je ne me souviens vraiment que de deux.
Warsaw (en fait, je crois qu’ils s’appellent déjà Joy Division
depuis quelques mois mais le nom de Warsaw est déjà un
peu connu, c’est compliqué) avec un improbable chanteur.
J’avais apprécié sa folie psychiatrique, détesté ceux qui
l’accompagnaient. On sait ce qu’il advint de ce Ian Curtis et
puis de sa bande. Et puis un groupe... glam punk. Le nom ?
Pfou ! Vous me forcez à fouiller. Je me souviens d’eux mais pas
du nom. Mais c’était glam ! Il n’y a pas d’autre mot. Cheveux
rallongés, peroxydés, du glitter, Gibson Les Paul avec solos...
Jamais un tel groupe n’aurait été concevable six mois avant.
Photo Lisa Haun/ Michael Ochs Archives/ Getty Images
Et puis au bar... Don Letts et Strummer en visite éclair, deux
futurs Pretenders et un jeune mec que je ne connaissais pas.
Avec le perfecto de rigueur. Bon look et satané buveur. Avec
Asphalt, avance Pathé Marconi dans les poches, comme Strummer,
on dut lui offrir une quinzaine de Guinness. Joe avait eu le temps
de nous dire : “C’est Shane”. Il chante bien mais boit trop. Il avait
un fanzine, “Bondage”, et un groupe, The Nipple Erectors. Ou
The Nips, ça dépendait. On a le même dentiste. Enfin plutôt,
on a la même adresse mais on n’y va jamais. Il n’y a que John
(Lydon/ Rotten) qui a osé affronter. Shane dit qu’il n’a pas de
blé à perdre en conneries. Mais il devrait quand même.
La vie en rock
Plus tard, après les groupes, ce joyeux buveur, bien atteint,
se mit à chanter “Milord” de Piaf que le DJ (ce n’était pas Don
Letts, DJ du Roxy et pourtant présent en tant qu’ombre du Joe ;
trop occupé, déjà, par sa croisade reggae et son documentaire
sur le Clash pour faire encore DJ) passait sur la sono (oui, les
choses changeaient en 1978 : Costello et Mink DeVille, Stray
Cats, le ska, la power pop, tout ça fomentait dans l’ombre ; de
grands talents naissaient, après l’implosion originale) pour faire
plaisir à une éphémère Slits et future Mo-dette présente dans
la salle, Kate Korris. Une amie de Shane. Enfin, tout est relatif.
Quelque temps plus tard, elle devait plus ou moins lui arracher
l’oreille. Certains disent que c’est une autre Mo-dette, Jane
Crockford. Va savoir. Et ceci dit : les Mod-ettes étaient un sacré
groupe. En tous les cas, il avait une intouchable voix, le lascar.
Un Rod Stewart punk ! On n’avait pas ça au catalogue. Son grave
défaut — pendant la plus grande partie de sa carrière — était
de s’évanouir au bout d’un moment tant il avait bu. Mais enfin...
Depuis Jim Morrison, il n’y avait pas de quoi fouetter un chat.
J’ai vu vingt concerts des Pogues peut-être. Jamais assisté à
ça. J’ai dû y aller les mauvais soirs ou les mauvaises tournées.
Va savoir. Quand le groupe oscillait entre excellent et génial.
Il est irlandais, Shane, jusqu’au bout des
ongles. Bourré, il me serrera dans ses bras et se mettra
à pleurer parce que j’avais cité Rory Gallagher. Et puis, je
m’appelais Patrick, cela me rendait la vie compliquée avec
certains Anglais, en ces seventies marquées par l’IRA, mais
m’assurait plein de copains irlandais, évidemment. Patrick
Head-line. Qu’ils disent. Ou un truc du genre. Irlandais ! Mais un
Irlandais déraciné puisque né dans le Kent. Vite revenu au pays
avec sa mère, il fut, l’enfance achevée, arraché de la terre promise,
le comté de Tipperary, et grandit dans le sud de l’Angleterre, ses
deux parents irlandais n’arrêtant pas de déménager. Londres,
Brighton... Son père lit des livres et écoute de vraies musiques.
Sa mère est chanteuse, danseuse traditionnelle et comble les
trous de la marmite en faisant le mannequin à Dublin.
JANVIER 2024 R&F 057
lA VIE En rOcK ShAnE MacGOwAn
Grandir dans le culte de la campagne irlandaise,
de la musique celtique et de Jésus-Christ
Photo Steve Rapport/ Getty Images
Bien chouette famille, somme toute. Qui le fait grandir dans le culte
de la campagne irlandaise, de la musique celtique du meilleur cru
(rappelons qu’à part les Dubliners et le renouveau de folk anglais
à partir de 1969, celle-ci se fait encore rare, même si le grand
Rod reprend sur son premier chef-d’œuvre solo “Dirty Old Town”,
l’absolu classique, bien que londonien d’origine) et de Jésus-Christ.
Au point que, petit, Shane rêve de devenir prêtre ! Un seul défaut
peut-être : dans cette famille, ils sont tous profondément alcoo-
liques et, dès l’âge de 5 ans, Shane boit comme un trou. De
retour en Angleterre, il va à l’école à Tunbrige Wells, dans le Kent.
C’est un peu le Vichy anglais, avec source thermale et cure. Tout y
va un peu trop bien... Jusqu’à obtenir en 1971 une bourse pour la
Westminster School, à Londres. Une école de musique. Hélas, il se
fait choper avec de la dope. De l’herbe probablement. Une vétille.
Et est donc expulsé en seconde année. Une péripétie qui, en cette
année 1974, aurait pu arriver, franchement, à n’importe qui.
Si on excepte son enfance irlandaise et
que l’on fait les comptes, c’est à Londres que le jeune
Irlandais aura passé la majeure partie de sa vie. D’où cet accent du
nord de la ville, mâtiné de cockney et de maniérismes inconscients
chopés à ses idoles ! Des Anglais qui font semblant d’être Ricains
(Mick Jagger, Eric Burdon), de vrais Irlandais (MacColl, Rory
Gallagher...), Rod Stewart ou Steve Marriott. Un sacré mélange.
058 R&F JANVIER 2024
Avant 1976 et le choc Pistols, il aime
Rod Stewart, David Bowie et Mott. Comme
tous les punks (enfin les quelques punks) de son âge, en somme !
Avec, en plus, cette solide culture et origine celtique qui ne
demande qu’à s’exprimer mais ne le sait pas encore. Et puis
il devient Shane O’Hooligan, ne rate aucun concert même s’il
ne fait pas partie directement de la bande du Bromley Contingent.
En fait, il est plutôt Clash que Pistols... Sa première fiancée future
Mo-dette le mord. Ça fait un premier titre dans la presse :
“Cannibalism at Clash gig”. Ce sont ses grands débuts !
Le rockabilly, le ska, le rythm’n’blues… sont de bien belles
musiques ! Mais importées. Un punk qui chante local avec ses
racines propres... C’est aussi formidable qu’un Helno qui fait
revivre notre héritage avec ses Négresses Vertes. Berthe Sylva,
l’accordéon. Dans les deux cas, ce ne sont pas les chansons
qui manquent, ni les recettes pour en fabriquer de nouvelles.
En 1982, Shane s’entoure d’une bande de bravaches tout aussi
compétents et cultivés que les gens qui entourent Specials,
Costello ou le Style Council. L’ère des vrais musiciens est revenue !
Pogue Mahone ? C’est le vrai nom et ça veut dire en
anglo-irlandais : “Embrasse mon cul”. L’abréviation, comme
souvent, n’était pas une mauvaise idée. Shane a rassemblé
des vieux copains issus d’un groupe quelque peu éphémère.
The Millwall Chainsaws. Il y a son alter ego Spider (Peter Stacy qui
maîtrise la mini-flûte irlandaise) et un roi du banjo, Jem Finer. Un
accordéoniste et la bassiste Caitlin O’Riordan qui devait bientôt
les quitter pour épouser Elvis Costello. Ils reprennent des
classiques, composent et font la première partie de Clash. Leur
premier album, “Red Roses For Me”, sort en 1984 et ne dépasse
que de peu la centième place. Manque sans doute Philip Chevron.
Guitariste... Avec lui et la bienveillance de Costello, c’est soudain
l’album du miracle : “Rum Sodomy & The Lash”. Miracle ? En
fait, non. C’est mérité. Le timing, le talent, un tube renversant,
un son nouveau bien que réinventé, tout est là. Et le titre est
emprunté à Winston Churchill qui n’aimait guère la marine.
Avec eux, j’ai tourné en France. Dans le bus, le vin blanc circulait
gravement. Je trouvais, en vérité, Shane fatigué et atone. Ne se
souvenant pas que nous avions parlé quinze fois en quelques
jours de nos dents pareillement pourries. Dans le bus, il dormait
le plus souvent. Jusqu’au moment de monter sur scène. Et là, c’était
magnifique et, désolé de le dire, parfaitement pro. Le merveilleux
duo de Shane avec Kirsty MacColl, “Fairytale Of New York”,
sera hélas le dernier feu. Un énorme tube. Mais il n’y a plus de
Pogues. Ils ont viré Shane ! Et Caitlin est partie. Un peu comme
les Négresses Vertes sans Helno, que peut-il rester ? Bon, Shane
forme The Popes, il y a reformation tardive, mais... ce n’est plus
ça. En 2015, Shane se brise le bassin et se déplace désormais
en chaise roulante. Il épouse son amour de toujours Victoria.
Une photo à arracher des larmes est sortie sur Facebook et ailleurs,
via Victoria. Sur son lit d’hôpital. Puis il meurt deux jours après.
Il était né en 1957. A peine le temps de l’admettre qu’on apprenait
le départ de Tai-Luc. Jean Claude Brialy avait enterré Jacques
Chazot de ces mots : je suis la Mère-Lachaise. Tout le monde
avait compris que le trait d’esprit cachait l’insondable tristesse. H
 Se souvenir des Pogues
C’est un enfer de sélectionner les plus belles chansons des Pogues tant elles sont nombreuses lorsqu’elles sont
chantées par Shane MacGowan, qui n’était pas toujours seul responsable de ces classiques : il faut saluer le talent
de Jem Finer, souvent auteur de la musique. Mais c’est bien MacGowan qui fait tout décoller. Les Pogues sans
lui ont moins d’intérêt (comme ses Popes à lui, sans les Pogues, ne sont pas franchement brillants). Voici donc
le meilleur d’un songwriter qu’on aurait tort de faire passer pour un unique auteur de chansons à boire, masqué
derrière son folklore d’ivrogne aux dents pourries. MacGowan, c’était bien plus que ça. PAR NICOLAS UNGEMUTH

“Summer In Siam”
“When it’s summer in Siam,
and the moon is full of rainbows”…
Pas de couplet, de pont ni de
refrain. Juste une mélodie qui
tourne en boucle. Quelques notes
de piano, un saxophone, une harpe
divine. Un pur moment de beauté.
“Thousands Are Sailing”
La grande émigration des Irlandais
fuyant la misère pour les Etats-
Unis. “Thousands are sailing/
Across the western ocean/ Where the
hand of opportunity/ Draws tickets
in a lottery.” L’un des grands
chefs-d’œuvre du groupe.
“Fairytale Of New York”
Un loser exprime son amour
à sa dulcinée. Laquelle l’envoie
paître. “I could have been
someone”, dit-il. “Well so
Photo Steve Rapport/ Getty Images
de l’un des plus beaux morceaux
des Pogues, c’est encore une valse.
“I’m not singing for the future/
I’m not dreaming of the past/ I’m not
talking of the first time/ I never think
about the last”. Un grand classique.
“Misty Morning Albert Bridge”
Le héros rêve à son amour.
“I awoke subcon and alone in a
faraway place/ The sun fell cold
upon my face, the cracks in the
ceiling felt hell/ Turned to the
wall, pulled the sheets around
my head/ Tried to sleep, dream
my way, back to you again.”
Sublime, et une valse à nouveau.
“The Old Main Drag”
Dans l’enfer de la prostitution
masculine. “I’ve been shat on
and spat on and raped and abused/
I know that I’m dying and I wish
“Yeah, Yeah, Yeah, Yeah, Yeah”
Les Pogues rendent hommage à
la northern soul qu’ils ont toujours
adorée. Surprenant, mais parfait.
“The Sunnyside Of The Street”
C’est sur “Hell’s Ditch”,
merveilleusement produit par
Joe Strummer, que se trouve
cette joyeuse cavalcade
à l’optimisme viscéral.
La joie y est contagieuse,
l’énergie décapante.
“Lullaby Of London”
Sur “If I Should Fell From
Grace With God”, l’un des
meilleurs albums des Pogues,
cette splendeur qu’on peut
écouter cent fois. Shane
y est fantastique.
“God Help Me”
Invité sur un album des
“Turkish Song Of The Damned”
Quand les Pogues se lançaient dans
les influences méditerranéennes
ou orientales, le résultat était
invariablement génial. Ce
qui a donné quelques idées
à leurs clones français, les
Négresses Vertes. L’original
est nettement plus intéressant.
“Night Train To Lorca”
Dans la même veine exotique, avec
trompettes espagnoles et guitare
flamenco. Ces gens savaient varier
les registres avec un rare bonheur.
“The Body Of An American”
Elvis Costello aura produit
deux merveilles, le premier
Specials et cet album des Pogues,
“Rum Sodomy And The Lash”
(une citation de Churchill
décrivant la marine anglaise).

could anyone”, répond l’intéressée
Kirsty MacColl. Cette chanson
de Noël, l’une des plus belles
du monde, est devenue un
classique de la diaspora
irlandaise. Et c’est une valse.
“A Rainy Night In Soho”
Nick Cave l’a interprétée aux
funérailles du chanteur. Il s’agit
I could beg/ For some money to take
me from the old main drag”. L’une
des chansons les plus poignantes
au répertoire du groupe.
“London You’re A Lady”
Merveille tirée de “Peace And
Love”. MacGowan, légèrement
chancelant, y est encore plus
touchant que d’habitude.
Jesus And Mary Chain
(“Stoned And Dethroned”),
MacGowan, plus que jamais,
semble au bout du rouleau :
“God help me through this day/
I’m blind can’t see the way/ God
please help me through this day/
I just can’t take it, anymore.”
Sa voix porte le tout avec grâce.
Un festival de musique irlandaise
chahutée juste ce qu’il faut.
“A Pair Of Brown Eyes”
Encore l’une des ballades
dont MacGowan avait le
secret, et comme à chaque
fois, il y raconte une histoire.
Elle est tragique. Son génie
narratif était sans équivalent.

