FEVRIER 2019

ROCK&FOLK N°618 ★ FEVRIER 2019 ★ ERIC CLAPTON

N°618 / 6,50 € / MENSUEL

BEL 7,15 € / SUISSE 11,30 CHF
LUX 7,15 € / PORTUGAL CONT 7,40 €
CAN 11,30 $ CAN / ITA 7,40 €
DOM 7,40 € / N CAL (S) 975 XPF
POL (S) 1090 XPF /ESPAGNE 7,40 €
ILE MAURICE 7,40 €
L 19766 - 618 H - F: 6,50 € - RD
Edito

L’homme aux
1000 visages
Il y eut ce film “Man Of A Thousand Faces” en 1958.
James Cagney y interprétait une vie romantisée de Lon Chaney.
Expliquant par l’enfance et des parents sourds l’obligeant à user
du mime pour communiquer, comment il allait devenir l’acteur
muet et grimé, le Fantôme de l’Opéra, Mr Wu, Quasimodo,
Alonzo, le lanceur de couteaux... cet Homme aux 1000 visages.
Par l’enfance, oui. Pour Eric Clapton, celle-ci fut âpre, compliquée
et forcément déterminante. A cause de mensonges d’adultes,
comme souvent. L’incitant à se réfugier dans la musique comme
d’autres dans la poésie, la peinture, le football. Ecoles des prodiges.
Des délinquants, aussi. Ce sont parfois les mêmes.
Un documentaire sort ces jours-ci et raconte cela.
Validé par Clapton.

Eric Clapton... ce type aussi a eu 1000 vies et 1000 visages.

Il est parfois même difficile de le reconnaître. Cheveux ras, sixties,
Yardbirds et bluesman blanc. Plus tard, coupe afro, tunique
indienne, cape de velours, cuir, moustache, barbe, mince puis
légèrement bouffi, coupe d’épagneul, salopette, chemisette,
jeans larges... seul dénominateur commun, cette propension
à jouer de la guitare en fermant les yeux.
Slowhand, God... cette manie que notre musique a de surnommer
ses héros. Ses super-héros plutôt, car il est souvent question de roi,
de duc, de prince, on le sait. Là, il s’agirait de Dieu. Rien de moins.

En fait, difficile de le reconnaître, enfin que le grand public le

reconnaisse de manière formelle, avant les années unplugged
pour faire vite, les années respectables si l’on peut dire, et c’est
là que l’homme devient fascinant. Au-delà de sa musique.
Car c’est précisément à ce moment, où son art devient moins
important, que lui devient mondial. Paradoxe. L’histoire a retenu
le maître d’école, le look de chirurgien de clinique privée ou
de radiologue comme on veut. Barbe de quelques jours, poivre
et sel forcément et lunettes cerclées métal (le matériau).
L’homme en costume Armani, manches de veste relevées,
yeux toujours fermés, un type bien, quoi, qu’on écoute
les yeux... fermés.
Mais c’est oublié qu’il fut tout le contraire. Accro à peu près
à tout, alcoolique, piquant la femme des potes, suicidaire comme
d’autres rockers de son temps et qui ne passèrent pas, eux, entre
les gouttes (la liste est connue). Mais Clapton n’élude rien dans ce
“Life In 12 Bars”, c’est même la période sur laquelle il s’attarde,
qu’il commente sans concession, comme pour rétablir la vérité,
comme la confession ultime d’un homme à l’automne de sa vie.
De lui, c’est la version adulte que l’histoire commune semble
avoir retenue. Celle de ce type capable de se faire construire
par Ferrari un modèle unique, rien que pour lui. Cette incarnation
du rock que l’on va entendre et plus vivre. Le début de la fin.
Jouant soir après soir devant un public qui, pour une part, ne
connaît pas son œuvre noire. Celle de celui qui, comme d’autres,
a pactisé et comme certains s’en est sorti. Réalisant cette
chose impossible pour Oscar Wilde, “racheter son passé”.
VINCENT TANNIERES

FEVRIER 2019 R&F 003

 Sommaire 618
Parution le 20 de chaque mois
Mes Disques A Moi
Thomas E. Florin EVA IONESCO 12
Prospect
Thomas E. Florin BRACE! BRACE! 16

Photo Stephanie Neil-DR

TALLIES 18
Alexandre Breton

Tête d’affiche
TOY 20
Basile Farkas
56 The Dandy Warhols
Olivier Cachin THE PRODIGY 22
Basile Farkas JESSICA PRATT 24
Joseph Achoury Klejman ARCHITECTS 26
Eric DelsartBIRTH OF JOY 28
Alexandre Breton REQUIN CHAGRIN 30
En vedette
BUZZCOCKS 32
Stan Cuesta

JEFF TWEEDY 36
Léonard Haddad

JOE JACKSON 40
Olivier Cachin

THE SPECIALS 44
Nicolas Ungemuth

JIMMY PAGE 50
Jonathan Witt

Danny Boy THE DANDY WARHOLS 56

En couverture
www.rocknfolk.com Jonathan Witt ERIC CLAPTON 62
La vie en rock
Patrick Eudeline ROCK’N’ROLL & PUBLICITE 70
COUVERTURE PHOTO : ROBERT KNIGHT/ REDFERNS/ GETTY IMAGES GRAPHISME : FRANK LORIOU 62 Eric Clapton
RUBRIQUES EDITO003 COURRIER006 TELEGRAMMES010DISQUE DU MOIS075DISQUES076 REEDITIONS084REHAB’088 VINYLES090DISCOGRAPHISME 092
QUALITE FRANCE 094 HIGHWAY 666 REVISITED 096 BEANO BLUES 098 ERUDIT ROCK 100 FILM DU MOIS 102 CINEMA 103 SERIE DU MOIS 105
DVD MUSIQUE 106 BANDE DESSINEE 108 LIVRES 109 AGENDA 110 LIVE 112 ROCK’N’ROLL FLASHBACK 113 PEU DE GENS LE SAVENT 114

Rock&Folk Espace Clichy - Immeuble Agena 12 rue Mozart 92587 Clichy Cedex – Tél : 01 41 40 32 99 – Fax : 01 41 40 34 71 – e-mail : rock&folk@editions-lariviere.com
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Courrier des lecteurs
On dirait ma mère...
Illustrations : Jampur Fraize
Lettre authentique
Salut, Rock&Folk, c’est vingt-cinq ans
d’une amitié indéfectible. Rock&Folk,
c’est parfois se taper plusieurs
crémeries pour pouvoir l’acheter
en kiosque. Rock&Folk, c’est avoir
quarante-cinq ans et se rendre compte
qu’en plus d’être casse-couille, on
devient presbyte : ça allonge les bras
pour le lire dans son lit ! Rock&Folk,
c’est pouvoir faire chier tes ex qui se
foutaient de ta gueule des couv’ classic
rock en leur envoyant les photos des
nouvelles : du sang neuf, c’est toujours
bon ! Rock&Folk, c’est tomber sur des
pépites qu’aucun autre magazine ne
chronique : Highway 666 Revisited,
Erudit, Beano, Réhab’ et j’en passe...
Rock&Folk, c’est aussi du cinéma et
vive Mr Lemaire ! Rock&Folk, c’est
vous&nous contre le reste du monde.
Let’s rock, Folks !
J ! MULHOUSE
Encore 16 ans
Etre rock en décembre 2018 c’est
apprendre le décès de Pete Shelley en
lisant Rock&Folk... et ne toujours pas
savoir ce qu’on va faire de sa vie...
JACQUE M
Du pétrole,
des idées
Hausse du carburant à la pompe ?
Playlist : Ash — “Petrol” ; Metallica —
“Fuel” ; Neil Young — “Fuel Line” ;
Rod Stewart — “Gasoline Alley” ; Eric
Clapton — “Peaches And Diesel” ;
The Beach Boys — “Cabin Essence”.
BETTINA
006 R&F FEVRIER 2019
Libre expression
En ces temps de biopic triomphant,
de remise à zéro artistique pour cause
de vibrante nostalgie, d’une forme très
désagréable de consensus général,
et de la disparition de toute opinion
tranchée au nom du marketing global,
peut-on encore dire que ce groupe,
Queen, est totalement insupportable ?
Peut-on encore dire que leur musique
était à l’époque et est toujours une
souffrance absolue à écouter ? Peut-on
encore dire que leurs hymnes rock
(si c’est ça le rock, je comprends les
jeunes qui n’écoutent que du rap... )
sont juste laids et sans once de
classe ? Et que leur look (ressortez
votre R&F de février 2018 et admirez la
photo double page... ) était encore plus
laid et sans classe que leur musique
(ben si, c’est possible !) ? Bref, je ne
sais pas si on peut encore le dire, mais,
hum hum, cela fait du bien de l’écrire !
BRUNO SWINERS
La bande-son
de la révolution
En ces temps troubles et revigorants,
il peut être bénéfique de redécouvrir
The Yellowjackets et son évolution !
LAURENT BOURELLY
La cinquième
Ramone
Alors Pete Shelley est mort... Et Mireille
Mathieu est toujours vivante... C’est
dégueulasse... Merci pour tous ces
bons moments Pete, où que tu sois.
J’écoute en boucle “You Say You Don’t
Love Me” une des plus belles chansons
qui aient été écrites et j’ai de la peine...
GM
L’Angleterre des
ronds-points
Repeindre un sous-marin jaune
était déjà un acte subversif.
PATRICK MOALIC
Deux visions
Elvis Costello, Steve Jones. Deux
profils, deux types d’allure, deux styles
rigoureusement opposés. Il n’y a
qu’à comparer leurs bouquins.
D’un côté Costello, homonyme d’Elvis,
volontiers critique, cérébral, apôtre d’un
divertissement raffiné, ambassadeur
consensuel (à la Maison Blanche
d’Obama), mélomane polymorphe
adoubé par ses pairs prestigieux (Dylan,
McCartney, George Jones, Allen
Toussaint, The Roots...). Costello et
son “costume à sept livres”, son petit
ampli Vox posé sur l’oreiller “crétin
romantique” autoproclamé, à la
mémoire encyclopédique, exhaustive,
au style soutenu, voire enrobé,
bavard : celui qui joua sur l’ancienne
Rickenbacker de George Harrison et
vénère les accords de septième majeure,
sixième mineure et les accords diminués
issus des songbooks de chansons
des Beatles. Jamais avare de bons
sentiments. Sa formule définitive :
“C’est de la musique pop, mais pas
du Cluedo”. Son principal fait d’arme
subversif : avoir interrompu en direct
durant le “Saturday Night Live” la
chanson “Less Than Zero” après
en avoir chanté seulement les deux
premiers vers, avant de s’excuser
auprès du public et d’enchaîner,
contrairement à ce qui était prévu, sur
“Radio Radio”... De l’autre côté, j’ai
nommé Steve Jones, fan d’Elvis, frontal,
brut et tranchant, épouvantail à rupin
par excellence, non-consensuel,
non-politiquement correct, instinctif,
primitif aux anecdotes licencieuses,
à la mémoire partielle, trouble, limitée.
Steve Jones le hors-la-loi, avec son
matos barboté à l’Hammersmith
Odeon, à Bowie notamment, ses forfaits
criminels, ses loques façon filet de
pêche dépenaillées, mouchoir noué
sur ses tifs incoiffables, son esprit
chevaleresque, sa dévotion rock’n’roll
légendaire (97ème plus grand guitariste
de tous les temps ! selon Rolling Stone).
Lui qui joua sur la Gibson Les Paul de
Sylvain Sylvain, celle avec “les décalcos
efféminées” (Chrissie Hynde) de pin-up.
Abhorre ces “saletés d’accords de
septièmes et de onzièmes à la Beatles”.
Fuit les sentiments. Héros d’un face-à-
face historique avec l’animateur télé
Bill Grundy. A l’effarement de Costello :
“On aurait cru que la civilisation vivait
ses dernières heures !”.
DESIRE DUROY
Platiste
La drogue ça fait faire de
grands disques mais aussi dire
que la terre est plate.
STEVE LIPIARSKI
Exception
culturelle
Louis Bertignac qui adapte “Won’t Get
Fooled Again” en “Ma Gueule”,
gageons que Pete Towshend lui-même
serait d’accord : il vaut encore mieux
entendre ça que d’être sourd.
ROOM WHERE
THE LIGHTS SHINES THROUGH
Classic rap
D’après Philippe Manœuvre, il y aurait
un rejet général du rock et c’est le
hip hop qui tiendrait le haut du pavé.
A mon avis, c’est encore plus terrible.
Et le hip hop, comme le rock avant lui, a
été englouti, dévoré, avalé, phagocyté,
par les mass-media qui l’ont recraché,
exsangue, vidé de toute substance
et de tout contenu. Bon, déjà, votre
banquier ou n’importe quel contrôleur
de train porte une boucle d’oreille.
C’est rock ? En hip hop, mais où sont
passés les grands disques d’antan ?
Avec les samples astucieux de De La
Soul ? Avec les scratching furieux
de Terminator X de Public Enemy ?
Et les relances rythmiques fabuleuses
de Snoop Dogg, on les retrouve où,
désormais ? Et le flow génial d’aisance
d’un Eric B., on l’entend où de nos
jours ? Car pour le grand public, qui
se contrefout autant du hip hop que
du rock, qui n’a que faire de savoir que
le rap est une évolution somme toute
bien naturelle de la musique noire
américaine, on n’a gardé que les
aspects les plus évidents et les
plus faciles, jusqu’à la caricature. Le
gamin d’aujourd’hui s’extasie donc
sur une petite mélodie bien maigrelette
fomentée sur un ordi de base avec
un rythme des plus basiques et une
voix auto-tunée qui ahane des propos
incertains et simplistes, pour ne pas
dire ridicules. C’est plus de la musique,
c’est du tag ! En même temps, c’est
parfait pour le crachouillis que génèrent
les portables. Mais dire que je pensais
qu’on avait touché le fond avec l’arrivée
du slam... Passez à ce même gamin un
album de rap de ceux que j’ai nommés
plus haut. Il y a de fortes chances pour
qu’il se passe bien trop de choses
pour le pauvre petit qui se retrouvera
totalement largué, comme s’il écoutait
du jazz, quoi ! Tout cela est à l’image
bien tristounette de notre époque
chagrine. En attendant, Ungemuth
nous a signalé une salve de rééditions
de Hoger Czukay. En voilà une musique
à la fois audacieuse et ludique, même
après toutes ces années. L’antidote
parfait à la médiocrité ambiante. Et de
quoi rebondir pour le futur. Car c’est
quand on est au fond du trou qu’on
peut vraiment rebondir, non ? Faudra
bien repartir un jour, de toute façon,
restons optimistes.
BEN KENNEDY
008 R&F FEVRIER 2019
En apnée
dans le jazz
Réponse au fidèle lecteur né au
numéro 332. Depuis quelques
années, après plus d’un quart de
siècle d’immersion en apnée dans
le jazz, je (re)-découvre le rock...
Et face aux aléas de la vie, c’est bien le
rock qui, tous les jours, me maintient à
flot, par son énergie brute, sa douceur,
sa folie, ses caresses ou parfois sa
violence, dans sa sophistication ou sa
simplicité... Alors oui, certaines pierres
pourraient s’arrêter de rouler... mais
“faire valser le manuel d’histoire” ?
Grave erreur... L’histoire est nécessaire
à la compréhension du monde. Poncif
éculé, peut-être, mais tellement vrai !
Et ça vaut également pour le rock !
Tourner le dos au passé, oublier
tous ces musiciens, ces groupes, ces
pépites, connues ou confidentielles,
dont fourmillent les décennies
passées ? Résolument non ! D’ailleurs,
les musiciens d’aujourd’hui ne s’y
trompent pas : il suffit de voir à
quel point le rock des années 1970
imprègne celui d’aujourd’hui...
“Le rock, c’est une histoire de
jeunesse”. C’est vrai... Mais tous les
vieux musiciens, les vieux groupes, ont
commencé jeunes ( ! ). Leur musique
regorge de fraîcheur, il suffit de se
plonger dans leur discographie pour
prendre un bain de jouvence... mais
peut-être que ce coup de gueule
n’est, de la part du fidèle lecteur né
au numéro 332, qu’une... erreur de
jeunesse ? Chers Rock&Folk, vous
faites œuvre de salubrité publique !
Ne changez rien et longue vie à vous !
2XNU (fidèle lecteur né quelques mois
à peine après Rock&Folk)
Audacieuse théorie
Janvier 2019 au sommaire (entre
autres) : Bertignac qui revisite son
adolescence, Kate Bush qui revient
sur sa carrière, les inoxydables Stones,
la voix de Roy Orbison, Yoko Ono...
Dans les chroniques de disques : le
retour tant espéré de l’Amiral, le
disque de noël de Slowhand, les
come-back (voire d’outre-tombe) de
Young, Morrison, Bashung, Boy George.
Le rock avancerait-il en 2019 sous
l’étendard de la nostalgie ?
SAM
L’Amiral
cinq étoiles
Bonjour, Eric Dahan serait-il pote
avec Polnareff... !? Donner cinq étoiles
(suis-je né) à son disque... ! Enfin, moi
je trouve ça un peu trop généreux...
Ou peut-être qu’Eric l’a écouté (en
musique de fond) lors d’un cocktail
à la rédaction ? Les étoiles de la piste
scintillent beaucoup moins depuis...
“Le Bal Des Lazes”... M’enfin !
Meilleurs vœux à tous.
SYLVAIN
Concept
Vu le nombre d’albums de reprises
par des groupes/ chanteurs au cours
de l’histoire de la musique pop, rock,
metal, punk et autres, j’ai décidé de
créer un groupe qui ferait uniquement
des reprises de reprises. Dans
cinq albums, on sort un best of des
meilleures reprises, et dans dix ans,
des gens reprendront nos reprises.
Dans quinze ans, nous serons séparés,
et on verra circuler des tribute bands à
notre groupe de reprises de reprises.
J’ai déjà le nom The Repreneurs.
PUNK80S
A message
to you Rudy
Bonjour, une petite missive pour
réagir à la publication dans le courrier
des lecteurs du numéro de décembre
d’une lettre rédigée par monsieur
Rudy Rioddes. Ca commence par
une citation de King Tuff, pour illustrer
le péril numérique (tout le monde
devant son smartphone, personne
ne regarde vraiment, gnagnagna).
On dirait ma mère... Ensuite, je cite :
“les grands cataclysmes rock
n’existent plus, pour ceux qui de nos
jours pensent être là sans y être et en
même temps être là-bas alors qu’ils n’y
sont pas physiquement...” Alors là, je
comprends pas. C’est quoi “y être” ?
Je suis né en 1973, donc : pas d’Elvis,
pas de Beatles à la Cavern ou à
l’Olympia, pas de train RTL pour aller
voir les Stones à Bruxelles, pas de
Sex Pistols au Chalet du Lac, pas de
Joy Division aux Bains Douches, etc.
Pourtant, quand à l’âge de dix ans, j’ai
écouté pour la première fois dans la
voiture du père d’un copain, devenu
depuis mon ami, le “20 Greatest Hits
From The Beatles” (l’ancêtre de
la compilation “1” sortie en 2000),
je peux vous dire que “j’y étais”. Et que
j’y suis toujours. Et que c’est pas la
peine d’invoquer Ray Davies pour
stigmatiser internet et la mort du rock.
Des 0 et des 1 ne détruiront pas
“Waterloo Sunset”. Bien à vous.
A. COULON
Ecrivez à Rock&Folk,
12 rue Mozart
92587 Clichy cedex
ou par courriel à
rock&folk@editions-lariviere.com
Chaque publié reçoit un CD
Télégrammes PAR YASMINE AOUDI

JOAN BAEZ WAYNE COYNE LAMBCHOP

“Sans la L’Américaine, pour sa tournée
d’adieux, sera à l’Olympia (Paris)
Le cerveau des Flaming Lips
a épousé sa compagne, la
Kurt Wagner et son groupe
reviennent avec “This (Is What
Sacem, nous pour 5 dates en février, les 3,
5, 6, 12, et 13 et au Palais de la
chanteuse Katy Weaver dans
la bulle de plastique géante,
I Wanted To Tell You)”. Le
disque sortira le 22 mars, avant un
ne serions Musique (Strasbourg) le 15. Elle accessoire des concerts du concert à la Maroquinerie (Paris)
rien ou se produira au festival Guitare
En Scène (Saint Julien En
groupe. Le couple a annoncé
attendre son premier garçon.
le 23 avril, et aux Nuits
Botanique (Bruxelles) le 28.
presque rien. Genevois) le 13 juillet, et le
15 au Festival de Carcassonne.
Des Gilets CARL BARÂT
Jaunes” L’Anglais sera de passage
à Paris le 2 février pour assurer
RENAUD un DJ set au Supersonic, dans
le cadre d’une nuit indie rock.

ANIMAL COLLECTIVE
La faction rock expérimentale
de Baltimore célèbre les
10 ans de son très populaire
“Merriweather Post Pavilion”.
Pour l’occasion ont été concocté
des bonus sonores et visuels
disponibles sur internet.
KEREN ANN
“Bleue” est le nouvel album de
la chanteuse pop. Ecrit, composé
et réalisé par ses soins de bout
DAVID BOWIE
Pour marquer ce qui aurait été le
72ème anniversaire du blanc fin
duc, Parlophone publiera un
coffret vinyles “Spying Through
A Keyhole” au printemps. Il
rassemblera, en neuf 45 tours,
autant de démos inédites.
NENEH CHERRY
Après avoir joué au Café
de la Danse, publié un nouvel
album “Broken Politics” fin
2018, l’interprète de “Buffalo

Photo DR
en bout et chanté en français, Stance” revient à Paris le Niki Demiller
il sera commercialisé le 15 mars. 28 février au Trianon.

NIKI DEMILLER MARILYN MANSON

L’ancien leader des Brats a publié
“L’Aventure”, nouvel EP pop
illustré par un clip très western
pour trader signé Alexis Barbosa
HIGH ON FIRE
Le trio heavy metal a déclaré forfait
pour sa prochaine tournée. En cause
l’amputation partielle d’un orteil
dû au diabète de son leader Matt
Pike, qui risque d’y laisser son
gros orteil s’il ne lève pas le pied...
INTERZONE
Serge Teyssot-Gay et Khaled
Al Jaramani sortiront leur
nouveau projet “Kan Ya Ma
Kan” le 1er février. Ils seront en
tournée à travers l’Hexagone
pour le défendre.
KISS
Le groupe grimé de New York
sera en tête d’affiche de la
quatorzième édition du festival
Photo Bouchra Jarra-DR
Brian Hugh Warner a
célébré son demi-siècle au
Madame Siam de Los Angeles
entouré de Courtney Love,
Karen O (Yeah Yeah Yeahs),
Jonathan Davis (Korn)
le 5 janvier dernier.
Condoléances 
Daryl Captain Dragon (Captain
& Tennille), Dean Ford (chanteur
du groupe pop écossais
Marmalade), Penny Marshall
(réalisatrice américaine, actrice
dans “Happy Days”), Miucha
(reine de la bossa nova
brésilienne), Joe Osborn (bassiste
du Wrecking Crew), Maria
Pacôme (actrice), Steve Ripley
(guitariste de Bob Dylan, JJ Cale
et leader des Tractors), Ray
Sawyer (chanteur du Dr Hook
& The Medicine Show), Thierry
Séchan (écrivain, parolier et

Hellfest, les 21, 22 et 23 juin frère de Renaud), June Whitfield

prochains. Aux côtés de ZZ Top,
Tool, Lynyrd Skynyrd, Gojira...
Keren Ann
(actrice anglaise, “Absolutely
Fabulous”), Pegi Young
(chanteuse américaine et
ex-femme de Neil Young).

010 R&F FEVRIER 2019

 MERCURY REV
Le groupe des Catskills
annonce sa propre version
de l’album “The Delta Sweete”
de Bobbie Gentry avec les
contributions de Norah Jones,
Hope Sandoval, Margo Price,
Beth Orton... Sortie le 8 février.
MORZINE-AVORIAZ
HARLEY DAYS
Du 11 au 14 juillet se tiendra
ce festival cher aux motards.
Supertramp’s Roger Hodgson
(concert gratuit le 12),
Rockbox Symphonic Orchestra,
et Manu Lanvin And The Devil
Blues sont au programme.
MOZES
& THE FIRSTBORN
Les compères psyché
hollandais sortiront “Dadcore”
le 25 janvier et en joueront
sans doute quelques extraits au
Supersonic (Paris) le 11 mars.
PETER MURPHY
L’ex-chanteur de Bauhaus,
apparemment saoul, s’est fait
expulser de son propre concert
à Stockholm suite à un lancer
de bouteilles sur son public.
Photo Loius Teran-DR
NOTORIOUS BIG
Le rappeur donnera son nom à
une rue de Brooklyn. Décision
prise par le conseil municipal
de New York, à l’unanimité.
Ont également été votées
l’inauguration d’un Wu-Tang
Clan District à Staten Island
et d’une Woody Guthrie
Way à Coney Island.
AXL ROSE
“Rock The Rock”, un nouveau titre du leader des Guns N’Roses
apparaît dans la nouvelle saison de “Looney Tunes”.
PEARL JAM
Le gang a décidé de
supprimer le Ten Club Single
Serie en ce début 2019.
Depuis 1991, les membres
du fan club se voyaient offrir
chaque année un single exclusif.
L’envoi du colis était
devenu trop irrégulier.
Photo DR
Jo Wedin
PLEASURES
Les quatre rockers marseillais
assureront le show sur la scène
du Paloma (Nîmes) le 12 février
avec This Is A Love Night
et The Morlocks, et le 20
au Gai Pêcheur (Toulouse).
QUEEN
Rami Malek, l’acteur qui
interprète dans “Bohemian
Rhapsody” le rôle du leader
de Queen, a dédié son Golden
Globe de meilleur acteur à
Freddie Mercury. Le film, plus
gros succès pour un biopic
musical, frôle les 4 millions
d’entrées en France.
KEITH RICHARDS
Le guitariste des Rolling
Stones a révélé avoir ralenti
sa consommation d’alcool.
Régime actuel : un verre de vin
ou une bière de temps en temps.
SNOW PATROL
De retour en France, les
Britanniques soutiendront leur
récent “Wildness” au Zénith
de Paris le 23 janvier.
LEE SCRATCH PERRY
“The Revelation Of Lee Scratch
Perry” est le documentaire du
savant fou du reggae consacré à
son album “Revelation” (2010).
Il paraîtra en DVD et digital
le 18 janvier.
TRICATEL
Le label français mené par
Bertrand Burgalat investira le
Palais des Festivals à Cannes les
1, 2 et 3 février. Au programme :
concerts, expositions, projection,
rencontre et ateliers.
TINA TURNER
La chanteuse se révèle dans
son autobiographie aux éditions
Harper Collins. Elle revient sur
60 ans de carrière, temps forts,
destructeurs et édificateurs.
En librairie le 6 février.
JO WEDIN & JEAN FELZINE
La chanteuse — qui sort le
remarquable EP “Maybe Not
Tomorrow” — et le guitariste
distilleront leur pop minimaliste
les 23 janvier au Supersonic
(Paris) et le 25 au Théâtre
de Jouy-le-Moutier.
FEVRIER 2019 R&F 011
Mes disques à moi
“Dans la DS de mon fiancé”
EVA IONESCO
L’actrice française se remémore ses nuits au Palace dans
“Une Jeunesse Dorée”, le deuxième film qu’elle réalise.
RECUEILLI PAR THOMAS E FLORIN - PHOTOS WILLIAM BEAUCARDET
Sur le papier, sa vie ressemble à une allégorie des
seventies, tellement ancrée dans la fantaisie et le
drame de son époque qu’on en viendrait à s’étonner
qu’elle soit là, devant nous, vivante. Seulement,
Eva Ionesco n’est pas de ces artistes sans œuvre :
elle a écrit un livre, réalisé deux films, dont le dernier,
“Une Jeunesse Dorée”, parle d’un club, le Palace,
pour montrer comment les adultes initient puis
abîment ce que la jeunesse possède de plus précieux :
son idéalisme. Eva, l’amie d’Alain Pacadis et
Edwige Belmore, égérie du Palace donc, n’est pas
une collectionneuse. Cette musique, le rock’n’roll,
elle a vécu à son diapason. Alors, pour parler de
celle-ci, elle reçoit Rock&Folk à deux pas de
l’église Saint-Roch, où, ironie du sort, bon nombre
de musiciens ont reçu leur éloge funèbre.
Le rock, les films noirs,
le cinéma italien
ROCK&FOLK : Premier disque acheté ?
Eva Ionesco : Chez moi c’est très simple : le diamant de mon électrophone
était cassé et on n’a jamais su le remplacer. Ma mère détestait qu’on
écoute de la musique et ma grand-mère aussi. Alors, les premiers disques
que j’ai entendus, c’était chez les gens, en sortant, soit à Londres, soit
aux Etats-Unis. La première chanson dont je me souviens, c’est “Mercedes
Benz” de Janis Joplin. Parce qu’il n’y a pas d’instrument, seulement la
voix de cette femme et ça m’a marqué.
012 R&F FEVRIER 2019
R&F : Vous profitiez de la musique
chez les autres ?
Eva Ionesco : Voilà. Je ne connaissais
même pas le nom des groupes ou des
chanteurs, je savais vaguement reconnaître
les chansons, mais je n’avais pas la po-
chette. J’avais 9 ou 10 ans, je faisais les
photos avec ma mère, et on entendait “Dirt”
des Stooges ou le Velvet Underground chez
des gens. Tout cela me plaisait beaucoup.
R&F : Dans “My Little Princess”, votre premier film qui parle
de cette période de votre vie, la mère appâte sa fille pour un
shooting à Londres en lui disant : “Si tu ne viens pas, tu ne
rencontreras pas Sid Vicious.”
Eva Ionesco : Oui ! Il y avait cette boutique de Vivienne Westwood,
Sex, à Londres, et on allait là-bas parce qu’avec un peu de chance, on
pouvait y rencontrer Sid Vicious. J’étais amoureuse de lui.
R&F : Toujours dans le film, une fois arrivée en Angleterre,
la petite fille fait des photos avec un jeune musicien. De qui
vous êtes-vous inspirée ?
Eva Ionesco : On voulait faire jouer Jethro Cave, le fils de Nick
Cave. J’ai un peu triché car, en vérité, ces photos, je les ai faites avec
un authentique lord, un vieil homme qui, donc, siégeait à la Chambre
des lords. Mais je trouvais ça plus romantique que ce soit avec un jeune
musicien, qui tombe amoureux d’elle. Ça donnait ce côté un peu gothique,
une ambiance comme dans les albums de son père, très “Confessions
D’Un Mangeur D’Opium Anglais” de Thomas de Quincey.
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 R&F : La première scène de “Une
Jeunesse Dorée”, votre nouveau film,
c’est cette jeune fille qui quitte la
DDASS et offre ses cassettes aux filles
qui restent.
Eva Ionesco : Oui, j’ai donné mon
magnéto en partant mais la fille d’à cô-
té m’avait piqué toutes mes cassettes. A
la DDASS, j’écoutais beaucoup Little
Richard, les ballades de Gene Vincent,
du rock et, quand on sortait dans la DS
de mon fiancé Charles Serruya, les B-52’s
et “Sketches Of Spain” de Miles Davis.
Ce qu’on aimait, c’était rouler, aller à Orly
ou en forêt et écouter du rock. Des mor-
ceaux comme “Funnel Of Love” de Wanda
Jackson, et toutes ces chanteuses à la voix
complètement saturée que j’adorais, du
type Little Eva... Mais quand on sortait,
on était plutôt funk, des trucs comme
Bohannon qu’aimaient les sapeurs qui
venaient danser à la Main Bleue. C’est de là que Fabrice Emaer, le
directeur du Palace, a eu l’idée de faire les soirées Jungle.
“Klaus Nomi,
moi je ne peux pas”
014 R&F FEVRIER 2019
R&F : Mais comment vous est venu l’amour du rock pionnier ?
Eva Ionesco : On a toujours aimé les années 50. Les photos, les
stars : ces images, c’était notre cinéma à nous. Les gueules des
acteurs, certaines femmes que l’on voyait dans Paris, les puces... Ça
nous donnait envie de voir certains films et d’écouter une certaine
musique. C’était aussi en réaction aux choses baba. On tranchait. Ça
nous amenait à aimer le rock, les films noirs, le cinéma italien... On
passait par la porte de derrière pour voir des tas de trucs à la Cinémathèque
et au Louxor où l’on passait une partie de nos journées.
R&F : Beaucoup de gens de votre génération ont découvert la
musique des années 50 avec “American Graffiti”
Eva Ionesco : “American Graffiti”, la
première fois que j’y suis allée, c’était avec
un rocker qui voulait absolument m’y
emmener. Il s’appelait Claude et jouait
dans les Go-Go Pigalles. Il était dans ce
groupe et on se retrouvait dans un endroit
où tout le monde se donnait rendez-vous
l’après-midi, le Royal Mondétour, où, dans
la cave, des musiciens répétaient. Et il y
avait un juke-box !
R&F : C’était donc le rock dans les appartements ou les voitures
et la musique noire dans les boîtes ?
Eva Ionesco : Voilà. Après la DDASS, avec Charles, on vivait avec
Philippe Krootchey, qui était disc jockey, comme on disait à l’époque,
aux Bains Douches et au Privilège, la boîte sous le Palace. On n’avait
pas le droit de toucher ses disques, il était hyper maniaque, lisait Michel
Foucault, il était même copain avec lui. Mais le matin, enfin l’après-
midi, il nous réveillait avec “Ghost Rider” de Suicide. Puis plus tard,

Flash And The Pan, “Walking In The
Rain”. On aimait beaucoup ça. Avec mon
fiancé, ils ont essayé de faire de la musique,
mais on n’avait pas le droit de l’entendre,
ils faisaient ça dans un endroit mystérieux.
Je ne sais même pas s’ils ont vraiment
répété. Je sais que Charles s’était fait
construire une guitare carrée et qu’il se
l’est fait voler. Par la suite, Philippe a sorti
des disques, “Qu’Est-Ce Qu’Il A (D’Plus
Que Moi Ce Négro Là ?”, le premier, où
il avait la tête de Banania sur la pochette.
Mais moi, c’est surtout le groupe d’Edwige,
Mathématiques Modernes, que j’écoutais.
Elle voulait chanter et partir à New York.
R&F : Au Palace, forcément, vous
rencontriez beaucoup de groupes.
Eva Ionesco : Je me rappelle m’être
fait draguer par Bruce Springsteen, mais
je ne savais pas du tout qui c’était. Il y
avait mon ami Christian Louboutin qui me
disait, genre : “vas-y”. Mais surtout, on a
vu en concert, et ça tout le monde a adoré,
Prince. Personne ne savait qui c’était, il
n’y avait pas beaucoup de monde dans la
salle, c’était génial. Puis, j’ai fait de la
musique avec mon fiancé, Charles, un petit
groupe mais ça n’a rien donné, je chante
comme une casserole. On connaissait aussi
les punks. J’aimais bien Johnny Thunders quand je le voyais : il était
très désagréable, mais j’aimais énormément “Born To Lose”, plus que
les New York Dolls, dont j’adorais tout de même la pochette. Jerry
Hall et Mick Jagger sortaient au Palace, on les voyait, mais on s’en foutait
un peu. C’est surtout Pacadis qui me racontait ses rencontres avec les
groupes, ses interviews. C’était vraiment mon ami. J’étais très jeune, lui
un peu plus vieux, on était désespérés tous les deux, il me raccompagnait
souvent chez moi.
Kraftwerk au sommet
de la tour Montparnasse
R&F : Certains concerts vous ont particulièrement marquée ?
Eva Ionesco : On a vu Kraftwerk au sommet de la tour Montparnasse,
pour la sortie de “The Man Machine”. Il
y avait très peu de monde, on a bu de la
vodka très forte parce que c’était une soirée
un peu moscovite. Je ne sais plus comment
on était redescendus de cette tour.
R&F : C’est dans ces années que vous
êtes allée à New York?
Eva Ionesco : New York, j’y suis allée
deux fois pour cette histoire de groupe
d’Edwige avec Yves Adrien. Je me sou-
viens que je me suis fait couper les cheveux et fait une croix gammée
sur le bras. C’était une très mauvaise période de ma vie. Je voulais me
jeter d’un immeuble à Chinatown, parce que j’avais pris un acide très
fort, chez Marie-Paule, qui faisait des bijoux pour Madonna. J’ai sauté
mais je suis tombé dans un trou. C’était très dangereux New York, à cette
époque-là. Mais on allait voir des trucs avec Edwige comme Grandmaster
Flash dans une toute petite boîte... Puis on allait au Studio 54.
R&F : Alors, Palace ou Studio 54 ?
Eva Ionesco : Je ne peux pas dire que le Studio 54 c’était vraiment
bien. Je sais qu’il y a eu plein de photos avec des gens célèbres et tout,
EVA IONESCO
mais je trouvais ça plus ringard que le Palace. Et puis, je m’y suis fait
arrêter par la police parce que je vendais de la drogue. J’étais très jeune...
Alors, de cette boîte, je me souviens de la queue qu’il fallait faire et
qu’on y portait déjà des doudounes à plumes qui valaient très cher...
Bon, ça allait mal. Il n’y avait pas l’esprit bon enfant du Palace, ce
côté enfantin, plus poétique, avec les différentes bandes qui se faisaient
la guerre. Au 54, les gens avaient l’air moins chez eux. Au Palace,
certains clans dominaient les autres, alors il y avait des rébellions, on
s’amusait comme dans une classe d’école. Puis le lieu était beaucoup
plus beau : c’était un théâtre. Alors que le 54... ce n’était pas beau. La
Dancetaria, c’était mieux.
R&F : Vous aviez un mot pour définir ce qui ne vous semblait
pas bien : plouc. C’est quoi, plouc, pour la musique ?
Eva Ionesco : Les gens qui écoutaient des chansons populaires, on
aimait pas, il y avait quelque chose de très tranché entre eux et nous.
Puis, il faut se rappeler que c’était dangereux de se balader dans les
rues. Christian se faisait dépouiller ses chaussures, il se faisait agresser,
moi je ne pouvais pas marcher en robe serrée... Maintenant, les gens
sont beaucoup plus cool, tout le monde est good vibe, c’est très mauvais
genre de ne pas être sympa.
R&F : Un chanteur a évoqué cette guerre entre les branchés
et les ploucs, c’est Renaud.
Eva Ionesco : Voilà, un mec comme Renaud, c’était pas trop notre
truc. Il a de la gouaille, mais ça me fait penser à de la gouaille de café-
théâtre. A mes oreilles, ça sonne un peu comme le Grand Orchestre
du Splendid...
R&F : Il y a des morceaux qui vous faisaient quitter la piste de
danse illico ?
Eva Ionesco : Klaus Nomi, moi je ne peux pas. Même s’il est intéressant,
non.
R&F : Et pourtant vous avez joué dans un clip du groupe Visage ?
Eva Ionesco : Bah, c’était payé, hein. Christian Louboutin m’avait dit :
“Vas-y, mais c’est craignos.” Après, on m’a demandé de faire une choriste,
et c’était au Palace, donc... Mais Visage, pour nous, c’était comme Klaus
Nomi : ça faisait partie des gens super craignos.
De la musique de source
R&F : C’est le premier film où vous ne faites pas appel à Bertrand
Burgalat pour composer la BO. Pourquoi ?
Eva Ionesco : Si, il y a un morceau original, qui est de mon fils
Lukas, mais il joue dans le film. Après... J’y ai pensé, mais ça n’aurait
pas été bien de reconstituer une musique d’époque. Je pensais qu’il
fallait travailler avec des choses qui ont vraiment existé et ont traversé
nos mémoires. Mais j’adore travailler avec Bertrand : on a fait un long
métrage, un moyen métrage ensemble, puis un autre court métrage aussi.
Pour “My Little Princess”, on a travaillé très en amont et, dès le tournage,
il m’a proposé des sons, des directions. Je savais que la musique serait
importante, qu’elle ne serait pas une musique de soutien des images
mais qu’on allait jouer avec, qu’elle allait raconter l’histoire et Bertrand
a très bien compris ça... Pour “Une Jeunesse Dorée”, je voulais de la
musique de source, pas de la musique que l’on colle sur l’image. Ici,
la musique fait partie de la vie : ils allument la radio, vont en boîte,
mettent des disques, et c’est ça que l’on entend dans le film.
R&F : Au point que, dans l’avant-dernière scène du film, on
entend, au loin, à travers un mur, “Nightclubbing” d’Iggy
Pop ?
Eva Ionesco : Vous l’avez reconnu ? Merde. Parce qu’il ne fallait pas.
C’est le seul morceau dont on n’a pas eu les droits, du coup... on l’a
mis en sourdine. ★
Film “Une Jeunesse Dorée”
FEVRIER 2019 R&F 015
Prospect
Un mercredi soir à l’Olympic Café
BRACE! BRACE!
Sans concept, sans artifices,
ces jeunes Lyonnais établis à
Paris se concentrent sur l’essentiel :
des chansons réellement
déviantes et excentriques.
Nouvelles du monde : Aretha Franklin,
Charles Aznavour, Marty Balin, Tony
Joe White et bien d’autres sont morts.
L’album le plus vendu de l’année 2018
s’appelle “The Greatest Showman”,
tiré d’une comédie musicale
navrante. La majorité des jeunes
groupes pressent leurs disques à
500 exemplaires et ne les écoulent
pas. Et au milieu de tout cela, quatre
Français âgés de 25 à 30 ans, portent
un groupe de pop, à côté de leur boulot
quotidien. Ils s’appellent Brace! Brace!
L’art de la rupture
Brace! Brace!, une formation encore jeune,
prise entre un amour encyclopédique de la
musique, un talent d’écriture déroutant et la
posture de sa génération qui, trop consciente
de l’ancien monde pour se sentir à l’aise dans
le nouveau, trouvera difficilement sa place.
016 R&F FEVRIER 2019
Nous sommes un mercredi soir à l’Olympic
Café, l’un des trois clubs parisiens à pouvoir
encore accueillir les groupes de taille
moyenne dans notre capitale. Devant des
pintes à 5 euros, les Brace! Brace! font défiler
leur histoire, en s’excusant presque devant le
banal de la chose. Ils ont grandi à Lyon, ont
monté des groupes au début des années 2010,
se retrouvent à Paris autour d’un amour
commun pour la musique, sans trouver de
références qui les rassemblent. Après deux EP,
Thibault Picot (chant, guitare), Cyril Angleys
(idem), Simon Lapillonne (batterie) et Antoine
Barbier (basse) se retrouvent dans une
pièce pour répéter une tournée organisée
en posant des vacances dans les agences
de communication où ils travaillent.
Immédiatement, dès les premières notes
jouées, ils se mettent à composer. A quatre.
Aucun storytelling, ni surenchère émotive ici,
mais un parcours semblable à celui de milliers
de groupes. Quoi de neuf sous les réverbères ?
Musicalement, Brace! Brace! est au centre de
son époque. Dix chansons pop composent son
premier album, entre synthétiseurs vintage,
guitares pleines de chorus et thématique
rêveuse. Ils n’ont pas cédé au second degré ou
au cynisme dont leurs contemporains se parent
telle une armure. “L’état de la musique est tel
qu’il peut sembler presque naïf de faire les
choses simplement, avec honnêteté”, disent-ils.
Alors, leur petit truc à eux, c’est l’art de
rupture. Pas comme une formule, non, mais
pour leur plaisir personnel de musiciens, “pour
ne pas s’ennuyer à répéter des centaines de fois
les mêmes parties.” Sauf qu’ils écrivent avec
tant de précaution que leurs chansons ne
ressemblent à rien d’autre. Voici la grande
Photo DR
qualité du groupe. Au bout de 45 minutes de
conversation, il faut leur poser la question :
pourquoi faites-vous cela ? “On le fait pour
nous.” Rivés sur la composition et le mixage
— approximativement deux ans de travail pour
accoucher de cette œuvre — ils n’ont pas le
temps de relever la tête. Ont-ils une vision ?
Non, mais une analyse : “Trop de choses
sont disponibles, trop vite, et en permanence.”
Le temps de cerveau disponible est devenu
bien mince. Puis, la création artistique est
devenue méta, autoréférencée, manipulant
avec dérision les esthétiques passées et les
mœurs de l’époque. Dans ce brouhaha qui ne
mène nulle part, Brace! Brace! ne commente
pas. Il crée. Sa bulle. Et libre à chacun
d’y pénétrer. Est-ce de la nonchalance ?
Plutôt une forme d’abnégation. Face à tant
de chaos, l’époque exige de la radicalité.
Brace! Brace! lui a préféré la douceur.
Espérons qu’elle sera entendue. ★
THOMAS E. FLORIN
Album “Brace! Brace!” (Howlin’ Banana)
Prospect
“Sundays, Smiths et Cocteau Twins ont clairement inspiré notre écriture”
TALLIES
Joie hivernale, ce jeune groupe canadien sort un superbe premier album,
redevable à la pop mélancolique britannique de jadis.
Aux premières notes du titre
d’ouverture — “Trouble” — de cet
album inaugural, on a manqué tomber
de notre chaise ! Cette voix féminine
aérienne, cette guitare étincelante aux
arpèges clairs comme de l’eau-de-vie,
ce couple basse-batterie si enthousiaste,
tout cela ramène imparablement vers
les grandes heures de l’indie-pop
conquérante qui réinjecta de la libido
dans l’univers musical du soir des
synthétiques et taciturnes eigthies.
Les titres s’enchaînent, sacrément
troussés, avec cette fausse candeur,
cette joie douce-amère de l’adolescence
qui s’achève ; c’est brillant et
on s’affole devant tant d’appâts.
Grâce, envoûtement, féérie
Attention, tout cela ne gâche en rien le
plaisir de découvrir un jeune groupe qui,
certes, honore une sacrée dette envers ses
018 R&F FEVRIER 2019
prédécesseurs, mais possède une incroyable
conviction et joue avec une sincérité de
communiants. En clair, ces Canadiens ne
versent pas dans la nostalgie. Evidemment,
c’est troublant d’entendre à quel point la
chanteuse, la fraîche et tourmentée Sarah
Cogan possède un timbre proche de celui
d’Harriet Wheeler des regrettés Sundays
— période “Reading, Writing, And
Arithmetic” (janvier 1990, donc) — et à quel
point la guitare gorgée de chorus et de reverb
de Dylan Frankland, cofondateur du groupe,
sonne comme celles tantôt de Johnny Marr
tantôt de Robin Guthrie... Mais qui s’en
plaindrait, tant il y a de grâce, d’envoûtement,
de féérie dans ces compositions lumineuses
qui touchent droit au cœur de l’auditeur ?
Les aveux sont sans états d’âme. Dylan
Frankland : “Les Sundays, les Smiths et Cocteau
Twins ont clairement inspiré notre écriture et
notre orientation musicale lorsqu’on a démarré
l’enregistrement. On a vraiment décidé de faire
de la musique grâce à ces groupes dont le rôle a
été majeur, tout comme un tas d’autres
groupes pop des années 60 ou 50, ou new wave.
Sans oublier Felt et Lush. Harriet Wheeler des
Sundays est un modèle pour Sarah, pour la
fragilité de son écriture et son côté décadent.
Morrissey est aussi une autre référence énorme
Photo Alex Gray-DR
pour nous. On a essayé de reproduire quelque
chose d’aussi enchanteur en couplant les
guitares carillonnantes des Sundays aux mille-
feuilles sonores tout en subtilités harmoniques
des Cocteau Twins.” L’environnement a
évidemment sa part de responsabilité :
les grands espaces, la lumière, l’immensité
des ciels d’hivers. “Le groupe s’est formé
initialement à Ottawa, où Sarah et moi
finissions nos études d’ingénieur du son.
C’est d’ailleurs dans le studio de l’école que
nous avons enregistré notre premier EP. Nous
nous sommes ensuite installés à Toronto,
où nous avons tout de suite eu le sentiment
d’appartenir à une communauté : Dilly Dally,
The Beaches, Beliefs, Weaves, pour n’en nommer
que quelques-uns, sont devenus plus que des
potes. Nous partageons les mêmes points de
vue, aimons tous des tonnes de trucs, et surtout
voulons tous faire de la bonne musique.”
Et cette prodigalité fait de l’album un
croisement étourdissant de shoegaze, de
surf et de dream-pop, servi par une écriture
ciselée, délicate, cérébrale : “Nous travaillons
de manière collective le noyau de chaque
chanson, nous le polissons ensemble et ça peut
aller dans toutes les directions possibles. C’est
toujours imprévisible. Mais les paroles sont
l’affaire de Sarah, et ont toujours pour origine
ses expériences personnelles, ses propres rêveries,
ce qui affecte son environnement. Et comme
elle ne peut s’empêcher de tout analyser,
elle met tout cela dans ses textes,
elle essaye de fixer des émotions.” ★
ALEXANDRE BRETON
Album “Tallies” (Fear Of Missing Out)
Tête d’affiche
Le quintette londonien poursuit en toute liberté, voire en autarcie, sa quête de bonne musique.
Une preuve : ce quatrième album rempli de chansons pop sombres et délicieuses.
DANS UN CAFE du nord-est
parisien, Tom Dougall et Max
Oscarnold, deux cinquièmes
du groupe Toy, reçoivent avec
une gentillesse désarmante les
journalistes d’ici. Dehors, un
froid de canard. Dans la salle, une
odeur de quiche aux poireaux,
des boissons chaudes, du tabac à
rouler et ces deux personnages à la
Dickens en version indie rock, félins
urbains élégants quoique dénués
de la moindre frime. Toy publie son
quatrième album, le remarquable
“Happy In The Hollow”.
Heureux dans le creux.
Notre terrier
Le creux en question pourrait d’abord matérialiser
la situation du groupe dans le show business.
Après trois disques chez l’indépendant Heavenly,
— une écurie qui semblait pourtant un refuge
idéal pour ce groupe post-punk/ krautrock/
shoegaze — le quintette est passé sur un label
plus petit, Tough Love. Départ volontaire ?
Limogeage ? “Rupture d’un commun accord,
répond le chanteur Tom Dougall. Nous sommes
restés en bons termes.” Max Oscarnold, son compère
préposé aux synthés laisse tout de même entendre
une divergence de point de vue : “Nous voulions
garder le contrôle sur ce que nous faisons. Quand
nous avons signé avec eux, c’était vraiment un truc
familial, ça l’a moins été par la suite, c’est devenu
moins indépendant. Les nouveaux groupes signés
ne nous ressemblaient pas tellement. C’est aussi
pour cela que nous n’avons pas voulu d’un
producteur pour le nouvel album. Nous ne voulions
pas d’interférences extérieures.” De fait, on n’aimerait
pas être à la place du responsable de maison de
disques qui a un jour tenté d’imposer une idée à
020 R&F FEVRIER 2019
“Comme un
flingue invisible”
ce groupe. Toy, depuis sa création en début de
décennie, semble organisé comme un groupuscule
autonome des seventies, une bande à Baader
non-violente. Max Oscarnold : “Il est certain que
nous ne fonctionnons pas comme un groupe rock
normal. Personne n’a de rôle défini, tout le
monde peut jouer de l’instrument qu’il souhaite,
c’est l’avantage d’être avec des gens qui partagent
exactement la même vision. Parfois, j’ai l’impression
que nous sommes un collectif de peintres, d’artistes.”
Dougall, s’interpose : “C’est aussi ce que désigne
le Hollow du titre de l’album. C’est en quelque sorte
notre terrier, l’endroit où nous avons enregistré.
Nous nous sommes enfermés pendant de longs mois,
quasiment sans contact avec le monde extérieur.”
L’intérêt de la chose ? La musique sortie de cette
hibernation est passionnante. A ses débuts, Toy
était un sympathique petit orchestre produi-
sant une tambouille rock hypnotique un peu prévi-
sible. Au fil du temps, notamment sur le gran-
diose troisième album (“Clear Shot”, 2016), les
Londoniens ont ajouté de nouvelles teintes à leur
palette. “Le groupe est devenu cette espèce de
Frankenstein musical, commente Dougall. Tout
ce que nous avons découvert s’est agrégé à notre
son. Dominic (O’Dair, guitariste) s’est pris de passion
Dernière
peinture
Après quatre ans d’activité la nouvelle
est tombée l’an dernier : Ultimate
Painting s’est séparé. Raison invoquée :
divergence artistique entre ses deux
cerveaux, James Hoare (membre de Proper
Ornaments, ami de Toy qui fait l’ingénieur
du son pour le groupe) et Jack Cooper.
Resteront trois albums de pop cristalline,
notoirement influencés par le côté doux du
Velvet Underground. Un quatrième album,
“Up!”, a même été terminé avant la
rupture, mais sa sortie fut annulée
en dernière minute.
TOY
pour la musique électronique. Moi, je me suis
intéressé à des bandes originales bizarres ou au folk
de la fin des années 60. Et ainsi de suite.” Tant
mieux, “Happy In The Hollow” pourrait bien être
l’album le plus riche du gang, une œuvre où se
côtoient parmi mille choses un solo de guitare
espagnole, des boîtes à rythmes antiques, des
claviers déviants, une reverb twang irrésistible.
Toy, un coffre à jouets aux ressources infinies.
Sans doute parce que ses membres jouent ou sont
amis avec les groupes de pop ligne claire les plus
intéressants du royaume : Proper Ornaments, dont
Max Oscarnold est un des piliers, mais aussi
Charles Howl ou les défunts Ultimate Painting.
Grands romantiques
L’avenir ? Peut-être déménager hors de Londres.
Dougall : “Trois d’entre nous ont grandi à Brighton,
les références maritimes dans nos chansons vien-
nent sans doute de là. Mais la tension de Londres
s’entend également dans notre musique, elle est là
comme un flingue invisible. Nous cherchons un
nouvel endroit, une nouvelle ville où tout le monde,
nous et nos copines, serait heureux. Un endroit
moins oppressant et, accessoirement, moins cher.”
Car, déprimant constat, ces grands romantiques
ne roulent pas sur l’or et tous prennent, de temps
à autre, un boulot alimentaire pour payer les
factures. Oscarnold : “Nous sommes en colère de
manière générale, mais... j’ai abandonné un certain
nombre de combats, pas que dans la musique, dans
la vie. Pour nous, la situation a toujours été sombre,
morose. J’ai la prétention de penser que nous ferions
exactement la même chose s’il y avait davantage
d’argent. C’est minable de se plaindre, on ne fera
jamais ça. Nous n’allons pas pleurer, c’est de la
musique, ne prenons pas ça trop sérieusement.” ★
Photo Steve Gullick-DR
BASILE FARKAS
Album “Happy In The Hollow”
(Tough Love/ Differ-Ant)

