● HI-FI ● ALAIN ALTINOGLU ● FALLA ● RUDOLF SERKIN ● PAUL

12 SOURCES AU L’ASCENSION D’UN LES POUVOIRS DE DES BEETHOVEN BADURA-SKODA

BANC D’ESSAI CHEF FRANÇAIS L’AMOUR SORCIER MIRACULEUX UN PIONNIER

la folle histoire du

N° 731 MARS 2024

TOUT UN MOIS DE
L 11950 - 731 - F: 8,90 € - RD PROGRAMMES SUR

BEL : 9,40€ - ESP : 9,40€ - GR : 9,50€ - DOM S : 9,50€ - ITA : 9,50€ - LUX : 9,40€ - PORT CONT : 9,40€ - CAN : 14,50$CAN - MAR : 100DH - TOM S : 1150CFP - TOM A : 1800CFP - CH : 13,50FS - TUN : 20DTU.
 VIVEZ DES INSTANTS
D’EXCEPTION
Avec Arts et Vie
le n°1 du voyage culturel
• Les plus prestigieux festivals
en France et en Europe
• Art lyrique, musique classique,
jazz, musique folklorique,
théâtre… à chacun son style !
• Des programmes de visites
passionnants pour découvrir
le patrimoine des régions
qui accueillent les festivals

Accédez directement
à notre brochure
en scannant ce code :

www.artsetvie.com
Brochure sur simple demande au 01 64 14 52 97
 sommaire n° 731 MARS 2024

ACTUALITÉ
4
9
L’éditorial d’Emmanuel Dupuy ILS FONT
Coulisses
L’ACTUALITÉ
MAGAZINE
18 Tête d’affiche
ALEXIS KOSSENKO En scène
20 Tête d’affiche Après avoir festoyé au disque
PIERRE BLEUSE chez le comte d’Artois, glanant

© AMANDA PROTIDOU
au passage un Diapason d’or,
22 Histoire ALEXIS KOSSENKO s’apprête, PAGE 18
LE BOLÉRO DE RAVEL à la tête de ses Ambassadeurs –
La Grande Ecurie, à se mesurer
38 Rencontre à une partition quasi mythique :
ALAIN ALTINOGLU Atys de Lully.
42 L’œuvre du mois
L’AMOUR SORCIER DE FALLA
46 Mythologies
PAUL BADURA-SKODA
48 L’air du catalogue En interview
LE CONCERTO POUR PIANO C’est surtout hors de nos frontières
AU XXe SIÈCLE qu’ALAIN ALTINOGLU a trouvé la
50 La chronique d’Ivan A. Alexandre reconnaissance, en particulier
PAGE 38 à la Monnaie de Bruxelles
© DIRK LEEMANS

et à l’Orchestre symphonique
SPECTACLES de la Radio de Francfort, deux
53 A voir et à entendre prestigieuses institutions dont il est
l’heureux directeur musical.
58 Vu et entendu

62 LE DISQUE
LE SON
107 Echos En disques
110 Ecoute Après Debussy, Saint-Saëns, Bizet
CASQUE ET ENCEINTES et Gounod, un autre géant
112 Banc d’essai de la musique française rejoint
PAGES 6
12 SOURCES DE 289 € À 6960 € LA DISCOTHÈQUE IDÉALE
ET 68
DE DIAPASON. Joyaux
120 En images incontournables et raretés : voici
LA HI-FI EN FÊTE les chefs-d’œuvres de BERLIOZ.

LE GUIDE
© COUVERTURE : PASCAL CHANTIER

127 Radio
128 Livres RECEVEZ DIAPASON CHEZ VOUS !
130 La playlist de ma vie Votre bulletin d’abonnement se trouve page 101.
JUSTIN TAYLOR Pour commander d’anciens numéros, rendez-vous sur
www.kiosquemag.com
Ce numéro comporte sur tout ou partie de sa diffusion : Vous pouvez aussi vous abonner par téléphone au 01 46 48 47 60
un CD Reworld Diapason d’or et un CD Indispensables
de Diapason jetés sur la couverture, un dépliant Reworld ou sur www.kiosquemag.com
Media Voyages d’exception posé au dos du magazine.

I3
 L’éditorial
D’EMMANUEL DUPUY
L’autre côté du miroir
ite musical implanté aux quatre coins
du monde, Bachtrack recense dans son
agenda plus de 30 000 concerts, spectacles
lyriques ou chorégraphiques. De cette base
de données planétaire sans équivalent, les administra-
teurs extraient chaque année une analyse statistique
toujours éclairante sur l’état de santé de notre secteur.
Mis en ligne le 9 janvier ¹, le cru 2023 n’échappe pas à
la règle, d’autant qu’il s’accompagne cette fois d’une
évaluation sur la dernière décennie, révélatrice de
profondes mutations.
Premier enseignement : si la féminisation progresse, la
bataille n’est pas encore gagnée. Quatorze dames figurent
désormais parmi les cent chefs les plus programmés en
concert, contre quatre en 2013. C’est donc plus qu’un
triplement, mais on est très loin de la parité. D’ailleurs,
aucune ne fait partie du top 20, toujours squatté par les
hommes – Andris Nelsons, Klaus Mäkelä et Paavo Järvi
trônant sur les premières marches du podium. Si les
cheffes ont si peu l’occasion de se produire, c’est peut-
être qu’elles ont moins accès que
leurs homologues masculins aux
postes à responsabilité, notent les
_ Cette fois, c’est
auteurs de l’étude : sur une centaine
d’orchestres recensés par leurs soins,
sûr, l’empire a
seuls sept avaient une directrice
musicale à leur tête.
contre-attaqué. _
Du côté des grands solistes, le bilan n’est guère plus
enviable. Parmi les dix pianistes les plus actifs, on ne trouve
qu’une musicienne – Yuja Wang. Elles ne sont que deux
parmi les violoncellistes – Sol Gabetta et Alisa Weilerstein.
Le violon est donc l’unique instrument pour lequel on
atteint enfin la parité – grâce à mesdames Janine Jansen,
Patricia Kopatchinskaja, Isabelle Faust, Alina Ibragimova
et Hilary Hahn.
En 2023, sur les deux cents compositeurs les plus joués
en concert, vingt-deux étaient des compositrices, contre
seulement deux en 2013. Là aussi la progression est
notable, mais avec un bémol : aucune n’entrait dans le
top 10 où, sans surprise, Mozart, Beethoven et Bach
prenaient la tête du peloton. Parmi les dix œuvres sym-
phoniques les plus interprétées, toutes étaient signées
par des hommes : Rachmaninov (dont on célébrait le
cent-cinquantième anniversaire), l’indéboulonnable
Beethoven, Dvorak, Brahms, Tchaïkovski, Stravinsky.
Même topo à l’opéra où, parmi les dix ouvrages les plus
4I
représentés figurent les éternels piliers du répertoire,
dus à messieurs Mozart, Puccini, Verdi et Bizet.
Où sont les femmes ? Dans la musique d’aujourd’hui,
domaine qui subit les bouleversements les plus impor-
tants. Elles sont quatre parmi les dix compositeurs
vivants les plus joués : la Russe Sofia Goubaïdoulina,
l’Américaine Caroline Shaw, la Sud-Coréenne Unsuk Chin,
la Britannique Anna Clyne. Une féminisation d’autant plus
louable, que partout la création progresse – et c’est là sans
nul doute l’évolution la plus inattendue que révèlent les
statistiques de Bachtrack.
Depuis 2013, la part de la musique contemporaine dans
les programmes a en effet bondi d’environ 6 % à 14 %.
La tendance est encore plus nette au Royaume-Uni (de 6 %
à 15 %) comme aux Etats-Unis (de 7,5 % à 20 %). Est-ce
un hasard ? Pas vraiment, car les courants les plus prisés
n’émanent pas de notre Vieux Continent, mais du monde
anglo-saxon. Parmi les dix compositeurs vivants les
plus joués, outre Anna Clyne, un autre est britannique
– Thomas Adès ; et outre Caroline Shaw, pas moins de trois
autres sont américains – John Adams,
Philip Glass et, champion toutes caté-
gories, John Williams. Oui, vous avez
bien lu : John Williams, le musicien
chéri de Steven Spielberg, mais aussi
l’auteur de nombreuses partitions
pour le concert, voit sa cote tant
monter qu’il accède illico au panthéon des classiques
(cf. L’Ile déserte p. 66). Cette fois, c’est sûr, l’empire a contre-
attaqué, reléguant loin derrière la création européenne,
en particulier celle qui continue à prôner une rupture
radicale avec la tonalité – au palmarès, cette sensibilité
brille par sa discrétion.
Revers de la médaille : la part des musiques ancienne
et baroque dans les programmes chute au Royaume-Uni
(de 20 % à 15,5 %), encore davantage aux Etats-Unis
(de 13 % à 6 %). En toute logique, nous dirait le prophète
Harnoncourt, persuadé que l’on revenait au passé pour
« combler le vide » laissé par le présent. « Je ne vivrai sans
doute pas assez longtemps pour voir la musique contem-
poraine parvenir enfin de l’autre côté du miroir et rentrer
en synchronie avec le monde », regrettait le fondateur
du Concentus Musicus dans nos colonnes en 2001. Deux
grosses décennies plus tard, au bout du tunnel, n’est-ce
pas la lumière qu’on aperçoit ?
¹ – à consulter sur https://bachtrack.com
 SOUS LA PRÉSIDENCE DE S.A.R. LA PRINCESSE DE HANOVRE

Chants
de la terre

25 concerts
19 lieux

© Sebastião Salgado, Les volcans Kamen et Kluchevskoy, Péninsule du Kamtchatka, Russie, 2006
70 œuvres
12 créations mondiales
500 artistes

« ma fin est mon commencement » – opus 3

Navettes aller-retour depuis Nice et Menton*

PRINTEMPSDESARTS.MC
+377 93 25 58 04

*Réservation obligatoire – voir modalités sur printempsdesarts.mc

NOUVEAU
LA DISCOTHÈQUE IDÉALE DE DIAPASON VOLUME XXX

Les chefs-d’œuvre
Des enregistrements rares et légendaires sélectionnés par Diapason.
De l’Ouverture Les Francs-Juges (1826) à la Marche troyenne (1864) en passant par la
Symphonie fantastique, le Requiem et La Damnation de Faust : voici le meilleur de ce que
Berlioz a produit pour le théâtre, le concert et l’église, par ses interprètes les plus illustres.

Coffret
10 CD
+ Livret 20 pages
34€90
Plus de 13h
de musique
Edition limitée !

Visuels non contractuels.

 Votre coffret Berlioz comprend :
CD I Symphonie fantastique André Cluytens. 1958. Nuits d’été Suzanne
Danco, Thor Johnson. 1951. CD II Symphonie fantastique Pierre Monteux.
1930. Nuits d’été Victoria de los Angeles, Charles Munch. 1955. CD III Carnaval
romain André Cluytens. 1961. Béatrice et Bénédict (ouv.) Charles Munch.
1958. Le Corsaire Paul Paray. 1958. Rob-Roy Adrian Boult. 1956. Le Roi Lear
Thomas Beecham. 1947. Benvenuto Cellini (ouv.) Pierre Monteux. 1952. Les
Francs-Juges Arturo Toscanini. 1941. CD IV-V La Damnation de Faust Richard
Verreau, Consuelo Rubio, Michel Roux. Igor Markevitch. 1959. Harold en Italie
William Primrose, Charles Munch. 1958. CD VI-VII Roméo et Juliette Cesare
Valletti, Rosalind Elias, Giorgio Tozzi. Charles Munch. 1961. Mélodies Victoria
de los Angeles, Dietrich Fischer-Dieskau, Gerald Moore. 1960. Eleonore Steber,
Jean Morel. 1954. Benvenuto Cellini & Les Troyens (extr.) Nicolai Gedda,
Georges Prêtre. 1961. Paul Paray. 1960. Thomas Beecham. 1957. Georges Thill,
Eugène Bigot. 1934. Rita Gorr, Lawrence Collingwood. 1958. CD VIII L’Enfance
du Christ Hélène Bouvier, Jean Giraudeau, Louis Noguera, Michel Roux, Henri
Medus. André Cluytens. 1951. Waverley Thomas Beecham. 1954. CD IX Te
Deum Alexander Young, Thomas Beecham. 1953-1954. Invitation à la valse
Igor Markevitch. 1954. Marseillaise André Cluytens. 1959. CD X Requiem
Richard Lewis, Thomas Beecham. 1959.

DÉJÀ PARUS DANS LA DISCOTHÈQUE IDÉALE DE DIAPASON :

RETROUVEZ CES COFFRETS SUR www.kiosquemag.com/boutique

POUR COMMANDER ET S’INFORMER

Renvoyez le bon de commande
Connectez-vous sur notre site : avec votre règlement à : 01 46 48 48 03
www.kiosquemag.com/boutique La Boutique Diapason du lundi au samedi de 8h à 20h.
59898 LILLE Cedex 9 (paiement par carte bancaire uniquement)

BON DE COMMANDE La Boutique # M 091 # V 1546076

A compléter et à retourner avec votre règlement à : La boutique Diapason - 59898 LILLE CEDEX 9
> J'INDIQUE MES COORDONNÉES : (*A remplir obligatoirement)
■ OUI, JE COMMANDE RÉF QTÉ PRIXUNIT. TOTAL
Nom*:
Coffret n° 30 Berlioz 430 538 34,90€ € Prénom*:
Les chefs-d’œuvre
Adresse*:
Envoi en Colieco ■ 5,00 €
Cet emblème garantit notre adhésion à la
fédération du e-commerce et de la vente
à distance et à ses codes de déontologie Envoi en Colissimo suivi ■ 7,90 €
fondés sur le respect du client. CP*: Ville*:
TOTAL DE MA COMMANDE €
> Je joins mon chèque libellé à l’ordre de La Boutique Diapason. Email :

Rapide, simple et 100% sécurisé, réglez par carte bancaire sur

www.kiosquemag.com/boutique Votre email nous sera utile si besoin pour le suivi de votre commande.
N° de téléphone Date anniversaire :
Offre valable France Métropolitaine valable jusqu’au 31/05/2024 dans la limite des stocks disponibles. Conformément à l’article L 221-18 du
code de la consommation, vous disposez d’un droit de rétractation de 14 jours à compter de la réception de votre commande et vous pouvez
nous retourner votre coffret dans son emballage d’origine complet et sans qu’il ait été ouvert. Les frais d’envoi et de retour restent à votre Portable de préférence pour envoi de sms si problème de livraison Pour fêter votre anniversaire
charge. Les informations demandées sont destinées à la société REWORLD MEDIA MAGAZINES (KiosqueMag) à des fins de traitement et
de gestion de votre commande, d’opérations promotionnelles, de fidélisation, de la relation client, des réclamations, de réalisation d’études  Je ne souhaite pas recevoir les offres Privilège de Diapason et Kiosquemag
et de statistiques et, sous réserve de vos choix, de communication marketing par KiosqueMag et/ou ses partenaires par courrier, téléphone sur des produits et services similaires à ma commande par la Poste, e-mail
et courrier électronique. Vous bénéficiez d’un droit d’accès, rectification, d’effacement de vos données ainsi que d’un droit d’opposition en et téléphone. Dommage !
écrivant à RMM-DPD, c/o service juridique, 40 avenue Aristide Briand – 92220 Bagneux, ou par mail à dpd@reworldmedia.com. Vous pouvez
introduire une réclamation auprès de la CNIL - www.cnil.fr. Pour en savoir plus sur la gestion de vos données personnelles, vos droits et nos  Je ne souhaite pas que mes coordonnées postales, mon e-mail et téléphone soient
partenaires, consultez notre politique de confidentialité sur www.kiosquemag.com. communiqués à des partenaires pour recevoir leurs bons plans. Dommage !

Vous pouvez commander d’autres coffrets sur www.kiosquemag.com/boutique

 THE WORLD IS LISTENING

SEVENTEENTH
VAN CLIBURN
INTERNATIONAL
PIANO COMPETITION

21 MAY – 7 JUNE 2025 I FORT WORTH, TEXAS USA

JURY
PAUL LEWIS, jury chair i ireland/united kingdom JON NAKAMATSU, united states
RICO GULDA, austria LISE DE LA SALLE, france
ANDREAS HAEFLIGER, switzerland YEVGENY SUDBIN, united kingdom
MARI KODAMA, japan/united states WU HAN, china taiwan/united states
GABRIELA MONTERO, venezuela/united states
©
DA
AS

APPLICATIONS DUE 16 OC TOBER 2024 I CLIBURN.ORG


Leur parole est d’or
Les nouveaux disques de la flûtiste Anna Besson et de l’ensemble Le Stagioni
de Paolo Zanzu ont été couronnés d’un Diapason d’or le mois dernier. Vous voulez
savoir comment furent conçus ces joyaux ? Les heureux élus lèvent un coin du voile.
Anna Besson
FLÛTE
Corelli et Quentin : Sonates pour flûte et continuo.
Anna Besson (flûte), Myriam Rignol (viole de gambe),
Jean Rondeau (clavecin et orgue). Alpha.
« Si l’on pense au répertoire pour flûte, il est peu
probable que les noms de Jean-Baptiste Quentin
et d’Arcangelo Corelli viennent à l’esprit. Et pourtant
ce disque est la preuve qu’une musique aussi belle
et bien écrite peut se jouer sur n’importe quel instrument
sans perdre en qualité. Finalement, qu’importe le flacon,
pourvu qu’on ait l’ivresse ! Si le côté universel de ces deux
compositeurs s’est imposé comme une évidence, j’ai été
animée par une querelle intérieure pendant l’élaboration
du programme : voulais-je tendre vers un style français
ou un style italien ? Les sonates de Corelli adaptées
au traverso ont été éditées à Paris – la partition de 1738
est vierge de tout ornement mis à part quelques
“tremblements” – et la musique de Quentin est bel et bien
française, mais fortement inspirée de l’écriture
corellienne. La vérité est sans doute au milieu. J’ai fait
© SEBASTIEN LAVAL
le choix de m’entourer d’un clavecin italien et d’une viole
de gambe, en mesurant l’immense privilège d’avoir pu
graver une musique qui me fascine depuis toujours avec
des partenaires en or. »
ACTUALITÉS coulisses
PAR BENOÎT FAUCHET
Paolo Zanzu
CLAVECIN ET DIRECTION D’ENSEMBLE
« Un secolo cantante » : œuvres de Ferrari,
Monteverdi, Strozzi…
Solistes, Le Stagioni, Paolo Zanzu. Arcana.
« Après une longue fréquentation des opéras vénitiens
du XVIIe siècle, j’ai voulu consacrer un enregistrement à leurs
débuts flamboyants. Une nouvelle démarche était essentielle,
trop d’habitudes dénuées de fondements historiques
et musicologiques s’étant installées dans les interprétations
d’aujourd’hui. On cherche souvent des effets flatteurs pour
les oreilles contemporaines plutôt que d’oser aller au plus près
de ces textes. Car ils nous parlent encore, mais il faut vouloir
les écouter. Dans “Un secolo cantante”, j’ai réuni des morceaux
connus et d’autres inédits, en privilégiant une instrumentation,
une orchestration et des pratiques interprétatives fidèles
aux sources d’époque, et en remettant le texte, son interprétation
dramatique et son accompagnement musical au centre. Dans
une phase cruciale pour le mouvement de la musique ancienne,
nous devrions renouveler notre regard sur le répertoire. Pour cela,
il me semble fondamental de questionner les sources, s’appuyer
sur les dernières études, réfléchir à nos techniques de jeu
© JEAN LOUIS
et de chant. En nous inspirant des pionniers qui ont ouvert la voie,
retrouvons l’esprit qui a fait de notre mouvement un phare
de l’avant-garde musicale du XXe siècle ! »
I9
 ● coulisses

CRESCENDO

Ancien chef associé

de l’Orchestre de Paris
(2016-2019), THOMAS HENGELBROCK
rebondit à l’Orchestre de chambre
de Paris, qui l’a désigné directeur musical
à compter de la saison prochaine. Curieux
et éclectique, l’Allemand de soixante-cinq
ans s’épanouit en terre francilienne :
le Balthasar-Neumann Ensemble, chœur
et orchestre sur instruments anciens
qu’il porte avec volontarisme depuis trois
décennies, est, depuis l’automne 2020,
en résidence au château de Fontainebleau. JEUNE TALENT
Investi dans le champ social et l’insertion
professionnelle des jeunes musiciens,
Nom : Salzenstein
© MANUEL BRAUN

le chef pourra conforter cet engagement Prénom : Hanna

© MINA ESFANDIARI

à la tête de la formation parisienne et lui Née en : 1995

permettre de « poursuivre sa quête
d’excellence », se félicite le communiqué Profession : violoncelliste
annonçant sa nomination.

E
lle n’a pas vingt-neuf ans mais peut
aligner déjà de solides références
discographiques. Au sein de l’ensemble
baroque Le Consort depuis son
« Opus 1 » (Alpha, 2019), au sein du Trio
Dichter pour un album consacré aux
Schumann (HM, 2023)… Et voici que paraît
chez Mirare le premier récital solo d’Hanna
DECRESCENDO Salzenstein, dédié à l’émergence du violon-
celle dans les premières décennies du
XVIIIe siècle italien, un programme tour à tour
© DR
baroque, l’autre moderne. « Evidemment,
ce sont deux instruments différents, mais
je n’ai jamais vraiment mis de frontières
entre eux », glisse-t-elle.
Jamais la routine
Quand le claveciniste Justin Taylor et le vio-
loniste Théotime Langlois de Swarte, avec
lesquels elle avait déjà joué, ont eu besoin
d’un violoncelle pour leur Consort, c’est na-
turellement vers elle qu’ils se sont tournés,

JAN LATHAM-KOENIG, chef britannique
âgé de soixante-dix ans, a été arrêté
à la gare Victoria de Londres le 10 janvier,
mis en cause pour des infractions
à caractère pédocriminel, notamment
des communications avec mineur par
Internet ou téléphone. L’ancien directeur
musical de l’Orchestre philharmonique
de Strasbourg et de l’Opéra national
du Rhin, qui exerçait cette même fonction
au Teatro Colon de Buenos Aires depuis
l’été 2022, a été immédiatement démis
par l’institution lyrique argentine
« de toutes ses activités actuelles et
futures », compte tenu des « accusations
extrêmement graves » pesant sur lui.
enjoué et ombré, auréolé ce mois-ci d’un
Diapason découverte (cf. p. 96).
Mine de rien, cela fait plus de deux décen-
nies que cet instrument est le sien. La fa-
mille d’Hanna Salzenstein est mélomane,
sa fratrie musicienne. « La volonté de ma
mère était que nous fassions tous de la mu-
sique, mais le piano et le violon étaient pris
par mes frère et sœur aînés, alors… » Pour
la fillette, ce sera donc le violoncelle, d’abord
au conservatoire à rayonnement régional
de Cergy-Pontoise puis rue de Madrid, avant
l’entrée au CNSM de Paris à l’âge de seize
ans, dans la classe de Michel Strauss puis
de Raphaël Pidoux. Enseignement mar-
quant, qui sera suivi d’un autre à la Villette :
celui de Christophe Coin. Depuis, Hanna
Salzenstein joue deux violoncelles, l’un
dès 2017. Elle est intarissable sur le champ
artistique que cette riche expérience lui
ouvre, marquée par une « telle liberté dans
l’instrumentation, l’ornementation… En
concert, ce n’est jamais la routine ».
Passionnée par l’histoire de son instrument
– elle a écrit un mémoire de certificat d’apti-
tude sur l’école française de violoncelle –,
la musicienne se dit toujours en quête de so-
norités « historiquement informées », y com-
pris dans le répertoire romantique, afin de
renouveler l’interprétation. Tête chercheuse,
elle joue, selon les œuvres, un instrument
baroque amstellodamois des années 1710
ou un italien de l’extrême fin du XIXe siècle…
qu’elle peut « monter en boyaux filés pour
gagner en richesse ». « Le boyau me conta-
mine ! », s’amuse-t-elle. B.F.

10 I
 Premier semestre 2024

Janvier 2024 Janvier 2024 Janvier 2024

Janvier 2024 Février 2024 Mars 2024

Mars 2024 Avril 2024 Avril 2024

Retrouvez le meilleur de la musique

classique sur www.mirare.fr
 ● coulisses

C’est, en millions de dollars, la somme que

ENTRÉE DES ARTISTES le Metropolitan Opera a été autorisé à retirer
de son fonds de dotation pour parer à sa fragilité
A trente-trois ans, la Française financière, selon le New York Times. Les réserves
Marie Jacquot vient d’être de l’institution lyrique de la côte Est sont encore
désignée à la tête d’un confortables puisqu’elles avoisinent les 250 millions
des principaux orchestres de dollars, mais elles s’amenuisent : le « Met »
de radio allemands, avait déjà dû y prélever 30 millions la saison dernière. « La dotation n’est
le WDR Sinfonieorchester certainement pas là pour être pillée, mais pour être utilisée en temps de crise
de Cologne, dont elle plutôt que de faire faillite », s’est justifié Peter Gelb, le directeur général
sera la première femme de la maison new-yorkaise, dans les colonnes du journal.
chef titulaire de l’histoire, Toujours pas complètement remis de la pandémie de Covid-19, le « Met »
© WERNER KMETITSCH

à compter de la saison 2026-2027.

espère, grâce à cette ponction de liquidités, conforter les signes d’un
frémissement qui lui donne des raisons d’espérer : jusqu’à 73 % de fréquentation
Jérôme Brunetière a décidé payante cette saison, soit dix points de plus que lors de la précédente, sur
de recréer un poste de directeur un nombre de représentations certes revu à la baisse pour faire des économies ;
musical à l’Opéra de Toulon pour une moyenne d’âge abaissée à quarante-quatre ans pour les acheteurs de billets
consolider le développement de à l’unité… Il semble que le pari audacieux de Peter Gelb sur l’opéra contemporain
l’orchestre maison et l’a confié au soit en partie payant : en décembre, l’ouvrage consacré à Malcolm X par Anthony
Lillois Victorien Vanoosten, ancien Davis (né en 1951) a clôturé une série
© JULIEN MIGNOT

assistant de Daniel Barenboim qui

s’est fait un nom à l’étranger.
de huit représentations avec un taux
de remplissage de 78 %… mieux que
La Bohème (74 %) ! Mais Dead Man
© WIKIPEDIA COMMONS / AJAY SURESH

Le violoncelliste Walking de Jake Heggie (né en 1961),

Raphaël Merlin, après deux largement entré au répertoire
décennies de présence au des théâtres lyriques américains,
sein du Quatuor Ebène, avait déçu en ouverture de saison,
y a cédé sa place à Yuya avec ses 62 % de fréquentation… Pas
Okamoto, jeune
trentenaire qui avait
de quoi détourner de ses intuitions
remporté un 2e Prix au Peter Gelb, qui programmera encore
Concours Reine Elisabeth en 2017. quatre titres d’aujourd’hui en
2024-2025, après six cette saison. B.F.
Le Philadelphia Orchestra et son
directeur musical Yannick Nézet-
Séguin accueilleront Marin Alsop A L’AGENDA
comme première cheffe invitée

E
pour trois saisons à compter t de dix ! France Musique lance en ce début de mois une nouvelle webradio thématique
de septembre prochain, au poste pour compléter l’offre conçue par Olivier Leborgne, Robert Rudolf et Benjamin Hertz
qu’occupe actuellement Nathalie (« Baroque », « Classique Easy », « Classique Plus », « Concerts Radio France », « Contem-
© GREGOR HOHENBERG / SONY MUSIC

Stutzmann. poraine », « Films », « Jazz », « Ocora », « Opéra »). Avec plus de 1,1 million d’écoutes
mensuelles en moyenne en 2023, les neuf webradios existantes
Adrien Perruchon a été reconduit représentent près de 40 % de l’écoute live de France Musique
pour les trois prochaines saisons en ligne. Mais curieusement, le piano n’avait pas encore sa
en tant que directeur musical « chaîne». Absence comblée avec la webradio « Piano Zen »,
de l’Orchestre Lamoureux, dont produite par le même trio de programmateurs, et qui offre à
il a pris la tête en 2021. son lancement 1115 morceaux représentant 72 heures d’écoute.
Le piano solo y sera roi, sans négliger la petite formation ou
le concerto. Les œuvres dédiées au clavier voisineront avec
Le ténor Jonas Kaufmann les transcriptions, les répertoires classiques, romantiques et
s’est vu remettre l’insigne
modernes avec les minimalistes, les bandes originales de film,
de chevalier de la Légion
d’honneur, en janvier, le jazz, les musiques actuelles… On l’aura compris, France Mu-
© STEPHANE GUENET

lors d’une réception sique assume le positionnement d’une webradio « d’ambiance »,

à l’ambassade de France pour aider l’auditeur à « se détendre, travailler, rêver et se faire
à Vienne. du bien ». Avec en ligne de mire le succès de la proposition
« baroque », qui affiche à elle seule en moyenne 300 000 écoutes
mensuelles. Dix fois plus que la « contemporaine ». B.F.

12 I
 FREDERIC CHOPIN
LES NOCTURNES SECRETS
NICOLAS HORVATH

PHOTOS ANDY JULIA

INFOS ET RESERVATIONS
LABEL1001NOTES.COM - GAVEAU.COM - FNAC.COM
 ● coulisses

ENTRÉE DES ARTISTES

Simone Young sera la première
Crépuscule boréal
femme à diriger le Ring l’été Des accusations de violences sexuelles et d’emprise
prochain au Festspielhaus sur des jeunes filles ont émergé contre l’ancien chef d’un prestigieux
de Bayreuth, dont
la « fosse mystique » chœur d’enfants et d’adolescents du nord de la France.
accueillera ainsi
davantage de femmes
que d’hommes
puisqu’elles seront trois

A
près Denis Dupays, ancien directeur filles qu’il aurait abusées en se comportant avec
© BERTOLD FABRICIUS

avec Oksana Lyniv musical de la Maîtrise de Radio elles comme un quasi-gourou.

(Le Vaisseau fantôme) et Nathalie
Stutzmann (Tannhäuser).
Arthur Hinnewinkel, pianiste
français de vingt-quatre ans,
a remporté, lors des Sommets
musicaux de Gstaad, le Prix
Thierry Scherz du meilleur récital
dans le cadre des concerts
« jeunes talents », ainsi que le prix
André Hoffmann de la meilleure
exécution d’une œuvre nouvelle
© SIMON PAULY
France, un autre chef renommé dans
le milieu français des chœurs
d’enfants, Bernard Dewagtere, est l’objet de
soupçons de violences sexuelles et d’emprise
sur des mineures. Le 21 janvier, le journal
Le Parisien révélait que ce musicien avait été
mis en examen par un juge en mars 2023 pour
« atteinte sexuelle » et « viol par personne ayant
autorité », concernant des faits remontant
aux années 1990 et au début de la décennie
suivante. Né en 1958, le mis en cause dirigeait
la Maîtrise boréale, chœur d’enfants et d’ado-
Il est à noter que, dans ce dossier, les institu-
tions ne sont pas restées inactives. A la suite
d’un signalement à l’association régionale
Domaine Musiques, qui supervisait la maîtrise,
Bernard Dewagtere a été licencié en 2005.
Une enquête judiciaire a été confiée à la brigade
des mineurs de Lille, qui a entendu près de
soixante personnes entre 2005 et 2008, un tiers
d’entre elles évoquant des comportements pour
le moins inappropriés. L’affaire avait été
classée sans suite, mais une plaignante s’est
constituée partie civile l’an dernier, ce qui a

signée Karol Beffa. lescentes alors florissant dans le Nord – le permis de relancer le dossier et de le voir
disque garde trace de collaborations avec les confier à un juge d’instruction. Une deuxième
maîtres baroques Jean-Claude Malgoire et plainte a été déposée en juin 2023. Le mis en
Lionel Bringuier retrouvera
un poste de directeur Gabriel Garrido. L’enquête du Parisien estime cause, présumé innocent au regard de la loi,
musical en septembre à dix-sept le nombre de ses victimes, des jeunes garde le silence. B.F.
2025, à la tête
de l’Orchestre
philharmonique royal
de Liège, qui lui a offert
un contrat de quatre saisons.

Florence Martin prend

la direction artistique de la Cité
musicale-Metz, qui regroupe
l’orchestre et les trois salles
de la ville, dont l’Arsenal, que
quitte Michèle Paradon après
© MICHAEL PÖHN

trente-six ans aux commandes.

L’Autrichien Franz Welser-Möst

a annoncé qu’il laisserait
la direction musicale
du Cleveland Orchestra
en juin 2027, après avoir
© GETTY IMAGES / MATTABBE

présidé à ses destinées

pendant vingt-cinq ans
(une saison de plus que
George Szell !) et recruté
la moitié de ses cent cinq
musiciens.

14 I
ALPHA 772 ALPHA 1019

ALPHA 1008 ALPHA 1021 ALPHA 1028

ALPHA 1046 STRAUSS QUATRE DERNIERS LIEDER ALPHA 1020 ALPHA 1012
MARKUS HINTERHÄUSER, PIANO
ORCHESTRE PHILHARMONIQUE DE RADIO FRANCE
MIKKO FRANCK
 ● coulisses

Casse-tête viennois
La cheffe ukrainienne Oksana Lyniv a peu goûté l’idée de partager l’affiche du prochain Festival de Vienne
avec son collègue russe Teodor Currentzis, dans le contexte de la guerre menée par Moscou contre Kiev.

L
es Wiener Festwochen l’ont pensé qui se rendent à Vienne depuis l’Ukraine
comme un ambitieux diptyque. en guerre, d’être placée dans le voisinage
Le grand festival viennois de musique de Teodor Currentzis », a déclaré la cheffe
et des arts du spectacle et visuels au magazine allemand Crescendo, même
a programmé le 2 juin, au Konzerthaus, s’il n’est pas prévu qu’elle croise son
le Kaddish Requiem « Babyn Jar » du com- collègue. Currentzis est accusé a minima
positeur ukrainien Yevhen Stankovych (né d’ambiguïtés à l’égard du régime de
en 1942), dirigé par sa compatriote Oksana Vladimir Poutine, alors que son orchestre
Lyniv à la tête de l’Orchestre symphonique MusicAeterna a reçu le soutien de la puis-
de Kiev. Dix jours plus tard, au Burgtheater, sante banque VTB – aujourd’hui sous
c’est le War Requiem de Benjamin Britten le coup de sanctions internationales –
que doit assumer le Gréco-Russe Teodor et a été parrainé par le géant de l’énergie
Currentzis, au pupitre notamment du SWR à capitaux publics Gazprom.
Symphonieorchester.
« Avec la programmation simultanée de Solution commune
Lyniv et Currentzis, tous deux inévitablement « Les liens de Teodor Currentzis avec la
perçus comme des représentants de leur Russie et son silence sur la guerre contre
pays respectif depuis le début de l’agression mon pays font qu’il m’est actuellement
© OLEH PAVLIUCHENKOV / JULIA WESELY

militaire russe contre l’Ukraine, la question impossible de me produire dans le

sera posée de la responsabilité et des limites de l’art en tant qu’espace
utopique », a justifié sur son site Internet la manifestation, désireuse
de mettre au centre de l’attention « la mémoire et l’actualité de la guerre
et des massacres ». Deux productions majeures de Requiem unies par
un abonnement commun et un objectif de « compréhension » mutuelle
et de « réconciliation », ont fait valoir les organisateurs.
Mais Oksana Lyniv ne l’entend pas ainsi. « Je ne peux pas prendre
la responsabilité, vis-à-vis des près de 150 musiciennes et musiciens
même cadre que lui », a développé Oksana Lyniv. « J’espère vrai-
ment que nous trouverons une solution commune avec les Wiener
Festwochen dans les semaines à venir. »
Début février, l’intendant du festival autrichien, le metteur en scène
suisse Milo Rau, assurait que le Kaddish Requiem ukrainien resterait
au cœur de cette édition 2024, en ajoutant qu’il ne « s’accrocherait pas
au reste » de la programmation. Et en demandant un peu de temps
pour trouver une solution à ce conflit artistico-diplomatique. B.F.

Elle a dit
En décembre dernier, « la pratique du chant
lyrique en Italie » a été inscrite sur la liste
représentative du patrimoine culturel immatériel
de l’humanité par l’Unesco. L’annonce a « ravi »
la soprano américaine LISETTE OROPESA,
qui triomphe sur les plus grandes scènes.
La jeune quadragénaire s’en est ouverte
dans un entretien publié le 20 janvier par
le New York Times, estimant que « toute
opportunité de mettre l’opéra et la musique
classique sous les projecteurs est importante ».
Pour la chanteuse, l’art lyrique n’est pas moins
© STEVEN HARRIS
« C’est ce qui est spécial », estime-t-elle. Hélas,
« l’opéra peut souvent être associé
au stéréotype d’une pièce de musée archaïque.
Nous le voyons aujourd’hui comme très élitiste »
alors qu’il était jadis « une forme d’art
populaire », fait-elle valoir, en déplorant que cet
art, aujourd’hui, ne soit « pas commercialisé
correctement ». Or, « neuf fois sur dix »,
c’est la musique, « tout simplement divine »,
qui « fait vendre à l’opéra ».
Lisette Oropesa veut tout de même croire qu’en
Europe « cette forme d’art perdurera car il y a

que « la dernière forme d’art véritablement un financement » public « pour cela ». Au rebours
humaine » car il est « non amplifié » et tout, des Etats-Unis, où le secteur dépend de la
de la partition aux costumes et à l’espace générosité privée de philanthropes, « modèle
acoustique, y est « conçu par des humains ». économique largement insoutenable ». B.F.

16 I
 ILS NOUS ONT QUITTÉS
JEAN-MARIE VILLÉGIER
Metteur en scène, né en 1937
Né le 4 juillet 1937 à Orléans,
Jean-Marie Villégier est
d’abord élève de l’Ecole
normale supérieure, agrégé
de philosophie et universitaire.
C’est pourtant vers
les planches que son cœur
le porte, et après deux mises
en scène pour l’Ecole
du Théâtre national
de Strasbourg, il est, de 1973
à 1981, l’un des responsables
du Centre de dramaturgie
© DR
de l’Opéra de Paris. Sa première mise en scène lyrique :
une Cenerentola de Rossini à La Monnaie en 1983. Il signe
ensuite deux spectacles à la Comédie-Française, dont l’entrée
au répertoire de La Mort de Sénèque de Tristan L’Hermite
(1984). Le succès incite Alain Pacquier à confier à Villégier
Le Couronnement de Poppée donné à Nancy et à Metz (1985),
avec au pupitre un certain Gustav Leonhardt.
A l’approche de 1987, Villégier et William Christie sont choisis
pour célébrer le tricentenaire de la mort Jean-Baptiste Lully.
La coproduction implique Paris, Florence, Montpellier et Caen ;
les deux hommes ont carte blanche pour faire leur choix parmi
les œuvres du tandem Lully/Quinault : ce sera Atys.
Le spectacle, créé en Italie en 1986, repris ensuite en France,
n’est pas une reconstitution – « décor unique et sans
machines », rappelait le metteur en scène dans nos colonnes
en décembre 2006 – mais une évocation du XVIIe siècle, avec
des costumes magnifiques, les danses « baroques » confiées
à la spécialiste d’alors Francine Lancelot. La suite est connue :
« public en liesse, rideau sur rideau ». La production devient
mythe, elle est reprise et même exportée à New York en 1989 !
L’histoire de Villégier avec la musique se poursuit avec
Le Malade imaginaire donné avec tous les intermèdes en 1990
au Châtelet (avec Christie à nouveau), puis un diptyque La Fée
Urgèle de Duni / La Répétition interrompue de Favart (1991,
avec Les Arts Florissants mais sans Christie). Parallèlement
aux mises en scène de pièces parlées, il y a encore Médée
de Charpentier (Opéra-Comique, 1993), puis Hippolyte
et Aricie, cette fois au palais Garnier (1996). Villégier signe,
en collaboration avec Jonathan Duverger, une Rodelinda
de Handel (Glyndebourne, 1999), un Béatrice et Bénédict de
Berlioz (Opéras de Lausanne, Bordeaux et Strasbourg, 2002-
2005), puis un Jephtha de Handel (Strasbourg et Bordeaux,
2009). C’est aussi avec Jonathan Duverger (et encore Christie)
que Jean-Marie Villégier fait son retour à la Comédie-Française
pour Le Sicilien et L’Amour médecin de Molière (2005-2006).
En 2011, suite à la commande d’un mécène américain qui
souhaite revoir Atys, le spectacle « originel » est repris par
Villégier lui-même. Ce seront presque les adieux à la scène
du maître. Il nous a quittés dans la nuit du 22 au 23 janvier,
à l’âge 86 ans. Loïc Chahine
EWA PODLES
Contralto, née en 1952
Elle possédait une tessiture immense, un timbre sombre et très
reconnaissable, une agilité exceptionnelle. Autant de qualités
qui en faisaient un grand contralto drammatico d’agilità, et qui
ont amené certains à la qualifier de « force de la nature ».
Ewa Podles naît à Varsovie le 26 avril 1952. Elle étudie
à l’Académie de musique de sa ville natale, et fait ses débuts
en Rosina dans Le Barbier de Séville en 1975. Sa carrière met
du temps à décoller. C’est avec le répertoire baroque qu’elle
montera pour la première fois sur la scène du Metropolitan
Opera de New York, dans le rôle-titre du Rinaldo de Handel
en 1984. La même année, à Aix-en-Provence, les débuts français
sont difficiles : son timbre fauve et corsé semble surdimensionné
pour la Rosine du Barbier de Séville. Mais le Rinaldo de Handel
qu’elle chante au Châtelet un an plus tard fait sensation.
Si l’Opéra de Paris l’invite peu, sa Dalila dans le chef-d’œuvre
de Saint-Saëns, en 1991, est dans toutes les mémoires.
En 1999, Rinaldo lui vaut un nouveau triomphe, lors d’une
tournée dirigée par Christopher Hogwood, avec Cecilia Bartoli,
où elle remplace le contre-ténor David Daniels. En 2011,
elle sera aussi une faramineuse Madame de La Haltière
dans la Cendrillon de Massenet dirigée par Marc Minkowski
à l’Opéra-Comique, mais aussi à Covent Garden avec Bertrand
de Billy, dans le spectacle si poétique de Laurent Pelly (la vidéo
en témoigne, DVD Erato). Au total, Podles aborde un vaste
répertoire, de Handel à Chostakovitch en passant par Chopin,
Moussorgski et Rossini – elle incarna entre autres les rôles-titres
de Tancredi, la couleur de sa voix la destinant idéalement aux
personnages travestis, ou de Ciro in Babilonia (Pesaro, 2012).
Elle connaît un sublime automne, mettant à son répertoire
© WIKIMEDIA / ANDRZEJ SWIETLIK
Mrs Quickly (Falstaff de Verdi), Clytemnestre (Elektra de Stauss)
ou la Comtesse (La Dame de pique de Tchaïkovski),
avant d’interrompre sa carrière en 2017, après avoir incarné
la marquise de Berkenfeld dans La Fille du régiment
de Donizetti à Barcelone. Auparavant, les éditions Symétrie
avaient publié sa biographie rédigée par Brigitte Cormier.
Ewa Podles laisse une discographie abondante, participant
à plusieurs intégrales d’opéras qui
font référence, notamment sous
la baguette de Marc Minkowski :
Polinesso dans Ariodante
de Handel, La Haine dans Armide
de Gluck (Archiv l’un et l’autre,
1997 et 1999), L’Opinion publique
dans Orphée aux enfers (Emi,
1998). Outre son enregistrement
des mélodies de Chopin avec
le pianiste Abdel Rahman El Bacha
(Forlane, 1999), signalons son
excellent Tancredi de Rossini avec
Alberto Zedda (Naxos, 1995).
Ewa Podles s’est éteinte
ce 19 janvier, à l’âge de 71 ans.
L.C. et E.D.
I 17
● tête d’affiche
Alexis Kossenko
Le mot et la note
Après avoir festoyé au disque chez le comte d’Artois, glanant au passage un Diapason d’or,
Alexis Kossenko s’apprête à se mesurer à une partition quasi mythique : Atys de Lully.
i la variété est une
vertu, Alexis Kossenko
la possède au plus
haut point. Aussi à
l’aise sur instruments anciens que
modernes, le flûtiste devenu chef
explore un large répertoire, du Grand
Siècle français à l’aube de la moder-
nité, en soliste comme à la tête des
Ambassadeurs – La Grande Ecurie
dont il a uni les destins en 2020.
Alexis Kossenko : Réunir un en-
semble jeune et un bien installé, c’est
associer deux héritages, deux façons
d’aborder la musique, même si je me
retrouve dans la manière de Jean-
Claude Malgoire. Dans Les Ambassa-
deurs, j’avais accueilli, à dessein, des
musiciens de nationalités, d’horizons
différents, pour ne pas avoir d’effet
« d’école », toujours à craindre quand
les gens ont reçu la même formation.
L’avantage de cette diversité est que le
seul langage qu’on peut adopter afin
d’obtenir une cohérence est celui que
l’on construit ensemble. Je pense que
cette méthode contribue à donner
aujourd’hui à l’orchestre une identité
sonore reconnaissable, généreuse, vo-
luptueuse. Elle autorise aussi, pour des
projets comme le « Festin royal » [Dia-
pason d’or, cf. no 725], à jouer avec des
effectifs qui permettent aux œuvres
de se révéler – ainsi me sont apparues
toutes les qualités de Francœur.
18 I
PAR JEAN-CHRISTOPHE PUCEK
Que représente pour vous
de diriger Atys, si emblématique
du « renouveau baroque » ?
A.K. : J’avais dix ans lorsque Les Arts
Florissants ont ressuscité Atys, je ne
l’ai donc connu que plus tard. Ce fut
un choc, parce que cette musique
s’est mise à parler non seulement sur
le plan sonore mais aussi sur le plan
visuel. Il y avait un tout qui faisait
sens, donnait une puissance drama-
tique, loin de toute impression
décorative. Cet héritage est imposant.
Il nous a obligés, avec le Centre de mu-
sique baroque de Versailles, à bien
considérer ce que nous pouvions ou
devions apporter à cet opéra, le plus
connu de Lully.
Que sera donc votre Atys ?
A.K. : Nous donnons une version de
concert, enrichie du ballet pour les re-
présentations d’Avignon et Tourcoing,
fondée de façon très stricte sur la créa-
tion à la cour. Ce n’est pas de faire
différent à tout prix qui m’anime, mais
je cherche à savoir pourquoi je fais les
choses, sans forcément me contenter
de reproduire ce qui m’est familier.
J’ai donc tenu à documenter tous les
aspects de la pratique en m’appuyant
sur les avancées musicologiques. Cette
interrogation des sources – il y a
plusieurs façons de les lire, j’en ai
conscience – a conduit à des choix qui
surprendront sans doute. Ainsi, la
constitution très claire d’un « petit
chœur » (un continuo de sept instru-
mentistes jouant ensemble, pas en
alternance, qui ne se joignait d’ordi-
naire pas aux pièces d’orchestre) et
son d’un « grand chœur » (orchestre
actualité fondé sur les vingt-quatre violons qui
joue pour les divertissements), ou
EN SCÈNE l’usage, que révèle le livret, de la poly-
Lully : Atys. choralité. Nous avons eu, avec Benoît
Véronique Gens, Dratwicki et d’autres musiciens et
Sandrine Piau,
chercheurs, une réflexion approfon-
Mathias Vidal…
Les die sur la déclamation, sur la place
Ambassadeurs – des agréments, sur l’usage des instru-
La Grande Ecurie. ments, plus parcimonieux mais donc
Avignon, Opéra, plus « extraordinaire » que ce à quoi
le 10 mars. on s’attend, sur leur congruence – les
Tourcoing, vents, en particulier, qui subissent
Théâtre Raymond entre 1660 et 1680 une métamor-
Devos, le 17 mars. phose radicale, ce qui a nécessité re-
Paris, Théâtre des
cherche et reconstruction de « chaî-
Champs-Elysées,
nons manquants ». Tout ceci sans
le 26 mars
perdre de vue la question de savoir en
EN DISQUE quoi le langage de Lully a été nova-
Mondonville : teur, révolutionnaire, puissamment
Le Carnaval dramatique, tranchant avec les
du Parnasse. genres qui ont précédé : air et ballet
CVS (parution de cour ou pastorale.
le 12 avril)
Rameau, Lully, Mondonville
bientôt avec l’inédit Carnaval
du Parnasse : d’où vient votre
attachement si prononcé pour
l’opéra baroque français ?
A.K. : Le fait que je sois flûtiste, donc
souffleur, m’a toujours fait ressentir
le besoin de chanter, mieux, de parler
avec mon instrument. Convaincu que
toute musique est éminemment rhé-
torique et nous raconte quelque chose,
je mets au centre de tout le rapport
entre le mot et le son. Pour moi, le tra-
vail sur la langue, en particulier
française, est un régal de tous les ins-
tants. L’exigence de faire sonner le
mot avant toute chose, de transmettre
en premier, avant même le chant, sa
beauté, son rythme, sa couleur, me
gouverne. Mon goût pour ce réper-
toire s’ancre là, mais j’applique aussi
ce principe à d’autres.

A Mozart, par exemple, dont vous

allez diriger la Messe en ut mineur
et Don Giovanni ?
A.K. : C’est presque une obligation
sociale d’aimer Mozart… mais il m’a
fallu très longtemps pour l’aimer
librement, et savoir pourquoi. Ce qui
a été fondamental pour moi est d’avoir
dirigé trente fois Les Noces de Figaro
ou enregistré ses concertos pour
flûte : son génie réside dans l’intuition
immédiate d’une théâtralité qui est
celle de la vie humaine dans tous ses
aspects, et d’une mise en scène de tout
ce qu’il écrit. Quand on met ses pas
dans ceux de Mozart, il y a une com-
préhension progressive de son instinct
parfait, dès le plus jeune âge, de ce
qu’est l’humanité, le grand théâtre de
l’existence – et il touche toujours juste.

Vous nourrissez aussi des

affinités avec Mendelssohn dont
vous enregistrez les symphonies.
A.K. : Il me transporte littéralement.
Il reste encore trop déconsidéré
© AURÉLIE REMY

aujourd’hui, sans doute parce qu’il est

né avec une cuiller en or dans la
bouche. Cela donne l’impression que
sa musique est facile, ce contre quoi je
m’élève. Au fond, il avait un esprit plus
torturé qu’on le pense, était toujours
insatisfait de ses œuvres – il suffit de
voir le nombre de versions pour cer-
taines d’entre elles. Sa musique n’est
pas qu’élégante ; Berlioz ne tarit
d’ailleurs pas d’éloges à son propos.
Il est sans doute celui qui a le mieux
compris l’orchestre à son époque.
J’ai hâte de diriger sa Première Nuit
de Walpurgis où il est à son meilleur.
Au concert, vous vous lancez
aussi dans les cantates de Bach.
A.K. : A mes yeux, il faut traiter cha-
cun de ces joyaux comme si elle était
la Passion selon saint Matthieu. J’ai
aussi la chance de les jouer avec Gli
Angeli ; je ne cesse de m’émerveiller
des trésors, des mystères de cette mu-
sique. Je me suis peu à peu rallié, en
l’étudiant en profondeur, à l’interpré-
tation avec chœur de solistes qui me
semble étayée par toutes les sources
documentaires. C’est, à mes yeux, tout
sauf une solution « peau de chagrin »
si l’on réussit à se mettre dans les
conditions de l’époque : autour du
grand orgue, en tribune, avec les chan-
teurs qui projettent vers l’assemblée.
Revenir à ce que Bach entendait par
« chœur » n’affaiblit pas sa musique
mais, au contraire, me semble exacer-
ber son souffle dramatique. ◼

I 19
● tête d’affiche
Pierre Bleuse
Initiales P.B.
La saison de l’Ensemble Intercontemporain débutait en septembre dernier sous sa direction.
Après un chef compositeur, c’est un chef instrumentiste qui apporte ses projets,
sa conception du concert et une autre façon de vivre l’orchestre de l’intérieur.
ssu d’une famille musicienne
– père compositeur, mère chan-
teuse –, Pierre Bleuse com-
mence le violon à l’âge de six
ans. Si son environnement le porte
vers l’exigence artistique, il n’entre-
tient guère le culte de la compétition
– ce rapport dédramatisé à la musique
semble aujourd’hui encore guider la
pratique du chef.
Rythmées par des allers-retours entre
la région parisienne et Toulouse, sa
formation et son activité profession-
nelle n’ont jamais porté le jeune violo-
niste vers la sédentarité. Dix ans après
des études au Conservatoire de Paris
prolongées par une année à Berlin,
de plus en plus attiré par la direction,
il se forme en 2011-2012 auprès du cé-
lèbre pédagogue Jorma Panula. Sur
ses conseils, il prend ex abrupto la déci-
sion de quitter l’Orchestre de chambre
de Toulouse dont il était violon solo.
Du maestro finlandais, il se souvient
du critère rédhibitoire selon lequel
l’élève sera accepté ou renvoyé dans
ses pénates : « Si vous n’êtes pas là
pour aider l’orchestre, au revoir ! »
Après Helsinki, il perfectionne sa pra-
tique de la direction à la Haute Ecole
de musique de Genève auprès de
Laurent Gay, dont il devient l’assistant.
En 2020, alors que sa carrière de chef
bat son plein, qu’il vient de prendre la
direction du Symphonique d’Odense
au Danemark, il est nommé directeur
artistique du Festival de Prades, « un
20 I
PAR PIERRE RIGAUDIÈRE
de ces hasards de la vie » lié peut-être
aux origines catalanes héritées de son
grand-père maternel.
Succédant à Matthias Pintscher à la
direction de l’Ensemble Intercontem-
porain, Pierre Bleuse ne cherche pas
à « casser ce qui a été fait avant, car
il y a eu des choses remarquables »,
mais ressent le besoin de « mettre une
âme » dans ses projets avec les musi-
ciens. Son début de saison a donné
des indices sur la façon dont il entend
éviter de « s’enfermer dans une façon
de faire ». La création de Polyptich:
Mnemosyne de James Dillon, compo-
siteur écossais dont il apprécie « le sens
du temps long », lui permet d’« aller
à rebours de notre siècle et de ses in-
jonctions ». Il se réjouit d’avoir fait, en
octobre dernier, sa première plongée
dans l’imposant cycle des Espaces
acoustiques de Gérard Grisey en com-
pagnie des étudiants du Conservatoire
voisin : « depuis que j’ai vingt ans, je
monte des projets avec des plus jeunes,
et j’ai besoin de cette transmission. »
Prise de risques
Il se méfie de l’hyperspécialisation, car
« avec trente et un solistes multifonc-
tions, le revers de la médaille, c’est
qu’on est parfois un peu enfermé sur
soi. » Et cherche de nouvelles sources
d’inspiration, comme on a pu le
constater avec l’invitation de la violo-
niste Patricia Kopatchinskaja dont le
fil conducteur initialement envisagé,
les Fantaisies de Purcell, a dévié vers
l’Offrande musicale pour s’insérer
dans un week-end Bach de la Philhar-
monie de Paris. Le chef corrèle le sens
à la prise de risques : « Avec Patricia,
on ne sait pas où on va avant de com-
mencer, et dans une institution, il n’est
pas toujours facile d’apprécier jusqu’où
on peut aller. » Un ensemble comme
l’EIC amène inévitablement des
son contraintes, « au milieu desquelles
actualité il faut trouver comment aménager
EN SCÈNE son espace créatif. »
Œuvres de
Suarez-Cifuentes, Rien n’est figé
Urquiza, Larcher,
Son parcours plaide pour l’ouverture :
Saunders, David,
Corrado. membre des ensembles TM+ et Court-
Ensemble Circuit, où il a développé le goût des
Intercontemporain. œuvres fraîchement composées, il a
Paris, Cité aussi joué en quatuor à cordes, exploré
de la musique,
le répertoire baroque. Avec l’Orchestre
le 29 mars.
philharmonique royal de Stockholm,
en octobre dernier, il a présenté, après
Wagner, le Concerto pour violon de
Ligeti et la Symphonie de Chausson.
Le premier n’y avait pas été joué de-
puis 1998, la seconde depuis 1957.
« C’était comme des créations et les
musiciens étaient heureux de décou-
vrir ces œuvres ! »
Avec les orchestres, il veut éviter
de s’enfermer dans des certitudes.
« Quand on vient de jouer Grisey, on
ne regarde plus la musique du passé
avec les mêmes yeux. Le Urtext m’a
intéressé dans ma pratique de la mu-
sique baroque, mais lorsqu’il devient
 En dates
1979 : naissance à
Boulogne-Billancourt.
1990 : départ pour Toulouse,
dont il intègre le Conservatoire
à rayonnement régional.
2002 : 1er prix de violon
au CNSM de Paris.
2005 : violon solo et chef associé
de l’Orchestre de chambre
de Toulouse.
2010 : commence ses études
en direction d’orchestre.
2012 : début d’une collaboration
avec l’Orchestre du Capitole
de Toulouse.
2016 : débuts en tant que chef
aux Etats-Unis avec l’Orchestre
symphonique de l’Utah, suivis
de nombreuses invitations
partout dans le monde.
2021 : directeur musical
du Symphonique d’Odense,
directeur artistique du Festival
de Prades.
2023 : succède à Matthias
Pintscher à la tête de l’EIC.

une bible et engendre une lecture ri- par la musique de chambre qui s’ex- s’est lié d’amitié avec Michael Jarrell :
© JULIA SEVERINSEN/CARL NIELSEN FESTIVAL

gide, alors on se trompe à nouveau. En
travaillant aujourd’hui avec des com-
positeurs, je me rends compte à quel
point ce n’est pas figé. » Il a d’ailleurs
pris l’habitude de ne plus rien inscrire
sur ses partitions. « Si je fixe ma vision
des choses à un moment donné, j’irai
certes plus vite en revenant à cette
pièce dans quelques années, mais j’au-
rai changé et ce qui a été noté ne me
correspondra peut-être plus. »
Avec l’EIC, le chef aime « parler de son,
de phrasé, de respiration ». Il tient à
approcher la création sans « se faire
avaler par la complexité et par la seule
recherche d’efficacité, mais en allant
chercher la substance ». Au pupitre,
il recourt parfois à des gestes « très
droits, qui suscitent une réponse im-
médiate et objective », cherche aussi
à amener les musiciens à une plus
grande écoute en se servant du « non-
geste et de la non-précision » qui, au
prix de moments plus risqués, créent
une ouverture par laquelle parfois
la magie arrive. C’est ici le chef formé
prime et fait sienne la ligne de conduite
de Claudio Arrau, selon qui le musicien
doit « être humble et laisser passer la
musique à travers lui ».
Ouvrir les oreilles
Le travail préparatoire au concert sert
à « être dans l’écoute, à ne pas trop
s’attendre à ce qui va se passer, à ac-
céder à un espace de liberté ». Quant
à la justesse, « c’est l’intelligence hu-
maine de l’écoute de l’autre », pour lui
une question fondamentale et indisso-
ciable du son : « si on se concentre sur
le son, on déplace le problème et la jus-
tesse vient d’elle-même. » De son expé-
rience du violon baroque, il retient le
travail avec la matière du boyau, qui
a ouvert son imaginaire à des couleurs
qu’il essaie parfois de reproduire.
Dans son appétit de création, Pierre
Bleuse est guidé par des rencontres
avec des compositeurs qu’il peut ad-
mirer quel que soit leur langage et
qui l’inspirent dès lors qu’il sent « un
créateur, un architecte ». A Genève, il
« J’ai senti cette force créatrice, cette
puissance d’imagination. C’est un des
grands compositeurs de ce siècle,
et on va le retrouver dans nos pro-
grammes ! » Plus récemment, c’est la
découverte d’Hèctor Parra qui l’a mar-
qué, en dirigeant son opéra Orgia :
« Il est doté d’un langage personnel
très fort, d’une connaissance aiguë de
la voix et du patrimoine. Son sens de
la dramaturgie m’a bouleversé. » Puis,
à Vienne, il a fait ses débuts avec l’or-
chestre Tonkünstler dans le Concerto
pour violon de Thomas Larcher, lequel
lui a demandé de diriger à Hambourg
une soirée portrait – le chef a pro-
grammé dans la saison de l’EIC une
pièce pour soprano et ensemble.
Pierre Bleuse reconnaît volontiers
la dimension spirituelle de son idéal
artistique : « Si la musique m’a à ce
point avalé, c’est que j’y ai vu un moyen
de communiquer avec l’invisible,
une sorte de communication suprême.
Ça fait partie de ma sensibilité ; j’aime
ce qu’on ne peut pas toucher. » ◼

I 21
HISTOIRE

Tout sur le Boléro

22 I
 Bientôt un siècle que sa ritournelle obsédante
a conquis la planète entière. Œuvre hors norme,
le Boléro n’en finit pas d’inspirer les artistes
de toutes disciplines, comme en témoigne
un film d’Anne Fontaine qui sort ce mois-ci.
De leur genèse au feuilleton rocambolesque
des droits d’auteur, dansées, filmées ou
enregistrées, retraçons l’histoire de ces quelque
trois cent quarante mesures qui, sous une
apparente simplicité, font voler en éclats les lois
du rythme, de la mélodie, de la tonalité.
PAR GILLES SAINT ARROMAN, ANNE IBOS-AUGÉ,
MARTINE KAHANE, EMMANUEL DUPUY,
IVAN A. ALEXANDRE, FRANÇOIS LAURENT, VINCENT AGRECH

n 1928, Maurice Ravel Enrique Arbos, a déjà entrepris d’or-

est au sommet de sa
gloire. De janvier à avril,
il effectue une tournée
triomphale en Amérique du Nord
et fête à New York, le 7 mars, son
cinquante-troisième anniversaire.
En juin, le sculpteur Léon Leyritz lui
remet le buste qu’il a réalisé de lui.
Au mois d’octobre, il est fait docteur
honoris causa de l’université d’Oxford.
Et en novembre, son Boléro fait sensa-
tion lors de sa création à l’Opéra de
Paris. Promise à un succès planétaire,
l’œuvre a pourtant connu une genèse
mouvementée.
Avant son départ pour le Nouveau
Monde, Ida Rubinstein, ancienne
vedette des Ballets russes de Serge
Diaghilev, a commandé à Ravel la mu-
sique d’un ballet espagnol. A son
retour, ils conviennent ensemble qu’il
orchestrera six fragments d’Iberia,
BOLERO_BBL- ©-MARC-DUCREST
chestrer Iberia pour une autre célèbre
danseuse, la Argentina. Nullement
troublé par cette nouvelle au départ,
Ravel se convainc bientôt que son tra-
vail est compromis. Rentré précipi-
tamment à Paris afin d’en aviser Ida,
il lui vient une idée : reprendre un pro-
jet conçu trois ans plus tôt, mais jamais
réalisé – « crainte d’être saboté » écrit-
il, énigmatique. Divers indices portent
à croire qu’il s’agit d’un Fandango, pri-
mitivement destiné à un autre ballet
espagnol, Le Portrait de l’infante, dont
une danseuse de l’Opéra-Comique lui
a confié la composition en 1923.
Effet d’orchestre
Ce ballet n’ayant pas été représenté,
il pourrait avoir songé dès 1925 à
développer ce Fandango de manière
autonome. Car c’est de cette danse
qu’il est question dans sa correspon-

chef-d’œuvre pianistique d’Isaac Albé-
niz. Fin juin, le musicien part pour
son Pays basque natal, en compagnie
du pianiste et compositeur cubain
Le Béjart Ballet Lausanne
reprenant la chorégraphie Joaquin Nin. Mais que lui apprend ce
mythique conçue par son dernier, sur la route de Saint-Jean-de-
fondateur en 1961. Luz ? Qu’un chef d’orchestre espagnol,
dance d’août 1928, avant qu’il n’opte
pour le titre de Boléro. Ecrite en
un temps record au Belvédère de
Montfort-l’Amaury, la partition est
achevée le 15 octobre 1928.
Ravel a-t-il été incité par l’urgence de
la situation à juger le moment propice

I 23
● Tout sur le Boléro
pour réaliser cette œuvre hors
normes qui, selon ses propres termes,
ne contient « pas de musique, pas de
composition : seulement un effet d’or-
chestre » ? On peut le penser. Il reste
ainsi fidèle au projet initial d’une
« simple » orchestration. Tout Ravel
est pourtant dans le Boléro : son goût
pour les défis, son amour de
l’Espagne et de la danse, son génie
d’orchestrateur et sa fascination pour
la mécanique, héritée de son père in-
génieur et partagée à la même époque
par un Honegger (Pacific 231) ou un
Prokofiev (Le Pas d’acier). Lui qui,
aux Etats-Unis, a tenu à visiter les
usines Ford ne déclare-t-il pas que le
Boléro lui a été inspiré par une usine
du Vésinet (Yvelines), et qu’il rêve
pour son ballet d’un décor indus-
triel ? Confirmant sa passion des ma-
chines, il se lance peu après dans un
poème symphonique, Dédale 39,
« description d’un raid aérien », qui
ne verra jamais le jour.
Le 22 novembre 1928, le Boléro est créé
par les Ballets d’Ida Rubinstein au
palais Garnier sous la direction de
Walther Straram, aux côtés d’arran-
gements de Bach par Arthur Honegger
(Les Noces de Psyché et de l’Amour)
et de Schubert et Liszt par Darius
24 I
Milhaud (La Bien-Aimée), deux
membres du Groupe des Six. Les dé-
cors « à la Goya » sont d’Alexandre
Benois et la chorégraphie de Bronis-
lava Nijinska, deux ex-collaborateurs
des Ballets russes. Ce soir-là, le Tout-
Paris est dans la salle. Ravel, lui, se
trouve à Madrid, en pleine tournée
ibérique. Il n’assiste qu’à la troisième
représentation, le 29 novembre. S’il
regrette le « pittoresque » de la mise en
scène, il ne peut que se réjouir de l’en-
gouement inattendu du public pour
son Boléro, qui éclipse les autres créa-
tions présentées par Ida Rubinstein, y
compris Le Baiser de la fée, pastiche
tchaïkovskien signé Stravinsky. Quant
à la presse, malgré quelques réti-
cences, elle est conquise : « On est pris
tout de suite, captivé, emporté par
un art qui tient du sortilège […]
La vague sonore déferle et se brise
subitement, laissant les auditeurs
littéralement hallucinés, envoûtés
par la magie de ce crescendo de plus
de vingt minutes » (Henry Prunières,
La Revue musicale) ; « La fascination
nerveuse est complète, à la manière
dont les Orientaux y parviennent au
moyen de l’obstinée répétition ryth-
mique […] Un crescendo truculent, un
quo non ascendam vertigineux qui
_ Inspiré par
une usine, Ravel
rêve d’un décor
industriel. _
nous obsède et serait bien capable de
nous soulever de notre fauteuil et de
nous entraîner aux pires gesticula-
tions, si nos yeux fixés sur la scène
ne contribuaient pas avec le décorum
à nous maintenir en un statisme de
© GETTY IMAGES / BRANDSTAETTER IMAGES
bonne compagnie » (Charles Tenroc,
Le Courrier musical) ; « Il n’y a pas,
dans toute l’histoire de la musique,
un exemple d’une virtuosité pareille.
Ce tour de force est un enchantement
pour l’oreille » (Emile Vuillermoz,
Excelsior).
Destin fabuleux
La troupe part ensuite en tournée.
Le Boléro est donné à Bruxelles,
Maurice Ravel Monte-Carlo, Vienne, Milan, Naples,
au milieu Rome… et de nouveau Paris, en mai
des danseurs
1929, cette fois sous la direction de
de la création
lors d’une reprise l’auteur. L’automne suivant, alors que
du Boléro prend fin le privilège de la commandi-
à Vienne en 1929. taire, Arturo Toscanini à New York
et Serge Koussevitzky à Boston se
disputent sa création au concert. Dès
1930, l’œuvre est enregistrée et tous
les orchestres parisiens la program-
ment. A la salle Gaveau, on imagine
même d’augmenter l’éclairage au
À LIRE
cours de l’exécution ! La critique prédit
Maurice Ravel, à cette musique de ballet « un avenir
L’intégrale. symphonique […] illimité ». En
Correspondance quelques mois – phénomène raris-
(1895-1937) sime –, le Boléro conquiert les salles
écrits et
entretiens, sous
de concert du monde entier : Madrid,
la direction de Lisbonne, Londres, Amsterdam,
Manuel Cornejo. Leipzig, Buenos Aires, Genève, Berlin,
Le Passeur, Bucarest, Tokyo, sans parler des Etats-
1840 p., 2018. Unis où il rencontre un enthousiasme
tel qu’il est de suite parodié.
Son destin fabuleux ne fait que com-
mencer. Presque cent ans après sa
création, ce Boléro, dont Ravel était
persuadé « qu’on ne l’entendrait pas
aux concerts du dimanche », reste
l’œuvre à la fois la plus emblématique
et la plus populaire du XXe siècle.
Gilles Saint Arroman
 La mécanique du tube
Sur une trame au premier abord peu sophistiquée – un même motif rythmique répété
cent soixante-neuf fois – l’architecture du Boléro est en réalité d’une redoutable
complexité. Tentons d’y voir plus clair.

i, lors de sa création,
le Boléro de Ravel a
fait parler, il a aussi
beaucoup fait écrire
critiques et musicographes. « Anti-
Sur la première musique » selon Marcel Marnat, il est
page « annihilation incantatoire » d’après
du manuscrit,
on reconnaît, en
Serge Gut. Pour son créateur, il est,
haut, la mélodie plus simplement, « expérience », ainsi
énoncée à la flûte, qu’il l’avoue à Calvocoressi. Mieux en-
un peu plus bas core : « expérience dans une direction
la cellule très particulière et très limitée », qui
rythmique « ne devrait pas être suspectée de viser
tambourinée par autre chose que ce qu’elle vise ».
la caisse claire.
Jusqu’à la mesure 318, tout va très
bien. Dans un Tempo di Bolero, mode-
rato assai immuable, une ample
phrase mélodique en deux volets se
superpose à un ostinato rythmique
suivant une implacable montée en
puissance. Tout bascule alors. La deu-
xième partie de la mélodie se tord
graduellement jusqu’à sauter abrupte-
ment (mes. 327) de la tonalité jusque-là
affirmée de do majeur dans celle de mi
majeur, culmination à la fois mélo-
dique, rythmique, harmonique et
Quelques dizaines
de pages plus
dynamique de l’œuvre. Cet écart ne
loin, quasi tout dure pas : moins de dix mesures plus
l’orchestre tard, on revient, tout aussi abrupte-
s’est joint ment, au ton initial, avant de conclure,
à la danse, suivant six mesures après (mes. 340), non sans
une implacable être passé par une ultime dissonance.
montée Celle qui, selon Claude Lévi-Strauss,
en puissance.
« signifie que désormais plus rien n’a
d’importance, du timbre, du rythme,
de la tonalité ou de la mélodie ».
© BNF GALLICA

Comment en est-on arrivé là ?