En 1999, cinq étudiants en
musique à l’université du
North Texas fondent Midlake,
abandonnant le jazz-funk de
leurs débuts au profit d’un mix de
folk-rock et de pop lo-fi avec une
touche de psychédélisme. En 2004
sort “Bamnan And Silvercork”
dont Tim Smith, le chanteur
soliste et guitariste, a composé
tous les titres. Sous sa direction,
Midlake poursuit avec deux
chefs-d’œuvre, “The Trials Of Van
Occupanther” en 2006, incluant
“Roscoe”, leur seul succès, et
“The Courage Of Others” en 2010
avec une pochette inspirée par
“Andreï Roublev”, le film mystique
de Andreï Tarkovski. A la surprise
générale, en novembre 2012,
le perfectionniste Tim Smith
quitte Midlake pour créer Harp,
emportant une grande partie
de ses compositions. Après son
départ, le guitariste Eric Pulido le
remplace au chant. Un an plus tard,
en novembre 2013, Midlake sort
l’excellent “Antiphon”. Sophiste et
pISTE AUX éTOILES JJJJJ INCONTOURNABLE JJJJ EXCELLENT JJJ CONVAINCANT JJ POSSIBLE J DANS TES RÊVES
Emotion rare
Harp
“ALBION”
BELLA UNION/ PIAS
célèbre orateur de la Grèce antique,
Antiphon a défendu l’oligarchie
contre la démocratie. Une pique
à l’adresse de leur ancien leader
pour son autoritarisme et son peu
d’enthousiasme pour une gestion
collective et la scène. Quand
en 2022, avec “For The Sake Of
Bethel Woods”, Midlake retrouve
la magie de “The Trials Of Van
Occupanther” et de “The Courage
Of Others”, toujours peu de nou-
velles de Tim Smith à part des
collaborations sur un ou deux
titres avec Lost Horizons,
Cascadeur et une chanson,
“Chrystals”, de 1’38’’ pour
attester de la réalité de Harp.
Ce duo est formé de Tim Smith,
habillé en barde moyenâgeux,
compositeur de tous les titres, et
de sa femme Kathi Zung, batterie
électronique et coproduction.
D’emblée, Tim Smith réussit
à transmettre une émotion rare
par la grâce et la pureté de son
chant. Surtout, “Chrystals” annonce
enfin, après onze ans d’incertitude
Disque du Mois
et d’attente, la sortie de l’album
“Albion”. Le bassiste originel
de Midlake, Paul Alexander,
et le guitariste de Hollow Hand,
Max Kinghorn-Mills, apportent
leur contribution à un disque
conçu et réalisé chez lui par
Smith qui joue de tous les
instruments, claviers, guitare
acoustique, flûte, synthés ana-
logiques. “The Pleasant Grey”,
un des deux courts instrumentaux,
l’autre étant “Moon”, est une intro-
duction tout en douceur à “I Am
The Seed” qui donne la tonalité
de “Albion”. Son folk rock onirique
crée une atmosphère encore plus
mélancolique, fantasmagorique
que les productions de Midlake
dont l’ombre plane toutefois sur
la majorité des morceaux, entre
la redécouverte du chant singulier,
parfois dédoublé, de Smith et les
entrelacs des guitares acoustiques
et électriques, des claviers et
de percussions discrètes.
A l’exception de “Herstmonceux”,
nom d’un château fort anglais,
et malgré des intitulés tels
que “Daughters Of Albion”,
“Throne Of Amber”, les paroles
des chansons n’ont rien de
moyenâgeux mais proposent
une suite de réflexions sur le
monde à partir, entre autres,
de la musique et des livres qui
ont inspiré Tim Smith. Ainsi,
“Daughters Of Albion” est tiré
d’un poème de William Blake
et “Throne Of Amber” du cycle
des “Chronicles Of Amber” de
Roger Zelazny. “Seven Long
Suns”, un titre prévu pour le
quatrième album jamais terminé
de Midlake, est une évocation de
ses relations amoureuses. Les
somptueux “Country Cathedral
Drive”, “Shining Spires”, “Silver
Wings” et “A Fountain” complètent
un disque magnifique, homogène,
sans concession, hors du temps
et des modes. “Albion” symbolise
aussi la renaissance d’un musicien
unique qui a failli se perdre.
JJJJ
PHILIPPE THIEYRE
JANVIER 2024 R&F 061
Disques pop rock
Jonathan Rado
“For Who The Bell Tolls For”
WESTERN VINYL/ MODULOR
Aura-t-on un jour droit à un nouvel
album de Foxygen ? Le duo formé
par Jonathan Rado et Sam France n’a
jamais vraiment réussi à confirmer les
espoirs placés en lui par l’immense
réussite de “We Are The 21st Century
Ambassadors Of Peace & Magic”. La
faute à une inconstance chronique et
à la personnalité volatile de Sam France,
chanteur aussi excentrique qu’erratique.
Entre les albums livrés quasiment à
l’état de démos (“... And Star Power”)
et les délires pop orchestrés façon
Broadway (“Hang”), la trajectoire du
groupe a sérieusement déraillé au point
que le groupe a annoncé sa dissolution
en 2022. Jonathan Rado n’a pas pour
autant baissé pavillon. Depuis des
années, il semble s’épanouir dans
l’accompagnement et la découverte
de jeunes artistes qu’il produit (comme
ses protégés les Lemon Twigs ou Weyes
Blood) mais aussi dans une carrière
solo qu’il aborde avant tout comme
un nouveau terrain de jeu. S’il a publié
un album en 2013 (“Law Order”) avant
ce “For Who The Bell Tolls For”, il offre
régulièrement des morceaux, voire des
disques entiers, sur sa page Bandcamp
(notamment des reprises intégrales du
premier album de Paul McCartney et de
“Born To Run” de Bruce Springsteen).
Avec ce deuxième album, il semble
que l’affaire soit sérieuse : dès les
premières notes de piano et les chœurs
du morceau-titre, on sait qu’on a affaire
à un disque touché par la grâce. Inspiré
par la perte de deux amis chers (le
musicien Richard Swift et l’illustrateur
Danny Lacy), le disque propose sept
chansons très différentes les unes des
autres qui évoquent souvent Brian Eno
période “Before And After Science”
(“Blue Moon”) avec en exergue un titre
d’une évidence pop folle, l’irrésistible
“Easier” et un instrumental élégiaque,
le superbe “Yer Funeral” qui clôt l’album.
JJJJ
ERIC DELSART
062 R&F JANVIER 2024
Phil Seymour
“Live On The Sunset Strip”
SUNSET BLVD RECORDS/ GAMC
Depuis une dizaine d’années, Sunset
Blvd exhume les enregistrements aussi
bien en studio qu’en concert de phil
Seymour. Septième volume de la série,
ce live saisi au mythique Whisky A Go Go
de Los Angeles le 12 mars 1981 dévoile
un artiste au sommet de ses capacités.
Echappé du Dwight Twilley Band, avec
qui il enregistra deux albums en tant
que batteur, le virtuose sort son premier
album solo en janvier 1981 : intitulé
sobrement “Phil Seymour”, le disque
comporte les excellents “Precious
To Me” et “Love You So Much”
qu’on retrouve sur ce live. Tout le
show témoigne d’un Phil Seymour
énergique, brillant, inspiré, où éclate sa
réputation de “prince de la power pop”.
Les reprises étincellent : deux titres en
hommage à Elvis Presley “Tryin’ To Get
To You” et “(You’re So Square) Baby
I Don’t Care” ; la chanson composée
par John Prine et Phil Spector “If You
Don’t Want My Love” ; “Bony Moronie”
de Larry Williams et le célèbre “Baby
Come Back” des Equals. Flanqué de
son complice du Dwight Twilley Band,
Bill Pitcock IV, à la lead guitar, Seymour
délivre son répertoire romantique avec
une fougue telle qu’on croirait qu’il
met sa vie en jeu. Un second album
solo suivra en 1982 sans rencontrer
le succès, puis Seymour intégrera
en 1984 les Textones de Carla Olson,
mais brièvement, car un lymphome
sera vite détecté et le contraindra
à quitter le groupe afin de se faire
soigner. Il s’éteint le 17 août 1993
à l’âge de quarante et un ans. Ange
foudroyé aussitôt reconnaissable
par ses maillots rayés, Seymour
laisse une œuvre d’une grande
sensibilité. L’illustration magique
de la pochette, signée Cyril Jordan
(Flamin’ Groovies), dans le sillage
d’un Hopper, reflète cette grâce.
JJJJ
CHARLES FICAT
Mock Media
“Mock Media II”
MEAT MACHINE/ BIGWAX
Leur truc, c’est le guérillero. Ils ont
ce romantisme, un peu héroïque, du
combattant révolutionnaire, le genre
de moustachu à habiter une jungle.
Pour preuve : les Mock Media sont
surtout à l’aise en marcel et torse
nu. Issue de la cuisse de Crack Cloud
— signé sur leur label Meat Machine —,
on sait que le collectif de Vancouver a
toujours eu ce fantasme du guerrier
vertueux. Chez Mock Media, cela a
rencontré une obsession particulière
pour Le Clash. Ils auraient beau le
renier, peut-être même n’ont-ils jamais
entendu une note du groupe magique,
rien à faire : l’influence de seconde
main, cela existe aussi. Mock Media
a donc indéniablement quelque chose
du Clash de la deuxième période :
la voix, les harmonies, le métissage
punk/ rythmes exotiques, l’attitude,
exotica donc mais anticoloniale ; viril...
mais que ça dégoûte. “Louis Won’t
Break”, le refrain de “Madness”
(excellent rock), “Reason”, “Rambo”
(une chanson sur Rambo, LE film de
guerre antimilitariste !), jusqu’à cette
introduction, “ILL”. Voilà : This Is Radio
Clash. Mais contrairement à bien
des groupes modernes qui tentent
de recréer une époque de toutes
pièces, Mock Media est encore très
XXème siècle : tout cela est digéré,
réécrit, réinterprété et se lie avec
le contemporain. Et c’est dans ce
décalage, entre ce qu’ils aiment et
ce qu’ils sont, que se situe la faille.
Leur révolution n’est qu’un gimmick,
un assaisonnement pour un disque
de plus. Qu’attendons-nous d’un
groupe de ce type si ce n’est qu’il
transforme notre monde en une pâte
et le remodèle pour le changer à tout
jamais ? Les Mock Media, eux, font de
la musique. D’où l’étrange impression
de vacuité qui émane de cet album.
JJJ
THOMAS E. FLORIN
The Faithful
“A Tribute To Marianne Faithfull”
IN THE Q RECORDS
Après avoir survécu à tout, sauf une
guerre nucléaire, Marianne Faithfull
a perdu sa voix et son souffle après
un Covid long au printemps 2020.
Pour qu’elle paie ses frais médicaux, une
bande de fidèles a décidé de reprendre
son répertoire. Et on entend déjà les
hurlements de ceux qui ont vécu la
période rock caritatif des eighties :
les bons sentiments ne font pas de
bonne musique. Mais un bon casting
et un répertoire assorti, si. Dans le cas
précis, un détail saute aux oreilles :
les admiratrices de lady Marianne
sont plutôt des pétroleuses à la voix
travaillée à la clope que des femmes-
fleurs éthérées. Parfait donc pour des
chansons qui parlent de cul, de came
et de plongées dans la folie. Comme le
duo héroïque Shirley Manson & Peaches
sur “Why D’Ya Do It” en mode electro-
clash crasseux. Ou celui entre Cat Power
et Iggy Pop, rien que l’Iguane et ses
interventions de vieux sage au timbre de
velours. Donita Sparks jubile d’humour
grinçant sur un “Sliding Through Life
On Charm” à l’arrangement ébouriffant.
Même coup de cœur pour “Sex With
Strangers” qui se mue en morceau
groovy avec flûte de Pan de synthèse
et autres étrangetés. A la première
écoute, “Broken English” par Joan As
Police Woman déroute un peu. Pas assez
rugueux, se dit-on avant de succomber
à son minimalisme, avec ce clavier
lancinant et cette voix étranglée, au
bord de la crise. Il y a très peu, voire
aucun raté ici, juste deux ou trois
titres moins marquants que les
autres, ce qui en fait une rareté dans
ce genre d’exercice. D’ailleurs, une fois
écarté le côté caritatif du disque, on a
l’impression d’écouter, par moments,
une lettre d’amour à une icône de
la part de sa famille spirituelle.
JJJJ
ISABELLE CHELLEY
Peter Gabriel
“i/o”
REAL WORLD
On devrait détester peter Gabriel. Il a
été le chanteur de Genesis, habillé en
robe, maquillé en clown blanc, avec
un masque de renard. Il jouait de la
flûte traversière comme l’affreux de
Jethro Tull. Son plus gros tube ? Une
rengaine insipide en duo avec Kate
Bush. Il a été de tous les combats
politiquement corrects aux côtés
des insupportables Sting, U2 et
autres. Il est devenu vieux, gros et
moche. Oui mais. On l’aime. Pendant
cinq ans, avec “The Lamb Lies Down
On Broadway” et ses trois premiers
albums solos, il a été à l’avant-garde
du rock le plus inspiré. Ses amis et
collaborateurs s’appellent Brian Eno
(encore présent ici), Robert Fripp et
consorts. Il a créé le studio et le label
Real World, responsables de disques
de world music fabuleux. Et quel
chanteur ! Une sorte de Stevie Winwood
en plus émouvant — “Sledgehammer”,
le hit que Winwood n’a jamais eu —
capable de nous renverser en chantant
n’importe quoi. Et il ne s’en prive pas.
On retrouve toutes ces contradictions
sur ce nouvel album, attendu depuis
plus de vingt ans... Tout y est énorme,
surproduit, joué par les fidèles Manu
Katché, Tony Levin et David Rhodes
assistés de chorales et orchestres
symphoniques divers. L’inspiration
est à la limite du prêchi-prêcha. La
modernité plus si moderne : un titre
dévoilé tous les mois pendant un an,
deux mixages de l’album pour le prix
d’un — un “lumineux” réalisé par
Mark “Spike” Stent, l’autre “sombre”
par Tchad Blake, sans qu’on voie
vraiment la différence. Ennuyeux
et boursouflé ? Oui mais. Sur
“Panopticom”, le titre d’ouverture,
le meilleur (si vous ne l’aimez pas,
laissez tomber), on retrouve les
voix ensorcelantes de Peter, sa
force mélodique et expressive.
Ailleurs un peu aussi (“And Still”).
Il lui sera beaucoup pardonné.
JJJ
STAN CUESTA
Ghost Woman
“Hindsight Is 50/50”
FULL TIME HOBBY/ BOOGIE DRUGSTORE
Drôle d’impression à l’écoute de ce
nouvel album de Ghost Woman, que son
leader Evan Uschenko proclame comme
celui où son groupe a enfin trouvé son
identité sonore, comme si ses deux
albums précédents n’étaient que des
tâtonnements. Pourtant, on ne peut pas
dire que les fantastiques “Ghost Woman”
et “Anne, If” (tous deux sortis en 2022)
étaient des erreurs de jeunesse, bien
au contraire. Ghost Woman s’y montrait
comme l’un des derniers héritiers d’un
rock psychédélique lo-fi aux mélodies
accrocheuses et aux guitares western.
“Hindsight Is 50/50”, malheureusement
serait-on tenté de dire, voit le groupe
s’orienter dans une direction nouvelle
qui doit plus aux envolées des Black
Angels (“Alright Alright”) et aux sonorités
lourdes et sombres de groupes tels que
Black Rebel Motorcycle Club ou
Psychic Ills. Dès les premières
notes de l’ouverture noisy “Bonehead”,
il apparaît qu’Uschenko a troqué ses
chemises à fleurs pour des habits plus
austères. Les mélodies pop ont laissé
place à des atmosphères oppressantes
(“Ottessa”), des influences krautrock
(“Yoko”) et post-punk (“Wormfeast”)
émergent. Non pas que ce soit mauvais,
car tout cela fonctionne très bien,
mais cette personnalité singulière qui
faisait de Ghost Woman un groupe
à chérir s’est diluée dans un rock
psychédélique assez générique et
bien plus convenu. Est-ce lié au fait
que la batteuse et percussionniste
Ille van Dessel, compagne du chanteur
canadien, représente désormais 50%
de Ghost Woman ? On peut l’imaginer.
Ghost Woman, projet pop personnel,
est désormais un duo psychédélique
avec d’autres aspirations. Un nouveau
groupe naît avec cet album, et un autre,
qu’on aimait beaucoup, disparaît. Pas
sûr que le jeu en vaille la chandelle.
JJJ
ERIC DELSART
JANVIER 2024 R&F 063
 Disques pop rock
Various Artists AcidSitter
“Moping In Style –
A Tribute To Adam Green”
CAPITANE/ BOOGIE DRUGSTORE
Au tournant du XXIème siècle, parmi
l’effervescence de groupes new-yorkais
désireux de remettre le rock au goût
du jour, figuraient les Moldy Peaches,
équipage hirsute et irrévérencieux qui
célébrait les drogues dures sur des
chansons lo-fi enjouées. Le Robin des
Bois du groupe, Adam Green, partit
ensuite se lancer en solo pour une
carrière où chaque album défiait la
logique du précédent. D’abord versé
dans un folk lo-fi et acoustique (on
disait alors antifolk), le musicien a
peu à peu enrichi sa musique d’arran-
gements de plus en plus feutrés et s’est
découvert crooner, toujours en gardant
une plume corrosive où l’humour le
plus grinçant croisait une poésie
urbaine en phase avec son époque.
Signe que cet ancien boy wonder est
aujourd’hui une forme d’institution,
cette compilation voit vingt-six musiciens
reprendre des chansons de Green, chacun
s’appropriant la chose à sa manière.
On retrouve ici beaucoup des amis
du chanteur (Devendra Banhart, Turner
Cody, The Libertines, Ben Kweller, Sean
Lennon, Herman Dune, compagnons
de tournée) ainsi que d’autres qu’on
n’imaginait pas forcément croiser
ici (Lou Barlow, Father John Misty,
The Lemonheads, The Cribs, Hubert
Lenoir, Vincent Delerm). On s’amuse
de constater que personne n’a osé
s’attaquer à “No Legs”, “Who’s Got
The Crack” ou “Downloading Porn With
Davo”, chansons les plus outrancières
de l’artiste, mais on a droit à quelques
belles surprises comme la reprise de
“Baby’s Gonna Die Tonight” par Lemon
Twigs, “Musical Ladders” aérienne par
Father John Misty, “Drugs” version
rap louche par Kyp Malone, “Birthday
Mambo” par Rodrigo Amarante. Un
bel hommage, pour un artiste dont
l’œuvre mériterait d’être reconsidérée.
JJJ
ERIC DELSART
064 R&F JANVIER 2024
“Make Acid Great Again”
INTERSTELLAR SMOKE RECORDS
Comme nombre de ses voisins d’Europe
de l’Est, la pologne reste bien une
contrée bien mésestimée en matière
de rock’n’roll. Pourtant, depuis
Czerwony Gitary et Polanie au cours
des sixties, en passant par Czesław
Niemen, Test, Nurt ou bien encore
Breakout, les références désormais fort
cotées abondent. Aujourd’hui, c’est en
matière de metal lourd et de stoner que
le pays excelle, avec des gangs comme
Behemoth, Belzebong, Dopelord ou
Weedpecker. Basé à Cracovie, AcidSitter
est une sorte de supergroupe local qui a
pour particularité de compter dans ses
rangs un guitariste japonais, Tetsuya
Nara, qui a élu domicile dans l’ancienne
capitale des rois polonais. Son slogan :
“Si Roky Erickson était encore vivant,
il nous aurait aimés”. Se vérifie-t-il à
l’écoute de ce premier album au titre
évocateur ? Dès “Comets”, la réponse
est positive, assurément : on remarque
le timbre chétif de Rafał Klimczak, qui
rappelle celui de l’auteur de “You’re
Gonna Miss Me”, la guitare hallucinée
de Nara, experte du tremolo et du larsen,
ainsi qu’une rythmique solide — sans
cruche électrique — qui prend ensuite
son essor sur la syncopée “It’s Fine”,
dotée d’un curieux refrain grunge.
Dans un autre genre, “The Healing
Journey” est un morceau planant,
apaisé. La surréaliste “Sweet Dreams”
est nettement plus trippante, bouil-
lonnante, tout comme la furieuse et
définitive reprise de “Roller Coaster”
(13th Floor Elevators), sommet qui
prépare l’auditeur transi aux sept
minutes lysergiques de “Staywatch”.
Une conclusion musclée pour
une roborative démonstration de
psychédélisme violent, qui devrait
contribuer à replacer la patrie
de Lech Wałe,sa sur la carte
de la musique binaire actuelle.
JJJJ
JONATHAN WITT
Oslo Tapes
“Staring At The Sun
Before Goin’ Blind ”
PEYOTE
Après “Oslo Tapes” en 2013, “Tango
Kalashnikov” en 2015 et “Or”, un début
de notoriété en 2021, “Staring At
The Sun Before Goin’ Blind” est
le quatrième album d’Oslo Tapes, la
formation italienne de Marco Campitelli,
chanteur et multiinstrumentiste. Pour
son premier projet, Marigold, Campitelli
avait déjà à ses côtés Amory Cambuzat
comme guitariste, producteur et
arrangeur. Auparavant, ce dernier
avait créé Ulan Bator en 1993 avant
d’intégrer Faust et FaUSt, une des trois
subdivisions de la formation allemande
avec Jean-Hervé Peron. A la section
rythmique, Mario Spada, basse, et
Davide Di Virgilio, batterie, s’ajoutent
toujours des invités, notamment pour cet
album, Frederico Sergente, percussions,
de Zippo, un groupe de metal, Nicola
Amici, guitares, synthés, Dahm Cipolla
de Mono. Dès “Gravity” en ouverture,
on est plongé dans un maelstrom de
sonorités d’où émergent la mélodie
et les voix, d’abord sur un rythme
lent avant de prendre de l’ampleur et
d’exploser sur le lyrique “Ethereal Song”
et le motorik “Dejaneu”. L’influence du
krautrock est omniprésente, sans en être
une pâle copie ou un hommage, celle
de Faust bien sûr, mais les rythmes
des percussions évoquent plutôt Can,
“Reject Yr Regret”, “Middle Ground”,
et Neu!, “Dejaneu”, le sombre “Staring
At The Sun Before Goin’ Blind” en final.
Les voix placées en retrait et les
arabesques de synthés et de guitares
donnent à “Like A Metamorphosis”
et “Somnambulist’s Daydream”
une coloration entre psychédélisme et
rock progressif à la manière d’Ash Ra
Tempel. “Staring At The Sun Before
Goin’ Blind” appartient à cette catégorie
de disques qui, au-delà, ou à cause,
de la superposition des sonorités et
des vibrations demandent un peu
de temps pour être appréciés.
JJJ1/2
PHILIPPE THIEYRE
Creeper
“Sanguivore”
SPINEFARM
Malgré sa spectaculaire ascension,
force est de constater que Ghost n’a
pas engendré beaucoup d’émules au
cours des dernières années. Dans la
foulée, certains ont bien misé sur la
carte de l’anonymat (Uncle Acid And
The Deadbeats, GOAT...), mais peu ont
tenté celle du grand guignol horrifique.
Formé à Southampton en 2014, Creeper
a très vite été repéré pour son punk
radiophonique sous patronage David
Bowie, ainsi qu’une certaine appétence
pour les concept-albums dont le son
demeurait trop propre pour séduire
les véritables amateurs de rock’n’roll.
Il a fallu que Ian Miles, guitariste et
cofondateur du groupe (en compagnie
du sémillant vocaliste Will Gould),
sombre dans une grave dépression
accompagnée d’accès schizophréniques
pour que le ton se fasse plus grave et
le son plus lourd. “Sanguivore” narre
donc l’histoire d’une renaissance sous
l’angle du conte vampirique. Pour la
façonner, Will et Ian, fanatiques de
Jim Steinman, ont fait appel au
producteur Tom Dagelty (Royal
Blood, Pixies) qui comme eux voue
un culte au célèbre “Bat Out Of Hell”
de Meat Loaf. Preuve d’une ambition
nouvelle, ce troisième opus s’élance
sur les neuf minutes opératiques de
“Further Than Forever” — on pense à
Queen. Puis le quintette gainé de cuir
aligne les pépites de heavy metal
eighties tendance gothique (“Cry
To Heaven”, “Sacred Blasphemy”,
“Teenage Sacrifice”), aux rugissantes
guitares. Il y démontre, comme sur la
grandiloquente “The Ballad Of Spook
& Mercy“ ou l’envoûtante “Black
Heaven”, une aptitude particulière à
trousser des refrains aussi accrocheurs
qu’ensorcelants. Au final, un très bon
disque à l’étrange pouvoir de séduction,
qui devrait propulser Creeper sur l’orbite
d’un probable succès populaire.
JJJJ
JONATHAN WITT
JANVIER 2024 R&F 065
Disques classic rock
Various Artists Neil Young
“Warren Haynes Presents:
The Benefit Concert volume 20”
EVIL TEEN RECORDS/ MASCOT LABEL GROUP
Voilà trente-cinq ans que Warren Haynes
organise chaque année, dans les premiers
jours de décembre, une “Xmas jam” dans
sa ville natale d’Asheville, en Caroline
du Nord. Plutôt dévolu à la scène locale
en ses premières éditions, l’événement
(à but caritatif) s’est transformé en un
raout voyant convoler des sommités
du pays entier à mesure que son
instigateur s’imposait comme une
figure clé du rock américain, officiant
à une époque en même temps dans
les Allman Brothers, le Dead ressuscité
et sa propre formation, Gov’t Mule.
Cette édition enregistrée en 2018,
pour le 20ème anniversaire, disponible
en différents supports (4 doubles
vinyles, 2 CD/1 DVD, 3 CD/2 Blu Ray),
propose une affiche digne d’un festival
de premier ordre, forcément hétéroclite.
Les premiers artistes ne sont pas les
plus passionnants et il faut attendre une
paire de chansons de Jim James (dont le
fabuleux “State Of The Art (A.E.I.O.U.)”)
pour tendre l’oreille. Plus loin, les deux
reprises de Joe Bonamassa, toujours
plus convaincant en interprète, sont
une bonne surprise (“Spanish Boots”
de Jeff Beck, “Tea For One” de
Led Zeppelin). Passons sur le délire
progressif de Dave Grohl, 36 minutes (!)
dont on n’a pas pu venir à bout, pour
arriver au cœur des festivités : un
set de Gov’t Mule renforcé par Grohl
dont les poignets d’airain sont parfaits
pour les roulements mitraillette d’un
medley “Rockin In The Free World”/
“Machine Gun” faisant feu de tout bois.
Des choses inégales derrière avant
le final, trois chansons de Pink Floyd
par la Mule, “Us And Them” (avec
Jim James), “Any Colour You Like”
et “Comfortably Numb”, dont Haynes
assume le chant et le solo final avec
son naturel habituel, musicien capable
d’incarner n’importe quelle chanson
comme si elle avait été écrite pour lui.
JJJ1/2
BERTRAND BOUARD
066 R&F JANVIER 2024
“Before And After”
REPRISE
Est-il encore possible que Neil Young
avec sa discographie pléthorique arrive
à surprendre et à émouvoir ? Il faut
croire que oui puisque ce “Before
And After” constitue un ensemble
d’une incroyable intensité. La tournée
solo de l’été 2023 offrait un avant-goût
de l’album qui comporte treize titres,
dont douze reprises de son propre
catalogue et un inédit “If You Got Love”,
composé à l’époque de “Trans”. Il ne
s’agit pas de ses compositions les plus
emblématiques : ici nul “Ohio”, “Heart
Of Gold” ou “Hey Hey, My My”, mais
plutôt des titres moins connus, hormis
“Comes A Time”. Le choix s’étend sur
six décennies. Trois morceaux remontent
à l’époque de Buffalo Springfield :
“Burned”, “On The Way Home” et
le fondateur “Mr Soul”. Les autres
plages proviennent de “Mirror Ball”
(“I’m The Ocean”), de “Sleep With
Angels” (“A Dream That Can Last” et
“My Heart”), de “Are You Passionate?”
(“When I Hold You In My Arms”), de
“Ragged Glory” (le sublime “Mother
Earth”) et même du récent et puissant
“Barn” (“Don’t Forget Love”) où le
Loner rappelle de n’oublier l’amour
ni “quand l’orage arrive et que les
lumières s’éteignent”, ni “quand
les pluies laissent place au soleil”. Le
traitement acoustique de l’ensemble
à la guitare, au piano ou à l’orgue,
avec un accompagnement ponctuel
à l’harmonica, confère une majesté
à cet ensemble imaginé d’un seul
tenant, comme un long titre en continu.
La voix intacte renforce ce climat de
recueillement. En partenariat avec
le vétéran Lou Adler et le fidèle
Niko Bolas, Neil Young signe un
album d’une profonde intimité où,
revisitant son répertoire en de nouveaux
arrangements, il peaufine son image
pour la postérité et montre avec éclat
qu’il faut encore compter avec lui.
JJJJ
CHARLES FICAT
Burn
On The Bayou
“A Heavy Underground Tribute”
RIPPLE
Voici un tribut à Creedence Clearwater
Revival généreux (32 titres). La force
intrinsèque des chansons de John
Fogerty (leader de CCR) favorise une
appropriation par des groupes réunis par
un label stoner-sludge. Les classiques
— “Lodi” (agréablement respecté par
Jakethehawk), “Bad Moon Rising”
(méconnaissable par High Priestess),
“Who’ll Stop The Rain” (probablement
une pluie de dolmens pour les
Stonebirds), etc. — sont là, certains
deux fois (“Run Through The Jungle”,
“Fortunate Son”, “Sinister Purpose”).
Option étonnante, vu la richesse des
originaux, sont aussi retenus plusieurs
morceaux à l’époque repris par CCR
— dont “Suzy Q” en version doom par
Suzie Bravo... Parfois, le choix se révèle
pointu. “Gloomy” reçoit de Cortez un
traitement heavy, approche qui convient
également aux paroles de “Effigy” (Qui
brûle ?) par Curse The Son. Doublestone
bouscule “Pagan Baby” à coups de
wah-wah mais garde le doublement
du tempo. La Chinga balance “Sweet
Hitchhiker” en pur hard rock’n’roll. Dans
“Sailor’s Lament”, les Espagnols de
Kabbalah restent fidèles aux chœurs
tout en imaginant une musique lente et
lourde, sombre, angoissante. Le rapport
entre le chant, angélique, et la densité
des instruments poursuit la politique
popularisée par Vanilla Fudge en 1967.
Alors que les Hazytones conservent
la couleur blues classique de “Night
Time Is The Right Time”, End Of Age
réinvente “Ramble Tamble”. Bien
qu’adoptant des approches diverses,
la plupart de ces formations montrent
un goût prononcé pour les batteries
costaudes et les guitares distordues
(dans ce domaine, malgré son nom,
Fuzz Evil n’est pas la plus extrême).
Elles ont en tout cas le mérite de
souligner la puissance du répertoire,
son universalité, voire son immortalité.
JJ
JEAN-WILLIAM THOURY
Bobby Keys
“Lover’s Rockin’ -
The Lost Album”
LE CHANT DU MONDE/ PIAS
Un “album perdu” de Bobby Keys,
tiens donc. Intrigant, d’autant que
la discographie du saxophoniste des
Stones, disparu en 2014, ne compte
qu’une seule ligne, l’instrumental “Bobby
Keys” (1972). Les circonstances ayant
mené à celui-ci, également instrumental
à un titre près, restent mystérieuses,
à commencer par les dates d’enre-
gistrement. Les notes de pochette
parlent de la fin des années 1970,
sans plus de précision, ce que
corrobore le son. On connaît en
revanche l’instigateur du projet, le
producteur jamaïcain Clive Hunt, les
studios (deux aux Etats-Unis et deux en
Jamaïque) et les musiciens, jamaïcains
pour la plupart, avec quelques pointures
anglo-saxonnes (Steve Cropper, Donald
Dunn, Nicky Hopkins...). Ron Wood
tient la guitare sur quelques titres, mais
Keith Richards n’est pas là. La plupart
des titres s’apparentent au reggae,
quelques-uns à un rhythm’n’blues
musclé. Un grand nombre de reprises
au programme, dont l’une salue
l’influence manifeste du bonhomme,
son compatriote texan King Curtis
(“Soul Serenade”). Egalement au
menu, le “Honky Tonk” de Bill Doggett,
que le jeune Bobby dût interpréter
des dizaines de fois sur le circuit
des clubs en ses jeunes années,
une relecture de “(Sittin’ On) The Dock Of
The Bay” frisant la musique d’ascenseur,
une version pas vilaine du “99 ½” de
Wilson Pickett, une autre pas mal de
“Johnny Too Bad”. Saxophoniste doté
d’un son puissant, charnu, Keys était un
soliste sans grande imagination, collant
à la mélodie tel un jeune nageur restant
à portée du rivage (on imagine qu’il ne
passait pas ses loisirs dans les traités
d’harmonie). A cet égard, le titre final,
chanté (remarquablement) par un certain
Jerri Williams, est le meilleur, preuve que
le sax de Bobby ne valait pas une voix
à lui seul. Pas déplaisant pour autant.
JJJ
BERTRAND BOUARD
Peter Hammill
“In A Foreign Town/
Out Of Water 2023”
CHERRY RED RECORDS
A côté de Peter Hammill, Peter Gabriel,
c’est Patrick Topaloff. Fini de rire. La
comparaison n’est pas gratuite. Tous
deux ont été les très sérieux chanteurs-
leaders de groupes dits progressifs,
Genesis et Van Der Graaf Generator,
avant de se lancer dans des carrières
solos aventureuses, notamment avec
Robert Fripp. Mais l’un a été abonné
au succès grand public, l’autre aux
audiences confidentielles... On était
nombreux à avoir du mal avec Van Der
Graaf. Sa musique était originale, mais
complexe, peu séduisante ; la voix de
Hammill, étonnante mais dure, à la
limite de l’hystérie. Pourtant il a reçu
sur le tard le soutien — pas si étonnant,
finalement — de John Lydon, qui le
citait comme une influence majeure
avec Can et Captain Beefheart. Ensuite,
la carrière solo de Peter Hammill a été
difficile à suivre. Il a publié environ
un million de disques. Ici, il s’agit de
deux albums, sortis en 1988 et 1990,
dont il trouvait le son daté — on était
à l’époque en plein avènement des
synthés DX7 et autres horreurs — et
qu’il a voulu réenregistrer, considérant
que les chansons en valaient la peine.
Démarche louable, dont feraient bien
de s’inspirer quelques artistes ayant
produit des horreurs dans les eighties
— “Born In The USA” sans la caisse
claire pachydermique ? Evidemment,
on est allé écouter les originaux —
à nos risques et périls. Effectivement,
ils sont inaudibles. Sauf que... Ces
nouvelles versions ne sont pas si
différentes ! Au-delà du propos, assez
politique mais un peu lourdingue, le
chant est toujours aussi martial,
déclamatoire, et les arrangements...
Si Hammill pense leur avoir donné un
son contemporain, il est à côté de la
plaque. Ou alors il a cinquante ans
d’avance et c’est nous qui n’avons
rien compris. On va dire ça.
JJ
STAN CUESTA
Various Artists
“Heavenly Cream :
An Acoustic Tribute To Cream”
QUARTO VALLEY RECORDS
La pochette d’un gris funèbre
ne pourrait être moins engageante.
Surtout pour un hommage à un groupe
qui signa l’une des plus chatoyantes des
sixties (“Disraeli Gears”). Et le concept
interroge : un tribute acoustique à
Cream, trio anglais entré dans l’Histoire
pour avoir posé les jalons d’un rock
maousse ? On feuillette le livret,
tiens, trois des protagonistes ont passé
l’arme à gauche depuis, le guitariste
Bernie Marsden, et surtout Ginger
Baker et Pete Brown, qui fut le parolier
de Cream. Ce dernier avait écrit les
notes de pochette qui précisent que ces
enregistrements furent les derniers du
démentiel batteur. On retrouve son
swing inimitable sur quatre titres,
cocotte-minute constamment sur le
point d’exploser. Pete Brown, lui, chante,
et plutôt très bien, dont “Theme From
An Imaginary Western”, une splendeur
du premier album de Jack Bruce.
Le reste du casting est curieux, pas
inintéressant : Paul Rodgers sur un titre,
Joe Bonamassa sur trois (qui déroge à
la consigne acoustique sur “Sunshine
Of Your Love”), le saxophoniste Pee
Wee Ellis, le bluesman Bobby Rush,
le guitariste Clem Clempson ou le fils
de Jack Bruce, Malcom, au four et au
moulin (clavier, basse, guitares...). La
prise de son est excellente, la musique
respire. Et, révélation, les chansons,
dans cette configuration, tiennent
formidablement la route, modèles de
malice et d’inventivité (“We’re Going
Wrong”, “I Feel Free”, “White Room”,
“Deserted Cities Of The Heart”...).
Façon de souligner que ce n’est pas
tant pour avoir poussé les potards
que Cream importe. Mais parce
que Messieurs Clapton, Baker et
Bruce (surtout ce dernier en fait)
créèrent des chansons à nulles
autres pareilles. Quand les amplis
se taisent, les mélodies demeurent.
JJJ
BERTRAND BOUARD
JANVIER 2024 R&F 067
Disques français
Jane Birkin
“Oh ! Pardon Tu Dormais…
Le Live”
PANTHEON/ UNIVERSAL
Cet album posthume restitue l’un
des derniers tours de piste live de Jane
Birkin : malgré sa santé défaillante (qui
écourta la tournée), mais avec une voix
intacte, elle avait tenu à célébrer avec
son public son récent album studio
en l’incluant à un répertoire scénique
renouvelé dans lequel elle intégrait,
pour un vibrant hommage, la reprise de
quatre extraits de “L’Histoire De Melody
Nelson”, l’album culte de son pygmalion
Serge Gainsbourg. Poussée par une
volonté touchante de se renouveler
et de sortir des sentiers balisés, elle
prend des risques et n’hésite pas à
accorder une place de choix à ses
nouvelles chansons très personnelles
dont elle avait rédigé les textes mis
en musique par Etienne Daho
et Jean-Louis Périot (qui sont à la
manœuvre de cet enregistrement en
tant que directeur artistique et directeur
musical) : elle en sélectionne neuf,
n’hésitant pas à en placer trois d’affilée
au début et à la fin de son concert,
manifestant ainsi sa volonté de défendre
ses dernières créations au même titre
que des titres aussi emblématiques
que “Ex-Fan Des Sixties” ou “Jane B”.
Ainsi, la splendide ritournelle des “Jeux
Interdits” ne dépare absolument pas
après l’envoûtant “Quoi”, le duo
nostalgique avec Etienne Daho sur
“Oh ! Pardon Tu Dormais” est serti
comme un écrin entre “Les Dessous
Chics” et “Baby Alone In Babylone”,
et le très moderne et dansant “Je
voulais Etre Une Telle Perfection
Pour Toi” illumine la salve finale
avant un adieu en douceur bien
loin des succès millésimés : le
méconnu “Pourquoi ?”, qu’elle
avait écrit en 2008 et dont les
paroles résonnent dans la mémoire
(“Pour moi c’est toujours trop
tard/ Pour crier je t’aime”).
JJJJ
H.M.
068 R&F JANVIER 2024
Pascal Gaëtan Roussel
Comelade “Eclectique”
Marie Limiñana
Lionel Limiñana Depuis son émouvant travail avec Alain
“Boom Boom”
BECAUSE
Ce sont tout simplement les meilleurs.
Pascal Comelade est le meilleur compo-
siteur de musique instrumentale — tous
genres confondus — d’ici et d’ailleurs.
Marie et Lionel Limiñana sont à la tête du
meilleur groupe de rock — on a du mal
à dire “français” tellement c’est plus que
ça — d’aujourd’hui. Tous trois multiplient
les projets les plus divers dans une ex-
plosion créatrice permanente. Comelade
vient de sortir un disque hommage au
Velvet Underground en compagnie de
Lee Ranaldo. Les Limiñanas, un album
en collaboration avec Laurent Garnier.
Excusez du peu. Ce “Boom Boom”, au
titre bien choisi puisqu’il s’inspire dans sa
surenchère sonore des musiques foison-
nantes de dessins animés, est leur
deuxième disque à sortir sous leurs noms
accolés, après le délicieux et trop méconnu
“Traité De Guitares Triolectiques (A L’Usage
Des Portugaises Ensablées)” paru en 2015.
Il est encore meilleur. Toujours avec cette
obsession jouissive : la répétition et la
transe. La majorité des morceaux sont
instrumentaux et portent des titres
impayables — comme toujours chez
Comelade —, genre “Solo De Boxe En
Conserve” ou “Hypnose En Bas De Gamme”.
Il y a aussi quelques voix, comme
celle de Lionel, sur “Fin Du Monde”,
superbe poème pré-dadaïste, un titre
très “limiñanesque” que Comelade
les pousse d’ailleurs à inclure à leur
répertoire scénique. Ou “Concinacion”,
d’un poète de Majorque, écrit dans une
langue phonétique inventée, déclamé
par l’ami Marc Hurtado d’une voix
ensorcelante. Tout ici est absolument
génial, enthousiasmant et original sans
être jamais abscons. La rencontre des
deux univers produit un tout plus grand
que la somme de ses parties, peut-être
grâce à cette aptitude fascinante à faire les
choses les plus délirantes avec un sérieux
absolu — et réciproquement. Magique.
JJJJ
STAN CUESTA
CLAP HANDS PRODUCTIONS/ PLAY TWO
Bashung, le leader de Louise Attaque
a multiplié les rencontres. Le principe
de cet album basé sur des duos allait
donc de soi. Les premiers titres sont
des inédits et “On Ne Pleure Pas Dans
L’Eau”, partagé avec M, constitue
une introduction haut de gamme
que vient conforter le chatoyant “Crois-
Moi” avec Adeline Lovo ou le troublant
“Promenade” avec Bertrand Belin :
beauté et complémentarité des voix,
envols mélodiques et charme de textes
souvent mélancoliques. Le terme de
“variétés” n’étant pas pour lui un gros
mot, il ne se prive pas de se frotter à des
célébrités comme Louane ou Soprano, et
le résultat prouve qu’il a bien raison tant
il parvient à les attirer dans son propre
univers pop. Cet éclectisme revendiqué,
comment ne pas le rapprocher de celui
que manifestait Arno en chantant aussi
bien avec Mireille Mathieu qu’avec
Ray Davies ? C’est ainsi qu’après une
ouverture qui aligne six inédits d’affilée,
Gaëtan Roussel n’a eu aucune difficulté
à sélectionner dans ses archives dix
autres “tête-à-tête” de circonstance,
glanés au fil de ses collaborations
et de ses réalisations passées. Il a
toujours le souci de mettre en valeur
ses partenaires et de souligner leurs
qualités vocales. Les femmes donnent
le meilleur d’elles-mêmes, bien lovées
dans son univers séducteur : Hoshi,
Adjani, Camelia Jordana, Rachida
Brakni et surtout Vanessa Paradis
avec le magnifique “Tu Me Manques”.
Mais les hommes n’échappent pas
non plus à son pouvoir d’attraction,
notamment quand sa voix se mêle
à celle d’Alain Souchon dans une
osmose troublante (“Sans Sommeil”)
ou joue le contrepoint de celle
du regretté Rachid Taha pour
le transculturel et solaire “Bonjour”.
JJJ
H.M.
Pop Crimes
“Gathered Together”
HOWLIN’ BANANA/ LES DISQUES DU PARADIS/
SAFE IN THE RAIN/ MODULOR
Les jeunes gens de Pop Crimes,
comme tant d’autres d’une génération
aux familles souvent disloquées,
considèrent leurs potes comme des
frères et sœurs de sang. C’est le cas
de Romain Meaulard, cofondateur d’En
Attendant Ana, dont il s’est éclipsé dans
l’acrimonie alors que ses six-cordes
nerveuses venaient de bousculer les
chansons d’un excellent opus, “Lost
And Found”, produit par Nicolas Pommé
(Young Like Old Men). Au fond du trou,
il renoue avec ce dernier pour noyer sa
peine, avant que ce duo ne soit rejoint
par Morgane Poulain (batterie, ex-
Blondi’s Salvation) et Quentin Marquès
(basse), aux fêlures similaires. En 2019,
un EP inaugural (“Débuts”) refermant
déjà un petit tube en puissance
(“Seasons & Storms”) révèle cet
élégant quartette baptisé d’après
Rowland S Howard et possédant un
talent particulier pour exprimer une
sensibilité à fleur de peau au travers
de titres indie pop majestueux. Son
premier LP s’appelle “Gathered
Together”, pléonasme soulignant son
thème récurrent : une célébration de
l’intense amitié qui lie ces trentenaires
cabossés. Comment ne pas être remué à
l’écoute de “No More Cryin’”, manifeste
sur lequel Romain décrit d’une voix
éraillée évoquant Joe Strummer
son spleen carabiné, puis sa
rédemption ? Autres bijoux, entre
désenchantement et solaire réconfort :
“My Friends” et ses fragrances Pixies,
l’euphorisant mantra “Please Come
Back In The Game”, la mélancolique
“Nothing Has Changed” ou encore
“What You Loved”, qui évoque les
Doors avant de s’envoler vers un
final à la fois beau et triste,
emblématique d’un effort à
l’émouvante sincérité qui catapulte
directement Pop Crimes parmi
les grands espoirs de l’Hexagone.
JJJJ
JONATHAN WITT
Extraa
“Out Of Phase”
REQUIEM POUR UN TWISTER
A la lettre E de notre dossier consacré à
la scène rock française le mois dernier,
se situait le groupe angevin Extraa, dont
le premier album nous avait séduits
au cœur de la pandémie en 2020 avec
ses mélodies pop et ses arrangements
oscillant entre rétro-futurisme façon
Air et classicisme à la Stereolab. Pour
son successeur, le quatuor poursuit
avec la même formule et toujours un
amour de la chose bien faite. Comme
sur “Baked”, les arrangements sont
finement ciselés et font le pont entre
le passé et le futur, pour un son jamais
rétro ou nostalgique mais qui puise son
inspiration dans cinquante ans de pop
sophistiquée. C’est manifeste, Extraa
aime la musique des années 1960
et 1970, avec cet art de la chanson
pop légère comme “Blue Jeans”, qui
pourrait être une chanson d’April March,
et des instrumentations qui font des
clins d’œil malins aux aînés (cette ligne
de basse façon “Melody Nelson” sur
“All Good”, les chœurs beatlesiens de
“Somewhere”, la douze-cordes très
Byrds de “Eden Boy”). Une des chansons
de l’album s’appelle même “Saint
Serge” (et bizarrement, ce n’est pas la
plus gainsbourgienne du lot). Le groupe
se permet une reprise cotonneuse de
“Quand La Ville Dort”, tube de Niagara,
et preuve indéniable de bon goût.
Enregistré avec Alexis Fugain de Biche
(que le groupe décrit comme son Andrew
Loog Oldham), dont on connaît le talent
de producteur, “Out Of Phase” est un
beau disque subtil et érudit comme on
aimerait en entendre plus souvent.
JJJJ
ERIC DELSART
Structures
“A Place For My Hate”
PIAS
Figurant dans toutes les listes de
groupes français prometteurs à suivre
et à écouter si on ne veut pas louper
un chapitre, Structures (en activité
depuis 2018) a pris son temps pour
sortir son premier album. Que le duo
d’Amiens, composé de Pierre Seguin
et Marvin Borges Soares, a réalisé en
grande partie dans une maison paumée
au milieu des bois, selon la légende.
On veut bien la croire, puisque ces
deux-là ont tendance à faire un pas de
côté plutôt qu’à se caler dans l’air du
temps. Et tant qu’on y est, avant de leur
coller des étiquettes en vrac — post-
punk ? new-wave ? post-grunge ?
précolombien ? —, notons qu’ils ont eu
la bonne idée de qualifier leur style de
rough wave. Soit vague brute, un terme
qui colle bien aux émotions à fleur de
peau abondant ici. Mais cette rough
wave ne s’est pas faite toute seule et on
détecte chez eux les influences de Nine
Inch Nails ou du Nirvana des tout débuts.
On ne va pas s’en plaindre, pas plus
que quand, sur “Mod3rn”, Structures se
glisse dans la peau de Depeche Mode
période vénéneuse, fétichiste, indus
et goths à chaînes. Même au niveau
vocal, c’est assez troublant. D’autres
titres ont un côté cauchemar halluciné
électronique, où froideur et colère
se bousculent pour virer à l’entêtant
(“Disaster”). Et puis il y a “Home” avec
cette tension sous-jacente qui monte et
refuse d’éclater et toutes ces chansons
urgentes, interprétées avec la frénésie
de mecs en train de nous prévenir que
la fin du monde n’est peut-être plus très
loin et une voix écorchée qui rappelle
les inflexions à vif d’un certain Kurt C.
Rugueux mais accessible, noir sans
être trop dépressif, ce disque-là a des
allures de cocktail Molotov sonore,
parfait pour décharger sa rage.
JJJJ
ISABELLE CHELLEY
JANVIER 2024 R&F 069
Réédition
du mois
The Black Crowes
“THE SOUTHERN HARMONY AND MUSICAL
COMPANION – DELUXE EDITION”
Universal
Rappel des faits : début des année nonante
aux Etats-Unis d’Amérique. D’un côté, le
rock “indé” dont peu, en dehors de REM
et éventuellement de Sonic Youth, n’auront
connu la chance de faire fortune. D’un côté
les Replacements, Green On Red, Hüsker Dü,
les Pixies encore tout frais, d’autres bientôt en
voie de disparition. De l’autre, le hair metal et
une meute caniches branlant leurs manches
en couinant comme des veaux massacrés à la
fin d’“Apocalypse Now”. Les GunsN’Roses
en sortiront grandis, tandis qu’en catimini,
le grunge prépare ses assauts. Dans un
coin, en provenance de Géorgie, les Black
Crowes, anciens fans du Paisley Underground
avec leur précédent groupe, Mr Crowe’s
Garden, se réinventent sous l’impulsion de
leur producteur George Drakoulias, qui les
signe illico en 1989 sur Def Jam. Drakoulias
produira par la suite les Jayhawks, Maria
McKee et même Primal Scream période
“américaine”. Ce n’est pas Rick Rubin :
Slayer et les Beastie Boys ne lui procurent
pas d’érections particulières. Son truc, c’est
le rock roots à tendance seventies qu’il
modernise et dynamite tout en le respectant.
La légende prétend qu’il aurait fait écouter
aux frères Robinson les albums de Humble
Pie, des Faces et de Rod Stewart en solo. Pour
“Exile On Main St.” et “Sticky Fingers”, ils
n’avaient pas besoin d’aide, merci bien. A
la suite de quoi est sorti un premier album
formidable, “Shake Your Moneymaker”,
avec même une reprise d’Otis Redding, s’il
vous plaît, “Hard To Handle”. En 1990, on
ne rêve pas. Souvenirs de concerts parisiens
extraordinaires, d’un chanteur époustouflant
réunissant Marriott et Stewart, et d’un
guitariste tronçonnant ses riffs de Telecaster
en open de Sol avec cinq cordes, comme le
070 R&F JANVIER 2024
En plein grunge,
les Black Crowes laissaient
tout le monde à genoux
Keef des grandes années. C’était très bien, et
nettement mieux que les Quireboys et autres
Dogs d’Amour qui, à l’époque, embrassaient le
même look à base de khôl et de longs foulards
traînant sur des tapis dégueulant de patchouli.
Qu’allaient-ils donner plus tard ? En 1992,
désormais en plein grunge, les Black Crowes
laissaient tout le monde à genoux avec “The
Southern Harmony And Musical Companion”.
La musique s’est très légèrement détendue,
le groupe a changé (du Wurlitzer à la Ian
McLagan), une production monstrueuse, des
chœurs blacks, un Chris Robinson hallucinant
au micro, le frère Rich qui dépote du pur
rock’n’roll, Marc Ford qui cisaille des solos
affamés et le grand batteur Steve Gorman qui
cimente le tout. C’était un émerveillement,
ça l’est toujours. Il y a des suites d’accord
à la Jimmy Page (“No Speak No Slave”,
“Remedy”, “Black Moon Creeping”), des riffs
à la Keith Richards, mais tout cela ne verse
jamais dans la décalcomanie ni dans le hard
bas du front — ces gars venaient d’Atlanta,
pas de Birmingham. Les compositions sont
tuantes (“Sting Me”, “My Morning Song”,
“Thorn In My Pride”) et Chris devient l’un des
plus grands chanteurs de l’histoire du rock.
Sur “Sometimes Salvation”, sorte d’hymne
soul explosé, il livre une prestation qui n’a
que peu d’équivalents chez les Blancs toutes
générations confondues. L’album entier est
Photo Mark Selinger-DR
une perfection de rock néo-seventies qui
n’a évidemment pas vieilli d’un iota dans
la mesure où il était parfaitement produit à
l’ancienne par un Drakoulias manifestement
en lévitation : entre ses jambes, il pilotait
une Ford Mustang. “The Southern Harmony
And Musical Companion” est un album
faramineux, qui ressort aujourd’hui augmenté
de live, raretés, etc. Et Dieu sait que le groupe
sur scène était aussi monstrueux (Jimmy Page
en personne les rejoindra plus tard le temps
d’une tournée devenue mythique, mais en
réalité, c’était mieux sans lui car les reprises
de Led Zep sans Led Zep n’ont aucun intérêt,
surtout sans John Bonham, parce que sans
Robert Plant, c’est plutôt agréable). Les Black
Crowes se déliteront plus tard dans un rock
d’abord sudiste puis franchement hippie avec
force jams pénibles et enfumées, avant de
resserrer les boulons sur “The Black Crowes”
(1999), très bon disque, mais incapable de
retrouver le niveau magistral de ce deuxième
essai qui, à l’époque, a comblé tous ceux qui
n’avaient que faire de Pearl Jam, Soundgarden
et Jane’s Addiction. Cet album est une féerie
rock’n’roll, du genre comme on en entend
peu dans une vie. Rien que l’intro de “Hotel
Illness” donne envie de foutre le camp le pied
au plancher. Tant pis si c’est vers nulle part,
seul le voyage compte.
NICOLAS UNGEMUTH
 Rééditions PAR NICOLAS UNGEMUTH