“Sans vouloir être rétro...”
THE PRODIGY
Ces Anglais technoïdes sont de retour. Effraient-ils toujours le bourgeois,
comme aux heures fluorescentes des années 90 ?
LE BRUIT ET LA FUREUR, c’est
eux : depuis le début des années
1990, The Prodigy représente
l’électronica en mode énervé,
à base de BPM en fusion, offrant un
spectacle live où les sacrements sont
assurés par les prêtres du chaos
Keith Flint et Maxim, tandis que le
mastermind Liam Howlett balance
des orgies de décibels grâce à ses
machines en surtension. C’est à
Londres que l’on rencontre les
trois prodiges, quasi quinquagénaires,
à l’étage d’un pub où ils ont
leurs habitudes promotionnelles.
L’occasion de parler technique,
techno, punk, Bosnie, drogue
et presse musicale.
En Sibérie
ROCK&FOLK : Malgré vos racines techno,
vous avez toujours été un groupe de scène.
Liam Howlett : Quand j’ai rencontré Keith, on
allait à des raves et on y a vu quelques groupes
qui nous ont inspirés. J’avais cinq ou six ma-
quettes, je les ai fait écouter à Keith, Maxim a
débarqué, on a fait notre premier concert et
tout est parti de là.
R&F : Le même genre d’histoire que
celle des Sex Pistols inspirant les punks
anglais, donc.
Liam Howlett : Oui, tout le monde peut le faire.
Pour y arriver, il suffit de s’impliquer et d’avoir
de l’originalité.
R&F : Dès vos débuts, vous utilisez des
voix samplées et accélérées. Au même mo-
Photo Andy Cotterill-DR
ment à New York, RZA fait pareil sur ses
productions pour le Wu-Tang Clan. Qui a
eu l’idée en premier ?
Liam Howlett : Moi ! Bon, il est clair que RZA
Tête d’affiche
Succès damné
des “Sucettes”
En 2006, le projet “Monsieur Gainsbourg
Revisited” propose 14 chansons de Seurdge
adaptées en langue anglaise par
Boris Bergman. Portishead adapte
“Requiem For Anna” et The Rakes
métamorphosent “Le Poinçonneur
Des Lilas” en “Just A Man With A Job”.
Parmi les oubliés de cette compile originale,
il y a “The Lollies”, furieuse et foutraque
relecture par Keith Flint des “Sucettes” de
France Gall en mode Sid Vicious techno,
refusée par les héritiers. On retrouvera
“The Lollies” 10 ans plus tard sur le
triple CD best of de Boris, mais amputée
de sa coda, qui contenait la phrase
sacrilège “put it in my mouth”. On l’avait
pourtant sur le bout de la langue.
n’écoutait pas de rave music mais je vais vous
dire, tout ça est lié à la technologie de l’époque.
On ne pouvait pas utiliser des samples trop longs
sur les machines, donc on devait pitcher les voix,
comme le Wu-Tang. Ça a créé un style. Sans
vouloir être rétro, on utilise la même méthode
aujourd’hui parce que c’est devenu notre signa-
ture, mais, sur “No Tourists”, nous avons faits
nous-mêmes les samples de voix. C’est devenu
compliqué de sampler d’autres disques, on
préfère ne pas risquer de zapper un morceau
au dernier moment à cause d’une autorisation
refusée.
R&F : C’est dur de rester créatif après
20 ans d’activité ?
Keith Flint : On a tellement d’influences qu’on
ne reste pas coincés sur une époque, et puis la
scène nous amène à rencontrer des publics
différents. On s’est retrouvé en Bosnie à la fin
de la guerre, on a aussi joué en Russie, en Sibérie.
Ils sont à fond, là-bas.
Liam Howlett : On ne cherche pas un nou-
veau son, on a un son. Ça me fatigue toujours
quand j’entends des groupes dire qu’ils cher-
chent une autre direction, c’est un manque de
confiance en soi. Change le nom de ton groupe,
alors ! Quand on parle de The Prodigy, on sait
quel putain de son on va entendre. La question,
c’est celle des chansons, elles doivent être
excitantes.
Keith Flint : Les gens veulent cet assaut sonore.
Quand ils entendront le nouvel album, ils vont
vouloir retrouver cette énergie sur scène.
D’abord les acides
R&F : La musique électronique n’est plus
systématiquement liée à la drogue, comme
c’était le cas à l’époque des raves.
Liam Howlett : Les gamins changent. Au début,
la culture rave s’est construite sur la drogue,
d’abord les acides puis l’ecstasy. Peut-être
qu’aujourd’hui, les gamins prennent moins de
drogue, je ne sais pas.
Maxim : Sur scène, on doit se donner à fond.
On n’a jamais été là-dedans.
Keith Flint : Sinon on n’aurait pas pu offrir de
telles performances. Mais on a toujours des gusses
qui viennent nous dire : “Oh, vous devez vous
défoncer pour être comme ça sur scène !”
Liam Howlett : Quand on joue live, je ne bois
même pas, l’énergie du concert est tellement
plus forte ! En sortant de scène, je suis défoncé
à l’adrénaline.
R&F : Vous êtes contents des premières
réactions sur le nouvel album ?
Liam Howlett : La réaction du public quand
on joue les nouveaux morceaux en concert, ça
me suffit. On ne lit jamais la presse, ça n’a aucun
intérêt pour nous car on sait ce qu’on fait. ★
RECUEILLI PAR OLIVIER CACHIN
Album “No Tourists”
(Take Me To The Hospital/ BMG)
FEVRIER 2019 R&F 023
Tête d’affiche
“J’ai du mal à dire que je suis folk”
JESSICAPRATT
Avec son troisième album, cette Américaine réussit un impeccable quoique peu bruyant coup d’éclat.
Oui, il est ici question de musique acoustique, intimiste mais non-ennuyeuse.
GLING, GLING, GLING, voici du
folk. Jessica Pratt, jeune trentenaire
californienne sort son troisième
album, le sensible et étonnant “Quiet
Signs”. Kevin Morby ou Kurt Vile
ont dit beaucoup de bien d’elle,
sans doute parce que les suites
d’accords étranges et la voix flûtée
de l’Américaine ne ressemblent pas
à grand-chose d’actuel. Dans ses
chansons, Pratt évite la plupart des
pièges auxquels est confronté tout
artiste qui s’accompagne d’une
simple guitare acoustique. Ce n’est
ni austère et ennuyeux, ni grinçant
ou hippie, mais pas non plus mignon.
Beau, simplement. Et triste,
souvent. De passage à Paris,
Jessica Pratt donne quelques
éclaircissements sur son auguste
métier : singer-songwriter.
Un son doux et chaud
ROCK&FOLK : Comment êtes-vous venue
à la musique ? Avez-vous eu des groupes ?
Jessica Pratt : Non, la musique a quasiment
toujours été une activité solitaire. J’ai d’abord
joué pour moi, j’ai commencé en apprenant des
chansons sur ma guitare, dans ma chambre, vers
14 ans. Plus tard, en 2011, Tim Presley de White
Fence a entendu une de mes chansons, sur
YouTube. J’avais posté ça comme ça. Mon copain
de l’époque lui a fait écouter. C’est ainsi que, de
fil en aiguille, je me suis retrouvé à faire mon
premier album.
R&F : Sur “Quiet Signs”, on remarque
quelques arrangements, du clavier, des
effets. Vous vouliez sortir de l’ascèse folk ?
Jessica Pratt : J’ai du mal à dire que je suis
folk... Mais, en enregistrant dans un vrai studio,
je savais que j’aurais davantage d’instruments à
disposition. Les deux premiers albums ont été
enregistrés dans des conditions plus spartiates.
“On Your Own Again” (2015), le précédent, c’est
024 R&F FEVRIER 2019
moi à la maison, avec ma guitare et un multipistes
à cassette. J’ai toujours eu peur d’ajouter des
instruments à ma musique. Cette fois, j’avais
quelques idées, j’ai essayé.
R&F : Est-il difficile de subsister comme
singer-songwriter, aujourd’hui ?
Jessica Pratt : J’ai eu un vrai boulot quand je
vivais à San Francisco, jusqu’à mes 26 ans. Puis,
en arrivant à Los Angeles, en 2011, j’ai décidé
de vraiment me lancer. Tout est arrivé vite, je
me suis rapidement mise à faire des concerts.
J’étais insouciante, je suis beaucoup plus
nerveuse aujourd’hui. Il n’y a pas tellement
d’argent en jeu, mais j’arrive à me débrouiller.
Si je suis à la rue l’année prochaine, je vous
donnerai peut-être une réponse différente...
R&F : Phénomène rare, vous jouez exclu-
sivement sur une guitare classique, avec
des cordes en nylon, comme Leonard
Cohen ou Bobbie Gentry.
Jessica Pratt : Il y avait d’autres guitares
chez moi, ma mère jouait un petit peu, mon frère
avait une électrique mais dès que j’ai commencé
à apprendre, j’ai acheté mon premier instrument
dans un magasin d’occasion tenu par la paroisse.
Il se trouve que c’était une guitare classique.
C’est un son doux et chaud, c’est très particulier.
R&F : Vous n’employez pas vraiment les
accords basiques des chansons de Hank
Williams, vous avez développé votre propre
langage, assez sophistiqué. Comment est-
ce arrivé ?
Jessica Pratt : Ce que les musiciens jouent est
toujours le filtrat de ce qu’ils écoutent, quoi qu’on
puisse vous dire. Même si c’est inconscient.
On tente des choses, des suites d’accords, et
on retient ce qui nous plaît. Mes chansons, quel-
que part, sont redevables aux morceaux de Burt
Bacharach que j’aime depuis toujours et que j’ai
souvent essayé de reprendre dans des versions
simplifiées. J’essaie d’avoir des structures pop
classiques, des chansons solides.
R&F : Vos héros et sources d’inspiration ?
Jessica Pratt : Je suis très attachée à Nick
Drake, Elliott Smith, des gens qui me plongent
dans une rivière de chagrin. J’adore Love, Robert
Wyatt, Scott Walker...
R&F : Comment les gens réagissent-ils
quand ils entendent vos chansons ?
Jessica Pratt : Quand la musique est émo-
tionnelle, personnelle, les gens qui aiment
s’identifient de manière très forte et vous disent
des choses profondes. Après les concerts, parfois,
des personnes viennent me parler de leurs deuils,
de leurs peines amoureuses.
Un édifice fragile
R&F : L’écriture est quelque chose de
facile ?
Jessica Pratt : En général, je finis toujours
les chansons que je commence. Certaines sont
un peu plus difficiles que d’autres, mais je n’y
passe pas des années. Ensuite, le tri se fait
naturellement. Il y a les chansons sans intérêt
et celles qui sont valables.
R&F : Faire de la musique avec une guitare
acoustique et le souffle de la bande, est-
ce une déclaration par rapport à l’époque ?
Jessica Pratt : Je suis très heureuse de vivre
dans une époque où l’on peut modifier à l’infini
les sons sur un ordinateur, mais... j’aime entendre
l’humain, les erreurs, l’air dans la pièce...
R&F : Les désavantages quand on joue
seule ?
Jessica Pratt : C’est un édifice très fragile, on
utilise des sons peu bruyants pour faire passer
son message. Ça peut être terrifiant, parfois.
J’envie quelquefois les groupes de rock qui font
suffisamment de bruit pour ne pas entendre les
gens parler pendant leur concert. Les premières
Photo Saamuel Richard-DR
parties, quand les gens ne vous connaissent
pas, peuvent être difficiles. Le défi, c’est de faire
taire les gens avec ses chansons. ★
RECUEILLI PAR BASILE FARKAS
Album “Quiet Signs” (Drag City)

Végétariens
ARCHITECTS
Frappé par un deuil, le quintette britannique offre, quinze ans après ses débuts,
un metalcore toujours aussi rageur et mélodique.
FORME EN 2004 A BRIGHTON
par deux frères jumeaux, Dan
et Tom Searle, respectivement
batteur et guitariste, originellement
sous le nom Counting The Days,
Architects a su devenir, durant ses
quinze années d’existence, l’un des
noms les plus importants du metal
moderne. Après un premier album
sorti en 2006, “Nightmares”, qui
lui permet de faire ses armes en
première partie de groupes tels que
Beecher ou Bring Me The Horizon,
le combo commence à s’affirmer
avec “Ruins”, deuxième album, qui
lui ouvre la voie des Etats-Unis. La
machine est lancée et Architects est
signé sur Century Media, devenant le
premier groupe anglais sur ce label
depuis Napalm Death. Les albums
suivent et les tournées s’enchaînent
sur tous les continents, en compagnie
de ceux qui deviendront eux aussi
les espoirs d’un renouveau du metal
(Parkway Drive, August Burns Red,
Enter Shikari).
Tristesse
incommensurable
En mai 2016, Architects sort “All Our Gods
Have Abandoned Us”, disque puissant, mélo-
dique, mais empreint d’une tristesse incom-
mensurable. La raison de cette affliction est vite
dévoilée : Tom Searle, guitariste fondateur du
groupe et frère du batteur Dan, décède d’un
cancer le 20 août, après trois années à se battre
contre la maladie. Mais rien n’arrête Architects,
et quoiqu’en deuil, les membres du groupe
Photo Ed Mason-DR
décident de continuer en hommage à leur
camarade disparu. Josh Middleton a la lourde
tâche de le remplacer, à l’origine en tant que
musicien de tournée, puis officiellement en tant
Tête d’affiche
que guitariste du groupe. “Holy Hell” sort le 9
novembre 2018. Sur l’album, du matériel com-
posé par le défunt Tom Searle, ainsi que de
nouvelles compositions. On y découvre un son
plus atmosphérique qu’à l’accoutumée, gran-
diloquent presque. Alex Dean, chanteur du
groupe : “Nous avons écouté beaucoup de bandes-
originales, surtout du Hans Zimmer, qui nous a
énormément inspirés. Pour cet album, nous avions
déjà les chansons de Tom, qui donnaient une sorte
de direction, et auxquelles nous voulions faire
honneur, mais nous avions aussi envie, comme
à chaque album, de monter d’un cran, et de donner
à Josh la liberté créative dont il a besoin. Cela
fait quelque temps que l’on veut incorporer cet
aspect symphonique au groupe, avec des cordes,
par exemple. C’est la première fois que l’on a
une section de cordes qui vient enregistrer avec
nous en studio. On a pu travailler avec l’orchestre,
plutôt que de programmer les arrangements.
C’était un processus plus organique. Et même si
aujourd’hui on peut avoir un très bon son avec
des programmations, cela n’a rien à voir. Certains
des instruments étaient vieux de plusieurs centaines
d’années ! C’était impressionnant de voir ces
chansons, que l’on avait écrites sur l’ordinateur,
A chacun
son métier
Les Architects ne sont, bien sûr, pas les
premiers à faire du rock une profession :
The Carpenters, The Breeders,
The Weavers, The Monks, The Trashmen,
The Romancers, The Palace Guards,
The Police, The Quarrymen, Minutemen,
The Waitresses, The Undertakers,
The Fireman, The Gladiators, les Garçons
Bouchers, Mecano, The Upholsterers,
The Astronauts, Cosmonauts, The Dentits,
We Are Scientists, The Weather Girls,
The Presidents Of The USA, Les VRP,
Cascadeur, The Auteurs, Editors,
Mylène Farmer...
se développer pour être jouées par de vrais instru-
ments, venir à la vie.” Cependant, si ce dernier
album d’Architects est très cinématographique,
il ne faut pas espérer pour l’instant les entendre
sur le grand écran. “Je ne vois pas bien quel genre
de film pourrait avoir du Architects en bande-son.”
Communauté
hardcore
Mais Architects n’est pas qu’un des fers de lance
du metal actuel. C’est aussi un groupe engagé.
Tous les membres sont végétariens et soutien-
nent l’association Sea Sheperd. “Nous voulons
montrer aux gens qu’il existe une autre voie. Mais
il faut que ce soit authentique. Parfois des groupes
prétendent être végétariens parce que c’est à la
mode. Mais il ne faut pas oublier qu’il y a toujours
eu de la politique en musique, depuis les années
60, avec John Lennon, puis la scène hardcore, qui
parlait de véganisme, de réchauffement climati-
que. C’est toujours drôle quand les gens nous
disent : ‘Oh, arrêtez avec la politique et la
musique’. A votre avis, qu’est-ce qui a commencé
tout ça ? La musique a vraiment commencé
avec le message. La musique peut provenir de la
douleur, ou du stress, ou alors de voir quelque
chose que l’on aime pas, contre lequel on se rebelle.
Et puis, nous avons beaucoup de liens avec la
communauté hardcore, et elle a toujours un
message à faire passer, ça fait partie du genre.
Si quelque chose nous touche, et que l’on a une
plateforme pour exprimer nos préoccupations,
pourquoi ne pas le faire ? Je ne pense pas que nous
soyons totalement tarés de vouloir faire en sorte
que les gens aient plus de compassion. Pour autant,
nous ne sommes pas un groupe vegan qui essaie
de faire passer de force son message aux gens.
On veut ouvrir la conversation.”
Architects sera sur la scène de l’Olympia, à Paris,
le 27 janvier 2019. ★
JOSEPH ACHOURY KLEJMAN
Album “Holy Hell” (Epitaph)
FEVRIER 2019 R&F 027
Tête d’affiche
“Il est temps de passer à autre chose”
BIRTHOF JOY
Les Néérlandais ont décidé de se séparer après cinq albums de blues rock généreux.
Concert d’adieu et explications dans la ville de la galette-saucisse.
APRES UNE DECENNIE de bons et
loyaux services dédiés à la cause du
rock, le trio néerlandais Birth Of
Joy a décidé de tirer sa révérence.
S’il y a toujours quelque chose
d’émouvant à voir un groupe dans
la force de l’âge décider de mettre
fin à son existence, peu décident de
célébrer leur dissolution avec tant de
panache et un tel sens de l’amitié.
Des classicistes
L’histoire de Birth Of Joy, c’est celle d’un groupe
d’un autre temps, d’un anachronisme total au
cœur des années 2010, d’un groupe obsédé
par le rock des années 60 et 70 et qui n’a jamais
eu comme désir de faire évoluer son esthétique
vers quelque chose de plus contemporain. Un
trio guitare/ clavier/ batterie qui se décrivait lui-
même comme “Sixties on steroids” sur son site
internet. Des classicistes qui se sont rencontrés
au conservatoire sur les bancs de l’Académie
Herman Brood à Utrecht. “Le premier jour, on
nous a demandé de former un groupe avec d’autres
élèves qu’on ne connaissait pas” se remémore le
claviériste Gertjan Gutman. “On devait faire une
reprise, écrire notre propre chanson et jouer devant
les autres élèves deux jours plus tard. On s’est
trouvé des affinités en jammant. La connexion a
été instantanée, ça a été très facile. C’est ainsi
qu’est né Birth Of Joy !” D’autres sessions ont
suivi après les cours qui, de plus en plus, ont
remplacé l’école. Peu à peu le groupe a développé
son style, essayant d’intégrer un bassiste (“Ça a
duré 10 minutes”) tout en restant raccord avec
ce qui avait provoqué cette attraction mutuelle.
La reprise choisie lors de leur rencontre avait
été “Break On Through” des Doors, comme un
signe avant-coureur de ce que serait, pour la
décennie à venir, la base de ce groupe où, façon
028 R&F FEVRIER 2019
Irréconciliables
Le rock étant un genre sexagénaire,
nombreux sont les groupes qui au cours de
leur existence se sont séparés et reformés.
Si certains, comme Led Zeppelin ou
Pink Floyd, n’ont succombé à la tentation
qu’une seule fois en trente ans, certains
n’ont jamais su régler leurs différends
et laissent toujours les fans dans l’attente.
Parmi les groupes qui font de la résistance,
saluons pour leur opiniâtreté The Kinks
(1996), Oasis (2009), The Smiths (1987),
Talking Heads (1991), The White
Stripes (2011), The Jam (1982), XTC (2006),
ABBA (1982), Supergrass (2010) et, chez
nous, Téléphone, Bijou, Mano Negra...
Ray Manzarek, la basse est jouée au clavier et
où le charismatique chanteur, Kevin Stunnenberg,
possède une capacité surnaturelle à s’approprier
les maniérismes de Jim Morrison. C’est grâce au
flair de Jean-Louis Brossard, programmateur des
Trans Musicales de Rennes, que le groupe a
décollé en 2012. Repéré au festival Eurosonic
de Groningue, le trio s’est retrouvé propulsé
quelques mois plus tard aux Trans devant
plusieurs milliers de festivaliers qui ont adoré
les envolées blues rock du groupe. “Les gens
étaient tellement enthousiastes et passionnés pour
le rock’n’roll, ils chantaient avec nous alors qu’on
jouait ici pour la première fois. Ça a été une
révélation” se remémore le chanteur Kevin
Stunnenberg. Un moment de grâce qui a donné
des ailes au groupe, pour lequel les sollicitations
internationales se sont multipliées. Les tournées
se sont enchaînées aux quatre coins du monde,
le groupe allant même jusqu’à donner 170
concerts en 2014, soit près d’un jour sur deux.
“Je vivais dans une valise” s’en amuse le chanteur,
qui profitait de ses rares temps morts pour
composer et enregistrer. Absorbé par sa musique
au point d’écrire constamment, Birth Of Joy a
ainsi publié cinq albums studio en dix ans,
toujours dans ce même rayon blues rock aux
contours stoner, avec, en 2014, un sommet, le
puissant “Prisoner”. Sans surprise, la formule
s’est quelque peu érodée au fil du temps, l’exal-
tation des débuts aussi. “Nous ne nous arrê-
tons pas parce que nous sommes fâchés ou à cause
de problèmes d’argent, c’est juste qu’il est temps
de passer à autre chose. Mais pas question d’être
tristes”, précise Gutman. “Après tout, nous sommes
Birth Of Joy” s’amuse Stunnenberg.
Mort dans la joie
Il sera donc écrit que Birth of Joy est mort dans
la joie, même si le groupe qui a donné en cette
fin décembre son ultime concert français à
Rennes n’est plus ce feu follet qui y avait enregistré
un flamboyant “Live At Ubu” (dantesque triple
album vinyle contenant pas moins de 26 mor-
ceaux). Histoire de boucler la boucle, la dernière
française du groupe a eu lieu en cette même salle
de l’Ubu, et le concert de deux heures donné
devant un public acquis et une salle complète
depuis de nombreuses semaines fut un final à
la hauteur de ce groupe jamais aussi à l’aise que
sur scène. Evidemment, le trio le reconnaît lui-
même, par la voix de Gertjan Gutman : “Nous
ne nous arrêtons pas vraiment” et sort la rengaine
de la pause indéfinie. Oui, il y aura probablement
d’autres concerts de Birth Of Joy dans le futur.
Dans 5, 10, 15 ou 20 ans ? On ne le sait encore
— tout groupe classic rock qui se respecte se
doit de faire une tournée de reformation par
décennie, non ? — mais cette date rennaise était
l’ultime chance de voir le groupe au temps de sa
splendeur. Merci messieurs, et à bientôt pour
d’autres aventures. ★
Photo Tijmen Hobbel-DR
RECUEILLI PAR ERIC DELSART
Album “Hyperfocus” (Glitterhouse)

Une mélancolie cool
REQUIN CHAGRIN
La Française Marion Brunetto poursuit une noble quête pop sur son deuxième album.
Mélancolie, réminiscences new wave et bonnes chansons sont au programme.
PARIS, DECEMBRE. Marion
Brunetto, regard incroyablement
rêveur, attend dans une brasserie.
Un expresso est aussitôt commandé ;
le dictaphone paraît presque un
intrus, on fonce illico dans le vif du
sujet : le commencement. “Je jouais
de la batterie dans Les Guillotines
depuis 2012. Ce projet m’a nourrie,
j’ai pu me faire la main. Mais, j’avais
envie de faire de la musique toute
seule, quelle qu’elle soit. J’avais
déménagé à Paris, où je vivais seule.
J’ai commencé à enregistrer
des tonnes de trucs, souvent
inécoutables. C’était de
l’expérimentation. Puis, je me suis
achetée un enregistreur ; je testais,
j’ajoutais des effets, de la reverb,
et là, ça a été le déclic. Je pouvais
mélanger tout ce que j’avais en tête.
J’ai commencé à faire un morceau de
A à Z, ça m’a donné envie d’écrire
des textes, ce que je ne faisais jamais
auparavant. Requin Chagrin, pour
moi, c’était passer à la création.”
Une drogue violente
et instantanée
L’écoute du dernier album, “Sémaphore”, produit
par Adrien Pallot (Moodoïd, Grand Blanc), frappe
par la concision des compositions, à quoi s’ajoute
une écriture très visuelle. “La musique donne
l’esprit. L’écriture vient toujours après. Elle doit
coller à la musique. J’ajoute, je supprime, je coupe
des mots, s’il le faut. Je ne sais pas exactement où
je vais. C’est une suite d’accords ou un rythme qui
Photo Ella Herme-DR
dictent la suite. Pour cet album, j’ai fait des milliards
d’essais. Il y a beaucoup de pertes, de tentatives qui
ratent. Je suis une bricoleuse. Quant à l’inspiration,
il n’y a pas vraiment de références. Un bon café,
Tête d’affiche
Requins
de studio
Le requin chagrin est un vrai requin, de
taille moyenne et vivant en eaux profondes.
Nom scientifique : Centrophorus
granulosus. Le nom désigne aussi, à la
Réunion, une prostituée. Michel Sardou et
Mireille Darc en ont fait le titre d’un duo
jouant évidemment un peu sur le double
sens. Et d’autres ont, avant Marion
Brunetto, rendu hommage aux
sélachimorphes : Great White, Shark?,
Grand Blanc, Moha La Squale, Sharko,
Jaws, Sharks In Your Mouth ou
Carcharodon Megalodon. Ce qui fait
finalement assez peu de monde... Comme
l’animal, d’ailleurs, dont un tiers des
espèces est en voie d’extinction.
et c’est parti ! Plus sérieusement, je bossais en
freelance, donc j’avais pas mal de temps pour
travailler sur cet album. Je me réveillais à n’importe
quelle heure, je prenais mon café et rien que de voir
mon matériel devant moi, ça me boostait ! Je
branchais et y allais. C’est la musique qui a toujours
été la source de mon inspiration, pas vraiment la
littérature ou le cinéma. Peut-être quelque chose
de plus pictural. J’ai fait une école de dessin, car
j’ai longtemps voulu être dessinatrice de mangas.
Je voulais donner une suite à ‘Dragonball Z’ !
Je vois plutôt des couleurs, des images, des
paysages.” Quand nous sommes tombés sur
le single de 2016, “Le Chagrin”, ce fut une dro-
gue violente et instantanée. La drogue de la
réminiscence, ici lente et douce. Tout ce qui fait
la puissance affective de la pop était là : la
spontanéité, l’évidence, la Telecaster, la batterie
après-moi-le-déluge, le break orgastique. L’éternel
refrain, qui nous avait déjà rendus accro à
Jessica93 ou White Fence dont Marion se sent
d’ailleurs proche. Avec ce “Sémaphore”, les
paysages se précisent, les atmosphères s’étirent
comme des fins d’été. La texture des guitares, aux
arpèges cristallins, rappellent aussi les excel-
lents The Mantles de San Francisco. On en vient
évidemment à la claque initiale. “Indochine !
Mes parents écoutaient la radio, RFM, des choses
comme ça. Je devais avoir dix ans, et Indochine
est arrivé comme un truc dingue, quelque chose que
je n’avais jamais entendu jusqu’alors. Pour une
enfant, c’était étrange d’entendre ‘Kao Bang’. Ce
groupe a été une obsession jusqu’à mes quinze ans.”
A quoi s’ajoute l’indispensable passeur. “J’ai un
grand frère, c’est lui qui m’a ensuite fait découvrir
Cure, à travers ce best of, ‘Standing On A Beach’,
avec le vieil homme sur la pochette. Cette compile,
je l’ai rincée ! Et il y a eu les Smashing Pumpkins,
avec ce type chauve qui faisait peur. Puis les
Kills, les Yeah Yeah Yeahs, les Strokes. Et en
plus, comme j’étais abonnée à Guitar Part, je
m’éclatais avec ces groupes à guitares, comme les
White Stripes. Après, en 2012, je suis tombée sur
le catalogue de Burger Records puis sur les
compilations ‘Nuggets’ ou Born Bad. Tout ça
s’est mélangé. Je me rappelle avoir été obsédée aussi
par ce titre du groupe Trisomie 21, ‘La Fête Triste’.”
Composition
monastique
On écoute, le débit est calme et l’interlocuteur
complètement abasourdi. C’est ce qui est litté-
ralement ensorcelant dans ce somptueux
“Sémaphore” : mille signaux vers des couches
étincelantes de l’histoire de la pop. On change
de sujet. Comment passe-t-on de la composition
monastique à l’exposition scénique? “Au début,
c’était très compliqué. J’avais envie de jouer dans
les coulisses ! C’était difficile, surtout pour chanter.
Et puis, j’ai relativisé. Une fois que c’est lancé, c’est
cool. Il y a un côté vacances dans le fait de tourner.”
C’est ça. Cool, malgré tout. Une mélancolie cool,
solaire. Un peu comme l’été en hiver. ★
RECUEILLI PAR ALEXANDRE BRETON
Album “Sémaphore” (KMS / Sony Music)
FEVRIER 2019 R&F 031
En vedette
“C’était mon frère”
BUZZCOCKS Six jours après la disparition de Pete Shelley,
Steve Diggle honorait son rendez-vous avec Rock&Folk
pour évoquer avec élégance son cher compère.
RECUEIILLI PAR STAN CUESTA
MERCREDI 12 DECEMBRE, LONDRES :
ENTRETIEN AVEC STEVE DIGGLE,
LE CO-LEADER DES BUZZCOCKS, pour parler
de la réédition des deux premiers albums du groupe.
Ironie tragique, l’autre membre fondateur, Pete
Shelley, que l’on devait également interviewer, vient
de mourir d’une crise cardiaque, moins d’une semaine
plus tôt. Autant dire que cette rencontre n’est pas
banale. Steve a tenu à la maintenir, il veut parler,
rendre hommage à son ami. C’est sa première interview
depuis... On comprend qu’il s’est saoulé à mort
en apprenant la nouvelle et qu’il émerge à peine.
A l’anglaise. D’ailleurs, il s’était trompé de jour, arrive
avec deux heures de retard, mais se rattrape en parlant
tout l’après-midi ! Il enchaîne les gin & tonic, de plus
en plus volubile, tandis que son accent de Manchester
devient de plus en plus épais... Steve ne tient pas
en place, offre l’intégrale de ses albums solo et prend
dans ses bras au moment de partir. Parfois, il a l’air
complètement perdu, regarde le fond de son verre,
puis redémarre à cent à l’heure. Quand, avec son look
d’éternel gamin, il mime les manières efféminées de
Pete Shelley (“dans certains endroits, c’était un peu
gênant...”), il oscille entre rire et larmes. Ce garçon est
un mélange de lad issu de la working class, qui se met
d’équerre au pub du coin, et d’esthète influencé par
l’art et la littérature... Car, comme il le dit, au départ,
le punk, c’était ça : sortir des clichés rhythm’n’blues,
être futuriste... C’est dans cette veine que Steve a
écrit des classiques comme “Fast Cars”, “Autonomy”,
“Promises”, “Harmony In My Head” et d’autres.
Simple et dynamique
ROCK&FOLK : Votre première rencontre avec Pete Shelley ?
Steve Diggle : J’avais écrit “Fast Cars” et je voulais monter un
032 R&F FEVRIER 2019
groupe avec un gars à qui j’ai dit : “je te retrouve dans le centre de
Manchester, en face du Free Trade Hall”. Malcolm McLaren était devant
la salle, Pete Shelley vendait les billets à l’entrée, et moi je devais
rencontrer ce mec dans le bar au coin de la rue... McLaren m’a dit : “Il
y a les Sex Pistols à l’intérieur.” Il essayait de faire rentrer du monde et
comme j’avais un look mod, il a ajouté qu’ils jouaient “Substitute” des
Who... Puis, il m’a présenté Pete. Le parfait quiproquo : Howard Devoto
et lui attendaient quelqu’un d’autre. On a discuté. Pete : “Au téléphone
tu as dit ça”, et moi : “Toi, tu as dit ça”... Certains trucs collaient, du
genre : “On va faire un groupe”, et d’autres pas du tout ! Une conversation
absurde... Du pur Jacques Tati ! Mais on s’est bien entendus. Les deux
gars qu’on était censés rencontrer sont probablement encore en train
d’attendre au bar du coin...
R&F : Les Buzzcocks sont nés ce soir-là ?
Steve Diggle : Le lendemain, on s’est retrouvés pour jouer, tous branchés
sur un seul petit ampli. Ça faisait un bruit horrible mais électrisant.
J’étais guitariste mais je tenais la basse, parce que tout le monde voulait
jouer de la guitare ! Six semaines plus tard, les Sex Pistols sont revenus.
Entretemps, on avait répété, on avait un batteur : on a fait leur
première partie. Tous les journalistes de Londres étaient là pour les
voir. On a dû jouer 25 minutes : une vraie déferlante, ça les a scotchés.
Ça nous a fait connaître immédiatement. C’était notre premier concert.
Je n’avais jamais fait partie d’un groupe, je n’étais jamais monté sur
scène...
R&F : Vous aviez envie de passer à la guitare ?
Steve Diggle : Avec Howard, on n’a pas joué beaucoup, on a enregistré
le EP “Spiral Scratch” et, juste après, il a dit qu’il partait... Pete et
moi, on s’est dit qu’on devait continuer. On venait de commencer ! J’ai
dit : “Je passe à la guitare, on va trouver un bassiste, le son sera meilleur.”
Ceci dit, quand tu écoutes “Spiral Scratch”, ce jeu de basse minimal,
Photo Chris Gabrin-DR
ça fonctionne. Si j’avais été bon, j’en aurais mis partout. Là, c’est simple
et dynamique. Mais quand je suis passé à la guitare, ça a donné naissance
à la formation classique, plus mélodique, avec ce son caractéristique à
deux guitares en phase et hors phase.
De gauche à droite :
Steve Diggle, Steve Garvey,
Pete Shelley et John Maher
 “Buzzcocks, c’était Pete et moi”
R&F : On ne savait pas qui jouait quoi...
Steve Diggle : Parfois, quand je chantais, Pete jouait mon riff, et vice
versa. Personne n’était soliste ou rythmique. C’est le plus important,
comme dit Keith Richards, l’interaction entre deux guitares. On jouait
la même chose, mais légèrement désynchronisée. C’est un truc qu’on
n’a jamais travaillé...
R&F : Pete et vous avez aussi dû vous mettre au chant...
Steve Diggle : La première que j’ai chantée, c’était “Autonomy”. On
écoutait tous les deux des groupes comme Can et Neu!. Johnny Marr
m’a dit que quand il a entendu “Autonomy”, ça a été pour lui comme
une révélation, le son du modernisme... Sur ce premier album, c’est une
des chansons qui pointaient vers quelque chose de plus futuriste.
Avec “Fiction Romance” et “Moving Away From The Pulsebeat”, elle
suggérait qu’on pouvait être punk et ouvrir le champ des possibilités.
034 R&F FEVRIER 2019
R&F : Au même moment, à New York, Television allait dans
le même sens. Vous étiez au courant ?
Steve Diggle : Non... Mais c’est ce qui est intéressant : moins tu en
sais, plus tu peux découvrir de choses. On était plus intéressés par
Camus, Sartre ou Picasso que par ce que faisaient les autres groupes.
R&F : On dit que Pete était plus pop et vous plus rock : est-ce
un cliché ?
Steve Diggle : Ce n’était pas conscient, mais on se complétait. J’étais
probablement un peu plus rock’n’roll que lui, oui... On venait tous les
deux de la classe ouvrière, mais Pete était allé au lycée. J’avais lu les
mêmes livres que lui, mais en autodidacte...
R&F : Vous n’avez pas tellement écrit ensemble, par la suite...
Steve Diggle : Non... Pour notre deuxième grand hit, “Promises” (n°20
en novembre 1978), j’avais écrit la musique et le refrain. Ça s’appelait
“Children”, ça parlait d’enfants déçus par des promesses, c’était assez rebelle.

Pete est rentré chez lui pour écrire les couplets et il en a fait une
putain de chanson d’amour !
R&F : Le bassiste et le batteur ?
Steve Diggle : Ils étaient beaucoup plus jeunes que nous... Pete et
moi, on passait beaucoup de temps dans les bars, à parler de la vie, de
philosophie, parfois on se disputait... Mais c’était intellectuel. Les deux
autres prenaient un verre et s’en allaient. Nous, on restait. Pete aimait
boire autant que moi, on était comme des frères pour ça, et on discutait
de tout... Je réalise, particulièrement maintenant qu’il est parti, que
beaucoup de choses nées de ces discussions se retrouvaient ensuite
dans nos chansons.
R&F : Ça allait très vite, “Love Bites” est sorti six mois après
le premier...
Steve Diggle : Oui, en 1978, on débordait de chansons, il y en a même
qui ne sont jamais sorties...
R&F : “Harmony In My Head” a été un hit (n°32 en juillet
1979). Toujours des singles inédits...
Steve Diggle : Ça venait de la philosophie punk du début : ne pas arnaquer
les gamins. Et puis, on avait plein de chansons, alors on faisait un album,
puis un single qui n’était pas dessus, parce qu’on avait de la réserve...
Une époque confuse
R&F : Pete voulait quitter le groupe ?
Steve Diggle : On tournait trop, on allait très souvent en Amérique.
En deux ans, on a eu environ huit hits, alors on devait revenir toutes
les deux semaines pour faire Top Of The Pops... Ou pour aller en studio.
Pete a commencé à en avoir assez. J’étais aussi sensible que lui, mais
peut-être un peu plus résistant.
R&F : Le troisième album est plus arty...
Steve Diggle : Avec toutes ces tournées, l’atmosphère s’était assombrie.
Et puis, il fallait poursuivre l’aventure, explorer de nouvelles directions.
Certains ont été un peu troublés par cet album, mais je pense qu’il
obtient de plus en plus de respect avec le temps.
R&F : Pete avait toujours des titres en français, “Raison D’Etre”,
“Qu’Est-Ce Que C’est Que Ça”
Steve Diggle : C’est vrai, il adorait ça... Quand tu as 16 ans et que tu
lis Sartre, Proust, Camus, ça influence ta musique. Ce n’était plus
seulement de l’entertainment.
R&F : Ensuite, vous faites trois singles produits par Martin Hannett...
qui sonnent comme du Joy Division !
Steve Diggle : La musique de Joy Division, c’est ce qu’on faisait pendant
les balances ! Je pense qu’on les a pas mal inspirés. Ecoute notre bootleg,
“Time’s Up”... Il était temps de devenir un peu plus expérimental. On
a écrit chacun trois chansons, rassemblées en trois singles. Les gens
d’EMI étaient perdus... Ils n’avaient pas de hit ! C’était une époque
confuse. Avec la coke, puis l’acide, on est devenus un peu dingues.
On avait fait venir des violoncellistes, des cuivres. A la fin, Pete, Martin
Hannett et moi, on faisait : “Oh, j’avais oublié qu’il y avait une
trompette sur cette piste !” On était morts de rire !
R&F : Pourquoi avoir arrêté ?
Steve Diggle : On avait besoin d’un break. Quand il a été temps de faire
Photo Chris Gabrin-DR
un album, Pete n’était pas vraiment partant. Il a fait des démos dans le
studio flambant neuf de Martin Rushent, rempli de matos électronique,
qui sont devenues les versions définitives... de son album solo.
BUZZCOCKS
R&F : Vous suiviez ce qu’il faisait ?
Steve Diggle : Non. Je n’ai jamais écouté ses disques. J’ai mis une cassette,
une fois, dans ma voiture : “Homosapien”, ça allait, mais le reste...
Il avait l’air tellement seul...
R&F : Il voulait tout arrêter, avant la reformation ?
Steve Diggle : Il a toujours dit ça ! Non, il était content de revenir. Sa
carrière solo ne marchait pas... Moi, j’avais mon groupe, Flag Of
Convenience, qui rejouait des titres des Buzzcocks. Un jour, un promoteur
américain, Ian Copeland, le frère de Miles et Stewart, a proposé une tournée
américaine. On ne s’était pas revus depuis huit ans, mais on a dit oui.
Après l’Amérique, on nous a proposé l’Australie, le Japon, et puis l’Europe.
Cette tournée d’adieu s’est transformée en tournée du retour...
R&F : Vous tourniez avec une nouvelle génération qui vous
vénérait : Green Day, Nirvana, Pearl Jam, etc. Vous êtes devenu
pote avec Kurt Cobain ?
Steve Diggle : On était en tournée, on avait acheté plein de télévisions
et j’en fracassais six chaque soir... Comme The Move ! A Boston, j’ai
explosé mes télés, je suis sorti de scène et le tour manager m’a fait :
“Nirvana veut te voir.” Là, Kurt Cobain m’a dit : “Steve, j’adore ta
façon d’exploser des télévisions.” Ensuite, on a fait leurs premières parties,
notamment le Zénith à Paris... On est devenus très proches. Un jour,
j’ai sniffé toute sa coke, qu’il avait planquée dans les loges. Je voulais
lui rendre le mois suivant, mais il est mort...
R&F : Il aimait les Buzzcocks ?
Steve Diggle : Oh oui, et il aimait le son de ma voix sur “Harmony In
My Head”. Il m’a demandé comment j’obtenais ça. “En fumant plein de
cigarettes !” C’est ce que Lennon avait fait pour chanter “Twist And
Shout” ! Oui, on a beaucoup inspiré Nirvana. On était comme les parrains
de toute cette scène des années 1990, tous nous l’ont dit, même s’ils
faisaient des choses assez différentes : Pearl Jam, Michael Stipe, de
REM... Même Bruce Springsteen ! L’influence des Buzzcocks est infinie...
R&F : Avec ces rééditions, vous alliez jouer à nouveau ?
Steve Diggle : On devait jouer dans des festivals, on en a déjà fait
plein cette année... Jusqu’à ce vendredi, quand le manager m’a appelé
et m’a dit : “Pete est mort.” On ne s’y attendait pas du tout. On allait
commencer à travailler sur un nouvel album. Mais il se sentait un peu
faible, alors j’avais commencé seul. Ecrire, enregistrer, être en tournée,
c’est toute ma vie ! J’ai une super chanson, très Buzzcocks classique,
dans la veine de “What Do I Get”, avec un riff superbe ! (Il fait écouter
le titre sur son téléphone, très bon, comme toujours). J’ai fait les deux
guitares, ça s’appelle “Destination Zero”. Je suis revenu à mes racines.
Je dois la finir, pour mon vieil ami Pete.
Quelque chose de spécial
R&F : Et ensuite ?
Steve Diggle : On va voir... Buzzcocks, c’était Pete et moi. On était
ensemble depuis 43 ans. Je suis le seul qui ne soit jamais parti !
Quand il me disait : “Je m’en vais”, il ajoutait : “toi, tu restes, tu continues” !
Je vais continuer, c’est ce qu’il voulait. Et si ça avait été dans l’autre
sens, j’aurais voulu qu’il continue. C’était mon frère, mon ami, mon
partenaire musical... C’est une telle perte. On faisait une super équipe
avec nos deux guitares. Avec n’importe qui d’autre, aussi excellent
soit-il, ça ne sera jamais aussi bien. On avait quelque chose de spécial...
On le savait, on ne répétait jamais. Comme les harmonies vocales, ça
sortait tout seul, c’était une alchimie incroyable. Il n’avait que six
semaines de plus que moi... Je serai le suivant, je vais le rejoindre un jour.
Je n’ai simplement pas encore fixé la date ! ★
Rééditions “Another Music In A Different Kitchen” et “Love Bites” (Domino)
FEVRIER 2019 R&F 035