Tout commence pianissimo : quatre
mesures d’introduction donnent le ton
(do), la pulsation (à trois temps) et

I 25
● Tout sur le Boléro
_ Ravel imagine, avec son Boléro,
une orchestration de la variation. _
l’ambiance (obstinée). C’est en effet
bien d’ostinato qu’il s’agit. Ou plutôt
d’ostinatos. La ritournelle tambouri-
née par la caisse claire, en deux
mesures aux triolets caractéristiques
du bolero espagnol (bien que plus
lents), est la plus évidente. Mais ce ne
seront pas moins de huit motifs d’une
ou deux mesures, combinant toujours
différemment croches, noires et si-
lences, qui s’y superposeront en dix-
sept transitions-introductions. Le rap-
pel des quatre mesures initiales joué
tutti fortissimo ajoute tam-tam, cym-
bales et glissandos de trombones avant
la dislocation finale.
Au-dessus de la percussion, une mélo-
die. A la fois simple et complexe, elle
déroule deux volets de seize mesures,
chacun divisé en deux périodes de huit
mesures. La formidable trouvaille
de Ravel est d’avoir déjà infusé la varia-
tion dans ce schéma classique. Exami-
nons la chose. Le premier volet oppose
une phrase suspensive (du do au sol)
et sa désinence (du ré au do). Rien que
de très attendu : on affirme la tonalité
par ses points de repère principaux.
Et on répète le tout, en l’enrichissant
de quelques timbres supplémentaires :
à la flûte succède une clarinette ; le pia-
nissimo est devenu piano, première
étape du crescendo général.
Modalité andalouse
Le second volet, véritable « contre-
thème », raconte une tout autre his-
toire. Il commence d’emblée (au
basson cette fois) sur un si bémol inat-
tendu, poursuit en insistant sur un ré
bémol tout aussi surprenant. Certes,
on revient ensuite à do, mais on est
passé par d’autres teintes, d’autres ren-
contres, d’autres harmonies, présages
d’une modulation lointaine qui ne sur-
viendra jamais. Au lieu de quoi, la fin
suggère quelque modalité andalouse,
bolero oblige. Outre ce changement
de couleur, d’autres traits participent
de la variation : l’amplitude mélodique
est plus large, visitant les extrêmes
aigu et grave ; des ruptures rythmiques
26 I
Ida Rubinstein
dans la version
originale
de Bronislava
Nijinska.
invitent syncopes et triolets (écho ra-
lenti de l’ostinato tambouriné) ; des
accents dynamiques déconcertent.
La répétition surprend aussi : la petite
clarinette oppose son timbre léger
à celui, plus grave, du basson, tout en
rappelant l’intervention précédente
de sa grande sœur la clarinette. La
boucle est (presque) bouclée. Nous
sommes à la mesure 74.
Masse colorée
Le reste est (encore) variation et (tou-
jours) amplification. Cette première
exposition d’un thème à deux visages
sera suivie de trois présentations
complètes. La quatrième, tronquée,
introduira une ultime modification :
huit mesures en mi majeur, harmoni-
sées en tierces et quartes, combinent
l’ambitus du premier volet, le rythme
syncopé et les contre-accents du se-
cond. Jusque-là, la variation est de
timbre, aucune phrase ne ressem-
blant, par son instrumentation, à celle
qui l’a précédée : hautbois d’amour
relayé par flûte et trompette (mes. 77
à 110), saxophones (mes. 113 à 146),
célesta, petites flûtes et cor (mes. 149).
Elle oppose parfois un soliste à une
masse colorée, comme dans la troi-
sième exposition où petite harmonie
et saxophone répondent crûment au
grave trombone solo. L’harmonie est
aussi de la fête, enrichissant l’unisson
puis les octaves initiaux en tierces
et quintes (mes. 239). Les ostinatos
rythmiques ne sont pas en reste,
conviant bois et cuivres, se chargeant
de bariolages ou d’accords, s’accen-
tuant à l’envi.
Plus que des variations orchestrales,
Ravel imagine, avec son Boléro, une
orchestration de la variation. « Sans
musique », comme il le confessera lui-
même ? Peut-être, parce que sans
« développement », mais non sans
images : preuve en sont les nom- En 1998, à Lyon,
Meryl Tankard,
breuses chorégraphies de l’œuvre, et une disciple
les non moins multiples lectures qu’on de Pina Bausch, fera
a voulu en proposer depuis sa création. du Boléro un théâtre
Anne Ibos-Augé d’ombres.
 Eh bien, dansez
maintenant !
S’il s’est vite imposé dans les programmes
des concerts, le Boléro fut d’abord conçu
comme un ballet. Et il enflamma jusqu’à nos
jours l’imagination des plus grands chorégraphes.
« olero », terme
qui se popula-
© AUSTRIAN NATIONAL LIBRARY
rise à la fin du
XVIIIe siècle en
Espagne et fait fureur au suivant en
Europe, désignant à la fois un type
de musique et la danse qui lui est asso-
ciée. De populaire et limitée au do-
maine hispanique, le bolero devient
théâtral à partir des années 1830,
grâce, entre autres, aux danseurs de
l’époque romantique. Il faut pourtant
attendre la première moitié du
XXe siècle pour que son règne advienne.
En 1928, Ida Rubinstein, qui avait été
une des stars des Ballets russes, fonde
sa propre compagnie de danse. Dès sa
première saison, elle passe commande
d’une partition à Maurice Ravel, consi-
dérant que seul le compositeur basque
pouvait lui écrire une musique espa-
gnole. Pour la création au palais Gar-
nier, le 22 novembre 1928, Bronislava
Nijinska règle la chorégraphie dont Ida
Rubinstein et Anatole Vilzac sont les
solistes, accompagnés de vingt et un
danseurs hommes. « Dans une taverne
© GETTY IMAGES / JEAN-MARC ZAORSKI
d’Espagne, on danse sous la lampe
de cuivre au plafond. Aux exclama-
tions de l’assistance, la danseuse a
bondi sur la longue table et ses pas
s’animent de plus en plus. » Cette pre-
mière version dansée du Boléro est un
choc pour les spectateurs. Son succès
ne se démentira pas au fil du temps, si
bien que Bronislava Nijinska remettra
son ouvrage sur le métier à plusieurs
reprises – la dernière fois en 1954, dans
des décors et des costumes de Natalia
Gontcharova, pour les Grands Ballets
du marquis de Cuevas.
Ida Rubinstein avait obtenu l’exclusi-
vité scénique de l’œuvre pour trois ans.
D’autres chorégraphes s’y confrontent
néanmoins dès 1930, la version de
Nijinska constituant pour eux une
sorte de matrice. Tous, d’où qu’ils
viennent, travailleront à partir
d’images, de pas et danses espagnols.
Ronde de mort
Liés aux Ballets russes de près ou de
loin, ils ont essaimé à travers le monde
après la mort de Diaghilev en 1929.
Quelques exemples : dès 1930, Ruth
Page à Chicago pour sa propre compa-
gnie, sous le titre d’Iberian Monotone ;
en 1932, Boris Romanov à Buenos
Aires pour le Teatro Colon, et Anton
Dolin à Londres pour le Sadler’s Wells
Theatre ; en 1934, Harald Lander à
Copenhague pour le Royal Danish
Ballet, et Michel Fokine pour une nou-
velle version destinée à la compagnie
d’Ida Rubinstein ; deux ans plus tard,
Catherine Littlefield à New York pour
la Philadelphia Ballet Company.
Si la Seconde Guerre mondiale est peu
propice aux aventures artistiques,
le Boléro continue sa course. En 1941,
pour l’Opéra de Paris, Serge Lifar est
le premier à refuser une chorégraphie
I 27
 ● Tout sur le Boléro
fondée strictement sur le rythme, et à
introduire un fort élément narratif. Le
temps est au travail de recherche his-
torique : en 1943, Pilar Lopez et sa
sœur la Argentinita, présentent leur
version à New York, reprise dans les
années 1950, intégrée dans un spec-
tacle sur le style du bolero à travers les
âges. En 1944, à l’Opéra de Rome, Au-
rel Milloss conçoit son ballet pendant
l’occupation de la ville par les nazis :
vision dramatique, où un danseur en-
traîne la distribution dans une ronde
de mort effrénée, le Démon restant
seul debout au tomber du rideau.
Mais il faut attendre le 10 janvier 1961,
au Théâtre de la Monnaie de Bruxelles,
pour que Maurice Béjart présente
une interprétation appelée à devenir
iconique, avec sa toute jeune compa-
gnie, le Ballet du XXe siècle. Sur une
grande table ronde peinte en rouge,
une danseuse (Duska Sifnios à la créa-
tion) en maillot chair et collant cor-
saire noir, pieds nus, apparaît. La cho-
régraphie qui lui est assignée, suite de
mouvements calqués sur le rythme, est
paroxystique. Assis autour de la table,
quarante danseurs se lèvent au fur
et à mesure, puis entrent dans le jeu.
En 1979, Béjart donnera une version
entièrement masculine du ballet avec
28 I
un danseur sur la table (Jorge Donn
à la création) et d’autres garçons au-
tour – cette œuvre majeure de l’histoire
de la danse au XXe siècle sera popula-
risée par le film de Claude Lelouch,
Les Uns et les autres, sorti en 1981.
Les chorégraphes traitent maintenant
le Boléro de façon toute personnelle,
sans se recommander de quelque filia-
tion que ce soit ; lectures originales,
parfois d’un calme impressionnant,
a contrario de l’inexorable montée en
puissance de la musique. En 1996,
Odile Duboc présente à la Filature de
Mulhouse Trois Boléros : trois visions
fondées sur trois gravures discogra-
phiques majeures (Pierre Monteux et
l’Orchestre symphonique de Londres,
Sergiu Celibidache et celui de la RAI,
Pierre Boulez et le Philharmonique de
New York). Dégagée de la pression de
la partition, une danse à large respira-
tion anime ces univers musicaux, ap-
proche en rupture totale avec les pré-
cédentes, inaugurant une nouvelle ère.
Deux ans plus tard, c’est l’Australienne
Meryl Tankard, d’abord membre de
la compagnie de Pina Bausch, qui
répond à une commande de l’Opéra
de Lyon. Son Boléro, conçu avec le plas-
ticien Régis Lansac, évoque un théâtre
d’ombres javanais, les silhouettes de
© JULIEN BENHAMOU/ONP
_ Les silhouettes
de danseurs de toute taille
envahissent l’écran. _
danseurs de toutes tailles, corps en
pied ou en morceaux, envahissent
l’écran, apparaissant et disparaissant
devant des fonds colorés.
En 2002, Pascal Rioult, fondateur et
En 2013,
Sidi Larbi Cherkaoui
chorégraphe de sa propre compagnie,
et Damien Jalet s’engage dans un « Ravel project »,
entraînent le Ballet pièce pour quatre couples dans un dé-
de l’Opéra cor d’Harry Feiner. Le Boléro, qu’il
de Paris dans veut « froid, mécanique et asexué », est
une spirale sans fin. bâti sur les parcours en cercles des
danseurs ; à l’instar de leurs mouve-
ments tournants, tout relève, comme
la musique, de la répétition. En 2008,
Ohad Naharin conçoit au sein de son
« Project 5 » un Boléro pour deux dan-
seuses, tour à tour en symbiose, en op-
position, en lutte. Enfin, en 2013,
Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet,
dans une scénographie de Marina
Abramovic et des costumes de
Riccardo Tisci, créent leur Boléro pour
le Ballet de l’Opéra de Paris, spectacle
magique dont la chorégraphie est fon-
dée sur la spirale. Martine Kahane
 Le casse du siècle
L’histoire des droits d’auteur du Boléro est un véritable cas d’école,
illustrant jusqu’à l’absurde la dérive d’un système.
orsque le rideau tombe,
le 22 novembre 1928,
sur la première exécu-
tion du Boléro, personne
n’imagine que commence un des plus
rocambolesques feuilletons de l’his-
toire de la musique, qui aurait dû
s’achever le 1er mai 2016, quand
l’œuvre a été versée dans le domaine
public. Depuis cette date, il est enfin
possible de la jouer ou de l’enregistrer
sans avoir à acquitter auprès de la
Sacem des droits sonnants et trébu-
chants, reversés ensuite à l’éditeur de
la partition (la maison Durand) et,
surtout, aux héritiers du compositeur
– d’illustres inconnus qui se sont re-
trouvés à la tête d’une fortune colos-
sale, à la suite d’invraisemblables
concours de circonstances.
Rappel des faits. Ravel meurt en 1937,
sans enfant. Il lègue sa fortune – et le
bénéfice de ses faramineux droits
d’auteur – à son frère Edouard. En
1954, celui-ci engage en tant que mas-
seuse une certaine Jeanne Taverne,
dont le mari, Alexandre, s’improvise
chauffeur. Quelques années plus tard,
Edouard, veuf et lui aussi sans enfant,
fait de Jeanne sa légataire universelle.
Quand le fortuné vieillard trépasse en
1960, les époux Taverne se retrouvent
donc, sans aucun lien de parenté avec
lui, héritiers d’un des plus illustres
Décembre 1937 :
emporté compositeurs du siècle. Par ici le jack-
par une maladie pot des droits d’auteur, qui tombe dans
cérébrale, Ravel leur poche à chaque interprétation
lègue sa fortune d’une de ses œuvres. Soit tous les
et ses juteux quarts d’heure s’agissant du Boléro qui
droits d’auteur est, jusqu’aux années 1990, la création
à son frère.
musicale française la plus jouée dans
La saga ne fait
que commencer.
le monde. Des petits-cousins de Ravel
auront beau intenter plusieurs procès
pour captation d’héritage, rien n’y fait :
ils seront chaque fois déboutés.
Par ici le jackpot !
L’histoire est loin de s’arrêter là. Au
décès de Jeanne, en 1964, Alexandre
Taverne se remarie avec une dame
Lerga, Georgette de son prénom,
manucure de son état, qui a un enfant
d’un premier mariage, Evelyne. En
1973, Georgette est veuve. Lorsqu’elle
meurt à son tour en 2012, c’est donc
Evelyne Pen de Castel (la fille de la se-
conde femme du mari de la masseuse
du frère de Maurice Ravel : vous sui-
vez ?) qui hérite. A elle la juteuse rente.
Combien ? Les chiffres restent secrets,
mais il se dit que le magot aurait pu
dépasser le million et demi d’euros
annuel, soit une addition flirtant avec
la centaine de millions. Le tout transi-
tant par des sociétés offshore qui
échappent au fisc français.
© BORIS LIPNITZKI / ROGER-VIOLLET
Jusqu’à ce fameux 1er mai 2016, 78 ans
et 120 jours après la mort de Ravel.
Selon un calcul farfelu mais parfaite-
ment licite, c’est au terme de ce délai
qu’un des tubes les plus lucratifs de
tous les temps devient enfin « libre
de droits ». En théorie. Car quelques
jours avant la date fatidique, une
I 29
● Tout sur le Boléro

Ecran large
armée d’avocats débarque dans les lo-
caux de la Sacem, faisant valoir que
le Boléro est le fruit d’une entreprise
collective : lors de sa création au palais
Garnier en 1928, il s’agissait en effet Aussitôt après la scène, le Boléro commence au cinéma
d’une œuvre dansée, à laquelle ont
collaboré la chorégraphe Bronislava une carrière fulgurante et loin d’être achevée.
Nijinska et le décorateur Alexandre
Benois. Les descendants de ce dernier
réclament donc à leur tour leur part
du magot, prétextant que leur aïeul
aurait conçu l’argument du ballet.
Benois étant mort en 1960, la protec-
tion de l’œuvre devrait, selon eux, cou-
rir jusqu’en… 2038 ! Avec à la clé, de
roboratives rentrées financières que se
partageraient les deux clans d’héri-
tiers – ceux de Benois et de Ravel.

_ La fille de la
seconde femme
du mari de la
masseuse du
frère de Ravel. _
A ces prétentions de boutiquier, la
Sacem a heureusement opposé une
fin de non-recevoir. Car contraire-
ment à ce qu’il fit pour le Petrouchka
de Stravinsky, Benois n’a rédigé
aucun livret pour le Boléro ni signé
aucun bordereau de déclaration de
l’œuvre. Le programme distribué à
la création, pas plus que l’affiche, ne
le créditent comme auteur au côté
de Ravel. Parler d’argument semble
d’ailleurs une pure fumisterie,
l’action de la chorégraphie originelle
se résumant en dix mots : une
femme danse sur une table entourée
par des hommes.
Malgré cette flagrante absence de
preuve, la succession Benois n’a pas
hésité à attaquer la Sacem en justice.
Après des années d’instruction, l’af-
faire devait être jugée en ce mois de
février par le Tribunal judiciaire de
Nanterre. A l’heure où nous écrivons
ces lignes, on ignore donc l’issue, peut-
être provisoire, de ce qui s’apparente
au plus gros casse du siècle – commis,
hélas ! en toute légalité.
Emmanuel Dupuy

30 I
 uccès le 22 novembre
1928 à Paris, triomphe
un an plus tard à
New York. Hollywood
dresse l’oreille. Les premiers écrans du
Boléro seront américains.
Après une brève apparition dans une
bouffonnerie du polymathe Rube
Goldberg, l’ouvrage donne son nom
dès 1934 à un musical dont la vedette
n’est autre que George « Scarface »
Raft, danseur insoupçonné. Ce Boléro
mis en images par Wesley Ruggles
donne le ton : du ballet ! A son
exemple, One in a Million marie pour
la première fois Ravel à la glace, c’est-
à-dire à la championne Sonja Henie,
l’Esther Williams du patinage (1936,
année olympique). Vingt ans plus
tard, Miguel Delgado réalise El Bolero
de Raquel, comédie sociale doublée
d’un jeu de mots : Boléro de Ravel au
cabaret, « bolero » de chaussures
mexicain. Le cireur et la danseuse,
fable sans âge.

Le machin qui rend fou

Autre hypothèse : le Boléro est un
finale. Depuis la première en 1928,
ce crescendo comparable par la
taille à une Ouverture trouve sa
place naturelle à la fin du concert ou
de la représentation. Ainsi procèdent
l’opus primum de 1934 mais aussi
The Orchestra, fantaisie expérimen-
tale poussée sur les ruines du Mur ber-
linois (Zbig Rybczynski, 1990),
Divertimento, biopic à la gloire de la
maestra Zahia Ziouani (Marie-Castille
Mention-Schaar, 2022)… ou bien sûr
Les Uns et les autres (Claude Lelouch,
1981), roman-fleuve dont la dernière Enfonçons. Le premier Boléro français Trêve de Panthère Jacques Villeret, meneur de la pre-
séquence voit un Jorge Donn en survient en pleine guerre. L’inénar- rose : en 1979, mière à la dernière mesure malgré le
transe exécuter le ballet déjà clas- rable Denise Grey écoute à longueur Blake Edwards dos, mes enfants, le dos…
lance le sex-symbol
sique de Béjart au Trocadéro où se de journée le machin qui rend fou. Fou, Ostinato, obstiné. Obsédé. Le Boléro
de la décennie,
retrouvent héroïnes, héros, descen- son voisin André Luguet le devient. la lionne Bo Derek,
est-il la machine infernale qu’envisa-
dants, et quelques voix insolites Arletty, Jacques Dumesnil et compa- sur un air de Ravel. geait Ravel, ou le songe érotique réglé
(« version intégrale avec chœur » gnie se jettent alors dans un vaudeville par Ida Rubinstein ? Machine, répond
clame le microsillon !). de Michel Duran filmé sabre au clair Andreï Tarkovski dans Stalker (une
Plus que ballet, plus qu’apothéose, le par Jean Boyer (1941). Ironie propre au poignée de secondes). Erotique, ob-
Boléro des cinéastes reste pourtant et cinéma national qui résonnera encore jectent les autres. De gré ou de force,
avant tout ce que Ravel voulait : un os- dans un court métrage de Patrice Le- le compositeur n’échappera plus aux
tinato. « Enfoncez-vous bien ça dans conte, Le Batteur du Boléro (1992), plan métaphores qu’il a si bien organisées :
la tête », raillait le compositeur. fixe sur le malheureux tambourinaire crescendo impérieux, éruption

I 31
● Tout sur le Boléro

_ En comptant les Boléro

socioculturels, les courts
métrages, les séries, les
publicités… nous passerions
largement la centaine. _
révéla le sex-symbol des eighties
Après l’Amérique, Bo Derek, quand la scène hot du film
la France : assura au Boléro une nouvelle jeu-
en 1941, nesse et connut à son tour quantité de
Jean Boyer
bis – notamment la Femme fatale de
rythme
un imbroglio
Brian de Palma en 2002.
délirant Cessons là. Si nous comptions les
mis en verbe Boléro sorciers (femme coupée en
par Michel Duran. deux dans Magic in the Moonlight
de Woody Allen), les Boléro sociocul-
turels (Neuilly sa mère ! de Gabriel
Julien-Laferrière), les courts métrages
(Lettre à Freddy Buache de Jean-Luc
Godard), les documentaires, les séries,
les publicités… nous passerions large-
ment la centaine. Et ce n’est pas fini,
Anne Fontaine le prouve ce mois-ci
dans une synthèse chorégraphique,
Une bouteille mécanique, érotique et biopique.
de soda oubliée
Un dernier tout de même avant la
à l’origine…
du monde. route. Allegro non troppo, dessin
Le monde animé de Bruno Bozzetto (1976), ré-
fantastique de miniscence du Sacre selon Walt
Bruno Bozzetto Disney (Fantasia), marche forcée de la
dans Allegro bactérie aux gratte-ciels, perle noire.
non troppo. Herbert von Karajan dirige.
Ivan A. Alexandre
différée en mi majeur, libérée en do
majeur, orgasme à peine moins réa-
liste que l’Extase de Scriabine ou le
prélude du Rosenkavalier. Dans
Rashômon (1950), Akira Kurosawa
demande à son ami Fumio Hayasaka
de contrefaire le Boléro en jetant plus
d’épices orientales, et réserve sa cita-
tion la plus nette au récit de la femme
violée. Rashômon inspirera Basic
(John McTiernan, 2001), Cashback
(Sean Ellis, 2006, variation sur le
« temps modifié ») et maintes voluptés,
jusqu’à la pornographie des années
« X » (International Gigolo de Jean-
François Hautin, 1982).
La perle du genre demeure toutefois
Ten (en français Elle, 1979), comédie
aphrodisiaque de Blake Edwards qui

32 I
 Le Boléro au disque
De la gravure du compositeur en 1930 à celle de François-Xavier Roth en 2021,
résumons une discographie pléthorique par douze références contrastées.

Ravel au pupitre,
en 1923. « e dois dire que le Boléro
est rarement dirigé
comme je pense qu’il de-
vrait l’être. Mengelberg
accélère et ralentit excessivement. Toscanini
le dirige deux fois plus vite qu’il ne faut et élar-
git le mouvement à la fin, ce qui n’est indiqué
nulle part. Non : le Boléro doit être exécuté
à un tempo unique du début à la fin, dans le
style plaintif et monotone des mélodies arabo-
espagnoles. » Cette confidence de Ravel
montre que l’interprétation du Boléro fut, dès
le départ, un sujet de débats, cristallisés au-
tour de la question du tempo. Le 76 à la noire
(indication portée sur le manuscrit, respectée
par Koussevitzki… et Järvi) sera rectifié en
72 (édition Durand), allure à laquelle se
conforment la plupart des chefs. Encore trop
rapide ? Ravel inscrit 66 dans sa propre par-
tition et sa battue approche plutôt 63. Certains
iront plus loin, habitant une lenteur hypno-
tique (jusqu’à 54 chez Freitas Branco)…

MAURICE RAVEL
1930 ▶ Orchestre
Lamoureux. Music & Arts.
Agacé par la tendance de
Piero Coppola à presser la
© THE PICTURE ART COLLECTION / ALAMY STOCK PHOTO

conclusion (réalisé la veille,

son enregistrement avait été supervisé par
le compositeur), Ravel règle minutieusement
l’orchestre avec Albert Wolff pour sa propre
gravure. Assez imperturbable en dépit du dé-
coupage imposé par les « changements de
face », sa direction se distingue par une rela-
tive neutralité (ni tension ni dramatisme),
et l’espace de liberté laissé aux solistes (ces
glissandos du trombone !) Le « toc » final ?
Dans l’excitation, le compositeur heurte le
pupitre avec son bâton…
PLAGE 9 DE NOTRE CD

I 33
● Tout sur le Boléro
PEDRO
DE FREITAS BRANCO
1953 ▶ Orchestre
du Théâtre des Champs-
Elysées. Emi/Warner.
Stable, avec un relief très
marqué jusque dans les pizzicatos, le rythme
ample (54) pris par Freitas Branco permet au
National d’imprimer du caractère au moindre
détail. Ses couleurs crues et acidulées sont
un régal, les cuivres particulièrement (vibra-
tos, accents). Le chef semble vouloir retenir
la fin en ménageant un très bref silence avant
l’entrée des cymbales et de la grosse caisse.
MANUEL ROSENTHAL
1959 ▶ Orchestre
de l’Opéra de Paris.
Notre Indispensable.
Sur un tempo voisinant le
66 de Ravel (dont il calque
aussi le geste sans tension), Rosenthal allège
et aère la matière orchestrale. Il affine l’étude
de timbres, tout en obtenant des musiciens de
l’Opéra (certains avaient participé à la créa-
tion du ballet, trente ans plus tôt), des cou-
leurs franches. Freitas Branco aiguisait les
angles, Rosenthal éclaire le mécanisme.
PIERRE MONTEUX
1964 ▶ London Symphony
Orchestra. Decca.
Le tempo varie peu là en-
core, autour de 70. Autori-
sant une grande souplesse
du phrasé à ses musiciens (ceux du London
Symphony, tous géniaux), Monteux sait où
il va. Le discours est délicatement tendu :
le crescendo opère, imperceptible mais impla-
cable. Une souplesse et un hédonisme dont
se rapproche, au même pupitre, Claudio
Abbado en 1985 (DG), quoique le trait soit plus
vif et pointu, l’accélération manifeste.
CHARLES MUNCH
1968 ▶ Orchestre
de Paris. Emi/Warner.
Alors qu’il pressait peu à
peu le Boston Symphony
en 1956 (RCA), Munch
apparaît plus détendu, dans ce témoignage
testamentaire. Battant le début à 67, il ralentit
même çà et là, laissant les virtuoses de son
jeune Orchestre de Paris (Michel Debost,
Roger Abraham, Marcel Galiègue, Antoine
34 I
Lagorce…) prendre leurs marques. C’est
un crescendo vers la lumière, couronné par
une conclusion radieuse et sereine. Comme
un dernier sourire.
SEIJI OZAWA
1974 ▶ Boston Symphony
Orchestra. DG.
A Boston, Ozawa épouse
le 72 de la partition. Sous
ce bras précis et rigoureux,
l’éventail orchestral se déploie avec une minu-
tie presque maniaque. D’autant que l’image
sonore, large et profonde, a quelque chose
d’une cathédrale industrielle. Millimétré, le
détail instrumental s’intègre ici dans un mou-
vement, une mécanique à la progression
inexorable. Le Boléro cousin des Fonderies
d’acier de Mossolov ? Brillantissime.
BERNARD HAITINK
1975 ▶ Orchestre
du Concertgebouw.
Philips/Decca.
Haitink adopte le 72 de la
partition éditée et n’en
déviera guère. Il édifie un vaste crescendo
sonore dont les premières mesures semblent
émerger graduellement du silence – effet que
soulignent les micros. L’acoustique généreuse
du Concertgebouw d’Amsterdam flatte les
moirures de l’orchestre. Dans cette riche
marqueterie instrumentale, une clarinette
klezmer introduit un surprenant contraste.
RICCARDO CHAILLY
1986 ▶ Orchestre
du Concertgebouw. Decca.
Même orchestre, même
tempo (tenu d’une main
ferme) mais une texture
plus ouvragée. Allègement du son, ciselé du
détail vont ici de pair avec une dramatisation
à la virtuosité spectaculaire. Chailly joue sur
l’expressivité de timbres en constante méta-
morphose. D’abord lascive, dans les teintes
chaudes et sensuelles (les bois, superlatifs),
la phrase se tend jusqu’à devenir cinglante,
les couleurs se font plus denses.
PIERRE BOULEZ
1993 ▶ Berliner
Philharmoniker. DG.
La rigueur et la vigueur
du tempo (72) évoquent
celles d’un mécanisme
sournoisement destructeur. La palette des
Berlinois, le galbe de leurs phrasés distillent
une poésie à la beauté ensorcelante, dans
les solos (la flûte !) comme dans les « en-
sembles » (les piccolos I et II conjugués au
cor et au célesta !). L’inquiétude, croissant
à mesure que les timbres s’empilent, mène à
un « écroulement » explosif (les percussions
s’en donnent à cœur joie), comme La Valse. La
fin d’un monde… ou la menace pulvérisée ?
SERGIU CELIBIDACHE
1994 ▶ Münchner
Philharmoniker. Emi.
Dilatant le son (pas autant
que Freitas Branco, et avec
un bénéfice moins saisis-
sant que dans d’autres œuvres), Celibidache
élargit aussi la dynamique, l’espace, en jouant
sur la résonance. Il dévide le Boléro avec
une sorte de détachement très concentré.
L’auditeur est saisi par l’essor du son, l’épa-
nouissement de la couleur. La musique flotte,
se répand, s’insinue, tenace et enveloppante.
Le « parfum » d’un bolero.
PAAVO JÄRVI
2003 ▶ Cincinnati
Symphony Orchestra.
Telarc.
En prenant comme Kous-
sevitzki en 1930 (RCA) et
Fricsay en 1955 (DG) le tempo « primitif »
de 76, Järvi se situe parmi les plus rapides – la
palme revenant à Stokowski en 1940 (Music
& Arts, lecture virevoltante, zébrée d’accents
brusques, bouclée en douze minutes). Porté
par un Cincinnati Symphony chauffé à blanc,
le discours, ici, file droit, aérien, solaire, avec
des glissandos en forme de sourire et des piz-
zicatos qui pétillent. Le Boléro rendu au ballet.
FRANÇOIS-XAVIER
ROTH
2021 ▶ Les Siècles.
Harmonia Mundi.
Outre un tempo proche
de celui de Monteux et la
saveur des instruments d’époque (basson
gouailleur, saxophones tendres, trombones
plus « trompettants »), Roth se distingue par
l’emploi d’une nouvelle édition critique qui
rétablit les deux tambours exigés par Ravel
à la place de la caisse claire, et réintroduit
les castagnettes originellement prévues (que
le compositeur supprima par la suite). Et ces
glissandos ! François Laurent
 Filmer l’idée musicale
C’est assez rare au cinéma : Boléro, dans les salles ce mois-ci, n’est pas
un simple biopic, mais un film sur les mécanismes intimes de la création musicale,
leurs ramifications avec la psyché du compositeur, comme avec les liens affectifs
qui l’attachent à son entourage. Sa réalisatrice, Anne Fontaine, en retrace
le cheminement et revient sur ses propres influences.

n peu comme où l’artiste est absent et l’histoire une dramaturgie du son. La violence
le film de inaccessible à qui ne sait pas déjà de ceux de l’usine dans la première sé-
Margarethe tout de l’homme. quence, les tapotements et raclements
von Trotta sur A.F. : Je me garderais de rebondir, ne Dans le rôle sur le bois des pianos qui rythment la
de Ravel,
Hannah Arendt raconte l’ayant pas vu ! Mon sujet imposait une recherche, le frôlement imperceptible
Raphaël Personnaz
la naissance d’un concept forme d’épurement des références, en capte avec des tissus sur la peau qui infuse la sen-
philosophique en y agrégeant privilégiant les citations authentiques, une bouleversante sualité, dans la scène des gants à la
des éléments biographiques, en ne surchargeant pas non plus les retenue l’esprit maison close. Mes longues conversa-
le sujet du vôtre est d’abord dialogues, pour mieux laisser opérer du compositeur. tions avec Marcel Marnat, le grand
le développement d’une idée
musicale…
Anne Fontaine : J’ai horreur des
biopics fourre-tout qui prétendent re-
tracer une vie entière ; comment ne pas
la rendre superficielle à ce compte ?
Faire un film, c’est faire des choix,
beaucoup renoncer, quoi qu’il en
coûte. Mon fil rouge tenait à la volonté
d’être le plus ouvert possible, de rendre
accessible au plus grand nombre le
processus personnel et social de la
création musicale, avec ses pannes, ses
angoisses, ses accélérations. En inté-
ressant aussi bien ceux qui disposent
© PHOTOS : PASCAL CHANTIE

déjà d’un bagage musical et d’une

solide connaissance de la vie de Ravel,
que les novices. Difficile équilibre !

Remarquablement atteint,
à l’inverse de la récente tentative
de Bradley Cooper sur Bernstein,
● Tout sur le Boléro

Partenaire du film, France Musique accompagne

la sortie de Boléro dans ses émissions :
Musique Matin (7h-9h), Au cœur du ballet (vendredi
1er mars, 12h), Stars du Classique (1er mars, 17h-18h),
Les Trésors de France Musique (7 et 8 mars,
12h30-13h30 et 22h30-23h30), Relax (15h-16h30),
de sa crédibilité au piano et même
Etonnez-moi Benoît, Musique Emoi… Jeanne Balibar à la baguette.
Et aussi, dans la collection Les Sagas musicales : sortie du podcast incarne avec
A.F. : J’ai longtemps cherché l’acteur
Ravel (5 x 25’) par Saskia de Ville le 6 mars, disponible sur le site un mélange
de classe
idéal. Le film devait se faire avant la
de France Musique et l’appli Radio France. pandémie, mais je n’ai pensé à Raphaël
et d’humour
la danseuse que lorsque nous avons repris le projet
biographe de Ravel, et avec Alexandre Ce que montre avec un humour Ida Rubinstein, ensuite. Je lui ai demandé, lors du bout
Tharaud, qui a accepté le petit rôle éloquent le générique… créatrice d’essai, de se contenter d’écouter le Bo-
du critique Pierre Lalo, figure très A.F. : D’ailleurs, je ne connaissais du ballet. léro en silence, tandis que je filmais son
difficile et où il est épatant, m’ont pas si bien le reste de l’œuvre de visage en plan rapproché, et de penser
beaucoup aidé dans cette direction. Ravel, dans laquelle j’ai plongé en à la fois que c’était lui qui avait écrit
préparant le film ! Comme dans sa cette musique, et qu’il la recevait
Mais pourquoi Ravel, pourquoi vie, avec ces trois éléments qui comme un auditeur extérieur. En écho,
le Boléro ? Comment sont-ils trouvent toujours chez moi un écho : bien sûr, à la difficulté qu’avait Ravel à
entrés dans votre vie ? la difficulté à exprimer ses senti- entendre cette œuvre, tant il craignait
A.F. : J’ai grandi avec le répertoire ments, qui nourrit l’amour des mots qu’elle phagocyte le reste de sa musique
classique, mon père était titulaire des d’esprit ciselés ; l’inhibition sexuelle, – ce qui, au fond, ne s’est pas produit :
orgues de la cathédrale de Lisbonne. sublimée dans la sensualité de elle a gagné un autre public que celui
J’ai appris le piano, le luth, surtout le l’œuvre ; le cheminement insidieux du classique, sans entamer la place du
violoncelle. Puis je m’en suis éloignée, de la maladie, affrontée avec une di- compositeur dans les concerts. Et
à la fois par saturation et besoin d’in- gnité et une retenue bouleversantes. pour anticiper, bien sûr, cette scène clé
dépendance. Mais j’ai commencé ma où Ravel réécoute la partition en ayant
carrière comme danseuse, et le lien En parlant de retenue, ceux qui oublié qu’elle est de lui, et laisse enfin
musical ne s’est jamais rompu. En dé- ont admiré le minimalisme échapper un : « C’était pas mal… »
couvrant la jeune Sylvie Guilhem dans distancié de Raphaël Personnaz Raphaël avait naturellement les clés de
le Boléro, j’ai eu un choc. L’œuvre n’a dans Quai d’Orsay ou Dans les
plus cessé de m’intriguer, par son uni-
versalité quasi-obsessionnelle,
forêts de Sibérie ne seront pas
surpris de retrouver ses qualités
_ « Tout ce qu’il y a
puisqu’il ne se passe pas un quart en Ravel. Mais ils seront
d’heure sans qu’elle soit diffusée sans doute impressionnés de charnel en Ravel s’est
quelque part dans le monde, sous sa de la profondeur atteinte
forme originale ou arrangée. dans l’introversion, comme incarné dans sa musique. » _
36 I
cette intériorité, et il a accepté de
perdre huit kilos afin de creuser son
visage, ramasser sa silhouette, non
pour ressembler à Ravel de façon pho-
tographique, mais pour en capter l’es-
prit. Ce qui ne nous a d’ailleurs pas em-
pêchés de beaucoup travailler sur la
base des photographies, notamment
celle sur son lit de mort, d’une gravité,
d’une élégance si saisissantes [cf. p. 29].
Elle nous a ouvert la porte de la der-
nière scène, où Ravel dirige le Boléro,
d’abord dans une tension un peu raide,
puis en cédant à l’emportement
charnel que matérialise le danseur
François Alu. Raphaël s’est passionné-
ment investi dans cet apprentissage de
la direction, et c’est aussi lui qui joue au
piano, notamment sur celui du compo-
siteur à Montfort-l’Amaury. Je tenais
beaucoup à ce que les acteurs ne soient
pas doublés dans de telles scènes, de
même que Jeanne Balibar danse vrai-
ment dans chaque plan du ballet.
Toute sa performance
en Ida Rubinstein est d’ailleurs
anthologique, assumant avec
classe et humour une mise à nu
parfois cruelle. Vous avez
beaucoup insisté sur
les influences féminines auprès
de Ravel, malgré le mystère que
représente sa vie sentimentale.
Emmanuelle Devos est à la fois
désopilante et tellement tendre
en Marguerite Long…
A.F. : Et si subtile. La manière dont elle
remet son manteau, dont elle confie
naïvement à Ravel ses doutes sur le
succès du Boléro paraîtrait forcée avec
d’autres artistes. Il y a aussi Doria Til-
lier en Misia Sert, et Anne Alvaro dans
le rôle de la mère. Je tenais beaucoup
à cet instant où Raphaël, après son en-
terrement, se rappelant d’elle lorsqu’il
était petit, prononce à travers le
temps le mot « maman », comme à la
fin de L’Enfant et les sortilèges. Il y a là
un beau mystère, car on en sait finale-
ment assez peu sur cette personnalité
qui paraît aimante et pas spécialement
abusive, mais que ses fils n’ont su dé-
passer. Ensuite, il y a ces présences
tour à tour maternelles ou d’amantes
inaccessibles, cette fréquentation des
prostituées qui était peut-être essen-
tiellement platonique, ces questionne-
ments sur une possible homosexualité
refoulée à laquelle je n’accorde, en fait,
guère d’importance, puisque tout ce
qu’il y a de charnel en Ravel s’est in-
carné dans sa musique, et avait peut-
être besoin de la frustration du quoti-
dien pour y parvenir.
Frustration, et c’est l’une des
seules dans le film, que pourront
éprouver les exégètes, de ne pas
retrouver à l’écran le palais
Garnier où fut créé le Boléro…
A.F. : Vous imaginez bien que j’ai sol-
licité l’Opéra de Paris dès le début,
mais il a immédiatement fallu y renon-
cer. Moins pour des raisons de coût,
même si remplir de figurants une salle
aussi vaste aurait probablement eu rai-
son du budget du film, que pour des
questions de disponibilité, car la scène
comme les espaces publics sont
A voir
BOLÉRO.
Un film d’Anne Fontaine,
avec Raphaël Personnaz,
Doria Tillier,
Jeanne Balibar,
Emmanuelle Devos…
Dans les salles le 6 mars.
Bande originale publiée
par Warner Classics (avec
A. Tharaud, S. François,
J. Rouvier, A. Pontier,
J.-J. Kantorow, F. Braley,
R. et G. Capuçon…)
constamment occupés. J’ai trouvé la
solution la mieux adaptée dans une
combinaison entre la magnifique salle
de l’Opéra de Liège et les escaliers et
foyers de l’Opéra-Comique, qui me
convient finalement assez. Il était
beaucoup plus important pour moi
de convaincre le maire de Montfort-
l’Amaury afin qu’il nous autorise à
tourner dans la maison de Ravel, mal-
gré sa fragilité, car la magie de cet
univers totalement préservé et physi-
quement marqué par son empreinte
se serait certainement évaporée dans
une reconstitution en studio. L’exi-
guïté des lieux, avec ces couloirs où
l’on ne peut pas passer à deux, donne
Le 22 novembre
1928, comme si
la mesure de la solitude du musicien.
vous y étiez : Et tous ces bibelots qu’il chinait ou
Ravel reçoit les fabriquait lui-même, celle de l’enfant
applaudissements qu’il demeura toujours.
du Tout-Paris.
Au terme de ce voyage avec Ravel,
qu’est-ce qui a changé en vous
dans sa perception ?
A.F . : Cela paraît un peu idiot à dire,
mais inévitablement, j’ai aujourd’hui
l’impression de le connaître, au tra-
vers des correspondances intimes,
sans doute un peu trompeuses
parfois, qui s’établissent lorsqu’on
s’empare ainsi d’un autre. Je dis cer-
tainement beaucoup de moi à travers
cet apparent refus de l’épanchement
sentimental, cette pudeur de la
spiritualité, ce rapport au désir phy-
sique, et aussi au souvenir du père et
du bain musical de mon enfance.
Propos recueillis par
Vincent Agrech
I 37
RENCONTRE
De La Monnaie au Walhalla
Il est, parmi les chefs français, un des plus en vue du moment. S’il pilote désormais
le Festival de Colmar, c’est surtout hors de nos frontières qu’il a trouvé la reconnaissance :
en particulier à la Monnaie de Bruxelles et à l’Orchestre symphonique de la Radio
de Francfort, deux prestigieuses institutions dont il est directeur musical.
l y a quelque chose de l’ordre
de la méritocratie républicaine
dans le parcours d’Alain
Altinoglu. Entré à dix-sept ans
à l’Opéra de Paris, il y aura assumé
une variété de petits boulots avant de
faire ses premiers pas officiels à la tête
de l’orchestre dans la Salomé de
Strauss. Depuis, sa carrière a explosé :
Vienne, Bayreuth, la direction du Sym-
phonique de la Radio de Francfort et
du Festival de Colmar, ainsi que son
mandat renouvelé à La Monnaie où il
est en train de diriger un premier Ring
mis en scène par Romeo Castellucci.
Il se dit d’ailleurs que, lors des négo-
ciations autour de sa nomination, la
perspective de cette Tétralogie avait
pesé lourd dans la balance…
Alain Altinoglu : On l’a beaucoup dit,
mais cela ne s’est pas passé ainsi.
Quand Peter de Caluwe [l’actuel inten-
dant de La Monnaie] m’a appelé, la
chose déterminante et unique fut mon
rapport à l’orchestre. Je gardais un
souvenir émerveillé de la Cendrillon
de Massenet que nous avions donnée
en 2011 dans cette salle formidable,
et des quelques concerts qui suivirent.
Le fait d’avoir l’opportunité de prolon-
ger cette relation, dans un lieu inspi-
rant et avec une équipe de metteurs en
scène parmi les plus excitants, a suffi
38 I
PAR CAMILLE DE RIJCK
à me convaincre. Ce n’est qu’à la fin
que Peter de Caluwe m’a dit : « pour
mon dernier mandat, on pourra faire
un Ring » ; et là mes yeux sont sortis
de mes orbites. Mais ce Ring n’a jamais
été une condition sine qua non, sim-
plement la cerise sur le gâteau.
Quand vous posez vos valises
à Bruxelles, qu’inscrivez-vous
au carnet de vos envies ?
A.A. : En fait, le répertoire s’est surtout
construit autour de conversations avec
l’équipe, et avec la contrainte de ne
diriger que trois opéras par an sur les
huit ou neuf titres programmés. Par-
fois, des ouvrages que j’aurais voulu
diriger ont été confiés à d’autres chefs
car la période ne fonctionnait pas pour
moi ; inversement, certaines œuvres
ne me tentaient pas beaucoup a priori
mais, après réflexion, j’ai été heureux
de les diriger. Quelques compositeurs
me semblaient incontournables,
comme Wagner, qu’on a pu aborder
au fur et à mesure, en fonction aussi
des envies de nos metteurs en scène ou
de la disponibilité de certains chan-
teurs. Monter un opéra, en définitive,
c’est rarement juste une question d’en-
vie : c’est le passage en revue de nom-
breux paramètres qui permettent de
rêver une production totalement exci-
tante, car sinon, on ne s’engage pas.
Il doit bien vous rester
quelques obsessions ?
A.A. : Non, car j’ai eu la chance de
son diriger beaucoup d’opéras, des titres
actualité et des styles extrêmement différents,
donc mes obsessions ont été largement
EN DISQUE
satisfaites ; il reste cependant quelques
Schmitt :
La Tragédie œuvres que je rêve de diriger, comme
de Salomé. Chant Les Maîtres Chanteurs de Nuremberg
élégiaque. de Wagner, Wozzeck de Berg,
Orchestre La Femme sans ombre de Strauss.
symphonique
Mais j’ai le temps d’y penser, et de faire
de la Radio
de Francfort, en sorte que ces envies se concrétisent.
Alain Altinoglu.
Alpha (parution Comment s’est passé le travail
le 10 mai). de fond avec l’orchestre
de La Monnaie ?
A.A. : Mon cahier des charges était de
faire en sorte que le niveau musical
soit maintenu, voire progresse. Je suis
arrivé à un moment où de nombreux
musiciens, engagés par Gerard Mortier
dans les années 1980, partaient à la
retraite après quarante ans de maison.
Donc aujourd’hui, un tiers de l’effectif
a été recruté sous mon mandat, ce qui
est énorme. Je suis en outre parvenu
à augmenter le nombre de répétitions
d’orchestre pour pouvoir faire un tra-
vail de fond. Même logique pour les
© DIRK LEEMANS
choristes, à laquelle s’est greffée la né-
cessité d’engager un nouveau chef
des chœurs. Parfois, en réécoutant
des enregistrements de 2015 ou 2016,
en dates
1975 naissance le 9
octobre à Alfortville (94).
1988 entre au CNR
de Saint-Maur (piano).
Première rencontre
avec la mezzo-soprano
Nora Gubisch.
1992 entre au CNSM
de Paris.
2001 dirige Don
Giovanni à Tourcoing
avec la Grande Ecurie
et la Chambre du Roy
à l’invitation de
Jean-Claude Malgoire.
2005 naissance,
le 23 novembre, d’Arthur
Altinoglu Gubisch.
2009 débuts comme
chef à l’Opéra de Paris.
2011 première
collaboration avec
le Philharmonique
de Vienne.
2014 nommé
professeur de direction
d’orchestre au CNSMP.
2015 premier
Lohengrin à Bayreuth.
2021 débute comme
directeur musical
de l’Orchestre
de la Radio de Francfort.
2023 première édition
sous sa direction
du Festival de Colmar.
 ● Alain Altinoglu

je constate que l’orchestre a beaucoup

changé même si, déjà à l’époque, les
musiciens accomplissaient des choses
magnifiques. Il me semble aussi qu’on
a gagné en constance d’une représen-
tation à l’autre. Il pouvait arriver que
les performances soient en dents de
scie, en fonction du niveau de fatigue
de l’orchestre. Aujourd’hui, même si
nous restons des êtres humains avec
nos temps forts et nos temps de
moindre engagement, nous parvenons
chaque soir à offrir quelque chose
d’excitant.

Parlons du Ring dont vous venez

de diriger les deux premiers
volets : on parle souvent de l’arc
musical qu’il est nécessaire
de construire tout au long
du cycle. Comment fait-on face
à une œuvre de cette dimension ?
A.A. : La dimension n’entre pas vrai-
© THOMAS LÉONARD

ment en jeu. On ne commence pas

Les Noces de Figaro sans connaître la
fin de l’œuvre, vu qu’il y a déjà dans
l’Ouverture bien des éléments du dé-
nouement. Ignorer ce qui suit, c’est le
rôle du spectateur. C’est ce que vou-
lait Wagner : que les auditeurs ar-
rivent au théâtre sans savoir tout de
ce qui allait leur arriver. Le chef d’or-
chestre doit fonctionner inversement.
Surtout dans le Ring, qui est consti-
tué d’une infinité d’éléments, avec
tous les leitmotive, représentant
concepts et personnages, qui s’im-
briquent les uns dans les autres et se
transforment à mesure que l’œuvre
tend vers son climax. Romeo Castel-
lucci avait émis l’idée, vu que l’an-
neau est un cercle, qu’avant L’Or du
Rhin, on joue la fin du Crépuscule des
Dieux. Clairement, si je n’avais pas
connu l’œuvre par cœur, si je n’avais
pas été capable d’argumenter mon
refus, avec des éléments concrets
d’architecture musicale, j’aurais eu
beaucoup de mal à défendre mon
point de vue. Celui-ci était pourtant
simple : la fin du Crépuscule est un
gigantesque développement. L’ima-
gination a tous les droits, mais pas
celui de s’opposer à certaines règles
de perspective, d’architecture, de ma-
thématiques ou de développement
cellulaire. C’est précisément de ce
dernier exemple qu’il s’agit : la mu-
sique de Wagner est un constant dé-
veloppement de cellules qui ne peut
pas être mis sans dessus dessous. Ce
n’est pas une de ces créations de
l’éternel recommencement, comme
Wozzeck, dont la dernière scène pour-
rait, dans la logique de l’œuvre, être
enchaînée à la première.
Et quand vous opposez
cet argument à un metteur
en scène de la dimension
de Castellucci, il l’entend ?
A.A. : C’est un homme d’une très
grande humilité. Il n’est pas musicien,
mais il écoute et s’abandonne à ses in-
tuitions. Il lui arrive de travailler des
images, parfois longuement, puis de
renoncer parce que la cohabitation du
visuel et de la musique n’a pas interagi
à la hauteur de ses espoirs. Parfois,
dans le travail, nous nous heurtons à
certaines limites, comme un décor qui
a été construit et qu’on ne peut plus
modifier, mais Romeo accepte le
changement jusqu’au bout. Je l’ai vu
faire répéter des chanteurs du troi-
sième acte pendant le deuxième ! Et
tout cela dans la plus grande sérénité.
Je n’ai jamais rencontré une personne
alliant une telle exigence et une gentil-
lesse tout simplement infaillible. Il ne
s’énerve jamais !
Touche-t-on avec lui, parfois,
aux limites de ce que les
musiciens peuvent faire ?
A.A. : Romeo est capable d’inviter les
artistes qui l’entourent à réfléchir en
dehors du cadre habituel de leur
métier. Demander à un chanteur
d’opéra, à la fin de L’Or du Rhin, de se
laisser tomber en arrière dans un
trou de deux mètres, personne
d’autre ne le ferait. Lui-même s’est
mis en danger lors d’un spectacle en
Avignon : il enfilait une camisole et
se faisait attaquer par des chiens.
Mais évidemment, tous ces effets sont
encadrés, afin qu’ils n’exposent ja-
mais les artistes à des dangers réels,
même si les conditions sont ex-
trêmes : dans La Walkyrie une pluie
de plusieurs centaines de kilos de
terre tombe au deuxième acte ; les
artistes doivent venir chanter au mi-
lieu, ce qui n’est pas simple. Ils ont

40 I

cependant le sentiment de participer
à une aventure assez exceptionnelle.
On voit parfois des chanteurs quitter
une production parce qu’ils ne la cau-
tionnent pas ou sont heurtés par telle
ou telle scène. Cela n’arrive pas dans
les productions de Romeo Castel-
lucci. Très certainement parce que
son théâtre appelle l’écoute de celles
et ceux qui le constituent.
Où en est votre relation avec
la France ? A quand Paris ?
A.A. : Je n’ai pas d’idée fixe. Mais
quand on me propose quelque chose,
je suis très heureux et j’y réfléchis
volontiers. C’est normal. En arrivant à
La Monnaie, puis à Francfort et enfin
au Festival de Colmar, je me suis en-
gagé à libérer du temps de travail pour
ces trois institutions et à leur offrir la
priorité dans ma vie de musicien.
Lorsque j’ai signé à La Monnaie, je me
suis désisté de plusieurs contrats – cer-
tains l’ont bien compris, d’autres pas
– et j’ai dû renoncer au Met ou à Berlin,
par exemple, tout en gardant
Les Troyens à Vienne, de par mon lien
à cette œuvre rare, la qualité de ma
_ « Bien sûr que l’Opéra de Paris me tente :
je suis né à Paris, j’y ai grandi, j’ai commencé
à y travailler et j’y ai tout appris. » _
relation avec Dominique Meyer, qui
dirigeait alors l’Opéra, et avec l’or-
chestre (qui est une déclinaison des
Philharmoniker). Pour l’heure, je suis
engagé à Bruxelles, dans un travail de
longue haleine, qui porte ses fruits.
Si une autre proposition devait surve-
nir, j’y réfléchirais posément, mais je
ne suis pas en recherche. Bien sûr que
l’Opéra de Paris me tente : je suis né à
Paris, j’y ai grandi, j’ai commencé à y
travailler quand j’avais dix-sept ans et
j’y ai tout appris ; j’ai été chef de chant,
j’y ai fait les surtitres, j’ai été souffleur,
assistant, pianiste accompagnateur et
pianiste de fosse dans ce magnifique
orchestre, j’y ai littéralement appris
mon métier. Y revenir un jour serait
merveilleux.
Vous complétez désormais
le panel de vos activités
en dirigeant un orchestre
symphonique, celui de
la Radio de Francfort...
A.A. : Ce sont deux engagements qui
se complètent. La vie d’une maison
d’opéra n’a rien à voir à la logique d’un
orchestre symphonique. Ce sont par
ailleurs des expériences qui se nour-
rissent l’une de l’autre. Je suis à Franc-
fort jusqu’en 2028 et le travail y est
idéal, avec une flexibilité qui nous a
permis d’être à la pointe de l’offre nu-
mérique, les musiciens ayant accepté
de céder leurs droits pour que les
concerts soient disponibles sur
Internet – l’algorithme faisant son
œuvre, nos versions se retrouvent sou-
vent parmi les premières à paraître.
Grâce à cette chaîne YouTube, notre
orchestre bénéficie d’une visibilité
assez hallucinante.
En prenant la tête du Festival
de Colmar, vous n’avez pas craint
la surcharge ?
A.A. : J’avais donné plusieurs récitals
dans le cadre du festival avec
Nora Gubisch. Lorsqu’on m’a appelé
pour prendre la succession de
Vladimir Spivakov, je connaissais
donc l’institution, la ville, les infras-
tructures et une partie des équipes.
Diriger les grosses machines lyriques
et symphoniques implique d’être par-
tiellement tributaire, dans sa pro-
grammation, d’une série de
contraintes. Mais diriger un festival
condensé sur les quinze premiers
jours de juillet, c’est une expérience
que je n’avais jamais tentée. Je peux
organiser des concerts avec des amis,
amener à Colmar le meilleur de mes
rencontres pédagogiques (notamment
au Conservatoire de Paris) en faisant
jouer les jeunes le midi et en ouvrant
les master classes données par de
grands solistes – sans même évoquer
la beauté des lieux et la qualité de la
gastronomie !
Ces jeunes talents, les
Alain Altinoglu de demain,
vous parvenez déjà à les identifier
parmi vos élèves ?
A.A. : Il reste extrêmement difficile,
même dans les meilleures écoles de
musique, de parvenir à évaluer avec
certitude le véritable niveau des jeunes
chefs. Il arrive même parfois que des
musiciens d’orchestre se trompent sur
leur qualité, à cause de la grande
variété des points de vue. Quand un
orchestre ne joue pas ensemble,
comment savoir si c’est la faute du mu-
sicien ou du chef ? Cette profession est
mystérieuse et, pour cela, on traquera
les qualités de base : le charisme, la
faculté à fédérer un groupe et l’acuité
de l’oreille. Mon propre profil diffère
de ceux qu’on croise dans les classes
de direction : j’étais un pianiste, de-
venu chef de chant, devenu bouli-
mique de répertoire et d’interactions
avec l’orchestre. Je ne peux donc pas
tendre vers la duplication de futurs
petits Alain Altinoglu, mais simple-
ment encourager la singularité et le
talent trouvé en chacun d’eux. ◼
I 41
● l’œuvre du mois PAR SYLVAIN FORT
L’Amour sorcier
entré en Espagne en 1914,
après des années passées
à Paris, quelles leçons
Manuel de Falla a-t-il ap-
prises ? D’abord, assurément, que son
intransigeance artistique n’avait pas
été vaine. Le succès public et critique
de La vida breve, créée à Nice en 1914,
avait couronné sa foi absolue dans ce
projet. Il avait résisté aux promesses
dilatoires de l’Opéra-Comique comme
aux alternatives offertes à Milan par
Tito Ricordi, qui proposait d’oublier
cette fable espagnole au profit d’un
livret italien déjà refusé par Puccini.
Certes, il avait dû (douloureusement)
aménager l’œuvre pour la conformer
aux rigueurs de l’exécution, mais sans
la dénaturer.
Mon pays et Paris
Ensuite, plus essentiel, il avait com-
pris qu’il pouvait concilier esthétique-
ment ses deux « écoles ». D’une part,
la tradition espagnole, apprise auprès
de son maître Felipe Pedrell. Grand
artisan de la réhabilitation de la mu-
sique populaire, ce dernier en avait
établi les fondements historiques, pui-
sant leurs racines loin dans l’histoire
de l’Espagne, jusqu’à ses influences
arabes. Pedrell avait même tenté de
donner l’exemple dans ses propres
œuvres, médiocrement reçues, mais
découvertes avec passion et ardem-
ment défendues par Falla.
D’autre part, l’école française. « J’aime
la musique française », dit-il en trem-
blant à Debussy lors de leur première
rencontre, « moi pas », répondit l’autre.
42 I
HISTOIRE, INTERPRÉTATION
DISCOGRAPHIE COMPARÉE
A Paris, il était venu chercher auprès
de Dukas, Debussy, Ravel la confirma-
tion d’une intuition profonde : on pou-
1915 vait concilier les caractéristiques de la
musique espagnole mises au jour par
Pedrell et les formules neuves inven-
Pablo Picasso tées, notamment en matière d’orches-
achève tration, par les Français.
sa Nature morte Il y aurait beaucoup à dire sur la
au compotier. convergence naturelle de ces esthé-
● tiques, toutes deux ancrées dans la
célébration de la sensation, du corps,
Sibelius de l’osmose avec la chair du monde,
compose sa quand la musique allemande était
Symphonie no 5,
réputée explorer les sphères (malgré
Debussy
Brahms et ses fascinations tziganes).
douze Etudes
pour piano. Une telle convergence s’était déjà ma-
nifestée dans le goût des Français pour
● la mélopée et l’esprit espagnols (Cha-
Einstein rédige brier, Bizet – dont Nietzsche tirerait
sa Relativité ses diatribes anti-allemandes).
générale. Il devenait possible de ne pas faire
de la musique espagnole une réserve
● de canevas folkloriques recyclables
Granados mais le fondement d’une expression
transforme nouvelle, dont la tradition nourrirait
en opéra ses l’esprit sans asservir la lettre. « L’es-
Goyescas. prit importe plus que la lettre. Le
rythme, la modalité et les intervalles
mélodiques sont l’ingrédient essen-
tiel de ces chants. Je suis opposé à
la musique qui prend le folklore au-
thentique comme base », écrivit Falla.
Adieu espagnolades, chromos anda-
lous, yeux de braise…
Cet exhaussement esthétique de la
tradition espagnole était d’autant
plus conforme aux aspirations de
Falla que, lorsqu’il composa La vida
breve, il avait de l’Andalousie une
connaissance superficielle, n’ayant
pas étudié les profondeurs de son folk-
lore. Rentré en Espagne, il s’attacha à
rectifier cela ; il voyagea, vit Séville,
et découvrit avec des cris de joie les
splendeurs de l’Alhambra.
Dans son esprit, l’Andalousie était,
comme l’avait été l’Orient pour tant
d’artistes, non une géographie mais
un imaginaire. Aussi son intérêt
tourna-t-il immédiatement autour de
ce qui frappa le plus cet imaginaire,
et faisait vibrer sa curiosité musi-
cale : la culture gitane. Cet attrait fut
certainement accru par la première
espagnole de La Vida breve, où l’im-
mense artiste de zarzuela Lisa Vuela
chantait Salud avec l’énergie noire du
flamenco.
De la gitaneria…
Il advint que Pastora Imperio, comé-
dienne et danseuse de flamenco née à
Séville et déjà célèbre (elle venait de
tourner dans La Danse fatale), sou-
haita rencontrer Falla. Elle se tourna
vers Gregorio Martinez Sierra et son
épouse Maria O’Lejarraga, écrivains
qui s’étaient liés d’amitié avec le com-
positeur à Paris en 1913 puis l’avaient
retrouvé avec bonheur à Madrid.
Artiste complète, Imperio désirait
« un chant et une danse ». Falla plon-
gea dans les profondeurs de l’esprit
gitan, prisa les légendes contées par
la grand-mère de la danseuse, Rosario
« La Mejorana », qui semble avoir ins-
piré le sujet. L’argument en deux ta-
bleaux, dû au couple Martinez Sierra
(probablement plus à elle qu’à lui) est
© WIKIPEDIA
d’une grande simplicité : amoureuse
d’un homme qui lui est infidèle, la gi-
tane Candelas déploie toute la nuit,
des sortilèges pour le reconquérir. Et
réussit : l’aube scelle leur réconcilia-
tion sur fond de cloches matutinales.
Cette gitaneria (forme parlée, chantée,
dansée) émaillée de rauques incanta-
tions fut composée très vite : sa créa-
tion eut lieu le 15 avril 1915 au Teatro
Lara de Madrid. Sans grand succès,
malgré l’engagement de sa petite
troupe familiale de gitans.
… au ballet
Commencèrent alors des révisions
aboutissant d’abord à une version de
concert pour grand orchestre créée le
28 mars 1916, cette fois avec un succès
éclatant. Il avait fallu écourter et sup-
primer des parties chantées. S’ensui-
virent de nouveaux remaniements
dont le dernier état fut la recréation
sous forme de ballet créée en 1925 au
Trianon Lyrique, à Paris.
Au gré d’un important réordonnan-
cement, on avait perdu tous les dia-
logues et des pans entiers du texte
chanté, à l’exception de la Chanson
du chagrin d’amour, de celles du feu
follet et de la fausse sorcière (en par-
tie). Le canevas s’est compliqué
(treize scènes au lieu de deux ta-
bleaux) : Candelas est hantée par le
fantôme de son défunt époux (un ma-
Rythme, couleur, riage arrangé) et il lui faut un sorti-
et mouvements lège pour pouvoir convoler avec son
du flamenco : seul amour, Carmelo.
Joaquin Sorolla
croque en 1914 Enjeux de l’interprétation
des Femmes
dansant au café Onze moutures en tout existent de
Novedades l’Amor brujo. Pendant longtemps, la
à Séville. version de 1916/1925, pour grand or-
chestre, fut considérée comme la par-
tition de référence, le dernier mot du
compositeur, les autres étant adapta-
tions pour orchestres ou formations
diverses. Dans les années 1980, on re-
découvrit la rédaction initiale de 1915.
Et l’on s’éprit de cette gitaneria qui
semble exalter plus vigoureusement
la violence gitane, le fatalisme sombre
né des grottes d’Andalousie et faire la
part plus belle au chant qui en était
issu, le cante jondo célébré par Fede-
rico Garcia Lorca.
Choisir la version 1915 ou celle de
1916/1925 ? Question épineuse tant
la redécouverte de l’original, ardent
et mystérieux, a influencé notre per-
ception de l’œuvre. A l’orchestration
virtuose et peaufinée (la plus jouée
et enregistrée), beaucoup préfèrent
la simplicité et le format restreint de
1915, sans doute sous l’effet du retour
aux origines prôné dans l’interpré-
tation musicale – culte des sonorités
premières, adoration de l’Urtext, mé-
fiance à l’égard des lectures anhisto-
riques, attention nouvelle aux formes
traditionnelles sous-tendant le réper-
toire dit « classique ».
Interpréter El amor brujo aujourd’hui
dans sa rédaction de 1916 sans avoir
dans l’oreille celle de 1915 est presque
I 43
● l’œuvre du mois
L’ŒUVRE PAS A PAS
La métamorphose en ballet
a nécessité des coupes et des
interpolations. Partons de la
version de 1915 (pour un effectif
de quinze musiciens), nouant
le fil avec la version orchestrale.
PREMIER TABLEAU
L’Introduction nous mène dans
la grotte où Candelas consulte
les cartes funestes. Allegro furioso
frénétique aux deux thèmes
issus du flamenco qui ensuite
dérive vers une évocation
impressionniste préparant
la Chanson du chagrin d’amour.
Sa pauvreté harmonique
délibérée, ses mélismes
obsédants, ses mots crachés
en font une malédiction
plus qu’une complainte :
un chant fatal. Vient la nuit avec
ses Sortilèges. Falla fait sonner
douze fois la même cellule
suspendue (il est minuit), avant
de la diluer en pizzicatos.
Résonne alors la Danse de la fin
du jour (rebaptisée Danse
rituelle du feu dans le ballet).
La pulsation en ostinato, comme
le piétinement d’une bacchante,
est zébrée par une mélodie
ondulante et mauresque,
initiatique et entêtante.
Confiée au hautbois, elle est
reprise par l’orchestre, au gré
d’une tonalité hésitante et
d’emprunts aux modes andalous :
tout cela produit une sorte de
fièvre qui monte jusqu’au délire,
déchiré par les flammes que
dessinent les traits des cordes.
La Romance du pêcheur
en fa majeur offre, face à cela,
une stase presque bizarre.
Instrumentale dans le ballet,
elle est parlée (mélodrame) dans
la version de 1915. Sa douceur
infuse donne à cette fable
ancienne où l’eau de la rivière
engage les amoureux déçus
à chercher la grotte de la sorcière,
une nostalgie étrange.
SECOND TABLEAU
Il commence par une Introduction
qui nourrira dans le ballet
la Danse du jeu d’amour. Dans
le cours de ses rituels, Candelas
44 I
impossible. La version initiale infuse
et informe la suite. Aussi toute une tra-
est harcelée par un feu follet :
cette Danse du feu follet dition cherchant l’éclat et l’emphase
en notes piquées, qu’enveloppent s’est-elle étiolée au profit de la quête
des cordes dicte une d’une sonorité plus rugueuse, d’une
chorégraphie endiablée, ouvrant articulation plus sèche, d’une ryth-
sur des Hallucinations. mique et d’un phrasé brûlant à la
La Chanson du feu follet, flamme gitane, avec ses accents his-
incantation en deux strophes, pano-arabes, ses attaques brusques et
repose sur un fond rythmique percussives.
simple. La ligne de chant,
avec ses étirements et ses
mélismes gitans, porte
et déroule la plainte : « L’amour
Discographie
est semblable au feu follet, comparée
tu le fuis et il te poursuit,
tu l’appelles et il se sauve. » Il est donc assez surprenant que le
La scène mélodramatique premier enregistrement de la version
de l’exorcisme, lançant un 1915 soit marqué par la retenue et une
Sortilège pour reconquérir certaine platitude. La lecture de Ni-
l’amour perdu, sera retranchée cholas Cleobury (Virgin, 1988) appa-
dans le ballet – c’est pourtant raît étonnamment littérale et pâle de
un point culminant de l’œuvre, timbres et ne bouleverse en rien une
dramatiquement mais aussi discographie très relevée.
musicalement. Son chanté-parlé Deux gravures fondatrices dirigées
frénétique donne à entendre
toutes deux par le chef espagnol
« les finales gutturaux d’un cante
hanté par le duende » (Hoffelé). En studio Ataulfo Argenta (1953 en studio avec
C’est l’apex démoniaque, puis au concert, l’Orchestre de la Société des concerts
Ataulfo Argenta du Conservatoire et Ana Maria Iri-
où l’amour est réellement sorcier.
plaça par deux arte, puis 1957 en public avec l’Or-
Entre l’amant désiré et Candelas
fois la barre
(dans l’ombre, déguisant sa voix) chestre national et Teresa Berganza,
très haut.
commencent les Danse les deux réédités par la BnF dans un
et Chanson de la fausse sorcière son tout à fait acceptable) avaient
(future Danse du jeu d’amour après-guerre placé la barre très
dans le ballet). Au piano d’abord haut. Tout y est. La fougue, la noir-
fragile et incertain, ourlé ceur, des chanteuses incandescentes
de pizzicatos, succède un thème
ensorcelant à l’alto, déjà entendu
au premier tableau. Le hautbois
et les violoncelles prendront
le relais, scandant ce qui est
à la fois une ronde amoureuse
et une danse de mort, comme
un cérémonial hypnotique,
circulaire. Le chant narre l’histoire
d’une gitane abandonnée par un
infidèle avec des mots cryptiques
(sinon pythiques) : « je suis le feu
dans lequel tu te consumes,
je suis le vent dans lequel
tu soupires, je suis la mer
où tu t’abîmes. »
Le jour se lève, l’ordre amoureux
est rétabli. Dans Les Cloches
du matin, l’effusion lyrique des
cordes est le tapis sonore d’une
immense exultation de Candelas :
« voilà ma gloire retrouvée ».
Le jour a vaincu la nuit.
© DR

