Diva

BEN HARPER
PROTOMARTYR

Turner
THE MILK CARTON KIDS
THE DATSUNS
MAX ROMEO

MES DISQUES A MOI

JACKY

QUEENS OF THE
STONE AGE
ALICE COOPER
PORTUGAL.
•••
THE MAN
ROSS HALFIN &
L 19766 - 671 S - F: 6,90 € - RD

juillet 2023
N°671 / 6,90 €

METALLICA
MensuEL
BEL 7,80 €
Allemagne 9.90 €
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LE LABEL BYG
SUISSE 11,70 CHF
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MURAT
CAN 11,90 $ CAN
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NCAL(S) 1030 XPF
ILE MAURICE 7,80 €
Edito

Photo Ullstein Bild/ Getty Images

Ça sent
le bestiaire
Tina Turner à présent.

En disparaissant, c’est plein de trucs qui partent avec elle.

La frénésie des années cinquante et soixante. Mais aussi
les trucs plus plan-plan un peu hurlés mais planétaires des
années quatre-vingt, quatre-vingt-dix. C’est les orchestres
noirs fantastiques et les clips idiots. Avec ventilateur.
Les robes à sequins. A plumes, en meneuse de revue
voyoute. Des musiques de publicités, souvent “The Best”,
des musiques de reportages sportifs, souvent “The Best”...
Des duos avec Mick et David dans les années quatre-vingt.
“Mad Max”… Bref, on l’a compris, des dizaines de Tina en fait.
A chacun la sienne. Mais pour ce qui fut des réactions et
des hommages, des titres, la presse française a donné dans
la métaphore animalière. Pour certains, c’était “La Lionne”,
ses cheveux ?, “La Louve” ou encore “La Tigresse”.
Ces comparaisons n’ont pas manqué pour évoquer sa mort.

S’il n’est pas rare et bien connu que l’utilisation de la

panoplie animalière dans le rock est récurrente et une très
ancienne tradition — vite fait, hein et pour rappel : Aigle,
Corbeau, Scarabée, Tortue, Eléphant, Chien, Ours, Loup,
évidemment ! Chat, Guépard, Vautour... Ok, ok on arrête
là — il est étrange de constater que lorsque c’est une femme,
noire, qui disparaît, les noms d’animaux sortent des tiroirs…
Ou celui de Queen. Une femme morte devient Reine ?

Viendrait-il à l’idée des rédactions d’accoler, au hasard

dans les derniers disparus, au nom de Jeff Beck un qualificatif
bestial, et si oui lequel ? Personne n’a tenté à la mort de Crosby
“Le Morse S’échoue” ou “La Baleine A Sombré”, n’est-ce pas.
Non, avec les hommes on est davantage dans le vibrant,
dans l’hommage.
Grrrrrrr.

Vincent Tannières

JUILLET 2023 R&F 003

 Sommaire 671
Parution le 20 de chaque mois

Mes Disques A Moi

Olivier Cachin JACKY 10

In memoriam

Photo Michael Halsband-DR

Pierre Mikaïloff Jean-LOUIS MURAT 14

Tête d’affiche 20 Ben Harper

PROTOMARTYR 16
Eric Delsart

Eric Delsart The Milk CARTON KIDS 18

BEN HARPER 20
Bertrand Bouard

MAX ROMEO 22
Olivier Cachin

The DATSUNS 24
Eric Delsart

En vedette
ELLAH A. THAUN 26
Thomas E. Florin

PORTUGAL. THE MAN 30

Jérôme Soligny

Romain Burrel QUEENS OF THE STONE AGE 34

ALICE COOPER 38
Jérôme Soligny

ROss Halfin 42
Géant Vert

LE LABEL BYG 46
Eric Delsart

www.rocknfolk.com En couverture
Olivier Cachin & Jean-William Thoury TINA TURNER 52
couverture Photo : Jack Robinson/ Hulton Archive/ Getty Images 52 Tina Turner
RUBRIQUES edito 003 Courrier 006 Telegrammes 008 Disque Du Mois 061 Disques 062 Reeditions 070 REHAB’ 074 vinyles 076
DISCOGRAPHISME 078 HIGHWAY 666 REVISITED 080 Qualite France 081 Erudit Rock 082 Et justice pour tous 084 FILM DU MOIS 086
Cinema 087 SERIE du mois 089 IMAGES 090 Bande dessinee 092 LivRes 093 Live 095 PEU DE GENS LE SAVENT 098

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Courrier des lecteurs
”Je n’arrive pas à trouver d’excuse valable
pour une faute de goût capillaire aussi grossière”
Excès de zèle
A propos de Gérard Pont, j’ai un
souvenir ému de l’inauguration de la
plaque à la mémoire de Jean-Louis
Foulquier sur le site des Francos,
où on nous avait demandé de venir
avec un verre. Le soir, un jeune
contrôleur SNCF rentre à la Rochelle
de sa première journée dans le TGV.
Ses collègues lui demandent si ça
s’était bien passé. Le jeune contrôleur
répond : “Ouais, cool ! Juste un
vieux gars qui remontait sur Paris
en première et qui n’avait pas sa
carte Senior. Il m’a raconté qu’il était
chanteur. Je ne comprenais rien à ses
explications, il devait être bourré, je
lui ai mis une prune.” Ses collègues,
effondrés : “Il a mis une prune à
Higelin !” Les plus anciens savent
que Higelin était fils de cheminot
et amoureux des trains (“Dans La
Salle D’Attente De La Gare De Nantes”,
“Entre Deux Gares”, “Rendez-Vous
En Gare D’Angoulême”, etc.).
L’anecdote est authentique,
bien sûr, je la tiens de ses collègues !
Phil (L’Autre)
Proposition
Après avoir visionné l’excellente série
(“George And Tammy”) consacrée au
couple mythique George Jones et
Tammy Wynette, je me disais que
ce serait d’actualité de consacrer
au Caruso de la country une story.
Et au vu de ses 400 références
discographiques, une disco
sélective serait la bienvenue...
JEan-Philippe Terenne
006 R&F JUILLET 2023
Douilles,
ouille, ouille !
Si les éloges suite à l’annonce de
sa disparition ont été nombreux,
aucun n’a jamais, en tout cas pas à
ma connaissance, mentionné ce qui
contribuait à inscrire définitivement la
diva Tina Turner dans l’ordre du rock,
au même titre que les Bono, Roger
Daltrey, Anthony Kiedis, Rod Stewart,
Keith Richards ou Ozzy Osbourne. Et
ses cheveux, alors ? Imaginerait-on
Mick Jagger sans cheveux, comme
le suggérait un jour Noel Gallagher ?
Eh bien pour Tina, il me semble que la
règle s’applique aussi... Réparation ?
Par une mise en contexte... Faite
de citations. “C’est un accident qui
m’a poussé à acheter ma première
perruque. J’étais chez la coiffeuse,
et l’esthéticienne a laissé poser le
décolorant trop longtemps. Mes
cheveux, épuisés par les traitements,
ont commencé à casser et tomber. Pas
le choix, il fallait dissimuler les dégâts
sous une perruque (...). [Mais] comme
je ne voulais pas donner l’impression
que je portais un rideau de crins
artificiels, j’ai appris à travailler les
perruques pour qu’elles semblent
plus naturelles. J’ai commencé par
effiler les cheveux (...). Ensuite, j’ai
travaillé les volumes (...). J’achetais
des cheveux de qualité supérieure ;
à force de les sculpter et de les
peigner, je me suis retrouvée avec
les plus belles perruques du showbiz.
On les portait sur scène, puis, après
le spectacle, on les lavait et on les
mettait à sécher ; le lendemain, elles
étaient prêtes à reprendre du service”
(Tina Turner). “[Ma manageuse] savait
aussi comment gérer mon image.
Elle m’a rapidement fait quitter mon
accoutrement crasseux que je portais
du temps de Black Sabbath. C’était
les années quatre-vingt. Il fallait être
extravagant (...). Au moins, quand
quelqu’un montait sur scène avec
une tignasse lustrée, il sortait de
l’ordinaire” (Ozzy Osbourne). “J’ai
commencé à me tartiner de pots et
de pots de Dippity-do, un gel fixant
américain surpuissant. Tant que
le public ne réclamait pas trop de
rappels, une grosse noisette de cette
gomina me conservait la raideur
voulue pendant tout un concert”
(Roger Daltrey). “J’ai découpé toutes
les photos de Keith Richards que j’ai
pu trouver. Je les ai étudiées un petit
moment, puis j’ai sorti mes instruments
et, à grands coups de cisaille, j’ai fait
mes adieux à l’ère folk. Après quoi je
me suis fait un shampoing (...) et j’ai
secoué mes cheveux pour les sécher.
C’était une expérience libératrice”
(Patti Smith). “A revoir ça aujourd’hui,
je me demande avec inquiétude si
je n’ai pas contribué à inventer le
mulet au moins dix ans avant que
cette coupe de cheveux ne devienne
un élément du look des années
quatre-vingt. Je n’arrive pas à trouver
d’excuse valable pour une faute de
goût capillaire aussi grossière” (Nick
Kent). “Je dois confesser une énorme
honte : mes coupes de cheveux. J’ai
influencé des milliers de footballeurs
de deuxième division avec mes
cheveux longs derrière et courts
devant” (Bono). “Je ne cherchais
pas spécialement à imiter les joueurs
de hockey, ni même les Canadiens :
c’était juste l’idée que je me faisais
d’une coupe punk. Je crois que je
m’inspirais de David Bowie et de sa
période “Pin-Ups” en remplaçant le
roux par du brun et l’espèce de brosse
sur le devant par une frange (...). Une
de mes plus grandes réussites, c’est
d’avoir inventé la fameuse coupe
MacGyver” (Anthony Kiedis). “Même
aujourd’hui, il est encore possible
d’entrer chez n’importe quel coiffeur
en Angleterre, de demander qu’on
vous fasse ‘une Rod’, et il saura
sans plus d’explication ce que
vous souhaitez” (Rod Stewart).
“Nous cherchons un guitariste
peroxydé” (Girl dans “Melody Maker”).
Rudy Rioddes
Il est temps
à nouveau...
Une lettre rédigée il y a quelque
temps évoquait la fin de la FNAC
comme agitateur depuis belle lurette
(saperlipopette), ne les voilà-t-il
pas avec une nouvelle campagne
publicitaire où, sur fond de musique
d’un artiste devant payer ses
impôts, ils nous disent qu’il est
temps à nouveau ? Mais de quoi,
de slalomer entre machines à café
et aspirateurs pour nous rendre
dans un rayon disques anorexique,
ou au rayon livres pas plus épais, le
tout en reniflant les encens vendus
par l’autre enseigne du groupe !
Ah, mais, stop, allons plutôt chez
le disquaire du coin, tous les jours
sauf celui du Disquaire Day ! Et merci
pour tout (il est temps à nouveau,
oui temps à nouveau, d’arrêter
de nous prendre pour des cons !).
Seb
Ecrivez à Rock&Folk,
12 rue Mozart,
92587 Clichy cedex
ou par courriel à rock&folk@
editions-lariviere.com
Chaque publié reçoit un CD
Pire to pire
Cher R&F, ton édito à base de ChatGPT
a réussi à me faire lâcher ma lecture.
Tu nous dis que ce texte est “sans
âme” et “avec des ficelles un peu
grosses”, mais c’est bien pire, mon
ami ! Toutes ces formulations utilisées
du type “expérience musicale unique”,
“pouvoir de la musique à rassembler
les gens”, “célébration de la riche
histoire de la musique”, “langage
universel qui transcende” sont des
poncifs qui sont un témoignage de
notre époque où le “bien-pensant”
est érigé en modèle unique afin de ne
pas effrayer le bourgeois, et donc qui
vise à booster les pubs et les ventes.
Tout est génial, tout le monde il est
beau, on a la désagréable sensation
d’entendre les jurys de The Voice en
sourdine, il ne manquait que “Ils nous
ont embarqués dans leur univers”.
Pouah... On est très, très loin du sexe,
de la fureur et de l’énergie présents
dans notre musique préférée. Et
maintenant, une petite expérience :
je vais au resto et je veux écrire à un
ami pour le lui conseiller. Eh bien,
je reprends tout cela et ça devient
une “expérience culinaire unique”,
“pouvoir de l’art de la cuisine à
rassembler les gens”, “célébration
de la riche histoire culinaire”,
“langage universel qui transcende”
(y’a même rien à changer ici, c’est
dingue !). C’est inquiétant, et vous
pouvez même essayer avec d’autres
domaines, cela marchera tout autant.
L’appauvrissement de la culture est
en marche, avec un vocabulaire hyper
limité à ces expressions toutes faites
répétées ad nauseam, et où le débat
et la contradiction semblent absents.
BRuno Swiners
Nouvelle vague
Bravo pour le très bon article
d’Eric Delsart sur les Lullies !
Et nos amis des Lullies qui citent
même comme influence Périphérique
Est ! Bref, un événement rock’n’roll
dans Rock&Folk, cela fait du bien !
Sinon la chronique de l’album des
Lullies à côté de celle de Daho,
c’est marrant ! Ok, la nouvelle
vague du rock’n’roll francophone
est là ! Ne passez pas à côté !
Blam
Télégrammes
TONY ALLEN
Le label Jazz Is Dead annonce
la sortie d’un album posthume
du batteur nigérian Fela Kuti, en
collaboration avec le producteur
californien Adrian Younge. “Jazz Is
Dead 18” sera à écouter le 7 juillet.
THE ARROGANTS
Le quatuor garage lillois ouvrira
le show des Who à la Défense
Aréna le 23 juin. L’occasion
de découvrir son second opus
“Brainwash”, prévu sous peu.
THE BEACH BOYS
Le mythique album “Pet Sounds”
va bénéficier d’un nouveau
son en mix Dolby Atmos. Il a
été confié aux bons soins du
producteur Giles Martin qui a
supervisé l’opération à partir des
bandes analogiques originales et
du mix mono original de Wilson.
THE BELMONDOS
Le quatuor parisien se défoulera
au Supersonic de Paris le
24 juin en compagnie de
The Soap Opera et Sexores.
JOE BONAMASSA
Le virtuose parcourra les
festivals de l’Hexagone en
juillet. Il sera le 10 à Vienne
(Théâtre Antique), le 18
à Carcassonne (Théâtre
Jean Deschamps), le 20 à
008 R&F juillet 2023
par Yasmine Aoudi
The Arrogants
Saint-Julien-en-Genevois
(Festival Guitare en Scène)
et le 22 à Marciac.
COGNAC BLUES FESTIVAL
Du 4 au 9 juillet se tiendra
la trentième édition du
festival blues à Cognac. Au
programme : Placebo, Marcus
K, M, Chris Isaak, Buddy
Guy, Robert Finley, Ayron
Jones, Electric Ladyland...
COOK’N ROLL ULTIMATE
Conçu par Audrey Basset,
préfacé par le guitariste de
Gojira Christian Andreu,
l’ouvrage propose plus de
1974. Ben Harper, Fontaines DC,
John Parish... font partie
de la trentaine d’artistes
qui s’est prêtée à l’effort.
Les vingt-trois morceaux
seront à écouter le 7 juillet.
FESTIVAL DE NÎMES
Aux Arènes de Nîmes,
se tiendra du 23 juin au
22 juillet la mouture 2023
du Festival de Nîmes (1997).
Se succéderont sur scène les
Simply Red, Slipknot, Gojira,
Avatar, The Black Keys, Spoon,
Placebo, Michel Polnareff,
Arctic Monkeys, Sigur Ros,
Chilly Gonzales, Louise
Photo DR
Attaque et bien d’autres…
cent recettes (à boire ou SERGE GAINSBOURG
à manger) rock et metal à Le claviériste-arrangeur
concocter soi-même. Alan Hawkshaw et ses
musiciens livrent la version
DR JOHN 2023 du chef-d’œuvre du père
“Dr John: The Montreux de Charlotte “L’Homme A Tête
Years” renferme le meilleur De Chou”. Quarante-cinq ans
des performances à Montreux après, et à partir des bandes
de 1986 à 2012, et du répertoire multipistes enregistrées à
du Night Tripper... Déjà Londres en 1976, le nouveau
disponible en CD, vinyle mixage propose un “rééqui-
audiophile et numérique. librage des parties vocales et
instrumentales”, en gardant
NICK DRAKE l’esprit d’origine, et sera
“The Endless Coloured Ways à découvrir le 23 juin.
- The Songs Of Nick Drake”
est la relecture de standards du GUNS N’ROSES
Britannique décédé en novembre Les Américains seront à Paris
le 13 juillet, Axl Rose, Slash
et leurs acolytes joueront
à la Défense Arena.
BUDDY GUY
Le bluesman revient
pour deux rares apparitions
au Cognac Blues Passion
et à l’Olympia (Paris)
le 11 juillet.
HALF JAPANESE
Jad Fair, dernier membre
historique du band,
réactive la formation
américaine de art punk
Half Japanese. Précédé
du single “It’s Ok”, le
vingtième album studio
BLUR “Jump Into Love”, douze
Damon Albarn, Graham titres captés aux quatre coins
Photo Reuben Bastienne-Lewis-DR
Coxon, Alex James et Dave du monde, est un hymne
Rowntree ont dévoilé “The à l’amour. Mixé par le
Narcissist”, premier single fidèle Jason Willett, il sera
des dix titres qui composent à découvrir le 21 juillet.
“The Ballad Of Darren”,
neuvième album du combo JOHNNY HALLYDAY
à découvrir le 21 juillet. Le Harley Davidson Club
Desperados (créé en 1992
 VINTAGE TROUBLE
Ty Taylor et ses acolytes défendront leur
nouvel opus, “Heavy Hymnal” (voir
page 66), à Lille au Splendid le 27 juin,
à Vitrolles au Jardin Sonore Festival le
21 juillet et à Saint-Julien-en-Genevois à
Guitare en Scène Festival le 22 juillet.
Photo Steve Lucero-DR
avec le soutien du rocker
disparu) et ses musiciens
dont Yarol Poupaud, Norbert
Krief... célébreront son 80ème
anniversaire à Romilly-sur-
Seine, dans le cadre du
Biker Trophy les 7, 8
et 9 juillet. Au programme :
concerts, expo, bourse aux
disques et aux livres...
JANET JACKSON
La cadette de Michael a cédé
son coupé Aston Martin
V12 Vanquish de 2003
pour la modeste somme
de 92 075 dollars.
NORAH JONES
La fille du sitariste Ravi
Shankar sera à la Seine Musicale
(Paris). A ses côtés, Suzanne
Vega le 5 juillet et Mavis
Staples le 6 juillet (complet).
MISS TINY
Derrière ce patronyme,
se dissimule le producteur
de disques anglais Dan Carey
et Benjamin Romans-Hopcraft
(Warmduscher, Childhood).
Leur premier EP “Den7”
est annoncé pour le 21 juillet
prochain, et est précédé du
simple “The Beggar”.
KLAUS NOMI
Après avoir enfin localisé
les ayant droits de l’icône,
le label Legacy commémore
sa disparition il y a quarante ans
en rééditant tout son catalogue.
Pour la première fois en digital
depuis le 28 avril, et en physique
CD, vinyles, coffret vinyles et
cassettes depuis le 16 juin.
JIM O’ROURKE
La BO “Hands That Bind”
du long-métrage éponyme
de Kyle Armstrong (2021),
réalisée par l’ex-Sonic Youth,
est précédée du simple “A Man’s
Mind Will Play Tricks On Him”,
et verra le jour le 7 juillet.
POINTU FESTIVAL
Sur la Presqu’île du Gaou,
à Six-Fours-Les-Plages, se
tiendra la septième édition
du Pointu Festival. The Brian
Jonestown Massacre, Kurt
Vile & The Violators, Viagra
Boys, Kevin Morby, Billy
Nomates, Idles, A Place To
Bury Strangers, The Bobby Lees,
Lysistrata, Parade se passeront
le relais du 7 au 9 juillet.
TINARIWEN
Les rockers touaregs
se produiront en juin au
Splendid à Lille le 26, à
la Salle Pleyel à Paris le 28,
et en juillet au Festival
Les Suds à Arles le 11 et
au Festival Musicalarue
à Luxey le 29.
FRANKIE VALLI
Le chanteur américain,
qui connut son heure
de gloire au sein des
Four Seasons dans les
années soixante et continue
de se produire à travers
les Etats d’Amérique
depuis la mi-juin, annonce
la sortie d’un énorme coffret
en Super Deluxe Edition
Limitée. “Frankie Valli
And The Four Seasons –
Working Our Way Back To
You – The Ultimate Collection”
renfermant 45 CD, et La rétrospective “Anthology”
plus de 800 pistes contenant réunira divers enregistrements
démos, prises alternatives, sur près de vingt ans et débutant
inédits, albums live bonus, en 1986, des morceaux
faces B livres, carnet de live et notes de pochettes
notes de collection, de Paul Sexton (journaliste
est déjà en vente. musical et auteur). Sortie le
30 juin, en 2 CD ou 2 LP.
KURT VILE & THE VIOLATORS
En attendant la réédition de YOU SAID STRANGE
“Walkin On A Pretty Daze” Le quatuor normand jouera
pour son dixième anniversaire “Thousand Shadows Vol.2”
prévue le 25 août prochain, son dernier-né aux effluves
l’ex War On Drugs psychédéliques le 30 juin
investira le Grand Mix de au Horse Field Festival
Tourcoing, le 26 juin. (Curis-au-Mont-d’Or).
VIRGIN SUICIDES ZZ TOP
Le long-métrage de Sofia Inarrêtable depuis la
Coppola sorti le 27 septembre disparition du bassiste
2000, et dont la BO fut confiée au Dusty Hill, le guitariste
duo versaillais Air, sera projeté Billy Gibbons jouera sans
en salles en version restaurée son groupe fétiche pour
4K le 12 juillet prochain. la première fois. Il sera à
l’Olympia le 6 juillet prochain
CHARLIES WATTS accompagné du batteur Matt
Le label BMG mettra à Sorum (Guns N’Roses) et
l’honneur la face jazz de feu du guitariste Austin Hanks.
le batteur des Rolling Stones.
Condoléances
Kenneth Anger (auteur, acteur et réalisateur américain, “Hollywood
Babylone”), Pete Brown (poète, parolier et producteur de musique
britannique, Jack Bruce), John Giblin (musicien écossais et musicien
de studio, Simple Minds), Astrud Gilberto (chanteuse brésilienne
de bossa-nova), Bill Lee (compositeur et acteur américain, de
jazz), Jack Lee (musicien, compositeur et chanteur américain
de rock, The Nerves), Philippe Marcadé (chanteur et écrivain
français, The Senders), Joy McKean (chanteuse, compositrice
australienne de country), Jean-Louis Murat, Floyd Newman
(saxophoniste, musicien de studio et compositeur américain de
soul et de rhythm’n’blues), Andy Rourke (musicien britannique,
The Smiths, Freebass...), Lester Sterling (trompettiste et saxophoniste
jamaïcain de ska et reggae, The Skatalites), Tina Turner, Cynthia
Weil (compositrice américaine, The Ronettes, Righteous Brothers).
juillet 2023 R&F 009
Mes disques à moi
“Des vinyles partout dans la maison”
Jacky
Ceux qui regardaient du rock à la télé durant les seventies et les eighties
connaissent Jacky Jakubowicz, le joker foufou, faire-valoir d’Antoine de Caunes
dans Chorus, puis animateur du Club Dorothée et présentateur de Platine 45.
Recueilli par Olivier Cachin - photo william beaucardet
CE QUE L’ON SAIT MOINS, C’EST QU’IL FUT AUSSI,
À SES DÉBUTS, ATTACHÉ DE PRESSE POUR SERGE
GAINSBOURG, ALAIN BASHUNG, BOB MARLEY ET BIEN
D’AUTRES. Il nous reçoit dans sa petite maison en banlieue
mitoyenne de Paris et nous ouvre sa discothèque, avec en bonus
des anecdotes pas dégueu, à la Gainsbarre. Alors on peut le
dire : Magnéto, Serge !
Rue de Verneuil
ROCK&FOLK : On est dans votre discothèque personnelle, là…
Jacky : Ici, ce sont des coffrets de Johnny que je n’ai jamais ouverts…
J’ai des vinyles partout dans la maison. Le rangement est très rock’n’roll,
quand je cherche un truc, je mets deux heures, mais je le trouve ! Tiens,
j’en prends un au hasard…
R&F : Aïe, Level 42 ! Et ici Blancmange, Thompson Twins,
Robert Palmer… Les années 1980, en somme.
Jacky : Il y a de tout, y compris les gratuits
des maisons de disques. J’ai tout gardé.
Mais j’ai aussi acheté plein de vinyles.
Les Injectés, tu connais ? Tiens, un Robert
Gordon, il vient de décéder… J’habite
ici depuis trente-trois ans, j’ai acheté
la maison avec l’argent de la télévision.
Paris ne me manque pas, le 13ème arron-
dissement est au bout de la rue !
R&F : Quand avez-vous entendu vu
Gainsbourg pour la première fois ?
Jacky : Je suis arrivé chez Philips en
1973, à vingt-cinq ans. Le directeur de la
promo m’a dit qu’il cherchait un attaché
de presse. J’arrive rue de Verneuil, je
sonne, c’est Serge qui m’ouvre ! J’étais
déjà fan. J’ai commencé avec “Vu De
L’Extérieur”, puis “Rock Around The
Bunker”, “L’Homme A Tête De Chou”, “Aux Armes Et Cætera” et
“Mauvaises Nouvelles Des Etoiles”. Chez lui ça va devenir un musée,
mais ça l’était déjà. Si tu déplaçais un objet de dix centimètres, il le
remettait à sa place. Il avait l’air déglingué mais de l’intérieur il était
précis, maniaque. Ce qui nous a rapprochés, c’est notre judaïté, il était
ashkénaze comme moi. Il était hyper ponctuel, il ne fallait pas que le
journaliste ait dix minutes de retard. Il me demandait toujours de lire
les articles du journaliste en question pour voir comment il écrivait. Un
010 R&F JUILLET 2023
grand professionnel, qui m’a appris le métier. On était complices mais pas
amis, j’avais vingt ans de moins et j’étais à son service. Il sortait tous les
soirs, parfois il m’appelait, “Viens, on va dîner ensemble”, et on parlait de
la vie. Il m’a amené partout, c’est grâce à lui que j’ai aimé la gastronomie,
il m’a présenté Jacques Dutronc.
R&F : Comment s’est passée la rencontre ?
Jacky : Ça a collé tout de suite. J’ai un souvenir de Jacques à l’époque
de “Merde In France”, il devait passer à Platine 45 et il m’a dit : “J’ai
une idée Jacky, on va aller dans une déchèterie, une vraie, j’en connais
une à cinq kilomètres de Paris. Et je vais la faire visiter comme si c’était
mon appartement.” Il a fait venir trois mannequins, très belles, il les a
mises dans une baignoire remplie de boue. Il a dit : “Voilà Jacky, c’est
ma salle de bains, il y a trois gonzesses.” Elles étaient à poil, bon on ne
voyait rien, il y avait plein de boue, ça puait. A la fin on est parti sur le
camion poubelle. Un fou furieux, j’adore.
En marcel et en bermuda
R&F : Justement, vous sortez une compilation de votre émission
Platine 45. Combien de temps a-t-elle duré ?
Jacky : C’était grâce à Pierre Lescure, en hebdo, et ça a duré six ans.
J’ai eu tout le monde, surtout les Français. Il y avait aussi des comédiens,
notamment la troupe du Splendid que j’avais connue en 1972, avant le
succès. Coluche, Gérard Lanvin, Martin Lamotte, Thierry Lhermitte,
Michel Blanc, Josiane Balasko. Je lançais les clips avec eux, Michel
Blanc était déguisé en fée, des trucs de dingue ! Isabelle Adjani, qui
a beaucoup d’humour, était venue faire
“Beau Oui Comme Bowie”, et elle me dit
qu’elle a envie de se déguiser en moi. Elle
est venue sur le plateau avec mes habits et
des creepers. Et elle m’a dit de m’habiller
en beauf, du coup j’étais en marcel et
en bermuda. Mylène Farmer aussi, elle
m’a bien eu. Elle avait un rouge à lèvres
très rouge et elle me dit : “Jacky, si tu es
d’accord, à chaque plateau, je t’embrasse :
sur la joue, le front, le bout du nez”. Je dis oui, il y avait cinq plateaux
et au cinquième, elle me demande — et ça, elle ne me l’avait pas dit
avant — : “Jacky, est-ce que je peux t’embrasser sur la bouche ?” J’ai dit
oui, et elle l’a fait.
R&F : Une autre époque…
Jacky : Oui. Je ne dis pas que c’était mieux avant, mais c’était autre
chose. Il n’y avait pas internet ni les réseaux sociaux. Je ne sais pas si on
MES DISQUES A MOI    Jacky
“Peter Gabriel me mettait du vernis
sur les ongles des pieds”
pourrait faire tout ça maintenant. Même Catherine Deneuve ! Quand elle
a sorti son album, j’ai appelé Serge, qui l’avait produite, et je lui ai dit
que j’aimerais bien avoir Catherine dans l’émission, il l’a appelée et ça
s’est fait comme ça. Deneuve, c’est la seule fois où j’ai eu un peu le trac.
C’est une déconneuse, mais il faut avoir
le mode d’emploi. Au début elle est très
distante. Je lui dis : “ – Vous permettez que
je te tutoie ? – Non, pour l’instant on va se
vouvoyer. – D’accord Catherine, comment
tu vas ?” Ça l’a déridée, elle s’est marrée,
et on a fait l’interview. J’étais assez proche
de Peter Gabriel, qui a chanté à Platine 45.
Il n’avait pas d’album à vendre, il est venu
pour moi. Il m’a dit “Jacky, j’ai envie de te
mettre du vernis sur le bout des ongles”. Donc, pendant qu’on parlait, j’étais
pieds nus et Peter Gabriel me mettait du vernis sur les ongles des pieds.
C’était que ça, Platine 45. J’aimais beaucoup Roxy Music avec Brian Eno,
qui était un gros déconneur à l’époque. En 1973 à l’Olympia, je débutais
juste, Eno me dit : “Jacky, j’ai la chaude-pisse”. C’était très à la mode...
Je me suis démerdé, je lui ai trouvé un toubib rue Caumartin qui lui a
fait une piqûre dans les fesses. Ça m’a fait rire parce que, contrairement
à Michel Berger qui jouait du piano debout, Eno en jouait assis, mais là,
il a dû rester debout parce qu’il avait mal au cul ! Quand tu es attaché
de presse, il faut tout faire.
R&F : Y compris ramener les filles et la dope ?
Jacky : Ah ben, j’ai dû aller chercher les dealers. J’ai demandé au
directeur de la promo comment faire parce que là, il fallait payer en
liquide, et je n’allais pas faire une note de frais avec marqué “Stupéfiants”
quand même. Il me répond : “Tu mets ‘Frais divers’ !” Maintenant, même
pas en rêve.
Premier présentateur muet
R&F : Avant Platine 45, il y a eu Chorus, avec Antoine de Caunes.
Jacky : Quand j’étais attaché de presse, je proposais des artistes à
Antoine, et on est devenus potes. Il a fini par me dire : “Viens avec moi
pour présenter Chorus le samedi, au théâtre de l’Empire”. Antoine, je le
rassurais un peu, c’était ses débuts à la télé. Pendant qu’il parlait, je faisais
des grimaces, je lui mettais les doigts dans le nez, dans l’oreille… Je ne
disais rien, j’étais le premier présentateur muet. C’était innovant, on ne
s’en rendait pas compte.
R&F : D’ailleurs, je vois dans votre discothèque “My Aim Is
True”, le premier album d’Elvis Costello, qui avait fait une
prestation mémorable à Chorus…
Jacky : Justement, je l’ai sorti par
rapport au concert, j’avais pris une claque
incroyable. J’adore cet album. A Chorus,
on a eu les Cramps, Joe Jackson, Devo,
Kraftwerk, Siouxsie & The Banshees,
tout le monde ! A l’époque, tu appelais
le manager et c’était bon. La première
fois que j’ai parlé à la télévision, c’était à
Récré A2. La directrice de l’unité jeunesse
d’Antenne 2, Jacqueline Joubert, était la
mère d’Antoine de Caunes et regardait Chorus. Elle a dû me trouver
drôle, m’a appelé et m’a dit : “Dorothée s’en va pour deux mercredis, elle va
012 R&F JUILLET 2023
tourner un film avec Robert Enrico, est-ce que vous voulez la remplacer ?”
J’ai dit oui. Et je suis resté dix ans.
R&F : Tiens, un album d’Alain Bashung !
Jacky : Je m’en suis occupé au moment
de “Gaby” et “Vertige De L’Amour”.
Comme Serge, il cherchait un attaché de
presse. Avec Alain, ça a été immédiat. On
aimait la même musique, il avait un super
humour, j’adore ce qu’il fait. C’est moi
qui lui ai présenté Gainsbourg pour “Play
Blessures”, ils voulaient se connaître. Et
son parolier Boris Bergman, c’est mon pote,
il m’a écrit “Tétèou”, le single avec Lio.
Ah, Boris, ce qu’il écrivait, c’était totalement novateur.
R&F : Et il y a eu Bob Marley…
Jacky : Lui, je m’en souviendrai toute ma vie. Il était sympa, il fallait juste
savoir qu’il n’était jamais à l’heure. Il est arrivé à Orly avec un bocal de
ganja, à l’époque ils l’ont laissé passer. Je l’ai mis au Hilton et en bas de
l’hôtel il y avait un terrain de foot. Il regarde et il me dit : “ J’ai envie de
jouer demain, tu peux m’arranger ça ?” Et j’ai organisé le fameux match
des Wailers contre les journalistes de rock. Les Wailers ont gagné, ils
jouaient super bien.
Rock star insupportable
R&F : J’imagine que tous n’étaient pas aussi sympa.
Jacky : Celui que j’aimais beaucoup avant de le rencontrer en 1973,
c’est Cat Stevens. Je suis allé le chercher à l’aéroport d’Orly, la voiture
ne lui plaisait pas, il voulait en changer, j’ai dit non. A l’hôtel, il n’aimait
pas le papier peint, il a fallu le mettre dans une autre chambre. Après, il
voulait une platine pour écouter ses vinyles. On était dimanche, tout était
fermé. J’appelle le PDG et je lui demande quoi faire. Il me dit d’aller rue
Jenner, à Phonogram. “Vous dites au gardien que vous venez de ma part,
vous prenez ma platine dans mon bureau et vous lui donnez.” Cat Stevens
était végétarien, mais à l’époque, il n’y avait pas de resto végétarien !
Depuis, je n’ai jamais réécouté un album de Cat Stevens. C’était le seul
aussi capricieux, distant… La vraie rock star insupportable.
R&F : Et les destroy ?
Jacky : Ah, Status Quo ! On était à Clermont-Ferrand en tournée, difficile
de trouver un resto. J’en déniche un, j’emmène le groupe et, au milieu
du repas, Francis Rossi se lève, sort son sexe et fait pipi sur la nappe
blanche. Même pas bourré, il trouvait ça drôle. Les New York Dolls, eux,
dévissaient toutes les portes de l’hôtel en rentrant après minuit. Le patron
riait jaune, mais ça s’arrangeait toujours. Les Flamin’ Groovies aussi, dans
un restaurant chic, ils ont pris les couteaux pour déchirer les fauteuils…
R&F : Concluons avec la question rituelle : Beatles ou Stones ?
Jacky (sans hésiter) : Beatles. J’aime bien les Stones que j’ai vus en live
avec Brian Jones en 1967 à l’Olympia, mais les Beatles, je suis parti à
Londres à dix-sept ans et je les ai vus en concert au Marquee, et après à
Paris, en première partie de Sylvie Vartan. Je suis fan absolu, j’ai tout.
Mais je ne les ai jamais rencontrés. Ce sont les seuls dont j’aurais voulu
un autographe. C’est le drame de ma vie. H
Compilation & double DVD “Platine 45” (Panthéon/ Universal)
014 R&F JUILLET 2023

JEAN-LOUIS MURAT
1952-2023 Celui qui n’hésitait pas à avouer son dégoût du présent
à la sortie de “Baby Love” en 2020, laisse une œuvre inachevée, à l’instar
d’Alain Bashung et de Christophe, mais qui compte d’ores et déjà parmi
les plus aventureuses, et par conséquent précieuses, de la pop française.
APRÈS DES DÉBUTS DISCO-
GRAPHIQUES CONFIDENTIELS,
BIEN QUE REMARQUÉS PAR
CERTAINS CRITIQUES, EN 1981,
JEAN-LOUIS MURAT DOIT PATIEN-
TER JUSQU’À LA SORTIE DU
SIMPLE “SI JE DEVAIS MANQUER
DE TOI”, SIX ANS PLUS TARD,
POUR BRISER LE MUR DU SILENCE.
Celui qu’on a souvent résumé à son
caractère parfois difficile et à ses
origines auvergnates va alors élaborer
un mode de communication qui, sans
être original, s’avérera diablement
efficace, à base de saillies dirigées
contre les médias, l’industrie du
disque et ses collègues chanteuses
et chanteurs, révélant un talent
de provocateur hors du commun.
L’écho de ses sorties fielleuses
contribuera à rendre son nom
familier bien au-delà du cercle de
ses aficionados, mais n’ira pas sans
quelques dérapages regrettables.
Ses héros
Ces attaques tous azimuts n’étaient somme
toute qu’une ligne de défense pour cet
écorché vif qui déclarait : “J’ai toujours
été en butte à tout quand je suis arrivé à
Paris. Je me suis retrouvé rapidement être
‘le bougon’, ‘l’Auvergnat’. J’en ai ras le bol
d’être toujours le Bougnat bougon. Je garde
de ces quarante dernières années à faire de
la musique un sentiment très désagréable.
C’est affreux.” Cette réputation de ronchon
n’était pas usurpée, même si ces dernières
Photo Jean-Loup Sieff-DR
années, il en était arrivé à ce constat : “Un
artiste de province comme moi qui la ramène :
t’es mort. Je n’ai pas envie de mourir, je
ne dis plus rien. Et ça enlève beaucoup
de passion dans ce qu’on fait parce que
in memoriam
je passe mon temps à fermer ma gueule.”
Le mal-être qui sous-tend cette posture
grincheuse s’explique en partie par la
sensation de ne pas être né du bon côté
de l’océan Atlantique. On se prend à rêver
d’un Murat qui aurait grandi à Tulsa :
“Vu le tempérament et la mentalité que
j’ai, je pense que j’aurais pu tirer mon
épingle du jeu. Je me suis toujours senti
comme un poisson dans l’eau quand j’étais
là-bas avec les musiciens en studio. C’est
difficile, dans la chanson française, quand
dans ton biberon tu as des choses américaines
et que tu chantes en français. La langue
prenait toujours le pas sur la musique.”
A défaut de suivre les traces de Neil Youg
ou de Tony Joe White, deux de ses héros,
il lui faudra trouver sa place au pays du
Top 50 : “J’ai toujours pensé que la chanson
française était une impasse. Alors j’ai louvoyé
beaucoup, jusqu’à ces derniers albums, pour
essayer de résister. Mais je crois que c’est
une position intenable.” Et c’est un duo
enregistré en 1991 avec Mylène Farmer,
artiste établie de ladite chanson française
s’il en est, qui lui offrira sa plus haute
incursion dans le Top 50.
Nostalgie
Comme ses aînés Bashung, Christophe ou
Manset, Murat dut se livrer à ce numéro
d’équilibriste consistant à passer en
contrebande ses références anglo-
saxonnes sans tomber dans le piège de
la chanson-rock : “Je n’ai pas envie de
me faire enterrer avec tous ces ringards
de la chanson française pseudo-rock qui
me dégoûtent plus que tout. La chanson
française n’a pas suivi le mouvement, elle
est déjà dans la voiture-balai de la musique
internationale. Et comme j’aime être en
tête, j’essaie de trouver des façons.”
Parmi les raisons de ce vrai ou supposé
retard, quitte à passer pour réac’, il citait
le système sur lequel repose l’économie
du spectacle vivant : “Je pense que le
statut d’intermittent est une tragédie.
Avant de bosser avec des gens, je leur
demande s’ils sont intermittents. Le coup
de poignard définitif, ça a été ce statut.”
S’il se sentait proche d’un Léo Ferré, trop
rares sont ceux ses contemporains qui
trouvaient grâce à ses yeux pour ne pas les
citer : Les Rita Mitsouko et Bashung. Quant
à nos voisins immédiats : “Entre Kraftwerk
et Adriano Celentano, je ne vois pas ce qu’il
y a eu de mieux en Europe, carrément.”
Ces derniers temps, on sentait ce Don
Quichotte du Puy-de-Dôme gagné par
la nostalgie : “Je me rends compte que
tout ce à quoi j’ai cru comme musique
depuis que je suis petit, depuis ma
première écoute de Bob Dylan ou des
Rolling Stones, tout ça a vraiment disparu,
a été balayé, ça ne correspond plus à ce
qui est la réalité du monde. Alors on a
l’impression d’être un peu décalé.”
Auteur d’une œuvre ne comprenant
pas moins de trente-trois albums, en
comptant les collaborations, les live et
autres compilations, il semblait vouloir
la poursuivre sous la forme d’un journal
intime : “Je commence à avoir envie de
faire des disques que je ne sortirai pas,
qui sortiront dans vingt ou trente ans. Je
pourrais vraiment faire ce que je veux en
donnant une date de sortie. J’en ai parlé
à mes enfants. Parce qu’on est obligé
de faire des œuvres posthumes :
le présent est merdique !”
Et à propos de postérité, il avait
suggéré : “J’ai l’impression que sur
ma pierre tombale il faudrait inscrire :
‘Chanteur français humilié constamment’.” H
par Pierre Mikaïloff
JUILLET 2023 R&F 015
Tête d’affiche
“On gagne de l’argent
en tournant, pas avec Spotify”
Protomartyr Ils ont troqué la sophistication free jazz de “Ultimate Success Today”
pour une pedal steel. Les Américains ont-ils pour autant pris un tournant country ?
S’IL N’EST AUJOURD’HUI PAS UN
DES GROUPES LES PLUS POPU-
LAIRES DE LA SCÈNE ROCK INTER-
NATIONALE, LE QUATUOR MENÉ
PAR LE CHANTEUR JOE CASEY
ET LE GUITARISTE GREG AHEE
OCCUPE UNE PLACE À PART. C’est
un groupe influent, dont se réclament
Idles et Shame, qui a initié depuis
Detroit le revival post-punk qui secoue
depuis quelques années les scènes du
monde entier.
Punchlines
et aphorismes
Leader bougon à la plume aiguisée qui nourrit
ses albums de ses humeurs contraires, entre
colère, résignation et quête d’un bonheur qui
semble enfin s’offrir à lui, Joe Casey est un
frontman singulier. Moins frontal que Joe
Talbot d’Idles, moins narquois que James
Smith de Yard Act, toujours vêtu d’un costume
sur scène, il ressemble plus à un oncle ivre
mort qui vocifère à la fin du vin d’honneur qu’à
une rock star. Ses punchlines saillantes et ses
aphorismes en font un personnage des plus
attachants, d’autant qu’il se livre sans artifices
sur chaque album. “Je parle de ce qui se passe
dans ma vie, explique-t-il posément. Entre le
Covid, le décès de ma mère, les problèmes du
monde, j’avais des sujets lourds à l’esprit. Mais
il y avait aussi le fait que je me suis marié, que
j’ai déménagé. Une nouvelle vie qui a coïncidé
avec le fait que le groupe soit revenu à la vie
alors qu’on avait presque décidé d’abandonner.”
Les dernières années n’ont pas été tendres
pour Protomartyr qui a publié en 2020 un
album fabuleux au cœur de la pandémie. Avec
“Ultimate Success Today”, le groupe proposait
son album le plus abouti, qui devait être celui
du succès, mais qui semble aujourd’hui voué à
rester culte. “On avait pris une année de pause
en 2019 pour l’enregistrer et on s’était dit : ‘On
016 R&F JUILLET 2023
Creem
Depuis quelques mois, Joe Casey
collabore régulièrement avec “Creem”,
magazine rock iconique de Detroit,
récemment relancé. “J’apprends à
écrire !, blague-t-il. Au début j’avais
appelé ma rubrique ‘Detroit Sucks’
en référence à un T-shirt que portait
Lester Bangs, mais j’aime trop ma ville.
Ça s’appelle ‘Greetings From Detroit’.
J’écris surtout sur des jeunes groupes de
la scène locale. Il y a beaucoup de bons
combos garage punk en ce moment à
Detroit”. Des recommandations ? “Dans
le genre, j’aime beaucoup Toeheads, un
girl group nommé Shadow Show, et aussi
Day Residue, un groupe art punk .”
va tourner comme des fous en 2020’. Et puis
tout ça nous a été enlevé, déplore Casey. Ne
pas pouvoir tourner, c’est comme si le disque
n’existait pas. Et financièrement, c’était dur.
On gagne de l’argent en tournant, pas avec
Spotify. Ça a été un coup d’arrêt.” Un timing
désastreux, à plusieurs égards. “J’ai été très
malade durant l’année 2019 et beaucoup des
thèmes de cet album parlent de mortalité et de
maladie. C’était le mauvais album à sortir au
plus fort de la quarantaine alors que les gens
étaient enfermés et s’inquiétaient de leur propre
santé.”
Mes funérailles
Ecouter cet album dans le contexte de
confinement a pourtant eu pour beaucoup
un effet cathartique, les thèmes abordés
faisant écho aux angoisses de l’époque avec
une acuité presque visionnaire. “Je serai
heureux d’abandonner mes dons de voyance si
j’arrête d’avoir raison !, s’amuse le chanteur.
La dernière chanson de cet album, ‘Worm
In Heaven’, parle de mes funérailles. Là, j’ai
vraiment commencé à m’inquiéter de savoir
à quel point j’étais bon à prédire le futur.” Le
présent en tout cas pour Protomartyr, c’est ce
“Formal Growth In The Desert” enregistré au
studio Sonic Ranch, près d’El Paso, à quelques
pas de la frontière mexicaine. Un disque de
résilience, qui parle de deuil, de croissance
dans la difficulté, et qui reflète le chemin
émotionnel parcouru par Casey ces dernières
années. “L’album démarre sur ‘Make Way’ qui
parle de l’après-Covid et se termine sur ‘Rain
Garden’ qui traite de l’acceptation de soi et de
l’amour dans sa vie. Ce sont les deux pôles de cet
album, et au milieu il n’y a pas forcément une
histoire linéaire mais une collection d’émotions.
Même dans les moments les plus sombres quelque
chose de drôle peut arriver. On peut avoir une
journée ennuyeuse et soudain quelque chose
d’extraordinaire ou d’absurde se produit. Il y a
une chanson qui parle des Detroit Tigers sur cet
album. Une chanson sur le baseball ! La vie est
faite de choses diverses, et j’ai voulu mettre le
plus possible de vie dans l’album.” Sur la forme,
le groupe a changé de direction également :
“Greg a toujours ces idées folles. Pour le dernier
album c’était :‘Je veux mettre des musiciens
jazz dessus’ et bien sûr je me suis dit : ‘Quelle
connerie. Ça va être nous, essayant de faire du
jazz. Ça va être naze.’ Et puis ça a fonctionné.
Ça sonne comme un disque de Protomartyr,
mais avec des musiciens jazz extraordinaires
qui improvisent dessus et ajoutent leur propre
truc. Et sur celui-ci, c’était : ‘Je veux mettre de
la pedal steel partout’ parce qu’il avait composé
des bandes originales pour des courts-métrages
pendant la quarantaine et, à force d’écouter
Ennio Morricone, il est devenu obsédé par
l’instrument. A un moment, on s’est demandé
s’il n’allait pas nous écrire des chansons country
et western avec des bruits de coups de fouet. Ces
idées, passées au filtre Protomartyr, ne se font
pas tellement ressentir au final. On n’en est pas
encore à porter des chapeaux de cowboy.” H
Photo Trevor Naud-DR
Recueilli par Eric Delsart
Album “Formal Growth In The Desert”
(Domino)
JUILLET 2023 R&F 017
Tête d’affiche