“Si je meurs, ça ne leur fera ni chaud ni froid”
JEFF TWEEDY
Il a été la moitié de Uncle Tupelo, le chef d’orchestre de Wilco,
le pater familias de Tweedy, projet avec son fils batteur... Il est aujourd’hui seul
en scène, avec une autobiographie et un premier album solo sous le bras.
Jeff Tweedy est-il un side project de Wilco, ou bien est-ce désormais l’inverse ?
RECUEILLI PAR LEONARD HADDAD
ÇA SONNE BIEN, WILCO. En pop music, sonner
bien, c’est plus qu’un début : presque la seule chose qui
compte. A l’origine, il s’agit de la contraction de will
comply, une terminologie militaire qu’on peut traduire
par nous allons obtempérer. Devenu le nom d’un
groupe de rock (1995) sous la houlette de Jeff Tweedy,
ça s’est mis à signifier à peu près le contraire. Quelque
chose comme allez tous vous faire foutre. Tous qui ?
Tous, tous. Le pote d’adolescence et de visions country-
punk (Jay Farrar, son partenaire dans Uncle Tupelo, de
1987 à 1994) ; le compagnon de tournée, de studio et
de solos de guitare devenu incontrôlable (Jay Bennett,
viré de Wilco en 2001, mort d’une overdose huit ans
après) ; le label Reprise, le label Nonesuch ; les fans
et leurs attentes, les critiques et leurs critiques ; les
idées préconçues des uns et des autres ; les étiquettes,
quelles qu’elles soient, d’où qu’elles viennent :
alternative country, americana, art rock, dad rock, rock
tout court... A chaque fois qu’il y a eu un risque, même
minime, que l’une d’elles reste collée dans son dos,
Tweedy a préféré retirer sa veste et la brûler, dégueulant
— parfois littéralement — à la moindre perspective de
faire quoi que ce soit d’autre que ce qui lui chantait.
“Pas parce que je suis un héros, juste parce que j’en
suis maladivement incapable.” On se souvient d’une
rencontre en 2002, au moment de la sortie charnière de
“Yankee Hotel Foxtrot”, où il affirmait n’avoir jamais
écrit “que des folk songs” avant de balayer tout concept
d’americana d’un revers las de la main. “Parfois je me
demande s’ils ne disent pas ça juste parce que je joue
de la guitare acoustique... Je préfèrerais largement
Photo Whitten Sabbtini-DR
qu’on nous classe avec les Flaming Lips.” On est
une quinzaine d’années plus tard. On n’aura pas la
cruauté d’aller demander à Wayne Coyne combien il
aimerait aujourd’hui être classé avec Jeff Tweedy.
Quant à l’americana... Elle est où, l’americana ?
En vedette
Le batteur Glenn Kotche bloqué en Europe, pour raisons domestiques
(et pour deux ans en tout), Wilco est en hiatus provisoire. Provisoire,
mais longue durée. Alors Jeff Tweedy a du temps pour lui. Au fameux
Loft de Chicago, qui lui/ leur sert de base arrière, de studio
d’enregistrement, de salle de répétition et de sovkhoze créatif, il empile
les démos. Des dizaines. Peut-être des centaines. Qui constituent la
base de tout ce qu’il a enregistré depuis le dernier vrai disque de
Wilco en 2011, “The Whole Love”. Après cette date, que ce soit sous
le nom Wilco, sous le nom Tweedy (groupe formé avec son fils
Spencer, batteur), sous le nom Mavis Staples (les albums que Jeff a
produits et en grande partie écrits pour la mama gospel-soul) ou sous
le nom Jeff Tweedy (le tout nouveau tout chaud, “Warm”), ses disques
ont systématiquement eu pour matrice ces fragments insulaires, plus
ou moins aboutis, plus ou moins développés. “Oui, tout vient d’une même
discipline, explique-t-il en direct depuis le Loft. J’écris et j’enregistre
en permanence, j’amasse un matériel important et je fais confiance ensuite
à un processus de sélection naturel. Je ne choisis pas, jamais. Je fais écouter
aux membres de Wilco quand ils passent, et ils me disent ce qui les inspire
le plus, ce à quoi ils pensent pouvoir contribuer. Ensuite, on réenregistre
(parfois) ou ils rajoutent des choses (plus souvent) sur mes démos.” Sept
ans que ça dure, avec cinq albums (dont deux Wilco) pour résultat. Plus
qu’une façon de faire. Une façon de vivre (de) la musique. Une fois
que Wilco a fait son tri, le reste pourrait être considéré comme les restes,
les rebuts, les chansons qui n’ont pas passé le cut, s’il n’était si personnel
ou réussi. Et “Warm” est les deux. Personnel et réussi. Un disque conçu
comme le compagnon de l’autobiographie “Let’s Go (So We Can Get
Back)” où Tweedy lâche tout : le narcissisme tordu de Jay Farrar mais
aussi le sien ; les excès de drogues de Jay Bennett mais aussi les
siens ; la mort du frère raté ; les deux packs de six engloutis chaque soir
par son père (“je ne savais même pas qu’on pouvait acheter de la bière
en plus petite quantité”) ; les migraines à crever de douleur ; les
antidouleurs opiacés à crever tout court ; les cancers de son épouse ;
les doutes, les haines, les dégoûts, les rêves, le sentiment, peut-être,
d’être enfin, à cinquante ans passés, devenu un type fonctionnel.
“Quelqu’un qui pense à acheter le papier toilette.”
FEVRIER 2019 R&F 037
JEFF TWEEDY
Céder ses chansons pour des pubs de bagnoles ?
Wilco et Tweedy l’ont fait. Justement parce
qu’on leur avait dit de ne pas le faire
Au sein de sa génération rock, Jeff Tweedy est à peu près ce qui se
rapproche le plus d’un artiste important. Grammys, couverture presse,
ventes, tournées sold out, un festival annuel, un culte jamais démenti.
Comment réconcilier le fantasme et l’ethos punk des débuts et cette vie
de notable rock reconnu, voire apaisé ? “Du premier jour où j’ai été
dans un groupe, je me suis retrouvé très au-delà de mes rêves ou de mes
ambitions. On tournait, on enregistrait, on était un groupe... Je n’ai jamais
eu d’aspiration de carrière. Et je n’en ai toujours pas. Donc, je n’ai aucun
sentiment d’y être arrivé. Je me contente de rester fidèle au simple constat
que c’est la seule chose que je veux faire de ma vie.” Y a-t-il continuité ou
contradiction entre l’homme qui écrivait “Misunderstood” en 1996, sur
la relation névrotique, possessive, dévorante entre l’artiste et ses fans,
celui qui hurlait “Please Don’t Let Me Be So Understood” en 2014 et
celui qui affirme enfin “I think that fame is a misunderstanding” en
2018 ? “Ce sont simplement des façons équivalentes de s’apitoyer sur
038 R&F FEVRIER 2019
Photo Whitten Sabbtini-DR
soi-même. Malade d’être incompris, malade d’être trop bien accepté...
Malade dans tous les cas, parce que tout cela relève forcément d’un
malentendu.” Dans ces conditions, comment gère-t-il le dépit des fans
qui préféraient le Tweedy addict et morbide des débuts au père de famille
qui a appris à tenir ses démons en respect ? “They’re not my friend”
répond-t-il dans “Having Been Is No Way To Be”, meilleur titre de
“Warm”, probablement sa plus grande chanson en dix ans. “Si je meurs,
ça ne leur fera ni chaud ni froid.”
La peur du vide
En 1994, Jay Farrar quitte Uncle Tupelo, le groupe à deux voix autour
duquel se structure la scène dite No Depression (du titre de son premier
disque) qui évoluera en americana. Ce trauma originel jamais tout à
fait élucidé (Tweedy aurait dit “I love you” à la petite amie de Farrar,
un soir de cuite, plusieurs mois avant le split) aboutit à la création de
Wilco, seul groupe majeur né, non de l’arrivée, mais du départ d’un
membre clef. Les années héroïques du groupe, celles des riffs stoniens
et des chansons country magiques ne seront rien d’autre qu’une quête
éperdue pour combler le vide laissé derrière le micro d’à côté. Six
line-ups et (au moins) dix musiciens plus tard, la trajectoire Tweedy
ressemble à une parabole, la fable d’un songwriter hanté par la peur
du vide, mais qui finira par se recentrer sur lui-même, sa femme, ses
fils, son propre studio d’enregistrement, ses chansons et par se rendre
compte qu’il n’a besoin de personne d’autre. Ecrire cette autobiographie
et le disque solo qui l’accompagne, l’illustre, la complète, l’incarne,
n’est-ce pas le signe qu’il en est arrivé à ce point où l’on se suffit à soi-
même ? “La question est orientée, non ? Elle laisse entendre une démarche
narcissique. Alors que j’ai au contraire le sentiment de m’être enfin ouvert
aux autres, d’écrire de manière plus intime, plus directe, moins renfermée
sur moi.” Depuis le milieu des années 90, Tweedy se produit régulièrement
en solo. Seul en scène, une guitare à la main, un chapeau ou un
bonnet sur la tête, un harmonica et un sourire à la bouche, il rejoue
l’intégrale de Wilco et Uncle Tupelo, il chante ses mises en musique
de textes inédits de Woody Guthrie, ses morceaux de Loose Fur ou
Golden Smog (projets parallèles avec la crème de l’americana ou du
rock expérimental américain) révélant combien toutes, les plus simples
comme les plus complexes, les plus country comme les plus krautrock,
forment un corpus cohérent, une esthétique singulière, une seule voix,
un seul homme. “Warm” est à cette image. Est-ce que les membres de
Wilco manquent ? Non. Ce n’est pas qu’ils ne pourraient rien apporter
à ces chansons qui leur ressemblent (“Don’t Forget”, “I Know What It’s
Like”). C’est juste qu’il n’y a plus de vide à combler. Il y a une certaine
ironie à s’appeler pratiquement Titi (Tweety en anglais) quand on ressemble
à ce point à Grosminet. Jeff Tweedy a toujours eu une tête de chat, les
années lui ont donné l’allure d’un gros matou, là pour faire des câlins,
doux et tièdes, moelleux et rassurants. En un mot, warm. Chez lui, cette
évolution est celle de l’après rehab (racontée en détail dans “Let’s
Go”, avec rappels en filigrane tout au long du disque), la revendication
par Tweedy d’un lien moins aliénant avec son public et de son droit à
ne plus souffrir pour être beau. Depuis la phrase “Wilco will love you
baby” dans “Wilco (The Song)”, en 2009, il y a eu les titres transparents
“The Whole Love” (2011), “Together At Last” (2017) ou encore “You’re
Not Alone” (2010), chanson manifeste offerte à Mavis Staples, qui
expriment combien Tweedy s’efforce d’ouvrir les bras et comment il
théorise la place de la musique, sa musique, dans la vie de ses auditeurs.
“Ce sentiment que quelqu’un de l’autre côté de l’ampli, ressent la même
chose que toi. Voilà ce qui m’a fait aimer le rock. Une chanson qui te
touche, ça revient toujours à ça.” Le nouvel album va plus loin, en
identifiant pour la première fois la place de l’auditeur dans sa musique.
Le confident, c’est nous.
L’esprit de contradiction
Un jour en concert, on a entendu un type hurler “Jeff ! Play the fucking
hits !”, s’attirant cette réponse du tac au tac : “Heu, l’ami, tu t’es gouré
de salle, manifestement...” Des hits ? Y en a pas. Faudrait avoir été classé
dans les charts, et ça n’est jamais arrivé. Ou alors au moins passer à la
radio. Jamais trop arrivé non plus... Accepter de céder ses chansons pour
des pubs de bagnoles, peut-être ? Ça oui, Wilco et Tweedy l’ont fait.
Justement parce qu’on leur avait dit de ne pas le faire. Les fans n’avaient
pas aimé, mais ce type a décidément l’esprit de contradiction. Won’t
comply. Ni avant, ni maintenant, ni jamais. Bien sûr, Wontco ne sonnerait
pas terrible. Ne surtout pas le lui faire remarquer, ça pourrait lui
donner des idées, lorsqu’il réunira son groupe l’année prochaine. ★
Album “Warm” (DBPM/ Pias)
Livre “Let’s Go (So We Can’t Get Back)” (Dutton)
Top Jeff
Les esquisses de Tweedy
Depuis cinq ans, toute l’œuvre de Tweedy prend
sa source dans des démos solo que le songwriter
dispatche et dévellope ensuite dans ses
différents disques, sous diverses incarnations.
“Sukierae”
Tweedy (2014)
La musique comme thérapie familiale. La maladie de sa femme, Sue
Miller, déclenche un serrage de coudes père-fils à la vie à la mort, avec le
jeune Spencer (18 ans à l’époque) à la batterie. C’est un
double LP, monumental, méandreux, vingt chansons
qui ressemblent à peu près à ce qu’elles sont : des démos
enregistrées avec un fils batteur adolescent, pour se
défouler, penser à autre chose et vider au passage les
carnets remplis de chansons pas complètement finies.
Noter l’ironie (parfaitement tweedesque) d’enregistrer
un disque avec son fils quand la musique de l’artiste est qualifiée de
dad rock (rock pour papa) à longueur de forums et d’articles Pitchfork.
“Star Wars”
Wilco (2015)
Disque surprise (et gratuit), balancé sans prévenir sur toutes les
plateformes pendant l’été 2015, incognito, avec un
magnifique chat gris vert sur la pochette et un titre pour
rigoler et passer inaperçu sur Google (taper Star Wars
et compter le nombre de pages avant d’arriver à Wilco,
pour voir). Le disque lui-même ? Très électrique,
toujours bon, jamais essentiel, l’archétype du disque en
passant, pour avoir une excuse de jouer du rock’n’roll
en tournée. Certains voulaient savoir à quoi ressemblerait “Sukierae”
si ça avait été un disque de Wilco ? La réponse est dans ces 33 minutes.
“Schmilco”
Wilco (2016)
L’envers du précédent, avec une référence à Harry Nilsson (citation de
“Schmilsson”, disque culte de 1971), un dessin de Joan Cornellà comme
pochette et la certitude que toutes les référencements
Google en tapant Schmilco lui seront cette fois
consacrées. Ce disque se distingue aussi de “Star Wars”
par la quasi-absence de guitares électriques, et par un
chapelet de ballades portées par un Tweedy bien calé
dans ses baskets de mélodiste (“If I Ever Was A Child”,
“We Aren’t The World”), comme libéré de la nécessité
d’être (expérimental) ou de ne pas être (vénéré par la presse rock
américaine). Le plus solo de tous les Wilco.
“Together At Last”
Jeff Tweedy (2017)
Beau titre, beau concept : rien que pour lui, rien que pour nous, Tweedy
reprend onze belles chansons à la guitare sèche, même
celles qui sonnaient mieux au piano (“Hummingbird”).
Il traverse son répertoire, semble-t-il, au fil de
l’inspiration du moment. Il y a du Wilco, du Loose Fur,
du Golden Smog, des classiques (“Via Chicago”, “Ashes
Of American Flags”), des obscurités (“Lost Love”, “In
A Future Age”), les chansons qui lui passent par la tête,
comme des requests en concert qu’il se serait faites à lui-même. Prouvant
au passage qu’en effet, il n’écrit que des chansons folk.
“Warm”
Jeff Tweedy (2018)
L’aboutissement d’une longue quête de soi pour établir ce que
Tweedy appelle “son rapport au monde”. Pas de groupe autour de lui,
des chansons qui parlent presque toutes de la mort,
celle de son père, la sienne, les nôtres, celle du genre
humain tout entier (“Let’s Go Rain”, qui fantasme
un nouveau déluge), le tout sans drame, sans
complaisance, sans tristesse, mais surtout sans filtre.
Pour la première fois, le Jeff Tweedy ado qui a
grandi dans la fosse des salles de concert et le Jeff
Tweedy adulte qui évolue depuis trente ans sur scène ne font qu’un.
A écouter avec son autobiographie à la main. ❏
LEONARD HADDAD
FEVRIER 2019 R&F 039

“Le punk me plaisait bien
mais j’étais surqualifié pour le genre”
JOE JACKSON
A l’occasion de la sortie d’un convaincant nouvel album,
le grand bougon britannique commente son œuvre,
quarante ans d’incompréhension selon lui.
RECUEILLI PAR OLIVIER CACHIN
“AH NON, PAS UN COCA LIGHT, surtout pas.
Tiens, donnez-moi plutôt un chocolat chaud comme
monsieur, ça ira bien pour accompagner la pluie”.
On est dans un hôtel près de la gare Saint-Lazare,
en pleine jacquerie des gilets jaunes. Le quartier
résonne d’un concert de klaxons rageurs, il pleut
des cordes et Joe Jackson vient faire un tour
dans la capitale du chaos pour promouvoir
son nouvel et excellent album “Fool”.
Un sticker punk
L’idée est de revenir sur quarante ans de carrière et de commenter sa
pléthorique discographie, depuis ce fondateur album qu’était “Look
Sharp” jusqu’à ce “Fool” qui revient aux bases de ce barde anglais
tendance Schtroumpf grognon. Au départ, Joe n’est guère enthousiaste.
Il aurait sans doute préféré, comme nombre de ses congénères en mission
promo, aligner les propos convenus sur son dernier disque, forcément
le meilleur jamais enregistré. “On va passer en revue tous mes fichus
albums ? Ça va prendre des jours !” maugrée-t-il. Enfant, Joe a commencé
par jouer du violon, mais a vite bifurqué vers le piano. “C’est plus commode
quand on veut composer des chansons, c’était mon cas”, concède-t-il en
regardant d’un œil torve le chocolat tiède et industriel que lui a apporté
le serveur.
Le premier groupe de Joe est alimentaire. Koffee N’ Kreme fait de la
musique façon cabaret. Quand le producteur David Kershenbaum (Tracy
Chapman, Duran Duran, Laura Brannigan) entend la démo de Joe, il
le signe chez A&M et lui fait réenregistrer ses compositions, qu’on
retrouvera sur son premier album. Enregistré en août 1978, l’été de
Photo John Huba-DR
ses 24 ans, et sorti en mars 1979, “Look Sharp” est illustré d’une
photo de Brian Griffin prise à Londres, près de Waterloo Station, montrant
ses chaussures blanches et pointues baignées d’un rayon de soleil. Un
cliché que Joe n’apprécie pas particulièrement, selon le photographe
En vedette
qui ne retravaillera plus jamais avec le chanteur. “Il voulait faire cette
photo, OK, pourquoi pas. Je ne la déteste pas, mais bon... C’est marrant
d’entendre maintenant qu’elle est iconique, en tout cas c’est ce qu’on
m’a dit.” Joe esquisse un rictus quand on lui raconte qu’à l’époque,
son album arborait un sticker punk avec une épingle à nourrice dans
les bacs des Fnac. “Le punk me plaisait bien, c’était fun, mais j’étais
surqualifié pour le genre. J’avais 22 ans, c’était excitant, et des groupes
comme les Damned étaient à la fois ridicules et drôles. Ceci étant,
j’avais des amis qui passaient beaucoup de temps à devenir de bons
musiciens et eux n’aimaient pas trop le je-m’en-foutisme punk.”
1979 toujours, en octobre, c’est “I’m The Man”, et cette fois le
visage de Joe apparaît sur la pochette, avec un look de receleur cockney
pour un style qu’il définit avec un humour pince-sans-rire comme du
Spiv rock. “C’est le nom anglais d’un personnage des fifties, un petit escroc
qui veut vous fourguer des trucs pas vraiment légaux. C’était une vanne,
pas un genre musical, hein. J’aimais bien l’album quand il est sorti,
aujourd’hui j’en suis moins sûr.”
1980, troisième LP, “Beat Crazy”, où son bassiste, Graham Maby,
partage le chant sur la chanson-titre. Graham est toujours là, en 2019,
sur “Fool”. “Ouais, le petit salopard, je n’arrive pas à me débarrasser de
lui. Il refuse de partir ! J’essayais de prendre une autre direction musicale
mais ça n’a pas fonctionné. J’aime quelques chansons de cet album
mais le reste n’est pas terrible.” Ce sera le troisième et dernier album
du Joe Jackson Band avant un improbable retour 23 ans plus tard.
L’année 1981 est celle du retour vers le passé. “Jumpin’ Jive” est une
collection de chansons des années 1940 en mode swing et jump blues,
avec des standards jadis interprétés par Lester Young, Louis Jordan
ou Cab Calloway.
“J’ai été très malade et pendant ma convalescence j’écoutais plein de
rhythm’n’blues à l’ancienne, ça m’a aidé à aller mieux. Je me suis dit
que ça serait rigolo de jouer des vieux trucs mais je ne pensais pas que ça
finirait sur un disque, je me voyais plus jouer ça dans des pubs. A l’époque,
pendant les concerts, j’avais dans ma poche le prix du ticket en cash et je
disais au public : ‘Si cette musique vous gonfle et que vous souhaitez
FEVRIER 2019 R&F 041
être remboursé, venez sur scène.’ C’est arrivé deux fois. Le reste du public peu d’humour dans ce disque solide. “Night Music” en 1994 est une
a trouvé ça rigolo, donc ça valait le coup. C’était avant la mode du revival nouvelle sieste musicale dont l’antidote est un nouveau best of, suivi
donc j’étais peut-être en avance... Ou alors quarante ans en retard”. d’un autre best of. Vieilles marmites, meilleures soupes.
1982 : c’est le succès populaire de “Night And Day”, avec deux Retour au concept album en septembre 1997 avec “Heaven & Hell”,
nominations aux Grammy Awards pour le single “Steppin’ Out”, à la huit chansons autour des sept pêchés capitaux avec Suzanne Vega pour
grande surprise de Joe. “Oui, ça m’a surpris. Mais je suis toujours surpris, l’épisode “Lust”. “Je ne sais pas si ce disque était spécifiquement catholique,
car je n’attends jamais rien, et c’est l’attitude qu’il faut avoir. Quand on mais j’en avais marre d’écrire des chansons pop. C’est peut-être mon disque
n’attend rien, tout ce qui se passe est intéressant.” En le plus ambitieux, le plus exigeant. Il faut
1983, “Mike’s Murder” est une fausse BO : la l’écouter plusieurs fois pour comprendre”. Vu
musique écrite par Joe n’est quasiment pas utilisée
dans le film médiocre réalisé par James Bridges, et
Le bruit en que personne ne l’a fait, personne n’a vraiment
compris.
c’est John Barry qui signe le score. Joe est un peu queue de pie “Symphony N°1” lui vaut son premier
agacé. Avec un feeling jazz pour la couverture qui Joe Jackson n’est pas le premier artiste pop Grammy en 1999, mais Joe est quand même
à céder aux sirènes de la musique classique.
rend hommage à Sonny Rollins et un peu de salsa Il y a les reprises (“A Fifth Of Beethoven” fâché. “C’était le hasard, j’ai gagné par défaut
dans sa pop, “Body And Soul” voit le jour en mars de Walter Murphy adaptait la Symphonie dans une catégorie bizarre. Les votants ont
1984 et la tournée qui s’ensuit épuise le chanteur. N°5 version disco), mais aussi tous les sous- dû se dire qu’il était temps de me récompenser.
“On était en concert pendant presque un an, puis je suis genres du metal, ainsi Nightwish et son J’étais comme une équipe de foot qui gagne
gothic symphonic metal. En 1969, Deep
retourné en studio et ensuite on est repartis sur la route... Purple s’est offert le Royal Philharmonic parce que les adversaires ont marqué un but
C’était de la dinguerie, j’en ai trop fait dans les années Orchestra pour un disque très Spinal Tap. contre leur camp. C’est un projet qui a été acheté
1980, j’étais un workaholic.” Plus récemment, le même RPO offrit par dix personnes, il y a eu plus de musiciens
l’ultime outrage au punk rock avec
Mars 1986 : C’est “Big World” avec une pochette “The Anarchy Arias”, album de 2017
signée du dessinateur espion, Serge Clerc.“J’aimais reprenant en mode opératique 13
bien ses dessins, et ça m’amusait d’être un cartoon”, classiques dont “London Calling”
et “Pretty Vacant”, pour un résultat
concède Joe, un rien blasé. Le disque est enregistré shocking mais étonnamment digeste.
live, mais Joe demande au public de ne pas réagir
pendant les morceaux. “Le mythe, c’est que j’ai interdit
au public d’applaudir, mais ce n’est pas vrai. J’ai juste demandé qu’ils
attendent la fin des chansons pour le faire.” C’est la première sortie CD
de Joe, et c’est la raison pour laquelle l’édition vinyle originale n’a que
trois faces, contenant 15 chansons et soixante minutes de musique.

Une nouvelle sieste musicale

On passera charitablement sous silence “Will Power” (avril 1987),
une première expérience avec la musique classique, boudée par la
critique et le public, qui semble avoir pour unique but de s’acheter
une respectabilité (spoiler : ça n’a pas marché). Un double live pour
rééquilibrer la balance (“Live 1980/ 86”) et c’est “Tucker” en 1988,
musique du film de Francis Ford Coppola qui lui valut une nomination
aux Oscars. “Je m’en souviens, c’est ‘Le Dernier Empereur’ qui a gagné.
Pour faire une BO, on doit laisser son ego de côté. Là, ça s’est bien passé
parce que Francis est un génie, et il avait des bonnes idées pour les musiques.
J’ai bossé avec d’autres réalisateurs qui ne savaient pas ce qu’ils voulaient
et, dans ces cas-là, on se retrouve avec une bande de crétins d’Hollywood
qui donnent tous leur avis, c’est affreux. Le cinéma c’est fini pour moi,
en plus il faut être à Los Angeles et ça n’est pas mon truc”.
“Blaze Of Glory” en avril 1989 titille quelques sujets d’actualité et
évoque dans la chanson titre le décès d’une rock star mythique, à côté
de qui les autres musiciens sont “des cartoons qui se prennent pour
Superman”. Aucune pointure des eighties n’est nommément visée. “Ça
ne parle de personne en particulier, c’est Elvis et beaucoup d’autres”.
Les cheveux de Joe continuent de tomber et les disques de sortir :
le best of de 1990 (“Steppin’ Out : The Very Best Of Joe Jackson”,
15 chansons classées par ordre chronologique) est la réponse corporate
de A&M au changement de label de notre héros, qui signe chez Virgin
pour “Laughter & Lust”, sorti en avril 1991. Si notre antihéros se
présente sur la pochette vêtu d’une tenue de bagnard avec un boulet
au pied, il ne faut pas pour autant y voir la même symbolique que quand
Prince se présentait avec le mot esclave peint sur la joue. “On n’avait
Photo John Huba-DR

pas d’idée pour la pochette alors on a réfléchi avec l’équipe : moi, le

directeur artistique, le costumier et la maquilleuse, qui est devenue très
célèbre puisqu’il s’agissait de Bobbi Brown, qui a sa propre ligne de
cosmétiques.” Au-delà de cette référence au slapstick du cinéma muet,

042 R&F FEVRIER 2019


qui jouaient dessus que de gens qui l’ont écouté”. Le Schtroumpf grognon,
on vous dit.
En 2000, alléluia, c’est le grand retour pop avec “Summer In The
City : Live In New York”. La même année, “Night And Day II”
revisite la Big Apple avec une noirceur nouvelle, et Marianne Faithfull
y chante “Love Got Lost”. “Un disque sous-coté, dont je suis très fier.
Tout l’album est sur le même tempo. ‘Happyland’ parle de l’incendie d’un
night club dans le Bronx qui a fait 87 morts. Ce disque est maudit, il y
a le World Trade Center sur la pochette, qui a disparu l’année suivante.
New York n’a plus jamais été la même après le 11 septembre.”. En
2002, “Volume 4” marque le retour du JJ Band 20 ans après (comme
les trois mousquetaires) et l’album “Afterlife” en est le témoignage
live. En 2004, Joe signe une ode à la cigarette (non incluse sur aucun
album) avec “In 20-0-3”. “Ouais, j’aime fumer et boire un verre en même
temps, et alors ? Si je veux faire ça maintenant, je dois sortir sous la pluie”,
grommelle-t-il un peu irrité après une heure sans clope.
“Rain”, en 2008, est une réussite minimale (en trio avec l’incontournable
Graham Maby, plus David Houghton à la batterie) et “The Duke” en
2012 rend hommage à Duke Ellington, avec Questlove le batteur des
Roots et le guitariste Captain Kirk Douglas en guests. “Fast Forward”
“J’étais peut-être en avance...
Ou alors quarante ans en retard”
JOE JACKSON
en 2015 contient une reprise de “See No Evil”, le morceau d’ouverture
du premier album éponyme de Television (“J’adore cette chanson”).
Et on en arrive à “Fool”, huit excellents morceaux enregistrés entre
Berlin et New York. “Ça m’intéressait d’écrire sur le vieillissement. ‘Strange
Land’ parle de quelqu’un qui s’est perdu dans une ville qu’il croit connaître
mais qui a changé, et il se sent comme un fantôme. C’est ce que je
ressens parfois à New York. Est-ce moi qui change ?” On lui dit qu’il
n’est pas si vieux. “Ouais mais je suis plus vieux. Plein de gens de mon
âge sont morts, même ceux qui sont encore en vie”.
Quand on lui avoue qu’on aime beaucoup le titre “Dave”, Joe est (enfin)
content. “J’ai dû faire un bon album, parce que tout le monde a un morceau
préféré différent. C’est bon signe”. Avant de quitter Joe, on lui rappelle
notre précédente rencontre en 1989, quand il affirmait qu’un artiste
considère toujours son dernier album comme son meilleur. Pense-t-il
toujours la même chose ? “Oui. Je trouve que mon nouvel album ‘Fool’
est le meilleur que j’aie jamais fait”. Le chocolat chaud est froid, et Joe
sort fumer sa cigarette sous la pluie. ★
Album “Fool” (Edel/ Verycords)
FEVRIER 2019 R&F 043
Story
Ils venaient de Coventry, considérée comme
la poubelle de Birmingham
THE
SPECIALS
Une partie des Specials remonte le groupe et s’apprête à sortir
un nouvel album, 40 ans après des débuts fracassants
laissant un héritage musical génial.
PAR NICOLAS UNGEMUTH
LES SPECIALS, on vient de l’apprendre, ont donc
décidé de se reformer, et de sortir en février un nouvel
album (“Encore”, qui signifie astucieusement dans
la langue de Voltaire rappel). Sans Jerry Dammers,
ni le batteur extraordinaire (nous y reviendrons) John
Bradbury, mort en 2015 et remplacé par un dénommé
Kenrick Rowe, ni le tromboniste Rico Rodriguez,
disparu la même année, ni Neville Staple, le toaster
incandescent, ni le guitariste Roddy Radiation, remplacé
par Steve Craddock (Paul Weller, Ocean Colour Scene)
qui les avait déjà rejoints lors d’une précédente réunion.
Est-ce une bonne idée ? Peut-on encore parler des
Specials ? Pas sûr. Mais enfin, il faut bien vivre...
Et puis l’héritage du groupe original — deux uniques
albums et une poignée de singles — reste tellement
énorme quatre décennies plus tard qu’il fera
vibrer les nostalgiques et suggère qu’on y revienne...
Succès instantané
Il y a quarante ans, chose rare, l’histoire s’est répétée : dans un
premier temps, vers 1964, les mods anglais ont adopté le ska jamaïcain,
qu’il leur arrivait également de nommer blue beat, en référence au label
anglais du même nom distribuant au Royaume-Uni les dernières
nouveautés de l’île qui venait d’acquérir son indépendance. Lorsque
le mouvement mod s’est éteint, les petits frères des mods originaux,
réfractaires au mouvement hippie et psychédélique, se sont à leur tour
044 R&F FEVRIER 2019
emparé du ska, puis du rocksteady, notamment grâce au label Trojan
qui, comme Blue Beat avant lui, sortait en Angleterre singles, albums
et compilations achetés en masse par ces nouveaux clients d’un genre
rustique et viril, apparus en nombre vers 1968 et 1969 : les skinheads.
Lesquels, comme les mods, décidèrent d’écouter exclusivement de la
musique noire, en provenance de Jamaïque (même si quelques tubes
Trojan furent en fait enregistrés en Angleterre). Prince Buster, Desmond
Dekker, les Skatalites, les Pioneers et des dizaines d’autres étaient leurs
nouveaux héros. Dix ans plus tard, juste après le boom punk, les Jam
ressuscitèrent les mods, après quoi, on assista au retour des skinheads
et du ska : tout recommençait, mais différemment.
Les Specials avaient commencé comme un groupe dans la mouvance
punk. Ils venaient de Coventry, considérée comme la poubelle de
Birmingham, et avaient débuté sous l’intitulé The Automatics, puis The
Coventry Automatics, avant de devenir The Special AKA, puis The
Specials. La pochette intérieure de “All Mod Cons”, qui avait propulsé
les Jam en haut de l’affiche, lançant le revival mod, affichait, entre autres
images iconiques, une compilation de ska. Les Clash reprenaient
“Pressure Drop” de Toots And The Maytals. Tout cela a donné quelques
idées à Jerry Dammers qui a décidé de retravailler en version ska le
répertoire des Automatics ainsi que de reprendre quelques vieux
morceaux du genre, tout en recrutant un groupe ad hoc pour pouvoir
Photo Archives Rock&Folk-DR
jouer cette musique si particulière. Horace Panter (alias Sir Horace
Gentleman), à la basse, était un ami d’enfance. Dammers entendit Terry
Hall jouant dans un groupe local et l’engagea sur le champ. Lynval
Golding jouerait la guitare rythmique et Roddy Variation, fan de rock’n’roll
fifties, tiendrait la guitare solo. John Bradbury assurerait à la batterie
et bientôt, Neville Staple, émigré jamaïcain, cogneur et ex-champion
 Le noir et blanc était de rigueur
des maisons de correction, toasterait comme son idole Prince Buster
ou U-Roy à ses débuts. Avec l’ajout de Rico Rodriguez, authentique
rasta vétéran des années ska et des Skatalites, et du grand Dick
Cuthell à la trompette, au bugle ou au cornet, les Specials étaient
désormais équipés pour jouer du vrai ska, bien que légèrement dynamité
à la sauce punk. Après les avoir vus en concert, Joe Strummer les enrôla
pour assurer la première partie de la tournée The Clash On Parole, celle
de leur deuxième album. Après quoi, Jerry Dammers eut la première
de ses idées de génie : créer un label nommé 2 Tone, dont la signification
était aussi bien sociale — les Specials étaient un groupe multiracial
— qu’esthétique : le noir et blanc était de rigueur dans leur garde-robe.
046 R&F FEVRIER 2019
Une vieille photo de Peter Tosh avec les Wailers durant les années
ska inspira le logo magique du personnage surnommé Walt Jabsco, un
rude boy avec pork pie hat et loafers (la plupart des groupes de
l’écurie 2 Tone trouveraient leur propre logo, comme le skinhead en
forme de M, coiffé d’un trilby de Madness, ou la jeune fille dansante
de The Beat) et tout était prêt pour passer à l’attaque. Dammers décida
de sortir un premier single qui, à la manière de certains simples jamaïcains
des sixties, proposerait deux groupes. Les Specials en face A, et les amis
de The Selecter en face B. Cinq mille exemplaires furent pressés puis
distribués via Rough Trade, le succès étant tellement instantané que
les Specials se retrouvèrent rapidement signés chez Chrysalis, qui les

autorisa à signer d’autres groupes 2 Tone, même s’ils devaient sortir
leurs disques ailleurs (comme Madness chez Stiff, par exemple), The
Selecter restant chez Chrysalis, puis The Beat débarquant chez Arista.
On connaît la suite...
Des mods et des skinheads
La sortie de “Gangsters”, un morceau reprenant le riff de “Al Capone”
de Prince Buster, mais largement réécrit au sens propre comme au figuré,
lança la grande aventure, laquelle prit encore plus d’ampleur avec la
sortie d’un premier album démentiel en novembre 1979. Un mélange
de reprises très astucieuses de pépites sixties jamaïcaines (“Monkey
Man” de Toots And The Maytals, “You’re Wondering Now” de Andy
& Joey, “Too Hot” de Prince Buster, et “A Message To You Rudy” de
THE SPECIALS
Avec Madness,
Selecter puis The Beat
dans les charts,
la vague 2 Tone
déferle sur l’Europe
Dandy Livingstone) et de compositions originales impeccables et
relativement ska comme “Doesn’t Make It Alright” (bientôt reprise en
version testostéronée par les Nord-Irlandais de Stiff Little Fingers), et
d’autres plus punk puisque écrites longtemps avant, comme “Nite Klub”
(avec Chrissie Hynde aux chœurs), “(Dawning Of A) New Era”, “Do
The Dog”, “Concrete Jungle” ou “Little Bitch”. L’album parle de racisme,
d’adolescentes enceintes, d’ennui et de déceptions. Elvis Costello, le
producteur, a fait un travail remarquable : tout cela sonne à merveille.
Neville Staple invente le personnage de Judge Roughneck (référence
au “Judge Dread” de Prince Buster) sur “Stupid Marriage”, la voix
blanche, impassible et désabusée de Terry Hall contraste génialement
avec la musique globalement très festive, les cuivres claquent, mais
les vrais héros de l’album sont les deux génies de la section rythmique :
Sir Horace Gentleman, d’abord, qui joue de la basse aux doigts (pas
de médiator ni d’allers-retours comme cela se pratiquait partout en 1979)
et signe des lignes insensées (“Little Bitch”, “Too Much Too Young”),
jouant parfois à l’octave, avec un poil de slap de temps en temps, et le
grandiose John Bradbury qui aligne rimshots, pêches, roulements et
contretemps avec des sons de caisse claire hallucinants (voir l’intro de
“Do The Dog” ou encore ce qu’il fait sur “It’s Up To You”) : on peine
à croire que ces deux-là soient blancs et citoyens britanniques. Ils
sont incontestablement les Sly & Robbie du revival ska. En attendant,
les Specials cartonnent : “Gangsters” se hisse à la sixième place des
charts, “A Message To You Rudy” à la dixième, puis le triomphe
arrive avec “Too Much Too Young” qui devient, tout simplement, numéro
1 en Angleterre. Le single vaut surtout pour sa face B, qui montre très
clairement la puissance et la cohésion du groupe sur scène : un
medley baptisé “Skinhead Symphony” réunissant des classiques du
FEVRIER 2019 R&F 047
 Pour le second album, les Specials
ne peuvent se cantonner au ska
skinhead reggae (entendre des tubes sortis chez Trojan) comme “Long Shot
Kick The Bucket”, “Liquidator” ou “Skinhead Moonstomp”, ainsi que
“Guns Of Navarone” des Skatalites, montre un groupe à couper le
souffle, d’une vitalité et d’une précision hallucinantes. Avec Madness et
Selecter dans les charts, puis bientôt The Beat, la vague 2 Tone déferle sur
l’Europe, et tout le monde s’achète sa cravate à damier, son pork pie hat
et des lunettes noires comme celle de Jerry Dammers. Le timing est parfait :
les Specials et les autres bénéficient non seulement de préadolescents
048 R&F FEVRIER 2019
(certaines photos des fans du groupe montrent ce qui, franchement, ressemble
à des enfants) raffolant de l’aspect jovial de la musique, mais aussi des très
nombreux mods anglais fans des Jam qui considèrent, à juste titre, que le
ska fait partie de leur ADN musical et qui partagent le même look et, enfin,
des skinheads qui effectuent leur grand retour, lequel n’est pas sans
poser quelques problèmes : si certains, qui se surnomment rude boys (un
terme assez amusant dans la mesure où, jusque-là, il n’avait jamais été
employé qu’en Jamaïque dans les sixties pour désigner, tout simplement,
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les voyous et les mauvais garçons) apprécient en toute tranquillité la musique
des groupes 2 Tone, d’autres, les skinheads affiliés au National Front ou
au British Movement, perturbent les concerts, font des saluts nazi et tapent
sur tout ce qui bouge, ce qui, on l’imagine, rend hystériques Dammers et
Hall, sans parler des musiciens noirs du groupe (Suggs, de Madness,
avait expliqué dans ces pages que son groupe avait le plus pâti des skins
nazi, “tout simplement parce que nous étions le seul groupe 2 Tone sans
aucun Noir dans notre formation. Hélas pour nous, nous étions parfaits à
leurs yeux...”). Malgré tout, l’heure est à l’euphorie : le groupe tourne aux
Etats-Unis, au Japon et en Europe, “Gangsters” et “A Message To You
Rudy” passent dans toutes les boums, fêtes, soirées et boîtes de nuit, en
fonction de l’âge des participants. Les Specials, Madness et The Selecter
passent tous les trois dans la même édition de Top Of The Pops. C’est un
triomphe pour tout le monde, mais en particulier pour Jerry Dammers,
qui commence à avoir de nouvelles idées...
Rêverie indescriptible
Pour le second album du groupe, il décide d’élargir le spectre : les Specials
ne peuvent se cantonner au ska et aux reprises de vieux joyaux sixties.
Il commence à s’intéresser à la bossa nova, au jazz, à l’easy listening,
aux musiques de films, et en particulier à celles de John Barry et d’Ennio
Morricone, des années avant l’invention du trip hop. Il ajoute à son Vox
Super Continental de 1966 un orgue Yamaha flambant neuf qui
propose des sons délicieusement ringards de musique d’ascenseur (comme
ces presets “Clarinette” ou “Flûte” utilisés sur “Ghost Town”). Le nouvel
album sera donc un mélange du son classique des Specials et de ces
nouvelles influences qui lui semblent indispensables pour revitaliser
le groupe et lui injecter un sang nouveau. Cela donnera “More Specials”,
disque culte, à juste titre. L’album commence avec une énième reprise
de Prince Buster, “Enjoy Yourself (It’s Later Than You Think)” qui,
comme “You’re Wondering Now” terminant le premier album (“You’re
wondering now what to do, now you know this is the end”), est à lire au
second degré : amusez-vous bien, car la fête ne va pas durer. Puis, “More
Specials” enchaîne sur le premier vrai reggae du groupe (le tempo a
sérieusement ralenti), “Man At C&A”, qui annonce la nouvelle couleur
voulue par Dammers : “More Specials” offre une large place aux
cuivres parfaitement orchestrés, une diversification des instruments et
des progressions harmoniques nettement plus complexes et inattendues
que celles du premier album. Lynval Golding signe une perle mélancolique
(“Do Nothing”) et Roddy Radiation une sucrerie délicieuse et très rétro
(“Hey, Little Rich Girl”). Les sommets sont néanmoins atteints avec trois
chefs-d’œuvre signés Dammers : “I Can’t Stand It” (que Hall chante avec
Rhoda Dakar des Bodysnatchers), “Stereotype” et le phénoménal
THE SPECIALS
C’est Dammers qui
aura le dernier mot en
faisant enregistrer aux
Specials ce qui restera
comme son plus
grand chef-d’œuvre
“International Jet Set”, rêverie indescriptible, authentique musique
d’ambiance aérienne (“Will the muzak ever end ?”) en version grandiose.
Le disque se termine avec une reprise encore plus ironique et désenchantée
de “Enjoy Yourself” chantée par les filles des Go-Go’s, avec qui les
Specials ont sympathisé lors de leur tournée américaine... Radiation
signe le nouveau single, le parfait “Rat Race”, qui fonce directement à
la cinquième place des charts, suivis par “Stereotype”, numéro 6, et “Do
Nothing”, numéro 4. La reconversion se présente bien mais pour
autant, le “Enjoy Yourself” final annonce de manière prophétique la
suite des événements : il n’y aura plus jamais d’autre album des Specials.
Les membres du groupe, qui se sont découverts des talents de songwriters
(voir le phénoménal “Friday Night, Saturday Morning” de Terry Hall,
hommage au mythique roman d’Alan Sillitoe “Saturday Night And Sunday
Morning”, paru en 1958), ne voient plus pourquoi Dammers, jugé
dictatorial, devrait diriger le groupe d’une poigne de fer et l’emmener
vers des territoires qu’ils sont loin de tous apprécier (muzak, ambiances
mariachi, cithares à la John Barry, influences soca, etc.)...
C’est pourtant Dammers qui aura le dernier mot en faisant enregistrer
aux Specials ce qui restera comme son plus grand chef-d’œuvre. “Ghost
Town” sort en juin 1981 et squatte la première place des charts durant
de longues semaines. Chanson politique et sociale, elle touche le
grand public par son étrangeté (les chœurs spectraux), sa construction
harmonique (la suite d’accords surprenante faisant soudainement basculer
la chanson en mode majeur pour la partie évoquant le bon vieux temps :
“Do you remember the good old days before the ghost town ?”), les sonorités
cheesy de l’orgue synthé Yamaha que Dammers vient d’acquérir et, en
Angleterre au moins, la réalité de ses paroles sur la chute économique
du pays et le pourrissement des villes périphériques.
Le génie de Jerry Dammers
C’est après cette splendeur que Terry Hall, Lynval Golding et Neville
Staple partent monter les Fun Boy Three, Hall participant ensuite à The
Colourfield puis à Terry, Blair & Anouchka avant d’être atteint de dépression
chronique. Roddy Radiation quant à lui, file jouer du rock’n’roll avec
les Tearjerkers. Jerry Dammers montera, des années plus tard, Special
AKA et retrouvera le succès avec le formidable “Free Nelson Mandela”
(et le merveilleux “What I Like Most About You Is Your Girlfriend”) puis
signera quelques raretés bizarres mais attachantes (“Riot City”, grandiose),
se passionnera pour Sun Ra, deviendra DJ (comme tout le monde
aujourd’hui), et ne participera pas aux reformations du groupe. Comme
nous l’avait dit Suggs : “Sans le génie de Jerry Dammers, je ne serais pas
là à vous parler.” En attendant d’avoir de ses nouvelles, il est l’heure de
méditer la phrase fatidique : “Enjoy yourself, it’s later than you think.” ★
Album “Encore” (Universal)
FEVRIER 2019 R&F 049
En vedette

L’intuition de la révolution hard rock

JIMMYPAGE
DES YARDBIRDS A
LED ZEPPELIN Voici 50 ans, sortait le premier album de Led Zeppelin.
La concrétisation d’un plan redoutable ourdi par le guitariste,
laissant derrière lui un groupe blues superbe mais dysfonctionnel
pour fonder le quartette qui fit sa gloire.
PAR JONATHAN WITT

L’ANNEE 2018 ETAIT – AUSSI – CELLE DU
CINQUANTENAIRE DE LA NAISSANCE DE
LED ZEPPELIN. Voilà qui aurait pu constituer le
prétexte idéal pour une série de célébrations. Jimmy
Page avait même laissé entendre que, peut-être,
éventuellement... Hélas, rien n’a filtré, ni réunion
évènement, ni une petite possibilité d’interview, ni
Qui est réellement ce mystérieux monsieur Page ? Pour le savoir, il faut
enquêter du côté de la paisible bourgade d’Epsom, dans le comté du Surrey.
Jimmy Page est un gamin solitaire, secret, sibyllin, qui se saisit pour la
première fois d’une guitare acoustique à quinze ans, un peu par hasard.
Il se lance dans l’apprentissage du très populaire skiffle, avant de se faire
saisir par le démon du rock’n’roll. Comme bien d’autres à la même époque.
Il voue un culte à James Burton, et déjà la rumeur bruisse : il y aurait,
Photo Redferns/ Getty Images

même le moindre inédit, la quasi-totalité de l’œuvre
ayant été copieusement rééditée ces dernières années.
Il demeure néanmoins passionnant de se pencher sur
cette période charnière où les Yardbirds sont devenus
Led Zeppelin, symbole a posteriori édifiant du passage
des sixties frémissantes aux fuligineuses seventies.
non loin de là, un autre obsédé de guitare électrique... Un certain Jeff Beck.
Ce nouveau partenaire de jeu lui enseigne le solo de “My Babe”, comme
d’autres font des pactes de sang : les prémices d’une longue amitié.
L’électricité est dans l’air, en ce début de décennie. En 1961, Jimmy
acquiert une réplique britannique de la Fender Stratocaster, et se met en
maraude. Il lui faut progresser, sans cesse, amasser de la connaissance.