(Berganza possédée), des orchestres
pas toujours précis, mais endiablés.
La version minérale de Toscanini
(RCA, 1939) s’en trouva périmée,
comme celle de Stokowski (RCA,
1946) avec une Nan Merriman admi-
rable mais des brillances hollywoo-
diennes superflues. Enflé, son remake
philadelphien avec Shirley Verrett
(CBS, 1960) ne convainc pas davan-
tage que Fritz Lehmann (1954, DG),
avec une chanteuse moyenne et des
Berliner qui se croient chez Orff.
Florissantes Sixties
Carlo Maria Giulini et le Philharmo-
nia (Emi, 1961) offrent des miroite-
ments neufs, une lecture presque
française de la partition, avec une Vic-
toria de los Angeles trop bien chan-
tante pour être une cantaora mais trop
intelligente pour poser en diva.
Deux ans plus tard, voici Fritz Reiner
et Leontyne Price (Chicago, RCA). An-
noncée par une première gravure à
Pittsburgh, cette lecture joue des iné-
puisables timbres de Chicago qui par
le son font jaillir le sens. Price aurait-
elle trouvé au fond des spirituals la clef
du cante jondo ? Elle est stupéfiante,
dans une version aux mille artifices,
sans la sécheresse tragique.
Tir groupé en 1965 avec Ernest An-
sermet (Decca) et Lorin Maazel (DG).
Génial dans Le Tricorne, Ansermet
semble plus en retrait dans L’Amour
sorcier, de peur peut-être de s’enfon-
cer dans la vulgarité. Il y échappe
certes élégamment, mais non sans
émollients. Maazel opte pour le poids
tragique. Tempos lents, pâte sombre,
nous sommes loin des délicatesses de
Giulini, proches de l’esprit d’Argenta,
sans la verdeur ni le nerf, et Brumbry
Avec Pablo reluisant comme à la parade : la fable
Heras-Casado, gitane devenue morceaux de bravoure
la relève est pour galas, quelle tristesse !
assurée pour En 1991, Josep Pons frappe un grand
© ISRAEL PHILHARMONIC ORCHESTRA
le XXIe siècle. coup : sa version 1915 avec l’Orchestre
de chambre du Teatre Lliure et une
Ginesa Ortega de vingt-trois ans, in-
time du style gitan, rend à la partition
sa vérité, sa vigueur, son sens, l’arra-
chant ainsi à deux décennies de com-
plaisances (Harmonia Mundi).
Leçon retenue ? Probablement par
Enrique Mata en 1994, excellent (Do-
est un peu trop Ulrica. L’année sui- rian). La cantaora Esperanza Marti-
vante, Rafael Frühbeck de Burgos C’est à la tête nez prêta son concours à deux gra-
de son orchestre
(Decca) marche sur les pas de Giu- vures hélas inabouties. En 2019, c’est
espagnol qu’Igor
lini avec le Philharmonia, mais Markevitch la profonde Marina Heredia que Pablo
quel empois alors ! L’Amour sorcier signait en 1966 Heras-Casado engage pour sa mou-
se serait-il perdu sur les sentiers du une référence. ture 1916, nerveuse et nostalgique –
gras symphonisme, allait-il laisser inspirée (Harmonia Mundi). La gloire
s’éteindre la flamme sèche des ca- d’El amor brujo retrouvée.
vernes andalouses ?
Heureusement, en 1966, Igor Marke-
vitch (Philips) trouve dans le secret
de son âme slave la mélancolie et la
violence. Il embrase l’Orchestre de
la Radio-Télévision espagnole, avec
une Ines Rivadeneira enveloppée
d’ombre, hallucinante.
Eclipses et renouveau
L’esprit de Falla avait donc survécu
aux séductions de la stéréophonie gal-
bée. Las, c’était sans compter sur un
Leonard Bernstein (Sony, 1976) tout
en démonstration, avec une Marilyn
Horne exotique ; sur un Garcia Na-
varro (DG, 1978), appliqué sans plus,
à peine sauvé par Berganza, et enfin
© DR
sur un Charles Dutoit (Decca, 1982)
LE QUARTÉ GAGNANT
Nourricier Envoûtant Incandescent Nostalgique
Ataulfo Argenta, Igor Markevitch, Josep Pons, Pablo Heras-Casado,
Ana Maria Iriarte Ines Rivadeneira, Ginesa Ortega, Marina Heredia,
Société des concerts Orchestre de la RTV Orchestre de Mahler Chamber
du Conservatoire. espagnole. chambre du Teatre Orchestra.
Emi/BnF, 1957 Philips, 1966 Lliure. HM, 1991 HM, 2019
I 45
● mythologies HOMMAGE AUX INTERPRÈTES
LÉGENDAIRES
PAR JEAN-CHRISTOPHE PUCEK

Paul Badura-Skoda
Viennois singulier
Déclarant que « l’instrument ne fait pas le style » mais partageant
sa pratique entre claviers d’aujourd’hui et d’hier, Paul Badura-Skoda
incarne une certaine idée du pianiste moderne.

« tre né à Vienne,
y avoir grandi a cer-
tainement joué un
rôle très important
dans ma vie », reconnaissait Paul
Badura-Skoda en 2003. Tant de che-
mins, en effet, convergent vers la
capitale autrichienne lorsqu’on évoque
un musicien qui a creusé le sillon des
compositeurs viennois avec une régu-
larité aussi inlassable qu’affectueuse,
malgré un répertoire s’étendant
jusqu’aux rives contemporaines (il crée
en 1970 le Concerto no 2 que Frank
Martin a écrit à son intention).

Etre musicien ?
Il y a vu le jour en 1927. Il a quatre mois
lorsque meurt son père, ingénieur.
Sa mère se remarie sept ans plus tard
avec Anton Skoda ; en signe de recon-
naissance pour « l’incroyable ten-
dresse paternelle » dont ce dernier l’a
entouré, Paul décidera d’accoler son
© UNIVERSITY OF WISCONSIN—MADISON ARCHIVES COLLECTIONS

nom à son propre patronyme. Dès six

ans, l’enfant commence l’apprentis-
sage du piano auprès de Martha
Wiesenthal, qui loue une chambre
dans l’appartement familial, puis de
Viola Thern. Mais c’est la découverte
d’Edwin Fischer, par le disque puis le
concert, qui suscite une prise de
conscience. Pour le garçon dont les
talents de dessinateur sont aussi affir-
més que le penchant pour les sciences,
1927 la pratique musicale se bornait
jusqu’alors à une activité comme une
autre. « Pauli » a quatorze ans ; il sait
2019 dorénavant qu’il sera musicien.
A la fin de la guerre, il entre au conser-
vatoire de Vienne où il obtient des prix
en piano et direction avant de se
rendre à Lucerne pour y suivre l’ensei-
gnement de Fischer puis travailler à
ses côtés. De celui qu’il définit comme
« [son] idéal », il hérite une approche
fondée sur la souplesse plus que la
puissance, une primauté accordée
à la netteté du toucher. S’y ajoute une
appétence personnelle pour le chant
qu’il ne cessera de cultiver – sans doute
est-ce elle qui rend ses Schubert, ses
Mozart si marquants. Dans Haydn
et Beethoven, d’autres ressorts sont
à l’œuvre, modestie matinée d’humour
pour le premier, goût du dépassement
des limites pour le second – il suffit
d’entendre, dans son intégrale au pia-
noforte (Astrée), sa façon de pousser
les instruments dans leurs derniers
retranchements, renouvelant le geste
de défi du compositeur lui-même.
Tout juste diplômé du conservatoire,
Badura-Skoda est choisi, en 1949, par
Wilhelm Furtwängler pour interpréter
le Concerto pour deux pianos KV 365
de Mozart aux côtés de Dagmar Bella,
fille du célèbre chef. Il restera toujours
sensible à l’art du maestro, dont il
opposera volontiers le caractère
spontané, chaleureux, à celui plus
méticuleux, plus calculé d’un Karajan
qu’il admire sans l’aimer. Trois ans
TROIS JOYAUX
MOZART : Concertos
pour piano nos 9 et 12.
Musica Florea.
Arcana, 2006.
Cet unique disque
de concertos
de Mozart sur instruments anciens,
que Paul Badura-Skoda dirige
du pianoforte, fait regretter qu’il soit
resté sans lendemain, tant le dialogue
entre le soliste et l’ensemble tchèque
semble couler d’une source limpide.
Portés par un même souffle, ils livrent
un « Jeunehomme » à l’émotion
contenue mais palpable, un KV 414
plein d’entrain mais sachant convoquer
des ombres dans l’Andante. C’est
vivant, troublé, senti avec justesse.
plus tard, Furtwängler fait de nouveau
appel à lui pour donner, le jour de l’an-
niversaire du Salzbourgeois, son
Concerto KV 482 avec les forces des
Wiener Philharmoniker. La bande
du concert (Music and Arts) révèle un
pianiste à la virtuosité sans tapage,
ciselant les atmosphères avec un goût
évident pour la clarté, qualités déjà
remarquables dans les Concertos nos 4
et 5 de Beethoven gravés sous la direc-
tion d’Hermann Scherchen l’année
précédente. 1952 préfigure la trajec-
toire de Badura-Skoda : alors que ses
succès avec Furtwängler lui ouvrent
grand les portes de la renommée,
il enregistre, pour Westminster, un
premier disque Mozart sur un piano-
forte d’Anton Walter conservé au
Kunsthistorisches Museum de Vienne.
Une révélation
L’intérêt du pianiste pour les instru-
ments anciens a mis du temps à se
dessiner. Certes, Fischer encourageait
ses élèves à les explorer pour
construire leur approche des œuvres
au piano moderne, mais sans lever
les réticences face à ces « objets de mu-
sée [...] aussi utilisables comme bois
de chauffe en hiver ». Ce sont les
concerts d’Isolde Ahlgrimm (1914-
1995), figure majeure du renouveau
des claviers d’époque en Autriche, qui
BEETHOVEN : Les cinq
concertos pour piano.
Orchestre
du Wiener Staatsoper,
Hermann Scherchen.
Westminster, 1951-1959.
Rééditée par Genuin à l’occasion
du quatre-vingtième anniversaire
de Paul Badura-Skoda, cette intégrale
des concertos pour piano de Beethoven
témoigne d’une science déjà très sûre des
équilibres et des nuances chez un musicien
qui n’a pas vingt-cinq ans lorsqu’il se jette
dans « L’Empereur ». Hermann Scherchen
allège les textures d’un orchestre vif
et coloré. L’ensemble est tendu, galbé,
affichant sans surenchère une personnalité
qui ne manque pas de brio.
lui apportent la révélation, moins pour
Bach – il laisse néanmoins des Partitas
enregistrées en 1986 sur un clavecin
Kirkman sonnant aujourd’hui
quelque peu exotiques (Astrée) – que
pour Mozart. Au tournant des années
1970, sa carrière internationale
marque le pas. Alors qu’il est devenu
un praticien émérite doublé d’un col-
lectionneur avisé de ces antiquités,
Michel Bernstein, fondateur des labels
Astrée puis Arcana, le convainc d’enre-
gistrer pour lui. Le premier essai,
à nouveau un florilège mozartien
(Astrée, 1978), rencontre un succès
inattendu. Quatre sont bientôt dédiés
à Haydn, puis ce ne sont pas moins
de trois intégrales qui voient le jour
– Beethoven, Mozart, Schubert. On le
retrouve aussi aux côtés des Festetics
dans les Quatuors KV 478 et 493 de son
cher Wolfgang, du baryton Thierry
Félix dans des lieder de Schubert.
Essayiste – on lui doit des ouvrages re-
marqués sur l’art d’interpréter Bach
ou Mozart au clavier –, pédagogue,
Paul Badura-Skoda cultivait l’amitié.
La complicité qu’il entretient avec Jörg
Demus dès les années 1940, illustrée
par maints enregistrements au cours
des décennies suivantes, ne se démen-
tira jamais. Les deux hommes la
poussent jusqu’à mourir la même an-
née, en 2019, à six mois d’intervalle. ◼
SCHUBERT : Pièces
pour piano à quatre
mains.
Jörg Demus (piano).
Valois, 1988.
Deux amis réunis au
clavier d’un Bösendorfer « Impérial »
de 1923, « altesse difficile, exigeante »
selon Paul Badura-Skoda. Le résultat
est d’une complicité évidente dans la
joie rayonnante du Rondo D 608 (dont
la dédicace, en français, proclame
« Notre amitié est invariable ») comme
dans les abîmes de la Fantaisie en fa
mineur D 940. On recherchera, capté
durant les mêmes sessions, toujours
pour Valois, un disque Mozart
à l’allégresse communicative.
I 47
 ● l’air du catalogue EN 10 DISQUES, UNE INVITATION
AU VOYAGE DANS...
PAR LAURENT MURARO

Le concerto pour piano

au XXe siècle
onsacré au concerto pour a aussi pour conséquence la multi- avec le concerto bourgeois et roman-
piano « romantique » et plication de partitions concertantes tique les mêmes réticences qu’avec
s’achevant sur le souffle « pour la main gauche », sur l’initiative l’opéra. Esprit libre, Messiaen fit
conquérant du 2e de des pianistes mutilés que furent Paul chanter son piano coloré dans Réveil
Rachmaninov (1901), le précédent Wittgenstein ou Otakar Hollmann. des oiseaux et Oiseaux exotiques, l’inté-
épisode de cette série (cf. no 729) pré- Ainsi naquirent des commandes gra aux œuvres-mondes que sont la Tu-
sentait, en dépit des particularismes passées à Ravel, Strauss, Prokofiev, rangalîlâ-Symphonie ou Des canyons
nationaux, une relative homogénéité Korngold, Britten, Janacek, Martinu, aux étoiles. Jolivet, Villa-Lobos, Mar-
stylistique. Il n’en sera pas de même Schulhoff… Même « diminué », l’ins- tinu, Chostakovitch, ou plus près de
Le compositeur
ici : la diversité radicale des esthé- trument-roi y apparaît tout aussi ca- et son interprète :
nous Ligeti ou Lutoslawski renouvel-
tiques du XXe siècle a trouvé dans ce pable d’un dialogue d’égal à égal avec Witold Lutoslawski leront chacun à leur manière le genre.
genre si singulier un terrain de jeu une grande formation symphonique. et Krystian Une vitalité que l’on retrouve dans le
éminemment fertile. Quoi de commun Zimerman. panorama réjouissant que nous offre
entre les concertos de Rachmaninov, Esprits libres le début de notre siècle : les réussites
où survit la grande tradition héritée Malgré l’œuvre de Schönberg en 1942 de créateurs aux profils aussi variés
de Liszt, Brahms ou Tchaïkovski, et la ou les Mouvements (1959) de Stra- que Penderecki, Adams, Adès, Salo-
modernité dérangeante d’un Bartok vinsky dans sa période sérielle, le nen, Lindberg, Dalbavie, Pécou ou
qui assume sans complexe un traite- genre connaîtra cependant un relatif Say nous promettent dans quelques
ment percussif de l’instrument ? Le déclin après la Seconde Guerre mon- décennies des choix tout aussi corné-
cadre vole aussi en éclats, entre l’op- diale, la jeune avant-garde rencontrant liens que pour cette sélection !
tique monumentale et presque mons-
trueuse de Busoni (1902-1904, cinq
mouvements totalisant soixante-dix
minutes, un chœur d’hommes dans le
finale !) et l’écriture plus légère (effec-
tif, durée, ton) des concertos nés dans
l’entre-deux-guerres – ceux de Hinde-
mith, Stravinsky, Milhaud, Poulenc ou
Honegger par exemple.
Si la coupe traditionnelle en trois
mouvements séduit encore Bartok ou
Ravel, plus nombreuses sont les
œuvres qui multiplient les brèves sé-
quences, ou à l’inverse adoptent une
forme libre d’un seul tenant, entre fan-
taisie et rhapsodie. A l’image de la
Rhapsody in Blue de Gershwin (et sans
oublier son plus académique Concerto
en fa), des éléments d’écriture venus
du jazz peuvent enrichir le langage du
© DG / ROBERT CAHEN

concerto pour piano et stimuler l’ins-

piration des musiciens européens, de
Ravel à Stravinsky.
Autre donnée extérieure, le trauma-
tisme de la Première Guerre mondiale

48 I
 RAVEL
1932 ▶ CONCERTO EN SOL.
Martha Argerich (piano),
London Symphony Orchestra,
Claudio Abbado. DG.
Jamais bien loin de son faux jumeau ténébreux
destiné à la seule main gauche, le Concerto
en sol brille depuis sa création (sous les doigts
de sa dédicataire Marguerite Long) au sommet
du panthéon concertant du XXe siècle, ravissant
autant les amateurs d’équilibre classique
que de modernité. Il en aura coûté trois ans
de labeur « pour ainsi dire jour et nuit »
à Ravel, tout près « d’en crever » pour parvenir
à cette perfection du fond et de la forme,
entre l’espièglerie contagieuse des mouvements
extrêmes (où pointent jazz et rythmes basques)
et la grâce toute mozartienne de son Adagio,
divine inspiration. Au cœur d’une orchestration
originale et savoureuse, la redoutable partie
pianistique fourmille de multiples trouvailles
qui rendent cette partition immédiatement
attachante.

PROKOFIEV BARTOK STRAVINSKY

1913 ▶ Concerto no 2.
Horacio Gutierrez (piano),
Royal Concertgebouw
Orchestra, Neeme Järvi.
Chandos.
Véritable provocation d’un Prokofiev de
vingt-deux ans, le Concerto no 2 n’a certes pas
le charme mélodique qui rend le no 3 plus
populaire. Mais il dégage une impression-
nante sensation de puissance qui culmine
dans la gigantesque et furieuse cadence du
premier mouvement. C’est le diamant brut
de la période futuriste du compositeur, navi-
guant entre style toccata, ironie mordante et
bouffées lyriques.
FALLA
1916 ▶ Nuits dans
les jardins d’Espagne.
Clara Haskil (piano),
Orchestre Lamoureux, Igor
Markevitch. Philips/Praga.
Voici le grand concerto espagnol du réper-
toire, n’en déplaise à Falla qui préférait, pour
désigner ce fruit de ses années parisiennes,
le terme d’« Impressions symphoniques ». Une
fête pour tous les sens en tout cas que cette
langoureuse promenade dans la moiteur
nocturne andalouse qui nous transporte,
avec son piano-guitare, entre Orient et Occi-
dent, entre rêve et réalité.
GERSHWIN
1924 ▶ Rhapsody in Blue.
Stefano Bollani (piano),
Gewandhausorchester,
Riccardo Chailly.
Decca.
Acte de naissance de la musique américaine,
l’œuvre voyait dans son orchestration origi-
nale un piano classique s’encanailler au
contact d’un orchestre de jazz un peu irrévé-
rencieux (le fameux glissando initial de cla-
rinette). La petite dose d’abandon que récla-
ment les cadences du soliste rend redoutable
cette page si colorée, même pour les meil-
leurs techniciens.
1931 ▶ Concerto no 2.
Zoltan Kocsis (piano),
Budapest Festival
Orchestra, Ivan Fischer.
Philips.
Moins âpre que le Concerto no 1, ce no 2
conjugue les mêmes qualités d’écriture dans
un style un peu plus avenant. Tantôt percus-
sif tantôt rhapsodique, le piano s’insère idéa-
lement dans un ensemble qui allie maestria
rythmique, joie du contrepoint, construction
en miroir, et orchestration allant crescendo.
RACHMANINOV
1934 ▶ Rhapsodie
sur un thème de Paganini.
William Kapell (piano),
Robin Hood Dell Orchestra,
Fritz Reiner.
Nos Indispensables.
Dernière page concertante de Rachmaninov,
ces variations d’après le célébrissime Caprice
no 24 de Paganini s’apparentent à un jeu du
chat et de la souris entre soliste et orchestre.
Exercice de haute voltige mêlant les in-
fluences où s’invite même le thème du Dies
irae, la partition vaut pour la fameuse rêverie
de la Variation XVIII, condensé du genre et
du style de son auteur.
CHOSTAKOVITCH
1957 ▶ Concerto no 2.
Dimitri Chostakovitch
(piano), Orchestre
national de la
Radiodiffusion française,
André Cluytens. Warner.
Pour son fils Maxim, créateur de l’œuvre à
dix-neuf ans, Chostakovitch s’est légèrement
assagi, laissant de côté l’atmosphère oppres-
sante ou l’ironie féroce qui le caractérisent si
souvent. Quelques fantômes viennent toute-
fois subrepticement assombrir l’exubérance
des mouvements extrêmes, tandis que la
confidence fragile de l’Andante figure désor-
mais en bonne place dans les playlists « re-
lax » des sites de streaming !
1959 ▶ Mouvements
pour piano et orchestre.
Paul Crossley (piano),
London Sinfonietta,
Esa-Pekka Salonen. Sony.
Le caméléon Stravinsky a encore frappé !
Trois décennies après les réjouissants
Concerto pour piano et vents et Capriccio
de sa période néo-classique, l’insaisissable
compositeur livre cette nouvelle page concer-
tante au sérialisme précis et libre, rythmi-
quement redoutable et taillée pour Margrit
Weber, également dédicataire du Concerto
no 5 de Martinu.
LIGETI
1988 ▶ Concerto
pour piano.
Pierre-Laurent Aimard
(piano), Ensemble
Intercontemporain,
Pierre Boulez. DG.
Les diaboliques mécaniques de précision de
Ligeti font une nouvelle fois merveille dans
ce concerto qui égare plus d’une fois l’audi-
teur par ses illusions acoustiques. Entre Nan-
carrow et les polyphonies pygmées, le soliste
et un orchestre de chambre sont durant cinq
mouvements les maîtres des horloges, dila-
tant ou détraquant le temps à loisir.
LUTOSLAWSKI
1988 ▶ Concerto
pour piano.
Krystian Zimerman,
Berliner Philharmoniker,
Simon Rattle. DG.
Commandée, dédiée et créée par Krystian
Zimerman, cette page de Lutoslawski s’est
immédiatement imposée comme un clas-
sique du XXe siècle (déjà plus de dix versions
au disque !). Ce petit bijou d’écriture, où le
soliste se mêle à un orchestre jamais écrasant,
semble condenser l’histoire du genre, avec ses
clins d’œil à Chopin, Liszt ou Ravel. L’œuvre
attire et séduit telle une sirène jusqu’à la sai-
sissante Chaconne finale.

I 49
 La chronique
D’IVAN A. ALEXANDRE
Ministère de Paris
eudi 11 janvier : nommer Rachida Dati.
Comme Bruno Le Maire en 2017 ou Gérald
Darmanin en 2020, main basse chez Les
Républicains, parti présumé d’opposition.
Aigreur, pagaille. La routine.
Mardi 16 janvier : prêcher à la télévision contre le diable,
le « parti du mensonge » et de « l’appauvrissement »,
le « Front national comme je préfère l’appeler ». Terreur,
malheur. La routine.
Deux temps, un plan. Après la déroute des gentils
Républicains aux élections présidentielles, les méchants
Républicains ont pris du galon. Inimaginable sous
Valérie Pécresse, la fameuse « union des droites »
semble moins affoler MM. Ciotti, Bellamy et Wauquiez.
Or, relative ou non, quelle menace pèserait davantage
sur la majorité qu’une Nupes de droite ? Tour classique
du président magicien : tuer l’union. Abracadabra,
et voilà. Rachida.
L’intéressée exulte. Lors des dernières élections munici-
pales, 36 580 petites voix la séparaient au premier tour
de la victorieuse Anne Hidalgo. Et deux électeurs sur trois
s’étaient abstenus au second. Limogée par Eric Ciotti,
donc sans étiquette et disponible aux soutiens bénévoles,
Rachida Dati n’a pas trahi ; elle a changé d’adresse. Adieu
losers, bonjour vainqueurs, seul camp aimable.
Le camp de l’en-même-temps qui n’a rien d’en-même-
temps. « En même temps » suppose l’examen d’une
réalité complexe. Or, depuis 2017, la méthode gouver-
nementale consiste moins à peser le pour et le contre
qu’à les annuler. Plus un moins un égale zéro. Méthode
appliquée par la ministre à l’instant même. Vendredi
12 sur le perron : « André Malraux, le fondateur de ce
ministère, avait une brillante formule : “le ministre de
la Culture a pour mission de rendre accessibles au plus
grand nombre les œuvres capitales de l’humanité et
d’abord de la France”. C’est dans cette belle tradition
que je m’inscris en arrivant rue de Valois. » Première
sortie jeudi 18 dans les Ateliers Médicis de Clichy en
Seine-Saint-Denis. « Lieu de recherche, de création
et de partage », les Ateliers Médicis ont perdu en 2023
la subvention régionale pour « tweets antisémites,
homophobes, racistes et misogynes », « à l’encontre
totale des valeurs de la République ». Aucun rapport
quoi qu’il en soit avec « les œuvres capitales de l’huma-
© YANNICK COUPANNEC
nité ». Nul en-même-temps : le contraire.
Autre exemple. A peine nommée, Madame Dati annonce
sa candidature à la mairie de Paris. « Pour moi », confie-
t-elle au Parisien le 14 janvier, « Paris c’est un parfum, une
idée, un écrin patrimonial, d’innovation, de liberté ». Et
il va de soi qu’un ministère parfumé au soft power comme
50 I
la Culture servira d’antichambre à l’Hôtel de Ville. Or jus-
tement. En plus de saboter l’agriculture, notre capitale
olympique confisque l’art et la culture dans des propor-
tions injurieuses. « En constatant que 80 % des crédits
du ministère sont fléchés vers l’Ile-de-France », écrit
l’ancienne ministre Roselyne Bachelot, « je plaide pour
qu’un moratoire soit institué : aucune structure culturelle
nouvelle – je dis bien nouvelle – ne doit être financée dans
cette région par l’Etat pendant vingt ans pour commencer
un rééquilibrage indispensable. »
Donc lundi 22 janvier, cap sur Nontron en Dordogne.
« Les territoires ruraux abritent un formidable patri-
moine, qu’il faut non seulement sauvegarder, mais dont
il faut aussi repenser les usages. » Et de lancer un futur
« printemps de la ruralité ». Une semaine plus tard, vœux
traditionnels « aux acteurs de la culture et à la presse » :
« Un rapport de l’Inspection générale des affaires cultu-
relles, que nous venons de publier, rappelle que seuls 5 %
des scènes labellisées “spectacle vivant” se trouvent en
milieu rural, où vivent pourtant 22 millions de Français ! »
Tout pour Paris et en même temps au contraire mais aussi
en revanche néanmoins, promis juré, tout pour les autres.
Tous pour tout, tout pour tous.
_ Abracadabra,
et voilà. Rachida. _
Pendant ce temps, la puissance publique démissionne.
Un budget merveilleux (+ 7 % en 2023, + 6 % en 2024)
engraisse la technostructure en mettant nos salles, nos
festivals, nos ensembles à la diète. Pas une allusion au
théâtre, à l’opéra, aux orchestres, à l’enseignement ou aux
intermittents lors des vœux parisiens ; la « culture » expé-
diée en deux lignes creuses dans le discours de politique
générale prononcé le 30 janvier par le Premier ministre.
Sur nos têtes comme partout, le ciel se voile.
Mais ne pleurons pas. « La fouteuse de merde intégrale ! »
fulminait le Premier ministre François Fillon, « elle me
casse les burnes, excusez-moi mais il n’y a pas d’autre mot,
elle me casse les burnes ! » (Frédéric Mitterrand, La récréa-
tion, 25 mars 2011). Dans ce ministère plus rigide que
la Défense et plus vénéneux que le quai d’Orsay (seize
ministres depuis le départ de Jack Lang, vingt mois de
survie en moyenne), la nouvelle venue commence avec cet
avantage dont elle use avec délice et qui lui servira chaque
jour à Bercy, à Matignon, au perchoir, aux César, à France
Télévisions, à la CGT, à l’école, à Maubeuge, à Paris,
plus que d’avoir lu Sophocle ou étudié Ravel, ça c’est sûr.
Elle leur casse les burnes.
\\ Hommage à
Jean-Sébastien BACH \\

PÂQUES À LA
CHAPELLE ROYALE
Célébrez la Semaine Sainte à la Chapelle Royale du
Château de Versailles et plongez dans une expérience
musicale inoubliable !

BACH : CANTATES VIVALDI/PERGOLÈSE : STABAT

Ensemble Correspondances MATER POUR DEUX CASTRATS
Sébastien Daucé, direction Orchestre de l’Opéra Royal
23 MARS Stéphane Fuget, direction
29 MARS
HAENDEL : ISRAËL EN ÉGYPTE
Monteverdi Choir BACH : PASSION SELON
English Baroque Soloists SAINT JEAN
John Eliot Gardiner, direction Tölzer Knabenchor
24 MARS Orchestre de l’Opéra Royal
Gaétan Jarrry, direction
COUPERIN : LEÇONS DE 30-31 MARS
TÉNÈBRES
Chœur et Orchestre de BACH : MESSE EN SI MINEUR
l’Opéra Royal Pygmalion
Chloé de Guillebon, direction Raphaël Pichon, direction
Dimanche 24 mars Vendredi 29 mars Samedi 30 mars 27 MARS 5-6 AVRIL
17h00 20h00 17h00
ACH, HERR ! BACH : PASSION JEAN-SÉBASTIEN
SELON SAINT
Photographie : © Pascal Le Mée

Ensemble BACH RACONTÉ Informations, réservations :

vocal Seguido MATTHIEU BWV 244 AUX ENFANTS
Claire-Marie Le Guay www.operaroyal-versailles.fr
Valérie Fayet, Collegium
direction Vocale Gent,
Ricercar Consort @chateauversailles.spectacles @OperaRoyal @CVSpectacles
Samedi 30 mars
Philippe Pierlot,
Jeudi 28 mars direction 20h00 @versaillesspectacles

20h00 IMMORTAL BACH

BACH’S GROOVE Ensemble Aedes
ENTREPRISE

Paul Lay Trio Mathieu Romano, MÉCÈNE

PRINCIPAL

Trio jazz direction

  
 
  Ma.Spo
Avec le soutien de Ministero della Cultura et Regione Marche
Inauguration
samedi 16 mars 2024, 21 h
JESI, TEATRO PERGOLESI
dimanche 17 mars 2024, 21 h
ASCOLI PICENO, TEATRO VENTIDIO BASSO O

250°
CONCERT INAUGURAL: SPONTINI 2024
musique de G.B. Pergolesi et G. Spontini
n
direction musicale Riccardo Muti
h
Orchestra Giovanile “L. Cherubini”
GASPARE
SPONTINI
Festival Pergolesi Spontini
t 1774 / 2024
dimanche 21 juillet 2024, 21 h
MAIOLATI SPONTINI, JARDIN du MUSÉE S GASPARE SPONTINI
RETHINKING FERNAND CORTEZ R E
Hommage des jeunes compositeurs
c r à Gaspare Spontini

Saison Lyrique
vendredi 18 octobre 2024, 20.30 h
dimanche 20 octobre 2024, 16 h
JESI, TEATRO PERGOLESIO
LA VESTALE de G. Spontini
direction musicale Alessandro Benigni
mise en scène Gianluca
a Falaschi
NOUVELLE PRODUCTION

Saison Lyrique
vendredi 22 novembre 2024, 20.30 h
dimanche 24 novembre 2024, 166 h
JESI, TEATRO PERGOLESI
I QUADRI PARLANTI de G. Spontini tn
direction musicale Giulio Prandi
mise en scène Gianni Marras
PREMIÈRE REPRÉSENTATION DES TEMPS E MODERNES
R E

Les programmes peuvent être modifiés pour des raisons économiques,

é techniques ou de force majeure.
INFO ET PROGRAMME COMPLET:
spontini2024.fondazionepergolesispontini.com

DANS LES SALONS

DE LA VILLA VIARDOT
Des deux rive
rives du Rhin surgit la Méditerranée...
Les 22, 23, 2
24 mars 2024
Festival
Georges Bizet
Mélodies de Bizet
et fantaisies sur Carmen
Ensemble Hexameron
L. Montebugnoli piano
M. Croux soprano
N. Bouils flûte romantique
L’Arlésienne
I. Hurtin comédienne
S. Thomopoulos piano
Des deux rives du Rhin
Quatre mains
Mélodies françaises
Lieder
A. Bartissol
Avec A. Le Bozec
Les Amis de Georges Bizet M. Croux
Pré-réservations Bizet sans paroles
www.lesamisdebizet.com N. Gouïn piano

Avec le soutien de la Fondation La Forlane

 SPECTACLES à voir et à entendre
Du 2 mars au 23 avril 2024

17 rendez-vous
à ne pas manquer
4 Simon Rattle
Les 9 et 10 mars, Paris, Philharmonie.
Le LSO offre pour ce week-end parisien la démonstration
de sa polyvalence, dans deux programmes aussi dissemblables que
possible. D’un côté, l’élégance souveraine du Concerto pour violon
de Brahms avec Isabelle Faust, suivie de la farouche et irrévérencieuse
Symphonie no 4 de Chostakovitch ; de l’autre, un voyage en Amérique
avec une création de John Adams, ainsi que des pages signées
Roy Harris et Gershwin. Le Concerto en fa de ce dernier fera pétiller
son swing irrésistible sous les doigts de Kirill Gerstein, et sous
la baguette experte de Sir Simon, conductor emeritus à vie
de la phalange britannique.

3 Trilogie Cocteau /
© OLIVER HELBIG

1 Andris Nelsons
Les 2 et 3 mars, Paris,
Philharmonie.
Dès son arrivée à l’Orchestre
du Gewandhaus de Leipzig
en février 2018, Andris Nelsons
annonçait qu’ils allaient
présenter ensemble
une intégrale des symphonies
de Tchaïkovski en concert.
Six ans plus tard, le chef
letton, désormais moitié
leipzigeois moitié bostonnais,
continue son exploration
du plus européen
des compositeurs russes.
En pleine tournée 100 %
Tchaïkovski, le maestro
et son orchestre allemand
se confrontent un soir
au destin de la Symphonie no 5
et au lyrisme jubilatoire
du Concerto pour violon avec
Leonidas Kavakos. Le second
programme est consacré à
de rares poèmes symphoniques
(Le Voïévode et Hamlet) avant
le fatum de la « Pathétique ».
2 au Louvre, en retrouvant son
Klaus Mäkelä
Les 6 et 7 mars, Paris,
Philharmonie. Du 2 mars
au 16 juin, Paris, Musée
du Louvre.
Après d’éblouissants débuts
parisiens à la Fondation
Louis Vuitton voilà un an,
le pianiste coréen Yunchan Lim
revient dans la capitale.
A la Philharmonie,
le phénomène de dix-neuf ans
dégaine pour l’occasion
le redoutable Concerto no 2
de Prokofiev, qui côtoie
la Symphonie no 11 « L’Année
1905 » de Chostakovitch
– le tout avec l’Orchestre
de Paris et Klaus Mäkelä.
Le chef inaugure ensuite une
série de cinq cartes blanches
violoncelle pour de la musique
de chambre auprès de ses
ouailles… et des toiles de
Charles Le Brun. Au programme
de cette première date : Biber
et Enesco. D’autres rendez-vous
suivront jusqu’en juin,
dans les salles du musée,
sous la pyramide ou à
l’auditorium avec, en particulier,
la présentation d’un nouveau
film de Bruno Monsaingeon
consacré au jeune maestro.
Philip Glass
Du 7 au 10 mars, Paris,
Cité de la musique.
Le 23, Bordeaux, Auditorium.
Le 27, Metz, Arsenal.
Fortes de leur succès dans
Les Enfants terribles en concert
comme au disque (DG), Katia
et Marielle Labèque ont obtenu
de Philip Glass que les deux
autres opus de sa trilogie
consacrée à Jean Cocteau,
Orphée et La Belle et la Bête,
soient adaptés en suites pour
leurs deux pianos. Les célèbres
sœurs peuvent maintenant
présenter l’ensemble dans
une scénographie conçue par
Nicolas Testé et Nina Chalot
qui, à partir d’un lustre placé
au-dessus des claviers, projette
lumières, couleurs, vidéo, bribes
de textes… Pour l’occasion,
le parfumeur Francis Kurkdjian
a même créé une sélection
d’accords odorants. So chic !

I 53
 ● à voir et à entendre

6 Lohengrin de Wagner
Du 10 au 22 mars, Strasbourg, Opéra. Les 7 et 10 avril, Mulhouse, La Filature.
Après tant de victoires chez Mozart, Rossini et dans le répertoire français,
Michael Spyres se tourne vers Wagner. Le lyrisme de Lohengrin devrait convenir
à merveille à ce ténor d’acier et de miel, à sa ligne toujours châtiée. Comble
de bonheur, son Elsa est la blonde Johanni van Oostrum, qui triomphait naguère
à l’Opéra de Paris dans le même rôle. On attend aussi avec impatience l’Ortrud
© MARCOBORRELLI

d’Anaïk Morel, une de nos plus solides mezzos, et le Telramund du merveilleux

baryton Josef Wagner. Metteur en scène dont on commence à parler,
Florent Siaud est à la régie, et Aziz Shokhakimov au pupitre du Philharmonique
de Strasbourg, dont il est l’heureux directeur musical. MICHAEL SPYRES

5 ne faudra pas hésiter à voyager Victor Julien-Laferrière Jordi Savall à la Philharmonie !

Pulcinella
de Stravinsky et L’Heure
espagnole de Ravel
Du 9 au 19 mars, Paris,
Opéra-Comique.
La salle Favart associe en
une même soirée deux œuvres
« parisiennes » emblématiques
du premier XXe siècle, sous
la direction musicale du maître
des lieux Louis Langrée
(à la tête de l’Orchestre
des Champs-Elysées), dans
une mise en scène de Guillaume
Gallienne et une chorégraphie
de Clairemarie Osta. Lever
de rideau avec Pulcinella,
« ballet avec chant » (celui
de Camille Chopin, Abel Zamora
et François Lis) d’un Stravinsky
devenant néoclassique en
lorgnant Pergolèse. Puis ce sera
L’Heure espagnole de Ravel,
comédie musicale
à mécanique de haute précision
et fine distribution : Stéphanie
d’Oustrac (Concepcion),
Philippe Talbot (Torquemada),
Jean-Sébastien Bou (Ramiro),
Nicolas Cavallier (Don Iñigo
Gomez), Benoît Rameau
(Gonzalve).
7 de copieux programmes,
Tancredi de Rossini
Du 12 au 16 mars, Rouen,
Théâtre des Arts.
Les chefs-d’œuvre seria
de Rossini se font si rares qu’il
jusqu’à Rouen pour y découvrir
cette nouvelle production
de Tancredi. Pierre-Emmanuel
Rousseau, signataire ici même
d’un Comte Ory et d’un Barbier
de Séville, met en scène ce
« véritable coup de foudre dans
le ciel bleu et clair du théâtre
lyrique italien », selon Stendhal.
Sous la direction du maestro
Antonello Allemandi, Teresa
Iervolino prête son grand
et sombre mezzo au rôle-titre.
Il faudra aussi suivre des yeux
et des oreilles l’Amenaïde
de la soprano espagnole
Marina Monzo, qui a déjà
triomphé un peu partout
dans le répertoire belcantiste.
8 anniversaire de sa création
Musikfest
Parisienne
Du 13 au 15 mars, Paris,
salle Cortot.
Pour la cinquième édition
du festival qu’elle a créé en
pleine pandémie, la violoniste
Liya Petrova a convié un
aréopage de brillants musiciens
à la salle Cortot, écrin idéal
pour les joutes chambristes.
On y retrouvera donc, dans
l’altiste Lise Berthaud, les
pianistes Théo Fouchenneret,
Alexandre Kantorow, Adam
Laloum et Pavel Kolesnikov,
les violoncellistes Edgar Moreau,
et Aurélien Pascal ou, bien sûr,
Liya Petrova elle-même.
Un jeune festival par des jeunes
et pour les jeunes : tous
les concerts sont, en effet,
gratuits pour les moins de
dix-huit ans et les étudiants.
9 et Ivan Fischer convergent
Passions de Bach
Du 13 au 31 mars. Paris,
Boulogne-Billancourt,
Versailles, Dijon, Clermont-
Ferrand, Nantes, Rennes,
Poitiers, Bruxelles…
A l’approche de la Semaine
sainte revient le temps béni
des Passions de Bach.
Avantage, cette année,
à la Saint Jean, trois-centième
oblige. Sasha Waltz
la chorégraphie à Dijon
sous la direction de Leonardo
Garcia Alarcon, la Maîtrise
Notre-Dame de Paris la chante
à Clermont-Ferrand en
compagnie de l’Evangéliste
de Ian Bostridge, la Cappella
Amsterdam y communie
avec l’Orchestre du XVIIIe siècle
sous les voûtes de l’église
Saint-Roch dans la capitale,
quand le RIAS-Kammerchor fait
de même au côté de l’Akademie
für Alte Musik de Berlin à la
Seine musicale. Et n’oublions
pas les vigoureux bambins
de Tölz à Versailles, ni l’émérite
La Saint Matthieu est à peine
moins à l’honneur, puisque
Damien Guillon et Francesco
Corti la promènent chacun
en tournée, le premier dans
l’Ouest, le second passant par
le Théâtre des Champs-Elysées,
tandis que Philippe Herreweghe
tous deux au Bozar de Bruxelles
avec la monumentale fresque.
« Immortal Bach » !
10
Printemps des arts
de Monte-Carlo
Du 13 mars au 7 avril,
Monaco et Nice.
Sur le Rocher monégasque,
le grand festival des musiques
de répertoire et de création
fête sa quarantième édition.
C’est le troisième « opus »
du directeur artistique
Bruno Mantovani, qui poursuit
la politique de « portraits »
mettant en lumière
certains artistes : cette
année le violoncelliste
Henri Demarquette,
le Quatuor Modigliani
et Insula Orchestra
de Laurence Equilbey, autour
d’une programmation très
viennoise, de Mozart
à Schubert en passant par
Beethoven. Fidèle à son
histoire, le « Printemps »
accueille aussi plusieurs

54 I
 -&4 (3"/%&4 Œ673&4
premières mondiales, dont 2020. Quatorze concurrentes
celles d’un opéra de chambre de dix-neuf à quarante-deux
de Sophie Lacaze à la rencontre ans, originaires du monde
de la culture des Aborigènes entier (mais aucune de Mercredi 06/03
d’Australie (L’Etoffe inépuisable France !), tenteront de faire Les Grands
Choeurs d’Opéra
du rêve) et d’un nouveau Chant leurs preuves à la tête
Offenbach – Verdi
de la terre de Laurent Cuniot du Paris Mozart Orchestra Wagner – Bizet…
d’après Mahler. de Claire Gibault, initiatrice Chœur de l’Opéra national du Capitole
du projet, et face à un jury Elisabeth Matak piano
Levi Gerke piano
11 (mixte) présidé par Nathalie
La Maestra Gabriel Bourgoin direction
Stutzmann. Au programme,
Du 14 au 17 mars, Paris,
en trois tours : Mozart,
Philharmonie.
Beethoven et Debussy
Concours dédié aux cheffes notamment, mais aussi
de tout âge, La Maestra mesdames Fanny Mendelssohn,
Jeudi 25/04
présente sa troisième édition Charlotte Sohy, Germaine
Le Fantôme de l’Opéra
à la Philharmonie de Paris, Tailleferre et Manon Lepauvre En ciné-concert
institution qui l’a vue naître en qui signe une commande. Jean François Zygel piano

12 Benjamin Grosvenor
Le 17 mars, Paris, Théâtre des Champs-Elysées.
Le 19, Amiens, Maison de la Culture. Le 28, Bruxelles,
Bozar. Le 29, Liège, Salle philharmonique. Vendredi 31/05
La Maîtrise
Avec la montagne de Diapason d’or qu’il a déjà reçus, des Hauts-de-Seine
nos lecteurs savent depuis longtemps qu’il faut suivre à la trace Pergolèse – Stabat Mater
un des pianistes les plus profonds et les plus captivants ayant La Maîtrise des Hauts-de-Seine
Gaël Darchen direction
émergé au cours des dix dernières années. En récital, Orchestre de la Seine
on pourra l’entendre Avenue Montaigne ou à la Maison
de la culture d’Amiens confronter la Sonate « Marche funèbre »
de Chopin et la non moins sombre Sonate no 7 de Prokofiev.
En Belgique, on goûtera aux joies du Concerto no 2 de Liszt

RCS Paris : 794 136 630 - © iStock - Lobster Films - D.R. -

en compagnie de Marko Letonja et de l’Orchestre Dimanche 02/06
Philharmonique Royal de Liège. Les plus grandes
musiques du cinéma
français
Le Band Original Orchestra
l’orchestre original des bandes originales
Romain Theret arrangements
© CREDIT PHOTO

Réservations sur laseinemusicale.com

I 55
 ● à voir et à entendre
15
Jubilé de l’Orchestre national de France
Du 21 au 30 mars, Paris, Maison de la radio,
Théâtre des Champs-Elysées et Philharmonie.
Première formation symphonique
permanente créée dans notre pays,
en 1934, l’Orchestre national de France
célèbre ses quatre-vingt-dix ans :
cinq rendez-vous marquent ce jubilé
qui glorifie naturellement la muse
hexagonale. Ouverture au Théâtre
des Champs-Elysées, la maison lyrique
du « National », pour une Damnation
de Faust en concert, avec Stanislas
de Barbeyrac et Stéphanie d’Oustrac –
mezzo à retrouver dans des Nuits d’été
chambristes le dimanche matin.
Sous la houlette de son directeur
musical Cristian Macelaru, la phalange
radiophonique dialogue en outre avec
le violoncelle de Gautier Capuçon à la
Philharmonie (Tout un monde lointain…
de Dutilleux), puis avec le piano de
Pierre-Laurent Aimard à l’auditorium de la
Maison de la radio (Les Oiseaux exotiques
CRISTIAN MACELARU de Messiaen). Joyeux anniversaire !
13 d’opposition à la guerre
Festival Rebattre en Ukraine, le Russe
les cartes Timofeï Kouliabine signe
Du 15 mars au 23 avril, son premier spectacle lyrique
Lyon, Opéra et Théâtre
en France, avec le projet
de la Croix-Rousse.
de faire « ressortir toute
Les cartes que l’Opéra de Lyon la dimension contemporaine »
entend rebattre pour son du chef-d’œuvre inspiré
festival thématique annuel, de Pouchkine. Russes
ce sont celles de La Fille du Far encore, les protagonistes :
West, trop rare joyau puccinien Dmitry Golovnin (Hermann),
dont l’intrigue se joue autour Elena Guseva (Lisa),
d’une partie de poker. Konstantin Shushakov (Yeletsky),
La toujours captivante Tatjana Elena Zaremba (la Comtesse),
tous placés sous la direction
Gürbaca se charge de la mise
de l’indéboulonnable maestro
en scène, Daniele Rustioni
de la direction musicale avec, en Rustioni. Cartes toujours, celles
tête de distribution, un trio cent de l’existence d’une femme
pour cent italien : Chiara Isotton ordinaire, qu’elle envoie balader
(Minnie), Claudio Sgura (Jack quand elle pulvérise toutes
Rance), Riccardo Massi (Dick les règles auxquelles elle avait
Johnson). Carte encore, celle consenti jusqu’ici. Tel est le sujet
© ADRIANE WHITE
qui donne son titre d’Otages, nouvel opéra écrit
à La Dame de pique de par le compositeur
Tchaïkovski. Persona non grata Sebastian Rivas, d’après
dans son pays natal pour cause le roman de Nina Bouraoui.
I 56
Pour cette création mondiale,
Richard Brunel, le patron
de la maison, est à la mise
en scène, Rut Schereiner
à la direction musicale, la
soprano Nicola Beller Carbone
s’emparant du rôle principal.
14 Festival
George Benjamin
Du 19 au 24 mars, Caen,
conservatoire, théâtre
et autres lieux.
Aspects, le festival
des musiques d’aujourd’hui
de Caen, consacre sa
quarante-deuxième édition
à l’un des plus subtils et
séduisants compositeurs
de notre temps, le Britannique
George Benjamin (né en 1960),
représenté par quelques jalons
de sa production. Au théâtre,
Alphonse Cemin conduit
et Jacques Osinski régit son
premier ouvrage lyrique, Into
the Little Hill. Au conservatoire,
Florent Boffard déroule
ses Shadowlines pour piano
et Jean Deroyer mène quatorze
instrumentistes de l’Orchestre
régional de Normandie dans
At First Light. Sir George
lui-même dirige Upon Silence
pour une mezzo-soprano (Sarah
Breton) et cinq violes, en plus
d’animer une séance de travail
et une masterclass publique
lors du riche volet pédagogique
de la manifestation.
16
Festival de Pâques
d’Aix-en-Provence
Du 22 mars au 7 avril,
divers lieux.
Comme chaque année depuis
onze ans, le Festival de Pâques
créé par Renaud Capuçon
et Dominique Bluzet investit
Aix-en-Provence au printemps
avec pour mission de brasser
les musiciens de tout âge
et de mettre les plus jeunes
à l’honneur, notamment lors
de la traditionnelle soirée
« Génération@Aix ». Le
violoniste fondateur inaugure
l’événement en compagnie
d’Alexandre Kantorow, avant
de partager la scène avec
l’Orchestre de chambre
de Lausanne mené par Tugan
Sokhiev pour le Concerto no 2
de Prokoviev. Autres temps
forts : les Quatre derniers lieder
de Strauss par Christoph
Eschenbach, l’Orchestre
symphonique de Bamberg
et la soprano Hanna-Elisabeth
Müller, Le Chant de la Terre
de Mahler par François-Xavier
Roth, ses Siècles, Andrew
Staples et Marie-Nicole Lemieux,
le récital Schubert de la pianiste
Elisabeth Leonskaja, le Quatuor
Psophos avec une œuvre
de Nicolas Bacri créée au
festival en 2020, la Messe en si
de Bach par Pygmalion, ou
encore le concert de l’Opéra
de Paris avec Daniele Gatti
dédié à Wagner et Strauss.
17
La Cenerentola
de Rossini
Du 29 mars au 7 avril,
Toulouse, Théâtre
du Capitole.
Le duo Barbe & Doucet, dont
on a déjà acclamé à Toulouse
plusieurs spectacles, met en
scène La Cenerentola : rires
et larmes en perceptive.
Michele Spotti fait une infidélité
au Philharmonique de Marseille,
dont il est le brillant directeur
musical, pour veiller
sur l’Orchestre du Capitole
et une distribution où se
distingueront quelques-uns
des plus sûrs talents de l’école
de chant française : les mezzos
Adèle Charvet et Floriane
Hasler alternant dans le rôle-
titre, les barytons Florian
Sempey et Philippe Estèphe
en Dandini.
 ET AUSSI...
Mikhaïl Pletnev
Le 4 mars, Toulouse,
Halle aux grains.
Brahms, Dvorak.
Gosse de riche de Maurice Yvain
Du 8 au 17 mars, Paris, Théâtre
de l’Athénée-Louis Jouvet.
Le 22, Compiègne, Théâtre
Impérial. Le 24, Reims, Opéra.
Les Frivolités parisiennes.
La Force du Destin de Verdi
Le 9 mars, retransmission
en direct du Metropolitan Opera
de New York,
dans les cinémas, 18 h.
Lise Davidsen, Judit Kutasi,
Brian Jagde, Igor Golovatenko,
Patrick Carfizzi. Yannick Nézet-
Séguin dir. musicale, Mariusz
Trelinski mise en scène.
Matthias Goerne
et Evgeny Kissin
Le 10 mars, Bruxelles, Bozar.
Le 28 mars, Paris, Théâtre
des Champs-Elysées.
Schumann, Brahms.
Magdalena Kozena, Orchestre
national des Pays de la Loire,
Sascha Goetzel
Le 10 mars, Angers, Centre
de congrès. Le 12, Nantes,
Cité des congrès. Le 14,
La Roche-sur-Yon, Le Grand R.
Mahler : Rückert-Lieder.
Symph. no 5.
Vilde Frang, Orchestre
philharmonique de Radio
France, Mikko Franck
Les 10 et 16 mars, Paris,
© LAURENT MATHIAS BOTHOR DG.
Maison de la Radio.
Chausson (le 10). Chostakovitch,
Prokofiev (le 16).
Orchestre national de Capitole
de Toulouse, Tugan Sokhiev
Le 12 mars, Toulouse,
Pages réalisées par Roxane Borde, Emmanuel Dupuy, Benoît Fauchet, Laurent Muraro et Pierre-Etienne Nageotte.
Halle aux grains.
Le 13, Paris, Philharmonie.
Chostakovitch : Symph. no 7.
Carmen de Bizet,
version de concert.
Le 14 mars, Paris,
Philharmonie.
Gaëlle Arquez, François Rougier,
Sabine Devieilhe, Thomas Dolié.
B’Rock Orchestra,
dir. René Jacobs.
Pene Pati, Orchestre
national Bordeaux Aquitaine,
Emmanuel Villaume
Le 14 mars, Bordeaux,
Auditorium.
Airs d’opéras italiens et français.
Christian Tetzlaff, Orchestre
national de France, Gemma New Peter Sonn, Hiroshi Matsui,
Le 14 mars, Paris, Maison
de la Radio. Le 15, Strasbourg, Moe, Aile Asszonyi, Judith Braun.
Palais des congrès.
Sinnhuber, Chostakovitch,
Beethoven.
Luisa Miller de Verdi
Le 15 et 17 mars, Tours,
Grand-Théâtre.
Anthony Ciaramitaro, André
MAGDALENA KOZENA, Angers, Nantes, La Roche-sur-Yon, du 10 au 14 mars
Heyboer, Cristina Giannelli.
Dayner Tafur-Diaz dir. musicale,
Frédéric Roels mise en scène.
Festival musiques sacrées
de Perpignan
Du 15 au 28 mars
Bertrand Cuiller, Ophélie Gaillard,
Elsa Grether, Roger Muraro,
Sébastien Daucé…
Isabelle Faust, Orchestre
de chambre de Bâle,
Giovanni Antonini
Le 17 mars, Dijon, Auditorium.
Beethoven.
La Walkyrie de Wagner,
version de concert
Le 17 mars, Versailles,
Opéra royal.
Sangmin Lee, Ingegjerd Bagøien
Orch. du Théâtre national
de la Sarre, dir. Rouland.
Les Siècles,
François-Xavier Roth
Le 20 mars, Genève, Victoria
Hall. Le 22, Metz, Arsenal.
Le 23, Tourcoing, Théâtre
municipal. Le 25, Paris, Théâtre
des Champs-Elysées. Le 27,
Aix-en-Provence, Grand-
Théâtre de Provence. Le 26,
Soissons, Cité de la musique.
Rameau : Les Indes galantes, suite.
Mahler : Le Chant de la Terre.
Festival Georges Bizet
Du 22 au 24 mars,
Bougival, Villa Viardot.
Marianne Croux, Anne Le Bozec,
Nathanaël Gouin…
Nostalgia e rivoluzione
d’après Verdi
Partie I : Nostalgia, les 22, 24,
26, 29 mars, 3 et 6 avril.
Partie II : Rivoluzione, les 23,
27, 30 mars, 2, 5 et 7 avril.
Bruxelles, Théâtre royal
de la Monnaie
Scott Hendricks, Helena Dix,
Enea Scala, Vittorio Prato,
Justin Hopkins, Nino Machaidze.
Carlo Goldstein dir. musicale,
Krystian Lada mise en scène.
Bertrand Chamayou,
Philharmonique tchèque,
Semyon Bychkov
Le 23 mars, Paris,
Philharmonie.
Dvorak.
Cecilia Bartoli et Lang Lang
Le 23 mars,
Monte-Carlo, Opéra.
Rossini, Bellini, Donizetti…
Renaud Capuçon
et Alexandre Kantorow
Le 24 mars, Paris,
Philharmonie.
Fauré, Beethoven, Strauss.
Nikolaï Luganski
Le 27 mars, Paris, Théâtre
des Champs-Elysées.
Wagner / Luganski, Chopin,
Mendelssohn.
I 57
SPECTACLES vu et entendu

Les Soldats mar

58 I
 UN PEU BEAUCOUP PASSIONNÉMENT PAS DU TOUT
nous
avons
aimé...

chent sur Paris

Même « mis en espace », le chef-d’œuvre de Zimmermann
demeure une fascinante « forme pluraliste de théâtre
musical », comme le voulait le compositeur.
Avec un Orchestre du Gürzenich au centre du jeu
et au sommet, sous la baguette de François-Xavier Roth.

Die Soldaten de Zimmermann. de viol collectif – le tout est heureusement plus

Paris, Philharmonie, le 28 janvier.
A voir sur Elbphilharmonie Live.
Trente ans après son entrée au
répertoire de l’Opéra Bastille
(janvier 1994), un chef-d’œuvre
lyrique du second XXe siècle,
Die Soldaten de Bernd Alois
Zimmermann (1918-1970), fait son retour à Paris.
C’est un événement, doublé d’une autre curio-
sité : l’ouvrage est présenté dans une production
de l’Opéra de Cologne, comme lors de sa
création en 1965. Son Generalmusikdirektor
jusqu’en 2025, François-Xavier Roth, est à la
manœuvre pour cette tournée des « trois Phil-
harmonies » – après la Kölner Philharmonie
puis l’Elbphilharmonie de Hambourg (où le
concert a été filmé), finale en apothéose à la
grande salle Pierre Boulez.
Même conçue pour des auditoriums, la mise
en espace de Calixto Bieito n’éteint pas le rêve
de « théâtre total » d’un Zimmermann hanté
par les fantômes de la guerre et l’effroi de la
déflagration atomique. L’opéra, inspiré par la
pièce de l’auteur Sturm und Drang Jakob Lenz,
se joue sur un gradin surplombant l’orchestre,
sous quelques lumières inquiétantes et dans
des costumes qui épousent la banalité d’une
société militaire casquée dont Marie devien-
© ANTOINE BENOIT-GODET/CHEEESE
suggéré que souligné. Hier Marie (Salzbourg,
2012), Laura Aikin entre avec une éloquence
persuasive dans l’étoffe de la Comtesse de la
Roche, quand Nikolay Borchev se drape aisé-
ment dans le baryton juvénile de Stolzius et la
basse Tomas Tomasson en impose en mar-
chand lillois Wesener.
Mille éclats
Le héros indubitable de la soirée, c’est lui :
le Gürzenich-Orchester de Cologne. L’effectif
est pléthorique (une cinquantaine de cordes,
des vents par trois ou quatre, des percussions
et claviers variés…) mais jamais diffus, toujours
concentré. Il le faut pour unifier un tel kaléi-
doscope de styles et d’apports, de la série
dodécaphonique au quartette de jazz en passant
par le choral de Bach, le Dies irae grégorien
à l’orgue, l’électronique, les roulements de tam-
bours… La phalange allemande réussit aussi
bien ses tutti telluriques, servis par une inten-
sité de jeu et de legato qui vient peut-être de son
intimité avec Mahler et Wagner, que la subtilité
chambriste à laquelle veille une partition par-
courue de mille éclats – et le chef avec elle.
Roth prouve qu’il n’a pas beaucoup de rivaux
dans la conduite de grandes machines lyriques
modernes qui sont aussi de fines horlogeries.
Et, s’il le fallait, la soirée valide l’option prise

drait la femme-objet. Excellente incarnation
de l’Américaine Emily Hindrichs, au touchant
soprano colorature lyrique sinon dramatique,
mais aussi de son double dansé Denise Meisner,
que Bieito ensanglante et soumet à un semblant
par Olivier Mantei de multiplier les concerts-
spectacles à la Philharmonie, où tout (les pos-
sibilités de spatialisation, l’acoustique géné-
reuse) plaide pour de tels projets.
Benoît Fauchet.

Retrouvez toutes nos critiques de spectacles sur

www.diapasonmag.fr

I 59
 L’Allemagne
NOUVEAUTÉ
SÉJOURS

Diapason vous donne rendez-vous avec les deux

principales formations symphoniques hébergées au rythme des festivals
par la capitale saxonne. Dans la salle moderne du
Kulturpalast, l’Orchestre philharmonique de Dresde
convie la violoniste Patricia Kopatchinskaja dans
Echappée musicale
des œuvres où elle excelle, signées Prokofiev
et Stravinsky. Le lendemain, c’est dans l’écrin
à Dresde et Leipzig
légendaire du Semperoper, un des principaux
DU 6 AU 10 JUIN 2024
théâtres lyriques du pays, que vous entendrez la non
moins légendaire Staatskapelle, dans un programme
varié (de la Russie d’hier à l’Amérique d’aujourd’hui)
qui inspire trois des plus grands chorégraphes
contemporains. A cet éclectisme, répond, à Leipzig,
le culte de Johann Sebastian Bach, génie auquel la
cité dont il fut le Cantor consacre chaque année un
fabuleux festival, avec le concours des ensembles les
plus renommés. Par exemple le Collegium 1704 que
Vaclav Luks guidera dans le vaste monument qu’est
la Passion selon saint Matthieu. Ou encore John Eliot
Gardiner et ses English Baroque Soloists, faisant
dialoguer un choix de motets avec des sonates et
partitas interprétées par la grande Isabelle Faust
(sacrée Artiste de l’année en 2023 par Diapason).
Bienvenue au cœur de l’Allemagne musicale.

Emmanuel Dupuy,
Rédacteur en chef de Diapason.