“En théorie,
un super groupe
formé par
deux ringards”

The Milk
Carton Kids
Le plus beau duo folk/ americana depuis Gillian Welch/ Dave Rawlings,
Mark Olson/ Gary Louris, David Crosby/ Graham Nash, et même
Paul Simon/ Art Garfunkel ? Aussi bien que ça ? Peut-être encore mieux...
LES MILK CARTON KIDS FINISSENT mentaire consacré à la musique du film “Du fond du cœur.” Les bravos fusent. Il gra-
LA CHANSON, UNE DE CELLES DES “Inside Llewyn Davis” des frères Coen, touille sa guitare, poursuit sur sa lancée,
DÉBUTS, AU HASARD “NEW YORK”, pourra en témoigner. l’air de rien : “Franchement, si vous en avez
“MICHIGAN” OU “THE ASH & CLAY”. l’occasion, je ne saurais que trop vous con-
Une de celles de maintenant, au hasard seiller de vous trouver une activité où les gens
“Star Shine”, “Wheels & Levers” Pirouettes sont censés vous applaudir toutes les trois
ou “Running On Sweet Smile”. On Larmes silencieuses. Apnée généralisée. minutes. C’est extrêmement gratifiant.” Les
n’entend pas les mouches voler. Quand Dernière note. Explosion fracassante du public, Anglais appellent ça “la langue dans la
ces deux types chantent, même les le VU-mètre de la console rougit comme une joue” (tongue in cheek), traduction de pince-
mouches retiennent leur souffle. Les pivoine. Sur scène, les deux types saluent. sans-rire. Triomphe. Joey Ryan et Kenneth
deux voix s’accordent, les deux guitares Blasés ? “Jamais, non. Au contraire, ça peut Pattengale sont bons en tout. Les chansons
Photo David McClister-DR

se mélangent, les yeux se mouillent.
Heureusement que les larmes coulent
sur les joues sans faire de bruit, sinon
ce serait un sacré vacarme. Marcus
Mumford, pris sur le fait dans un docu-
nous prendre à la gorge. On a eu ça l’autre
jour à Londres, pour la release party. Kenneth a
chialé.” Certaines ovations sont, ainsi, presque
déstabilisantes. Dans ce cas-là, Joey s’occupe
de tout. “Merci.” Applaudissements nourris.
tristes et les pirouettes pour désamorcer le
truc et régénérer l’atmosphère.
Depuis douze ans, le phénomène Milk Carton
Kids n’a fait que grandir, six, sept disques, des
nominations aux Grammy, des aînés (T Bone,

018 R&F JUILLET 2023


Emmylou, Joe Henry) qui les prennent sous
leurs ailes, des critiques en pâmoison, dépassant
le simple culte d’initiés pour devenir une force
incontournable du… du quoi, au juste ? “Joey
nous décrit comme des néo-traditionnalistes folk,
pourquoi pas,” propose la droite de l’écran du
chat vidéo. “Jamais dit un truc pareil, ça ne me
serait pas venu à l’idée”, répond la gauche du
tac au tac. “Mais on s’en tape, non ? Quand on
me demande, je dis qu’on ressemble à Simon &
Garfunkel. C’est approximatif mais au moins, ça
met une image dans la tête des gens.”
Bruit de saphir
Ecouter “Sparrow” sur le fabuleux “Live From
New York City 1967” de Paul et Art donne
en effet une assez bonne idée de l’esthétique
des Milk Carton Kids, à ceci près qu’ils ont
tous les deux des guitares, tous les deux des
grandes chansons et qu’ils mesurent tous les
deux plus d’un mètre soixante. Sur disque,
la ressemblance est moins nette. Simon &
Garfunkel était une superproduction sixties
grandiose, presque emphatique, les Milk
Carton Kids sont une miniature du XXIème
siècle sans enluminure, le reflet tout en
sobriété (à de rares exceptions près) de leur
performance scénique. “Il y a cinq ans, on
a fait un disque avec onze musiciens et une
tournée dans la foulée… Mais il y a comme
quelque chose qui se met en travers de notre
route quand on essaie de dépasser notre son,
comme si l’essence de ce que l’on fait, de ce que
l’on est, venait se rappeler à nous.” L’histoire,
connue, est celle de tous les combos de voix,
celle de l’enfance des frangins Everly ou
Wilson, celle de l’âge adulte de Stills, Nash et
Crosby quand ils ont harmonisé ensemble pour
la première fois, dans la cuisine de Mama Cass
à Los Angeles. Sauf que Ryan et Pattengale ont
tout fait à l’envers, les carrières solos d’abord,
la formation du groupe ensuite, la séparation
des biens avant le mariage, leur tout premier
Joey Ryan et Kenneth Pattengale
disque s’intitulant d’ailleurs “Retrospect” (une
collection de chansons solos réinterprétées
à deux) et le second, “Prologue”, avec leurs
toutes premières collaborations. “En théorie,
un super groupe formé par deux ringards sans
aucun succès, ça ne peut pas exister… Pourtant,
c’est ce qu’on a fait, embraye Pattengale. Et c’est
sans doute pour cela que l’on ressent l’obligation
de protéger l’intégrité du truc miraculeux sur
lequel on est tombé presque par hasard, quand
on a commencé à chanter ensemble.” “All
Of The Time In The World To Kill”, “North
Country Ride” ou “Will You Remember
Me”, les miracles sont là, bien à l’abri, pas
d’inquiétude à avoir de ce côté-là. Le nouveau
disque s’achève, mais il tourne encore. Bruit
de saphir qui bute sur les sillons. Frissons.
Silence. Voilà, ça y est, les mouches peuvent
recommencer à voler. H
recueilli par Léonard Haddad
Album “I Only See The Moon”
(Far Cry Record – Thirty Tigers)
JUILLET 2023 R&F 019
Tête d’affiche
“Je visais haut mais le plafond était bas”
Ben Harper
Inspiré par le “Nebraska” de Bruce Springsteen,
Ben Harper publie un album épuré jusqu’à l’os, son meilleur de longue date.
IL EST 9 HEURES DU MATIN A
LOS ANGELES ET BEN HARPER,
DE L’AUTRE CÔTÉ DE L’ÉCRAN,
AVOUE ÊTRE DÉJÀ SUR LE PONT
DEPUIS TROIS HEURES. A-t-il
composé de la musique, tâté de sa
guitare Weissenborn ? “J’ai fait des
œufs pour les gamins, tranché des fruits
et préparé leur déjeuner pour l’école”,
sourit le père de famille de cinquante-
trois ans, avant d’expliciter la genèse
de “Wide Open Light”, un album folk
rempli d’espaces et de respirations qui
comblera les amateurs de son premier
effort, “Welcome To The Cruel World”,
paru voici presque trente ans.
Gospel
ROCK&FOLK : En quoi “Nebraska”
a-t-il influencé ce disque ?
Ben Harper : Ce fut une énorme inspiration :
la façon dont il sonne, cette sorte de production
par omission. Le rappel qu’une voix et une
guitare suffisent. Je voulais montrer que ça
restait pertinent à notre époque où tant de
musiques reposent sur des productions très
denses. On l’a enregistré dans mon sous-sol,
et dans deux autres studios de Los Angeles,
dans la solitude et l’isolement. On a laissé les
chansons respirer et briller.
R&F : Parlez-nous des instrumentaux qui
ouvrent et referment l’album.
Ben Harper : Je voulais saisir un peu de
l’esprit de Taj Mahal, ainsi qu’un peu de
celui de John Fahey ou Leo Kottke, qui ont
si joliment établi des ponts entre les pickers
des années 1930 et 1940 et ceux des années
1960 et 1970. J’ai toujours aimé cette façon
de jouer. Je n’avais plus ouvert un album avec
un instrumental depuis le premier, et je n’en
avais jamais terminé un de cette façon. Les
titres jouent un rôle de bornes qui m’intéresse
car je conçois toujours la musique sous
forme d’album. Celui-ci compte d’ailleurs
020 R&F JUILLET 2023
Harper’s Bazar
La famille de Ben Harper possède
le Folk Music Center, magasin
de musique, musée et lutherie, à
Claremont, en lisière du désert de
Mojave, depuis soixante-cinq ans. “J’en
ai été propriétaire pendant vingt-huit
ans, mon fils est la cinquième génération
à y travailler. Je crois que c’est le plus
vieux magasin de musique familial du
pays”, raconte Ben Harper. C’est entre
ses murs qu’il fut repéré, enfant, par
le Français Jean-Pierre Plunier, qui fit
passer ses démos quelques années plus
tard aux maisons de disques et devint
son manager. Le reste est de l’Histoire.
nombre de morceaux que j’avais gardés
dans un tiroir depuis une décennie, et pour
lesquels j’attendais le bon moment, les bons
appariements.
R&F : “One More Change” baigne dans
le gospel, une musique souvent présente
dans votre univers. D’où cela vient-il ?
Ben Harper : C’est quelque chose qui
m’intrigue beaucoup. C’est comme si le gospel
se rappelait à moi, sans que je sache pourquoi.
Certaines choses doivent rester mystérieuses
pour demeurer sincères, j’imagine. J’ai écrit
“Power Of The Gospel” à vingt-quatre ans,
je ne sais pas d’où ça venait mais ça m’em-
portait quelque part. Enfant, j’écoutais le
Golden Gate Quartet, les Soul Stirrers de
Sam Cooke, les Blind Boys Of Alabama, un
peu de Mahalia Jackson, Aretha Franklin,
Big Mama Thornton, qui avait du gospel en
elle. Mais je n’allais pas écouter ces gens en
concerts, mes parents m’emmenaient plutôt
voir Bob Marley, Taj Mahal, Toots And The
Maytals. Mon père avait de la famille à South
Central, à Los Angeles, et quelquefois, alors
qu’on leur rendait visite le week-end, je me
faufilais jusqu’à l’église au coin de la rue, tout
seul. Personne là-bas ne me disait rien, les
gens pensaient que j’étais avec l’une ou l’autre
des familles. La chorale était extraordinaire !
R&F : Quel regard portez-vous sur vos
trente ans de carrière ?
Ben Harper : Même dans mes rêves les plus
fous, je n’aurais jamais pu concevoir de durer
aussi longtemps, et j’étais pourtant un grand
rêveur. J’étais ambitieux mais mes ambitions
étaient tempérées par le fait que je me tenais
assis pour jouer, en l’occurrence de la lap
steel, et je ne pense pas qu’un joueur de lap
steel se soit jamais dit : “Je vais faire trente ans
de carrière”. Jean-Pierre Plunier, mon mana-
ger, disait que c’était une rare opportunité
d’enregistrer, qui ne durerait peut-être qu’un
ou deux albums… Et beaucoup des musiciens
que j’admirais n’avaient fait qu’une poignée
d’albums, Jimi Hendrix, Robert Johnson,
Bukka White, Mississippi John Hurt... Je visais
donc haut mais le plafond était bas (sourire).
Reggae
R&F : Vous avez toujours le projet d’en-
registrer un album de reggae ?
Ben Harper : J’ai toujours voulu en faire
un, mais je vais prendre mon temps. J’ai
enregistré une chanson avec Ziggy Marley,
“Spin It Faster”, basée sur le son traditionnel
des Wailers, j’ai beaucoup aimé ça, mais cet
album doit être totalement original ou bien
je ne le sortirai pas. J’ai quelques chansons
finies… Le titre “Jah Work”, sur “Fight For
Your Mind”, pourrait être le modèle à suivre,
ce mélange de sonorités acoustiques et de one
drop (style de batterie propre au reggae où le
premier temps n’est pas marqué, ndr). Il faut que
je parvienne à ce niveau sur dix chansons…
Mes albums favoris ? “The Harder They Come”,
les deux premiers Toots And The Maytals,
“Natty Dread”, “Talking Blues”, “Legalize It”,
le premier Bunny Wailer, les enregistrements
des Skatalites. Mais je ne veux pas répéter leur
Photo Michael Halsband-DR
son non plus, je veux trouver mon reggae. Il
faut une urgence, de l’âme, le reggae n’est pas
quelque chose de léger, c’est de la sorcellerie. H
recueilli par Bertrand Bouard
Album “Wide Open Light” (Chrysalis/ Modulor)
JUILLET 2023 R&F 021
022 R&F JUIN 2023
Photo Franck Blanquin-DR

“Un quatre-pistes dans son cerveau”
MAX ROMEO
Révélé en 1968 avec le single “Wet Dream”, censuré par la BBC
pour ses paroles explicites, le Jamaïcain est entré dans l’histoire du reggae
avec un classique roots produit par le génie Lee “Scratch” Perry, “War Ina Babylon”.
A 78 ANS, CE GÉANT DE LA MUSIQUE
JAMAÏCAINE SE LANCE DANS SA
DERNIÈRE TOURNÉE et sort un album
dans lequel il reprend quelques-uns de ses
classiques, mais aussi “My Way” et des
titres inédits, avec des invités prestigieux
dont Julian Marley, Capleton et Marcia
Griffiths. Rencontre parisienne avec une
légende.
Rester ordinaire
ROCK&FOLK : Quand avez-vous décidé
de devenir chanteur ?
Max Romeo : Très tôt. J’étais un gamin
fragile, trop peureux pour voler et trop faible
pour bosser, donc j’ai choisi la facilité. J’aurais
pu être prêcheur ou chanteur, j’ai préféré la
musique.
R&F : Beaucoup d’artistes jamaïcains,
dont Bob Marley, ont disparu préma-
turément. A quoi attribuez-vous votre
longévité ?
Max Romeo : Mon secret, c’est ma vie de
famille. Je ne recherche pas les sensations
fortes, je ne me drogue pas, je ne bois pas et
je ne sors pas le soir. Je ne recherche pas le
succès commercial comme Bob, ça me va de
rester ordinaire. C’est comme ça qu’on dure.
Quand on devient une superstar, votre vie ne
vous appartient plus.
R&F : Vous avez travaillé avec Lee
Perry, un des plus grands producteurs
de reggae, sur l’album mythique “War
Ina Babylon”.
Max Romeo : Oui, et à l’époque, on n’avait
pas le budget pour du gros matos, Lee travaillait
avec une console quatre-pistes, et il avait un
autre quatre-pistes dans son cerveau, donc ça
en faisait huit, ah ah ! Lee Perry était un génie,
il me manque tellement. Lui, il faisait tout :
réalisateur, ingénieur du son, coauteur. Pas
comme ces escrocs qui se disent producteurs
Tête d’affiche
et ne produisent rien ! Au moment de la
session, ils sont dans un motel avec des filles,
ils reviennent quand les musiciens ont joué et
disent : “OK, sur les dix instrus que vous avez
joués, je vais en sortir trois”. Ils laissent les
musiciens travailler, les chanteurs poser leur
voix, et ils mettent leur nom dans les crédits.
Coxsone Dodd, le boss de Studio One, était
connu pour ça. Il n’a jamais su écrire une
foutue note de musique !
R&F : Vous avez travaillé avec Keith
Richards et les Rolling Stones, comment
cela s’est-il passé ?
Max Romeo : Un de mes amis connaissait
Keith, et je suis allé le voir à New York, au
studio Electric Lady, pendant les sessions
de l’album “Emotional Rescue”. Les Stones
n’étaient pas satisfaits de la chanson “Dance”,
et quand je suis entré dans le studio, Keith
a dit : “Oh, voilà Max Romeo, on va pouvoir
boucler le morceau !” Alors j’ai chanté des
harmonies vocales dessus. Et comme il a adoré
les chansons de mon album “Holding Out My
Love To You”, il a posé des lead guitares sur
plusieurs titres. Ce son rock sur mes morceaux,
c’est Keith ! On a pris des photos qu’on a mises
au verso de la pochette pour montrer qu’il
Samplé 42 fois
Selon le site whosampled.com, le titre
mystique de Max Romeo “Chase The
Devil” a été samplé dans 42 morceaux
par des artistes aussi variés que Jay Z,
Cage The Elephant et la Française
Tal. Mais le sample le plus fameux
reste celui du groupe électronique The
Prodigy en 1992, dans “Out Of Space”,
qui affola les rave-parties de l’époque.
Outrage ? Scandale ? Pas pour Max
Romeo : “Ça m’a fait connaître du
public techno, ce qui est une bonne
chose, et je n’en veux aucunement à
Prodigy. Je n’ai été au courant que
quatre ans après la sortie du disque car
je n’écoute pas de techno. Ça a donné
une nouvelle dimension à mon morceau,
et ça m’a rapporté un peu d’argent”.
aimait vraiment ce disque. Les Rolling Stones
ont un lien privilégié avec la Jamaïque. J’ai
passé du temps avec eux, ce sont de bons gars.
Porter le message
R&F : Vous auriez pu avoir un impact
semblable à celui de Bob Marley après
son décès…
Max Romeo : Bob lui-même me l’a dit. J’étais
venu le voir à son hôtel et au moment de partir,
alors qu’il ne donnait jamais de poignée de
main — il tendait son poing et le portait au
cœur —, il m’a tenu la main pendant cinq
minutes et m’a dit : “Écoute, celui qui peut
porter le message, c’est toi. Ne les laisse jamais
te dire le contraire”. Trois mois plus tard, il
nous quittait.
R&F : Quel est votre souvenir de concert
le plus marquant ?
Max Romeo : C’était en Israël, je jouais dans
un festival au milieu du désert où, m’a-t-on
dit, il n’avait pas plu depuis quatre ans. Et
au moment où je monte sur scène, la pluie
commence à tomber ! Les gens sont restés, et
le show était magnifique.
R&F : Les Jamaïcains produisent-ils
toujours des disques vinyles ?
Max Romeo : C’est fini, les gens gravent
des CD de mauvaise qualité, les usines de
vinyles ont fermé. Sauf celle de Tuff Gong,
mais elle presse uniquement des rééditions
de Bob Marley.
R&F : Le reggae dancehall digital, ça
vous plaît ?
Max Romeo : Un mec qui bricole un riddim
avec deux doigts sur son ordinateur, c’est nul.
Et le contenu sexuel me déplaît. La plupart de
ces artistes font du blanchiment d’argent sale
et jouent les caïds, c’est ça la réalité. H
Recueilli par Olivier Cachin
Album “The Romeo Legacy” (Utopia Records)
JUIN 2023 R&F 023
Tête d’affiche
“On a accéléré la bande”
The Datsuns Après une longue absence, le groupe néo-zélandais
revient avec beaucoup d’envie et de projets.
ARRIVÉS EN 2002 DANS LE SILLON
DES WHITE STRIPES, TOUTES GUI-
TARES DEHORS ET HYMNES CRÉTINS
EN BANDOULIÈRE (“MF FROM HELL”,
IRRÉSISTIBLE), THE DATSUNS
ONT DEPUIS LEURS DÉBUTS UNE
IMAGE DE BOURRINS AU GRAND
CŒUR ESSENTIELLEMENT DUE A
LEUR CÔTÉ HYBRIDE. Trop lourds
et démonstratifs pour les puristes du
rock garage, trop primitifs pour les fans
de hard rock chromé, ils incarnent à
la perfection le rock’n’roll high energy
venu des antipodes. De retour en Europe
après une longue absence, les Datsuns
ont démontré que le temps n’avait pas
de prise sur eux. Ça joue serré, ça joue
vite. Phil Somervell reste une formidable
machine à riffs, Christian Livingstone
un soliste stupéfiant, Dolf De Borst un
frontman magnétique. Aucune trace
de rouille ou d’érosion, le moteur des
Datsuns vrombit toujours autant, pour
le plus grand plaisir des fans qui leur ont
réservé un accueil enthousiaste au cours
d’une tournée sold-out. Le constat est
indéniable : des groupes de la génération
du début des années 2000, les Datsuns
sont ceux qui ont su le mieux maintenir
la flamme.
Production
zeppelinienne
Leur trajectoire n’a pourtant pas été linéaire.
Après leur premier album sorti en 2002
— devenu un petit classique de rock garage
heavy —, le groupe s’est attaché les services
de John-Paul Jones pour son successeur
“Outta Sight/ Outta Mind”. Un choix qui
paraissait fûté mais qui n’a malheureusement
pas donné les fruits espérés, les Datsuns
se trouvant engoncés dans une production
zeppelinienne qui ne leur seyait guère. Le
grand public s’est alors désintéressé du combo,
qui a poursuivi son chemin avec des disques
tous recommandables : “Smoke & Mirrors”,
024 R&F JUILLET 2023
Detroit
Connection
A quoi tient le succès ? A des rencontres,
des amitiés, comme celle de John Baker,
promoteur de concerts connu pour ses
compilations d’obscurités garage néo-
zélandaises (“Wild Things”) qui leur
a mis le pied à l’étrier. “Il avait booké
plusieurs de nos premiers concerts en
Nouvelle-Zélande. Il a fait venir Guitar
Wolf, les 5678s et, en 2000, les White
Stripes. Quand il est devenu tourneur
pour ces derniers, il nous a mis sur
leur tournée australienne, et ensuite on
les accompagnés à SXSW, aux USA.
C’était avant notre premier album.
Accompagner les White Stripes alors
qu’ils grandissaient nous a beaucoup
aidés, et on a gardé des amitiés solides
avec des groupes de Detroit comme les
Von Bondies ou The Dirtbombs.”
aux ouvertures folk rock, puis deux opus
lourds mais efficaces (“Headstunts”, “Death
Rattle Boogie”), avant le formidable tournant
space rock de “Deep Sleep” et “Eye To Eye”
où le groupe emmène son boogie sur les terres
d’Hawkwind. Ce dernier album, publié en 2021,
marquait un retour aux affaires après un long
break pour les Datsuns. Rencontré lors de
leur concert à Rennes, le bassiste et chanteur
Dolf De Borst nous en a expliqué les causes :
“Cet album nous a pris un temps fou. On a
commencé à travailler dessus en 2015, et puis
ma femme et moi avons eu un enfant, puis
un autre. La vie a pris le pas. J’ai commencé
à jouer avec les Hellacopters, ce qui m’a pas
mal occupé. En 2019, l’album était dans la
boîte. Le temps de finaliser l’artwork, de faire
des vidéos, on était début 2020 et la crise est
arrivée. On a attendu un an avant de se dire :
‘Il est temps maintenant’, mais bien sûr, il ne
s’est pas passé grand-chose non plus en 2021.
Cette tournée est l’occasion un peu tardive pour
le groupe de présenter l’album sur scène.”
La situation géographique des membres du
band n’a rien arrangé non plus. “Je vis à
Stockholm, Christian à Tokyo, et Phil habite
dans une petite ville nommée Thames, en
Nouvelle-Zélande. Ben (Cole, nda) a décidé
qu’il ne voulait plus vraiment continuer
pour l’instant, donc on n’a plus de batteur
permanent.” De quoi enrayer la machine ?
Bien au contraire. Quelques semaines avant
sa venue, le groupe a publié le single “Ugly
Leather”, annonciateur de choses à venir.
“Suite au départ de Ben, on s’est dit qu’on
pouvait faire des disques différemment. Plus
besoin de se réunir en Nouvelle-Zélande.
Christian est venu plusieurs fois à Stockholm.
On faisait venir un batteur, on enregistrait
et on envoyait à Phil qui nous renvoyait des
trucs. Phil est venu en novembre, il a enregistré
beaucoup de choses. Notre nouvel album arrive
bientôt. On a enregistré neuf chansons pour
l’instant, mais j’aimerais en mettre en boîte
sept ou huit de plus. Il y a beaucoup de fuzz,
et puis il y a d’autres trucs plus folk. Un disque
rocketfolk en somme ! En juillet, si tout va bien,
on va finir l’album avec Adam, qui joue de la
batterie avec nous en ce moment. On espère le
sortir en début d’année prochaine et revenir
tourner dans la foulée”.
Fameux
premier album
En parallèle de tout ça, le groupe s’apprête
aussi à rééditer son fameux premier album.
“On voulait le rééditer pour ses vingt ans l’an
dernier, mais on n’arrivait pas à retrouver
les bandes. A l’époque, on était licenciés chez
V2, qui ont été vendus en 2007 à Universal.
On leur a demandé les bandes mais ils ne les
avaient pas. On a fini par les retrouver mais il
manquait toujours celle d’une chanson nommée
‘Lady’. On l’avait enregistrée en Nouvelle-
Zélande pour la sortir en 45 tours, et quand
Photo Andy Willsher/ Redferns/ Getty Images
l’album est arrivé, on a fait cette vieille astuce
sixties : on voulait qu’elle soit plus rapide, alors
on a accéléré la bande. On n’arrivait pas à
retrouver cette version. Du coup, on a raté la
date anniversaire. On prend le temps de bien
faire les choses. On retravaille l’artwork, on
va ajouter des faces B, les sessions chez John
Peel, pour faire quelque chose de spécial”. H
Recueilli par Eric Delsart
JUILLET 2023 R&F 025
En vedette
“C’était mon rêve : devenir une sorte de
supermuse transsexuelle warholienne”
ELLAH A. THAUN
Dix ans que le quartette de Rouen a une influence occulte sur l’underground français.
Et si, au lieu de dessiner la marge, le groupe tournait en fait la page ?
Recueilli par THOMAS E. Florin
L’HUMAIN N’ÉTAIT PAS FAIT POUR CELA. Après tout.
S’il y a un créateur, il nous avait tout juste donné de quoi
marcher, monter aux arbres, cueillir, survivre difficilement
comme primate de l’ouest du continent africain. Mais il y
avait ce cerveau si plastique, si adaptable, alors il y eut la
chasse, les outils, le feu, les voyages, les tribus, les langues, les
rythmes, la musique, la peinture, les rituels, les vêtements, les
maisons, les villages, les ponts, les monnaies, les peuples, les
bateaux, l’écriture, les monuments, les routes, l’expansion,
l’expansion et la domination, les régimes, les rois, la mystique,
leurs histoires et mystères, cette complexité injectée dans
nos cerveaux à coups d’idées que l’humain avait créées
ou découvertes, et tout cela nous a transformés. En quoi ?
3 500 955 années après son apparition, l’humain diffusait
sur vinyle noir le son de lui-même faisant un bruit étrange,
un bruit de ferraille qui cahote, une voiture lancée sur les
routes de terre. Alors l’humain se mit à se comporter lui-
même ainsi : sauvage, cahoteux, en fuite perpétuelle, et la
civilisation se modifia une fois de plus. C’est toujours ainsi :
l’humain se retourne vers ses œuvres quand il a reçu un choc
ou se sent dans l’impasse et doit changer pour sa survie, et
là, aujourd’hui, dans ce moment, dans cette ornière, dans cet
ennui, il va falloir que l’humain se tourne vers Ellah A. Thaun.
La roue du hasard
C’est un groupe comme il en pousse tant dans les caves de la province
française, un champignon d’Alice, “et celui-ci te rendra plus petit,
et celui-ci te rendra grand”, et celui-là te rendra fou ou te fera tout
oublier. Alors Ellah A. Thaun, née de la magie et du chaos, fait tourner
la roue du hasard et à son écoute, les gens changent mais ne savent
jamais en quoi. Certains explosent en sanglots, d’autres produisent
trop d’endorphines, un a mangé une ampoule, et qu’importe : la
transformation a lieu car le groupe lui-même s’est transformé.
Ellah A. Thaun pourrait être un groupe de grunge comme il y en a
tant dans les caves de France, mais quand ils montent sur scène, que
la musique prend la place qu’elle réclame, que ces gens prennent la
lumière et que leur aura gonfle de toute leur vie passée, ce que l’on
voit, on ne l’a jamais vu. “Elle devenait un ange” dit parfois ce poseur
de Nick Cave en parlant de Nina Simone, mais quand la silhouette de
Nathanaëlle Hauguel s’approche du bord de la scène, cette silhouette
qui évoquait quelque chose depuis le début du concert, quand elle
chante “Sister Sister” ou “Plasticflower” ou “Sign And Wander”, on
026 R&F JUILLET 2023
reconnait enfin cette présence déjà croisée chez Jeffrey Lee Pierce
ou Courtney Love, ou toutes ces autres personnes si pures qu’elles
en devenaient un danger. Alors, quand cette silhouette grandit, la
dingue du groupe explose et, au-dessus du grunge, se déverse sans
ordre d’apparition break metal, chansons de crooner, attitude Elvis,
refrain des Beach Boys, couplet de Charles Manson. La porte vient
d’être ouverte et c’est une fois passée que l’on voit qu’au-dessus était
écrit “Exit”.
Une faille chimique
Nathanaëlle Eléonore Hauguel est une grande fille, c’est donc une
très grande fille qui nous rejoint devant la cathédrale de Rouen. On
marche, très peu, elle nous a amené un cadeau. Dans la seule rue
de cette ville où les bâtiments datent du XXIe siècle, Nathanaëlle
sort le vinyle de “Neuromantique” et nous montre : “La pochette du
premier Ellah A. Thaun était ce visage qui émergeait des flammes
d’une cheminée, une photo inversée que j’ai trouvée dans la rue.” Nous
sommes maintenant assis, du lait d’amande est mélangé à du café.
“Sur celui-ci, c’est une montagne, retournée également, dont les glaces
coulent vers le ciel, et pour ‘Arcane Majeur II’, le dernier, c’est une plage
traversée par une faille chimique.” Le lait bleuté transforme le noir
au fond de la tasse en mordoré. “Le feu, la glace, l’eau… Je ne suis
pas très forte en alchimie mais...” On rit : toute matière se transforme,
toute conscience s’altère. C’est ce mouvement que l’on appelle la vie.
“Mes parents se sont rencontrés sur le maxi de ‘Ceremony’ de New
Order qui, si tu écoutes son mixage, invente en un très court instant le
shoegaze.” On parle de filtre de reverb qui s’inverse avant de revenir
au salon familial. “Nous étions du Havre, mon père était informaticien,
ma mère tirait les cartes, et dans notre salon, il y avait un poster
de Psychic TV.” Nathanaëlle vit une enfance heureuse : “Il y avait
‘Batman’, ‘Chair De Poule’, bientôt Giger et Clive Barker, mes VHS de
films d’horreur ; puis Korn passait sur MTV” les Smashing Pumpkins,
“jusqu’à ‘Marquee Moon’ de Television, où je découvre un groupe de
rock à guitares qui tente de tout faire, sauf du rock.”
Violence quotidienne
Photo Pascale Cholette-DR
Puis, chacun a eu son moment, son point de non-retour, son champignon
magique. “J’avais dix-sept ans, j’étais dans mon lit, légèrement stone,
je lisais ‘Last Exit To Brooklyn’ de Hubert Selby et est arrivée Tralala,
une prostituée transsexuelle camée. Voilà : j’ai compris ce que je voulais
être.” Nathanaël se sent alors pousser des “l” terminés par un “e”.
JUILLET 2023 R&F 027
ELLAH A. THAUN

“J’ai rencontré assez étrangement

Michel Houellebecq”
“C’était mon rêve, devenir une sorte de supermuse transsexuelle – … Qui devient ‘Good Vibration’ des Beach Boys...
warholienne.” A une époque où personne ne sait trop comment cela – … Qui devient ‘Always Is Always Forever’ de Charles Manson...
fonctionne, Nathanaëlle explique à des médecins ce qu’elle veut. “Je – … Une chanson angélique sur la fin des temps.
finis le lycée en partageant la garde-robe de mes copines. J’étais ce
qu’on appelait encore androgyne, et beaucoup de mes professeurs, dans
une institution catholique, pensaient que j’étais une fille. Mais quand La magie du chaos
on devient étudiant, le trait de la sexualité s’épaissit, et l’entre-deux, La transmutation des formes. Tout cela est de la magie. Cette
pour le flirt, les rapports de groupe, n’est plus possible.” Il y aura des transformation de la musique, du groupe, du public, pour aller vers
démarches juridiques, des prescriptions, des opérations. Il y aura une libération. La magie est la méthode qui a imposé le nom du
les hormones, la violence quotidienne, les insultes, les insinuations groupe, Ellah A. Thaun, découvert par la méthode d’écriture occulte
et ces histoires d’horreur qui d’Unica Zürn. “Des années plus
ridiculisent la collection des tard, j’ai découvert que c’était
VHS de l’enfance. Une nuit, une mauvaise orthographe du
on la poursuit dans la rue nom Ella Hatan, une actrice
avec une planche à clous. Des bretteuse américaine d’après la
amis prennent les coups et guerre de Sécession, qui avait
Nathanaëlle s’enfuit, court, part la même cicatrice que moi au-
du Havre et atterrit à Rouen, dessus de la lèvre.” La vie de
chez Aurore, une amie. Nathanaëlle est traversée par
Avant Ellah A. Thaun, il y avait ses grands-“transparents” qui
Valeskja Valcav, avec Aurore lui offrent des cadeaux : “Je
Gosalbo justement. Car leur pratique la magie du chaos, qui
amitié se voit comme le nez est une version DIY de la magie.
au milieu de la figure. Et c’est Pendant douze ans, j’ai sorti un
surtout cela Ellah A. Thaun, album par an en fonction de
une grande histoire d’amour. mon anniversaire, en espérant
Antoine Boyer (guitare) était que ce rituel m’aiderait dans
en couple avec Nathanaëlle qui ma carrière musicale. Douze ans
est amie avec Aurore (clavier) plus tard, je n’avais jamais été
qui vit avec Samuel Antonin aussi bas dans la musique mais
(batterie) et, en sept ans et j’ai rencontré assez étrangement
autant de musiciens, ce groupe Michel Houellebecq.”
s’est réduit à l’essentiel, se resserrant autour de ce noyau, perdant Cette liberté se paye cher. Cette époque exige du sérieux, de l’ordre,
le superflu comme l’on perd son duvet. “Peut-être que cela rend plus la responsabilité, l’authenticité, la traçabilité. Une époque finalement
claire notre musique, la rend plus lisible ?” Il est six heures et l’on qui déteste l’imagination et ceux qui vivent selon leurs caprices. En
fait face à Antoine Boyer. Samuel Antonin est à notre droite, Aurore ce samedi d’avril, Nathanaëlle dit qu’elle et son amie ne peuvent
Gosalbo de l’autre côté de la table, et Nathanaëlle est partie manger faire que deux repas par jour. Tous les membres du groupe ont des
des feuilles de vigne. métiers précaires ou vivent avec le RSA. Cette vie est redevenue une
– Et en sept ans, vous remarquez des changements chez le public ? vie de marginal. Nathanaëlle n’a exercé que des métiers que l’on ne
– Oui : il est plus jeune. met pas sur un CV : cartomancienne, cam-girl, vestiaire d’une boîte
– Et les concerts sont plus longs ? échangiste... “Il y a un gros problème avec le milieu de la musique. Ce
– Ça dépend des concerts : plus avance dans le set, moins la structure milieu où l’on trouve normal de mal te payer mais où on te dit : ‘On
des chansons est définie. vous a glissé un pack de bière au frigo’. Et toutes ces salles où l’on veut
– Dans leur première forme, les chansons de Nathanaëlle sont très folk, absolument protéger ton audition alors qu’il faudrait plutôt protéger
voire country… certaines musiciennes de certains musiciens, et tous les autres de se
– … Et on a toute la latitude pour les arranger collectivement donc… tuer à coups de substances, de folie et de dépression.” Cette époque qui
– … On les enregistre dans une forme et Nathanaëlle reprend ces veut absolument la vérité a oublié cette phrase d’un autre Rouennais :
versions pour les altérer, les couper, les mélanger… “Quand je dis que je suis dans le beau, c’est que je suis dans le vrai”. Il
– … Et nous les repasse, on les transforme à nouveau… y a “Les équations plus exactes, qui pénètrent jusqu’aux fondations de
Photo François Grivelet-DR

– … C’est du cut up en fait...
– … Oui, c’est du cut up...
– … Qui s’est intensifié avec l’arrivée du sampler dans la formation...
– … On a dû apprendre à jouer ces chansons comme elles sont sur le disque...
– … Comme cette fin où l’on joue ‘Sister Sister’...
la physique, sont aussi plus belles” du prix Nobel Robert Penrose, et il
y a la musique de ce groupe qui, avec le temps, en s’approchant d’une
forme de vérité invisible, s’embellit et délivre quiconque la suit. H
Album “Arcane Majeur II” (Kids Are LoFi/ Modulor)

028 R&F JUILLET 2023

030 R&F JUILLET 2023
 En vedette
“Nous vivons dans un petit monde
à l’intérieur du vaste monde

Portugal.
The Man
Carton planétaire un peu avant le covid, “Feel It Still” a propulsé
le groupe de l’Alaska vers des sphères qu’il n’imaginait pas approcher un jour.
Boostés et résilients comme jamais, John Gourley et sa bande reviennent
avec leur album le plus accompli depuis “In The Mountain In The Cloud” en 2011.
recueilli par Jerome Soligny
ET SI C’ÉTAIT ÇA ÊTRE ROCK EN 2023 ? Savoir chanter pour rien qu’il a changé la musique de Kanye West… Sa manière de
sans logiciel, composer comme un petit chef à la guitare ou jouer les accords, ses renversements sur le clavier… Ça a l’air simple,
au piano, écouter les battements et les moulins de son cœur, mais c’est tellement intéressant.
jouer en live sans bandes ni ordi, et soutenir, en parallèle, des
causes environnementales et humaines. Peut-être pas pour R&F : “Chris Black Changed My Life” n’occulte pas ce qui
sauver la planète ou des gens qui, souvent, ne le méritent pas, se passe dans le monde, mais il donne l’impression de surfer
mais pour que le passage dessus ait servi à quelque chose. John dessus en adressant des pieds de nez à l’adversité.
Gourley, jeune quadra désormais basé à Portland avec femme, John Gourley : Effectivement, il y a toute cette génération, ces jeunes
jolie gamine et copains, coche toutes ces cases. Et on l’a vu à qui on explique que tout est foutu, que la fin est proche. D’un autre
arriver de loin, ce moustachu à l’œil vif, à la voix de rossignol, côté, on vit avec cette impression depuis longtemps et il faut faire avec.
qui se dépense sans compter, qui vit avec son époque et sait Rien qu’au cinéma, il y a un nombre incalculable de films catastrophe
ce qu’il doit au bon vieux temps. On devinait que tôt ou tard, qui évoquent la fin du monde au point que ça pourrait passer pour un
bien décidé et bien entouré comme il l’est, il accoucherait truc cool. Perso, j’ai pris mon pied à en regarder certains…
d’un chef-d’œuvre. C’est chose faite. “Chris Black Changed
My Life” va marquer son histoire, et par chance la nôtre. On R&F : Mais en ce moment, la réalité rattrape la fiction.
sait, depuis février, qu’il sera l’album de 2023. Tout le monde John Gourley : Oui, j’ai des amis qui m’ont demandé : “Bon, tu es prêt
ne sera pas d’accord ? Mais c’est encore mieux ! Rares sont les pour la troisième guerre mondiale ?” Dans ces moments-là, je pense
disques cruciaux du rock qui ont fait l’unanimité à leur sortie. à mon père qui m’a toujours dit : “Ne te fais pas de souci. On prédisait
Le temps est du côté de Portugal. The Man, et donnera raison à des catastrophes quand j’avais ton âge et on est encore là.” Vous savez,
ceux qui ont cru en ce groupe un peu dingue depuis ses débuts, il ne faut pas oublier d’où Portugal. The Man vient, en l’occurrence de
il y a presque vingt ans, lorsque dès le titre d’ouverture du l’Alaska. Lui comme moi avons tiré des leçons de nos origines. On sait
premier album, John posait la question qui tue : “D’où viennent dealer avec certains sentiments, on connaît l’importance de la famille,
les taches des léopards ?” des proches. Avec du soutien, on peut faire face, on peut même donner
des réponses en créant. C’est ce que j’ai appris avec mon ami Chris
Black, décédé…
Proche de la dépression
ROCK&FOLK : Bon, c’est quoi ce disque ? Une explosion R&F : Et qui a donc inspiré l’album…
sensorielle ou bien ? John Gourley : … Il savait regarder à travers moi. Il ne m’aurait
John Gourley : En vérité, tout vient du temps que j’ai passé à jouer jamais dit quelque chose d’insignifiant comme : “Eh mec, c’est cool, tu
Photo Maclay Heriot-DR

avec Jeff Bhasker. Faire de la musique, pour moi, c’est partager quelque as décroché un Grammy !” Il me scrutait, ne parlait pas pour rien…
chose, aller en studio avec des gens vraiment créatifs, capables d’attraper Pendant la pandémie, nous avons été beaucoup à partager l’idée que
ce qui flotte dans l’air… Tout est né de jams avec Jeff. Il faut savoir nous vivons dans un petit monde à l’intérieur du vaste monde et, en
que c’est un maître des synthétiseurs, un véritable sorcier, ce n’est pas dehors de ce petit monde, tout est effrayant.

JUILLET 2023 R&F 031


R&F : On devine que le disque a connu plusieurs moutures,
certains titres que vous nous avez fait parvenir en 2020 ou
2021 ne figurent pas dessus, pas plus que “What, Me Worry?”,
le single que vous avez publié en 2022…
John Gourley : Oui, disons qu’à un moment, l’album se met en place
et on ne s’en rend pas forcément compte. A force d’être en studio, les
choses arrivent… Bon, pour être tout à fait honnête au sujet de ma
manière de procéder, je dois vous avouer que j’adore être confiné dans
mon propre univers. La scène, c’est super, mais c’est aussi synonyme
d’angoisse, d’anxiété. Mon rêve, c’est d’être en studio tout le temps,
d’enregistrer tout ce qui me passe par la tête. Faire une chanson par
jour, rester dans ce cocon. Mais bon, il faut bien sortir parfois, quitter
ce petit endroit que j’ai créé et qui m’est cher (John donne cette
interview depuis son home-studio, entouré de claviers et d’illustrations
accrochées au mur, nda).
R&F : En 2011, à l’époque de “In The Mountain In The
Cloud”, votre premier album pour Atlantic, vous disiez avoir
enregistré bien plus de titres qu’il n’en contient.
John Gourley : C’est un peu pareil avec Jeff, on a eu énormément
de musique à notre disposition et, à un certain stade, on pensait
que le disque serait très long. Et on s’est retrouvé dans cet endroit
magique, à la frontière du Mexique… On a tout réécouté et on a
assemblé l’album. OK, cette chanson peut aller là, pas celle-là…
“Thunderdome” après “Grim Generation”… Puis, on peut mettre
“Dummy”… “Me voilà, j’agite mon drapeau, je n’ai peur de rien.” C’est
un pied de nez, façon cartoon, à la fin du monde. Puis “Summer Of
Love”, “Ghost Town”… Il y a le feu au lac, mais on marche ensemble,
on va la gagner, cette guerre. On accumule les petites victoires, on
est une grande communauté et on espère que les gens et la société
vont changer.
R&F : Euh, et ça marche ?
John Gourley : Disons que si on évolue favorablement en tant
qu’individu, c’est déjà pas mal. Bon, je me demande si je ne délire
pas un peu (rires).
R&F : Le fait est que cet album semble basé sur un concept. Des
chansons, OK, mais avec quelque chose de philosophique en
filigrane… Le disque a un début, une fin et donne l’impression
de ricocher les problèmes…
John Gourley : J’ai toujours aimé les contrastes et c’est dû au fait
que j’ai regardé énormément de films quand j’étais jeune. Là où j’ai
032 R&F JUILLET 2023
Photo Maclay Heriot-DR
grandi, il y avait un vidéoclub… C’était une petite ville, trois cents
personnes sur un grand territoire. Je vous jure, il y avait un bac pour
les enfants dans lequel le gérant mettait tous les films d’animation
et même ceux pour adultes (rires). Et donc j’ai regardé en boucle
“Gandahar” et “Les Maîtres Du Temps” de René Laloux, “Fire And
Ice” de Ralph Bakshi et, dans ma tête, ces images, ces musiques à
base de synthétiseurs le plus souvent, c’était les montagnes russes.
Bloc de marbre
R&F : Sur le plan des collaborateurs, vous faites un peu le
grand écart : Jeff Bhasker et Asa Taconne de Electric Guest
d’un côté et, de l’autre, des grands anciens comme Paul
Williams et Edgar Winter.
John Gourley : Vous savez quoi, je me demande si Paul Williams
n’est pas, à l’heure actuelle, mon meilleur ami (rires). J’aime tellement
ce type, il est si poétique lorsqu’il s’exprime. La fin du disque,
“Anxiety:Charity”, a été un moment incroyable. En vérité, il m’a
parlé pour ce titre, rien n’était écrit à l’avance… On était ensemble
en studio, et ce passage est arrivé naturellement. Quand on fait venir
des gens en séance, c’est parce qu’on apprécie leur énergie, mais on ne
sait jamais ce qu’ils vont apporter et moi, je n’ai pas d’idée préconçue.
C’est un peu comme se retrouver devant un bloc de marbre : je l’attaque
au burin, mais pas trop, j’attends que la forme apparaisse toute seule.
J’aime que quelque chose naisse de rien, que Paul entre dans la pièce
alors qu’on écoute la chanson “Anxiety:Charity” et qu’il commence à
attraper des petits morceaux de quelque chose au vol. Je me contente
de lui tendre un micro et il se met à me parler du fait que tous les
gens ont peur, que tout le monde ressent une pression intense, et je
sens bien que nous sommes incroyablement connectés.
R&F : L’album comporte des moments si solennels qu’on a
un peu l’impression que vous l’avez fait en pensant qu’il serait
peut-être le dernier.
John Gourley : Vous êtes un malin (rires). Je me suis effectivement
dit ça. On n’a pratiquement pas écouté de musique des autres pendant
qu’on enregistrait. En revanche, on a regardé beaucoup d’images,
des photos de Liam Gallagher, Ian Brown, PJ Harvey, Mazzy Star…
Evidemment, j’ai écouté beaucoup de musique à partir des années
quatre-vingt-dix, ce qui sortait à cette époque-là, mais enfant,
j’écoutais les disques de mon père, publiés dans les années soixante.
Je crois bien qu’il n’en possède aucun enregistré après 1971 (rires).