050 R&F FEVRIER 2019


Un nouveau nom est nécessaire,
Jimmy Page se remémore la plaisanterie
de John Entwistle : ce sera Led Zeppelin
Un chanteur du coin, Neil Christian, lui propose d’intégrer ses Crusaders.
Sa réputation enfle très vite. Le public adoube ce virtuose aux cheveux
noirs de jais, au visage encore poupon. Mais les conditions sont rudes,
et la vie sur la route, van bringuebalant et brouillard tenace, égratigne
sa santé fragile. Un matin, il s’écroule, totalement épuisé, lessivé.
Mononucléose. C’est la fin des déambulations pour Jimmy, qui s’inscrit
aussitôt dans une école d’art, alors une voie préférentielle pour tous
les apprentis musiciens.
A Londres, pendant ce temps, le British blues boom a eu un impact
extraordinaire. Les salles de concert ne désemplissent pas. Alexis Korner
et Cyril Davies allument la mèche des douze mesures, avec les Blues
Incorporated, bientôt suivis par John
Mayall et ses Bluesbreakers. Jimmy,
lui, a toujours envie de voir du pays.
Il sillonne la Scandinavie, puis l’Inde
avant qu’un nouvel accès fiévreux
ne le ramène à la maison. Alors, il
sort. Au Marquee par exemple. Par-
fois, il monte sur scène, bravache,
pour croiser le fer avec ses idoles.
Un type tiré à quatre épingles, éga-
lement originaire du Surrey, le com-
plimente : son jeu lui rappelle beau-
coup celui de Memphis Murphy, le
guitariste de Memphis Slim. Une
référence pointue, reconnaissance
tacite entre initiés. Ce garçon, Eric
Clapton, sera quelques mois plus tard
déifié avec les Yardbirds. Jimmy, lui,
croule sous les propositions. Toujours
souffreteux, il opte pour un emploi
stable et rémunérateur : celui de
requin de studio. Glyn Johns, vieux
pote d’Epsom, l’embauche systémati-
quement et il devient, avec Big Jim
Sullivan, l’un des guitaristes les plus réclamés du pays. Tous les grands
producteurs sixties se l’arrachent : Shel Talmy, Andrew Oldham, Mickie
Most... Le rusé mercenaire en profite pour observer ses glorieux aînés,
mémoriser tous leurs petits trucs, en particulier les placements de micros.
C’est ainsi que Page va promener sa frétillante six-cordes sur quelques-
uns des plus légendaires singles de l’histoire du rock’n’roll : “I Can’t
Explain”, “With A Little Help From My Friends” (version Joe
Cocker), “Sunshine Superman” ou bien encore “Here Comes The Night”
de Them. Un premier rendez-vous manqué survient en 1965 : Clapton
claque inopinément la porte des Yardbirds à la suite de “For Your Love”,
et Giorgio Gomelsky s’empresse de passer un coup de fil à Page.
Celui-ci décline, mais conseille Jeff Beck, soliste des Tridents, pas
franchement hype à l’époque. Au printemps 1966, Paul Samwell-Smith
Photo Dick Barnatt/ Redferns/ Getty Images
est écœuré, dégoûté. Keith Relf vient de passer un concert entier attaché
au pied du micro, en train de beugler des insanités. Page, invité pour
l’occasion, est plutôt amusé. Le très guindé bassiste décide de s’éclipser.
Cela tombe bien, Jimmy en a sa claque des studios, et souhaiterait un
peu de reconnaissance... L’affaire est rapidement pliée, il va donc le
suppléer. Le jeune homme ressort ses cuirs pour une tournée américaine
qui s’élance en juin 1966. Sa jovialité fait du bien. Un soir, l’imprévisible
Jeff Beck ne daigne pas se pointer. Dans l’urgence, les Yardbirds décident
JIMMY PAGE
de faire passer Chris Dreja à la basse, Jimmy Page ressortant sa Telecaster.
Succès total. C’est alors que Beck et Page ont cette idée à la fois évidente
et géniale : se partager les guitares pour tantôt croiser le fer, tantôt jouer
à l’unisson. Dès leur retour, les deux amis d’enfance s’enferment pour
perfectionner leur association, autour de quelques classiques comme
“I’m Going Down” de Freddie King. Malheureusement, seuls deux titres
seront capturés dans cette éphémère configuration : “Happenings Ten
Years Time Ago” et la spectaculaire “Stroll On”, une version retravaillée
de “Train Kept A Rollin’ ” pour les besoins du film “Blow Up” de
Michelangelo Antonioni. L’anecdote est fameuse : le réalisateur
italien souhaite un sacrifice rituel de guitare, et approche donc les
Who, spécialistes en la matière, mais
ceux-ci refusent. L’honneur échoit
aux Yardbirds, pistonnés par leur
manager Simon Napier-Bell, et Beck
s’exécute donc maladroitement, à
contrecœur.
Ballon
de plomb
Ce duo Beck-Page, mort-né, est peut-
être l’un des plus regrettables ratés
de l’histoire. La tournée suivante voit
l’un supplanter définitivement l’autre.
Un Jeff Beck qui commence à avoir
la tête ailleurs puisque Mickie Most
veut le promouvoir en solo. C’est à
cette occasion, pour le single “Beck’s
Bolero”, qu’a lieu une séance restée
fameuse, réunissant donc Jeff Beck,
Jimmy Page, mais aussi Keith Moon,
Nicky Hopkins et John Paul Jones
à la basse. Un véritable supergroupe,
qui n’aura pas de suite puisque les
shouters envisagés, Stevie Winwood et Steve Marriott, déclinent. Une
ultime visite aux Etats-Unis sera fatale au lunatique Jeff, parfait contraire
du placide et professionnel Jimmy. Napier-Bell cède ses parts à Most
et à son associé, un certain Peter Grant, colosse de 125 kilos à la gouaille
fleurie, tout autant que ses manières sont musclées. Mickie Most, un
rien vieux jeu, n’a d’intérêt que pour les singles et impose unilatéralement
des compositions médiocres comme “Ten Little Indians” ou “Ha Ha
Said The Clown”. Revers de la médaille, il octroie aux musiciens une
liberté presque entière en ce qui concerne l’album, qui deviendra “Little
Games” en 1967. Celui-ci, bien que révélant la puissance singulière
du jeu de Jimmy Page, n’est pas franchement inspiré si l’on excepte
quelques blues (“Smile On Me”, “Drinking Muddy Waters”) et
instrumentaux orientalisants (“White Summer”, “Glimpses”). Que ce
soit en studio ou sur scène, Jimmy se démène pour maintenir un semblant
d’unité. Défoncés, éreintés, les quatre Yardbirds s’éloignent peu à peu :
d’un côté, Keith Relf et Jim McCarty, qui aspirent à un tournant folk
et, de l’autre, Jimmy Page et Peter Grant, qui ont l’intuition de la révolution
hard rock. Une nouvelle expédition américaine est l’occasion pour Jimmy
de valider ses idées : il y a là un public, avide de testostérone et de
décibels, nourri par les radios underground qui pullulent. C’est lors de
cette tournée qu’en traînant au Salvation de New York avec John Entwistle
FEVRIER 2019 R&F 053
JIMMY PAGE
Le groupe enregistre
ce premier album
en seulement
trente heures.
Son coût :
1782 livres sterling,
pochette comprise
et Keith Moon, Richard Cole, tour manager zélé des Yardbirds,
entend le premier faire part de son envie de former un groupe avec Page
et Winwood arguant, rigolard, qu’ils allaient “décoller comme un putain
de ballon de plomb...” De retour à l’hôtel, Cole narre l’anecdote à un
Jimmy goguenard. Elle ne va pas tomber dans l’oreille d’un sourd. La
fin des Yardbirds est proche. Keith Relf est désormais une épave, les
yeux bouffis sous son casque blond. Il y a tout de même des moments
de grâce. Un concert capturé à l’Anderson Theater de New York,
récemment retravaillé et réédité par Jimmy Page lui-même sous le
titre “Yardbirds ’68”, en témoigne. Le son est fabuleux et la performance
passionnante. On y sent fort bien la transition qui s’annonce, entre les
tubes éternels des sixties (“Heart Full Of Soul”, “Mr You’re A Better
Man Than I”) et des choses plus lourdes comme “Dazed And Confused”,
déjà parfaitement au point. La voix de Keith est évidemment un peu
frêle pour opérer ce virage, et c’est sans surprise qu’il va rapidement
054 R&F FEVRIER 2019
partir fonder Renaissance avec sa mie et McCarty. Suite à la séparation,
Peter Grant annonce à Page qu’il est le seul propriétaire de la marque
Yardbirds et qu’une tournée en Scandinavie était déjà prévue, si le cœur
lui en dit. Le guitariste se retire sur sa péniche, à Pangbourne, au bord
de la Tamise, pour faire le point. Il écoute des disques de Pentangle,
Incredible String Band, Iron Butterfly, Vanilla Fudge et, bien entendu,
le Jeff Beck Group. Il réfléchit à son projet, minutieusement. La musique
lourde a le vent en poupe, mais Page souhaiterait la mâtiner de quelques
épanchements acoustiques. Les Yardbirds doivent cependant honorer
un dernier contrat et il s’agit donc de reformer un gang. Il songe à
Terry Reid et BJ Wilson, batteur de Procol Harum. Hélas, le premier
vient de se lier avec le désormais honni Mickie Most. John Paul Jones
vient aux nouvelles, il a des fourmis dans les jambes. Reid suggère un
gars des environs de Birmingham, nommé Robert Plant, qui évolue alors
dans le plus profond anonymat. On le remarque facilement, avec ses
longs cheveux blonds et sa voix suraiguë. Intrigué, Jimmy fait le trajet,
et la révélation est totale, la connivence immédiate. Robert évoque un
batteur à la frappe herculéenne, John Bonham, qu’il a connu avec le
Band Of Joy et qui cachetonne désormais derrière Tim Rose. Son
recrutement n’est pas si simple. Celui que l’on surnomme Bonzo
gagne assez bien sa vie et a même retenu l’attention de Chris Farlowe
ou Joe Cocker. Il renâcle. Pour lui, les Yardbirds, c’est déjà du
passé... Nullement découragés, Robert Plant et Peter Grant entament
une véritable cour, noyant de télégrammes le pub favori du solide
moustachu, qui finit par céder. Jimmy rappelle John Paul Jones et
programme une rencontre. Lorsqu’il l’apprend, Chris Dreja décide de
devenir photographe — sans rancune puisqu’il signera les premiers
clichés du futur Led Zeppelin.
Le 12 janvier 1969
La première répétition dépasse toutes les espérances : l’osmose est totale,
parfaite. Le 14 septembre, les désormais New Yardbirds s’envolent pour
Copenhague. Le répertoire est encore frêle, principalement constitué
de reprises, de blues ou de morceaux d’Elvis, mais c’est justement
l’occasion de se roder. Un nouveau nom est nécessaire, Jimmy se
remémore alors la plaisanterie d’Entwistle : ce sera Led Zeppelin. Un
mois plus tard, le nouvel attelage investit les studios Olympic en compagnie
de Glyn Johns. Il enregistre ce premier album en seulement trente heures,
réparties sur deux semaines. Son coût est ridicule : 1782 livres sterling,
pochette comprise. Nourri de ses innombrables sessions, Jimmy Page a
des idées novatrices pour donner de la profondeur au son, une vision
musicale bien précise. Son but : restituer au mieux la puissance scénique
soufflante du Dirigeable. En novembre 1968, Peter Grant s’envole pour
les Etats-Unis avec le test pressing de Led Zeppelin dans son attaché-
case et une liste de conditions édictées par Jimmy, notamment un contrôle
artistique total. Ahmet Ertegun et Jerry Wexler, les deux pontes d’Atlantic,
connaissent bien le marché. Cream vient alors de déserter, idem pour
Taste, le Jeff Beck Group bat de l’aile, il y a clairement une place à
prendre dans ce créneau naissant du heavy rock. Ils avancent la
somme faramineuse de 200 000 dollars et se plient à tous les desideratas
(en particulier, la présence du logo Atlantic sur les pochettes). Lassé des
audiences déprimantes de la mère patrie britannique, Peter Grant fomente
un infaillible plan d’attaque : il faut viser les Etats-Unis, et s’y montrer
sans relâche. Led Zeppelin ravage donc une première fois la côte ouest,
et écœure nombre de concurrents potentiels : il n’est pas rare que le
public demande six rappels, et les concerts assurés par ces quatre monstres
peuvent durer jusqu’à trois heures. C’est dans ce contexte que paraît, le
12 janvier 1969, le premier album de Led Zeppelin. Le bouche-à-oreille
fait son œuvre. Le décollage est parfait. L’histoire est en marche : une
déflagration que l’on ressent encore de nos jours, de Greta Van Fleet à
Rival Sons. ★
 En vedette

“Nous sommes un groupe légendaire”

25 ANS AVEC LES

DANDY WARHOLS
Au tournant du siècle, le groupe de Portland fut pour beaucoup,
à commencer par ce journal, un petit miracle psychédélique.
Photo Mike Morgan-DR

Une folle promesse qui, bien sûr, dériva vers autre chose.
Pour son quart de siècle d’existence, le gang déroule sa belle histoire.
RECUEILLI PAR DANNY BOY
PORTLAND, OREGON, 1994. Il n’était pas conseillé
de s’aventurer tard dans les rues sombres et malfamées
de Downtown, sinon pour y découvrir une activité
musicale excitante. Dead Moon, Sleater-Kinney,
Everclear, Quasi, Heatmiser (avec Elliott Smith),
Wipers, Napalm Beach, tous ces groupes essentiels
entretenaient la neurasthénie de la jeunesse grunge
du coin. Une jeunesse abattue par la mort soudaine
de Kurt Cobain, le 5 avril, non loin de là, à Seattle.
Le jeune Courtney Taylor était alors le batteur de
nombreux groupes locaux comme The Beauty Stab
et Nero’s Rome dont il se fit virer avant de monter
un groupe qui, lui, allait faire mouche : The Dandy
Warhols. Un groupe rock, psyché, glam, pop,
totalement différent et bien déterminé à changer
la donne. A Portland, la stupeur fut générale et les
détracteurs nombreux. Aujourd’hui, en 2019, les
Dandy Warhols sont un authentique groupe culte dans
une ville qui a bien changé. Le quartette fête ses 25 ans
de carrière et offre un nouvel album studio, “Why You
So Crazy”. Rendez-vous est donné dans son refuge,
l’Odditorium. La veille, le guitariste Peter Holmström
y a fêté avec panache ses 50 ans. Son autre groupe,
Pete International Airport, y a donné un set énergique
suivi par DJ Rescue (Zia McCabe) qui a fait danser la
foule jusque tard dans la nuit. Vaseux mais toujours
accueillants, les Dandys s’installent confortablement
dans un immense sofa. Objectif : raconter l’histoire
du groupe qui a uni pour la vie Courtney Taylor (chant,
guitare), Peter Holmström, Zia McCabe (claviers, basse)
et Brent DeBoer (batterie).

Cool, mais pas le même cool

Courtney Taylor : Les années 90 étaient horribles. Tous nos amis
étaient des ringards aux goûts musicaux affreux. Quand Pete est revenu
de New York durant l’été 1993, je n’avais pas de groupe. J’avais commencé
à écrire des chansons sur mon 4-pistes. Pete m’a dit : “Allez, on monte
un groupe ensemble et on travaille tes chansons. Ça n’a pas besoin
d’être génial, on a juste besoin de rencontrer des gens qui écoutent de la
bonne musique.” On a recruté ma copine mais, bien sûr, ça n’a pas
fonctionné. Alors, on trouve Zia.
Zia McCabe : Je travaillais chez Starbucks dans un centre commercial
pendant les vacances de Noël. Un de mes collègues jouait dans un
groupe, ce qui pour moi était emballant. On discutait souvent musique
et c’est à ce moment-là que j’ai décidé : “C’est ça que je veux faire !”
Il me dit : “Attends, ça ne marche pas comme ça ! Il faut savoir jouer
d’un instrument.” Il connaissait Courtney.
Courtney Taylor : Le gars me dit : “Je connais cette meuf super cool,
elle veut être dans un groupe.” Je demande : “Est-ce qu’elle joue de la
basse ? — Non, elle ne joue d’aucun instrument. — Super ! Donne-lui
mon numéro !”
Zia McCabe : J’appelle Courtney et on se rencontre dans un autre
Starbucks. Il est habillé de façon super cool, pantalons à fines rayures
roses, boots Beatles, un look très mod. Moi, j’étais habillée très lesbienne,
genre fille alternative des nineties, débardeur, pas de soutif, pantalons
camouflage, sandales Birkenstock et cheveux teints. Cool, mais pas le
même cool. On passe un moment ensemble. Je ne comprends pas la
moitié de ce qu’il me dit. On va chez lui où il me montre un synthétiseur
et me dit : “Ça, c’est un la et ça, c’est un mi.” Il appelle Peter et lui dit :
“Je pense que j’ai trouvé notre bassiste.”
Courtney Taylor : Zia a appris incroyablement rapidement.
Peter Holmström : C’était choquant ! Le week-end avant notre premier
gig, elle était à un concert de Grateful Dead. Elle a dessiné un clavier
sur un morceau de papier et elle jouait dessus, probablement sous acide.
Curieusement, cette méthode a fonctionné sur elle.
Courtney Taylor : On n’avait pas de mauvaises habitudes musicales.
Eric Hedford était chanteur dans un groupe de pop synthétique
tragiquement horrible. Il n’avait jamais joué de batterie dans un groupe.
Lui non plus n’avait donc aucune mauvaise habitude.
Zia McCabe : Notre premier concert a eu lieu au bar Laurethirst, le
20 juin 1994. Je venais juste de fêter mes 19 ans. Cet été-là, nous jouions
trois fois par semaine. Un soir, nous avons même joué trois shows.
On était tous d’accord. On ne pouvait rien faire d’autre.
Peter Holmström : Ce qui nous a propulsé vers un plus grand marché
est le Café 1201. Nous avons été le premier groupe à y jouer. Nous étions
ensemble depuis seulement six mois, maximum. L’auditoire était gay
et il nous a adorés.
Courtney Taylor : Les gens, là-bas, trouvaient incroyable qu’un groupe
qui ne soit ni rap ni grunge puisse être aussi bon. Les garçons dansaient
torse nu sur les tables, en sueur. Nous : habillés à la Slade, harmonies
vocales, groove... On y jouait tous les mercredis et, à partir du troisième
mercredi, il y avait la queue dehors, tout autour du pâté de maison. Le
1201 a fait de nous le nouveau groupe de Portland. Thor Lindsay de
Tim/ Kerr Records, un label local, est venu nous voir. On lui a joué
“Genius” et ça l’a renversé. Ce label était aussi important que peut l’être
un label indépendant mais, financièrement, les gens qui s’en occupaient
étaient plutôt bordéliques. C’était du genre : s’ils te filent un chèque,
tu n’attends pas, tu vas direct à la banque l’encaisser. Ils avaient sorti

058 R&F FEVRIER 2019


la collaboration entre Kurt Cobain et William S Burroughs, mais aussi
Gus Van Sant, Hole, Everclear. Ce label était tellement essentiel que
toutes les majors et MTV l’avaient sur leur radar. Et j’ai fait la vidéo
pour “TV Theme Song”.
Peter Holmström : On a atterri dans 120 Minutes sur MTV. C’était
inimaginable !
Courtney Taylor : Boum ! Soudain, tu savais que des gens en Afrique
venaient juste de voir ça. Tu savais que des gens à Paris voyaient ça.
Cette courte vidéo nous montrait tels que nous étions, c’était notre son.
Et, bien sûr, la frénésie classique des majors a suivi peu après.
Grand disque psychédélique
Peter Holmström : Nous avons fait une tournée sur la côte ouest quand
“Dandys Rule OK” est sorti et, tout d’un coup, on nous téléphone de New
York et de Los Angeles. Tous ces mecs des majors commencent à nous
faire de la lèche comme si nous étions la chose la plus cool au monde.
Courtney Taylor : Ils étaient très embarrassants avec leurs bouteilles
de vin à 900 $ ! Sauf un : Perry Watts-Russell. Il est venu nous voir à
San Francisco et il a eu droit à la totale, y compris les drogues dures
lors d’une fête assez destroy. A ce moment-là, il ne pouvait pas y avoir
d’autre option, on devait signer avec ce gars.
Peter Holmström : Capitol a fait des choses sympas pour nous.
Ce n’était pas toujours ce qu’on voulait, il n’empêche que, grâce à eux,
nous avons eu une audience mondiale.
Zia McCabe : C’est super excitant de signer avec une major. Tout le
monde pense que tu deviens riche du jour au lendemain, que le
succès est garanti, que la maison de disques prend soin de ses artistes.
Tu réalises très vite que tout ça n’est pas vrai.
“Nous étions convaincus que tout le monde
attendait un groupe comme le nôtre”
Courtney Taylor : On enregistre “Come Down” dont je n’aimais pas
le mix. Tchad Blake poussait la batterie et les voix à fond. Je voulais
qu’ils me fassent travailler avec Chris Lord-Alge ou ces deux mecs qui
bossaient avec Radiohead. Ils auraient pu dépenser 5 000 $ et m’envoyer
en Angleterre pour travailler avec des pros qui comprennent ce qui était
nécessaire pour faire de ce disque un grand disque psychédélique.
Au lieu de ça, ils préféraient dépenser un demi-million de dollars
pour faire une vidéo.
Peter Holmström : C’est ce qui se faisait à l’époque...
Courtney Taylor : J’ai bataillé avec Eric dans le studio. Je voulais que
“Junkie” soit plus incisif. J’ai dû vraiment bosser pour rectifier le groove
en post-production, pour que ça sonne correctement. Au même moment,
plein de gens de Capitol Records se sont fait virer. Le président par
intérim est un comptable à Arista, un label pop énorme. Je vais le voir
pensant qu’on va être virés aussi et il nous dit : “Tout le monde adoooore
The Dandy Warhols !” Il m’offre un budget qui servira à payer notre
promo et nous dit qu’on peut tout dépenser, qu’on peut encore faire des
vidéos à 500 000 $. “Vous pouvez vivre à l’aise pendant deux ou trois ans.”
Entre-temps, Eric est parti et j’ai fait appel à Brent. C’est mon cousin, on
se connaît bien, il nous ressemble. C’était le chaînon manquant.
Brent DeBoer : Tout de suite, nous avons travaillé les harmonies pour
les morceaux de “Thirteen Tales From Urban Bohemia”, “Nietzsche”,
“Get Off”. Je me souviens d’un moment, lors de la première tournée
européenne à laquelle j’ai participé, nous étions à l’arrière du bus et
Courtney a joué une cassette de quelques chansons dont “Bohemian
Like You”, la version 4-pistes. Il m’a dit : “Nous savons que nous avons
au moins un tube !”
THE DANDY WARHOLS
Courtney Taylor : “Thirteen Tales” a permis à la presse internationale
de mieux nous comprendre. Parce que, pour les Anglais, à l’époque de
“Come Down”, les Dandy Warhols n’étaient synonymes que de sexe et
de drogues, c’est tout ce qu’ils écrivaient. Ça a changé quand nous
sommes arrivés avec “Thirteen Tales”, car c’était un chef-d’œuvre.
Zia McCabe : La presse anglaise adore les histoires juteuses. Nous
étions tellement à l’aise avec notre musique et notre identité que parler
de drogues et de fêtes ne nous dérangeait pas. Nous étions naïfs.
Peter Holmström : Nous étions convaincus que tout le monde attendait
un groupe comme le nôtre. “Godless” a été choisi pour être le premier
simple aux Etats-Unis, tandis que “Get Off” était celui pour l’Angleterre.
Le single suivant a été “Bohemian Like You”, il n’est même pas entré
dans le top 40.
Un singe à contre-courant
Courtney Taylor : “Bohemian Like You” a explosé une année plus
tard, quand on a signé pour la pub Vodafone en Angleterre. Nous étions
déjà en train de bosser sur le disque suivant, “Welcome To The Monkey
House”. “Thirteen Tales” a adressé un message à l’industrie, celui
que nous n’étions pas un groupe de niche, que nous annoncions la
prochaine vague de jeunes artistes, avec leurs looks et leurs pensées.
A ce moment, de nombreux groupes quittaient les labels indépendants
pour signer avec des majors. “Thirteen Tales” ne sonnait comme rien
d’autre parce qu’il n’y avait rien avant ce disque. La finalité des Dandys
est de faire ce qui est nécessaire, c’est-à-dire ce que personne ne fait.
Nous sommes l’équipe de nettoyage du rock.
Peter Holmström : Nous n’aimons pas copier.
Courtney Taylor : Nous étions dans un bar à Chicago après un concert
et, pour je ne sais quelle raison, le contenu du juke-box n’avait pas été
changé depuis les années 80. On entendait du Gary Numan, le premier
disque de Duran Duran, Sade... J’écoutais ça et ça me démangeait :
“Désolé les gars, mais je sais comment notre prochain disque va sonner.”
Capitol avait un nouveau président. Un putain de cauchemar ! Il nous
suppliait de faire un autre “Thirteen Tales”. Je me souviens d’un moment
avec David Bowie (pour qui les Dandy Warhols assuraient la première
partie) dans le bus de tournée, nous écoutions notre nouvel album. Après
trois chansons, il me dit : “Pourquoi dois-tu toujours être le premier à
tout faire ? C’est tellement plus profitable d’être le second.” A ce moment-
là, j’ai réalisé que c’était précisément le problème avec cette industrie.
Elle est réfractaire à l’invention, au progrès. Pour “Thirteen Tales”, trois
albums m’obsédaient : “Desire” de Bob Dylan, “Workingman’s Dead”
et “American Beauty” de Grateful Dead. “Planet Earth” de Duran Duran,
Tubeway Army et “Station To Station” ont été mes obsessions pour
“Welcome To The Monkey House”.
Peter Holmström : Nous n’aimions pas le mix final mais c’est comme
ça. C’est le disque que tout le monde connaît.
Zia McCabe : Avant “Monkey House”, les garçons ne se préoccupaient
pas trop de moi. Une prise et hop, c’était emballé. Je ne comprenais
pas bien où se dirigeait le groupe. Je m’ennuyais à mort en studio.
C’est avec ce disque que j’ai vraiment commencé à participer musicale-
ment. J’ai enfin eu une pièce remplie de claviers et là, c’est devenu
amusant. J’ai réalisé quelles étaient mes capacités de musicienne.
FEVRIER 2019 R&F 059
“Nous sommes l’équipe de nettoyage du rock”
En 2004, sort “Dig”, un documentaire consacré à deux groupes à cause de cette putain de garce, cette immonde personne qui nous a
amis, The Dandy Warhols et The Brian Jonestown Massacre. constamment menti. Nous sommes redevenus un groupe indie.

Zia McCabe : Nous pensions que ce film allait parler de notre musique
et de notre relation avec The Brian Jonestown Massacre. Ce qui n’a
pas du tout été le cas. Le film exclut cette fraternité qui existait entre
nos deux groupes. Quand on a vu le résultat, c’était un coup de poing
dans l’estomac. Décevant et embarrassant.
Brent DeBoer : Quand Ondi (Timoner, la réalistatrice) est arrivée,
j’ai commencé à noter qu’il y avait un élément de moquerie. Elle filmait
des choses sans intérêt. Je pensais qu’elle faisait une version indie rock
de “Spinal Tap”. Je lui ai dit que pour mon interview, je voulais être
dans une baignoire (rires). Sa réponse : “C’est vraiment bizarre !” C’est
ce que le batteur fait dans Spinal Tap ! Je ne pouvais pas croire qu’elle
ne connaissait pas ce film.
Courtney Taylor : Notre relation avec le label s’effondrait. “Thirteen
Tales” était devenu suffisamment important pour que tous ces géants
égocentriques envahissent notre monde et exploitent notre naïveté. Le
président de Capitol l’a fait, cette femme l’a fait. Nous avons tout fait
pour que Anton (Newcombe) et le Brian Jonestown Massacre aient une
carrière. Nous ne savions pas que nous allions devoir sacrifier la nôtre
pour ça. Nous voulions les prendre en tournée avec nous, les aider à
signer un contrat avec une maison de disques. Au lieu de ça, nous avons
été divisés par cette femme méprisable, cette horrible personne. Nous
avons réalisé qu’elle faisait tout pour les rendre jaloux et furieux.
Nous sommes devenus ce groupe affreux en contrat avec une major.
Nous avons été manipulés. On n’a pas eu le droit de regard sur le montage
(bien que Courtney Taylor assure la narration du film). Nos avocats ne
nous ont pas protégés. On n’a pas gagné un centime avec ce film. Quand
il est sorti et que nous sommes devenus instantanément des parias
internationaux, nous n’avions plus d’amis avec qui jouer. Notre carrière
s’est arrêtée. Ce film a détruit tout ce que nous avions construit, nous
a réduit au niveau de succès que nous avions quatre ans plus tôt. Nous
avons dû assumer et continuer parce que nous ne voulions pas arrêter
Nous étions un groupe crucial
Courtney Taylor : Après nous avoir assuré que nous n’avions rien à
craindre, le président du label s’est fait virer et le label nous a lâchés. Alors,
on a fait “Odditorium Or Warlords Of Mars” avec une première chanson
qui jamme pendant dix minutes et une dernière qui dure onze minutes.
C’est l’approche Neil Young, quand tu sais que tu vas être largué. On a
décidé de créer notre propre label, Beat The World et on a fait “Earth To
The Dandy Warhols”.
Brent DeBoer : C’est mon album préféré des Dandy Warhols.
Peter Holmström : C’est peut-être le plus sous-estimé de tous nos disques.
Il n’a pas reçu l’attention qu’il méritait. Il vieillit super bien. Comme “This
Machine”, un très bon album qui n’a pas reçu de bonnes critiques.
Courtney Taylor : Les gens ne comprennent pas toujours. Ils ne
parlent pas le langage de la musique. Je suis dans un groupe avec trois des
plus merveilleuses personnes que j’aie jamais rencontrées. C’est pour cela
que j’ai monté ce groupe de cette manière, parce que même si ils n’étaient
pas les meilleurs musiciens au monde, cela importait peu. Ce sont de super
personnes qui, non seulement, apprécient d’être ensemble mais, aussi,
prennent du plaisir à rencontrer des gens, s’entraident, restent positifs
quand tu es constamment critiqué.
Peter Holmström : Nous avons influencé de nombreux groupes qui ont
à leur tour influencé de nombreux groupes : Jack White, The Strokes, Black
Rebel Motorcycle Club, ils sont tous venus à nos concerts. Kings Of
Leon, Jet, The Vines...
Courtney Taylor :Nous avons très certainement changé des choses. Surtout
au tournant du siècle, nous étions alors un groupe crucial. Nous n’avons
pas eu de gros hits et nous ne vendons pas beaucoup de disques mais nous
sommes un groupe influent. Nous sommes un groupe légendaire. ★
Album “Why You So Crazy” (Dine Alone/ Caroline)

Dandiscographie Life Honey” : argent et bonheur sont-ils

compatibles ? Capitol décide pour le groupe :
on veut avant tout votre bonheur.

“...Earth To The The

“Dandys Rule OK” (1995)
Tout ce qui plaît chez ces
Dandys est déjà présent : de
bons refrains, des chœurs, une
jam cosmico-crétine (“It’s A
Fast Driving Rave-Up”, en trois
parties...) et un amour certain du calembour
(“Lou Weed”). Et cette pochette immaculée,
bien sûr, est une autre référence pop finaude.
“The Dandy Warhols Come Down” (1998)
Courtney Taylor et ses amis
sortent le grand jeu. Des tubes
pour doux drogués, enrobés par
le Korg MS-20 de Zia McCabe
et les guitares atmosphériques de
Peter Holmström. Longtemps,
Taylor se lamentera à propos
du mix de “Come Down”, trop commercial
selon lui. Sa version, surnommée Black Album
et refusée par Capitol sortira des années
aussi quelques plages un tantinet
pénibles : celles où le chanteur
joue au crooner sur des
morceaux au ralenti.
“Welcome To The
Monkey House” (2003)
Chic, le rock est de nouveau
à la mode. Que font les Dandy
Warhols ? Un album rempli de
synthés 80, produit notamment
par Nick Rhodes de Duran
Duran. Oui, mais “Monkey
House” est fantastique. Une orgie de chansons
glam, pop et clinquantes. Longtemps, Taylor
se lamentera à propos du mix de “Monkey
House”, trop commercial, etc. Même histoire.
“Odditorium Or Warlords Of Mars” (2005)
Avec le chèque de la pub Vodafone, Courtney
s’est acheté un entrepôt-
Dandy Warhols...” (2008)
Sans major pour exiger un
album vendable, la bande de
Portland se retrouve livrée à
elle-même. C’est le début d’une
grande période de vacances,
ininterrompue à ce jour.
Le disque : un gloubi-boulga fait
de funk bancal, de country, de jeux de mots...
“This Machine” (2012)
Le sens de l’humour méta des Dandys atteint
son sommet : la pochette cite celle de “Monkey
House” qui elle-même était un double hommage à
Andy Warhol (la banane du Velvet Underground
et le zip de “Sticky Fingers”). Et la musique ?
Plus rock, mais peu inspirée.
“Distortland” (2016)
Tout comme Anton Newcombe, les Dandy
Warhols ont désormais une vie rêvée : liberté
Photo Mike Morgan-DR

plus tard, une bouillie ratée... laboratoire à Portland,
l’Odditorium. L’occasion
“Thirteen Tales From Urban Bohemia” (2000) d’enregistrer en autarcie le
Porté par des singles irrésistibles (“Get Off”, dernier très bon disque du
“Bohemian Like You” et son riff Keith Richards), quartette. Question posée dans
“Thirteen Tales”, globalement très bon, possède “All The Money Or The Simple
d’enregistrer, concerts réguliers, indépendance
totale. Cela donne des albums dispensables
(les deux précédents) ou plutôt réussi (celui-ci).
BASILE FARKAS

060 R&F FEVRIER 2019

Photo Ron Pownall- DR
 En couverture

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IL A ETE SURNOMME SLOWHAND OU ENCORE GOD,
mais connaît-on le véritable Eric Clapton ? Dans la
foulée de la sortie de l’excellent documentaire “Life In
12 Bars”, réalisé par Lili Fini Zanuck, il est peut-être
temps de revenir sur l’apport de l’un des guitaristes les
plus importants de l’histoire. Et de raconter la destinée
cahoteuse de ce personnage finalement attachant.
La naissance d’une obsession
L’enfance façonne souvent la personnalité d’un homme. Celle d’Eric
Clapton a été pour le moins compliquée. Elle a pour cadre une tranquille
mais étouffante bourgade anglaise, Ripley. Il est l’enfant non désiré d’une
adolescente de quinze ans, Patricia et d’un soldat canadien de neuf ans
son aîné, marié par-dessus le marché. Le paternel s’évapore bien vite
et le bambin est élevé par ses grands-parents, Rose et Jack Clapp. Pour
préserver l’enfant du scandale, ils inventent une histoire à peu près
crédible : sa mère sera désormais sa soeur — elle s’en va d’ailleurs refaire
sa vie avec un autre militaire en Allemagne de l’Ouest — et son oncle
son grand-frère. Eric est un enfant timide, renfermé, solitaire, qui sent
bien qu’il n’est pas tout à fait comme les autres, sans savoir exactement
pourquoi. Jusqu’à ce qu’à neuf ans, il apprenne la vérité. Un traumatisme.
Ses notes chutent drastiquement, il se réfugie dans la musique. A la
radio, il est frappé par un morceau de Sonny Terry et Brownie McGhee.
064 R&F FEVRIER 2019
Photo David Wedgebury-DR
Le jeune homme
affirme une personnalité
indépendante et rebelle
sur la pochette, semblant
plongé dans sa revue
Beano quand les autres
fixent l’objectif
Un écho à son mal-être intérieur. La naissance d’une obsession, celle
de la musique bleue. Un peu plus tard, ses capacités au pinceau lui
ouvrent les portes d’une classe d’art graphique dans un lycée spécialisé
à Kingston Upon Thames. Mais cet adolescent malingre, espiègle et un
peu sauvage, ne daigne s’investir que dans la pratique assidue de la
guitare. Il écume les disquaires londoniens en quête de rares albums
de Leadbelly, Bo Diddley, Blind Boy Fuller ou Big Bill Broonzy. Bientôt,
il passe l’essentiel de son temps à ressasser ses accords. Ses progrès sont
fulgurants. A dix-sept ans, il se fait logiquement saquer de son bahut,
où il a tout de même eu le temps de côtoyer un certain Keith Relf. Le
Marquee devient son fief, il y croise Alexis Korner ou les futurs Rolling
Stones. Il tente vaguement de gagner sa croûte avec des petits boulots,
puis se tourne vers ses aïeux pour enfin passer à la guitare électrique
avec une réplique britannique de la Gibson ES-335. Désormais, il est
paré pour fonder un vrai groupe. Pas question cependant de plagier les
Beatles. Il s’agit de suivre à la lettre la règle des douze mesures. Le
musicien Eric Clapton sera un puriste, un croisé du blues, ou ne sera
pas. L’ascension sera rapide, irrésistible. Son premier attelage, éphémère,
s’appelle The Roosters. Il y fait la connaissance du pianiste Ben Palmer,
un futur ami dévoué. Eric passe brièvement par Casey Jones And The
Engineers, qu’il largue sans regret lorsqu’il reçoit un appel à l’aide de
Keith Relf, à la recherche d’un guitariste compétent et motivé pour les
Yardbirds. Ceux-ci ont une opportunité unique : prendre la place des
Rolling Stones au Crawdaddy. Ces derniers viennent en effet de jouer
un bien sale tour à Giorgio Gomelsky, propriétaire du club, et de signer

Photo David Wedgebury-DR
avec Andrew Loog Oldham. Nous sommes en 1963, Eric touche au but.
Il a le privilège d’accompagner Sonny Boy Williamson, qui se montre
peu affable avec ces jeunes blancs-becs britons. Les Yardbirds capturent
un premier disque en public, “Five Live Yardbirds”. Clapton y gagne
un surnom, Slowhand, en référence à la célérité de son jeu, déjà très
élégant. Peu à peu, il se construit aussi un personnage de discret marginal :
toujours tiré à quatre épingles, vêtu différemment de ses camarades,
taciturne, il développe un charisme ténébreux qui le place à l’égal du
chanteur Keith Relf. En sous-main, le bassiste Paul Samwell-Smith dirige
les opérations et décide de viser le proverbial tube. Il en a ras le bol des
rades londoniens. Aux yeux de Clapton, un morceau comme “Good
Morning Little Schoolgirl”, avec ses chœurs un peu niais, est déjà limite.
C’en est trop avec “For Your Love” : il rejette ce tournant pop et claque
la porte, bravache. Un tube ? A quoi bon. Il laisse un cadeau d’adieu
ERIC CLAPTON
splendide avec l’instrumental “Got To Hurry”. Une ultime tournée en
première partie des Beatles lui permet de lier une amitié avec George
Harrison. Leurs chemins ne cesseront de se croiser.
Sourde rivalité
Nous voici en 1965. Eric vient de gagner une certaine respectabilité.
Il n’est pas habituel, dans ce milieu, de refuser la compromission.
Toujours est-il qu’il ne reste pas bien longtemps au chômage. A peine
rentré à Ripley, il reçoit un coup de fil de John Mayall, qui lui propose
d’intégrer ses Bluesbreakers. Cette figure du British blues boom l’héberge
pendant plusieurs mois, lui prêtant même sa gargantuesque collection
de vinyles. Clapton se terre dans la pratique intensive de son instrument.
FEVRIER 2019 R&F 065
ERIC CLAPTON
Photo Ron Howaer/ Redferns/ Getty Images
Le puriste blues a vécu,
place au virtuose
psychédélique chamarré
Il s’est également procuré une Gibson Les Paul d’occasion (la fabrication
est à l’arrêt depuis 1961), dont l’association avec les amplificateurs
Marshall fait merveille. Le son Clapton prend sa forme iconique. Il
commet encore de retentissantes frasques, comme par exemple cette
tournée rocambolesque à travers l’Europe, menée à l’arrache avec ses
potes pendant trois mois et qui se termine par une quasi-séquestration
en Grèce. Mais Mayall, qui sait l’importance du garçon, lui pardonne
tout et le réintègre dès son retour à Londres. Il n’hésite pas non plus à
lui accorder une place particulière sur l’album “Bluesbrakers With Eric
Clapton”. Encore une fois, le jeune homme affirme une personnalité
indépendante et rebelle sur la pochette, semblant plongé dans sa
revue Beano quand les autres fixent l’objectif. Du côté de Highbury
fleurissent des tags Clapton Is God. Un nouveau surnom sur mesure
pour l’ego grandissant d’Eric. Au sein de cette vénérable institution, il
s’esbaudit devant le jeu de basse vrombissant de Jack Bruce qui remplace
brièvement John McVie. Tout change en mai 1966, à la suite d’une
performance dans la cité estudiantine d’Oxford, lorsqu’un batteur
longiligne et roux nanti d’une courte barbe s’invite sur scène pour une
jam. Il s’agit de Ginger Baker, une petite légende du circuit jazz anglais,
puisque passé chez Alexis Korner et Graham Bond, tout comme
Bruce, avec lequel il en était venu à échanger des uppercuts.
066 R&F FEVRIER 2019
Avec Clapton, le coup de cœur musical est immédiat, et Baker évoque
bien vite l’idée d’un trio. Eric accepte à condition que Bruce tienne la
basse. Beau joueur, Ginger Baker va cogner à la porte de l’Ecossais pour
s’excuser de leurs querelles passées. L’instabilité chronique de Clapton
va encore sévir : il éprouve sans cesse un certain besoin de liberté, de
renouvellement. Il coupe donc les ponts avec John Mayall. Le 11 juin
1966, le Melody Maker annonce la nouvelle : un “groupe des groupes”
serait en train de se préparer dans le plus grand secret, quelque part
dans la capitale.
Le puriste blues a vécu, place au virtuose psychédélique chamarré. Cream
sera rétrospectivement très influent. Premier supergroupe, power trio
étalon, il impose également Clapton dans le rôle du guitar hero. Il irradiera
nombre de formations, à commencer par le Jimi Hendrix Experience.
Par ses interventions débridées sur scène et son sens mélodique en studio,
Clapton traumatise nombre de guitaristes, allant de Santana à Steve
Miller, en passant par Eddie Van Halen, Peter Green, Mike Taylor ou
Gary Moore. Dès sa création, Cream repose sur une émulation explosive.
Les débuts sont timides, avec peu de moyens pour “Fresh Cream”, premier
album au style encore embryonnaire, entre compositions pop doucement
surannées et annonçant le psychédélisme (“NSU”, “I Feel Free”) et
quelques éblouissantes reprises de blues comme “Spoonful” ou “I’m
So Glad”. Le triumvirat signe avec Atlantic aux Etats-Unis, Ahmet Ertegun
poussant Eric à prendre la tête de l’ingérable entité. Il n’en aura pas le
caractère, ni vraiment l’ambition. Cream décolle réellement en 1967,
avec “Disreali Gears” et ses classiques intemporels : “Sunshine Of Your
Love”, “Strange Brew” ou “Tales Of Braves Ulysses”. La Californie
accueille le groupe à bras ouverts, il y développe de longues improvisations
qui deviendront sa marque de fabrique. Munis de ses oripeaux bigarrés
(dont une Gibson SG peinte par The Fool), cheveux permanentés, Clapton
devient une véritable star. Mais cet âge d’or ne dure pas plus que la
franche camaraderie des trois lascars, qui entament bientôt une sourde
rivalité. Un évènement crucial persuade Eric qu’il fait fausse route : sa
découverte du “Music From Big Pink” de The Band, qui le chamboule
au point qu’il fait le voyage jusqu’à Woodstock pour rencontrer cette
patibulaire troupe de bûcherons. Il renie très vite le chemin parcouru
avec Cream. Il éprouve un besoin urgent de simplicité, de calme, de
racines. Il se laisse pousser une très gauloise moustache, ressort ses jeans
râpeux du placard. Son groupe ne l’intéresse plus, même si le double
album “Wheels Of Fire” est à nouveau un colossal succès, notamment
grâce à des joyaux comme “White Room”, “Politician”, ou la reprise
transfigurée de “Crossroads”. Cream se sépare le soir du 26 novembre
1968, au Royal Albert Hall, laissant un album testamentaire, “Goodbye”.
Eric y signe “Badge” avec George Harrison, qui l’avait invité quelques
mois auparavant à Abbey Road pour ciseler ce qui reste l’un des plus
magnifiques solos jamais conçus, sur “While My Guitar Gently Weeps”.
En deux folles années, Eric est passé de musicien reconnu de la scène
anglaise à célébrité planétaire, mais semble désormais fuir la notoriété.
Il est, décidément, insatiable.
Un goût de gâchis
Le chapitre qui suit est celui d’un malentendu. Clapton est d’abord
dragouillé par Mike Jagger pour suppléer un Brian Jones zombifié. Il
refuse bien évidemment, ses relations avec Keith Richards étant
plutôt fraîches. Ils sont pourtant côte à côte pour un soir, avec John
Lennon et Mitch Mitchell. Cet aréopage prestigieux, nommé The Dirty
Mac, est rassemblé pour un show destiné à la télévision : The Rock And
Roll Circus. Leur version de “Yer Blues” est très convaincante. Lennon
est séduit par une personnalité qui lui ressemble, timide, écorchée. Mais
Eric Clapton a désormais une idée en tête : collaborer avec Stevie
Winwood, dont il apprécie la voix ample et les talents à l’orgue.
 ERIC CLAPTON : LIFE IN 12 BARS
Lili Fini Zanuck, réalisatrice, raconte son immersion filmique
dans la tumultueuse carrière de Slowhand.
Photo Roger Perry-DR
“J’ai pensé au suicide, mais je me suis dit
que si j’étais mort, je ne pourrais plus boire”
L’intro de ce film fleuve n’est pas innocente :
on y voit Clapton en mai 2015, en mode vidéo
selfie, évoquer sa tristesse suite au décès du
génial BB King tout en regrettant qu’ “on ne
puisse pas dire grand-chose de plus parce
que cette musique appartient quasiment au
passé”. Et c’est du passé qui ne passe pas
dont on va parler durant 133 minutes, durée
de ce document signé Lili Fini Zanuck qui
remonte le temps et tente d’éclaircir les
multiples zones d’ombre d’une vie faite de
démesure, de chutes et de résurrections.
Cognac dans la matinée
“Eric m’a contacté car des connaissances à lui
voulaient réaliser un documentaire mais il ne se
sentait pas à l’aise avec l’idée, sauf si c’était moi
qui m’en chargeais. Je lui ai dit que j’allais venir
le voir à Londres, on a discuté et je lui ai dit OK”
se souvient Lili, veuve du fameux producteur
Richard Zanuck et titulaire d’un Oscar en 1990
pour “Driving Miss Daisy”, qu’elle produisit.
Lili est de bonne humeur ce matin, elle vient
d’apprendre qu’elle était nommée aux Grammy
Awards pour “Life In 12 Bars”. Elle connaît Eric
depuis 28 ans, lorsqu’il composa la musique du
film “Rush” alors qu’il venait de perdre son jeune
fils victime d’un tragique accident. “Quand je lui
ai proposé de travailler sur la BO, son bébé était
vivant, et il est mort pendant la postproduction.
Il a accepté après avoir vu le film et c’est ainsi
qu’est née sa chanson ‘Tears In Heaven’. Il me
l’a offerte, mais c’était si personnel qu’il ne voulait
pas que ça sorte en single ou que ça lui rapporte
de l’argent, et il s’est dit que s’il cachait le
morceau dans une BO, il trouverait son public
de façon plus organique. Et c’est devenu un hit
rien qu’en étant inclus dans la musique du film”.
Cette tragédie intime est longuement évoquée
dans le documentaire, tout comme l’est la relation
mortifère que Clapton a connu avec les drogues et
l’alcool, ainsi que ses déclarations racistes et son
soutien au politicien populiste Enoch Powell.
Le genre de pénible controverse qu’on
imaginerait évoquée dans un film non autorisé,
sauf qu’ici, Eric Clapton a validé la démarche
de Lili. “On a une relation basée sur la confiance,
Eric sait qu’il ne faut pas me raconter de salades.
Il savait que j’allais sortir ce dossier, et il était OK
avec ça. J’ai moi-même été surprise car, aux USA,
personne n’a vraiment parlé de cet épisode, et
ça m’a choqué. Mais quand il a tenu ces propos
racistes, il était bousillé, il descendait une bouteille
de cognac dans la matinée et sniffait de la coke
sur un couteau pour le déjeuner.” Une phrase
inoubliable de Clapton incluse dans ce film
stupéfiant : “J’ai pensé au suicide, mais je me suis
dit que si j’étais mort, je ne pourrais plus boire.”
On mesure ici l’intensité de l’addiction à l’alcool
qu’a connu le musicien, et si le film se conclue par
un relatif happy end avec la vibrante dédicace de
BB King à celui qu’il considère comme son ami,
“le meilleur et le plus gracieux des hommes que
j’aie connus”, il ne néglige aucun des nombreux
squelettes trouvés dans les multiples placards de
celui qui est sans conteste l’un des guitaristes les
plus doués et influents de sa génération. Mais si
on parle de rock, et donc de drogue, le sexe n’est
pas négligé. Pourtant, les témoignages de ses
conquêtes sont relativement peu nombreux. “Vu
qu’Eric est une rock star, il y a eu des milliers de
filles, mais j’ai choisi de me concentrer sur celles
qui ont été importantes pour lui”, se justifie Lili.
Il y a bien sûr Pattie Boyd, fiancée de George
Harrison et inspiration pour “Something” (incluse
sur “Abbey Road”) à qui Clapton fit une cour
effrénée, et aussi la top model française en exil
londonien, Charlotte Martin. Celle qui partagea
sa vie dans les années Cream se souvient : “On
avait 18 ans, on allait dans les clubs tous les soirs et
c’est là qu’Eric m’a accostée, au Speakeasy. Que je
sois française a eu un grand effet sur lui, il était très
fier, il aimait les poètes, la Nouvelle Vague. C’était
très excitant et nouveau pour moi. Eric est un
guitariste de génie, et les génies ne sont pas les plus
à l’aise pour communiquer. Pour ça, il prenait sa
guitare.” Après sept ans de mariage, Charlotte se
sépare d’Eric et fait un enfant avec Jimmy Page.
Tactique de la groupie
Précision importante : Charlotte n’était pas
une groupie. “J’avais très peur de ces femmes-là.
J’étais très innocente et j’ai vu leurs manœuvres
pour approcher les musiciens. Une tactique
classique de la groupie, c’était de devenir très
amie avec la copine du musicien”. On ne voit pas
Charlotte aujourd’hui dans “Life In 12 Bars”,
Lili ayant pris le parti de ne garder que les
témoignages audio, un choix qui permet de voir
plus d’images vintage et de rêver à ces créatures
légendaires sans constater les outrages des ans.
Avant de conclure, Charlotte a une question :
“Vous connaissez Philippe Paringaux ? C’était un
très bon ami à nous, on le voyait toujours avec Eric
quand on passait à Paris, alors si vous le croisez,
vous lui direz bien des choses de ma part”. ★
RECUEILLI PAR OLIVIER CACHIN
Documentaire “Eric Clapton : Life In 12 Bars”
de Lili Fini Zanuck (en salles)
FEVRIER 2019 R&F 067

Las, par l’odeur du gain alléché, Ginger Baker se radine, et le projet
prend alors une maussade tournure, qui rappelle le cadavre encore
chaud de Cream. Baptisée Blind Faith et renforcée par Ric Grech à la
basse, la formation n’a même pas le temps de se constituer un répertoire
digne de ce nom qu’elle est catapultée devant plus de cent mille personnes
à Hyde Park. Clapton boude logiquement, ce n’est pas ce qu’il espérait,
et il va pratiquement saborder cette belle machine à générer des dollars.
Une gigantesque tournée aux Etats-Unis est prévue. Déjà blasé par le
projet, Eric préfère picoler dans le bus bringuebalant d’une bande de
sudistes rigolards, Delaney & Bonnie, qui assurent la première partie.
Leur musique très roots est proche de ses aspirations. L’expérience Blind
Faith ne dure que quatre mois, et laisse un goût de gâchis, malgré un
album correct réalisé avec Jimmy Miller. Des choses exquises comme
“Can’t Find My Way Home” et “Presence Of The Lord” n’étaient, tout
de même, pas à la portée des premiers venus. De retour dans son château
du Surrey, Eric papillonne toujours. Il flirte de nouveau avec Lennon,
qui aimerait bien l’intégrer durablement à son Plastic Ono Band et
réussit à arracher son consentement pour un festival à Toronto. Les
choses en restent là avec le désormais ex-Beatle. Il intègre la cara-
vane de Delaney & Bonnie, participant même à un album live (sur lequel
il est quasiment inaudible).
Delaney Bramlett incarne, tel
Mayall auparavant, un père
de substitution. Il l’aide à se
Ivre, il provoque un scandale
décomplexer, à prendre confiance en sa voix et son écriture. Delaney
se retrouve à la barre pour le sous-estimé “Eric Clapton” en 1970, qui
dévoile une réjouissante approche country soul, avec cuivres et choristes.
Des pointures comme Leon Russell, Stephen Stills, Bobby Keys, Jim
Price ou Rita Coolidge sont de la fête (on les retrouvera sur “All
Things Must Pass” de George Harrison). Mais Clapton se brouille
avec Bramlett, dont le caractère ombrageux et autoritaire lasse aussi
le bassiste Carl Radle, le claviériste Bobby Whitlock ainsi que le batteur
Jim Gordon. Clapton les récupère aussitôt, pour un nouvel attelage qu’il
veut cette fois anonyme. La suite sera douloureuse, tumultueuse mais
aussi brillante. Les drogues dures, en particulier l’héroïne, font leur
macabre apparition dans l’histoire. Eric décide d’appeler l’affaire Derek
And The Dominos et de partir écumer les petites salles, au grand dam
de Robert Stigwood, son avide manager. Un contre-pied parfait à
Blind Faith. En parallèle, il poursuit sa cour à Pattie Boyd, la compagne
de George Harrison, dont il est tombé éperdument amoureux. Il traîne
un spleen carabiné, qu’il exorcise dans la poudre et la lecture de “Layla
Et Majnûn”, recueil de textes du poète perse Gangavi Nezâmi-e narrant
une histoire d’amour impossible... Les studios Criteria de Miami et Tom
Dowd sont réservés pour accoucher d’un nouvel effort, mais les premières
séances sont infructueuses. En fait, l’ensemble décolle lorsque Duane
Allman, de passage en ville avec ses frangins, est invité à se joindre aux
sessions. La rencontre avec God fait des étincelles : l’admiration est
mutuelle, l’entente immédiate, et les jams s’enchaînent, parfois pendant
dix-huit heures d’affilée. Le disque devient double, et le résultat est
d’une intensité redoutable. Des merveilles comme “Why Does Love Got
To Be So Sad?” méritent d’être redécouvertes. Clapton est alors frappé
par plusieurs événements funestes qui vont le faire plonger définitivement
dans les abîmes narcotiques : la mort de Jimi Hendrix, puis celle de son
père adoptif. Et, toujours, Pattie qui se refuse à lui, malgré cette
gigantesque missive nommée “Layla And Other Assorted Love Songs”...
qui sera un échec commercial retentissant, nullement aidé par une
énigmatique pochette sur laquelle ne figure même pas le nom des
Photo Ed Caraeff/ Getty Images
musiciens. Une volonté très jusqu’au-boutiste d’Eric, et pas si surprenante
au fond. Un quasi-suicide commercial. Les Dominos disparaissent sous
des montagnes d’opiacés. Au bout du rouleau, Clapton se retire dans
sa demeure de Hurtwood Edge pour se reposer. Il ne se doute pas que
la parenthèse va durer trois longues années.
ERIC CLAPTON
Le documentaire “Life In 12 Bars” s’avère assez peu disert sur la suite.
Il est vrai que l’épisode le plus créatif, le plus passionnant, s’achève ici.
Eric plonge, durant trois ans donc, dans l’héroïne, et n’émerge du vaporeux
nuage que grâce à l’aide de Pete Townshend, puis entame une cure de
désintoxication. Remplaçant la poudre par la bibine, il passe près d’une
décennie à écluser ses deux bouteilles de Courvoisier par jour, montant
sur scène fin saoul pour de piteuses pantalonnades. Dans un court moment
de lucidité, il usine le débonnaire “461 Ocean Boulevard” (1974) à Miami,
qui le remet en selle grâce au succès de “I Shot The Sheriff”, reprise du
récent morceau de Bob Marley And The Wailers. L’album développe un
sillon laid back déjà entrevu en 1970 et que Clapton va paresseusement
creuser pendant les années qui suivront. Il tente d’effacer le souvenir du
technicien flamboyant et prolixe des années Cream pour privilégier l’épure,
la slide, et un solide ancrage stylistique américain, sous haute influence
JJ Cale, dont il avait déjà repris “After Midnight” dès 1970. Un bonheur
n’arrivant jamais seul, il conquiert enfin Pattie Boyd qui emménage
avec lui en 1975. Ses opus seventies sont dans l’ensemble assez mous,
amalgames de reprises blues, ballades romantiques, et tentatives reggae
ou country, mais bénéficient des bons soins du fidèle Tom Dowd puis de
Glyn Johns, ce qui leur assure une production classieuse, intem-
porelle. On trouve ici et là de
bons morceaux, comme par
exemple la sautillante “Watch
Out For Lucy”, et certains
disques sont indéniablement plus denses (“Slowhand” en 1977, avec la
célèbre reprise de “Cocaine”). Lui aussi aura son album perdu, “Turn
Up Down” en 1980, rejeté par RSO car les lieutenants Gary Brooker et
Albert Lee y tiennent trop souvent le micro. Dans un sens, il symbolise
l’abandon total de l’ex-démiurge, en autopilotage complet. Slowhand passe
le plus clair de son temps au pub ou au stade (il supporte West
Bromwich Albion). Ivre, il provoque un scandale en tenant quelques
propos racistes sur scène lors d’un concert à Birmingham en 1976. Après
qu’il eut une nouvelle fois frôlé la mort pour cause d’ulcères carabinés,
les années 80 le voient devenir enfin sobre (à partir de “Money And
Cigarettes” en 1983), mais l’inspiration ne jaillit pas pour autant. C’est
l’époque du Clapton jet-setteur, costume Armani noir et top model au
bras. Désormais lié avec Phil Collins, il tente vainement de coller au son
du moment, avec synthétiseurs et percussions électroniques. Laid. Un
drame d’envergure va malheureusement survenir : le décès accidentel de
son fils Conor, âgé de seulement quatre ans, en 1991. Son profond chagrin
lui inspire “Tears In Heaven”, ainsi qu’une prestation habitée lors de
l’émission MTV Unplugged, qui lui assure une pluie de Grammy Awards.
Après une performance proprement stellaire sur “Don’t Think Twice,
It’s All Right” lors du trentième anniversaire de la carrière de Bob Dylan,
Eric peut enfin s’atteler à un projet qui lui tient à cœur depuis toujours :
un long-format totalement blues, le très brut et austère “From The Cradle”,
qui demeure l’un de ses albums les plus réussis.
Intarissable source
Eric s’approvisionnera à nouveau à cette intarissable source avec “Me
And Mr Johnson” ou encore “Riding With The King”, réalisé en duo
avec BB King. Les années 2000 sont celles de l’apaisement et des virées
entre copains, avec JJ Cale (“The Road To Escondido”) et même une
brève réunion de Cream le temps de quelques dignes concerts, toujours
au Royal Albert Hall. Devenu à nouveau père, il compose de moins en
moins, mais livre toujours d’honnêtes copies, comme “Clapton” en 2010
ou “I Still Do” en 2016. Eric Clapton est, incontestablement, un survivant.
Un homme qui a puisé dans ses tourments intérieurs pour devenir l’un
des artistes les plus fondamentaux des swingantes sixties. Un vrai
bluesman, reconnu par ses maîtres, Muddy Waters, Freddie King ou
BB King. Nombre de ses proches, amis et collègues ont péri, solide
malédiction, lui est toujours là, bien présent. Il s’agit d’en profiter. ★
FEVRIER 2019 R&F 069
La vie en rock

Dans ses pubs, il reste Iggy.