Dresde

Leipzig
 Les points forts
de votre séjour
• Une escapade de 5 jours au cœur de
l’héritage musical allemand.
• 4 concerts sélectionnés par Emmanuel
Dupuy, rédacteur en chef de Diapason.
• Des visites culturelles incluses pour
découvrir le patrimoine culturel et
musical de Dresde et Leipzig.
• La présence d’un guide francophone
durant tout le séjour et un
accompagnateur dès Paris.
• Un programme haut de gamme
conçu spécialement pour nos
lecteurs
• Des hébergements en hôtel 4* :

L’Hôtel
HYPERION
DRESDEN AM
SCHLOSS
à Dresde

et le
RADISSON BLU
à Leipzig

(hôtels 4*, pension

complète, excursions,
transport de et vers Paris
et taxes incluses !).

Téléchargez la documentation complète Informations & réservations

sur notre site
www.voyages-lecteurs.fr/dia OU 01 40 43 20 21 en précisant Diapason
du lundi au vendredi de 9h à 12h30 et de 14h à 17h.

Demandez votre brochure sans engagement en retournant ce coupon à : Diapason - L’ Allemagne au rythme des festivals - 59898 Lille Cedex 09 # M086 # L1598465
Code article : 702779
Nom* : .................................................................................................................................... Prénom* : ....................................................................................................................
Adresse* : .......................................................................................................................................................................................................................................................................

CP* : Ville* : ...................................................................................................................................................... Tél.:

* A renseigner obligatoirement pour traiter votre demande. Les informations recueillies à partir de ce formulaire font l’objet d’un traitement
email : .................................................................................................................... informatique fondé sur votre consentement et destiné à Reworld Media France SAS en sa qualité de responsable de traitement. Les
(Utile pour recevoir nos bons plans Croisières et Voyages) finalités poursuivies sont l’envoi de la brochure et les offres relatives aux voyages avec nos partenaires si vous y consentez. L’inscription
au voyage implique l’acceptation des conditions générales et particulières de vente de Arts et Vie au dos du bulletin de réservation
Date de naissance : (pour fêter votre anniversaire) joint à la brochure. Les informations demandées sont destinées à la société REWORLD MEDIA MAGAZINES (Voyages Lecteurs) à des
fins de traitement et de gestion de votre commande, de la relation client, des réclamations, de réalisation d’études et de statistiques
Avez-vous déjà effectué une croisière ou un voyage  OUI  NON et, sous réserve de vos choix, de communication marketing par Voyages Lecteurs et/ou ses partenaires par courrier, téléphone et
courrier électronique. Vous bénéficiez d’un droit d’accès, rectification, d’effacement de vos données ainsi que d’un droit d’opposition
 Je ne souhaite pas recevoir les offres Diapason et Voyages Lecteurs sur des produits en écrivant à RMM-DPD, c/o service juridique, 40 avenue Aristide Briand – 92220 Bagneux, ou par mail à dpd@reworldmedia.com.
et services similaires à ma commande par la Poste, e-mail ou téléphone. Dommage ! Vous pouvez introduire une réclamation auprès de la CNIL - www.cnil.fr. Pour en savoir plus sur la gestion de vos données personnelles, vos
droits et nos partenaires, consultez notre politique de Confidentialité sur
Je ne souhaite pas que mes coordonnées postales et mon téléphone soient communiqués www.voyages-lecteurs.fr Crédit photo : © istockphoto.com
à des partenaires pour recevoir leurs bons plans. Dommage !
Sommaire
64 LES DIAPASON D’OR
66 L’île déserte

68 Rééditions

72 L’événement

74 LES 120 CRITIQUES

102
© CHRISTIAN STEINER.

Les vidéos

PAGE 72
PAGE 70
© REG WILSON / PARLOPHONE RECORDS LIMITED

PAGE 66
© CREDIT PHOTO

PAGE 102

62 I
mars 2024
Votre Indispensable
Des enregistrements rares ou légendaires sélectionnés par les critiques de Diapason.

D
ès son premier
concert new-yorkais
au Carnegie Hall
alors qu’il n’a pas
dix-huit ans, Jascha
Heifetz (1901-1987), fraîchement
arrivé de Russie, sidère les audi-
toires. Ses premiers enregistre-
ments, réalisés dans la foulée,
impressionnent déjà par la maî-
trise technique, bien sûr, mais
surtout l’intensité d’un jeu souple
et puissant, qui s’appuie sur une
intonation précise et franche.
Voilà fixés les canons du violon
moderne, que tous vont chercher
à imiter.
Les attaques ont du mordant,
le discours, rigoureusement
construit avec une juste dose
de fantaisie çà et là, se coule
dans une palette de timbres, de
nuances et de vibratos dont la
séduction opère chaque fois. Et
qu’une discipline de fer main-
tiendra intacte jusque dans ses
ultimes témoignages officiels, à
l’orée des années 1970.
Bach, Beethoven, Mozart, Elgar,
Grieg… Notre collection n’a pas
manqué de lui rendre hommage.
Après l’Octuor de Mendelssohn
partagé en 1961 par le violoniste
avec ses complices des « Heifetz-
Piatigorsky Concerts » (no 47),
voici son Concerto op. 64.
En Charles Munch, à Boston en
1959, le soliste trouve un accom-
pagnateur formidablement atten-
tif, qui lui offre davantage de
respiration et de détente que Bee-
cham dix ans plus tôt à Londres :
il y a ici plus de lyrisme et de
malice – on ne peut pas être à la
fois plus souriant et vivace dans
le finale ! Voici pleinement réalisé
« le plus intérieur » des concertos
pour violon allemand, « le joyau
du cœur », c’est celui de Mendels-
sohn, jugeait Joseph Joachim.
Panache et fantaisie
« Le plus riche, le plus envoû-
tant », c’était pour lui l’Opus 26
de Bruch – dont le virtuose avait
créé en 1868 la version définitive.
Démonstration en 1951 sous l’ar-
chet de Heifetz, qui ferait pleurer
les pierres dans l’Adagio central,
d’autant que le soigneux Mal-
colm Sargent sait accorder son
(fort) tempérament au sien.
Les deux musiciens se retrouvent
dix ans plus tard pour graver,
dans le confort d’une luxueuse
stéréophonie, la Fantaisie écos-
saire (1880). Ses quatre mouve-
ments déploient une écriture
acrobatique (les deux Allegro !),
des atmosphères tantôt nostal-
giques, tantôt martiales, avec
une harpe (ici celle d’Osian Ellis)
pour souligner le caractère des
airs empruntés par Bruch au
folklore scottish. Couleurs à
foison, pureté du sentiment :
Heifetz n’a rien à y envier au
dédicataire de la partition, Pablo
de Sarasate.
Interprète mais aussi composi-
teur, ce dernier livra à la même
époque (1878) des Airs bohé-
miens dans lesquels chante –
tour à tour tendre, blessée, au
comble du désespoir, puis sou-
dain ragaillardie par un thème
endiablé – toute l’âme du peuple
tzigane. C’est peu dire que Hei-
fetz s’y montre aussi héroïque
que bouleversant. Parfois égalé,
dépassé jamais.
François Laurent

n o
MENDELSSOHN : Concerto pour violon (a).
BRUCH : Concerto pour violon no 1 (b).
Fantaisie écossaise (c).
SARASATE : Zigeunerweisen (d).
Jascha Heifetz (violon).
Divers orchestres, Charles Munch (a),
Malcolm Sargent (b, c), William Steinberg (d).
« Les Indispensables de Diapason »
no 166. Ø 1951-1961. TT : 1 h 20’.

I 63
● Le choix de la rédaction
DIAPASON D’OR
NOUVEAUTÉS
● CRITIQUE P. 68 ● PLAGE 1
BEETHOVEN
Sonates pour piano nos 21 et 23.
Rudolf Serkin. DG.
Pour le cent vingtième anniversaire
de la naissance de Rudolf Serkin, DG
livre deux inédits : une « Waldstein »
et une « Appassionata » fabuleuses.
Le choix de
● CRITIQUE P. 84 ● PLAGE 6
LA GUERRE
Céphale et Procris.
Solistes, A nocte temporis,
Reinoud Van Mechelen… CVS.
Grâce à une excellente équipe et une
direction délicate, le premier opéra
français dû, en 1694, à une plume féminine
trouve enfin sa référence.
64 I
● CRITIQUE P. 95 ● PLAGE 2
SANDRINE PIAU
Mélodies de Berlioz, Duparc, Koechlin…
Orchestre Victor Hugo. Alpha.
Fraîcheur du timbre, intimité approfondie
avec les mots : Sandrine Piau fusionne
le chant et la déclamation. La mélodie
française au sommet.
Le choix de
● CRITIQUE P. 94
FLORIAN NOACK
« I Wanna Be Like You ». Transcriptions.
La Dolce Volta.
De Bach à Chostakovitch en passant par
Prokofiev, Mendelssohn, Rimski-Korsakov
et Johan Strauss fils, un album ensorcelant
par un pianiste qui porte haut l’étendard
de la transcription.
● CRITIQUE P. 80 ● PLAGE 3
GRIEG & SMETANA
Quatuors à cordes
Quatuor Modigliani. Mirare.
Avec le Quatuor Modigliani, ces deux
autoportraits de compositeurs irradient
couleurs, flammes et tourbillons,
dans une profusion rarement atteinte.
● CRITIQUE P. 82
KORNGOLD
Quatuor à cordes no 1. Quintette avec piano.
Quatuor Alma, Severin von Eckardstein.
Challenge.
Servis par une prise de son superlative,
le quatuor néerlandais et un pianiste
de premier ordre mettent en lumière le
romantisme exacerbé du jeune Korngold.
CHAQUE MOIS, LE MEILLEUR DU DISQUE
CLASSIQUE, D’UN SEUL COUP D’ŒIL !
INDISPENSABLE
● CRITIQUE P. 90 ● PLAGE 4 ● CRITIQUE P. 92 ● PLAGE 5 ● RENDEZ-VOUS P. 63

SCHÜTZ BEHZOD ABDURAIMOV JASCHA HEIFETZ

Schwanengesang.
La Capella Ducale, Musica Fiata, Roland Wilson.
CPO.
En troquant le chœur pour un effectif
restreint, en confiant à un petit orchestre
l’accompagnement, Roland Wilson
transfigure le Chant du cygne de Schütz.
« Shadows of my Ancestors ».
Œuvres de Prokofiev, Ravel, Saidaminova.
Alpha.
Behzod Abduraimov est de ces pianistes
qui mûrissent lentement leur répertoire.
Pour quel subtil mélange de limpidité,
de puissance et de précision !
Concertos pour violon de Mendelssohn
et Bruch. Fantaisies de Bruch et Sarasate.
Charles Munch, Malcolm Sargent…
Retrouvailles avec un dandy du violon
dans quatre partitions emblématiques
de son éloquence fiévreuse et colorée,
de sa fantaisie tirée à quatre épingles.

DÉCOUVERTE RÉÉDITION
● CRITIQUE P. 96 ● PLAGE 7 ● CRITIQUE P. 70 ● PLAGE 8
RECEVEZ DIAPASON
CHEZ VOUS !
Votre bulletin d’abonnement
se trouve page 101
Pour commander d’anciens
numéros,
rendez-vous sur
www.kiosquemag.com
Vous pouvez aussi
vous abonner
par téléphone au
HANNA SALZENSTEIN PAAVO BERGLUND
Œuvres de Vivaldi, Dall’Abaco, Platti… « The Warner Edition. Complete Emi Classics 01 46 48 47 60
Théotime Langlois de Swarte, & Finlandia Recordings. »
Justin Taylor… Mirare. Warner.
ou sur
Entourée d’un impressionnant bataillon Rassemblant tout ce que Paavo Berglund www.kiosquemag.com
de virtuoses, la jeune violoncelliste raconte a enregistré pour Emi et Finlandia,
avec brio l’émergence de son instrument un coffret de 42 CD permet la redécouverte
dans l’Italie baroque. de nombreux trésors.

I 65
● L’île déserte de IVAN A. ALEXANDRE

LES DISQUES QUE TOUT MÉLOMANE DOIT CONNAÎTRE

o
n 136
Williams
The Empire Strikes Back.
London Symphony Orchestra,
John Williams.
1980, RCA.

rix Franceinfo 2024, Les Guerres de Lucas, et bien sûr le radieux « thème de Yoda ». La symphonie des
roman dessiné de Laurent Hopman et Renaud glaces joue avec Prokofiev en toute liberté. La bataille, les
Roche (Deman Edition), conte la naissance d’un astéroïdes, le duel, le piège, le sacrifice, pas un plan sonore à
monstre, Star Wars, et les tourments de son créa- côté ou expédié. Ni même tapageur : l’Empire menace plus
teur. Ambition mal mesurée, scénario indé- qu’il n’éclate, tisse plus qu’il n’écrase. Le doute insinue.
cis, budget rétréci, acteurs déçus, intrigues Cette fois, John Williams a pris le temps. Dix-huit services
toxiques, studio hostile, trucages en panne, mauvais temps, en deux semaines : le London Symphony peut tout, sans effet
mauvaise humeur, tout annonce le nanar. Rien ne plait à gratuit, quasi sans effort. Du nerf, de la chair, de l’acier, mille
George Lucas. Sauf la musique. détails, autant de textures précieuses (The Ice Planet Hoth),
Encore inféodé à Stanley Kubrick, le jeune cinéaste envi- mystérieuses (Arrival on Dagobah), dangereuses (Betrayal
sage un patchwork façon 2001 où Dvorak et Holst voisine- at Bespin). Opéra sans parole et dernier accomplissement
raient avec Wagner et Liszt. C’est son ami Steven Spielberg d’un art immortalisé par les Alex North, les Maurice Jarre,
qui lui présente John Williams, musicien tout juste oscarisé les Bernard Herrmann.
de Jaws. Premier commandement : Kubrick tu oublieras. On jettera une oreille à Zubin Mehta (Decca) et Gustavo
Star Wars n’est pas une expérience métaphysique. C’est un Dudamel (C Major), mais l’auteur reste son parfait champion
western, une épopée, un space opera, il lui faut une parti- dans cette version originale, double microsillon RSO de
tion narrative, des thèmes, des cuivres, du souffle comme 1980 ou double CD RCA de 1997 (album le plus complet).
au temps héroïque de Korngold et Rozsa. Dispensables, les micmacs publiés par Polydor, Arista, Sony
Mais les minutes sont chères. Entré tard dans la danse, et Walt Disney. L’ivresse est ici.
Williams compose Star Wars (par la suite rebaptisé « épisode
IV, A New Hope ») en six semaines et l’enregistre en huit
services. Sans rapport avec ce qui adviendra trois ans plus
tard, en 1980. Car toutes les fées disponibles à Hollywood
se pencheront sur le berceau de l’« épisode V, The Empire
Strikes Back ». La romancière Leigh Brackett, fauchée en
plein travail, rédige le scénario initial. Lucas, qui n’aime
pas mettre en scène, cède le plateau à son ancien professeur,
l’incomparable Irvin Kershner. La direction artistique ne
sera jamais meilleure. Le récit, la lumière, l’image, le mon-
tage, les effets spéciaux non plus. A tous égards, cet Empire
attendu comme un bis supplante le modèle. Et, malgré ses ● Williams : ● Williams : ●Holst :
failles inévitables (le studio 3 prend feu pendant le tour- Close Encounters Concerto pour Les Planètes.
nage de Shining : il faut réduire et déménager la planète of the Third Kind. violoncelle. Williams : Star Wars
Bespin…), reste le chef-d’œuvre de la saga. dir. J. Williams. Yo Yo Ma, Suite.
De même la partition sera la plus soutenue et la plus soi- Arista – collector John Williams. Zubin Mehta,
edition, 1998. Sony, 2002. Decca 1971-1978.
gnée. Apparaît la Marche impériale absente du premier film,

66 I
Au cœur de
l’orchestre
Toutes les clés pour comprendre
le fonctionnement d’un orchestre

Du lundi au jeudi de 12h à 12h30

& le dimanche de 9h à 11h
Les 90 ans de l’Orchestre National de France
5 séries de Christian Merlin
À écouter et podcaster sur le site de France Musique et sur l’appli Radio France
● Rééditions
Episodes de la vie d’un artiste
Après Debussy, Saint-Saëns, Bizet et Gounod, un autre géant de la musique française rejoint
notre collection. Joyaux incontournables et raretés : voici les chefs-d’œuvres de Berlioz
H
ector Berlioz (1803-
1869) entend écrire
« librement sous
l’influence de sa
seule volonté », une
musique « faite pour exprimer
des émotions, des sentiments »,
quitte à tracer son chemin
« comme un boulet rouge, en
sifflant, fracassant et brûlant ».
Empruntés à Goethe, Virgile,
Byron ou Shakespeare, les héros
qui peuplent son imaginaire
se consument d’exaltation, se
débattent avec la fatalité.
Ce chantre du romantisme colore
son orchestre avec audace, extra-
vagance. Il en drape le « rondo
Thomas Beecham
brillant » pour pianoforte de
Weber Aufforderung zum Tanz,
habille le tapage d’une Orgie de
brigands dans Harold en Italie.
Les vertiges endiablés du Carna-
val romain (qui ouvrait à l’origine
l’acte II de son opéra Benvenuto
Cellini) annoncent, dans Roméo
et Juliette, la rumeur d’abord loin-
taine puis l’éclat de la Grande fête
chez Capulet.
Des chœurs d’étudiants, de sol-
dats ou de buveurs, tous grouil-
lants de vie, alternent avec de
tendres aveux en forme de séré-
nades, des pastorales rêveuses.
Tendez l’oreille, par exemple, à
l’Adieu des bergers dans L’Enfance
du Christ, qui revendique un déli-
cieux archaïsme.
68 I
Berlioz célèbre la grandeur et
la ferveur collective. C’est la
« Nature immense » qu’invoque
le docteur Faust, la montagne où
résonnent les « Scènes de mélan-
colie, de bonheur et de joie » dans
Harold en Italie.
Grandeur et névroses
C’est l’« amour sacré de la patrie »
qui soulève une Marseillaise
redessinée en 1830 avec l’assen-
timent de Rouget de Lisle, ou
le colossal Requiem spatialisé
pour le vaisseau des Invalides.
Les élans de la passion ont pour
revers des abîmes de mélan-
colie : la Marche au supplice et
Pierre Monteux
le Songe d’une nuit de sabbat
peignent, dans la Fantastique, le
cauchemar de l’artiste. Tout aussi
effroyable est la vision gothique
de l’enfer sur laquelle se referme
La Damnation de Faust. La mort
plane sur la chevauchée névro-
tique du Roi des Aulnes. Etc.
Flamboiements
Ces différents aspects et visages
du compositeur seront autant de
fils conducteurs dans notre sélec-
tion. Pour la Symphonie fantas-
tique, nous nous inclinons devant
la stéréophonie large et flam-
boyante dont Cluytens dispose à
Londres, ses raffinements hédo-
nistes (la profondeur de champ,
les mille détails toujours intégrés
à une ligne souverainement
tenue). Une version mythique
et quasi inaccessible lui répond
en miroir : la Fantastique gravée
en 1930 – pour le centenaire de
l’œuvre – par Pierre Monteux
et l’Orchestre symphonique
de Paris. La crème des instru-
mentistes français d’alors rend
à la partition une urgence, une
fièvre (vigueur du trait, densité
des contrastes, expressivité de la
palette), une dimension épique
toutes romantiques.
Diamant et velours
Aux Nuits d’été par Suzanne
Danco en 1951, dont nous sub-
Charles Munch Suzanne Danco
juguent le timbre adamantin et
le verbe aiguisé, font écho celles
de Victoria de los Angeles, au
velours vocal incomparable de
sensualité. En 1955, la seconde
bénéficie du Boston Symphony
vif et rutilant de Munch.
Cinq ans plus tard, la canta-
trice inscrit au programme d’un
concert de « Duets » avec Die-
trich Fischer-Dieskau Le Trébu-
chet, un « scherzo » aiguillonné
par le piano de Gerald Moore.
Trois mélodies avec orchestre
(Zaïde, La Captive, Le Jeune Pâtre
breton) invitent à retrouver Eleo-
nore Steber, autre berliozienne
incontournable. Son français
est un rien moins policé ? Jean
Morel déroule sous le lyrisme
chaud et souple de ce chant à
l’ampleur de lignes impression-
nante, un orchestre capiteux
dont son maître, Gabriel Pierné,
lui avait transmis les secrets.
Audace et fureur
Les Francs-Juges, Le Roi Lear,
Rob Roy, Benvenuto Cellini, Le
Carnaval romain, Le Corsaire,
Béatrice et Bénédict convoquent
respectivement Arturo Tosca-
nini, Thomas Beecham, Adrian
Boult, Pierre Monteux, André
Cluytens, Paul Paray et Charles
Munch. Ces sept trésors, fruit
d’un écrémage de la discographie
des Ouvertures pour un Indis-
André Cluytens
pensable, sont complétés ici par
un huitième, auquel il avait fallu
renoncer pour des questions de
minutage, Waverley. Cet Opus 1,
inspiré du roman historique de
Walter Scott, enchaîne un Lar-
ghetto amoureux (chanté par les
violoncelles) et un batailleur Alle-
gro vivace : les virtuoses du Royal
Philharmonic, emmenés en 1954
par Beecham, éblouissent par
leur éclat juvénile.
Dans Harold en Italie, « sympho-
nie avec alto principal », nous
nous en remettons à l’archet de
William Primrose, charmeur, et
surtout épaulé par un orchestre
aux déchaînements formidables.
Comment résister au « vent de
liberté et de fureur » que Munch
fait souffler (dans une superbe
stéréophonie) sur cette Orgie de
brigands ?
Drames symphoniques
Pour « bien rendre » La Dam-
nation de Faust, commente
Berlioz, « les exécutants et leur
directeur, surtout, doivent sen-
tir comme moi. Il faut une pré-
cision extrême unie à une verve
irrésistible, une fougue réglée,
une sensibilité rêveuse. » Igor
Markevitch le prend au mot en
1959. Outre un héros à la flamme
virile, une Marguerite au velours
sombre, un Méphistophélès
dandy, on admire les couleurs
crues ou acidulées, les frémis-
sements, la frénésie que le chef
obtient du Lamoureux.
Leur Marche hongroise tient la
dragée haute à celle – glissée en
bonus – de Szell mettant sur le
gril ses musiciens de Cleveland.
Pour le relief orchestral et cho-
ral de Roméo et Juliette, s’im-
pose le geste exalté mais atten-
tif de Munch à Boston, dans
son remake stéréo de 1961. Les
solistes y sont préférables à
ceux de 1953, à commencer par
le Père Laurence colossal d’au-
torité de Giorgio Tozzi, à qui
revient le dernier mot.
A l’église…
C’est Thomas Beecham qui,
le premier, enregistrait le Te
Deum (Colin Davis suivra, mais
quinze ans plus tard) dans une
église au nord de Londres entre
décembre 1953 et avril 1954 –
un témoignage empli de ferveur
malgré le froid glacial régnant
alors. Pour le Requiem, nous
n’avons pas retenu le disque de
1958 (qui décevait le chef lui-
même) mais un concert donné
le 13 décembre 1959 dans le
vaste Royal Albert Hall, avec
des forces adéquates (cent qua-
rante-trois musiciens, calqués
sur l’effectif voulu par Berlioz,
et des chœurs solidement pré-
parés par John McCarthy). Avec,
comme en 1958, le ténor ardent
et noble de Richard Lewis.
Pour L’Enfance du Christ nous
avons préféré la gravure prin-
ceps d’André Cluytens (1951), où
se couvrent de gloire les impec-
cables Louis Noguéra et Hélène
Bouvier, à celle du jeune Colin
Davis (1960), dont l’orchestre
diaphane ne fait pas tout à fait
oublier le français plus exotique
des chanteurs. Nous en avons
toutefois détaché le fameux
Trio des enfants ismaélites pour
flûtes et harpe, exemplaire de
transparence.
… et au théâtre
Un récital de Nicolai Gedda
livre deux airs de Benvenuto
Cellini, qui viennent ainsi s’ajou-
ter à l’Ouverture et au Carnaval
romain, tandis que nous dispo-
Symphonie fantastique Mélodies
sons pour Les Troyens de plu-
André Cluytens. 1958 Victoria de los Angeles,
sieurs pépites. Aux « Inutiles
Pierre Monteux. 1930 Dietrich Fischer-Dieskau,
regrets » et « Debout Troyens »
Nuits d’été Eleonore Steber. 1954-1960
d’Enée gravés par l’héroïque
Georges Thill en 1934 répondent Suzanne Danco, Benvenuto Cellini
en 1958 l’« Adieu fière cité » de Thor Johnson. 1951 & Les Troyens (extraits)
Didon dans lequel Rita Gorr se Victoria de los Angeles, Pierre Monteux. Nicolai Gedda,
consume littéralement. Deux Charles Munch. 1955 Georges Prêtre. Paul Paray.
autres morceaux d’anthologie Carnaval romain Thomas Beecham. Georges Thill,
les complètent : une Marche André Cluytens. 1961 Eugène Bigot. Rita Gorr,
troyenne sous la férule de Paray, Lawrence Collingwood.
Béatrice et Bénédict
et une Chasse royale et Orage (Ouverture) 1934-1961
brossée (avec chœur) par Bee- Charles Munch. 1958 L’Enfance du Christ
cham. Le Corsaire Paul Paray. 1958 Hélène Bouvier, Jean Giraudeau,
Berlioz n’a pas hésité à parer Louis Noguera. André Cluytens.
Rob-Roy Adrian Boult. 1956
de son orchestre plein de res- 1951
sources et d’inventions quelques Le Roi Lear. Waverley Invitation à la valse
chefs-d’œuvre aimés. Plutôt Thomas Beecham. 1947-1954 Igor Markevitch. 1954
que l’Orphée de Gluck « revi- Les Francs-Juges Te Deum
sité » (avec la collaboration du Arturo Toscanini. 1941 Alexander Young,
jeune Saint-Saëns) pour Pau- La Damnation de Faust Thomas Beecham. 1953-1954
line Viardot, vous attend l’Invi- Richard Verreau, Consuelo Rubio, Requiem
tation à la valse de Weber, cise- Michel Roux. Igor Markevitch. 1959 Richard Lewis,
lée par Markevitch au pupitre Harold en Italie Thomas Beecham. 1959
du Philharmonia. Enfin, deux William Primrose,
bonus s’adressent aux amateurs Charles Munch. 1958 La Discothèque idéale
de raretés : Le Roi des Aulnes de de Diapason, Vol. XXX
Roméo et Juliette
Schubert incarné en français
Cesare Valletti, Rosalind Elias, (10 CD, livret de 20 pages).
et avec fièvre par Charles Pan- TT : 13 h 15’. Diapason d’or
Giorgio Tozzi. Charles Munch. 1961
zéra en 1926, et une Marseillaise
inédite en CD. Elle ouvrait, en
Vous êtes nombreux à avoir constaté des problèmes
1959, un concert de gala dirigé
de façonnage sur nos derniers coffrets, qui rendaient certains
par André Cluytens au Théâtre
CD illisibles. Afin d’éviter ces regrettables désagréments,
des Champs-Elysées, dans le
nous avons confié le pressage de ce coffret Berlioz,
cadre du vingt-cinquième anni-
ainsi que des suivants, à un nouveau prestataire offrant
versaire de l’Orchestre national.
une qualité de fabrication bien plus fiable.
François Laurent
I 69
● Rééditions

Génie du Nord
Le coffret de 42 CD dans lequel Warner a réuni tout ce que
Paavo Berglund a enregistré pour Emi et Finlandia permet
la redécouverte de nombreux trésors.
Citons les concertos pour violon de Sibelius, avec le Bournemouth Symphony (quand il
Walton, celui – splendissime référence – de en était le directeur musical entre 1973 et
Britten avec la grande Ida Haendel, les deux 1979), le plus foisonnant d’idées. On se bor-

© REG WILSON / PARLOPHONE RECORDS LIMITED

pour piano (avec Cristina Ortiz) et le 1er pour
violoncelle (avec Tortelier) de Chostakovitch,
et, dans une moindre mesure, le Double de
Brahms (avec Menuhin et Tortelier) sans
oublier le 3e de Rachmaninov avec Leif Ove
Andsnes : ils révèlent un aspect moins connu
de l’art du chef finlandais, celui d’accompa-
gnateur exemplaire.
De glace et d’acier
Sa préférence pour certaines des sympho-
nera ici à citer ses hautaines et granitiques
Symphonies nos 4, 6 et 7.
Ce sont d’ailleurs les mêmes, ainsi que cer-
tains poèmes symphoniques également
traversés du grand souffle mais davantage
fluides et aériens (La Fille de Pohjola, Le
Barde, Luonnotar), qui surplombent l’inté-
grale d’une eau froide et pure avec le Philhar-
monique d’Helsinki (années 1980). Berglund,
dans sa troisième intégrale, avec l’Orchestre
de chambre d’Europe, ne cessera d’explorer

F
ormé, comme violoniste, à Helsinki nies les plus âpres, sombres et conflictuelles et d’exalter la croissance organique et l’inven-
puis à Vienne, où les concerts dirigés du XXe siècle éclate d’évidence. Elle nous tion sonore d’une telle musique, notamment
par Wilhelm Furtwängler le fasci- vaut une sévère et altière 5e de Nielsen, de dans d’ascétiques et lumineuses 4e et 6e.
nèrent, Paavo Berglund (1929-2012) formidables 4e et 6e de Vaughan Williams, Patrick Szersnovicz
fut un chef atypique. Gaucher, il faites de glace et d’acier mais aussi péné-
inversait volontiers les gestes de signal, la trées d’inquiétudes métaphysiques, ou « Paavo Berglund, The Warner Edition ».
Warner, 42 CD. Diapason d’or
main droite prenant le rôle dévolu à la gauche encore une 10e de Chostakovitch qui respire
(phrasé, nuances). Il n’a pas eu le parcours large malgré sa densité, et frappe par son PLAGE 8 DE NOTRE CD
d’un météore (Guido Cantelli, Carlos exceptionnelle hauteur de vue.
Kleiber), ni celui d’une étoile montante Paavo Berglund demeure un des plus grands
(Simon Rattle, Esa-Pekka Salonen). Figure interprètes de la musique de Sibelius, qui fut
discrète et paternelle dont la carrière se sa véritable passion : il enregistra trois inté-
déroula pour l’essentiel en Scandinavie, il est grales des sept symphonies auxquelles
devenu, dès les années 1970, une référence s’ajoute une vaste anthologie (Kullervo,
incontournable dans son répertoire de pré- poèmes symphoniques, musiques de scène),
dilection : la musique nordique, britannique avec parfois plusieurs versions d’une même
et russe de la deuxième moitié du XIXe siècle partition. Tout ou presque est de premier
et de la première moitié du suivant. ordre dans le légendaire premier cycle réalisé

Dukas essentiel scherzo ravira les inconditionnels

d’Argerich. Concentré mais
Variations, interlude et finale sur
un thème de Rameau (1902),
Ciesinski pâtit de son français
peu intelligible. Le Barbe-Bleue

E
n quatre CD puisant dans
les catalogues Erato et Emi,
Warner réunit presque
tout l’œuvre de Dukas dans
des versions de premier ordre.
Le parcours s’ouvre par
la grave Ouverture Polyeucte
(1891), l’éclatante Symphonie
en ut (1897) qui paie son tribut
à l’esthétique franckiste et le
célébrissime Apprenti sorcier
(1897) – Martinon fait étinceler
l’orchestre. L’histrionique
transcription pour deux claviers
(signée Rabinovitch) du fameux
somptueux, le corpus pour c’est un ardent disciple de de Gabriel Bacquier est,
piano est couronné par la sonate Dukas, Jean Hubeau, qui alterne lui, idéalement phrasé mais
(1901) dont la complexité, brillant et profondeur (sublime Dukas ne lui offre que quelques
le lyrisme à la fois sévère Interlude). Armin Jordan fait brèves répliques ! Par la suite,
et grandiose sont totalement étinceler La Péri (1912) – ballet les remords et la quête
dominés par Duchable, à qui dont la splendeur orchestrale de perfection du compositeur
reviennent le Prélude élégiaque n’a rien à envier à L’Oiseau allaient le conduire à détruire
sur le nom de feu – et l’opéra la plupart de ses travaux (hormis
de Haydn Ariane et Barbe- le court Sonnet de Ronsard
(1909) et la Bleue (1906, texte de 1924). Chérissons d’autant
Plainte au loin de Maeterlinck), plus ce précieux et fort utile
du faune (1920) prisé en son temps coffret. Jean-Claude Hulot
en hommage à l’égal de Pelléas.
à Debussy. Le rôle-titre dévolu « Paul Dukas ».
Dans les à Catherine Warner, 4 CD. Y Y YYY

70 I
DON JOSÉ
D
ans la génération dorée du chant espagnol (celle des Caballé,
Los Angeles, Lorengar, Berganza, Kraus, Domingo…),
José Carreras est le benjamin. En 1976, la pochette de son
premier récital (reproduite à l’identique, comme toutes les autres
dans ce coffret) révélait un physique de beau gosse qui fit des ravages
quelques décennies durant sur les plus prestigieuses scènes
de la planète. Si le timbre, d’une sensualité torride, n’est pas moins
ensorcelant, ce coup d’essai, accompagné par la probe baguette
de Roberto Benzi, révèle un style souvent peu subtil, en particulier
dans les pages belcantistes qui pâtissent d’un art de la nuance assez
limité. Au gré de toutes ces gravures, on succombe pourtant à cette
franchise expressive, à ces couleurs tour à tour ténébreuses et solaires,
à cet aigu insolent, notamment chez Verdi, et plus encore dans
le répertoire vériste. L’album consacré en 1979 à Puccini, Leoncavallo,
Mascagni, Cilea, Giordano, avec le London
Symphony Orchestra conduit par Jesus
Lopez Cobos, constitue donc sans surprise
un des plus attachants sommets de ce legs.
Carreras s’est aussi volontiers illustré
dans la musique espagnole. Son disque
d’airs de zarzuelas (1977) ravira les amateurs
du genre. Celui consacré aux mélodies
de ses compatriotes, finement accompagné
au piano par Martin Katz (1984), ne manque
pas non plus de séduction, en particulier
chez Mompou et Turina, bien que l’artiste peine à trouver les accents
gitans qu’une Los Angeles ou une Berganza savaient mettre
aux Sept chansons populaires de Falla. Il réenregistrera le cycle
quelques années plus tard (1991), cette fois dans une surprenante
parure orchestrale concoctée par Luciano Berio. Le compositeur,
qui est pour l’occasion au pupitre de l’English Chamber Orchestra,
a appliqué le même traitement à quelques mélodies de Verdi
– huit joyaux de délices instrumentaux et d’intelligence vocale,
malgré une fatigue désormais audible.
L’accompagnement orchestral dont est affublée une collection
de pages signées Tosti (1979) n’a guère la même finesse, enrobant
d’un épais sirop ces bluettes de salon. Autre sucrerie : « Ave Maria »,
bouquet d’airs sacrés de toutes les époques (de Bach et Handel
à Franck et Verdi) avec les Petits chanteurs de Vienne (1983).
Et gare à l’indigestion avec « Plaisir d’amour », assortiment
d’arie antiche (1992), totalement hors style. Deux albums de duos :
l’un avec une Ricciarelli toujours un peu impersonnelle (1979),
l’autre avec une Caballé autrement incandescente – en réalité
une compilation de plusieurs extraits d’intégrales partagées
par les deux artistes catalans entre 1975 et 1979.
Carreras jouait volontiers les crooners, tel qu’en témoignent pas
moins de cinq disques de chansons populaires de toutes origines
(napolitaine, hispanique, française, américaine…) qui combleront
ses fans. Tout comme les trois CD enfilant des bouts d’intégrales
réalisées par Philips, Decca et DG, ou encore le documentaire audio
(en anglais) qui occupe la dernière galette. Un tube pour finir :
la Missa criola du compositeur argentin Ariel Ramirez (1921-2010),
couplée à sa Navidad nuestra, a offert un de ses plus éclatants
succès discographiques à un Carreras touché par la grâce, secondé
par les solides voix basques de la Sociedad Coral de Bilbao.
Avec ses rythmes et sonorités empruntés aux traditions d’Amérique
du Sud, l’œuvre créée en 1965 conserve, il est vrai, un charme
vintage assez irrésistible. Emmanuel Dupuy
« José Carreras, Complete Recitals on Philips ».
Decca, 21 CD. Y Y Y Y
Ansermet, versant mono
L’aventure Decca commence pour Ernest Ansermet
en septembre 1929 dans un répertoire où on l’attend peu :
six des Concerti grossi op. 6 de Handel dont il dégage
les nervures rythmiques, au pupitre d’un orchestre à cordes
ayant William Primrose pour leader tandis que Leslie Heward
est au clavecin. La collaboration du chef suisse avec le label
britannique reprendra seulement au lendemain de la guerre,
en 1946, cette fois au pupitre de son Orchestre de la Suisse
romande et dans un répertoire (Stravinsky, Ravel) qui lui siéent
mieux. Ces Pétrouchka, Suite de L’Oiseau de feu et Alborada
del gracioso ont le trait vif, un peu bousculé par endroits,
mais expressif en diable ! La pâte sonore, encore fruste
dans sa restitution, gagnera en netteté dans les remakes
– même en mono, l’Alborada ou La Mer ont déjà, en 1951,
un éclat et un relief absents quelques années plus tôt.
Avivant les arêtes rythmiques, tendant les lignes, Ansermet
tire vers l’épure la Symphonie « Classique » de Prokofiev
et le Concerto no 3 de Bartok (au clavier, Julius Katchen
est fabuleux dans l’Adagio religioso). Le chef
semble pousser le violoncelle de Maurice
Gendron à souligner le rococo des Variations
op. 33 de Tchaïkovski, et n’a qu’à suivre,
dans l’Opus 54 de Schumann, le piano
sismographique de Dinu Lipatti (qui fera
passer sur la qualité sonore médiocre de ce
live de 1950) – et quel élan dans le finale !
Les imperfections de l’orchestre sont le plus
souvent éclipsées par l’intensité du discours.
A fortiori quand elle a pour vecteur le verbe fiévreux
de Suzanne Danco, chez Ravel – une première Schéhérazade
en 1948, L’Heure espagnole, les Mallarmé – mais aussi Falla
(Le Tricorne) et Debussy (Pelléas, où elle est la Mélisande
de Pierre Mollet) : trésors immortels.
L’engagement viscéral du chef pour la musique de Frank
Martin – au même titre que celles de Ravel, Debussy
et Stravinsky – nous vaut ici deux merveilles : la Petite
Symphonie concertante avec Pierre Jamet à la harpe (1951)
et le Concerto pour violon avec Wolfgang Schneiderhan
en soliste (1955). Il faut également connaître ses Bloch
(Voice in the Wilderness et Schelomo, à la tête du London
Philharmonic) où captive le violoncelle très incarné et très
élégant de Zara Nelsova, le palpitant Concerto pour piano no 1
de Villa-Lobos sous les doigts d’Ellen Ballon en 1949
et cet Œdipus Rex de Stravinsky, gravé en 1955 avec
d’excellents solistes (Haefliger, Bouvier, Vessières, Cuénod).
Pour le répertoire russe en général, la Symphonie de psaumes
de Stravinsky ou les Chabrier, entre autres, les « Stereo Years »
livreront de meilleurs témoignages.
Ces « Mono Years » se concentrant sur le legs Decca,
on n’y trouvera pas les cires Columbia du chef. Mais le curieux
dénichera les bribes du répertoire des Ballets russes gravées
à New York en 1916, le Concerto op. 54 de Schumann avec
Fanny Davies, le Capriccio de Stravinsky avec le compositeur
au clavier et quelques autres raretés dans un coffret Cascavelle
dévolu aux « Early Years » d’Ansermet – qu’il se gardera donc
de bazarder au profit de celui-ci. François Laurent
« Ernest Ansermet, The Mono Years ».
Decca, 26 CD. Y Y Y Y Y
I 71
 LES
L’événement
Le chant
du cygne
Pour le cent vingtième anniversaire
de la naissance de Rudolf Serkin (1903-1991),
DG livre deux sonates inédites et fabuleuses.
C
es enregistre -
ments « n’ont pas
été approuvés » par
Rudolf Serkin, écrit
sa fille Judith dans
la notice. « Au moment où ils
furent prêts, il était déjà très
malade. Il mourut avant de pou-
voir confirmer la publication. »
La « Waldstein » a été captée
en 1986, l’« Appassionata » en
1989. Le pianiste a alors plus de
quatre-vingts ans, il n’y a donc
rien d’étonnant à ce que la gra-
vure « ne [soit] pas “parfaite” »,
précise encore Judith Serkin.
Pour autant, comme c’est le cas
dans les trois dernières sonates
enregistrées également pour DG
à la même époque, la maîtrise
est presque intacte.
Peu importe que le tempo, dans
l’Allegro con brio de la « Wald-
© CHRISTIAN STEINER / DG
stein », marque un peu le pas :
quelle conduite ! quels crescen-
dos ravageurs ! Ce que l’on perd
d’un côté (et que l’on retrouvera
par exemple dans le live londo-
nien de juin 1973 disponible
72 I
chez ICA, plus vif), on le regagne
en richesse agogique, en
nuances soigneusement éta-
gées, en perfection de la pensée
– écoutez la variété des accents,
des rebonds, des chutes, admi-
rez ces nuages et ces rayons qui
ombrent ou éclairent fugace-
ment, mais en toute conscience !
Conscience, tel est le maître-
mot : Serkin sait ce qu’il fait, et
ce qu’il fait vous traverse. Ce
Beethoven-là n’est pas Byron,
c’est Homère, c’est l’épopée, c’est
la narration poétique. Comment
ne succomberait-on pas au
chant infini des deuxième et
troisième mouvements ?
Intransigeant
La lecture de l’« Appassionata »
est impérieuse, implacable.
Comme l’atteste le premier
volet, bien sûr, zébré de cris
et de coups de tonnerre, mais
aussi l’Andante con moto (c’est-
à-dire « avec mouvement ») qui
avance presque halluciné, teinté
par endroits d’angoisses, allant
 ● Le dictionnaire des disques

CRITIQUES DU MOIS
même jusqu’au suffocant. Et
pourtant, quel souffle ! Allegro
véritablement ma non troppo,
le finale exprime avec une rare
acuité quelque chose de la dou-
leur beethovénienne.
Dans l’« Appassionata » gravée
par le même Serkin en 1947
(Sony), la virtuosité filait plus
droit ; l’album de 1963 montrait
déjà un cheminement vers les
recoins, que cette ultime ver-
sion, à notre sens, parachève,
avec un jusqu’au-boutisme
intransigeant et bouleversant.
Car dans cette exploration
minutieuse du texte musical, la
gestion magistrale du temps ne
perd jamais le sens de la conti-
nuité et s’allie à une tension
dévorante, incandescente.
LUDWIG VAN BEETHOVEN
1770-1827
Sonates pour piano nos 21 « Waldstein »
et 23 « Appassionata ».
Rudolf Serkin (piano).
DG. Ø 1986 et 1989. TT : 55’.
« Les petits défauts de cet
en studio
immense musicien », écrivait • Paul Agnew et Les Arts Florissants donnent
Alain Lompech dans le portrait le coup d’envoi d’un nouveau cycle pour Harmonia
qu’il consacrait à Serkin (Les Mundi : « Bach, A Life in Music ». Le premier volume
Grands Pianistes du XXe siècle, renferme des cantates pour Arnstadt et Muhlhausen,
Buchet Chastel), « n’étaient rien avec des chorals pour orgue par Benjamin Alard.
en regard d’une approche de la • Skip Sempé, avec son Capriccio
musique dont la sensibilité allait Stravagante et le Renaissance
droit à l’essentiel. » Oui, qu’im- Orchestra, ont mis en boîte
portent de menues imperfec- les Lachrimae de Dowland (Paradizo).
tions, guère plus importantes • Sabine Devieilhe a enregistré
que celles de mainte captation des lieder de Mozart et Strauss
de concert : ces deux témoi- avec Mathieu Pordoy (Erato).
gnages ont une force incanta- • Un nouvel Orfeo de Gluck ?
toire, une puissance expressive, Bientôt chez Erato, avec Jakub Jozef
une urgence qui ne laissent pas Orlinski, Fatma Said, Elsa Dreisig.
indemne. L’extrême concentra- Et Stefan Plewniak au pupitre
tion s’y allie à la générosité. Un d’Il Giardino d’Amore.
maître du piano est là qui vous • B comme Bernstein pour James Ehnes, qui couple
empoigne et ne vous lâche plus. sa Sérénade avec le Concerto pour violon no 1
Loïc Chahine de John Williams – Stéphane Denève
est à la tête du St. Louis Symphony
(Pentatone).
• B comme Britten pour Isabelle Faust,
qui ajoute à son concerto pour violon,
avec l’Orchestre de la Radio bavaroise
et Jakub Hrusa, trois joyaux chambristes
(Harmonia Mundi).
© DR / FELIX BROEDE / ANNA DABROWSKA - PARLOPHONE RECORDS LIMITED

TECHNIQUE : 4/5 • Château de Versailles Spectacles

Enregistré dans le Recital Hall annonce Télémaque et Calypso
du Suny Purchase College, à New York, de Destouches par Les Ombres, L’Orfeo
en mars 1986 (Sonate no 21) et au studio
Guilford Sound de Vermont en mai
de Monteverdi par Les Epopées .
et juin 1989 (no 23) par Judith L. Sherman. • Gustavo Gimeno et son Philharmonique
Deux enregistrements de piano du Luxembourg ont réuni trois
particulièrement toniques qui révèlent chefs-d’œuvre de Dutilleux :
l’énergie et la précision du jeu. Capté
en proximité dans la no 21, l’instrument
les Métaboles, la Symphonie no 1
occupe l’ensemble de l’image sonore. et Tout un monde lointain
Il se trouve localisé sur la gauche avec Jean-Guihen Queyras
dans la no 23. Les aigus ont une présence au violoncelle (HM).
vive et détaillée, les graves apportent une profondeur enveloppante
dans un équilibre séduisant. • « Les Violons des Lumières »,
promesse de David Plantier avec
PLAGE 1 DE NOTRE CD Les Plaisirs du Parnasse : de rares
sonates de Quentin, Guignon,
Branche, Mondonville, Dauvergne
et Aubert (Ricercar).

I 73
Bach / Beethoven

authentifiées avec certitude. Sobres, la Toccata de la BWV 830. Les danses

NOS COTATIONS elles s’appuient sur des mélodies sont rendues avec le même soin :
EXCEPTIONNEL A acquérir les yeux fermés. simples, faciles à mémoriser comme la Sarabande de la BWV 825 émeut
à chanter, dans lesquelles l’atten- par un lyrisme totalement limpide
tion se focalise sur la piété véhicu- malgré l’ornementation foisonnante ;
YYYY Y SUPERBE Osez-le ! lée par le texte. la Burlesca et le Scherzo de la
Koopman leur insuffle souplesse et BWV 827 pétillent avec un humour
YYY Y RECOMMANDABLE Ne déparera pas votre discothèque variété sans jamais en faire trop ou pince-sans-rire ; l’Allemande de la
YY Y MOYEN Pour fanas avant tout. tirer la couverture à lui. Son inter- BWV 828, tendre comme rarement,
prétation des pièces pour orgue avec des inflexions presque coupe-
Y Y DÉCONSEILLÉ A quoi bon ce disque ?
atteste la même tempérance. Point riniennes, esquisse une vaste rêve-
Y EXÉCRABLE Évitez le piège ! d’exubérance excessive dans la rie. La conclusion de la BWV 829
Gigue de la Pastorale BWV 590, nulle est pleine d’esprit : le Tempo di Mi-
surcharge ornementale dans la Can- nuetta (sic) puis le Passepied accu-
NOTRE COUP DE FOUDRE Révélation d’une œuvre zona BWV 588 : le musicien s’est mulent une énergie qui se libère
inédite ou d’un talent à suivre. adapté au caractère de l’instrument, dans l’envoi d’une Gigue enlevée,
découverte
modeste mais chaleureux. parfois taquine, espiègle comme
La prestation de Mertens laisse plus un éclat de rire. Alliant rigueur et
CARL PHILIPP EMANUEL 1997), alerte, tendue, est sans ap- mitigé. Instable dès que les sollici- fantaisie, sens de l’architecture et
BACH pel. Pour savourer les ambiguïtés tations (tempo, agilité) se font plus enthousiasme épris de liberté, Nuti
1714-1788 subtiles de la Wq 182/5 en si mineur, pressantes, la voix est aussi fati- anime chaque Partita d’une intense
Y Y Y Six symphonies dont nous n’entendons ici qu’un pâle guée dans le haut de la tessiture vie, et n’est pas loin de rejoindre au
« de Hambourg » Wq 182. reflet assagi, il faudra retourner au (BWV 439). Le sens aigu du mot, sommet de la discographie Gustav
Orchestre du XVIIIe siècle. Giardino Armonico (Naïve, 2005). lui, demeure intact. A ce disque en Leonhardt (DHM, 1963-1970 puis
Glossa. Ø 2021-2022. TT : 1 h 05’. Honnête mais sans éclat, le présent demi-teintes, on préférera la vaste Emi, 1987), Scott Ross (Erato, 1989)
TECHNIQUE : 3/5 album nous rend surtout impatient : anthologie où Mertens était rejoint ou Pascal Dubreuil (Ramée, 2008).
« De l’audace ! » l’Akademie berlinoise doit bientôt par Barbara Schlick et Bob Van As- Jean-Christophe Pucek
L e m ot d e retrouver ces pages dont elle sait peren (CPO, 1998).
Danton pourrait si bien épouser l’esprit aventureux. Jean-Christophe Pucek YYY Six sonates pour clavecin
s’appliquer aux Jean-Christophe Pucek et violon BWV 1014-1019.
symphonies Y Y Y Y Y 6 Partitas pour clavecin Sirkka-Liisa Kaakinen-Pilch
composées en JOHANN SEBASTIAN BACH BWV 825-830. (violon), Tuija Hakkila (pianoforte
1773 par Carl Philipp Emanuel Bach 1685-1750 Giulia Nuti (clavecin). d’après Silbermann).
à la demande du baron Gottfried Y Y Y Lieder spirituels extraits Arcana (2 CD). Ø 2021. TT : 2 h 40’. Ondine (2 CD). Ø 2022. TT : 1 h 34’.
Van Swieten. Le célèbre diplomate du Schemellis Gesangbuch TECHNIQUE : 3,5/5 TECHNIQUE : 3,5/5
mélomane n’avait fixé aucune BWV 439, 440, 443, 449, 452, Giulia Nuti a cou- Plusieurs enre-
contrainte au musicien. Bien que li- 453, 462, 466, 468, 469, 470, tume de retenir gistrements ont
mitées aux seules cordes, ces six 471, 478, 479, 480, 484, 487, des instruments rappelé les liens
œuvres « de Hambourg » se pré- 492, 494, 498, 502, 505, 511, typés pour servir qui unissaient le
sentent comme un festival d’excen- 514. Pièces d’orgue BWV 588, ses projets. Elle Cantor de Leip-
tricités formant une sorte de cata- 590, 683, 691, 1092 et 1095. a choisi d’enre- zig au pianoforte
logue des possibilités offertes par Klaus Mertens (basse), gistrer les Partitas sur la copie d’un de Gottfried Silbermann. Tuija Hak-
le style « sensible » (Empfindsamer Ton Koopman (orgue). clavecin Hemsch (1751) par Chris- kila a choisi la copie d’un modèle
Stil) : de l’emporté, du tendre, voire Challenge. Ø 2023. TT : 1 h 01’. tian Kuhlmann aux sonorités amples de 1749, et c’est bien lui qui pique
du bizarre, toujours électrisés par TECHNIQUE : 4/5 et élégantes. Ses précédents disques ici notre curiosité. Commencez par
un courant d’imprévisibilité qu’il- Klaus Mertens avaient montré la musicienne à son la fin : malgré quelques scories, la
lustrent à merveille, dans le Wq 182/1, et Ton Koopman avantage aussi bien dans le registre BWV 1019 en sol majeur semble
les bifurcations tonales et rythmiques sont de vieux de la théâtralité (« Les Sauvages », voir les astres s’aligner. La complé-
de l’Allegro di molto. complices. Le Diapason Découverte, cf. no 628) mentarité des deux instruments y
Cette audace, on la cherchera ici premier a parti- que de la concentration (« Le Cœur est presque idéale, les sonorités
en vain. L’Orchestre du XVIIIe siècle cipé à l’intégrale et l’oreille », cf. no 662) voire de la diverses du Silbermann colorant
propose une lecture certes propre, des cantates de Bach dirigée par confidence (« The Fall of the Leaf », les mouvements avec esprit – c’est
réfléchie, mais dépourvue de re- le second à partir de 1995. Le chef cf. no 718). Toutes qualités qui se la sonate la plus réussie de la
bond, d’angles saillants, défaut ren- néerlandais souhaitait enregistrer déploient ici et soutiennent un dis- nouvelle gravure.
forcé par une captation trop glo- l’orgue de chambre construit en cours articulé avec clarté, sans sys- Ailleurs, on est souvent gêné par le
bale. L’auditeur ne sursaute pas 1762 par Teschenmacher ; son pro- tématisme ni sécheresse. jeu de Sirkka-Liisa Kaakinen-Pilch
lorsque déboule le Presto final de jet s’est élargi à une sélection de Le Cantor, on le sait, confère un qu’entachent des approximations
la Wq 182/2, pris avec une telle pru- lieder spirituels tirés du Gesang- poids particulier au prélude qui tant du côté de l’intonation que de
dence qu’il tourne en rond. L’humour buch publié par Georg Christian ouvre chacune de ses six Partitas : la maîtrise de l’archet – écoutez par
parcourant la Wq 182/6, notamment Schemelli (Leipzig, 1736) auquel Nuti s’attache à exalter leur carac- exemple le finale de la BWV 1014 en
le sautillant Allegro spiritoso conclu- Bach prit une part active. Sur les tère, comme l’attestent la solennité si mineur : les doubles croches sont
sif, échappe lui aussi à la formation soixante-neuf pièces portées à son de l’Ouverture à la française dans bousculées, le ré grave de la me-
amstellodamoise. La comparaison catalogue (BWV 439-507), seules la BWV 828, et les traits propres au sure 30 est asséné trop fort, comme
avec l’Akademie für Alte Musik (HM, trois (BWV 452, 478, 505) sont stylus phantasticus qui fusent dans du reste beaucoup de premiers

74 I
temps accentués sans ménage-
ment au fil du double album. Si
d’autres pages sonnent moins réd-
hibitoires, telle la BWV 1016 malgré
toujours quelques emportements
inconsidérés, la violoniste affiche
généralement une certaine fragilité.
Dans certains mouvements l’équi-
libre avec le clavier se réalise (Alle-
gro de la BWV 1015 ou finale de la
BWV 1016, par exemple) ; toute-
fois, les deux interprètes ont parfois
l’air de ne pas se rencontrer (Ada-
gio de la BWV 1016 en mi mineur),
et l’archet prend fréquemment le
premier plan au détriment du dia-
logue avec le clavier – Andante de
la BWV 1014 en si mineur !
Dommage pour le jeu de Hakkila
bien phrasé, mariant subtilité et pi-
quant, empreint d’une délicate ago-
gique (le début, au seul pianoforte,
du premier Allegro de la BWV 1016)
ou de gestes évocateurs (premier
Allegro de la BWV 1017). Et quelle
magnifique ambiance la musicienne
sait créer dans l’Adagio central de
la BWV 1018 où le violon l’accom-
pagne sans tirer la couverture à soi !
Voilà qui laisse l’impression d’une
occasion manquée…
Loïc Chahine
RÉFÉRENCES avec clavecin :
Schayegh/Halubek (Glossa),
Degand/Cochard (NoMadMusic).
Y Y Y Y Y Les six Suites
pour violoncelle seul. BIBER :
Passacaille (arr. Skalka).
Petr Skalka (violoncelle).
Claves (2 CD). Ø 2020. TT : 2 h 33’.
TECHNIQUE : 3,5/5
Dans son texte
de présentation,
aussi musicolo-
gique que spiri-
tuel, Petr Skalka
n’est pas le pre-
mier à faire ce constat à propos des
Suites pour violoncelle : « Il semble
impossible de fixer une interpréta-
tion définitive. Elle change de jour
en jour. » Et son intégrale, d’une
grande originalité, est tout sauf rou-
tinière : baroque, en un mot, par
son parti pris d’irrégularité, par son
goût pour les contrastes et les sur-
prises, mais aussi par son élégance.
Travaillée et pensée, cette version
d’une parfaite cohérence n’en perd
nullement en spontanéité : les coups
d’arrêt dramatisent le discours, les
préludes sont d’une folle liberté
(celui de la Suite no 6 est même
véritablement halluciné), les danses
rapides fusent, certaines tout à fait
irrésistibles (Gigue de la Suite n° 1,
Bourrée I de la Suite no 3), et les
pages lentes n’ont rien de pesant
ou de sentencieux.
Skalka a été à bonne école avec
Christophe Coin, auquel il a d’ail-
leurs succédé comme professeur à
la Schola Cantorum de Bâle. Il tire
ici le meilleur parti d’un instrument
de Guarneri (le « Filius Andreae »)
monté en boyau et superbement
capté. Quelques embardées de
l’archet constituent un prix raison-
nable à payer pour cette explosion
de couleurs et d’idées. Le premier
disque s’ouvre sur une courte im-
provisation mêlant Bach et Corelli et
se clôt avec un splendide arrange-
ment de la Passacaille des Sonates
du Rosaire de Biber, transposée de
sol mineur à ut mineur.
Simon Corley
YYYYY Variations Goldberg
BWV 988.
Julien Wolfs (clavecin).
Flora. Ø 2020. TT : 1 h 25’.
TECHNIQUE : 4,5/5
Membre de l’en-
semble Les
Timbres, Julien
Wolfs s’était si-
gnalé, en soliste,
par un récital
Froberger dense mais limpide (Flora,
2017, cf. no 663). Cette clarté se re-
trouve dans ses Variations Goldberg,
dès l’Aria fredonnée sans hâte mais
dynamique, qui va sereinement son
chemin. C’est que le claveciniste
aborde le texte avec franchise et
modestie, sans le brusquer ou le
sursolliciter : ni précipitation ni fio-
ritures exagérées dans la Variation
I, nul claquement de talons dans
la XVI.
Là où certains s’évertuent à démon-
trer, Wolfs, lui, joue. Sans faire écran
et sans manières, à l’image de cette
Variation VIII toute en glacis trans-
parents. D’aucuns reprocheront à
la IV un fractionnement trop pro-
noncé, à la VII une certaine indif-
férence, à la XV l’oubli qu’elle se
fonde sur des syncopes de doubles
croches évoquant soupirs et plaintes,
à la XXXI de ne pas exhaler la tru-
culence populaire qu’on attend…
Mais comment ne pas goûter l’émer-
gence progressive d’un sentiment à
mesure plus méditatif, plus esseulé
dans la XXV ?
Comparée à l’approche très per-
sonnelle, maîtrisée jusque dans le
plus infime détail, d’un Pierre Han-
taï (Opus 111 puis Mirare), cet effa-
cement devant la musique, cette
volonté de retenue peut passer pour
un manque de personnalité. Une
telle assertion se trouvera démen-
tie par la séquence qui conduit de
la Variation XVII à la XXII, remar-
quable d’aisance dans le toucher
et l’enchaînement des idées, ou par
la XXX, explosive à souhait. Plutôt
que l’immédiateté conquérante ou
dérangeante, c’est l’équilibre, la
nuance, l’éloquence discrète que
Wolfs met au cœur de sa proposi-
tion. Jean-Christophe Pucek
LUDWIG VAN BEETHOVEN
1770-1827
Y Y Y Concerto pour violon.
Sonate pour violon et piano no 9
« A Kreutzer » (arr. Radulovic).
Nemanja Radulovic (violon
et direction), Double Sens.
Warner. Ø 2022. TT : 1 h 24’.
TECHNIQUE : 4/5
Dans l’Opus 61
(1806) qu’il dirige
de l’archet, Ne-
manja Radulovic
adopte un style
extraver ti et
spectaculaire, souvent sans subti-
lité dans le jeu de tension/détente,
mais d’une impressionnante maî-
trise technique. Il s’autorise une
grande liberté rythmique et déploie
une exemplaire palette de nuances
dynamiques. En parfaite complicité,
l’ensemble Double Sens (fondé par
le violoniste en 2008 et augmenté
pour la circonstance) rivalise de cou-
leurs et de puissance. Nous sommes
à des années-lumière de la vision
tout aussi énergique mais autrement
aérienne et raffinée de Vilde Frang
avec Pekka Kuusisto (Warner, Dia-
pason d’or, cf. no 717). Sans cesse
projeté brusquement en avant dans
les deux mouvements extrêmes, le
discours laisse ici trop peu d’espace
à l’unification (entre ornements et
mélodie, par exemple) et à l’inté-
gration, qui sont au cœur de l’œuvre
et lui donnent tout son sens. Cette
lecture théâtrale, parfois dénuée
de vie intérieure, pourrait encore
se défendre si elle n’était grevée
d’un Larghetto doucereux et
complaisant.
Quant au complément, il est aussi
périlleux que discutable. Radulovic
a lui-même transcrit pour orchestre
à cordes la partie de piano de la
Sonate « A Kreutzer » (1803). Elancé,
diaboliquement agile, rayonnant de
pureté, son violon dialogue donc
avec un tutti d’archets. Le caractère
tranchant, mordant, tragique et ré-
flexif du conflit (que permettait le
clavier) s’enlise, presque édulcoré
dans un chatoiement de lumières
factices. On songe immanquable-
ment aux caduques tentatives d’or-
chestrer la Sonate pour piano « Ham-
merklavier » ou le Quatuor à cordes
op. 131. Beethoven savait ce qu’il
faisait lorsqu’il choisissait de se limi-
ter au naturel et à la virtuosité d’un
simple duo violon-piano.
Patrick Szersnovicz
Y Y Y Y Trios avec piano
op. 81b et op. 38.
Trio Parnassus,
Madeleine Przybyl (alto).
MDG (SACD). Ø 2022. TT : 1 h 07’.
TECHNIQUE : 4,5/5
Réunissant la
violoniste Julia
Galic, le violon-
celliste Michael
Gross et le pia-
niste Johann
Blanchard, le Trio Parnassus avait
enregistré, au début des années
2000, une intégrale des trios avec
piano. Cet album y ajoute deux
transcriptions habiles et rares.
Le Trio op. 81b pour alto (ici Made-
leine Przybyl), violoncelle et piano
est un arrangement par Nikolaus
Simrock, ami et éditeur de Beetho-
ven, du bref et juvénile Sextuor
op. 81b (1794, pour deux cors et
cordes) dont le côté quelque peu
naïf, désuet et décoratif se trouve
ainsi atténué. La transformation en
trio avec piano du Septuor op. 20
(1799-1800, pour clarinette, basson,
cor et cordes) est en revanche due
au compositeur, piqué au vif par
l’indélicatesse de l’éditeur Hofmeis-
ter qui s’était permis de publier sans
son autorisation une version pour
quintette à cordes du même opus.
Beethoven fut tellement satisfait de
sa propre version (pour trio) qu’il la
fit publier sous un numéro d’opus
différent.
Les interprétations du Trio Parnas-
sus sont exemplaires par leur trans-
parence et leur justesse de style et
d’expression. Notamment celle de
l’Opus 38 qui gagne, par rapport
à l’original, en intériorité, et surtout
I 75
Brandt / Brescianello / Chostakovitch / Coleridge-Taylor / Corbetta / D’Ambrosio
un étonnant alliage de densité et
d’aérienne élégance. Le goût et
l’imagination des Parnassus y sont
pour beaucoup.
Patrick Szersnovicz
JOBST VOM BRANDT
1517-1570
Y Y Y Chansons. NEUSIDLER :
Préludes et danses.
Bettina Pahn (soprano), Jeroen
Finke (baryton et percussion),
Juliane Laake (viole de gambe),
Joachim Held (luth).
Hänssler Classic. Ø 2022.
TT : 1 h 02’.
TECHNIQUE : 3/5
Le Tenorlied est
un type de chan-
son polypho-
nique allemande
construite sur
une mélodie pla-
cée au ténor et empruntée le plus
souvent à la chanson de cour. Ce
genre eut son heure de gloire dans
la première moitié du XVIe siècle,
particulièrement à Heidelberg au-
tour d’une même génération de
compositeurs : Georg Forster ras-
sembla leurs œuvres dans une col-
lection éditée entre 1540 et 1556.
Sur les cinquante et une chansons
de Jobst vom Brandt conservées,
Joachim Held en propose une quin-
zaine. Elles sont ici interprétées à
une voix avec luth, les autres voix
de la polyphonie étant redistribuées
à cet instrument, parfois aidé d’une
viole.
Le résultat peine à convaincre. Si on
loue la belle sonorité du luth, celui-
ci manque de phrasé et tend à traî-
ner constamment. La soprano Bet-
tina Pahn, qui chante la plupart des
pièces, agace par une emphase et
un vibrato omniprésents qui nuisent
à la simplicité de ces pages et leur
confèrent un caractère trop fabriqué.
Quelques pièces pour luth de Hans
Neusidler (ca 1508-1563) encadrent
les chansons de son contemporain.
Elles n’apportent aucun éclairage
tant leur invention mélodique est
proche du néant (surtout en com-
paraison avec les sources françaises
et italiennes de l’époque). Pour ne
rien arranger, une percussion tout
à fait superflue empâte les danses.
On ne comprend guère la fascina-
tion de Held pour ces différentes
pièces sans grand intérêt. A réser-
ver aux fanatiques des répertoires
allemands. Clément Stagnol
76 I
GIUSEPPE ANTONIO
BRESCIANELLO
CA 1690-1758
Y Y Y Y Concertos pour violon
et symphonies pour cordes op. 1
(Livre II). Ouverture-Suite
en la majeur.
Adrian Chandler (violon
et direction), La Serenissima.
Signum. Ø 2023. TT : 1 h 12’.
TECHNIQUE : 3,5/5
Publié à Amster-
dam par Le
Cène, l’Opus 1
de Brescianello
se divise en deux
Livres, renfer-
mant chacun trois concertos pour
violon et trois « sinphonie » pour
cordes seules. Dans le premier Livre,
La Serenissima (Signum, 2021) éga-
lait à peine la modeste interpréta-
tion d’Il Banchetto Musicale (Dyna-
mic, 2000). Chandler, carré et solide,
y rivalisait avec un violon moins af-
firmé, mais sensible. Bien que de
meilleure facture, ce second Livre
ne fera pas oublier David Plantier
avec La Cetra Barockorchester Basel
(Glossa, 2004), inégalé dans un
Concerto no 4 en mi mineur à la fois
sensuel et coloré.
Brescianello connut probablement
Vivaldi en 1714, avant son départ à la
cour de Wurtemberg. En témoignent
ses emprunts habiles à L’estro armo-
nico et à La stravaganza dans les
Concertos nos 5 et 6. L’influence fut
cependant fugace – nulle trace du
style tardif vivaldien dans l’Opus 1
de Brescianello, publié pourtant en
1738. Dans leur perspective harmo-
nique, ces pages élégantes expri-
ment plutôt une rigueur germanique
alla Pisendel. Les « sinphonie » rap-
pellent les Introduzioni teatrali (1735)
de Locatelli. Les thèmes mélodiques
restent prévisibles.
L’Ouverture à la française en la ma-
jeur, suivie d’une Suite de danses,
a davantage de charme. Savourez
ces amusants effets de musette dans
le Menuet, cette Aria bien scandée !
Sans tension ni empressement, La
Serenissima, à son meilleur, est gui-
dée par une sorte de douce non-
chalance. Roger-Claude Travers
DIMITRI CHOSTAKOVITCH
1906-1975
Y Y Y Y Y Quatuors à cordes
nos 7 à 13. Quatuor inachevé.
Fragment de quatuor.
Quatuor Asasello.
Genuin (2 CD). Ø 2022-2023.
TT : 2 h 27’.
TECHNIQUE : 3,5/5
Fondé en 2000
à Bâle dans la
classe de Walter
Levin et se per-
fectionnant à
partir de 2003 à
Cologne auprès des Alban Berg, le
Quatuor Asasello réunit un violo-
niste russe, une violoniste suisse,
une altiste polonaise et un violon-
celliste finlandais. Jouant réguliè-
rement la musique contemporaine
et les classiques du XXe siècle – on
lui doit une intéressante intégrale
Schönberg –, il entame une inté-
grale Chostakovitch en regroupant
les quatuors des années 1960.
Panache, virtuosité, mordant, pro-
fondeur de champ : les interpré-
tations sont engagées et très res-
pectueuses des caractéristiques
propres à chaque œuvre. Leur style
se démarque, de façon plutôt ori-
ginale, tant des légendaires réfé-
rences russes (les Beethoven, Bo-
rodine, Taneïev) que des visions
plus « occidentales » (Fitzwilliam,
Hagen, Belcea, Pacifica), même si
les Asasello se rapprochent parfois
davantage de ces derniers.
Sans toujours chercher à rivaliser
avec l’âpreté, la force d’impact des
Borodine I (Decca), II (Chandos), III
(Melodiya) ou des Prazak (Praga Di-
gitals) dans le Quatuor no 8 (1960),
ni avec la cinglante rugosité des
Beethoven (Melodiya) dans le no 12
(1968), ils réussissent particulière-
ment le no 10 (1964), tels les Fitzwil-
liam (Decca). La vérité sans fard de
ces trois chefs-d’œuvre essentiels
s’exprime sous leurs archets avec
une belle rigueur analytique.
Dans les nos 7 (1960) et 11 (1966), la
puissance du geste s’accompagne
de beaucoup de subtilité, un peu
comme chez les Hagen (DG) mais
sans la même finesse de sonorités.
Exemplaire, l’approche du no 9 (1964)
est pleine de contrastes exacerbés.
Elle met bien à nu l’oscillation quasi
permanente entre introspection,
révolte et humour sardonique qui
singularise cette partition de tran-
sition, plus importante qu’il y paraît.
Dans l’austère et sombre Quatuor
no 13 (1970), d’un seul tenant, af-
fleure la tentation de l’atonalité et
de l’usage, comme dans le no 12,
de séries de douze sons. Les Asa-
sello, tranchants comme l’acier et
jouant sur la raréfaction autant que
sur les paroxysmes, en traduisent
avec une rare intensité l’ascèse et
le désespoir. Leur double album
livre également deux fragments non
retenus par le compositeur dont
l’intérêt reste purement musicolo-
gique sinon documentaire.
Patrick Szersnovicz
SAMUEL
COLERIDGE-TAYLOR
1875-1912
Y Y Y Y Y Œuvre chorale sacrée
et profane.
London Choral Sinfonia, James
Orford (orgue), Michael Waldron.
Orchid (2 CD). Ø 2023. TT : 1 h 31’.
TECHNIQUE : 3,5/5.
Y Y Y Y Partsongs.
The Choir of Kings’ College,
London, Joseph Fort.
Delphian. Ø 2023. TT : 46’.
TECHNIQUE : 3,5/5.
Les parutions se succèdent pour
rendre justice à Samuel Coleridge-
Taylor, métis parvenu à se faire un
nom dans l’Angleterre d’Edouard VII
et jusqu’aux Etats-Unis contre les
préjugés liés à sa couleur de peau,
mais dont la postérité n’avait retenu
que la cantate elgarienne Hiawa-
tha’s Wedding Feast (1898). Deux
nouveaux enregistrements réalisés
par des ensembles londoniens confir-
ment les qualités d’une production
chorale très bien écrite.
Coleridge-Taylor a hérité de son
maître Stanford l’art de bâtir sur
l’orgue de solides « services » angli-
cans pour la prière du matin (Jubi-
late Deo, Benedictus et Te Deum)
et celle du soir (Magnificat et Nunc
dimittis). Ces compositions sont ha-
bitées par une lumière romantique
ardente que la London Choral Sin-
fonia met bien en valeur, comme
elle flatte l’habileté d’un O Ye that
Love the Lord inscrivant le « Mahler
noir » dans la filiation de Mendels-
sohn davantage que dans la proxi-
mité suggérée par son surnom.
Le second CD du double album est
consacré au versant profane. Mi-
chael Waldron et son ensemble il-
lustrent les facilités avec lesquelles
Coleridge-Taylor compose pour le
chœur a cappella. Souvent dans des
miniatures, parfois dans des formes
un peu plus déployées, comme Sea
Drift à huit voix et Whispers of Sum-
mer à quatre, chansons polypho-
niques parcourues par un souffle
maritime exquis.
De son côté, le Chœur du King’s
College de Londres propose en par-
tie le même programme profane,
présentant sous l’étiquette « pre-
miers enregistrements » des part-
songs que la London Choral Sinfo-
nia venait de graver un mois plus
tôt, et dans une image sonore un
peu plus léchée… L’album (au minu-
tage bien chiche) vaut tout de même
le détour, ne serait-ce que pour
s’adonner au jeu des comparaisons
et pour admirer l’énergie du colle-
giate choir étudiant (à ne pas
confondre avec les bambins de Cam-
bridge). On y découvrira surtout
quelques vrais inédits, dont le noc-
turne Isle of Beauty, The Fair of Al-
machara avec ses sonorités de fan-
fare, enfin les belles arches de
Requiescat. Benoît Fauchet
FRANCESCO CORBETTA
1615-1681
Y Y Y Y « La Guitarre Royalle ».
Simone Vallerotonda (guitare
baroque, théorbe, direction),
Bor Zuljan (guitare baroque),
I Bassifondi.
Arcana. Ø 2023. TT : 55’.
TECHNIQUE : 4/5
De Francesco
Corbetta, sans
doute le plus
français des gui-
taristes italiens
du XVII e siècle,
Simone Vallerotonda et ses Bassi-
fondi ont sélectionné une vingtaine
d’œuvres résumant sa production
musicale, de la première publica-
tion bolonaise en 1639 aux deux
volumes parisiens de la Guitare
royale parus en 1671 et 1674.
Ce diptyque combine les influences
espagnoles, italiennes et françaises,
Corbetta passant de la danse au
duo contrapuntique plus savant
pour deux guitares. Les pièces du
recueil de 1674 retiennent particu-
lièrement l’attention avec un Concert
en e mi la dans lequel Bor Zuljan
se joint à Simone Vallerotonda, leur
dialogue culminant dans le Menuet
final. C’est aussi Zuljan, seul, qui,
de son touché racé, perce jusqu’au
fond du cœur dans le Tombeau que
Robert de Visée dédie en 1682 au
compositeur italien mort l’année
précédente. Sony Classical
Passons sur les quatre airs vocaux,
ni intéressants ni bien mis en valeur.
Nous reviendrons surtout aux pages Le premier album
déjà citées, pour nous les mieux
venues, et à Rolf Lislevand (ECM, de la nouvelle et prodigieuse…
Diapason d’or de l’année 2016).
Frédéric Degroote
ALFREDO D’AMBROSIO
1871-1914
Y Y Y Y Suite pour quintette
à cordes op. 8. Quatuor à cordes
op. 42. En badinant. Valse
« Venice »
intermède. Pavane. Rêve pour
quintette avec contrebasse.
Friedrich Thiele (violoncelle),
Mio Tamayama (contrebasse),
Quatuor Archos.
Tactus. Ø 2022. TT : 1 h 12’.
TECHNIQUE : 4/5
Après les pages
pour violon et
piano et, surtout,
deux concertos
pour violon (cf.
no 723) d’Alfredo
d’Ambrosio, nous découvrons ici
deux importantes partitions cham- Connue pour sa musicalité intrépide et sa sincérité
bristes de ce violoniste et compo-
siteur napolitain tôt établi en France,
presque irrésistible, Anastasia présente un album au
où il se partagea entre Paris et Nice. concept éclectique qui explore les multiples facettes
La Suite pour quintette à deux vio-
loncelles (1900) séduit par son ly-
de son art et de sa relation avec la ville de Venise.
risme accessible et une Berceuse
particulièrement émouvante. Plus Son album propose une conversation personnelle
ambitieux, le Quatuor op. 42 (1908) et émouvante entre le passé et le présent vénitien
monte que d’Ambrosio était au fait
des œuvres majeures de ses contem- avec un répertoire allant de la Renaissance de
porains. L’ombre de Franck plane Claudio Monteverdi et John Dowland au XXIe siècle
sur cette construction élaborée,
tandis que ses harmonies attestent de Brian Eno et Caroline Shaw partagé d’œuvres
l’influence de Debussy. Courtes et de Gabriel Fauré et Nino Rota ainsi que
faciles, charmantes mais vite ou-
bliées, les quatre pièces en quin- des concertos de Vivaldi et de Bach.
tette avec contrebasse glissées en
complément s’apparentent davan-
tage à la musique de ville d’eau,
comme le laissent deviner des titres
aguicheurs.
Formé auprès des Alban Berg et
des Melos, le Quatuor Archos se
penche sur ces partitions avec au-
tant de curiosité que de sérieux.
Homogénéité, recherche de timbres
(notamment dans la Berceuse de
l’Opus 8), dynamisme sont au ren-
dez-vous : le meilleur moyen de
rendre à ces pages, certes pas es-
sentielles mais superbement écrites,
leur place dans le paysage musical
d’une époque particulièrement fé-
conde. Jean-Claude Hulot
Dandrieu / Dufourt / Dvorak / Franck