R&F : Vous avez pris énormément de plaisir à faire ce
nouvel album et il semble aussi avoir été une expérience
particulièrement émouvante.
John Gourley : Oui et pourtant, lorsqu’on crée aujourd’hui, en
étant guidé par ses émotions, ça peut être dangereux. On trouve une
belle suite d’accords, qui peut paraître familière, puis on compose
une mélodie dessus, et ça devient quelque chose d’original. Je dois
avouer que j’ai trouvé très bien l’attitude de Ed Sheeran qui vient de
gagner face aux ayants droit de Marvin Gaye (à cause d’une indéniable
similitude des grilles harmoniques de “Think Out Loud” et “Let’s Get It
On”, Sheeran avait menacé d’arrêter la musique s’il perdait ce procès,
nda). Les accords sont à tout le monde et je trouve aberrant que certains
essaient de s’approprier leur agencement. Ceux qui cherchent à aller au
tribunal pour des similitudes pas toujours flagrantes menacent le futur
de la musique. Les disques de Marvin Gaye ou ceux de David Bowie
sont comme les chapitres d’une histoire que d’autres sont désireux
de raconter à leur tour. Et ces artistes ne se limitent pas à une suite
d’accords. Ceux qui viennent après eux peuvent très bien avoir envie
d’utiliser les mêmes accords et de continuer à raconter l’histoire.
Mick Ronson
“Tout ça
R&F : Sans même parler de l’aspect
financier, le succès de “Woodstock”, et
surtout de “Feel It Still”, a-t-il changé
beaucoup de choses ?
John Gourley : Eh bien, ça m’a énormément est arrivé
naturellement,
appris et ça a boosté ma confiance. Pour en
revenir à ce que l’on disait, je savais que la
mélodie de “Feel It Still” en rappelait une
des Marvelettes (un choix clairement assumé
puisque les auteurs et compositeurs de “Please sans qu’on
force quoi
Mr. Postman” ont été crédités, nda), mais j’ai
voulu ajouter ma pierre à cet édifice… La
structure de “Feel It Still” est différente car
elle est plus simple. Mais c’est tout ce dont,
dans ma petite tête, j’avais envie et besoin. On
ne sait pas, quand on entre en studio, qu’on va
que ce soit”
y faire un tube. Cette fois-là, j’ai senti qu’on tenait quelque chose, mais
ça m’était déjà arrivé par le passé (rires). De même, nous avions eu un
avant-goût de la sensation qu’on éprouve quand une chanson marche
avec “So American”, “Sleep Forever” ou “Modern Jesus”. Ce dont je
suis le plus fier, c’est que tout ça est arrivé naturellement, sans qu’on
force quoi que ce soit.
R&F : Au fur et à mesure que le disque défile, il prend une
autre dimension… Les morceaux perdent en ironie ce qu’ils
gagnent en émotion.
John Gourley : Juste avant le confinement, j’ai eu un souci de santé.
Un problème à la mâchoire. Un médecin m’a demandé quand je me
l’étais cassée. Bien sûr, je n’ai pas su quoi lui répondre car je n’avais pas
le souvenir de ça. Je suis un gamin de l’Alaska un peu casse-cou, mais
pas à ce point (rires). Bref, c’était grave et le fait d’avoir donné tous ces
concerts depuis deux décennies n’avait rien arrangé. Toujours est-il que
j’ai été opéré et il a fallu stabiliser ma mâchoire pendant des mois… Je
n’ai pas pu parler correctement pendant près d’un an et demi. J’avais du
mal à m’alimenter et à un moment, j’ai même craint de ne jamais pouvoir
rechanter. Et donc, j’ai enregistré certains titres du disque, notamment
les derniers, “Plastic Island”, “Doubt” et “Anxiety:Charity” en me
tenant la mâchoire. Par endroits, ma voix est plus douce que d’habitude.
R&F : L’art de tirer parti des difficultés…
John Gourley : Oui, je crois que c’est la même chose pour tous les
artistes dont les œuvres capturent un moment de leur existence. En
cela, beaucoup de disques sont des concept-albums. J’ai besoin de
Portugal. The Man
ressentir les choses, de voir en grand. Quand je pense à David Bowie,
je le vois dans l’espace en train d’écrire des chansons, quand je pense
à John Lennon et Paul McCartney, je les imagine en plein trip en train
de chercher des sons.
R&F : Le covid a fait patiner le monde, a volé des années aux
gens, dont les artistes. L’âge vous fait-il flipper ?
John Gourley : Pas du tout ! Mon père doit avoir soixante-quinze ans
aujourd’hui, mais il donne l’impression d’être dans la fleur de l’âge
depuis qu’il en a soixante !
R&F : Comme Edgar Winter donc, que vous avez invité sur
“Champ”. Comment s’est passée cette rencontre ?
John Gourley : J’ai commencé cette chanson en tournée, à Amsterdam,
je crois. Le texte, assez introspectif, est une sorte de réflexion à propos de
la vie ; il m’est venu en pensant à deux membres de notre équipe technique
qui sont évidemment des amis. Et curieusement, en travaillant sur ce
morceau, j’avais l’image d’Edgar Winter qui revenait sans cesse… J’avais
même l’impression d’entendre sa voix dans ma tête. Puis la chanson a
évolué, a pris une autre tournure et, en travaillant dessus, j’y ai retrouvé
des éléments de “Dying To Live” (sur “Edgar Winter’s White Trash”, le
deuxième album du musicien américain avec
ce groupe, nda). Et donc, j’ai suggéré qu’il
intervienne sur “Champ” et qu’il y chante
quelques vers de son morceau. Il déboule en
studio avec son keytar (un synthétiseur avec
une sangle qui se porte comme une guitare,
nda) autour du cou et il trimballe toute son
expérience avec lui. Pour moi, sa présence
sur l’album est une sorte d’adoubement, une
manière d’affirmer sa valeur, sa puissance.
R&F : Winter a une carrière incroyable
et, comme vous, il considère que la
musique est une aventure qui se vit à
plusieurs.
John Gourley : Oui, et il dit que son meilleur
groupe date de quand il vivait pratiquement en
communauté avec ses musiciens. Ça m’a rappelé l’époque, celle de nos
premiers albums, où on était en studio vingt-quatre heures sur vingt-
quatre. On dormait par terre et je me réveillais en pleine nuit avec l’envie
d’écrire quelque chose. Sur “Chris Black Changed My Life”, j’ai retrouvé
cet esprit en travaillant, par exemple, uniquement avec Kyle (O’Quin,
le claviériste de Portugal. The Man, nda) ou juste avec Jeff. D’ailleurs
en faisant le disque, j’ai souvent imaginé David Bowie, Tony Visconti et
Mick Ronson en train de concocter “The Man Who Sold The World”. Il y
a des sonorités dessus qui n’ont pu naître que parce qu’ils mettaient tout
en commun. Personne n’avait approché la guitare comme Mick Ronson
avant lui. Ça sonnait parfois étrange, mais c’est exactement ce qu’il fallait.
R&F : Bon, en attendant, le live, c’est pour quand ?
John Gourley : Eh bien, aux USA, on a été parmi les premiers à sortir
du bois après la pandémie et on a vu que pas mal de jeunes groupes
commençaient à sérieusement occuper le terrain. La scène hardcore est
en train d’exploser et il y a aussi de jeunes artistes comme Steve Lacy
ou Boygenius… Toujours est-il que je réfléchis actuellement à une
façon différente de présenter Portugal. The Man. Mais ce qui est sûr,
c’est que j’ai envie de jouer l’album d’un bout à l’autre, certainement
dans des endroits comme le Hollywood Bowl, Radio City ou Red Rocks.
R&F : N’oubliez pas qu’on a aussi pas mal de chouettes salles
pour vous accueillir en France.
John Gourley : On sait et on compte bien vous rendre visite
prochainement. Vous n’y couperez pas (rires). H
Album “Chris Black Changed My Life” (Warner)
JUILLET 2023 R&F 033
En vedette

“Plus personne n’ose LE DISQUE A FAILLI NE PAS SORTIR. La promo annulée.

Ajournée sine die. Depuis plusieurs années, Josh Homme et

faire de disque violent” son ex-compagne Brody Dalle (chanteuse et guitariste des

Queens
Distillers) se déchirent dans une bataille judiciaire qui fait
le bonheur de la presse américaine et seulement le sien. Les
enfants du couple, principaux enjeux de cette bagarre, voient
passer les balles. L’histoire rebondit sans cesse, de mesures
d’éloignement en accusations de violences conjugales. Bref,
une sale histoire. Cela explique en partie pourquoi il a fallu

Of The
attendre si longtemps avant que les Queens Of The Stone
Age ne publient ce huitième effort. Autre explication à ces
atermoiements : la fébrilité. “Villains”, leur dernier album,
avait déçu. Trop pop. Trop alambiqué. Amphigourique. Cette
fois, il fallait retrouver le goût du danger.
Enregistré entre le studio de Rick Rubin à Malibu et celui

Stone
de Josh Homme à Burbank, “In Times New Roman…” est
un grand geste rock. Un disque remonté. Vicieux. Inventif.
Antidaté. Parfois même, éprouvant. Le bruit d’un groupe qui
avance en rang serré autour de son imperator dont personne ne
dispute le commandement. D’ailleurs en face, la concurrence
est inexistante. Qui aujourd’hui veut encore jouer avec

Age
Six ans après leur dernier album,
les Reines du désert reviennent avec
un disque effrayant. Dix chansons
aussi brutales que tendues, comme
crachées à la face du monde.
recueilli par Romain Burrel
034 R&F JUILLET 2023
l’électricité ? Faire griller les enceintes ? Pas grand monde.
Quand il apparaît sur notre écran, depuis son désert natal,
Josh Homme arbore une élégante barbe Van Dyke désormais
aussi blanche que rousse. Son sourire laisse apercevoir une
incisive en or. “J’ai laissé la vraie dans une bagarre aux
poings.” Nous voilà prévenus. Ni la cinquantaine, ni les
déboires familiaux n’ont apaisé le rockeur. Adorable teigne.
Derrière lui, une ombre passe. “Ça, c’est Jon (Theodore,
ndr), notre batteur. Mais il n’a pas le droit de parler” explique
le frontman, décidément taquin. Depuis Los Angeles, Dean
Fertita, guitariste touche-à-tout qui a rejoint le groupe en
2007, est aussi en ligne. Mais il n’a pas plus de chance d’en
placer une. Josh Homme n’est pas loquace, c’est un torrent
ininterrompu de paroles. Un débit de prédicateur qui annonce
une conversation intense. Ce disque, il y tient. Il veut le
défendre. Heureux hasard, on est là pour ça.
 ROCK&FOLK : Commençons par la fin. L’architecture
de “Straight Jacket Fitting”, le titre qui clôture l’album,
est incroyablement baroque. Neuf minutes de catéchisme
électrique. Une envie de filer un coup de tête dans la structure
immuable des chansons ?
Josh Homme : Selon moi, c’est l’emblème de ce nouvel album. Est-
ce encore une chanson ? C’est presque un court-métrage. La chanson
n’obéit à aucune règle. Pas de refrain, pas de couplet. Un pur paysage
de guitares et de mots. Avec les gars, on appelle ce genre de titres
nos cuirassés. Des compositions bien lourdes. Sur scène, il faut savoir
les dégainer au bon moment. Vous ne pouvez pas déployer tous vos
navires de guerre, ni aligner les uns trop près des autres.
R&F : C’est une chanson sur l’Apocalypse. La fin du monde,
c’est une inquiétude ?
Josh Homme : Disons que c’est un sermon adressé à la Terre. On est
tous ensemble sur le Titanic et ça me va. Ce n’est pas nécessairement
un truc négatif. Ok, il ne nous reste plus beaucoup de temps avant
qu’on ne touche l’eau. Alors on fait quoi ? On danse le tango avant de
sombrer ? Ou on s’envoie des huîtres et de la vodka au bar ?
R&F : Ok, mais vous filez la métaphore. Sur “Made To
Parade”, vous chantez ceux qui “tuent la dernière baleine
sur des yachts en fourrure”. Josh Homme écolo ?
Josh Homme : Les Queens Of The Stone Age ont un slogan :
“Ignoring The World’s Problems Since 1997”. Il y a assez de tensions
et de peurs dans ce monde pour qu’on n’en rajoute pas. Je ne suis
pas là pour dicter au public ce qu’il doit faire ou penser. Ça ne veut
pas dire pour autant que je porte sur le monde un regard apathique.
Vous me dites “changement climatique”, je vous réponds “intelligence
artificielle”. Et je crois que je n’aime pas trop ça non plus. Nous
savons tous que nous disposons d’un temps limité. Et c’est un mec
Photo Andres Neumann-DR
qui a failli crever plusieurs fois mais que la mort n’a jamais réussi à
coincer qui vous le dit (rires). Je ne suis pas tourmenté par l’idée de
ma propre mortalité. Au contraire, ce qui rend l’existence magnifique,
c’est qu’à un moment, ça se termine. Je ne veux pas me contenter de
laisser défiler les Noël. Je veux tirer profit du temps qui m’est imparti.
R&F : Le titre de l’album, “In Times New Roman…”, on se
doute bien qu’il ne s’agit pas d’un hommage typographique.
C’est quoi l’idée ?
Josh Homme : J’ai l’impression qu’on est en train de revivre la
Rome Antique avec tout ce que cela suppose d’horreur et de majesté.
Il faudrait rouvrir le Colisée et en faire une version 2.0. Assumer
toute cette violence.
C’est trop tard
R&F : D’où un titre, “Sicily”, avec ces cordes grandioses dignes
d’un péplum ?
Josh Homme : En général, je n’aime pas trop les cordes. Tout le monde
en fout partout. Mais cette chanson est calligulesque. Très sexuelle. Dans
le sexe, j’aime le lien étroit entre la domination et la soumission. Je
voulais que le morceau reflète ça. Très tôt, on a compris que le disque
serait brutal. Et vous en conviendrez avec moi, plus personne n’ose
faire de disque violent. Tout le monde veut sa place dans “le paysage
sonore moderne, linéaire, calibré”. J’avais envie de percer ça avec une
lame. Mais les guitares sont si lourdes qu’il nous faut un contrepoint.
Jouer avec les contrastes. Comme un orchestre de chambre qui, par
endroits, piraterait notre musique. J’ai appris ça avec Iggy Pop. Quand
on bossait sur son album “Post Pop Depression”, j’avais envie que les
cris d’Iggy soient si puissants qu’ils recouvrent tout. Quand il hurle
“TONIIIIGHT !” sur “In The Lobby”, je voulais que sa voix nous crève
les tympans. J’avais repris l’idée pour l’intro de “Villains”. Elle est si
calme que vous vous sentez obligé d’augmenter le volume mais c’est
un piège ! Et quand le son explose, vous êtes baisé, c’est trop tard.
R&F : Vous avez dû filer des sueurs à l’ingénieur du son…
Josh Homme : Vous ne croyez pas si bien dire. Quand on a poussé
les potars dans le rouge, le technicien du studio s’est mis à gueuler :
“Je refuse d’être responsable de la destruction des enceintes !” Putain,
mais pourquoi pas ? (Il frappe sur la table) Si on le fait, les gens ne nous
oublieront jamais ! C’est ça notre boulot. Pourquoi la musique ne pourrait
pas être effrayante ? Pourquoi ne pourrait-elle pas nous jouer de sales
tours ? Nous prendre à revers ? Moi, c’est ma façon de dire “Je t’aime”.
JUILLET 2023 R&F 035
Queens Of The Stone Age

R&F : La musique, c’est la même émotion qu’au départ ?
Josh Homme : Plus ou moins. Je n’ai jamais cherché à rassembler.
Dès le départ, j’ai voulu faire un groupe clivant. D’où le nom “Queens
Of The Stone Age”. A l’époque, c’était pour décourager les racistes,
les misogynes et les homophobes de se pointer à nos concerts. Mais
désormais, ma seule promesse c’est : “On ne vous dira pas ce que vous
devez faire. On va baisser les lumières et vous offrir l’opportunité d’être
vous-mêmes, personne ne va vous dicter votre conduite ici.”
un lambeau de peau. C’est le prix. Pour rendre ce travail tolérable, il
faut que je romance les choses. Ma musique n’est pas une putain de
psychothérapie. Mais la ligne est mince, j’en conviens. Je dois à la
fois me livrer et ne pas trop me prendre au sérieux. Et c’est pareil pour
les gars du groupe. On ne vous demande qu’une seule chose : donner
tout ce que vous avez. J’ai eu mon lot de souffrance et de moments
sombres. Dans la vie, j’ai fait pas mal d’erreurs. Si mon expérience
peut permettre à quelques personnes d’éviter de traverser ne serait-ce
que cinq minutes de ce que j’ai vécu, c’est déjà ça de pris.

Seul dans une cellule

“Comme si je dansais à
R&F : L’album précédent était produit par Mark Ronson.
Cette fois vous êtes les seuls maîtres à bord. Un producteur,
c’était une erreur ?
Josh Homme : Travailler avec Mark Ronson était une façon de
bousculer les idées reçues du public sur notre travail. Notre job,
c’est d’être contrariants. Donner vie à des monstres pour terroriser
la normalité. Bosser avec Ronson a été la disruption parfaite pour
nous. Mais on n’avait encore rien publié que tout le monde s’est mis
à gueuler. Mais la vérité, c’est que Mark est un mec adorable et un
musicologue avisé. Un gars qui sait faire danser les foules, et surtout
un super interlocuteur. Il a été aux petits soins avec nous. L’expérience
était intéressante et logique. Mais aujourd’hui, je pense qu’on n’a pas
besoin de quelqu’un pour nous produire.

R&F : De fait, la production sur ce nouvel album est beaucoup

plus directe…
Josh Homme : C’est comme ça que j’aime les choses. Quand je m’en
mêle, il faut que ça soit cru. Pourquoi Creedence Clearwater Revival
sonne toujours aussi génialement des décennies plus tard ? Parce
que leur son était brut, naturel. Quand tu fais ce boulot depuis un
certain temps, tu te rends compte à quel point la notion de perfection
est ridicule. J’aime les fausses notes. J’aime les erreurs. Ça fait des
années que j’essaie de reproduire sur scène des erreurs qu’on peut
entendre sur nos disques !

R&F : Meg White des White Stripes a été traînée dans la boue
parce qu’elle ne jouait pas comme un métronome…
Josh Homme : Mais qui a envie d’une musique qui fasse “clic” ?
Pour l’amour de Dieu, il faut que l’énergie décolle ! On s’en fout
que ça bave, que ça se désaccorde. Les Rolling Stones ont toujours
su tirer profit de leurs erreurs. Quand tu les entends jouer “Honky
Tonk Women”, ça commence avec un tempo précis mais à la fin du
morceau, les mecs déboutonnent leur pantalon (rires) !

R&F : Certes, mais sur ce nouvel album, le riff de “Time And

Place” est digne d’une partie de Tetris. Vous n’avez pas le
droit à l’erreur !
Josh Homme : Sur cette chanson, je voulais me tresser une chaise
en osier. Je les adore. On dirait des trônes. Et puis elles sont super
confortables (rires). Plus sérieusement, je visais l’hypnose. On est
cinq. On est solide. On peut se mettre en danger. Vocalement, je me
suis laissé aller. Comme si je dansais à poil dans la cuisine un verre
de vin à la main (rires).
R&F : Vous traversez une séparation conflictuelle et
médiatisée. Difficile de ne pas entendre dans “Paper Machete”
ou “Emotion Sickness” des paroles adressées à votre ex-
femme…
Josh Homme (Il s’arrête longuement) : Ecoutez, c’est un album sur
la vulnérabilité. Il s’agit de dire des trucs difficiles à dire. Jouer des
choses difficiles à jouer. Pour que mes chansons existent, je m’arrache
R&F : Le rock sort d’une décennie calamiteuse. Que
répondez-vous à ceux qui attendent de vous que vous sauviez
cette musique ?
Josh Homme : Je les écoute poliment. Mais pour être honnête, ce
genre de conversation ne m’a jamais intéressé. C’est pas mon boulot.
Mon travail est de faire en sorte que la musique soit la plus vraie, la
plus honnête possible. Le petit cochon qui se tient devant vous essaie
seulement de construire une maison en briques. Un truc qui dure.
J’ai vu ce que cette pression a fait à Nirvana, à Kurt Cobain, à tous
ces groupes incroyables qui on fait avancer le pendule de la musique.
Et j’ai compris une chose, une seule chanson peut vous pousser à la
catastrophe. Un hit trop gros. Le rock ? Est-ce encore le sujet ? Si
ça sonne bien, j’en suis. J’ai autant besoin de Serge Gainsbourg et
Astrud Gilberto que de Slayer, Ol’ Dirty Bastard ou Otis Redding. Je
fais de mon mieux pour dialoguer avec ces gens-là. Je n’ai pas besoin

036 R&F JUILLET 2023

 d’être dans le plus gros groupe du monde. Juste le meilleur. Le meilleur
qu’on puisse être. Je dis souvent aux garçons : “Donnez moi une falaise
de laquelle je puisse me jeter.”
R&F : Keith Richards raconte qu’il a entendu le riff de
“Satisfaction” en dormant. Et vous, elle vous arrive comment
la musique des Queens Of The Stone Age ?
Josh Homme : Gamin, j’entendais des sons dans ma tête. En
marchant, soudain, une mélodie apparaissait. Faire naître des chansons
a toujours été pour moi un besoin viscéral. Sinon, j’exploserais comme
poil dans la cuisine un verre de vin à la main”
une énorme poupée gonflable qui aurait trop servi (rires).
Dean Fertita : Un jour on était en bagnole et tout d’un coup, la
musique s’est emparée de Josh. Il s’est garé et a écrit la mélodie dans
son téléphone. Il était comme possédé.
Josh Homme : Je me souviens d’une des dernières fois où j’ai atterri
au poste de police. Comme je commençais à m’embrouiller avec un
autre mec, les flics m’ont collé tout seul dans une cellule. J’étais là,
assis sur le banc à taper du pied et fredonner parce que, à l’intérieur,
ça jouait fort (il tape contre sa tête). La flic de garde cette nuit-là est
venue m’engueuler : “Hé. C’est quoi ton problème ? T’es défoncé ?”
Photo Andres Neumann-DR
J’ai répondu: “Non M’dame. On s’ennuie ferme ici. Alors je groove.”
La musique est partout. Y’a qu’à se baisser.
R&F : Mais qu’aviez-vous fait encore pour vous faire coffrer ?
Josh Homme : (rires) Peut-être que je devrais éviter d’être trop
spécifique ici. Mais je sais que je ne suis pas un ange.
R&F : Il y a le gentilhomme avec qui on parle depuis près
d’une heure, et puis l’autre : violent, diront certains. Lequel
est le vrai Josh Homme ?
Josh Homme : J’aime à croire que je suis un gentil garçon. J’aime les
gens. Je n’aime pas trop les foules. Mais si ça dérape, je ne suis jamais
le dernier à jouer des poings. Sur scène, si je ressens de l’agressivité,
je ne vais pas rester là planté à encaisser passivement. Ce n’est pas
mon taf. Je ne bosse pas dans une banque. Jouer dans QOTSA, c’est
être un paria parmi les parias. Les ténèbres font partie de la vie. Nos
concerts doivent refléter ça. Même si parfois, j’aimerais jouer pour
une foule qui comprend un peu mieux le concept d’ironie.
Le chiffre trois
R&F : Pendant longtemps, QOTSA a été une auberge
espagnole. Mais depuis “…Like Clockwork”, la structure du
groupe est stable. Vous avez trouvé la bonne formule ?
Josh Homme : J’aime le chiffre trois. C’est le chiffre magique. Un, c’est
un point. Deux, c’est une ligne. Trois, c’est un motif. Je crois que cette
trilogie est achevée. Il va falloir qu’on se réinvente. T’en penses quoi Dean ?
Dean Fertita : Eh bien, si le Titanic doit couler, n’ayons pas peur de l’eau.
Josh Homme : Exactement. Soyez prêts à nager, motherfuckers. H
Album “In Times New Roman…” (Matador)
JUILLET 2023 R&F 037
038 R&F JUILLET 2023
 En vedette

“On vivait sur la route et sur scène”

Alice Cooper
Warner célèbre le demi-siècle de la consécration d’Alice Cooper en rééditant
des versions remastérisées de deux classiques du groupe. Respectivement parus
en novembre 1971 et juin 1972, “Killer” et “School’s Out” allaient scandaliser
l’Amérique et la vieille Europe, puis propulser la formation au faîte des charts.
La mise en scène outrancière des shows donnés à l’époque et les écarts de conduite du
chanteur ont parfois occulté l’exemplarité du songwriting et les arrangements géniaux
de ces deux disques, aussi cruciaux aujourd’hui qu’à l’aube des années soixante-dix.
recueilli par Jerome Soligny
LA SCÈNE DEVAIT VALOIR SON PESANT DE CACA- même public (à qui la débauche de violence ne fait pas peur) que
HUÈTES. Ou de nourriture pour reptiles. Fin juin 1972, un celui du MC5 et des Stooges, terreurs du même coin. Shep Gordon,
camion s’approche de Piccadilly Circus. C’est l’heure de manager convaincu du potentiel commercial du groupe (à condition
pointe et le véhicule, qui roule au pas, finit par s’immobiliser. qu’en studio, un producteur parvienne à canaliser ses débordements
Rapidement, ce carrefour, en plein cœur de Londres, qui et en fasse des atouts), suggère d’enregistrer “Love It To Death” avec
connecte Regent Street, Shaftsbury Avenue et d’autres rues Jack Richardson, alors façonneur du son de The Guess Who. Basé à
plus petites, est englué, congestionné. Des conducteurs Toronto, Richardson est loin d’avoir été séduit par ce qu’il a entendu
klaxonnent, d’autres descendent de leur voiture. Comme les d’Alice Cooper et, persuadé que celui-ci détestera le groupe en live, il
piétons, ils s’agglutinent autour du camion. Sur le plateau dépêche son assistant, Bob Ezrin, à New York. Ezrin assiste au concert,
derrière la cabine, un énorme panneau publicitaire visible des subjugué (et certain que “I’m Eighteen” est un tube en puissance). Sa
deux côtés. Plus exactement, une photo géante, signée Richard vie en sera changée à jamais. Excellent musicien, arrangeur émérite (on
Avedon, d’Alice Cooper, alors chanteur du groupe américain lui doit notamment les enjolivements de “Berlin”, de Lou Reed, et du
du même nom. Alice en noir et blanc, allongé sur le dos dans le premier — le meilleur — Peter Gabriel), il va, purement et simplement,
plus simple appareil, avec un boa en guise de cache-sexe. Effet faire de Furnier et ses acolytes un des groupes les plus remarquables de
bœuf garanti. La presse arrive de partout, shoote et filme le la première moitié des années soixante-dix. Drivés mais pas domptés,
tumulte. Le chauffeur explique à la police que son camion est enthousiastes et inspirés comme peu d’Americains au même moment,
en panne. Mais bien sûr, il ne l’est pas. Sommé de circuler, il Alice Cooper et la formation d’origine vont enregistrer quatre 33 tours
quittera les lieux avec son attelage au bout d’une grosse demi- magistraux avec Bob Ezrin, jusqu’au top décadent “Billion Dollars
heure de confusion. Pas grave, le mal est fait. Le coup de pub Babies”, numéro 1 de chaque côté de l’Atlantique au printemps 1973.
va fonctionner. Le soir même, Alice Cooper fait l’ouverture des Oui, en pleine ère glam, en pleine Bowiemania, que le Coop’ traversera,
journaux télévisés anglais. Le 30 juin, Wembley sera sold-out. un pack de Budweiser coincé sous une aile, un serpent sous l’autre,
comme un vilain vautour. C’est déjà une autre histoire (qui précède celle
d’Alice en solo — sans le groupe, mais toujours avec Ezrin et Gordon)
Vilain petit canard sur laquelle d’autres rééditions nous donneront, à moins qu’on nous
Comme Tom Petty et ses Heartbreakers quelques années plus tard, guillotine avant, l’occasion de revenir. Pour l’heure, et afin d’évoquer
c’est à Los Angeles, ville fantasmée depuis leur province (Phoenix, ces deux disques ébouriffants, le principal intéressé a donné au journal
Arizona), que Vincent Furnier (chant), Michael Bruce (guitare), Glen une interview exclusive de plus.
Buxton (guitare), Dennis Dunaway (Basse) et Neal Smith (batterie) vont
se faire remarquer. Par Frank Zappa, un dingue, comme eux, qui les
signe sur son label. “Pretties For You” et “Easy Action”, dans les bacs Les films d’horreur
en 1969 et l’année suivante, sont deux ovnis totaux, à la fois pop, rock ROCK&FOLK : Avec “Killer” et “School’s Out”, à quel point
et prog, que cette bande de chevelus baptisée Alice Cooper (Furnier avez-vous senti que le groupe enclenchait la vitesse supérieure ?
adoptera légalement le patronyme un peu plus tard) défend sur scène à Alice Cooper : Avec le recul, j’estime que le passage de “Love It
Photo Barrie Wentzell-DR

la moindre occasion. Mais sur la côte Ouest, au crépuscule des années
hippies, la musique et l’attitude provocante du groupe, réputé pour
vider les salles où il se produit en moins de trois morceaux, rebutent un
max. Alice Cooper décide alors de se replier dans le Michigan (Furnier
est originaire de Detroit) et va se frotter avec davantage de succès au
To Death” à “Killer” s’est fait plutôt naturellement. C’est “Love It To
Death” qui nous a permis de trouver notre public, alors qu’avec nos deux
précédents albums, on était davantage dans la veine des groupes cinglés
à la Frank Zappa. Ce disque nous a permis de cerner notre identité
musicale. Pour ce qui est du look, on l’avait déjà (rires). Quand Bob

JUILLET 2023 R&F 039

alice cooper
“Alice est un
méchant arrogant,
capable du pire,
mais avec un sens
de l’humour énorme”
Ezrin est arrivé, il nous a littéralement disséqués, démembrés. Puis il a
remonté le groupe, comme il a pu (rires). A cette époque-là, on entendait
deux mesures des Doors et on savait que c’était les Doors. Idem pour
les Rolling Stones. Grâce à “Love It To Death” et à ce que Bob Ezrin
nous a apporté, les gens ont commencé à reconnaître notre musique.
R&F : En ce temps-là, la norme était de publier un album
tous les six mois.
Alice Cooper : Vrai ! C’était l’usine. “Love It To Death” à peine paru,
on est parti en tournée et, durant les soundchecks, on a écrit la plupart
des chansons qui allaient figurer sur “Killer”. Pareil pour “School’s
Out”. En vérité, on n’habitait nulle part. On vivait sur la route et sur
scène, on ne se posait jamais.
R&F : “Killer” et “School’s Out” brillent par la qualité de leurs
chansons courtes, sortes de fléchettes rock décochées avec
virulence et génie, mais il y en a aussi des plus longues, quasi
prog-rock, dans l’esprit expérimental de ce que vous faisiez à
vos débuts. Bob Ezrin aurait pu vous faire raboter ces titres,
les formater pour la radio ?
Alice Cooper : Ah, c’est drôle que vous fassiez cette remarque car
en fait, j’avais lu un article qui, en substance, disait : “Alice Cooper est
un bon groupe pour ce qui est des chansons de trois minutes, mais serait
certainement incapable de jouer du prog-rock.” En clair, ça insinuait
qu’on n’était pas à la hauteur de Yes ou de King Crimson. On s’est donc
réuni et on a fait “Halo Of Flies” avec tous ces changements, toutes
ces parties différentes, juste pour montrer de quoi on était capable.
R&F : Et c’est devenu un incontournable de votre répertoire
qui n’en manque pourtant pas.
Alice Cooper : Oui, la chanson a même cartonné en single aux
Pays-Bas !
R&F : “Dead Babies”, sur “Killer” également, est une autre
tranche de vie… Enfin, de mort…
Alice Cooper : Que la presse a associée a du prog alors que dans
notre esprit, c’était un morceau conçu pour la scène, pour y développer
le côté théâtral.
R&F : C’est une sorte de choc des cultures, ce titre.
Alice Cooper : Obligé. Bob Ezrin vient de la musique classique,
tandis que nous, notre truc à l’époque, c’était “West Side Story”, les
James Bond et John Barry, les films d’horreur… C’est sûr qu’on a été
très influencés par des groupes anglais comme les Yardbirds, mais on
picorait d’autres références à droite et à gauche.
R&F : On a le sentiment qu’en tant que vocaliste, vous avez
réellement trouvé votre voix sur “Killer”, mais en fait, vous
avez plusieurs façons de chanter sur le disque. Par exemple,
vous abordez la chanson-titre très différemment de “Under
My Wheels”.
Alice Cooper : Bob a toujours dit que j’avais trois ou quatre voix !
040 R&F JUILLET 2023
Dennis Dunaway Glen Buxton
La punk, celle d’un méchant dans les films, la claire, celle d’un
Photos Barrie Wentzell-DR
crooner… Et donc, au moment d’enregistrer la voix définitive, il a pris
l’habitude de m’indiquer celle qui, selon lui, correspond le mieux à la
chanson. D’où ces disparités…
R&F : C’est une sorte d’instrument au service du personnage
mouvant que vous êtes sur scène…
Alice Cooper : C’est ça, comme un acteur. Je vous l’ai déjà dit, mais je
n’ai jamais pensé que j’étais Alice Cooper, je l’incarne, c’est tout. C’est
un personnage que nous avons véritablement créé à partir de “Killer”
et qui se situe à l’exact opposé de qui je suis. Alice est un méchant
arrogant, capable du pire, mais avec un sens de l’humour énorme et…
plutôt noir (rires).
R&F : Vous parlez toujours de lui à la troisième personne ?
Alice Cooper : On n’a jamais arrêté ! Avec Bob et le groupe, on s’est
souvent dit des choses comme : “Oh, Alice n’aurait jamais fait ça” ou
“Voilà un truc dont Alice serait tout à fait capable.” On a défini une
sorte de cadre dans lequel il pouvait évoluer.
Plus facile pour les serpents
R&F : A l’époque où vous buviez, la distinction était plus
difficile à faire…
Alice Cooper : C’est le moins qu’on puisse dire. Il arrivait que je me
prenne pour Alice et j’ai bien failli y laisser ma peau. Aujourd’hui,
je vis avec lui, mais pas à sa place. Quand je vais au cinéma, je n’ai
pas de serpent autour du cou. Quand je dîne avec ma femme, je ne
suis pas maquillé. Je coexiste avec Alice, c’est déjà beaucoup, et
j’adore le jouer.
R&F : Oui, et le golf est un sport assez difficile comme ça.
Vous n’alliez pas, en plus, y jouer avec un serpent autour
du cou !
Alice Cooper : Non, mais le golf m’a sauvé. Quand j’ai arrêté l’alcool
et le reste, il m’a fallu une autre drogue et je l’ai trouvée dans ce
sport. Et en plus, je suis devenu plutôt bon ! Quand je ne suis pas en
tournée, j’y joue six jours par semaine.
R&F : C’est bien mieux que l’inverse : le sport, puis la drogue.
Alice Cooper : C’est certain : on peut mourir à cause de la cocaïne,
pas à cause du golf (rires).
R&F : Bon, et ce serpent, Kachina, sur la couverture de
“Killer”, qui en a eu l’idée ?
Alice Cooper : Eh bien, les gens se disaient qu’avec nous, tout
pouvait arriver et notamment backstage. Il s’est trouvé qu’une fois
Michael Bruce Neil Smith Les gamins de quinze ans au début des années soixante-dix et ceux
d’aujourd’hui sont convaincus que “School’s Out” leur est adressée.
C’est sa force. Les uns comme les autres détestent l’école et sont
impatients qu’arrive le jour de la sortie.

R&F : Peu de titres ont cette puissance et, en plus, vous en

avez d’autres…
Alice Cooper : Oui, “I’m Eighteen” peut être classée dans la même
catégorie. Elle a parlé à énormément de gens qui ont eu cet âge. Ne pas
savoir si on est un enfant ou un homme, aimer le chaos, la confusion,
rien n’est plus excitant.

Dans une culotte de fille

R&F : Quelqu’un dont on parle rarement lorsqu’on évoque
Alice Cooper, c’est Shep Gordon, votre manager historique.
Aujourd’hui, les musiciens sont managés par des avocats ou des
incapables, mais Shep est vraiment dans une catégorie à part.
Alice Cooper : Shep et moi avons construit
une fille avait un bébé boa constrictor avec nos carrières sur des mensonges. Je lui ai dit
elle. Un animal de petite taille, pas plus de
soixante centimètres… J’ai fait un pas en
Roadie d’Alice que j’étais chanteur et lui qu’il était manager.
Aucun de nous n’était l’ombre de ça ! En fait,
L’histoire du rock est souvent
arrière en le voyant et tout le monde a eu croustillante lorsqu’elle est contée par Shep ne connaissait rien au rock’n’roll, mais
les jetons. Et aussitôt, l’idée a germé dans ses petites mains. C’est-à-dire des gens il sentait ce qui était susceptible de marcher.
qui y étaient vraiment, qui ont tout vu,
mon esprit : et si Alice se pointait sur scène mais dont le nom s’est perdu au profit Et lui aussi possède un sens de l’humour
avec un serpent trois fois plus long ? Les gens de ceux des musiciens et producteurs, plutôt sombre. Il a vite compris que le Alice
gravés dans le marbre des pochettes
auraient peur, ils seraient sidérés… J’ai donc de disques. Comme Michael Bruce Cooper de “Killer” et de “School’s Out” allait
vaincu ma propre trouille des reptiles, tout ça avant lui, Dennis Dunaway s’est fendu révolter tous les parents du monde et que
pour pouvoir effrayer le public. Le serpent d’une autobiographie hautement ce serait un argument supplémentaire et de
recommandable, prétexte à évoquer
reste un temps fort du spectacle. Justement, notamment les débuts du groupe qui taille pour qu’il plaise à leurs enfants. On est
il est de retour avec nous en tournée, ça faisait les a fait connaître. “Living And allé jusqu’à vendre “School’s Out” dans un
dix ans qu’on ne l’avait pas vu. Touring With Alice Cooper And pupitre d’écolier en carton, et glissé dans une
Other Stories” (Manhattan Book
Group), signé Michael Allen, roadie culotte de fille !
R&F : En revanche, voyager avec dans de son état, ajoute quelques grains
de sel aux balbutiements de la saga.
le monde entier ne va pas être évident… Incité à rassembler ses souvenirs par R&F : Oui, et Shep Gordon a estimé
Alice Cooper : C’est sûr, aux USA, ça passe des fans, Allen est un gars modeste qui que la meilleure façon de créer le buzz
encore. On s’est renseigné pour l’Europe et a longtemps douté qu’ils puissent être autour de l’album était de faire balancer
d’un intérêt quelconque. En vérité,
avec toutes ces nouvelles lois, il va nous falloir son livre est un régal et privilégie les ces fameuses petites culottes en papier
un tas d’autorisations… De la paperasse en faits au détriment des racontars, tout sur la foule depuis un hélicoptère en
perspective. en rappelant que, parallèlement à la vol stationnaire au-dessus du Hollywood
musique, le rock qu’on aime a toujours
été une sacrée aventure humaine. Bowl.
R&F : C’est déjà compliqué pour les Alice Cooper : Exactement, alors qu’il est
êtres humains… strictement interdit de survoler ce lieu ! Vous n’imaginez pas le foin
Alice Cooper : Bah justement, ça devrait être plus facile pour les que ça a fait ! Il ne faut pas oublier qu’une autre grosse influence,
serpents (rires). On ne peut pas leur reprocher leurs orientations à nos débuts, ça a été “Hellzapoppin’ ”, ce film délirant des années
politiques… quarante dans lequel tous les coups du showbiz sont permis. Aucune
retenue ! Le Alice Cooper Group, c’était du vaudeville noir !
R&F : Bon, parlons peu, parlons bien : sur les plans du riff
et des paroles, “School’s Out” ne serait-elle pas la chanson R&F : Avec une fin heureuse. Les gens continuent de sortir
punk ultime ? de vos concerts l’air heureux.
Alice Cooper : Disons que, de temps en temps, un titre devient Alice Cooper : Eh oui ! C’est sexy, drôle, comme un spectacle de
l’étendard d’un groupe. Si on me dit Rolling Stones, “(I Can’t Get cabaret. On tue Alice, mais c’est pour mieux le faire renaître, pour
No) Satisfaction” me vient aussitôt à l’esprit. Pour les Who, c’est que la fête continue !
“My Generation”. Certaines chansons sont à jamais associées à leurs
créateurs. Pour Alice Cooper, c’est “School’s Out”. Un demi-siècle R&F : Et aujourd’hui, vous montez également sur scène avec
plus tard, je reçois quotidiennement des messages envoyés du monde des vampires.
entier à propos de ce morceau. Et même d’endroits où le rock’n’roll Alice Cooper : C’est vrai, c’est dingue. Pourtant, je n’ai jamais
n’est pas exactement bien vu, comme le Moyen-Orient par exemple. désiré faire partie d’un autre groupe. Alice Cooper, c’est un boulot à
C’est devenu un hymne ! Au départ, on trouvait que c’était une bonne temps complet. Mais Hollywood Vampires a décollé et tout le monde
chanson rock, mais on était loin de se douter qu’elle aurait un tel adore ce que nous faisons. On ne s’attendait pas à un tel succès. Et
impact. vous savez pourquoi on tient ? Ça fait déjà sept ans que ça dure et il
n’y a jamais eu l’ombre d’une engueulade. C’est ça qui fait les bons
R&F : A partir de “I’m Eighteen”, et peut-être davantage avec groupes, on adore être ensemble. Il n’y a pas de querelle d’ego, on
“School’s Out”, vous vous êtes adressé à une génération de est là pour le show, pour la musique, et le reste, on s’en cogne. H
fans qui, contre toute attente, n’a pas arrêté de se renouveler.
Alice Cooper : Oui, c’est sûr qu’elle a mis tout le monde d’accord. Album “Killer” et “School’s Out” (Warner)

JUILLET 2023 R&F 041

En vedette
Saisir l’imprévu
ROSS HALFIN Entre deux concerts de Metallica au Stade de France,
la légende britannique de la photo heavy metal peaufine les derniers
réglages au MK2 Bibliothèque avant de rencontrer ses fans
pour une soirée de questions/ réponses autour de son travail.
recueilli par Geant Vert
AVEC UNE SUPERFICIE D’ÉCRAN DE
157 M², LE PHOTOGRAPHE TIENT
À ÉVITER TOUT FLOU ARTISTIQUE
AFIN DE NE PAS ÊTRE CONFONDU
AVEC SON COMPATRIOTE FEU DAVID
HAMILTON. Une fois sûr que ses photos
ne seront pas massacrées par la projection,
le photographe découvre dans la loge le
premier exemplaire physique en français de
son ouvrage “Metallica - The Black Album
En Noir & Blanc”. Satisfait du travail, il
accepte de commenter quelques-unes de
ses photos prises entre octobre 1990 à Los
Angeles et la fin du Black Album Tour en
1993, et expliquer son style.
Abonné
à Rock&Folk
ROCK&FOLK : Quel genre de photographe êtes-vous ?
Ross Halfin : Je ne pense pas être quelqu’un de difficile, même si
j’ai mon caractère. Quand j’arrive quelque part, je fais en fonction de
ce qui a été décidé. Si j’ai une heure, je l’utilise entièrement. Si je n’ai
qu’une minute, je m’en contente. En revanche, si l’heure convenue se
transforme en deux minutes pour je ne sais quelle raison, là, je peux
être quelqu’un de très difficile.
R&F : Avez-vous eu un modèle pour vous guider à vos débuts ?
Ross Halfin : Il y en a un plus particulièrement. Un photographe
irlandais du nom de Fin Costello. Son travail m’a vraiment impressionné
avant même que je ne décide de ma future carrière. C’est le gars qui
a élevé le niveau de la photographie de concerts en y ajoutant une
dimension plus artistique. Il a fait le “Made In Japan” de Deep Purple
à partir d’une photo prise à Londres, la double, à l’intérieur du “Long
Live Rock ‘N’ Roll” de Rainbow, est prise à un concert de Rush.
L’inscription sur le drapeau est modifiée à l’aérographe. Même si ses
photos n’avaient rien à voir avec le sujet du disque, leur impact sur
le public a été d’une efficacité incroyable. Pareil pour le live d’Uriah
Heep. J’adore ce qu’il a fait pour ce groupe, même si leur musique est
abominable. Cette façon de photographier différemment est la raison
qu’invoque Paul Stanley pour la pochette du premier “Kiss Alive”.
A partir de son travail, j’ai modelé le mien.
042 R&F JUILLET 2023
R&F : C’est-à-dire ?
Ross Halfin : Il est possible de modifier
l’apparence d’une scène à l’aide d’un ou plusieurs
objets, le choix des vêtements, etc. La photo
devient composition. Comme un tableau. Sinon,
j’aime bien le travail de Jean-Pierre Leloir. A
l’époque lointaine où j’essayais d’apprendre le
français, mon école nous payait des abonnements
à des revues étrangères suivant la langue que
nous souhaitions étudier. Comme j’avais choisi
le français, tous les mois, j’allais dans une
librairie spécialisée chercher mon exemplaire
de Rock&Folk. Ce que j’aimais, c’était les
couvertures en couleur et une impression de
bien meilleure qualité que la presse anglaise.
R&F : Comment s’est passée la première
rencontre avec Metallica ?
Ross Halfin : Elle a eu lieu en 1984, à l’initiative
du manager Peter Mensch. C’était un peu avant la sortie de “Ride The
Lightning”. Je me trouvais à Seattle pour un concert de Queensrÿche.
Peter connaissait et appréciait mon travail sur Iron Maiden et Def
Leppard et, avec le renouveau du metal, il recherchait une personne
capable de photographier cette scène avec un regard neuf.
Des gamins aussi
marrants que stupides
R&F : Qu’est-ce qui vous a le plus accroché chez Metallica ?
Ross Halfin : Leur musique n’avait rien à voir avec le punk, mais
leur attitude était très similaire. Quand je les ai rencontrés, j’avais
quelques années de plus au compteur. Et ils m’ont fait l’effet d’une
bande de gamins qui pouvaient être aussi marrants que stupides.
C’était ce mix qui les rendait attachants. Le plus mûr était Cliff Burton
qui essayait d’élever un peu le niveau. Après sa mort, c’est Lars qui
a repris le flambeau.
R&F : Si le parallèle entre le nom de l’album et la photographie
en noir est blanc est évidente, pouvez-vous néanmoins
Photo Ross Halfin-DR
développer ce choix ?
Ross Halfin : J’ai pris la décision tout de suite. Le nom “Black Album”
est arrivé très vite et pour une raison très simple : de tous les clichés
faits jusque-là, seuls ceux en noir et blanc me paraissaient survivre
“ C’était dans un stade italien,
à Turin, dans les dernières dates
de la tournée (Stadio delle Alpi,
Turin, 22 juin 1993, ndr) et il s’est
mis à tomber des cordes. Sur cette
photo, j’aime bien l’attitude de
James, stoïque face aux éléments
déchaînés ; et forcément trempé
par la pluie. Malgré le déluge, les
quatre se contrefichaient de la
météo. Ça les a plutôt amusés.
”
JUILLET 2023 R&F 043
au passage du temps. Il y a un côté intemporel sans la couleur. Avec
elle, l’impression de date est omniprésente car la couleur s’attache plus
à l’époque et fige l’action. Au contraire du noir et blanc qui préserve
l’énergie de l’instant. Regardez n’importe quelle photo noir et blanc
de Deep Purple, Led Zeppelin ou Jimi Hendrix. Quels que soient
l’angle et le lieu, le noir et blanc adapte le cliché à la modernité de
l’époque. C’est comme un filtre qui éliminerait le passage du temps
pour ne garder que l’essentiel : une ou des personnes sur lesquelles
le temps n’a pas prise.
Bourrés et sans tatouages
R&F : Comment abordez-vous le sujet au moment de le
photographier ?
Ross Halfin : En attendant le moment propice du déclenchement,
je suis dans un coin et j’observe ce qui se passe. Les choses doivent
se passer sans aucune interaction avec qui que ce soit. Si je sens que
je risque d’être une gêne pour la personne sur scène, j’évite de la
photographier. La confiance doit être réciproque. A mes tout débuts,
je devais faire des photos de Led Zeppelin. C’était pour accompagner
un papier dans “Sounds”. Autant le dire, c’était un gros boulot. A
peine arrivé, Robert Plant me met le grappin dessus et me soumet
044 R&F JUILLET 2023
à la question de savoir si je suis au courant de la manière dont il doit
être photographié. Evidemment, je réponds que non. Alors il me l’a
expliqué de fond en comble. Les photos étaient merdiques. Quand
le rédac’ chef les a vues, il a demandé des explications à son tour.
Après les avoir écoutées, il m’a bien fait comprendre que c’était à moi
de garder le contrôle et pas au premier quidam venu. Pour résumer,
quand une personne vous explique les choses dans ce milieu, c’est de
l’intimidation qui va vous empêcher de faire votre boulot correctement.
R&F : Dans votre livre, vous dites que vous ne prenez des
photos qu’à la fin du concert. Pourquoi ?
Ross Halfin : C’est simple à comprendre. Personne au sein de
Metallica n’a envie que je sois sur son passage quand il arpente la
scène. Les quatre ont besoin de toute leur concentration pendant le
show. Rien ne doit les perturber. Donc j’attends les dernières chansons
jouées pendant les rappels. Là, ils sont généralement plus détendus,
plus aptes à accepter que j’empiète sur leur territoire. Cette manière de
faire me convenait car elle me permettait de penser à ce que je pourrais
faire, ou pas. Maintenant, les choses sont différentes. Metallica est
devenu une organisation beaucoup trop importante. Chaque rouage
doit être à sa place et il n’y a plus de place pour un électron libre.
 Ross hAlfin

“Le noir et blanc

adapte le cliché
à la modernité
de l’époque”
R&F : En quoi les choses ont-elles changé ?
Ross Halfin : Déjà en raison de la présence de GoPro sur la scène,
et même en l’air. C’est terminé l’époque où il était possible de faire
les choses à sa façon sur scène. Même le moment où nous sommes
tous bourrés au Eddie’s Bar. Bourrés et sans tatouages.