Le vilain Iggy

ROCK’N’
ROLL &
PUBLICITE
Velvet Underground, Clash et Troggs passent enfin à la télévision ?
Oui, dans les spots publicitaires. L’art rebelle par excellence
a-t-il été définitivement dissous par le monde de la réclame ?
PAR PATRICK EUDELINE

DIM... ET PUIS L’AMI RICORE. D’aussi loin que je me
souvienne, ce sont ça les premières musiques de pub qui
me restent en mémoire. Les pubs, il y en a toujours eu,
oui. Mais la musique, des chansons pour l’illustrer...
Non. Autant les thèmes d’Interlude, de la Séquence
Du Spectateur, des “Cinq Dernières Minutes” obsèdent
ma mémoire, autant la pub — une publicité heureuse,
créative — semblait se passer de musique. Quelques
slogans, oui, des jingles. C’était cela l’essentiel. Et puis
un jour, j’ai entendu le Velvet Underground. Un
des morceaux sacrés du premier album. “Sunday
Morning”, oui. Et c’était pour vendre des assurances.
Des putains d’assurances. Cela n’a pas arrêté depuis.
La troisième vente de disques en ce moment
(pardon, de streaming), c’est ce bon vieux Redbone. Et même pas
avec “The Witch Queen Of New Orleans”, son hit taillé dans le
marbre, mais un machin plus tardif, “Come On And Get Your Love”.
C’est drôle. J’ai toujours eu une dent contre Redbone. Philippe
Paringaux qui aimait beaucoup tout ce que sortait CBS en avait fait des
tonnes dans Rock&Folk au sujet de son premier double-album, en
1970. C’était, si je résume, la rencontre entre The Band, Creedence
Clearwater Revival, les Beatles. Rien que ça. J’ai craqué. Pour moi,
alors, la parole de Paringaux était d’or. Le double album en import
Givaudan. Rien que ça. 40 balles. C’était, c’était... chiant comme la
pluie. Je n’aimais ni les voix, ni le style, ni les mélodies pompées, mal
foutues et sans inspiration, (du boogie mou, le plus souvent) ni même le

070 R&F FEVRIER 2019

son des guitares (wah-wah sur Leslie liquide, une horreur) la pochette
était moche (un os rouge, donc) et le look des musiciens, en indiens
hippies, fort douteux. Voilà. Je ne comprenais pas l’intérêt. Que de
disques formidables j’aurais pu acheter à la place ! Kooper et
Bloomfield en live, tiens ! le Rotary Connection ! Electric Flag,
NRBQ, deux Rod Stewart, que sais-je ?
Je viens de réécouter. Je n’ai pas changé d’avis. Bon, “The Witch
Queen Of New Orleans” était un sacré hit, et ce “Come On Get Your
Love” de 1973 ne déméritait pas. Même si à l’époque de sa sortie,
j’avais personnellement d’autres Dolls et MC5 à fouetter. Ce “Come
On Get Your Love” est aujourd’hui incontournable. C’est la musique
d’une pub Bouygues, particulièrement feelgood avec esprit de Noël et
gentil papa. Il n’en fallut pas plus. On se souvient. Jadis les musiques
publicitaires étaient composées sur mesure, ou étaient — plus rarement
— empruntées. Mais, en ce cas, elles étaient réinventées, transfigurées.
Comme le thème de Dim justement, inspiré de “The Fox” de Lalo
Schifrin ou celui de Jacques Vabre (“La Colegiala”). Et puis, que voulez-
vous ? C’était une époque où John Lennon refusait mordicus
de vendre son “Revolution” à Nike (depuis la Yoko a tout bazardé,
pensez) ou Jim Morrison voulait quitter les Doors parce que Manzarek
envisageait de vendre “Light My Fire”. Le Pink Floyd s’est grillé en se
commettant avec Gini (“Un goût... une musique étranges venus d’ailleurs”)
et il fallait s’appeler Gainsbourg pour pouvoir se permettre de telles
compromissions. Je l’aimais tellement, le Serge, que même travesti en
employé de banque dans une pub Bayard ou auteur d’un épouvantable
clip TV pour Pentex (“Nobody is perfect”), il m’arrachait un sourire
de connivence. Vieux brigand ! Depuis... Plus personne ou presque
n’avance de tels scrupules. J’ai parlé à Iggy de ses nombreuses
apparitions (Le Bon Coin, les Galeries Lafayette, les assurances
Get A Life, etc.) ou de l’utilisation de “I Wanna Be Your Dog”
pour SFR (rien que ça). Il m’a répondu... Les disques ne se vendent
plus mais s’écoutent sur Deezer, les tournées vous usent, les artistes
doivent trouver des débouchés. Il n’avait pas tort. Et puis, dans ses
pubs, il reste Iggy. Le vilain Iggy. Tout juste s’il ne prétendait
pas faire passer des valeurs rock’n’roll via son apparition chez SFR.
Mais bon, on le comprend. On l’absout. Mieux, on est content pour lui.
N’empêche que jusqu’aux années 90, le rock et la
pub, cela faisait quand même deux. Surtout en France.
Certes, en sa recherche de thèmes efficaces, le monde de la pub, au
cinéma (Jean Mineur, priez pour nous) comme plus tard de la télévision
n’hésitait pas à piller jazz et musique classique (et à faire découvrir
au passage Dvo ák, Sibelius ou Chostakovitch au plus grand nombre),
puis peut-être un peu de Burt Bacharach ou de Tamla-Motown.
FEVRIER 2019 R&F 071

Il fallait s’appeler
Gainsbourg pour pouvoir
se permettre de telles
compromissions
Ce qui pouvait sembler à peu près consensuel. Mais le rock... Du rock
dur, ou connoté garage ? Du rock de chevelus ? En fait, donc, c’est
surtout vu de France que le problème se posait. En France, le rock, ce
n’était pas une musique faite pour le hit-parade, c’était une religion.
Alors qu’ailleurs, on ne se posait pas tant de problèmes. Enfin, au
début... avant que tout ne se politise. Elvis en 1954 pour des doughnuts !
Les Rolling Stones, dès 1964, qui vantaient les Rice Krispies
(ils n’avaient pas encore, il est vrai, composé “Satisfaction”
ou “Get Off Of My Cloud”). Les Yardbirds pour le soda Great Shakes,
Cream pour la bière Falstaff. Une marque comme Pepsi ou, surtout,
Coca-Cola pouvait s’enorgueillir d’un vrai bottin mondain. Du Jefferson
Airplane aux Who, des Moody Blues à Left Banke en passant par BB
King. L’Airplane (pourtant hippies renommés anti-système) a défendu les
jeans Levi’s dans plusieurs spots, les Shadows Of Knight vantaient les
chips Fairmont... Sandy Denny a promu le bon beurre anglais et le David
Bowie pré-Ziggy a sucé les crèmes glacées Luv. Les seuls à tout refuser
en bloc furent les Lovin’ Spoonful. Ils ne voulurent pas être
les Monkees et envoyèrent balader Coca. Ils l’ont payé cher : leur
merveilleux guitariste, l’excentrique Zal Yanowski est tombé pour dope.
Cela a tué le groupe. C’est à partir de la période hippie que le hiatus
devint le plus évident. La pub, ce n’était ni le monde de l’art, ni celui de
la révolte. Le rock, lui, tenait à garder cette aura, même dans le monde
anglo-saxon. Les artistes renâclaient donc le plus souvent, malgré
les ponts d’or proposés parfois. Il fallait être Levi’s, Pepsi ou Honda,
des marques connotées, pour que l’idée leur vienne d’accepter.
“Des pâtes oui, mais des Panzani”, “Dans Banga,
y a de l’eau”... On préférait de toute façon composer des jingles,
des originaux, au pire, s’inspirer de choses existantes détournées.
Qui n’a pas entendu la pub Narta s’inspirant en 1974 des jerks de Pierre
Henry/ Michel Colombier n’a rien entendu. Ou Thierry Le Luron imitant
Tino Rossi pour vanter les mérites de Wizard. Des jingles, des originaux ?
Après tout, un jingle est aussi ardu à concevoir qu’un tube, et cela obéit aux
mêmes nécessités. Les plus grands, d’ailleurs, n’ont pas renâclé à s’y frotter.
Jacques Loussier, le grand Serge, Francis Lai, Claude Bolling, Germinal
Tenas (du rock beatnik façon Vogue au “ticket choc” de la RATP !). Jusqu’à
Richard Gotainer qui semble clore la marche. La clef de ce savoir-faire est
depuis longtemps tombé dans le puits. Et puis, et puis, vers les années 90,
on a compris que cela revenait moins cher d’acheter clef en main. Et puis
le rock ne développait plus une telle image de sulfure et d’irrévérence.
Il était devenu le passé. Le doux passé. Les golden hits. Le classic rock.
072 R&F FEVRIER 2019
Le son des Stooges du premier album, leur cri le plus sauvage pour
vendre un opérateur téléphonique ? Inimaginable quelques années
plus tôt. Et ce fut la curée. Tout y est passé.
De “Sympathy” du Rare Bird (pour Chesterfield) à “All Together
Now” pour Fiat, on a épuisé les hit-parades. On a cherché les hits...
Cela est même devenu un métier.
Personne n’a été oublié. On a tout entendu. “I Fought The Law” (version
Clash) pour Sony. “California Dreamin’ ” pour Renault. David Bowie,
pour Chanel, Toyota, La Poste, Sony), et même Bob Dylan (Kenzo,
Peugeot avec “Knockin’ On Heaven’s Door”, ce qui est un peu étrange,
qui a envie de se retrouver au paradis quand il conduit une voiture ?)
Ah si ! les Beatles. On ne trouve quasi que “Come Together” pour
Harmonie, “Drive My Car” pour Boss mais ils coûtent bien trop cher.
Certains morceaux, trop évidents ont été exploités jusqu’à la lie.
“Born To Be Wild” par exemple. Jeep, Apple, McDo, Volkswagen.
Rien que dans les dernières années. “On The Road Again” de Canned
Heat, pour Peugeot récemment. Sinon, on a vu “Wild Thing” pour les
parfums Lacoste. “Happy Together” pour Amora. “Good Vibrations”
pour Chrysler. “We Will Rock You” sous-exploité par Evian. Tout et
rien. Tout le monde y est passé, oui. Jusqu’à Sid (“My Way” pour Fiat)
et The Clash (“Should I Stay Or Should I Go”, à satiété). D’autres ont
été employés n’importe comment. “I’ll Be Your Mirror” pour France
Telecom. Vraiment ? “After Hours”, aussi a été utilisé, pour Nina Ricci.
Le Velvet Underground, décidément... Ah ! Et puis “I’m Not
Like Everybody Else” pour vendre des ordis IBM ?
Et on ne parle pas des versions douteuses. De “I Am A Man” pour
Seat ou Dior, mais par Black Dragons, de “It’s A Man’s Man’s World”
pour L’Oréal mais dans la version de Seal. Parfois, l’idée est jolie ou
semble efficace. Parfois, même, le morceau est rare ou bien venu.
Quand Scorsese, pour Chanel, utilise “She Said Yeah” dans la version
des Rolling Stones, quand Dior écume les mêmes (“Paint It Black”,
“Sympathy For The Devil”) en couplant ces merveilles à l’image du
Delon iconique. Avant de penser à “Whole Lotta Love”. Sinon...
“Set Me Free” pour H&M, “Picture Book” pour HP.
Décidément, la pub revaloriserait donc l’image des Kinks ?
A première vue, on ne peut en tirer qu’une unique
conclusion. Si le monde de la pub, par définition consensuel et
fuyant comme la peste tout ce qui est clivant se jette ainsi sur rock
et pop, c’est que celui-ci ne fait plus de mal à une mouche, qu’il ne
signifie plus rien. Après tout, on utilise rarement Brel, Barbara ou
Brassens pour la pub. Ce n’est pas assez léger. “Amsterdam” pour
vendre... quoi ? Des moules Tipiak ? On en oublie que ces hits, tous
ces morceaux sont, simplement, de très grandes chansons. Avant tout.
Qu’on ne ferait plus jamais mieux. C’est comme la musique classique :
on sait qu’elle a arrêté d’évoluer après Stravinsky. On ne lui demande
pas d’être actuelle mais d’être puissante. Si le monde de la pub pour
exprimer une idée de violence, de rébellion, d’urgence ne trouve
toujours pas mieux que “You Really Got Me” (même si c’est pour...
Mr Bricolage !) ou “My Generation”, c’est que ce rock que l’on croyait,
que l’on sait mort et confit dans son fantasmagorique passé ne l’est peut-
être pas totalement. Si pour exprimer le désir et le sexe, rien ne vaut
“I Just Want Make Love To You” dans la version d’Etta James avec
ce riff lubrique qui vous scie les jambes à chaque fois et cette voix
trempée de blues et d’émotion salace, c’est que tout cela n’est peut-être
pas complètement mort. Sinon, ils choisiraient Bigflo et Oli. Ou ils
demanderaient à un artiste d’aujourd’hui de faire un à la manière de.
Le procédé, encore utilisé dans les années 2000, n’existe quasi plus.
Ce n’est plus que golden hits. Encore et encore. On s’y est fait. Non ?
N’empêche, quand j’entends jusqu’à la nausée les premières notes
de piano de “She’s A Rainbow”, le choc émotionnel est là, toujours
et encore. Ces quelques notes ont trop marqué mon adolescence et
mon cerveau se refuse probablement à les entendre dans un tel
contexte. Comme ce “Comic Strip” dont use et abuse Nina Ricci.
Et j’ai — on — a envie de leur dire laissez-moi tranquille, avec mes
amours, mes cicatrices et mes blessures. Ce “She’s A Rainbow”
ne vous appartient pas. Ce qui est très gamin comme réaction.
J’en conviens. Mais le rock n’est-il pas un truc de — vieux — gamins ? ★

Un rock planant, une pop qui lévite,
des mélodies en altitude
Au voleur ! Toy se fait prendre la main
dans le sac à plusieurs reprises, pillant
dans un premier temps les lignes
mélodiques du refrain de “Girl, You’ll
Be A Woman Soon” (Neil Diamond)
pour “Last Warmth Of The Day” et
du couplet de “Some Candy Talking”
(Jesus & Mary Chain) pour “Sequence
One”. Allez-y, servez-vous ! D’autres
emprunts sautent aux oreilles :
La Düsseldorf pour “Energy”, Suicide
pour “Move Through The Dark”,
le Pink Floyd de 1972 pour “You
Make Me Forget Myself”. Quand un
morceau n’évoque pas une référence
particulière, c’est parce qu’il en mixe
plusieurs — Kevin Ayers et Brian
Jonestown Massacre, Neu! et Field
Mice, Ride et Legendary Pink Dots, ce
genre d’amalgames. Sachant que Tom
Dougall, le leader du groupe, semble
faire une fixette particulière sur Jason
Pierce, troquant juste le côté gospel
et blues de Spiritualized contre des
PISTE AUX ETOILES ✪✪✪✪✪ INCONTOURNABLE ✪✪✪✪ EXCELLENT ✪✪✪ CONVAINCANT ✪✪ POSSIBLE ✪ DANS TES REVES
Toy
“HAPPY IN THE HOLLOW”
TOUGH LOVE/ DIFFER-ANT
synthés rêveurs. Faut-il châtier ce
pickpocket ? Surtout pas. Pourquoi lui
en tenir rigueur, si ces détournements
servent d’impeccables chansons ?
Pourquoi accuser Toy de piocher dans
plusieurs genres (krautrock, indie-pop,
shoegaze, folk, psyché, post-punk) si
ce grand brassage produit un cocktail
grisant ? Les Anglais ont débuté en
2011 en bénéficiant du chaperonnage
de The Horrors, qui sort alors
l’excellent “Primary Colours” : les
ainés déclarent n’avoir jamais écouté
groupe aussi excitant, embarquant ces
petits nouveaux en tournée — Toy
bénéficie immédiatement d’un surplus
d’attention, niveau médias et public.
Tom Dougall, pas ingrat, a toujours
remercié The Horrors pour ce coup
de pouce providentiel : “C’est grâce à
eux qu’on a pu mettre le pied dans la
porte. De nos jours, il y a tellement de
groupes qui tentent de percer, c’est
une énorme faveur quand quelqu’un
Disque du Mois
d’établi et respecté vous recommande.
On débutait à peine et déjà plein de
gens étaient amenés à nous écouter.
En faisant les premières parties de
The Horrors, nous avons rapidement
joué dans des salles immenses, le
processus s’est accéléré. Je ne me
plaindrai jamais d’avoir évité, grâce à
leur aide, plusieurs années de galère”.
Toy a ensuite eu droit à un second
coup de projecteur : la chanteuse de
Bat For Lashes, Natasha Khan, qui
a tourné avec Coldplay et composé
avec Beck une chanson pour la saga
“Twilight”, gagnante du Mercury Prize,
propose au groupe une collaboration
— un album de reprises de morceaux
iraniens, marocains et thaïlandais sous
le nom Sexwitch, où Natasha se prend
pour Nina Hagen et Toy pour les
Banshees. Des expériences qui n’ont
pas détourné Tom Dougall de ce pour
quoi il est le plus doué : composer
avec Toy des morceaux splendides.
Leurs trois premiers albums en
contiennent un nombre honorable :
“My Heart Skips A Beat”, “Endlessly”,
“Dream Orchestrator”... Le nouveau,
“Happy In The Hollow”, en est
gavé. Les disciples dépassent et
surplombent leurs pygmalions :
alors que les Horrors peinent à tenir
la distance, alors que Khan pédale
dans la semoule (bio), Toy continue
de gravir des sommets. Avec un
rock planant, une pop qui lévite,
des mélodies en altitude, une
instrumentation perchée, par-delà
influences et inspirations — ses
emprunts, Toy ne les traite pas façon
rase-motte, mais avec élévation et
transcendance. Proverbe hébreu :
“Quand un voleur vous embrasse,
comptez vos dents”. Ici, on compte
surtout les grandes chansons.
✪✪✪✪
BENOIT SABATIER
FEVRIER 2019 R&F 075
Disques poprock
The Dandy
Warhols
“Why You So Crazy”
DINE ALONE/ CAROLINE
Qu’on nous apporte du Botox :
les Dandy Warhols fêteront cette
année leurs 25 ans de carrière
(terme inapproprié pour ce quatuor
de slackers autoproclamés)... On se
souvient des frasques de leurs débuts
— ils finissaient leurs concerts à
poil, une révolution quand on n’a
pas connu Woodstock. Et surtout, ils
insufflaient de l’humour et du rien-à-
foutre dans un petit monde qui aime
se prendre au sérieux. Il y a eu une
série d’albums quasi parfaits et
puis, ils ont acheté l’Odditorium, leur
studio-repaire à Portland — meilleur
moyen de sombrer dans l’onanisme
sonore. Les disques ont commencé à
sonner comme des autoparodies, les
tubes se sont raréfiés. Jusqu’à “Why
You So Crazy”, dixième album qui
se barre dans tous les sens et c’est
tant mieux. Car c’est là le charme
des Dandys : toucher à tous les styles
sans trop gratter la surface et en tirer
des morceaux agaçants de facilité et
souvent plus profonds qu’ils n’en
ont l’air. Ici, ils exécutent un grand
écart facial sonore : on débute avec
“Fred And Ginger”, grésillant comme
un 78 tours, on part dans la pop
synthétique dès “Terraform”, on
fait un détour psyché sur “To The
Church”, on termine par un morceau
classique au piano et, entre les
deux, joie et bonheur, les Dandys
ont retrouvé le mojo de la compo.
La comptine “Highline”, le faux
cantique “Sins Are Forgiven”,
“Small Town Girls”, concentré
de chanson dandyesque (paroles
pleines d’humour, chanter-parler
de Courtney Taylor-Taylor plein de
morgue, mélodie diaboliquement
catchy) ou ce “Motor City Steel” qui
rappelle une foule d’autres choses,
mais avec légèreté, redonnent foi
en un groupe qu’on croyait rincé.
✪✪✪✪
ISABELLE CHELLEY
076 R&F FEVRIER 2019
Tender
“Fear Of Falling Asleep”
PARTISAN
Soyons clairs : on ne peut pas avoir
grand-chose d’autre qu’une intuition
favorable en sortant de sa pochette
plastique (eh oui, old school...) le
nouveau CD de ce duo électronique
londonien dont les compagnons
d’écuries, sur le label indépendant
de Brooklyn, Partisan Records, sont
John Grant, Mercury Rev, Cigarettes
After Sex et Heartless Bastards.
A peine glissé dans le lecteur, le
deuxième album de Tender libère ses
parfums et confirme les promesses
contenues dans son premier, en 2017.
Mais attention : dans la grande
famille des musiciens qui, même
modestement, font carrière dans
l’electro aujourd’hui, James Cullen
et Dan Cobb sont loin d’être les
plus tapageurs. Leur genre à eux,
c’est plutôt le brumisateur de
sons et d’intentions, la dentelle
au mètre, le groove modéré, les
vocaux impondérables comme l’éther.
Forcément, chez ces deux-là, ne
serait-ce que parce que la qualité est
au rendez-vous, on entend à la fois
Air et Phoenix. Mais pas seulement.
Car si l’humeur, ici, est souvent à la
mélancolie (“No Devotion”, “Can’t
Show My Face”, “When They Come
For You” ou la chanson-titre), Tender
n’est certainement pas moins bon
lorsqu’il accélère le tempo et fait
crépiter la batterie sous les aplats
synthétiques. Dans le genre,
“Handmade Ego”, “Bottled Up”,
“Closer Still” et “Tainted” se posent
là. Alors, on peut légitimement se
demander ce qui distingue vraiment
ce duo du lot des apprentis sorciers
à qui la technologie donne des ailes
et le compteur YouTube de faux
espoirs. Et ceux que la question
ennuie peuvent toujours écouter
“More Or Less” sous les draps ou à
fond dans la bagnole (sous la pluie de
préférence), en dodelinant doucement
la tête avant de fermer les yeux.
✪✪✪
JEROME SOLIGNY
Joe Jackson
“Fool”
EDEL/ VERYCORDS
“Oh mon Dieu, quel morceau ! On est
à nouveau en 1979 !”, dit un
commentaire sous la vidéo YouTube
de “Fabulously Absolute”, premier
single de ce réjouissant projet. On est
tenté d’approuver tant les huit
compositions de cet album bref et
inspiré fleurent bon la new wave
naissante et n’auraient pas fait pâle
figure sur le premier album de Joe
Jackson enregistré voilà 40 ans.
D’une durée vinylique (42 minutes), ce
disque est de ceux sur lesquels le
temps n’a pas de prise. Dès “Big
Black Cloud”, on retrouve ce qui fait le
charme de ce chanteur et pianiste qui
débuta durant l’ère punk et flirta avec
divers genres musicaux, du jazz au
classique en passant par la musique
latine. Mais c’est avec des chansons
directes et mélodiques comme
“Alchemy” que l’on préfère Joe, qui
reste très british dans son style même
s’il habite désormais entre Berlin et
New York. Enervé sur “Fabulously
Absolute” où il fustige le politiquement
correct en se définissant comme un
“filthy troglodyte”, Joe Jackson est
capable d’accélérer le tempo et de
ciseler des mélodies tellement simples
en apparence qu’on en oublierait
presque leur extrême sophistication.
“Dave” parle de l’homme de la rue,
celui du petit bled où le chanteur
naquit voilà 64 ans, et “Strange Land”
évoque une ville où “tous les whiskies
sont japonais et les bars pleins de
fantômes”, métaphore du temps qui
passe et qui brouille les repères.
“Longue vie au bouffon”, chante-t-il
dans “Fool”, qui cite Shakespeare
sur un tempo soutenu. La voix de Joe
est aussi puissante que sur “Look
Sharp” et son style est débarrassé
des excroissances classico-intellos
qui ont parfois gâté sa pléthorique
discographie. Un album qui marque
le retour à l’excellence d’un artisan
de la pop britannique. ✪✪✪ 1/2
OLIVIER CACHIN
Night Beats
“Myth Of A Man”
PIAS
Disque du mois il y a trois ans
(R&F 584) avec “Who Sold My
Generation”, album racé et nerveux
faisant figure d’immédiat petit
classique, les Texans étaient attendus.
Si leur précédent effort donnait
crânement dans le garage viriloïde,
dans la lignée des Black Angels ou
BRMC, dès l’ouverture de celui-ci,
on se sait ailleurs : “Her Cold Cold
Heart”, sorte de bizarre valse à la
Last Shadow Puppets, déjoue
d’emblée toutes les attentes, tandis
que “Stand With Me” lorgne vers
le son hispanisant du Jimi Hendrix
de “All Along The Watchtower”.
Enregistré dans le studio de Dan
Auerbach à Nashville, l’album porte
son influence et, s’il a le clinquant
un peu contrefait des productions du
leader des Black Keys, il s’avère riche
en surprises. “Myth Of A Man, en fait,
s’affirme bien plus soul/ R&B que
son devancier, osant même une très
convaincante incursion vers la Philly
soul (“I Wonder” et ses cordes), virant
presque mod sur “Eyes On Me”. La
proximité avec Alex Turner est parfois
troublante : “(Am I Just) Wasting My
Time” pourrait être un inédit du leader
des Arctic Monkeys. On se retrouve en
terrain plus familier sur le frénétique
“Let Me Guess”, taillé pour la scène.
Difficile de dire si cette versatilité est
l’indice d’une sincère volonté
d’exploration ou d’un désarroi
stylistique. Une certitude, Danny Lee
Blackwell n’est pas simplement un
Sky Saxon 2.0 : “(Am I Just) Wasting
My Time” ou “Footprints” (l’un des
sommets) le voient jouer au crooner
avec une candeur renversante. Bref,
se déprenant d’une obsession trop
exclusive pour Roky Erickson, les
Night Beats gagnent en brillant
ce qu’ils perdent en puissance
émeutière. Choix courageux :
sans convaincre complètement,
le groupe vient de produire son
“Soft Parade” à lui. ✪✪✪ 1/2
VIANNEY G.
The
Lemonheads
“Varshons II”
FIRE
D’autant plus fabuleux qu’on
n’en attendait absolument rien :
le deuxième volume (neuf ans après)
d’une série de reprises, par un
groupe ayant eu son quart d’heure de
gloire en 1994... Sauf qu’on tombe
immédiatement sous le charme
de la voix douce d’Evan Dando,
des arrangements délicats de son
groupe et de son choix de chansons.
Petit aparté sur les cover versions
(“Varshons”) : tout le monde n’écrit
pas de grandes chansons toute sa vie.
Tout le monde n’est pas Neil Young.
Dando en a écrit quelques-unes. C’est
déjà énorme. Mais d’autres auteurs
aussi, que l’on découvre ici grâce
à lui. Pour le dire autrement : si
des artistes comme Yo La Tengo,
Jayhawks, Bevis Frond ou Paul
Westerberg ont écrit des chefs-
d’œuvre méconnus, pas la peine de
pondre des chansons insignifiantes.
Autant faire découvrir celles qui
existent. C’est écologique, ça recycle.
Ça ne pollue pas avec de nouveaux
titres sans inspiration. Ça concentre la
beauté. Autre chose : une reprise n’est
jamais aussi intéressante que quand
elle est fidèle. Quand son interprète
n’essaie pas de faire le malin avec
une relecture. C’est bizarrement là
qu’il se livre le plus. Ici, Dando a tout
bon. Les cinq premiers titres sont
parfaits, parfois meilleurs que les
originaux, à l’image du déchirant
“Speed Of The Sound Of Loneliness”
de John Prine, envoyé seul à la
guitare. La suite, plus légère, est tout
aussi enthousiasmante. Il y a même
du rock’n’roll (“Now And Then” de
Natural Child) ! Ça faisait longtemps.
Evan Dando est un génie méconnu.
Trop doué, trop beau. Et junkie.
Ça ne pardonne pas. C’est pourtant
l’un des rares survivants de l’époque
où tout cela voulait encore dire
quelque chose. ✪✪✪✪
STAN CUESTA
Eerie Wanda
“Pet Town”
JOYFUL NOISE/ DIFFER-ANT
Débuter une carrière en
reprenant Sanford Clark (“Still As
The Night”) n’est pas un mauvais
premier pas. Derrière un blase qui
défie l’exégèse, L’Inquiétante Wanda
s’avère en fait être le véhicule quasi
solo de l’Hollando-Croate Marina
Tadic, secondée par deux membres
du groupe de Jacco Gardner. Eerie
Wanda, qui a également ouvert pour
les Allah-Las, est cependant assez
éloignée du psychédélisme étincelant
du lutin d’Amsterdam. Tadic, cou
d’oiseau et grands yeux à la Calista
Flockhart, pratique un art plus discret :
“Hum”, son LP de 2016, présentait
quelques charmantes aquarelles
lysergiques (“Volcano Lagoon”,
“The Boy”, le beau refrain de
“Mirage”), lumineuses sans niaiserie.
“Pet Town” s’éloigne quelque peu du
psychédélisme léger de son premier
effort, affirmant une pop inventive et
simple comme un jeu d’enfant, d’où
émerge un bestiaire coloré (“Big Blue
Bird”). Marina Tadic, c’est un peu la
Cy Twombly de la pop psyché : même
économie de traits, même penchant
pour la ligne claire, l’évocation et le
mystère. Tout n’est pas au niveau de
la fragile réussite de “Rockabiller”
(meilleure chanson de l’album) et son
entêtante ritournelle en zigzags, mais
évite avec agilité l’écueil du mignon.
Cette musique de chambre
(d’écolier ou d’adolescent) gagne
paradoxalement à être découverte
sur scène, tant la pop de Tadic est
inséparable d’une présence. Orson
Welles disait que “n’importe quelle
œuvre est bonne dans la mesure où
elle exprime l’homme qui l’a créée” :
Marina Tadic, elle, a le chant de son
regard, interrogateur et porté à la
rêverie ; lorsqu’elle écrit “Moon”,
on peut lui faire confiance pour savoir
de quoi elle parle. De quoi apporter
un peu de Californie dans le froid
de l’hiver rhénan. ✪✪✪
VIANNEY G.
FEVRIER 2019 R&F 077
 Disques poprock
Wukong  Mike Krol
“Wukong And The Pilgrim Shadows”
ELEA
Dans une autre vie, Wukong fut le
compagnon d’arme de Jay Alansky.
Puis, il enregistra deux albums
cultes avant de s’installer en Chine.
Accompagné de Peter Gunn (guitariste
des Inmates), Johan Asherton (trop
méconnu petit maître de l’acid folk)
et Frank Eulry (producteur-arrangeur
de Laurent Voulzy). Le deus ex
machina de ce projet entre Asie,
France et Royaume-Uni, tient son
nom de Sun Wukong (le roi singe
de “La Pérégrination Vers L’Ouest”,
roman de la fin du seizième siècle,
fondateur de la littérature chinoise),
plus connu ici sous le nom de Son
Goku par l’entremise du célèbre
manga “Dragonball”. Wukong,
comme le héros du roman, a
métaphoriquement traversé le Mont
de la Terrasse des Esprits d’un Pouce
Carré de la Grotte de la Lune Penchée
et des Trois Etoiles. L’artiste a préféré
la quête intérieure à la course aux
charts. Il est certainement l’un des
derniers grands romantiques de
la pop, de la trempe d’un Paddy
McAloon, d’un Louis Philippe ou d’un
Andy Partridge. Une certaine nostalgie
teintée d’auto-ironie pour la grandeur
passée britannique qui n’a plus sa
place dans l’empire du Milieu,
comme le témoigne “No Scones, No
Marmalade”. Si cet album excelle avec
ses plages sélénites et élégiaques
telles “The Moon Is Low” ou
“Soon Before The Moon”, il ravira les
amateurs de power pop accrocheuse
avec “Busy Queen”. Voilà un bel album
à clés où il est question du statut
d’expatrié (“Understand”) mais aussi
d’un “Austerlitz” en français dans le
texte qui évoque Ray Davies qui,
en 1985, avait lui aussi revisité
ses souvenirs de 1967 sur “Return
To Waterloo”. On souhaite qu’il
existe encore en France des oreilles
sensibles à la belle ouvrage pop et à
une certaine recherche intérieure.
✪✪✪1/2
JEAN-EMMANUEL DELUXE
078 R&F FEVRIER 2019
“Power Chords”
MERGE/ DIFFER-ANT
On l’avait quitté sur “Turkey”,
album malin empli de pépites pop
et punk sorti en 2015 qui annonçait
l’avènement d’une nouvelle
personnalité attachante dans
la scène garage californienne.
Déguisé en policier de pacotille, Krol
s’amusait avec désinvolture et ironie
des obsessions des musiciens de son
entourage et pleurait le vol de sa
bicyclette chérie avec humour. Celui
qui avait magnifiquement nommé son
premier album “I Hate Jazz”, avait
tout de la nouvelle icône hipster
en devenir. Quelle surprise alors
d’apprendre que ce joyeux luron
qui érigeait le je-m’en-foutisme
en style de vie a failli abandonner
sa vie d’artiste. En proie à une crise
existentielle, Krol a perdu foi en la
musique alors même qu’une carrière
s’ouvrait. “Power Chords”, qui
montre un Krol abîmé sur sa
pochette, chronique ces trois
années de désamour, de
reconstruction et de redécouverte du
rock’n’roll. Musicalement (et presque
étonnamment) aucune révolution
n’est à noter tant l’album se place
dans les pas lo-fi de son prédécesseur
“Turkey”. C’est plutôt du côté des
textes que les perspectives ont
changé. L’écriture de Krol, jadis légère
et narquoise, se fait plus personnelle,
introspective. Il exprime un mal-être
qu’il cache derrière un pudique filet
de distorsion. Tout cela, évidemment,
est narré sur fond de chansons punk
bricolées mais finement troussées,
Krol se situant plus que jamais au
croisement de Jay Reatard, Matthew
Melton et même Julian Casablancas.
C’est ce contraste entre les chansons
engageantes et les textes profonds
(mais jamais misérabilistes) qui fait de
cet album une réussite, et de Krol un
musicien plus passionnant que jamais.
✪✪✪✪
ERIC DELSART
Tim Presley’s
White Fence
“I Have To Feed Larry’s Hawk”
DRAG CITY/ MODULOR
En l’espace de vingt ans, Tim
Presley sous le nom de White Fence,
en duo avec Ty Segall, Cate Le Bon
pour Drinks ou avec The Fall (dont il
fut membre), a engendré bon nombre
d’albums qui tous perpétuent un
certain esprit américain hérité de
ESP-Disk ou d’un Mayo Thompson,
entre expérimentations et chansons
pop de travers. Avec ce nouvel album,
Presley tourne toujours autour du
précipice sans jamais y tomber. Une
chute qui pourrait s’incarner dans
le quartier interlope et dangereux
de San Francisco où l’Angeleno a
déménagé. Après une période de
gestation hivernale à Staveley dans
la région apaisante des lacs au nord
de l’Angleterre, l’artiste est donc
parti enregistrer dans la Baie, en
compagnie de Jeremy Harris, Dylan
Hadley et de H Hawkline. A l’inverse
de certains de ses collègues issus
du revival psychédélique, Presley
privilégie la prise de risques et les
remises en question. Un esprit oblique
à la Brian Eno qui lui fait dire : “J’ai
dû réapprendre à marcher. On m’a
attaché à un faucon, que je dois
nourrir à heure régulière”. La chanson
qui introduit et donne son titre à
l’album avec son clavier hypnotique
et sa voix plaintive donne le ton de ce
qui suit sur 14 titres. Soit une mini-
symphonie lo-fi dont les hauts faits
sont “Lorelei” chanson d’amour
désenchantée qui ne tient qu’avec
des sparadraps, “Until You Walk”,
ballade qui évoque l’ange du bizarre
ou encore “I Saw Snow Today” avec
ses paroles naïves et sa guitare slide
sous valium. Ce voyage intérieur se
clôt de manière apaisée avec “Harm
Reduction”, un titre instrumental en
deux parties, “Morning” et “Street
& Inside Mind”. Les cartésiens
resteront dubitatifs, les guerriers
du rêve seront comblés. ✪✪✪✪
JEAN-EMMANUEL DELUXE
Mumford
& Sons
“Delta”
BARCLAY/ UNIVERSAL
Ce dernier album de Mumford
& Sons, c’est un peu l’histoire de la
grenouille qui veut se faire aussi grosse
que le bœuf et, ici aussi, l’histoire se
termine mal. On pouvait redouter à
l’occasion de “Wilder Mind”, son
précédent album, une sorte de
devenir-Coldplay pour le groupe
anglais. Ces craintes ont été, si l’on
peut dire, confirmées au-delà de toute
espérance. Peu d’albums récents
ont aussi franchement dévoyé ce
que devrait signifier le beau mot de
lyrisme lorsqu’il s’agit de rock. La
comparaison, qui vient inévitablement
à l’esprit, avec les premiers Arcade
Fire est accablante. Il n’est que de
comparer le pathos grandiloquent de
“The Wild” à la fureur échevelée de
“Rebellion” pour mesurer l’abîme. La
production de Paul Epworth, d’une
étonnante laideur, n’est pas pour rien
dans le naufrage : “Beloved” est digne
du pire U2 et on pouffe involontaire-
ment face au synthétiseur de “Picture
Of You” et aux ineptes beats hip-hop
de “Rose Of Sharon” ou “Woman”.
Quant à Marcus Mumford, il est
désormais le prototype du chanteur
que l’on aurait envie de pincer — la
bêtise des propos tenus dans un récent
entretien pour le NME n’arrangeant
rien. Moins un album qu’un symptôme
inquiétant, voilà ce qu’est “Delta”,
tant ces envolées gémissantes forment
le bain amniotique du son indie rock
d’aujourd’hui. Le ratage est d’autant
plus considérable qu’il se juge à
l’aune d’une ambition de grandeur
surlignée avec candeur par la récitation
embarrassante d’un extrait du “Paradis
Perdu” de John Milton (“Darkness
Visible”) et, surtout, par l’éprouvante
longueur d’un album qui sombre
corps et biens dans un pur et simple
exhibitionnisme affectif. On souhaite
aux Mumford & Sons beaucoup
de bonheur dans les stades. ✪
VIANNEY G.
FEVRIER 2019 R&F 079
Disques classic rock
Bruce
Springsteen
“Springsteen On Broadway”
COLUMBIA/ SONY MUSIC
Le chanteur est arrivé au milieu de
“Growin’ Up”, la première chanson,
lorsqu’il en interrompt le fil pour faire
une confession : “Je n’ai jamais trimé
dans une usine, jamais eu le moindre
boulot manuel ni bossé cinq jours sur
sept, et pourtant je n’ai fait qu’écrire
là-dessus et j’ai obtenu un succès
phénoménal, c’est pas balèze ?”
Du 12 octobre 2017 au 15 décembre
2018, l’homme d’Asbury Park a
posé guitare et piano dans un théâtre
huppé de Broadway et s’est livré
à un exercice inédit : se raconter en
chansons, celles-ci constituant une
prolongation des histoires déroulées
plutôt que l’inverse. Version scénique
de sa récente autobiographie, l’affaire
relève bien plus du stand-up que du
concert acoustique, et il est
conseillé de potasser la langue
de Shakespeare pour s’y plonger. Et
avoir la confirmation que oui, Bruce
Springsteen est un conteur sans pareil
— “it’s my magic trick”, rigole-t-il.
Alors voilà l’auditeur embarqué à ses
côtés tandis qu’il se ridiculise à l’âge
de 7 ans devant ses voisins qu’il tente
d’impressionner avec une guitare
dont il ne sait pas sortir trois notes,
se montre tétanisé par une phrase de
son père juste avant que lui-même
ne le devienne, père, raconte ses
idoles de jeunesse du New Jersey,
rock stars qui ne le devinrent jamais
car fauchées au Vietnam, ou traverse
l’Amérique au volant d’une voiture
sans avoir jamais conduit de sa vie.
L’homme est souvent drôle, presque
toujours poignant, effaré lorsqu’il
évoque le climat politique actuel avant
une puissante version de “The Ghost
Of Tom Joad”. L’œuvre d’un artiste
tellement doué pour édifier son propre
mythe qu’il peut se permettre d’en
saper les fondations et d’en rire.
✪✪✪
BERTRAND BOUARD
080 R&F FEVRIER 2019
Walter Trout
“Survivor Blues”
PROVOGUE/ MASCOT
Au pays de Johnny, Walter Trout
demeure un bluesman méconnu.
Ce guitariste de 67 ans, originaire
du New Jersey, joue depuis la fin des
années 60 mais enregistre sous son
nom depuis celle des années 80,
et reste un héros du trois accords.
Enregistré à LA dans le studio de
Robbie Krieger des Doors, cette
nouvelle livraison est un album de
reprises. Pas de standards éculés ici,
mais un recueil d’obscures chansons
de JB Lenoir, Hound Dog Taylor
ou Luther Johnson, à savourer
sans modération devant le whisky.
La relecture feutrée de “Nature’s
Disappearing” renvoie aux
innombrables heures passées en
compagnie de John Mayall & The
Bluesbreakers, son père spirituel.
Walter Trout s’est aussi forgé un
caractère en pratiquant avec John Lee
Hooker et d’autres titans, tels Big
Mama Thornton et Percy Mayfield
ou Canned Heat encore plus tard.
Trout a eu pour coutume d’en coller
partout. C’est encore le cas, mais,
aujourd’hui, il joue fièrement
cette musique qui ne prétend pas
révolutionner le genre. Elle fait
mieux, puisqu’elle guérit. La
fantastique reprise d’une chanson
de Jimmy Dawkins colle d’entrée
de jeu le frisson et donne le ton.
La Stratocaster de Walter colle au
plafond, décolle vers les cieux et
atteint le firmament en 7 minutes
bien remplies. Avant de devenir
le futur classique qu’il est déjà,
“Survivor Blues” s’adresse à ceux
qui reviennent de loin. Suite à une
cirrhose du foie en 2014, l’Américain
a failli plier l’ombrelle. C’est aussi
le cas de ses musiciens, tous
survivants de cette musique qui
nourrit l’âme et écorne, parfois,
l’existence. ✪✪✪
VINCENT HANON
John Garcia
“John Garcia
And The Band Of Gold”
NAPALM
Depuis le crépuscule de Kyuss,
force est de constater que les
destinées de ses membres furent
diverses. Aujourd’hui, chacun connaît
bien sûr les Queens Of The Stone Age,
rutilant bolide mené par Josh Homme.
De son côté, Brant Bjork vient de
publier “Mankind Woman”, bourré
d’effluves blues psychédéliques façon
Cream. Nick Oliveri compile ses fonds
de tiroirs dans les différents volumes
de “NO Hits At All”. Et John Garcia ?
Le ténébreux chanteur s’est lancé
depuis 2014 dans une carrière solo
et réactive, de temps à autre, Unida
ou Slo Burn, ses excellents gangs de
la fin des années 90. Récemment,
il revisitait ses propres classiques
en formation acoustique, et en a tiré
“The Coyote Who Spoke In Tongues”.
Aujourd’hui, Garcia retrouve
l’électricité et ce avec le légendaire
Chris Goss à la console. L’homme
lige des Masters Of Reality, qui avait
mis en boîte “Rated R” et “Blues
For The Red Sun”, apporte sa patte
caractéristique : un vernis compact,
colossal, des piles de guitares
massives, une batterie surpuissante,
des basses qui ronflent. Un écrin
musclé qui met en valeur la voix
éraillée de Garcia et enlumine des
morceaux solides, efficaces, comme
“My Everything”, “Jim’s Whiskers”,
“Chicken Delight” ou la plus stoner
“Popcorn (Hit Me If You Can)”. Les
plombés “Apache Junction” et
“Don’t Even Think About It” ne
dépareraient pas sur l’iconique
“Songs For The Deaf”, tout comme
“Cheyletiella” et son solo gavé de
wah-wah. Après cette bourrasque,
“Softer Side” conclut l’affaire de façon
plus tranquille. Avec cet excellent
album, John Garcia surpasse sans
peine les derniers efforts de son
ex-compère roux, et c’est une
délectable surprise. ✪✪✪✪
JONATHAN WITT
Bob Mould
“Sunshine Rock”
MERGE/ DIFFER-ANT
Pas de changement radical de son
pour Bob Mould avec ce nouvel
album, mais plutôt une volonté de
changer d’esprit et d’écrire des
chansons joyeuses. Si “Patch And
Ruin”, sorti il y a trois ans, était
habité par la douleur de la perte
successive de ses deux parents.
Cet enregistrement renoue avec la
pop joyeuse et violente de Sugar
sur “Copper Blue”, sa plus grande
réussite post-Hüsker Dü. L’ancien
Franciscanais a fui l’Amérique de
Trump pour Berlin, retrouvé un
nouveau souffle et le goût du risque.
L’apport d’une section de cordes du
TV Orchestra de Prague sur certains
titres étoffe à merveille les généreux
accords ouverts de Mould. Le travail
d’écriture d’Alison Chelsey, sur les
parties de violon, est remarquable
de sobriété et de justesse sur des
chansons comme l’excellente
“Irrational Poison” ou la très REM
“Western Sunset”, qui clôt l’album.
“Camp Sunshine” est une vraie belle
composition qui fourmille de détails
d’une grande sophistication. En
dépit d’accords plaqués au piano, de
notes de xylophone et d’une basse
moelleuse, on a l’impression d’écouter
un titre guitare-voix intimiste, une
démo sortie d’un coffre à trésor.
La capacité du chanteur à faire une
grande performance vocale dès
la première prise, lui évite d’être
ennuyeux. Sa voix rappelle la force
brute du groupe de sa jeunesse. La
mort de Grant Hart semble d’ailleurs
lui donner une rage nouvelle. Il faut
écouter cet album rien que pour le
titre extraordinaire “I Fought”, qui
s’adresse sûrement à son ancien frère
d’arme: “J’ai combattu pour toi/ Nous
étions côte à côte”. On ose à peine
imaginer la puissance qu’aura ce
morceau en concert. En espérant que
l’artiste revienne enfin en France.
✪✪✪✪
BRIAG MARUANI
Michael
Chapman
“True North”
PARADISE OF BACHELORS/ DIFFER-ANT
Les années 1970 n’ont pas fini de
nous hanter, comme un remords
et un regret. Michael Chapman,
vétéran anglais du revival folk du
siècle dernier, fait partie de cette
longue liste de songwriters essentiels,
réhabilités par le précieux label
Light In The Attic (Sixto Rodriguez,
Karen Dalton, David Kauffman et Eric
Caboor, Jim Ford...). Ressortirent
ainsi aux débuts de la décennie ces
quatre premiers albums (publiés chez
Harvest) “Rainmaker” (sans doute
son chef-d’œuvre), “Fully Qualified
Survivor”, “Wrecked Again”, et
“Window”. A défaut de succès public,
Michael Chapman s’est attiré de
longue date une flatteuse réputation
auprès de David Bowie, John Peel ou
Thurston Moore. Ce virtuose de la
guitare acoustique, souvent comparé
à Bert Jansch, signait il y a deux ans
un retour remarqué avec “50”.
Son style, ample folk rock orchestré,
pourtant si caractéristique du tournant
des années 1970, supporte avec
endurance le cours du temps. Les
deux duos avec Bridget St John que
contient son dernier opus participent
de cette impression de capsule
temporelle ; c’est un peu comme les
poilus : le dernier à partir emportera
avec lui un pan de monde. Avec
“True North”, il fait plus et mieux que
se rappeler à notre bon souvenir ;
les instrumentaux, “Caddo Lake”,
et surtout “Eleuthera”, brillamment
servi par la pedal steel de BJ Cole,
font valoir son sens intact du paysage
sonore. Mais l’album vaut d’abord
et surtout pour son titre d’ouverture,
“It’s Too Late” dans lequel Chapman
grommelle avec une rare intensité,
mélange suffocant de rage froide
et d’un certain sens du mystique.
Sa future venue à Paris — on
n’ose imaginer qu’il n’y en ait une —
promet d’être une messe absolue.
✪✪✪ 1/2
VIANNEY G.
Mandolin
Orange
“Tides Of A Teardrop”
YEP ROC
L’americana, le banjo,
la mandoline, le violon, ça peut-être
un peu pénible, parfois. Pourquoi
s’infliger toute cette culture qui
n’est pas la nôtre ? Pourquoi pas
l’accordéon et la bourrée auvergnate ?
Mais la question est la même pour le
rock’n’roll... L’herbe est toujours plus
verte ailleurs. En fait, le style musical
importe peu. Il suffit d’écouter et de
voir ce qui se passe. Avec ce groupe,
c’est inexplicable. Pourtant, il y a là
tout ce qui énerve chez d’autres
tenants de cette musique roots,
notamment les instruments précités,
qui pourraient tirer l’affaire du côté
du bluegrass. Sauf qu’il y a autre
chose. La voix, les mélodies, les
arrangements — où l’on retrouve
heureusement des instruments
presque modernes comme la guitare
électrique, l’orgue, la batterie...
Il y a surtout dans ce disque une
grâce qui dépasse toutes les
questions de styles, d’écoles, de
chapelles. Mandolin Orange s’est
formé il y a bientôt dix ans autour
du couple Andrew Marlin, qui écrit,
chante et joue d’un peu de tout, et
Emily Frantz, multi-instrumentiste
surdouée, dotée de plus d’une très
belle voix. Ils viennent de Caroline du
Nord, autant dire qu’ils ne font pas
semblant : cette musique est la leur,
ils l’ont dans le sang. C’est leur
sixième album, on pourrait battre
notre coulpe, dire qu’il était temps de
les remarquer. Mais une écoute rapide
des précédents disques confirme que
c’est celui-ci le bon. Avant c’était
bien, maintenant c’est grand. Parfois,
quand Emily Frantz chante, on pense
aux Cowboy Junkies (“Into The Sun”,
superbe). Une très belle surprise.
Un disque pour tout le monde,
contrairement à ce qui sera dit.
✪✪✪
STAN CUESTA
FEVRIER 2019 R&F 081
Disques français
Yarol
“Yarol”
BONUS TRACKS/ POLYDOR
On l’a connu surtout comme
guitariste, d’abord au sein de FFF,
de Mud, des Hellboys, puis au côté
de Johnny Hallyday. Pour beaucoup,
c’est donc une surprise de le
retrouver dans la position de
chanteur-guitariste, sauf pour ceux
qui ont eu la chance d’assister à l’une
des prestations enflammées de Black
Minou, le groupe qu’il avait constitué
avec son frère Melvil. Mais plus
question pour lui de s’abonner aux
reprises : homme à tout faire, Yarol
a non seulement produit son album
sur son propre label mais également
composé et coécrit pratiquement tous
les morceaux. Et c’est peut-être là que
le bât blesse : trop démonstratif, son
essai pêche par excès de longueur
(une heure) et par sa volonté de courir
plusieurs lièvres à la fois. L’option
ballade en particulier est la moins
convaincante, et pénalise tous les
derniers morceaux : le manque
d’ampleur vocale se fait alors sentir.
Heureusement, grâce à sa volonté de
fusionner les styles musicaux (sans
doute héritée de sa période FFF), il
a bien d’autres cordes à son arc et
réussit son coup lorsqu’il adopte un
son fun et dansant : il tâte d’un rock
obsédant teinté de glam et porté par
des refrains entêtants (“Boogie With
You”, “No Filter”), s’approche du
punk à l’occasion d’une salve toutes
guitares dehors (“Runaway”), calme
le jeu plaisamment en sacrifiant à son
influence funky (“What Am I Supposed
To Do ?”, “Bad Habit”). Et il surprend
avec les deux seuls morceaux
francophones : “Girls”, sur le mode
séduction groovy, et “Sale” qui voit
l’irruption d’un rythme africain en
accord avec le texte malin de
Benjamin Biolay, les chœurs et le
refrain plaisants, et l’intervention
savoureuse du musicien congolais
Jupiter Bokondji. ✪✪✪
H.M.
082 R&F FEVRIER 2019
Requin Chagrin Ramon Pipin
“Sémaphore”
KMS/ SONY MUSIC
Trois ans après ses remarquables
débuts, Requin Chagrin poursuit
son irrésistible ascension. Ce groupe
qui n’en est pas un — c’est avant
tout le projet de Marion Brunetto,
qui compose, écrit et interprète
l’essentiel de ce qu’on entend sur
disque — a réussi à s’extraire de la
scène garage parisienne pour toucher
un public large. Repéré par Nicola
Sirkis, qui a trouvé dans les chansons
de Brunetto une filiation certaine,
le groupe a fait la première partie
d’Indochine lors de sa dernière
tournée et publie son deuxième
album sur KMS, label lancé tout
récemment par Sirkis. On aurait pu
craindre une dénaturation du son
lancinant de Requin Chagrin, ce
mélange de mélodies mélancoliques
et d’ambiances vaporeuses.
“Sémaphore” est une affirmation
de cette esthétique qui se traduit par
dix morceaux maîtrisés à la saveur
océanique où les métaphores marines
sont nombreuses mais habilement
disséminées. La voix grave de
Brunetto est aussi saisissante, tout
comme sa capacité de faire sonner la
langue française sur ses progressions
d’accords carillonnants. On pense aux
artistes du label Captured Tracks du
début des années 2000 (Beach
Fossils, Wild Nothings) ou aux
taciturnes New-Yorkais de Crystal
Stilts (notamment quand le tempo
accélère sur “Dans Le Cœur”,
avec sa rythmique surf et sa guitare
sautillante). Des chœurs aériens
de “Croisades” au final électrique de
“Le Grand Voyage”, en passant par
les ruptures de “Clairvoyance”,
difficile de ne pas tomber sous le
charme des chansons contemplatives
de “Sémaphore”. ✪✪✪✪
ERIC DELSART
“Qu’Est-Ce Que C’Est Beau”
MON SALON
Depuis Au Bonheur Des Dames,
Ramon Pipin (né Alain Ranval à Paris
en 1952) s’affirme comme un créateur
d’une authentique originalité. Le
triomphe de “Oh ! Les Filles” (1973)
lui a donné la liberté de poursuivre un
chemin personnel à la tête d’Odeurs,
puis sous son nom, parallèlement à
diverses missions, comme réalisateur
(Renaud, haute époque), compositeur
de musiques de films (“Bernie”,
“Elle Voit Des Nains Partout”), etc.
Enregistré avec de vrais musiciens
dans le mythique studio Vogue de
Villetaneuse, “Qu’Est-Ce Que C’Est
Beau”, cinquième effort solo, présente
treize vignettes à l’humour parfois
teinté de cynisme car, à l’évidence,
Ramon Pipin est adepte de la formule
bien connue selon laquelle mieux vaut
en rire qu’en pleurer. Aux premières
écoutes, l’attention est captée par des
paroles étranges où se croisent des
dictateurs (“Polpote Park”) et des
cerveaux de think-tank (“Le Club”)...
La nostalgie est moins feinte que
l’auteur voudrait le faire croire
quand sont évoqués le “Viandox”
ou “L’Homme Du Picardie”. De toute
manière, un éventuel apitoiement sur
soi-même serait pulvérisé par des
jeux de mots fièrement foireux, “Mon
Arbre Génialogique” ! “Stairway To
Eleven” ! L’observation des travers de
la société assaisonnée d’humour
potache ne doit pas occulter la grande
qualité musicale d’un guitariste
accompli, compositeur fan des Beatles
et autres géants des années 1960
(comme en atteste “Ready Steady
Go”, album de 1992 voué à des
adaptations). En bonne logique
artistique, le détachement
philosophique adopté dans l’écriture
trouve son équivalent dans les
climats laid back qui caractérisent
la majorité des chansons. ✪✪✪
JEAN-WILLIAM THOURY
Bertrand Belin
“Persona”
WAGRAM
Bertrand Belin est insidieux.
Il s’est infiltré, l’air de rien, dans le
paysage musical. Entre ses albums
solo, ses participations à des BO de
films ou ses collaborations choisies
(“Dimanche”, la superbe chanson
hypnotique sur l’album “Shadow
People” des Limiñanas, c’était lui), ses
romans, il est un peu partout. Le pire,
c’est que Bertrand Belin est insidieux,
mais séduisant. Et unique en son
genre, n’en déplaise à ceux qui l’ont
vite classé dans la catégorie héritiers
de Bashung parce qu’il ne chante pas
en haute-contre... Le Breton a un
phrasé à lui, plus parlé que chanté,
un détachement élégant, un timbre
de velours qui donnerait du relief aux
paroles les plus banales (même si
ce n’est pas son style, la banalité).
Il est impeccable en conteur moderne
qui contemple le monde avec une
distance qui ne fait pas illusion. Car,
sous la façade de dandy désinvolte
promenant sa nonchalance sur des
mélodies languides tout en nappes
de claviers, on le sent à fleur de peau,
plus doué pour manier la tension
subtile que l’explosion. Ce sixième
album est parcouru d’une mélancolie
et d’une atmosphère synthétique
héritées de la new wave, sans virer au
pastiche. Les paroles ne priment pas
sur la musique (tic assez répandu du
made in France), et pourtant, méritent
qu’on s’y attarde, qu’on savoure ces
images qui font mouche (“on annonce
un été de canadairs...”, cette histoire
d’oiseau qui petit à petit fait “son
bec” ou “Sur Le Cul”, réflexion sur
le monde, grinçante et absurde).
Et il ne faut pas longtemps pour que
ses mélodies s’infiltrent dans la
mémoire, même si de prime écoute,
elles ne jouent pas la carte catchy.
Il est insidieux, Bertrand Belin.
Et tant mieux. ✪✪✪ 1/2
ISABELLE CHELLEY
Zombie Zombie Vanessa Paradis Tiwayo
“L’Heure De La Sortie BO”
L’AGE D’OR/ BIG WAX
Le film de genre français (horreur,
science-fiction, fantastique) est une
vieille lune et, souvent, une source
de déceptions en cascades. Avec
“L’Heure De La Sortie”, on a enfin
droit à un exemple honorable dans
cette catégorie grâce, entre autres,
à sa bande-son signée du duo le
plus cinématographique de l’électro
française. Si Etienne Jaumet et
Cosmic Neman ont prouvé leur
amour du score anxiogène dès 2010
avec le EP “Zombie Zombie Plays
John Carpenter”, ils vont plus loin
avec les treize plages de cette bande
originale qui parvient à rendre
carrément inquiétante la reprise par
une chorale enfantine de deux
morceaux signés Patti Smith, “Free
Money” et le sublime “Pissing In A
River”. Dès le premier titre
“Etrange Balade En Forêt (Filature)”,
on plonge dans une atmosphère
semblable à celle des westerns
spaghettis orchestrés par Ennio
Morricone, les boucles électroniques
en sus. Même sans l’apport des
images, les sculptures sonores
conçues par ZZ font naître des visions
imaginaires. Ainsi l’inquiétante
“Piscine”, drone électronique aux
lancinantes percussions évoquant la
musique de Goblin dans “Suspiria”.
Plus léger, “La Boîte De Nuit De
Tonton”, illustrant une séquence
du film dans un club ringard, débute
en disco Prisunic pour se conclure
en apothéose à la Carpenter.
Curieusement, “Course-Poursuite”
avance à pas de loup sur un tempo
sinueux tandis que “La Boum” donne
un coup de speed avec une touche
de second degré. Le “Thème De Fin”
est aussi pompier qu’angoissant, et
illustre à merveille la fin du film,
qu’on ne dévoilera pas ici. Une BO de
qualité pour un film à découvrir. Ces
Zombies-là, comme ceux de Romero,
méritent un éternel retour. ✪✪✪
OLIVIER CACHIN
“Origines”
BARCLAY/ UNIVERSAL
Si l’on se réfère à sa discographie,
Vanessa Paradis est une chanteuse
sous influence, un véritable caméléon
dont les goûts et les humeurs varient
en fonction de sa vie. Il y a vingt-cinq
ans, sa liaison avec Lenny Kravitz
avait influencé sa carrière lorsqu’il
avait pris les rênes de la production
d’un de ses disques, pour lui insuffler
un vent néo-sixties. Aujourd’hui, c’est
son récent mariage avec Samuel
Benchetrit qui rejaillit sur son dernier
album puisque ce dernier a écrit et
composé la grande majorité des
chansons, seul ou avec elle. La
douceur et la langueur musicales
règnent en maîtresses, privilégiant les
ballades et une pop intimiste qui se
délecte d’ambiances moelleuses et
d’orchestrations de cordes. Impossible
d’ignorer que Vanessa est éprise
de son nouveau pygmalion : la
majorité des morceaux baignent
dans un sentimentalisme
romantique, à tel point que le
disque s’apparente à une déclaration
d’amour. Malheureusement, les
mélodies manquent d’impact et les
textes d’originalité (“Je voudrais pour
dire ces mots/ Avoir inventé ces mots/
Qu’on ne les dise à chaque fois/ Qu’en
ne pensant qu’à toi”), comme quoi il
n’est pas aisé de s’improviser auteur-
compositeur. L’ensemble manque de
peps et de contrastes, et seules
quelques exceptions tranchent sur
la tonalité générale par leur côté fun
et dansant et rendent justice à cette
voix mutine et radieuse : “Ce Que Le
Vent Nous Souffle” et son plaisant
rythme latino, concocté par Adrien
Gallo (le chanteur des BB Brunes),
et deux tentatives de Fabio
Viscogliosi, une attachante mélopée
italienne (“Mio Cuore”) et une
réussite enjouée (“La Plage”). ✪✪
H.M.
“The Gipsy Soul Of Tiwayo”
BLUE NOTE FRANCE/ UNIVERSAL
Il faut se pincer pour le croire.
Malgré sa voix gorgée de soul, sa
production sophistiquée et ses
morceaux de niveau international,
Tiwayo n’est pas une nouvelle
révélation issue des USA. Il vient de
banlieue parisienne, où il a grandi, et,
s’il a été repéré et signé par le label
Blue Note, c’est parce qu’il peut
côtoyer les plus grands. Ce jeune
prodige s’est fait les dents comme
guitariste de différents groupes reggae
avant de voler de ses propres ailes en
se façonnant un répertoire en anglais
où il mixe ses multiples influences old
school. Ses terrains de prédilection
restent le mid tempo et la ballade :
acoustique et dépouillée ou boostée
par des orchestrations étincelantes,
tout en douceur et suavité, ou plus
puissante, agrémentée d’une parure
soul à la Stax ou pimentée d’effluves
jamaïcains et bluesy, telles les deux
réussites placées en ouverture (“A
Place To Call My Own” et “Wild”) et
dont le charme ensorcelant évoque le
chef-d’œuvre de Sixto Rodriguez
(“Sugar Man”). Mais il n’hésite pas à
naviguer avec une aisance jubilatoire
du côté du reggae (“Rise Up And
Shine”), d’un rhythm’n’blues sous
influence gospel (“Love Me Like You
Say”) et même d’un rock obsédant
(“Too Young”). Bénéficiant d’un
enregistrement haut de gamme réalisé
outre-Atlantique par Mark Neill (qui
s’est illustré avec les Black Keys), il
transcende ses variations stylistiques
en révélant toutes les potentialités
d’une voix androgyne et légèrement
éraillée qui sait ronronner, feuler ou
rugir et qui peut swinguer avec une
agilité confondante (“Night Train”).
✪✪✪1/2
H.M.
Le Villejuif
Underground
“When Will The Flies
In Deauville Drop ?”
BORN BAD
Un coup de turbo pour passer à la
vitesse supérieure, lorsque se profile
la vieillesse — devenir trentenaire.
Nathan Roche, australien et
compositeur, enregistre depuis
douze ans — le nom de cet
incontinent apparaît sur une vingtaine
d’albums, en solo ou avec Marf
Loth, Camperdown & Out, Redneck
Discotheque, The Revisionists,
Disgusting People, Laverie Nuns, The
Skeleton Horse, CIA Débutante, etc.
C’est aujourd’hui, avec Le Villejuif
Underground, avec Karakos (fils de
Jean), Beltran et Schlaefflin, que ça
décolle. Leur premier album les voyait
vadrouiller sur les traces de Lou Reed
— essai plein de panache, même si
les Franco-Australiens se montraient,
par rapport à un autre enfant du Velvet
Underground comme The Clean, en
dessous niveau mélodies. Pour ce
nouvel album, Roche a laissé plus de
place à ses colocataires, plus de place
aux trouvailles côté instrumentation,
arrangements, production, son. La
plupart des membres écoutent du
hip-hop, et ça s’entend, au loin, en
sourdine dans le garage du cabanon.
Quand la guitare et le clavier entrent
en copulation avec la rythmique, c’est
comme si Pavement ou Silver Jews
gobaient du Sleaford Mods, comme
si la Fat White Family recrachait le
“Loser” de Beck, les Limiñanas se
faisaient tirer la barbichette par
Happy Mondays, Armand Schaubroeck
botoxer par Calvin Johnson... Il y
avait un décalage entre les velléités
d’extravagance du groupe et sa
musique, assez conventionnelle sous
son emballage d’arsouilles branleurs.
Toutes les chansons de “When
Will The Flies In Deauville Drop?”
bénéficient d’idées tordues et
ingénieuses. Villejuif est désormais
sur la carte. ✪✪✪✪
BENOIT SABATIER
FEVRIER 2019 R&F 083
Rééditions du mois
Buzzcocks
“ANOTHER MUSIC IN A DIFFERENT KITCHEN — 40TH ANNIVERSARY EDITION”
“LOVE BITES — 40TH ANNIVERSARY EDITION”
Domino
C’était vers 1995 ou 1996. A Los
Angeles, au légendaire Château Marmont,
les Sex Pistols, fraîchement réunis, tenaient
audience avant de se lancer dans une
tournée mondiale. On tentait d’interviewer
les membres originaux du groupe encore
mythique (après la reformation, il ne le
serait plus jamais). Rotten faisait son show,
les autres ne pipaient mot, manifestement
déjà irrités avant même que la tournée
n’ait commencé. Alors qu’il dézinguait
vicieusement un par un chacun de ses
concurrents des années punk, Steve Jones
ouvrit la bouche et dit : “Nous aimions tous les
Buzzcocks”. Après quoi, Rotten ajouta : “C’est
vrai. Nous aimions beaucoup les Buzzcocks, et
X-Ray Spex également.” Adoubés par Rotten
en personne ! Il faut l’entendre pour le croire.
Et voici qu’aujourd’hui les deux premiers
albums de leur mythique trilogie seventies
chez United Artists ressortent dans de
belles versions pour fêter leur quarantième
anniversaire, car oui, en ces années-là, on
pouvait sortir deux albums en douze mois...
Les Buzzcocks étaient spéciaux. Tellement
différents des autres. Etait-ce parce
qu’ils venaient du Nord, de Manchester,
précisément ? Peut-être. Etait-ce parce
que Pete Shelley était bisexuel ? Peut-être.
Mais on n’explique pas scientifiquement
les qualités d’un groupe par sa situation
géographique ou les orientations sexuelles
de son principal songwriter... Après tout,
les Buzzcocks, comme beaucoup de
groupes londoniens, avaient écouté le Velvet
Underground, David Bowie, les Stooges et
beaucoup de krautrock. Ils avaient toutes les
chances de sonner comme les autres, mais ce
084 R&F FEVRIER 2019
ne fut pas le cas et, d’ailleurs, les premiers
groupes punks anglais ne se ressemblaient
pas. C’est après, avec les iroquois et les
perfectos à clous, que tout s’est uniformisé.
Quand c’était déjà fini.
Tout le monde semble être d’accord pour dire
que les Buzzcocks étaient le plus pop des
groupes punk. C’est sans doute vrai, mais tout
de même, ils pratiquaient une pop bizarre.
Rois des singles (la compilation “Singles Going
Steady” est souvent l’album préféré des fans ou
des novices), ils lâchèrent donc leur premier
album en mars 1978, après le fameux EP
“Spiral Scratch” et le départ de Howard
Devoto (dont certaines chansons cosignées avec
Shelley sont incluses sur “Another Music In
A Different Kitchen”). Dès “Fast Cars”, le
style des Buzzcocks est résumé : des chansons
brèves, souvent portées par de petits riffs de
guitares de deux ou trois notes, et très peu
de solos. Enfin, il y a cette voix : aiguë, tendre
et énervée à la fois (qui semble bien avoir
influencé le Robert Smith du premier
album des Cure). Et puis, il y a la production
extraordinaire de Martin Rushent : il faudrait
écrire un jour un article entier sur Martin
Rushent. Cet ancien assistant de Tony
Visconti, d’abord ingénieur du son (pour
T-Rex, entre autres), savait faire sonner
les guitares : c’est lui qui a produit “Rattus
Norvegicus”, “No More Heroes” et “Black And
White” des Stranglers, le premier Generation
X, les trois Buzzcocks, avant de décrocher la
timbale avec “Dare” de Human League.
Autant dire qu’il savait faire sonner les guitares
aussi bien que les instruments électroniques
(le merveilleux “Euroman Cometh” de
Jean-Jacques Burnel, c’est lui aussi).
C’est probablement avec les Buzzcocks
qu’il a eu l’approche la plus minimaliste,
convenant merveilleusement au style du
groupe, restituant la rudesse mélodique de
splendeurs comme “Love Battery”, “Sixteen”,
“Fiction Romance”, “I Don’t Mind” ou le
dément “Moving Away From The Pulsebeat”.
C’était un groupe réunissant plusieurs talents.
De la même manière qu’on lit ici et là que
Glen Matlock était l’unique génie des Sex
Pistols alors que les deux morceaux les plus
puissants de “Never Mind The Bollocks”
— “Holidays In The Sun” et “Bodies” —
ont été écrits sans lui, on ne peut pas réduire
les Buzzcocks au seul génie de Pete Shelley.
Les musiciens jouaient bien, mais un autre
songwriter enrichissait le répertoire du
groupe : Steve Diggle montrait son talent dès
le premier album (“Autonomy”) et allait aussi
briller sur “Love Bites”, deuxième album
génial (à noter que les Buzzcocks sont le seul
groupe punk à avoir sorti un deuxième album
encore meilleur que leur premier : tous les
autres se sont ramassés), sorti six mois après
“Another Music In A Different Kitchen”.
La production de Rushent est encore
meilleure (“Real World”), et les chansons
encore plus extraordinaires : outre ce
“Real World” déchirant, c’est une avalanche
de beautés affolantes, de “Ever Fallen In
Love (With Someone You Shouldn’t’ve)” à
“Nostalgia” en passant par “Sixteen Again”,
“Noise Annoys” (sorti en single), “Love Is
Lies” de Steve Diggle, “Operators Manual”,
“Nothing Left” ou le clou absolu de l’album
(voire de tout leur répertoire), l’époustouflant
“ESP”, indescriptible merveille qu’on
aimerait écouter en boucle (c’en est une)
des heures durant. Voici donc deux
Photo Chris Gabrin-DR
monuments, deux triomphes d’un groupe
punk pas comme les autres, en attendant
“A Different Kind Of Tension”,
qui sortira logiquement cette année.
NICOLAS UNGEMUTH
“Nous aimions tous les Buzzcocks” Steve Jones
Rééditions PAR NICOLAS UNGEMUTH
Soit parfaitement indigent, soit étrangement beau
The Rising Storm
“CALM BEFORE...”
Sundazed (Import Gibert Joseph)
Un autocollant le précise pour ceux
qui ne le sauraient pas (tout le monde) :
il s’agirait du “disque le plus rare du
monde”. On a tellement de contre
exemples que l’outil marketing, galvaudé
depuis des décennies, prête à sourire,
mais l’histoire de The Rising Storm est
intéressante... C’est celle de jeunes
gamins venant de la région de Boston
(Remains) qui ont économisé 1000 $
pour passer cinq jours en studio
et y enregistrer un album pressé à
500 exemplaires, vendus rapidement
à sa sortie en 1967. Le groupe est
vénéré par les fans de garage et du
son de Boston, même si leurs morceaux
dans le genre garagiste ne sont pas
particulièrement fabuleux et que ce
sont leurs étranges ballades (“A Message
To Pretty”, “Frozen Laughter”, “To
LN/ Who Doesn’t Know” ou “Mr Wind”,
féerique), mélodiques et mélancoliques,
qui les distinguent de la horde de
groupe garage pullulant aux Etats-Unis
à l’époque. Là, les Rising Storm
se rapprochent d’une délicatesse
façon Love, avec moins de moyens,
évidemment. D’autres titres, avec
un peu de fuzz, comme “She Loved
Me” donnent dans une pop garage
typiquement bostonienne. Bref : on
s’attendait à l’énième arnaque du génie
méconnu, mais l’écoute d’un morceau
sublime comme “The Rain Falls”
montre que The Rising Storm mérite
pleinement le culte dont il fait l’objet.
Ce n’est pas toujours le cas.
086 R&F FEVRIER 2019
The Durutti Column et Jason Pierce avaient conçus
“The Perfect Prescription”, en 1987.
Sonic Youth
“M24J (ANTHOLOGY)” “I WANNA BE YOUR DOG
Pour les fans de ce groupe hors-norme,
Factory Benelux (Import Gibert Joseph)
c’est un cadeau précieux permettant
— RARE TRACKS 1989-1995”
TV Party (Import Gibert Joseph)
Pour découvrir l’univers complexe de d’explorer les obsessions du duo, de The
Vini Reilly (est-il un authentique génie ou Red Krayola (“Transparent Radiation”), Aux maniaques de Sonic Youffe,
a-t-il passé plus de trente ans à explorer à Lou Reed (“Ode To Street Hassle”, signalons cette compilation de
le mode d’emploi de sa pédale de delay splendide) en passant par Roky Erickson titres live enregistrés pour différentes
Boss DD3 ?), cette double compilation (“We Sell Souls”, datant des Spades, soit émissions de télé (et vu que c’était pour
semble être la porte d’entrée idéale. avant les 13th Floor Elevators), ou Sun la télé, le son est très bon). Il y a des
Regroupant des enregistrements étalés Ra selon les MC5 (“Starship”). Bourdon, versions très énervées de “Kool Thing”,
entre 1979 et 2011, “M24J (Anthology)” Farfisa, Vox et claviers divers garantis “Silver Rocket” ou “Self Obsessed
déroule lentement, mais sûrement, pour ce qui fut le groupe le plus And Sexee”, mais les fanatiques
les instrumentaux aquatiques du psychédélique de son temps. voudront avant tout écouter la
guitariste accompagné de ses bandes,
comme une sorte de prolongation
post-punk de l’ambient créé par Eno,
en volontairement moins simpliste.
Ethéré, irréel, tout cela peut paraître
soit parfaitement indigent, soit
étrangement beau à sa manière. Parmi
les choses les plus poignantes contenues
dans cette généreuse compilation
(comptant plusieurs enregistrements
en public et de nombreux hommages
à feu Tony Wilson de Factory Records),
“The Missing Boy”, dédiée à Ian Curtis,
que Reilly avait eu au téléphone
une semaine avant son suicide...
Spacemen 3
“FORGED PRESCRIPTIONS”
Space Age (Import Gibert Joseph)
Difficile à trouver depuis sa sortie initiale
en 2003, “Forged Prescriptions” est
de retour dans les bacs, et c’est une
aubaine pour ceux qui avaient raté le
coche à l’époque. Collection de démos,
mixes alternatifs, versions singles
et inédits de la période où Sonic Boom