Le groupe le plus laid de l’histoire du rock

On ne voit pas très bien ce que les
Canadiens viennent y faire, mais
pourquoi pas ? Sur cinq CD, voici donc
la grande révolution de la musique
majoritairement américaine née à la fin
des années soixante-dix. Le panel est
évidemment très large et il y a à boire et
à manger, comme dans la compilation
power pop citée plus haut. Mais ici,
pour les jeunes, les classiques sont
au rendez-vous : “Blank Generation” de
Richard Hell avec ses Voidoids, reprise
déprimée de la moquerie “I Belong
To The Beat Generation” gravée des
années plus tôt, bénéficiant de la
guitare plus qu’aiguisée de Robert
Quine, rapidement volé par Lou Reed
qui ne tardera pas à le maltraiter
pour être raccord avec sa réputation,
“Rockaway Beach” des Ramones ?
“Friction” de Television, “Chinese
Rocks” des Heartbreakers, “Sonic
Reducer” des Dead Boys (le groupe le
plus laid de l’histoire du rock), “Rocket
USA” de Suicide, “Final Solution”
de Pere Ubu, “Rip Her To Shreds”
de Blondie, et hélas, “Pissing In A River”
du Patti Smith Group. Voici une com-
pilation très bien faite, contrairement à
l’autre : les classiques sont là le temps
d’un CD, ensuite arrivent les choses
plus rares. Il y a forcément à boire et à
manger le temps deux CD sur lesquels
des bourrins tentent maladroitement de
singer le punk anglais. Au moins nous
est épargnée la scène hardcore. DMZ,
les Dickies, les Germs, les Zero Boys,
ça va bien un moment. Les Cramps de
“TV Set” sauvent l’honneur, et puis sur
les quatrième et cinquième CD, tout
change : Feelies, Bongos, Gun Club,
Wall Of Voodoo, X, Replacements,
Salvation Army, Unknowns, Dream
Syndicate, Flesh Eaters, etc. Pour
les fans, il y a même Minor Threat et les
Dead Kennedys. Difficile de comprendre
où ça s’arrête car à l’époque officiaient
déjà les Blasters, Los Lobos, voire
Lone Justice ou encore Hüsker Dü,
comme il est compliqué d’envisager une
cohérence dans ce grand panorama,
mais l’ensemble donne une vision
plus que correcte de l’évolution
du rock américain à l’époque.