R&F : Est-ce bien raisonnable de boire quand on est

photographe ?
Ross Halfin : Oh que non. Un coup, à Nuremberg, j’étais complètement
saoul à essayer de régler les lumières pour une session sous la neige.
Alors que les flocons tombaient, j’avais de plus en plus de mal à
assurer. Et comme tout le monde était ivre, nous n’arrêtions pas
d’éclater de rire. C’était un peu une de nos habitudes de faire les
choses de cette façon. Maintenant, nous avons tous vieilli... Ouais, on
devient plus mature. Les choses deviennent plus dures et compliquées
qu’elles ne devraient l’être.

R&F : Avec l’obligation faite aux photographes de ne travailler

que sur les premières minutes des concerts, les rédactions
ont l’impression de toujours voir les mêmes photos. Un avis ?
Ross Halfin : Mais c’est de votre faute ! C’est vous qui acceptez de
les publier. A partir de là, ne venez pas vous plaindre que les photos
ont toutes le même angle. Je ne me gêne pas pour envoyer promener
toutes les productions qui ne respectent pas mon travail. Quand je me
retrouve face à ce problème, c’est simple, je ne couvre pas l’événement.
Tout le monde devrait faire cela mais personne ne le fait. Au contraire,

“ La tournée des festivals européens s’achevait. On a eu quatre jours

de break après Barcelone. C’est là que j’ai convaincu les quatre d’aller
faire un tour au Eddie’s Bar, le pub que Steve Harris, le bassiste de Iron
tout le monde se plaint ; la presse, les photographes, mais personne
ne fait rien. Quand la production se prend trop au sérieux, je lui
réponds que si mon envie était d’obéir à des ordres à la con, j’irais
Maiden, avait ouvert au Portugal. Une fois sur place, j’ai loué ce van et
j’ai ajouté l’inscription au gaffeur sur le côté, au grand amusement du plutôt m’engager dans l’armée. C’est clair ? H
groupe. C’est même devenu LA photo de presse du ‘Black Album’.
” Livre “Metallica - The Black Album En Noir & Blanc” (Glénat)

“ Cette posture de Lars

était devenue une sorte de
signature pour marquer la
fin des concerts. Maintenant,
c’est le genre de chose qu’il
ne fait plus. Tout comme
recracher l’eau qu’il boit
pendant le concert. Pour une
raison que je ne m’explique
pas, j’aime cette photo où il
se montre comme un ange
déchu. Mais il est loin d’en
Photos Ross Halfin-DR

être un. Il est le bad guy des

quatre. Mais il est aussi celui
qui est le plus près de sa base
de fans. Il les comprend et
ils le comprennent.
”
JUILLET 2023 R&F 045
En vedette

“On s’était appelé BYG

parce qu’on voyait grand”

BYG
BYG, C’EST AU PREMIER ABORD UN
CHOC ESTHÉTIQUE AVEC LA SÉRIE
“ACTUEL” QUI A FAIT LA LEGENDE
DU LABEL. Des pochettes au design
magnifique qui frappent à première vue :
un cadre blanc avec liseré gris autour d’une
photo, ou un visuel psychédélique, un nom
d’artiste, un titre — tout en minuscules
—, un numéro encadré sous la mention
“Actuel”. Et ce logo triangulaire gris,

Records
Le magnifique catalogue du plus
mystérieux et expérimental des labels
français est de retour dans les bacs.
surnommé la pyramide du free jazz, qui
rappelle étrangement le logo de Motown.
Un design réalisé par Claude Caudron, qui
influencera de nombreux autres labels (à
l’image de Sacred Bones), pour des disques
à la pointe de l’avant-garde. Du free jazz à
la musique électronique balbutiante et au
rock progressif le plus aventureux. Durant
les quelques années de son existence,
BYG portera haut et fort le pavillon de
l’underground libertaire et demeure une des
Photo DR

par Eric Delsart plus belles aventures musicales hexagonales.

046 R&F JUILLET 2023

Le label a été créé en 1967 par un trio d’esthètes : Fernand Borruso,
Jean-Luc Young et Jean Georgakarakos, plus connu sous le nom
de Jean Karakos. Le nom choisi est un acronyme du nom des trois
protagonistes, dont Karakos dira plus tard, pour un entretien filmé
par la BnF : “On s’était appelé BYG parce qu’on voyait grand.” A
l’époque, Karakos tient un magasin de disques à Bandol, sur la Côte
d’Azur. C’est un type gouaillard, qui a le sens des affaires et flaire
les opportunités. En 1960, à l’âge de vingt ans, il avait fondé le label
Star Success suite à une rencontre avec des musiciens cubains et
tenté — trente ans avant “La Lambada” — de lancer la mode d’une
danse, “La Pachanga”. Un autre label allait suivre, JOC, avec lequel
il allait se lancer dans l’import d’albums blues et folk américains à
bas prix (Leadbelly, Lightning Hopkins, Cisco Houston) qu’il allait
écouler dans son réseau de disquaires nommé Pop Shop (à Grenoble,
Lyon, Aix, Montpellier). Il y distribue le label Everest, qui reprenait
les disques de la Library Of Congress, et aussi Picwick, mais ronge
son frein : “Les licences, c’était assez frustrant pour quelqu’un qui
aime la musique. Avec BYG, j’ai vraiment commencé à produire”. La
rencontre en 1967 avec Jean-Luc Young, alors directeur artistique
chez Barclay, sera décisive, et fortuite : “J’ai rencontré Jean Karakos
dans la rue à Paris” nous a confié Young depuis Londres où il réside
aujourd’hui. “Je sortais du bureau de Lucien Morisse (alors directeur
des programmes d’Europe 1 et fondateur du label Disc’AZ – nda)
quand j’ai vu un mec avec un camion rempli de disques devant le bureau,
il semblait fournir des disques pour Disc’AZ. C’était Jean Karakos.
Pendant qu’il faisait ses va-et-vient, j’ai regardé dans le camion, j’ai
attendu qu’il revienne et on a fait connaissance. Jean a vu ce que je
produisais, des artistes actuels, des jeunes en devenir, c’était de la
musique du moment, et il s’est intéressé à ça et s’est dit qu’on allait faire
quelque chose ensemble avec ces nouvelles musiques tendances. Le même
jour, Jean m’a présenté Fernand Borruso, qui était à la tête de Saravah.
Il m’a emmené le voir pour lui montrer ce que je faisais dans la musique.”
Créé par Pierre Barouh, Saravah est alors un label dédié aux musiques
de films, et Borruso est un ami de longue date de Karakos. “On s’est
bien entendu, poursuit Young. On était désormais liés ensemble. C’est
allé vite. Les trois mousquetaires.” Le bouddha qui orne le logo de
BYG, est inspiré d’une statue que Borruso possède sur son bureau.
Le producteur d’origine tunisienne ne restera pourtant pas longtemps
au sein du label, qu’il quittera de façon amicale au lendemain de mai
1968, pour se consacrer à ses autres projets, notamment d’artistes
qu’il souhaite développer pour Saravah, comme Brigitte Fontaine. De
son côté, BYG met un peu de temps avant de produire ses propres
artistes. L’affaire JOC s’étant dissolue avec son mariage, Karakos
continue à faire fonctionner son réseau de soldeurs. Les archives de
Riverside (du jazz des années 1920-1940) sont éditées par le BYG
sous la série “Archive Of Jazz”, et le label prend en licence Savoy et
byg records
Archie Shepp et Jean-Luc Young
publie ainsi des albums de Charlie Parker, John Coltrane et Charles
Mingus sous le nom de “Jazz Masters Serie”. La première véritable
production de BYG sera le groupe blues rock français Alan Jack
Civilisation, produit par Giorgio Gomelsky, producteur emblématique
du Swinging London et manager des Yardbirds, qu’il connaissait par
l’entremise de Brigitte Guichard (future coordinatrice d’Amougies).
Un 45 tours (“Shame On You”), puis un album (“Bluesy Mind”) qui
ne marchent pas vraiment. Karakos l’imputera plus tard aux abus de
LSD du pianiste pour son échec.
Coup de génie
Ce n’est que lorsque le label lancera sa série “Actuel” — du nom
du magazine underground de l’époque — qu’il prendra son essor et
trouvera son identité, son âme free jazz et avant-gardiste. À l’époque,
“Actuel” se veut le pendant français de l’ “International Times” de
Londres ou “Oz” de New York, des magazines de contre-culture aux
idées avant-gardistes marquées à l’extrême gauche. Un fanzine qui
se déplie en accordéon, imprimé et diffusé en indépendant, dont le
rédacteur en chef est Claude Delcloo, lui-même batteur de jazz versé
dans le free. La rencontre avec le musicien sera décisive. C’est ainsi
qu’en juillet 1969, ce dernier et le photographe Jacques Bisceglia,
grands fans de jazz, évoquent devant Karakos le fait qu’ils se rendent
au Festival Pan African d’Alger, où jouent les leaders de la scène
048 R&F JUILLET 2023
Photos DR
Art Ensemble Of Chicago
jazz avant-gardiste. Karakos sait que Philippe Constantin, qui désire
monter un label free-jazz pour EMI, s’y rend pour rencontrer les
artistes. Il échafaude alors un plan pour accueillir les artistes à la
sortie de l’aéroport, les héberger à l’hôtel George V grâce à une des
combines dont il avait le secret, et les faire signer sur son label. A
l’époque, les artistes de la communauté afro-américaine subissent
aux Etats-Unis le contrecoup des émeutes de Watts de 1965 qui ont
essaimé partout dans le pays en 1968, et ils se voient fermer beaucoup
de portes. La France ayant toujours été un havre de paix pour les
jazzmen noirs, notamment entre les deux guerres, ceux-ci saisissent
l’opportunité de quitter l’Amérique de Nixon. Le coup de génie du
label fut alors d’inviter tous ces artistes — le saxophoniste Archie
Shepp, l’Art Ensemble Of Chicago — à enregistrer des morceaux dans
le studio parisien Davout durant des sessions marathon (où même
Delcloo participera, tout comme Didier Malherbe, saxophoniste de
Gong) avant de repartir aux Etats-Unis. Il résulte de ces deux mois
de furia free jazz des dizaines de disques saisis sur le vif qui forment
le cœur du catalogue jazz de la série “Actuel” de BYG, qui reste
aujourd’hui la contribution la plus prestigieuse de label à l’histoire de
la musique. La série “Actuel” — qui comptera en tout 52 références
— est alors lancée, avec des pochettes imaginées par Claude Caudron
avec des photos magnifiques de Jacques Bisceglia. Entre 1969 et
1971 y seront publiés des albums d’artistes avant-gardistes venus
de divers horizons : free-jazz (Art Ensemble Of Chicago, Sun Ra
 Photo courtesy of Christian Rose-DR

Daniel Lalou, Daevid Allen et Didier Malherbe

Ce festival est un des plus mythiques

regroupements de freaks
de la fin des années soixante
& His Solar-Myth Arkestra, Archie Shepp), dans ses bagages. Trois cents musiciens jouent
électronique (Pierre Mariétan et Terry Riley, durant cinq nuits, sous un chapiteau planté
Musica Elettronica Viva), progressif (Daevid dans un champ au milieu de la boue. Parmi
Allen & Gong, Ame Son, Freedom), avec Claude eux, le catalogue Saravah de la série “Actuel”
Delcloo comme entremetteur entre le label et les de BYG, évidemment, tels Gong, Ame Son, Don
artistes de la scène underground. “On pressait Cherry, Archie Shepp, Alan Silva, Art Ensemble
en général entre 2 000 et 4 000 vinyles par titre Of Chicago, Aynsley Dunbar, mais aussi des
et on vendait la quasi-totalité” se remémore pointures tels que les Pretty Things, Zoo,
aujourd’hui Jean-Luc Young. Soft Machine, Caravan, The Nice, Ten Years
After, Captain Beefheart & The Magic Band
et bien sûr Pink Floyd, dont la performance
Festival mythique est restée légendaire, notamment parce que
Frank Zappa participe au morceau “Interstellar
de l’underground Overdrive”. Succès critique, célébré dans
européen Rock&Folk n°35 par Paul Alessandrini dans
Le projet prend de l’ampleur. Le magazine un papier demeuré célèbre nommé “Les Folles
“Actuel” est racheté par BYG, qui décide Nuits d’Amougies”, ce festival est un des plus
de lancer en octobre un festival au nom du mythiques regroupements de freaks de la fin des
magazine qui serait l’équivalent de Monterey et Woodstock, mais en années soixante. Pourtant, on sera loin de l’affluence de Woodstock
Europe continentale. Le début d’une histoire légendaire, mais aussi ou du festival de l’île de Wight qui ont eu lieu l’été précédent et attiré
de galères pour le label. Le festival doit à l’origine avoir lieu à Paris, des centaines de milliers de personnes. En raison de sa délocalisation
aux Halles, mais la crainte d’un déferlement hippie un an à peine tardive et de son choix de site, le festival n’attire que… 80 000
après Mai 68 donne des sueurs froides aux autorités. Des Halles, le personnes. Moment de liberté fantastique, formidable métissage de
festival est délocalisé à Vincennes, puis Saint-Cloud, puis Courtrai, pop et de jazz, instant clef de l’underground européen, l’événement
en Belgique, avant une nouvelle relocalisation à Amougies, petit est un moment de symbiose magnifique et une “expérience humaine
village à proximité de la frontière franco-belge, décidée à peine plus incroyable” selon Young, mais aussi fiasco financier qui met les
d’une semaine avant la date de l’événement, du 24 au 28 octobre comptes de BYG dans le rouge. Le label espère qu’un documentaire
1969. Pour la programmation, le label veut frapper fort et invite Frank réalisé par Jérôme Laperrousaz et Jean-Noël Roy, en deux parties
Zappa qui vient juste de dissoudre la première mouture des Mothers nommées “Amougies Music Power” et “Amougies European Music
Of Invention. Il accepte toutefois de venir en qualité de maître de Revolution” — “Deux films libres sur un festival interdit !” dit la
cérémonie, façon Monsieur Loyal qui interviendrait sur scène avec publicité — (qui seront ensuite rassemblés en un seul film), aidera
certains artistes et emmène Don Van Vliet, alias Captain Beefheart, l’événement à atteindre la reconnaissance de Woodstock et sauver les

JUILLET 2023 R&F 049

byg records
Amougies
Le public hippie refuse de payer
les trente francs de droits d’entrée
et prend d’assaut le site
finances, mais ce dernier est retiré de l’affiche pour
des raisons de droits de certains groupes concernés,
notamment Pink Floyd. Seules quelques salles
parisiennes l’auront diffusé, et aujourd’hui il n’est
possible de voir ces films que dans un cadre de
recherche auprès du CNC.
Fiasco
Le label poursuit toutefois son aventure, publiant
des albums d’artistes aussi influents que Sun Ra ou
Fontaine & Areski (le sublime “L’Incendie”), et de
nouveaux enregistrements sont réalisés au Studio 104
de l’ORTF (notamment d’Alan Silva). En 1970, Jean-
François Bizot est nommé rédacteur en chef d’“Actuel”
qui devient un périodique et sort de l’amateurisme
éclairé. La même année, BYG tente, pour le lancement du magazine, un
deuxième festival nommé Popanalia prévu à Biot (près d’Antibes) avec
Joan Baez, Pink Floyd, Eric Clapton, Traffic, Kevin Ayers et Plastic Ono
050 R&F JUILLET 2023
Photo courtesy of Jean Paul Margnac-DR
Band (entre autres) à l’affiche. Un beau programme,
pour un festival qui ne se déroule pas comme prévu.
Le public hippie, venu en nombre, refuse de payer les
trente francs de droits d’entrée et prend d’assaut le site
qui devient impraticable. Quelques artistes jouent,
dont Joan Baez, mais le festival tourne court. On ne
sait si ce fiasco est à l’origine de la disparition de BYG,
mais le label continuera à publier des disques dans
la collection “Actuel” jusqu’en octobre 1971, avec
“Camembert Electrique” de Gong comme dernière
référence, avant de déposer le bilan et de cesser toute
activité en 1975. Jean-Luc Young part pour Londres,
où il fonde Charly, spécialisé dans les rééditions. Jean
Karakos lance Tapioca, puis part à New York fonder
le label punk Celluloid (entre autres aventures). Ils
ne travailleront plus jamais ensemble. Si Karakos est
décédé en 2017, Young vient de relancer BYG et en réédite aujourd’hui
le magnifique catalogue qui demeure, cinquante ans après, plus pertinent
que jamais. H
052 R&F JUILLET 2023
 En couverture

“Le rock’n’roll
convient à

TINA
mon style de voix”

TU RNE R s actes.
Une vie en plusieleusrcoups, la fuite,
La pauvreté, l’amour, e, la gloire mondiale.
la survie, la renaissanccu plusieurs existences
Anna Mae Bullock a vé commun au cœur
avec un dénominateur vier Cachin
de tout, la musique. par Oli
TINA NAÎT LE 26 NOVEMBRE 1939 À BROWNSVILLE I Love You”, la ballade de BB King, qu’elle finit par le convaincre.
(TENNESSEE), DANS UNE FAMILLE PAUVRE QUI “Il était le meilleur. Quand je l’ai rencontré, j’étais en admiration. Je
S’INSTALLE À NUTBUSH. Elle est la plus jeune des me suis donnée à lui.” Anna Mae est d’abord créditée sous le nom de
trois filles de Floyd Richard Bullock, contremaître Little Ann pour le single “Boxtop”, sorti en 1958 sur un mini-label
dans des champs de coton, et de Zelma Priscilla de Saint-Louis, Tune Town Records. Deux ans plus tard, Ike va
Currie. Tina a maintes fois raconté se souvenir d’avoir lui donner son nom de scène en référence au personnage de bande
ramassé le coton, mais déjà la musique est dans sa dessinée “Sheena, Reine De La Jungle”, première héroïne féminine
vie : alors qu’elle est encore une enfant et a déménagé à avoir son propre comic book en 1942.
à Knoxville, elle reprend les chansons des McGuire S’il n’a jamais bénéficié d’une éducation très poussée, Ike ne manquait
Sisters, trois filles de pasteur dont la plus jeune, Phyllis, pas de flair. Deux ans avant son mariage avec Tina, il lui donne son
a quatre ans quand le trio se lance dans la musique. nom, mais ne lui dit pas qu’il a déposé la marque Tina Turner, lui
permettant ainsi d’avoir une autre “TT” en cas de défection de sa
chanteuse. C’est en 1960 que Tina Turner chante sous ce nom pour
Ouragan rock la première fois sur le single “A Fool For Love”, qui grimpera jusqu’à
Tina n’a aucune formation musicale, et elle forge sa voix en écoutant la deuxième place des charts R&B. C’est le début de la Ike & Tina
les chanteurs de l’époque, Ray Charles et Sam Cooke en tête. Elle Turner Revue, un ouragan rock/ R&B d’une redoutable puissance,
chante dans la chorale de son église baptiste à Nutbush, et elle a onze avec les Ikettes en choristes et Tina en vedette. Sa voix est rude. “Je
ans quand sa mère quitte le domicile familial pour fuir la violence n’ai pas une jolie voix, quelquefois elle est même moche, et je n’aime pas
Photo A.B. Bell/ Michael Ochs Archives/ Getty Images

conjugale, un schéma que vivra Tina après son mariage avec Ike. Tina
part vivre avec sa grand-mère quand son père se remarie, multiplie
les petits boulots, puis retourne avec sa mère à Saint-Louis après la
mort de sa grand-mère. C’est là, au Manhattan Club, qu’elle va voir
sur scène les Kings Of Rhythm, le groupe d’Ike Turner, alors qu’elle
est encore mineure.
Elle est fascinée par ce chanteur guitariste puissant, postule pour
faire partie de son groupe, mais Ike ne la rappelle pas alors qu’il le
lui avait promis. C’est un soir de 1957, quand elle pique le micro du
batteur d’Ike pour se lancer dans une version brûlante de “You Know
chanter des morceaux mignons. J’aime quand c’est raide, rocailleux.
Le rock’n’roll convient à mon style de voix. ”
Adoubée par Janis
En 1960, Ike & Tina passent par l’Angleterre. Des années plus tard,
Mick Jagger dira à Tina Turner qu’il avait assisté au concert, et qu’il
avait commencé à danser et à bouger après l’avoir vue sur scène.
En 1985, les deux légendes chanteront en duo au Live Aid devant
100 000 spectateurs.

JUILLET 2023 R&F 053

Tina Turner
Ike & Tina Turner, Dallas, 1964
En 1966, à l’invitation de Phil Spector qui les a vus dans un club
de Sunset Boulevard, I&TT sont au programme du “Big TNT Show”,
un film de concert à l’impressionnante distribution : The Byrds, Bo
Diddley, Joan Baez, Donovan, les Ronettes, Petula Clark, Lovin’
Spoonful, Roger Miller et David McCallum en MC présentateur du
show qui ne sait pas encore que son morceau “The Edge”, sorti l’année
suivante, sera samplé trente-deux ans plus tard par Dr Dre et Snoop
Dogg dans le hit “The Next Episode”. Dans le public du TNT Show,
on reconnaît Ron et Russell Mael (futurs Sparks), Sky Saxon des
Seeds et Frank Zappa.
Après le classique “River Deep-Mountain High”, un des plus fameux
exemple du mur de son spectorien, le couple trouve un peu de lumière
médiatique en terre britannique et assure la première partie de la
tournée anglaise des Rolling Stones. Ike & Tina font Las Vegas, et
nombreux sont les artistes venus admirer le charisme de la panthère
noire du rock parmi lesquels David Bowie, Elvis Presley, James Brown,
Janis Joplin et Elton John.
Le 23 novembre 1967, Tina, vêtue d’une robe à sequins, est la
première femme (et la première Noire) à apparaître en couverture
de “Rolling Stone”. Elle est adoubée par Janis Joplin qui déclare
à la télévision qu’elle est sa chanteuse préférée. Les tournées se
succèdent, dont celle des Stones en Amérique (mais Ike & Tina ne
seront pas à l’affiche de la funeste escale à Altamont en décembre
1969). Les albums s’enchaînent, les hits sont là : en janvier 1971, la
reprise de “Proud Mary”, écrite deux ans plus tôt par John Fogerty
pour Creedence Clearwater Revival, se distingue par sa puissance
et sa structure bicéphale (première moitié lente, chevaux lâchés
au milieu jusqu’à une fin orgasmique), elle deviendra la chanson
signature de Tina Turner deuxième période, quand la phrase “Cleaned
a lot of plates in Memphis” avait pris un autre sens, après les coups et
l’esclavage mental imposé par Ike. En 1973, “Nutbush City Limits”
054 R&F JUILLET 2023
est un nouveau coup d’éclat : une présence vocale tonitruante de Tina,
Photos Michael Ochs Archives/ Getty Images
un solo de Moog d’Ike, des cuivres surchauffés et des musiciens au
taquet mais non crédités. Il se pourrait, comme l’a affirmé sa veuve
Gloria Jones lors d’une interview à la BBC en 2007, que Marc Bolan
ait joué de la guitare sur ce hit emblématique. Info ou intox ? Quand
la légende est plus belle que la réalité, imprimons la légende.
Un coupon d’essence
et 36 cents
La réalité : Tina est une de ces chanteuses qui ont repoussé les limites
de la sexualité sur scène, et ceux qui l’ont vue dans les années 1960
auront du mal à oublier ce qu’elle faisait subir à son micro longiligne
lors de son interprétation du single “I’ve Been Loving You Too Long”,
encore un titre qui prend une autre dimension après la rupture.
Contrairement à ce que l’on pourrait croire, la carrière solo de Tina
démarre avant la séparation du couple : “Tina Turns The Country On!”,
album de reprises d’artistes country/ folk comme Kris Kristofferson,
Bob Dylan et Dolly Parton en 1974 (nominé aux Grammys) et “Acid
Queen” dans lequel elle reprend des classiques des Stones, des
Who et de Led Zeppelin en 1975 sont les premiers exemples de son
travail en tant que tête d’affiche. La chanson “The Acid Queen” était
contenue dans la version cinéma de l’opéra rock “Tommy” de Ken
Russell, où Tina incarnait cette sorcière folle avec toute l’emphase
requise par le rôle. Le single de la version solo de Tina sera le dernier
avant la séparation.
Ike a les naseaux plongés dans la poudre blanche et la relation entre
les deux artistes devient toxique. Tina en parlera dans sa bio, et le
biopic de 1993 met en scène une dispute/ humiliation dans un diner,
Ike écrasant un gâteau sur le visage de Tina. La vraie histoire : le
couple arrive à Dallas pour un gig, une dispute violente éclate durant
 Ceux qui
l’ont vue
dans les
années
1960
auront
du mal
à oublier
ce qu’elle
faisait subir
Tina Turner et Janis Joplin, New York, 1969
à son micro
le trajet en voiture vers l’hôtel et Tina s’évade, avec en poche un dans d’innombrables shows, invitée régulière à la télé italienne. Elle
coupon d’essence et 36 cents, se réfugiant dans un motel au bord tente un virage disco avec son quatrième album solo “Love Explosion”.
de l’autoroute. La légende, toujours. Trois semaines plus tard, Tina Ce sera un échec.
remplit les papiers du divorce, qui sera finalisé le 29 mars 1978, date
symbolique de sa seconde vie artistique.
Ike Turner, qui a depuis le film “Tina”/ “What’s Love Got To Do With Tournant crucial
It” l’image d’un prédateur brutal et dictatorial, n’a pas toujours été ce Tina ne fait pas que des bons choix : en 1979, elle tourne cinq
tyran domestique incarné avec tant d’emphase par Laurence Fishburne semaines en Afrique du Sud en plein apartheid, expliquant plus tard
dans le long-métrage de Brian Gibson. “On a eu des hauts et des bas, qu’elle était “naïve sur la politique sud-africaine”. En 1981, elle refuse
se souvient Tina en 1988 lors d’une interview avec Joe Smith, CEO “Physical”, qui deviendra un hit mondial pour Olivia Newton-John.
de Capitol Records, mais Ike ne s’arrêtait jamais parce que son rêve Le salut viendra d’Angleterre, plus précisément de Sheffield, où sont
était d’avoir un maximum de chansons dans le Top 10, d’être reconnu basés Ian Craig Marsh et Martin Ware, ex-Human League devenus
dans l’industrie musicale. Il a travaillé dur pour ça, mais il s’est perdu Heaven 17. Pour leur compilation “Music Of Quality And Distinction”,
dans la drogue. Moi, je savais que je devais avoir mon propre groupe sortie sous appellation BEF (British Electric Foundation), ils invitent
et être en solo pour avoir du succès. Et quand des chanteurs soul rock pour des reprises
je suis partie, c’était pareil que d’être dans le de classiques tels que “Anyone Who Had A
groupe d’Ike, mais sans lui. J’ai su vaincre ma Tina Arena Heart” (Sandie Shaw), “Suspicious Minds”
peur de ne pas être assez bonne. C’était une Depuis les premiers shows au (Gary Glitter), “Perfect Day” (Glenn Gregory),
belle époque pour moi parce que je découvrais Manhattan Club d’East Saint Louis “These Boots Are Made For Walking” (Paula
en 1957, Tina a multiplié les concerts
la liberté. Une fois qu’on a fait l’expérience géants, attirant un nombre record de Yates, alors journaliste et femme de Bob
de ce genre d’emprise et qu’on s’en libère, on spectateurs. Mais le plus spectaculaire, Geldof), “The Secret Life Of Arabia” (Billie
apprend la vraie valeur de la liberté. Ce n’était ambiance “Guinness Book”, c’est MacKenzie des Associates)… Et “Ball Of
bien sûr celui qui eut lieu le 16 janvier
pas une époque dure pour moi, c’était le début 1988 au Maracana Stadium. 180 000 Confusion”, le tube psyché des Temptations,
d’une époque magnifique”. spectateurs étaient venus célébrer Tina, par Tina.
vêtue de son iconique minijupe de cuir
Les années suivant la rupture, Tina cache- rouge, soit 5 000 de plus que Frank La vidéo est diffusée sur MTV, la reprise
tonne. Elle n’est pas dans la misère à mendier Sinatra au même endroit en 1980, et fait un carton dans les clubs. BEF enfonce
dans les rues, mais elle acquiert aux États- 4 000 de moins que Paul McCartney en le clou avec la production du single “What’s
1990. Record battu par Roger Waters
Unis un statut de has-been, la chanteuse pour son show “The Wall” à Potsdamer Love Got To Do With It”, déjà enregistré
au passé glorieux désormais condamnée à Platz (Berlin) en juillet 1990 avec par Bucks Fizz. La chanson, co-écrite par
arpenter les petites scènes des cabarets, 350 000 spectateurs venus voir le mur l’Ecossais Graham Lyle et l’Anglo-Australien
(le vrai et celui de Roger) tomber.
jouant dans les clubs à Vegas, apparaissant Terry Britten, sort en mai 1984, quelques

JUILLET 2023 R&F 055


Quand Tina Turner
rencontre Phil Spector…
CÔTOYANT IKE & TINA TURNER
DANS UN SHOW TÉLÉVISÉ AUQUEL IL
PARTICIPE, PHIL SPECTOR CRAQUE
POUR LA VOIX DE TINA et, encouragé
par son récent succès avec les Righteous
Brothers, imagine un nouveau mariage
entre la puissance soul et sa philosophie de
production. Un contrat est signé stipulant
qu’Ike Turner ne sera pas impliqué, qu’il
ne devra même pas approcher du studio !
6252 Santa Monica Blvd
Phil Spector ne cosigne pas les morceaux
sans prendre part à leur élaboration. Ayant
une idée de chanson pour Tina Turner,
il invite chez lui Ellie Greenwich et Jeff
Barry dont il connaît l’efficacité, paroles
et musique. Une fois le morceau élaboré, il
convoque l’arrangeur Jack Nitzsche à qui,
s’accompagnant au piano, il le fait entendre.
Sûr de son fait, il se rend chez les Turner
et, à la guitare cette fois, fait écouter “River
Deep-Mountain High”. Tina adore !
A son habitude, Phil Spector convoque les
meilleurs musiciens de Los Angeles — troupe
aux contours flous surnommée Wrecking
Crew — et, en deux séances de trois heures,
réalise l’essentiel de l’orchestration en même
temps que les chœurs (qui sont doublés, voire
triplés pour plus d’épaisseur) et les soufflants.
Comme le chant définitif, les cordes
viennent ensuite. Présente dès le départ,
Tina fournit plus qu’une voix témoin, elle
chante vraiment, poussant les instrumentistes
à donner le meilleur d’eux-mêmes.
Ce jour-là, Rodney Bingenheimer, pas
encore surnommé le Mayor of Sunset Strip,
rencontre Brian Wilson à Wallichs Music City.
Il lui demande : “Sais-tu que Spector est à
Gold Star en ce moment ?” La réponse ne
se fait pas attendre : “Allons-y !” Quand ils
arrivent au 6252 Santa Monica Blvd, tandis
056 R&F JUILLET 2023
que les ingénieurs du son Larry Levine et
Stan Ross réalisent des prouesses, Phil Spector
mène son monde, hurlant ses instructions
quand il le faut. Comme Jack Nitzsche,
il porte des vêtements de chez DeVoss ou
Beau Gentry, des verres fumés en forme de
losange, des chemises à manches bouffantes...
D’autres personnalités sont venues assister au
miracle. Dennis Hopper, discret, prend des
photos. Mick Jagger, en manteau de vison, sort
toutes les cinq minutes appeler une copine…
Brian Wilson reste en place, béat. Le moment
historique arrive. Le 7 mars 1966, Tina Turner,
perruque et bottines, pulvérise l’assistance par
l’incroyable puissance de son interprétation,
aussi bien en ce qui concerne le volume que
l’implication émotionnelle. “Quand j’étais
petite fille, j’avais une poupée, la seule que
j’aie jamais eue, maintenant je t’aime comme
j’ai aimé cette poupée…” Ce texte qui aurait
pu paraître discutable prend une dimension
gigantesque, à la limite du tragique. La voix
émerge du célèbre mur de son spectorien,
ajoutant encore à sa grandiosité.
Les Etats-Unis
devront attendre
Enthousiaste, Mick Jagger invite Ike et
Tina à participer à une tournée anglaise
avec les Rolling Stones et les Yardbirds.
Andrew Oldham, producteur des Stones et
fan numéro 1 de Spector, paie de sa poche
une publicité dans “Disc & Music Echo”
pour aider au lancement de “River Deep-
Mountain High”. Effectivement, la chanson
cartonne en Angleterre (n° 3) mais, publiée
par Philles, le label de Spector, stagne
aux Etats-Unis (n° 88). Grande déception
pour le génial producteur qui, sans vouloir
entrer dans le débat-marronnier “peut-
on dissocier l’œuvre de l’auteur”, est à la
musique populaire ce qu’Orson Wells
Photo GAB Archive/ Redferns/ Getty Images
ou Federico Fellini sont au cinéma.
“River Deep-Mountain High” marque un
tournant décisif dans la carrière d’Ike &
Tina Turner désormais en phase avec le
public pop-rock. Il en existe de nombreuses
reprises, par les Easybeats, Deep Purple, Eric
Burdon, Bob Seger, les Saints, les Flamin’
Groovies, Ike & Tina Turner (1974)… Et
des adaptations, “Comme Le Fleuve Aime
La Mer” par Tina (Tina Banon), dotée d’une
orchestration superbe de Michel Colombier,
“Combien De Rivières” par Claude François.
Des séances avec Phil Spector émergent
d’autres merveilles majestueusement chantées
par Tina Turner, “A Love Like Ours”, “Hold
On Baby”, “I’ll Never Need More Than This”,
“Save The Last Dance For Me”, “Every Day
I Have To Cry”. Elles constituent l’album
“River Deep-Mountain High” dont les autres
plages, excellentes dans le style R&B classique,
sont la responsabilité d’Ike Turner. Les photos
de pochette sont de Dennis Hopper. Le disque
sort en Angleterre (versions mono et stéréo),
en Australie et en France. Les Etats-Unis
devront attendre... Pourtant, John Lennon
parle de chef-d’œuvre. George Harrison
précise : “C’est un disque parfait du début
à la fin. On ne pourrait pas l’améliorer.”
par Jean-William Thoury
 Tina Turner

mois après la reprise superbe de “Let’s Stay Together”, la scie slow

soul d’Al Green, toujours sous la houlette de BEF. Comme pas mal
de grands succès, “What’s Love…” fut d’abord refusé par quelques
gros noms. Cliff Richard n’en a pas voulu, quant à la chanteuse
philadelphienne Phillys Hyman, qui souhaitait l’interpréter, elle en
fut empêchée par Clive Davis, alors boss d’Arista. Donna Summer
hésita longtemps, mais renonça après deux ans de procrastination.
Fun Fact : la version de Bucks Fizz, enregistrée quelques mois
avant celle de Tina, resta dans les placards du groupe jusqu’en
2000, année où elle figurera en bonus track de la ressortie
CD de l’album “Are You Ready”. On restera poli en disant
que Tina a mangé Bucks Fizz au petit déjeuner.
C’est donc le 1er mai 1984 que la vie de Tina Turner va prendre un
nouveau tournant crucial avec ce succès mondial qui fera d’elle, à
quarante-quatre ans, la chanteuse solo la plus âgée à dominer les charts
Billboard. Deux millions de singles vendus et trois Grammy Awards
pour ces “trois minutes 48 de perfection pop” comme l’écrivit le “Daily
Vault”. Ce premier Top Ten en près de quinze ans est le deuxième
étage de la fusée “Private Dancer”, cinquième album solo enregistré
en deux semaines, le feu vert de Capitol ayant été donné après le
démarrage plus qu’encourageant du single “Let’s Stay Together”.
Culminant à dix millions d’unités vendues, “Private Dancer” est le
plus gros album de Tina, qui renonce à son image sauvage et devient
une diva FM rock, une tendance qui ira en s’accentuant jusqu’à
culminer avec “Foreign Affair” et son single “The Best”, produit par
Dan Hartman.
Le “New York Times” ira jusqu’à considérer que l’album “Private
Dancer”, avec sa production british plus apaisée que celle de ses
précédents disques, était un game changer de l’époque et marquait
“une évolution dans la musique pop soul”. “Sa voix fait fondre le Tina Turner et Mick Jagger
vinyle”, écrit le “Los Angeles Times”. “Une libération personnelle et
une rédemption sonique”, affirme le site “Slant Magazine”. Cette fois,
c’est sûr : la chanteuse synonyme de nostalgie sixties quelques mois
auparavant est devenue un poids lourd de l’industrie. Elle le restera “C’était une belle
époque pour
jusqu’à sa mort.