version de “I Wanna Be Your Dog”
avec le regretté Rowland S Howard.
“JUST A BAD DREAM
— SIXTY BRITISH GARAGE
AND TRASH NUGGETS 1981-89”
Cherry Red (Import Gibert Joseph)
C’est une histoire oubliée, en gros, la face
B de l’Angleterre des années 80... Les
groupes réunis dans ce coffret offrant pas
moins de soixante morceaux n’avaient
jamais l’honneur de figurer dans les pages
du NME ou du Melody Maker (Sounds,
éventuellement), et donc encore moins
dans celles de Best ou de Rock&Folk.
Et pourtant, ces groupes eurent un
succès certain en leur pays et dans
d’autres comme la France, et étaient
défendus et soutenus surtout par les
vaillants fanzines : Cannibals, Thee Mighty
Caesars, Prisoners, The Green Telescope,
The Delmonas, Thee Headcoats, The
Escalators, The Stingrays, The Sid Presley
Experience (futurs Godfathers), The
Primevals, les Barracudas (seules stars
ici, avec les Inmates, Naz Nomad & The
Nomads — projet parallèle des Damned
— et les Jesus And Mary Chain reprenant
le “Vegetable Man” de Syd Barrett),
Sting-Rays, etc. En gros, c’est la
musique qu’écoutaient les scooter boys,
des gars en jeans bleachés et bombers
chevauchant des scooters découpés et
transformés au maximum (c’était, en
quelque sorte, du tuning postmod) avec
des coupes de cheveux psychobilly.
Car, sur ces trois CD, le trip se divise
en trois catégories : ceux qui s’adonnent
à un revival garage, d’autres au
néopsychédélisme, les derniers donnant
dans le genre bourrin nommé psychobilly,
et dont les chefs de file étaient les
Meteors et King Kurt. Ces gens que
tout le monde à oubliés (il faut dire qu’on
peut très bien vivre sans les Meteors)
ont pourtant connu leur heure de gloire,
pratiquant les circuits bis comme les
rallies de scooter boys (l’île de Wight
était le lieu de prédilection : on y buvait
beaucoup de bière avant de se rouler
dans la boue) ou les festivals psycho.
A quelques exceptions près (Sid Presley
Experience, Primevals, Prisoners, les plus
proches de la scène mod, mais en version
dure et bénéficiant d’un orgue groovy), il y
a peu de talents bouleversants sur cette
copieuse anthologie, mais elle risque de
toucher ceux qui étaient adolescents au
début des années 80 et ne trouvaient
pas leur compte dans la pop synthétique
envahissant les radios de l’époque.
Pour nostalgiques qui ont envie de
mettre leurs jeans dans la baignoire
avant de l’arroser d’eau de javel... single oublié et super soul d’Elvis “Clean a enregistré sur huit cassettes entre
You Own Backyard”, écrit par le même 1986 et 1987 : dix-huit morceaux en
Mac Davis responsable d’ “In The Ghetto”, tout. Des chanteuses mentionnées plus
avec une musique de Lee Hazlewood. Il y haut, Kate Bush est l’influence la plus
“BOB STANLEY & PETE WIGGS a également un titre grandiose de Sinatra, manifeste, et les chansons, largement
PRESENT STATE OF THE UNION” “The Train”, prodige tiré de son album ornées de divers synthés et de guitares
Ace (Import Gibert Joseph)
culte “Watertown”, “Abraham, Martin And acoustiques, ne bénéficient pas de
La théorie des deux collectionneurs John” par Dion effectuant un retour dans l’accompagnement qu’aurait pu lui
(à ce stade, on peut même parler de une veine musicale inattendue, mais aussi fournir un label comme 4AD. Reste
musicologues) de Saint Etienne, est que, “Saturday’s Father” par les Four Seasons, tout de même une curiosité de taille.
en 1968, aux Etats-Unis, face à la guerre “4th Of July” par leurs élèves les plus
au Vietnam, aux émeutes raciales, etc., doués, les Beach Boys, ou l’étonnant “Lord
une grande partie d’artistes américains,
jusque-là plus ou moins mainstream, se
Of The Manor” par des Everly Brothers
transfigurés. Ailleurs, on trouve un
Stan Ridgway
seraient réveillés : une nouvelle prise “Southbound Jericho Parkway” étonnant
“THE BIG HEAT”
Music On CD/ Universal (Import Gibert
de conscience, en quelque sorte, par Roy Orbison, un grandiose “Questions” Joseph)
changeant sensiblement l’orientation par Bobby Darin, et même un Dean Martin
de leur répertoire. Stanley et Wiggs étonnamment introspectif sur “Do You Celui-ci, par contre, avait fait grand cas
ont donc assemblé quelques morceaux Believe This Town”. Merci pour tout cela, dans la presse française à sa sortie en
symptomatiques de ce qui leur semble messieurs Stanley et Wiggs (“Qui c’est 1986. Il faut dire que la France, parfois
être un réveil social et politique. Ils auraient les plus forts ? C’est les Verts !”). capable de bon goût, avait beaucoup
pu illustrer cela à merveille avec “In The aimé les excellents Wall Of Voodoo, et
Ghetto” mais ont préféré sélectionner le que le tube “Mexican Radio” avait fait
Happy Rhodes son effet à sa sortie trois ans plus tôt.
En toute logique, lorsque Stan Ridgway,
“ECTOTROPHIA” leader du groupe, sortit son premier
Numero (Import Gibert Joseph)
album solo, tout le monde cria au
Encore une découverte stupéfiante du génie. Ridgway avait sa voix, ses textes
label Numero qui exhume du passé les (inspirés de Raymond Chandler et
œuvres d’une dénommée Happy Rhodes Jim Thompson, on connaît pire), et des
(en vrai, Kimberley Tyler Rhodes), qui chansons de qualité (“Drive She Said”).
semble avoir une tessiture couvrant “The Big Heat”, qui ressort aujourd’hui
vingt-quatre octaves : à côté d’elles, augmenté de six titres, n’est pas à
Kate Bush, Lisa Gerrard et Liz Frazer mettre entre toutes les mains : qui
sonnent comme Lemmy en personne. supportera aujourd’hui ces boîtes à
La réédition aligne ce que la New- rythmes terribles, ces basses jouées au
Yorkaise proche de Peter Gabriel clavier, et tous les gadgets du DX7 ? ❏
FEVRIER 2019 R&F 087
 Réhab’ PAR BENOIT SABATIER

Ignorés ou injuriés à leur sortie,

certains albums méritent une bonne réhabilitation.
Méconnus au bataillon ? Place à la défense.

Où le futur Nobel dit fuck à la perfection

Bob Dylan
“SELF PORTRAIT”
Columbia

LE SYNDROME POUR SERVICES RENDUS A LA NATION : quand une nous aurions pu lui conseiller de ne pas sortir un double album (24 titres),
légende franchit les 60 piges, on lui passe tout. Bob Dylan n’a plus enregistré de ne pas refourguer par-ci, par-là des versions live (jouées, ou plutôt
de disque essentiel depuis belle lurette, mais chacune de ses nouvelles dézinguées, au festival de l’île de Wight) de “Like A Rolling Stone”, “The
sorties se voit pourtant célébrée. Et c’est la moindre des choses : il a changé Mighty Quinn”, “She Belongs To Me”... Ce remplissage hétéroclite participe
le monde à 20 ans, pas si grave si son génie s’est fait la malle à la fin des finalement du concept — et si vous n’aimez pas, tant mieux. Il y a donc
années 70 — après, les quelques retours de flamme, c’est bonus. Il en était quelques blues arides, des morceaux qu’aurait pu composer Captain Beefheart,
autrement au tournant des années et 60 et 70, quand le futur Nobel s’apprêtait mais la majorité du disque se révèle chaleureuse, entre vignettes somp-
à fêter ses trente ans : il lui était interdit de décevoir. Dylan s’est fait massacrer tueusement orchestrées, gospels païens, cantiques désabusés, ballades
pour deux albums qui, rétrospectivement, font honneur à sa discographie. chantées d’une voix de révérend rêveur, d’Elvis mal réveillé — chant parfois
Pourquoi “Self Portrait” (1970) et méconnaissable, une palette vocale
“Dylan” (1973) restent si détestés, da- passionnante. Merveilles cachées :
vantage que certains de ses disques les “Belle Isle”, “All The Tired Horses”,
plus accessoires des années 80 et décen- “Alberta #2”, “Wigwam”, auxquelles
nies suivantes ? OK, ces deux albums s’ajoutent une flopée de reprises éton-
ne rivalisent pas avec ses sommets post- nantes : “Let It Be Me” (“Je T’Appar-
1966 (“Desire”, “New Morning”, “Blood tiens” de Gilbert Bécaud), “Early
On The Tracks”, “Nashville Skyline”, Mornin’ Rain” (Gordon Lightfoot),
“Street Legal”), mais sont-ils vraiment “Blue Moon” (moins belle que celle de
des catas par rapport à tous les “John Big Star, émouvante quand même),
Wesley Harding”, “Planet Waves” ou “Take A Message To Mary”, “I Forgot
“The Basement Tapes” ? Sûrement pas. More Than You’ll Ever Know”, “Days
C’est un homme de 28 ans agacé qui Of ’49”, “Copper Kettle (The Pale
entre dans les seventies. Woodstock Moonlight)”... Trois ans plus tard, fuck
vient d’avoir lieu, les hippies le vénèrent, it bis : c’est carrément un album cons-
Dylan leur refuse cette adoration. Il titué de rebuts de “Self Portrait” qui
l’écrit dans ses “Chroniques” : “Des sort — alors que “Self Portrait” s’est
foules se rassemblaient juste devant ma fait fusiller, alors qu’on reprochait juste-
maison. Je me suis dit : ‘Well, fuck it.’ ment un manque de tri. Pour rajouter
Je veux juste que ces gens m’oublient. Je au bordel, il y a aussi des outtakes de
veux faire quelque chose qu’ils ne peuvent “New Morning”. Lui-même n’en voulait
pas aimer, qu’ils ne peuvent pas com- pas, de ce “Dylan” (1973) : Columbia le
prendre. Ils l’écouteront et se diront : commercialise parce que Bob s’est tiré
‘Passons à la personne suivante.’ ” Oui, chez Asylum. Bizarrement, les chansons
“Self Portrait” est l’album fuck it de (99% de reprises) sonnent plus polies,
Dylan, le disque conçu pour ne pas être et le chant plus appliqué, performant
aimé. “Autoportrait” (alors que son — sa version de “Lily Of The West”
dessin de pochette n’a pas grand-chose dépote. L’interprète a sûrement recalé
de ressemblant) est retitré par les critiques “Self Parody”. Dave Marsh fulmine ces morceaux parce que ses performances étaient trop bonnes.
dans Rolling Stone : “Une catastrophe qui franchit toutes les frontières.” Greil La fin des sixties a célébré le format album, il s’agissait alors d’enregistrer
Photo Michael Ochs Archives/ Getty Images

Marcus s’étrangle : “What is this shit ?” C’est toujours bon signe quand
Marcus n’aime pas, mais “Allez vous faire foutre” ne garantit pas pour autant
un bon disque. Heureusement, “Self Portrait” n’est pas le “Metal Machine
Music” de Bob Dylan. C’est un album où l’ex-folkeux, s’il ne cherche pas à
plaire à son public, tente de créer autre chose, un bloc disparate et imaginatif,
inventant ainsi l’esthétique indie rock, préfigurant tous les Jonathan Richman,
Calvin et Daniel Johnston, toute la vague slacker du début des années 90,
les Pavement, Beck, Sebadoh. Il faut écouter sa reprise du “Boxer” de Simon
And Garfunkel : un carnage fascinant, réjouissant. S’il nous avait contacté,
le disque parfait, constitué uniquement de compositions personnelles, et
voilà le chef de file Dylan, lui qui a provoqué cette exigence, balancer en 1970
un pavé dans la mare : le foutraque et la difformité ont leurs vertus
— spontanéité, fragilité, vitalité, humanité. Dylan, humain ? Impardonnable.
Six ans plus tard, les punks érigeront l’imperfection comme étendard —
contre la qualité, la technicité, la propreté, le formatage. “Self Portrait”
célèbre déjà cette idéologie. De façon branlante, comme il se doit. ★
Première parution : 8 juin 1970

088 R&F FEVRIER 2019

Vinyles PAR ERIC DELSART
Texte en braille adressé à Stevie Wonder
Rééditions, nouveautés et 45 tours : le point sur les meilleurs microsillons du moment.
Rééditions
The Beatles
“The Beatles
And Esher Demos”
Apple/ Universal
C’était la grande réédition de la fin
d’année 2018. On ne s’attardera pas
sur les raisons pécuniaires qui poussent
tous les artistes des années 60 — de
Bob Dylan à Pink Floyd — à publier
subitement leurs trésors cachés. Notons
simplement que dans sa version vinyle,
la version de l’album blanc des Beatles
accompagnée des démos enregistrées
dans la maison de George Harrison à
Esher est proposée dans un magnifique
coffret. Le premier double album est une
réplique exacte de l’album original, avec
photos, poster dépliable, nom du groupe
en relief et chansons qui changent la vie.
Les magnifiques démos acoustiques
qui font le sel de cette réédition se
trouvent dans un autre double-album
indépendant, au packaging tout
aussi beau. On se retrouve
l’an prochain pour “Abbey Road” ?
090 R&F FEVRIER 2019
Paul McCartney
& Wings
“Wild Life”
“Red Rose Speedway”
Capitol
Des quatre Beatles, Paul McCartney a
toujours été celui le plus à l’aise sur
scène (le peu d’intérêt de George
Harrison et John Lennon pour l’exercice
lors de leur carrière solo en atteste). Dès
1971, il monta ainsi Wings, un véhicule
pour interpréter ses morceaux en public,
dans lequel sa femme Linda et son
compère Denny Laine (ex-Moody Blues)
furent les seuls membres permanents.
“Wild Life”, le premier album du groupe,
est un disque léger et inconsistant qui
ne brille que par la présence de “Dear
Friend”, touchante réponse de Paul au
bileux “How Do You Sleep?” de John
Lennon. “Red Rose Speedway”, sorti en
1973, est bien plus intéressant. Outre la
mièvre — mais immensément populaire
— ballade “My Love”, on y trouve des
perles telles que “Single Pigeon”,
“Big Barn Bed” et le trippant “Loup (1st
Indian On The Moon”). Cette réédition —
avec réplique du livret 12 pages originel
et du texte en braille adressé à Stevie
Wonder — propose une remasterisation
de rigueur et un deuxième disque empli
de singles de l’époque, notamment la
plaisante “C Moon” et l’insurpassable
“Live And Let Die”.
Eugene
McDaniels
“Headless Heroes
Of The Apocalypse”
Music On Vinyl
Le montage de la pochette qui montre
Eugene McDaniels, le visage empli de
colère, devant deux samouraïs prêts à
s’affronter, ne trompe pas : “Headless
Heroes Of The Apocalypse” est un
disque énervé et politique. Pourtant,
derrière les textes acerbes et révoltés
de son auteur qui pourfend l’Amérique
raciste de 1971, se cache un disque
de funk doux (“Jagger The Dagger”),
sophistiqué (“Lovin’ Man”) et jazzy
(“Headless Heroes”). C’est avant tout un
disque au groove unique, samplé mille
fois, et simplement magnifique.
A-Moms
“Algebra Mothers”
Third Man
Une des choses les plus appréciables
avec Third Man, c’est que l’équipe qui
entoure Jack White est une bande de
fanatiques de musique made in Detroit
qui connaissent l’histoire musicale de
la ville sur le bout des doigts. Exemple :
A-Moms, groupe culte local qui sortit
en 1979 un unique single post-punk
remarquablement excentrique
(“Strawberry Cheesecake”). Third Man
a retrouvé les musiciens, et voici que
quinze titres inédits voient le jour sur
une compilation démente qui a même
incité le groupe à se reformer.
 The Headless
Horsemen
“Yesterday’s Numbers”
Dangerhouse Skylab
Supergroupe de la scène garage
new-yorkaise des années 80, les
Headless Horsemen sont nés sous
l’impulsion de membres des Tryfles et
des Fuzztones. S’il est régulièrement
actif depuis 40 ans, le groupe n’a publié
que peu de choses (un album, une
poignée de 45 tours). La compilation
“Yesterday’s Numbers” rassemble
ainsi les introuvables singles ainsi
que quelques démos inédites de ce
groupe moteur du revival garage
des années 80. Indispensable
pour les amateurs du genre.
Didier Bocquet
“Eclipse”
Caméleon
Label éclairé et foutraque ayant
publié entre les années 50 et 90 des
centaines de disques dans des styles
aussi divers que variés, Le Kiosque
D’Orphée fait l’objet d’un culte auprès
des amateurs de musique avant-
gardiste et expérimentale. “Eclipse”
de Didier Bocquet entre dans cette
dernière catégorie. Disque rarissime
enregistré en 1977 par un loup solitaire
obsédé par les synthétiseurs à la Klaus
Schulze, il bénéficie d’une réédition
avec un véritable visuel et s’avère
à la hauteur de sa réputation.
The White Stripes
“Icky Thump”
Third Man
L’an dernier, pour ses dix ans,
le dernier album des White Stripes
avait eu droit à une réédition extensive
dans un luxueux coffret réservé aux
fans hardcore du groupe, abonnés au
Vault de Third Man. L’album revient
aujourd’hui dans sa version originale,
avec un son remasterisé 100%
analogique. On redécouvre un
album tendu, nerveux, traversé de
passages bluesy doux et d’explorations
étonnantes (le mariachi de “Conquest”
ou le folk celtique de “Prickly Thorn,
But Sweetly Worn”). Sans doute
la dernière production musicale
réellement excitante de Jack White.
Nouveautés
Go!Zilla
“Modern Jungle’s
Prisoners”
Teenage Menopause
Fers de lance de la scène garage-punk
italienne, les Florentins de Go!Zilla
Photo Bruno Berbessou
prennent un drôle de tournant sur ce
nouvel album. L’énergie punk dansante
des disques précédents fait place à des
ambiances louches, des guitares plus
lourdes et des contrastes appuyés.
“Modern Jungle’s Prisoners” est un
album claustrophobe, malsain par
moments (“Evil Is Satisfying”),
mais d’une formidable efficacité.
Father
John Misty
“Live At Third Man
Records”
Third Man
L’an dernier, peu avant son passage
au Ryman Auditorium de Nashville,
Josh Tillman a donné un concert
acoustique dans la salle de concert de
Third Man, seul à la guitare acoustique.
Les sept chansons enregistrées sont
aujourd’hui publiées sur un album
live qui met à jour la beauté nue
de ces compositions tirées des
trois premiers albums du Father.
A Date
With Kizmiaz
“10 Years After”
Kizmiaz
Le label nantais Kizmiaz fêtait en 2018
ses 10 ans. Une belle performance
célébrée toute l’année avec des
concerts et, désormais, une compilation
sur double-vinyle. Créé par des obsédés
des Cramps (d’où ce nom inspiré
d’un titre de Lux & Ivy), ce label versé
dans le punk, le garage et le blues
lo-fi possède un catalogue enviable
(avec notamment Bikini Gorge,
Slim Wild Boar ou Magnetix).
Les 15 chansons assemblées ici
témoignent de la vitalité de l’écurie
et de la pertinence de ses choix.
Nick & Alizon
“Ashes In The Storm”
Permanent Freak
Homme aux mille projets et la valise
toujours emplie de chansons, Nick
Wheeldon (Os Noctàmbulos, 39th &
The Nortons) a trouvé la partenaire
idéale en Alizon Pergher pour
s’aventurer dans des contrées folk.
Les voix entremêlées du duo font
merveille tout au long de cet album
tendre et mélancolique qui oscille entre
folk pastoral (“Leave Your Shadow”)
et pop douce (“Medicine”).
45 tours
Jackie Brenston
& His Delta Cats
“Rocket ‘88’ ”
Chess/ Third Man
La valse des rééditions Chess continue
chez Third Man, avec notamment
Howlin’ Wolf, Chuck Berry et surtout
ce “Rocket ‘88’ ” de Jackie Brenston,
tube immense de 1951 considéré
comme un des morceaux précurseurs
du rock’n’roll, notamment en raison
de la distorsion — accidentelle ! —
sur la guitare. Un classique. ❏
FEVRIER 2019 R&F 091
Discographisme_16
PAR PATRICK BOUDET
On ne juge pas un livre à sa couverture. Et un album ?
Chaque mois, notre spécialiste retrace l’histoire visuelle d’un disque, célèbre ou non.
“Fragile”
Yes
Première parution : novembre 1971
e rock progressif est une galaxie et
L le groupe Yes l’une de ses étoiles les
plus brillantes, si ce n’est la plus populaire.
Cette notoriété s’est construite, certes, sur une
proposition musicale forte, mais aussi à travers
un univers graphique cohérent et en osmose
avec celle-ci. Le projet musical de Yes, tel
que nous le connaissons, naît lentement.
En effet, ses deux premiers albums — sortis
respectivement en juillet 1969 et 1970 —
s’inscrivent dans un courant traditionnel de
chansons pop et folk élaborées et portées
par des harmonies vocales sophistiquées.
Puis, sous l’impulsion du nouveau guitariste
Steve Howe, le chanteur à la voix flûtée Jon
Anderson et le puissant bassiste Chris Squire
composent de longs morceaux dont l’organicité
relève encore plus du collage d’univers
disparates que du territoire cohérent (“The
Yes Album”, février 1971). C’est l’arrivée du
claviériste Rick Wakeman qui sédimente le
monde de Yes et parachève l’identité sonore
qui fera sa postérité. Avec “Fragile”, Yes
défriche son nouveau territoire écrivant les
premières pages de son projet tant sonore
que visuel. Après avoir dessiné la chaise
pop oursin, Roger Dean étudie le design
d’ameublement au Royal College of Art à
092 R&F FEVRIER 2019
Londres et, jeune diplômé, il relooke en 1968
l’entrée du Ronnie Scott’s Jazz Club, haut-lieu
musical de Soho. Là, on lui propose de
faire la pochette d’un groupe de rock “The
Gun”. Dean trouve l’exercice rentable et peu
laborieux contrairement au travail aléatoire
d’architecte d’intérieur. Dès lors, il démarche
les labels et conçoit une vingtaine de
pochettes, toutes identifiables, sans pour
autant abandonner son travail de plasticien.
On lui doit notamment celles des premiers
enregistrements du groupe afro-pop Osibisa
(sortis en 1971), celles du “Octopus” de
Gentle Giant et de “Demons And Wizards”
et “The Magician’s Birthday” d’Uriah Heep,
trois albums sortis la même année que
“Fragile”. Roger Dean a été repéré depuis
quelque temps par Phil Carlson, le directeur
artistique d’Atlantic Royaume-Uni ce dernier
lui a proposé de travailler pour Yes au moment
de l’enregistrement de son premier album. Ce
n’est que deux ans plus tard que le graphiste
rencontre le groupe. Dean et Yes, c’est un peu
comme Truffaut et Léaud ou Scorsese et De
Niro, c’est une complicité artistique qui va
permettre au groupe, comme au plasticien,
de construire et développer un univers
commun dont les productions s’élaboreront,
paradoxalement, séparément. En effet, Dean
avoue n’avoir jamais écouté un album de Yes
avant d’en avoir dessiné la pochette, ce qui
ferait passer Dean pour un télépathe de génie
ou un grand consommateur de space cake,
spécialité de la femme de Jon Anderson.
Mais, en observant le travail de Roger Dean
avant Yes, on prend conscience qu’il ne
se réinvente pas. Au contraire, il poursuit
une esthétique déjà perceptible lors de ses
premières créations de mobilier et que l’on
retrouvera dans les éléments de scène qu’il
imaginera pour les tournées du groupe.
De plus, Dean développera pour le groupe
une identité visuelle globale qui s’étendra,
outre les pochettes de disques et les décors
de scène, aux programmes, badges
à et tous les produits dérivés.
Sur “Fragile”, le fond bleu pose l’atmosphère :
nous sommes dans le cosmos. La planète avec
ses arbres proportionnellement immenses,
son océan bleu clair, ses continents aux
falaises abruptes reliés par une route blanche
serpentant est une représentation schématique
de notre terre. Au-dessus de celle-ci, un
vaisseau spatial, une sorte de drakkar en bois,
doté d’ailes d’oiseaux, glisse dans l’espace.
Cet univers de science-fiction poétique est
une invitation au voyage à l’image des pièces
musicales du groupe qui s’étireront, album
après album, pour atteindre parfois une face
entière. Il est aussi l’affirmation que Yes est
un monde en soi. Mais, concernant le vaisseau,
nous ne savons pas s’il s’agit d’un départ ou
de la conquête d’un territoire. En tous cas,
les deux situations parlent et illustrent le
propos musical et reflètent l’émotion ressentie.
Néanmoins, le verso de l’album montre une
planète qui se fractionne accréditant la thèse
d’un départ devant une catastrophe écologique
ou naturelle. La fragilité serait alors celle de
notre monde. Pourtant, rien dans les paroles
de l’album n’évoque une quelconque dystopie
écologique. En effet, la poésie de Yes,
souvent énigmatique, se réfère plutôt à des
expériences spirituelles qu’à une conscience
environnementale, nourries d’un rapport
contemplatif à la nature (“Roundabout” et
“South Side Of The Sky”). C’est que la fébrilité
à laquelle fait référence le titre, choisi par le
groupe, est celle de ses membres à l’aube
d’une nouvelle aventure musicale, fébrilité
quant à leur avenir professionnel. A ce propos,
le groupe avait en tête pour la pochette une
image de porcelaine fendue. Dean sublima
cette idée toute psychologique en une
vision eschatologique. Celle d’un monde
se désintégrant que les habitants quittent à
l’aide d’un vaisseau spatial pour essaimer
sur d’autres territoires. Cette aventure va
s’écrire sur les pochettes des deux albums
suivants, “Close To The Edge” et surtout
sur le triple album “Yessongs” où l’histoire
s’achèvera. Ainsi, les narrations de Dean
et de Yes se superposent et finiront par
s’unir dans le graphisme du fameux logo,
complètement osmotique, du groupe,
scellant les univers musical et graphique. ■
 Qualité France PAR H.M.