“LOOKING FOR THE MAGIC –

AMERICAN POWER POP IN THE SEVENTIES”
Grapefruit (Import Gibert Joseph)
C’est entendu, tout a été réédité, dans
toutes les thématiques envisageables.
Le genre dit power pop a subi plusieurs
traitements plus ou moins inspirés. La
meilleure compilation, en trois volumes,
étant la très ancienne “Poptopia”, parue
chez Rhino dans les années 1990. Elle
est introuvable. Depuis, tout le monde
s’est gavé, y compris chez les bons gars
d’Ace Records. Voici que Grapefruit s’y
colle. Dès le livret introductif, le propos
est clair : il y a eu tellement d’anthologies
consacrées à la power pop qu’il est inutile
de reproduire les mêmes morceaux
comme, par exemple, “September Gurls”,
de Big Star. Un postulat qui permet, a
priori, d’oublier les plus grands titres
et de fourguer un peu tout et n’importe
quoi du moment que c’est américain,
enregistré dans les années 1970, avec
plein d’accords majeurs. D’emblée, le
tracklisting fait rire : “Shakin’Street” des
MC5, “Don’t Fear The Reaper” de Blue
Öyster Cult (même amputé, Dieu merci,
de son passage metal), les Runaways,
les Ramones, Jonathan Richman en solo,
ou, carrément, “See No Evil” de Television.
Et puis, Nils Lofgren, Alex Chilton en solo,
Grin, Bread, les Sparks, NRBQ (?!!), Moon
Martin, Richard Lloyd ? Qu’est-ce donc
que cette furie drolatique ?! La définition
de la power pop a changé au fil des ans.
On sait que l’expression a été inventée par
Pete Townshend, en gros à l’époque de
“I Can See For Miles”. Les années passant,
et les concepteurs de cette anthologie
semblent le penser, il s’agissait en réalité
d’une musique conçue par des groupes
des années 1970 qui aimaient toujours
les ténors mélodiques des sixties à une
époque dominée par Led Zeppelin, Eagles,
Steely Dan ou Fleetwood Mac, seconde
partie. Soit. Pourquoi pas. D’ailleurs, à
quelques morceaux près, Big Star ne
faisait pas spécialement de la power pop,
Badfinger non plus, les Plimsouls encore
moins (ceux-là faisaient du rock’n’roll très
sauvage). Donc, les cadors de Grapefruit
ont décidé d’aligner trois CD de morceaux
mélodiques captés dans les seventies. Il
reste heureusement quelques classiques
du genre (Rubinoos, 20/20, Shoes — pour
un morceau très quelconque —, les Cars,
lDwight Twilley Band, les Groovies
période Chris Wilson, les couillons de
The Knack, les Raspberries, etc.). Bref :
tout ceci ne ressemble à rien, mais
s’écoute agréablement. Sauf que les
ingénieurs de cette compilation de trois
CD auraient mieux fait de l’intituler “Nos
morceaux préférés des années 1970 en
accords majeurs”. C’est à se demander
pourquoi Kiss n’a pas été inclus.
“BLANK GENERATION – A STORY OF US/
CANADIAN PUNK & ITS
AFTERSHOCKS 1975-1981”
Cherry Red (Import Gibert Joseph)
Dans le genre grand fourre-tout,
ce coffret se pose là également,
même si le niveau est plus élevé.

JANVIER 2024 R&F 071


“BOBBY GILLESPIE PRESENTS/
STILL CAN’T BELIEVE YOU’RE GONE”
Ace (Import Gibert Joseph)
On pense ce qu’on veut de Bobby
Gillespie, de ses débuts chez les Jesus
And Mary Chain en Moe Tucker virile
ou de sa suite avec Primal Scream, une
chose est sûre : l’homme est un fan
de musique, un érudit qui verse — et
qu’il maîtrise par cœur — dans des
genres très différents qu’il s’agisse du
reggae, du krautrock, du rock garage,
du folk anglais ou américain, de la
techno, du punk qui l’a vu naître, on
en passe. Voici qu’il sort pour la bonne
maison Ace une seconde compilation
des morceaux qu’il a adoré écouter
dans des circonstances bien précises :
après l’adrénaline d’un concert, après
avoir dansé toute la nuit sur de la
house déchaînée, pour essayer de
dormir quelques heures après dans une
chambre d’hôtel ou dans un tour bus
de luxe transportant cette fine équipe
de jansénistes vers la prochaine
ville prévue pour la tournée. Une
manière délicate de ne pas dire
que, étant en pleine descente, il
ne pouvait décidemment pas écouter
“Kick Out The Jams” ou “Search And
Destroy” : ça ne fonctionne pas très
bien. Mais Bobby adore la musique
américaine du Sud — il a conçu
un album entier avec Jim Dickinson,
pianiste de “Wild Horses”, pilier de
Trident Records et producteur du
troisième Big Star. Il a donc concocté
une sorte de playlist pour chiller,
comme on disait au XXème siècle. Sa
sélection est impeccable. “Magnolia”
de JJ Cale, “Wait And See” de Lee
Hazlewood”, “I Feel Like Going Home”
de Charlie Rich (morceau de choix des
musiciens en tournée qui subissent
violemment le mal du pays), mais
aussi la version instrumentale de
la beauté “Dark End Of The Street”
par Ry Cooder, une ballade méconnue
et superbe de Thin Lizzy (“Shades Of
A Blue Orphanage”) ou une splendeur
072 R&F JANVIER 2024
de Boz Scaggs (“I’ll Be Long Gone”).
Suivent Bob Dylan (“Love Sick”),
Donnie Fritts pour “We Had It All”
(meilleure par Waylon ou Green On
Red tout de même, mais Bobby a
privilégié l’original), Percy Sledge,
Little Feat, Kate & Anna McGarrigle,
et même un titre du Grateful Dead
période country. Cet Ecossais est
décidément plein de surprises.
Betty Davis
“BETTY DAVIS”
“THEY SAY I’M DIFFERENT”
“NASTY GAL”
Light In The Attic (Import Gibert Joseph)
Il y a eu le hard bop, le hard rock,
le hardcore, Betty Davis a inventé
le hard funk en 1973. Elle vivait
avec un hard guy, Miles Davis en
personne, mais n’était pas du genre
à se laisser dominer. Cette panthère
en furie et en guerre contre le monde
entier a sorti un premier album
légendaire (“Betty Davis”), bénéficiant
des participations de Sylvester, des
Pointer Sisters, comme de Larry
Graham ou de Greg Errico, fraîchement
recrutés chez la Family de Sly Stone,
sans oublier des gonzes venus de
chez Santana. Les deux albums
suivants sont un peu moins bons,
mais la chanteuse feule comme
jamais. En ce qui concerne le funk
méga violent, Miss Davis envoie
tout le monde au tapis, mais il est
vivement déconseillé d’écouter tout
cela après une insomnie (ou une nuit
de boisson pour les plus jeunes) : c’est
comme avoir un tableau noir essuyé
avec un silex au fond des tympans.
Candi Staton
“I’M JUST A PRISONER”
“STAND BY YOUR MAN”
Kent/ Fame (Import Gibert Joseph)
Dans un registre très différent, voici
les deux albums majeurs de l’une des
plus grandes chanteuses de soul. Candi
Staton, la chérie de Clarence Carter,
avait été grâce à lui signée chez Fame,
mythique label sis à Muscle Shoals et
tenu par le génial Rick Hall. Sa clique de
musiciens réguliers comme sa science
de l’enregistrement ont contribué à
rendre toutes — sans exception —
ses productions proprement légendaires.
Candi Staton n’a pas démérité.
Chanteuse exceptionnelle venue du
gospel, mais s’interdisant de beugler
comme Aretha Franklin, elle a gravé
à Muscle Shoals deux chefs-d’œuvre
monstrueux de deep soul en 1969
et 1971. Dans un genre musical où
la concurrence est plus que rude, la
Staton a brillé de mille feux, et ce serait
conspirer sournoisement que décrire ces
albums comme mineurs. On parle de
chefs-d’œuvre. Ces deux disques ont été
réunis sur une compilation en 2003 chez
Capitol (assemblée par Damon Albarn),
puis récemment par Kent. Si vous les
avez, gardez vos deniers pour payer
le chauffage. Sinon, ne vous rachetez
pas une énième anthologie bleue ou
rouge des Beatles et foncez là-dessus.
Vous écouterez toujours ces deux
cathédrales soul sur votre lit de mort.
The Undertones
“WEST BANK SONGS 1978-1983
A BEST OF”
BMG (Import Gibert Joseph)
Bien sûr, ce n’est pas la première
compilation dédiée au groupe irlandais
venu de Derry (le premier qui dit
“Londonderry” est fusillé d’emblée).
Celle-ci semble meilleure que les
précédentes. Il y a un peu plus de
quarante titres répartis sur deux CD,
pour la première fois une belle pochette,
un son proprement cristallin, mais
surtout le choix très intelligent de ne
pas proposer les meilleurs titres de leur
carrière (les albums des Undertones sont
rarement parfaits de A à Z, ce qui fait
l’intérêt des compilations, surtout
lorsqu’elles sont aussi copieuses)
dans un ordre chronologique :
c’est ainsi qu’on appréhende au
mieux la variété de leur musique, dont
les meilleurs titres sont souvent signés
par l’exceptionnel John O’Neil. Le reste
du groupe est excellent, et puis il y a
la voix étrange de Feargal Sharkey, son
léger vibrato, son intensité extraordinaire.
Pour le reste, les Undertones ont com-
mencé en s’inspirant des Ramones
(alors qu’ils adoraient aussi les
Stooges et les New York Dolls), ont
signé l’un des plus grands morceaux
de tous les temps sur les difficultés
de l’adolescence (“Teenage Kicks”,
à pleurer), puis ont évolué en rendant
hommage au garage, à Love ou à la
soul. Une évolution sans précédent
pour un groupe venu du punk,
mais qui a fini par avoir leur peau.
Parfois, le courage ne paie pas. o
 Réhab’ PAR BENOIT SABATIER

Ignorés ou injuriés à leur sortie, certains

albums méritent une bonne réhabilitation.
Méconnus au bataillon ?
Place à la défense.

Nom d’un chien, “Forever Changes”

avait un petit frère ?!

Stephen Monahan
“STEPHEN MONAHAN”
Kapp

DES CHEFS-D’ŒUVRE SIXTIES PASSÉS À LA TRAPPE, MÉPRISÉS, Là, au pays des Byrds et Doors, le monde a complètement changé. Il habite
IGNORÉS, BAFOUÉS ? De “The Velvet Underground & Nico” à “Odessey avec Dan, la paire donnant un coup de main à Del pour deux albums
And Oracle”, il en existait un sacré paquet. “Exister” au passé : au fil des ans, splendides, “Total Commitment” (1966) et “The Further Adventures Of
les années soixante ont été ratissées au peigne fin, les injustices localisées, Charles Westover” (1968). Parallèlement, Dan lui ayant dégoté un contrat
dénoncées, réparées, les disques déconsidérés à tort se voyant largement avec Knapp Records, le label de Burt Bacharach et The Critters, Monahan
revalorisés. Résultat : des tonnes d’ex-obscurités des années soixante trônent bosse sur son propre album, entouré d’une équipe de choc : à la production,
maintenant dans toutes sortes de listes(1) affublées de l’étiquette “culte”. Charles Greene et Brian Stone (le duo derrière Buffalo Springfield) et aux
Beaucoup de troisièmes couteaux, dont arrangements, le cador du Wrecking
la principale qualité fut l’anonymat, Crew, Don Peake. L’avant-coureur
se retrouvent aujourd’hui vantés par “City Of Windows” marche pas
des hordes d’illuminés. Les artistes mal : 78ème place des charts. Un titre
sixties à la fois surdoués et passés épique qui laisse présager d’une suite
entre les gouttes des rédemptions grandiose. Les deux singles suivants,
rétrospectives ? Il faut se lever tôt pour, les fantastiques “Play While She
encore, en exhumer. “Of Horses, Kids Dances” et “Newberry Barn Dance”,
And Forgotten Women” de Hearts And se gaufrent lamentablement. Pareil
Flowers, avec l’exceptionnel “Ode To pour l’album “Stephen Monahan”,
A Tin Angel” : au niveau des Byrds. en 1968. Pourtant, nom d’un chien,
“Hypnotic 1” de Bit ‘A Sweet : meilleur quel disque — le petit frère caché de
que “Their Satanic Majesties Request”. “Forever Changes” ! Imaginons une
Aux Pays-Bas, Ro-d-Ys (“Earnest soirée informelle où passeraient les
Vocation”), Mega’s (“Meganique”), The musiciens de “Walk Away Renée”
Motions (“Impressions Of Wonderful”), et “Gene Clark With The Gosdin
en Nouvelle-Zélande The Avengers Brothers”, certains boivent un coup
(“Medallion”) et Fourmyula (“Green ou fument un joint, d’autres jouent,
‘B’ Holiday”), en Italie The Rokes, en de façon urgente, passionnée, une pop
Argentine Los Walkers, en Australie orchestrale ou rustique, baroque et
The Twilights, au Danemark The Floor, spontanée, les chaises tournent, des
voilà tout autour du globe des pépites chansons magnifiques s’édifient —
à déterrer(2). “Run For Me”, “Long Live The King”
Et la plus obscure des obscurités et le tétanisant “Why Do I Still Love
doublée du plus génial des génies ? You”. Flop retentissant, injustice hal-
Stephen Monahan — auteur d’un lucinante. Monahan enregistre deux
unique album, à la fois éponyme et autres singles (dont le beau “A Little
sublime, sorti en 1968 dans l’indifférence générale, toujours ignoré, Bit”), offre “Colorado Rain” à Del Shannon, lui produit “Oh How Happy”, puis
jamais réédité —, sachant, comble de la honte, qu’on trouve facilement change de secteur, rencontrant enfin le succès — comme chiropracteur en
des vinyles en circulation à dix malheureux dollars. Floride. Il soigne les lombaires, torticolis et sciatiques. “Stephen Monahan”,
Né à Detroit, Stephen monte un groupe au lycée, The Tremolos — deux l’album, grandiose et occulté, guérit, lui, de la médiocrité. H
singles, des instrumentaux surf, en 1962 et 1963. Parallèlement, Monahan, 1. Kaleidoscope (les Anglais), The Smoke (les Américains), Nirvana (les Gréco-Irlandais),
qui n’a même pas dix-huit ans, sort ses propres chansons, “Annabelle J.K. & Co., Barry Ryan, Billy Nicholls, Tages, Blossom Toes, The End, Grapefruit, The Moon,
Lee” et “The Leaves Of Fall”. Aucune répercussion : il tente une alliance Apple, World Of Oz, The Family Tree, Honeybus, Jimmy Campbell, tous jouissent à l’heure qu’il
avec un autre apprenti-rocker, Bob Seger, ainsi qu’avec le dénommé Dan est d’une cote conséquente et légitime.
Bourgoise. C’est avec ce dernier qu’il rencontre en 1964 une star du même 2. Et aussi : The Appletree Theatre, The Mirage, Chris Parfitt, The American Revolution, Russell
âge, également originaire du Michigan : Del Shannon. Les trois gamins Morris, Tin Tin, The Hobbits, Sheridan & Price, The Children, The 31st Of February, Mike Tingley,
deviennent copains comme cochons, Monahan accompagnant Shannon en The British North-American Act, Vaughan Thomas, The Griffin, Thomas Hill, The New Wave, Les
tournée sur le “Dick Clark’s Caravan Of Stars” — trois mois de concerts en Sinners, Wichita Fall, The Tuneful Trolley, Les Sauterelles, The Young Idea, Thomas Edisun’s
1965 aux côtés des Zombies et Shangri-Las. Suit un autre enrôlement — Electric Light Bulb Band…
chez les militaires. Quand il termine l’armée, Steve rejoint Del et Dan en
Californie, où ils se sont installés. Bidasse, il ne s’en était pas rendu compte. Première parution : 1968