La suite
est une histoire de chiffres moi parce que
je découvrais
1985 démarre en bombe avec le “Private Dancer Tour” qui durera
onze mois. 177 concerts, dont 60 en Europe et 105 aux USA avec une
incursion derrière le rideau de fer, à Budapest. Avant de se lancer
dans cette tournée du comeback de la décennie, Tina a fait un saut
chez les Kangourous pour devenir Aunty Entity, l’impitoyable amazone
cougar qui règne sur Bartertown dans le troisième chapitre de la saga
la liberté”
dystopique post-apocalyptique réalisée par George Miller, “Mad Max
Beyond Thunderdome”. Pour ce premier gros rôle (elle n’avait qu’une It’s Only Rock & Roll But I Like It”, avec arrachage de la mini-jupe
chanson dans le film “Tommy”), Tina s’investit à fond, notamment en cuir de Tina par un Mick priapique et torse nu, la laissant en body
Photo Paul Natkin/ WireImage/ Getty Images

en se rasant totalement le crâne afin de mieux poser son immense
perruque. Elle s’en sort en mode hystérique face à un Mel Gibson
imperturbable et signe un nouveau hit single avec la chanson du
film, “We Don’t Need Another Hero (Thunderdome)”, et en bonus la
chanson d’ouverture “One Of The Living”, confirmant définitivement
qu’elle avait abandonné les rivages du R&B pour s’aventurer dans
l’océan de la pop grand public. Juillet 1985 : Tina participe au Live
Aid et retrouve le cri primal des débuts face à un Mick Jagger en
remplaçant idéal d’Ike, le couple duettant sur “State Of Shock/
bondage avec bas résille, pour la plus grande joie du public planétaire
assistant à ce méga-concert.
“Break Every Rule” en 1986 navigue entre le rock policé et la grande
variété, avec des chansons écrites par David Bowie ou Bryan Adams
et des guests comme Phil Collins, l’ex-batteur chauve de Genesis.
La suite est une histoire de chiffres, de gros chiffres : cinq millions
de copies vendues la première année, douze semaines numéro 1
en Allemagne, une tournée sponsorisée par Pepsi-Cola battant
tous les records de rentabilité dans treize pays dont la France et

JUILLET 2023 R&F 057

Tina Turner
Tina Turner et David Bowie
Tina renonce à
son image sauvage
et devient une
diva FM rock
l’Allemagne, avec huit concerts à Munich devant 120 000 fans et
800 000 Teutons au total pour les quarante shows qu’elle y donna
(“L’Allemagne a toujours été spéciale pour moi”, déclara-t-elle).
Rien que pour cette tournée annoncée comme la dernière (elle
faillit s’appeler “The Last Tour”), soixante millions de dollars sont
engrangés, un record mondial d’affluence est atteint pour son show
à Rio (180 000 spectateurs), le tout pour une set-list où les seuls
souvenirs des années Ike étaient les deux classiques immarcescibles
“Proud Mary” et “Nutbush City Limits”.
Cartons et records
La chenille redémarre en 1990 avec “Foreign Affair”, septième solo
et nouveau carton grâce au très radio friendly “The Best”, qui aidera
058 R&F JUILLET 2023
Hot Tina
Tina a toujours aimé partager la scène avec ses amis artistes.
En 1975, elle est l’invité de Cher dans “The Cher Show”,
durant lequel les deux chanteuses en robes lamées reprennent
“Shame Shame Shame”. Pour le show “Divas Live 99”, elle
retrouve une nouvelle fois Cher (avec Elton John au piano)
pour “Proud Mary”, qu’elle reprendra à soixante-dix ans
avec Beyoncé. 1981 : Tina rejoint Rod Stewart sur scène à
LA pour “Hot Legs” et “Get Back”, plus Kim Carnes sur
“Stay With Me”. A l’ancienne, Tina est accueillie par Chuck
Berry pour “Rock & Roll Music” à Los Angeles en 1982.
En 1985, c’est avec le Canadien Bryan Adams qu’elle
interprète “It’s Only Love”. Après le duo Live Aid, Tina
retrouve Mick Jagger sur scène pour la reprise du titre de
Robert Palmer, “Addicted To Love”. En 1986, elle chante avec
Eric Clapton “Tearing Us Apart”, sur son album “August”
et sur scène pour le concert du Prince’s Trust. En 1987, elle
chante “634-5798” avec le bluesman Robert Cray. Rejointe
sur scène en 1988 par David Bowie pour un “Tonight”
d’anthologie, avec Tim Cappello, maître sax au look Mad
Max pour le solo, Tina fait chavirer la foule. “I will love
you til I die, I will see you in the sky tonight.” Elle chantera
également “Let’s Dance” avec le Thin White Duke, un medley
de son hit eighties et du classique éponyme de 1962 écrit
Jim Lee et repris par les Ramones. En 1998, c’est avec Eros
Ramazotti qu’elle exécute “Cose Della Vita” et “The Best”.
l’album à atteindre des sommets stratosphériques : six millions de
ventes mondiales, un numéro 1 britannique (une première), six
singles à succès, et bien sûr une tournée (ne jamais croire un artiste
qui annonce sa retraite, un vieux truc qui date de Sarah Bernhardt,
première spécialiste des dernières tournées à répétition) qui va
battre le record des Rolling Stones en Europe avec quatre millions
de spectateurs.
En 1991, l’entrée au Rock And Roll Hall of Fame d’Ike & Tina a lieu
sans elle (on peut comprendre pourquoi), et sans lui (il est en prison),
et c’est Phil Spector qui remplace le duo pour la remise du trophée.
Deux ans plus tard, Tina est vengée de ses années d’humiliation par
Ike avec le film “Tina” (le titre français de “What’s Love Got To Do
With It”, “Peu Importe L’Amour” en québécois). Angela Bassett
l’incarne avec conviction tandis que Laurence Fishburne se régale
en monstre marital qui ressemble à un méchant dans un James Bond.
En 1995, Tina chantera, sur une musique de Bono et The Edge, le
thème du 17ème film de 007, “GoldenEye”. Juillet 2000, elle annonce
lors du show à Zurich qu’elle quittera la scène à la fin de la tournée,
pour bien sûr revenir, en mode Sarah Bernhardt, avec le “Tina! 50th
Anniversary Tour” de 2008, juste après son numéro aux Grammy
Awards en duo avec Beyoncé.
Bouddhiste depuis les seventies, elle rencontre en 2005 le dalaï-lama
en Suisse, où elle s’est installée en 1994, abandonnant sa nationalité
américaine. En 2016, le diagnostic de son médecin est sans appel :
cancer de l’intestin, qu’elle tente de traiter par l’homéopathie.
Mauvaise idée. Tina s’inscrit au programme de suicide assisté Exit
International, mais son mari Erwin Bach lui fait don d’un rein en 2017.
Photo Dave Hogan/Getty Images
Tina meurt le 24 mai 2023 dans sa maison de Küsnacht à l’âge
de 83 ans, quelques années après ses deux fils biologiques, Raymond
Craig et Ronnie, qui épousa Afida Turner en 2007.
Jusqu’au bout, Tina Turner aura incarné à la perfection cette formule
de Mae West : “You only live once but if you do it right, once is enough”
(“On ne vit qu’une fois mais si on fait ça bien, une fois c’est suffisant”). H

Telecaster tranchante,
voix envoûtante, rythmique racée
Ce groupe va devenir énorme.
Romy Vager a trop de talent,
de style, de charisme, ça n’est
pas possible autrement. Bon,
il faut garder à l’esprit qu’en
1972, quelqu’un a dû écrire la
même chose d’Alex Chilton. On
a vu comment ça a tourné. Donc
méfiance. Mais on ne cite pas le
leader de Big Star au hasard. En
écoutant une merveille comme
“You’re The Reason”, on ne peut
que penser à “Kanga Roo” ou à
“Holocaust”. Le versant final et
déliquescent mais superbe de
Big Star, donc. Si tout se passe
bien, RVG va rétablir le règne
du rock’n’roll inspiré sur toute
la planète, faire du XXIème siècle
une époque formidable, pleine de
guitares étincelantes et de paroles
émouvantes. Venger Tom Verlaine,
Peter Perrett, Alex Chilton et tous
nos amis. On peut rêver, non ? Si ça
se passe mal, ce groupe va devenir
culte, c’est-à-dire n’intéresser que
quelques rock critics déplumés
piste aux étoiles JJJJJ incontournable JJJJ excellent JJJ convaincant JJ possible J dans tes rêves
RVG
“Brain Worms”
fire records
sentant la vieille chaussette, qui
se rendront tous les ans à Petit Bain
pour s’auto-congratuler au milieu
d’une salle vide. Si vous voulez
éviter ça, précipitez-vous sur ce
disque. Il est magnifique comme
tous ceux qu’on aime depuis
toujours, à la fois triste et lumineux,
agressif et mélodique, touchant et
intelligent. Les textes au vitriol
parlent d’amours qui dérapent, avec
un délicieux mélange d’humour et
de méchanceté. Oui, comme ceux
de Ray Davies ou de Lou Reed.
“If you think I’m strange, you
ain’t seen nothing yet!” (“Tropic
Of Cancer”). Il n’y a pas de secret,
Romy nous déclarait lors de la
sortie de l’album précédent, il y a
trois ans : “J’aime plein de choses
différentes, comme les Sisters
Of Mercy, et beaucoup de trucs
des Kinks. J’aime l’écriture de
chansons intelligente. Je ne dirais
pas que j’admire des gens, mais
je reconnais un bon texte quand
j’en vois un. Et j’adore Big Star !”
Disque du Mois
Plus près de nous, on évoquera
Placebo, un autre groupe bourré
de talent (la voix nasale de Romy
n’étant pas sans évoquer celle de
Brian Molko), ou Pulp, carrément...
Les meilleurs, quoi. Et la musique !
Telecaster tranchante, voix
envoûtante, rythmique racée,
petits contre-chants obsédants
de synthé mono, tout ici est
miraculeux. Dès le premier titre,
“Common Ground”, on est happé
par un vrai son de groupe, un sens
des mélodies qui tuent et cette
voix incroyablement expressive.
“Midnight Sun”, plus rageur, est
fabuleux : “Yeah I know/ That talking
to you/ Doesn’t work/ Anymore/
So I don’t”. Il y a du Dylan 1965
là-dedans. Pas dans le son, bien
sûr, mais dans l’esprit, dans le
sens de la formule vacharde. “It’s
Not Easy” est encore meilleur, avec
toujours cette façon d’accrocher
l’auditeur dès les premiers accords
de guitare carillonnants — qui
évoquent carrément les fantastiques
groupes français de l’époque post-
punk, Suicide Romeo et Modern
Guy, que Vager n’a évidemment
jamais entendus — et les premiers
mots crachés : “For a minute now/
Let’s not talk about you!” Sur
“Tambourine”, on ne sait plus si
on pense aux guitares de Roger
McGuinn, de Johnny Marr ou de
Tom Verlaine... Peu importe, on est
résolument dans la cour des grands.
Les Smiths ? Oui, bien sûr, mais en
mieux, parce que plus accrocheur,
plus mélodique. “Brain Worms”,
le titre, déborde d’une énergie
communicative : cette musique
est à la fois totalement jouissive,
désespérée, rebelle et salutaire.
Il y a longtemps qu’un groupe
ne nous avait pas donné envie
d’envoyer de grands coups de
pied dans tout ce qui bouge...
Le précédent album, “Feral”, était
un excellent disque. Celui-ci est un
chef-d’œuvre. On vous aura prévenu.
✪✪✪✪1/2
STAN CUESTA
JUILLET 2023 R&F 061
Disques pop rock
Cory Hanson
“Western Cum”
drag City
Compagnon de route de Ty Segall,
Cory Hanson, chanteur et guitariste
de Wand, ni suiveur, ni facile à suivre,
mais impossible à lâcher fait partie de
ces enfants bâtards de la power pop,
du grunge et de la lo-fi, mais à une
époque où la bâtardisation est célébrée
comme la seule authenticité possible.
Hanson sera donc tout le contraire d’un
traditionaliste, mais pas davantage un
touche-à-tout post-moderne. Pas le
genre d’artiste qui peut changer d’un
disque à l’autre sans jamais que ça
n’ait l’air d’un exercice de style mais
au contraire d’une vision qui s’affine,
s’étend, s’épanouit et ne connaît que
très peu de limites. Le paradigme de
base reste guitaristique. Après les
splendeurs de “Pale Horse Rider”
il y a trois ans, un disque qui trouvait
le point d’équilibre entre “Either/ Or”
d’Elliott Smith, “Mutations” de Beck
et une imagerie cow-boy du désert,
le western revient ici avec plus de...
sève disons, pour euphémiser poliment
le titre de l’album. Hanson a “ressorti
les guitares”, comme on dit quand il y
a des riffs et de la distorsion à la place
(ou en plus) des jolies ballades, mais
le paysage majestueux est toujours là,
désert et vallées en survol, croisant
doubles guitares planantes à la Thin
Lizzy (donc à la Wilco de “Sky Blue
Sky”), reliefs accidentés (“Housefly”),
gouffres film noir (“Ghost Ship”),
vents tièdes du soir (“Twins”) et
une hypothèse de prog-sudiste
presque épuisante, quand les plages
se mettent à déployer leurs vagues
instrumentales sur cinq, six, voire
dix minutes (“Driving Through
Heaven”). Un clash/ crash des
réalités bien résumé lorsque le
tonnerre hardcore de “Persuasion
Architecture” s’efface soudain sans
prévenir pour laisser place à une
éclaircie de cosmic country bucolique.
✪✪J1/2
Léonard haddad
062 R&F JUILLET 2023
Noel
Gallagher’s
High Flying
Birds
“Council Skies”
SOUR MASH records
Une part non négligeable de l’emploi
du temps de Noel Gallagher consiste
à raconter des craques aux micros
qu’on lui tend. Mais s’il lui arrive de dire
n’importe quoi sur de nombreux sujets
(sur le jazz par exemple : “Quatre gars
sur scène qui jouent chacun un morceau
différent, dans des tonalités différentes,
sur un tempo différent”. Et l’on prétend
que Liam est l’idiot de la famille !, c’est
surtout au sujet de sa carrière solo
qu’il radote le plus volontiers, répétant
depuis dix ans à chaque sortie qu’il
s’agit de “certaines des meilleures
chansons qu’il ait jamais écrites”,
là où, à quelques exceptions près, sa
production hésite entre bonne grosse
pop mainstream gentiment pompière
(“Chasing Yesterday”, tellement mauvais
qu’on en réhabiliterait presque “Be Here
Now”) et expérimentation pas toujours
concluante (“Who Built The Moon”), avec
en prime des textes faisant rimer “Magic
Love” avec “Stars Above”. Cette fois
pourtant, on peut le croire sur parole.
Bien que les arrangements de cordes
de Rosie Danvers y soient pour beaucoup,
les morceaux les moins chargés (“Pretty
Boy”, bien servie par la guitare de Johnny
Marr, “Easy Now”, la plus Oasis du lot)
prouvent qu’ils n’ont rien de cache-misère.
Sur “Council Skies”, au rythme
vaguement bossa nova, Gallagher
montre qu’il sait toujours construire un
vrai titre pop sans repomper ses influences
habituelles. La voix est étonnamment
supportable, beaucoup moins geignarde
que par le passé (“Dead To The World”,
très belle ballade avec accordéon et
glockenspiel). Si le Mancunien retombe
parfois dans ses travers — “We’re Gonna
Get There In The End”, inévitable morceau
Covid qui s’enfonce dans le sirop jusqu’au
cou —, ce quatrième disque s’avère
autrement plus excitant qu’une
hypothétique reformation d’Oasis.
JJJ1/2
Vianney G.
Nicholas
Allbrook
“Manganese”
Spinning Top/ Modulor
En une dizaine d’années, Nick Allbrook
s’est construit une image de musicien
excentrique débordant d’idées qu’il
balance de façon désordonnée sur des
albums psychédéliques volontiers barrés.
C’est en particulier le cas avec Pond,
son groupe principal qu’il mène depuis
2009 au gré de ses inspirations dans
un formidable kaléidoscope d’influences
qui vont du rock progressif au krautrock
en passant par le disco. S’il touche
parfois au génie, Allbrook s’éparpille
et se perd parfois dans des choix de
production (trop ?) audacieux. C’est
en cela que “Manganese” diffère de
ses autres productions : sous son nom
propre, Allbrook décide ici de laisser
parler les mélodies en ne les enrobant
que d’un discret vernis new wave.
Synthétiseurs, batteries numériques
et lignes de basse proéminentes
viennent appuyer des chansons pop
directes qui dépassent rarement les
quatre minutes. L’ensemble se révèle
d’une beauté et d’une élégance rares,
de l’ouverture “Commodore” qu’on se
surprend à siffloter dès la deuxième
écoute, aux ballades introspectives telles
que “The Endless Jetty” ou “Babbel” qui
se taillent la part du lion dans cet album
au romantisme exacerbé. “Manganese”
est un disque où Allbrook cesse de se
cacher et affiche ses émotions à cœur
ouvert. L’inspiration derrière la plupart
des chansons ici est la disparition d’une
amie proche qu’il évoque dans des
textes qui traitent le sujet de la maladie
et du cancer en particulier. Produites
avec finesse (certaines instrumentations
sont sublimes), “Jackie”, “Manganese”,
“Vale The Chord” sont des hommages
magnifiques sur lesquelles Allbrook
fait preuve d’une classe immense.
JJJJ
Eric Delsart
Pete
International
Airport
“It Felt Like The End
Of The World”
LITTLE CLOUD RECORDS
Construit comme une hésitation entre
la parodie et le pastiche, le disque
s’ouvre magistralement sur “Sea Of
Eyes”, avec des tourneries vocales à
la Paul Banks. Voici un titre qu’Interpol
essaie péniblement d’écrire depuis
dix ans. Ce nouvel album de Peter
Holmström, fruit de nombreuses
collaborations, montre une capacité
d’analyse extraordinaire de ce qui fait la
magie d’un groupe. “Commercial Eyez”,
véritable cri d’amour à Skinny Puppy,
fait du pied sous la table à “Tormentor”,
issu du chef-d’œuvre “Too Dark Park”.
Ici, les choses sont beaucoup moins
effrayantes mais on retrouve de nom-
breux éléments indus sur la plupart des
morceaux. Rachel Goswell de Slowdive
chante sur le superbe “Next Of Kin” et
l’impressionnant “Fluid Flex”. La basse
hypnotique est comme une ancre dans
le ressac de textures dont on ne ressort
pas indemne. Le titre suivant, “The
Watermark”, claque méchamment sur
la tête avec son côté Underworld vintage
à peine planqué et assez jouissif. On
croit d’abord entendre un titre inédit de
TV On The Radio aux premiers vers de
“Out Past The Razor Wire (Sigh, Sigh,
Sigh)” ou “The Thoughts You Won’t
Think”, chanson la plus pop de l’opus.
La batterie semble toujours légèrement
passée au papier de verre pour enlever
la brillance et ne laisser aucune couleur
criarde. “Tic Tac”, merveilleusement
chantée, dessine un paradis virtuel
post-fin du monde. On pourrait presque
y voir la princesse délivrée par le célèbre
plombier moustachu. “Tout est illusion/
Personne ne peut m’attraper/ Je ne suis
pas ici” (“No Blindfold”, en français
dans le texte). Le fabuleux grand final
instrumental “Il Canto Della Polena”,
emprunte, fort heureusement, davantage
à Steve Reich qu’au “Number 9” des
Scarabées, et clôt l’album avec maestria.
✪✪✪✪
BRIAG MARUANI

Geese
“3D Country”
Partisan RECORDS
Qui aurait cru que ce “3D Country”
éclipserait à ce point son prédé-
cesseur ? On craignait un album
pour happy few, férus de math rock
ésotérique comme d’autres le sont de
théologie médiévale, à la virtuosité un
peu vaine, comme le deuxième Black
Midi. Mais les jeunes New-Yorkais de
Geese ne sont pas seulement érudits
(en interview, ils sortent des phrases
du genre : “Quand j’avais onze ans,
j’ai découvert Todd Rundgren”), mais
également ambitieux et lucides.
Autant “Projector” était sérieux, autant
ce nouvel album est une pure et
réjouissante couillonnade. S’il fallait
monter une rivalité en épingle (“Black
Midi/ Geese : la guerre des nerds”), on
pourrait dire qu’il s’agit de la réponse
américaine à “Hellfire”, à ceci près que
les bases n’en sont pas les mêmes.
L’album s’ouvre sur “2122”, sorte de
country rock dégénéré au chant pseudo-
macho parodique, avant un virage
vers un bordel assez indescriptible.
La méthode générale pourrait être
résumée comme suit : prendre un
genre et le saccager. Le titre éponyme,
digne du meilleur de Twin Peaks, et
“I See Myself” se présentent comme
une caricature de soft-rock suave,
chantée avec la même outrance par un
Cameron Winter qui s’en donne à cœur
joie, “Undoer” débute jazzo-déglingo
avant de se conclure sur des hurlements
de putois, tandis que “St Elmo” est
une chanson de saloon à la basse
proéminente et aux paroles maniaques
(“Omala, let’s make love to cancer”,
etc.). L’excellente “Crusades”, seul
morceau à rappeler leurs origines new-
yorkaises, fait figure à côté de sommet
de normalité. Rien de naturel là-dedans,
mais tout cet artifice se sublime pourtant
dans le pur plaisir du jeu. Un peu à la
manière du mémorable “Cave World”
des Viagra Boys l’année dernière, ce “3D
Country” ouvre une voie pour l’avenir.
JJJJ
Vianney G.
Queens Of
The Stone Age
“In Times New Roman”
Matador/ Beggars
Sur la pochette du nouvel album
des Queens Of The Stone Age, un
personnage à moitié loup-garou
est ceint de bras de monstres. Sur
“Villains”, c’était un diable qui posait ses
mains sur le visage de Josh Homme et
sur le précédent, “ ...Like Clockwork”,
un vampire qui embrassait un
personnage féminin. Cela fait désormais
trois albums qu’il file la métaphore :
Josh Homme lutte contre ses démons.
Mais ceux-ci sont cette fois d’une nature
sentimentale. “In Times New Roman” est
un disque de deuil et de tourments. Perte
de proches (Mark Lanegan, membre
occasionnel du cirque QOTSA), divorce,
violence, manipulation. Sa séparation
avec Brody Dalle fait les choux gras
de la presse à scandale qui se plaît à
dresser un portrait lamentable des deux
musiciens. La douleur, la rancœur,
habitent les chansons de l’album. Il
règne une tension qui s’exprime sur des
morceaux sombres (“Sicily”) où la seule
fantaisie porte sur des titres en forme
de mots-valises, comme “Obscenery”,
contraction de “obscene” et “scenery”
(paysage), ou “Emotion Sickness”,
jeu de mots sur l’expression “motion
sickness” (mal des transports, qui
devient ici “mal des émotions”). Homme
propose un album à la production
brute où les chansons sont souvent
construites sur des riffs alambiqués et
des textes à la colère froide (“Emotion
Sickness”, “Negative Space”). S’il envoie
des titres nerveux comme “What The
Peephole Say” et “Papier Machete”,
assez typique de ce qu’on attend d’un
disque des Queens, le groupe fait
montre d’une certaine sophistication,
comme sur “Obscenery”, à l’étonnant
break de violons, ou le formidable single
“Carnavoyeur” où Homme croone une
de ses mélodies les plus poignantes
sur un lit de cordes soyeuses. Un bijou
noir pour un disque majeur du groupe.
JJJJ
Eric Delsart
King Gizzard
And The Lizard Rancid
Wizard “Tomorrow Never Comes”
“PetroDragonic Apocalypse;
Or, Dawn Of Eternal Night:
An Annihilation Of Planet
Earth And The Beginning
Of Merciless Damnation”
Flightless
A peine a-t-on fini de digérer les trois
(copieux) albums que King Gizzard a
sortis au mois d’octobre dernier que
revoici déjà le groupe avec une nouvelle
proposition. Comme toujours avec eux,
le jeu est le même : quel genre musical
exploreront-ils cette fois-ci ? Si l’album
polka n’a pas encore été annoncé et
que le groupe ne semble pas (encore ?)
s’intéresser au soft rock ou à la cold wave,
son incroyable versatilité n’interdit pas ces
options. Avec son titre formidablement idiot
et sa pochette dessinée, on s’attendait à
des élans progressifs mais c’est du côté
metal que le groupe vient à nouveau puiser
l’inspiration pour son vingt-quatrième
album (oui). En 2018, “Infest The Rats
Nest” les avait déjà vus verser dans le
thrash avec brio. A l’époque, le projet
avait été pour le groupe d’oser se frotter
à la musique de son adolescence, qu’il
regardait avec une certaine révérence.
L’expérience leur a tellement plu qu’ils
remettent ça avec un disque qui puise son
inspiration encore une fois chez Overkill et
Metallica (“Super Cell”, “Converge”) mais
se montre plus aventureux. Ça joue vite,
c’est puissant, Stu Mackenzie utilise sa
voix de poitrine la plus angineuse. C’est
du heavy metal à l’ancienne, mais c’est
aussi indubitablement un disque de King
Gizzard. Ce qui est manifeste à l’écoute
de cet album, c’est que les membres du
groupe aiment sincèrement cette musique
et ne sont pas dans le pastiche. L’album
incorpore des éléments thrash mais
s’échappe dans des plans progressifs
typiques du groupe (comme sur “Motor
Spirit” qui se transforme à mi-chemin
en jam cosmique). C’est ce qui en fait
la beauté. Pas besoin d’être amateur
de musiques extrêmes pour apprécier
ce disque qui devrait ouvrir les portes
du heavy metal à de nombreux fans.
JJJ1/2
Eric Delsart
epitaph
S’il est possible d’apprendre de
ses parents, il est aussi possible
d’apprendre à partir de sa propre
expérience. C’est ce qu’a fait Rancid
pour mettre en boîte la pile d’énergie
positive qu’est son dixième album.
Loin d’être un retour aux sources
orchestré par un quelconque marketing
ou une crise d’adolescence sur le tard,
“Tomorrow Never Comes” est le résultat
d’une réflexion adulte sur un monde en
pleine déliquescence. Pour faire passer
le discours, Rancid utilise une méthode
qui fonctionne : des titres simples
et efficaces, des textes sculptés dans
du slogan massif facile à capter même
au plus profond du pit, des rythmiques
musclées qui vont de A à Z sans passer
par la case orchestration et, surtout,
une puissance de frappe signée Brett
Gurewitz qui laisse peu de chance
au groupe de succéder à Bono pour
le Prix Nobel de la Paix. En moins
d’une demi-heure et seize morceaux,
le groupe envoie un sacré coup de
genou positif dans les gencives de
son public. Le seul point négatif de
l’album est qu’il est tellement réussi
qu’il est impossible de ne pas tendre
l’autre joue. Exit le ska, reggae et
compagnie, et place à un punk rock où
tout est dit en deux minutes, voire moins.
Pour porter le message, la voix de Tim
Armstrong est l’antithèse de Farinelli.
Ce n’est plus du chant mais de
la menace physique brillamment
secondée par les organes de Lars
Fredericksen et Matt Freeman pour
des chœurs de footballeurs qui donnent
envie de tout casser. “Show up on the
line, get ready to fight, Run the streets
and seize the night”, depuis la réforme
des retraites, c’est exactement ce que
la jeunesse veut entendre. Meilleur
titre : tous. On peut passer à côté
de sa vie mais pas de cet album.
JJJJ
Geant Vert
JUILLET 2023 R&F 063
Disques pop rock
Grian Chatten
“Chaos For The Fly”
partisan records
Alex Turner, Miles Kane ou encore
Peter Doherty avaient montré que les
rockers les plus turbulents peuvent
rêver de mélodies nacrées et de
fastueuses orchestrations. Il semble
que ce soit aussi le cas de Grian
Chatten, meneur des Irlandais post-
punk de Fontaines DC. C’est en se
promenant dans le décor grisâtre
de Stoney Beach, station balnéaire
désenchantée située au nord de Dublin,
que notre fella a trouvé l’inspiration. Il
a dès lors saisi sa guitare acoustique
pour coucher quelques ébauches,
enluminées ensuite avec son mentor
Dan Carey, chargé de donner vie aux
sons entendus lorsque son regard
se perdait dans l’écume. L’éminent
producteur s’en tire à merveille : il offre
à ces neuf compositions mélancoliques
un écrin parfait, fait d’arrangements
baroques sublimes (cordes, cuivres),
de claviers délicats, de rythmiques
discrètement synthétiques. “The Score”
est une ouverture minimaliste qui donne
le ton de l’album, tout entier teinté
d’un spleen tenace qui inonde aussi
l’émouvante “All Of The People” ou la
planante “East Coast Bed”. Les violons
s’invitent dès “Last Time Every Time
Forever”, bâtie sur une ligne de basse
lugubre. “Fairflies” est d’une splendeur
rare, ode à la solitude au refrain
mémorable qui s’achève sur un air
gitan. Puis Grian entonne, en duo avec
sa compagne Georgie Jesson, la plus
apaisée “Bob’s Casino”, ornée d’une
joviale trompette. Enfin, “Season For
Pain”, qui rappelle un peu Kurt Cobain,
est une chanson de rupture pleine
d’acrimonie, s’achevant sur un motif
de piano obsédant. Loin de son registre
habituel, Grian Chatten se révèle comme
un songwriter au talent éblouissant.
Au point d’éclipser Fontaines DC ?
JJJJ
JONATHAN WITT
064 R&F JUILLET 2023
Squid
“O Monolith”
warp records
Assis sur un corn-flake, attendant
qu’un bus arrive, tant de bonne musique
passe devant nos yeux, très originale,
très travaillée, mais l’on se demande
parfois ce que ça change. Squid sort
un deuxième album avec l’idée de
se dépasser, de se transformer,
de se transcender. Avant, c’est
du passé et “O Monolith”, cet album
du dépassement, montre que chaque
mue est un goulot d’étranglement. Il
y a des merveilles ici. “Siphon Song”,
sa suite d’accords que n’auraient
reniés ni Malkmus ni Bermann, et
cette fin, ces chœurs avant que l’on
ne dépasse le mur du son. “After The
Flash”, sa deuxième partie en envol,
les basses qui rampent sous la terre,
et en point d’orgue qui donne pour
horizon la dissonance, le désordre et
la déliquescence. Il y a le groove de
“Undergrowth” et son solo no-wave à
plusieurs instruments, mais il y a bien
des horreurs également. Squid aime
être lyrique, Squid aime être violent,
mais sans nécessité. Quelle nécessité ?
Où est la nécessité ? Quel est-ce groupe
dont le problème semble si compliqué
alors qu’il pourrait être très simple ?
Un manque d’humour ? Une faiblesse
de goût dans les mélodies, de
discernement sur ce qui est lourd et
ce qui est fort ? Un chanteur parfois
mauvais ? Tout comme Crack Cloud
à qui il fait parfois penser, Squid
semble avoir une envie énorme, et
tombe d’aussi haut qu’il vise. Ils ont
raison : les grands groupes n’ont pas
été que de la musique, ils ont eu un
impact culturel énorme. Mais quelle
serait une société dessinée selon la
musique de Squid ? Oh, monolithe...
JJJ
Thomas E. Florin
Meshell
Ndegeocello
“The Omnichord Real Book”
Blue Note Records/ Universal
Première signature de Madonna quand
elle lança son label Maverick au siècle
dernier, Meshell est désormais une
artiste Blue Note, mais son nouvel
album n’est pas pour autant du jazz
classique, loin de là. Dès les premières
mesures de “Georgia Ave” (featuring
Josh Johnson) rythmées par une boîte
à rythmes à l’ancienne, on retrouve
l’originalité de Meshell, artiste exigeante
qu’on n’avait pas entendue depuis 2018,
année de sortie de son album de reprises
“Ventriloquism”. Ici, les compositions
sont originales, et Meshell fait partie
de ces artistes qui ont profité de la
pandémie pour se plonger dans le
son. “Ce fut une belle période pour
moi” déclare-t-elle, et la teneur de
ces dix-huit compositions accueillant
de multiples invités le confirme, qu’il
s’agisse de l’instrumental “Omnipuss”
ou du très réussi “Gatsby”, sur lequel
on entend Joan As Police Woman et
Cory Henry. Si l’on perçoit parfois de
la tristesse dans les chansons de cet
album brillant, c’est aussi parce qu’il
a été conçu après la mort des parents
de Meshell, qui confie porter en elle le
blues de sa mère. “Elle m’a transmis
sa douleur”, explique-t-elle. Les
mélodies sont aériennes, des pianos
mélancoliques (“The Fifth Dimension”
avec le trio vocal The Hawplates)
côtoient des guitares acoustiques
(“Call The Tune”), on passe d’un tempo
lent à des accélérations soudaines, le
tout enrobé dans des arrangements
élégants qui font de ce disque un
bel exemple de musique mutante, ni
vraiment jazz ni complètement soul, à
la croisée des genres. “The Omnichord
Real Book” est le nouveau témoignage
musical d’une femme libre qui sait allier
instruments et machines pour provoquer
l’émotion sans jamais oublier le groove.
JJJ
Olivier Cachin
Portugal.
The Man
“Chris Black Changed My Life”
ATLANTIC
Après leur tube insensé de 2017
— tiré d’un album costaud, mais que
ce succès a quelque peu occulté —,
les Alaskiens, libres dans leur caboche,
concernés par les troubles, mais bien
décidés à ne pas subir le sort que
réservent les décisionnaires de tous
poils, sont de retour avec une neuvième
galette pop rock sans filet, en lévitation
magnétique, à l’image de la voix de
John Gourley, leader naturel. Plaquée
comme ses accords introductifs,
“Heavy Games” démarre classique,
puis “Grim Generation” groove, à la
Stax, jusqu’au refrain, scotchant et
gospel. “Thunderdome”, ludique dans
son agencement, profite d’une mélodie
et d’arrangements aux petits oignons
que Black Thought (Tariq chez Jimmy
Fallon) pimente grave. “Dummy”,
pour ricaner sombre, “Summer
Of Luv”, magistralement produite
par Jeff Bhasker et “Ghost Town”
— qui enfonce le même clou au
milieu du front — préparent le ciel
pour le bouquet final (le disque est court,
mais dense). “Time’s A Fantasy”, puis
“Doubt”, prêchent le faux et récoltent
le vrai. Gourley, comme si Wings avait
bossé avec Phil Spector, s’y vide l’âme
à la petite cuillère, mais moins que dans
“Champ”, sorte de kermesse volante
au ralenti, transcendée par ce singe
en hiver d’Edgar (Winter). Comme
les dernières minutes de “Abbey
Road” (oui, carrément), celles qui
clôturent ce chef-d’œuvre sont épiques.
“Anxiety:Clarity”, la pièce (re)montée,
met le feu à tous les chandeliers
et Paul Williams, qui croit aussi
en PTM, y va de son speech de
prophète savant. Ode à la fin
d’un monde par des gamins venus
du froid, la chanson réchauffe
le corps, le cœur et des larmes
que, du coup, on peine à ravaler.
✪✪✪✪J
Jerome Soligny
Matthew
Logan Vasquez
“As All Get Out”
Nine Mile RecordS
Le type fait comme on fait au XXIème
siècle. Il se multiplie. Il joue en groupe
(Delta Spirit), en side project, il fait des
EP, des singles, des featurings, il est
partout. A chaque fois, on le reconnaît
à sa façon toute personnelle de gueuler
mélodique, oxymore qui fait souvent le
charme du bon rock’n’roll. Le revoilà en
mode solo, avec son nom savoureux,
quelque part entre Ritchie Valens pour
la touche latino, Bruce Springsteen pour
le geste prolo sombre aux confins de la
ville et Neil Young pour la guitare cheval
fou. Commencé lo-fi, l’aventure Delta
Spirit avait tourné power pop furibarde.
Depuis, MLV a touché les sommets au
moins trois fois, avec groupe (“Into The
Wide”, 2014), sans (“Solicitor Returns”,
2015) ou au sein de Middle Brother
(une coloc magistrale avec les leaders
de Dawes et Deer Tick en 2011)
hurlant à chaque fois sa musique
comme si sa vie en dépendait, ce qui
est probablement le cas. Le nouveau
prolonge le cours d’une carrière de
soldat rock à la fois épique et humble,
glorieuse mais sans grade, glorieuse car
sans grade. On retrouve les mélopées
acoustiques tartinées d’écho et de
mellotron comme dans un disque
de folk pastorale de 1974 (“Shawna”),
les power ballads (“Long Lines Of
Lovers”) dignes de l’autre “Wish
You Were Here”, celui de Badfinger
(encore 1974), une lennonerie funk
baveuse nommée “Holiday” très
“Walls And Bridges” (1974 toujours),
du Mott... 1974 (“Can You Turn Me
Up”), du potache Nilsson (“I Found
A Reason”, tout droit sorti de “Pussy
Cats,” un disque de devinez quand),
les rythmes castagnettes (le fulgurant
“Untouchable” d’ouverture), un quasi-
remake de son quasi-tube “California”
(“Over It”) et une pépite de pathos
élégant (“Recognize”) qui vaut à elle
seule une demi-étoile supplémentaire
à la fin de cette chronique.
✪✪✪J
Léonard haddad
Swans
“The Beggar”
mute/ pias
Une écoute rapide et on se dit
que l’affaire est pliée : un premier
morceau, “Paradise Is Mine”, de
près de dix minutes, qui tourne
toujours pareil, sur lequel le mec
chante légèrement faux, avec une
étonnante absence de sens mélodique.
On nous dit : “Attention, groupe
mythique, post-punk, expérimental”.
Genre d’argument censé nous clouer le
bec. On nous dit aussi : “Les textes !”
A tout ceci, on a envie de répondre :
“Bof”. On apprend des mots anglais
rares, ça c’est sûr. Mais sinon... Scènes
horribles, apocalyptiques, comme dans
“Los Angeles: City Of Death” — par
ailleurs le seul titre relativement court,
les autres font tous entre six et onze
minutes. Le flow de Michael Gira est
sans imagination, monolithique, presque
ânonné... Fatigant, pour tout dire. Il faut
faire une pause entre chaque morceau,
pour sauver sa peau. Ça sonne parfois
comme des Doors un peu ratés. Avec
un Jim Morrison hors service. Qui répète
les mêmes litanies obsédantes, proches
de la transe, lentes, longues. Et puis...
Le doute s’installe. Et si c’était beau ?
Hiératique, apparemment immobile,
mais justement, hallucinatoire,
enveloppant. En fait, c’est un peu
la messe. Noire, certes. On écoute
l’album précédent. C’est pareil. Celui
d’avant. Idem. Continuité conceptuelle,
aurait dit Frank Zappa. Par contre,
par rapport aux Swans des débuts,
champions du bruit, de la violence,
des batteries enclumes et des textes
hurlés, tout est beaucoup plus calme,
harmonieux, presque joli. Le fameux
gant de velours... Si on avait fait écouter
ce disque à un fan des Swans en 1983, il
aurait probablement eu un haut-le-cœur.
Mais aujourd’hui, il continue à soutenir
ce groupe — reformé — qui n’a plus
rien à voir avec sa première incarnation.
Les fans sont des gens étonnants.
✪✪✪
STAN CUESTA
JUILLET 2023 R&F 065
Disques classic rock
Bob Dylan
“Shadow Kingdom”
columbia/ sony Music
Rendons grâce au ciel, nous vivons
en même temps que Bob Dylan. En
2021, pour fêter ses quatre-vingts
printemps, il enregistre un concert
filmé diffusé... quarante-huit heures
sur une plateforme ! Aujourd’hui,
il sort ce qui n’en est pas vraiment
la BO : aucun crédit, tout aurait été
rejoué en studio, etc. Ça n’a aucune
importance, le résultat est fantastique.
Le Grand Homme décide ici de ne pas
réinterpréter ses titres les plus connus et
c’est passionnant. La période couverte
est la meilleure — il le sait. De “Bringing
It All Back Home” (1965), il joue “It’s
All Over Now, Baby Blue”. De “Highway
61 Revisited” (1965) : “Tombstone
Blues” (lent, épuré, un couplet en
moins), “Queen Jane Approximately”
(superbe) et “Just Like Tom Thumb’s
Blues”. De “Blonde On Blonde” (1966) :
“Pledging My Time” et “Most Likely
You Go Your Way (And I’ll Go Mine)”.
Rien que ça, c’est merveilleux. Plus
“The Wicked Messenger” et “I’ll Be
Your Baby Tonight”, extraits de “John
Wesley Harding” (1967), aujourd’hui
considéré à sa juste valeur. Ajoutons
“To Be Alone With You” (“Nashville
Skyline”, 1969), “Forever Young”
(“Planet Waves”, 1974), et “What
Was It You Wanted” (“Oh Mercy”, 1989),
presque incongru mais totalement à
la hauteur des classiques précédents.
Le tout sans batterie, avec beaucoup
d’accordéon, de mandoline, de guitares
et d’harmonica, dans une ambiance de
cantina bringuebalante à la “Pat Garrett”,
que vient renforcer l’instrumental inédit
final, “Sierra’s Theme”. Les tempos sont
ralentis, les textes (souvent modifiés)
mis en valeur et Dylan chante bien !
Enfin et surtout, deux titres rares,
“When I Paint My Masterpiece” et
“Watching The River Flow”, initialement
enregistrés en 1971 avec un groupe
incroyable dirigé par Leon Russell,
livrés ici en version brute, terrassante.
✪✪✪✪
STAN CUESTA
066 R&F JUILLET 2023
Gov’t Mule
“Peace… Like A River”
Concord
On imagine combien l’ordre des
morceaux de ce long album (plus
de soixante-seize minutes) a dû
occasionner des maux de tête à
Warren Haynes, le leader de la Mule.
Lequel a fini par trancher : placer en
ouverture les titres les plus ambitieux.
Les moins évidents, aussi. Autant
prévenir le fan rassuré par le précédent
épisode dédié au blues (celui-ci fut
enregistré au cours des mêmes
sessions) : ce douzième album
part dans une tout autre direction.
Déroutante. On peine un peu, avouons-
le, à retrouver ses petits dans le premier
morceau, “Same As It Ever Was”, puis le
troisième, “Made My Peace”, plombés
en outre par leur lourdeur mélodique.
Entre les deux, “Shake Our Way Out”,
avec Billy Gibbons, s’apparente à un
boogie débonnaire plus immédiat,
mais pas si simple non plus. Passé
son premier tiers, “Peace... Like A
River” est un album bien plus direct,
qui compte de nombreuses réussites :
“Dreaming Out Loud” et “Just Across
The River”, imbibés de soul/ funk
graissé par les cuivres, les ballades
“Your Only Friend” et “Gone Too Long”,
“Head Full Of Thunder” et “After The
Storm” poussés par leurs excellents
riffs, “The River Only Flows One Way”,
où Billy Bob Thornton psalmodie tel Tom
Waits. La section rythmique est toujours
aussi souple, Warren Haynes toujours
aussi juste dans ses interventions de
guitare. Gov’t Mule s’est formé voici
presque trente ans. La façon dont le
groupe n’a cessé d’élargir son spectre
est en soi un accomplissement. Et
même si cette expansion produit ici
une œuvre déconcertante de prime
abord (une paire de morceaux aurait
dû être retranchée), l’ambition de la
démarche, après tant d’années, est à
porter à son crédit, indubitablement.
✪✪✪1/2
Bertrand Bouard
Vintage
Trouble
“Heavy Hymnal”
cooking vinyl
Depuis sa formation en 2010 à
Los Angeles, et l’autoproduction
cette année-là de “The Bomb Shelter
Sessions”, Vintage Trouble, managé
par Doc McGhee, renforce sa bonne
réputation en multipliant les premières
parties prestigieuses (Rolling Stones
inclus), les passages dans les grands
festivals (Coachella, etc.) et les plus
fameux shows télévisés (Jools, Jay
Leno)... Même les publicitaires les
adorent ! En 2015, Don Was produit
“1 Hopeful Rd.” pour Blue Note.
Après s’être chargé de “Juke Joint
Gems” (2021), le groupe au personnel
multiracial inchangé rejoint le label
britannique Cooking Vinyl. Dans “Heavy
Hymnal”, Ty Taylor (chant), Nalle Colt
(guitare), Rick Barrio Dill (basse)
et Richard Danielson (batterie) restent
fidèles à une approche mariant soul,
rock et pop grâce à un chanteur
costaud, un couple basse/ batterie
acéré, des interventions inventives,
des chœurs omniprésents... Bien que
pourvues de mélodies, la majorité des
compositions se caractérisent par un
rythme nerveux. Sur un riff clair, se
greffent la voix, la guitare et/ ou un
clavier, et des ingrédients choisis
pour enrichir une production qui
reste sobre, fuzz et wah-wah (solos
de “You Already Know”, “Feelin’ On”) ;
chœurs soul (“Not The One”) ; voix
de Lady Blackbird (“The Love That
Once Lingered”) ; claquements de
mains (“Baby What You Do”) ; effet
de cordes (“Alright Alright”) ; bruits de
conversations (“Repeating History”)...
Chaque fois le but est atteint. Bien que
les paroles reflètent souvent les tensions
sociales, récentes ou anciennes, chez
Vintage Trouble, l’élégance dans la
présentation — les quatre sont
toujours tirés à quatre épingles ! —
n’est pas un gimmick publicitaire,
mais bien le reflet d’une manière
d’envisager l’art et la vie.
✪✪J
Jean-William THOURY
Ben Harper
“Wide Open Light”
Chrysalis / modulor
Dans la foisonnante discographie de
Ben Harper, il nous est arrivé à plus
d’une reprise de perdre le fil… surtout
lorsque celui-ci reliait une guitare à un
amplificateur. En rocker, Harper n’a
jamais convaincu. “Wide Open Light”
est d’une tout autre trempe, comme
la continuation de ses deux premiers
albums parus au milieu des années
1990, avant le virage électrique du
troisième qui lui permit d’asseoir sa
notoriété dans son pays, les Etats-Unis,
quand le blues folk des débuts avait
essentiellement conquis la France.
Tout ici est acoustique, et il est difficile
de ne pas penser que c’est dans ce
contexte que le talent de l’homme de
Claremont, Californie, s’épanouit le
plus. L’album s’ouvre et se termine
par deux instrumentaux de toute
beauté, le premier faisant la part belle
à son fingerpicking, le second, tout en
tressaillements, évoquant une ville de
l’Ouest où voletteraient les tumbleweeds
poussés par les vents. Entre les deux,
Harper hisse son songwriting à un
niveau qu’on ne soupçonnait pas :
la pureté mélodique de “Wide Open
Light”, un “Trying Not To Fall In Love
With You” ressuscitant Nina Simone, où
il s’accompagne au piano, le duo très
Everly Brothers “Yard Sale” avec son
pote Jack Johnson, “One More Change”
et ses chœurs gospel qui transcendent
en finesse le refrain, “Giving Ghosts”,
où la guitare slide double la mélodie
à la manière des blues ancestraux...
La plupart des chansons reposent sur
le duo guitare acoustique/ voix, mais
Harper s’autorise les enluminures,
une guitare slide, hispanique,
une contrebasse, une section
rythmique sur “Love After Love”...
Un travail d’orfèvre pour un album
qui a tout d’un aboutissement.
✪✪✪J
Bertrand Bouard
Hollywood
Vampires
“Live In Rio”
earmusic
Depuis son arrivée sur Terre, Johnny
Depp a le rock’n’roll chevillé au corps.
Après des débuts bien galères en tant
que guitariste, il est obligé de passer par
la case cinéma pour se faire connaître.
En 2015, il fait partie des joyeux élus
qui démarrent le supergroupe Hollywood
Vampires en compagnie de Joe Perry
et d’Alice Cooper. Entouré d’une paire
de Guns N’ Roses à la rythmique et
d’une kyrielle d’invités célèbres, le trio
donne dans la reprise-hommage aux
ex-gloires du rock et consorts vaincus
par l’alcoolisme. Si deux albums et
quelques concerts arrivent à concrétiser
le projet, ce dernier est rapidement
plombé par la vie privée de l’immense
Jack Sparrow qui connaît un divorce
difficile avec l’actrice Amber Heard,
et alors que la planète rock a profité des
différents confinements pour enregistrer,
l’acteur-guitariste a, lui, consacré
l’intégralité de son temps libre à
plaider sa cause devant un tribunal
californien. Une fois ce préambule
terminé, il est possible de comprendre
pourquoi le nouvel enregistrement des
Hollywood Vampires est un concert
enregistré à Rio de Janeiro le 24
septembre 2015. On y retrouve donc
la fine équipe pour un show très looké
années quatre-vingt (grebo, Lords Of
The New Church...). A l’exception
de “Raise The Dead”, le disque est
uniquement composé de reprises
d’Alice Cooper et l’ensemble se
défend plutôt bien malgré l’absence
d’un contenu vraiment inédit. Notons
quand même des moments plus
inspirés que d’autres, comme ce
“Cold Turkey”, où le groupe chante
des lendemains pas forcément au top.
JJJ
Geant Vert
Lucinda
Williams
“Stories From
A Rock’n’Roll Heart”
Highway 20 records/ thirty tigers
Nul autre titre n’aurait pu mieux
convenir à cet album rageur de
Lucinda Williams. Alors que celle-ci
publie également une autobiographie
pleine d’indiscrétions, “Don’t Tell
Anybody The Secrets I Told You”
(Crown), on mesure à quel point
cette fabuleuse songwriter s’impose
comme une conteuse de premier
plan. Des histoires rock’n’roll, voilà
des décennies qu’elle en écrit en
chansons. Autant son précédent opus,
“Good Souls Better Angels”, pouvait
lasser par un engagement trop évident
ou téléphoné, autant “Stories from A
Rock’n’Roll Heart” ravit par son entrain
et son efficacité. Une incroyable énergie
que personne n’attendait traverse tout
l’album, coproduit par Tom Overby, son
mari-manager qui veille de près sur sa
protégée. Après un terrible accident en
2020 qui l’empêche encore à ce jour de
rejouer de la guitare, Lucinda Williams
revient en force entourée d’invités
prestigieux : Bruce Springsteen et
Patti Scialfa qui illuminent les
puissants “My New York Comeback”
et “Rock’n’Roll Heart”, Angel Olsen,
Margo Price, Buddy Miller, Tommy
Stinson des Replacements et aussi Steve
Ferrone, le batteur des Heartbreakers.
“Stolen Moments” rend d’ailleurs
hommage à Tom Petty qui avait fait
appel à Lucinda pour ouvrir ses tout
derniers concerts à l’Hollywood Bowl
en 2017. L’intéressée a toujours
refusé les expressions passe-partout
d’americana et d’alt-country, dans
lesquelles elle ne s’est jamais
reconnue — à raison puisque le
spectre de sa musique recouvre
différents territoires. Cet album
en constitue une preuve manifeste
et confirme que Lucinda Williams a
encore quelques secrets à nous confier.
JJJJ
Charles ficat
Motörhead
“Live In Montreux
Jazz Festival ‘07”
bmg
Depuis sa disparition en 2015, Lemmy
Kilmister manque au paysage. Afin
de se rappeler une époque bénie où
les abus étaient tous les bienvenus, la
vénérable institution suisse qu’est le
Festival de Jazz de Montreux vient de
faire très fort en ouvrant les archives
de Claude Nobs. L’objet du délit est
l’intégralité du concert donné par
Motörhead le 7 juillet 2007 alors que
le cuirassé venait de s’ancrer sur les
rives du lac Léman. Déjà bien rodé par
un peu plus de huit mois de tournée, le
trio affiche une forme éblouissante pour
laminer le public. Point fort de ce disque,
un mixage puissant avec une définition
du son monumental qui rend justice à
la bande à Lemmy. Pour le contenu,
c’est un panachage de titres choisis
au hasard des précédents albums.
Tournée “Kiss Of Death” oblige, trois
titres sont joués avec “Sword Of
Glory”, “One Night Stand” et le très
hardcore-metal “Be My Baby” qui
peut être considéré comme le plus
bel hommage rendu à un marteau-
pneumatique. Des tendres années
du début, seul cinq titres ont survécu
avec “Overkill”, “Metropolis”, “Stay
Clean”, “Ace Of Spades” et la face
B “Over The Top”. Peu enclin à la
nostalgie, ce live s’attache surtout
à survoler l’ensemble d’une carrière
déjà bien remplie. Si la set-list est
plutôt classique, le moment de
bonheur du fan collectionneur sera
la version jamais enregistrée en studio
de “Rosalie”, un titre de Bob Seger
popularisé par Thin Lizzy. Le moment
est aussi l’occasion pour Lemmy de
rendre un vibrant hommage au bassiste
et chanteur Phil Lynott, un de ses héros.
Avec ce titre inédit enfin officialisé,
c’est aussi l’occasion d’oublier le
bootleg enregistré à Dublin en 2006.
JJJ1/2
Geant Vert
Jason Isbell
And The
400 Unit
“Weathervanes”
southeastern/ thirty tigers
Assez peu connu en Europe et en
France, Jason Isbell a vu sa notoriété
exploser aux Etats-Unis au cours de
la dernière décennie. Son précédent
album a fait l’objet d’un documentaire
HBO, et l’homme s’est récemment
vu offrir un rôle dans le nouveau film
de Martin Scorsese, “Killers Of The
Flower Moon”. C’est d’ailleurs sur ce
tournage, entre deux scènes, dans sa
caravane, qu’Isbell a composé plusieurs
chansons de ce “Weathervanes”, dont
“King Of Oklahoma”, si caractéristique
de son approche : guitares tendues,
voire orageuses, déclamation dense
et pointe de lyrisme sur le refrain.
Son groupe, The 400 Unit, à la mise
en son subtile, décuple la puissance
d’évocation d’une écriture ciselée
qui raconte les déchirements intimes
d’une certaine Amérique, celle du
sud-est rural. Difficile, à ce stade,
de ne pas songer à un certain Boss
du New Jersey, lequel n’est pas Tony
Soprano... Si Jason Isbell — également
très engagé politiquement, et également
marié à sa choriste, Amanda Shires —
se différencie de Bruce Springsteen,
dont il est un héritier de plus en plus
évident, c’est dans les racines, qui
lorgnent ici, pour partie, plutôt vers
la country. Pour le reste, Neil Young
ou Tom Petty viennent à l’esprit,
avec aussi quelques surprises, comme
le refrain très Cure de “Save The World”.
On pourra déplorer une gravité de ton
qui rend cet album déconseillé pour
bambocher et oublier la marche du
monde ; l’avant-dernier morceau,
“This Ain’t It”, rencontre entre les
Stones et Skynyrd, fait ainsi regretter
la rareté d’un rock plus léger dans
lequel Isbell sait aussi exceller.
Pour le reste, un must d’americana
panoramique et consciente.
✪✪✪J
Bertrand Bouard
JUILLET 2023 R&F 067
Disques français
Solomon Pico
“Undercover”
cosmic jive records
La pop made in France se porte bien.
On ne parle pas ici des caciques de
la variétoche qui se revendiquent du
disco (en se brêlant lamentablement
les crayons dans les influences et les
références), mais de jeunes artistes
qui, comme Later scruté il y a peu, font
du neuf avec de l’ancien. Oh, ça n’est
pas véritablement un truc d’aujourd’hui
puisqu’en 2000, Phoenix — qui est
forcément le mètre étalon de la nouvelle
garde —, déboulait avec son excellent
“United” : un premier album moderne
réalisé par des gamins inspirés qui
savaient ce qu’ils devaient à leurs
prédécesseurs. Solomon Pico s’inscrit
dans cette tradition de groupes (parfois
des one-man bands...) qui considèrent
que composer de chouettes mélodies
sur des suites d’accords les moins
banales possible, jouées avec de vrais
instruments, reste une belle initiative.
Des musiciens pour qui arranger une
chanson tient de l’orfèvrerie et qui,
bien qu’influencés par les maîtres
d’avant, essaient de tirer leur épingle
du jeu en y allant de leur touche
personnelle. Or donc, si on apprécie
tout ça, il n’est pas facile de résister
aux onze titres de cet Antoine qui
bosse avec ses copains (dont un
batteur qui l’a aidé pour le mixage)
et propose une pop grand-angle
défendue en anglais (il a sévi outre-
Manche par le passé), ouverte sur
un avenir qu’il sait certainement
compliqué. Truffées de détails
jouissifs (les lignes de basse, les
touches de synthé sur “Joanna”),
d’une musicalité plus qu’honorable,
“Dream On”, “Save Me”, “Underwater”
ou “Here We Are”, à défaut d’être des
tubes de l’été pour des programmateurs
radio souvent frappés d’hypoacousie,
seront très certainement ceux du nôtre.
✪✪✪J
Jerome Soligny
068 R&F JUILLET 2023
French Boutik
“Ce Je Ne Sais Quoi”
milano
C’était en 1964, ils se tapaient
dessus pour des options vitales : BSA
ou Lambretta ? Le temps a passé et,
aujourd’hui, fort heureusement, tous
roulent côte à côte en direction de
Brighton. Là, ils peuvent parler de leur
passion commune, la musique...
Tout de même, chacun des deux styles
véhicule toujours une certaine idée
de ce qu’il faut pour avoir la classe,
le style. French Boutik a choisi son
camp : mods ! Constitué de musiciens
français — Serge Hoffman (guitare,
chant), Jean-Marc Joannès (basse),
Gilles François (batterie) — avec un
organiste britannique, Toby Kinder
(ex-Gene Drayton Unit) et une
chanteuse venue de San Francisco,
Gabriela Giacoman, le groupe parisien
déjà responsable de “Front Pop” (2016)
et “L’Ame De Paris” (2019), tourne
intensément outre-Manche tandis que
sort son troisième album. Le choix du
titre général, “Ce Je Ne Sais Quoi”,
est symptomatique, l’expression
faisant partie de celles que les
anglophones connaissent en français
dans le texte. Le mariage des deux
cultures... Même si, musicalement,
French Boutik a su dépasser le stade
de l’admiration béate des inspirateurs
(toute une galaxie, évidemment),
Serge Hoffman, principal signataire,
conserve l’idée que ses chansons,
comme celles de Ray Davies, doivent
refléter le monde dans lequel il vit,
sans oublier ce qu’il convient d’ironie :
“Premier De Cordée” (philippique
anti-Macron qui avait préalablement
inspiré “Le Mac”), “Au Flamingo”,
“L’Humanité”, “Samsung Partout”...
Produit par Andy Lewis, ancien DJ
du Blow Up, l’album charme par sa
vivacité et la permanente recherche
d’un break, un pont ou une sonorité
(comme un solo de flûte par Suzanne
Shields) pouvant enrichir les morceaux.
✪✪✪
Jean-William THOURY
Christine Pascal
And The Queens Comelade, Ramon Prats,
“Paranoïa, Angels, True Love”
because Lee Ranaldo
Cette superproduction indique-t-elle
que Chris — Redcar a succombé à la
folie des grandeurs ou témoigne-t-
elle d’une volonté de se ressourcer
en arpentant d’autres territoires ?
En annonçant “le second volet d’un
geste opératique”, en alignant sur près
de quatre-vingt-quinze minutes vingt
morceaux répartis en trois ensembles,
en déclinant le concept d’un processus
de deuil articulé autour de l’expérience
autobiographique de la perte d’un
amour et de sa mère, il est évident
qu’il n’a pas sacrifié à la facilité.
Le virage anglophone amorcé
précédemment est maintenant
acté, puisque, à part quelques
bribes révélatrices (“Qu’est-ce que
tu veux que je te dise en français ?”),
un seul titre (“Aimer, Puis Vivre”) renoue
avec cette appétence pour la chanson
décalée qui avait assuré la réussite
de son premier album et lui permet
d’exorciser sa solitude (“Tu me l’as
promis que je ne serai jamais seul/
Et pourtant je suis seul”). Dommage
quand on constate alors combien il a
le sens de la formule qui fait
mouche : “Et j’irai partout où mon
cœur chavire”. Mais ce changement
linguistique correspond à une volonté
de s’internationaliser et d’aller au
bout de ses rêves, tout comme la
collaboration artistique avec Mike
Dean (Beyoncé, Lana Del Rey) ou,
pour trois duos, la participation
de Madonna, notamment sur le très
réussi “Angels Crying In My Bed” où
son récitatif succède à la performance
vocale cristalline de Chris — Redcar.
Ce dernier délaisse totalement
l’option dance pleine de peps
qui le vit triompher, il calme le
jeu et privilégie rythmes lents et
mid tempo, au risque d’engendrer la
lassitude malgré des atmosphères
prégnantes (“Big Eye”) et des
moments exquis (“True Love”).
JJJ
H.M.
“Velvet Serenade”
Staubgold
Au départ, il y a cette somme
incontournable sur le Velvet
Underground, “Linger On”, publiée
l’année dernière, signée par Ignacio
Julia, rédacteur en chef de “Ruta 66”,
fleuron de la presse rock espagnole.
Pour sa sortie, Julia a l’idée d’un concert
et du flair, contacte Comelade, pense
initialement à Thurston Moore, dont le
label, Ecstatic Peace!, publie l’ouvrage,
invite le batteur de jazz crossover
Ramon Prats. Moore indisponible,
c’est Lee Ranaldo, alors en tournée
européenne, qui officiera. Ultimatum
de Comelade : une seule date. Le
choix des titres est établi, Lee apporte
une composition, “Lou’s Blues”, on
organise une répétition, et le trio joue
finalement en avril 2022, à Banyoles
près de Gérone. Il a pour le moins
le duende, dès l’ouverture sur “All
Tomorrow’s Parties” où le piano de
Comelade évoque l’impressionnisme
d’un Keith Jarrett avant de tourner
motorik sur un “What Goes On”
frénétique. Climax époustouflant sur
“I’m Waiting For The Man”, drainant
subtilement l’héritage de Sonic Youth,
suivi d’une version ahurissante du
complexe “Ocean”, précédant le final
en apesanteur sur “Femme Fatale”.
Devant le résultat, décision est prise
illico de graver cette unique prestation.
Raph Dumas, vieil acolyte de Comelade,
assure le mastering, avant de confier
ce bijou à l’excellent label allemand
Staubgold (To Rococo Rot, Vivien
Goldman, Flying Lizards), dirigé par
Markus Detmer, qui en 2003 a pris
ses quartiers à Perpignan. Exit toute
nostalgie, c’est un chef-d’œuvre !
✪✪✪J
ALEXANDRE BRETON
Marlow Rider
“Cryptogenèse”
Bullit
Du rockabilly qu’il adore et connaît
à fond, Tony Marlow conserve
l’instrument emblématique, la
contrebasse, pour entreprendre une
aventure à la Mountain, Blue Cheer,
James Gang, BBA, etc. Adolescent, il
a aimé et joué cette musique. Power
trio sur une base heavy blues tendance
psyché, Marlow Rider s’annonce avec
“First Ride” (Rock Paradise, 2021)
et enfonce le clou avec un deuxième
album dans les mêmes teintes. Tony
Marlow (chant, guitare), Amine Leroy
(contrebasse) et feu Fred Kolinski
(batterie) ne reculent devant rien,
allant jusqu’à convoquer les grands
esprits, les prophètes du genre,
Cream et Jimi Hendrix Experience,
en interprétant “Sunshine Of Your
Love” et “Highway Chile”... Gonflé ?
Certes ! L’hommage prend la forme
de l’évocation avec “Hard Drivin’
Rock’n’Roll”, à la Led Zeppelin énervé.
Si la première moitié est en anglais,
l’album a la noble particularité de
présenter toute une face en français,
ce qui incite Tony Marlow à se révéler
de manière encore plus personnelle.
Sans jamais utiliser le mot concept,
disons que les textes des six morceaux
évoquent sa trajectoire, de la Belgique
à la Corse (“Le Grand Voyage”), les
premiers concerts (“Pielza Eden”), la
montée à la capitale (“De Bruit Et De
Fureur”), les nuits agitées (“Eclectic”),
l’amour (“Comme Un Cran D’Arrêt”
avec la complice Alicia F.), le deuil
(“Le Temps Efface Les Blessures”).
Autre rocker de Montreuil, Seb le
Bison (patron du label Bullit) assure
la production, au studio Cargo, avec
tout le talent nécessaire à la réussite
de l’entreprise, partageant une philo-
sophie que souligne par ailleurs une
pochette signée Tristam De4.
✪✪✪
Jean-William THOURY
La Caravane
Passe
“Hôtel Karavan”
budde music/ SONy
Pour célébrer ses vingt ans, La
Caravane Passe offre, en guise de
gâteau d’anniversaire, un album qui
revisite des chansons puisées dans sa
consistante discographie (dont le plus
réussi, “Nomadic Spirit”, est également
le plus récent). Mais bien plus qu’un de
ces best of avec invités de circonstance,
c’est l’occasion pour le quintette
d’affirmer son ancrage cosmopolite
en réunissant une flopée de musiciens
dont il se sent proche : des chanteuses,
des chanteurs et des musiciens
originaires du Brésil, de Hongrie,
du Cameroun, d’Algérie ou de Turquie,
mais aussi des Français adeptes de
la même ouverture multiculturelle,
de Sanseverino à Tryo en passant
par La Rue Ketanou ou Mouss
& Hakim et la figure tutélaire du
regretté Rachid Taha. Malgré une
longueur excessive sans doute due
à une volonté trop démonstrative, la
réussite de l’entreprise réside dans
le constat qu’il n’y a rien d’artificiel
dans ces collaborations pléthoriques :
en proposant de nouvelles versions,
elles mettent en évidence l’authenticité
d’une démarche qui prône un melting-
pot musical fédérateur puisant avec
une joie de vivre communicative
aussi bien dans le hip-hop que
dans le rock, les rengaines populo,
les airs tziganes, le jazz manouche ou
les rythmiques africaines. Elles affirment
le talent d’un groupe qui s’est bâti un
répertoire digne de ce nom grâce à sa
musicalité exigeante et à un chanteur
enjôleur. En parant les morceaux de
bravoure de nouvelles résonances
grâce à des envolées musicales
enthousiasmantes, elles soulignent
la force de chansons où les textes
habiles sont boostés par des mélodies
imparables, comme “Frog Fiesta”
(avec la fanfare Ekrem Mamutovic
Orkestar), “Baba” (avec Rachid Taha),
ou “J’Bivouak” (avec Mehdi Nassouli).
JJJ
H.M.
JUILLET 2023 R&F 069
Réédition du mois