CHORALMANIA JEAN-FRANÇOIS Valentin Mansard, Kotoko

par Benoît Fauchet
DANDRIEU
1682-1738
▸ La Sportelle explore a cappella le thème de la lumière,
Y Y Y Premier Livre de pièces
de l’étoile de Noël jusqu’à la clarté du repos éternel, en passant
d’orgue.
par les ténèbres de la Passion du Christ. Basé à Rocamadour,
Pieter-Jan Belder (orgue).
le chœur est naturellement à son aise dans quatre motets
Brilliant (2 CD). Ø 2019. TT : 2 h 02’.
de Poulenc aux lignes bien définies et animées, attaquées avec
TECHNIQUE : 3/5
netteté. Il défend avec le même engagement Victoria,
A côté des trois
Tallis, Bruckner, Rheinberger et le compositeur belge
Livres de pièces
Vic Nees (1936-2013), dont le De profundis atteste
pour clavecin
une expressivité saisissante. Belles performances
de Dandrieu (cf.
individuelles dans le Lux aeterna tiré du « Nimrod »
no 730), Pieter-
des Variations Enigma d’Elgar, et adagio aussi
Jan Belder enre-
poignant que redoutable d’exécution. La soprano
gistre son Premier Livre de pièces
Laetitia Corcelle soigne particulièrement la construction
d’orgue, publié de manière pos-
et l’exécution d’un programme balisé par le chant grégorien
thume en 1739. Dans ce recueil de
(« Lux », Rocamadour, Y Y Y Y Y ).
soixante-trois pièces dans les tons
▸ Le plain-chant habite aussi le troisième disque du chœur de ré, sol et la, majeur et mineur,
de chambre Dulci Jubilo, construit autour de deux organistes, chacune des six Suites « commence
Thierry Escaich en compositeur, son cadet Thomas Ospital par un offertoire, après lequel
comme interprète et improvisateur – l’alternance de ce dernier viennent plusieurs pièces séparées,
avec les voix dans le Magnificat du ton pérégrin et finit par un Magnificat du même
est de toute beauté, sur le grand instrument ton », indique l’avertissement. Si cer-
de Saint-Eustache. La formation de Christopher Gibert taines pièces ont de quoi surprendre
déclame avec beaucoup de clarté les mots du poète (Duo en cors de chasse sur la trom-
Alain Suied dans les Trois motets (1998) à douze voix pette ou les deux Musettes), la plu-
d’Escaich, chef-d’œuvre d’abord liquide, puis plus part sont assez classiques et simi-
rythmique et enfin organisant une course folle du chœur avec laires dans l’écriture : s’y retrouvent
les claviers. Inédite au disque, la Messe romane (2014) à double les habituels plein jeu, fugue, basse
chœur est moins marquante : la découverte confirme le talent de cromorne, duo, trio, récit, tierce
du compositeur pour jeter voix et orgue dans des joutes en taille, etc. Toutefois, Dandrieu se
spectaculaires (« Le Souffle de l’âme », Anima Nostra, Y Y Y Y ). distingue de ses contemporains par
▸ Elevé dans une culture franco-hongroise, Bruno Kele-Baujard une légèreté (non dénuée de solen-
consacre le second disque de son Ensemble Zene (zene nité) moins marquée chez Couperin
signifiant musique en hongrois) à des œuvres de Ligeti, ou Grigny, par exemple.
qu’il inscrit dans la descendance de Kodaly et Bartok. Ce défi, L’organiste néerlandais a choisi pour
redoutable pour un chœur non magyarophone, son enregistrement l’instrument de
est relevé haut la main : un chant assez libre, rond l’église Saint-Côme-et-Saint-Damien
et vivant vient ici caractériser les tableaux paysans de Vézelise, dû à Georges Küttin-
variés et à voix mixtes de Matrai kepek (Kodaly) ger (1779). Ses sonorités colorées et
comme, avant eux dans la généalogie, les mâles pleines de caractère mettent bien
Quatre chansons populaires hongroises anciennes cette musique en valeur, même si l’on
(Bartok). Avec Ejszaka (Nuit) et Reggel (Matin), le groupe relève quelques problèmes d’accord,
voit poindre les audaces micropolyphoniques que sublime, notamment sur les jeux d’anche.
à l’horizon, un Lux aeterna flottant dans des rais de lumière. Sans véritable faute de goût ou de
L’album est court mais s’offre, sur les plateformes, le bonus style, l’interprétation de Belder, un
d’une chanson folk et jazzy emplie de mélancolie peu maniérée parfois, laisse pourtant
(« Hungarica », Aparte, Y Y Y Y Y ). l’auditeur sur sa faim. En cause, un
▸ On sait l’amour que Brahms vouait à la musique tzigane, jeu assez plat, sans réelle prise de
qui ne s’est pas seulement manifesté dans les Danses hongroises risque ni dans l’ornementation, ni
mais, côté chœur, dans ses Zigeunerlieder voire quelques dans les tempos, ni dans les regis-
Liebeslieder-Waltzer : c’est sur ces pages que Gildas Pungier trations. Vu la similarité des pièces,
s’appuie pour construire le récital de son chœur on serait en droit d’attendre plus
de chambre Mélisme(s). La clarinette (alerte et fleurie), d’inventivité ; l’inégalité des notes
l’accordéon et la contrebasse du BanKal Trio renforcent pourrait être mieux exploitée et le
la touche gipsy de l’aventure, dans des lieder arrangés caractère davantage marqué. Une
ou morceaux traditionnels ajoutés. L’ensemble lenteur prudente pèse sur la majeure
ne manque pas de goût, même si le disque, qui partie du recueil, et finit par lasser.
a tendance à surexposer les limites individuelles des chanteurs, Charles Seinecé
ne rend peut-être pas pleine justice au piquant du concert
(« Brahms le Tzigane », Ad Vitam, Y Y Y ). HUGUES DUFOURT
NÉ EN 1943
Y Y Y Y Y L’œuvre pour piano seul.
Matsuda, Manon Delort, Vadim
Saukin, An Chen Jasmin Zhang,
Hongye Liu, Rodolfo Faistauer,
Pierre Rouinvy (piano).
Coviello (2 CD). Ø 2022.
TT : 1 h 42’.
TECHNIQUE : 3/5
Huit jeunes inter-
prètes issus de
l ’A c a d é m i e
supérieure de
musique de
Strasbourg enre-
gistrent, sous la supervision de leur
professeur Amy Lin, l’œuvre pour
piano d’Hugues Dufourt. Heureuse
initiative, tant la réalisation reflète
le caractère minéral et tranchant,
mais aussi la jubilation dionysiaque,
incandescente, de cette musique.
Les trente minutes de l’imposant
Erlkönig (2006) plantent d’emblée
le décor, par des accords puissants
et lumineux qu’anime un rythme
iambique résonant ici comme un
glas. La mélodie apparaît sous forme
d’arabesques furtives ou, de façon
sous-jacente, par la connexion que
l’écoute établit entre les voix des
accords. La répétition hypnotique
de motifs renvoie curieusement à
Feldman. Jean-Pierre Collot (Win-
ter & Winter) y adoptait un phrasé
plus articulé, presque déclamatoire,
creusait davantage les contrastes
dynamiques et accentuait la ségré-
gation des plans. Si elle semble sur
la défensive, Hongye Liu se montre
plus précise dans la conduite des
flux rapides et le contrôle de leur
résonance. Elle soigne aussi la
construction acoustique d’accords
volontiers envisagés comme des
mixtures.
Dans An Schwager Kronos (1994),
où se manifestait déjà le tropisme
schubertien de Dufourt, Pierre
Rouinvy déploie un jeu puissant,
mais la course folle du postillon
Chronos menant son passager aux
portes de l’enfer est un peu freinée
par un léger manque de souplesse.
La tension qu’appelle Reine Span-
nung (2015) s’incarne dans une éner-
gie frontale que restitue Kotoko
Matsuda. Cela au prix d’une cer-
taine dureté estompée, au centre
de la pièce, par des résonances à
la respiration plus ample.
Conçus pour être intercalés entre
deux Préludes puis deux Etudes
de Debussy, Vent d’automne (2011)
et Tombeau de Debussy (2018) se

78 I
gardent de toute référence expli-
cite à l’illustre aîné. Séquences
d’arabesques rapides suivies de
résonance et successions d’accords
en choral permettent respective-
ment à Vadim Saukin de colorer
les registres et les dynamiques, et
à Valentin Mansard de différencier
les harmonies par une gradation
de la brillance.
Le calme de Meeresstille (1997)
– Goethe et les compositeurs ro-
mantiques déjà – est anxieux et
mène vers une pesanteur croissante.
Rodolfo Faistauer s’y montre vif et
sensible, attentif à l’aura des réso-
nances graves. On lui préfère le
phrasé plus enveloppant de Jean-
Pierre Collot, ainsi que l’absence
de précipitation dans l’articulation
du rythme iambique qui rappelle
cette fois celui des Pas dans la neige
de Debussy, peut-être augmenté
d’un souvenir diffus de la septième
Notation de Boulez.
Pierre Rigaudière
ANTONIN DVORAK
1841-1904
Y Y Y Y Y Danses slaves
op. 46 et 72.
Orchestre symphonique
de Prague, Tomas Brauner.
Supraphon. Ø 2021. TT : 1 h 19’.
TECHNIQUE : 3,5/5
Il n’est pas de
chef ou d’or-
chestre tchèque
qui n’ait enregis-
tré les deux re-
cueils de Danses
slaves, et ce parfois même à plu-
sieurs reprises. Tomas Brauner, di-
recteur musical depuis 2020 du
Symphonique de Prague, rejoint à
son tour ses aînés, chez un éditeur
qui possède déjà à son catalogue
bon nombre de versions de réfé-
rence, de Talich à Mackerras en
passant par Ancerl, Sejna et Neu-
mann. Cette nouvelle intégrale sus-
citait donc des craintes moins pour
son caractère idiomatique que pour
sa capacité à tenir à tête à de si
forts antécédents.
De fait, ce diptyque qui s’apparente
à une randonnée pastorale, peut-
être rustique mais certainement pas
rustaude, ne manque pas d’authen-
ticité. On s’y attarde volontiers pour
goûter quelque contrechant des
cordes ou sonorité truculente des
vents. Instrumentalement plus so-
lide que flamboyante, cette
approche d’allure mesurée ne re-
nonce pas à toute vigueur ou robus-
tesse. Mais elle préfère à l’élan ryth-
mique des danses le déroulement .$8)0$11 :$*1(5 3$56,)$/
paisible d’une série de vignettes
symphoniques où règnent bonho-
mie, tendresse, poésie et nostalgie
sans sensiblerie, et qui ne sont pas
sans faire penser à la version Talich
de 1950. Si cela convient mieux au
tempérament globalement plus ly-
rique de l’Opus 72 ainsi qu’aux deux
sousedskas – danses lentes à trois
temps – que sont les nos 4 et 6 de
l’Opus 46, l’ensemble se tient à un
haut niveau sans autre faille qu’une
prise de son trop lointaine dans les
tutti. Simon Corley
CÉSAR FRANCK
1822-1890
Y Y Y Prélude, choral et fugue.
Trois chorals (trans. Selva).
SELVA : Cloches au soleil,
Paysage au soleil couchant.
Jean-Claude Vanden Eynden
(piano).
Le Palais des dégustateurs.
Ø 2023. TT : 1 h 06’.
TECHNIQUE : 3/5
Velouté, fluide, le
toucher de Jean-
Claude Vanden
Eynden fait son-
ner le piano avec
une douceur
exempte de tout m’as-tu-vu. Mais
ce toucher est toujours le même.
L’unité, c’est bien ; l’uniformité un
peu moins, surtout pour des archi-
tectures aussi segmentées que celles
de Franck.
Le Premier Choral est caractéris-
tique de ce nivellement. Blanche ALBUM EN FORMAT CD ECOLBOOK CARTONNÉ AVEC 4 DISQUES AUDIO,
Selva (1884-1942) y transpose les UN LIVRET DE 284 PAGES ÉCRIT EN TROIS LANGUES (FRANÇAIS, ALLEMAND, ANGLAIS) AVEC
changements de claviers de l’orgue, DES NOTES (DONT UNE DE PHILIPPE JORDAN), LE SYNOPSIS ET DE NOMBREUSES PHOTOS…
marqueurs des divers groupes thé-
matiques, par la nuance, le caractère
ou le toucher : des indications comme Jonas Kaufmann chante le rôle-titre de l’opéra culte
« plus clair » sont d’autant plus impor- de Richard Wagner au sein d’un casting haut de gamme
tantes qu’on navigue entre le piano dans un nouvel enregistrement événement issu
et le pianissimo… Vanden Eynden de représentations au Wiener Staatsoper sous la direction
ne s’en embarrasse guère : toute de Philippe Jordan et mis en scène par Kirill Serebrennikov.
la pièce, fortissimos compris, sonne
comme une interminable mélodie Acclamé par la presse mondiale qui n’a cessé de souligner
continue, aux flaccidités gentilles, la richesse des nuances de ses interprétations,
et dont les différents éléments si Parsifal continue de fasciner le public jusqu’à aujourd’hui
soigneusement agencés par le com- grâce à son mysticisme lié au Graal,
positeur se retrouvent indifférem- à son symbolisme chrétien et à ses questions sous-jacentes
ment dévidés, mezza voce, comme sur la culpabilité et l’expiation.
un chapelet de lieux communs dans
une chambre de malade.
Le Prélude, choral et fugue est plus
habité mais on y retrouve la même
6257,( (5 0$56 
Giardini / Graun / Grieg / Hasse / Haydn

Au rang des individualités, on ap-

Nouveauté
EDVARD GRIEG
1843-1907
Quatuor à cordes. SMETANA :
Quatuor à cordes no 1 « De ma vie ». une prise de risque maximale. Jamais avant
Quatuor Modigliani.
Mirare. Ø 2022. TT : 1 h 03’.
TECHNIQUE : 4,5/5
Enregistré par Hugues Deschaux à Hohenems
(Autriche) en décembre 2022. Cette captation
en grande proximité offre des contours précis,
dans une image très cohérente et homogène.
Timbres admirablement restitués. L’équilibre
parfait entre les quatre instruments permet
une expérience sonore immersive.
précie la flûte de Manuel Grana-
tiero dans les quintettes pour flûte,
banalité thématique et le côté « pièce de carac- hautbois, violon, alto et clavecin
tère » de ses deux mouvements centraux. de Johann Christian Bach, sans
Autant de défis que les Modigliani relèvent avec doute les pages les plus intéres-
santes de l’album. On n’en retour-
nera pas moins à Musica Gloria pour
eux nous n’avions entendu ces pages irradier
une approche toute aussi récente
couleurs, flammes et tourbillons avec une telle et plus chaleureuse (« The Bachs
profusion. Ces ondes violentes que veinent & the Flutes », Pan Classics) de
d’impalpables nuances ne sont-elles pas le lan- l’Opus 11 no 6.
gage même de la passion et des regrets ? D’une Frédéric Degroote
prodigieuse sensualité, les quatre archets,
dans une ampleur ouvertement symphonique, CARL HEINRICH GRAUN
exaltent les affects sans que rien de la structure 1704-1759
ne soit sacrifié. Leur art subtil de la respiration Y Y Y Y Silla.
et des contrastes impressionne. Bejun Mehta (Silla), Valer Sabadus

B
elle idée que ce couplage inédit de deux De même, les éléments populaires instillés (Metello), Hagen Matzeit (Lentulo),
quatuors à cordes quasi contempo- Samuel Mariño (Postumio),
dans l’un et l’autre quatuors prennent ici un
Eleonora Bellocci (Ottavia),
rains (1876 et 1878). Grieg et Smetana relief inédit : écoutez la pulsation superlati-
Roberta Invernizzi (Fulvia),
y dressent chacun un autoportrait vement élégante de la difficile Romanze chez Mert Süngü (Crisogono),
intime : doutes et désillusions conjugales chez Grieg, les savoureuses sonorités Hardanger Chœur Maghini, Orchestre
l’un, atteinte définitive de surdité et blocage que gagnent les trios de l’Intermezzo, ou, chez du Festival d’Innsbruck,
créatif chez l’autre. Pour traduire cette intense Smetana, le théâtre évocateur de la Polka ! Alessandro De Marchi.
subjectivité et affirmer leur forte volonté Tout cela, sans une once de pathos, de sen- CPO (3 CD). Ø 2022. TT : 3 h 11’.
d’émancipation nationaliste, ils délaissent les timentalité, assure un profilage psycholo- TECHNIQUE : 3,5/5
modèles dominants au profit de constructions gique aussi juste que bouleversant. Moins Frédéric II choya
plus personnelles. bien servi par le disque, le qua- l’Opéra de Berlin
Blocs sonores, ruptures, tuor de Grieg trouve ici sa réfé- comme son en-
silences, texture « orchestrale » rence, malgré les excellentes fant, jusqu’à col-
d’une densité inhabituelle laborer à l’œuvre
mais plus austères versions des
de Graun : le roi
(doubles et triples cordes en Kontra (Bis), Leipzig (MDG) ou fournissait une base dialoguée en
abondance), rappels cycliques y Petersen (Capriccio). Dans « De prose française que le librettiste
prennent une place inédite. La ma vie » de Smetana, l’incan- traduisait en vers italiens. Tel fut le
postérité favorisera le Quatuor descence des Modigliani fait cas de Coriolano (1749), du fameux
en mi mineur de Smetana aux jeu égal avec les Haas (Supra- Montezuma (1755) ou de Silla (1753),
dépens de l’Opus 27 de Grieg phon), Takacs (Hyperion) ou inédit au disque. Ce drame de la
auquel d’aucuns ont pu repro- Prazak (Praga). C’est tout dire. conspiration, mêlant passions et
cher, injustement, une certaine PLAGE 3 DE NOTRE CD Pascal Brissaud discours sur le pouvoir, est mono-
polisé par les voix aiguës, suivant
le goût du prince. Face à Octavie
absence sidérale de sens de la forme, FELICE GIARDINI Opus 111. Le premier, déjà, mettait (amante de Posthumius, désirée par
tant dans son aspect structurel que 1716-1796 à l’honneur Giardini, compositeur Sylla) et à sa mère, le dictateur et
narratif : le refus paradoxal de toute Y Y Y Quatuors avec clavecin italien à la carrière essentiellement les sénateurs sont dévolus à des
texture symphonique et de tout op. 21 nos 1 et 6. Quatuor londonienne, et présentait son Qua- castrats.
dramatisme, le soulignement d’élé- avec hautbois op. 23 no 6. tuor op. 21 no 6 pour violon, alto, Le choix, risqué, a été de confier
ments secondaires au détriment de J.C. BACH : Quintette pour flûte, violoncelle et clavecin. La compa- ces figures masculines à des fal-
l’ossature, les transitions molles entre hautbois, violon, violoncelle raison n’est pas à l’avantage de la settistes. Au second plan, Hagen
prélude et choral comme entre cho- et clavecin op. 22 no 1. Quintette nouvelle gravure. Dans cette pièce Matzeit (coloris attachant) et Valer
ral et fugue, sans compter les faux pour flûte, hautbois, violon, où le clavecin devient un instrument Sabadus (assez dépassé par l’ex-
accents du motif initial, poussent alto et continuo op. 11 no 6. soliste à part entière, la ligne était, hortation civique avec orchestre)
l’intériorité jusqu’à l’anesthésie. Les L’Astrée. il y a trente ans, tenue, l’autorité restent honnêtes. Mais Samuel Ma-
deux compositions de la pianiste CPO. Ø 2021. TT : 1 h 14’. assise, le collectif touchant. Toutes riño réduit le rebelle Posthumius
auvergnate sont jouées sans plus TECHNIQUE : 3/5 ces qualités font en 2021 cruelle- à un bibelot affolé : raideur, épar-
de relief : avant que d’interpréter Formé à Turin en ment défaut, dans une acoustique pillement, notes piaillées ou peu
Blanche Selva, Vanden Eynden au- 1991, l’ensemble par ailleurs mal définie. L’autre qua- justes. Fâcheux apparaît alors le
rait bien fait de l’écouter (Solstice, L’Astrée a consa- tuor du même opus (avec un Alle- déséquilibre du duo avec Octavie,
Diapason d’or). Pour entendre ces cré à la musique gro assai comique !) est mieux venu, et fatale la comparaison avec Julia
pièces, on retournera donc plutôt galante et clas- quand l’Opus 23 no 6 avec hautbois, Lezhneva (dans son récital consa-
à l’album de Laurent Martin (Ligia). sique plusieurs certes redoutable, s’appesantit et cré à Graun, Decca) pour « No, no,
Paul de Louit disques, et ce dès 1996 chez manque de finesse. di Libia ».

80 I
Le rôle-titre (créé par Carestini) bé-
néficie, lui, de l’intelligence musi-
cale et poétique de Bejun Mehta,
même si la voix n’est plus à son zé-
nith. La superbe méditation qui clôt
l’acte I (grand accompagnato puis
onze minutes de haut lyrisme) cap-
tive, comme le duetto violent avec
Octavie. Cet autre rôle, conçu pour
la star de Berlin, Giovanna Astrua,
sied à Eleonora Bellocci : des aci-
dités certes, une noblesse relative,
mais un chant à la fois expert et
ardent, un verbe vigilant.
Parmi les comparses, la palme ne
va pas à Roberta Invernizzi (la voix
ne suit qu’inégalement les inten-
tions de l’artiste) mais au confident
de Sylla : Mert Süngu séduit par
sa franchise, son sens du théâtre,
la beauté étincelante de son ténor
(l’air du II !).
Cependant, le héros pourrait bien
être ici l’orchestre. Au niveau de ce
que réussissait René Jacobs pour
Cleopatra e Cesare (HM), Alessan-
dro De Marchi et son ensemble
servent, sans confondre nerf dra-
matique et gesticulation, la
CONCERT EXCEPTIONNEL
Vendredi 8 mars, Arsenal de Metz
distinction sensible de ces formes,
l’inquiétude sous le faste, le dialogue
inlassable avec les chanteurs.
Jean-Philippe Grosperrin
JOHANN ADOLF HASSE
1699-1783
Y Y Y L’Olimpiade.
Christophe Prégardien (Clistene),
Catherine Robbin (Aristea),
David Cordier (Megacle),
Randall Wong (Licida),
Dorothea Röschmann (Argene),
Steven Rickardts (Aminta,
Alcandro) Capella Sagittariana
Dresden, Frieder Bernius
Profil Hänssler (2 CD). Ø 1992.
TT : 2 h 10’.
TECHNIQUE : 4/5
Les amateurs de
Hasse doivent
faire contre mau-
vaise fortune
bon cœur et,
parfois, se
contenter de peu. Après Attilio Re-
golo (cf. no 661), voici donc venir
un autre live dresdois, L’Olimpiade.
Sur un livret parmi les plus
Michel Portal
Michel Dalberto
BERG • BRAHMS
POULENC • SCHUMANN
Une éternelle
jeunesse !
populaires de Métastase, l’ouvrage
déroule une musique très imagina-
tive s’éloignant çà et là des canons
de l’opera seria (les chœurs) tout
en transfigurant les passages obli-
gés, comme dans ce « Siam navi
all’onde algenti » avec son étonnant
basson concertant à la fois gogue-
nard et implacable. C’est aussi le
dernier opéra du compositeur pour
la cour de Dresde (où il fut créé en
1756), la guerre de Sept Ans met-
tant fin à trois décennies de condi-
tions très favorables.
L’équipe ici captée en 1992 défend
l’œuvre avec ferveur même si l’in-
terprétation sonne assez datée.
Equilibrée, la direction de Frieder
Bernius flatte une écriture orches-
trale abondante pour tous les pu-
pitres, malgré des cordes acides
et une basse continue trop dis-
crète. Les sopranistes d’alors dé-
rangent aujourd’hui nos oreilles
par leurs aigus perce-tympans et
une technique fragile, même si
Randall Wong et David Cordier
ont pour eux une ligne de chant
délicate et n’esquivent ni les
incursions dans le grave ni les va-
riations risquées.
La voix de la jeune Dorothea
Röschmann n’a pas encore toute sa
pulpe, mais déjà l’assurance de la
grande mozartienne. Si Catherine
Robbin bouscule souvent plus qu’elle
n’incarne, Christoph Prégardien est
un idéal de baryténor baroque, raf-
finé, solide sur la toute la tessiture
(n’étaient quelques hasardeux sauts
dans l’aigu), au chant caressant et
impérieux. Carton jaune pour l’édi-
teur qui soigne l’iconographie mais
se contente de traduire le livret (ita-
lien) en allemand.
Guillaume Saintagne
JOSEPH HAYDN
1732-1809
Y Y Y Concerto pour violon no 4.
M. HAYDN : Concerto pour
clavecin et alto.
Ryo Terakado (violon, alto),
Noriko Amano (clavecin et
direction), Orchestre de chambre
Perles du baroque.
Challenge. Ø 2022. TT : 51’.
TECHNIQUE : 3/5
© Cyrille Guir
I 81
Haydn / Jarrell / Korngold / Lassus

Premier violon à ces réalisations mais produit un incertaine (no 4), ne sont pas les plus Haydn a joué un
de prestigieuses son bien gras, à commencer par inspirés. Sans parvenir à convaincre rôle fondateur
formations ba- celui du clavecin de Noriko Amano, qu’il s’agit de chefs-d’œuvre, Tho- dans l’évolution
roques (La Petite et donne l’impression que les cinq mas Albertus Irnberger, servi par de la symphonie
Bande, Les Arts instruments à cordes de Perles du une excellente prise de son, sait les et du quatuor,
Florissants, La baroque sont un ensemble sympho- mettre en valeur par sa justesse, sa mais sa contribu-
Chapelle Royale), Ryo Terakado a nique. Simon Corley sonorité et son phrasé. La Philhar- tion à la sonate pour clavier, qui
choisi parmi les trois concertos de monie de chambre dacapo de Mu- couvre près de quarante ans de son
Haydn qui nous sont parvenus celui YYYY Concertos pour violon nich est à l’avenant, tour à tour en- activité créatrice, ne doit nullement
dont l’attribution est parfois contes- nos 1 et 4. Concerto pour violon traînante et expressive sous la être négligée.
tée. Irréprochable d’un point de vue et pianoforte. direction de Franz Schottky, de La première question à résoudre
technique comme stylistique, il tire Thomas Albertus Irnberger même que Barbara Moser au cla- est celle du champ : parmi les
le maximum de cette œuvre assez (violon), Barbara Moser vier dans l’unique et rare Concerto soixante-deux sonates identifiées
convenue, parvenant même à faire (pianoforte), Philharmonie pour violon et pianoforte. Une réa- par Christa Landon, dont huit per-
étinceler le finale. de chambre dacapo de Munich, lisation très recommandable pour dues et certaines d’attribution dou-
Ecrit quelques années plus tôt, aux Franz Schottky. qui voudrait explorer ces régions teuse, Daniel-Ben Pienaar en retient
alentours de 1760, le Concerto pour Gramola (SACD). Ø 2022. TT : 57’. moins connues et moins indispen- quarante-huit et ajoute, en bonus,
clavecin et alto de Michael Haydn TECHNIQUE : 4,5/5 sables du vaste catalogue haydnien. les Variations en fa mineur. Cette
ne déploie pas davantage d’origi- Parmi les concer- Simon Corley large sélection (totalisant près de
nalité, au-delà de son inhabituel tos de Haydn, dix heures de musique) montre que
assemblage soliste. Seul le Prestis- ceux destinés au Y Y Y Y Y 48 Sonates pour piano. même les premiers jalons sont loin
simo conclusif tire l’auditeur de sa violon, datant de Variations en fa mineur. d’être insignifiants, telles la Sonate
léthargie. L’acoustique fort géné- ses premières Daniel-Ben Pienaar (piano). Hob XVI/2, avec son poignant Largo
reuse d’une église de Haarlem années à Este- Avie (8 CD). Ø 2020. TT : 9 h 38’. en sol mineur, ou la scarlattienne
confère certes beaucoup de chaleur rhazy et parfois d’attribution TECHNIQUE : 3,5/5 Hob XVI/13. Il y a là de quoi inciter
celui qui ne serait pas familier de
ces œuvres à s’engager dans un par-
Nouveauté cours hautement stimulant.
Tout du long, pas la moindre chute
Quatuor à cordes op. 16 fut créé en 1924 par de tension : sans y insister excessi-
ERICH WOLFGANG les Rosé auxquels il est dédié. Terriblement exi-
vement, le pianiste sud-africain ne
KORNGOLD geantes sur le plan technique, ces deux parti-
gomme pas les aspérités, la moder-
nité et le côté parfois provocant,
1897-1957
Quintette avec piano op. 15. tions requièrent des interprètes capables d’en voire la dimension virtuose, avec un
Quatuor à cordes no 1. dépasser la complexité d’écriture pour en resti- goût certain pour les tempos ra-
Severin von Eckardstein (piano), tuer le lyrisme débordant. pides dans les finales. Même dans
Quatuor Alma. Les Alma avaient précédemment enregistré les les dernières sonates, où la concur-
Challenge. Ø 2022 TT : 1 h 09’. deux derniers quatuors (uniquement proposés rence discographique s’étoffe, il
TECHNIQUE : 4,5/5 en numérique). Leur vision du premier est la soutient la comparaison, comme
Enregistré en octobre 2022 aux studios MCO plus ample et retenue de la discographie, entiè- dans une Hob XVI/50 idéalement
d’Hilversum (Pays-bas) par Fabian Franck. Couleurs spirituelle. Deux petits bémols,
chaleureuses, sonorité riche et enveloppante. rement orientée vers le vaste finale où se retrouve
le motif du « cœur joyeux » qu’affectionnait tant pour conclure : la prise de son, un
Dans le quintette, un piano généreux idéalement
peu lointaine, donne l’impression
intégré au quatuor à cordes crée une synergie le jeune Korngold. Plus que la tension harmo-
entre les instruments, mettant en avant la finesse d’assister à un récital en étant assis
nique, quelquefois pas si éloignée de Zemlinsky
du dialogue musical. au milieu d’une salle. Et le tic consis-
ou même Schönberg, c’est le romantisme exa- tant à marquer un petit temps d’ar-
cerbé du langage que mettent en lumière les rêt avant de poser la dernière note

A
u début des années 1920, Korngold
est au faîte de sa gloire. La création
de Die tote Stadt, le 4 décembre 1920
sous la baguette de Klemperer, est
un triomphe. Entré dans l’âge
adulte, le Wunderkind viennois,
qui avait ébloui Mahler, Puc-
cini et Strauss, se tourne vers la
musique de chambre. Achevé en
1923, son voluptueux Quintette
avec piano op. 15, d’un roman-
tisme échevelé, a pour sommet
un mouvement lent tiré des
sublimes Abschiedslieder op. 14.
Exactement contemporain, le
quatre musiciens néerlandais.
Dans le Quintette op. 15, Severin von Eckardstein
domine la redoutable partie de piano (tenue par
Korngold lui-même à la création). Avec un Ada-
gio exceptionnellement poignant,
les Alma et leur complice signent
la version la plus poétique depuis
celle, fameuse, de Bengt Forsberg
et ses amis (DG). Reste à espérer
que l’éditeur reprendra en CD
les deux derniers quatuors par
les mêmes, qui s’imposent dans
ce cycle devant les Aron (CPO) ou
les Flesch (ASV).
Jean-Claude Hulot
pourra agacer. Pas de quoi, cepen-
dant, se détourner d’une entreprise
entreprise considérable et aboutie.
Simon Corley
MICHAEL HAYDN
1737-1806
Y Y Y Y La Glaneuse.
Ninfe inbelli.
Monika Mauch, Marianna Herzig,
Maria Ladurner (sopranos),
Sascha Zarrabi, Christian Havel
(ténors), Jakob Mitterrutzner
(baryton), Salzburger Hofmusik,
Wolfgang Brunner.
CPO. Ø 2019. TT : 1 h 06’.
TECHNIQUE : 4,5/5

82 I
 Avec ces deux
œuvres pro-
fanes, respecti-
vement singspiel
et cantate, le
frère cadet de
Haydn n’en écrit pas moins pour les
abbayes environnantes de Salzbourg
où elles ont été créées. Sur un petit
scénario édifiant, Die Ährenleserin
(1788) enchaîne, sans Ouverture (ni
dialogues parlés), douze brefs airs
et un duo, bien chantés, particuliè-
rement côté féminin. De caractère
léger, enlevé, pimpant et, bien sûr,
volontiers pastoral, la partition se
conclut sur une coruscante réjouis-
sance chorale.
Que d’éclat également dans la
cantate Ninfe inbelli (1765), pour
soprano, chœur et orchestre, qui a
quelque chose de l’Exsultate, jubilate
de Mozart. Maria Ladurner affronte
la partie soliste de façon satisfai-
sante et Wolfgang Brunner dirige
vigoureusement son ensemble Salz-
burger Hofmusik aux savoureuses
sonorités. Simon Corley
MICHAEL JARRELL
NÉ EN 1958
Y Y Y Y Y Paysages avec figures
absentes (a). Un long fracas
somptueux de rapide céleste (b).
Sechs Augenblicke.
Ilya Gringolts (violon) (a),
Florent Jodelet (percussion) (b),
Orchestre national des Pays
de la Loire, Pascal Rophé.
Bis (SACD). Ø 2022. TT : 54’.
TECHNIQUE : 4/5
C’est à un recueil
poétique de Phi-
lippe Jaccottet
que se réfère
Paysages avec
figures absentes
(2009), où le soliste esquisse de
nombreuses figures qui en effet ne
prendront que très peu d’essor. Si
le violon, n’émettant d’abord que
des pizzicatos et des bribes de mo-
tifs au timbre partiellement saturé,
semble évoluer de façon erratique,
il s’abandonne à des saillies plus ly-
riques. Porté par un orchestre qui
étend progressivement la rémanence
des harmonies et assure la ponc-
tuation, Ilya Gringolts contrôle très
finement les variations de densité.
Dans le passage virtuose à la moto-
rique de toccata, il se montre incisif,
avec une précision qui n’est jamais
sécheresse.
Les Sechs Augenblicke (2022, Six
moments) tirent leur force gravi-
tationnelle des deux pièces mé-
dianes, qui sont aussi les plus
brèves. On retrouve, à côté d’un
solo de hautbois au profil varésien,
un balisage de l’harmonie par la
combinaison d’attaques énergiques
et de résonances. Dans cette or-
chestration aux mille subtilités, le
travail de détail mené par Pascal
Rophé avec le National des Pays
de la Loire est décisif.
En dépit de son titre, Un long fra-
cas somptueux de rapide céleste
(1998) ne repose pas seulement,
tant s’en faut, sur sa déflagration
initiale. S’y manifeste à plusieurs
reprises un effet de dissolution de
l’impact percussif dans l’aura acous-
tique, ou encore la liquidité boisée
du jeu très agile de Florent Jodelet
au marimba. D’un instrumentarium
conséquent au sein duquel le per-
cussionniste passe avec célérité d’un
poste à un autre, émane une grande
diversité de timbres qu’absorbe ou
réfléchit l’orchestre.
Pierre Rigaudière
ROLAND DE LASSUS
CA 1530-1594
Y Y Y Y « The Alchemist ».
14 Magnificat. Et œuvres
de Verdelot, Nollet, De Reulx,
De Rore, De Berchem, Morales,
Vecchi, Nanino et Striggio.
Magnificat, Philipp Cave.
Linn (2 CD). Ø 2023. TT : 2 h 37’.
TECHNIQUE : 3/5
Ce premier vo-
lume d’une trilo-
gie sur les
œuvres de Las-
sus écrites à par-
tir de composi-
tions préexistantes se concentre sur
les transformations de madrigaux
en Magnificat. Quatorze partitions
de ce genre sont ainsi réparties sur
deux CD : d’abord celles basées sur
des madrigaux de maîtres plus vieux
que Lassus (Verdelot, Berchem, De
Rore, etc.), ensuite celles compo-
sées en s’appuyant sur les œuvres
de contemporains de l’époque où
Lassus était en poste à Munich
(Vecchi, Nanino, Striggio, etc.). Le
tout s’achève par le seul exemple
d’un madrigal de Lassus, S’io esca
vivo, amplifié par lui-même en
Magnificat.
On peut supposer que les nou-
velles partitions étaient alors non
La Guerre / Locke / Maderna / Magalhaes

le Magnificat qui s’en inspire), em-

Nouveauté
ELISABETH JACQUET
DE LA GUERRE
1665-1729
Céphale et Procris.
Reinoud Van Mechelen (Céphale
et direction), Déborah Cachet
(Procris), Ema Nikolovska (l’Aurore), de Reinoud Van Mechelen. Il rend touchant le
Lore Binon (Flore, Dorine),
Gwendoline Blondeel (Iphis, la prêtresse, nymphe),
Lisandro Abadie (Borée, Pan), A nocte temporis.
CVS (2 CD). Ø 2023. TT : 2 h 27’.
TECHNIQUE : 4/5
Enregistré en janvier 2023 au Grand Manège de
Namur par Manuel Mohino. Bien définies, les voix
s’intègrent au premier plan d’une image orchestrale début du II ! L’allure, le sens de la déclamation
admirable de cohésion, d’équilibre et d’homogénéité.
Musica Fiorita avaient donné à Vienne et enre-
gistré Céphale et Procris en 2008 (ORF). Mais il
revient aux nouveaux venus d’en offrir la vraie
défense et illustration. Au sein d’une distribution
vocale de haut vol, brille d’abord la haute-contre
engagée, élégante, aussi héroïque que tendre,
personnage de Céphale et déploie de véritables
enchantements vocaux (la fin est boulever-
sante). Face à lui, la Procris de Déborah Cachet
possède un timbre très séduisant, empreint de
noblesse. Sa déclamation, posée sur un souffle
long, a fière allure – superbe monologue au
ne manquent pas non plus à Ema Nikolovska
(l’Aurore). La mezzo fait un sort à chaque mot,
pressé (Anchor che col partire de Ci-
priano De Rore) et fort lisse face aux
moyens expressifs et figuralismes
qui inondent ces pages. Le désir
de donner relief et clarté contra-
puntique est certes louable, mais la
réalisation n’évite ni l’uniformité ni
l’ennui, malgré des moments réussis
quand l’effectif masculin chante seul
(O s’io potessi donna de Berchem
et Vergine bella de De Rore). Le se-
cond CD, qui fait la part belle aux
madrigaux plus légers, file droit au
but (O che vezzosa aurora de Vecchi
et son Magnificat) avant de retom-
ber dans le manque de couleurs.
On retiendra surtout de ce double
album sa volonté didactique et ses
raretés (Magnificat sur des madri-
gaux de Nollet, De Reulx).

L
e 15 mars 1694, l’Académie royale de à chaque pensée du livret, et tant pis si la géné- Frédéric Degroote
musique représente pour la première fois rosité de la voix – d’aucuns n’aimeront pas son
de son histoire un opéra composé par une timbre opulent – mange un peu le texte çà et là. MATTHEW LOCKE
femme : Céphale et Procris d’Elisabeth Le Borée de Lisandro Abadie a toute la dignité CA 1621-1677
Jacquet de La Guerre. En son temps, l’œuvre requise. Le baryton-basse maîtrise l’ensemble Y Y Y Y Y « Consorts Flat
n’a guère de succès et n’est jouée à Paris que cinq de l’ample tessiture et déclame, lui aussi, avec and Sharp ».
ou six fois, sans y être reprise ensuite. Le livret, beaucoup de classe, une connaissance du style Phantasm.
et une retenue aristocratique très en situation. Linn. Ø 2023. TT : 57’.
relève Catherine Cessac, « souffre d’une absence
TECHNIQUE : 4,5/5
de tension dramatique ». De fait, certains points Parmi les seconds rôles, plus inégaux, mention
Six ans après leur
interrogent, comme l’ajout d’une intrigue secon- spéciale à Gwendoline Blondeel qui, si elle n’a
premier volume
daire entre les suivants Arcas et Dorine, sans que (trop) peu à chanter, fait mouche à cha- (cf. no 673), Lau-
véritable développement, ou le revirement de cune de ses apparitions – son soprano plein de rence Dreyfus et
l’Aurore au dernier acte – qui ne change rien au charme nous offre un bonheur sans nuage. son ensemble
cours des évènements mais confère au moins Ce beau monde, qui adopte une prononcia- bouclent l’enre-
un peu d’épaisseur au personnage, les autres tion « restituée » pas toujours très cohérente, gistrement des Suites du Flat
n’en ayant guère. est soutenu par un continuo de première force, Consort (pour un dessus, deux
La partition, en revanche, captive par un lan- un orchestre discipliné aux sonorités géné- basses de viole et théorbe) asso-
gage aux tours personnels. Si la compositrice a reuses, que Van Mechelen dirige avec délica- ciées à la seconde moitié de celles
bien assimilé l’idiome laissé par Lully (jusqu’à tesse. Revers de la médaille : un certain refus du du Little Consort (pour un dessus,
triomphal par endroits où le chef un ténor et une basse de viole).
l’usage des tonalités), elle y glisse
Les acrobaties harmoniques tiennent
de menues nouveautés. Les pourrait s’autoriser un éclat plus
ici encore le haut du pavé, et singu-
récits et petits airs, très soignés, franc. Les effets sont gradués et
lièrement dans les trois Suites du Flat
s’autorisent richesses harmo- nombre de pages construites Consort où les ruptures de ton, les
niques et surprises. Abondent dans un discret crescendo. Le accents, les respirations et l’expéri-
retards et dissonances (notam- Chœur de chambre de Namur se mentation forment une dramaturgie
ment dans les duos), modula- révèle tout aussi excellent, atten- exquise. Les Fantasies font tout le
tions audacieuses (acte V, scène tif au texte et à ses phrases, aux sel de cette gravure, qu’elles soient
4, par exemple), chromatismes, textures, avec une variété bien tortueuses comme celle qui ouvre la
toujours au service du texte. dosée. Pour goûter pleinement Suite no 5 en sol, ou d’un caractère
Après Jean-Claude Malgoire l’opéra de Jacquet de La Guerre, plus noble comme les deux que ren-
en 1989-1990, Daniela Dolci et PLAGE 6 DE NOTRE CD c’est ici. Loïc Chahine ferme la Suite no 3 en ré. Car cette
musique lorgne vers le baroque et
ne cesse d’accrocher l’oreille grâce
seulement évaluées pour leur qua- les concordances entre les Magni- Philip Cave et l’ensemble Magnificat aux archets vifs et affûtés de Phan-
lité intrinsèque, mais qu’elles de- ficat et les chansons – que les pu- ont la bonne idée de jouer la carte tasm, souvent dominés par le des-
vaient aussi jouer avec la mémoire blications anciennes n’indiquaient d’un effectif restreint, tantôt consti- sus de Dreyfus.
de l’auditeur. La question des choix pas –, on restera prudent quant à tué uniquement de voix d’hommes Sans doute moins ambitieuses, les
de citation de Lassus est vivement l’identification un peu rapide du ma- et parfois rejoint par des sopranos. cinq Suites du Little Consort nous
débattue dans la notice. Tout en drigal Quando lieta sperai attribué Dans une acoustique sèche, le chant donnent à entendre un Locke sen-
saluant l’important travail de re- à Cristobal de Morales et demeuré se révèle hélas souvent souffreteux sible, lyrique. Ses courantes et sa-
cherche accompli pour identifier anonyme jusqu’à présent. (Ultimi miei sospiri de Verdelot et rabandes (celles sur lesquelles se