074 R&F JANVIER 2024

Vinyles PAR ERIC DELSART
Aussi sophistiqué qu’étrange
Rééditions, nouveautés et 45 tours : le point sur les meilleurs microsillons du moment.
Rééditions
The Beatles
“1962-1966”
“1967-1970”
Apple/ Universal
Les fameuses compilations rouges
et bleues des Beatles ont droit à leur
lifting de circonstance pour Noël. Ces
disques publiés en 1973 ont bercé des
générations mais écartaient étrangement
certains classiques du groupe. Ces
rééditions sur triple vinyle tentent de
réparer la chose, avec des choix qui
devraient alimenter les discussions
des fans des Fab Four durant les fêtes,
à l’heure du digestif. Les titres ajoutés,
qui figurent dans l’ordre chronologique
sur l’édition CD, sont ici consignés sur
un troisième album, afin de garder intact
le tracklisting de 1973 pour les deux
premiers, ce qui donne des faces E
et F étranges. Côté son, on a droit
à des nouveaux mix qu’on pourra juger
révisionnistes également, mais ces
quelques détails mis à part, on tient ici
un best-of de 80 morceaux qui parvient
à rendre justice à la brillance du groupe
tout en laissant quelques chefs-d’œuvre
de côté (à commencer par la face B
d’“Abbey Road”). Strictement imbattable.
David Bowie
“Pinups”
Parlophone
Pour ses cinquante ans, le dernier album
de David Bowie période glam est réédité
en vinyle avec une qualité sonore
optimale (et ce fameux mastering à
demi-vitesse). En 1973, regarder dans
le rétroviseur était dans l’air du temps.
Lenny Kaye avait publié la compilation
“Nuggets” l’année précédente, Bryan
Ferry venait de publier “These Foolish
Things” où il reprenait des standards.
Enregistré alors qu’il venait d’annoncer
la dissolution des Spiders Of Mars
sur scène, l’album a été conçu dans
la douleur. C’est peut-être pour cette
raison qu’il y a peu de joie sur ce disque
où Bowie peine à transcender les
originaux — difficilement surpassables,
il faut le reconnaître — des Easybeats,
Pink Floyd, Who et Pretty Things. Notons
toutefois quelques belles réussites, telle
“Sorrow”, empruntée aux Merseys, et
“Shape Of Things” des Yardbirds.
Little Bob
“Time To Blast”
GM
En 2009, Little Bob publiait l’album
“Time To Blast”, disque de blues-rock
rêche sur lequel on trouvait déjà les
musiciens qui forment la colonne
vertébrale des Little Bob Blues Bastards
aujourd’hui. Un disque dans lequel Bob
explique, dans le morceau “The Phone
Call”, que le rock’n’roll lui a téléphoné
un soir à minuit en lui disant qu’il avait
besoin de lui. Alors le chanteur, grand
artisan de la chose en France, s’est
exécuté. Uniquement publié en CD à sa
sortie, une époque où le vinyle n’avait
pas encore le vent en poupe, “Time To
Blast” paraît pour la première fois sous
ce format, avec une pochette inédite.
Dogs
“A Different Kind –
4 Of A Kind Vol.II”
Deviation/ Universal
L’année 2023 aura été magnifique pour
les fans des Dogs qui auront eu droit à
la réédition de deux albums du groupe
de Dominique Laboubée. Après “4 Of
A Kind Vol. 1”, c’est son successeur
(sous-titré “A Different Kind”) sorti
à l’origine en 1999 qui revient sur
grande galette, avec une belle surprise :
un deuxième disque contenant les
morceaux proposés en CD bonus sur
Photo Bruno Berbessou
la première édition de l’album. On y
entend le groupe chanter en français, ce
qui est assez rare pour être signalé, avec
notamment une magnifique reprise live
de “Fier De Ne Rien Faire” des Olivensteins
et la formidable “Jenny Jane”. L’album
en lui-même est tout aussi excellent,
avec quelques saillies comme “Back
To Bali”, à la couleur power pop.
Devo
“50 Years
Of De-Evolution”
Rhino/ Warner
C’est écrit dans le titre : les fous
furieux de Devo fêtent cinquante ans
d’existence avec une compilation qui
retrace la carrière du groupe. Publiée
également en CD et dans un luxueux
coffret quatre vinyles qui rassemblent
cinquante morceaux et fait la part belle
aux obscurités et raretés, la version
double vinyle de cette compilation
rassemble vingt-cinq titres et s’avère
plus efficace : on a essentiellement
droit aux tubes du groupe (de
“Mongoloid” et “Jocko Homo” à
“Fresh” et “Whip It” en passant par
la version 45 tours de “Disco Dancer”)
pour une entrée en matière idéale pour
ceux que l’affaire Devo — à la disco-
graphie parfois illisible — effraie.
Akiko Yano
“To Ki Me Ki”
We Want Sounds/ Modulor
Le label We Want Sounds poursuit
sa campagne de réédition de disques
japonais des années soixante-dix. Après
Reiko Kaji et Ryuichi Sakamoto, c’est
Akiko Yano (la femme de ce dernier)
qui a droit à un focus avec cet album
sorti en 1978 mais qui n’avait pas été
publié en dehors du Japon. Enregistré à
New York, “To Ki Me Ki” est un disque
de pop synthétique aussi sophistiqué
qu’étrange, avec des chansons
aux rythmes chaloupés, entre jazz,
easy-listening et excentricité pop
à la Björk. Une belle découverte.
The Mono Men
“Stop Draggin’ Me Down”
Dangerhouse Skylab
Depuis qu’il s’est mis en pause aux alen-
tours de 2005, le label Estrus — haut
lieu du rock garage des années quatre-
vingt-dix, avec des artistes comme
The Mummies, The Makers, Oblivians,
The Mooney Suzuki ou les Soledad
Brothers — pose problème car ses
publications sont aujourd’hui introuvables.
C’était le cas il y a peu encore de “Stop
Draggin’ Me Down” des Mono Men, groupe
mené par Dave Crider, le patron de ce
label de légende que Dangerhouse Skylab
rend de nouveau accessible. Du rock’n’roll
sans fioritures, à mille lieues des postures
de faux rebelles de l’époque, qu’on ne
peut que recommander. Notons qu’un
livre intitulé “Estrus: Shovelin’ The Shit
Since ’87”, qui retrace l’aventure du
label, vient de sortir sur Korero Press.
On le recommande vivement.
Nouveautés
JJ McCann
Transmission
“Hit With Love”
Beast
Croisé chez The Drones au tournant
des années 2000 au poste de guitariste
solo, James McCann produit depuis
vingt ans des albums dans la grande
tradition du rock’n’roll australien, qui
sent le bourbon et les salles enfumées.
Avec son nouveau projet JJ McCann
Transmission — qui consiste en McCann
à la guitare et au chant, accompagné
d’un aréopage de musiciens venus de
sa ville de Melbourne —, il enrobe
son rock’n’roll garage d’un vernis post-
punk (“New Machine (Are We)”) tout
en gardant un appétit pour le rock’n’roll
le plus échevelé (“Forces At Work”).
The Twin Souls
“Family & Friends”
Smoky Sun/ Kuruneko
Après deux EP remarqués (sobrement
intitulés “I” et “II”) uniquement
disponibles en numérique, les
frangins toulousains Martin et Guilhem
Marcos passent à l’étape vinylique en
regroupant ces deux publications sur
un simple, tout en y ajoutant quatre
morceaux enregistrés avec des invités
(dont Yarol Poupaud et Dätcha Mandala).
Heavy, rock et bluesy, les Twin Souls
frappent fort quand ils font dans l’épure
(“Ch Ch Chewa”) et sortent des clichés
rock à papa (“It’s All In Your Mind”).
45 tours
Gros Cœur
“Gros Disque”
JauneOrange
Peut-on appeler mini-album un disque,
certes court, dont les morceaux avoi-
sinent parfois les neuf minutes ?
Le quatuor belge psychédélique
Gros Cœur frappe très fort avec ce
premier album aux influences oscillant
entre world-psych, krautrock et rock
garage. “Dax” est un titre enlevé comme
King Gizzard n’en fait plus, et le groupe
déploie des grooves orientaux (“Java”,
quelque part dans le Moyen-Orient,
“Ventre Volcan” à la couleur afrobeat)
qui font mouche. Un groupe à suivre. o
JANVIER 2024 R&F 077
Discographisme_75
PAR PATRICK BOUDET
On ne juge pas un livre à sa couverture.
Et un album ? Chaque mois, notre
spécialiste retrace l’histoire visuelle
d’un disque, célèbre ou non.
“School’s Out”
Alice Cooper
Première parution : 1972
rintemps 1969, les débuts d’Alice Cooper
P sont laborieux. Au Cheetah Club de
Los Angeles où il joue régulièrement, le
groupe fait plus fuir les spectateurs qu’il
ne les retient, sauf une, Miss Christine.
Membre du groupe des GTO’s (Girls Together
Outrageously, une troupe de filles excentriques
qui dansent et chantent en mode happenings
avant les concerts), Miss Christine a trouvé
en Vincent Furnier un double presque plus
étrange qu’elle. Les deux créatures sortent
ensemble et Christine, qui vient de jouer à
la sirène d’outre-tombe sur la pochette de
“Hot Rats” de Frank Zappa, présente Alice
Cooper à son mentor. Venant de créer Bizarre
Records et Straight Records pour accueillir
des artistes disruptifs, Zappa ne peut résister
à un groupe qui effraye ses auditeurs.
La pochette de “Pretties For You”, sorti
en 1969, propose une peinture d’Edward
Beardsley que Zappa venait d’acquérir. Une
jeune femme montre sa culotte à un passant,
c’est provocateur, mais pas suffisamment
pour en faire un succès commercial. La
pochette de l’album suivant, “Easy Action”
(1970), présente le groupe aligné de dos,
avec un look glam. Malgré une amélioration
substantielle dans les compositions et la
production, la sauce ne prend toujours
pas. Lassé et pas suffisamment disponible,
078 R&F JANVIER 2024
Zappa jette l’éponge et Warner Bros.,
distributeur, reprend le label dans lequel il
y a aussi Tim Buckley et Captain Beefheart.
Avec “Love It To Death” (mars 1971),
le show Cooper se met en place, et c’est
exactement le sens de la pochette. Entouré
de ses musiciens, Furnier est saisi par un
spot de lumière dans une pose lascive sur une
scène. La pochette sera retirée du marché par
Warner à cause d’une main qui plonge vers les
parties génitales du chanteur, et remplacée par
le même visuel où le bras a été soigneusement
caché. L’intérieur est un gros plan de ses yeux
grimés de noir en mode spider. L’album se vend
progressivement bien, tiré par le tube “I’m
Eigtheen”, et le groupe affine la théâtralité
de son jeu de scène. Dans un véritable show
d’horreur, Furnier, qu’on identifie désormais
au nom de son groupe, se débat dans une
camisole de force, joue avec un boa vivant
dans des poses sulfureuses et, clou du
spectacle, grille sur une chaise électrique.
Les sixties, les hippies et le rock à message
révolutionnaire semblent bien loin. Alice
Cooper est devenu la nouvelle sensation
scénique, gesticulation sexuelle et train
fantôme sur un hard criard entre garage
et glam. Huit mois plus tard, le boa est la
vedette de la pochette de “Killer” qui propose
en goodies un calendrier avec Alice Cooper
pendu au bout d’une corde. Il est désormais
clair que le groupe vise le public adolescent
par son imagerie et les adultes par son rock
puissant et savamment sophistiqué.
La machine Cooper est inarrêtable et
“School’s Out” arrive dans les bacs sept mois
après le précédent opus. L’album est presque
entièrement consacré au grand moment de
l’adolescence : le lycée. Cette thématique
est quasi consubstantielle à la naissance du
rock au cinéma dans “Blackboard Jungle” et
sur les platines avec “School Days” de Chuck
Berry. Après tout, le rock’n’roll n’est-il pas
qu’une longue ode à la frustration adolescente ?
L’idée de la table d’écolier en bois surgit
lors d’une réflexion collective entre les
membres du groupe et exprime immédiatement
le concept de l’album. Ont-ils été influencés
par la pochette de “Thinks: School Stinks”
du groupe anglais Hotlegs (futur 10CC)
sortie un an plus tôt ? Quoi qu’il en soit,
celle de “School’s Out” se doit d’être à
la hauteur des mises en scène d’Alice
Cooper, impactante et inoubliable !
Craig Braun, tout auréolé de ses expériences
avec Warhol (la banane du Velvet Underground
et “Sticky Fingers” des Rolling Stones),
imagine un pupitre d’écolier tabernacle
du lycéen, presque réel. Son équipe en
chine un des années cinquante chez un
brocanteur de Manhattan. Il ajoute un
encrier, des crottes de nez (dixit Craig
Braun) et grave les initiales ou les noms des
musiciens du groupe (AC pour Alice Cooper,
N Smith pour Neal Smith…). Un gros cœur
rouge transpercé d’un couteau et barré des
noms du groupe et de l’album est taillé et
coloré dans le bois. Plus ado, tu meurs !
Mais l’ingéniosité est à l’intérieur.
Concepteur de la fameuse carte tournante du
Led Zeppelin III, Craig Braun place l’ouverture
de la pochette sur la charnière du pupitre et, au
recto, il installe des pieds dépliables de façon
à maintenir le bureau légèrement surélevé.
Dès lors, la pochette devient en objet en soi.
Dans le casier de rangement du pupitre, il
prend soin de placer, outre les outils classiques
de l’élève — stylo, règle, gomme… —, les
attributs du cancre parfait : un lance-pierre,
un couteau à cran d’arrêt, des billes, du
chewing-gum Wrigley, un quiz scolaire
pour décliner les crédits de l’album
et un exemplaire du n°111 de “Mad”
datant de juin 1967 ouvert à la page 16
où on aperçoit un strip sur Liberace.
Sur la face intérieure de l’abattant, une photo
du groupe est scotchée maladroitement. Alice
Cooper en goguette : Neil Smith en train de
siroter une bière, Michael Bruce sur le sol,
hagard au milieu des canettes vides, Alice
Cooper et Glen Buxton essayant de tenir debout
alors que Dennis Dunaway, visage masqué et
installé dans une poubelle, pointe sur nous une
arme. Le portrait du gang a été préféré à celui
de la traditionnelle petite amie, désirée mais
pas conquise. Quoique ? Le vinyle est glissé
dans une petite culotte, trophée et fétiche !
Seuls les premiers exemplaires en bénéficieront
avec un bulletin scolaire sur lequel il y a les
titres des chansons écrits à la main. Pour
une histoire de législation, ils seront retirés
du marché. Qu’à cela ne tienne, le stock
restant sera balancé d’un hélicoptère
lors du concert à l’Hollywood Bowl
de Los Angeles. Long live rock’n’roll ! o
Highway 666
revisited PAR JONATHAN WITT
Groupes hard rock, groupes cultes
“75% des jeunes
étaient sous drogue”
WIZARD
POWER TRIO À L’ASCENSION
AUSSI FOUDROYANTE QUE SON
IMPLOSION, WIZARD SYMBOLISE
CETTE TRANSITION ENTRE
GARAGE ROCK, PSYCHÉDÉLISME
VIOLENT ET HARD ROCK
NAISSANT. Son unique album,
dont la valeur peut aujourd’hui
atteindre plus de neuf cents euros,
a révélé le talent du guitariste
Ben Schultz, lequel deviendra
un musicien de séances très prisé.
Nous voici en 1970, à l’université de Tampa,
en Floride. Bassiste novice, Paul Forney
peut compter sur son pote Charlie Souza.
Ce dernier lui passe le numéro du très
doué Ben Schultz : résultat, il décroche
une audition qui le propulse membre de
Brother. Un camarade de l’université, un
certain Chris Luhn, prête ses muscles
comme roadie. Chemin faisant, Brother se
retrouve à ouvrir pour deux formations bien
établies (mais aujourd’hui un peu oubliées)
en cette orée des triomphantes seventies :
Smith — mené par la voix tonitruante de
Gayle McCormick — et The Flock. Alors
qu’il décharge le matériel, Chris est témoin
d’une scène habituelle : les managers des
deux groupes se chamaillent pour savoir
lequel passera après l’autre. Malgré de
solides mises en garde, celui de Smith
insiste pour avoir le dernier mot — une
bien mauvaise inspiration tant The Flock
brillera ce soir-là. Pendant ce temps,
en coulisses, le batteur de Brother est
introuvable, la faute à un énième coup
de tête. Excédé, Paul demande à Chris
de s’asseoir sur son tabouret pour les
balances. Ravi, le gonze s’exécute et
déballe même tout le répertoire. Paul
et Ben échangent un sourire : pourquoi
ne pas miser sur lui, finalement ? Dès le
lendemain, Chris appelle son père pour lui
soutirer de quoi acquérir ses propres fûts.
Sous le sobriquet de Wizard, les chevelus
gravissent rapidement les échelons jusqu’à
partir en tournée avec Iron Butterfly (et
de se faire éjecter après lui avoir fait
trop d’ombre…). Qu’importe, c’est la belle
vie : le trio sillonne les Etats-Unis dans sa
Pontiac Bonneville de 1967 équipée d’une
remorque, rétamant les places fortes du
moment : Los Angeles, Chicago, Nashville,
Miami et Detroit. Non loin de la Motor City,
Wizard participe au festival de Goose Lake,
du 7 au 9 août 1970. L’affiche est complè-
tement démentielle : outre les Faces,
Ten Years After ou James Gang, on
y retrouve The Stooges, MC5, Bob Seger,
Brownsville Station, Frost ou encore SRC.
La crème de la crème du Michigan. Deux
cent mille chanceux sont présents et le
shérif local estime que “75% des jeunes
étaient sous drogue”. En bonus : un
immense toboggan et une ingénieuse scène
pouvant pivoter à 180 degrés (ce qui limite
les temps morts). Ayant passé le test de la
brutalité haut la main, nos gaillards se lient
et improvisent avec Third Power, Catfish
ou Frijid Pink. Bob Fletcher, producteur
du label Decca, finit par les repérer. Très
vite, il les convie à un enregistrement aux
studios Penguin d’Atlanta. Un premier
album est mis en boîte en quelques jours.
Il paraît en 1971 sur le microlabel Peon
Productions. D’emblée, le manifeste
antidrogue “Freedom” pose les bases de
ce classique du courant heavy psych : on
y découvre la guitare un peu garage-rock
de Schultz, capable par ailleurs d’envolées
quasi hendrixiennes, distorsion et wah-wah,
la voix narquoise et rocailleuse de Forney,
ainsi qu’une section rythmique efficace,
Luhn ayant une certaine affection pour
les roulements de toms. La douce ballade
“Come And See The Bride” démarre par
une marche nuptiale. La suite se fait
plus virulente, tempétueuse (“Opus Ate”,
“Killing Time”, “Gotta See My Way”).
“Ride” est un rare détour par la country,
tandis que “Seance” louche du côté de
Cream, avant d’étonnants titres portés sur
la religion (“Talkin’ To God”, “Evergreen”).
Partout, la dextérité de Schultz est
remarquable, tout comme l’énergie
juvénile qui se dégage des musiciens.
L’hiver suivant, Wizard doit se produire
dans un autre festival à Hollywood.
Cagnard, mauvaises drogues, le trio perd
ses moyens et se rattrape avec une longue
mais intense jam de trente minutes. Les
trois hommes continueront de réjouir les
foules, notamment aux côtés de Chicago,
Mountain ou Rod Stewart, mais implose
après seulement seize mois d’existence.
Paul Forney intègre Bacchus (pour
quelques singles). Chris reprend ses
cours et devient juriste dans l’Etat de
New York. Ben Schultz aura la carrière
la plus imposante et d’assez loin puisqu’il
sera embauché par Buddy Miles, Carmine
Appice, Rod Stewart, Stephen Stills, et
remplacera même Mick Bloomfield au
sein du supergroupe KGB. Il fondera
aussi Pipedream avec Tim Bogert (Cactus,
Vanilla Fudge), Willy Daffern (Captain
Beyond) et Jan Uvena (futur Alice Cooper
et Alcatrazz). Avec à la clé, en 1979,
un intéressant long-format de hard rock
mélodique et conquérant, aux refrains bien
affûtés, entre Grand Funk, Cream (“Lies”,
“Feel Free”) et Journey (“Love Don’t Come
Easy”), avec de très bons titres comme
le blues-rock “Lazy Lucy”, “Rosalie” et
la très orchestrée “Only Cause”, superbe
ballade aux nettes fragrances Beatles
façon “I Want You”. Mais hélas,
sans davantage décrocher la timbale. o
 Qualité France PAR H.M.

Swinguant au bord du précipice

Grâce aux avancées technologiques, il n’a jamais été aussi facile d’enregistrer et de
multiplier les effets sonores : home-studios et ordinateurs… Pourtant, bien loin de sacrifier
à la mode, certains refusent de succomber aux sirènes de cette modernité et revendiquent
la tradition, la simplicité et la quête des racines sans se soucier de paraître rétro. La
moitié des huit sélectionnés du mois (parmi les quarante-quatre parvenus à la rédaction)
témoignent ainsi d’une persistance folk qui caractérise le circuit indépendant.

Heeka a failli devenir circassienne avant
qu’une blessure au genou ne l’oriente vers
la musique en 2019. Son premier album
indique que ce n’était pas un choix de cir-
constance, tant sa personnalité est affirmée :
le folk et le blues constituent sa matrice
originelle mais elle refuse de s’enfermer
dans une chapelle et n’hésite pas à se
délecter d’un rock sauvage et trépidant
(“The Blue Door”) après avoir séduit
avec ses vocalises aériennes (“My Little
Mushroom”). Maniant le feu et la glace,
elle privilégie douceur et harmonie (“Your
Misery”) mais se plaît à décontenancer
en convoquant les guitares saturées
ou en swinguant au bord du précipice
avec “Prisoner” (“The Haunted Lemon”,
Waromni Prod, facebook.com/heekamusic).
C’est le premier album solo du chanteur-
guitariste Dr Sugar, mais pas son
coup d’essai puisque Pierre Citerne (de
son vrai nom) s’est illustré depuis 1996
avec différents projets, notamment le
groupe Marvelous Pig Noise (douze ans
d’existence, cinq albums, des centaines
de concerts). Depuis qu’il œuvre en solo,
il continue de célébrer le blues groovy
de La Nouvelle-Orléans avec sa voix
d’exception, mais en y incorporant
une bonne dose de soul et de gospel,
option renforcée par l’intervention
d’un quartette gospel dont les
chœurs font merveille sur le très
inspiré “Drinking Muddy Water” (“These
Words”, Rock & Hall, facebook.com/
profile.php?id=100090568117586)
Originaire du Morbihan, Colline Hill
réside désormais en Belgique après être
passée par l’Irlande, dont la musique lui a
servi d’introduction au folk américain et où
elle a fait ses premières armes musicales
au début du siècle. Pour son troisième
album, elle choisit une formule dépouillée
qui constitue un challenge ambitieux : à
l’heure de tous les effets technologiques
possibles, il faut être gonflé pour se
contenter de l’option guitare-voix !
Ce choix met particulièrement bien
en valeur son chant bouleversant et
ses ballades intemporelles qui renouent
avec l’authenticité d’une americana
ancrée dans l’Amérique profonde et
le country blues originel (“In Between”,
Hill & Lake Productions, collinehill.com).
Quand ils se sont rencontrés du côté de
Bordeaux, Franck&Damien ont
vite compris que l’auto-stop avait bien fait
les choses puisqu’ils ont découvert une
même passion musicale : le folk américain,
celui de Ben Harper ou Jack Johnson.
Six ans plus tard, le second album atteste
de l’intérêt du duo : suavité et sensibilité
vocales qui transfigurent des ballades
imparables (“Broken Man Stay”), avec la
grâce de deux guitares complémentaires,
le tout pimenté de quelques invités appar-
tenant à la connexion folk tels Joaco Teran
(“Spread Love”) ou Donovan Frankenreiter
sur le superbe “California”. Entre mélopées
nonchalantes et ruades nerveuses
(“Shelter”)(“Juniper Road”, Soulbeat
Music, facebook.com/franckanddamien).

Formé en 2022 à Paris, le quatuor
Lisatyd interpelle avec un premier
EP sept titres qui réserve des moments
intenses et convoque à bon escient les
souvenirs du grunge et du stoner : il
débute en douceur au gré d’une voix
enjôleuse et d’une mélodie charmante
(“Everything Is Awesome”), flirte avec
un rock noisy et dissonant (“Toad
Man”), puis prouve avec “Repeat”
sa maîtrise d’un post-punk trépidant,
offensif, avide de riffs saturés, de
dissonances et de hurlements, avant
de renouer sur le final (“Take It Back”)
avec un mélange de douceur et de
virulence agressive qui lui réussit fort
bien (“Life Is Shit And Then You Die”,
Lisatyd, facebook.com/lisatyd.band).
Même les indépendants peuvent
engendrer des supergroupes
comme Kromodrag &
The Mounodor : ce septette breton
est né de la fusion de deux formations :
d’un côté Komodor, un quintette de
Douarnenez, de l’autre Moundrag, un
duo de Paimpol, avec comme point
de jonction le rock du début des 70’s.
Dopé par une potion classic rock des
plus revigorantes, son premier album
exalte avec un entrain communicatif
un rock psyché teinté de hard rock, à
grand renfort de fuzz, de giclées d’orgue
Hammond et du martèlement des deux
batteries (“Green Fields Of Armorica”,
Dionysiac Records, facebook.com/
komodragandthemounodor/?locale=fr_
FR, distribution Moludor).
Le trio The Everminds est né
dans les Yvelines il y a trois ans, mais le
chanteur-guitariste a passé une partie
de sa vie aux Etats-Unis alors que le
batteur a fait ses études en Angleterre,
et ça s’entend à l’écoute de leur premier
EP cinq titres qui manifeste une parfaite
maîtrise de l’anglais et une solide
assimilation de ses influences, (Tom
Petty, Blur, Supergrass). On ne peut
que tomber sous le charme d’une pop
rock portée par ses mélodies délicates
et la force de ses vocaux, (“Fuck
Around”), et succomber à la séduction
d’effluves californiens (“California”),
entre ballades succulentes (“Song For
Everyone”) et durcissement de ton sur
“Lately, Surely, Lonely” (“Fuck Around”,
Histamine Records, theeverminds.com).
Clôturant une trilogie réussie,
Laudanum fait évoluer sa musique
synthétique vers des rivages plus
évidents et plus accessibles. Les
voix des différent(e)s intervenant(e)s
prennent le pouvoir, imposent leurs
mélodies, transforment les climats en
chansons et diversifient les approches :
on s’approche de la pop avec “Beauty
Of A Shadow”, de la new wave avec
“M/G/I/S”, de la ballade avec “Ghosts
Of The King’s Road”, du rock electro
avec “Tutévu” avant de clore cette
promenade inattendue avec “The
Favourite”, une pièce maîtresse
de neuf minutes où la tendance
atmosphérique revient en force
(“As Blue As My Veins”, We Are Unique !,
laudanum.fr, distribution Kuroneko). o