européaniste (voir son album solo, “Euroman
Cometh”), Hugh Cornwell, après l’expérience
de “Cruel Garden”, dans lequel il fricotait avec
le jazz manouche de Django Reinhardt, souhaitait
donner plus de place aux guitares acoustiques, si
possible espagnoles, Burnel jouant de la basse de
manière beaucoup moins agressive que ce à quoi
il nous avait habitués. Par-dessus quoi allaient se
télescoper les synthés d’un Dave Greenfield très
inspiré, et la batterie électronique de Jet Black,
une première pour le groupe. L’album devait être
épuré, intimiste, calme. La raison est peut-être
plus simple : Cornwell et Burnel fumaient alors
beaucoup d’héroïne, qui n’est pas exactement
une drogue excitante. D’où ces morceaux durant
lesquels on peut presque les visualiser piquer du
nez. Dans un livre d’entretiens avec un journaliste
avec lequel il détaille l’intégralité du répertoire du
de l’époque, assure les chœurs de “Paradise” avec
la chanteuse de Polyphonic Size que Burnel avait
produite, l’intro de “All Roads Lead To Rome”
est directement empruntée à celle de “Chercher
Le Garçon” de Taxi Girl, la mélodie de “Midnight
Summer Dream”, magnifique, a été trouvée par
le bassiste, et Cornwell, comme sur tout le reste
de l’album d’ailleurs, y chante à merveille. “Let’s
Tango In Paris” (l’amour du chanteur pour les jeux
de mots ne l’a heureusement jamais perdu) semble
échappée d’un “Barry Lyndon” new wave, et le
disque s’achève avec deux beautés, “Blue Sister”,
dont Cornwell est très fier car elle le fait penser aux
Doors, et “Never Say Goodbye”. Cette splendeur
du début des années quatre-vingt ressort avec
les mêmes bonus que la réédition de 2001, mais
pour ceux qui ne l’ont pas, le son est parfait pour
mettre en exergue un mélange inédit de froideur

The Stranglers groupe jusqu’à son départ, Cornwell spécifie que

durant l’enregistrement de l’album, chaque membre
des Stranglers était très amoureux. “Feline” est par
“feline” conséquent un disque assez rêveur et romantique.
BMG (Import Gibert Joseph) La petite amie du bassiste, Anna von Stern,
piquée à un célèbre journaliste de rock français
(les synthés, les batteries) et de chaleur (les
guitares acoustiques, la basse). Après cela,
les Stranglers allaient connaître d’autres succès,
mais plus rien ne sera jamais aussi fort qu’avant.
Nicolas Ungemuth

Plus rien ne sera jamais

C’est donc il y a quarante ans. Les Stranglers
vivaient la fin d’une extraordinaire période de
créativité. Il y eut les deux premiers albums,
punk, mais pas comme les autres disques punk,
puis le disque pivot “Black And White”, le suivant,
extraordinaire, “The Raven”, prenant encore plus
aussi fort qu’avant
ses distances avec les origines de 1977, ensuite
“The Gospel According To The Meninblack”,
grand album incompris, et finalement “La Folie”,
sauvé par deux tubes sortis en single à l’époque,
“Golden Brown” et “Strange Litte Girl”. Auréolés de
ce succès, les Stranglers pouvaient changer de label
et signer chez CBS, la maison des Clash, l’une des
grandes majors de l’époque. Qu’allaient-ils faire ?
Un album sidérant, qui n’avait une fois de plus rien
à voir avec ce qu’ils avaient pu faire au préalable.
En 1983, “Feline” a été un choc. Beaucoup l’ont
adoré — le disque a connu un succès inespéré en
France où on n’a pas toujours mauvais goût —,
d’autres n’ont rien compris et se sont sentis trahis.
Ce fut le cas du punk parisien “Fuck”, qui s’est fait
démonter à La Mutualité par Burnel après l’avoir
provoqué depuis le début du concert. Etre punk
en 1983, franchement, quelle idée, aussi ? Les
Stranglers, donc, avaient pour habitude, comme
Photo Paul Natkin/ Getty Images

les plus grands, de ne jamais faire deux fois le même

disque. Mais avec “Feline”, la surprise fut encore
plus grande qu’avec “The Gospel According To The
Meninblack”. Le concept, car les Stranglers, même
en déconnant, étaient très conceptuels, était de se
pencher sur la Méditerranée après avoir abordé The Stranglers, Chicago, avril 1983
les pays nordiques. Burnel était en plein trip

070 R&F JUILLET 2023

 Rééditions par Nicolas Ungemuth

Vénéré par beaucoup de gens de goût

“Slip Inside This House”) sont
évidemment au rendez-vous, mais
ce sont les morceaux de “Bull Of The
Woods”, débarrassés des parties de
cuivres dont le groupe ne voulait pas,
qui prennent enfin leur envol. On y
entend un Roky méconnu, tendre,
grand chanteur délicat qui n’envoie pas
la purée comme sur les deux premiers
albums, sur des compositions plus
nuancées. Excellent travail (et bel objet)
pour un groupe qui a été vénéré par
beaucoup de gens de bon goût, des
Cramps aux Jesus And Mary Chain.
de 1971 le frustrait. Seuls les amateurs
pourront dire s’il est meilleur ou non
que l’original. Pour le reste, “A Space In
Time” est assez sympathique, mais au
rayon chansons, c’est un peu la pénurie.
Chris Spedding
“The RAK YEARS”
Cherry Red (Import Gibert Joseph)
Lorsqu’on parle de guitar heroes anglais
des années soixante-dix, Chris Spedding,
l’antithèse d’Alvin Lee, s’impose
comme l’un des plus grands.

Ten Years After

“a space in time”
Chrysalis (Import Gibert Joseph)

Il y a forcément des lecteurs de

Rock&Folk qui trouvent Ten Years
After épatant, donc signalons cette
réédition d’un album intéressant car
truffé de guitare acoustique, contenant
le morceau “I’d Love To Change The
World” devenu un petit classique. Chris
Kimsey, proche d’Alvin Lee, a réalisé un

13th Floor extraordinaire. Ceux qui l’ont conçue

sont des connaisseurs et ont choisi
nouveau mix de l’album puisque celui

Elevators une version stéréo (car le groupe a

“13th of the best”
Charly (Import Gibert Joseph)
Il faut saluer la maison Charly. Le
label, longtemps notoirement pourri,
a effectué une mue spectaculaire au
début des années quatre-vingt-dix
et s’est lancé dans des rééditions
rivalisant avec le meilleur de Light In
The Attic. Il faut entendre, par exemple,
les nouvelles versions des disques des
Small Faces, supervisées et validées
par le seul survivant du groupe, Kenney
Jones. Et puis il y a eu le catalogue
des 13th Floor Elevators. Le premier
album, puis un coffret réunissant les
quatre, sachant que le troisième est un
faux live et que pour le dernier, il n’y a
que trois titres incluant Roky Erickson.
Il ne s’agit donc plus de morceaux des
Elevators. Mais ces deux rééditions
sorties en édition limitée sont devenues
chères ou introuvables. Pour ceux qui
souhaitent découvrir le groupe texan
dans des conditions optimales, il faut
opter pour cette compilation proprement
enregistré en stéréo) lorsqu’elle est
meilleure que la mono, et inversement.
En ce qui concerne “May The Circle
Remain Unbroken”, chef-d’œuvre de
Roky fermant le bal du dernier album,
“Bull Of The Woods”, ils sont allés
chercher un mix destiné à un single,
mais jamais sorti. Plus clair, légèrement
plus rapide, il livre une somme de
détails sonores prouvant que, des
années avant les Spacement 3,
les Elevators avaient tout inventé.
Comment ces gens ont-ils pu concevoir
pareille musique dès les premiers mois
de 1966, cela reste un mystère. Il y a
bien sûr la violence du garage américain,
mais aussi ce psychédélisme ultra
précurseur (Jefferson Airplane et le
Grateful Dead n’allaient sortir leurs
premiers vrais albums qu’un an plus
tard) qui ne ressemble à aucun autre. Ni
à celui à la mode en Californie, ni à celui
des Beatles de “Revolver”. Les grands
classiques du groupe (“You’re Gonna Miss
Me”, “Roller Coaster”, “Reverberation
(Doubt)”, “I’ve Got Levitation”,

JUILLET 2023 R&F 071

 Rééditions
D’abord, il avait un goût exquis lorsqu’il
faisait sonner sa guitare. Ensuite, le
mercenaire a été employé par les
meilleurs, à qui il a monnayé tout son
savoir-faire, et il n’était pas mince. Le
beau gosse toujours chic s’est exprimé
sur les albums de Brian Eno, John Cale
ou Bryan Ferry, entre autres. C’est
un CV impressionnant, d’autant que
ses employeurs sortaient alors leurs
meilleurs albums. Spedding s’était
lancé dans l’aventure solo dès le
début des années soixante-dix, mais
lui-même affirme que c’est en 1976
qu’il est passé aux choses sérieuses.
Ses deux premiers albums, “Chris
Spedding” et “Hurt”, sont plutôt
réjouissants, avec une esthétique néo
fifties un brin glam, une bonne voix,
et une modestie guitaristique tout
à son honneur (sauf sur le morceau
très novelty “Guitar Jamboree” qui
n’a par ailleurs aucun intérêt). Le
problème de ces grands musiciens
de studio, c’est que généralement,
ils ne savent pas vraiment composer.
C’est le cas de Spedding, qui s’en sort
pas mal tout de même au début, mais
qui se casse la gueule avec “Guitar
Graffiti” (bizarre disque incluant des
titres live) et “I’m Not Like Everybody
Else”, un peu déprimant, comme en
atteste le morceau très amer “Musical
Press”. Pour fanatiques seulement.
A Way
To Make A Living
“the dolly parton songbook”
Ace (Import Gibert Joseph)
Chez Dolly Parton, on ne sait trop ce qui
est vrai. Les cheveux ? Ce qu’il y a sous
la chemise ? Et aujourd’hui, à peu près
072 R&F JUILLET 2023
tout le reste ? Peu importe, une chose
est sûre : on parle d’une immense
compositrice, depuis ses débuts.
La collection de Ace, régulièrement
excellente, dédiée aux reprises de
songwriters anormalement doués,
montre une fois de plus la grandeur
de cette petite femme. “I Will Always
Love You”, que Whitney Houston a
envoyé en haut des charts mondiaux
pendant près de deux ans, a été repris
par plus de 250 musiciens. C’est ici
Linda Ronstadt qui s’en charge, et c’est
très bien. “Jolene” a eu l’honneur de
deux cents versions, ce sont les White
Stripe en live qui revisitent ce morceau
étrange pour l’anthologie en question.
Ce qui reste étonnant, en dehors des
mélodies, c’est son talent de parolière
très singulier pour une chanteuse de
country. Dans “Coat Of Many Colours”,
l’une de ses réussites majeures, elle
raconte comment, enfant, sa mère
lui cousait des manteaux à partir de
différents chiffons, et comment les
enfants se moquaient d’elle lorsqu’elle
allait à l’école. Dans “Down From Dover”
(dynamité par Nancy et Lee, mais
reprise pour Ace par deux anciens
Mekons), elle raconte l’histoire d’une
femme qui s’est fait engrosser par
un homme qui a disparu. La famille
a honte, la bâtarde sera mort-née.
Tremble, Nick Cave... Le reste de
la compilation aligne du beau monde :
Porter Wagoner, bien sûr, Betty Lavette
(pour un album impeccablement titré
“I’ve Got My Own Hell To Raise”), Merle
Haggard qui était fou amoureux de Dolly
mais n’est jamais parvenu à la faire
tomber dans ses rets, Buck Owens,
les Everly Brothers ou Glen Campbell
qui livre une version magistrale
de “Light Of Clear Blue Mountain”.
Une sacrée femme, cette Dolly.
Calexico et ressort en belle version, avec un CD live
qui montre que sur scène aussi, Burns et
“feast of wire”
City Slang (Import Gibert Joseph) Convertino n’étaient pas des débutants.

Quand on a fait partie de l’un des meilleurs

groupes américains pendant une dizaine
d’années, il y a peu de chances qu’on The Mamas
se mette à faire n’importe quoi par la
suite. Joey Burns et John Convertino,
& The Papas
“cass, john, Michelle, dennie”
au sein de Giant Sand, ont participé à Sundazed (Import Gibert Joseph)
une série d’albums impressionnants
(“Storm”, “Rant”, “Swerve”, “Center Le deuxième album des Mamans et des
Of The Univers”, entre autres) ainsi qu’à Papas est naturellement adorable mais
l’excellent projet parallèle plus country, manque de tubes comme “Monday
The Band Of Blacky Ranchette. Un jour, ils Monday” ou “California Dreamin’”.
ont décidé d’abandonner leur collaboration En fait, il manque de grandes chansons
avec le fantasque Howe Gelb ; peut-être tout court, et la reprise intéressante de
son amour du chaos musical les avait-il “Dancing In The Street” des Vandellas
lassés, personne ne sait vraiment. Giant par une Mama Cass très en forme ne
Sand sans Burns et Convertino est devenu réussit pas à changer le constat malgré
nettement moins passionnant, mais Burns les musiciens de la Wrecking Crew
et Convertino sans Gelb ont montré qu’ils (Hal Blaine, Tommy Tedesco, etc.) et la
pouvaient voler de leurs propres ailes, avec production de Lou Adler, grand manitou de
beaucoup de talent. Le projet Calexico a la pop locale en ces années-là. En réalité,
donc été monté, avec un premier album ces Californiens aux voix exquises n’ont
sorti en 1997, et un premier chef-d’œuvre jamais été un groupe à albums, et il serait
un an plus tard, “Black Light”. La presse grand temps de rééditer le coffret de trois
est tombée à genoux, Jean-Louis Murat CD (une longbox, pour ceux qui causent
a voulu travailler avec eux. On comprend le jargon) sorti il y a bien longtemps et
pourquoi. Burns et son acolyte ont eu devenu introuvable. C’est l’idéal pour
une idée parfaitement inédite. Mélanger avoir le meilleur, et pas le superflu. o
leur rock démantibulé (la spécialité de
Giant Sand, toujours équilibriste) à des
influences venues de chez Morricone,
du jazz des films noirs des années
quarante, et des orchestres mariachi qu’ils
connaissaient par cœur puisqu’ils venaient
de Tucson, à une centaine de kilomètres
de la frontière mexicaine. Le mélange s’est
révélé fantastique, et les deux hommes
aussi bons compositeurs que leur ancien
patron. Les disques de Calexico n’ont
jamais déçu, mais en 2003, le groupe
a sorti l’un de ses meilleurs, “Feast Of
Wire”. Cette beauté fête ses vingt ans

JUILLET 2023 R&F 073

 Réhab’ par Benoit Sabatier

Ignorés ou injuriés à leur sortie, certains

albums méritent une bonne réhabilitation.
Méconnus au bataillon ?
Place à la défense.

“Les journalistes se sont mis à penser

qu’ils auraient l’air plus cool en me dégommant”

Ray Dorset
“COLD BLUE EXCURSION”
Dawn/ Pye

PEUT-ON TIRER LA TRONCHE SI L’ON DÉCROCHE UN DES PLUS sur le même billet que Procol Harum, Black Sabbath, Badfinger, Rod
GROS HITS DE TOUS LES TEMPS ? Ray Dorset a la réponse : c’est oui. Stewart et les Faces, la tête d’affiche, c’est eux. Ray devrait prendre
Quand il est interrogé au sujet de “In The Summertime”, chanson composée des vacances, mais non : le voilà élaborant un projet solo. “Cold Blue
pour son groupe Mungo Jerry, troisième single le plus vendu au monde, Excursion” sort alors que Mungo Jerry écume l’Asie et l’Océanie. Le
30 millions de copies écoulées, numéro un dans vingt-six pays, le chanteur chanteur a enregistré son propre album ? Le public n’en a cure, il réclame
oublie toutes les règles de courtoisie. Obtenir un succès aussi pharaonique “In The Summertime”. Les journalistes se font un malin plaisir à traiter
dès leur premier morceau, en 1970, était-ce un encouragement ou une le disque par-dessus la jambe. Ils écoutent déjà rarement les produits
malédiction ? Réponse : “Je déteste qu’ils chroniquent, alors un Mungo
cette question. Si vous possédez un Jerry, encore moins, et encore encore
minimum d’intelligence, répondez-y moins le caprice solo du clown à rouf-
vous-même”. A chaque concert, vous laquettes — pas la peine de jeter une
devez chanter “In The Summertime”, y oreille là-dessus, on sait d’avance à
a-t-il une lassitude ? “Vous avez réussi quoi ça ressemble : du Joe Cocker
à poser une question encore plus débile, pour enfants, du Johnny Winter
chapeau”. Dorset hait les journalistes, et d’opérette, Creedence Clearwater
il y a de quoi : contrairement au public, version anglaise, naze et nulle. Sauf
les scribouillards ont toujours méprisé que non. Tout faux. On a ici affaire à
son groupe — trop rustaud, jouasse, un surdoué de la trempe des Ronnie
plouc, aucune imagination, aucune grâce. Lane ou Steve Winwood. “Cold
Même leur nom, Mungo Jerry, pioché Blue Excursion” écrabouille tous
dans un poème de T. S. Eliot, leur vaut les disques de Mungo Jerry — la
des sarcasmes. Le plus condamnable genèse de l’affaire étant antérieure au
étant l’incroyable succès de ce morceau groupe. Ray répond à une petite an-
débile célébrant l’été, “Quand le temps nonce, “Recherche formation dans le
est beau, tu as des femmes/ Tu as des style The Doors et Love”, s’en va audi-
femmes dans la tête/ Prends un verre, tionner, joue un de ses morceaux, “Cold
ta voiture, pars en virée”, et son refrain Blue Excursion”. Il est embauché
pas prise de tête, “Sing along with avec trois collègues, ce sera le début
us/ Dee-dee-dee, dee-dee/ Dah-dah- de l’aventure Mungo Jerry. Mais
dah, dah-dah/ Yeah we’re hap-happy”. Dorset estime que cette compo,
Allô, Shakespeare ? La musique, au “Cold Blue Excursion”, et plusieurs
diapason : pas du Stravinsky — du rock chansons qu’il crée au fur et à me-
basique avec des rebuts de blues, sure, ne conviennent pas au style
skiffle, boogie, swamp, ragtime. Alors bonne franquette pratiqué par ses
que Kraftwerk sort son premier album, voilà ces péquenauds provoquer collaborateurs : il se les met de côté. Solo, il peut laisser exploser sa
une véritable Mungomania avec de la feelgood musique au ras des créativité. Pop baroque, rhythm’n’blues orchestral, folk exubérant, gospel
pâquerettes. “Mes pieds n’ont pas eu le temps de toucher le sol. Je n’avais romantique, mélodies épiques, cordes et cuivres hypnotiques, flûtes de
Photo David Warner Ellis/ Redferns/ Getty Images

jamais quitté le Royaume-Uni, je prenais désormais l’avion tous les deux
jours. Nous étions invités à dîner, reçus dans les meilleurs clubs, mangions et
buvions gratuitement autant que nous le voulions. Des gens qui auparavant
me snobaient soudainement se présentaient comme mes meilleurs amis.”
Deux mois plus tard : “Les journalistes se sont mis à penser qu’ils auraient
l’air plus cool en nous dégommant, et les querelles au sein du groupe ont
commencé de tout bousiller.” Ray Dorset n’est pas seulement le frontman,
chanteur, guitariste, multi-instrumentiste, le visage de Mungo Jerry, avec
afro et rouflaquettes impressionnantes : c’est en plus lui qui fournit, sur
leurs trois albums sortis en 1970 et 1971, l’essentiel des compositions.
Dont “Baby Jump”, autre single numéro un en Angleterre. En live,
chambre, arrangements panoramiques, c’est un émerveillement d’un bout
à l’autre — avec comme points d’orgue “Nightime” et “Because I Want
You”. Jamais Arthur Lee n’a pu accomplir une telle échappée solo, avec
un tel souffle. Furieux de cette incartade, et profitant de sa déconfiture
commerciale, les membres de Mungo Jerry tentent de virer leur leader-
compositeur. Malheureusement, le coup d’Etat échoue — ce sont eux
qui se retrouvent éjectés. “Cold Blue Excursion” reste l’unique album
solo de Ray Dorset. C’est rageant — la seule bonne raison pour qu’il tire
la tronche. H
Première parution : janvier 1972

074 R&F juillet 2023

juin 2023 R&F 075
Vinyles par Eric Delsart
Clin d’œil au plus célèbre des lupanars parisiens
Rééditions, nouveautés et 45 tours : le point sur les meilleurs microsillons du moment.
Rééditions
Tame Impala
“Lonerism”
Modular
Il y a dix ans sortait le deuxième album
d’un musicien australien en exil à
Paris. “Lonerism”, ode à la solitude
conçue dans le confinement d’un
appartement du 14e arrondissement
où Kevin Parker entassait instruments,
amplis et machines diverses dans
un grand tourbillon créatif, est tout
simplement un des disques rock les
plus importants du XXIème siècle.
Influent de par sa conception — il
montrait qu’on pouvait très bien faire
de chez soi un album aux ambitions
soniques folles, ouvrant la voie à un
âge d’or du home studio —, il reste
un des opus les plus emblématiques du
renouveau de la musique psychédélique
de ces dernières années, un disque
majeur, beau et influent. Si on a trop
entendu désormais les classiques
“Elephant” et “Feels Like We Only Go
Backwards”, tubes certifiés, le reste
de l’album frappe encore aujourd’hui
par sa créativité et ses prises de
risque. Cette réédition propose sur
un troisième disque des extraits de
sessions un peu bordéliques, ainsi que
les démos de deux morceaux inédits
nommés “Retina Show” (qui sonne
comme du Pond) et “Sidetracked
Soundtrack” (un morceau prometteur
qu’on aurait aimé voir Parker
développer). Par contre, gros regret :
le single “Led Zeppelin”/ “Beverly
Lauren” livré dans certaines versions
du pressage original de “Lonerism”
ne figure pas dans ce coffret. Au prix
auquel sort l’objet (plus de 60 euros
en général), c’est dommage.
Steely Dan
“Countdown To Ecstasy”
Geffen/ Ume
Des Lemon Twigs à Drugdealer,
le soft rock a le vent en poupe en
ce moment, alors quoi de mieux
que de remonter à la source avec les
meilleurs représentants du genre ?
Après “Can’t Buy A Thrill” en fin
d’année dernière, c’est le deuxième
album du duo new-yorkais sorti en
1973 qui revient sous divers formats,
allant du CD au vinyle jusqu’au
délire audiophile (et dispendieux)
du label Analogue Productions. Pour
l’édition vinyle simple, on a droit à
une remasterisation à partir des
bandes originales supervisée par
Donald Fagen himself. C’est encore
un disque de pop, certes saupoudrée
de jazz (notamment sur les soli),
où les mélodies sont reines et
l’exécution impressionnante (“Your
Gold Teeth”, “Pearl Of The Quarter”).
The Missing Souls
“The Missing Souls”
Dangerhouse Skylab
En 2016, avec leur premier album
éponyme, The Missing Souls avaient
mis du baume au cœur à tous les
amateurs de rock garage et soul
vintage. Si le groupe n’existe plus
aujourd’hui (le chanteur-guitariste
Ian Kay a aujourd’hui son excellent
projet solo, la bassiste Zaza Sharps
joue dans les formidables Jack Cades),
son unique album bénéficie d’une
magnifique réédition avec pochette
alternative (à rabats !) et titres bonus
(dont une belle reprise de “You Ain’t
Tuff” des Uniques). Un disque à
connaître pour ses reprises stylées
d’obscurités sixties (“Up There” de
The Scoundrels, “Got To Have Your
Lovin’” de Oscar & The Majestics).
Les Abranis
“Amazigh Freedom
Rock 1973-1983”
Bongo Joe
Le label suisse Bongo Joe, connu
notamment pour ses compilations
de trésors tropicaux (de “Soul
Sega Sa!” à Alain Peters) et ses
découvertes d’artistes psychédéliques
turcs (Altın Gün, Derya Yıldırım
& Grup S,ims,ek) propose un focus
sur Les Abranis, groupe algérien
Photo Bruno Berbessou
des années 70-80. Exilé en France
après l’indépendance du pays qui,
dans un élan nationaliste, voyait
d’un mauvais œil la musique rock,
surtout chantée en kabyle, le groupe
a publié quatre albums entre 1977
et 1983, dont sont tirés les morceaux
rassemblés ici. Le mélange de rock
et de chaabi proposé par les Abranis
sonne formidablement minimaliste
sur les premiers morceaux avec son
clavier lumineux (“Athedjaladde”), puis
prend des détours funky (“Akoudar”)
et même reggae (“Avehri”). Quelques
titres, tel le superbe “Id Ed Was”,
sonnent étonnamment actuels.
“Rendez-vous Chic
Vol. 1 – Champagne
Party Au Chabanais”
Le Pop Club
Derrière ce nom en forme de clin
d’œil au plus célèbre des lupanars
parisiens se cache une magnifique
compilation de morceaux instrumentaux
des années soixante et soixante-dix.
L’accent est ici porté sur les grooves
suaves construits autour de guitares
fuzz, orgues Farfisa et cuivres rutilants.
Si on ignorait qu’Al Kooper savait être
sexy (“Soul Hoedown”), on apprécie
de voir les fabuleux Polonais Niebiesko
Czarni être mis à l’honneur (“Nocny
Alarm”) et on savoure quelques belles
découvertes comme Libre Esprit Moteur
(“Clubman Round-Up”) et Manzanilla
(“Without Reason Or Rhyme”). On
attend le volume 2 avec impatience.
Wampas
“Chauds, Sales
Et Humides”
“Singles 88-91”
Smap
Deuxième album des Wampas,
“Chauds, Sales Et Humides” voyait
en 1988 le groupe mené par Didier
Wampas prendre ses distances avec
le psychobilly de ses débuts, abandon-
nant la contrebasse pour une basse
électrique, et disant symboliquement
adieu au mouvement (“Les Psychos
Tournaient”). Certes, les influences
sont toujours là (“Snuff”, “Quivoron”),
grâce notamment au jeu de guitare de
Marc Police, mais l’avenir du groupe
s’annonçait plus punk. Comme son nom
l’indique, “Singles 88-91” rassemble
des titres de la même époque, tel
l’inénarrable “Touche Pipi”, mais aussi
les envolées surf de (“Surfin’ Colombey”)
et des reprises fun (“Je Suis Un Voyou”
de Coluche et “La Seule”, adaptation
de “She’s The One” des Ramones).
Nouveautés
Hayden Besswood
“Colors And Vows”
Requiem Pour Un Twister/ Wax Buyers Club
Pour son premier album solitaire, le
Nantais Quentin Le Gorrec s’est créé
un alter ego nommé Hayden Besswood,
avec lequel il monte dans son coin des
cathédrales psychédéliques faites
maison. Multi-instrumentiste, il joue
de tout ici, excepté la batterie, et crée
un univers riche où claviers et blip-
blips synthétiques donnent un côté
space à des compositions planantes.
Quelque part entre Jim Noir, Lemon
Jelly et Air des débuts, “Colors And
Vows” est un bel album de pop
aérienne où les mélodies restent
en tête (“Wastin Time Inside”).
Wendy Martinez
“Rivages Du Monde
Flottant”
Le Pop Club/ Belka
Après un beau premier EP (“La
Chevauchée Electrique”), l’album de
Wendy Martinez était très attendu. Cette
chanteuse lyonnaise, qui est une des
vocalistes du groupe psychédélique
Gloria, propose un album plus éthéré
et lumineux que son autre projet,
davantage dominé par les guitares.
Portées par des synthétiseurs discrets
et une basse élastique, les mélodies
douces de Wendy Martinez mettent
en lumière sa voix feutrée, entre
pop rêveuse (“Le Grand Soir”) et
escapades orientalisantes (“Qu’as-
Tu Tu”), pour un album magnifique.
45 tours
Parade
“It All Went Bad
Somehow”
Lollipop
Le morceau “Electric Fear” était un
des plus marquants de l’indispensable
compilation “Nuits Blanches” sortie en
fin d’année dernière. Bonne pioche, le
morceau figure en ouverture du deuxième
EP des Marseillais (quand même riche
de sept morceaux) qui dévoile un groupe
qui a la bonne (et trop rare) idée de
réveiller les fantômes du rock indie des
années 2000. Post-punk sur la forme,
mais pop sur le fond, à l’image de
“Summer Sunset” qui sonne comme un
titre des Paddingtons, “It All Went Bad
Somehow” est une belle surprise. o
JUILLET 2023 R&F 077
Discographisme_68
par Patrick Boudet
On ne juge pas un livre à sa couverture.
Et un album ? Chaque mois, notre
spécialiste retrace l’histoire visuelle
d’un disque, célèbre ou non.
“Go 2”
XTC
Première parution : octobre 1978
L ’arrivée du punk a bousculé
les lignes du business musical.
Et les labels importants, après une longue
période d’hésitation, se sont rués sur tout
ce qui leur semblait punk, new wave…
enfin, différent. Aussi, XTC (comprendre
“ecstasy”) a pu profiter de cette oppor-
tunité en enregistrant son LP “White
Music” (1978) pour Virgin Records.
Presque tout sur cette première pochette
respire la posture punk. Les membres ne
jouent bien évidemment pas le jeu des
jeunes gens sages : corps tordus, regards
dissociés, look vestimentaire noir et blanc
sur fond aussi noir et blanc. Serait-ce la
pochette rêvée par Blondie pour “Parallel
Lines” qui sortira huit mois plus tard ?
Devant cet amas de signes prêtant allégeance
à la cause moderne, Andy Partridge a des
désirs de distinction pour la pochette du
second album. Les poses anticonformistes
ou référentielles, les illustrations trash ou
à slogan ne l’inspirent pas, surtout elles
finissent par sombrer également dans un
conformisme pathétique. Aussi, Partridge
demande à Hipgnosis une pochette qui
serait l’antithèse absolue du produit ciblé
commercialement. Idée déjà à l’œuvre
078 R&F JUIN 2023
dans leur clip de “This Is Pop” où un boucher
découpe des vinyles pour les vendre.
Il est clair que formuler une telle requête
auprès de l’acteur majeur de la conception
de pochette des années soixante-dix et du roi
du marketing est surprenant. Car Hipgnosis
est le créateur de pochettes classieuses et
conceptuelles qui ont marqué les rétines
comme “Electric Warrior” de T. Rex,
“Houses Of The Holy” de Led Zeppelin,
“The Lamb Lies Down On Broadway” de
Genesis, “Venus And Mars” des Wings…
et de presque toutes celles de Pink Floyd.
Storm Thorgerson prend cette commande
pour un vrai challenge qui va lui
permettre de renouer avec l’essence
de la révolution des années soixante,
avant qu’elle ne soit récupérée et
devienne un pur produit de consommation.
Il imagine alors une pochette recouverte
d’un simple texte décrivant scrupuleusement
son travail de designer et les pièges tendus
pour inciter l’auditeur à acheter un disque.
D’abord factuel, “Ceci est une pochette de
disque. (…) Nous espérons attirer votre
attention et vous encourager à le choisir”,
le texte devient cynique, assimilant l’art
de la pochette à un attrape-nigaud procurant
au consommateur du plaisir (le mot est écrit
en capitales), dont la recherche, si précieuse
pour l’homme, est difficilement maîtrisable.
Le texte souligne que l’objectif de ce plaisir
est avant tout de faire gagner de l’argent à la
maison de disques, puis au groupe, renvoyant
l’acte artistique à sa plus triviale condition :
faire des bénéfices. Puis le consommateur,
déjà malmené dans son intégrité, est désigné
comme une “victime” et peut vérifier le piège
dans lequel il s’enlise en poursuivant ou
pas la lecture de ce texte. C’est l’injonction
paradoxale (le “double bind”, cher à l’école
de Palo Alto), soit le lecteur cesse sa lecture
(“Si vous avez l’esprit libre, vous devriez arrêter
de lire maintenant”) et, de fait, il obéit à
l’ordre intimé par le texte ; soit il succombe
au charme de l’entreprise analytique et saisit
les intentions manipulatrices cachées dans
l’esthétisme d’une pochette (“Comment
fonctionne un bon design commercial”).
Cette aliénante prise de conscience est
l’ultime argument commercial puisque,
après tout, l’auditeur est défini d’abord
comme un consommateur de produits
et que ce disque n’est qu’un produit.
Donc, la logique veut qu’il finisse
par l’acheter au moins pour la pochette,
car concernant la musique, le propos
stipule que décrire la musique relève
de la prérogative de l’auditeur, raison
pour laquelle il se doit d’acheter l’album.
L’analyse se prolonge au verso de l’album et
sur les macarons centraux du vinyle avec la
même sagacité interprétative de la production
décorative d’une pochette de disque, nourrie
cette fois-ci d’informations techniques comme
le nom des musiciens, celui des techniciens,
le numéro de l’album au catalogue Virgin…
Le lettrage utilisé est celui d’une machine
à écrire. Simple, dépouillé de toute volonté
ornementale, il fait penser bien évidemment
à celui des tracts politiques des années
soixante. Mais le choix des lettres blanches
sur fond noir évite le parallèle évident et
attendu avec le billet de propagande.
Quant au titre “Go 2”, il ne correspond à
aucun morceau sur l’album. C’est a priori
une référence au jeu asiatique de stratégie,
le Go, où des pions noirs affrontent des
blancs sur une planche quadrillée. Et
le 2 indique qu’il s’agit du second album.
Mais “Go 2” signifie en anglais “aller
vers quelque chose” ou “vers quelque part”,
définissant une proposition programmatique
du groupe et l’ensemble de sa production :
musique, paroles, textes et images.
Aussi, on a bien compris qu’afficher les règles
induites de manipulation du consommateur
ne les annule pas, bien au contraire. Mais
elle pose XTC comme un groupe intellectuel
revisitant la pop et ses attributs, dont son
image qui participa amplement à son succès.
En effet, le rock aurait-il eu cette force de
pénétration auprès de la jeunesse sans les
magazines, les émissions de télévision, les
films et les pochettes, véritables vitrines
des groupes ? Finalement, l’extase
promise par XTC n’est pas seulement
musicale, elle est aussi intellectuelle. o
Highway 666
revisited par Jonathan Witt
Groupes hard rock, groupes cultes
Le gamin passe à la six-cordes
Miller
Anderson
HéROS DE L’OMBRE DU BLUES
ROCK BRITANNIQUE, MILLER
ANDERSON PEUT SE TARGUER
D’AVOIR EU PLUSIEURS CARRIÈ-
RES. Principale force créatrice du
Keef Hartley Band après des débuts
au sein de combos garage rock auteurs
de singles viscéraux, il a aussi usiné
deux opus passionnants, tombés dans
l’oubli depuis bien longtemps. Il est
temps de les remettre à l’honneur.
Nous voici à Houston. Non, pas la cité
tentaculaire du Texas, mais le bucolique
village écossais, à vingt-cinq kilomètres
de Glasgow. Miller, comme mû par une
volonté supérieure, se taille une paire de
baguettes dès ses cinq ans. Il cogne sur tout
ce qui lui tombe sous la main, exaspérant
ses voisins : bidons, pots de peinture,
portes… Son père, harmoniciste, lui prête
donc son instrument fétiche et l’initie au
blues ainsi qu’au rock’n’roll. Le gamin
passe à la six-cordes acoustique et apprend
la technique de la slide, mais aussi la guitare
hawaïenne. Ses premières amours ne sont
guère surprenantes : Elvis Presley, Eddie
Cochran, Gene Vincent, Chuck Berry, et
bien sûr le skiffle, très à la mode en ces
temps pré-Beatles. En 1965, il intègre son
premier attelage sérieux, The Voice, avec
lequel il décoche un an plus tard un premier
single garage rock dévastateur : “Train To
Disaster”. Le combo décampe pour Londres.
C’est là que Miller rejoint The Scenery, dans
lequel il côtoie Ian Hunter — alors à la
basse — et Mitch Mitchell, juste avant
qu’il ne croise le chemin d’un certain
protégé de Chas Chandler... The Scenery
est le groupe résident des studios Regent
Sound et, à ce titre, est embauché pour
accompagner David McWilliams, le futur
auteur de “The Days Of Pearly Spencer”,
pour une tournée qui passe par le prestigieux
Royal Albert Hall. Suite à un autre simple
(“To Make A Man Cry”, dont la face B,
“Thread Of Time”, garage rock surpuissant,
est à couper le souffle), Anderson s’associe
à Paper Blitz Tissue, où il sympathise avec
un Bill Bruford alors novice et au style jazz
particulier — et qui finira remplacé par Dave
Dufort (futur batteur de Kevin Ayers et…
Angel Witch). Le quartette cloue “Boy
Meets Girl”, morceau freakbeat à la guitare
très acide. Après un court intermède au sein
de At Last The 1958 Rock And Roll Show,
Anderson auditionne parmi trente autres
chevelus afin de devenir le chanteur et
(second) guitariste du Keef Hartley Band,
où il passe finalement trois années intenses,
de 1968 à 1971. Il y dévoile un timbre
puissant, rocailleux, et de vrais talents
de compositeur. Cinq albums plus tard,
des divergences musicales se font sentir
avec Keef Hartley, et l’Ecossais quitte
ses partenaires, en bons termes. Il se voit
immédiatement proposer un contrat comme
artiste solo chez Deram. Sa première
livraison est “Bright City” en 1971, sur
laquelle il est épaulé par quelques vieilles
connaissances comme Gary Thain et Peter
Dines — tous deux ex-collègues du Keef
Hartley Band — ainsi que Mike Weaver
et Eric Dillon, passé par Fat Mattress.
Roy Thomas Baker officie comme ingénieur
du son. “Bright City” est une agréable galette
qui démarre avec le splendide mid-tempo
“Alice Mercy (To Whom It May Concern)”,
qui rappelle un peu Neil Young, puis passe
du folk progressif avec flûtiau (“Shadows
’Cross My Wall”) à une pop ultra-mélodieuse
et finement ouvragée (“Grey Broken Morning”
et ses violons, “The Age Of Progress”).
Anderson bande les muscles sur l’ébou-
riffante “Nothing In This World” et son
riff syncopé, ainsi que sur les huit minutes
de “High Tide, High Water”, serties
d’un long solo virevoltant. Miller avait
cependant suffisamment de chansons
dans sa manche pour garnir deux opus et,
dès l’année suivante, il retourne en studio
accompagné de Weaver, Dines et Dillon,
ainsi que du bassiste James Leverton (ex-
Fat Mattress également). L’alchimie est
telle — la rythmique est remarquablement
puissante — qu’il décide de fonder un
vrai groupe du nom de Hemlock, étonnant
quintette à deux claviéristes, et de publier
le disque, au départ prévu en solo, sous cette
étiquette. Plus varié et enlevé, ce très bon
long format propose du R&B lourd (“Just
An Old Friend”, “Monopoly”), un boogie
tonitruant (“Mister Horizontal”). Plusieurs
ballades, dans le registre folk primesautier
(“Fool’s Gold”), du country-rock planant
(“Garden Of Life”) ou de la soul (“Broken
Dreams”) témoignent d’un éclectisme
réjouissant. On y remarque la magnifique
et dylanienne “Young Man’s Prayer”, ainsi
que “Ship To Nowhere”, démarquage à peine
voilé du “We’re Going Wrong” de Cream.
Le grand public reste de marbre. La troupe
s’envole ensuite pour les Etats-Unis, afin
de jouer en première partie de Savoy Brown
et Uriah Heep. Elle y est promue comme
“Miller Anderson With Hemlock”, ce qui
provoque quelques remous. La séparation
est officialisée après une ultime tournée,
cette fois en Angleterre. En effet, Harry
Simmonds, manager de Hemlock, a
offert à Anderson, Leverton et Dillon
de rallier son frère Kim, pilier de
Savoy Brown, pour son nouveau
projet tourné vers le boogie.
Mais ceci est, déjà, une autre histoire... o
 Qualité France par H.M.