84 I
referment les Suites nos 5 et 8, par
exemple) dansent, le sourire aux
lèvres : ce Locke plus léger offre à
l’ensemble l’opportunité de mon-
trer une énergie et une diversité de
chaque instant. Un régal.
Frédéric Degroote
BRUNO MADERNA
1920-1973
Y Y Y Serenata per un satellite.
Serenata no 2. Venetian Journal.
Honeyrêves. Aulodia per Lothar.
Widmung.
Bruno Maderna Ensemble,
Gabriele Bonolis.
Dynamic. Ø 2023. TT : 1 h 09’.
TECHNIQUE : 3/5
Bruno Maderna,
qui jouait le
concerto pour
violon de Max
Bruch à sept ans
et dirigeait, à
huit ans, à la Scala et aux arènes
de Vérone, connut le destin de la
plupart des enfants prodiges : in-
soucieux de s’imposer, il fut dé-
passé par ses cadets. Mais à pré-
sent que Nono et Berio, consacrés
de leur vivant, n’offrent plus guère
à découvrir, « il gentile Bruno » sus-
cite un intérêt sérieux. Formation
à géométrie variable rassemblant
des professeurs du Conservatoire
de Fermo, le Bruno Maderna En-
semble participe de cet engoue-
ment. Il livre ici un programme aussi
représentatif de ses ressources que
de la singularité du compositeur
dont il porte le nom.
Venetian Journal (1972), avec ses
citations-collages d’airs d’opéras
enregistrés ou interprétés dans
des transcriptions incongrues, est
certainement daté. Maderna assi-
milait la cohérence à la mort, certes,
mais, à ce degré d’incohérence, le
vieillissement est pire que la mort.
La Serenata per un satellite (1969)
laisse aux exécutants une liberté
d’interprétation et d’ordonnance-
ment des séquences qui revient à
nier le principe même de composi-
tion. L’exact opposé de la Serenata
no 2 (1957), d’une pureté minérale,
claire et capricieuse comme un ruis-
seau de montagne.
La comparaison avec d’autres gra-
vures révèle la part fructueuse lais-
sée à l’interprétation. Honeyrêves
(1961) pour flûte, Aulodia per Lothar
(1965) pour hautbois d’amour et Wid-
mung (1967) pour violon, finement
compris et magistralement rendus,
ne sont pas de simples bluettes ou
faire-valoir mais, dans la plénitude
de l’épure, la quintessence du dis-
cours musical dont l’éloquence passe
celle des mots. Gérard Condé
FILIPE DE MAGALHAES
CA 1563-1652
Y Y Y Y Missa Veni Domine.
Missa Vere Dominus est.
Magnificat primi toni. Exsurge,
quare obdormis Domine.
Commisa mea pavesco.
MANCHICOURT : Vere Dominus
est. GUERRERO : Veni Domine.
Cupertinos, Luis Toscano.
Hyperion. Ø 2022. TT : 1 h 16’.
TECHNIQUE : 3/5
Après Manuel
Cardoso (1566-
1650) et Duarte
Lobo (1565 -
1646), en pas-
sant récemment
par Pedro de Cristo (ca 1550-1618), $ 1 7 2 1 , 2 9 L YD O G L
Cupertinos propose une monogra-
phie consacrée à une autre figure
de l’âge d’or musical portugais sous
Concerti per una vita
le règne de Philippe II d’Espagne.
Bien qu’actif comme maître de cha-
pelle à Lisbonne et fort apprécié
7K«RWLPH /DQJORLV GH 6ZDUWH
de son époque, Magalhaes ne vit
ses œuvres imprimées que sur le /H &RQVRUW
tard, à plus de soixante ans.
2 CD HMM 902373.74 Photo : © Julien Benhamou
Deux messes sur le modèle de la
messe parodie (la première sur un
motet de Guerrero, la deuxième
sur un de Manchicourt) sont, dans
le programme, encadrées par un
Magnificat et deux motets à six
voix. Comme ses contemporains
portugais, Magalhaes privilégie le
flux dévotionnel alla Palestrina sans
chercher à dramatiser le propos.
S’il varie les couleurs (l’Et incarna-
tus est de la Missa Veni Domine !),
c’est toujours au service du tableau
spirituel. Son savoir-faire s’impose
surtout dans le motet d’entrée Ex-
surge, quare obdornis Domine ? Vivaldi et le concerto pour violon ? Le concerto pour violon est Vivaldi !
et dans la Missa Veni Domine où Écartons-nous du poncif (“Vivaldi a composé 500 fois le même
triomphent l’aisance et l’équilibre concerto”) pour comprendre à quel point le compositeur, l’instrument
du contrepoint. et le genre ne font qu’un : c’est ce à quoi se sont attachés Théotime
Après un album De Cristo (cf. no 724) Langlois de Swarte et les musiciens du Consort. De sa prime jeunesse
un peu terne, Cupertinos se révèle vénitienne aux derniers instants viennois, le Prêtre roux repousse les
ici plus inspiré, même si le son d’en- limites techniques ou académiques et crée sans relâche de nouvelles
semble, toujours aussi clair, reste dé- formes narratives : le parcours de toute une vie.
sincarné et faible en graves. La ré-
verbération contribue aussi à cette
tendance au lissage de la polypho-
nie. Précise, la réalisation met néan-
moins en lumière un compositeur de
premier plan. Frédéric Degroote
www.harmoniamundi.com
Mahler / Marais / Messiaen / Mozart / Mühlrad / Paderewski
GUSTAV MAHLER
1860-1911
Y Symphonie no 2
« Résurrection ».
Mari Eriksmoen (soprano),
Jennifer Johnston (mezzo),
Chœur et Orchestre Philharmonia,
Santtu-Matias Rouvali.
Philharmonia Records (2 CD).
Ø 2022. TT : 1 h 21’.
TECHNIQUE : 2,5/5
A propos de la
Symphonie al-
pestre de Strauss
par Santtu-Ma-
tias Rouvali, Hu-
gues Mousseau
écrivait qu’ « on ne peut imaginer
catalogue plus complet des erreurs
à éviter » (cf. no 725). La même re-
marque s’applique à cette 2e de
Mahler dont le prosaïsme nous
consterne. Nous retrouvons des
« problèmes de balance aggravés
par une désinvolture qui ne raconte
rien ou presque ». Rouvali apparaît
à contre-courant de la respiration
mahlérienne. Pour se sortir des im-
passes, il accélère alors en foucades
irraisonnées, y compris dans le fi-
nale, sans égard pour le message
véhiculé.
Pour ne rien arranger, le Philharmo-
nia est, comme dans le live précité,
méconnaissable. Que ce soient les
« cuivres braillards » que déplorait
notre confrère, les cordes (particu-
lièrement rêches dans la dernière
partie du deuxième mouvement) ou
les bois (dans un Urlicht réfrigérant).
Le pire vient sans doute avec le troi-
sième mouvement ; noté « calme-
ment fluide », il prend ici la poudre
d’escampette. Chacun en fera autant
devant cette indigente réalisation.
Christophe Huss
RÉFÉRENCES : Mehta (Decca),
Haitink I (Philips-Decca), Jansons
(RCO Live), Abbado (DG),
Walter (nos Indispensables).
MARIN MARAIS
1656-1728
Y Y Y Y Y « Le manuscrit
retrouvé ». 11 pièces pour basse
de viole et continuo. Et œuvres
de Lemoyne et Geoffroy.
Noémie Lenhof (viole de gambe),
Alice Trocellier (viole de gambe
continuo), Nicolas Wattinne
(théorbe, guitare baroque),
Guillaume Haldenwang (clavecin).
L’Encelade. Ø 2023. TT : 56’.
TECHNIQUE : 3/5
86 I
A côté des cinq
Livres de pièces
pour la basse de
viole publiés par
Marais, plusieurs
partitions ma-
nuscrites nous sont parvenues, en
particulier dans des recueils ayant
appartenu aux frères Panmure et
aujourd’hui conservés en Ecosse.
Ces manuscrits ont déjà intéressé
les interprètes, Jonathan Dunford
en tête (Accord). Pour son premier
disque, Noémie Lenhof s’aventure
parmi ces œuvres qu’on estime an-
térieures à la publication du Pre-
mier Livre. Elle a confié à Guillaume
Haldenwang la « reconstitution »
(disons plutôt recomposition) d’une
partie de basse continue, les ma-
nuscrits ne livrant que celle de viole
« principale ». La musicienne s’élance
d’un archet assuré, mettant sa belle
sonorité au service d’un phrasé gé-
néreux. Les traits rapides ont toute
la netteté attendue. Et un continuo
uni (mais pas uniforme) la suit sans
sourciller.
Certaines pièces appelleraient sans
doute une dramaturgie plus subtile
– telle la Grande Chaconne, dont
les surprises gagneraient à être
mieux mises en valeur. Les pièces
lentes profiteraient aussi de silences
plus habités (Plainte). En revanche,
les Folies sont irréprochables, bien
menées, animées sans outrance –
la guitare trouve en particulier une
place parfaitement juste dans ce
paysage sonore.
Lenhof étoffe encore son pro-
gramme en ajoutant notamment
deux pièces tirées du Livre II : un
hédoniste Tombeau de Monsieur
de Sainte-Colombe, sur le son (mais
quel ! écoutez les doubles cordes,
les dissonances !) plus que le souffle,
et des Voix humaines très tenues.
Mention spéciale, enfin, au très beau
Prélude pour théorbe d’Etienne Le-
moyne, que conduit magnifiquement
Nicolas Wattinne, disparu préma-
turément il y a quelques mois.
Loïc Chahine
OLIVIER MESSIAEN
1908-1992
Y Y Y Y Y Turangalîla-Symphonie.
Marc-André Hamelin (piano),
Nathalie Forget (ondes Martenot),
Toronto Symphony Orchestra,
Gustavo Gimeno.
HM. Ø 2023. TT : 1 h 13’.
TECHNIQUE : 4/5
Le premier enre-
gistrement de
Gustavo Gimeno
à la tête du To-
ronto Symphony
dont il est le di-
recteur musical depuis 2020 est
aussi celui que l’orchestre a choisi
pour marquer son centenaire. De
la Turangalîla-Symphonie, sommet
du cycle tristanesque de Messiaen,
voici une interprétation à grand
spectacle. Remarquablement capté,
l’orchestre rutile. Ancien percus-
sionniste du Concertgebouw, le
chef espagnol fait de ce pupitre
une sorte de concertino-gamelan
au sein d’un colossal et suave ri-
pieno : c’est Ionisation au milieu du
Chevalier à la rose, oxymore jouis-
sif. Pont entre les deux univers, le
piano se voit refuser tout rôle de
soliste concertant. Cela ne gêne
nullement Marc-André Hamelin,
familier de l’œuvre mais qui l’enre-
gistre pour la première fois, et dont
la virtuosité à couper le souffle au-
torise des tempos vertigineux sans
se pousser du col.
La tension qui en résulte conjure
dans les volets extrêmes un pri-
mitivisme tellurique : un premier
mouvement évocateur « d’une tris-
tesse sauvage, de terre en gésine »,
comme disait Cocteau du Sacre du
printemps ; un finale orgiaque. Dans
les mouvements rapides, le rythme
l’emporte sur la mélodie. Parfois à
l’excès : l’exaltation peut tourner à la
fièvre, et la Joie du sang des étoiles
au pandémonium.
Les ondes Martenot de Nathalie
Forget, chantant à pleine voix par-
dessus les cordes telle une Isolde
au bord de l’épectase, teintent
d’un lyrisme éperdu les deux Chant
d’amour qui ne se refusent pas pour
autant quelques accents de jazz. La
subtilité des équilibres et la précision
des tempos font du triptyque Jardin
du sommeil d’amour – Turangalîla
2 – Développement de l’amour le
climax de cette version qui n’a pas
froid aux yeux et que nous recom-
mandons particulièrement à qui ne
connaîtrait pas encore cette sym-
phonie, ou croit ne pas l’aimer.
Paul de Louit
WOLFGANG AMADEUS
MOZART
1756-1791
Y Y Fantaisies KV 475 et 397.
Quatuor avec piano KV 478.
Suite KV 399. Gigue KV 574.
HAYDN : Sonate Hob XVI/34.
BACH : Suite française no 2
(extraits).
David Bismuth (piano),
Trio Goldberg.
Ame Son. Ø 2023. TT : 1 h 13’.
TECHNIQUE : 3,5/5
David Bismuth a
souhaité recons-
tituer le pro-
gramme d’une
de ces « acadé-
mies » viennoises
où Mozart présentait ses propres
œuvres. Voilà pourquoi deux fan-
taisies viennent encadrer le premier
mouvement du Quatuor avec piano
no 1, tandis que le volet médian est
précédé par une sonate de Haydn
et le finale par une Suite sui generis
(un peu bancale) : l’Allemande et la
Courante de la Suite française no 2
de Bach s’y intercalent entre les trois
mouvements de la KV 399 complé-
tés par la Gigue KV 574.
Cette « académie » se révèle hélas
bien… académique : le refus du pa-
thos ou le choix de l’abstraction,
certes louables, doivent-ils pour
autant mener à une interprétation
raide, désincarnée et chiche en so-
norités, plombée par un toucher sec
et percussif ? Les deux fantaisies
sont dépourvues d’urgence drama-
tique comme de fantaisie. Quant à
l’Adagio de la Sonate en mi mineur
de Haydn, il se refuse obstinément
à l’expression. Le Trio Goldberg,
dont les cordes ne sont pas toujours
à la hauteur, ne change pas la donne :
il ne se passe pas grand-chose dans
le Quatuor avec piano en sol mineur
et l’on peine à reconnaître une des
œuvres les plus poignantes de Mo-
zart, ici fade et scolaire.
Simon Corley
JACOB MÜHLRAD
NÉ EN 1991
Y Y Y Maggid (a). REMS (b).
Johannes Rostamo (violoncelle)
(a), Orchestre philharmonique
royal de Stockholm,
Pablo Heras-Casado (b).
Warner. Ø 2021 et 2023. TT : 34’.
TECHNIQUE : 3,5/5
Le violoncelle
solo de Maggid
(2018) s’exprime
avec la liberté
d’une improvisa-
tion. Sous-tendu
par un do dièse qui traverse toute
la pièce, le déploiement mélodique,
qui inclut la microtonalité de micro-
glissandos, peut rappeler celui d’un
raga indien, quoique la rugosité
cultivée dans le grave par Johannes
Rostamo penche davantage vers le
morin khuur, « vièle-cheval » mon-
gole. Le chant, que l’interprète ne
tarde pas à adjoindre à son jeu, al-
tère le timbre de l’instrument et
suggère l’intimité d’une prière, le
compositeur suédois convoquant
volontiers la spiritualité de son ori-
gine juive. La pièce tire son unité
de sa simplicité.
On n’en dira pas autant des vingt-
cinq minutes orchestrales de REMS
(2021). Mühlrad s’y réfère explici-
tement au « rapid eye movement
sleep », c’est-à-dire au sommeil para-
doxal et trouve des combinaisons de
timbres et une utilisation du quart de
ton qui favorisent effectivement un
imaginaire du psychisme nocturne.
Toutefois, son inventivité sonore est
hypothéquée par une grammaire
musicale simpliste (des points d’ap-
puis successifs et des toniques par-
ticulièrement insistantes) et par le
recours appuyé aux lieux communs
de la musique de blockbuster.
La texture flottante finit par se re-
tourner contre l’avancée du discours,
qui peut seulement compter sur des
pics de puissance à l’emphase sur-
dosée, sur un immense glissando
ou encore sur les irruptions d’une
modalité exotisante. Il en ressort
un style composite. C’est d’autant
plus regrettable que les passages
plus subtils, sollicitant une virtuosité
remarquablement assumée par le
Philharmonique de Stockholm, té-
moignent d’un réel talent.
Pierre Rigaudière
IGNAZ JAN PADEREWSKI
1860-1941
Y Y Y Y Manru.
Thomas Mohr (Manru), Romelia
Lichtenstein (Ulana), Levent
Bakirci (Urok), Franziska
Krötenheerdt (Asa),
Andrew Nolen (Jagu), Chœurs
de l’Opéra et Staatskapelle
de Halle, Michael Wendeberg.
CPO (2 CD). Ø 2022. TT : 2 h 18’.
TECHNIQUE : 2,5/5
Pour son unique
opéra, Pa-
derewski choisit
un drame de la
différence et de
l ’e x c l u s i o n ,
Manru, dont le livret allemand d’Al-
fred Nossig s’inspire d’un roman
polonais. Une jeune paysanne, Ulana,
est rejetée parce qu’elle aime le tzi-
gane Manru que tout le village mé-
prise. Un philtre d’amour, qu’elle a
demandé à son confident Urok, ne
parviendra pas à effacer en lui la
nostalgie de la vie errante : Manru, gp¨Â*
¨¢+™
abandonnant son foyer, retourne
vers les siens et prend la route avec  ŠߦŵĔĔ÷ƤŇŵū ěĢ Š÷ řŵƺƜūģĢ ěĢ Š÷ ĺĢũũĢ ŠĢ ݀ ũ÷ƜƤ޳
eux. Pour venger Ulana, qui s’est ěģĔŵƺǖƜĢǧ ŠĢƤ ěĢƺǜ ƙƜĢũŇĢƜƤ ŵƙģƜ÷Ƥ ĺƜ÷ūė÷ŇƤ
donné la mort par désespoir, Urok ĔŵũƙŵƤģƤ ƙ÷Ɯ ěĢƤ ĺĢũũĢƤ ޷
rattrapera et tuera le tzigane. Les
trois actes, auquel le pianiste-com-
positeur travaille entre 1893 à 1900,
sont créés à Dresde en 1901 sous
la direction d’Ernst von Schuch, com-
manditaire de l’ouvrage. Aussitôt
traduits en polonais, ils sont pré-
sentés un mois plus tard à Lviv.
On admire dès le premier acte, en
particulier sa fête villageoise très
colorée, l’habile traitement de la
palette orchestrale (une clarinette
se détache dès qu’il est question
du tzigane) et d’un tissu harmonique
luxuriant. Comme celles de Wagner
et Strauss – dont le Feuersnot avait
été créé quelques semaines plus
tôt par les mêmes interprètes dres-
dois –, la partition est construite sur
un vaste réseau de leitmotive sur
lequel Paderewski fait souffler le
vent de la passion. Le compositeur
serre les nœuds du drame avec une
redoutable efficacité et ose de poi-
gnants accès de mélancolie. Notam-
ment dans les tournures caracté-
ristiques de la musique tzigane dont
l’œuvre est émaillée – saluons les
interventions virtuoses du violon
solo (excellent Theodor Toschev) et
du cymbalum dans la troisième scène
du III.
Si Manru, dans sa traduction polo-
naise, bénéficie de deux gravures
officielles (l’un et l’autre chez Dux,
cf. no 624), c’est la première fois que
l’ouvrage est enregistré dans son
allemand original. Hélas, cette cap-
tation sur le vif, au son terne et étri-
qué, ne flatte ni l’Orchestre de Halle,
à la palette bien fruste, ni la direc-
tion sans grand relief de Michael
Wendeberg.
Thomas Mohr traduit bien les déchi-
rements du rôle éponyme. La fatigue
(particulièrement dans l’aigu) qui tem- rŵƲƜĢ ēŵƺƲŇƛƺĢ Ģū ŠŇĻūĢ޴
père la vaillance de la voix s’accorde, ƝƝƝȥŋūăŮÛŮŋƣÛĺȾƜăŮŴÛģĺĺăŴȥĘŮȲ÷ŋƂżģŭƂă
finalement, au mélange de lassitude
et de mélancolie du personnage. En
revanche, le soprano très charnu et ¤ĢƲƜŵƺǖĢǧ ŠĢƤ $ ĢƲ ǖŇěģŵƤ ěĢƤ ƤƙĢĔƲ÷ĔŠĢƤ
ridé de Romelia Lichtenstein, même Ģū ƤƲƜĢ÷ũŇūĻ ĢƲ ƲģŠģĔł÷ƜĻĢũĢūƲ ƤƺƜ
ĺģƜăȾŋūăŮÛƜăŮŴÛģĺĺăŴȥĘŮ ĢƲ ƤƺƜ ƝƝƝȥŭŋ÷ƂƬȥøŋŁ
 PÄRT X 6
par Benoît Fauchet
▸ Quarante ans après l’album fondateur « Tabula rasa » (1984),
ECM continue de documenter l’œuvre d’Arvo Pärt dans des
configurations renouvelées. Tonu Kaljuste a remplacé
l’orgue par son Orchestre de chambre de Tallinn
dans Littlemore Tractus, bel écrin pour le Chœur
de chambre philharmonique estonien. L’orchestre
des Greater Antiphons de l’Avent sonne superbement,
même si les voix nous manquent par rapport aux
Sieben Magnicat-Antiphonen dont elles sont tirées. Un Cantique
des degrés d’humeur néo-brahmsienne, L’Abbé Agathon éclairé
par un soprano lumineux et These Words… assombri par
des cordes inquiètes complète le panorama (ECM, Y Y Y Y Y ).
▸ Gramola « met en miroir » deux œuvres emblématiques des
sons de petites cloches. Spiegel im Spiegel et Fratres
font ici chacun l’objet de trois versions : violon-piano,
alto-piano, violoncelle-piano. La variété des timbres
atténue le systématisme de la proposition, que porte
le piano délicat de Ketevan Sepashvili. Cette dernière
encadre, seule, le programme avec Für Alina
et les Variations pour la guérison d’Arinuschka (Gramola, Y Y Y ).
▸ Figure néerlandaise de la musique minimaliste comme
compositeur, le pianiste Jeroen Van Veen est chez lui quand
il égrène les notes éthérées de Für Alina, décliné
en deux versions (une de 3’ 23’’, l’autre de 14’ 30’’),
ou lorsqu’il accompagne un violoncelle dans les lenteurs
de Spiegel im Spiegel et la vitalité de Fratres.
Mais que peut bien apporter cette vaste Pärtomania
(plus de vingt-deux minutes), écrite par Van Veen dans
la manière « tintinnabuli » de l’Estonien (Brilliant, Y Y ) ?
▸ Avec Lamentate (2002), d’après une sculpture d’Anish Kapoor
évoquant une créature mythologique suppliciée, Pärt montrait
une aptitude à la grande forme qui n’a pas toujours
été son fort. Après Alexei Lubimov (ECM) et Onute
Grazinyte (Accentus), le pianiste andalou Pedo Piquero,
par ailleurs maître zen, évolue plus timidement mais
sans chanceler dans les climats variés de cette fresque.
Il est accompagné par l’Orquesta de Extremadura
que dirige Alvaro Albiach (Piano Classics, Y Y Y Y ).
▸ Les Métamorphoses de Richard Strauss et la Symphonie no 4
« Los Angeles » de Pärt forment a priori un curieux couplage.
Le cadet renoue avec la symphonie trente-sept ans après sa 3e,
quand le glorieux aîné tisse ses chromatismes
avec une époustouflante maîtrise. Reconnaissons
à l’ensemble I Musici de Montréal, conduit
par Jean-Marc Zeitouni, l’art de servir avec un même
soin l’ample complainte straussienne au soir
de la Seconde Guerre mondiale et la méditation
pärtienne en hommage à l’opposant russe Mikhaïl
Khodorkovski (Atma, Y Y Y Y ).
▸ Arabella Steinbacher met Pärt en regard de Bach, encadrant
ses concertos BWV 1041 à 1043 (le « double » avec Christoph
Koncz) par Fratres (dans une version pour violon,
orchestre à cordes et percussion) et Spiegel im Spiegel
– la violoniste allemande entend entre les uns
et les autres « une origine spirituelle commune ».
Le Kammerorchester de Stuttgart est stylistiquement
mieux accordé à Pärt, où le somptueux Guarneri de la
virtuose ne cherche plus l’opulence mais la vibration de la ligne,
telle la flamme d’une bougie (Pentatone, Y Y Y Y ).
88 I
s’il trouve des accents touchants, fait
trop matrone pour la fraîche Ulana.
Autour d’eux, Franziska Krötenheerdt
donne à sa rivale, la tzigane Asa,
moins de mordant que de sensua-
lité et Levent Barkici se garde de
noircir les manigances d’Urok. Se-
crètement amoureux d’Ulana, il se
révélera pourtant l’artisan de son
malheur… Une version d’attente, pas
plus déterminante que les deux pré-
citées. François Laurent
DAVID POHLE
1624-1695
Y Zwölf Liebesgesänge.
KRIEGER : Sonate op. 1 no 1.
Benjamin Lyko, Alex Potter
(contre-ténors), Clemens Flick
(clavecin, orgue et direction),
e.g. baroque.
Audite. Ø 2021. TT : 1 h 01’.
TECHNIQUE : 4/5
Probable élève
de Schütz, David
Pohle servit,
entre autres, le
landgrave Guil-
laume VI de
Hesse-Kassel, auquel il dédia, en
1650, ses douze Liebesgesänge sur
des textes du poète Paul Fleming.
Le plaisir de la découverte (c’est le
premier enregistrement de ce re-
cueil) est gâché par la grande mé-
diocrité de la prestation vocale. L’un
des deux contre-ténors, trop sou-
vent à la limite de la justesse, savonne
à tel point le moindre ornement, la
plus inoffensive vocalise, qu’on est
partagé entre gêne et sarcasme.
« Geht, ihr meine Tränen » est un
festival accablant de tensions, d’ap-
proximations ; le tempo enlevé de
« Wollte sie nur » fait frôler la sortie
de piste aux deux chanteurs.
En dépit de quelques excès per-
cussifs (« Anemone »), l’ensemble
instrumental s’en tire mieux et la
sonate de Krieger apparaît comme
un havre. Son entrain ne parvient
cependant pas à sauver cette réali-
sation du naufrage ; ces pages char-
mantes méritent un meilleur sort.
Jean-Christophe Pucek
GIACOMO PUCCINI
1858-1924
Y Y Y Y I canti (arr. Schachtner).
Preludio sinfonico, Capriccio
sinfonico. Crisantemi (arr. Drew).
Charles Castronovo (ténor),
Orchestre de la Radio de Munich,
Ivan Repusic.
BR Klassik. Ø 2023. TT : 1 h 08’.
TECHNIQUE : 4/5
Ces mélodies de
Puccini inau-
gurent le cente-
naire de sa mort.
Charles Castro-
novo les chante
dans l’ordre chronologique de com-
position, du naïf A te (1875), écrit à
dix-sept ans, au poignant Morire?
(1917), contemporain de la première
version de La rondine. Canto d’anime
(1904) fournira la romance de Rug-
gero, ajoutée en 1920, « Parigi è la
città dei desideri ». Certains opéras
vont en effet recycler ces pages :
Sole e amore (1888) anticipe le qua-
tuor du troisième acte de La Bo-
hème, Salve Regina (1882) la prière
sur laquelle se referme le premier
des Villi, Mentia l’avviso (1883) le
« Donna non vidi mai » de Des Grieux
dans Manon Lescaut, etc.
Castronovo interprète l’ensemble
d’une voix désormais plus centrale
et plus large, presque barytonale,
avec une émission très couverte
à la Jonas Kaufmann. L’aigu, du
coup, n’a plus son aisance d’an-
tan, comme en témoigne Mentia
l’avviso, sans parler d’un vibrato un
rien élargi lui aussi – écoutez Sogno
d’or (1912). Le timbre, en tout cas,
n’a rien perdu de sa séduction, ni
la ligne de son élégance – on goû-
tera de jolis diminuendos. Il a assez
de souplesse pour les douceurs de
Storiella d’amore (1883), assez de
vaillance pour les élans martiaux
de Avanti, Urania! (1896) ou Inno a
Roma (1919).
Nous n’en conserverons pas moins
l’album Naxos de Krassimira Stoya-
nova (qui ajoutait La primavera, Ave
Maria Leopolda et Vexilla regis pro-
deunt, mais ne contenait pas Dios y
patria) et le programme quasi iden-
tique gravé chez Sony par Placido
Domingo, sérieux rival. Les compa-
raisons, toutefois, ont leurs limites :
au piano se substitue ici un orchestre
imaginé et calibré par Johannes X.
Schachtner (né en 1985), qui fait vo-
lontiers la part belle aux vents et ne
sonne pas très puccinien. Ivan Repu-
sic et ses Munichois donnent davan-
tage leur mesure dans les pages de
jeunesse tels le Preludio sinfonico et
le Capriccio sinfonico : direction à la
fois cursive et tendue, dépourvue
de pathos, assez loin des courbes
sensuelles de Riccardo Muti et des
musiciens de la Scala (Sony). Quant
à Crisantemi, élégie pour quatuor à
cordes à la mémoire du duc Amé-
dée de Savoie, plus tard resservie
dans Manon Lescaut, il n’a guère à
craindre de la concurrence d’Anto-
nio Pappano (Emi).
Didier Van Moere
MAURICE RAVEL
1875-1937
Y Y Y Y Y Daphnis et Chloé.
Sinfonia of London Chorus,
Sinfonia of London, John Wilson.
Chandos (SACD). Ø 2022. TT : 54’.
TECHNIQUE : 4/5
John Wilson s’est
mis en tête d’éta-
blir sa propre
édition de Daph-
nis et Chloé, la
« symphonie
chorégraphique » de Ravel : il a donc
comparé la partition éditée avec le
manuscrit, collationné dans le
conducteur d’orchestre les modifi-
cations apportées dans les parties
séparées ou dénichées dans la ré-
duction pour piano, et fait des choix
pragmatiques dans la liste d’errata
relevés par certains chefs (dont Pierre
Boulez, qui avait lui-même fait un
tri dans ce que suggérait Messiaen).
Il s’agit surtout d’un travail de clari-
fication et de mise au propre des-
tiné aux exécutants.
L’auditeur, lui, n’aura pas l’impression
de redécouvrir Daphnis et Chloé. Il
sera en revanche sensible à la plas-
tique très soignée que lui donnent
les musiciens du Sinfonia of London.
Les textures instrumentales et cho-
rales sont finement ouvragées, les
lignes galbées avec de savoureux
glissandos. Bizarrement, l’élément
grotesque et la balourdise sont insuf-
fisamment marqués dans la Danse
de Dorcon, quand les éclats de rire
qu’elle déclenche sont, eux, bien des-
sinés. C’est que le geste souple de
Wilson et la prise de son de Ralph
Couzens favorisent la volupté du son,
parfois en estompant la fermeté du
trait et de l’accent.
C’est surtout manifeste dans la
deuxième partie du ballet, dont les
contrastes perdent de leur acuité.
Comparons là avec le Daphnis de
Pierre Monteux enregistré à Londres
en 1959 par Decca : le crescendo
choral de l’introduction est à la fois
plus élaboré et plus coloré chez l’aîné,
mais il est maintenu à l’arrière-plan
par les micros de John Culshaw. En
revanche, Monteux, créateur de la
partition en 1912, souligne bien da-
vantage le caractère « très rude »
de la Danse guerrière.
Moins pointue et acidulée, sans
doute mieux formatée pour les
oreilles d’aujourd’hui, la version plus
confortable de Wilson n’en reste pas
moins une réussite. L’éveil croissant
de la nature au Lever du jour y est
restitué avec une belle ampleur, et
la flûte d’Adam Walker voltige avec
séduction dans la Danse de Daph-
nis. Cette nouvelle gravure permet
Nos nouvelles
surtout de saisir quantité de petits
détails d’instrumentation, parti-
culièrement dans la Danse géné-
rale conclusive, magnifiquement
conduite. François Laurent
publications
RICHARD STRAUSS
1864-1949
Y Y Y Quatre derniers lieder
(version avec orchestre
et version avec piano).
Asmik Grigorian (soprano),
Markus Hinterhauser (piano),
Orchestre philharmonique
de Radio France, Mikko Franck.
Alpha. Ø 2022 et 2023. TT : 44’. Les Berliner Philharmoniker
TECHNIQUE : 3,5/5 jouent Unsuk Chin
Le bonheur d’en-
tendre Asmik Depuis 2005, les Berliner Philharmoniker
Grigorian dans
entretiennent une fructueuse collaboration
les Quatre der-
niers lieder jus- avec Unsuk Chin – l’une des voix les plus
tifie-t-il d’avoir marquantes de la musique contemporaine.
enregistré les deux versions de la
même œuvre, sans autre complé- Sur 2 CD et Blu-ray
ment ? Trois quarts d’heure en com-
pagnie de la soprano qui aujourd’hui
offre sur scène des prestations parmi
les plus stimulantes (avec une di-
mension athlétique que le disque
peine à saisir), c’est peu. La vraie
surprise de ce disque, c’est en fait
Mikko Franck et le Philharmonique
de Radio France qui nous la pro-
curent. Loin de seulement scintiller
et miroiter, comme le commande
la partition, l’orchestre se montre
d’une immense ferveur – la ligne Kirill Petrenko dirige Sergueï Rachmaninov
est tenue, intense ; les timbres fu-
sionnent et se répondent. Une sorte
La troisième édition de Kirill Petrenko à la tête
d’ivresse lucide. Voilà qui porte la des Berliner Philharmoniker rend hommage
chanteuse vers de très beaux élans. à Rachmaninov avec la Symphonie no 2, le
La pâte vocale est dense, son mo- Concerto pour piano no 2, L’île des morts et les
delé impressionnant. Danses symphoniques.
Et pourtant, il manque l’essentiel :
une diction. Tout est fait pour le
son, guère pour le sens. Le poème Sur 2 CD et Blu-ray
reste lettre morte. On se dit alors
que l’artiste réserve ce miniaturisme
à l’intimité du piano. En fait, non,
malgré un accompagnateur fort berliner-philharmoniker-recordings.com
Schütz / Stravinsky / Tchaïkovski / Tosti / Van der Pals / Vivaldi

et une puissante ligne intérieure,

Nouveauté Apollon Musagète (1927-1928) sé-
duit ici par sa finesse de texture et
Schütz ayant seulement noté un accompagne- sa limpidité. Sans le tranchant acéré
HEINRICH SCHÜTZ ment à l’orgue, l’exécution se prête ici à un exi-
d’autres versions (Mravinski, Marke-
1585-1672 vitch), sans s’abîmer non plus dans
Schwanengesang. geant travail préalable d’instrumentation. une contemplation trop statique,
La Capella Ducale, Musica Fiata, Comme il s’en explique dans la notice, Roland Davis laisse transparaître une dimen-
Roland Wilson. Wilson s’est inspiré d’autres Psaumes de David sion hymnique qui paraît annoncer
CPO (2 CD). Ø 2020. TT : 1 h 24’. que Schütz a composés en 1619. Le résultat, l’inspiration sacrée dont témoignera
TECHNIQUE : 3,5/5 parfois surprenant, est toujours beau, à l’image deux ans plus tard la Symphonie
Enregistré par Michael Havenstein à la Christuskirche de ces cornets et trombones victorieux qui, en de psaumes.
de Berlin-Oberschöneweide en août et septembre
se mêlant aux voix dans « Wie habe ich dein Le Scherzo à la russe (1944), transfi-
2020. Image plus ou moins équilibrée selon que
les voix dialoguent avec de puissants tutti (cornets, Gesetze so lieb », soulignent élégamment la plé- guration pleine d’acuité et d’humour
trombones) ou un seul instrument à l’arrière-plan nitude de Dieu telle que la décrivent les versets des formules usées du jazz sympho-
(luth, viole ou orgue). Timbres plaisants. du psaume. Cette interprétation haute en nique, et les Suites pour petit or-
couleur est une très grande réussite. chestre (1921-1925), transcription de
deux recueils de Pièces faciles pour

H
einrich Schütz a quatre-vingt-six ans Mais là où Wilson est plus audacieux encore,
piano, bénéficient d’interprétations
lorsqu’il pose la conclusion de son c’est en se concentrant sur un ensemble vocal tout en relief. L’ensemble est par-
Chant du cygne, auquel il travaillait restreint à huit chanteurs – quatre pour chacun fait pour découvrir et approfondir
sans doute depuis une décennie. Cet des chœurs. Un tel choix donne une importance les richesses cachées du Stravinsky
ultime opus contient la mise en musique pour considérable au texte en clarifiant l’écriture dit « néoclassique ».
huit voix et deux chœurs du monumental madrigalesque italienne si chère à Schütz. Patrick Szersnovicz
Psaume CXIX de David (complété par le Dans « Ich rufe vom ganzen Hertzen », cela fuse
Psaume C et un Magnificat). Eloge des pré- en tous sens mais avec une formidable minutie PIOTR ILYITCH
ceptes divins que le prophète invite à « aimer dans la légèreté : on savoure la précision de TCHAÏKOVSKI
et désirer avec passion », le texte constitue un chaque entrée sur le vers « Herr, erquicke mich 1840-1893
matériau de choix dont le com- nach deinen Rechten », on Y Y Symphonies nos 5 et 6.
positeur fait un véritable chef- Orchestre de la Suisse italienne,
admire la communion des voix
d’œuvre. On a cru jusqu’en 1975 Markus Poschner.
sur « Siehe mein Elend und
Claves. Ø 2021-2022. TT : 1 h 28’.
la partition perdue. Elle a déjà errette mich. » Malgré l’effectif TECHNIQUE : 2,5/5
donné lieu à de magnifiques réduit (et certaines individuali- Passons sur la sé-
enregistrements, notamment tés qui seront affaire de goût), les cheresse de la
par Philippe Herreweghe (HM, chœurs se révèlent somptueux, captation, la gri-
2007) ou par Hans-Christoph comme dans le Magnificat final. saille de l’or-
Rademann (Carus, 2017). Sans On termine alors l’écoute avec le chestre (écoutez,
remettre en cause leurs quali- sentiment puissant de savoir dans la 5 e , la
tés, la nouvelle version offre à enfin ce qu’est le Chant du cygne. montée vers le climax du deuxième
entendre quelque chose de neuf. PLAGE 4 DE NOTRE CD Adrien Cauchie mouvement, à partir de 5’ 50’’), le
manque de poids comme de ten-
sion (second climax de ce même
probe. Non seulement l’évocation et 2 pour petit orchestre. style châtié, son énergie à la fois volet, entre 9’ 30 et 10’ 20). La notice
n’advient pas, mais la voix expose Apollon Musagète. fervente et concentrée, son lumi- fait grand cas des « recherches »
à nu des inégalités de registre, des James Ehnes (violon), neux équilibre. Ne cherchant nul- menées par le chef sur les partitions.
stridences parfois, que l’orchestre BBC Philharmonic, Andrew Davis. lement à rivaliser avec la fougue et Pour justifier le charcutage du finale
effaçait. Certes, la conviction est Chandos (SACD). Ø 2023. l’aérienne fluidité de Frang/Kuusisto de la 5e, Poschner invoque l’exemple
là, et la beauté même de la voix TT : 1 h 10’. (Warner, Diapason d’or) ni avec la de Mengelberg – qui n’aurait fait
ne se discute pas. Mais est-ce cela TECHNIQUE : 4/5 clarté solaire et l’angulosité déca- que reproduire des indications et
qu’il faut à ces lieder, ou bien moins Un peu plus d’un pante de Faust/Roth (HM, Diapason coupures du compositeur – et bap-
de moyens et plus de pertinence ? an après une d’or de l’année 2023), Ehnes et Davis tise pompeusement ce massacre
La question est d’autant plus aiguë Symphonie en ut s’inscrivent dans une filiation moins « Version Hambourg ». Pauvre Tchaï-
que la soprano ne chante pas diffé- et une Sympho- aventureuse et plus apollinienne kovski et pauvre de nous !
remment selon que l’orchestre ou le nie en trois mou- (Grumiaux/Bour, Perlman/Ozawa). Dans la « Pathétique », pas de
piano accompagnent, rendant dé- vements d’assez A la fois incisif et raffiné, le jeu du coupes sombres mais quantité
cidément un peu vain un exercice haut vol (Chandos, cf. no 717), An- soliste se conjugue davantage qu’il de surlignages et étrangetés qui
de style qui s’annonçait d’emblée drew Davis confirme sa fibre stra- ne s’oppose à la trame tissée par proviendraient d’un exemplaire
frustrant. Sylvain Fort vinskienne. A la tête d’un BBC Phil- le chef. Ce classicisme altier, cette ayant appartenu à Napravnik.
harmonic souple et discipliné, il offre grande hauteur de vue enrichissent Un exemple parmi tant d’autres
IGOR STRAVINSKY un écrin quasi idéal à la sonorité singulièrement la discographie. de cet interventionnisme : avant
1882-1971 ambrée et profonde de James Admirable d’aisance entre hiéra- la coda du scherzo (à 6’ 47’’), le
Y Y Y Y Y Concerto pour violon. Ehnes. Dans le Concerto en ré (1931), tisme et souplesse, sous-tendu « ping-pong » entre trombones et
Scherzo à la russe. Suites nos 1 le violoniste impressionne par son par une belle rigueur rythmique trompettes laisse ici place à des

90 I
plâtrées de rondes jouées par des
cors wagnériens qui bouchent la
polyphonie. Ce n’est pas le Tchaï-
kovski de tout le monde, certes. En
tout cas, ce ne sera pas le nôtre.
Retour à Mravinski (DG), Mehta
(avec Los Angeles, Decca), Svet-
lanov (Warner)…
Christophe Huss
FRANCESCO PAOLO TOSTI
1846-1916
Y Y Y Y 21 mélodies.
Javier Camarena (ténor),
Angel Rodriguez (piano).
Pentatone. Ø 2023. TT : 1h21’.
TECHNIQUE : 4/5
Les plus grands
ténors ont inter-
prété Tosti. En
jetant son dévolu
sur une vingtaine
des quelque cinq
cents mélodies du compositeur
abruzzais, Javier Camarena s’attaque
à forte partie. Avec de sérieux
atouts : un chant généreux, un aigu
aisé, une maîtrise des codes tradi-
tionnellement associés à ce réper-
toire, à commencer par des dimi-
nuendos séducteurs – un peu trop
sur le timbre parfois – qu’autorise
la souplesse de l’émission.
Les mélodies rapides, où il faut de
l’agilité, tels Marechiare ou Penso!,
ne menacent en rien une voix rom-
pue au bel canto du premier XIXe
siècle. Les trois mélodies françaises,
de leur côté, ne pèchent pas par un
exotisme articulatoire. Tout est joli
et nuancé – Aprile, par exemple.
On pourrait certes souhaiter plus
mûries, plus profondes les Quattro
canzoni d’Amaranta (sur les poèmes
de D’Annunzio), plus d’intériorité
dans Avec toi, mais le ténor mexi-
cain évite les excès d’un chant trop
« napolitain ».
LEOPOLD VAN DER PALS
1884-1966
Y Y Y Y Quatuor à cordes nos 1 à 3.
In memoriam Marie Steiner.
Quatuor Van der Pals
CPO. Ø 2019 TT : 1 h 06’.
TECHNIQUE : 4/5
Né à Saint-Péters-
bourg d’un père
hollandais et
d’une mère da-
noise, Leopold
Van der Pals se
forma auprès des maîtres russes
avant d’étudier à Berlin avec Glière.
Son premier quatuor à cordes, écrit
en 1916-1917 alors qu’il s’était réfu-
gié en Suisse, reflète l’inquiétude
du musicien devant la révolution
russe en cours.
Puissamment fiévreuse, l’œuvre se
teinte d’évocations wagnériennes
(Tristan) et tchaïkovskiennes (Sym-
phonie no 4). C’est également en
Suisse, où son épouse Maroussia
était alors en convalescence, que
Van der Pals composa son Quatuor
no 2 (1925), dédié à la mémoire de
son ami Rudolf Steiner. Achevé en
quatre jours, le no 3 « Métamor-
phoses » (1929) enchaîne quatre
mouvements en treize minutes (son
auteur y voyait une symphonie en
miniature) dans lesquels apparaît
manifeste l’influence de la musique
française. Enfin un bref In memo-
riam Marie Steiner (1948) complète
ce premier album consacré aux qua-
tuors à cordes de Van der Pals.
L’ensemble suédois éponyme formé
autour du violoncelliste Tobias Van
der Pals, petit-fils du compositeur,
s’investit à fond dans la redécou-
verte de ces pages intérieures et
secrètes, non dénuées d’une réelle
beauté. Jean-Claude Hulot
ANTONIO VIVALDI
Théotime Lan-
glois de Swarte
affine le portrait
du Vénitien en
remédiant à l’ab-
sence d’enregis-
trement de certaines pages instru-
mentales, tout en revisitant
l’interprétation de quelques autres.
Cette fresque ambitieuse et soli-
dement construite fera les délices
du vivaldien confirmé mais risque
de dérouter le curieux, agacé par
tant de fragments (mouvements
alternatifs, simples citations).
Du premier concerto identifié (le
RV 813 de 1705, encore si torellien)
jusqu’à la Ciaconna de 1738, tout
le parcours créateur du Prêtre roux
est exploré et balisé, sans délaisser
les contributions pour la Dresde de
Pisendel (RV 237 et 569), la cour de
Mantoue (RV 250, L’estate), Anna Ma-
ria (RV 267a et 349) ou l’empereur
Charles VI (RV 171). Chaque œuvre de
ce patchwork est restituée dans son
effectif idéal, nourri par une basse
continue inventive. Esprit tonique et
joyeux dans les pages de jeunesse,
nuances subtiles pour celles de la
UN RETOUR LUXURIANT ET COLORÉ À
HAENDEL
PTC 5187084
maturité : le trait est partout juste.
Le Consort soigne la dynamique, joue
sur les couleurs pour souligner les
richesses de l’orchestration, comme
ces cors pétaradants et ces timbales
martiales dans le RV 569, qui se hisse
au sommet. L’archet souple, délicat
et sensible de Langlois de Swarte et
son Stainer de 1665 excellent parti-
culièrement dans la confession in-
time et rêveuse (mouvements lents
des RV 212, 267a, 349, 768 et 583).
Que retenir en priorité ? Les RV 256,
RV 171 et RV 237 trouvent ici leur ré-
férence. Le vivaldien se précipitera
sur les inédits, impeccablement ren-
dus, à commencer par le rustique
RV 250 et le RV 252 dont les inter-
prètes font brillamment ressortir les
formules répétitives. Un sans-faute
alors ? Presque. Comparez le superbe
RV 278 par Langlois de Swarte et
par Carmignola (Archiv, Diapason
d’or) : raffiné et élégant chez le ca-
det, intense et poignant chez l’aîné.
Le second respire comme nul autre ;
la densité de l’expression, dans cer-
taines sections, touche à l’ineffable.
Un modèle qui reste encore à éga-
ler. Roger-Claude Travers

Camarena tient donc son rang, 1678-1741

même si un Di Stefano, un Bergonzi,
un Corelli, un Pavarotti, aux timbres
plus capiteux, ont sans doute plus de
sex appeal vocal. Parce qu’ils sont
italiens ? Non : écoutez Aprile ou
Malia par Alfredo Kraus, Marechiare
par Juan Diego Florez, Penso! et Vor-
rei morire par… Joseph Schmidt. Un
piano très éloquent montre qu’An-
gel Rodriguez croit à cette musique,
comme en témoigne d’emblée la
première Canzone d’après D’Annun-
zio, aux sonorités suggestives. Une
belle anthologie.
Didier Van Moere
Y Y Y Y Y Concertos
pour violon RV 37a, 171, 237,
250, 252, « Il ritiro » 256,
267a, 278, 315 « L’Eté »,
356, 569, 813. Extraits « Jouer un grand rôle haendélien avec des instruments
d’époque n’arrive pas tous les jours. Voler un rôle majeur de
des concertos RV 168, 212,
Haendel aux sopranos et l’enregistrer avec Marc Minkowski
349, 370, 478, 539, 768,
et Les Musiciens du Louvre n’arrive qu’une fois dans sa vie. »
583. Extraits d’œuvres
Magdalena Kožená
de et d’après Legrenzi,
Mouret, Westhoff.
Théotime Langlois de Swarte
(violon), Le Consort.
Harmonia Mundi (2 CD). www.pentatonemusic.com
Ø 2023 TT : 2 h 28’.
TECHNIQUE : 4,5/5

I 91
Récitals

Un folklore revi- (Panton) : la palette clarifiée et l’étroit Piochée essentiellement dans le

R ÉCI TA L S sité sert de fil
rouge à l’album
contrôle des phrasés délivrent à
contrecœur la confidence de l’An-
premier cahier (1926), la sélection
opérée souligne l’écriture tout en
de Piotr Ander- dante. Capté de très près, le piano frottements harmoniques (no 3),
PIOTR ANDERSZEWSKI szewski, où de ferraille dans les forte d’un Vivo em- l’imitation d’instruments tradition-
PIANO sensuels chatoie- phatique et l’épisode central, nels (no 7) et l’utilisation de gammes
Y Y Y Y JANACEK : Sur un sentier ments se mêlent à une rudesse confi- étouffé, ne s’y ébroue guère. Seuls variées (no 5). Anderszewski y pri-
broussailleux (Second cahier). nant parfois à la sauvagerie. Chez les souvenirs schumanniens du Più vilégie la densité des plans sonores
SZYMANOWSKI : Mazurkas Janacek (1911), ces oppositions de- mosso viennent infléchir ce parcours plutôt que la vivacité rythmique, à
op. 50 nos 3, 4, 5, 7, 8 viennent les ressorts d’un itinéraire strictement balisé. l’inverse de Marc-André Hamelin
et 10. BARTOK : Quatorze intime et douloureux. L’allure mo- Les Mazurkas op. 50 marquèrent le dans son intégrale (Hyperion).
bagatelles op. 6. dérée adoptée par l’interprète lui retour de Szymanowski à la musique La même optique prévaut dans les
Warner. Ø 2016 et 2023. interdit une partie des chemins de populaire et à une certaine simpli- Quatorze bagatelles op. 6 (1908).
TT : 1 h 03’. traverse où bifurquaient Rudolf Fir- cité après les foisonnants triptyques Si les pages « impressionnistes »
TECHNIQUE : 3/5 kusny (DG) et Radoslav Kvapil que sont les Masques et Métopes. (nos 3 et 12), entre chien et loup
(no 8) ou lugubres (no 13), sont re-
marquablement soignées, cette
Nouveauté épure atténue la verve et le mor-
dant des danses populaires dont
éclairée avec ce subtil mélange de limpidité, se nourrissent les nos 2, 5 et 10.
BEHZOD ABDURAIMOV de puissance et de précision. Zoltan Kocsis (Philips) garde l’avan-
PIANO
Ecrits en 1973 (révisés en 1988) par Dilorom tage dans cette étape décisive de
« Shadows of My Ancestors ».
PROKOFIEV : Dix pièces Saidaminova, compositrice ouzbèke formée l’évolution créatrice de Bartok.
de Roméo et Juliette. Marc Lesage
en partie au Conservatoire Tchaïkovski de
SAIDAMINOVA : Les Murs Moscou, notamment sous la tutelle de Denisov,
de l’ancienne Boukhara. ALENA BAEVA
Les Murs de l’ancienne Boukhara s’inspirent des VIOLON
RAVEL : Gaspard de la Nuit.
Alpha. Ø 2023. TT : 1 h 10’. Tableaux d’une exposition de Moussorgski. Si la Y Y Y Y Y « Fantasy ».
TECHNIQUE : 4,5/5 nouvelle œuvre déambule elle aussi, c’est à tra- SCHUBERT : Fantaisie D 934.
Enregistré en juin 2023 au studio Teldex de Berlin vers quelques lieux emblématiques de l’ancienne STRAVINSKY : Divertimento
par Martin Sauer. Dans l’acoustique généreuse capitale de l’empire samanide, cité riche d’un d’après Le Baiser de la fée.
de Teldex, un excellent équilibre des registres patrimoine architectural de plus de deux mille SCHUMANN : Märchenbilder
du piano et une grande dynamique qui met op. 113. MESSIAEN : Fantaisie.
en valeur ses timbres lumineux.
ans. On pourra être captivé par ces images à la
Vadym Kholodenko (piano).
densité de texture impressionnante (comme les
Alpha. Ø 2023. TT : 1 h 06’.
Ombres de mes ancêtres qui donnent son titre à

B
ehzod Abduraimov, dont le premier
disque était salué en 2012 par un Dia-
pason Découverte, fait partie de ces
artistes qui mûrissent lentement leur
répertoire, peaufinant les œuvres dans les
moindres détails avant de les livrer au public.
Son interprétation des Dix pièces de Roméo et
Juliette de Prokofiev séduit par une caractéri-
sation exemplaire, que ce soit la vivacité
espiègle de la Jeune Juliette ou la brusquerie de d’une cafardeuse cloche tintant dans le lointain,
Mercutio en passant par la simplicité débon-
naire de Frère Laurent.
Premiers accords cinglants plantant idéa-
lement le décor, traits incisifs (Scène), chant
chaleureux (épisode central
du Menuet), marche grin-
çante (Masques), fine sensua-
lité (Danses des jeunes filles
des Antilles), lyrisme déses-
péré (Roméo et Juliette avant le
départ) : l’éventail de couleurs
et de nuances que déploie le
musicien exploite à merveille
la grande variété de sentiments
qu’offre la partition. Même Ash-
kenazy et Lugansky ne l’ont pas PLAGE 5 DE NOTRE CD
l’album), mystérieuses ou animées par une rude
tension (Minaret de la mort).
Abduraimov triomphe dans un Gaspard de la
nuit rendu à sa pureté originelle. Par son
contrôle de la sonorité, par la douceur enjôleuse
dont il nimbe la longue mélodie, Ondine instille
le charme insidieux de la nymphe, jusque dans
l’explosion d’un prodigieux crescendo. Au son
le Gibet saisit par ses couleurs crépusculaires,
son atmosphère blafarde culminant dans la sec-
tion centrale où plus rien ne semble subsister
de vivant (« sans expression », note Ravel). L’in-
terprète gère tout aussi intelli-
gemment la dramaturgie de
Scarbo : loin de s’enivrer de sa
propre virtuosité, il se garde de
toute surenchère et ne sort le
« grand jeu » que dans les
moments clés – les assauts fré-
nétiques du gnome démoniaque
n’en prennent alors que plus de
relief. Un théâtre pianistique
chorégraphié de main de maître.
Bertrand Boissard
TECHNIQUE : 4/5
Le patchwork du
programme peut
se justifier en
partie par l’idée
de « fantaisie »,
même si l’accep-
tion de ce terme se révèle bien dif-
férente d’un compositeur à l’autre.
Formée à Moscou puis élève de
Shlomo Mintz, lauréate à seize ans
du Concours Wienawski, Alena
Baeva joue un Guarneri del Gesù
(« ex-William Kroll ») de 1738. Elle
trouve en Vadym Kholodenko, mé-
daille d’or au Van Cliburn 2013, un
partenaire quasi idéal.
Sachant en capter le subtil lyrisme,
notre duo éclaire remarquablement
les diverses facettes de la Fantai-
sie en ut D 934 (1827), œuvre riche
de contenu et techniquement exi-
geante, qui oscille entre des élans
chevaleresques alla Weber et de
sombres et mystérieuses plongées
visionnaires. La démarche de Stra-
vinsky dans son ballet Le Baiser de la
fée (1928), puisant dans la musique
de Tchaïkovski, est comparable à

92 I
celle qu’il adopta vis-à-vis de Per-
golèse dans Pulcinella, même si
le résultat est à l’évidence infini-
ment moins heureux. Il n’empêche
que, joué ainsi par Baeva et Kho-
lodenko, le Divertimento (1934) en
transcende magistralement les fai-
blesses et se révèle aussi lumineux
qu’attrayant.
Originellement pour alto et piano,
le cycle rêveur des quatre Märchen-
bilder (1851) dévoile un univers
plein d’animation puis d’étrange
nostalgie. Furtwängler appelait
Debussy le « Schumann français »,
mais il y a un monde entre le phan-
tasieren, le fantastique du dernier
Schumann et la concision quelque
peu abrupte de la Fantaisie (1932)
du jeune Messiaen – encore de-
bussyste, déjà hanté par la moda-
lité grégorienne et orientale. Tout
en respectant les particularismes
propres à chacune de ces deux
œuvres, Baeva et Kholodenko les
servent avec un égal engagement,
une lisibilité raffinée alliée à une
sorte de décantation un peu rêche
et assez savoureuse.
Patrick Szersnovicz
MARTIN JAMES BARTLETT
PIANO
Y Y Y Y Y « La Danse ».
RAMEAU : Gavotte et six doubles.
COUPERIN : Les Barricades
mystérieuses. RAVEL :
Le Tombeau de Couperin.
Pavane pour une infante défunte.
La Valse. HAHN : Le Ruban
dénoué (Décrets indolents
du hasard, Les Soirs d’Albi)*.
DEBUSSY : Arabesque no 1.
Alexandre Tharaud (piano)*.
Warner. Ø 2023. TT : 1 h.
TECHNIQUE : 4/5
Autre jeune pia-
niste britan-
nique, Benjamin
Grosvenor avait
bâti le pro-
gramme de ses
« Dances » (Decca, Diapason d’or)
en puisant dans un répertoire plus
large, quand Martin James Bartlett
se concentre sur deux siècles de
musique française. Tenue d’une
main gauche toujours expressive,
la Gavotte et ses doubles de Ra-
meau se déploient dans une sono-
rité conjuguant chaleur et clarté,
les voix s’entremêlant avec un brio
jamais ostentatoire. La sérénité en-
veloppante des Barricades mysté-
rieuses de Couperin n’est pas moins
splendide.
Le Prélude du Tombeau de Coupe-
rin de Ravel s’inscrit dans ce flux
tout de finesse sensuelle. Plus loin,
on applaudit la fluidité de la Fugue,
les douces vibrations, la tranquillité
du trait dans la Forlane. La pudeur
se garde de toute dépression (Me-
nuet), la virtuosité a du corps (Toc-
cata). Alexandre Tharaud s’assied
au second piano pour deux pages
détachées du Ruban dénoué de
Hahn, et enlevées avec prestesse.
Debussy résonne à travers la seule
Arabesque no 1, que le musicien de
vingt-sept ans déroule avec une
suave délicatesse.
En conclusion, Martin James Bart-
lett convoque à nouveau Ravel, et
deux de ses visages : celui de l’es-
thète fin-de-siècle avec la Pavane
pour une infante défunte, merveille
de sensibilité jamais mièvre sous ses
doigts, et celui du démoniste, avec
La Valse. Parfois décorative (jusque
dans les guirlandes, pas toujours
heureuses, qu’ajoute le pianiste),
son exécution se tient éloignée des
gouffres que la sombre partition
appelle ; l’interprète, qui évoque
dans la notice « une énergie bril-
lante et éblouissante », semble ef-
fectivement n’en percevoir que le
versant lumineux. Mais ce qui pré-
cède, défendu par un fin gourmet
du clavier, au palais délicat, est ex-
trêmement recommandable.
Bertrand Boissard
CUARTETO QUIROGA
Y Y Y Y « Atomos ».
HAYDN : Quatuor à cordes
op. 42. BEETHOVEN : Quatuor
à cordes op. 95 « Serioso ».
BARTOK : Quatuor à cordes no 3.
KURTAG : Secret Funeral music.
WEBERN : Bagatelles op. 9 no 5.
Cobra. Ø 2022. TT : 59’.
TECHNIQUE : 3,5/5
C’est un pro-
gramme aussi
personnel que
cohérent, renfer-
mant une pre-
mière mondiale
(Kurtag), que livre le Cuarteto

PRÉSENTE

$OLCE 0UPILLO
SO NI A PRIN A & LUA N GÓ ES
LES FURIOSI GALANTES

iÌ >LՓ Ài˜` JQOOCIG D > ÌÀ>˜Ã“ˆÃȜ˜  “>ŠÌÀi‡

`ˆÃVˆ«i ‚ `Õ EJCPV DCTQSWG KVCNKGP] jۜµÕ>˜Ì iÃ
«Àœvœ˜`iÕÀà `i > Ài>̈œ˜ i˜ÌÀi i˜Ãiˆ}˜>˜Ìà iÌ jmÛiÃ]
ÌÀ>X>˜Ì ՘ XQ[CIG OWUKECN D ÌÀ>ÛiÀà ià ÅXQNWVKQPU
UV[NKUVKSWGU `Õ 86i >Õ 86i ÈmVi°

:RUOGZLGH
)LUVW
5HFRUGLQJV
V
,&

*3 (43(*78
 /#45 + - -č /‡"1-‡ ‡½ ­*č,-®
-" č *, č] 1č $ - /  - 1,"- čč / - DISPONIBLE SUR
 /#+ + ,  č/" č - č, - ­*č,-® ;;;.3)**3(&11.45*(42
1č $ - /  - 1,"- čč / -

I 93
Récitals

pour l’essentiel, sur les compositeurs

Nouveauté
FLORIAN NOACK
PIANO
« I wanna be like you ».
BACH/NOACK : Concerto
pour quatre clavecins BWV 1065.
MENDELSSOHN/NOACK :
La Première Nuit de Walpurgis.
RIMSKI-KORSAKOV/NOACK : Schéhérazade.
NOACK : Paraphrase sur différentes valses
de J. Strauss II. SUSATO/NOACK : Danserye.
PROKOFIEV/NOACK : Symphonie « Classique ».
CHOSTAKOVITCH/NOACK : Valse n°2.
SHERMAN/NOACK : I wanna be like you.
La Dolce Volta. Ø 2023. TT : 1 h 12’.
TECHNIQUE : 4,5/5
Enregistré en janvier 2023 par Martin Rust
à Arsonic, Mons (Belgique). Un piano aux sonorités
limpides, que souligne la grande clarté de la prise
de son. Des harmoniques luxuriants et une
excellente dynamique.
Noack avait déjà enregistré (chez Ars en 2014)
sa version condensée de la Schéhérazade de
Rimski-Korsakov. Comment résister à l’impact
de cette admirable recréation, d’autant que l’in-
terprète y insuffle le ton de légende indispen-
sable ? Le sens de l’épopée, comme celui de la
narration et de la danse s’entremêlent en un
ensemble à la fois chatoyant et puissant. Ce
grand amateur de musique russe convoque
également la Symphonie « Classique » de Pro-
kofiev, qu’il parcourt avec une réjouissante
gourmandise (le Molto vivace est particulière-
ment délicieux).
Quelques sucreries complètent cette collection
de chefs-d’œuvre. Noack glisse une paraphrase
de sa façon sur différentes valses (pas les plus
connues) de Johann Strauss II, que suit dans le
programme un court triptyque de Tielman
Susato, compositeur du XVIe siècle basé à
actifs en Allemagne du Nord et en
Autriche. La nouvelle anthologie
nous ramène dans la seconde, sauf
pour Böddecker dont la carrière se
déroula surtout à Stuttgart et Stras-
bourg. Publiée à Innsbruck en 1660,
la Sonate op. 3 no 4 de Pandolfi
Mealli illustre le règne du goût ita-
lien sur la cour impériale. L’imagi-
nation de Schmelzer et Biber s’en
nourrit. Fondée sur une basse obs-
tinée qui court de sa chaconne ini-
tiale aux sarabande et gigue qui
suivent, la Sonata IVa du premier,
tirée des Sonatae unarum fidium,
participe à la définition d’un style
autochtone, aventureux et brillant,
que son élève porte vers des som-
mets d’inventivité virtuose dès son
recueil de 1681, plus encore avec
les Sonates du Rosaire.
La familiarité de Stravaganza avec
ce répertoire exigeant est d’em-

D’
une curiosité peu commune, grand
défricheur de partitions, Florian
Noack déploie une nouvelle fois ses
talents de transcripteur. Son adap-
tation du Concerto pour quatre
clavecins BWV 1065 de Bach
(d’après Vivaldi) éblouit autant
que sa réalisation digitale,
culminant dans un Allegro final
irradiant d’une joie solaire. La
Première Nuit de Walpurgis de
Mendelssohn s’apparente à une
vision fantastique, ensorce-
lante, zébrée d’apparitions
irréelles. Du grand piano !
Quiroga, fondé en Espagne en 2003
et ardent défenseur du répertoire
contemporain. Son titre grec (« Ato-
mos », autrement dit indivisible)
évoque un art de la concentration
musicale, où les idées s’affinent
jusqu’à leur forme la plus concise.
L’interprétation de l’Opus 42 (1785)
de Haydn, en ré mineur, se veut
sobre, économe d’effets (peu ou
pas de vibrato, reprises le plus sou-
vent omises) pour mieux accentuer
le caractère concentré de cette page
où Haydn, après la révélation des
Six quatuors op. 10 de Mozart qui
lui sont dédiés, semble affirmer en
une seule mise au point son propre
style. Dans le « Serioso » (1810) en
fa mineur de Beethoven, l’incandes-
cence du mouvement initial, la furia
tourbillonnante de l’Allegro assai
vivace, la désinvolte dérobade de
Anvers (l’ensemble Utopia en proposait récem-
ment un portrait, Ramée, Diapason d’or,
cf. no 728). Après l’inusable Valse no 2 de Chos-
takovitch, la conclusion revient à une chanson
composée pour le film d’anima-
tion de Walt Disney Le Livre de
la jungle, où notre musicien
dépasse Lang Lang sur ses
plates-bandes. Un programme
passionnant, défendu par un
pianiste qui, dans la lignée d’un
Earl Wild ou d’un Cyprien Kat-
saris, porte haut l’étendard de
la transcription.
Bertrand Boissard
la coda du finale attestent une ur- neuf à l’art si singulier du composi-
gence dramatique exacerbée, que teur hongrois. Et pourquoi ne jouer
tempère à peine le voile de mystère que la cinquième des Six bagatelles
conféré à l’Allegretto et une louable op. 9 (1913) de Webern, alors même
diversification des couleurs dans que la durée du CD permettait lar-
chaque mouvement. gement d’inclure l’entier recueil
Creuser, incarner et magnifier le (moins de quatre minutes) ?
Quatuor no 3 (1927), le plus âpre, Patrick Szersnovicz
dense et austère de Bartok, n’est
pas donné à tout le monde. Les Qui- ENSEMBLE STRAVAGANZA
roga, sans doute moins raffinés que YYYY Œuvres de Biber,
les Jerusalem (HM) ou les Modigliani Schmelzer, Böddecker
(Mirare), pour ne citer que deux et Pandolfi Mealli.
bonnes versions récentes, montrent NoMadMusic. Ø NC. TT : 49’.
cependant un style acéré, un appro- TECHNIQUE : 4,5/5
fondissement rythmique et une Depuis son pre-
acuité sonore exemplaires et par- mier disque
faitement en situation. (« Concert à la
Se mouvant dans des nuances vo- cour des Habs-
lontiers infinitésimales et impercep- bourg », Aparté,
tibles, la brève pièce inédite de Kur- 2012), l’En -
tag n’apporte pas grand-chose de semble Stravaganza se concentre,
blée évidente. Le violon de Domi-
tille Gilon affronte les périls des
partitions sans faillir ; l’archet est
sûr, le ton juste. La Sonate en ré
mineur de Böddecker est ici plus
nette que chez Manfredo Kraemer
(Naïve, 2003), celle de Schmelzer
plus précise qu’avec Hélène Schmitt
(Alpha, 2007) qui l’emporte toute-
fois en pouvoir d’évocation, comme
dans la Présentation au Temple de
Biber. Lina Tur Bonet mettait plus
d’ardeur à la Sonate C 143 du même
Biber (Glossa, Diapason d’or), En-
rico Gatti plus de suavité à celle
de Pandolfi Mealli (Symphonia,
1990). Sans s’imposer par un excès
d’opulence, le continuo apporte
un soutien ferme et coloré à une
réalisation solide. Un peu plus d’au-
dace dans le programme n’aurait
pas nui. Jean-Christophe Pucek
GIDON KREMER
VIOLON
Y Y Y Y « Songs of Fate ». Œuvres
de Serksnyte, Kuprevicius,
Weinberg et Jancevskis.
Vida Mikneviciute (soprano),
Magdalena Ceple (violoncelle),
Andrei Pushkarev (vibraphone),
Kremerata Baltica.
ECM. Ø 2019 et 2022. TT : 57’.
TECHNIQUE 3,5/5
Gidon Kremer a
conçu cet album
de « chants du
destin » en pen-
sant à son père
et professeur

94 I
Markus Kremer, qui a perdu trente-
cinq membres de sa famille dont
sa première femme et leur enfant
de dix-huit mois dans le ghetto de
Riga – l’homme avait réussi à fuir
mais conserva de cette échappée
en solitaire un sentiment de culpa-
bilité inextinguible.
Pour son hommage ou ce qui y res-
semble, le curieux et éclectique vio-
loniste letton plonge logiquement
dans ses racines juives, autour de
compositeurs baltes notamment.
This too shall pass de la Lituanienne
Raminta Serksnyte (née en 1975)
égrène le temps dans une esthé-
tique de miroir brisé, que traverse
le violon mélodiste de Kremer en
dialogue avec un violoncelle, un
vibraphone et les cordes de sa Kre-
merata Baltica. Lituanien lui aussi,
Giedrius Kuprevicius (né en 1944)
incorpore une partie de soprano
(vibratile Vida Mikneviciute) dans
un Kaddish des endeuillés et les
lamentations de sa symphonie de
chambre L’Etoile de David. Lignum
du Letton Jekabs Jancevskis (né
en 1992) peut paraître hors pro-
gramme, mais ses traits serrés, son
atmosphère naturaliste avec oca-
rinas et cloches tubulaires ne sont
pas sans intérêt.
Kremer associe à l’aventure le Po-
lonais Mieczyslaw Weinberg (1919-
1996), qu’il a déjà largement contri-
bué à sortir de l’oubli, et dont il
assume ici un Nocturne avec or-
chestre et l’Aria op. 9 en quatuor,
dans une veine postromantique
que son archet n’alourdit jamais.
Vida Mikneviciute prête son chant
James Baillieu (piano). sonne ici particulièrement poignant. deux partenaires attentifs, Ridout
HM (2 CD). Ø 2023. TT : 2 h 08’. La transcription de la Romance sans s’impose sans peine dans une dis-
TECHNIQUE : 3,5/5 paroles op. 19 no 1 de Mendelssohn cographie restreinte. Celle de la
A p rè s avo i r enrichit l’harmonie de brèves incur- sonate de Rebecca Clarke s’est
enregistré son sions en doubles cordes, si vibrantes étoffée ces dernières années : après
adaptation du dans la gravure de Tertis, en 1930 Tabea Zimmermann (Myrios) et
concerto pour (Biddulph). Puisque ce dernier par- Adrien La Marca (La Dolce Volta),
violoncelle d’El- tageait alors la scène avec Fritz Kreis- elle trouve ici une nouvelle réfé-
gar (cf. no 719, ler, Ridout évoque leur amitié par rence, à la fois évocatrice et remar-
Diapason d’or), Timothy Ridout cé- un Liebesleid qui porte sa mélan- quablement architecturée.
lèbre à nouveau Lionel Tertis (1876- colie à la boutonnière, adapté par Marc Lesage
1975), vénérable pédagogue et in- ses soins.
terprète qui s’employa, par ses Des pièces de Bridge, Forsyth ou TRIO ERNEST
nombreuses transcriptions, à élargir Wolstenholme rappellent combien Y Y Y Y Y « Haydn All-Stars »
le répertoire de son instrument, l’alto de Tertis fut cher au cœur des HAYDN : Trios avec piano
l’alto. Tandis que le Minnelied op. 71 compositeurs britanniques. Outre nos 7, 12, 29, 31. FONTYN : Lieber
no 5 de Brahms s’appuie sur un mé- ses propres et modestes vignettes, Joseph! RAVEL : Menuet
dium chaleureux pour livrer son doux il fut, entre autres, l’inspirateur de sur le nom de Haydn. BRAHMS :
aveu, l’Elégie op. 24 de Fauré la fougueuse Rhapsodie de William Immer leiser wird mein
conserve la tessiture de l’original Henry Reed ou de la Sonate no 1 Schlummer.
pour violoncelle : le crescendo me- de York Bowen, d’obédience brahm- Aparté. Ø 2023. TT : 1 h 15’.
nant au retour du thème principal sienne. Soutenu à tour de rôle par TECHNIQUE : 4,5/5
Nouveauté
Au-delà de la technique, la soprano témoigne
SANDRINE PIAU d’une intimité approfondie avec les mots, sertis
SOPRANO dans une ligne admirablement soutenue : le
« Reflets ». Mélodies de Berlioz, chant et la déclamation fusionnent. Rien ne lui
Duparc, Koechlin, Debussy, échappe ou ne lui pèse, ni la langueur sensuelle
Ravel et Britten.
de la Chanson triste ou de L’Invitation au voyage
Orchestre Victor Hugo,
Jean-François Verdier. chez Duparc, ni le troublant érotisme de la volu-
bile Pleine eau, deuxième des Quatre poèmes
Alpha Classics. Ø 2022. TT : 57’.
TECHNIQUE : 4/5 d’Edmond Haraucourt (1890-1897) de Koechlin,
Enregistré par Laure Casenave et Vincent Mons que l’on n’entend pas si souvent. Piau crée, là
en novembre 2022 à l’Auditorium de la Cité des Arts encore, un climat d’onirisme diffus pour l’éva-
de Besançon. Les plans se mêlent harmonieusement
nescente jeune fille d’Epiphanie, dernière des
et des textures d’orchestre chaleureuses
soutiennent une voix détourée avec précision Trois mélodies op. 17. Dans les Quatre chansons
qui illumine la scène sonore. françaises de Britten, rendues avec un naturel
parfait, elle prend la relève de la créatrice Hea-

à trois des Mélodies juives op. 13,
paysages de l’enfance qui, çà et
là, s’assombrissent. Un Kremer au
soir de son impressionnante car-
rière et une Kremerata toujours très
juste de ton tirent au long de ce
programme porté à la méditation
une corde sensible et touchante.
Benoît Fauchet
TIMOTHY RIDOUT
ALTO
Y Y Y Y Y « A Lionel Tertis
Celebration ». Œuvres
et arrangements de Tertis,
Beethoven, Mendelssohn,
Fauré, Schumann, Brahms,
Forsyth, Wolstenholme,
Vaughan Williams, Kreisler,
Bridge, Ireland, Bowen,
Clarke, Coates.
Frank Dupree,
A
près « Clair-obscur » (cf. no 699), voici ther Harper (composé en 1928, le cycle ne fut
« Reflet ». Sandrine Piau, rebelle au
fourre-tout, sait composer ses pro-
grammes autour d’un thème évoca-
teur. Elle sait les chanter, surtout, d’une voix à
la rondeur satinée que les années n’ont pas
ridée, dont la fraîcheur et l’homogénéité se pré-
servent magnifiquement. Elle
n’a rien à craindre de mélodies
qui, chez d’autres, mettraient
l’aigu en péril : écoutez la ver-
sion haute du Spectre de la rose
des Nuits d’été ! La maîtrise du
souffle lui permet, chez Ravel,
de galber les longues phrases de
Soupir, le premier des Trois
poèmes de Stéphane Mallarmé
– elle y rejoint au sommet une
Suzanne Danco. PLAGE 2 DE NOTRE CD
dévoilé qu’en 1980), évitant notamment tout
pathos dans L’Enfance.
Déjà partenaire de l’album précédent, le chef
Jean-François Verdier, pare tous ces « Reflets »
de couleurs vives à la clarté chambriste, là où
guettait un impressionnisme plus ou moins
cotonneux. Pour autant, il n’as-
sèche point les timbres, ni ceux
des mélodies, ni ceux des pages
debussystes orchestrées par
Caplet et Ansermet et glissées en
intermèdes. Le Clair de lune illu-
mine une nuit d’étoiles, Pour
remercier la pluie au matin,
la dernière Epigraphe antique,
cursive et aérée, annonce peut-
être un jour de fête.
Didier Van Moere

I 95
Récitals

marquent l’Octuor pour quatuor à

Découverte
HANNA SALZENSTEIN
VIOLONCELLE
« E il violoncello suonò ».
Œuvres de Taglietti, Ruvo, Vivaldi,
Dall’Abaco, Platti, Antoniotto,
découverte Marcello et Garavaglia.
Théotime Langlois de Swarte (violon),
Alberic Boullenois (violoncelle), Marie-Ange Petit
(percussions), Thibaut Roussel (archiluth),
Justin Taylor (clavecin).
Mirare. Ø 2023. TT : 1 h 05’.
TECHNIQUE : 4/5
Enregistré en octobre 2023 à l’église évangélique
allemande de Paris par Alban Moraud. Capté en
proximité, un violoncelle subtilement défini et riche
en nuances. Ensemble instrumental aux sonorités
claires et harmonieuses.
par l’énigmatique Gasparo Garavaglia, maître
de chapelle de la cathédrale de Forli (en
Romagne). Outre l’originalité du programme,
il faut saluer l’excellence, la délicatesse et l’in-
vention du trio de continuistes.
Tout aussi rares et passionnantes, la Sonata
IVa de Giorgio Antoniotto (1681-1776) de
Milan, ou encore la touchante Sonata IIIa du
Padouan Giovanni Benedetto Platti (1697-
1763) sont abordées avec brio et raffinement,
Salzenstein ciselant finement chaque articu-
lation et parant chaque intention expressive
de nuances subtiles et renouvelées. La violon-
celliste nous touche tout particulièrement
dans les Capricci, aussi éloquents que spécu-
latifs (on pense parfois à Bach), de Giuseppe
cordes, contrebasse, clarinette, bas-
son et cor (1933) du premier comme
le Quintette avec clarinette (1932)
du second. Les deux partitions jouent
et se jouent du langage harmonique,
évitant ou faussant la tonalité par
des thèmes lyriques animés de
contrechants tendus (Andantino de
l’octuor, Allegro molto alla Chosta-
kovitch et Adagietto espressivo du
quintette). Leurs différents mouve-
ments invitent délicatement le clas-
sicisme (Allegro scherzoso en mini-
rondo et ostinatos structurant les
volets extrêmes de l’octuor, fugatos
dans le Moderato et l’Allegro ener-
gico du quintette).
Le parti pris, chez Robin Holloway
(né en 1943), est bien différent. La
Sérénade en ut (1979), écrite pour

P
our son premier récital, Hanna Salzen-
stein a réuni autour d’elle, outre deux
complices du Consort,
un impressionnant
bataillon de virtuoses. Elle se
propose de « raconter l’émer-
gence de la voix du violoncelle »
au cœur du baroque, nous révé-
lant au passage quelques chefs-
d’œuvre inédits, telle la volup-
tueuse Aria da suonare de Giulio
Taglietti (1660-1718) qui ouvre
l’album, ou une sonate, aussi
brillante que sensuelle, signée PLAGE 7 DE NOTRE CD
Composé de Na-
tasha Roque Al-
sina au piano,
Stanislas Gosset
au violon et Clé-
ment Dami au
violoncelle, le Trio Ernest place son
premier album sous le signe de
Haydn. Depuis les gravures que
consacra à ce dernier le Beaux Arts
Trio dans les années 1970, l’approche
historiquement informée a profon-
dément renouvelé l’interprétation
de ces œuvres. Aujourd’hui, les tem-
pos sont généralement plus vifs, les
ornementations plus présentes et
les contrastes plus appuyés.
Bien que le piano domine largement
dans les premiers trios, les Ernest
veillent à ne pas minimiser le rôle
des deux autres instruments. Cela
convient bien aux variations qui
ouvrent le Trio no 7 en ré majeur où
un souvenir de musique populaire
affleure avant de laisser la vedette
au clavier. Les accents sforzando du
Maria dall’Abaco (1710-1805).
Ces interprètes d’exception, succombant au
« syndrome Arpeggiata », nous
quittent sur une tarentelle
conclusive, certes endiablée,
mais d’un maigre intérêt musi-
cal. On pourra s’en passer en
arrêtant l’écoute à la plage pré-
cédente : cette Sonate en trio
RV 820 de Vivaldi, avec l’éblouis-
sant Théotime Langlois de
Swarte au violon, offre un point
final autrement enthousiasmant.
Denis Morrier
Trio no 12 en mi mineur donnent vie compagnon à ceux du Lieber Jo-
et énergie au discours. Si toutes les seph (ce cher Joseph).
reprises sont ici observées, elles Thomas Herreng
sont toujours ornées, notamment
à chaque point d’orgue, jusqu’à une WIGMORE SOLOISTS
cadence « improvisée » au piano. Y Y Y Y FERGUSON : Octuor
Si les mouvements lents n’ont certes op. 4. BLISS : Quintette
pas la sérénité olympienne que leur avec clarinette. HOLLOWAY :
conférait le Beaux Arts Trio, les fi- Serenade op. 41.
nales sont plus bouillonnants, avec Bis (SACD). Ø 2021 à 2023.
des oppositions de nuances plus TT : 1 h 04’.
marquées, les tirant davantage vers TECHNIQUE : 4,5/5
le Sturm und Drang que vers une Chez Howard
légèreté espiègle. Ferguson (1908-
Outre le menuet-hommage de 1999), qui renon-
Ravel et un lied de Brahms dont cera à composer
la mélodie est empruntée à Haydn, en 1959 après
le jeune ensemble franco-suisse avoir publié une
met en miroir un trio de la com- petite vingtaine d’œuvres, comme
positrice belge Jacqueline Fontyn chez Arthur Bliss (1891-1975), le passé
(née en 1930). La partition cite la infuse avec le plus grand naturel.
dernière sonate pour piano de Structures en quatre mouvements
Haydn mais n’en copie nullement aux tempos contrastés (lent-vif-lent-
l’esthétique. Atonal sans être sé- vif), tonalité sous-jacente, architec-
riel, concis et non dénué d’un cer- ture volontiers cyclique et hommages
tain humour, elle fait un bon sous forme de citations et d’allusions
le même effectif que l’octuor de
Ferguson, rompt avec le modernisme
qui caractérisait jusque-là le com-
positeur. Se voulant « divertissante,
amusante, innocente, légère »,
l’œuvre reprend « des objets musi-
caux banals et éculés […] pour […]
les parodier avec amour ». Tout n’y
est pas « vrai », et c’est une part
importante de l’esthétique (large-
ment humoristique) de ces cinq mou-
vements. La Marcia « marche » dif-
ficilement puisque polyrythmique
et le Menuetto alla tarantella, por-
tant d’emblée la contradiction dans
son intitulé, puise davantage à la
seconde (endiablée) qu’au premier.
Il est difficile de démêler, dans les
citations multiples qui émaillent la
partition, ce qui relève vraiment de
l’emprunt et ce qui est inventé. Mais
l’objectif est atteint : l’amour pointe
bien sous l’humour.
Les interprètes circulent d’une œuvre
à l’autre avec une aisance confon-
dante. Menées par Isabelle Van Keu-
len, les cordes se révèlent parfaite-
ment homogènes. Elles laissent
surgir la clarinette soliste de Michael
Collins (dans le quintette), installent
une parfaite différenciation des plans
sonores (octuor) et des lignes mélo-
diques (Sérénade), et séduisent par-
tout par un engagement sans faille.
Si ces musiques ne révolutionnent
ni langages ni formes, les Wigmore
Soloists s’en approprient remarqua-
blement la facture et l’esprit.
Anne Ibos-Augé
AFRICAN AMERICAN
VOICES II
YYYY BONDS : Montgomery