JANVIER 2024 R&F 081

Erudit rock
Désigné par la BBC comme le pire album de tous les temps
Rock’n’roll, rock, folk,
blues country, soul,
rhythm’n’blues, tous
les styles et toutes les
époques ont produit leurs
lots d’EXCENTRIQUES,
de musiciens en marge,
d’allumés du ciboulot.
PREMIERE PARTIE
Plutôt qu’une trop longue
énumération, voici un choix
d’artistes dont l’excentricité
est un mode de vie, un inventaire
un peu foutraque des bizarreries
mettant en lumière des musiciens
aux productions et aux prestations
délirantes, hors normes, inattendues.
La Mère et l’Impératrice du blues,
respectivement Ma Rainey et
Bessie Smith, étaient des chanteuses
flamboyantes sur et hors de scène.
Toutes deux avaient débuté dans une
troupe ambulante de minstrel shows,
le Rabbit’s Foot Company, proposant
un spectacle total. Si, à l’apogée de
sa carrière, Bessie Smith employait
quarante personnes et se déplaçait
grâce à son propre wagon de chemin
de fer construit sur mesure, les
concerts de Ma Rainey étaient des
shows spectaculaires dans lesquels
elle portait les habits les plus colorés,
des robes en satin, des plumes de
paon, des colliers en or, des tiares de
diamants tout en exhibant ses dents
en or. Bessie et Ma revendiquaient
une liberté totale et un appétit
féroce pour le sexe aussi bien avec
les femmes qu’avec les hommes,
l’alcool et toutes sortes de
nourritures. La crise de 1929
eut des conséquences terribles
pour l’industrie phonographique,
mais Ma Rainey s’en sortit très
bien en devenant propriétaire
de trois théâtres.
Parmi les bluesmen du Mississippi
et des alentours qui allaient de
juke joints en fêtes locales, un des
meilleurs exemples d’excentricité
est Charley Patton. Dans les années
1920, compositeur, chanteur et
guitariste novateur au jeu basé
sur la polyrythmie, également
alcoolique, provocateur et bagarreur,
il captive son public en multipliant
082 R&F JANVIER 2024
PAR PHILIPPE THIEYRE
les acrobaties, tenant sa guitare
à hauteur des genoux, derrière sa
tête, dans son dos tout en racontant
des blagues salaces en évoquant
ses huit femmes. Dans les années
1940, T-Bone Walker reprit une
chorégraphie similaire à la guitare
électrique. D’autres bluesmen
connurent des parcours tourmentés
avec de fréquents arrêts dans la case
prison ou bagne mais, formé par
les minstrel shows et le circuit des
bordels, l’irascible Big Joe Williams,
à la voix tonnante, se distingue
par son utilisation d’une guitare à
neuf cordes bricolée à partir d’un
instrument bas de gamme auquel
il a rajouté trois cordes et un micro.
Il en joue avec deux médiators,
l’un au pouce, l’autre à l’index.
Outre la cinquantaine d’enfants
qu’on lui attribue, le chanteur de
blues, de rhythm’n’blues et de
rock’n’roll Screamin’ Jay Hawkins
figure au top des excentriques. Avant
d’être militaire, puis boxeur champion
d’Alaska, Jalacy avait étudié le piano
classique et l’opéra. Dès le début
de sa carrière solo en 1953, il se
présente vêtu en peau de léopard
ou en cuir rouge. Peu à peu, ses
shows deviennent de plus en plus
délirants. Il arrive sur scène dans un
cercueil dont il sort maquillé, roulant
des yeux et portant une cape noire
et un costume zébré. Près de lui
sont posés un crâne sur un sceptre,
des objets du culte vaudou et des
serpents en caoutchouc. De temps
à autre, il met le feu à une couronne
qu’il porte sur la tête. Musicalement,
c’est grandiose, il ajoute à sa voix
grave et puissante des bruits de
bouche, succions, gloussements,
cris d’épouvante, ricanements
sardoniques. Bien que banni de
plusieurs radios pour ses sous-
entendus sexuels, en 1956, “I Put A
Spell On You” est un immense succès,
repris depuis d’innombrables fois.
Screamin’ Jay Hawkins a composé
ou interprété d’autres chansons
mémorables comme “Constipation
Blues” qu’il chante parfois assis sur
une cuvette de WC installée sur la
scène. En 1991, il connaît un nouveau
succès avec une reprise de “Heart
Attack And Wine” de Tom Waits. Il
meurt en 2000, à Neuilly. Considéré
comme le précurseur du psychobilly
et de ce qu’on appelle le shock
rock, Screamin’ Jay Hawkins eut
de nombreux disciples, notamment
deux Britanniques, David Screaming
Lord Sutch et Arthur Brown.
Le premier commence sa carrière
de chanteur en 1961 avec ses
Savages dont firent partie Ritchie
Blackmore et Nick Simper de Deep
Purple, Nicky Hopkins, Keith Moon,
le batteur Carlo Little, Matthew Fisher
de Procol Harum, Adrian Gurvitz de
Gun, Noel Redding. Pour sa première
incarnation, le groupe est habillé avec
des peaux de bête façon hommes
des cavernes, Sutch étant en outre
coiffé d’un casque dont dépasse
de chaque côté une corne de bison.
En 1963, au moment de son seul
succès “Jack The Ripper”, produit
par Joe Meek, il arrive sur scène
dans un cercueil dont il sort habillé
en Jack L’Eventreur au milieu de
squelettes et de filles en bikini avant
de courser les musiciens armé d’un
couteau, en particulier le pianiste
déguisé en prostituée de la fin
du XIXème siècle. Un peu plus tard,
les Savages tournent, vêtus chacun
d’un pagne et d’une toge, sous le
nom de Caesar Sutch & The Roman
Empire. En 1970 et 1971, il enregistre
ses deux premiers albums, “Lord
Sutch And Heavy Friends” et “Hands
Of Jack The Ripper”, un concert
enregistré sans que les musiciens
le sachent. Par ailleurs, Lord Sutch
crée Radio Sutch, une radio pirate
installé sur un bateau de pêche. Mais
ne supportant pas l’odeur du poisson,
il se replie sur un îlot avant de
revendre la radio l’année suivante.
Parallèlement, dès 1963, il s’investit
dans la politique, se présentant
dès lors à chaque élection, au total
une quarantaine, et fonde en 1983
l’Official Monster Raving Loony
Party qui, au fil du temps, réalise
des scores non négligeables.
Il se suicide en juin 1999.
Abandonnant des études de philo-
sophie et de droit, Arthur Brown
privilégie une carrière de chanteur
au registre de quatre octaves et un
sens du spectacle qu’il développe
en suivant des cours de théâtre
à Paris où, en 1966, il compose
deux morceaux pour la BO du film
de Roger Vadim, “La Curée”.
De retour à Londres, il fonde
le Crazy World Of Arthur Brown
avec l’organiste Vincent Crane.
Pendant les représentations, il
se contorsionne sans cesse, grimé
avec des maquillages spectaculaires
dont le style influencera Alice Cooper
et Kiss. Il porte la plupart du temps
une robe manteau lamée brillante,
mais termine parfois le show entiè-
rement nu, ce qui lui vaut quelques
problèmes. Juchée sur sa tête, une
sorte de tiare imbibée d’éthanol
s’enflamme pendant “Fire”, un
immense succès en 1968. A Windsor,
en 1967, le feu a commencé à se
propager à ses cheveux avant qu’un
roadie ne l’éteigne avec de la bière.
En 2022, Brown a sorti un nouvel
album, “Monster’s Ball”.
En France, Jean-Pierre Kalfon, rien
à voir avec l’acteur et musicien, alias
Hector, est un assidu du Golf Drouot
où il recrute ses Médiators. Admirateur
du rock’n’roll et de Screamin’ Jay
Hawkins dont il reprend “Hong Kong”
en 1964 sur l’EP “Alligator”, la voix
d’Hector est malheureusement plus
proche de Screamin’ Lord Sutch
que d’Arthur Brown, et son anglais
du yaourt. En 1963, sa reprise du
“Somethin’ Else” d’Eddie Cochran
paraît sur un EP partagé avec les
Hot Kings. Provocateur, affirmant
son dégoût du show-biz, ses
cheveux longs et bouclés lui tombant
sur les épaules, Hector arrive à ses
spectacles en calèche accompagné
par son valet Jérôme, portant queue-
de-pie, nœud papillon, haut-de-forme,
cape, gants blancs et un bouchon
de lavabo en pendentif. Ses entrées
en scène varient entre descentes
depuis les cintres à l’aide d’une
liane ou être poussé dans une
baignoire à roulettes, voire un
cercueil. Se surnommant lui-même
Le Chopin Du Twist, il réclame
toujours un piano bien accordé pour
méthodiquement le détruire. Son
quatrième et dernier EP paraît en
1966, “Abab L’Arabe” avec “A la
Fin De La Semelle”, une adaptation
effroyable de “I’ve Been Loving You
Too Long” d’Otis Redding. En 1970,
le 45 tours “Le Petit Beaujolais”
avec Tom et Jerry sera son ultime
apparition discographique. o
 Screaming Lord Sutch

Top 6
Photo Bruce J Adams/ Fairfax Media/ Getty Images

Ma Rainey “Spontaneous Apple Creation”, “Child Nicky Hopkins,

“Ma Rainey’s Of My Kingdom” ou “Come And Buy”. Noel Redding, Kent
Black Bottom” Grand album du psychédélisme british. Henry ont cru qu’ils
(1985) enregistraient des
Cette compilation Screamin’ démos, mais l’album
offre quatorze titres Jay Hawkins est paru tel quel,
gravés entre 1924 et “At Home With englué dans une
1928. Le suggestif Screamin’ Jay qualité sonore très
“ ‘Ma’ Rainey Black Hawkins” (1958) médiocre. Dommage
Bottom” est inspiré “… What car, même si Sutch,
d’une danse cousine du charleston, très populaire That Is!” (1969) également compositeur de la majorité des titres
en 1927. Autres titres marquants : “Black Eye Son premier album avec Page, possède un registre vocal très limité,
Blues”, “Stack O’ Lee Blues”, “Don’t Fish In assemble des chansons tout n’est pas indigne. Plusieurs morceaux hard
My Sea” et “Shave’em Dry Blues”, qui n’est plus sorties en 45 tours, blues rock, “Thumping Beat”, “Flashing Lights”,
simplement suggestif mais explicite. Participent “I Put A Spell On “Gutty Guitar”, “Union Jack Car”, “One For
aux enregistrements le saxophoniste Coleman You”, “Hong Kong” You, Baby”, auraient mérité un meilleur sort.
Hawkins et le pianiste Fletcher Henderson. avec une imitation
d’accent chinois Hector
The Crazy World irrésistible, “Orange- Et Les
Of Arthur Brown Colored Sky”, Médiators
“The Crazy “I Love Paris” “Je Vous
World Of Arthur de Cole Porter. Déteste” (1984)
Brown” (1968) Sur “… What That Hector n’a pas
Coproduit par Pete Is!”, dédié ironiquement au président Nixon, eu l’occasion de
Townshend et Kit se succèdent “Constipation Blues” qui traite réaliser un album.
Lambert, enregistré d’une vraie souffrance avec force bruitages Cette mini-compilation
sans guitariste, avec et borborygmes, “Feast Of The Mau Mau”, le de six morceaux
Vincent Crane futur vaudou étant un sujet de prédilection, “Thing reprend les deux titres du EP partagé avec les
Atomic Rooster, Nick Greenwood à la basse et Called Woman”, “I Love You”, “Stone Crazy”. Hot Kings, “Something Else” et l’instrumental
Drachen Theaker à la batterie, l’album démarre des Médiators, “Tchang”, ainsi que les quatre
par “Prelude-Nightmare” et enchaîne par le Screaming Lord Sutch plages du second EP, deux rock’n’roll issus
frénétique “Fanfare-Fire Poem”. L’association “Lord Sutch And des sessions précédentes, “Whole Lotta
du chant de Brown, des sons caverneux de Heavy Friends” (1970) Shaking Shaking Going On” et “Peggy
l’orgue et des riffs de cuivres magnifie les deux En 1998, “Lord Sutch And Heavy Friends” Sue”, et deux compositions du trio Jean
reprises, une superbe version de “I Put A Spell a été désigné par la BBC comme le pire Yanne, Gérard Sire et Popoff, “Je Vous
On You” et “I’ve Got Money” de James Brown, album de tous les temps. Les musiciens Déteste” et “T’Es Pas Du Quartier”
comme les originaux, “Time”, “Confusion”, amis, Jeff Beck, Jimmy Page, John Bonham, qui le rendront immortel.

JANVIER 2024 R&F 083

Et justice pour tous PAR FABRICE EPSTEIN

Crimes, affaires de mœurs, de plagiat ou de gros sous...

Les rockers aussi ont droit à leur chronique judiciaire.

Affaire numéro 47
re public contre Nina Simone
Ministè

Du boucan
à Bouc-Bel-Air
NINA SIMONE ET AIX-EN-PROVENCE.
Un oxymore comme le soleil noir ? Non, plutôt
une autre figure de style. Ou bien, plutôt, une
structure de rhétorique, l’aposiopèse, c’est-
à-dire la rupture soudaine au milieu d’une
phrase, l’interruption brusque du discours.

Nina Simone, Aix-en-Provence, on ne sait pas trop

bien quoi rajouter. Parce que l’association apparaît
contre-nature. Que fait donc la grande prêtresse de
la soul, l’artiste engagée pour les droits des Afro-
Américains et les droits des femmes, et le droit
d’être enfin heureux de génération en génération,
devant le tribunal de grande instance d’Aix-en-
Provence ? Parce qu’elle vit depuis peu à Bouc-
Bel-Air. Il y aurait une histoire à raconter sur le
lien entre les artistes américains et la France,
et tout particulièrement les Noirs américains.
Richard Wright à Paris, Baldwin à Saint-Paul,
Nina Simone à Bouc-Bel-Air. Quelques milliers
d’habitants, un château où résida Franz Liszt ou
Alexandre Dumas, de jolies villas, un piton rocheux,
quelques écoles, une course de côte régionale,
une chanson de Louis Chedid et quelques vers
savonneux de Francis Ponge : “Le temps est celui
que les couleurs ont mis pour ‘passer’ sous l’effort
de la lumière. Le cœur est serré par l’angoisse
de l’éternité et de la mort.” Quelques vers
pour soutenir le cœur serré de Nina Simone.

Nina a dit tout le mal qu’elle pensait des Etats-

Unis, surtout du Sud ségrégué, en trois phrases :
“Alabama’s gotten me so upset/ Tennessee made
me lose my rest/And everybody knows about
Mississippi Goddam.” (Mississippi Goddam).
Nina Simone aime la France. Elle y a séjourné
Photo Mike Lawn/ Evening Standard/ Hulton Archive/ Getty Images

dans les années quatre-vingt. Paris lui a ouvert

les portes d’un studio, elle chante en français ;
d’ailleurs, c’est une publicité de la marque de
luxe Chanel qui accorde une nouvelle vie à un
titre iconique contre lequel elle a la dent dure :
“My Baby Just Cares”. Nina Simone aime le voyage.
Elle se sent à l’aise dans cette Afrique qui ne peut
que lui refuser ce que l’Amérique ne peut pas
lui donner : une liberté totale. La France est une
terre qui a toujours fait mine d’aimer les étrangers.
N’était-on pas comme Dieu en France dans les
années 1930 ? A Bouc-Bel-Air, Nina profite
du soleil, de la solitude, du calme et de l’ennui.

Le 25 juillet 1995, le jeune Julien, âgé de

quinze ans, est invité chez l’un de ses amis

084 R&F JANVIER 2024

pour profiter de la piscine. Les parents de son
ami habitent Bouc-Bel-Air, ils sont voisins de
Nina Simone. Les deux jeunes amis barbotent, ils
échangent quelques cris, ce sont deux enfants, ils
s’amusent. Ce n’est pas du goût de Nina Simone,
heurtée par le bruit. Plutôt que d’avertir, elle tire.
Il est 19 heures, lorsqu’elle sort de son sac à main
un pistolet d’alarme 9 millimètres. Une seule
cartouche sort de la gâchette à travers la haie, elle
touche Julien, qui immédiatement ressent une
douleur aux jambes. Un médecin est convoqué sur
les lieux du délit. Il retire onze éclats de grenaille
du corps de Julien. Le fait devient divers. Les
gendarmes déboulent. On est dans le sud de la
France. Nina Simone est appréhendée et mise
en examen. Le tribunal s’apprête à la juger
en comparution immédiate, justice expéditive
des pauvres et des petits délits. Placée sous
contrôle judiciaire, elle obtient du tribunal que
son affaire soit renvoyée. Les faits sont graves, il
convient qu’elle puisse matériellement préparer
sa défense. L’avocat qui porte la voix de la victime
est hors de lui. Cela tombe bien, les
journalistes sont présents pour donner écho
aux banalités qu’il prononce : “Les faits sont
graves, insupportables. Nous souhaitons le faire
comprendre à Madame Simone.” C’est clair.
Cela dit, cette formule pose une question
largement rebattue : un tribunal est-il plus
prompt à condamner les stars pour l’exemple ?
Le jour J, Madame Simone n’est pas présente. Son
avocat l’attend, mais sans résultat. Ce n’est jamais
bon signe, un mis en examen qui se déporte
entièrement sur son conseil. Celui-ci tente de
convaincre, mais lui ne peut épouser le visage de
la mise en examen. Dès lors, il explique que ce
geste, Madame Simone l’a immédiatement regretté.
De plus, il produit un rapport médical qui
expliquerait tout. Madame Simone est incapable
d’évaluer les conséquences de son acte. Plus loin,
“elle manque parfois de possibilité de contrôle sur
elle-même”. A cinquante-cinq ans, elle souffre
d’une solitude terrible. Exergue du rapport :
“Plus personne ne la supporte, tant dans sa
famille que chez ses amis.” Pauvre Nina, “faut
savoir s’étendre, sans se répandre” ? Pauvre Nina.
Terrible artiste aux multiples facettes. Le tribunal
aurait eu avantage à connaître la personnalité de
la chanteuse : d’un côté, l’amie des écrivains noirs,
enceinte du mouvement des droits civiques ; de
l’autre, la femme soumise, battue et violée par
son mari le soir de ses fiançailles. Cela, l’avocat
français ne peut le raconter. La pureté, disait
Simone Weil, c’est le pouvoir de contempler la
souillure. Trop tard. Le juge du tribunal correc-
tionnel décide de condamner Simone à une peine
supérieure à celle qu’avait requise contre elle le
procureur de la République : huit mois de prison
avec sursis ainsi qu’une mise à l’épreuve, l’obli-
gation de se soigner, l’interdiction de détention
et de port d’arme, et enfin 20 000 francs de
dommages et intérêts. Tout cela au nom du peuple
français. Un prix fort cher à payer pour rester
sur le territoire de la République. Comme si
Nina Simone n’avait pas passé sa vie à casquer. o
JANVIER 2024 R&F 085
Le film
du mois
PAR CHRISTOPHE LEMAIRE
Totalement excentrique
Pauvres
Créatures
DE YORGOS LANTHIMOS
L’année 2024 débute à peine et il semble que nous ayons
déjà... le film de l’année ! Car comment décrire cette œuvre tout
en bouffonnerie, à la fois respectueuse et irrévérencieuse en hommage au
mythique roman “Frankenstein” de Mary Shelley, maintes fois adapté à l’écran
de différentes manières : frontalement avec “Frankenstein” de James Whale,
ou la version de Kenneth Branagh, en téléfilm (“Frankenstein The True Story”),
de façon humoristique (“Deux Nigauds Contre Frankenstein”), voire complètement
nanardesque (“Plus Moche Que Frankenstein Tu Meurs” avec Aldo Maccione...).
Derrière la caméra de ce long-métrage totalement excentrique, le Grec Yorgos
Lanthimos. Repéré en 2009 avec son déjà très étrange “Canine” (une allégorie
vicelarde sur le savoir-vivre), Lanthimos a continué son chemin provocateur avec
“The Lobster” (des personnes célibataires sont condamnées à se transformer
en l’animal de leur choix), “Mise A Mort Du Cerf Sacré” (une vision horrifique
et absurde des névroses d’une famille américaine) ou encore “La Favorite” (qui
explore l’avidité et autres jeux de manipulation perverse dans la haute aristocratie
du XVIIIème siècle). La particularité de ce dernier film ? Il est presque entièrement
tourné au grand-angle, donnant ainsi l’impression au spectateur d’errer dans un
château gothique tout en ayant les yeux compressés. Avec “Pauvres Créatures”,
086 R&F JANVIER 2024
Lanthimos réussit à la fois son film le plus populaire et exaltant et, en même
temps, le plus délirant et extravagant de toute sa carrière. C’est Emma Stone,
la midinette charmante de “La La Land”, qui endosse le rôle de ce cadavre
ramené à la vie par un docteur peu orthodoxe (Willem Dafoe) qui, avec son
visage couturé, semble incarner à la fois le docteur Frankenstein et sa créature.
Surnommée Bella, l’actrice ressuscitée n’a aucun souvenir de sa vie antérieure
et se déplace comme une marionnette désarticulée façon mime Marceau
dans l’immense demeure de son créateur, réapprenant peu à peu à parler
et à marcher. Mais cela ne lui suffit pas, elle souhaite aussi en savoir plus sur
le monde, la société et tout ce qui va avec : le sexe, la politesse, l’argent et un
certain savoir-vivre. Et elle prend plaisir à déconstruire progressivement ces
notions en découvrant peu à peu... le féminisme pur et dur. Très rapidement,
elle s’émancipe et devient libre de son corps et de son esprit pourtant à peine
créés. Emma Stone est absolument stupéfiante. Il est impossible de ne pas lui
prédire l’Oscar pour son interprétation à la fois provocante, libre et folle. Yorgos
Lanthimos enveloppe son récit de drame et d’ironie, d’horreur et de passion,
au sein de décors baroques et chromatiques, comme de la peinture sur verre
numérisée. Comme si Georges Méliès, revenant d’entre les morts lui aussi,
se mettait à réaliser un film en 2023 en modernisant son style. Tout comme
dans ses précédents films, Lanthimos continue à se moquer ouvertement des
prétendues bonnes mœurs (du moins, celles de cette société post-victorienne)
et du patriarcat qui gangrène encore notre maudit millénaire, tout en mettant
en avant le désir sexuel constant de sa Bella, qui comprend rapidement que la
véritable vie est bien plus amusante que les artifices du savoir-vivre. Sans oublier
quelques moments dignes d’un épisode de “Twilight Zone” (les séquences de
repas où Willem Dafoe laisse échapper de sa bouche d’étranges et énormes
bulles à chacun de ses rots) et bien sûr, ses plans en grand-angle qui déforment
davantage une réalité déjà bien étrange. Avec “Dream Scenario” (voir critique
plus loin), “Pauvres Créatures” offre véritablement beaucoup d’espoir pour une
nouvelle vague cinématographique onirique et cauchemardesque où l’humain et
le social sont vus à travers un prisme résolument punk (en salles le 17 janvier). o
 Cinéma PAR CHRISTOPHE LEMAIRE

Quitte à zapper la dinde et les cotillons

Winter Break

Winter Break
Loin de faire dans le blockbuster
atrophié (“Batman” et “Spiderman”,
ce n’est pas sa came), Alexander
Payne réalise tous les trois ans un
film d’auteur très ciselé où les émotions
intérieures flirtent avec l’humour discret.
Ce qui donne l’occasion à quelques
stars américaines d’interpréter de vrais
rôles de composition. Comme George
Clooney dont l’angoisse désinvolte fait
tout le charme de “The Descendants”
ou Paul Giamatti, sublime écrivain raté
dans “Sideways”. Grand second rôle
du cinéma américain, Giamatti revient
donc sous la caméra de Payne pour ce
qui est probablement l’un des rôles de
sa vie. Celui d’un professeur d’histoire
ancienne un peu péteux et coincé dans
ses principes qui enseigne dans un lycée
Vermines
de la Nouvelle-Angleterre des années
soixante-dix. Et au vu de son absence
totale de charisme, personne ne l’aime de sentiments et d’empathie qui le “Conann” de Bertrand Mandico, voici grandissent ! On retrouve alors tout
vraiment. Ni ses collègues, ni ses élèves. finissent par se mêler au respect. “Vermines”, premier long-métrage de l’esprit de ces séries B venimeuses
Lui seul semble s’auto-apprécier un brin. A voir surtout le 24 ou le 31 décembre Sébastien Vanicek. Soit l’histoire d’une américaines des années soixante-dix
Pourtant, son quotidien va changer au soir. Quitte à zapper la dinde et les invasion d’araignées dans une tour d’une (du nanardesque mais jubilatoire
quand, un soir de Noël, il a la charge cotillons (actuellement en salles). cité de banlieue. Après une première “L’Invasion Des Araignées Géantes”
d’un jeune pensionnaire resté sur partie à tendance sociale où se croisent à l’excellent “L’Horrible Invasion”)
place. La relation entre le professeur gardiens d’immeubles, trafiquants de où la simple vision d’une toile
bougon et l’élève turbulent, d’abord Vermines baskets et potes qui s’embrouillent, d’araignée s’avère être plus
conflictuelle, va basculer peu à peu Le cinéma de genre français se le film dévie quand des araignées stressante que la machette de Jason
vers une relation père-fils. Et comme porte bien ses dernières semaines. investissent tous les recoins du secteur. Voorhees ou les griffes souillées de
d’habitude chez Alexander Payne, Après “Le Règne Animal”, “Gueules Douches, faux plafonds, parkings et sang de Freddy Krueger. De quoi
le ton, toujours feutré et souriant, Noires”, “Vincent Doit Mourir” et, conduits d’évacuation compris. Et le rendre Spiderman arachnophobe
amène peu à peu à des mini-vagues dans un registre plus auteur-barré, pire, c’est que certaines de ces bestioles (en salles le 27 décembre) !