L’influence de Georges Brassens et de Lou Reed

Parfois, la joie de découvrir des pépites autoproduites le dispute à la colère de savoir
ces réussites condamnées à une diffusion confidentielle. Et puis on se console en espérant
que ce ne soit qu’une première étape, en se persuadant que la notoriété n’a jamais été
synonyme de qualité et en se souvenant que le but même de cette rubrique est de donner
un coup de projecteur sur ceux qui évoluent en marge du système commercial,
comme les huit sélectionnés du mois parmi les trente-six parvenus à la rédaction.

Il est des disques qui, comme celui
de Richard Allen, relèvent de
l’évidence dès la première écoute.
Lumineux et mélancolique, cet album
égrène des chansons folk acoustiques
sans prétention qui puisent leur force
dans des mélodies limpides, et un mini-
malisme mettant en évidence la douceur
du chant et la fluidité de la guitare.
Né dans le centre de l’Angleterre, ce
chanteur-guitariste-auteur-compositeur
installé à Amiens depuis l’âge de quatre
ans mène sa barque en solo depuis
une décennie, sans faire de vagues
mais avec détermination. Il en est
déjà à son troisième album et ce qu’il
fait mériterait de ne pas rester sous
les radars (“Just Songs”, Take Easy,
facebook.com/richardalleninsong).
Achille Au Cœur Léger (de
Paris) a déjà sorti deux singles avant
ce premier EP où il donne toute la
mesure de son projet atypique et révèle
un univers à la hauteur du nom qu’il
s’est choisi. Certains le rapprochent de
Feu! Chatterton ou de Benjamin Biolay
avec lesquels il n’a en commun que
le goût de textes francophones bien
ciselés et d’une pop propice à toutes les
ouvertures. Et d’ailleurs, il revendique
plutôt en un pied-de-nez l’influence
de Georges Brassens et de Lou Reed.
Sa voix grave insuffle un charme
conquérant à ses chansons romantiques
qui étonnent et séduisent par leur
impact mélodique et textuel légèrement
décalé (“Achille Au Cœur Léger”,
facebook.com/achilleaucoeurleger).
Fondé en 2000 par un Américain d’origine
arménienne qui s’est installé en nos
contrées et y a rencontré sa partenaire
musicale, le duo normand Deleyaman
s’est illustré dans une veine musicale à
la croisée des cultures, proche parfois de
Dead Can Dance, qui a d’ailleurs repris
l’un de ses titres. Ce nouvel essai, placé
sous le signe de la poésie, célèbre un
lieu où l’Américain Henry Wadsworth
Longfellow a conçu l’une de ses œuvres,
et fait aussi appel à d’autres poètes
(comme Verlaine) pour certains textes.
Les six musiciens additionnels (sax,
flûte, duduk, oud) donnent des couleurs
chatoyantes à ces ballades intemporelles
et aériennes chantées par deux voix
délicates (“The Sudbury Inn”, TTO
Records, facebook.com/deleyaman).
Originaire de Dinard, Poésie
Chevalier évolue en solo dans
le domaine de la chanson électronique
et n’a pas eu froid aux yeux en adoptant
ce patronyme. Elle évolue seule en
scène en s’appuyant sur les sons
concoctés par le talentueux James
Eleganz, qui a produit et arrangé son
premier album en compagnie d’un autre
musicien rennais. Cet environnement
electro pop plein de réminiscences
des années quatre-vingt (comme les
délicieux “Ma Poésie” et “L’Annonce”)
est parfaitement adapté à sa voix
fragile mais intense et à ses textes
mélancoliques (“Vague Et Bleu”) qui
célèbrent l’amour avec délicatesse
(“Appelez-moi Poésie”, Label ZRP,
facebook.com/PoesieChevalier).

Venu de Grenoble, Holy Bones
évolue depuis plus de dix ans sous la
houlette de son chanteur-leader François
Magnol qui, après une formation en trio
sur le premier album, a opté pour le
quintette sur le second. Evoluant entre
indie folk et americana, ce nouvel essai
se présente comme un road trip
d’inspiration cinématographique,
délaissant pour la première fois l’anglais
à l’occasion d’une chanson en espagnol
et une autre en français. Au diapason
d’une voix classieuse et troublante,
les morceaux impressionnent par
leur esthétisme tout en délicatesse
et leur souci mélodique (“Alma Perdida”,
Holy Bones Production / Alpine Records,
facebook.com/holybonesgrenoble).
Une fois n’est pas coutume, les Dead
Sexy ont débuté aux Etats-Unis en
2000, avant de regagner leurs pénates
français pour s’illustrer avec un album
de reprises et convoler avec Indochine.
Malgré quelques années de flottement,
le trio a poursuivi sa route et s’est réactivé
cette année en travaillant un nouvel EP
et en publiant ce best of qui inclut de
nombreux remixes inédits. Marqués
par la new wave, il sait dépoter un electro
rock tonique et dansant, que ce soit avec
ses propres compositions ou à travers
quelques emprunts, souvent anglophones
(Johnny Thunders), parfois francophones
comme la reprise d’un morceau de
Daniel Darc (“In Nomine Corpus”, Chancy
Publishing, facebook.com/deadsexyinc).
Pas moins de quinze musiciens dans
le big band B.R.E.T.O.N.S. qui
regroupe des membres d’une flopée de
formations du cru (Kervegans, Digresk,
EV, Soldat Louis, Armens) réunis pour faire
retentir haut et fort la musique celtique.
Dopé par une profusion de chanteurs
et d’instruments (guitares, batteries,
cornemuse, flûtes traversières, bombarde,
accordéon), l’album exauce les promesses
que laisse présager l’événement scénique :
il revisite avec fougue des airs traditionnels
bretons, écossais ou irlandais mélangés à
des titres empruntés aux groupes respectifs
et même à AC/DC (“It’s A Long Way To
The Top”) pour affirmer sa connexion
rock (“B.R.E.T.O.N.S”, Aztec Musique,
bretons-legroupe.com, distribution Pias).
Formé en 2013, le trio parisien Storm
Orchestra n’adopte sa formule
actuelle que quatre ans plus tard en
allant sur les traces de Muse et Royal
Blood. Victime de la pandémie de 2020
au moment de la sortie de son second
EP, il transforme ce handicap en atout
grâce à un nombre impressionnant
d’écoutes en ligne. Concocté dans la
foulée, son premier album (anglophone)
a été longuement mûri et dévoile la
palette de ses possibilités, entre
flambées portées par des riffs rentre-
dedans et pauses où il calme le jeu
sans jamais délaisser son appétence
pour un son percutant (“What A Time
To Be Alive”, Storm Orchestra,
stormorchestra.com). o

JUILLET 2023 R&F 081

Erudit rock par Philippe Thieyre

Amanda Lear en cuir noir

Sous toutes ses formes, “Stranded” (1973), “Country en 1971, optant pour le glam rock, de registre l’année suivante, Brian
le GLAM ROCK connaît Life” (1974), “Siren” (1975), portant des costumes les plus Connolly, chant, Steve Priest, basse,
une formidable expansion puis, après quatre années dévolues flashy possible, chaque musicien Andy Scott, guitare, et Mick Tucker,
entre 1972 et 1974, les aux projets personnels, délaissant le ayant un look bien à lui, cette fois, batterie, ont peaufiné un glam rock
artistes trustant les hit- glam pour le pop rock, “Manifesto” c’est un succès avec d’abord à influence hard rock et power
parades et le nombre de (1979), “Flesh + Blood” (1980) les chansons “Coz I Love You”, pop, “Sweet Fanny Adams”
formations s’en réclamant et “Avalon” (1982), un multiple numéro 1, et “Look Wot You Dun”, (1974), “Desolation Boulevard”
explose. Certaines d’entre disque de platine, y compris aux numéro 4 en 1971, puis l’album et les 45 tours de 1973, “Block
elles ont commencé leur USA, avant la séparation en 1983. “Slayed?” numéro 1 en 1972. De Buster!”, “Hell Raiser”, “Ballroom
carrière parfois bien Originaires de la région industrielle 1971 à 1976, Slade place dix-sept Blitz” formidable morceau glam
avant de se convertir. des Midlands, le Black County, le titres dans le Top 20 britannique, rock percutant, incisif, signé
DEUXIÈME PARTIE guitariste Dave Hill, le batteur Don dont six numéro 1 et cinq albums, Nicky Chinn et Mike Chapman.
Powell, tous deux des Vendors et dont deux numéro 1. Leur succès Derniers gros succès en 1978
En 1972 et 1973, une pléthore le chanteur et guitariste Noddy se tarit à partir de 1977. avant plusieurs reformations
de groupes et d’artistes arrivent sur Holder des Mavericks forment Les sorties de disques glam, sous différentes formes.
la scène glam rock, se distinguant les N Betweens avec le bassiste singles et albums font la joie des hit- Hello, dont l’origine remonte
par leurs options pop, rock’n’roll, Jim Lea, sortant plusieurs 45 tours parades britanniques et européens, en à 1969, sort un peu tardivement
cabaret, hard rock et art rock. British beat entre 1965 et 1967, particulier pour les formations inspi- “Keeps Us Off The Streets” (1976)
Après un essai infructueux en dont “You Better Run” et “Security” rées par la bubblegum music comme incluant deux Top 10, une reprise
1970, pour remplacer le chanteur produits par Kim Fowley. Sous le Bay City Rollers, “Rollin’” (1974), des Exciters, “Tell Him” (1974)
Greg Lake dans King Crimson, nom d’Ambrose Slade, ils sortent Mud, “Mud Rock” (1974), ou les et un titre de Russ Ballard, “New
Bryan Ferry décide de créer son en 1969 l’album “Beginnings”, Rubettes, “Wear It’s’At” (1974). York Groove” (1975). Les Arrows
propre groupe, Roxy, puis Roxy un patchwork de styles, entre Plus intéressant et important ont enregistré un seul album,
Music, avec le bassiste Graham compositions originales et reprises, musicalement, Sweet a été fondé “First Hit” (1976), un glam plutôt
Simpson, son condisciple d’une entre pop, rock, psychédélisme et à Londres en 1968 et a gravé quatre pop, dans lequel ne figure ni leur
école d’art de Newcastle. Le soul, entre Frank Zappa, Marvin 45 tours oubliés avant de rencontrer seul Top 10, “Touch Too Much”
duo cherche un organiste, mais Gaye, Steppenwolf, Beatles et le duo de compositeurs Nicky Chinn de Chinn et Chapman, ni une
recrute un saxophoniste, Andy Ted Nugent. Le nom est raccourci et Mike Chapman et de décrocher composition du chanteur Alan
Mackay, qui parraine Brian Eno, en Slade pour un album hard rock deux premiers hits en 1971, “Funny Merrill et du guitariste Jake Hooker,
synthétiseur et bidouillages et un look skinhead, “Play It Loud” Funny” et “Co-Co”, dans un style “I Love Rock’n’Roll”, reprise avec
sonores. Sont également cooptés (1970). Nouvel échec. Mais bubblegum pop. Changement succès par Joan Jett en 1981.
le percussionniste Dexter Loyd et le
guitariste Roger Bunn, auteur d’un Slade
singulier disque psychédélique,
“Peace Of Mind” (1970) qui partira
à l’été 1971, cédant sa place au Sweet
guitariste de Nice, David O’List.
En 1972, avant l’enregistrement
du premier album en mars, Loyd
et O’List sont respectivement
remplacés par Paul Thompson
et Phil Manzanera. Sorti en juin,
produit par Peter Sinfield, le parolier
de King Crimson, “Roxy Music” est
un succès immédiat au Royaume-
Uni avec un mélange unique d’art
rock, influencé par le prog et le
krautrock, de sophistication et de
glam rock dont Roxy Music possède
tous les codes vestimentaires et
musicaux, “Re-make/Re-model”,
“Ladytron”, “The Bob (Medley)”
ou le long “If There Is Something”.
La photo de couverture glamour,
avec le mannequin Kari-Ann Muller,
sera une constante des productions
du groupe. Sur la version US est
ajoutée “Virginia Plain”, chanson
d’abord parue en 45 tours qui a
Photos Michael Putland/ Getty Images

atteint la quatrième place des charts

UK avec Rik Kenton qui entame la
valse des bassistes. En mars 1973,
“For Your Pleasure” amplifie encore
le succès public et critique. Après
le départ de Brian Eno, les disques
suivants vont se construire autour
du trio Ferry, Manzanera et Mackay,

082 R&F JUILLET 2023

Après des débuts dans le circuit
folk, fin 1972, Steve Harley forme
Cockney Rebel avec le violoniste
Jean-Paul Crocker, le bassiste
Paul Jeffreys, le batteur Stuart
Elliott et Milton Reame-James aux
claviers. Leur style mêle glam et
art rock à une esthétique cabaret,
“The Human Menagerie” (1973),
“The Psychomodo” (1974) coproduit
par Alan Parsons, qui entre dans le
Top 10. Malgré ce succès, à
l’exception de Stuart Elliott, Harley
modifie totalement le groupe qui
prend l’appellation de Steve Harley
& Cockney Rebel pour les trois
albums suivants, “The Best Years
Of Our Lives” (1975), “Timeless
Flight” (1976), “Love’s A Prima
Donna” (1976) avant de se produire
sous le seul nom de Steve Harley.
Paul Francis Gadd a été un des
chanteurs les plus populaires du
glam rock avec vingt millions de
disques vendus. Sa réputation
s’est d’abord forgée sur scène
grâce à des shows flamboyants,
où il est accompagné par le Glitter
Band qui comprend notamment, le
batteur Pete Phipps, le guitariste
Gerry Shephard et les saxophonistes
Harvey Ellison et John Rossall et
se produira de façon autonome.
Gadd, sous le nom de Paul Raven,
enregistre un premier 45-tours pop
en 1960 à l’âge de quinze ans, “Too
Proud”, qui passe inaperçu comme
les six suivants. Sa rencontre avec
le producteur et compositeur Mike
Leander en 1968 et l’apparition du
glam rock vont changer sa destinée.
Il adopte alors le pseudo de Gary
Glitter. Dès sa parution en mars
1972, la chanson “Rock And Roll
Part 2” intègre le Top 5 dans
plusieurs pays dont la France.
De 1972 à 1975, il cumule trois
numéro 1 dont “I’m The Leader
Of The Gang (I Am !)” auxquels
s’ajoute un comeback dans les
années quatre-vingt, “Another
Rock And Roll Christmas”. A partir
de 1997, il doit faire face à plusieurs
accusations de pédopornographie,
de pédophilie et de plusieurs viols
sur des mineures. Condamné à
plusieurs reprises, il passera de
nombreuses années en prison.
Libéré en février 2023, il y retourne
en mars. De son côté, Pete Phipps
relancera le Glitter Band après des
passages dans XTC et Denim. o
Top 5
ROXY MUSIC
“For Your Pleasure” (1973)
Avec John Porter à la basse et une
pochette iconique, Amanda Lear en
cuir noir tenant en laisse une panthère
noire, “For Your Pleasure” surpasse
encore “Roxy Music” qui était pourtant
un remarquable début. Le groupe a pu
passer plus de temps aux AIR Studios
fondés par George Martin pour peaufiner
chaque détail de l’album. Les huit titres
écrits par Bryan Ferry possèdent tous
une originalité propre quel que soit le tempo, “Do The Strand”,
un des morceaux emblématiques de Roxy Music, “Editions Of You”,
“Strictly Confidential”, “In Every Dream Home A Heartache”. Le
synthé VCS3 et les loops de Brian Eno sont omniprésents, ajoutant
une forte tonalité krautrock, “The Bogus Man”, “For Your Pleasure”.
SLADE
“Slayed?” (1972)
Produit par Chas Chandler, sorti en
novembre 1972, “Slayed?” est l’album
de Slade le plus populaire, restant trente-
quatre semaines dans les charts. Il contient
deux hits, “Gudbuy T’Jane” et “Mama
Weer All Crazee Now”, dont l’écriture
est caractéristique du parler populaire
du Black County. Les compositions
sont majoritairement signées Jim Lea et
Noddy Holder. Les dix morceaux, dont
“Move Over” de Janis Joplin, sont concis, dominés par les guitares et
la voix aiguë de Holder sur des rythmes soutenus et accrocheurs.
SWEET
“Desolation Boulevard” (1974)
“Desolation Boulevard” est un grand
album de glam rock proche du hard rock
annonciateur à la fois du metal, “Turn
It Down”, “Breakdown”, du power pop,
“The Six Teens”, et du punk, “Fox On The
Run”, “My Generation”. Sortie en 1975, la
version US propose un montage différent
en ajoutant “The Ballroom Blitz”, des titres
de “Sweet Fanny Adams” et en supprimant
notamment “The Man With The Golden
Arm” au trop long solo de batterie, “My Generation” et “Turn It Down”.
COCKNEY REBEL
“The Human Menagerie” (1973)
Sous la direction de Steve Harley, chanteur
et compositeur à la culture littéraire,
Cockney Rebel enregistre “The Human
Menagerie” aux AIR Studios. Musicalement,
sans guitariste, chose assez rare dans
le glam, s’appuyant sur les claviers
et le violon électrique, l’album est à
la fois éclectique, abordant différents
styles de la ballade folk au rock et aux
gigues, “Crazy Raver”, et théâtral,
cabaret, “Muriel The Actor”. Un glam rock singulier, parfois
sombre et épique avec orchestre classique et chœurs, “Sebastian”,
“Death Trip”. Le sujet de “Mirror Freak” est Marc Bolan.
GARY GLITTER
“Glitter” (1972)
“Glitter” est réparti entre des compositions
du duo Glitter et Mike Leander, les hits
“Rock And Roll Part 1”, “Rock And
Roll Part 2”, “I Didn’t Know I Loved
You (Till I Saw You Rock And Roll)”
et autres “Rock On!”, et des reprises
rock’n’roll, R&B et blues, “School
Day”, “Donna”, “The Wanderer” et un
“Baby, Please Don’t Go” convaincant.
Les chansons fonctionnent sur le même
mode, une rythmique carrée pour soutenir des riffs de saxophone et
des interventions de guitares tranchantes, des chœurs venant s’ajouter
à un ensemble survolté. Pour sa part, Gary Glitter compense un certain
manque d’expressivité de sa voix par une énergie communicative.
JUILLET 2023 R&F 083
084 R&F JUILLET 2023
Photo Avalon/ Getty Images

Crimes, affaires de mœurs, de plagiat ou de gros sous...
Les rockers aussi ont droit à leur chronique judiciaire.
Affaire numéro 41
e Egotrade
Gered Mankowitz contr
Le salaire de vapeur
AVEC LUI, LES SUJETS NE MANQUENT PAS.
Le plus naturel et simple, c’eût été de raconter
la lente succession, les querelles entre père, fils
léonin, et demi-sœur, les jugements, les arrêts,
les injonctions de faire ou de ne pas faire. Et
peut-être, au détour des explications juridiques,
permettre aux lecteurs de comprendre pourquoi
il faut un guide pour se promener au travers
des sentiers de la discographie posthume du
guitariste. Ou bien évoquer Toronto, l’escale
musicale qui aurait pu envoyer notre héros
en prison, le procès de la star et les juges
dociles qui se rangent du côté des conseils
du chanteur : ce n’est pas Jimi mais un ou
une autre qui a introduit dans ses bagages une
drogue qu’habituellement il ne consommait pas.
A cette époque, au seuil des années 1970,
l’enfer était encore un ou une autre.
Non, ici, il est question d’une photographie,
qui fait débat devant les juridictions françaises.
Le litige se joue dans les termes suivants.
En 2013 est créée Egotrade, une société de vente
de cigarettes électroniques et d’accessoires. Exit
les bars-tabacs, aujourd’hui il faut entreprendre
dans la cigarette électronique. Egotrade
fonctionne avec deux boutiques physiques,
dans les premier et sixième arrondissements
de Paris, aussi via son site internet egotabaco.
com. La cigarette électronique a fait son entrée
sur le marché européen en 2005. Au début
des années 2010, c’est encore le Far West,
pas ou peu de réglementation, les concurrents
pullulent, le marché est presque saturé. Il
faut tirer son épingle du jeu. Egotrade a une
idée, ne prend pas d’avocat et la matérialise
en détournant l’image d’un fumeur célèbre.
Désormais, Jimi Hendrix, guitariste, chanteur,
chantre de la fin des années 1960, fume une
cigarette électronique. C’est une photographie
célèbre qui est ici détournée par Egotrade :
“Un portrait noir et blanc en plan taille de
face, Hendrix expirant avec un demi-sourire
et les yeux mi-clos une bouffée de la cigarette
qu’il tient dans sa main gauche, sa main droite
soutenant son bras gauche au niveau de son
coude.” Les juristes s’entourent de précision.
Le problème, c’est qu’Egotrade, opportunément,
n’a pas demandé à l’auteur de la photo une
quelconque autorisation. Elle est l’œuvre de
Gered Mankowitz, fils d’un écrivain anglais
célèbre, et photographe émérite du Swinging
London. Les iconiques photos qui ornent
“December’s Children (And Everybody’s)” ou
“Between The Buttons” des Rolling Stones, c’est
lui. Les Français préfèrent éviter l’Anglais. Peu
importe, par l’intermédiaire de ses avocats, il
met en demeure la société de retirer fissa les
affiches publicitaires placardées en devanture
Et justice pour tous
des deux boutiques et qui détournent à
l’évidence sa photographie originale, la cigarette
d’Hendrix ayant été remplacée par une cigarette
électronique. Au début des années 1990, le
photographe a cédé à une société l’ensemble de
ses droits patrimoniaux de ses photos. Celle-ci
réitère par lettre les menaces formulées par
l’artiste. Mais Egotrade fait mine de ne rien
comprendre. Le photographe et la société qui
jouit du droit de la photographie d’Hendrix
saisissent le tribunal de grande instance de
Paris, considérant que les agissements de la
société Egotrade sont constitutifs de contrefaçon.
Désormais, la représentation est obligatoire.
Egotrade a un problème, elle prend un avocat.
A Paris, le 30 mars 2015, les avocats du
photographe, titulaire du droit moral, et de la
société, détentrice des droits patrimoniaux,
semblent dérouler leur convaincante
démonstration. Le photographe précise :
cette photo est rare, elle capte, fugacement,
les contrastes de l’artiste ; la noirceur de ses
sentiments épouse l’ironie du sourire. Mais
l’impression d’ensemble, l’ambivalence et les
contradictions de la légende, s’explique, selon
lui, par des choix esthétiques assumés : “La
lumière, les contrastes, le cadrage étroit de la
photographie sur les lignes et les angles droits
du buste et des bras.” L’œuvre est originale.
Copiée et détournée, elle ne peut que subir les
foudres de la contrefaçon, et dès lors exposer
les auteurs du méfait à la condamnation à
des dommages et intérêts, conséquents, ainsi
qu’au retrait des affiches. La société Egotrade
avance plusieurs arguments : elle relève qu’un
certain nombre de faits qui lui sont reprochés
ont été “commis” avant son immatriculation,
et que par conséquent elle ne peut en être
comptable. De manière générale, elle insiste
sur l’absence de preuves invoquées par la partie
adverse, notamment l’absence d’originalité de la
photographie. Enfin, elle se retranche derrière
l’exception de parodie, aucune confusion
n’est possible entre les deux reproductions.
Mais les juges parisiens prennent les parties
de court. Sans s’intéresser au fond, ils relèvent
que la société Egotrade n’a pas été en mesure
de pouvoir débattre avec les demandeurs de
l’originalité de la photographie. Les juges
rappellent qu’il appartient à celui qui se
prévaut d’un droit d’auteur dont l’existence est
contestée de définir et expliciter les contours
de l’originalité. Et ce n’est pas au juge de faire
ce travail. Aussi, c’est la seule façon d’assurer
la contradiction ; si votre adversaire ne sait pas
contre quoi il se bat, il ne peut y avoir de procès.
Mais qu’est-ce que l’originalité ?
par FABRICE EPSTEIN
Le tribunal de Paris s’appuie sur la jurisprudence
de la Cour de Justice de l’Union Européenne :
“Une création intellectuelle est propre à son auteur
lorsqu’elle reflète la personnalité de celui-ci” et
“s’agissant d’une photographie de portrait, l’auteur
pourra effectuer ses libres choix et créatifs de
plusieurs manières et à différents moments lors de
sa réalisation”, au regard de la pose, du cadrage,
de l’atmosphère, de l’angle de vue, du tirage du
cliché, etc. C’est à travers ces choix que l’auteur
d’une photographie de portrait est en mesure
d’imprimer “sa touche personnelle” à l’œuvre
créée, sa personnalité en somme ! Et les juges
considèrent que l’auteur de la photographie a été
incapable de montrer en quoi la photographie
d’Hendrix porte son empreinte. Pour eux, le
cadrage, le noir et blanc, le décor clair destiné à
mettre en valeur le sujet sont banals. Ils enfoncent
le clou : d’une part, le photographe ne met pas
la société Egotrade en mesure de débattre de
l’originalité de la photographie ; d’autre part, la
photographie ne présente pas d’originalité et ne
constitue donc pas une œuvre protégeable de
l’esprit. Pas de contrefaçon ! Le photographe et
la société qui l’accompagnent n’auront pas pris
l’Eurostar pour rien, leurs demandes sont jugées
irrecevables. Les commentateurs sont abasourdis.
Ils font appel. La Cour d’appel de Paris use d’une
tout autre approche. Pour elle, la personnalité
transparaît au travers des éléments suivants : c’est
bien Gered Mankowitz qui a guidé et dirigé la
séance photo, a choisi d’utiliser le noir et blanc
afin de donner plus de contenance à son modèle,
a fait le choix d’un certain appareil doublé d’un
certain objectif, a dicté le cadrage, l’angle de
vue, choisi le décor. Ces éléments, conjugués à la
notoriété du photographe, traduisent l’expression
de sa personnalité. Egotrade est condamnée,
et les montants sont élevés. Ironie de l’affaire :
Egotrade est en liquidation judiciaire. Et il
est peu probable qu’elle se soit acquittée des
sommes accordées par la Cour d’appel de Paris.
Peu importe, l’honneur du photographe est sauf
et les principes du droit d’auteur sauvegardés.
La Cour d’appel, en renversant le premier
jugement, rend-elle un hommage indirect
à la sortie d’un autre grand photographe,
Richard Avedon : “Un portrait n’est pas une
ressemblance. Dès lors qu’une émotion ou
qu’un fait est traduit en photo, il cesse d’être un
fait pour devenir une opinion. L’inexactitude
n’existe pas en photographie. Toutes les
photos sont exactes. Aucune d’elles n’est la
vérité” ? Est-ce à dire que par principe une
photographie exprime la personnalité de
son auteur. C’est certainement ce que pense
Apple, pas forcément les tribunaux… o
JUILLET 2023 R&F 085
Le film du mois
par Christophe Lemaire

Trafic de hasch
et de VHS pornos

Rheingold
De Fatih Akin
Cela fait plus d’une vingtaine d’années que Fatih Akin réalise
des films profondément bienfaisants. Que ce soit à travers sa trilogie
sur l’amour (“Head On”, “De L’Autre Côté”, “The Cut”) ou son délire gastrono-
mique autour du thème du savoir vivre ensemble, le cinéaste turquo/ allemand
jongle avec toutes les strates des sentiments humains. Mélancolie, humour frontal
(ou en demi-teintes), cool attitude, drame déviant et pas de travers compris.
Comme un maelstrom. Ce qu’est — voire devrait être — un être humain
avec toutes ses failles, ses ambitions, ses contradictions et ses désirs. Fatih
Akin, donc, a toujours su manier une certaine légèreté compatissante envers ses
personnages. Quelque chose qui fait du bien à l’âme. Ce qui ne l’a pas empêché
de plonger ensuite dans la noirceur absolue dans ses derniers travaux. Voir “In
The Fade” (2017) où Diane Kruger part dans une longue croisade vengeresse
suite à la mort de son mari et de son fils tués dans un attentat terroriste, comme
si on assistait à une version crue et réaliste de “Un Justicier Dans La Ville”. Ce
rôle a valu un prix d’interprétation à Cannes pour Diane Kruger, venant prouver
au passage que Fatih Akin est l’un des meilleurs directeurs d’acteurs-trices du
cinéma européen. Puis arrive le choc “Golden Glove” (2019) qui, pour le coup,
semble contredire tous les films qu’Akin a signés jusque-là. Un changement
de registre total pour raconter de façon hyper poisseuse et ultra dérangeante le
quotidien meurtrier d’un authentique serial-killer ayant dézingué des prostituées
dans le Hambourg des années soixante-dix. Un film tellement sulfureux (et
bardé d’un humour très très noir) qu’il est sorti en catimini dans une seule
salle parisienne et n’est quasiment jamais diffusé sur le câble. Mais heureu-
sement récupérable en Blu-ray Collector chez Extralucid Films. Toujours en
mode “coups de pompe dans le bas-ventre”, Fatih Akin continue sa bifurcation
dans cette nouvelle voie de provocation et de violence, mais en version plus
rock’n’roll que franchement sombre. Et pour cause puisqu’il enjolive le biopic
consacré à Giwar Hajabi, rappeur kurdo-iranien plus connu sous le surnom
de Xatar et qui, à travers ses multiples labels, a également produit des albums
de musicien hip-hop plus ou moins populaires comme Sero El Mero, SSIO et
Schwesta Ewa. Or Giwar Hajabi n’a pas eu un parcours de tout repos, comme
il le détaille dans son autobiographie inédite en France et intitulée, dans sa
traduction allemande : “Tout Ou Rien, Comme On Dit, Le Monde Est A Toi”.
Car en 2009, alors âgé de vingt-huit ans, il vole avec deux complices 1,7 million
d’euros dans un camion avant de s’enfuir en Irak. La raison de ce braquage est
mise en images par Fatih Akin d’une manière à la fois pulsionnelle et empathique.
On suit donc la progression de ce petit vaurien engoncé dans la voyoucratie plus
ou moins malgré lui. Avec trafic de hasch et de VHS pornos piratées, perte de
cargaison de coke, acquittement compliqué d’une grosse dette envers la mafia
turque et, enfin, passage en taule purificateur puisque c’est derrière les barreaux
que Giwar va commencer à composer sa musique qui lui amènera enfin gloire
et noblesse. Contrairement aux films de sa première période plutôt portés sur le
sentimentalisme discret, Akin se lance avec “Rheingold” dans l’ambitieux et le
grandiloquent. Dans le genre biopic-bad guys, on est finalement assez proche
du “Scarface“ de Brian De Palma. Avec frime chic, pétage de plombs, rixe avec
coups de poing salvateurs, filouterie à tous les étages et rédemption quand l’art
de la musique remplace progressivement les bas instincts. Une double ascension
allant du pire (de petit dealer à gros trafiquant) au meilleur (de taulard à la petite
semaine à légende du rap allemand), le tout raconté dans une saga immersive de
deux heures et vingt minutes emmenée par un acteur de génie, Emilio Sakraya
(découvert dans la série “Tribes Of Europa” sur Netflix) qui, au niveau de jeu et du
comportement physique gère incroyablement les trente ans de temporalité de son
personnage. Alors que l’acteur n’a que vingt-cinq ans (en salles le 28 juin) ! o
 Cinéma par Christophe Lemaire

Enfer urbain

Zillion

Zillion ravagé du ciboulot, d’une énergie aussi qui, après avoir déniché un monceau Du pur défouloir méga absurde. Surtout
Il y a sept ans, on découvrait le cinéaste contagieuse qu’un long tour de 2h18 d’or dans les roches de Laponie, quand le vieil homme au faciès aussi
belge Robin Pront avec “Les Ardennes”, sur le plus grand roller coaster protège sa découverte d’une bande buriné qu’un iguane millénaire survit à
thriller social dont le mix entre drame du monde (actuellement en salles). de nazis furibards voulant s’approprier toutes les agressions destructrices des
et humour à froid faisait pencher la le précieux métal. Soit, pour résumer en Allemands à son encontre, les balles,
balance stylistique du côté des frères Sisu : De L’Or Et Du Sang une ligne, un kamikaze de soixante ans les explosions et même une pendaison
Coen. Mais avec ce “Zillion”, on frise Grosse série B guerrière scandinave, dur à cuire contre une bande de Teutons n’ayant aucun effet sur son corps peu
l’ambiance “La Fièvre Du Samedi Soir”, “Sisu” est totalement éclatant. Du aussi vicelards que des soldats du chétif. Comme s’il était l’incarnation
vu qu’une bonne partie de l’action se moins si on ne prend pas au sérieux groupe Wagner. A l’écran, c’est de d’une version christique et vengeresse
déroule dans un immense night-club ce personnage d’orpailleur vagabond la BD live en version action non-stop. de “Rambo” (actuellement en salles).
créé et géré de façon mafieuse par un
jeune geek. Mais le mélange fiévreux
entre argent propre (à 10%) et argent
sale (à 90%) finit par avoir raison de
sa santé mentale, sachant que ses
nombreux passages à tabac par la
concurrence, sa passion destructrice
pour Miss Belgique, les nombreuses
envolées de coke et son envie tenace
d’un pouvoir éternel ne vont pas
arranger son quotidien. Le tout rythmé
par l’ambiance du lieu, avec techno
en boucle, pluie de paillettes, clients
douteux, alcool à flot et spectacles
lasers, retourne aussi le cerveau de
ceux qui pénètrent dans cet enfer festif
au goût de paradis larvé. Le night-club
“Zillion” a réellement existé. Et était,
dans la seconde moitié des années
quatre-vingt-dix, l’équivalent du Palace
à Paris ou du Studio 54 à New York.
Idem pour le personnage de Frank
Verstraeten, big boss du lieu qui, si on
se fie au film, était aussi frondeur que
n’importe quel bad guy excité dans un Sisu : De L’Or Et Du Sang
polar de Martin Scorsese. Un biopic

JUILLET 2023 R&F 087

 Farang
Farang
Depuis son “Frontière(s)” en 2007, un
film d’horreur rentre dedans à l’hystérie
on ne peut plus gore, le Frenchie Xavier
Gens est devenu un bon représentant
du cinéma populaire décontracté où
sa mise en avant de la violence et de
l’action renvoie à sa propre cinéphilie
passionnée du cinéma de genre. Et
surtout asiatique, si on se fie à son
“Farang”, série B pleine de testosté-
rone tournée en mode “The Raid” et
“The Raid 2”, diptyque culte de films
de baston badass indonésiens. Dans
“Farang”, Sam, un détenu en pleine
réinsertion, doit fuir en Thaïlande suite
à une rixe. Mais une fois sur place,
les choses ne s’arrangent pas pour
lui. C’est bien pour le spectateur, ravi
d’assister à des bastons sauvages loin
d’un simple bourre pif comme celui
donné par Lino Ventura à Bernard Blier
dans “Les Tontons Flingueurs”. Tourné
à Phuket et à Bangkok, “Farang”
(expression usitée par certains
Asiatiques pour dénommer les
Occidentaux) mixe exotisme sablonneux
et bagarres pleines d’adrénaline. Dont
une dans un ascenseur, d’une sauvagerie
si monumentale qu’elle renvoie à
certaines séquences ultra-violentes
de l’incroyable série british “Gangs
Of London” (disponible en ce moment
sur Canal +) dont, justement, Gens
est l’un des coréalisateurs. Après, il
est toujours possible d’aller voir
Limbo
088 R&F JUILLET 2023
à la place “Chonchon, Le Plus Mignon
Des Cochons”, film d’animation
destiné aux moins de deux ans
et demi qui sort en salles ce
même jour (en salles le 28 juin) !
Limbo
A l’instar des polars survitaminés made
in Hong Kong des années 80/ 90,
“Limbo” se veut plus sombre et
plus désespéré, voire bougrement
nihiliste. Probablement parce
que depuis les bons vieux polars
opératiques de John Woo, la ville est
revenue à la Chine, plombant du coup
l’ambiance qui va désormais plus à
la violence sèche et réaliste qu’aux
gunfights décontractés à l’esprit
pop (voir “Limbo” de Soi Cheang).
Une immersion malaisante dans les
bas-fonds pouilleux de Hong Kong où
un flic rodé aux enquêtes glauques
et son jeune supérieur hiérarchique
tentent de retrouver un tueur de
femmes. Un serial killer psychotique
à la signature singulière puisqu’il
tranche systématiquement la main
gauche de ses victimes. “Limbo”
confronte ses personnages (flics,
assassin, victimes) dans les tréfonds
d’un enfer urbain magnifiquement
photographié dans un noir et blanc
cristallin. Comme si ce thriller
désespéré mutait progressivement
en un film d’horreur quasi expres-
sionniste (en salles le 12 juillet). o