96 I
Variations. KAY : Concerto
for Orchestra. PERKINSON :
Worship.
Royal Scottish National Orchestra,
Kellen Gray.
Linn. Ø 2023. TT : 48’.
TECHNIQUE : 3/5
Le deuxième vo-
lume des « Afri-
can American
Voices » du chef
afro-américain
Kellen Gr ay
aborde une terra incognita de ce
côté de l’Atlantique. Les composi-
teurs du premier CD (cf. no 718) pas-
seraient sans peine pour des célé-
brités comparés à Margaret Bonds
(1913-1972), Ulysses Kay (1917-1995)
et Coleridge-Taylor Perkinson (1932-
2004). Tous ont exercé leur créati-
vité au-delà des « frontières » clas-
siques, se frottant au jazz, au cinéma,
aux musiques populaires. Parfois
militante, leur vie a croisé beaucoup
d’évènements civiques majeurs de
la société américaine du siècle der-
nier, et la foi occupe une place cen-
trale dans leur existence.
C’est particulièrement vrai pour
Bonds, dont les Montgomery Varia-
tions (1964), qu’elle n’entendit ja-
mais, sont nourries de cet imagi-
naire. Cette pièce plutôt pensive
alterne les états d’âme en s’inspirant
de multiples sources proprement
américaines, populaires comme sa-
vantes. Le beau Concerto for Or-
chestra (1948) de Kay accorde beau-
coup d’importance aux bois et
cuivres, traités presque comme des
personnages en train de converser.
Perkinson est celui chez qui, ryth-
miquement, l’élément afro ressort
avec le plus d’acuité (cuivres, per-
cussions, ces dernières traitées avec
singularité). Son Worship (Culte,
2001) est plus contrasté, comme le
promet naturellement une Ouver-
ture de concert.
Globalement, le langage des
trois auteurs demeure classique,
nimbé d’effluves romantiques, et
de quelques élans hymniques, voire
protestataires. Un peu hors temps,
à vrai dire. Mais chez tous, la nos-
talgie affleure, semblant contredire
les élans plus positifs. La direction
de Gray influe sans doute sur cette
perception : comme dans le pre-
mier volume, il révèle sensibilité et
empathie dans les passages élé-
giaques, qu’il colore d’une pudeur
touchante (Lament des Montgomery
Variations, Arioso du Concerto for
Orchestra). Cependant, le phrasé
manque souvent de tension inté-
rieure. On imaginerait sans mal ici
plus de volontarisme (One Sunday
in the South chez Bonds), là d’éner-
gie et de projection (Toccata chez
Kay). Et la prise de son bride cette
fois encore relief et couleurs.
Deux regrets, enfin : que la notice
érudite de Gayle Murchinson soit
réservée aux anglophones, et qu’elle
ne renferme aucun portrait des trois
compositeurs. Rémy Louis
CONCERT
DU NOUVEL AN 2024
Y Y Y Y J. STRAUSS II : Wiener
Bonbons. Figaro-Polka. Neue
Pizzicato-Polka. Ouverture
de Waldmeister. Ischler-Walzer.
Nachtigall-Polka. An der schönen
blauen Donau. E. STRAUSS :
Ohne Bremse. Die Hochquelle.
HELLMESBERGER : Für die
ganze Welt. Estudiantina-Polka.
Josef STRAUSS : Delirien.
Jockey-Polka. ZIEHRER : Wiener
Bürger. KOMZAK : Erzherzog
Albrecht-Marsch. BRUCKNER :
Quadrille. LUMBYE : Glædeligt
Nytaar!. J. STRAUSS I :
Radetzky-Marsch.
Wiener Philharmoniker,
Christian Thielemann.
Sony (2 CD). Ø 2024. TT : 1 h 39’.
TECHNIQUE : 4/5
Le concert du
nouvel an offrait
cette année neuf
« premières » sur
un total de dix-
huit pièces. Si les
Wiener Philharmoniker se soucient
à juste titre d’oxygéner la program-
mation et explorent à cette fin un
répertoire inépuisable, cette volonté
de renouvellement trouve ses limites
lorsque les pépites exhumées ne
peuvent, comme c’est ici le cas, se
mesurer aux Sphärenklänge, Früh-
lingsstimmen et autres Tritsch-
Tratsch-Polka. De surcroît, l’équilibre
à maintenir entre raretés et « tubes »
électrisants s’est trouvé, ces der-
nières années, mis à mal.
Le millésime 2024 se situe dans le
droit fil de celui de 2019, où la di-
rection de Christian Thielemann
était apparue châtiée mais souvent
trop (re)tenue. Le chef berlinois peine
à faire décoller les premières pages
(Erzherzog Albrecht-Marsch, Wie-
ner Bonbons, Figaro-Polka, Für die
ganze Welt) et il faut attendre la
polka rapide Ohne Bremse pour
l’entendre jeter sa gourme. Sa su-
prême science des dosages, ses
rallentandos au cordeau ne suffisent
cependant pas à faire passer l’aca-
démisme de l’Ouverture de Wald-
meister. Mais Carlos Kleiber aurait-il
su nous subjuguer dans le « tunnel »
que constituent Ischler-Walzer/
Nachtigall-Polka/Die Hochquelle ?
Rien n’est moins sûr.
Après une Neue Pizzicato-Polka cap-
tivante par son extrême plasticité
(tempos, dynamiques, accents), la
scolaire Estudiantina-Polka fait iné-
vitablement pâle figure. Et si la fau-
bourienne valse Wiener Bürger de
Ziehrer nous mettait l’eau à la
bouche, on déchante devant l’ab-
sence de gouaille que Thielemann
lui réserve. Le Quadrille de Bruc-
kner ? A prendre, tout au plus,
comme un aimable clin d’œil au bi-
centenaire du « Ménestrel de Dieu ».
D’une mise impeccable, les Delirien
ne marquent pas davantage que
les modestes vœux de Glædeligt
Nytaar! (Bonne année !, du Danois
Hans Christian Lumbye). Succédant
à une Jockey-Polka enlevée avec
style, le Beau Danube bleu, linéaire
voire alangui, est à l’image d’un Neu-
jahrskonzert avare en surprises et
frissons. Hugues Mousseau
DOLCE PUPILLO
Y Y Y Arias et pièces de Porpora,
Scarlatti, Vivaldi, Handel, Kerll,
Steffani, Legrenzi, Colonna, Lotti,
Bononcini, Carissimi, Albicastro.
Sonia Prina (mezzo-soprano),
Luan Goes (contre-ténor et
direction), Les Furiosi Galantes.
Indesens. Ø 2022. TT : 1 h 19’.
TECHNIQUE : 4/5
L’idée de départ
était porteuse et
touchante : illus-
trer les liens qui
unissent élèves
et maîtres chez
les compositeurs baroques et de-
mander à sa professeure de rejoindre
l’entreprise. Hélas, à l’arrivée, le pro-
gramme manque de rigueur (enca-
drer un Bononcini par deux Vivaldi),
d’originalité (des raretés, certes,
mais peu de véritables inédits à
mettre en face de Handel rebattus)
et de solidité musicologique : la no-
tice reconnaît qu’à défaut d’ensei-
gnement attesté, on peut supposer
au mieux une influence indirecte
(Legrenzi/Vivaldi par exemple). Et
comment ne pas être frustré lorsqu’il
est question du rôle-clé joué par
Gaetano Greco et qu’aucune de ses
œuvres ne se trouve incluse ici ? A
l’inverse, Henrico Albicastro et son
très bel Adagio auraient bien mérité
quelques lignes… Si l’on applaudit
des enchaînements éclairants (Ca-
rissimi, Kerll, Steffani et Handel), on
aurait aussi aimé avoir accès aux
paroles des airs pour pouvoir s’en
imprégner pleinement.
L’interprétation ne sauve que par-
tiellement ce programme bancal.
Sonia Prina sort de sa retraite et se
montre hypnotique dans les piano
(Scarlatti) grâce à un cantabile tou-
jours aussi délicat (Lotti, Bononcini),
des vocalises liquides et un timbre
demeuré intact. Il est bien dommage
qu’elle se laisse déborder par son
énergie volcanique aux extrêmes
de la tessiture, et livre un « Furi-
bondo » de Handel plombé par un
souffle défaillant.
Luan Goes est un nouveau venu chez
les contre-ténors : l’ambitus est large,
assumé sans dissociation de registre,
et sa prononciation claire, l’acteur
investi. Néanmoins, avouons être
personnellement allergiques à ces
vocalises magmatiques (Porpora),
ces sons tubés, ces poses amphi-
gouriques (« Mi lusinga ») et ces ai-
gus enflés qui rappellent fâcheuse-
ment Valer Sabadus.
Séduisent davantage ses qualités
de chef d’orchestre, à la tête de Fu-
riosi Galantes qui portent bien leur
nom. L’effectif limité est bien ampli-
fié, la basse continue charnue et
l’ensemble n’est avare ni de
contrastes ni de rythmes survitami-
nés, quitte à trop en faire (les éter-
nuements du basson dans le « Ge-
lido »). Pour les inédits, donc, et le
plaisir de réentendre la grande Sonia
avant tout. Guillaume Saintagne
O JESULEIN
YYYY Œuvres de Schütz,
Hammerschmidt, Praetorius,
Buxtehude, Capricornus…
Clematis.
Ricercar. Ø 2021. TT : 1 h 11’.
TECHNIQUE : 4/5
Cette anthologie
puise dans la li-
turgie luthé-
rienne de Noël
en se restrei-
gnant aux
proches ou héritiers de Heinrich
I 97
Récitals
Schütz (1585-1672). Le maître est
lui-même représenté par le concert
spirituel O bone Jesu, fili Mariae,
dans une version plus colorée et
plus ornementée que celle, recueil-
lie et élégante, de John Eliot Gar-
diner (Archiv, 1990).
Une place de choix est accordée
au disciple Andreas Hammerschmidt
(1611/1612-1675) dont la scène de
l’Annonciation, Maria gegrüsset seist
du, est ici abordée d’une manière
très intimiste. On est touché par
l’incrédulité de Marie, incarnée par
la soprano Capucine Keller, qui ré-
pète inlassablement « Comment
cela peut-il se faire ? », alors que
l’ange pédagogue (remarquable
Zachary Wilder, trop rare dans le
répertoire allemand) lui explique la
chose avec une patience infinie. A
l’image des acteurs de ce duo, toute
la distribution vocale se distingue
par son indéniable qualité et sa
grande homogénéité : cela s’entend
dans le motet Freude, grosse Freude,
hélas tronqué, mais auquel les in-
terprètes confèrent une belle allure
de madrigal.
De leur côté, les instrumentistes de
Clematis donnent l’impression de
jouer avec toutes les couleurs d’une
gigantesque palette sonore. Si la
variété des instruments utilisés y est
pour beaucoup, le résultat n’a rien
d’artificiel (sauf au moment un peu
pénible des clochettes de Noël).
C’est dans la Sonata ab 8 Instrument
d’un autre élève de Schütz, Samuel
Capricornus (1628-1665), que la co-
loration est la plus extraordinaire ;
elle s’étale subtilement dans la scène
théâtrale suivante, Mein Sohn, wa-
rum hast du uns getan? de Ham-
merschmidt. Adrien Cauchie
PASSAGE SECRET
YYYYY BIZET : Jeux d’enfants.
DEBUSSY : Petite Suite.
FAURÉ : Dolly. RAVEL : Ma mère
l’Oye. AUBERT : Feuille d’images.
Ludmilla Berlinskaya, Arthur
Ancelle (piano à quatre mains).
Alpha. Ø 2022. TT : 1 h 14’.
TECHNIQUE : 4/5
Pourquoi intituler
« Passage se-
cret » un florilège
de musique fran-
çaise pour piano
à quatre mains ?
Parce que, nous dit Arthur Ancelle
dans la notice, ces partitions forment
« la clef d’un passage secret entre
98 I
les jeux d’enfants et les jeux
d’adultes ». Ce mystérieux chemin
musical entre deux âges de la vie,
les interprètes l’empruntent allègre-
ment pour peindre ces pièces de
Bizet, Fauré, Debussy, Ravel ou Au-
bert avec l’innocence de la prime
jeunesse et la palette d’artistes ex-
périmentés. Portée par une sonorité
douce ou scintillante, l’expressivité
de leur jeu s’adapte au caractère
spécifique de chaque tableautin.
On admire l’élégance des phrasés
dans La Poupée et la tendresse du
duo Petit mari, petite femme, joué
sans emphase, dans un tempo assez
enlevé. On est séduit par le raffi-
nement des timbres dans Tambour
et trompette et plus encore dans
Laideronnette, par le balancement
onirique d’En bateau ou par les re-
bonds joyeux du Ballet qui clôt la
Petite Suite. On est troublé par la
sobriété et la pudeur de la Pavane
de la Belle au bois dormant, comme
sur la pointe des pieds, et l’on se
laisse étourdir par le tourbillon es-
piègle de La Toupie.
Enfin, comment ne pas fondre de-
vant la balourdise de l’Ours en pe-
luche, dans Feuille d’images ? Ce
recueil composé en 1930 par Louis
Aubert, condisciple et ami de Ravel,
n’a guère à rougir de son voisinage
avec quatre partitions plus célèbres.
Un passage secret, peut-être, une
cure de jouvence et une leçon de
beau piano, sûrement.
Jérôme Bastianelli
PROCESIONAL DE SIXENA
YYYY Musique liturgique
pour les processions rituelles
du monastère royal de Sijena.
Et conduits, Benedicamus,
motet, organa des Codex Las
Huelgas et Codex de Madrid
(20486).
Capella de Ministrers,
Carles Magraner.
CdM. Ø 2022. TT : 1 h 15’.
TECHNIQUE : 4,5/5
Le Procesional
de Sixena est
l’unique témoi-
gnage conservé
des pratiques
musicales litur-
giques du monastère royal de Sijena
en Aragon. Le manuscrit, élaboré
au tournant des XIVe et XVe siècles,
aurait ainsi fidèlement noté des
usages mis en place deux siècles
plus tôt, lors de la fondation du
monastère. Les chants retenus par
Carles Magraner se concentrent sur
trois moments importants de l’an-
née liturgique : la Saint-Jean-Bap-
tiste (patron du monastère), le jeudi
saint et Pâques. D’une limpidité re-
marquable, les voix de la Capella
de Ministrers restituent la pureté
mélodique des chants, sans aucun
artifice. Si certains arrangements
se révèlent curieux, tels ces bour-
dons aux instruments, le résultat
n’est pas dénué d’intérêt sur le plan
artistique, et le tout est plutôt à
prendre comme une reconstruction
hédoniste et idéalisée de ces fêtes.
Il en va de même pour quelques
pièces empruntées aux Codex Las
Huelgas et de Madrid, jouées à la
vièle et la harpe, qui ponctuent
agréablement le programme.
Sur le plan technique, on regrette
la propension qu’ont les voix à des-
cendre au cours d’une même pièce :
le choc est parfois rude d’une piste
à l’autre ou lorsque tinte une cloche.
L’incontournable Alleluia Pascha
nostrum de la messe de Pâques,
exécuté dans une tessiture surai-
guë, apparaît bien terne en com-
paraison avec les versions transmises
par les manuscrits plus anciens, dont
l’étude systématique initiée par les
moines de Solesmes a permis de
revenir à une interprétation à la fois
objective et somptueuse. Insurpas-
sée en matière de plain-chant, la
gravure mythique de Dominique
Vellard (Harmonic Records, 1989)
permet toujours d’en prendre
conscience : le même Alleluia, paré
de sa virtuosité originelle, semblera
alors d’une richesse inouïe.
Clément Stagnol
LES RICHES HEURES
DE NOTRE-DAME DE PARIS
YYYY Œuvres de Pérotin,
Billard, Brumel, Certon, Mas
et anonymes.
Ensemble Pérotin le Grand.
Psalmus. Ø 2023. TT : 1 h 01’.
TECHNIQUE : 4/5
Formé en 2020,
l’Ensemble Péro-
tin le Grand
consacre son
premier disque
à Notre-Dame
de Paris. Une douzaine de pièces
résume plusieurs siècles de liturgie
et brosse un panorama varié des
styles et genres pratiqués à la ca-
thédrale (ou à proximité). Aux
monuments bien connus des ama-
teurs du répertoire médiéval (introït
Gaudeamus, organum à trois voix
Alleluia Nativitas de Pérotin) se
mêlent des choix plus érudits,
comme cette version du XIe siècle
du répons Gaude Maria Virgo dont
le verset est polyphonique, suivant
un manuscrit présent un temps à
l’Abbaye Saint-Maur-des-Fossés. Le
motet isorythmique Salve Virgo vir-
ginum (tournant du XVe siècle), attri-
bué à un certain Billard (peut-être
chapelain à Notre-Dame dans les
années 1390) est une autre jolie sur-
prise. L’exécution équilibrée du mo-
tet imitatif à six voix Inviolata de
Certon vient combler un vide éton-
nant dans la discographie du com-
positeur, cette pièce ayant parfois
été rapprochée du savoir-faire de
Josquin Després.
D’une manière générale, les inter-
prétations sont épurées et proches
de la notation. La légèreté des voix
dans l’organum Benedicta et vene-
rabilis es contraste de fait avec, par
exemple, la proposition puissante
et bien connue de l’ensemble Or-
ganum. Ces options artistiques ra-
viront celles et ceux en quête d’une
interprétation dénuée d’artifices
vocaux. L’attention accordée à la
prononciation du latin, prenant en
compte certains traits phonétiques
du français médiéval, manifeste un
souci d’authenticité.
Si le programme se veut didactique
(des liens sous-jacents unifiant le
répertoire, à la manière de la sé-
quence Hac clara die réutilisée par
Brumel dans son motet Ave Maria,
gratia Dei plena), on regrettera que
l’ordre chronologique estompe ces
subtilités. L’éclectique pièce finale
… A travers temps… de Raphaël
Mas (né en 1984) rend habilement
hommage aux pages précédentes
par l’amalgame de leurs procédés
de composition (déchant, pluritex-
tualité, poésie latine, etc.) et conclut
une prestation savante et sincère.
Kevin Roger
SOTTO IL SILENTIO
DELLA NOTTE OSCURA
Y Y Y Y Y « Musique napolitaine
pour consort de violes ».
Œuvres de Stella, Lambardo,
Tartagliano, De Macque, Sabini,
Gesualdo, Rinaldo Dall’Arpa,
Trabaci, Maione, Della Marra
et Victoria.
Consorteria Delle Tenebre.
NovAntiqua. Ø 2021. TT : 1 h 05’.
TECHNIQUE : 4/5
Qui dit musique
instrumentale
italienne autour
de 1600-1620,
avec tout ce
qu’elle comporte
d’expérimentation, pense d’abord
au clavecin ou aux autres instruments
à cordes pincées. Pourtant, même
si le consort de violes connaît une
tradition plus limitée que dans
d’autres pays, la pratique en est at-
testée, notamment à Naples où Sci-
pione Cerretto dans sa Prattica di
musica (1601) évoque celle-ci comme
« un son d’une harmonie parfaite
propre à résonner dans les oreilles
des auditeurs ».
Le Consorteria Delle Tenebre s’est
penché sur le Libro de don Luis Rossi
conservé à la British Library. Ses cin-
quante-trois pages, sans doute co-
piées vers 1617, empruntent à des
musiciens avec lesquels Rossi a étu-
dié ou s’est trouvé associé à Naples
avant son départ pour Rome en
1620. Le manuscrit contient, outre la
seule pièce instrumentale connue de
Carlo Gesualdo (la Canzone francese SCHOENFIELD : Trio pour Les nouveaux venus apparaissent
del principe), des œuvres de Gio- clarinette, violon et piano. davantage inspirés par Poulenc. Dans
vanni De Macque, Ascanio Maione BARTOK : Burlesque pour violon la Sonate pour clarinette (1963), Reto
et d’autres contemporains comme et piano op. 8c no 2. Contrastes. Bieri restitue adéquatement le mé-
Scipione Stella. NICHIFOR : Danse klezmer. lange de fantaisie et de gravité de
L’intensité dont font preuve les Reto Bieri (clarinette), l’Allegro tristamente : un souvenir
quatre violistes (le dessus de Teo- Patricia Kopatchinskaja (violon), du « Non più andrai » de Mozart
doro Baù !) participe à la plénitude Polina Leschenko (piano). donne la main à un langoureux thème
des textures. On admire la quasi- Alpha. Ø 2020. TT : 1 h 06’. d’amour qui lorgne vers le Roméo
dévotion des entrelacs harmoniques TECHNIQUE : 3,5/5 et Juliette de Prokofiev. L’Allegro
dans le Ricercare de Maione et les C’est à la demande con fuoco est traité avec brio, comme
pièces de De Macque (Capric- de Benny Good- les six numéros détachés de L’Invi-
cietto, Prime et Seconde strava- man que Bartok tation au château (1947) et joués en
ganze), comme la virtuosité sans s ’a t t e l a à guise d’interludes au fil du pro-
faille dont témoignent les Canzon ses Contrastes gramme, dans l’esprit d’un cabaret
sopra Susanna et Canzon d’Ippolito (1940), dont le klezmer.
chez Tartagliano. On goûte entre titre ne laisse guère deviner les mys- C’est également de cette tradi-
autres les raretés hédonistes, telles térieux arrière-plans. Patricia Kopat- tion musicale que s’est nourri Paul
les Partite sopra Zefiro de Rinaldo chinskaja et ses deux comparses en Schoenfield (né en 1947) pour son trio
Dell’Arpa, qui résument un panorama proposent une lecture enlevée, avi- (1990) : le mouvement lent (Nigun)
fascinant et pas aussi ténébreux que vant la couleur populaire des volets est une prière et le finale une danse
le laisseraient présager le nom de extrêmes mais, au fond, assez lit- endiablée. La raucité des attaques
l’ensemble et le titre de l’album. térale dans sa manière d’opposer de Kopatchinskaja est mieux en si-
Frédéric Degroote les timbres instrumentaux. Jusqu’à tuation dans cette Kozatske où les
l’outrance, parfois : entre un piano interprètes prennent tous les risques
TAKE 3 cogneur et un violon cabotin, la cla- sans craindre de trop en faire. Ilya
YYYY POULENC : L’Invitation rinette paraît bien esseulée. Cher- Gringolts joint son archet à la fête
au château (extraits). Bagatelle chez plutôt la version de Richard le temps d’un bis capté sur le vif et
en ré mineur pour violon et piano. Stolzman (RCA) ou celle du com- qui reflète bien cet album : plaisant
Sonate pour clarinette et piano. positeur (Naxos). mais brouillon. Marc Lesage

E
RT U R A Ampli intégré 3510
- APE
51 0 - E X P O S U R
A
EL
ST
Câ
s
te
ein
RA
bl
es

TU

Enc

R
PE
A u di o - A

En A
e 3

cein
te s F o r té -
A u dio -
m

le s TH
am

âb
UD

g
E

IE
s,
CH

NC
ue

E
O RD C O M

q
ni
ro
ct
E le
²ɈƵȁɈȌȲ
E E K AU D I O
P

A
(ǞȺɈȲǞƦɐɈǞȌȁ‫ة‬ NY
h e C hord C - CR
–T o 40
1 40
m

distribue les marques :

EE

e
pa

Apertura // Audience
ny

am

Chord Cables // Creek Audio

s, g

Exposure.
E l e c t ro n i q u e

VWHQWRUGLVWULEXWLRQIU
FRQWDFW#VWHQWRUGLVWULEXWLRQIU
    

intégré 4040 A

I 99
Récitals
CLARINETTE
par Bertrand Hainaut
▸Après une intégrale des symphonies, l’Orchestre de la Suisse
italienne et Howard Griffiths reviennent à Franz
Krommer (1759-1831). Les clarinettistes Beltramini
et Giuffredi s’emparent d’abord avec brio du premier
Double Concerto tandis que Grossi, Schiavon
et Kowalski scellent l’heureuse rencontre des vents
et des cordes dans le tout aussi divertissant Concertino
op. 38 pour flûte, hautbois et violon solos (CPO, Y Y Y Y ).
▸ Par ailleurs chef d’orchestre, assistant de Philippe Jordan
à Vienne, l’Autrichien Pierre Pichler célèbre
le romantisme germanique avec un programme sans
surprises, hormis les Cinq pièces de son mentor Alfred
Prinz. Sa sonorité chaleureuse, la liberté avec laquelle
il phrase font oublier quelques défauts de justesse
et une prise de son sourde qui relègue à l’arrière-plan
le piano et ôte tout brillant à l’Opus 5 de Berg (Gramola, Y Y Y ).
▸ La réédition des pages pour clarinette de Ferdinand
Ries (1784-1838) s’insère dans le désormais riche
panorama discographique consacré à l’ami, l’élève
et secrétaire de Beethoven. Vlad Weverbergh
offre une alternative chantante à la gravure
plus rhétorique de Dieter Klöcker, en particulier
dans la Sonate sentimentale, à l’origine pour flûte
et piano (Brilliant Classics, Y Y Y Y ).
▸ Disparu en 2011, Klöcker n’aura pas eu le temps de graver
le Concerto pour clarinette de Johann Wilhelm Wilms (1772-
1847) qu’il avait retrouvé dans la bibliothèque
du Conservatoire de Prague. Son homologue Ernst
Schlader en livre une excellente version sur instrument
historique. L’œuvre, qui s’inspire de Mozart et Weber
en passant par le jeune Spohr, est encadrée par deux
Sinfonie concertante dans lesquelles les membres
d’Harmonie Universelle dialoguent avec complicité
(Accent, Y Y Y Y Y ).
▸ On ne peut blâmer Aldo Botta pour l’indigente
prise de son qui ne rend justice ni à sa technique,
ni à l’élégance de ce programme intégralement
français. Aux côtés des rabâchés Solos de concours
de Rabaud et Messager, quelques raretés
de Semler-Collery et Coquard méritent le détour,
sans trop s’attarder (Brilliant Classics, Y Y ).
▸Désormais à la tête du Kurpfälzisches Kammerorchester,
Paul Meyer revient à Carl Stamitz. Il se lance
à l’assaut des Concertos pour clarinette nos 1, 6 et 8
avec une telle prestesse que ses musiciens peinent
parfois à le suivre. Sa virtuosité époustouflante
subjugue mais on lui préfère le lyrisme d’Andreas
Ottensamer dans le premier des concertos
de Darmstadt (en mi bémol majeur !) (CPO, Y Y Y Y ).
▸ Belle idée de réunir les quintettes pour clarinette
de Max Reger et Johanna Senfter – sa disciple à Leipzig
de 1908 à 1910. En 1950, l’enseignement du maître
transparaît encore dans le contrepoint (parfois austère)
qui irrigue l’Opus 119. Kilian Herold et le Quatuor
Armida y sont redoutables de précision. Ils séduisent
par une sensibilité exceptionnelle dans le chant
du cygne régérien, y tutoyant ainsi la perfection
de Sharon Kam et ses amis (Avi, Y Y Y Y Y ).
100 I
THE GOLDEN HOUR
YYYY Sonates de Leclair,
Boismortier, Dornel, Rebel
et Francœur.
Simon Pierre (violon),
Lucile Boulanger (viole de gambe),
Olivier Fortin (clavecin).
Alpha. Ø 2022. TT : 1 h 06’.
TECHNIQUE : 3,5/5
La formation ras-
semblée est bien
connue : c’est
celle de la Son-
nerie de Sainte-
Geneviève du
Mont de Marais, de diverses œuvres
de Telemann, d’une belle sonate en
ré majeur de Leclair. Aux pages dé-
volues directement au violon, à la
viole obligée (ou, dans un cas, au
violoncelle) et au continuo, Simon
Pierre, Lucile Boulanger et Olivier
Fortin joignent les transcriptions de
trois sonates pour deux instruments
aigus et la basse. L’abaissement de
la partie de second dessus ne
convainc pas partout. C’est parti-
culièrement vrai pour la première
sonate de l’album, un Opus 4 no 1
de Leclair sans vision ni charme qui
nous laisse sur le bord du chemin.
En fin de programme, la lecture de
l’Opus 13 no 2 en si mineur est plus
aboutie – ici l’on oublie la transcrip-
tion, même si les interprètes de-
meurent un peu sages. La magni-
fique Sonate en si mineur d’Antoine
Dornel semble marcher sur des œufs
et manque son but – le Prélude erre,
le Lentement et doux s’enlise sans
trouver un caractère, la Chaconne
gracieuse est bien prosaïque.
Les choses s’arrangent dans les
pages non transcrites. Ainsi dans
l’Opus 50 no 6 de Boismortier, où la
viole prend la place du violoncelle
obligé : vifs, inspirés, les trois inter-
prètes en proposent une version
idéale. Leur lecture de la quatrième
des Sonates à violon seul mêlées de
plusieurs récits pour la viole de Jean-
Féry Rebel est inégale : l’équilibre
des trois voix, la conduite du dis-
cours dans le troisième mouvement
se révèlent plus que satisfaisants,
stimulés en particulier par la viole
volontaire de Lucile Boulanger. Le
finale (où la viole rejoint le clavecin
pour faire sonner le continuo) profite
de la même complémentarité fruc-
tueuse pour déployer son énergie,
quand d’autres passages avancent
en mode automatique.
On apprécie la dernière sonate du
Livre II de Francœur : la Courante
virevolte, les deux archets paraissent
y jouer véritablement l’un avec l’autre
et construire un discours spirituel.
Si la Sicilienne manque un peu de
direction, le Rondeau affiche un ca-
ractère délicat fort bien tourné.
Loïc Chahine
WENN ICH NUR DICH HABE
Y Y Y Y Y Cantates de Buxtehude,
Pohle et Rosenmüller. Pièces
d’orgue de Kneller et Böhm.
Laureen Stoulig-Thinnes
(soprano), Vincent Bernhardt
(orgue Garnier de Sainte-Croix
de Bouzonville, direction),
La Chapelle Saint-Marc.
Indesens. Ø 2022. TT : 1 h 05’.
TECHNIQUE : 3,5/5
Intelligemment
construit autour
du Psaume
LXXIII, le pro-
gramme met en
valeur des com-
positeurs d’Allemagne du Nord au
sortir de la guerre de Trente Ans,
pour qui ce texte parlant du refuge
en Dieu et du triomphe sur ses en-
nemis trouvait donc une résonance
particulière. Aussi les interprètes
déclinent-ils le registre de l’émoi
intime. Dans les cantates, la voix
souple de Laureen Stoulig-Thinnes,
allégée parfois jusqu’au fredonne-
ment, le trio à cordes soutenu par
harpe ou théorbe, l’orgue de Marc
Garnier à la finesse chambriste
évoquent la dévotion privée, voire
la Hausmusik d’une maisonnée pieu-
sement opulente.
Les pièces d’orgue jouent sur la va-
riété et l’individualité de timbres à
l’harmonie savoureuse et distinguée,
que Vincent Bernhardt choisit et
mélange avec science et goût. A
peine remarquera-t-on, pour pinail-
ler, un penchant très marqué pour
le geste rhétorique (préludes de
Kneller) quand le lyrisme du Vater
unser de Böhm sonne un peu sec.
Les sujets de fugue à notes répé-
tées mériteraient également un peu
plus d’attention au relevé de la
touche pour atteindre aux effets de
coups d’archet qu’au siècle dernier
André Isoir maîtrisait comme per-
sonne. En revanche, la partita de
Kneller sur Nun komm, der Heiden
Heiland est d’un bout à l’autre un
franc régal. Somme toute, foin des
pinaillages : ne boudons pas notre
plaisir ! Paul de Louit
 Abonnez-vous à
Pour vous,
Coffret
l'offre PASSION
11 nClivD
ret
+ so

89€
seulement au lieu de 143,47€*

-38%
Photos non contractuelles

de réduction

1 an (11 numéros)
+ 11 CD Diapason d'Or
1 an (11 numéros +
11 CD Diapason d'Or + 3 guides)
+ les 3 guides Diapason
+ la version numérique incluse
dans votre abonnement,
à consulter sur
Kiosquemag.com
Volume 27 + 14 CD

Tchaïkovski les Indispensables

+ le coffret 11 CD de
Ballets / Opéras Tchaïkovski
Des enregistrements rares et des interprétations de Flashez-moi
+ 14 CD Les indispensables légende, sélectionnées par les critiques de Diapason. pour voir l'offre !

Bulletin d'abonnement à retourner sous enveloppe affranchie à DIAPASON - Service abonnements - 59898 Lille Cedex 9 - Téléphone : 01 46 48 47 60
1 Je choisis mon offre d’abonnement : # M004 # D1536457

■ Offre coffret : 11 n° Diapason + 11 CD Diapason -38%

Offre annuelle : 11 n° Diapason + 11 CD Diapason d'Or■ -28%
d'Or + 14 CD Les Indispensables + 3 guides + le coffret TCHAÏKOVSKI + 14 CD Les Indispensables + 3 guides au prix de 79€ au lieu
au prix de 89€ au lieu de 143,47€* soit 38% de réduction. [1] de 110,47€* soit 28% de réduction. [2]
Quel que soit mon choix, mon abonnement se renouvellera automatique à la date anniversaire sauf résiliation de ma part. Je remplis le mandat SEPA ci-dessous accompagné de mon RIB ou je joins un chèque libellé à l’ordre de Diapason.

2 Je valide mon règlement :

Je complète l’IBAN à l'aide de mon RIB et je n’oublie pas de joindre mon RIB.
Date : ■■ / ■■ / ■■■■
IBAN ■■■■ ■■■■ ■■■■
■■■■ ■■■■ ■■■■ ■■■■ ■■■
Tarif garanti 1 an. Vous autorisez Reworld Media Magazines à envoyer des instructions à votre banque pour débiter votre compte, et votre banque à débiter votre compte conformément
Signature obligatoire :

aux instructions de Reworld Media Magazines . Créancier : Reworld Media Magazines 40, avenue Aristide-Briand - 92220 Bagneux Cedex 09 France.
Identifiant du créancier : FR 05 ZZZ 489479.

3 J'indique les coordonnées du bénéficiaire de l'abonnement : PLUS RAPIDE, JE M'ABONNE EN QUELQUES CLICS SUR
à l'adresse :
SCANNEZ-MOI !
Nom** :  Prénom** :  bit.ly/offre-731

Adresse** : 
Muni de mon RIB ou de ma carte bancaire, je m'abonne en toute sécurité !

 *Le prix de référence à l’année se compose du prix kiosque soit 100,90€( 11 numéros+ 11 CD Diapason d’Or+ 14 CD Les Indispensables) +
9,57€ de frais de port.**À remplir obligatoirement. Offres (1) et (2) avec engagement : abonnement annuel automatiquement reconduit à

CP** :  Ville** : 

date d’anniversaire. Le règlement s’effectue en 1 seule fois. Vous serez informé par écrit dans un délai de 3 mois avant le renouvellement
de votre abonnement. Vous aurez la possibilité de l’annuler 30 jours avant la date de reconduction auprès du service client. A défaut
l’abonnement sera reconduit pour une durée identique à votre abonnement initial. Pour toute autre information, vous pouvez consulter
Tél. (portable de préférence) : (Envoi d’un SMS en cas de problème de livraison)
nos CGV sur kiosquemag.com et contacter le service client par mail sur serviceabomag.fr ou encore par courrier à Reworld Media
Magazines - Service Client - 40 avenue Aristide Briand - 92227 Bagneux. Offre réservée aux nouveaux abonnés en France Métropolitaine

Email: 
valable 2 mois dans la limite des stocks disponibles. DOM-TOM et autres pays nous consulter. Vous disposez, conformément à l’article L 221-
18 du code de la consommation, d’un droit de rétractation de 14 jours à compter de la réception du magazine en notifiant clairement votre
(Utile pour accéder à votre magazine en numérique et à votre espace client sur Kiosquemag.com, et gérer votre abonnement) décision à notre service abonnement. Les informations demandées sont destinées à la société REWORLD MEDIA MAGAZINES (KiosqueMag)
à des fins de traitement et de gestion de votre commande, de la relation client, des réclamations, de réalisation d’études et de statistiques
Date de naissance : / / (pour fêter votre anniversaire) et, sous réserve de vos choix, de communication marketing par KiosqueMag et/ou ses partenaires par
courrier, téléphone et courrier électronique. Vous bénéficiez d’un droit d’accès, rectification, d’effacement
 Je ne souhaite pas recevoir les offres Privilège Diapason et Kiosquemag sur des produits et services similaires à ma commande par la Poste, e-mail de vos données ainsi que d’un droit d’opposition en écrivant à RMM-DPD, c/o service juridique, 40 avenue
Aristide Briand - 92220 Bagneux, ou par mail à dpd@reworldmedia.com. Vous pouvez introduire une
et téléphone. Dommage ! réclamation auprès de la CNIL - www.cnil.fr. Pour en savoir plus sur la gestion de vos données personnelles,
 Je ne souhaite pas que mes coordonnées postales et mon téléphone soient communiqués à des partenaires pour recevoir leurs bons plans. Dommage! vos droits et nos partenaires, consultez notre politique de Confidentialité sur www.kiosquemag.com.
● Les vidéos
Feux d’artifice sur le lac
Malgré la mise en scène inégale, cette Dame du lac rossinienne
nous emporte sur les cimes grâce à une distribution de très haut vol.
J
oué par des acteurs, un vieux
couple bourgeois se défait, autre-
fois Elena et Malcolm, les tourte-
reaux de La Dame du lac. Ils se
mêlent ensuite à leurs doubles,
dans un manoir écossais décrépit que les
herbes envahissent, revivant un passé
effondré. Un passé auquel ne croit pas
Damiano Michieletto : c’est du roi, fou
amoureux d’elle, qu’elle était apparemment
éprise, pas de Malcolm. Le lieto fine sonne
faux. Et Elena est victime d’une double vio-
lence, celle d’un promis qu’elle n’aimait pas
et d’un père qui voulait le lui imposer : foin
du seria figé ! On pense à Tcherniakov, mais
Michieletto n’a pas son talent de direction
d’acteur, qu’on attendrait plus constam-
ment tendue. Pourtant, la production se
tient, grâce aussi au beau décor de Paolo
Fantin et aux lumières crépusculaires
d’Alessandro Carletti… et, surtout, à des
interprètes de haut vol.
Pouvait-on, en 2016, réunir à Pesaro meil-
leure distribution ? Salome Jicia, un an
102 I
© ROF
auparavant, était Comtesse de Folleville l’introduction du deuxième acte. A placer à
dans Le Voyage à Reims traditionnellement côté de la production scaligère de 1992 (DVD
organisé par l’Académie du festival. La voici Opus Arte), où Riccardo Muti portait lui
Elena incandescente, technicienne aguerrie, aussi une distribution authentiquement ros-
styliste accomplie, n’ayant rien à craindre sinienne (June Anderson, Rockwell Blake,
du périlleux rondo final. Une partenaire de Chris Merritt…). Didier Van Moere
choix pour Juan Diego Florez, cantabile
satiné et colorature hardie, le meilleur roi
d’Ecosse qu’on puisse rêver. GIOACHINO ROSSINI
1792-1868
Thriller haletant Y Y Y Y Y La donna del lago.
Le Rodrigo belliqueux et jaloux de Michael Juan Diego Florez (Giacomo V/Uberto),
Spyres, baryténor couvrant avec hardiesse Mark Mimica (Duglas),
une tessiture plus distendue encore, n’a Michael Spyres (Rodrigo),
Salome Jicia (Elena), Varduhi
guère à lui envier, sinon des vocalises plus
Abrahamyan (Malcolm),
ciselées. Pas moins rompue au chant rossi- Ruth Iniesta (Albina),
nien, Varduhi Abrahamyan assume avec Chœur et Orchestre
vaillance le contralto musico de Malcolm, sa du Teatro comunale
tendresse et son héroïsme. de Bologne, Michele Mariotti.
Un cast magnifiquement soutenu par la Mise en scène : Damiano
direction vif-argent de Michele Mariotti, qui Michieletto.
Unitel (2 DVD ou Blu-ray).
fait du melodramma un thriller haletant,
Ø 2016. TT : 2 h 48’.
aux couleurs très variées, d’où n’est pas Son PCM stéréo/DTS 5.1.
exclue la poésie des atmosphères – écoutez
MODESTE MOUSSORGSKI
1839-1881
Y Y Y Y Boris Godounov.
Bryn Terfel (Boris Godounov),
John Graham-Hall (Chouïski),
Ain Anger (Pimène), David Butt
Philip (Grigori), Rebecca De Pont
Davies (l’Hôtesse), John Tomlinson
(Varlaam), Vlada Borovko (Xenia),
Ben Knight (Fiodor), Nicholas
Sales (un Boyard), Andrew Tortise
(l’Innocent), Chœur et Orchestre
de Covent Garden, Antonio
Pappano. Mise en scène :
Richard Jones.
Opus Arte (DVD ou Blu-ray).
Ø 2016. TT : 2 h 19’.
Son PCM stéréo/DTS 5.1.
O n assassine un enfant qui joue
avec une toupie : telle est la pre-
mière image de ce Boris Godounov
londonien. L’obsession du tsar rongé
par la culpabilité sera le leitmotiv
de la production de Richard Jones.
Dans un décor peu chargé, souvent
plongé dans la pénombre, se déroule
le drame qu’aucun concept ne revi-
site : pas de Regietheater, mais une
fidélité à l’œuvre. On se contente de
mélanger les époques à travers les
costumes, certainement pour suggé-
rer, sans rien appuyer, la continuité
de l’histoire russe. Il en résulte un
spectacle impeccable, notamment
par la direction d’acteur, mais trop
lisse, trop léché pour nous boule-
verser, en particulier dans la scène
des hallucinations.
Très loin des voix russes, Bryn Ter-
fel campe un tsar malgré lui, hu-
main trop humain, au grave et à
l’aigu limités maintenant, toujours
excellent chanteur mais pas vrai-
ment Boris. On y verrait finalement
davantage Ain Anger, ici Pimène
imposant, voix d’un au-delà ven-
geur. Autour d’eux, chacun rend
justice à sa partie : Vaarlam haut
en couleur d’un John Tomlinson en-
core en voix, Xenia toute fraîche de
Vlada Borovko, Chouïski tortueux
de John Graham-Hall, Innocent lu-
mineux d’Andrew Tortise, faux Di-
mitri halluciné de David Butt Phi-
lip surtout. Le chœur, en revanche,
ne trouve que progressivement sa
stabilité.
Antonio Pappano a choisi la version
originelle de l’opéra, en sept scènes.
Il n’est pas sûr que sa direction trop
enveloppée, pas toujours très ten-
due, restitue idéalement les audaces
anguleuses de ce Boris 1867 – la
version remaniée par Rimski-Kor-
sakov lui conviendrait sans doute
mieux. Il manque décidément une
dimension à cette production. Re-
tour donc à l’âpreté poignante du
spectacle munichois de Calixto
Bieito, malgré la baguette un peu
neutre de Kent Nagano (Bel Air).
Didier Van Moere
GIACOMO PUCCINI
1858-1924
Y Y Tosca.
Kristine Opolais (Tosca),
Jonathan Tetelman (Cavaradossi),
Gabor Bretz (Scarpia), Rafal
Pawnuk (Sciarrone), Ivan Zinoviev
(Angelotti), Andrew Morstein
(Spoletta), Arnold Schoenberg
Chor, Orchestre symphonique
de l’ORF, Marc Albrecht.
Mise en scène : Martin Kusej.
Unitel (DVD ou Blu-ray).
Ø 2022. TT : 2 h 02’.
Son PCM stéréo/DTS 5.1.
C ette Tosca du Theater an der
Wien signée Martin Kusej a l’air
de se complaire dans la provocation
gratuite, tombant dans le macabre
le plus grotesque et s’amusant à
prendre systématiquement le contre-
pied du livret. Nous voici dans un
monde enneigé où Scarpia semble
être le grand pourvoyeur de cha-
leur, lui-même possédant des vête-
ments douillets quand ses oppo-
sants grelottent dans la froidure.
Vivant dans une roulotte, il est le
chef d’une secte aussi militariste que
bigote, au sadisme exacerbé. Au
milieu de la scène, un arbre mort
s’orne d’un cadavre affreusement
mutilé, dont les membres sangui-
nolents pendent aux branches, juste
au-dessus d’une vierge devant la-
quelle Tosca, indifférente à l’horreur,
viendra prier.
Malgré les tripatouillages d’un texte
allègrement modifié, les incohérences
abondent. « Je ne te ferai pas vio-
lence », s’exclame Scarpia en giflant
avec ardeur celle qu’il repoussera
pendant tout l’acte II, malgré les ef-
forts évidents de la belle pour le
« séduire », en chantant le « Vissi
d’arte » en déshabillé sur ses genoux.
Elle sera finalement tuée par la mar-
quise Attavanti (et sœur d’Angelotti).
Comprenne qui pourra.
Kristine Opolais, en minijupe et
bottes à talons hauts, se prête à ce
jeu de call-girl vulgaire avec un plai-
sir manifeste, tant scéniquement
que vocalement, accumulant les sons
rauques et stridents, que ce soit dans
les graves ou dans les aigus. Même
si elle parvient à les mettre au ser-
vice du drame lors de sa « confron-
tation » de l’acte II, il reste difficile
d’apprécier cette émission impré-
cise et ce défaut de rondeur comme
d’élégance.
Ce Scarpia qui arbore une éternelle
moue méprisante et paraît en perma-
nence mettre tous les protagonistes
au défi de le tuer est parfaitement
incarné par Gabor Bretz. Dommage
que ce beau baryton demeure un
peu monocorde et manque de mor-
dant. Jonathan Tetelman s’empare
avec passion du rôle de Cavaradossi.
Même s’il s’étrangle dans le « Vitto-
ria », ce grand ténor lyrique à la voix
ronde et ambrée campe un Mario
à la fois candide et viril, émouvant
dans ses deux airs.
Fort heureusement, on savoure éga-
lement la sensualité et la profondeur
sonore du bel Orchestre sympho-
nique de la Radio de Vienne, qui,
sous la baguette de Marc Albrecht,
maintient toujours l’intensité dra-
matique et reste finalement le vain-
queur musical de la soirée.
Julia Le Brun
GIUSEPPE VERDI
1813-1901
Y Y Y Rigoletto.
Carlos Alvarez (Rigoletto),
Javier Camarena (le Duc),
Désirée Rancatore (Gilda),
Ante Jerkunica (Sparafucile),
Ketevan Kemoklidze (Maddalena),
Gemma Coma-Alabert (Giovanna),
Chœur et Orchestre
du Gran Teatre del Liceu,
Riccardo Frizza. Mise en scène :
Monique Wagemakers.
C Major (DVD ou Blu-ray).
Ø 2017. TT : 2 h 13’.
Son PCM stéréo/DTS 5.1.
M onique Wagemakers joue la
carte de l’épure. La scène du
Liceu de Barcelone offrira à son Ri-
goletto, pour uniques décors, un
rectangle de néons lumineux déli-
mitant divers espaces et un grand
escalier. Sur un fond noir se détache
un sol blanc ou rose bonbon, assorti
à de beaux costumes Renaissance
stylisés et taillés dans un tissu de
même couleur. Si l’effet esthétique
est plutôt réussi, cette abstraction
totale n’aide pas le spectateur à
contextualiser l’action et ne sou-
tient guère le drame, d’autant qu’il
ne faut pas compter sur la direc-
tion d’acteur, très basique. L’accent
est surtout mis sur la personnalité
d’un bouffon assez macho et amou-
reux de sa fille. Faute de mobilier,
les chanteurs se retrouvent assis
ou allongés par terre, avant de dis-
paraître dans la trappe faisant of-
fice de porte.
Heureusement, Carlos Alvarez a
tout d’un grand Rigoletto. Son ba-
ryton puissant au timbre sombre
et riche, gagnerait à être plus
nuancé, mais il n’en reste pas moins
sincère et très émouvant, en par-
ticulier dans le « Cortigiani » et le
finale, où il se révèle en prime ex-
cellent acteur. En revanche, la Gilda
de Désirée Rancatore laisse dubi-
tatif : sons aigres, grave et médium
faibles, nasillards, vibrato trop large.
Son « Caro nome », d’une gestuelle
maniérée, est bien poussif et le duo
de la vengeance se conclut sur un
aigu hurlé.
En 2017, Javier Camarena faisait là
ses débuts en Duc de Mantoue. Si
sa voix est un peu légère pour le
rôle, il l’aborde en belcantiste ac-
compli, séduisant par sa délicatesse,
l’élégance de son style, et même la
virtuosité des ornementations qu’il
ajoute à la cabalette. Ketevan Ke-
moklidze campe une Maddalena
aux graves faciles et très sexy tan-
dis que Sparafucile échoit à la basse
noire, mordante à souhait, d’Ante
Jerkunica.
A la tête des forces du Gran Teatre
del Liceu, Carlo Rizzi semble vouloir
compenser le vide du plateau par
des tempos rapides qui ne vont pas,
hélas, sans une certaine sécheresse,
notamment dans les duos de l’acte II.
Sa direction précise, attentive aux
chanteurs, n’en porte pas moins le
spectacle avec efficacité, particu-
lièrement dans les chœurs et les
ensembles, tels ceux de l’acte III,
qui offre un quatuor réussi.
Julia Le Brun
I 103
Ÿ Bon de commande mars 2024

cd.com
Votre disque classique à domicile
DIAPASONS D’OR Locke, Matthew : Locke : «Consorts Flat and Sharp » 1236081A 31,09 € p. 84 
Jascha Heifetz : Mendelssohn / Bruch / Sarasate 1238651A 9,85 € p. 63  Maderna, Bruno : Maderna : Anhologie (Bonolis) 1233134A 27,00 € p. 85 
« Berlioz : Les chefs-d’œuvre » 1238650A 54,37 € p. 68  Magalhaes, Filipe de : Magalhaes : Musique sacrée (Toscano) 1222024A 30,26 € p. 85 
« Paavo Berglund, The Warner Edition » 1226631A 194,24 € p. 70  Mahler, Gustav : Mahler : Symph. no 2 (Rouvali) 1230591A 35,22 € p. 86 
Beethoven : « The Lost Tapes » (Serkin) 1230745A 31,92 € p. 72  Marais, Marin : Marais : « Le Manuscrit retrouvé » (Lenhof / 1235012A 26,00 € p. 86 
Grieg : Quatuor. Smetana : Quatuor no 1 (Quatuor Modigliani) 1233066A 31,90 € p. 80  Messiaen, Olivier : Messiaen : Turangalîla 1234400A 33,07 € p. 86 
Korngold : Quint. op. 15. Quatuor no 1 (Van Eckardstein / Qu 1226176A 27,42 € p. 82  Bach, Jean-Sébastien : Mozart : Fantaisies. Quatuor avec 1233065A 29,27 € p. 86 
La Guerre : Céphale et Procris (Van Mechelen) 1236645A 44,87 € p. 84  Heras-Casado, Pablo : Mühlrad : Maggid. REMS (Heras- 1227522A 29,53 € p. 86 
Schütz : Schwanengesang (Wilson) 1229759A 52,96 € p. 90  Paderewski, Ignacy Jan : Paderewski : Manru (Wendeberg) 1229763A 55,79 € p. 87 
Behzod Abduraimov : « Shadows of my Ancestors » 1234417A 31,09 € p. 92  Pärt, Arvo : Pärt : « Tractus » (Kaljuste) 1230115A 31,92 € p. 88 
Florian Noack : « I wanna be like you » 1239472A 31,56 € p. 94  Pärt, Arvo : Pärt : Musique de chambre (Sepashvili) 1217416A 28,84 € p. 88 
Sandine Piau : « Reflets » 1234415A 31,09 € p. 95  Pärt, Arvo : Pärt : « Tintinnabuli » (Van Veen) 1202911A 16,08 € p. 88 
LES INDISPENSABLES Pärt, Arvo : Pärt : « Lamentate » (Piquero) 1207882A 27,42 € p. 88 
Pärt, Arvo : Arabella Steinbacher « Bach & Pärt » 1206175A 27,00 € p. 88 
Bruch, Max : Jascha Heifetz : Mendelssohn / Bruch / Sarasate 1238651A 9,85 € p. 63 
Pohle, David : Pohle : Zwölf Liebesgesänge (Lyko / Potter / 1226223A 31,68 € p. 88 
L’ÎLE DÉSERTE
Puccini, Giacomo : Puccini : I canti. Pièces orchestrales 1234425A 31,09 € p. 88 
Williams, John : Williams : The Empire Strikes Back (Williams) 1059024A 15,74 € p. 66  Ravel, Maurice : Ravel : Daphnis et Chloé (Wilson) 1228821V 30,73 € p. 89 
Williams, John : Williams : Close Encouters of the Third Kind - Epuisé - ----- p. 66  Strauss, Richard : Strauss : Quatre derniers Lieder (A. 1236639A 31,09 € p. 89 
Holst, Gustav : Holst : Les Planètes. Williams : Star Wars - Epuisé - ----- p. 66  Schütz, Heinrich : Schütz : Schwanengesang (Wilson) 1229759A 52,96 € p. 90 
LA DISCOTHÈQUE IDÉALE Stravinski, Igor : Stravinsky :Anthologie (Ehnes / A. Davis) 1235548V 30,73 € p. 90 
Berlioz, Hector : « Berlioz : Les chefs-d’œuvre » 1238650A 54,37 € p. 68  Tchaïkovski, Tchaïkovski : Tchaïkovski : Symph. nos 5 et 6 1236383A 41,60 € p. 90 
LES RÉÉDITIONS Tosti, Francesco Paolo : Tosti : 21 Mélodies (Camarena) 1234493A 27,00 € p. 91 
Multi-Artistes : « Paavo Berglund, The Warner Edition » 1226631A 194,24 € p. 70  Der Pals, Van : Van der Pals : Quatuors nos 1 à 3 (Quatuor Van 1222091A 20,33 € p. 91 
Dukas, Paul : Paul Dukas : Anthologie 1232364A 28,37 € p. 70  Vivaldi, Antonio : Vivaldi : « Concerti per una vita » (Langlois 1235202A 35,44 € p. 91 
Multi-Artistes : « Ernest Ansermet, The Mono Years » 1231289A 296,47 € p. 71  LES RÉCITALS
Carreras, José : « José Carreras, Complete Recitals on Philips 1228818A 252,24 € p. 71  p. 92 
Prokofiev, Serge : Behzod Abduraimov : « Shadows of my 1234417A 31,09 €
L’EVÈNEMENT DU MOIS Bartok, Béla : Piotr Anderszewski : Janacek / Szymanowski 1234788A 29,53 € p. 92 
Beethoven, Beethoven : Beethoven : « The Lost Tapes » 1230745A 31,92 € p. 72  Messiaen, Olivier : Alina Beva : « Fantasy » 1236637A 31,09 € p. 92 
LE DICTIONNAIRE Couperin, François : Martin James Bartlett : « La Danse » 1234184A 29,53 € p. 93 
Bach, Bach : Bach (C.P.E.) : Six symphonies (Orch. di XVIIIe 1235257A 31,90 € p. 74  Bartok, Béla : Cuateto Quiroga : « Atomos » 1229033A 28,46 € p. 93 
Bach, Jean-Sébastien : Bach : Lieder spirituels (Mertens / 1229742A 27,42 € p. 74  Florian Noack : « I wanna be like you » 1239472A 31,56 € p. 94 
Bach, Johann Sebastian : Bach : Six Partitas (Nuti) 1236144A 42,55 € p. 74  Kremer, Gidon : Gidon Kremer : « Songs of Fate » 1234943A 31,92 € p. 95 
Bach, Jean-Sébastien : Bach : Six sonates pour violon 1236254A 45,38 € p. 74  Berlioz, Hector : Sandine Piau : « Reflets » 1234415A 31,09 € p. 95 
Bach, Jean-Sébastien : Bach : Suites pour violoncelle (Skalka) 1236382A 41,60 € p. 75  Tertis, Lionel : Timothy Ridout : «A Lionel Tertis Celebration » 1233967A 35,44 € p. 95 
Bach : Bach : Variations Goldberg (Wolfs) 1226759A 27,19 € p. 75  Multi-Artistes : Hanna Salzenstein : « E il violoncello suonò » 1235595A 31,90 € p. 96 
Beethoven, Beethoven : Beethoven : Concerto pour violon 1225849A 29,53 € p. 75  Haydn, Joseph : Trio Ernest : « Haydn All-Stars » 1233630A 31,90 € p. 95 
Beethoven, Beethoven : Beethoven : Trios avec piano (Trio 1231429V 33,88 € p. 75  Ferguson, Howard : Wigmore Soloists : Ferguson / Holloway 1231816V 31,56 € p. 96 
Brandt, Jobst Vom : Brandt : Chansons (Pahn / Finke) 1233184A 26,00 € p. 76  Bonds, Margaret : African American Voices II : Bonds / Kay 1228851A 31,09 € p. 96 
Brescianello, Brescianello : Brescianello : Anthologie 1230592A 27,83 € p. 76  Multi-Artistes : « Concert du Nouvel An 2024 » (Thielemann) 1234503A 33,46 € p. 97 
Chostakovitch, Dimitri : Chostakovitch : Quatuors nos 7 à 13 1229810A 41,60 € p. 76  Multi-Artistes : « Dolce Pupillo » (Prina / Goes) 1234303A 29,74 € p. 97 
Coleridge-Taylor, Samuel : Coleridge 1218929A 24,68 € p. 76  Keller, Capucine : « O Jesulein » (Clematis) 1198013A 31,09 € p. 98 
Coleridge-Taylor, Samuel : Coleridge 1230623A 30,24 € p. 76  Aubert, Louis : « Passage secret » (Berlinskaya / Ancelle) 1236638A 31,09 € p. 98 
Corbetta, Francesco : Corbetta : « La Guitarre Royalle » 1234418A 31,09 € p. 77  Multi-Artistes : « Les Riches heures de Notre 1233860A 26,71 € p. 98 
Ambrosio, D’Ambrosio : D’Ambrosio : Musique de chambre 1230093A 27,42 € p. 77  Multi-Artistes : « Sotto il silenzio della notte oscura » 1214401A 28,46 € p. 98 
« Lux » (La Sportelle) 1225351A 31,09 € p. 78  Bartok, Béla : « Take 3 » (Bieri, Kopatchinskaja; Leschenko) 1236143A 31,09 € p. 99 
Multi-Artistes : « Le Souffle de l’âme » (Dulci Jubilo) 1232972A 24,96 € p. 78  Bodin de Boismortier, Joseph : « The Golden Hour » (Pierre / 1237453A 31,09 € p. 100 
Kodaly, Zoltan : « Hungarica » (Ensemble Zene) 1223366A 31,90 € p. 78  Böhm, Georg : « Wenn ich dich nur habe » (Stoulig 1235905A 29,74 € p. 100 
« Brahms le tzigane » (Pungier) 1233593A 31,90 € p. 78  Krommer, Franz : Krommer : Double Concerto. Concertino 1217164A 30,26 € p. 100 
Dandrieu, Jean-François : Dandrieu : Premier livre de pièces 1226233A 18,91 € p. 78  Multi-Artistes : Pierre Pichler : Prinz / Berg 1226267A 28,84 € p. 100 
Dufourt, Hugues : Dufourt : L’Oeuvre pour piano seul (Mansard 1230673A 43,73 € p. 78  Ries, Ferdinand : Ries : L’Oeuvre pour clarinette (Weverbergh) 1222173A 16,08 € p. 100 
Dvorak, Antonin : Dvorak : Danses slaves (Brauner) 1236343A 28,84 € p. 79  Wilms, Wilms : Wilms : Concerto pour clarinette (Schlader) 1213247A 31,09 € p. 100 
Frank, César : Franck : Oeuvres pour piano (Vanden Eynden) 1230661A 26,00 € p. 79  Multi-Artistes : Aldo Botta : « The French Clarinet » 1217323A 16,08 € p. 100 
Bach, Giardini : Giardini : Musique de chambre (L’Astrée) 1205774A 20,33 € p. 80  Stamitz, Carl : Stamitz : Ctos nos 1, 6 et 8 (Meyer) 1214791A 30,26 € p. 100 
Graun, Carl Heinrich : Graun : Silla (De Marchi) 1219808A 55,79 € p. 80  Reger, Max : Reger : Quintette. Senfter : Quintette (Herold / 1229812A 30,26 € p. 100 
Grieg, Edvard : Grieg : Quatuor. Smetana : Quatuor no 1 1233066A 31,90 € p. 80  LES DVD
Hasse, Johann Adolf : Hasse : L’Olimpiade (Bernius) 1226818A 54,37 € p. 81  Rossini : La donna del lago (Mariotti / Michieletto) 149662AS 57,68 € p. 102 
Haydn, Haydn : Haydn : Cto pour violon no 4 (Terakado / 1236346A 27,42 € p. 81  Rossini : La donna del lago (Mariotti / Michieletto) 149662AN 55,79 € p. 102 
Haydn, Joseph : Haydn : Cto pour violon no 1 et 4 (Albertus / 1233249V 30,97 € p. 82  Moussorgski : Boris Godounov (Pappano / Jones) 149663AN 49,41 € p. 102 
Haydn, Joseph : Haydn : 48 Sonates (Pienaar) 1226204A 70,45 € p. 82  Moussorgski : Boris Godounov (Pappano / Jones) 149663AS 60,52 € p. 102 
Haydn, Haydn : Haydn (M.) : La Glaneuse. Ninfe inbelli 1229757A 30,26 € p. 82  Puccini : Tosca (Albrecht / Kusej) 149665AN 47,28 € p. 102 
Korngold, Korngold : Korngold : Quint. op. 15. Quatuor no 1 1226176A 27,42 € p. 82  Puccini : Tosca (Albrecht / Kusej) 149665AS 57,68 € p. 102 
Jarrell, Michael : Jarrell : Anthologie (Gringolts / Jodelet / 1233119V 31,56 € p. 83  Verdi : Rigoletto (Frizza / Wagemakers) 149666AS 57,68 € p. 102 
Di Lasso, Orlando : Lassus : « The Alchemist » (Cave) 1237427A 42,55 € p. 83  Verdi : Rigoletto (Frizza / Wagemakers) 149666AN 47,28 € p. 102 
Jacquet de La Guerre, Elisabeth : La Guerre : Céphale et 1236645A 44,87 € p. 84 
 Ÿ Bon de commande mars 2024

À détacher ou à photocopier
PRODUITS NE FIGURANT PAS DANS CE BON DE COMMANDE
Compositeur Œuvres Label Référence Prix

Si votre commande comporte plus de disques, veuillez continuer sur papier libre TOTAL B €

FRAIS DE PORT TOTAL DE LA COMMANDE

Plus de 4 CD et Total produits commandés €
Total produits commandés De 1 à 2 CD De 3 à 4 CD coffret
France Métropolitaine 2,99 € 4,99 € 7,99 € Frais de Port (voir ci-contre) €

Autres destinations Nous consulter Total à régler (produits + port - avoir) €

 COURRIER (CB OU CHÈQUE)

Envoyez votre bon de commande par courrier à :
Nom

DIAPASON VPC - Commandes clients Prénom

6 - 8 rue Gaston LAURIAU - 93100 MONTREUIL
Adresse
 TÉLÉPHONE (CB uniquement)
Appelez notre Service clients (du lundi au vendredi de 10h00 à
17h00) au : 01 48 59 07 32 CP Ville
@ E-MAIL (CB OU CHÈQUE)
Envoyez tous les détails requis sur le bon de commande à :
E-Mail
commandes@diapasonvpc.fr N° Tél. (obligatoire)

Date

Signature obligatoire

Je vous adresse ci-joint mon règlement de € par :

CONDITIONS GENERALES :
 Chèque bancaire (payable en France) à l’ordre de Disquadom
Lors d’un règlement par chèque, la commande est traitée seulement à réception du chèque par notre
service clients. Quel que soit le moyen de paiement, aucun envoi ne sera effectué par nos soins avant  Carte Bleue  Visa  Mastercard
que le paiement ne soit totalement validé. Les prix indiqués sont en euros, toutes taxes comprises et
sont valables jusqu’à la fin du mois en cours. Expédition : sous 15 jours, sous réserve de disponibilité
chez nos fournisseurs. Date d’expiration
Aucune réclamation ne pourra être acceptée au delà de 7 jours calendaires après la date de réception
des produits.
N° **
** Inscrivez ici les trois derniers chiffres du cryptogramme figurant au dos de votre carte près de la signature
 LE SON échos
PAR VINCENT COUSIN

à membranes papier, aimants néodyme et

bobines de 50 mm ; un midwoofer de 20 cm
semblable avec bobine de 65 mm ; un trio
avec médium de 16,5 cm, tweeter dôme soie
de 38 mm, super tweeter dôme soie
de 20 mm à aimants néodyme. Au dos,
un couple médium cône papier de 10 cm et
tweeter dôme soie de 28 mm pour agrandir
la scène sonore en minorant l’influence
du local. Le tout en filtrage passif avec
composants audiophiles et maîtrise
de la phase. Le médium frontal et les deux

SONUS FABER
tweeters sont logés dans une sorte de nid
taillé dans du liège afin d’absorber
les ondes arrière des transducteurs. Avec
son moteur dual-drive et sa membrane

SUPREMA à la forme inspirée du camélia, ce médium

couvre deux octaves essentielles, entre
430 et 1700 Hz. Les ébénisteries massives

1
Pour l’Italien Sonus Faber, passé sous
pavillon américain en devenant propriété
de McIntosh, le high-end a un nom :
Suprema. Sa promesse ? « Un nouveau
système d’enceintes révolutionnaire
à la croisée du luxe, de l’excellence audio
et d’un artisanat méticuleux ». Suprema
consiste en deux colonnes 4,5 voies dix
haut-parleurs en charge close, associées à
un ou deux subwoofers, chacun d’entre eux
recevant un couple de 38 cm à membranes
sandwich carbone pouvant descendre
à 16 Hz sans distorsion. Entre les deux,
un filtre actif 100 % analogique, symétrique
– 110 kg pour la colonne, 103 kg pour
le subwoofer – sont d’un luxe extrême :
bois précieux, carbone, aluminium massif,
cuir Poltrona Frau, base anti-résonnante
IsoAcoustics. Pour un quarantième
anniversaire vraiment suprême.
et en composants discrets. Et, pour chaque PPI : de 725 k€ (un Sub) à 800 k€ (deux
colonne, quatre woofers de 20 cm Subs). Sur commande. finesounds.fr