Un trio qui compte

quatre musiciens
Nécessitant des infrastructures et des moyens
beaucoup plus légers que les maisons de disques,
les autoproductions s’illustrent par une souplesse
qui leur garantit une grande liberté créatrice.

Les trois Parisiens de Frenzy Il a fallu douze ans de pérégrinations

Frenzy ont œuvré plusieurs années
au sein d’un autre groupe (The Ludes)
avant de se consacrer à ce nouveau
projet en 2017. Leurs influences se
réclament aussi bien d’un rock pugnace
que d’un groove funky, et leur premier
essai se revendique comme heavy pop,
ce qui correspond bien à leur volonté de
naviguer entre les genres en associant
éclats énergiques et préciosités vocales
ou instrumentales. Mais cette étiquette
réductrice ne prend pas en compte leur
côté ludique et dansant (“Just Another”,
facebook.com/frenzyfrenzymusic).
musicales à Rivières pour exister
sous sa forme actuelle : à l’origine, un
trio de Seine-et-Marne, Ladylike
Dragon, enregistre deux disques avant
de cesser son activité puis d’opter pour
une formule à cinq et un nouveau nom.
Ce changement correspond aussi à une
évolution stylistique perceptible dans ce
nouvel album : les influences garage
appartiennent désormais au passé et
ont fait place à de délicates sonorités
folk et pop, aux orchestrations soignées
(“A Field Of Joy”, Nice And Rough
Records, difymusic.com/rivieres).

Avec le second album de Raoul
Vignal, on est de plain-pied dans
l’éloge de la douceur. En activité depuis
2010, ce Lyonnais a été repéré l’an
dernier à l’occasion de son premier
album. Ce nouvel essai en anglais
confirme la qualité de son univers
évanescent : seul avec les arpèges
de sa guitare, ou accompagné de
quelques musiciens qui interviennent
avec une discrétion respectueuse
de sa démarche intimiste, il susurre
de sa voix douce un folk aérien
et mélancolique qui s’impose
subrepticement (“Oak Leaf”, Talitres,
talitres.com/fr/artistes/raoul-vignal).
Noir c’est noir, pour le duo havrais
Grand Final, fondé en 2007
par deux membres d’un groupe
local énervé longtemps en activité
(Dickybird). Le second album, en
anglais, de ce batteur et de cette
chanteuse-guitariste annonce la couleur
avec un titre mortifère, des morceaux
aussi gais que “Cancer” ou “I Hate
Family” et cultive les atmosphères
lourdes, sombres et oppressantes
en s’immergeant dans un rock noisy
acéré et convulsif qui impressionne
par sa force sauvage et sa puissance
évocatrice (“La Mort”, Libérées,
facebook.com/GrandFinalLeHavre).

094 R&F FEVRIER 2019

Ainsi, parmi les huit sélectionnés (sur les
quarante-cinq disques parvenus à la rédaction),
la plupart affichent leur évolution musicale sans
se préoccuper d’un quelconque plan de carrière.
C’est sur scène qu’a débuté le duo
Yoann Minkoff & Kris
Nolly, de la rencontre féconde de
deux musiciens établis à Rennes, un
beatboxer qui fait toutes les rythmiques
à la bouche, et un chanteur-guitariste
déjà repéré avec un premier album
solo réussi. Ce premier EP cinq-titres
permet de mesurer l’ampleur et
l’originalité du phénomène : gouleyant
et dansant, il invite à partir à la dérive
entre blues, folk américain et musique
mandingue (“Leaving Home”, Remove
Ya Sound, engrenages.eu/projet/
yoann-minkoff-kris-nolly).
En activité en Aquitaine depuis 2015,
Titanic Bombe Gas a pour
particularité d’être un trio qui compte
quatre musiciens, puisque deux
batteurs participent alternativement aux
concerts. Il a déjà sorti quatre EP avant
ce mini-album sept-titres abonné aux
sensations fortes : il y délivre un rock
garage obsédant qui emprunte autant
au punk qu’au stoner et s’illustre par
des vocaux malins qui rafraîchissent
une potion assez brute (“Babapt Is
Gorgeous”, Abricot Chaud Records,
facebook.com/titanicbombegasmusic).
Fondé à Nîmes en 2013, Ultra
Volta est un quatuor adepte de
sensations fortes. Son premier album
est placé sous le signe d’un rock en
tension : à deux exceptions près, les
morceaux anglophones ne dépassent
pas les trois minutes et plébiscitent les
tempos énervés, le chant s’apparente
souvent à de la harangue et la guitare
reste toujours au premier plan, le tout
étant baigné dans un son touffu et
puissant qui laisse peu de place aux
nuances... mais tel n’est pas le propos
de cette démonstration de force (“Hold
And Drop”, ultravolta-wannahub.com).
Originaire de Lyon, le créateur du
projet Beautiful Badness est
installé depuis 2010 à Bruxelles où il
s’est fait remarquer pour ses qualités
de chanteur-guitariste. Fan de Jeff
Buckley et de Rufus Wainwright, il
affectionne sur ce premier album
une pop lyrique empreinte de musique
classique et n’utilise que des claviers
et des synthés pour accompagner sa
magnifique voix de tête, qui s’illustre
à travers un impressionnant morceau
a capella et des ballades conçues
comme des invitations au
voyage (“Rewind”, Jo&Co/8PM,
facebook.com/beautifulbadness).
FEVRIER 2019 R&F 095
Highway 666
revisited PAR JONATHAN WITT
Groupes hard rock, groupes cultes
Un album promotionnel dédié à...
la reine Elisabeth II
BLACK CAT
BONES
DES BRITANNIQUES, SPECIALISES
DANS LE BLUES, qui ont compté
pas moins de trois guitaristes amenés
à devenir célèbres par la suite ?
Non, il ne s’agit pas des Yardbirds,
mais des Black Cat Bones, excellente
mais malchanceuse formation qui
a publié un unique album, et servi
de creuset à certains des plus
fantastiques groupes de l’histoire.
En 1966, le British blues boom menace
d’exploser en Angleterre. Les frères Brooks,
Derek et Stuart, sont des passionnés qui ont
agrégé autour d’eux un petit gang qui compte
alors un prodige de la guitare âgé de
seulement quinze ans, nommé Paul Kossoff.
Le répertoire est constitué de reprises comme
“Rock Me Baby” (BB King) ou “Dust My
Broom” (Elmore James). Plusieurs batteurs
se succèdent jusqu’à ce que Frank Perry
s’impose. Un an plus tard, ceux qui sont
devenus les Black Cat Bones, d’après une
phrase de “Hoochie Coochie Man” (Muddy
Waters), se mettent en quête d’un shouter.
Le Melody Maker est appelé à la rescousse,
une petite annonce y est publiée. Au cours
des auditions, Kossoff tente de pistonner un
pote, Paul Rodgers, mais ses compères lui
préfèrent Paul Tiller. La suite ? Le circuit
des pubs et des bars les plus interlopes
de Londres. En octobre 1967, les Black
Cat Bones se présentent au Marquee et y
décrochent une résidence. Désormais, tous
les vendredis, ils ouvriront la soirée blues.
Ils y côtoient le Fleetwood Mac de Peter
Green, Ten Years After, Chicken Shack ou
encore les Bluesbreakers de John Mayall.
Quelques mois plus tard, les Black Cat Bones
accompagnent Champion Jack Dupree et
Eddie Boyd lorsqu’ils sont en Angleterre.
C’est au cours d’une performance dans le
quartier chic de Battersea qu’un jeune batteur
un rien vantard accoste Kossoff, pour lui
affirmer qu’il serait bien meilleur que Perry. Il
s’agit de Simon Kirke. Une semaine plus tard,
il est engagé et la nouvelle formation entre en
studio, sous la houlette de Mike Vernon, pour
seconder Champion Jack Dupree et capturer
ce qui constituera “When You Feel The
Feeling You Was Feeling”. Kossoff et Kirke
y font leurs premières armes, le talent épuré
du premier est déjà palpable. Quelques peu
frustrés par la rigidité de leurs compères (qui
souhaitent rester fidèles à la doxa du blues),
ils prennent vite la poudre d’escampette en
compagnie d’Andy Fraser et de Paul Rodgers :
c’est la naissance de Free. Kossoff est
remplacé par Bob Weston, ancien guitariste
de The Kinetic, qui a publié un unique album,
chez Vogue, en 1967 (l’oubliable “Live Your
Life”) qui amène avec lui le batteur Terry
Sims. Les Black Cat Bones vont alors graver
un titre, le psychédélique “The Warmth Of
The Day” (gavé de wah-wah) qui paraît début
1969 dans un album promotionnel dédié à... la
reine Elisabeth II. Au printemps de la même
année, la paire Weston/ Sims s’en va fonder
Ashkan. Les deux premiers sont suppléés
par Rod Price et Ken Felton. Après un ultime
show (en première partie de Colosseum)
avec un Paul Tiller démissionnaire, Brian
Short est désigné pour tenir le micro. C’est
alors que Decca propose un contrat pour un
enregistrement qui vise à lancer sa filiale
underground (Nova). Les Black Cat Bones
investissent donc les studios Tangerine avec
un nouveau batteur, Phil Lenoir. Le résultat
est “Barbed Wire Sandwich”, superbement
capturé par David Hitchcock, avec un son
vibrant et naturel. Brian Short possède
une voix chaude et légèrement rauque.
La rythmique est idéale, à la fois souple
et plombée. Mais celui qui brille
particulièrement est Rod Price, qui assène
une véritable leçon de feeling, dans un style
sobre et classieux, entre Eric Clapton et Jimmy
Page. Il n’y a qu’à se pencher sur la mirifique
“Death Valley Blues” (reprise transfigurée
d’Arthur Big Boy Crudup), pas si éloignée
de “Since I’ve Been Loving You”, pour s’en
apercevoir. “Feelin’ Good” et “Four Women”
(et son final dramatique), piochées chez Nina
Simone, révèlent une face plus folk et
contemplative. Toutes les nuances du blues
sont ici explorées, parfois sur un seul morceau
comme “Sylvester’s Blues”. “Please Tell
Me Baby” lorgne du côté du boogie woogie
tandis que le riff de “Save My Love”, l’un des
meilleurs titres, a de faux airs de “Sunshine
Of Your Love”. L’album s’achève sur
l’éblouissante “Good Lookin’ Woman”,
fantastique démonstration de blues lourd,
longue de sept minutes. “Barbed Wire
Sandwich” est publié en février 1970 sous
une étrange pochette, et reçoit un accueil
critique très enthousiaste. Malgré cela, il
ne se vend guère. Rod Price et Brian Short
quittent rapidement le navire. Pete French
et son cousin Mike Halls intègrent alors
l’attelage, qui va bien vite devenir le
légendaire Leaf Hound. Rod Price va quant
à lui rejoindre Foghat, tandis que Bob Weston
passera par Fleetwood Mac le temps de deux
albums plutôt oubliés (“Penguins” et “Mystery
To Me”). Phil Lenoir fera partie de Shagrat
avec Steve Peregrin Took (de Tyrannosaurus
Rex) et Brian Short va publier un album
solo plutôt progressif en 1971. ❏
b
Beano Blues PAR CHRISTIAN CASONI
BLINDWILLIE
JOHNSON 1897 (Texas) - 1945 (Texas)
Samson a les yeux crevés. Il va faire tomber le temple de
Dagon sur les Philistins. 1929. Willie Johnson, aveugle lui aussi, enregistre
à la Nouvelle-Orléans. Comme c’est dans la rue qu’il chasse les meilleurs
dollars, il empoche son canif, prend sa Stella et descend sur Canal Street.
“If I Had My Way I’d Tear The Building Down”. Posté devant la maison
fédérale des douanes, il chante l’histoire de Samson de sa voix phréatique,
avec cette ferveur agressive qui fascine les passants. Croyant qu’il exhorte
la foule à démolir l’immeuble des douanes, des flics l’enchristent
dans un grondement d’émeute. Le journal The Bookman
l’avait un jour décrit comme un dangereux illuminé.
On sait qu’il a longtemps habité à Marlin, Texas, et
qu’il n’est pas né aveugle. A-t-il été vitriolé par
sa belle-mère ? A-t-il scruté trop longtemps
l’éclipse du 30 août 1905 ? Dans quelles
circonstances Willie est-il allé à la rencon-
tre de Frank Walker, le plénipotentiaire
de Columbia, en 1927 ? Walker a monté
une expédition à Atlanta, il descend main-
tenant vers Dallas avec ses ingénieurs
du son. Les musiciens du cru trouvent,
dans les petites annonces, l’adresse de
l’hôtel où Walker a posé son studio
volant, et convergent vers les bas-fonds
de Deep Ellum. Walker fait le tri et
réserve les élus, selon la couleur de leur
peau, dans les petits hôtels du quartier.
“Ils enregistrent, rentrent chez eux avec un
disque sous le bras et se prennent pour le
président des Etats-Unis !”
Le 3 décembre 1927, un assistant vient chercher
Willie dans sa piaule, c’est son tour de passer devant
le micro. Un bluesman à disque multiplie les gigs dans
les clubs, un chanteur évangéliste à disque excite la demande
des églises et des conventions religieuses. Mais, gaffe, Willie n’est
pas un de ces vendeurs de bibles faméliques. En 1927, il est déjà une
vedette au Texas, coiffure au quart de poil, costume au compte-fil, avec
cette voix unique au monde que le musicologue Mark Humphrey appelle
“fausse basse africaine”. Willie en impose et la graisse tient bien à sa
paume : six titres à 50 dollars pièce, trois 78 tours rondement vendus.
Willie sera rappelé trois fois encore par Columbia : le 5 décembre 1928
à Dallas, les 10 et 11 décembre 1929 à la Nouvelle-Orléans, le 20 avril
1930 à Atlanta. 32 titres au total mais deux, sous le pseudo de Blind
Texas Marlin, ne seront jamais gravés. Peut-être deux blues, hasarde
son biographe DN Blakey.
C’est toujours avec lui que les ingénieurs du son passent le plus de temps,
Willie enregistre toujours plus de titres que les autres, même à Atlanta
où sont également retenus Barbecue Bob et Blind Willie McTell. Et ses
enregistrements sont toujours impeccables. Toujours bien préparé,
Willie colle aux timings, contrairement à la plupart des musiciens d’église
et de rue.
Le chant roule dans une sombre pétarade. A-t-on une voix pareille à
trente ans ? “Fausse basse”, car c’est une préciosité dynamique. On s’en
rend compte quand il recouvre sa voix naturelle (“Bye And Bye I’m
Going To See The King”). Le timbre de Willie Beatrice Harris,
maîtresse et choriste, volète dans cette mitraille, frais, presque
enfantin. Les slides au canif ouvrent un autre chœur,
tout aussi léger, précis, chantant. Mais la virtuosité,
le coffre, la brutalité du chant, son débit au swing
élastique qui renvoie parfois à Bob Dylan et
même au rap (“When The War Was On”) ne
sont qu’affèteries pour magnifier la noirceur
du châtiment divin, auquel préludent les
catastrophes du temps, le Titanic, la
guerre, l’épidémie dévastatrice de grip-
pe espagnole, augures familiers à ces
prophètes de malheur de la glèbe. Il faut
être docteur en théologie quantique
pour percer le credo de toutes ces églises
noires. Après sa mort, ses deux veuves
tenteront de l’apparenter à la leur, l’église
baptiste pour Angeline, celle de Dieu dans
le Christ pour Willie Beatrice.
Qu’il compose ou qu’il emprunte, Willie met
un chiffre indélébile sur tout ce qu’il touche.
“Jesus Make Up My Dying Bed”, “Keep Your
Lamp Trimmed And Burning”, “Praise God
I’m Satisfied”, “The Soul Of A Man”, “John
The Revelator” conservent, intacte, la violence de sa
foi. Presque une révolte contre l’Amérique. “Dark Was The
Night Cold Was The Ground” dérive d’un vieil hymne anglais de
1792. La crucifixion. Willie en tire juste une ride de néant. Il fredonne,
lèvres cousues, dans une torpeur glacée. Les slides de la gorge ombrent
à peine les slides de la lame, peut-être du bottleneck. Etonnant que
Walker ait validé cette rêverie morbide. Livrée aux païens, cette croix
devient un classique du folk, de la musique sacrée, un exercice standard
du bottleneck et l’un des 28 morceaux gravés sur le disque d’or de Voyager 1,
parmi quelques autres valeurs de l’humanité à destination des civilisations
extraterrestres.
La sonde Voyager s’est échappée du système solaire en août 2012. Willie
glisse maintenant dans l’espace interstellaire avec ses voisins Chuck et
Ludwig van, à 4,4 millions d’années-lumière de la prochaine étoile.
Erudit rock
Cher Erudit, j’aimerais avoir
plus d’infos sur le parcours
de BILLY CHILDISH des
Milkshakes, qui semble riche
en expériences diverses.
JEAN-PIERRE, Marseille (13)
Né Steven John Hamper le
1er décembre 1959 à Chatham,
au sud-est de l’Angleterre, Billy Childish
est un stakhanoviste de l’art sous toutes
ses formes. Que ce soit sous son nom,
sous un pseudonyme ou une quinzaine
de dénominations différentes, il a
enregistré plus d’une centaine d’albums
et d’innombrables singles, publié une
100 R&F FEVRIER 2019
PAR PHILIPPE THIEYRE
Huit à dix albums par an
quarantaine de livres de poésies,
des romans, de nombreux articles,
créé une maison d’édition et un label
(Hangman Books et Hangman Records),
peint plus de deux mille tableaux
et fondé le mouvement Stuckism. Childish
se définit lui-même comme un artiste
indépendant, en rébellion contre toute
forme d’institution et de chapelle,
refusant d’être enfermé dans une case.
Dyslexique, il abandonne le lycée à
seize ans pour devenir apprenti tailleur de
pierre aux chantiers navals de Chatham.
Parallèlement, il se consacre au dessin.
C’est en montrant ses œuvres qu’il est
admis en 1977 au Medway College Of
Design puis, en 1978, à la Saint Martin’s
School of Art de Londres qu’il quitte au
bout d’un mois. Il y revient en 1980, mais
en est exclu en 1982 pour non-respect des
règles, ce qui ne l’a pas empêché d’être
régulièrement exposé dans des galeries.
En 1999, avec Charles Thomson, Childish,
qui en peinture utilise plutôt le nom de
Hamper, rassemble un groupe d’artistes
sous l’appellation Stuckism. Ils affirment
leur attachement à la peinture figurative en
opposition à l’art conceptuel. Parmi les
onze autres peintres qui rejoignirent
d’emblée le duo, figurent Philip Absolon,
Bill Lewis, Ella Drauglis alias Ella Guru en
hommage à Captain Beefheart, également
guitariste de Mambo Taxi et des Voodoo
Queens, son mari Sexton Ming, peintre et
chanteur à la discographie conséquente,
Wolf Howard, réalisateur, photographe
et batteur du James Taylor Quartet,
des Prime Movers britanniques et
des Musicians Of The British Empire.
Auparavant, en 1979, Childish, Thomson,
Absolon, Lewis et Ming avaient formé un
collectif de performeurs et poètes punk,
The Medway Poets, auquel a été associée
l’artiste Tracy Emin. En 1988, est sorti sur
Hangman Records “The Medway Poets”,
une compilation de leurs prestations.
Childish est d’abord influencé par les
premiers disques des Beatles, des Rolling
Photo Renaud Monfourny/ Dalle
Stones, de Gene Vincent et des pionniers
du rock’n’roll avant de découvrir Jimi
Hendrix. Revendiquant amateurisme,
minimalisme technique et énergie
primitive des débuts du rock’n’roll, du
blues et du rhythm’n’blues, il adhère au
punk de 1977. Prônant une attitude sans
compromission à l’égard des maisons de
disques, il produit ses disques de façon
indépendante sans se soucier de la
rentabilité. D’ailleurs, pendant quinze ans,
il vit en grande partie des allocations
chômage. En 1977, Wild Billy Childish,
au chant, rejoint les Pop Rivets avec
Russell Wilkins (basse), Russell Lax
(batterie) et Bruce Brand (guitare). Deux
albums autoproduits sortent sur Hipocrite
Music en 1979 : en janvier, “Greatest
Hits” ; à la fin de l’année, “Empty Sounds
From Anarchy Ranch!” avec une reprise
de “You Really Got Me”. Après la parution
de deux singles en 1980, les Pop Rivets
cessent de pogoter. Pour Billy Childish,
le punk a d’ailleurs perdu son énergie
originelle et s’est égaré après 1977.
Les Pop Rivets à peine enterrés, Childish,
également à la guitare, Mark Banana
Bertie Gilbert, basse, et Brand à la batterie
forment Mickey & The Milkshakes avec le
guitariste Micky Hampshire, un roadie des
Pop Rivets, “Talking ’Bout... Milkshakes!”
(1981) sur Milkshakes Records, avant
de raccourcir leur patronyme en The
Milkshakes. Même si tous les titres sont
écrits par Childish et Hampshire, ils se
situent dans la lignée d’un garage rock
sixties à l’énergie punk, aux sonorités
saturées, aux guitares ronflantes, grasses
et distordues, parfois avec des touches
surf ou British beat. Russ Wilkins à la
basse : “Fourteen Rhythm & Beat Greats”
(1982) ; “After School Session” (1983)
avec des reprises de “I Can Tell” et
“Cadillac”, deux compositions de Bo
Diddley ; “Milkshakes IV : The Men
With The Golden Guitars” (1983) ;
“In Germany” (1983). En 1984, les
productions sortent également sur Big
Beat. Thee Milkshakes avec John Agnew
à la place de Wilkins : “Thee Knights Of
Trashe” (1984) ; “They Came They Saw
They Conquered” (1984) ; “Nothing Can
Stop These Men” (1984) ; “20 Rock And
Roll Hits Of The 50’s And 60’s” (1984).
“The Milkshakes’ Revenge!” est enregistré
en 1983, mais ne paraît qu’en 1987.
Entretemps, après le départ de Micky
Hampshire en 1985, Childish, Agnew et
Brand changent le nom du groupe en Thee
Mighty Caesars. D’autre part, un trio de
choristes des Milkshakes formé de Louise
Baker, Sarah J Crouch et Ida Red, sort,
sous le nom des Delmonas, deux EP,
“Comin’ Home Baby (Volume 1)” et
“Hello We Love You (Volume 2)”, puis
quatre albums entre 1985 et 1989, avec
la participation et le soutien de Billy
Childish et Micky Hampshire. De 1991
à 1999, Sarah J Crouch reprendra le
flambeau avec The Headcoatees,
dont la plupart des chansons
sont composées par Childish.
De 1985 à 1989, Thee Mighty Caesars
enregistrent huit albums : “Thee Mighty
Caesars” (1985). Graham Day des
Prisoners remplaçant Brand à la batterie :
“Beware The Ides Of March” (1985) ;
“Acropolis Now” (1986) ; “Three Caesars
Of Trash” (1986) ; “Wise Blood” (1987)
sur Ambassador, le label de Wreckless
Eric ; “Don’t Give Any Dinner To Henry
Chinaski...” (1987), des démos sur
Hangman Records, le label créé en 1986
par Childish ; “Live In Rome” (1987) ;
“John Lennon’s Corpse Revisited” (1989).
Childish décide de mettre en sommeil
Thee Mighty Caesars en 1989. A partir
de là, sa discographie devient de plus en
plus pléthorique, sur une cadence de huit
à dix albums par an, car, à côté de
sa nouvelle formation, Thee Headcoats,
dans laquelle il retrouve Bruce Brand,
il a entamé une carrière solo, multiplie
les collaborations et les groupes. Voici une
sélection de ses œuvres discographiques.
Thee Headcoats : “The Earl Of
Suavedom” (1989) ; “Heavens To
Murgatory, Even! It’s Thee Headcoats!”
(1990) ; “WOAH! Bo In The Garage”
(1991), consacré à Bo Diddley ; “The
Good Times Are Killing Me” (1993) avec
“Pedophile”, un titre sorti en single l’année
précédente. Billy Childish écrit des textes
non dénués d’humour et d’ironie en
s’inspirant de son environnement et de sa
vie. Ce titre est l’évocation instrumentale
d’un viol qu’il a subi à l’âge de neuf ans de
la part d’un ami de ses parents dont la
photographie est reproduite sur la pochette
du 45 tours. “The Headcoats Conundrum”
(1993) ; avec les Headcoatees, “The
Sound Of Baskervilles” (1995), un live
incluant “Strychnine” des Sonics ; “In
Tweed We Trust” (1996). Billy Childish
& His Famous Headcoats : “Hendrix
Was Not The Only Musician” (1998).
Thee Headcoats Sect est le fruit de la
rencontre entre les Headcoats et Don
Craine et Keith Grant, les deux leaders
des Downliners Sect qui commirent
quatre superbes albums de rhythm’n’blues
rageur dans la veine des Pretty Things
entre 1964 et 1967 : “Deerstalking Men”
(1996) ; “Ready Sect Go !” (1999).
Billy Childish, solo et collaborations,
souvent une réinterprétation du country
blues : “I’ve Got Everything Indeed”
(1987) ; “I Remember...” (1988) ; “50
Albums Great” (1991). Avec Sexton Ming :
“Which Dead Donkey Daddy?” (1987) ;
“Here Come The Fleece Geese” (2002).
Avec les Blackhands : “The Original
Chatham Jack” (1992). Avec Holly
Golightly : “In Blood” (1999). Avec les
Chatham Singers : “Heavens Journey”
(2005). Avec The Musicians Of The British
Empire, Wolf Howard et Julie Hamper :
“Punk Rock At The British Legion Hall”
(2007) ; “Thatcher’s Children” (2008).
Wild Billy Childish & CTMF (Chatham
Forts) : “Die Hinterstoisser Traverse”
(2013) ; “In The Devil’s Focus” (2017).
Outre une partie de sa discographie,
Billy Childish a également sorti sur
Hangman Records des disques des
Prisoners, autre formation de Chatham,
de Link Wray, une de ses références, des
Discords, des Squares, un groupe de
Nancy, des Mummies, légendes surf
punk californiennes, de Mystreated, un
groupe garage psyché et de Wreckless
Eric, “The Donovan Of Trash” (1993). ❏
FEVRIER 2019 R&F 101
Le film du mois PAR CHRISTOPHE LEMAIRE
Tina, douanière au physique difficile
Border DE ALI ABBASI
Aux yeux doux de certains cinéphiles polis, le cinéma suédois se limite
aux films d’Ingmar Bergman, ce grand rigolo... Mais aux yeux pervers des
cinéphages impolis, certaines pelloches du royaume de Suède regorgent de déviances
bienvenues. Comme les amours saphiques de la belle Marie Forsa dans “Bibi La
Dévoreuse” de Joseph W Sarno (1974), la relation douteuse entre un garçonnet de
12 ans et sa voisine vampire dans le magnifique “Morse” de Thomas Alfredson (2008)
et, bien sûr, “Fifi Brindacier”, feuilleton culte des sixties sur les aventures d’une petite
fille rousse à couettes dotée d’une force herculéenne à faire pâlir d’envie Dolph
Lundgren, le Jean-Claude Van Damme suédois, ex-adversaire de Sylvester Stallone
dans “Rocky 4” (et par ailleurs de retour ce mois en salles dans “Creed 2”)...
Ces rares exemples n’atteignent toutefois pas le niveau de bizarrerie de “Border”,
peut-être le film le plus barré créé au pays de Greta Garbo. Sorti de nulle part,
“Border” a fait son petit coup de gégène au dernier festival de Cannes dans la section
Un certain regard. Une histoire d’amour sur fond d’animalité outrancière et de crise
d’identité carabinée. Et qui surprend sans cesse. “Border” commence quand Tina,
douanière au physique difficile, utilise son odorat hors norme pour sentir la culpabilité
d’un voyageur ayant quelques photos compromettantes sur son téléphone portable.
Avant, dans un deuxième temps, de repérer un autre voyageur au physique également
compliqué et qui possède aussi des capacités olfactives proches d’un animal sauvage.
Tina, qui vit depuis quelque temps avec homme normal, sent (au sens propre
comme au figuré) que cet inconnu — véritable alter ego — a tout pour devenir
l’amour de sa vie. S’ensuit une relation totalement barzingue, avec baignade dans
un lac, batifolage sexuel et gobage de vers de terre en pleine forêt... Entre grotesque
assumé et poésie tribale, ces quelques séquences ne sont qu’un petit aperçu de
“Border” qui, évidemment, dépasse vite son statut de film provo pour aborder
quelques interrogations existentielles : du racisme aux troubles moraux en passant
par l’hermaphrodisme, la nativité, l’acceptation de soi et les doutes d’une société
éprise de lois humanistes aberrantes. Un film volontairement trouble qui interroge
tout ! Y compris ses propres interrogations ! Produit et réalisé en Suède par le cinéaste
iranien Ali Abbasi, responsable deux ans auparavant du — paraît-il — film d’horreur-
bizarre-anodin “Shelley”, “Border” est tiré d’une nouvelle de John Ajvide Lindqvist qui
avait écrit le roman “Laisse-Moi Entrer”, devenu “Morse” en version long métrage,
l’autre meilleur film fantastique suédois de ce nouveau millénaire. Et qui, également,
aborde en biais des questions sur la nature humaine. “Border” doit aussi beaucoup
à l’extraordinaire interprétation de ses deux acteurs : Eva Melander et Eero Milonof.
Le visage planqué sous des couches de latex imperceptibles à l’œil nu, ils se sont
totalement fondus dans leurs rôles de créatures humaines agissant comme des
animaux en manque d’amour, de sexe et de reproduction. Quant à Ali Abbasi,
il résume très bien la façon dont on doit faire du cinéma aujourd’hui : “Ce qui
m’intéresse, c’est de regarder la société à travers le prisme d’un univers parallèle et
les films de genre sont un très bon vecteur pour atteindre ce genre d’objectif. C’est à
ce moment-là que le cinéma devient stimulant à mon sens : plutôt que d’expérimenter
la portée dramatique de mes problème personnels, je préfère voir mes réflexions et
mes pulsions s’incarner dans un autre corps et dans un autre monde que le mien.
Je crois qu’il est intéressant de faire fi de cette dimension personnelle pour parvenir
à faire vraiment de l’art.” Il a entièrement raison (actuellement en salles). ❏
Cinéma PAR CHRISTOPHE LEMAIRE
Catégorie has been
Undercover :
Une Histoire Vraie
Drôle d’acteur que Matthew
McConaughey ! Après avoir slalomé
des années durant entre les comédies
romantiques sans grand intérêt (genre
“Playboy A Saisir”) et des rôles plus
engagés sur le jeu (le sidaïque de
“Dallas Buyers Club” qui lui valut un
Oscar), il retombe ensuite dans les
travers d’un cabotinage intempestif, une
autre de ses marques de fabrique (il en
fait des tonnes dans “Nos Souvenirs”
de Gus Van Sant ou encore “La Tour
Sombre”, adaptation bordélique d’un
écrit de Stephen King ). Au point que
ses trois dernières années, le Matthew
commençait sérieusement à prendre du
poids dans la catégorie has been. Et voilà
qu’il rebondit avec “Undercover”. Très
impliqué dans la peau d’un petit vendeur
d’armes à la ramasse confronté à son
fils, devenu malgré lui informateur pour
le FBI après s’être lancé dans le trafic
de drogue. Une histoire authentique
survenue dans les années 80 que le
Undercover :
Une Histoire Vraie
réalisateur Yann Demange filme, non
comme un polar lambda, mais comme
un véritable drame social sur les aléas de
la pauvreté et l’envie utopique de s’en
sortir dans une Amérique qui ne laisse
plus trop de choix de vie. McConaughey
arrive à défendre un personnage presque
indéfendable. Bouseux à n’en plus
pouvoir, redneck jusqu’au bout de ses
cheveux gras, incapable d’élever son fils
correctement, et pourtant d’une terrible
humanité (actuellement en salles).
Sorry To Bother You
Rappeur de renom (pour les groupes
The Coup et Street Sweeper Social Club),
l’Américain Boots Riley aura mis des
années pour caser à Hollywood le
scénario de son “Sorry To Bother
You”, comédie totalement atypique et
politiquement plus qu’engagée. Un peu
comme du Spike Lee qui aurait viré Marx
Brothers. Pour finalement réaliser avec
trois petits millions de dollars ce projet
zinzin où un chômeur professionnel
devient un télévendeur de génie avant de
s’opposer aux dirigeants cyniques de son
entreprise. Malgré son humour parfois
un peu poussif (on n’est pas loin de Max
Pécas), le film fait pourtant passer son
message sociétal. Notamment à travers
sa révolte très gilets jaunes d’employés
lésés qui donne un constat alarmant sur
le statut des Afro-Américains condamnés
à rentrer dans le moule de la société
blanche s’ils veulent parvenir à leurs fins.
Et encore... Une façon de démontrer que
l’esclavagisme est toujours là, même s’il
se présente désormais sous une forme
moins frontale (en salles le 30 janvier).
Sorry To Bother You
FEVRIER 2019 R&F 103
 L’Ours Noir
Trop Belge Pour Toi
Pays surréaliste s’il en est (voir René
Magritte, Benoît Poelvoorde ou Bob et
Bobette), la Belgique fait forcément des
films un peu fous. Déjantés sur les bords,
mais avec un esprit toujours bon enfant.
Petit aperçu avec ce programme de cinq
courts métrages sympathiques. Si on ne
retiendra pas spécialement le légèrement
touchant “Thelma” dont le thème (un
couple d’homos garde un enfant en bas
âge) rappelle les travers du cinéma
français d’auteur lambda un peu coincé,
on s’amusera par contre sur “Le Plombier”
(doublage d’une séquence d’un film
porno par des acteurs à la ramasse),
“Kapitalistis” (un père Noël apporte des
jouets aux enfants riches et des pulls aux
enfants pauvres) et du délirant “Welkom”
(un homme tente d’obtenir un permis de
construire d’un poulailler pour son père
qui considère sa poule comme sa
femme !). Mais s’il en est un qu’il
faut retenir mordicus, c’est bien le
génial “L’Ours Noir” de Xavier Seron et
Meryl Fortunat-Rossi qui, parmi ses
40 récompenses internationales, a
obtenu le Magritte (les César belge)
du meilleur court métrage. Soit les
déambulations mortifères, gores et
cartoonesques de campeurs confrontés
à un ours dégingandé dans un parc
naturel. Quelque part, “L’Ours Noir”
synthétise parfaitement l’esprit de ce
qu’on appelle l’humour belge.
A savoir un sens non-calculé du grand
My Dinner With Hervé
104 R&F FEVRIER 2019
n’importe quoi érigé en œuvre
d’art brut. Magritte et Poelvoorde
devraient aimer. Bob et Bobette
aussi (en salles le 2 février).
My Dinner With Hervé
Hervé Villechaize aura été l’acteur nain
le plus populaire du monde. Juste pour
son rôle de bad guy teigneux dans
“L’Homme Au Pistolet D’Or”, huitième
James Bond de la série et, surtout,
comme assistant et faire-valoir de
Ricardo Montalban dans la série télé
culte des seventies “L’Ile Fantastique”.
Quelques mois avant son suicide à l’âge
de 50 ans, en 1993, Hervé Villechaize se
fait longuement interviewer sur sa vie
(ultra mouvementée) par un journaliste.
Suit entre les deux hommes une longue
amitié compliquée qui aboutit, juste
après la mort du comédien, à la
publication d’un livre drôle et touchant
où Villechaize s’épanche sans pudeur
sur ses frasques de nouveau riche (suite
à sa starisation) et son statut infernal
de soi-disant freak. Le journaliste et
réalisateur Sacha Gervasi (réputé pour
son rockumentaire sur Anvil), en fait ce
formidable téléfilm porté par l’abattage
de Peter Dinklage, autre acteur-nain
célèbre (Tyrion Lannister dans
“Game Of Thrones”) qui interprète
Villechaize avec toute la fureur, la
folie, l’émotion et la frustration que le
comédien a porté en lui toute sa vie
durant (en replay sur OCS City). ❏

Black Mirror :
Bandersnatch
En attendant mordicus la saison 5 de “Black
Mirror” — la meilleure série fantastique depuis
“La Quatrième Dimension” — Netflix, histoire de
faire patienter les milliers de fans transis à travers le
monde, a balancé en janvier un épisode hors norme...
interactif ! Dans lequel le spectateur a la possibilité
de choisir le déroulement de l’histoire. Cet épisode
spécial reprend la charte de la série. A savoir les
conséquences dramatiques, philosophiques,
métaphysiques et surtout nihilistes des méfaits
provoqués par les nouvelles technologies. Avec
désincarnation des sens, boucle temporelle infernale,
perte d’âme et conscience bafouée. Avec, aussi, une
ironie bien placée, “Black Mirror” tente de prouver
par A + B que la réalité virtuelle, les confins d’internet,
les ordinateurs trop perfectionnés et les robots dotés
d’intelligence artificielle viendront peut-être à bout
de la race humaine. Et plus vite qu’on ne le pense.
Chaque scénario étant digne des plus grands auteurs
de science-fiction comme Harlan Ellison, HG Wells ou
Philip K Dick qui, lui d’ailleurs, posait déjà en 1966 une
question existentielle avec son roman “Les Androïdes
Rêvent-Ils De Moutons Electriques ?” devenu “Blade
Runner” au cinéma 16 ans plus tard. Cet épisode à
part de “Black Mirror”, intitulé “Bandersnatch”, reste
donc dans le ton alarmiste et uchronique de la série.
Tout en jouant sur sa durée... qui n’existe pas
réellement ! Celle-ci pouvant varier suivant les
directions proposées au spectateur (à peu près)
toutes les cinq minutes. Au milieu des années 80, on
s’immisce dans le quotidien d’un jeune programmeur
censé adapter en jeu vidéo interactif un roman populaire
d’aventures. Mais, à force de travailler jour et nuit, le
geek finit par se perdre dans les dédales de sa propre
réalité qui finit, elle-même, par devenir interactive.
Série du mois PAR CHRISTOPHE LEMAIRE
Multiples mises en abyme
Et ce sous l’impulsion contrôlée du spectateur qui, Netflix intervient dans les choix pour un aparté
du coup, n’est pas loin de devenir Dieu ! Parmi les temporel méta !) qui, toute fascinantes qu’elles
premiers exemples d’interactivité, on doit choisir soient, finissent par devenir épuisantes pour les
quel vinyle le héros doit mettre sur sa platine. Soit méninges. Suite au succès de “Bandersnatch”,
“Phaedra”, cinquième album de Tangerine Dream, abondamment discuté et analysé sur les réseaux
soit “The Bermuda Triangle” d’Isao Tomita. Choix sociaux et les blogs, Netflix envisage de se lancer
cornélien qui amène notre programmeur à comprendre dans d’autres programmes interactifs. Quitte à ce
(ou pas ?) qu’il semble vivre et subir (ou pas ?) les que les séries — puis les films — arrivent dans
aléas du hasard. Et il en va ainsi tout au long de une nouvelle ère agrémentée, qui plus est, de réalité
l’épisode... Ce “Black Mirror” joue tellement avec le virtuelle. Mais une question se pose ici : est-ce que
spectateur que l’entreprise devient — pour notre plus tout cela tient encore de la fiction traditionnelle ?
grand plaisir masochiste — un véritable casse-tête. Car, à force d’interactivité, on pourrait, suivant son
A tel point que, pour éviter de s’enfoncer dans les bon vouloir, éviter que le Titanic coule, faire en sorte
différents embranchements, on peut aussi décider de que Rocky Balboa perde tous ses combats, qu’Indiana
laisser l’histoire se dérouler sans intervenir. Car pour Jones ne retrouve pas l’Arche d’alliance et que les sept
qui passerait son temps à tester les différents choix, nains connaissent enfin bibliquement Blanche Neige.
l’épisode durerait a priori pas loin de cinq heures ! Rêvons, rêvons... (en diffusion sur Netflix) ❏
De multiples mises en abyme (où même la plateforme
La Sentinelle
Des Maudits (Elephant Films)
Rarement cité parmi les grands classiques du cinéma d’épouvante des
seventies (“L’Exorciste”, “La Malédiction”, “Halloween”, “Suspiria”...),
“La Sentinelle Des Maudits” est pourtant tout aussi terrifiant. Peut-être
parce que cette adaptation sentie d’un best-seller (“The Sentinel” de
Jeffrey Konvitz) réalisée par Michael Winner (responsable de la saga
des “Justicier Dans La Ville” avec Charles Bronson) a eu le culot de dépasser les codes de la
bienséance lors d’une séquence traumatique. Celle où la porte des enfers, planquée en haut
d’un immeuble new-yorkais, s’ouvre pour laisser apparaître une galerie d’authentiques
monstres de foire. Aujourd’hui, aucun studio ne se risquerait probablement à produire ça !
FEVRIER 2019 R&F 105
DVD musique PAR JEROME SOLIGNY
Raconté par Johnny Depp
Collection Ciné Rock’n’soul
“THE STOOGES — GIMME DANGER”
“KURT COBAIN — MONTAGE OF HECK”
“SIXTO RODRIGUEZ — SUGAR MAN”
“THE DOORS — WHEN YOU’RE STRANGE”
“WOODSTOCK — THREE DAYS OF PEACE & MUSIC”
GM Editions
C’est Noël après l’heure. Les étrennes en somme. Mettre à l’honneur la collection
Rock’n’soul publiée à la Fnac par GM Editions titillait depuis longtemps, mais on
attendait le bon moment. A l’heure où d’autres prônent la décomposition du futur et,
ça va de pair, la dématérialisation, GM Editions persiste dans le physique et ajoute au
support DVD (ou Blu-ray dans le cas de “Woodstock”), non pas un livret de plouc,
mais un vrai bouquin : soixante-douze pages, cent quarante photos inédites. Ça cause.
Le tout servi dans un fourreau de beau carton épais préféré à ces immondes boîtiers
plastique qui mettent des siècles à se biodégrader et que les baleines épargnées par
les Japonais (et les Norvégiens et les Islandais, ces gens du nord qui donnent envie
d’habiter dans le Sud) se coincent en travers des fanons. Tous ces films musicaux
ont bien sûr été chroniqués, en leur temps, mais puisqu’il s’agit de bien
belles rééditions, c’est avec une joie non feinte qu’on en remet une couche.
Par ordre d’entrée dans l’alphabet,
“Gimme Danger” de 2016, est le
documentaire de Jim Jarmusch sur Iggy
et ses Stooges qui sont à la rédaction de ce
journal ce que les chalets sont à la Suisse. Ils
font partie du décor. Fan de base, Jarmusch
a fait le maximum avec les images live
qu’il a dégotées (on sait qu’il n’en existe
pas énormément de fameuses) et les
propos des intéressés sont pratiquement
aussi fondamentaux que la musique du
groupe. Meilleur parolier de sa génération
pour David Bowie, Iggy Pop est un conteur-né
et un raconteur roublard, qui sait mener les
conversations pour faire dire ce qu’il souhaite
à ses mots. Ceux qui, après avoir visionné
“Gimme Danger”, lui ont reproché de tirer
la couverture à lui sont des lâches qui
n’auraient jamais osé lui dire en face.
L’histoire de Kurt Cobain, répétons-le,
est celle de l’ultime grand ratage du rock.
Après lui et Nirvana, le déluge et la moindre
importance. Si Cobain avait vécu, sûr qu’il
en remonterait aux imitateurs qui se sont
vautrés dans ses cendres. Repéré par la
veuve Courtney Love grâce à un très bon
“Crossfire Hurricane” sur les Rolling Stones,
le réalisateur Brett Morgan a eu accès,
pour ce “Montage Of Heck”, à un paquet de
documents de famille et à des séquences live
en partie inédites. Olivier Cachin, l’éclectique,
met sa plume au service d’un complément
d’information non négligeable et livre, en
prime, une analyse de la discographie de
Cobain. A ce sujet, l’autre trésor de ce
documentaire de 2015 est sa BO constituée de démos enregistrées par l’artiste.
“Sugar Man” (“Searching For Sugar Man” pour les intimes) est une œuvre de
Malik Bendjelloul, un cinéaste suédois passé dans le ciel du film rock à la vitesse des
Quadrantides (né en 1977, mort en 2014), sur Sixto Diaz Rodriguez, dit Rodriguez.
Elle est traitée ici par l’ex-Inrocks Christophe Conte qui, tout le monde ne peut en
dire autant, a interviewé l’artiste. Eprouvant toutes les difficultés du monde à vivre
de son art (il a publié deux albums mythiques au début des années 70), ce singer-
songwriter américain de l’âge de Paul McCartney avait plus ou moins tiré un trait sur
sa carrière et vivait chichement à Detroit lorsqu’il a appris que, sur Internet, des fans
les traquaient, son folk rock de banlieue et lui. Plus dingue, alors que sa musique ne lui
rapportait plus un kopeck depuis des lustres, elle cartonnait en Afrique du Sud. Surfant
sur le buzz, Rodriguez est donc allé y jouer et a réamorcé, depuis, une pompe à succès
dont la chaleur devrait lui permettre de tenir, dignement, jusqu’à la fin de son temps.
106 R&F FEVRIER 2019
Ce n’est pas la première fois qu’un DVD de
“When You’re Strange”, le film sur les Doors
de Tom DiCillo, paraît avec des pages à lire
en sus. En 2011, les éditions Marque-Pages
l’avaient proposé, accolé au making-of du
premier 33 tours du groupe publié dans
la série Classic Albums, dans un coffret
contenant un petit bouquin. Ici, la rédaction
de la story Doors a été confiée à Sylvain Fanet.
Tous les fans de Jim Morrison crient sur les
toits de tôle ondulée depuis 2009 que “When
You’re Strange” est tout ce que “The Doors”,
le biopic d’Oliver Stone de 1991, n’est pas.
C’est assez crétin : de nature différente, ils
ne sont absolument pas comparables.
A défaut d’être totalement conforme à la vérité,
“When You’re Strange”, raconté par Johnny
Depp, a au moins eu le mérite d’être plus
proche du portrait de Morrison que Ray Manzarek et Robby Krieger voulaient voir brossé.
Mais le clou du spectacle est “Woodstock” ! Le film de Michael Wadleigh sur
le festival des festivals, “trois jours de paix et de musique” pouvait-on lire sur
l’affiche de Arnold Skolnick... En vérité, un fiasco financier monumental et pas
forcément la manifestation la plus réussie sur le plan purement musical (“Wight,
clament certains survivants, c’était autre chose !”). Enormément d’encre a été
versée à ce dossier depuis que Michael Lang et ses potes, pas si cool et qui
l’auraient eu dans le baba si l’exploitation du film et de sa BO ne leur avait pas
sauvé la mise, ont fait venir la crème des musiciens pop de l’époque sur un terrain
de Bethel (à cent bornes de Woodstock !) appartenant aux Asgur. Michka Assayas,
ex-collaborateur de ce journal qui est parvenu à faire du rock un dictionnaire,
revient par le détail et l’analyse sur ce qu’on sait de la saga et propose en prime
une discographie psyché signalétique. Entre le refus préalable de Dylan d’en être,
la non-présence de Creedence Clearwater Revival — pourtant utilisé comme
carotte pour appâter les autres — dans le film, la mise en orbite de Ten Years After,
la contribution de Crosby, Stills, Nash & Young qui, dans la BO, ne vient pas de
Woodstock, Richie Havens poussant l’inspiration à son paroxysme et Joe Cocker,
Janis Joplin et Jimi Hendrix, impériaux malgré le décalquage très apparent, il y a
effectivement de quoi écrire. Pour étoffer la célébration (un demi-siècle, déjà)
de ce pinacle des sixties qui en a aussi
marqué la fin, le livre grand format 168 pages
abrite deux Blu-ray : le premier est celui
du film dans sa version longue remasterisée
et l’autre est consacré à des performances
et documentaires exclusifs. C’est à ce
jour et de loin, l’édition la plus complète
de “Woodstock” (en association avec
Carlotta qui se démène aussi pour faire
de belles choses au rayon cinéma),
et c’est français nom d’une pipe. ★
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Bande dessinée PAR GEANT VERT

Dessinateur vegan
Emilie Plateau est une jeune dessinatrice qui sait appeler un chat par son prénom. Ainsi,
son style épuré et entièrement centré sur l’action était parfait pour mettre en petites cases
“Noire — La Vie Méconnue De Claudette Colvin” (Dargaud), une BD
documentaire réalisée à partir du livre de Tania de Montaigne publié par Grasset dans le
cadre d’une série consacrée aux femmes ayant fait l’histoire mais que cette dernière n’a pas
retenue. L’affaire commence en 1955, Claudette a 15 ans et vit à Montgomery, en Alabama.
Un jour, dans un bus, elle refuse de céder sa place à une personne blanche. Face à un tel
acte d’insubordination, elle est jetée en prison. En clamant son innocence, Claudette vient
de bouleverser l’ordre des choses dans la lutte pour les droits civiques. Après le récent
mouvement Black Lives Matter, cette histoire forte sur une héroïne injustement oubliée
sera la piqûre de rappel obligatoire face aux sempiternels retours des racistes de tout poil.