JANVIER 2024 R&F 087

 Dream Scenario
Dream Scenario
Cela fait une bonne douzaine d’années
que ce cinglé et cabot de Nicolas Cage
cumule les nanars à deux balles. Tout
en s’offrant, de temps à autre, de vrais
rôles de composition dans des films
bien plus honorables. Comme le
détenu en recherche de rédemption
dans “Joe”, le chasseur de truffes
tristounet dans “Pig” ou, plus
récemment, son propre rôle dans
le très méta “Un Talent En Or Massif”.
Depuis quelque temps, l’acteur semble
avoir un vrai but dans la vie : revenir
une bonne fois pour toutes dans de
bons films et rien que des bons films.
Et dans le genre, “Dream Scenario”
en est un. Laissant ses excès de
jeu au vestiaire des séries Z, Cage
incarne un professeur lambda, presque
transparent, qui du jour au lendemain
se met à apparaître dans les rêves
de milliers de personnes. Pour y faire
quoi ? Rien de particulier en fait. Il erre
dans les songes des autres et ne fait
que passer. Comme une version soft
et transparente de Freddy Krueger.
Devenu un phénomène médiatique,
il est la star du moment. Jusqu’au
jour où il devient agresseur (malgré lui)
dans les songes d’autrui... Un scénario
plus qu’original, magnifiquement servi
par le jeu de Nicolas Cage qui, ne
l’oublions pas, est un immense acteur
quand il le veut. Avec son air de
cocker triste, il émeut durement et
sûrement. Et plus encore grâce à la
réalisation de Kristoffer Borgli qui,
Les Chambres Rouges
088 R&F JANVIER 2024
par de subtils points de montage dans
les dialogues, les jeux de regards et
les fins de rêve, donne l’impression de
projeter le spectateur entre deux mondes
impalpables (en salles le 27 décembre).
Les Chambres Rouges
Un serial killer est jugé pour avoir
tué trois adolescents. Pire que cela :
il filmait ses meurtres en direct sur le
dark web à destination d’internautes
pervers prêts à payer des fortunes
(en bitcoins) pour se délecter de ces
atrocités. Préférant le non-dit au gore
frontal, le réalisateur canadien Pascal
Plante opte pour une étrangeté presque
lynchienne en s’attachant non à la
psyché du meurtrier mais à la relation
à la fois complexe, tordue et intrigante
qu’entretiennent une jeune SDF et
un mannequin. Toutes deux passent
leur temps à assister aux nombreuses
séances du procès, comme si elles
étaient sous l’emprise addictive de
cette affaire sordide. Une façon intimiste
d’aborder le thème des snuff movies, ces
fameux films amateurs avec meurtres
réels déjà abordés au cinéma (“8 mm”
de Joel Schumacher, “Ouvre Les Yeux”
d’Alejandro Amenábar). Avec sa
réalisation tout en douceur et en
froideur, “Les Chambres Rouges”
joue sans cesse sur l’interrogation
(que veulent réellement ces deux
femmes ?) jusqu’à nous embarquer
dans une étrange transe hypnotique
(en salles le 17 janvier). o

Monarch :
Legacy Of Monsters
Le roi des monstres
Comme Yoda, Marilyn Monroe, Terminator,
Albert Einstein et les Simpson, Godzilla
fait partie de la pop culture mondiale.
Et cela, le réalisateur nippon Ishiro Honda ne s’en
serait probablement jamais douté quand, en 1953,
il créa le fameux monstre du Crétacé, sorti de sa
grotte sous-marine après des essais atomiques
dans l’océan Atlantique. Instantanément, le roi
Godzi devient une légende. Et se met à faire des
siennes (en gros, détruire tout ce qui est à sa portée)
dans une longue saga de films qui perdurent encore
de nos jours avec, au bas chiffre, une cinquantaine
(peut-être plus) de longs-métrages produits en grande
partie par la firme japonaise Toho tout au long des
années soixante, où la bestiole écailleuse cracheuse
de feu combattait d’autres créatures ancestrales
comme la mite géante Mothra, le cafard insectoïde
Megalon, ou, plus absurde, Biollante, sorte de plante
ambulante résultant d’un croisement entre les
cellules de Godzilla et un rosier ! Des années soixante
aux années quatre-vingt-dix, tous ces “Kaiju eiga”
(“cinéma de monstres”) étaient truqués à l’ancienne.
Godzilla et ses joyeux compagnons de la casse étant
interprétés par des acteurs revêtus de costumes de
monstres pour détruire à coups de pied, de poing et
de... queue (pour Godzilla en tout cas) de grandes
maquettes d’immeubles de Tokyo reconstitués en
studio. Puis, les années quatre-vingt-dix ont débarqué
avec le numérique qui va avec, “Jurassic Park” ayant
pavé la voie. Plus impressionnant mais moins poétique,
cet au-delà de franchise a continué son chemin
aussi bien au pays du Soleil-Levant (“Godzilla
Final Wars”, “Godzilla 2000”) qu’aux États-Unis
où Roland Emmerich, le roi du film catastrophe,
Série du mois PAR CHRISTOPHE LEMAIRE
a réalisé un remake en 1998 simplement intitulé évidemment, a un lien direct avec les fameux Kaiju.
“Godzilla”. Suivi par des suites et des reboots cette Alors que beaucoup de films (et de séries) se focalisent
dernière décennie. Plus éternel que Dieu, le roi des sur la nostalgie des années 1970/ 80, “Monarch”
monstres n’a donc jamais été aussi présent qu’en renvoie, avec son ambiance et les caractères de
2023. Alors que le Japon a sorti pas plus tard que ses personnages, à l’aventure agréablement désuète
le mois dernier un “Godzilla Minus One” (diffusé des années soixante. Comme le film de dinosaures old
seulement deux jours dans certaines salles school “La Vallée De Gwangi”, ou tous les Godzilla de
françaises), les Américains continuent de rendre la Toho. Quant au simili Godzilla et autres monstres
hommage (... pécunier, puisque ça marche) à la (en numérique pour le coup) qui l’accompagnent, ils
bestiole. D’abord avec “Godzilla X Kong : The New débarquent au compte-gouttes dans chaque épisode
Empire” (bande-annonce disponible sur le Net, sortie afin que leurs apparitions aient plus d’impact. On suit
le 10 avril prochain), ensuite avec la série “Monarch : ainsi “Monarch : Legacy Of Monsters” avec plaisir,
Legacy Of Monsters”, et ses dix épisodes. Cette d’un œil presque bienveillant, et surtout enfantin.
saga familiale sur trois générations tourne autour Comme si on retrouvait le côté magique des vieilles
d’une organisation secrète nommée Monarch qui, séries télé des sixties (disponible sur Apple TV+). o
Le Continent
Des Hommes Poissons
(Artus Films)
Le cinéma bis italien des années 1970/ 80 avait pris l’habitude de
surfer sur les grands succès du moment. Ainsi des copies joyeusement
foutraques de “Mad Max”, “L’Inspecteur Harry” et “Rambo” ont
enchanté les salles d’exploitation de l’époque. De même, “Le Continent
Des Hommes Poissons” de Sergio Martino était totalement inspiré par le
remake de “L’Ile Du Docteur Moreau”, un classique du cinéma fantastique des années 1930.
On s’amuse du style rétro de ce petit film d’aventures de 1979 où des créatures vaguement
lovecraftiennes évoluent sur et autour d’une île. Bien que les maquillages frôlent parfois les
limites de la parodie involontaire (ah... la tête des hommes-poissons !), ils sont compensés par
la présence de Barbara Bach, l’une des plus belles starlettes du cinéma, ex-James Bond Girl
dans “L’Espion Qui M’Aimait” et épouse de Ringo Starr depuis quarante-deux ans. Le veinard !
JANVIER 2024 R&F 089
Images
PAR JERÔME SOLIGNY
Streaming/ DVD/ Blu-ray
Dès le générique, ça lingue !
“Nightclubbing : The Birth Of Punk Rock In NYC”
MVD/ YouTube
Après avoir consacré, le mois dernier, cette rubrique au Rainbow
de Los Angeles, on ne peut pas faire moins cette fois que de signaler
que le documentaire “Nightclubbing : The Birth Of Punk Rock In NYC”,
un DVD distribué en 2022 par MVD, vient d’arriver sur YouTube. Et,
non, il ne sera pas question ici du CBGB, mais du Max’s Kansas City,
le meilleur club rock de New York selon ceux qui l’ont fréquenté, et
aussi pour d’autres, bien plus nombreux, qui n’y ont jamais mis les
pieds mais auraient adoré le faire. En vérité, ces quelques feuillets
s’adressent à tous ceux pour qui le rock n’est pas un genre musical,
mais une page (voire un chapitre…) d’histoire, une tranche de vie.
Dès le générique, ça flingue ! Impossible de ne pas résister au plaisir de passer
une heure et demie en compagnie de ceux dont le nom s’affiche : Alice Cooper,
Jayne County, Billy Idol, Elliott Murphy, Sylvain Sylvain, Alan Vega, Lenny
Kaye, Bob Gruen… Oui, la liste de ceux qui ont fréquenté cet établissement
qui pouvait difficilement contenir plus de deux cents personnes est (presque)
sans fin. Le Max’s Kansas City était à l’origine un restaurant ouvert en 1965
par Mickey Ruskin au 213 Park Avenue South à Manhattan. C’était une plaque
tournante pour des mannequins, des gens du cinéma (Warren Beatty, Roger Vadim
et Jane Fonda étaient des habitués), des artistes en tous genres qui habitaient le
quartier, et même des hommes politiques en goguette qui savaient que si New
York ne dormait jamais, le Max dormait encore moins. Logiquement donc, la
backroom est vite devenue celle d’Andy Warhol et sa clique (Candy Darling,
Eric Emerson, Gerard Malanga, Paul Morrissey, Billy Name, Nico, Holly
Woodland…), des voisins, qui ne payaient pas toujours mais picolaient dru.
Leur présence quasi quotidienne jusqu’en 1968 (l’année où Warhol s’est fait tirer
dessus par Valerie Solanas et à partir de laquelle il est moins sorti de chez lui)
a contribué à ce que l’endroit soit un des plus branchés de la ville. C’est aussi
devenu naturellement un repaire de musiciens plus ou moins rebelles et déviants
qui se fondaient dans le décor sans craindre d’être montrés du doigt. Elliott
Murphy insiste sur le fait qu’au Max, on pouvait véritablement échanger avec
les gens présents, avoir de véritables conversations dans la pure tradition des
salons où l’on causait. Fin 1969, Danny Fields a proposé à Mickey Ruskin de
faire jouer des groupes dans la salle située à l’étage, et le Velvet Underground,
les Stooges et le Alice Cooper Band original ont été parmi les premiers à se
produire upstairs au Max. La pièce n’était pas véritablement adaptée, mais
pour le public, la proximité avec les musiciens rendait l’expérience inoubliable.
090 R&F JANVIER 2024
Au début des années 1970, le Max’s
Kansas City a été le fief des premiers
héros du glam rock. On y trouvait autant
de dealers que de travestis, et les New
York Dolls et évidemment David Bowie
ont à leur tour fréquenté la backroom.
Les pontes de l’industrie du disque
vont s’y rendre également et c’est là
où Clive Davis repérera (puis signera)
Bruce Springsteen et Aerosmith. Mais
fin 1974, Mickey Ruskin a mis la clef
sous la porte avant de disparaître de la
circulation. Pour voir des groupes, le
public rock s’est alors rendu au CBGB
qui avait ouvert l’année précédente, et
c’est là où se sont produits les premiers
punks américains. Lorsque le Max’s
Kansas City a rouvert en 1975,
Tommy Dean Mills, le nouveau patron, a d’abord voulu en faire une
discothèque, mais la clientèle n’était pas au rendez-vous. Finalement,
c’est sous l’impulsion de Peter Crowley que les Ramones, Blondie ou Talking
Heads ont fait dignement revivre l’endroit. Pour beaucoup d’interviewés de
ce documentaire de Danny Garcia, les choses ont véritablement viré au sur
quand ce futé de Malcolm McLaren a mis la main sur les New York Dolls
et piqué un maximum d’idées et concepts aux musiciens new-yorkais pour
fabriquer les Sex Pistols. Plus grave encore, la rivalité, sourde au départ,
entre le Max et le CBGB, atteindra son paroxysme lorsque des propos racistes
et homophobes seront tenus par les uns ou les autres. Le violent accrochage de
Dick Manitoba des Dictators et de Jayne (ex-Wayne) County qui se produisait
avec les Electric Chairs au CBGB a jeté un voile noir sur cette saga.
Fin 1981, le Max’s Kansas City où, après avoir vu Devo en concert,
David Bowie l’avait qualifié de groupe du futur, a fermé. Ce soir-là,
Bad Brains était en tête d’affiche et les Beastie Boys se sont également
produits. Tout ne s’est pas arrêté là, mais la suite n’a que peu d’intérêt.
Pour revenir sur les grandes heures du Max, le mieux est de réécouter
les disques live qui y ont été enregistrés (bien sûr, cet album du Velvet
Underground…) et les quelques compilations de formations qui y ont sévi.
Presque toutes sont absentes des plateformes de streaming, c’est un miracle. o
Bande dessinée PAR GÉANT VERT

Du touriste en pack de douze

Du côté de la bonne ville de Rouen, l’éditeur Petit à Petit continue son long travail de défrichement
de la musique avec deux nouveaux ouvrages consacrés à des genres diamétralement opposés.
Le premier, “Otis Redding, La Soul Dans La Peau”, obéit au format désormais
classique de la collection didactique Musique en BD qui alterne une chronologie segmentée
scénarisée par Frédéric Adrian et Tony Lourenco où chaque partie est finalisée par une double
page rédigée par Frédéric Adrian qui remet le chapitre abordé dans le contexte social, politique
et musical du moment. Comme il est de mise pour chacun des ouvrages, les dix-neuf parties
ont été confiées à une équipe graphique de douze dessinateurs et dessinatrices (dont Christophe
Eudeline, Cynthia Thiéry, Anne Royant et Morvan Le Rest) qui amène une diversité graphique plutôt
plaisante. Pour le reste, cette biographie dessinée du génie de la soul est l’occasion à ne pas
manquer pour découvrir la vie d’un homme dont la musique a plus fait pour le rapprochement
des communautés que n’importe quel discours de l’ONU. Dans un style beaucoup plus bruyant
et encyclopédique, “Metal” passe en revue les différentes familles d’un genre pas toujours
facile à identifier tant ses extensions sont multiples. Derrière une couverture signée Grégory
Lê, et sur un scénario de Fabrice Rinaudo documenté par Marie Berginiat, se cache un collectif
de seize garçons et filles qui se sont partagé les styles métallurgiques (pagan, death, folk,
stoner, sludge, glam, speed, heavy und tutti quanti) dans la joie
et la bonne humeur car l’humour est omniprésent dans le pavé.
Regard relativement complet sur cette scène compliquée, la
BD comporte aussi une section “Festivals et genres voisins”.
A glisser dans le sac à dos (d’un pote) avant le Hellfest.

Débutée avec “Come Prima” en 2013 et “Senso” en 2019,

la trilogie carte-postale sixties d’Alfred se conclut avec
“Maltempo” (Delcourt/ Mirages), une histoire tout
en nostalgie adolescente dans le sud d’une Italie en pleine
transformation. Dans un village en hauteur niché sur le
bord de mer, Mimmo, quinze ans, essaye tant bien que
mal de donner un sens à sa vie grâce à sa guitare
électrique. Autour de lui, tout ce qu’il a connu est en
train de disparaître à cause des promoteurs immobiliers
qui bétonnent la côte pour accueillir du touriste en pack de
douze. Alors qu’un de ses copains s’adonne au plasticage
de chantier et qu’un autre s’échine à piquer des clopes
pour ses potes dans l’épicerie familiale, le gamin tente
de les convaincre de reformer leur groupe de rock pour
gagner un tremplin organisé par une célèbre émission
de radio. Dans une histoire menée tambour battant,
l’auteur transpose une sorte de guerre des boutons
entre des personnes ayant un regard différent sur l’avenir pendant que les nostalgiques d’une
époque supposée révolue font tout pour qu’elle revienne. Magistralement racontée, cette BD
nous rappelle que, finalement, les problèmes d’hier sont les mêmes que ceux d’aujourd’hui.

Dessinateur rock affilié à la section du trois-accords basique, Nikopek délaisse

l’univers du psychobilly pour s’en aller explorer les arcanes des années quatre-vingt
au moment où un groupe débutant nommé Metallica sort “Kill ’Em All”, un premier
album fort représentatif de ce que peut produire une société mortifère sur la jeunesse.
“Arcadium” (Ankama) se déroule à Rosebud, une petite ville du Montana dont
la tranquillité ne suffit plus pour cacher l’ennui et la misère. Par une belle nuit oisive,
l’inspecteur Drummont voit débarquer un jeune homme nommé Kevin qui lui avoue
sans sourciller avoir zigouillé à coups de hache les membres de sa cellule familiale.
Entre deux flashbacks, le policier tente de relier les points avec une précédente
affaire. Au fil de la narration, le récit prend une tournure fantastique carrément
flippante que devrait apprécier tout le fan-club de Stephen King. Pour le reste,
la colorisation de l’ensemble contribue à créer le malaise qui, suivant la sensibilité
de l’âme et des yeux du lectorat, pourra influencer sa façon de percevoir l’histoire. o

Le gros plan du Géant

Quand Julien Neel crée le personnage de Lou il y a
bientôt vingt ans, le dessinateur ne s’imagine pas que
le succès rencontré par cette série destinée à l’enfance
va devoir, un jour, passer à l’âge adulte pour cause de
vieillissement du public. C’est désormais chose faite
depuis 2020 avec “Lou ! Sonata” (Glénat), une
deuxième saison dont le second volume vient de
sortir. Prévu sous la forme d’une trilogie, cet épisode
s’attarde sur les activités musicales de la jeune fille.
Après un premier volume où il était beaucoup
question d’étudier en musique, Lou hérite d’un
terrain dans la ville de Mortebouse. Immédiatement,
elle décide d’y organiser un festival. Dans cette
suite, Lou réunit tous ses amis pour mettre sur
pied l’événement baptisé le Dead Dung Fest.
Très vite, les premières difficultés surgissent.
La BD, aussi drôle qu’étonnante, est presque un manuel
de montage pour bien réussir son raout en plein air.