Luden :
Les Rois Du Quartier Rouge
Un mac à la ramasse
En s’attaquant aux six épisodes de “Luden”, les
cinéphages coquins de plus de cinquante ans
ne pourront pas s’empêcher d’être un peu
nostalgiques de l’âge d’or du cinéma érotique
teuton, étant donné qu’au début des glorieuses
seventies, tout comme en France, l’Allemagne
produisait en masse des films olé olé, plus grivois
que hard et plus canailles que franchement porno.
C’était le bon vieux temps de “C’Est La Queue Du Chat
Qui M’Electrise”, “Rapports Intimes Au Collège De
Jeunes Filles”, “Bibi La Dévoreuse”, “Tiens Ta Bougie
Droite” et autre “Les Fantaisies Amoureuses De
Siegfried”. Des coquineries pelliculées qui baignaient
dans une sexualité décomplexée et post-soixante-
huitarde. Et qui pouvait laisser croire que le cul pour
le cul n’amenait aucune complication particulière.
Pour le coup, les films érotiques dramatico-tragiques
se faisaient plus rares, histoire de ne pas faire baisser
la libido du spectateur mâle. Qui a dû rester très
circonspect, pour prendre un exemple, face au très
déviant “La Marquise De Sade” (1971), une bizarrerie
bien oubliée de l’histoire du cinéma cochon qui retrace
le parcours vicelard d’un aristocrate décadent pratiquant
de nombreuses orgies en s’inspirant de tableaux
de Jérôme Bosch. Un véritable fait divers recréé à
l’écran façon psyché par un certain Kurt Nachman,
connu en son temps pour avoir monté des spectacles
sulfureux durant la période du Troisième Reich. “La
Marquise De Sade” fait donc partie d’un sous-genre
nommé “le cinéma sexuel psychopathique”. Auquel
on pourrait rattacher aisément “Luden”, immersion
crue et réaliste dans le quartier chaud de Hambourg
Série du mois
entre la fin des années soixante-dix et le début des
années quatre-vingt. Ou comment un proxénète à
la tignasse peroxydée fonde avec deux amis et une
prostituée à la cinquantaine avenante un simili bordel
au look de cabaret rococo. Histoire que la clientèle
se sente plus à l’aise pour pratiquer des parties de
gambettes en l’air. Avec néanmoins un gros souci
à la clé pour eux, quand les proxénètes d’en face,
installés depuis un bail, voient d’un mauvais
œil l’arrivée de ces nouveaux entremetteurs à
l’attitude plus cool et libertaire. Si “Luden” place
son histoire (réelle) dans le contexte historique
de l’époque (règlements de compte et petits
arrangements entre proxénètes, arrivée du sida,
coke à profusion, criminalité expansive), la série se
focalise principalement sur la destinée de plusieurs
personnages : un mac à la ramasse rêvant de devenir
boxeur, une prostituée rodée au tapin qui finit par
gagner son statut de mère maquerelle, une love story
compliquée entre un souteneur et l’une de ses filles,
une adolescente à la recherche de sa mère devenue
péripatéticienne dans le quartier rouge... Certes,
visuellement, “Luden” n’est pas aussi explosif ni
fêtard que “Zillion” (voir rubrique Cinéma) et préfère
jouer la carte de l’intime. En s’attachant aux émois
tour à tour chaleureux, agressifs et traumatiques de
ses personnages dont le plus touchant est celui de
la putain quinquagénaire magnifiquement interprété
par Jeanette Hain, grande actrice de cinéma et de
télévision en Allemagne. Quant à “La Marquise De
Sade”, il est disponible uniquement en VOD sur le
site Filmotv (en diffusion sur Amazon Prime)... o
par Christophe Lemaire
Reform
School Girls
(Extralucid Films)
Mis en boîte au
milieu des années
quatre-vingt,
“Reform School Girls”
de Tom DeSimone
(ex-stakhanoviste
de l’âge d’or du
porno gay) est
l’exemple parfait
du WIP, contraction de Women In Prison,
un sous-genre du cinéma d’exploitation
provo où agressions verbales, taulardes
sexy vierges et innocentes, grimaces de
haine et matonnes lesbiennes prennent
le pas sur des ersatz de scénario où finesse
et poésie ne sont définitivement plus de ce
monde. Sorti naguère en VHS sous le titre
“Les Anges Du Mal 2”, “Reform School
Girls” surjoue tellement avec les codes
de ce genre joyeusement bâtard que le film
se regarde comme sa propre auto-parodie.
Surtout quand apparaît Sybil Danning,
starlette du cinéma bis européen à la
poitrine imposante en directrice de prison
au look de soldatesse de la Waffen-SS.
Inutile de préciser qu’on se marre.
juillet 2023 R&F 089
 Images
par JErôme Soligny

Streaming/ DVD/ Blu-ray

Une sorte d’antilogie

“Song Exploder”
Netflix
Alors voilà. Au risque de ne pas se faire davantage d’amis, on va mettre les pieds
dans le plat. Mieux vaut prévenir que guérir. C’est la mode, depuis quelques
années, chez des éditeurs qu’on ne nommera pas, de publier des livres dont
les auteurs prétendent “expliquer les chansons”. D’une vedette du rock, d’un
groupe mastoc. Forcément, ces gens-là, désireux de vendre du papier, tapent
chez les plus célèbres. Aucun de ces ouvrages n’est consacré à l’œuvre de
David Werner ou Wasted Youth. Les bouquins en cause, gros généralement,
épluchent celle de Queen, des Beatles, de Prince. A partir de quoi ? Eh bien,
principalement de ce qu’on trouve sur Internet, après avoir tapé le nom de
l’artiste et celui d’une de ses chansons. Certains auteurs, les plus malins,
possèdent des livres sur leur sujet, dont ils paraphrasent les passages
qui leur plaisent et qui correspondent à leur propos. Selon la qualité des
bouquins “source”, on retrouve dans ces livres “explicatifs” les mêmes
erreurs que presque partout et, çà et là, quelques faits avérés venant le
plus souvent de la bouche des intéressés, via une bribe d’interview chopée
sur le Web ou en pillant allègrement des articles de presse dans lesquels
des musiciens se sont confiés à des journalistes qui, eux, les ont eus en face
d’eux, leur ont tendu le micro et ont dûment rapporté leurs propos. Qu’on ne se
méprenne pas, cette tribune n’est pas un règlement de comptes (on ne connaît
pas ces gens). Un biographe qui, en 2023, décide de s’attaquer à la vie de
Napoléon ou de Miles Davis a très peu de chance de les avoir rencontrés, eux
et/ou leurs proches. Mais il y a historiens et historiens. Et ceux qui pompent
Wikipédia — cette pseudo-encyclopédie libre (!) nourrie par des “contributeurs”
qui eux-mêmes pillent sans vergogne des livres ou des articles de presse au nom
d’une liberté d’informer de nos fesses — ne méritent pas d’être appelés ainsi.
Ce préambule a pour but de faire comprendre pourquoi le travail (là, c’en
est vraiment un...) de Hrishikesh Hirway est remarquable. Depuis 2014, ce
musicien américain complet (il sévit notamment au sein de The One AM
Radio, avec qui il a publié quatre albums d’ambient pop) anime le podcast
“Song Exploder” dont le propos affiché (malgré le jeu de mots du titre, histoire
d’éviter le mot “explorer”) est, non pas d’expliquer les chansons, mais de faire
réagir leur(s) créateur(s). Ainsi, au lieu d’un imbroglio d’informations provenant
de sources multiples et souvent douteuses, Hirway en propose qui tombent
directement de la bouche des intéressés. “Song Exploder” est disponible
sur le réseau Radiotopia, et les épisodes durent une quinzaine de minutes.
Logiquement, on conseillera aux lecteurs de ce journal d’écouter en priorité

090 R&F JUILLET 2023

ceux consacrés à des chansons de Panic! At The Disco, Peaches, Franz
Ferdinand, Cheap Trick, Sparks, Cat Stevens, Bon Iver, Fleetwood Mac,
Cat Power ou Arcade Fire. Mais sincèrement, aucun de ces près de deux cent
cinquante épisodes n’est dispensable. Et surtout pas celui consacré à John
Lennon. Bien sûr, Hrishikesh Hirway ne l’a pas interviewé — il n’avait pas
deux ans lorsque le fondateur des Beatles a été assassiné —, mais son podcast
a une si bonne réputation, et notamment auprès des musiciens les plus illustres
et leurs ayants droit, que l’estate de John l’a contacté directement en 2021.
Des interviews à propos de sa chanson “God” venaient d’être retrouvées dans
les archives et l’estate a souhaité mettre à la disposition de Hirway ce trésor
dont il a fait un épisode posthume, le seul à ce jour. Pour que les choses
soient bien claires, on précise que son objet n’est pas, à proprement parler,
de tenter d’expliquer les morceaux choisis, mais plutôt d’évoquer leurs origines
et leur confection. Expliquer sous-entend de pouvoir faire comprendre le sens,
mais comme le savent tous les auteurs et compositeurs, beaucoup de ce qui
constitue une chanson est lié à leur sensibilité, à la chance (pour ne pas
écrire au hasard), à la façon dont ils recyclent une idée, un thème, une
image ou un sentiment après les avoir digérés, et donc à l’agencement,
parfois miraculeux, de notes et/ ou de mots. On n’explique pas un premier
jet, pas plus que tous les vers d’un texte, et encore moins les accords ou
mélodies qui apparaissent sous les doigts, qui jaillissent entre les lèvres.
On ne dissèque pas le talent, on l’admire, on le respecte. Certes, il est
intéressant de rappeler le contexte, les intentions premières lorsqu’il y
en a, de raconter ce dont on se souvient de l’élaboration de l’œuvre, mais
le verbe “expliquer” avec l’art comme complément d’objet direct est une sorte
d’antilogie. Et donc, ce qui nous intéresse ici, c’est que Hrishikesh Hirway
propose désormais une adaptation aux écrans de son podcast dont huit épisodes
sont d’ores et déjà disponibles sur Netflix. Evidemment, ceux-là aussi sont tous
à déguster, mais on aiguillera vers ceux consacrés à “3 Hour Drive”, fruit de la
collaboration de Alicia Keys et l’Anglais Sampha (qui a travaillé, entre autres,
avec Kendrick Lamar et Kanye West) et “When You Were Young” de The
Killers, qui doit beaucoup à son riff (une ligne de guitare plus exactement).
Pour vibrer encore plus fort, ce sont les propos de Trent Reznor et
Michael Stipe qu’il convient d’écouter. L’un et l’autre parlent avec
passion et émotion de l’un de leurs chefs-d’œuvre respectifs et
indéniables (“Hurt” et “Losing My Religion”), et de l’impact que
ces morceaux ont eu sur la carrière de leur groupe et sur leur destin.
Des choses de la vie, sous forme d’injection lente par intraveineuse
mentale et sentimentale, qui, il n’y a pas à tortiller, ne s’expliquent pas. o

JUILLET 2023 R&F 091

Bande dessinée par Géant Vert

Transformer
la Warzone en Lovezone
Avec “Judee Sill” (Dupuis), le duo espagnol Juan Díaz Canales (scénario) et Jesus Alonso
Iglesias (dessin) propose un roman graphique sur une chanteuse qui aura tout raté ou presque
dans sa carrière. A la différence de Janis Joplin et d’Amy Winehouse, la chanteuse californienne
va overdoser seule et dans l’indifférence générale après avoir balancé sa carrière aux orties. Née
d’un couple désuni, Judee découvre très vite les joies de la délinquance juvénile, la drogue, les
braquages et la prison. Après une période de rémission où elle se met à la musique, elle développe
un style vocal très personnel où elle entremêle folk, cantates de Bach et glorification du Sauveur.
Après deux albums remarqués par la critique mais peu par le public, elle disparaît du paysage
musical. A partir de quelques rares interviews données au début des années soixante-dix,
d’un documentaire de 2022 et d’un peu d’imagination, Canales réitère la tragédie en jouant
sur les zones d’ombre de la jeune femme. Ainsi, il remet en doute son suicide même. “Judee
Sill” est une BD dont la narration particulière joue à saute-mouton entre différentes époques
et personnages réels ou fictifs. Si les auteurs ressuscitent une artiste, cette dernière a tout
fait de son vivant pour ne jamais obtenir sa rédemption. A lire en
écoutant “Judy Was A Punk Jesus Freak” par Aaron Lee Tasjan.

A partir de thèmes maintes fois rebattus par Hollywood, les séries

télé et la littérature, le scénariste canadien Jeff Lemire signe avec
“Little Monsters T1” (Urban Comics) une histoire originale
dont le premier volet va en étonner plus d’un. Dans un monde
dévasté par une guerre qui a éradiqué une bonne partie de la
population, un groupe d’enfants tue le temps de différentes façons
en attendant l’arrivée d’un hypothétique Ancien supposé améliorer
leur situation. Si l’une du groupe tague des murs en couleurs qui
n’existent plus, d’autres aiment jouer à chat, lire des livres ou
déprimer en attendant le ragoût de rat qui va ponctuer la journée.
Seule règle à respecter : rentrer à la planque avant la tombée de
la nuit. Mélange équilibré de survivalisme, postapocalyptique
et fantastique, cette série magistralement dessinée par Dustin
Nguyen soulève aussi une question intéressante. Ainsi, le
personnage de Lucas, sorte de Kurt Cobain lunatique, passe
son temps à composer des chansons à la guitare acoustique,
qu’il oublie aussitôt jouées. On n’y pense pas, mais c’est vrai
qu’il n’y aura plus d’électricité une fois éteint le feu nucléaire.

Style musical vilipendé par les bonnes mœurs, le metal

est régulièrement mis au pilori pour tout un tas de raisons.
Pourtant, à la lecture des BD qui lui sont consacrées, c’est
plutôt un univers rigolo plus proche de Frank Margerin que de l’ultra-violence de “BRZRKR” imaginé par
l’acteur Keanu Reeves et le scénariste Matt Kindt. Pour s’en convaincre, il suffit d’ouvrir “Hellfest
Metal Love” (HellMoute) et “Metal Maniax - 1+2=666” (Lapin), deux BD résolument
hilarantes sur l’univers du metal. Coéditée avec le Hellfest, “Hellfest Metal Love” est le second volet
concocté par le trio Jorge Berstein, Fabrice Hodecent et Pixel Vengeur. Ce coup-ci, Barbara, Nounours
et Mike ont décidé de transformer la Warzone en Lovezone pour en faire un site de rencontres. Si
l’idée peut paraître inenvisageable dans la réalité, elle n’en demeure pas moins monstrueusement
drôle sur le papier. Qui n’a jamais rêvé de voir un groupe hurler “Born to kiss” au lieu de “Born to
kill” ? Comme toutes les BD réussites, cet hommage à l’amour clouté est accompagné d’une série
de QR codes pour écouter différentes playlists soniques. Fans de metal depuis leur plus jeune âge,
le dessinateur Slo et le scénariste Fef se sont associés dans “Metal Maniax” pour réaliser cette
sorte de Guide Michelin métallique. Ouvrage non-exempt de vacheries, il détaille tout ce qu’il faut
savoir pour ne pas confondre les styles tout en distillant les conseils de séduction pour les âmes
seules, et en expliquant pourquoi il ne faut pas écouter Defenestrator quand on garde un chat. o

Le gros plan du Géant

Glenn Danzig peut être fier de lui. En créant Danzig
et le Horror Punk Rock, il a influencé le mangaka
Kiminori Wakasugi, dont l’un des protagonistes de sa
nouvelle série “Who’s Next” (Delcourt/ Tonkam)
arbore fièrement un T-shirt du groupe dans une
histoire de compétition estudiantine où la survie de
l’espèce dans son intégralité est le cadet des soucis
de tous les participants. Derrière un titre bien rock,
l’auteur de “Detroit Metal City” se déchaîne dans une
histoire où un monstre vorace assiège un lycée. Coincés
dans l’école, sept élèves ont trouvé la solution pour
survivre : sacrifier tous leurs condisciples les plus faibles.
Problème : ils sont à court de têtes plates et le monstre
réclame son steak d’humain. Débordant d’inventivité
pour se débarrasser des inutiles, ce petit chef-d’œuvre
d’humour noir passe la morale au rouleau compresseur.

092 R&F juillet 2023


“La revanche des underdogs”
Ma Rainey,
Le Blues Est Une Femme
Frédéric Adrian
Ampelos
On va essayer de pas radoter hein mais vraiment,
ces hordes de vautours qui publient à tour de bras
des livres sur des groupes dont on connaît déjà tout
— nous, journalistes comme vous, lecteurs attentifs
et passionnés, sinon vous ne seriez pas là — et
dont chaque minute de la carrière, chaque note
de musique, chaque mot ont déjà été sur-analysés,
mâchés et remâchés pour finir aussi suçotés qu’une
moule dans les poubelles de Léon de Bruxelles,
on comprend pas bien la logique. A part quelques
borderline maniaques, qui, parmi ceux que le sujet
intéresse un tant soit peu, ignore encore quoi que
ce soit sur son groupe préféré ? En 2023, avec
internet ? Pourquoi nous raconter ce qu’on sait déjà ?
C’est pourtant pas comme si le rock et son grand
frère le blues ne regorgeaient pas de personnages
et d’histoires extraordinaires parfois complètement
méconnues. Ma Rainey par exemple, dont Frédéric
Adrian peint la vie et la carrière dans son “Ma Rainey,
Le Blues Est Une Femme” et dont presque personne
ici ne connaissait l’existence avant le récent film
Netflix de Viola Davis qui lui rend hommage, “Le
Blues De Ma Rainey”. Car si son nom et sa musique
sont presque inconnus en France, les Américains
savent très bien le rôle déterminant dans l’histoire
de la musique de cette pionnière du blues dont elle
fut, sinon vraiment l’inventrice comme le dit sa
légende, tout du moins une des toutes premières
et plus populaires stars du genre. Née en 1886 en
Géorgie, au cœur de l’Amérique la plus raciste, la
jeunesse de Gertrude Pridgett n’est guère connue,
on sait qu’elle se produisait adolescente sur les
scènes du coin, mais c’est après son mariage avec
un musicien, Pa Rainey, qu’elle adopta son nom de
scène et, ensemble, ils commencèrent un numéro
de vaudeville/ minstrel/ music-hall où très vite, la
voix de Ma Rainey leur assura engagements et
cachets. Elle a raconté avoir un jour entendu une
chanteuse se lamenter du départ d’un homme et,
après avoir appris la chanson, la chanta ensuite sur
scène. Frappée de son succès, elle s’en inspira et
baptisa le genre nouveau du nom de “Blues”. Pas
sûr que les choses se soient exactement passées
comme ça, cependant ses contemporains ne lui
contestaient pas le titre, et l’immense Bessie Smith,
sa pote — elle a payé sa caution pour la libérer
après une trop folle nuit de fête — disait d’elle
qu’elle était la plus ancienne chanteuse de blues.
Hélas, les enregistrements de l’époque ne rendent
pas, techniquement, justice à sa voix, et c’est sans
doute une des raisons de l’oubli relatif dans lequel
elle est tombée, malgré sa centaine de titres dont
elle avait par ailleurs écrit ou coécrit près d’un tiers.
Oubliée, certes, du grand public et de la critique
jazz sexiste et snob, “trop noire, trop grosse, trop
démonstrative, trop libre, à la fois trop primitive et
trop commerciale” mais inspirant The Animals ou
Cindy Lauper et célébrée par Bob Dylan, James
Baldwin ou Allen Ginsberg, la Femme au Collier d’Or
— longtemps avant les rappeurs bling bling, elle,
elle portait un collier de dollars en or, simple, efficace —
mérite largement cette jolie biographie où Adrian,
comme toujours absolument maître de son sujet,
nous déroule le paysage rarement décrit du showbiz
balbutiant du début du XXème siècle, dans un Sud
raciste où deux mondes cohabitaient sans se ren-
contrer et où peu d’artistes noirs n’étaient pas
exploités. Ma Rainey sut endosser les mille casquettes
de son métier de chanteuse, patronne de troupes, de
théâtres, d’orchestres, a chanté avec les plus grands,
Bessie Smith, Louis Armstrong ou Sydney Bechet
et par son prisme, c’est toute une époque qui nous
apparaît, riche, complexe et tout à fait passionnante.
Ed Banger Records,
Une Histoire Des Musiques
Electroniques Françaises
Julia Pialat
Séguier
Alors, oui, bien sûr, l’électro, c’est pas trop le truc des
amateurs de rock en général, mais que celui qui n’a
jamais esquissé quelques dad moves sur du Daft Punk
Livres
par Agnes Léglise
nous jette la première rolling stone parce que, oui, que
l’on croit aimer ça ou pas, les musiques électroniques
ont conquis nos oreilles, elles sont partout dans les
charts, les pubs et toute la pop culture, mais le plus
dingue, comme l’écrivait joliment “Mixmag” en 1997,
c’est qu’elles sont venues de chez nous : “Cent ans
de merde comme Michèle Torr, Johnny Hallyday ou
Indochine (The Cure en débile) et, depuis un an, tout
d’un coup, un son fantastique avec du génie dans les
mélodies et un chic original qui plongent soudainement
le reste du monde dans l’ombre.” Bref, une révolution
française animée par une poignée d’enthousiastes
dont le célèbre Pedro Winter, fondateur du label
Ed Banger et principal sujet du livre de Julia Pialat
“Ed Banger Records, Une Histoire Des Musiques
Electroniques Françaises”. Et à la lire, une grande
partie de ce qu’on aime — aimait ? — dans le rock
y est aussi : les bandes de potes, la démerde, l’envie
de changements, “la revanche des underdogs” et une
liberté musicale totale. Simon Napier-Bell, le grand
manager british des années soixante à quatre-vingt,
dit que chaque mouvement musical s’accompagne
d’une drogue dédiée alors que Pialat nous rappelle que
si le sociologue américain Richard A Peterson impute
l’avènement du rock à la création de la télévision
et des postes radio, la French Touch est, elle, la
résultante du home studio ou “studio à la maison”,
deux thèses aussi valables que pas contradictoires
mais oui, sans aucun doute, la magique capacité
de faire de la musique chez soi a libéré une immense
créativité et d’extraordinaires possibilités impensables
jusque-là. “On doit faire des disques comme on vit
sa vie” disait le producteur Rick Rubin, et cette jolie
formule s’applique parfaitement à Pedro Winter et
sa bande d’allumés futés dont le parcours incroyable
mérite largement ce récit. Daft Punk, Boombass,
DJ Mehdi, Phoenix, Pharrell Williams, Quentin Dupieux
(Mr Ozio) Justice, Romain Gavras et même Kanye West
— généralement ridicule évidemment — nous montrent
ici comment faire de la musique autrement, et c’est
forcément intéressant. Touffu, parfois un poil ampoulé,
le livre est bourré de noms inconnus des fans de
rock mais pour une fois qu’on n’est pas des gros
ringards, instruisons-nous et profitons-en. o
JUILLET 2023 R&F 093
Festival

Levitation
France
27 et 28 mai, Chabada (Angers)
En passant de trois à deux jours, le festival a resserré
sa programmation pour le meilleur, avec une affiche
rock’n’roll et psychédélique qui a tenu ses promesses.

Zia fait le show

C’est sous une chaleur écrasante qu’a eu lieu
la dixième édition du festival psychédélique
angevin. Pour cet anniversaire, les choses
ont commencé sous de bons auspices avec
le trio krautrock électronique Meule, à
deux batteurs face à face sur une même
grosse caisse. Alors que le public s’amasse
désespérément dans les coins à l’ombre, les
Anglaises Lambrini Girls créent le premier
moment rock’n’roll avec un set erratique
mais fun durant lequel la chanteuse
invective les spectateurs et finit par jeter
sa robe dans le public. La suite sera plus
calme avec le set vaporeux d’Ulrika Spacek
et l’univers feutré de Forever Pavot. Alors que
Cloud Nothings semble lancé pour réveiller le
public, leur passage sera affecté par un acte
de malveillance qui coupe le son durant de
longues minutes. Heureusement, tout sera
rétabli pour Altin Gün qui fait danser
le public avec ses merveilleux grooves
anatoliens pour le meilleur concert du
samedi. The Psychotic Monks mettront un
terme à la soirée avec leur noise agressive
pour un concert clivant qui alimentera les
discussions le lendemain. Le dimanche
sera la meilleure journée des deux avec
les formidables Sylvie et leur douceur façon
Laurel Canyon, puis Triptides, étonnamment
funky, et les toujours excellents Tramhaus.
Grand moment ensuite avec Acid Dad, groupe
psychédélique new-yorkais délicieusement
heavy, avant Clamm à la brutalité punk tout
australienne et Porridge Radio qui emporte
les cœurs avec ses chansons à fleur de peau.
Arrivent alors les Dandy Warhols, dont on
s’interrogeait sur la capacité à embraser la
soirée. Leur concert sera une célébration
de la qualité de leur répertoire, avec des
versions hautement psychédéliques de titres
tels que “Boys Better” et les inévitables
“Bohemian Like You” et “We Used To
Be Friends”. Courtney Taylor, plus en voix
que dernièrement, fait le job, mais c’est la
claviériste Zia McCabe qui fait le show sur
scène. Les têtes d’affiche auront été à la
Photo Mickael Liblin-DR

hauteur ! Tandis que Madmadmad faisait

entrer la fête dans la nuit et l’électro, on se
disait qu’on avait assisté à une belle édition,
à la programmation pointue et rock’n’roll.
Eric Delsart Zia McCabe, The Dandy Warhols

95 R&F novembre 2020

Absolutely live
Héroïques frangins
A Different Kind
Festival
13 mai, Château de Quenet (Conches)
Olivier Rocabois ouvre la deuxième
édition de l’ADK, mission sur
mesure puisque, avec sa pop arty
gorgée d’harmonies et sa bonne
humeur, il installe l’atmosphère
idéale d’une fin d’après-midi pleine
de promesses. Et elles arrivent
avec Johan Asherton, sa voix grave
et sa folk élégante, aux accents de
violon venant pimenter la sauce.
On change d’ambiance avec Brisa
Roché et un set léger à base de
covers entre copines. La nuit tombe.
La température avec, mais pas la
qualité. Grant-Lee Phillips seul avec
une guitare nous embarque avec
ses compositions hypnotiques et
prépare le terrain à la tête d’affiche,
les Raveonettes, dont c’est l’unique
date en France. Le duo danois joue
son premier EP, “Whip It On”, dont
il fête le vingtième anniversaire
et noie le public sous des strobes
et un cocktail enivrant de ping-
pong vocal, de shoegaze et de rock
garage. Une poignée d’anciens
titres concluent un set intense et
une journée de festival à l’affiche
pointue qui mérite d’attirer un peu
plus de monde l’an prochain.
ISabelle Chelley
Bruce Springsteen
& The E Street Band
13 mai, Paris La Défense
Arena (Nanterre)
Alors qu’il nous avait habitués à
des concerts-fleuves où il donnait
l’impression de ne vouloir quitter
ni la scène, ni le public, Bruce
Springsteen mène désormais un
show de deux heures quarante
tambour battant. Fini les requests,
les set-lists surprenantes, l’invitée
sur “Dancing In The Dark”. Tout
est millimétré au détail près. Sans
doute la voix a-t-elle perdu de
sa puissance depuis la tournée
précédente, mais en gladiateur
expérimenté il sait y faire pour
contenter le public d’une salle
aussi vaste : des titres poignants
hantés par la mort alternent avec
les classiques “Backstreets”,
“Badlands” ou “Born To Run”.
Donnant une coloration soul,
pas moins de dix-sept musiciens
accompagnent le Boss — pas de
Patti à l’horizon. Une mention
spéciale à Jake Clemons au
saxophone qui fait honneur à son
oncle Clarence. Le fidèle E Street
Band se montre à la hauteur de
son meneur, un extraordinaire
performer qui aujourd’hui
prend soin de se ménager.
Charles fIcat
096 R&F JUILLET 2023
par Matthieu Vatin
Bruce Springsteen
& The E Street Band
Metallica
17 mai, Stade De France (Saint-Denis)
Placée au beau milieu du Stade
de France, la scène circulaire
surplombée par huit tourelles
d’écrans géants est immense. En
son cœur, le snake pit accueille
les quelque 1 200 privilégiés
qui peuvent croiser le regard
des Four Horsemen. Il fait
encore jour lorsque ces derniers
débarquent sur “For Whom
The Bell Tolls”, introduction
parfaite d’une set-list réfléchie
avec soin, où grands classiques
(“Nothing Else Matters”, “Sad
But True”) côtoient nouveautés
(“Sleepwalk My Life Away”,
“Screaming Suicide”) et pépites
jouissives en live (“Orion”,
“Master Of Puppets”). Un show
solide, mais pas encore tout à
fait rodé en ce début de tournée,
toutefois mieux appréhendé par
le groupe le second soir. C’est
James Hetfield, qui résume sans
doute le mieux cette double
date parisienne : “Ils sont vieux,
mais ils assurent encore !”.
Clara LEmaire
Ron Sexsmith
22 mai, New Morning (Paris)
Pour la date parisienne et
défendre “The Vivian Line”, le
Canadien a investi le club de
jazz et opté pour la formule en
solo à la guitare ou au piano.
L’occasion de découvrir une dix-
septième réussite dans la longue
carrière de ce brillant songwriter
mais aussi de réentendre une
vingtaine de ses standards
épurés mis en valeur par sa
voix douce au timbre souple
et mélancolique. L’homme au
physique de nounours reprend
“Ribbon Of Darkness” de son
héros Gordon Lightfoot, dédicace
“In A Flash” à Jeff Buckley et
Elliot Smith ou bouleverse avec
“Flower Boxes”, un poignant
hommage à un anonyme homme
à tout faire décédé soudainement
avec qui Ron s’était lié d’amitié.
Admirable conteur, le natif
de St Catharines, d’humeur
bucolique, agrémente chaque
titre d’une anecdote ou d’un
souvenir sans jamais agacer
un public révérencieux qui
absorbe toutes les mélodies
à la fausse simplicité mais à
l’évidence pure, avec adoration.
MAtthieu Vatin
Peter Gabriel
23 mai, Accor Arena (Paris)
Ça commence comme un feu de
camp scout avec les musiciens
assis en rond après un speech
de Peter sur une météorite, ça se
poursuit par un show hi-tech et
organique à la fois, avec un groupe
majoritairement jeune tournant
sur le beat martial du fidèle Manu
Katché (“Votre Parisien préféré !”)
rythmant des titres récents comme
“Panopticom” ou “I/O” ou des
classiques comme “Solsbury
Hill” et “Sledgehammer”, qui
concluent la première partie.
Après l’entracte, grande version
de “Don’t Give Up” avec en
Photo Michela Cuccagna
lieu et place de Kate Bush la
révélation de la soirée, la brillante
violoncelliste Ayanna Witter-
Johnson. Un doigt d’honneur
en 3D sur les écrans pendant
“Road To Joy”, un “Big Time”
qui fait boum et un final martial
mais intimiste avec “Biko”.
Olivier Cachin
The Lemon Twigs
25 mai, Trianon (Paris)
Quatre ans après son dernier
passage, le groupe de Michael et
Brian D’Addario a encore changé.
On y découvre Reza Matin à
la batterie (puis à la guitare)
et Danny Ayala, de retour, à la
basse, au clavier et aux chœurs.
Les quatre jouent des titres de
“Everything Harmony” et tout le
monde semble ébahi. Michael,
qui en faisait parfois beaucoup,
est d’une retenue remarquable,
au diapason de son grand frère
Brian, désormais équipé d’une
Gretsch 12-cordes. Tout est
parfait, magnifique, mélange
de maîtrise et de fraîcheur. Ce
répertoire, d’ailleurs, commence à
être dense, on y remarque une fine
reprise de “I’ve Got Something,
On My Mind” de Left Banke et
l’absence de “These Words”.
Michael se lance dans deux titres
acoustiques sublimes au rappel
de cette soirée parfaite, démarrée
avec les excellentes Tchotchke,
trio de New-Yorkaises dont le
premier album a été produit
par les héroïques frangins.
basile farkas
John Fogerty
31 mai, Seine Musicale
(Boulogne-Billancourt)
En première partie, Hearty Har, le
groupe de Shane et Tyler Fogerty,
nous replonge dans ce que devait
être l’ambiance de la baie de San
Francisco dans les sixties, garage
rock teinté de psychédélisme.
Fort heureusement, leur géniteur
a eu l’excellente idée d’en faire
son backing band, ce qui nous
vaut de retrouver le Fogerty
qu’on aime, se lançant dans de
fertiles impros, notamment sur
“Keep On Chooglin’”, et laissant
ses accompagnateurs s’exprimer.
Alors qu’il déroule son répertoire,
puisé, hormis quatre titres issus
d’albums solos, dans le catalogue
de Creedence, on réalise à quel
point ces mélodies sont gravées
dans la mémoire collective, son
seul rival en la matière étant Paul
McCartney. Dix-huit morceaux plus
tard, le rappel, “Rockin’ All Over
The World” suivi de “Proud Mary”,
arrive trop vite, beaucoup trop vite.
Pierre Mikaïloff
Steve Earle
2 juin, Café De La Danse (Paris)
Un colossal songwriter, un repenti
de la seringue et un acteur de
“The Wire” étaient réunis sur la
scène du Café De La Danse ce
2 juin. Cette trinité n’occupait
toutefois qu’une place réduite,
puisqu’un même crâne se trouve
sous toutes ses casquettes, celui
de Steve Earle, venu ce soir sans
ses Dukes. Malgré son répertoire
immense, Earle trouve tout de
même le moyen de faire de la
place à d’autres : pas de Townes
Van Zandt, mais du Jerry Jeff
Walker (“Mr Bojangles”, à
tomber), un morceau de son fils
disparu (“Harlem River Blues”),
et même du Shane MacGowan (“Je
chante ses chansons pour qu’on les
comprenne, parce que quand c’est
lui, on n’entrave rien !”). Moment
particulièrement saisissant : la
litanie des noms des vingt-neuf
mineurs tués lors du désastre de
l’Upper Big Branch à la fin de la
protest-song “It’s About Blood”.
Vianney G.
The Burnin’ Jacks
3 juin, Boule Noire (Paris)
Si, ce soir, Leo Messi faisait ses
adieux à la capitale, l’émotion
était bien du côté de Pigalle : les
Burnin’ Jacks, chevaleresque
quintette francilien, tiraient leur
révérence après quatorze ans de
rock’n’roll échevelé. Nos chers
gandins, parfois rejoints par
d’anciens membres, ont célébré
un copieux répertoire : des perles
aux effluves sixties (“My Baby’s
Straight”, “Waiting For The Day”),
un intermède honky-tonk (“Baby
Please Turn Round”), puis le
thermomètre monte sévèrement à
partir de “Bad Reputation”. Syd
Alexander, abdomen tagué au
rouge à lèvres noir, bondit micro
en main dans une foule extatique
qui le porte en triomphe, avant un
dernier acte totalement stoogien
(“I Wanna Be Your Slave”,
“In/ Out”, “Cheap Blonde”).
Comment se fait-il qu’avec autant
d’excellents titres et une telle
intensité scénique, les Burnin’
Jacks n’aient pas davantage
percé ? Le mystère reste entier.
Jonathan Witt
Le Tigre
11 juin, Trianon (Paris)
Un incendie féministe. Une
rébellion queer. Voilà à quoi
ressemble la reformation de
Le Tigre en 2023. Le triangle
américain — dont les idées
semblaient si révolutionnaires
au tournant des années 2000 —
n’a rien perdu de sa radicalité.
Seulement aujourd’hui, l’époque
est plus attentive à sa colère
(contre le capitalisme, les violences
sexuelles, les homophobes...). C’est
cette fièvre que Johanna Fateman,
JD Samson et Kathleen Hanna sont
venues inoculer à un Trianon plein
comme une huître. Dans la fosse,
des filles de tous les âges dansent.
Slamment. Ce soir, c’est leur soir.
Qu’importe si les riot grrrls se
prennent parfois les pieds dans
les câbles “On The Verge”, “Hot
Topic” ou “Deceptacon” mordent
encore jusqu’au sang. Ces synthés
criards, ces giclées de guitare,
cette fureur intacte, certains
appellent ça de l’electro. Nous,
on appelle ça une leçon de rock.
Romain Burrel
Galen Ayers
& Paul Simonon
11 juin, Maroquinerie (Paris)
En cette belle soirée de dimanche,
il y avait deux catégories de gens
impatients dans le quartier :
ceux pressés de voir le premier
concert parisien de Galen Ayers
et Paul Simonon, et ceux encore
plus nombreux à attendre la pluie
après une semaine de canicule
casse-bonbons. Comme le nouveau
duo glamour britannique ne fait
pas les choses à moitié, c’est sous
une pluie battante qu’a été donné
le coup d’envoi d’une prestation
aussi enthousiasmante que
rafraîchissante dans l’ensemble.
Entouré par les ex-membres de Big
Audio Dynamique, Leo Williams
à la basse et Dan Donovan aux
claviers, le set a consisté à
reproduire l’album tout en essayant
de garder la note juste. Ce qui n’est
pas chose facile quand on chante à
deux voix. Malgré quelques petits
pédalages dans la semoule, la
salle complète, d’où émergeaient
quelques porteurs de T-shirts
du Clash ravis de la reprise de
“Guns Of Brixton”, n’a pas eu
l’air de regretter d’être venue.
Géant Vert
JUILLET 2023 R&F 097
“LOUNA’S INTRO”, de Domi & JD Beck
(Apeshit-UMG Recordings), “A Memory That
Isn’t Yours”, de Louis Cole (Brainfeeder),
“Any Time Of Day” des Lemon Twigs
(Captured Tracks) : c’est la musique au comble
de l’enchantement, avec des changements
de tonalité insolents qui pulvérisent toute
la production en mode automatique.
“Je ne sais pas trop qui a décidé que le rock’n’roll
était une histoire de mecs à boots, à chapeau,
à bagues à tête de mort” : “Tuer Nos Pères Et
Puis Renaître”, par Adrien Durand (Le Gospel,
12 €), le livre le plus stimulant depuis des lustres
sur le rock et la société d’aujourd’hui. Entre
pensées, souvenirs, choses vues, instantanés (au
niveau du vécu, comme on disait vilainement
naguère), l’auteur, qui connaît l’industrie
musicale de l’intérieur, raconte la vedette
déclinante, triste patachon qui continue de
maltraiter son admirateur-tourneur, ou ce
spectateur qui fait tomber le mur d’enceintes
du concert sans instruments d’un performeur
bidon, avec cette justification : “Je n’aimais
pas la musique donc j’ai voulu l’arrêter”.
Il y a aujourd’hui chaque année en France
8 000 festivals de musique, et un paquet de grosses
machines bien huilées (dont quelques combinards,
à la manœuvre sur l’impôt streaming, abuseurs de
bénévoles et d’aides publiques). Ça n’a pas toujours
été le cas, pour des raisons précédemment évoquées
ici, notamment l’acharnement de grand-bourgeois
maoïstes qui, en prônant la gratuité de la “musique
pour le peuple” et la resquille généralisée, coulaient
des organisateurs, amateurs passionnés (et souvent
authentiques prolétaires, eux), qui trimaient ensuite
des années pour rembourser les dettes. C’est à
partir du festival Elixir, été 1979 dans le Finistère,
que les choses ont commencé à évoluer. Créé à
l’initiative de deux jeunes agriculteurs, Jean-Paul
et Pierre Billant, et de Gérard Pont, libraire à Brest
(cf. “Mes Disques A Moi” du mois dernier), Elixir
a été le premier grand rassemblement sur le
territoire national qui s’est bien terminé. “Le
Jour Où Les Clash Sont Venus Chez Nous”, de
Gérard Pont et Olivier Polard (GM Éditions, 35 €),
raconte l’itinéraire de passionnés qui ont ensuite
essaimé aux Vieilles Charrues (Jean-Philippe
Quignon) ou aux Transmusicales (Jean-Louis
Brossard), avec une iconographie superbe.
Le collectif Speak To Me, qui rassemble des
passionnés de Pink Floyd, publie “1969 Tous
Azimuts” (15 € chez Parallèles et au Souffle
Continu, en VPC à editions-stm.fr) : tout sur PF
et son époque cette année-là, avec des articles qui
pourraient apprendre bien des choses aux membres
du groupe eux-mêmes, du mystérieux Azimuth
Co-ordinator (un panoramique sur 4 canaux
avec deux joysticks, utilisé pour mettre le son en
espace), aux masters perdus de “More”. Il manque
juste, au chapitre sur le Festival d’Amougies, une
page sur la façon dont le groupe et son manager
Steve O’Rourke ont planté pendant quarante
ans la sortie du film de Jérôme Laperrousaz et
Jean-Noël Roy. Pour le prochain millésime ?
“Elle avait déjà remarqué ce nouveau tic qui
consistait à mettre ‘mon’ devant un prénom
masculin. Partout des ‘mon Cyril’, ‘mon Théo’,
‘mon Thomas’, parfois c’était le doublé, le billet
direct vers le jardin d’enfants : mon + un surnom.
‘Mon Titi’, ‘mon Franssou’, ‘mon Patoche’. Sans
parler de l’italianisation du prénom, un grand
classique du trentenaire qui se rêvait en bras
droit de Don Corleone…” : quelques artistes
parviennent à nous donner l’impression, en
concert, d’être encore meilleurs que la dernière
fois. A chaque livre, Jean-Pierre Montal met la
barre un cran au-dessus. Construction, sensibilité,
vision, “Leur Chamade” (Séguier, 20 €) est un
Roman de Grande Hauteur, 33 étages en surplomb
des normes. Montal sort aussi “Soudain La Pluie”,
avec son groupe Les Mercuriales, du très bon
post-rock contre-cool. Quand je pense que la
rédaction de Libé avait refusé de déménager
porte de Bagnolet dans ces tours sublimes,
maintenant ils crèchent dans le même immeuble
que BFM, avec un actionnaire à la fortune
indexée sur le cours du charbon (écologie
bien ordonnée commence par soi-même).
Dans Libération, justement, “Roadies et
techniciens : l’armée des ombres derrière la scène”,
un excellent article d’Olivier Pernot, donne la
parole aux travailleurs essentiels du spectacle,
manutentionnaires, monteurs d’échafaudages ou
de ponts lumière. L’inflation du prix des billets
et la mousson d’argent public qui se déverse sur
certains organisateurs n’ont pas profité à tout
le monde, avec des conditions qui évoquent
le BTP des années soixante. Isabelle Farina :
“Les roads n’ont jamais de loges, et encore
moins de chambres d’hôtel. Nous n’avons même
pas de douche à disposition, et souvent des repas
a minima. Et il faut apporter son propre matériel,
ses gants, son casque, ses chaussures de sécurité,
son marteau. Certains producteurs nous donnent
une prime outillage : un euro par jour. Pas plus.”
“Comme la météorite/ Qui pénètre l’atmosphère/
Se déshabille sans fin/ J’aimerais perdre des plumes/
Des atours qui freinent l’air/ Pour n’être plus
qu’essentiel/ Et aller droit dans la cible” : Arthur
Navellou n’a pas seulement une des voix les plus
incroyables qu’il m’ait été donné d’enregistrer,
il publie un nouveau recueil de poèmes,
“Tenir Debout” (Le Castor Astral, 9,90 €).
Des plumes, Ari Boulogne n’a cessé d’en perdre.
Il y a un peu plus d’un an, j’étais allé le voir, à la
demande d’Andrew Loog Oldham, qui n’arrivait
pas à le joindre. Je ne suis pas certain que les
modeux qui se piquent de bohème rock auraient
apprécié la déco minimaliste du gourbi : un
canapé en ruine, la télé bloquée sur une chaîne
d’info, ambiance “Panique A Needle Park”
— tanière de sniper à Sarajevo. Derrière la porte,
des hurlements. “Il arrive” : sa compagne et son
fils tentaient de maintenir une impression de
normalité. Les cris continuaient. Ambiance
de tristesse, de souffrance et de misère. Après
vingt-cinq minutes, il avait déboulé, efflanqué,
agité, en très mauvaise santé, jeune vieillard
claudiquant. Comment faire pour l’aider ? Sa
mère, Nico, avait signé des chansons célèbres,
les royautés n’avaient pas l’air de lui parvenir.
Je laissai mon numéro, c’est toujours plus facile
de se démener pour les autres auprès de la Sacem,
des maisons de disques et des Organismes de gestion
collective que de le faire pour soi. Il n’a pas rappelé.
Partout, on me répondait qu’il s’agissait d’un
cas désespéré. Désespéré, c’est le mot.
Téo Laverre, lui, n’était pas désespéré. Il allait
avoir 27 ans. Il étudiait la musicologie à Lyon
et travaillait dans une épicerie solidaire. Didier,
son père : “Il est décédé le 25 mars, certainement
des suites d’un coma diabétique. Il a été retrouvé
chez lui à la suite de nos appels téléphoniques aux
pompiers et à la police. Son diabète de type 1 s’est
déclenché il y a trois ans et demi. C’est une maladie
exigeante, qui demande un suivi précis, attentif et
sérieux. C’était difficile pour Téo, il voulait vivre
comme les autres jeunes. Il vivait seul, éloigné
de sa famille, dans un logement pour étudiant.
Il était guitariste, un bon guitariste de rock. Il
jouait beaucoup, au sein de plusieurs groupes.
Sa passion était la musique, le rock, le metal et
Gojira. Il me disait toujours qu’il aurait souhaité
vivre dans les années 70, les années des grands
groupes tels les Who, Led Zeppelin, Pink Floyd.
Lorsqu’il était jeune ado, je l’avais emmené voir
Deep Purple pour son premier concert, puis
Alice Cooper, Saxon… Récemment, c’est lui
qui m’avait fait découvrir Dream Theater.
C’était une belle personne, très aimante et solidaire
de beaucoup de causes humanitaires. Il avait fait
le choix de devenir végétarien pour s’opposer au
développement des élevages intensifs et contre
la cruauté que l’on fait subir aux animaux.
Beaucoup de jeunes artistes résident dans
Photo Bruno Berbessou
son quartier des pentes. Mais ce sont pour
la grande majorité des jeunes sans argent,
des jeunes éprouvés par la dureté de la vie.”
“So long I’ve been trying to match” :
Gojira, “L’Enfant Sauvage”. o