Aux amateurs de sagas américaines, ce “Agata — Tome 1 : Le Syndicat

Du Crime” (Glénat) réalisé par Olivier Berlion est recommandé. A travers l’histoire
d’une jeune immigrée polonaise de dix-neuf ans, l’auteur
reconstitue avec minutie le Chicago de Lucky Luciano
dans une histoire où les rêves les plus fous ont toutes les
chances de se réaliser avant de se terminer en drame.
Avant de débarquer à Ellis Island, point de départ obligé
pour toute nouvelle vie en Amérique, Agata a dû fuir la
police polonaise venue l’arrêter pour avoir avorté. Après
des retrouvailles avec son oncle, elle fait la connaissance
de Pete, son neveu, qui ne se sépare jamais de son banjo.
C’est le début d’une fresque incroyable où seules les
personnes les plus aguerries survivront, le tout en
pleine naissance du swing. Album ambitieux, ce premier
tome démarre fort en offrant une belle palette de
personnages attachants et crédibles. A suivre.

Joost Swarte ne respecte aucune convention depuis

qu’il a créé la ligne claire en même temps qu’il
participait activement à l’explosion punk de 1977
depuis sa planche à dessins. En 1982, le dessinateur
néerlandais lance la série “Passi, Messa !” qui
répond à un concept humoristique simple : un gag
composé de deux dessins qui se répondent de la
manière la plus surréaliste possible : le Passi et le
Messa. Si le premier expose un problème, le deuxième y apporte
une solution qui n’est pas forcément celle qui viendrait spontanément à un
esprit sensé. Ainsi, afin de venir en aide aux photographes de presse qui
peuvent, quelquefois, rater une photo, l’auteur propose une solution géniale,
quoique risquée, pour convaincre le rédacteur en chef de publier en priorité
ses clichés. Initialement parue chez Futuropolis entre 1982 et 1989,
la série est ici intégralement republiée par Dargaud, avec son
mythique cinquième volume, jusqu’alors inédit en France.

Avec “Le Blues De Sluggy — La Salsa Du Ver De Terre”

(Solo Moon), le dessinateur vegan Etienne M propose de faire partager ses
rêves d’un monde sans viande sur un fond musical tirant vers un blues façon
Nino Ferrer. Au fil des pages, Etienne M plaide pour un monde où les humains
et les animaux seraient égaux, tout en vivant dans la nature loin des villes et
de la pollution. Même si le concept a été longtemps popularisé par les hippies
du siècle dernier, cette BD innove avec des recettes culinaires nettement
plus appétissantes que les bassines de riz complet qui étaient de mise à
l’époque de Woodstock et de la contestation contre la guerre du Vietnam. ❏

Le gros plan du Géant

Alors que l’Hexagone s’agite de manière colorée, Archives
De La Zone Mondiale en remet une couche avec “Rage
Dedans”, anthologie énervée qui relate par le menu
quarante années de sociologie dessinée et réalisée par
Laul, le graphiste punk qui a longtemps œuvré auprès de
Bérurier Noir, Lucrate Milk et moult groupes engagés du
monde alternatif apparu au cours des années 80 comme
les Endimanchés et Ludwig Von 88. Héritier direct de
Bazooka, Willem et Hara-Kiri, Laul promène ses feutres de
squat en squat afin de croquer une époque en mal de vivre
mais pas en manque d’images. Au fil des 220 dessins de ce
recueil bien fait, le lecteur suivra l’évolution de ce réalisateur
de visuels chocs qui sont depuis longtemps rentrés dans
l’histoire à travers des pochettes d’albums aussi importantes
que celles réalisées par Jamie Reid pour les Sex Pistols ou Guy
Peellaert pour David Bowie, les Rolling Stones et Guy Béart.

108 R&F FEVRIER 2019

 Que Jah guide votre lecture
Emmanuel Le Magnifique
PATRICK RAMBAUD
Grasset
Plus de dix ans maintenant que Patrick Rambaud
se lança dans la saint-simonienne tâche de rendre
compte de la vie politique française et de ses acteurs
avec clairvoyance et minutie. Ingrate tâche pourraient
croire les (é)lecteurs que nous sommes tant cette vie
politique nous semble, à la subir, une machine tordue
et dysfonctionnelle dont la bassesse et l’étroitesse de
vue n’est surpassée que par sa propre inefficacité et
son manque d’ambition et d’humanité. Commencées
en l’an I du règne de Nicolas 1er, en 2007, ces annales,
maintenant au nombre de neuf, couvrent ces lustres
en obéissant heureusement aux mêmes principes
d’exhaustivité factuelle et d’hilarant persiflage.
“Emmanuel Le Magnifique” relate donc, vous l’aurez
compris, la première année du quinquennat de
Macron qui, on le devine vite, ne saura pas plus que
son prédécesseur, François Le Petit, guérir l’auteur
de cette déprime citoyenne tenace qui le saisit à
l’élection de Sarkozy et déclencha l’écriture de
cette série. Casseroles, calculs, coups en douce,
machiavélisme à deux balles, orgueils démesurés,
TOP 5
LIVRES MUSIQUE
(source Gibert Joseph)
01 “Rock : Ma Vie Est Un Roman”
PHILIPPE MANŒUVRE (Harper Collins)
02 “Led Zeppelin : La Totale”
GUESDON & MARGOTIN (Hachette)
03 “Dylan Par Dylan : Interviews 1962-
2004” BOB DYLAN (Seuil)
04 “Paul McCartney”
PHILIP NORMAN (Seuil)
05 “Michael Jackson : La Totale...”
LECOCQ & ALLARD (Hachette)
artifices, manœuvres et affaires se suivent et se
ressemblent avec une consternante constance mais sont
ici l’aubaine du mémorialiste et forment sous sa plume
une ridicule, terrifiante et bidonnante leçon d’affaires
publiques. Comme pour les volumes précédents, la
pensée des livres à venir est devenue, toute l’année
la lecture des pathétiques gesticulations de notre élite
politique — entre nous, on fonde beaucoup d’espoir sur
le traitement prochain de l’affaire Benalla — une des
rares satisfactions que le désastre général nous inspire
encore, ne boudez donc pas ce plaisir de gourmet.
So Much Things To Say
ROGER STEFFENS
Robert Laffont
Plus le temps passera et plus il sera difficile de
comprendre le phénomène exceptionnel que fut
Bob Marley. Jamais sans doute, un artiste n’a incarné
autant, à lui seul, un genre musical, genre dont il
fut non seulement le plus célèbre interprète mais,
aussi, l’incarnation quasi sacrée de l’idéologie religieuse
que le reggae promouvait. “So Much Things To Say,
L’Histoire Orale De Bob Marley” par Roger Steffens ne
fait pas mentir son titre et cette complexe compilation
d’interviews et déclarations faites par l’entourage de
Marley, épaisse de plus de 500 pages, restitue en effet
fidèlement l’histoire et l’univers de la légende
disparue au trop jeune âge de 37 ans. Steffens est peut-
être le journaliste qui connaît le mieux le reggae et les
musiciens qui l’inventèrent et le firent connaître depuis
ses origines et c’est fort de cette immense expérience
et de ses centaines d’interviews et témoignages qu’il
a choisi, coupé, collé ces déclarations pour en faire
une histoire cohérente et complète. Complète, certes,
cohérente, pas toujours pour le lecteur qui ne connaît pas
son panthéon jamaïcain par cœur et peut avoir du mal,
au départ, à s’accrocher aux longs échanges et à y
discerner la trame des évènements fondateurs de la vie
alors misérable du jeune Bob Marley avant les succès
énormes et la célébrité mondiale. Impossible pourtant de
ne pas être frappé par le mystère qui finalement entoure
toujours Bob Marley, ses motivations profondes et son
caractère farouche mais la dévotion presque religieuse
qu’il inspirait et inspire encore est réellement unique et
bien au-delà du rationnel. Si Haïlé Sélassié fut le messie
des rastas, Bob Marley en fut bien le plus grand prophète
Livres PAR AGNES LEGLISE
et ce livre-ci, cette histoire orale-là, sont donc
ses évangiles. Que saint Bob vous aide à trouver,
sur YouTube ou Spotify, les nombreux titres
évoqués dans le livre et que Jah guide votre lecture.
Positively 4th Street
DAVID HAJDU
Sonatine Editions
Indiscutablement, en nous racontant ainsi entremêlées,
les vies de Bob Dylan, de Joan Baez, de Mimi Fariña-
Baez, sa sœur et de Richard Fariña, mari de Mimi,
quatre musiciens plus ou moins cruciaux à une époque
cruciale de la culture américaine, David Hajdu dans son
“Positively 4th Street, Les Vies De Joan Baez, Bob
Dylan, Mimi Baez Fariña Et Richard Fariña” prend
le risque calculé de désorienter d’abord d’éventuels
lecteurs qui ne connaissent ni Mimi Fariña ni son mari
mais qui découvriront vite que les sœurs Baez et Richard
Fariña méritent amplement leurs places égales dans la
narration. Hajdu raconte non seulement l’éclosion et les
succès des quatre artistes mais reconstitue ainsi joliment
tout ce petit monde du folk des années 60, dans les
salles de Greenwich Village ou à Monterey, et reconstitue
parfaitement les contextes culturels et sociaux qui
expliquent la fabuleuse trajectoire qui fit d’un gamin
du Minnesota, la plus grande star de folk avant de faire
exploser le binz en devenant électrique et de son ex-
copine, la plus grande protest singer de son temps.
Malgré tout, Mimi et Richard Fariña sont peut-être les
vraies révélations de ce livre, peu connus eux-mêmes,
voire oubliés, ils n’ont jamais été aussi mis en valeur
et cet hommage mérité est un des charmes du livre.
Pas sûr, en revanche, que les fans hardcore de Dylan
apprécieront sereinement l’éclairage objectif de Hajdu qui
n’essaie jamais d’effacer les côtés déplaisants du parfois
monstre, ni ne le met sur un piédestal comme son statut
exceptionnel nous y a habitué. Etonnamment, ou pas,
ce sont deux accidents de motos presque simultanés
qui ont bouleversé leur donne, mis fin à leur aventure
commune et fait de l’un un mythe et de l’autre un
aimable fantôme du passé. Au moment de sa mort,
Richard Fariña, ami de Pynchon, projetait d’écrire un livre
sur ses aventures avec Dylan et les merveilleuses sœurs
Baez et le texte de Hajdu est la preuve que ce sujet
ultra romanesque méritait absolument d’être écrit. ❏
FEVRIER 2019 R&F 109

TOP15
VINYLES
DECEMBRE 2018
01 JOHNNY HALLYDAY
“Mon Pays C’Est L’Amour”
Warner
02 QUEEN
“Greatest Hits II” Universal
03 QUEEN
“Greatest Hits” Universal
04 AMY WINEHOUSE
“Back To Black” Universal
05 THE BEATLES
“White Album” Universal
06 LADY GAGA &
BRADLEY COOPER
“Soundtrack : A Star Is Born”
Interscope
07 DAFT PUNK
“Random Access Memories”
Sony Music
08 MUSE
“Simulation Theory” Warner
09 ALAIN BASHUNG
“En Amont” Barclay
10 MICHAEL JACKSON
“Thriller” Sony Music
11 PINK FLOYD
“Dark Side Of The Moon”
Warner
12 NIRVANA
“Nevermind” Universal
13 ALAIN BASHUNG
“Bleu Petrol” Universal
14 RAGE AGAINST
THE MACHINE
“Rage Against The Machine”
Sony Music
15 EDDY DE PRETTO
“Cure” Universal
110 R&F FEVRIER 2019
Agenda concerts
Paris
JANVIER
20 JANVIER
Brainstorm (Petit Bain) ● Elyose (Boule Noire)
● Adrienne Lenker et Squirrel
Flower (Maroquinerie)
21 JANVIER
Chupa Cabra, Hoorses et Entropie
(Supersonic) ● Lulu (Café de la Danse)
● Overdoz (Maroquinerie) ● This Wild
Life et William Ryan Key (Backstage)
22 JANVIER
Behemoth (Bataclan) ● The Darwin
Experience, Silly Boy Blue, Nelson
Beer et Sun (Centre Fleury Goutte d’Or)
● Glintshaje et Pale Blue Dot (Supersonic)
● Ben Howard (Grand Rex) ● Adam
Naas (Café de la Danse) ● Terrorizer et
Skeletal Remains (Backstage) ● Uriah
Heep (Cigale) ● Mike Yung (Les Etoiles)
23 JANVIER
● Durand Jones And The Indications
(Maroquinerie) ● John Garcia & The Band Of
Gold (Trabendo) ● Haelos (Badaboum) ● Pi
Ja Ma (Maroquinerie) ● Refuge, Joko, Johan
Papaconstantinos et Mauvais Oeil (Centre
Fleury Goutte d’Or) ● Snow Patrol (Zénith)
● Joe Wedin & Jean Felzine (Supersonic)
24 JANVIER
Hugo Barriol (Maroquinerie) ● The
Casualties, Disturbance, Listix et Stateless
(Gibus) ● Feu! Chatterton (Zénith) ● JS
Ondara (Point Ephémère) ● Fred Pallem & Le
Sacre du Tympan (Gaîté Lyrique) ● Pumpkin
& Vin’s Da Cuero (Boule Noire) ● Amy Shark
(Badaboum) ● Years & Years (Salle Pleyel)
25 JANVIER
Belako (Badaboum) ● Martial Canterel et
Poison Point (Petit Bain) ● The Dandy
Warhols et Juniore (Olympia) ● The
Disruptives (Café de la Danse) ● Les
Hurlements D’Léo et Dubioza Kolektiv
(Cigale) ● The Japanese House (Olympic
Café) ● Kakkmaddafakka (Bellevilloise)
● Left Boy (Maroquinerie) ● Legends Of
Rock (Palais des Sports) ● Mall Grab (Yoyo)
● Natural Mighty, Anoraak, Minitel Rose et
Maethelvin (Boule Noire) ● Odesza (Zénith)
● Léonie Pernet (Gaîté Lyrique) ● La Secte
Du Futur, Shiny, Darkly et Offermose
(Supersonic) ● Youngr (Nouveau Casino)
Prévisions Paris ///////////////////////////
M : 21 et 22/2 (Cirque d’Hiver Bouglione, complets), Nils Frahm : 22 au 24/2 (Trianon, complets), Slash ft Myles Kennedy & The Conspirators :
22/2 (Zénith), Neneh Cherry : 28/2 (Trianon), The Lemon Twigs : 4/3 (Cigale), Twenty-One Pilots : 11/3 (Bercy, complet), White Lies : 19/3
(Trabendo), The Young Gods : 22/3 (Maroquinerie, Le Butcherettes : 3/4 (Point Ephémère), Dead Can Dance : 10 et 11/5 (Grand Rex),
Metallica, Ghost et Bokassa : 12/5 (Stade de France, complet), Archive : 16/5 (La Seine musicale), Alice In Chains et Black Rebel
Motorcycle Club : 28/5 (Olympia), Rammstein : 13/9 (Paris La Défense)
PAR MARC LEGENDRE
26 JANVIER
Bad Suns (Les Etoiles) ● Chloé (Elysée
Montmartre) ● Cake (Salle Pleyel) ● The
Disruptives (Café de la Danse) ● Don Broco
(Maroquinerie) ● Seth Gueko (Olympia)
● Pional et Fort Romeau (Badaboum)
27 JANVIER
Architects, Beartooth et Polaris (Olympia)
● Hollie Cook (La Machine du Moulin Rouge)
● Judas Priest (Zénith) ● Neil & Liam
Finn (Café de la Danse)
28 JANVIER
Basement (Maroquinerie) ● Ivar Bjornson et
Einar Selvik (La Machine du Moulin Rouge)
● Grave Digger et Burning Witches (Petit
Bain) ● Slothrust (Pop Up du Label) ● We Are
The City, Timing et Turquoise (Supersonic)
29 JANVIER
Dominique A (Salle Pleyel) ● Draconian,
Harakiri For The Sky et Sojourner (Petit
Bain) ● L’Impératrice (Olympia)
● Poolside (Point Ephémère)
30 JANVIER
A-vox (1999) ● Anna Calvi (Salle Pleyel)
● BC Camplight et Sheitan & The Pussy
Magnets (Supersonic) ● Boney Fields (Jazz
Café Montparnasse) ● L’Impératrice (Olympia)
31 JANVIER
Go! Zilla, Siz et Deaf Parade (Supersonic)
● Kadebostany (Maroquinerie) ● Pogo Car
Crash Control (Petit Bain) ● Rotterdames
(Boule Noire)
FEVRIER
1er FEVRIER
Cloud Nothings (Point Ephémère) ● Dilly
Dally et Chastity (Olympic Café) ● Frent et
Oscil (Dame de Canton) ● Manu Katché (Café
de la Danse) ● Les Négresses Vertes
(Olympia) ● While She Sleeps, Stray From
The Path et Landmvrks (Trabendo)
2 FEVRIER
Stephan Eicher & Traktorestar (Grand Rex)
● Her (Zénith) ● Kanka et RDH Hifi
(Trabendo) ● Razorlight (Bataclan) ● The
Residents (Gaîté Lyrique) ● Rudimental
(Elysée Montmartre) ● Sniper (Olympia)
● The Teskey Brothers (Pop Up du Label)
● Zanias (Petit Bain)
3 FEVRIER
Joan Baez (Olympia) ● Muddy Gurdy,
Ann O’Aro et JB Bimeni (Maroquinerie)
● Hoobastank (Trabendo)
4 FEVRIER
Angelic Upstarts et Wunderbach (Gibus)
● Joe Bell (Les Etoiles) ● Bumcello
(Maroquinerie) ● Chelsea Cutler (Pop Up du
Label) ● Parkway Drive (Olympia) ● Alan
Stivell (Cigale) ● Ian Sweet (Supersonic)
5 FEVRIER
Joan Baez (Olympia) ● Pi Ja Ma
(Maroquinerie) ● The Wombats (Trabendo)
6 FEVRIER
Amorphis et Soilwork (Cabaret Sauvage)
● Joan Baez (Olympia) ● Citrus Sun (with
Bluey Of Incognito) (New Morning) ● Hot 8
Brass Band (Gaîté Lyrique) ● Hubert Lenoir
(Boule Noire) ● Gilbert O’Sullivan (Cigale)
● Brendan Perry (Petit Bain) ● Swearin’
et Bitpart (Point Ephémère) ● Toundra
(Backstage) ● You Me At Six (Maroquinerie)
7 FEVRIER
Bel-Air et Draumr (La Dame de Canton)
● Gus Dapperton (Maroquinerie)
● Ghost (Zénith) ● Kimberose (Olympia)
● Montevideo (Point Ephémère) ● Necros
Christos, Ascension et Venenum
(Backstage) ● Noyade, Tomaga, Jozef
Van Wisse et La Jungle (Petit Bain)
● Jerry Paper (Pop Up du Label) ● Ross
From Friends (Bellevilloise) ● Stensy (Boule
Noire) ● VNV Nation (Trabendo)
8 FEVRIER
Blood Red Shoes (Point Ephémère)
● Jacob Collier (Cigale) ● FKJ (Olympia)
● Good Charlotte (Zénith) ● M (Cirque
d’Hiver Bouglione, complet) ● Le Vibrazioni
(Boule Noire)
9 FEVRIER
Dead Bones Bunny, Funny Ugly Cute
Karma et Not Bad (Boule Noire) ● The
Inspector Cluzo (Cigale) ● Matoma
(Maroquinerie) ● Obscura, Fallujah,
Allegaeon et First Fragment (Trabendo)
● Rival Son (Bataclan) ● Kevin Krauter
(Supersonic)
10 FEVRIER
Halo Maud, Rover et Djoudi (Café de
la Danse) ● Therapy? (Maroquinerie)
11 FEVRIER
Cannibale et Cyril Cyril (Maroquinerie) ●
Dodie (Trabendo) ● Odetta Hartman (Pop Up
du Label) ● Massive Attack (Zénith, complet)
● Mothers (Supersonic) ● The Revolution
(Cigale) ● The Streets (Olympia)
12 FEVRIER
Joan Baez (Olympia) ● Ghostemane (La
Machine du Moulin Rouge) ● M (Cirque d’Hiver
Bouglione, complet) ● Massive Attack
(Zénith, complet) ● Palaye Royale (Point
Ephémère) ● Quinn XCII (Nouveau Casino)
● Kodie Shane (Bellevilloise)
13 FEVRIER
The Angelcy (Studio de l’Ermitage) ● Joan
Baez (Olympia) ● Matt Corby (Maroquinerie)
● Laake, P Bastien & P Dupuy IRM (Petit
Bain) ● M (Cirque d’Hiver Bouglione, complet)
● Mastodon, Kvelertak et Mutoid Man
(Casino de Paris) ● Octavian (Badaboum)
14 FEVRIER
Amine (Trabendo) ● Ceux Qui Marchent
Debout (Café de la Danse) ● De Staat
(Maroquinerie) ● M (Cirque d’Hiver Bouglione,
complet) ● Night Beats et Calvin
Love (Petit Bain)
15 FEVRIER
Crocodiles et Eut (Point Ephémère)
● Thomas Dybdahl (Café de la Danse)
● Island (1999) ● Paddy Keenan et Ulaid
(Pan Piper) ● Peter Kernel et Totorro &
Friends (Petit Bain) ● Louis The Child
(Maroquinerie) ● M (Cirque d’Hiver Bouglione,
complet) ● Bob Moses (Trabendo) ● The
Paper Kites (Boule Noire) ● Jay Rock (Elysée
Montmartre) ● Steel Panther (Bataclan)
● Surfbort (Supersonic) ● Tender (Olympic
Café) ● Worakls (Olympia)
16 FEVRIER
Arat Kilo et Nubiyan Twist (Trianon) ● Jade
Bird (Pop Up du Label) ● Easy Life et Myss
Keta (Petit Bain) ● Fabulous Sheep (Boule
Noire) ● Steve Mason (Badaboum) ● No
Flipe (New Morning) ● Ramon Pipin (Café de
la Danse) ● Joanne Shaw Taylor (Cigale)
17 FEVRIER
The Black Madonna (Cabaret Sauvage)
● Missie Kako (Les Etoiles) ● Ramon
Pipin (Café de la Danse)
18 FEVRIER
Hayley Kiyoko (Olympia) ● Lost Under
Heaven (Backstage) ● Lulu (Café de la Danse)
● Yak, The Schizophonics et Howlin’
Jaws (Maroquinerie)
19 FEVRIER
Bruit Noir et Red (Point Ephémère)
● Cedric Burnside et Handsome Jack
(Maroquinerie) ● Earthgang (La Place) ● The
Faim (Les Etoiles) ● M (Cirque d’Hiver
Bouglione, complet)
20 FEVRIER
Half Alive (Boule Noire) ● M (Cirque d’Hiver
Bouglione, complet) ● Odette (Pop Up du
Label) ● Pip Blom (Supersonic) ● Pop
Evil (Trabendo) ● Skald (Cigale)
● Wild Nothing (Maroquinerie)
Province
JANVIER
Agar Agar : 25, Ramonville (Bikini) ● 26,
Biarritz (Atabal, avec Lee Ann) ● 31, Clermont-
Ferrand (Coopé) ● BC Camplight : 31, Caen
(Cargo) ● Anna Calvi : 25, Nancy (Autre
Canal) ● 26, Nîmes (Paloma) ● 27, Toulouse
(Métronum) ● 29, Cenon (Le Rocher de Palmer)
● 31, Reims (Cartonnerie) ● The Casualties
et Rats Don’t Sink : 22, St-Jean-de-Védas
(Secret Place) ● Delgres : 24, Angers
(Chabada, avec Jumai) ● 25, St-Germain-en-
Laye (La Clef, avec Moonlight Benjamin)
● 26, Mérignac (Krakatoa, avec Blackbird Hill)
● 27, Pau (Théâtre St-Louis) ● 31, Hérouville-
St-Clair (BBC) ● Grave Digger : 31,
Villeurbanne (CCO) ● Halo Maud et Inuit : 24,
Brest (Carène) ● Peter Hook & The Light :
21, Clermont-Ferrand (Coopé) ● 22, Ramonville
(Bikini) ● 23, Bordeaux (salle des fêtes du Grand
Parc) ● L’Impératrice : 25, La Rochelle
(Sirène) ● 26, Cenon (Le Rocher de Palmer)
● In Volt et Laura Cox : 19, Rambouillet
(Usine à Chapeaux) ● Lysistrata : 23, Limoges
(El Doggo) ● 24, St-Ouen (Mofo) ● 25, Vendôme
(Fabrique du Docteur Faton) ● 26, Fumel
(Pavillon) ● 27, St-Macaire (Belle Lurette)
● Namdose : 31, Toulouse (Métronum)
● Ann O’Aro, JP Bomeni et Muddy Gurdy :
31, La Rochelle (Sirène) ● Pitbulls In The
Nursery, Exocrine, Ceild et Geostygma :
20, St-Jean-de-Védas (Secret Place)
● Rendez-Vous et Maestro : 25, Sannois
(EMB) ● Shakin’ Street : 21, Toulouse
(Métronum) ● 22, Bordeaux (Le Salem)
● 23, Orléans (Blue Devils) ● 24, Rennes
(Mondo Bizzaro) ● 25, Concarneau (La Chap’L)
FEVRIER
Agar Agar : 1er, Nîmes (Paloma) ● 2, Toulon
(Omega Live) ● 7, Lausanne (CH, Dock) ● 8,
Annecy (Brise-Glace, avec Théodora) ● 9, Lyon
(Transbordeur) ● 15, St-Germain-en-Laye (La
Clef avec Otzeki et Toood) ● 16, Magny-le-
Hongre (File 7, avec Léonie Pernet) ● Angelic
Upstarts : 13, Marseille (Molotov) ● 17,
St-Jean-de-Védas (Secret Place) ● Joan
Baez : 15, Strasbourg (Palais de la Musique
et des Congrès) ● Beatman Batkovic &
Double Bass Experiment et Ann O’Aro : 7,
Mulhouse (temple St-Etienne) ● Bodega : 8,
Besançon (Antonnoir) ● 9, Belfort (Poudrière) ●
10, Dijon (Consortium, avec Fontaines DC et
Black Midi) ● Cedric Burnside et Handsome
Jack : 20, Rouen (106) ● 21, St-Avé (Echonova)
● 22, Joué-lès-Tours (Le Temps Machine) ● 23,
La Rochelle (Sirène) ● Anne Calvi : 8,
Audincourt (Moloco, avec Delgres) ● 9, Besançon
(Centre Dramatique National) ● 13, Genève (CH,
Alhambra) ● Paul Collins Beat et Pogy et les
Kefars : 23, St-Jean-de-Védas (Secret Place)
● Laura Cox : 2, Pagney-Derrière-Barine (Chez
Paulette) ● 22, Verviers (B, Spirit Of 66) ● Gus
Dapperton : 6, Lyon (Transbordeur) ● 8,
Audincourt (Moloco, avec Delgres) ● 9, Mulhouse
(Noumatrouff, avec Flavien Berger) ● 11,
Bordeaux (I.Boat) ● 23, Tourcoing (théâtre de
l’Idéal) ● Delgres : 2, Evreux (Tangram) ● 3,
Oignies (Métaphone 9/9 Bis, avec Vaudou Game)
● 7, Besançon (salle Proudhon) ● 8, Audincourt
(Moloco) ● 9, Dijon (Vapeur, avec Vaudou Game,
Ammar 808 et Ann O’Aro) ● 13, La Rochelle
(Sirène) ● 14, St-Martin-des-Champs (Le
Roudour) ● 15, Brest (Cabaret Vauban) ● 16,
Plescop (complexe sportif) ● Fontaines DC : 7,
Besançon (Passagers du Zinc, avec Death Valley
Girls) ● 10, Dijon (Consortium, avec Bodega et
Black Midi) ● Michale Graves : 6, St-Jean-de-
Védas (Secret Place) ● Interzone : 1er, Rilleux-
la-Pape (O Totem) ● 2, Pont-du-Château
(Caméléon) ● 8, Mordelles (Antichambre) ● 19,
Vitry-sur-Seine (festival) ● Kanka, Glao et
Raavini : 9, St-Nazaire (VIP) ● Manu Katché :
2, Mandelieu-la-Napoule (espace Leonard-de-
Vinci) ● 15, Sarlat (centre culturel) ● Hubert
Lenoir, Bodega et Mnnqns : 9, Belfort
(Poudrière) ● Namdose : 1er, Tyrosse (Pôle Sud)
● 2, Agen (Florida) ● 9, Creil (Grange à Musique)
● Ann O’Aro, JP Bomeni et Muddy Gurdy :
1er, Cenon (Le Rocher de Palmer) ● 2, Rouen
(106) ● 5, Nantes (Stéréolux) ● 6, Orléans
(Astrolabe) ● Odezenne : 7, Le Mans (Oasis)
● 8, Genève (CH, Antigel) ● 8, Besançon
(Génériq) ● 14, Pau (espace James-Chambaut)
● 15, Biarritz (Atabal) ● 16, La Rochelle (Sirène)
● 21, Clermont-Ferrand (Coopé) ● 22, Perpignan
(El Mediator) ● 23, Montauban (Rio Grande) ● 28,
Hérouville-St-Clair (BBC) ● Brendan Perry : 1er,
La Souterraine (centre culturel Yves-Furet) ● 2,
Toulouse (Métronum) ● 5, Strasbourg (Laiterie)
● 8, Duclair (Théâtre En Seine) ● 9, Guyancourt
(Batterie) ● 10, Besançon (Antonnoir) ● 12,
Marseille (Espace Julien) ● 13, Lyon (Ninkasi
Kao) ● 15, Nantes (Stéréolux) ● 16, St-Laurent-
de-Neste (Maison du Savoir) ● 19, Clermond-
Ferrand (Coopé) ● 20, Mérignac (Krakatoa, avec
Queen Of The Meadow) ● 22, Brest (Carène)
● 23, Cergy (Visages du Monde) ● 24, Hérouville-
St-Clair (BBC) ● 27, Liège (B, Réflextor) ● The
Psychotic Monks, Cyril Cyril et The Slow
Sliders : 7, Angers (Chabada) ● Rendez-
Vous : 13, Lyon (Transbordeur) ● 14, Montpellier
(Rockstore) ● 21, Audincourt (Moloco) ● 23,
Annecy (Brise-Glace) ● 28, Lille (Aéronef, avec
Boy Harsher et Kontravoid (Cameron Findlay)
● Joanne Shaw Taylor : 17, Ris-Orangis (Plan)
● 19, Lyon (Transbordeur) ● Slapshot : 14, St-
Jean-de-Védas (Secret Place) ● Sniper : 9,
Abbeville (théâtre municipal) ● Venus Lips : 1er,
St-Jean-de-Védas (Secret Place) ● We Insist! :
15, Lorient (Galion) ● 16, Quimper (Novomax)
● Worakls : 22, Caen (Cargo) ● 23, Brest
(Carène) ● 28, Marseille (Silo) ● Yak, The
Schizophonics et Howlin’ Jaws : 19, Rouen
(106) ● 20, Clermont-Ferrand (Coopé) ● 21,
Dijon (Vapeur) ● 22, Nancy (Autre Canal)
Les dates de concerts pour la période 20/ 02/ 2019 au 30/ 03/ 2019 qui ne seront pas
parvenues au journal le 20/ 01/ 2019 au plus tard ne pourront être publiées. Il est préférable de
porter la mention “Concerts” sur l’enveloppe de votre envoi. Merci. L’ensemble des dates et des
lieux indiqués l’est sous réserve de changements ultérieurs. Il est préférable de s’informer dans la
presse locale ou auprès des organisateurs des changements éventuels de programmation
Festivals
■ Festival Du Schmoul : 25 et 26/1, Bain
de Bretagne (avec – le 25 : General Elektriks,
Lane, The Bloyet Brothers & Lourychords,
Clara Luciani, Tankus The Henge, Les
Kitschenette’s et Snow) – le 26 : Gil Joggings
& Ton’s, Ministère Magouille, Vaudou
Game, Forever Pavot, Deafbrood et Go ! Zilla)
schmoulbrouk.com
■ Roue Waroch : 15 au 17/2, Plescop
(complexe sportif, avec – le 15 : Leo Correa of
Forro Bacana – le 16 : Delgres, Mayra Andrade,
Cyril Atef, Fleuves, Sylvain Girault, War-Sav,
Starijenn, Little Big Noz et Mathieu Hamon
– le 17 : Rozenn Talec, Hyacinthe Le Henaff,
Yannick Noguet, Tristan Gloaguen et duo
Landat Moisson) www.roue-waroch.fr
■ Congrès Tricatel : 2 et 3/2, Cannes
(espace Miramar, avec – le 2 : Catastrophe,
Bertrand Burgalat, Alice Lewis et AS Dragon –
le 3 : Chassol et Mathieu Edward)
www.tricatel.com
■ Astropolis l’Hiver : 6 au 10/2, Brest (divers
lieux, avec – le 6 : Pavane – le 7 : Manu Le
Malin (aka The Driver, Regina Demina et SPS
Project – le 8 : Vincent Malassis, Couverture de
Survie, Anna, Miley Serious, Varg, Overmono
(Truss & Tessela), Luke Vibert, DJ Drum et
Schxcxchcxsh – le 9 : District Sampling,
Sonic Crew, Deena Abdelwahed, DJ Seinfeld,
Session Victim et Kenny Dope, 16 Pineapples,
Omma, Waving Hands, Madben, Low Jack,
The Mensure, DJ Psychiatre et Sharplines
– le 10 : MC Arabica, Bicolore, eye,
Traumsyadt, Tom Von Bed & Benny E
et Subtile DJ) www.astropolis.org.com
■ Bordeaux Rock : 23 au 27/1, Bordeaux
(divers lieux, avec – le 23 : Peter Hook & The
Light – le 24 : Wizard, Courtney & the Wolves,
Cosmopaark, Big Meufs, Atomic Mecanic,
Pointpointvirgulepointcrochetparenthèse,
Yyellow, Presqu’ile, Ad Patres, Thrillogy, Iron
Flesh, Little Jimi, Colision, Daisy Mortem,
Queen Of The Meadow, Doktor Avalanche, Aya,
Bizmiz, The Wylde Tryfles, Clara et les Chic
Freaks – le 25 : Chien Noir, Tender Forever,
Milos Asian, DJ Martial Jesus et Terence Fixmer
– le 26 : Cristof Salzac, Bruno Falibois, Mars
Red Sky, King Khan’s LTD, Astaffort Mods
et Gordon – le 27 : Thurston Moore Group
et Th Da Freak) www.bordeauxrock.com
■ Wintower : 1er et 2/2, Lyon (Ninkasi et
Transbordeur, avec – le 1er : Inuit et Miel de
Montagne – le 2 : Léonie Perret, Molécule,
Pantha du Prince, Midnight Ravers
(Dominique Peter), Two Faces et Lcysta)
www.woodstower.com/fr/
FEVRIER 2019 R&F 111

Absolutely live
Hymnes disco dédiés à Jean-Pierre Raffarin
40 èmes Rencontres Trans Musicales
DU 5 AU 9 DECEMBRE, RENNES
Cette année encore, les Trans Musicales ont
fait vibrer les murs de la capitale bretonne
durant la première semaine de décembre.
Véritable institution locale qui possède un
festival off (Bar en Trans) et même un off du
off (Trans-Off), le vénérable festival fêtait
cette année sa quarantième édition mais n’a
pas souffert d’élans nostalgiques. Aucune
commémoration de prévue, aucun invité
surprise, la programmation était encore
orientée sur l’avenir et les tendances de
demain. Dans ce festin de plus de 80 groupes
oscillant entre electro, blues, rock, techno,
post-punk, funk, jazz et musique de fest-noz,
les rockeurs retiendront quelques bonnes
adresses. Le jeudi après-midi pour le focus
112 R&F FEVRIER 2019
hollandais à l’Ubu, c’est le post-punk teinté de
shoegaze de The Homesick qui a impressionné
avant la pop années 90 d’EUT. En soirée, le
bluesman Robert Finley et ces Black Pumas
sous influence Curtis Mayfield ont mis de
la chaleur dans un Parc Expo déjà bien
électrifié par le show de Disiz La Peste.
Le jour suivant, les amateurs de ritournelles
pop-rock ont apprécié Ryder The Eagle à
l’Etage, tandis que l’Ubu accueillait l’intrigant
duo folk expérimental Cyril Cyril. Au Parc
Expo, l’Autrichien PressYes a convaincu
avec son rock psychédélique slacker à mi-
chemin entre Beck et Tame Impala avant que
l’homme-orchestre Vurro, orné d’un crane de
taureau en guise de masque (et d’instruments
Vurro
à percussion), ne tente de ressusciter l’esprit
d’Hasil Adkins. Au bout de la nuit, le
formidable collectif new-yorkais Underground
System a secoué le public de ses grooves
afrobeat et l’énigmatique Dombrance a fait
danser sur des hymnes disco dédiés à Jean-
Pierre Raffarin. Grosse claque le samedi avec
les esthètes jazz-mod Initials Bouvier Bernois
et un triplé gagnant au Parc Expo : Indianizer
avec son univers kaléidoscopique, les nerveux
Bodega et leur post-punk maîtrisé puis The
Psychotic Monks, dignes représentants de la
faction garage, dont le rock psychédélique
Photo Dalle
sombre a dû percer quelques tympans.
TONY BOLLAERT
 Çane
s’invente pas
ROCK
’N’ROLL
FLASH
BACK
PAR CHRISTIAN CASONI
FEVRIER 1989 R&F 260
Leurs faire-valoir (Mötley Crüe ou Poison)
sont cons, Guns N’Roses est fou. Ils imitent
Aerosmith pour imiter Aerosmith, GN’R
cherche les Stones derrière Aerosmith, voire
Muddy Waters et réactive deux principes
fondateurs du rock : la mégalomanie des
intros et la ballade. Le triple concert de
Leicester (Derek B, Public Enemy,
Run-DMC) donne à Rock&Folk l’occasion
d’appareiller pour “la planète Rap”. Le NME
voit Public Enemy comme le grand groupe
de rock’n’roll du moment, certains le
comparent au Clash. Chuck D : “Les Noirs
nous comparent à Coltrane. Tout le concept
du rock’n’roll semble bien maigrelet” à côté
du rap. Rita Mitsouko a senti le glam revenir
dès 1986, recruté Tony Visconti, “tiré les
dernières gouttes des Sparks et habillé le bébé
glitter dans une défroque adaptée à la fausse
ouverture d’esprit du grand public français.”
FEVRIER 1969 R&F 025
Numéro historique ! Pour l’événement,
mais surtout pour la photo de Jean-Pierre
Leloir, tirée en poster pendant 30 ans
dans toutes les carteries des rues
piétonnes. Après “2 mois, plusieurs lettres,
36 coups de téléphone, 2 rendez-vous
manqués”, François-René Cristiani réunit
enfin dans un salon bourgeois Georges
Brassens, Jacques Brel et Léo Ferré.
Brel : “Le disque est un sous-produit de la
chanson. J’ai l’impression de pondre des
œufs.” Ferré : “Chaque fois que je croise
une putain dans la rue, elle ne me fait
jamais l’article. C’est parce que je fais le
même métier qu’elle, je vends quelque chose
de mon corps.” Brassens : “Puf puf puf”
(bruit de pipe). A un moment, Ferré leur
fait le coup des vieilles canailles : une
tournée à trois dans les dix plus grandes
salles de France. Brel fait semblant
d’être emballé. Brassens : “Puf puf puf”.
FEVRIER 1999 R&F 378
L’emboutissage des rédac’chefs fait fureur
aux States. Foxy Brown cabosse celui de
Vibe, les nervis de Marilyn Manson celui de
Spin, ceux de Puff Daddy celui de Blaze, une
rédaction où Wyclef (Fugees) vient
défourailler, Masta Killa (Wu-Tang Clan) se
paye une plume de Rap Pages. Rock&Folk
fait de l’huile et se met au vert chez les
troubadours, dans un numéro qui ressemble
fort à un hors-série spécial folk. “D’où vient-
il ? Où va-t-il ?” Les rois (Bob Dylan, Neil
Young, Elliott Murphy), les reines (Joan
Baez, Emmylou Harris), les princes (Rufus
Wainwright, Vic Chesnutt), les cousins (Nick
Drake, Donovan, Pentangle), un moine
scolastique (Greil Marcus), et cette question
lancinante : les punks sont-ils les héritiers
des folkeux ? Quelle que soit la génération,
tout le monde baise la pantoufle de Dylan, le
plus rapide et le plus courageux d’entre eux.
FEVRIER 1979 R&F 145
George Clinton fait de l’optimisation
discographique, change le nom de son
groupe une fois par jour et signe avec dix
labels d’un coup : “Sur les contrats, seul
figure le nom du groupe. Le personnel ?
C’est mes oignons. Crac, ils signent.
Funkadelic est en train de se casser la
gueule, [mais] le nouveau Parliament vient
d’être certifié disque de platine.” Les Doors
promeuvent “American Prayer”, le nouvel
album d’un chanteur mort depuis 7 ans.
L’article sur Jim Morrison est composé en
blanc et imprimé sur des pages anthracite
couvertes de graffitis blancs, une course
à la migraine où même les fans ne se
risquent pas. “Je hais l’Amérique, mais
tu ne comprends pas que je hais aussi
l’Angleterre et la France ? Je hais le
monde entier, je me hais moi-même, je ne
voudrais être que de la merde.” John Lydon
a changé de musiciens mais pas de dealer.
FEVRIER 2009 R&F 498
“Titanesque, monstrueux, mégalithique” :
Guns N’Roses, réduit à Axl Rose et Dizzy
Reed, sort “Chinese Democracy” après
14 ans de caisson. Jesse Hugues d’Eagles
Of Death Metal : “Il tente de faire passer son
album solo pour un disque de Guns N’Roses”.
Axl Rose renvoie Jesse Hugues à ses
“Pigeons Of Shit Metal”. Dave Grohl rappelle
que se faire étriller par Axl Rose, c’est se
faire “anoblir par la reine d’Angleterre”.
Jesse Hugues : “La prochaine fois que je le
croiserai, il me tombera dans les bras avant
de me demander un autographe”. Cette
comédie du rock colle bien à l’équilibre que
Didier Wampas essaie de tenir entre “se croire
le meilleur du monde et savoir que c’est faux”.
Symboles sexuels de 2008 : les lecteurs
et lectrices se sont exorbité les globes sur
Amy Winehouse et Pete Doherty. Hommage
à Bettie Page, nécro pour Ron Asheton.
“People take pictures of each other, just to prove
that they really existed.” “The Kinks Are The
Village Green Preservation Society” vient
d’avoir 50 ans et l’an dernier Ray Davies a
sorti un bel album, “Americana” (merci Cyril
Clerget) loin des piers, du vaudeville et des
studios Ealing. Si l’Angleterre quitte vraiment
l’Europe, il restera Rouen et Olivier Popincourt.
Son nouveau EP, “4 Colours, 4 Seasons”,
perpétue la grande mesure et le chic british
à la Blue Nile, Style Council, Joe Jackson,
Louis Philippe et Paddy McAloon.
Ce mois-ci, la claque dans la gueule scénique
vient d’Yves Duteil. Je l’ai vu chanter gratis
à Cheverny, à l’initiative de Constance de
Vibraye, lors d’une soirée de sensibilisation
au diabète de type 1 (diabeteetmechant.org),
seul à la guitare, rejoint par Philippe Nadal au
violoncelle et Alain Souchon, et j’ai découvert
un as du picking capable de s’affranchir des
arrangements fabuleux d’Alain Goraguer sur
“Virages”, la face B de son premier 45 tours.
La salsa du démon : “L’amour de Læticia
pour feu son mari pourrait être finalement
symbolisé par le grand plateau de sauces qu’elle
lui préparait pour égayer ses repas. Ses amies
sont intarissables sur le sujet. ‘Ce plateau était
toujours au même endroit sur la table. Il ne
bougeait jamais. On devait se passer les sauces
puis les reposer. C’était le trésor de Johnny.’ ”
(M Le magazine du Monde, 8 décembre). Yeah.
Touchez pas au gribiche. Extase de pouvoir lire
des trucs pareils. Quand je n’ai pas la pêche il
me suffit de penser à ça, ou à la photo des gosses
en blazer dans Le Parisien pour l’inauguration
du quai Charles-Pasqua à Levallois-Perret.
J’aimais bien aussi, chez Jojo, qu’il se soit
fait tatouer le prénom de sa fille Jade en
idéogrammes chinois, avant de découvrir,
une fois l’encre séchée, que les quatre lettres,
prises isolément, signifient La petite maison
dans la prairie. En 1987, Novi kolectivizem,
les graphistes du Nouvel Art Slovène, étaient
parvenus à ridiculiser délibérément le régime en
remportant le prix de la journée de la jeunesse
avec une affiche du Troisième Reich où seuls
les sigles avaient été modifiés. Le Magazine cité
plus haut vient de se prendre les pieds dans le
tapis en s’inspirant, pour sa couve avec Macron,
d’un photomontage d’Hitler par Lincoln
Agnew. Ce n’est pas le journal mais l’esprit de
l’époque qui est responsable, dévalorisant les
créateurs au profit de choisisseurs, directeurs
artistiques, DJ-stylistes et autres intermédiaires
généralement incultes. Puisque tout a été fait,
pourquoi s’enquiquiner avec les originaux ? Il y
a quelques années une chanteuse australienne
m’avait appelé pour des arrangements de
cordes. Elle me dit qu’elle aimerait que ça sonne
comme Jean-Claude Vannier. “Je le connais, il
est super, vous devriez le contacter de ma part...”
lui répondis-je. Gros blanc au téléphone, elle
voulait le pastiche et pas l’original. Une grande
marque d’ordinateurs vient d’envoyer un brief
pour une campagne mondiale avec comme
référence Chassol, mais ça ne leur viendrait
pas à l’esprit de lui demander.
“De toute façon, dans les romans, on peut
dire n’importe quoi puisque ça ne se vend plus.
C’est merveilleux !” Simon Liberati dans L’Obs.
Il a raison, en musique aussi, ce n’est pas le pire
moment pour y aller à fond. La remarquable
Eva Ionesco sort un film sur la jeunesse inspiré
de son itinéraire exemplaire et on ne parlera à
son sujet que du Palace, alors que ce décor est
anecdotique. On pourrait remplir le jacuzzi de
Régine avec tous les biens culturels consacrés à
cet établissement pourtant pas plus fascinant
que le Pacha-Club de Louveciennes. La boîte
n’a rien déclenché d’intéressant. Ni musique,
ni esthétique. Et elle portait malheur.
Finalement ce qu’elle a engendré de plus
marrant ce sont les récits glorieux d’anciens
combattants de la rue du Faubourg-Montmartre
façon “Jean De Lattre Mon Mari”, qui ont
remplacé la littérature de guerre et “Le Soldat
Oublié” de la collection Vécu. Sur le Palace,
Eudeline a déjà tout dit ici. Ce qu’il y avait de
mieux, c’était les concerts, programmés par
une équipe extérieure, dans l’après-midi ou en
début de soirée. La faune du Palace n’y assistait
pas, c’était trop tôt, ils étaient en train de se
préparer. Provincial fraîchement débarqué, j’y
ai vu Gary Numan (Jérôme Berdah si tu lis ce
texte...), Kid Creole avec Andy Coati Mundi
Hernandez au vibraphone et Carol Colman à la
basse, le Yellow Magic Orchestra. J’arrête, car
bientôt il y aura la même chose pour le Baron.
“Happycratie, Comment L’Industrie Du
Bonheur A Pris Le Contrôle De Nos Vies”.
C’est le titre d’un essai très intéressant d’Eva
Illouz et Edgar Cabanas (Premier Parallèle,
21€). Ils ont raison, même Houellebecq a l’air
radieux maintenant. Le plus pénible ce n’est pas
lui (ses rares interviews sont assez réjouissantes)
mais sa cour, écrivains mondains qui se pressent
sur la photo pour ne pas être engloutis, et
lapident Yann Moix quand il dit les mêmes
conneries sur les femmes que le caïd des lettres
depuis “Extension...”. Dans le rock et la mode
c’est un peu l’inverse : plus elles mènent une
vie confortable, plus les créatures slimanisées
ont tendance à faire la gueule sans trop savoir
pourquoi, ou à exalter la mort (luxe de jeunes).
Le prototype, c’était les Kills. Apologie de la
violence, d’Action Directe, d’Audry Maupin
et de Florence Rey, qui n’en demandaient
pas tant : la beugleuse et le yorkshire de Kate
Moss n’ont pas lésiné sur les clichetons et la
souffrance par procuration. Mort aux Kills.
Avis de recherche. Dimanche 16 décembre,
11 h 30, Franprix Cardinet, un morceau génial,
probablement récent, avec des cordes et des voix
féminines qui font “in the sky” sur le refrain,
comme du Kadhja Bonet mais ce n’était pas
elle, et pas de téléphone pour l’identifier.
RTL, 6 h 19, 25 décembre. En sommeil
paradoxal, j’entends une belle chanson FM,
émouvante, entre Johnny (cette façon
faubourienne de prononcer mourir et soupir,
comme les loubs d’antan) et Calogero pour
le refrain, paroles un peu soulignées mais
efficaces, et un arpège d’ARP Odyssey qui
s’enroule en spirale sur les couplets. Shazam !
c’est David Hallyday, “Ma Dernière Lettre”,
pile le genre d’hymne de stade sur lequel son
père aurait dû partir. Cette année le mien aurait
100 ans. C’est fou ce que sa génération a pu
avoir la trouille pour ses enfants, ce que le rock,
la drogue, la vitesse et tout ce qu’incarnait
ce journal ont pu représenter comme source
d’inquiétude pour des adultes qui avaient
pourtant connu d’autres dangers. “Plus le
temps nous sépare et plus il nous rapproche”,
Pascal Jardin, “Le Nain Jaune”.
“Une femme se suicide à la station de métro
Plaisance” (Le Parisien, 25 décembre). “Il fait
nuit à Paris mon amour, j’ai envie de lui dire,
Photo Bruno Berbessou
il fait nuit à Paris, de décembre en juillet mon
amour, au pays des zombies à Paris, il fait nuit...
il fait nuit, méfie-toi à Paris, il fait nuit pour
toujours... Fille perdue fille paumée, je reviendrai
vous voir demain...” Pierre Vassiliu, “Film”.