092 R&F JANVIER 2024


Bob Dylan
Mixing Up The Medicine
BOB DYLAN, MARK DAVIDSON
ET PARKER FISHEL
Seghers
Les chiffres sont formels, le meilleur moyen d’avoir
les cadeaux dont on rêve à Noël est de se les acheter
soi-même. L’autre solution, un classique aussi, est
d’offrir aux autres ce qui vous plaît à vous et s’ils vous
aiment, ils prétendront n’avoir pas pigé l’astuce. Mais
prudence, on ne peut pas offrir tout à tout le monde et
si le mastodonte “Bob Dylan Mixing Up The Medicine”
est un des meilleurs cadeaux possibles pour à peu près
tous, une personne de petite taille pourrait facilement
être assommée par le livre qui, en revanche, pourrait lui
servir de table basse. On plaisante, on plaisante mais ce
livre-monde est presque aussi géant que la carrière
de Dylan et les innombrables exégèses qu’elle a
suscitées et suscite encore plus depuis que Bob Nobel.
Pour nous francophones, comprendre parfaitement
l’énigmatique Dylan a toujours été un peu une cause
perdue, nous ratons, quel que soit notre niveau
d’anglais, certaines références, contextes, sous-textes,
minuscules notations qu’un Américain, lui, entend et
décrypte, croirions-nous tout du moins puisque, à en
juger par la littérature dylannienne, peu sont d’accord
entre eux et chacun voit midi standing in the doorway.
Enigmatique donc et ultra-secret sur sa vie privée,
Dylan sidéra tout le monde quand on apprit que,
1, il gardait des gigantesques archives perso et que
2, il les avait vendues à un milliardaire philanthrope
pour ouvrir, à côté du centre culturel Woody Guthrie
déjà construit par le mec à Tulsa, un musée autour
de ses propres archives. Précisons tout de suite que
l’argent n’était pour rien dans cette transaction, la
collection de six mille manuscrits — au moins, depuis,
Dylan a fouillé ses placards et en sort régulièrement
d’autres — a été achetée pour 20 millions, peanuts
Cadeau parfait
quand on pense que le seul original de “Like A Rolling
Stone” avait été cédé il y a dix ans pour la bagatelle
de deux millions. C’est donc autour de cette collection
mirifique et de dizaines de milliers d’autres artefacts
dylanesques — que s’est donc ouvert pile au cœur de
l’Amérique, à Tulsa, ville natale de son idole de jeunesse
Woody Guthrie, le centre d’archives officiel du Maître, le
Bob Dylan Center. Mark Davidson et Parker Fishel sont
respectivement directeur, conservateur et archiviste
du centre, et c’est sous leur direction informée qu’a
été conçu ce livre hors norme en tous points : ils ont
demandé à des centaines d’auteurs, journalistes, poètes,
musicologues, historiens, musiciens, spécialistes et
artistes de tous bords de venir choisir un objet et d’écrire
un texte autour de son importance de son symbolisme
ou whatever. Ce livre est donc à la fois un fantastique
catalogue subjectif d’une partie des extraordinaires
archives mais aussi une collecte de centaines d’œuvres
autour de l’Œuvre, qui abordent aussi bien les processus
créatifs de Dylan que parfois ceux des intervenants eux-
mêmes. Richement illustré serait un doux euphémisme
puisque ce titan de culture pop présente donc les six
cents objets choisis, carnets, pages déchirées, dessins,
mémos, paroles, photos de famille, lettres de fans
et d’amis — célèbres, les amis hein, McCartney ou
Springsteen — magnifiquement photographiés dans
cette véritable corne d’abondance, ce vaisseau-mère
de la légende dylannienne qui, au pied du sapin, fera
pleurer de bonheur tout fan normalement constitué.
Michel Polnareff, Polnaroïd
JEAN-EMMANUEL DELUXE
ET RAECHEL LEIGH CARTER
Rock&Folk Editions
Même s’il fut le premier artiste en couverture
de R&F, Polnareff n’a pas longtemps gardé cette
image d’avant-gardiste franc-tireur et très vite,
Livres
PAR AGNES LÉGLISE
son image de beatnik existentiel a été remplacée
par celle d’un artiste brillant, certes, mais aussi un
peu trop bizarre, souvent trop variétoche pour les
puristes et aujourd’hui un peu poussiéreux. Le
livre de Raechel Leigh Carter et Jean-Emmanuel
Deluxe est de ce point de vue-là une agréable
surprise. Joli et moderne, le livre ne plonge ni
dans l’hagiographie ni dans la biographie hyper
détaillée, et le récit a toujours assez de recul pour
en comprendre les grands mouvements sans être
barbé par des analyses trop pointues pour le commun
des lecteurs, rafraîchissant ainsi son image et la
réelle importance de son œuvre. Bref, ils ont relooké
Polnareff et ça lui va bien. Cadeau parfait pour jeunes
ignorants et vieux nostalgiques mais pas ringards.
Debout Dans Les Fleurs Sales,
365 Poèmes A Déployer
THOMAS VINAU
Castor Astral
On vous a déjà parlé de Thomas Vinau, tendre poète
du minuscule quotidien et habile catcher in the rime
de ces instants où la vie, loin de tout romanesque,
nous souffle malgré tout une fragile éclaircie de
beauté et de contemplation. Zéro chichis littéraires,
zéro pose, zéro préciosité, Vinau écrit comme on
pense, simplement et sans apprêt et la vie quotidienne
que l’on devine au fil de ses textes est aussi un peu
la nôtre, dans toutes ses menues trivialités et dans
ses occasionnelles grâces. Son dernier recueil,
“Debout Dans Les Fleurs Sales” reste dans le
droit fil de son œuvre, et on retrouve la même
délicate attention et la même économie de moyens
dans ces 365 courts poèmes qu’un lecteur mesuré
pourra donc lire tout au fil d’une année entière,
cette chance ! Offrez donc pour les fêtes une année
de poésie, on en a tous, hélas, de plus en plus besoin. o
JANVIER 2024 R&F 093
Absolutely live
Quatre chanteurs, trois guitares, deux batteurs
Queens Of The Stone Age
Queens Of The Stone Age
7 NOVEMBRE, ACCOR ARENA (PARIS)
Dès les premiers accords de “Regular John”,
Josh Homme confirme la rumeur qui courait
sur la grande forme actuelle de ses troupes.
Epaulé de l’impeccable Michael Schuman
à la basse et du toujours élégant Troy
Van Leeuwen à la guitare, le natif de
Joshua Tree assène classiques imparables
(“No One Knows”) et raretés (“Battery Acid”).
Le discret mais indispensable Dean Fertita
se distingue au clavier sur la sexy “Make It
Wit Chu” qui se transforme, pour quelques
secondes, en reprise du “Miss You” des
Rolling Stones. Homme s’avère le plus
loquace lorsqu’il s’agit de défendre
les morceaux du récent “In Times New
Roman...” qui font pourtant pâle figure
en comparaison du vénéneux “Better
Living Through Chemistry” ou de
l’hypnotisant “God Is In The Radio”
étiré sur plus de dix minutes, solo de
batterie et hommage à Mark Lanegan inclus.
DIMITRI NEAUX
Weyes Blood
Pitchfork Music Festival Paris
8 NOVEMBRE, SALLE PLEYEL (PARIS)
Difficile, comme John Cale, de ne pas être
impressionné par la profondeur de la voix de
Weyes Blood (Natalie Mering dans le civil).
Dès “It’s Not Just Me, It’s Everybody”, c’est
la grande plongée. L’atmosphère est fervente :
Mering, vêtue d’une grande cape dorée qui lui
donne des allures de première communiante
pop, tourbillonne dans l’espace, ébauche une
danse serpentine à la Loïe Fuller, distribue
des fleurs au public (qui la gratifie en retour
d’étonnantes offrandes : un DVD d’un film
intitulé, sauf erreur, “The Touch Of Her
Flesh” !). L’Américaine joue toutefois la carte
grande prêtresse avec une légère mais nécessaire
touche d’ironie. Le sortilège se dissipe
en douceur sur une version acoustique
de “Picture Me Better”. On aurait à peine
été surpris de la voir s’envoler en repartant.
VIANNEY G.
094 R&F JANVIER 2024
PAR MATTHIEU VATIN
Photo Christophe Favière
The Magnetic Fields
11 NOVEMBRE, PETIT BAIN (PARIS)
La setlist ce soir fait la part belle au cultissime
“69 Love Songs”, ce qui n’est pas pour déplaire
au public. Stephin Merritt et Shirley Simms,
juchés aux deux côtés opposés de la scène,
interprètent alternativement de leurs voix
si uniques la majorité des titres. Au centre,
le violoncelliste électrique Sam Davol, aidé
par Chris Ewen au clavier, fait des prouesses
pour reproduire cet équilibre étrange entre
folk et synthpop. Toute l’assistance chante
en chœur sur les classiques “All My Little
Words” et “The Book Of Love”. Le meilleur
parolier de sa génération introduit, non sans
ironie, “01: Have You Seen It In The Snow?”
comme leur chanson de Noël. “The Day
The Politicians Died”, avec ses paroles
irrésistibles, est accueillie par des
acclamations. A l’applaudimètre, c’est
sûrement le guitariste Anthony Kaczynski
qui l’emporte aujourd’hui avec sa fabuleuse
version de “The Luckiest Guy On The Lower
East Side”. Le groupe n’oublie heureusement
pas le jubilatoire “A Chicken With
Its Head Cut Off” en rappel.
BRIAG MARUANI
Noel Gallagher’s
High Flying Birds
11 NOVEMBRE, ZÉNITH (PARIS)
On n’est jamais si bien servi que par soi-
même ; lorsqu’il évoque “Council Skies”,
Noel Gallagher le présente comme son
“album salué par la critique”. Soit. On n’irait
pas en dire autant des précédents. Et malgré
les belles versions de “Council Skies” ou “Easy
Now”, on frôle parfois la crise d’hyperglycémie
sentimentale devant le déluge de mièvreries
bombardées sur l’écran (montgolfière en forme
de cœur s’éloignant dans le fookin’ couchant,
fookin’ ciels de cartes postales, fookin’ clair de
lune, etc.). De toute façon, l’homme de la rue
— conversation de pissotière — le confirme :
“Je suis venu pour les cinq dernières !”
(comprendre la période Oasis). Si “Half The
World Away” et “Don’t Look Back In Anger”
font lever des bataillons de briquets, seule la
reprise de “Quinn The Eskimo (The Mighty
Quinn)” de Bob Dylan, moins attendue,
fait dérailler un parcours très balisé.
VIANNEY G.
Komodrag & The Mounodor/
The Wave Chargers/
Chuck & John – Gonzai Night
16 NOVEMBRE, MAROQUINERIE (PARIS)
L’antre de la rue Boyer accueille une soirée
tricolore qui s’élance avec le prometteur duo
Chuck & John : ces cow-boys de Montmartre
excellent avec des titres folk captivants
(“The Worst There’s Been”), galvanisés
par la voix éraillée de Loris Vallois. Elle se
poursuit avec le surf rock conquérant et tendu
des Wave Chargers, avant que ne débarque
Komodrag & The Mounodor, alliance velue des
frangins de Moundrag (Paimpol) et de Komodor
(Douarnenez). Avec la bagatelle de quatre
chanteurs, trois guitares, deux batteurs, et bien
sûr l’orgue Hammond du maître de cérémonie
Camille Goellaën-Duvivier, le septuor développe
une force de frappe impressionnante au service
de morceaux hard rock jouissifs et festifs comme
“Brown Sugar” ou “Marie France”, entre Sweet
et Status Quo. On apprécie particulièrement la
voix magnifique de Colin Goellaën-Duvivier
sur la ballade “It Could Be You”, la présence
électrique du bassiste Goudzou, en mode Geddy
Lee sur “Born In A Valley”, le rave-up percussif
de “Green Fields Of Armorica”, ainsi que les
reprises de “We’re An American Band” (Grand
Funk) et de “Ramblin’ Rose” (MC5), la seconde
lors d’un rappel aussi furieux que triomphal.
JONATHAN WITT
Holly Golightly
17 NOVEMBRE, THÉÂTRE MUNICIPAL BERTHELOT
– JEAN GUERRIN (MONTREUIL)
Montreuil City Rock ! Organisée par l’activiste
Cédrico, cette double affiche de rêve avait
de quoi ravir les plus fervents amateurs de
la scène Buff Medways. Après une première
partie très Bo Diddley/ Lonnie Mack assurée
par le trio écossais Lord Rochester et menée par
l’excentrique Russell Wilkins en veste tartan,
la très rare (son dernier passage hexagonal
remonte à 2004) légende Holly Golightly offre une
heure et demie de garage folk sans accordeur à
faire pleurer les plus durs et puristes du genre.
Accompagnée du petit génie Bradley Burgess à
la guitare, du décontracté Matt Radford à la
contrebasse et du dévoué Bruce Brand
à la batterie, la copine de Meg et Jack White
reprend avec une classe folle “Satan Is His
Name” de Steve King. Son tube “There Is An
End” qui aurait mérité de figurer en chanson
titre d’un James Bond est lourdement acclamé
avant un joyeux foutraque final du “Mellow
Down Easy” de Little Walter. Somptueux !
MATTHIEU VATIN
Raye
18 NOVEMBRE, CIGALE (PARIS)
En Angleterre, Raye est déjà vue comme
une successeuse potentielle d’Amy Winehouse.
Grosse voix, gouaille cockney et répertoire soul,
elle déboule avec “The Thrill Is Gone”
devant une Cigale déchaînée, puis balance
le splendide “Oscar Winning Tears”, qu’elle
chanta cet été à Glastonbury et en septembre
au Royal Albert Hall avec un orchestre
symphonique. Raye invite un fan à
chanter “Sober”, blague sur l’oubli
de son soutien-gorge (“Gardez vos photos
hors des réseaux !” dit-elle morte de rire)
et enchaîne avec une chanson sur la
weed (“Mary Jane”). Deux heures
de soul contemporaine avec un groupe
de qualité, et Raye quitte la scène sous
les hourras du public. A star is born.
OLIVIER CACHIN
The Subways/ Ash
11 DÉCEMBRE, PETIT BAIN (PARIS)
L’imposant tourbus et l’immense queue
devant l’équipement culturel flottant illustrent
parfaitement l’euphorie autour de l’ultime date
de la tournée battle entre deux figures de la
power pop de ces dernières années : tout d’abord,
les grands frères nord-irlandais Ash, heureux
de se retrouver en excursion européenne,
tabassent la merveille “A Life Less Ordinary”
avant de s’attaquer aux tubesques “Goldfinger”,
“Kung Fu” et “Girl From Mars” extraits
de l’époque bénie de “1977”, sans avoir égaré
leur vitesse d’exécution. Puis, le trio anglais
de The Subways présente promptement son
récent album, “Uncertain Joys”, avec la
diatribe “Influencer Killed The Rock Star”
dédiée à Bono mais surtout pioche parmi
ses deux incontournables premiers disques
les mignonneries punk “Rock&Roll Queen”,
“With You” ou “Kalifornia” avant
de faire revenir Ash pour une power
reprise à six de “Oh Yeah” en rappel.
MATTHIEU VATIN

Corey Taylor
19 NOVEMBRE, TRIANON (PARIS)
Dans un Trianon lourdement chargé en
metalleux de tout poil, les New-Yorkais
d’Oxymorrons, gang fusionnel punk rock
& rap achèvent un set plutôt apprécié par
le public. A peine le temps de se reposer
que Corey Taylor débarque dans un
déferlement de décibels accompagné
de spots blancs tellement violents qu’ils
sont sans aucun doute interdits d’interro-
gatoire même à Guantanamo. Fidèle à sa
setlist, le chanteur puise autant dans le
répertoire de Slipknot et Stone Sour que
dans les chansons de son nouvel album.
Entouré par la formation de l’album,
Corey Taylor déroule le show confortablement
installé sur une rythmique en béton armé. Sans
décorum et uniquement armé de son charisme,
le frontman contrôle son public sans problème
jusqu’à un final ponctué par la reprise “Fairies
Wear Boots” de Black Sabbath. Simple et pro.
GÉANT VERT

Peter Doherty/
Lias Saoudi/ Pregoblin
28 NOVEMBRE, TRABENDO (PARIS)
Alex Sebley, Britannique arty nonchalant,
présente des morceaux de “Pregoblin II”
prévu à la rentrée, dont l’accrocheur
“These Hands Aka Danny Knife” sur
lequel Peter Doherty surgit du public
et le rejoint sur scène pour le début
d’une soirée enthousiaste. Puis, Lias
Fat White Family Saoudi déclame à
la façon d’un auteur beat, poésie sur la
circoncision de son frère, blague potache
au sujet de Yoko Ono avant de reprendre
“Borderline”, “Oh Sebastian” et “Rock
Fishes” juste avec une guitare, prouvant
que de bonnes chansons même dépouillées
de leurs artifices fonctionnent toujours
admirablement. Enfin, le funambule
Peter, malgré une récente interview
alarmiste quant à sa santé, attaque
son set le regard vif et le pas léger
par l’inédit “Empty Room”, révèle
“Night Of The Hunter”, nouveau
Photo Michela Cuccagna

simple des Libertines, avant d’être

rejoint par Frédéric Lo pour le poignant
“The Ballad Of...” dédicacé à son regretté
ami Alan Wass et de terminer en trombe
par l’inaltérable “Time For Heroes”. Peter Doherty
MATTHIEU VATIN

JANVIER 2024 R&F 95

Festival
Tête à claques
magnétique
èmes
45 Rencontres
Trans Musicales
DU 6 AU 10 DÉCEMBRE, RENNES
Gigantesque événement défricheur, le festival rennais
a une nouvelle fois livré ses prévisions musicales
pour l’année à venir : spoiler alert, 2024 ne devrait
pas être un grand cru pour le rock et les guitares.
Avec 52 000 festivaliers et 2 000 profession-
nels, la préfecture de Bretagne s’est, de
nouveau, érigée en capitale musicale le
temps d’un week-end de décembre à la
météo relativement clémente. Afin de
se retrouver dans les méandres de la
programmation, les sessions Fip, ouvertes
au public en journée, sont un excellent guide
pour s’orienter et ainsi regretter d’avoir loupé
le groove psychédélique de Nusantara Beat
la veille à l’Ubu ou de voir jouer les Argentins
noisy de Blanco Teta à un horaire moins
problématique que 2 h 30. Premier cocorico
du jeudi, les Vendéens Dynamite Shakers
qui, pour leur plus grosse date à ce jour
dans un Liberté blindé, ne se ratent pas
et offrent une prestation garage débraillée
tellement ovationnée qu’ils reviennent
pour deux rappels dont un réclamé par
Jean-Louis Brossard, fondateur des Trans.
Carte de visite royale ! Direction Bruz et
le Parc Expo pour l’envoûtante proposition
néo-classique de Flore Laurentienne, idéa-
lement mise en lumière avant le concert
de Joe Yorke. L’Anglais, branché sound
systems britanniques, livre une réjouissante
heure avec sa voix de fausset entre reggae et
soul. Du côté des Bars En Trans, victimes
de leurs succès, la frustration est de mise
avec une programmation affriolante d’artistes
(After Geography et Civic) dans des lieux aux
jauges inadaptées et inaccessibles. Vendredi,
c’est le Hall 3 qui attire : entre les Rennais
d’Hanry, maîtres de leurs instruments et d’un
post-rock cinématographique très Mogwaï,
et les Suédois de DiskoPunk, étrange alliage
entre ABBA et un chanteur iguanesque qui
font gentiment patienter jusqu’aux agréables
Dynamite Shakers
pralines distribuées par le duo basse/
batterie tokyoïte, Moja. Samedi, les
Tame Impala italiens de Post Nebbia
sont planifiés trop tôt dans le Hall 3 qui
se remplit cependant pour l’énorme bouffée
d’air à guitares de The Silver Lines, leur
chanteur, tête à claques magnétique, et
leurs morceaux qui rappellent les regrettés
Rakes. En clôture le dimanche à l’Opéra,
alors que résonnaient la harpiste galloise
Cerys Hafana, touchante de grâce, et
la guitare électrique du compositeur
expérimental barcelonais Raùl Refree
Photo Cat’s Eyes Photography
dans les ors de cet écrin magnifique, on
s’est demandé si ce n’était pas ici que se
situait l’avenir du rock, institutionnalisé
et à l’écart, loin de la jeunesse dansant
sur les rythmes techno du Parc Expo.
ERIC DELSART ET MATTHIEU VATIN
Depuis que j’ai vu le film “The Warriors”
en 1980, j’avais envie d’aller à Coney Island,
mais on me prévenait que je serais déçu. Je ne
l’ai pas été. Au bout de la ligne N la poésie, les
Puces de Saint-Ouen, Cap Canaveral, Luna
Park et l’Atlantique à Biscarrosse réunis.
Sur les planches, un sound-system electrofunk
passe “Keep On” par D Train. Un peu plus loin,
des Portoricains diffusent leur salsa comme
si c’était de la Hi-NRG, jouant les percussions
par-dessus le disque. De l’autre côté de la jetée,
les piers de Blackpool et Ostende. Je repense à
“Sailing” de Rod Stewart sur “Atlantic Crossing”,
avec son clip dans le port de New York. Ce
soir, à Manhattan, Frances Moore, la femme
qui a sauvé le disque du naufrage numérique
complet, prend sa retraite après trente ans à
l’International Federation of the Phonographic
Industry. Fan de Rod the Mod, elle m’apprend
qu’il vit désormais près de Londres, son épouse,
l’ancien mannequin Penny Lancaster, ayant suivi
une formation pour devenir officier de police.
Dommage que celle-ci ne soit pas en poste
dans la Région Pays de la Loire : “Sarthe.
Il cambriole une série de commerces pour
financer… sa carrière de musicien !”
(“L’Echo Fléchois”). “Devant le tribunal,
le prévenu âgé de 20 ans, grand, mince,
dreadlocks courtes sur la tête, vêtu d’un
sweat bleu et bas de jogging bordeaux a
reconnu les faits qui lui sont reprochés :
“Qu’est-ce que vous allez faire de tous ces objets ?,
demande la présidente du tribunal
– C’est pour faire des vidéo-clips,
je fais de la musique.
– Et l’argent en espèces ?
– C’est pour pouvoir payer un producteur.”
Dire que certains prétendent que ceux-ci ne
servent à rien, le prestige est intact (règlement
par PayPal et Western Union acceptés), même si
on ne sait pas toujours bien en quoi ça consiste.
Il y a en effet bien des manières de “produire”
un disque, et les tournages en studio permettent
rarement de comprendre le processus, avec
leurs éternels plans de coupe de doigts sur
les faders et les faux-raccords où la vedette
feint de chanter d’une traite ce qu’elle a
parfois mis cinq heures à ahaner. D.A.
Pennebaker a réalisé certains des plus
beaux documentaires sur le rock, mais
j’ignorais qu’il avait aussi réussi à montrer
le travail du producteur (Thomas Z Shepard,
fantastique), du chef, de l’orchestre, du
compositeur, toute cette alchimie humaine,
technique et artistique, à l’occasion d’une
séance au studio de la Columbia Records
un dimanche de mai 1970 pour “Company”,
de Stephen Sondheim. C’est sur YouTube,
ça dure 53 minutes et c’est extraordinaire.
Merci à Elisabeth Vincentelli de m’avoir
fait découvrir cette merveille.
Quatre singles : The High Llamas, “Hey Panda”
(Drag City), la première fois que j’entends de
l’Auto-Tune qui me plaît ; Jacques, “Absolve”
(Recherche & Développement / Jacques 2052) ;
Halo Maud, “Terres Infinies” (Halo La Nuit/
Heavenly Recordings) ; Papooz, “Don’t You
Think It’d Be Nice?” (Half Awake Records).
Quatre albums : Romano Bianchi, “Le Don
Et La Disgrâce” (Stone Pixels Records) ;
Marlow Rider, “Cryptogénèse” (Bullit Records,
lisez l’interview de Tony Marlow, l’ancien Rockin
Rebels, sur buzzonweb.com, c’est passionnant) ;
The Pietrosella Sound Experience, “The Island”
(Aventura Records) ; La Division Technique,
“Traversant Les Cités Liquides” (Rotorelief).
Une réédition : “A Frauta De Pã”, de Carlos
Walker, entre Colin Blunstone et Brian
Wilson (Sony Japan, uniquement
en CD, merci Pierre Sojdrug).
Page-turners : “P-Funk, L’Odyssée de George
Clinton” par Real Muzul (Le Mot Et Le Reste, 23 €)
donne envie de réécouter direct le “Troglodyte
(Cave Man)” du Jimmy Castor Bunch ;
Sly Stone, “Thank You (Falettinme Be Mice
Elf Agin) : A Memoir” (Auwa, non traduit,
28,90 €) ; Véronique Mortaigne, “Lavilliers,
Ecrire Sur Place” (Equateurs, 20 €) ; Alphonse
Boudard, “Merde A L’An 2000” (Le Dilettante,
19 €) ; Jean-Philippe Delhomme, “Peindre
Devant Soi (Exils, 28 €, il publie également
“Studio Poems”, des paroles et des dessins
à l’encre superbes chez Perrotin) ; Bertrand
Boileau, “Le Champ Des Possibles” (editions-
anfortas.com, 16 €), livre de route californien
rythmé par le “Let There Be Rock” d’AC/DC.
Je suis seul dans ma chanson : Peter Hook
interviewé par Philippe Chassepot pour
le quotidien suisse “Le Temps” (tous deux
particulièrement recommandés), à propos
d’un concert de New Order à Lyon en 1989 :
“J’étais sorti avant le concert pour boire un
verre avec un pote, puis on en a vite descendu
vingt ou trente (…). Finalement, le promoteur
a défoncé la porte et on a commencé à jouer
avec un retard dingue. Et en fin de concert,
quand tout le groupe a quitté la scène,
je pensais qu’il restait encore une chanson
sur la set-list. C’est là que j’ai réalisé que
je m’étais planté depuis le début, j’avais joué
les mauvaises lignes de basse sur chaque titre.
Manifestement, personne n’avait remarqué…”
Sur LCP, Rembob’Ina avec Nina Simone,
et son biographe Frédéric Adrian (“Nina Simone”,
Le Mot Et Le Reste, 20 €) en invité plateau. Allez
voir la rediffusion, c’est merveilleux. Quand
elle joue “The Other Woman”, on ne peut
pas aller plus loin. Elle voulait être concertiste
classique, heureusement que ça n’a pas marché,
on n’aurait jamais pu entendre ses chansons.
Ivan Essindi, bassiste d’une grande élégance,
vient de mourir dans un accident de voiture.
“La bande à Spartacus est à la station Rome” :
Tai-Luc, première victime des Jeux olympiques
2024. Asthmatique, il s’est éteint après avoir
remonté chez lui les caisses de livres de sa boîte
de bouquiniste. Souvenir de la rue Caumartin
au début des années quatre-vingt, la chicore,
la dépouille, les videurs de Rosebud en survêt
à capuche avec leur gilet orange en similicuir,
Farid et Amour, les terreurs du moment,
en embuscade, et lui, rude boy de Vélizy
en costume vert 3 boutons, imperturbable.
Jean-Pierre Montal, évoquant avec émotion
un concert de La Souris dans une ancienne
patinoire : “Comme il y eut le zouk pour les
îles ou la bossa-nova pour les plages du Brésil,
il fallait une musique pour Schiltigheim, les
banlieues de Rouen ou Saint-Etienne. Dans
les années quatre-vingt, ce fut l’alternatif.
Je sais… Pas glop, pas glamour mais ces
types jouaient partout, ils nous évitaient
bien des soirées en famille… grâce leur soit
rendue. Et au milieu de cette ‘scène’, un
véritable Etat dans l’Etat, de glorieux aînés qui
avaient débuté bien avant, La Souris Déglinguée
emmenée par un type au charisme unique,
brassant la ligne 2, Juvisy et le Mékong dans
des paroles portées par un genre de romantisme
rockab.” Terminus à Père Lachaise (ligne 2).
Merci pour tout Tai-Luc, pour les mauvais
garçons et les filles qui fument dans la
rue en répondant “ta gueule” quand
on leur demande si elles sont seules.
“Tu connais Isabelle et sa sœur Jacqueline
Photo Bruno Berbessou
La jeune voleuse de sacs dans les boîtes de nuit
Elle provoque les filles sur la piste de danse
Elle sourit aux garçons en buvant dans leur bière.”
La Souris Déglinguée, “Week-End Sauvage”,
paroles Tai-Luc.