McINTOSH MA12000-AN ROSE RA280

2
Présenté fin 2020 (cf. no 695), le MA12000 n’est pas à proprement

3
parler une nouveauté. C’est pourtant cet intégré hybride au superlatif
que le constructeur de Binghamton a choisi aux côtés de quelques
autres poids lourds pour célébrer les soixante-quinze ans de la
société fondée par Frank McIntosh en 1949 dans l’Etat de New York.
Dans la shortlist, citons le lecteur CD/SACD MCD12000, le préampli
doté de la technologie Hybrid Drive C12000, les blocs mono de 1200 W
MC1.25KW et les tout nouveaux blocs mono MC2.1KW de 2000 W
en trois châssis (deux modules d’alimentation, un module de sortie),
en série limitée à 75 paires pour la France. L’édition spéciale
soixante-quinzième anniversaire du MA12000 n’est pas contingentée,
elle hérite d’un badge anodisé gravé au laser avec le logo du soixante-
quinzième anniversaire, tandis que chaque poignée est gravée
75 years. Avec ses 48,9 kg sur la balance et ses 350 W par canal,
le MA12000 est le plus puissant intégré hybride jamais conçu par
McIntosh. Il associe un préamplificateur à tubes double triode avec
une amplification à transistors délivrant une puissance constante
entre 2 et 8 Ω grâce à la présence de transfos de sortie. Il reçoit une
carte DAC DA2, la même qui équipe le DAC
MDA200 en test ce mois (cf. page 116).
Un correcteur graphique à huit
fréquences permet de corriger
finement l’équilibre tonal et le
MA12000 peut s’intégrer dans un
système multicanal. Futur collector.
PPI : 19 490 €. finesounds.fr
Aperçu au High End de Munich en mai dernier, le nouvel
intégré du coréen HiFi Rose se veut à la fois plus sobre mais
pas moins luxueux que son grand frère RA180 (cf. no 715).
Il reprend l’architecture des étages de puissance en classe
dite AD à base de transistors GaN FET (nitrure de gallium),
au rendement 20 % supérieur à celui des MOS FET (silicium).
Les étages de puissance du RA280 délivrent 2x250 W (4 ou 8 Ω)
avec une qualité supérieure à celle de la classe D en raison
du temps de commutation ultrarapide des GaN FETs. Ils sont
combinés à une alimentation à découpage haute fréquence
à base de transistors MOS FET en carbure de silicium, un
semi-conducteur datant des postes radio à cristal des années
1920 remis au goût du jour et adopté pour ses performances
supérieures à celles du silicium. Bâti dans un magnifique
châssis en aluminium naturel ou noir, le RA280 propose cinq
entrées : quatre entrées ligne dont une symétrique sur XLR,
et une entrée phono MM à correction passive et composants
discrets. Egalement un rare et bienvenu correcteur de tonalité
agissant à 100 Hz et 10 kHz (±15 dB), que l’on peut choisir
de contourner. Les vumètres ajoutent cette touche d’élégance
vintage, de sophistication qui fait
la différence.
PPI : 3449 €.
elitediffusion.com

I 107
● échos

EN BREF
SOULNOTE A-3 en coaxial dans une charge bass-

4
Chez Soulnote, le chiffre 3 désigne la gamme supérieure, reflex et une amplification de
celle où rien n’est trop beau, comme ce tout nouvel intégré 2x25 W, Yamaha promet « une
qui emprunte au préampli P-3 et aux blocs mono M-3. C’est expérience musicale
une performance pour un intégré, les canaux D/G sont KLIPSCH NASHVILLE, transcendante ». Quoi d’autre ?
totalement indépendants, y compris les masses grâce à des DETROIT & AUSTIN Il est certifié Qi pour charger
photocoupleurs. En étage final, une paire de transistors Les enceintes Music City portent sans fil votre smartphone.
bipolaires TO3 (boîtier métal) en montage SEPP (Single les noms de villes jouant un rôle PPI : 719 €. fr.yamaha.com
Ended Push-Pull) précédés de drivers Darlington TO3P. dans la musique pop-rock-
Les radiateurs des transistors de puissance sont en cuivre électro aux Etats-Unis. De l’ultra- TRIANGLE
pur, découplés mécaniquement, avec pont calorifique portable Austin à la Detroit au LUNAR 1
entre alimentations et étages de puissance. Tous les étages son massif, en passant par la A sa gamme
sont symétriques sans contre-réaction. Des résistances Nashville au son immersif, toutes d’enceintes actives, Triangle
Naked foil commutées par des relais spéciaux forment sont munies de batteries longue ajoute une nouvelle table
la commande de volume. Côté alimentations, trois durée (12-24 heures), sont Dust de lecture développée avec Pro-
transformateurs, deux principaux pour les étages D/G, et Waterproof IP67, équipées Ject. La Lunar1 est disponible en
un plus petit pour la commande générale. Le filtrage du Bluetooth 5.3, pilotables cinq coloris, inspire le sérieux
requiert une importante batterie de condensateurs via Klipsch Connect App et tout en étant accessible.
de petite capacité (470 μF), pour une réactivité maximale. chaînables jusqu’à dix enceintes Sur son socle en aggloméré HD,
Le bloc amplificateur, les bornes de sortie, la prise secteur, (Klipsch Broadcast Mode). elle assemble un plateau
les capots supérieur et inférieur ne sont pas totalement A leur look évocateur, s’ajoute en ABS entraîné par courroie,
solidaires pour absorber les vibrations. Les trois entrées un savoir-faire acoustique et une un bras droit en aluminium
ligne et la sortie enregistrement sont doubles technologie innovante conçue de 8,6 pouces et une cellule MM
(symétriques/asymétriques), la puissance délivrée est par un spécialiste de l’enceinte Ortofon OM-5E avec diamant
de 2x120 W (4 Ω) et le poids est de 31 kg. En option, basé à Indianapolis depuis 1946. elliptique. Avec capot, bloc
des pieds de découplage Alto Extremo remplacent les PPI : Austin : 99 €. secteur 5V et cordon. Bien vu.
pointes. L’excellence Nashville : 179 €. Detroit : 349 €. PPI : 399 €. trianglehifi.fr
est affaire de précision. klipsch.com
PPI : A-3 : 20 990 €. JBL
Altro Extremo SON-2 : YAMAHA SPINNER
990 € les trois. MUSICAST BT
nextaudio.fr 200 Conçue
D’un design ultra-soigné autant pour se marier avec les JBL

FIIO R9 & FT5 qu’élégant, le tout nouveau

MusicCast 200 de Yamaha est un
Authentics et autres enceintes
Bluetooth, la Spinner BT

5
Après le FT3 et ses transducteurs dynamiques de 60 mm, combiné intégrant un lecteur CD, se connecte en aptX HD, mais
le chinois FiiO présente le FT5, un casque ouvert avec un lecteur réseau MusicCast aussi en filaire pour une qualité
membrane planaire en Polyarylate (PAR) de diamètre Bluetooth 4.2, wifi, LAN optimale grâce à son étage
90 mm. Sur ce diaphragme de tout juste 6 μm d’épaisseur et AirPlay 2 avec accès à Spotify, phono MM commutable. Son
est imprimé un réseau conducteur en aluminium et argent Amazon Music, Deezer, Tidal, design élégant inclut plateau
animé par une vingtaine de barreaux néodyme. Napster, Pandora, SiriusXM, et bras en aluminium, socle en
En résultent une sensibilité élevée (110 dB/1V @1 kHz) et un Qobuz, QQMusic, un tuner FM/ fibre de bois avec filet orange
poids qui ne l’est pas moins, 456 g sans le câble. Le spectre DAB, une entrée AUX jack 3,5 et ou or. Et la bien connue Audio-
couvert va de 7 Hz à 40 kHz et l’impédance est de 36 Ω. une USB. Avec deux woofers de Technica AT-3600L en cellule.
Dans la lignée du R7, le R9 est un combiné compact à la 8 cm et deux tweeters de 25 mm PPI : 399,99 €. fr.jbl.com
fois lecteur réseau DLNA, Airplay, Bluetooth et Roon ready
piloté sous Android, dual DAC PCM 32 Bits/768 kHz,
DSD512 et MQA à puces ESS ES9038Pro, ampli casque
TÉLEX
● Jusqu’au 31 mars, essayez un casque ou des intras Technics, vous
THX AAA-788+
disposez de trente jours pour vous décider grâce à l’offre satisfait
et préampli.
ou remboursé : www.technics.com/fr/produits/promotions
Un duo bien
● 66 % des 18-34 ans associent santé auditive et qualité sonore, tandis
assorti.
que 73 % d’entre eux déclarent avoir une écoute à risque, d’après
PPI : R9 :
une étude YouGov pour Qobuz à l’occasion de la 21e Semaine
1490 €.
du Son de l’Unesco. ● C’est fait ! Audirvana intègre Chromecast
FT5 : 590 €.
en 24 Bits/96 kHz, la lecture gapless universelle et l’Audioscan pour
son-video.
connaître la véritable résolution d’une piste audio en cours de lecture.
com

108 I
Le côté obscur de la Lune
Pink Floyd

Platine édition spéciale 50ème anniversaire

LUNDI AU SAMEDI 9H30 À 19H00
02 47 23 35 86
SAUF VENDREDI 9H30 À 19H30
L’Espace de la Technologie - Amboise
@espacetechnoamboise
lespacedelatechnologie@gmail.com
lespacedelatechnologie.com
● écoute critique
PAR VINCENT COUSIN
AUSTRIAN AUDIO
FULL SCORE ONE & THE COMPOSER
I
l fallait à Austrian Audio, société formée en 2017 par d’anciens sala-
riés d’AKG, engendrer un couple iconique casque/ampli. Ce couple
a pour nom The Composer et Full Score One, des noms bien imagés,
destinés à frapper les esprits et, qui sait, inscrire cette nouvelle entité
dans la légende. La légende a un prix. Alors que, jusqu’ici, le Hi-X65,
casque le plus onéreux de la gamme ne dépasse guère les 400 €, il vous
sera demandé dix fois cette somme pour acquérir ce couple forcément
exceptionnel. The Composer se présente comme un casque ouvert
aux larges coques ovales. Il est bien dessiné, élégant sans être osten-
tatoire, mais surtout confortable avec ses coussinets et son bandeau
en similicuir, et plutôt léger une fois en place (385 g). Les coques incli-
nables de plusieurs degrés pour trouver la position idéale accueillent
des transducteurs de 49 mm à membranes DLC (diamond-like carbon)
et aimants circulaires. Le casque est livré en valise bois avec trois
cordons, deux symétriques Pentaconn 4,4 mm et XLR quatre broches,
un asymétrique en jack 3,5 mm. La bande passante va de 5 Hz à 44 kHz
et l’impédance est de 22 Ω. Le Full Score One est un ampli high-end
adapté à des casques d’impédance entre 10 et 300 Ω, dans un montage
à composants discrets avec des transistors JFET. Un circuit True
Transient Technology améliore la réponse transitoire et le volume est
confié à un potentiomètre de haute qualité. Les entrées sont, au choix,
RCA ou XLR, les sorties jack 6,35 mm x2 et XLR quatre broches.
A noter les valeurs exceptionnelles en bande passante (5 Hz à 1 MHz)
et en distorsion de 0,0005 % à 1 kHz.
L’écoute
Le high-end, ce sont des détails comme les mini-fiches bananes Schnepp
en cuivre-béryllium nickelé présentes sur les oreillettes du casque. Histoire
de ne rien perdre. Et justement, la sensation numéro un à l’écoute de The
Composer, c’est un degré de transparence et d’aisance que l’on ne trouve
que sur de très rares modèles. Assorti d’une formidable linéarité presque
inédite sur un modèle aussi largement respirant, ouvert, générant une
scène sonore inaccoutumée. Certes, un casque fermé pourra engendrer
un grave plus tendu – encore que –, mais jamais faire respirer la musique
comme le fait The Composer. C’est vrai pour le grave, mais c’est encore
plus vrai pour une voix comme celle de Jonas Kaufmann dans l’air
« Inbrunst im Herzen » extrait de Tannhäuser (Chœur et Orchestre du
Deutsche Oper Berlin dirigés par Donald Runnicles, Decca), car l’autre
talent du Composer est son niveau hallucinant de transparence et de
résolution qui retrace chaque mouvement labial, respiration, mouve-
ment. Et l’ampli ? Lourd et massif, gage d’une alimentation musclée, il
ne fait pas que jouer les utilités, mais transcende littéralement l’écoute
du Composer, en matérialisant le son, en lui donnant encore plus de
profondeur et de perspective, le rendant plus subtilement transparent le
mode TTT enclenché. Un peu avare de connexions (il manque une sortie
4,4 mm Pentaconn) et de signalétique (pas d’index visible de nuit sur le
bouton de volume), il n’en a cure, se concentrant sur sa mission d’ampli-
fier tout le spectre et même au-delà sans rien retrancher ni ajouter. Ou
plutôt si : vie, matière et âme. Naissance d’une légende.
Apport musical : 6/6
Intérêt : 6/6
PPI : Full Score One : 1499 €.
The Composer : 2499 €.
audiomarketingservices.fr
110 I
HARK E.20
D
e la rencontre entre le créateur d’une agence de gestion
d’artistes avec celui qui est à l’origine de l’atelier-boutique
HiFi Store (audio vintage) est né Hark. Les trois entités
basées à Paris 11e regroupent un magasin de vinyles neufs
et d’occasion, Hark Records, l’atelier-vente Hark Repair (ex HiFi
Store), et Hark Audio, créations audiophiles. Première à voir
le jour, l’enceinte E.20 deux voies trois haut-parleurs. E pour
enceintes, 20 désignant le volume interne en litres. Aimadeddine
Aroui, le patron de l’atelier et le concepteur des E.20, voit loin,
jusqu’à des E.500 ! Chez Hark Records, deux Onken 360 avec
pavillons Altec multicellulaires et tweeter à compression Fostex
sont fixées en hauteur, leur filtre exposé comme un tableau,
voisinant avec des E.20. On les croirait de la même époque,
celle des golden eighties, un héritage clairement revendiqué.
En témoigne l’écoute des E.20 avec un préampli McIntosh
et un bloc stéréo Threshold vieux de quarante ans. Les E.20
sont réalisées en multiplis de 18 mm, des feuillures reçoivent la
face avant et le panneau arrière, fixé à l’aide de huit vis. A l’ar-
rière aussi, des bornes en laiton old school et un évent laminaire
en multiplis. Le filtre est câblé en l’air. Deux 13 cm à membrane
aérogel filtrés en pente douce travaillent en quasi large bande
jusqu’à 5 kHz, avant de passer le relais à un tweeter à dôme
souple de 28 mm avec amorce de pavillon. La charge aidant,
la E.20 couvre un spectre de 40 à 20 000 Hz ± 3dB (91 dB 8 Ω).
L’écoute
Les E.20 sont emballées dans une belle housse de coton, chacune
dans sa valise en carton avec poignée et fermeture métallique.
Leurs boiseries fabriquées main s’ornent de filets bleus, du même
bleu qui couvre l’intérieur de la caisse – sophistication dans
le détail. Outre une session sur place, nous avons écouté les E.20
avec successivement notre intégré repère, puis un ensemble lec-
teur réseau/DAC préampli/ampli d’un montant de 60 k€, nettement
disproportionné, mais propice à démontrer que les E.20 se fondent
dans une grande variété d’environnements. Leur bonne sensibi-
lité et leur courbe de réponse régulière se conjuguent avec une
absence totale de directivité et une capacité à recréer un espace
sonore que l’on peut qualifier d’holographique. On a affaire à un
ensemble teinté de douceur, riche en bas-médium, agréable sur
le long terme et propice à donner une bonne dimension à une
œuvre comme le second mouvement de la Sinfonia no 1 de George
Walker (National Symphony Orchestra, The Kennedy Center).
Cette façon d’imager évite toute projection fatigante à la longue :
la voix de Jonas Kaufmann dans l’air « Inbrunst im Herzen »
extrait de Tannhäuser y gagne en chaleur ce qu’elle perd en auto-
rité. Tout comme le grave, plus ample que tendu, du fait de la
caisse non totalement inerte et du type d’accord choisi. Comme
à l’époque ! En synthèse, une belle sonorité, plus d’ampleur que
la taille des E.20 ne le laisserait supposer, une courbe de réponse
sans accident et une grande
variété d’associations possibles
avec les électroniques. Une en-
ceinte pour écouter la musique
plutôt que sa chaîne !
Apport musical : 5/6
Intérêt : 5/6
PPI : 4000 €.
audio.hark.paris
 NOUVELLE PLATINE VINYLE HI-FI SL-1200GR2
La platine iconique se réinvente
Découvrez la SL-1200GR2, la nouvelle génération d’une lignée légendaire,
fusion parfaite entre l’héritage traditionnel et l’innovation audacieuse.
Cette platine est dotée du traditionnel moteur à entrainement direct, maintenant
équipé de la nouvelle technologie de Modulation Delta Sigma, qui réduit
les micro-vibrations et élimine les bruits parasites.
En combinant un circuit de commutation à faible bruit et un circuit d’atténuation
du bruit, inspiré de notre platine de référence SL-1000R, son bloc d’alimentation
ultra silencieux assure une pureté sonore absolue.
Redécouvrez la musique avec la SL-1200GR2, où l’histoire rencontre l’avenir
pour une expérience sonore sans compromis.
Existe en version silver et en version noire.
* Redécouvrir la musique.. Panasonic RCS Nanterre : B 445 283 757
LE SON banc d’essai

de 289 € à 6960 €
Sources. Numériques. Au sens large. Et en particulier. Comment décrire une catégorie
regroupant lecteurs CD/SACD, lecteurs/serveurs réseau, convertisseurs N/A et A/N et autant
d’hybrides que de fabricants et, à l’intérieur de leurs gammes, de variantes de variantes ?
Une chance pour le mélomane avisé, curieux et informé ; un casse-tête pour le vulgum pecus
ayant tout juste intégré le Bluetooth. Il y a dans ce domaine, pour parler couramment, à boire
et à manger, de quoi se régaler, mais aussi se casser les dents. Une des clés étant plus que
jamais de bien définir ses besoins et de fixer son niveau d’exigence gustative – pardon,
auditive. La bonne nouvelle, c’est que de nombeux lecteurs réseau de nouvelle génération
constituent des sources hautement recommandables. Les DAC suivent de près,
c’est la moindre des élégances. Invitation au voyage.

CAYIN MINI-CD Mk2

O
n ne s’attendait guère à ce que Zhuhai Spark Electronic
Equipment Co. Ltd. qui développe depuis 1993 des produits
hi-fi sous le nom de Cayin, soit présent sur le segment de la
lecture CD. Qui plus est avec un lecteur ultra compact, à l’aspect
rassurant, associé à un rapport qualité-prix des plus attractifs. Qu’on
en juge. Le boîtier en tôle d’acier avec façade en profilé d’aluminium
impressionne par sa qualité d’assemblage. Pour la lecture, Cayin
adopte une mécanique Sanyo de type slot-in. Celle-ci chevauche un
afficheur à points pour des caractères alphanumériques lisibles de
loin. A droite, quatre touches pour piloter la lecture, à gauche un
interrupteur de mise sous tension. A l’arrière, des sorties analogiques
RCA à niveau fixe, mais aussi une sortie numérique coaxiale S/PDIF
et, plus étonnant, une sortie HDMI en I2S pour attaquer un conver-
tisseur compatible comme, par exemple, le NuPrime DAC-9X ou le
Ferrum Wandla. Intérêt : contrairement à la liaison asynchrone
S/PDIF, la liaison synchrone I2S (Integrated Interchip Sound) sépare
le signal d’horloge des datas musicales, avec effet de réduire le jitter.
Ce n’est pas tout. Par la télécommande, on
accède à un rééchantillonneur qui
permet de multiplier par huit la
fréquence d’échantillonnage
jusqu’à 352,8 kHz, et de choisir
entre les modes Sharp et Slow
pour le filtre numérique. Tout
ceci à moins de 300 €.
L’écoute
La conversion N/A est confiée à un chipset ESS ES9018K2M 32 Bits
muni de deux convertisseurs indépendants (stéréo), avec une qualité
de reproduction musicale insoupçonnée. Sans doute l’alimentation
confiée à un bloc 9V CC externe joue-t-elle un rôle dans l’obtention
d’un niveau de transparence élevé. Le recours au suréchantillonnage
à huit fois la fréquence native du CD ajoute densité et ampleur, tout
en étant un peu moins précis en placement. La brillante Sinfonia no 1
de George Walker (extrait E) permet de mesurer la performance
du Mini-CD Mk2 en matière d’équilibre tonal et de lisibilité. Certes,
la dynamique ne vaut pas celle d’un lecteur de gamme supérieure,
notamment dans le grave, mais la barre est déjà haute. L’action
du filtre numérique s’entend distinctement. Le mode Slow confère
à la Bacchanale de Ravel (extrait C) un surcroît d’aération et de finesse,
plaçant chœur et orchestre comme en apesanteur. A l’inverse, le mode
Sharp lui confère plus de présence et d’attaque, et plus de médium.
De quoi, en jouant sur ces paramètres, se configurer un son à la carte.
Signature d’un lecteur aussi doué qu’attachant.
Les + : Un lecteur abordable
et musical, fabriqué avec soin
Les - : Une musicalité
à la carte (+).
son-video.com

112 I
 MUSICAL FIDELITY M3x DAC
n an tout juste après le M6x DAC (Diapason d’or, cf. no 720),
U
l’anglo-autrichien Musical Fidelity présente le M3x DAC des-
tiné à « qui souhaite un son haut de gamme mais a un budget
limité ». La présentation en est tout aussi flatteuse : même boîtier
large à la façade biseautée que le grand frère, avec une rangée
de voyants bleus et des micro-touches pour sélectionner, de la gauche
vers la droite, la mise sous tension, le mode de filtrage numérique
en PCM comme en DSD, et le choix de l’entrée. Celles-ci sont au
nombre de cinq : quatre S/PDIF dont deux coaxiales RCA et deux
optiques Toslink accueillant le PCM en 24 Bits/192 kHz, plus une
USB-B PCM 32 Bits/192 kHz et DSD256 DoP (DSD over PCM) ou
natif. Pas d’entrée AES/EBU comme sur le grand frère, dommage.
Par rapport à celui-ci, le M3x DAC conserve un double jeu de sorties
asymétriques RCA et symétriques XLR, mais perd le mode de sor-
tie variable, son réglage de volume en façade et la sortie casque qui
l’accompagne. Réservés au M6x DAC, l’upsampling à la demande
ainsi que le décodage MQA. De son côté, le M3x DAC met en œuvre
un convertisseur de fréquence d’échantillonnage Burr Brown
SRC4392, chargé de réordonner les signaux PCM et de les convertir
en 192 kHz, dans le but de baisser la distorsion avant conversion.
Une puce Burr Brown PCM1795 Dual DAC se charge de la conver-
sion, que ce soit pour le PCM ou le
DSD, suivie des étages de conver-
sion courant/tension, de filtrage
et buffers (étages tampons) à faible
bruit, indépendants pour les sor-
ties RCA comme XLR.
MARANTZ CD50n
P
résenté à l’automne dernier en même temps que l’intégré Model
50, le CD 50n Networked CD Player est bien plus qu’un lecteur
CD. Marchant sur les traces du SACD 30n (cf. no 694), le CD50n
– comme network – intègre le lecteur réseau multiroom HEOS com-
mun à Marantz et à Denon, une section DAC entièrement ouverte
sur l’extérieur et une section préampli à volume fixe ou variable
permettant le pilotage direct d’enceintes actives ou d’un bloc de
puissance. La comparaison avec le grand frère qui offre en prime
la lecture des SACD tourne au jeu des sept erreurs, qu’on les détaille
de l’avant comme de l’arrière. La différence essentielle est à l’inté-
rieur : conversion MMM (Marantz Musical Mastering) pour le SACD
30n, où les signaux PCM sont convertis en DSD256 ; puce ESS
ES9038 HyperStream II dans le cas du CD 50n, et des circuits audio
élaborés, à base de modules d’amplification Hyper Dynamic HDAM
en sorties D/G comme pour le casque. Le lecteur HEOS, compatible
AirPlay 2 et Roon, permet d’accéder aux contenus de Spotify, Tidal,
Deezer, Amazon Music, Pandora et les radios TuneIn. Pour Qobuz,
on passera par une application UPnP telle que MConnect. Outre
la prise réseau RJ45, le CD 50n propose des entrées DAC en S/PDIF
coaxiale et optique, HDMI-ARC, USB-A et USB-B, avec un traite-
ment possible des signaux PCM 24 Bits/192 kHz et DSD256. De quoi
conférer à ce lecteur un rôle non
usurpé de Hub numérique…
L’écoute
Ecouté dans les différents modes
possibles, soit en lecture CD, puis au
L’écoute
La conception mécanique est soignée : coffret en acier à façade en
aluminium extrudé, pieds isolants, architecture interne en deux cir-
cuits, alimentations d’un côté, étages numériques et analogiques de
l’autre, transfo torique à faible rayonnement et alimentations régulées.
Tout ceci aboutit à une performance sonore bien réelle servie par un
rapport signal/bruit >107 dB en pondération A (tenant compte de la
courbe de la sensibilité de l’oreille). L’écoute du second mouvement
de la Sinfonia no 1 de George Walker (extrait E) se distingue par son
abord fluide, déstressé, subtilement expressif – une performance s’agis-
sant d’une pièce alternant délicatesse et explosivité. Le relief de cette
prise de son DSD est retranscrit avec une bonne précision. La com-
paraison A/B de cette plage – lue en CD par le CEC TL2N rééchantil-
lonné par le M3x Dac versus le fichier Qobuz en 192 kHz streamé via
un lecteur Silent Angel Rhein Z1 – ne montre pas de différence criante,
une qualité à mettre au crédit de l’upsampling du M3x DAC. Même
sensation d’espace sonore vibrant et habité à l’écoute du début de
L’Heure espagnole de Ravel (extrait A) : c’est timbré, expressif, sen-
sible. On n’obtient pas le soutien dans le grave et le souffle d’un modèle
supérieur, mais l’ensemble est musicalement crédible sans toutefois
atteindre la vérité du M6x DAC. Ce n’est déjà pas si mal.
Les + : Le rééchantillonnage
en PCM fait un excellent job.
Les - : Pas d’entrée AES/EBU.
audiomarketingservices.fr
travers du lecteur HEOS et enfin à l’aide d’un streamer Silent Angel
Rhein Z1 en entrée USB-B, le résultat est là. Comparé aux deux autres
modes, on ne peut même pas parler de maillon faible pour le CD, tant
le son paraît ample, avec un niveau élevé en résolution comme en fi-
nesse d’exécution, nous rappelant que Marantz fut un moment dans
le giron de Philips, co-inventeur avec Sony du support CD. Le SACD
porteur de la Sinfonia no 1 de George Walker (extrait E) ne peut être
lu que sur la couche CD ; impossible, donc, de rivaliser avec le même
fichier lu sur Qobuz en 24 Bits/192 kHz (via MConnect). Cela fait une
différence, mais pas un gouffre, tant équilibre tonal, finesse et profon-
deur sont de la partie. En streaming, le champ sonore s’ouvre, la palette
tonale s’enrichit et la capacité dynamique se déploie, au service de
cette composition où des sons ténus voisinent avec des percussions
vives – sentiment renforcé à la marge par le recours au lecteur réseau
externe. Retour au CD avec Jonas Kaufmann dans l’air « Inbrunst
im Herzen » tiré de Tannhäuser (extrait D) pour constater que la voix
dominante du ténor star se déploie librement, dans un environnement
peu comprimé où elle occupe un espace non saturé. Une réussite ce
CD 50n ? Oui, et encore plus si l’on considère son tarif, près de moitié
inférieur à celui du SACD 30n.
Les + : CD, Network, DAC,
et le son qui va avec.
Les - : En cherchant bien, HEOS
car Qobuz manque à l’appel.
marantz.com
I 113
 ● banc d’essai

EVERSOLO DMP-A8

D
ernier avatar de la marque dont tout le monde parle, le DMP-A8
se place au sommet d’une gamme resserrée comprenant aussi
le streamer/DAC DMP-A6 (cf. no 727). Le DMP-A8 combine
lecteur réseau, serveur/ripper CD avec disque SSD en option, DAC
et étage préampli au gain de 10 dB. Son réglage de volume de type
R2R commute via relais des résistances calibrées avec atténuation
de 100 dB au pas de 1 dB. Cerise sur un gâteau à étages déjà copieux,
le DMP-A8 intègre un DSP ouvrant quantité d’actions possibles sur
le signal, allant de la correction paramétrique (fréquence, inflexion,
largeur de bande) à différents modes de filtrage, de compression
dynamique (!) y compris l’injection de retards permettant de simu-
ler la position des enceintes (DSP en 48 kHz hors entrée analogique
et streaming). De quoi jouer à l’ingénieur acousticien ou à l’apprenti
sorcier, au choix. En tant que streamer, le DMP-A8 intègre Tidal,
Qobuz, Highresaudio, Deezer, WebDAV et UPnP. Post lecture, il est
possible d’envoyer le signal numérique vers un DAC externe en USB
comme en I2S (HDMI). Le DAC interne dispose de six entrées, en
S/PDIF, en USB-B et en HDMI-ARC, avec un maximum en PCM
32 Bits/768 kHz et DSD512. La section de décodage du DMP-A8
utilise le processeur audio XMOS 316 pour l’USB couplé avec les
puces les plus avancées d’AKM (le trio
AK4191 + deux AK4499EX), se soldant
par un niveau très bas en bruit et dis-
torsion. Le Bluetooth aptX HD/LDAC
est aussi de la partie, tandis qu’une
entrée ligne RCA/XLR fait face à des
sorties identiques dans leur définition.
L’écoute
Deux manières de piloter l’appareil : soit directement via l’écran tactile
entre icônes et menus déroulants, soit à l’aide de l’application EverSolo
Control. Une télécommande sommaire complète le tout. Il faut d’abord
sélectionner le streamer au tableau « sources » avant de lancer telle
ou telle plateforme de streaming. Attention aussi en passant d’une
source à l’autre : chacune garde en mémoire son niveau de volume,
de quoi provoquer des écarts aussi importants qu’inattendus. Et le
son dans tout cela ? Pour évaluer la section DAC + préampli, nous
avons lu le second mouvement de la Sinfonia no 1 de George Walker
(extrait E) avec le lecteur réseau Silent Angel Rhein Z1. Cette plage est
disponible sur Qobuz en FLAC 24 Bits/192 kHz (enregistrement DSD
à la base) et, musicalement, elle rassemble dans un enregistrement
superbe en espace et vitalité, des passages d’une savante complexité,
alternant instruments et percussions. Ce qui nous permet de qualifier
l’ensemble DAC AKM + préampli R2R d’excellent à fameux, celui-ci
se montrant nerveux, transparent, incarné, avec un très bon dégradé
harmonique. A partir du streamer interne, on baisse d’un cran. Le son
est toujours volontaire, mais moins raffiné, moins lumineux, avec
moins d’espace. Vient la question du tarif : la critique s’efface, le plai-
sir reste, et le bilan est flatteur.
Les + : Le côté couteau suisse,
DAC AKM et préampli R2R au top.
Les - : DAC à un cran d’avance (+).
hamysound.com

RAPPORT
ÉQUILIBRE QUALITÉ SORTIE SORTIE
DYNAMIQUE QUALITÉ PPI TYPE* APPLICATION / PROTOCOLE
SPECTRAL MUSICALE VARIABLE CASQUE
PRIX

★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★ ★★★
CDP Upsampling
CAYIN Mini-CD Mk2 289 € NON NON -
352,8 kHz,

MUSICAL FIDELITY ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★ ★★
DAC PCM 32/192
1499 € NON NON -
M3X DAC DSD256

★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★ ★★★
CDP / LR / DAC PCM HEOS, Spotify, Tidal, Deezer, Amazon,
MARANTZ CD50n 1790 € OUI OUI
24/192 DSD256 AirPlay 2, UPnP, Ethernet et wifi

SER / LR / DAC /
EVERSOLO ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★ ★★★
OUI Circuit EverSolo Control, Tidal, Qobuz, Deezer,
1990 € PRE PCM 32/768 NON
DMP-A8 R2R Amazon, UPnP, Ethernet et wifi
DSD512

★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★ ★★
LR / DAC / PRE PCM
BEL CANTO DAC 2.8 3800 € OUI OUI -
24/192

★ ★★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★★ ★ ★★
Aurender Conductor, Spotify, Tidal, Qobuz,
AURENDER N150 3900 € SER / LR NON NON
AirPlay, UPnP, Ethernet

★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★ ★
DAC PCM 32/384
MCINTOSH MDA200 5690 € OUI NON Roon tested
DSD512

★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★★ ★ ★★★
LR / DAC PCM OUI Leedh Lumïn App, UPnP, Tidal, Qobuz, Spotify,
LUMÏN T3 5900 € NON
32/384 DSD512 Processing AirPLay, Ethernet

LEJONKLOU Källa ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★★ ★ ★★ 6220 € LR / DAC NON NON Protokoll, Ethernet

SFORZATO ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★★ ★ ★★★
LR / DAC PCM Taktina (App), Diretta (PC), Tidal, Qobuz,
6500 € NON NON
DSP-07EX 32/768 DSD512 Amazon HD, UPnP, Roon ready, Ethernet

★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★★ ★ ★★
CDD Upsampling
CEC TL2N 6690 € NON NON -
88,2 / 176,4 kHz

★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★ ★ ★ ★ ★★ ★ ★★ ★ ★★
CDP Upsampling
KORA CD140 6960 € NON NON -
32 Bits 768 kHz

*CDP : lecteur CD. CDD : transport CD. LR : lecteur réseau. SER : serveur. DAC : convertisseur N/A. PRE : préampli.

114 I
 BEL CANTO DAC 2.8
A
près l’intégré E1X plébiscité le mois dernier, place au DAC 2.8
du fabricant de Minneapolis. Le DAC 2.8 fait partie de la série
e.One e.volution dont nous connaissons déjà l’étage phono
appelé justement Phono (cf. no 699). Ces appareils au format shoe-
box se veulent abordables et complémentaires, conçus pour s’assem-
bler comme les briques d’un jeu de construction. Ce DAC 2.8 possède
un étage de sortie à volume variable, de manière à alimenter direc-
tement un bloc stéréo REF501S de 2x250 W en classe D ou des blocs
mono REF601M de 300 W en classe D sous 8 Ω (600 W, 4 Ω). En
complément, on trouve dans la gamme e.One un streamer et un CD
drive sous les références Stream 2 et CD3t. Avec cinq entrées numé-
riques dont une AES/EBU, deux S/PDIF, une Toslink et une USB-B,
le DAC 2.8 offre un éventail conséquent, toutefois limité au PCM en
24 Bits/192 kHz. S’ajoute à cela une entrée ligne en RCA qui jouxte
la sortie également asymétrique avec inverseur fixe/variable. Sortie
variable qui profite à l’ampli casque intégré. Le fabricant reste dis-
cret quant à la nature des circuits de conversion, tout juste évoque-
t-il la présence de deux horloges à la femtoseconde (10-15 s) multiples
de 44,1 et 48 kHz, d’interfaces asynchrones avancées et d’alimen-
tations à faible bruit, le tout regroupé sous
une bannière dite technologie HDR Core
avec une plage dynamique de 124 dB.
L’écoute
Une dynamique évidente à l’écoute de nos
différents extraits. Dynamique plus expres-
sive que massive, percutante sans agressi-
BT AUTRES DIMENSIONS LxHxP cm
NON Filtres Sharp/Smooth, sortie I2S
Entrées : 2 S/PDIF, 2 Toslink, 1 USB-B,
NON
Sorties RCA/XLR
Entrées : S/PDIF, Toslink,
OUI
HDMI-ARC, USB-A, USB-B
Entrées/Sorties ligne RCA/XLR. Digital : 6 IN dont
BT 5.0 aptX
HD/LDAC
HDMI-ARC et USB-B, 4 OUT dont I2S et USB-A.
CD Ripping. SSD optionnel.
Entrées : ligne RCA,
NON
5 Digital dont AES/EBU et USB-C
NON SSD 240 GO, CD Ripping, SSD/HDD optionnel 8 TO 21,5x5,5x35,5
Sorties ligne RCA/XLR. Digita : 7 entrées
NON
dont HDMI-ARC, USB-B
Sorties ligne RCA/XLR. Digital : entrée USB-A
NON
Hard Disk, sortie S/PDIF BNC
Connection avec un NAS via Mconnect,
NON
Foobar2000
Entrée USB-B, Sorties ligne RCA/XLR,
NON
External Clock
NON
Sorties AES/EBU, S/PDIF, Toslink, Superlink,
Entrée horloge 44,1 kHz
NON Étage Square Tube, sorties RCA
vité, collant au plus près à l’enveloppe musicale et rappelant à bon
escient que la musique est une succession de régimes transitoires. Les
transitoires, mais aussi la phase qui préside à l’obtention d’une scène
sonore en relief et, bien sûr, le respect des timbres et leur dégradé har-
monique – le DAC 2.8 le fait bien sans ajouter ni retrancher. Pour
mener le test, comparaison A/B de la même œuvre, Introduction et
scène 1 de L’Heure espagnole de Ravel (extrait A) lue en CD sur le
drive CEC TL2N rééchantillonné en 88,2 kHz, la même via Qobuz en
FLAC 24 Bits/96 kHz à travers un lecteur réseau Silent Angel Rhein Z1.
Un test des plus révélateurs, surprenant de fraîcheur et de réalisme
dans les deux cas, mais tournant presque à l’avantage du CD forte-
ment boosté par le lecteur CEC. Il y a, dans cette version, un travail
précis des solistes pour simuler les horloges qui bruissent et tintent
joyeusement tandis que s’installe une conversation chantée entre
Ramiro et Torquemada. Le niveau d’expressivité des voix fait penser
à une retransmission sur France Musique à partir d’un excellent tuner
FM. Ce DAC, en tenant compte de ses limites en capacité de décodage
(192 kHz et pas de DSD), est à même de délivrer le frisson du grand et
beau son, sur un mode pseudo « analogique » à la façon d’une
bande master. Sans oublier qu’il est aussi un ex-
cellent ampli casque. Avis aux amateurs.
Les + : Son ouverture et son expressivité
très analogique.
Les - : En se limitant au 24/192.
audio-focus.com
POIDS
(en kg) Nos extraits test
Six extraits musicaux sont cités dans ces pages, choisis pour
24x5,8x21,3 2,0 recouper des critères tels que vérité des timbres, étendue
du spectre, dynamique, scène sonore...
44x10x36,3 6,8
A. Maurice Ravel : L’Heure espagnole (Introduction
et scène 1). Les Siècles, François-Xavier Roth.
44,2x13x42,4 10,3 Harmonia Mundi. Disponible en CD et sur Qobuz
en 24 Bits/96 kHz.
38,8x9x24,8 NC B. Arvo Pärt : Spiegel im Spiegel pour violon et piano.
Viktoria Mullova (violon), Liam Dunachie (piano).
Estonian National Symphony Orchestra, Paavo Järvi.
21,6x8,8x31,8 6,5
Onyx Classics. Disponible en CD et sur Qobuz
5,3 en 24 Bits/48 kHz.
C. Maurice Ravel : Daphnis et Chloé (Danse générale
44,5x9,8x40 6,1 – Bacchanale). Sinfonia of London Chorus, Sinfonia
of London, John Wilson. Chandos. Disponible en DSD
35x6x35 6,0 sur SACD et sur Qobuz en 24 Bits/96 kHz.
D. Richard Wagner : Tannhäuser (« Inbrunst im Herzen »).
35x6,9x35 4,0 Jonas Kaufmann (ténor), Chœur et Orchestre du
Deutschen Oper Berlin, Donald Runnicles. Decca.
Disponible en CD et sur Qobuz en 24 Bits/96 kHz.
39x8,5x32,7 NC
E. George Walker : Sinfonia no 1 (Quarter note = 60).
National Symphony Orchestra, Gianandrea Noseda.
43,5x11,1x33,5 11,0
The Kennedy Center. Disponible en SACD et sur
Qobuz en 24 Bits/192 kHz.
F. Claudio Monteverdi : Le Couronnement de Poppée
42x11,8x35,5 7,0 (« Pur ti miro ! »). Nardus Williams (soprano),
Kate Lindsey (mezzo-soprano), Ensemble Arcangelo,
Jonathan Cohen. Alpha Classics. Disponible en CD.
I 115
● banc d’essai
AURENDER N150
C
hérie, j’ai rétréci les gosses est une comédie américaine sortie en
1989. L’argument : un savant excentrique invente une machine
capable de miniaturiser la matière, machine qui va réduire
accidentellement ses enfants à l’état de lilliputiens. Rien d’accidentel
chez le coréen Aurender, spécialiste de la musique dématérialisée
en général et de la lecture réseau en particulier : son streamer N150
se veut le lecteur réseau le plus abordable pour explorer la « voie
Aurender ». Une voie étroite de seulement 21,5 cm, véritable bonsaï
comparé au streamer/DAC A20 et ses 43 cm (cf. no 723), tout en res-
pectant un design constant sur toute la gamme – écran central alpha-
numérique AMOLED, touche de mise en service sur la gauche, quatre
pavés plus petits sur la droite pour gérer lecture et menus. A l’arrière,
une prise réseau RJ45, une sortie DAC USB-A et deux USB 3.0 pour
brancher disques durs et lecteurs externes. Le N150 reçoit d’origine
un SSD NVMe de 240 Go. Une baie de stockage permet de loger un
disque supplémentaire jusqu’à 8 To. Les fichiers audio, stockés en
interne, sur un NAS en externe ou streamés à partir de Tidal, Qobuz,
Spotify Connect, Internet Radio ou AirPlay, sont
traités sans latence à l’aide d’un processeur
Intel ultrarapide avec mise en cache via
la RAM de 8 Go et le SSD interne.
L’alimentation linéaire diminue le
bruit, tout comme les transfos isola-
teurs sur la prise Ethernet et l’inter-
face de sortie USB. Comme l’écrit le
fabricant « il n’y a rien d’entrée de
gamme dans le N150, à part le prix .»
McINTOSH MDA200
U
nique convertisseur N/A inscrit au catalogue du constructeur
de Binghamton dans l’Etat de New York, le MDA200 est un
appareil gigogne large et profond avec écran central flanqué
de deux boutons de choix d’entrée et de réglage de volume, abritant
à l’arrière un module de conversion DA2. Ce même module que
McIntosh installe quasi systématiquement dans ses intégrés haut
de gamme et dans certains préamplis, en sachant qu’il existe un
module DA1 moins spécifié réservé au début de gamme. Avec sa
puce de conversion 32 Bits quad balanced à huit canaux Cirrus
Logic, le DA2 est capable de traiter le PCM 24 Bits/192 kHz via l’une
ou l’autre de ses quatre entrées S/PDIF (deux coaxiales, deux op-
tiques), et jusqu’au DSD512 et DXD 384 kHz en entrée USB-B.
A quoi s’ajoutent une entrée HDMI-ARC pour le son d’un téléviseur
et une prise propriétaire MCT pour relier un transport CD/SACD
tel que le MCT500 avec l’avantage, rare à notre connaissance, de
pouvoir transférer au DAC le signal DSD haute résolution issu d’un
SACD. Les flux DTS et Dolby Digital, même multicanaux, sont dé-
tectés et rematricés en stéréo D/G. A l’arrière de l’appareil, un double
jeu de sorties asymétriques RCA et symétriques XLR, une USB
marquée « Service » et des fiches jack pour intégrer le MDA200
dans un environnement piloté (au-
tomation). A l’avant, la molette de
gauche ne sert pas qu’à choisir l’une
des sept entrées, mais aussi à régler
quelques paramètres tels que la
coupure et le nommage des entrées,
le gain et les paramètres HDMI.
116 I
L’écoute
Le dispositif d’écoute passe par un DAC Soulnote D-2 avec horloge
X-3, de quoi largement révéler les capacités de ce lecteur « entrée
de gamme ». Le pilotage se fait à l’aide d’Aurender Conductor, une
application robuste, riche en possibilités, mais pas toujours intuitive.
Tout comme l’esthétique qui ne déroge pas à la ligne d’un iota, le son
de ce N150 reflète bien ce à quoi Aurender nous a habitués : un son
ample, élégant et raffiné, easy listening chic sachant cultiver la bonne
mesure entre plaisir et émotion, plus typé hi-fi que monitor. Pour
le situer sur un axe dont les deux extrémités seraient le confort d’écoute
d’un côté et l’analyse poussée de l’autre, le N150 serait plutôt du côté
du confort, mais un confort de cuir pleine fleur avec une pointe
de whisky, si l’image peut se révéler parlante. Une esthétique en tous
points défendable et qui a pour bénéfice principal de permettre à
l’auditeur de passer d’un extrait à l’autre sans subir de désagrément.
Jonas Kaufmann dans Tannhäuser est traité avec tous les égards, sa
voix est puissante et nuancée mais jamais dénaturée (extrait D). Idem
pour la Sinfonia no 1 de George Walker (ex-
trait E), élaborée avec soin, solide et struc-
turée, avec une pointe de chaleur plutôt
que de verdeur. Le son chic.
Les + : Mini Aurender, grand son.
Les - : Avec un côté policé.
audio-focus.com
L’écoute
Le MDA200 est aussi Roon tested, c’est-à-dire compatible avec un
Roon core (un PC ou un Mac sous logiciel Roon). Une certification
appréciée qui n’influe en rien sur le fonctionnement à partir de toute
source numérique autre. Pour ce test, nous partons du serveur strea-
mer Silent Angel Rhein Z1 (également Roon core), connecté en USB-B
au MDA200. Première plage jouée, la Bacchanale du ballet Daphnis
et Chloé interprété avec une belle prestance par le Sinfonia of London
(extrait C). L’ensemble est à la fois chaleureux et fort bien articulé tout
en étant posé. La zone bas-médium et médium est favorisée, ce qui
renforce le sentiment d’aisance et de fluidité. Sans atteindre le degré
de lisibilité et d’extraversion d’un DAC de dernière génération, le
MDA200 sait se rendre agréable à l’oreille, presque flatteur. Avec
un enregistrement plus exigeant, Jonas Kaufmann interprétant l’air
de Tannhäuser « Inbrunst im Herzen » (extrait D), le défi est relevé
dans une large mesure par le MDA200 : le rapport d’énergie entre voix
et orchestre est bon, on suit sans peine les intonations, les change-
ments de hauteur de voix ; tout juste manque-t-on un peu de ce frisson
qui est l’apanage des meilleurs. Une critique modeste en regard
des qualités évidentes de ce DAC, susceptible d’évoluer par le simple
remplacement de la carte DA2. Gage
d’un investissement durable.
Les + : Elégant, universel, évolutif.
Les - : Pas de prise casque.
finesounds.fr
 LUMÏN T3
L
e DAC lecteur réseau T3 succède au T2 testé en février 2020
(cf. no 687). Si extérieurement, rien ne change, à l’intérieur
beaucoup. Pixel Magic Systems Ltd., la maison mère de Lumïn
basée à Hong Kong, présente le T3 comme The new performance
sweet spot, quelque chose comme le concentré idéal. En lice, une
nouvelle architecture hardware et software intégrant des capacités
de rééchantillonnage vers le haut jusqu’aux PCM384 et DSD512
et vers le bas en 44,1 ou 48 kHz, en passant par tous les intermé-
diaires possibles, y compris bien sûr le format natif. Egalement un
inverseur de phase absolue. Cette nouvelle architecture repose,
comme avec le T2, sur deux chipsets ESS 32 Bits ES9028Pro à huit
canaux montés en Dual DAC avec des étages de sortie indépendants
en asymétrique et en symétrique pour chaque canal (soit six circuits
identiques en parallèle). La partie streaming n’est pas moins évo-
luée. Le T3 est compatible Roon Ready, Spotify Connect, MQA,
Tidal Max, Tidal Connect, Qobuz, TuneIn et AirPlay. Streaming
Ethernet uniquement. Une prise USB-A délivre si besoin le flux
numérique en PCM 32 Bits/384 kHz et DSD512 vers un DAC externe.
Une sortie digitale S/PDIF en BNC est également présente, limitée
au PCM 24 Bits/ 192 kHz et DoP64 (DSD
over PCM). Deux horloges gèrent les
multiples de 44,1 et 48 kHz. Le trai-
tement du volume 32 Bits Leedh
Processing sans perte est l’œuvre
de Gilles Millot d’Acoustical
Beauty, une société française
connue notamment pour ses re-
cherches sur les haut-parleurs.
L’écoute
La présence de ce dispositif de volume sans perte invite à connecter
le T3 en direct à un bloc de puissance. Une idée qui va dans le sens
de la transparence mais impose de gérer le volume sur l’application
Lumïn, ce qui se discute ergonomiquement parlant. Volume à fond
sur notre intégré en entrée ligne, les qualités du T3 apparaissent pour-
tant déjà comme une évidence. Premier constat, la dynamique épous-
touflante et le recul du bruit, ou plutôt le silence servant de fond
à l’expression musicale. Ce détail n’en est pas un : on a vu des mélo-
manes perfectionnistes se faire creuser un auditorium à dix mètres
sous terre et user d’horloges atomiques pour s’isoler de toute forme
possible de pollution. Le T3 ne vous emmènera pas si loin, mais il
n’exigera pas de vous de telles extrémités. Pourtant l’idée est là et la
musique s’en trouve transcendée. Dans l’enregistrement reprenant
des extraits de Tannhäuser (extrait D), la voix de Jonas Kaufmann
peut paraître dure et surtout peu nuancée si le système manque de
résolution et d’amplitude dynamique. Avec le T3, la présence de
l’artiste en devient presque cosmique, s’incarnant avec les variations
de hauteur et de volume propres à cet enregistrement. Il en est de même
avec la Bacchanale de Daphnis et Chloé
(extrait C), qui donne à comprendre ce
que sont la danse et le mouvement.
Lumineux, en somme.
Les + : Sans filtre et c’est bien.
Les - : Streame ou streame.
europe-audio-diffusion.com
I 117
● banc d’essai
LEJONKLOU KÄLLA
Q
ue faire quand on n’est pas un fabricant confirmé ayant bâti
sa réputation au cours des trente glorieuses de la hi-fi
(1970-2000) ? Privilégier une approche distinctive, en rupture.
C’est le chemin emprunté par le Suédois Fredrik Lejonklou. Son
préampli mono Sagatun est un bon exemple de cette posture non-
conformiste : pour faire de la stéréo, il en faut deux, comme dans
les années 1960 ou presque, sauf qu’un système d’asservissement
optique permet de commander les deux appareils à partir d’un élé-
ment principal déclaré maître et de monter ainsi jusqu’à huit
Sagatun mono pour faire du son cinéma 7.1. Ça, c’est de la rupture !
Dans la gamme du suédois, préamplis, amplis, étages phono mais
aussi ce lecteur réseau Källa avec DAC intégré optimisé pour fonc-
tionner dans un environnement iOS – même si le fabricant précise
que « si vous souhaitez écouter de la musique stockée localement,
par exemple sur un NAS, vous pouvez utiliser MConnect ou
Foobar2000 ». Pourquoi iOS ? Parce que le fabricant a développé
un protocole compatible avec AirPlay mais selon lui meilleur
qu’AirPlay en audio. Un protocole judicieusement baptisé Protokoll.
La configuration type devient un appareil iOS
pilotant en wifi le Källa relié en Ethernet à
un switch réseau (recommandation du
constructeur), le Källa pouvant lire
toutes les plateformes de streaming,
Spotify, Qobuz, Tidal, Deezer, Apple,
Amazon et YouTube. Pas d’applica-
tion, pas de complication, une prise
Ethernet, deux sorties audio RCA
et le tour est joué.
SFORZATO DSP-07EX
E
n langage musical, les trois lettres sfz sont l’abréviation de l’ita-
lien sforzando ; accolées à une note, elles marquent le souhait
du compositeur de la jouer avec plus d’intensité. Pour le japo-
nais Sforzato, ces trois lettres sont « un symbole attaché à une note
jouée de toute son âme ». Ce DSP-07EX est le lecteur/DAC le plus
accessible de la gamme avec alimentation intégrée, tandis que celle
des modèles supérieurs est déportée. Dès ce modèle, une même
approche est de règle : connexion Ethernet, traitement des données
musicales et conversion N/A en format natif avec prise en charge
des formats PCM 32 Bits/768 kHz et DSD512 en mode Gapless.
Le DSP-07EX supporte Tidal, Amazon HD et Qobuz, est Roon ready,
mais aussi UPnP/DLNA, muni d’une entrée USB-B pour accéder
au DAC indépendamment du streamer. La conversion est confiée
à deux puces ESS ES9038Pro (une par canal D/G), un modèle haut
de gamme 32 Bits à huit canaux avec traitement en différentiel.
Suivent des sorties symétriques ou asymétriques à niveau fixe ou
variable. L’horloge 10 MHz est externe, logée dans un module mé-
tallique avec prise BNC. Alimentée par le DSP-07EX, cette horloge
TCXO (Temperature controlled crystal oscillator) peut
ainsi céder sa place à une horloge autonome dont
il existe trois modèles chez Sforzato, affichant
des niveaux de bruit de plus en plus faibles.
L’architecture Zero Link (un développe-
ment Sforzato + Soulnote) aboutit à ce
que l’horloge maître soit celle qui régit
le DAC, plutôt que les tops de synchro du
signal streamé. La prise LAN est de type
118 I
L’écoute
Le branchement est rapide. Il faut ensuite appeler une page web
à l’adresse IP du Källa pour accéder au menu interne et ajuster
les paramètres réseau selon les indications du constructeur. Avec
un impact non négligeable sur la qualité audio. En parlant qualité,
Protokoll se fonde sur AirPlay qui est en format CD, et pourtant
la qualité sonore est élevée, même lorsque l’on va lire une plage en
haute résolution comme le second mouvement de la Sinfonia no 1
de George Walker stockée sur Qobuz en 24 Bits/192 kHz. Du traitement
appliqué par Protokoll, le fabricant ne dit mot – secret industriel. Dans
cet exemple, on note un très beau déploiement des pupitres, une excel-
lente lisibilité spatiale et une bonne couverture spectrale, tout en restant
dans un ensemble non projeté avec une bonne dynamique et des at-
taques de percussions « comme en vrai » (extrait E). Le Källa a besoin
de temps pour monter en température et donner le meilleur. Passé
ce temps de mise en place, le violon de Viktoria Mullova dans Spiegel
im Spiegel d’Arvo Pärt (extrait B) atteint un équilibre entre suave et
doux, sans jamais perdre en saveur ni en complexité harmonique. Ce
que le Källa ne délivre pas en termes de haute
résolution, il le compense par une rondeur,
une suavité tout analogiques, capables
de gagner les plus sceptiques à ce mode
de reproduction. Différent, donc.
Les + : Numérique analogique.
Les - : iOS uniquement.
laudiodistribution.com
SFP, optique ou filaire au choix (bruit néant en optique). Le strea-
ming se pilote via l’application Taktina ou le soft Diretta sur PC.
L’écoute
Cet important développement technique conduit par Kyoichi Omata
se manifeste à l’écoute par l’évidente libération des marqueurs habi-
tuels d’une musique numérisée, livrée par échantillons. L’écoute de
cet appareil procure une sensation de calme et de maîtrise ; nos plages
de test sont comme pacifiées, remises en perspective sur les axes du
temps, de la couverture spectrale et de la profondeur de restitution. Si
l’on associe musique numérique avec surdéfinition, cet appareil va
décevoir, car il faut ici parler de libération, de clarification, plutôt que
de course à la résolution. Avec le filtre numérique en mode NOS, c’est
flagrant : pour avoir plus tonique, on passera en FIR au détriment
(relatif) de cet espace vertigineux. Particulièrement sensible sur la
Bacchanale de Daphnis et Chloé (extrait C), une pièce mêlant chœur
et orchestre, cette propension à pousser les murs et surtout à repro-
duire une vérité des attaques, du timbre et de la propagation des sons
dans l’espace et le temps font dire que oui, la musique
dématérialisée peut engendrer des émotions
jusqu’alors attribuées à l’analogique de haute vo-
lée. L’infini des possibles en plus.
Les + : Subtilement « analomérique ».
Les - : L’horloge qui dépasse, un détail.
anamightysound.com
 CEC TL2N
D
écembre 1982 : Philips et Sony lancent le Compact Disc, tou-
jours en cours plus de quarante ans après. 1983 : premier lec-
teur CD signé CEC, société japonaise créée en 1954, qui fa-
brique platines vinyles et lecteurs CD pour des marques telles que
Teac, Sony, Grundig, Marantz, Sanyo, Toshiba, Mitsubishi, Alpine,
Kenwood… 1991 : le TL1 est le premier transport CD à courroies
au monde nécessitant un DAC séparé, vendu à l’époque près de
50 000 francs. Contrairement à l’entraînement direct, une courroie
entraîne l’axe du CD, une autre se chargeant de l’avance radiale de
la diode laser via poulie et engrenages. Ce type d’entraînement vise
à s’affranchir des vibrations et du bruit électromagnétique des mo-
teurs. La lecture du CD demande au faisceau laser de suivre une
piste 300 à 500 fois plus fine qu’un cheveu, avec un disque dont la
vitesse de rotation diminue en s’approchant du bord (vitesse linéaire
constante), alors que pour une platine vinyle c’est la vitesse angu-
laire qui est constante. Le cas du CD est donc bien plus épineux. En
digne descendant du TL1, le TL2N introduit des améliorations quant
à la cinématique, avec un renforcement de la base mécanique
et une amélioration de l’inertie du disque en rota-
tion, coiffé d’un lourd palet presseur de dia-
mètre identique au CD (380 g et 12 cm).
Côté électronique, outre les trois sor-
ties AES/EBU, coaxiale et optique, on
a une sortie Superlink nécessitant
quatre câbles BNC en 75 Ω, prévus
pour fonctionner avec le futur DAC
DASL de CEC. Une autre BNC reçoit
KORA CD140
C’
est dit : « Toute la gamme Kora est articulée autour de l’in-
novation Square Tube. » Et ce n’est pas le tout nouveau lec-
teur CD140 qui fera mentir cette assertion portée au fronton
du site de la marque située près de Toulouse. Le Belge Bruno van
der Elst est l’inventeur de ce circuit signature qui, selon ses propres
termes, « débarrasse les signaux de microdistorsions, donnant une
écoute beaucoup plus naturelle ». Ce circuit parallèle et équilibré
(symétrique) met en œuvre quatre double triodes ECC83s fabriquées
par JJ Electronic en Slovaquie. L’alimentation haute tension confère
aux tubes une dynamique élevée dont une partie seulement est sol-
licitée en régime musical ; ils travaillent donc en permanence loin
de l’écrêtage. Le circuit Square Tube intervient dans la partie ana-
logique en aval du DAC et participe au filtrage après conversion
pour éliminer le bruit haute fréquence générateur de distorsion.
Mais avant cela, il a fallu lire le CD, récupérer et mettre en forme
les données puis les convertir en analogique. La mécanique de lec-
ture avec palet-presseur et capot intégral est solidement arrimée à
un berceau en acier plié de 1 mm boulonné au châssis
et à la façade elle aussi en acier lourd, de sorte que
le CD soit protégé des vibrations. Les datas sont
mises en forme, le signal d’horloge séparé
des échantillons, le tout formaté en I2S,
puis les paquets suréchantillonnés en
32 Bits/768 kHz et enfin convertis par
une puce du japonais RoHM, peu usi-
tée mais vue notamment chez
Luxman.
les impulsions d’une horloge externe (44,1 kHz world clock) tandis
qu’un rééchantillonneur gonfle le signal en 88,2 kHz ou 176,4 kHz.
L’écoute
Le TL2N relié en AES/EBU à notre DAC Soulnote D-2 avec horloge
X-3, l’écoute peut démarrer. Le duo « Pur ti miro ! » tiré du Couron-
nement de Poppée suffit à nous convaincre (extrait F). Le dialogue
entre Nardus Williams et Kate Lindsey ressort avec une limpidité et
une urgence peu communes. Le velouté et le fruité de leurs voix se
combinent à un accompagnement des instruments moins tendu, plus
expressif qu’avec notre lecteur repère. Autre test révélateur, un long
accord d’orchestre avec entrée et installation du public, captation live
qui nous place dans une salle dont les proportions et le recul par rap-
port à la scène deviennent très faciles à se représenter mentalement,
presque comme si l’on écoutait du multicanal. Les cors d’un côté, le
hautbois qui donne le la, les conversations du public : tout est tracé,
c’est confondant. Spiegel im Spiegel de Pärt nous permet de mesurer
l’apport du suréchantillonnage : en 44,1 kHz le jeu des deux musiciens
est droit, franc, parfaitement latéralisé. En 176,4, on gagne
en densité, en épaisseur, au léger détri-
ment de la spontanéité. Affaire de goût,
attablé dans un quatre-étoiles.
Les + : D’un naturel confondant !
Les - : A réécouter avec DAC DASL (+).
prestigeaudio-diffusion.fr
L’écoute
L’affichage jaune se détache lisiblement derrière l’écran fumé noir qui
couvre la façade. Le tiroir est guidé par deux rails en acier nickelé, limi-
tant la transmission de vibrations vers le CD. On gagnera à piloter
l’appareil à l’aide de la télécommande fournie (un peu légère), même si
la roue placée sur la droite donne accès aux opérations de base (saut
de plage, lecture, éjection). Tout ceci passe au second plan tant l’écoute
est envoûtante dès les premiers instants. Pas besoin de recourir à des
menus de paramétrage ; le suréchantillonnage est imposé et c’est très
bien comme cela. Ce dispositif, associé au Square Tube, apporte une
matière, une plénitude, une profondeur inédites venant d’un CD. De
quoi une fois encore reconsidérer l’intérêt de ce support et son potentiel
musical intact, plus de quarante ans après sa création. Le CD140 confère
à Jonas Kaufmann une ampleur et une expressivité uniques, à donner
le frisson dans l’air de Tannhäuser (extrait D). La captation du public
entrant dans la salle, de l’orchestre qui s’accorde sont d’une présence
exceptionnelle (disque test Revue du Son). Les coups frappés laissent
entrevoir un grave sous-jacent d’une tonicité et d’une profondeur
inédites en CD. Le CD140, en comparaison d’autres
lecteurs concurrents, c’est plus d’incar-
nation, plus de profondeur, un grand pas
vers la véracité !
Les + : Au service entier du CD.
Les - : L’ergonomie sans plus.
kora.fr
I 119
LE SON en images

La hi-fi en fête
Le 18 janvier dernier, les équipes de Diapason recevaient
dans leurs locaux tous les acteurs de la profession,
pour la cérémonie annuelle des Diapason d’or hi-fi.

2 3 4 5 6 7

8 9 10 11 12
© CYR-EMMERIC BIDARD

13 14 15 16 17

120 I
 1 - Vincent Cousin et Olivia Moreno
(Diapason), entourant Philippe Ganancia
(Hamy Sound).
2 - Olivier Abraham (Yamaha).
3 - Thierry Comte (Welcohm Technology).
4 - Jullien Thaler et Sébastien Miquel
(Triangle).
5 - Pascale Hermet, François Pheulpin
et Yann Ghezi (Sound United - Masimo).
6 - David San Emeterio
(Sound Arts Network).
18 19 20
7 - Stéphane Espinasse
(Sound & Colors - GT Audio).
8 - Hugo La Hutte et Alexandre Chaix
(Son Vidéo).
9 - Stéphane Even
(Seven Audio - Neodio).
10 - Guy Cheval (Rhapsody) et Alexandre
Lavanchy (Wattson Audio).
11 - Denis Schwarzberg (Renaissens).
12 - Stefaan Strypsteen (Musikii).
13 - Olivier Ostré et Michel Tassilly 21 22 23 24
(Pier Audio).
14 - Stéphane Alterno
(Panasonic - Technics).
15 - Patrice Alapetite (Next Audio).
16 - Nurten Cirpan
(Light & Music Company).
17 - Philippe Ganancia (Hamy Sound).
18 - Thierry Nicolle et Fabien de Brem
(Klipsch).
19 - Patrice Nicoleau (Kelinac). 25 26 27 28

20 - Daniel Maumus (Jason)

et Zsolt Huszti (Heed).
21 - Pierre Chabert (Hamy Sound).
22 - David Rio (Fusion Acoustic).
23 - Catherine et Marcel Torchin
(France Major Diffusion).
24 - Loïc Kerferch
(France Major Diffusion).
25 - Eric Audollent et Vincent Lefevre
(Focal). 29 30 31 32
26 - François Demaret
(Europe Audio Diffusion).
27 - Pascal Tokatlian (DEA Distribution).
28 - Olivier Imbert (Elite Diffusion).
29 - Olivier Visan (Davis Acoustics).
30 - Gilles Douziech et Eric Poix
(Diptyque Audio).
31 - Frédéric Alépée (Conceptas).
32 - Eric Lessieur (Cabasse).
33 34 35 36
33 - Mathieu Courtonne
et Clothilde Moreau (Audio-Technica).
34 - Philippe Penna (AV Industry).
35 - Cécile Fischer
(Audio Marketing Services).
36 - Olivier Imbert (Audio Focus).
37 - Emmanuel et Stéphane Dubreuil
(Atoll Electronique).
38 - Vivien Falize (Audio 9 - Esprit).
39 - Matthieu Latour (Nagra) et 37 38 39 40
Costa Kekemenis (Aphrodite's Melody).
40 - Alain Yzembar (Absolue Créations).
I 121
 Club Hi-fi
Alpes-Maritimes / Bouches-du-Rhône

lamaisondelahifi.fr
DÉCOUVRIR RÊVER ÉCOUTER

HI-FI D’EXCEPTION
CONSEIL
VENTE
INSTALLATION

HI-FI D’EXCEPTION • HOME CINEMA • MULTIROOM • DOMOTIQUE • SUR MESURE • FRANCE & INTERNATIONAL
Showroom sur rendez-vous : AIX-EN-PROVENCE & GRASSE

+ 33 (0) 4 42 26 25 37 - contact@lamaisondelahifi.fr

diapasonmag.fr Côte-d’Or

c’est tous les mois :

+ de 100 000
visiteurs uniques
+ de 600 000
pages vues
Rhône

Retrouvez la rubrique
DIAPASON D’OR HI-FI

122 I
Club Hi-fi : des spécialistes dans votre département
Île-de-France

SOS ENFANTS
Aider sans assister
Haïti, Népal, Burkina Faso,
Cameroun, Congo,
Madagascar, Rwanda,
offrons aux enfants
l’espoir d’un avenir meilleur.

 Le parrainage
donne aux enfants
les moyens de construire
leur avenir.
 Parrainer un enfant
ou un groupe d’enfants
à partir de 10 € par mois.
 Participer à la construction
Retrouvez la rubrique d’infrastructures,
écoles, hôpitaux et

DIAPASON D’OR HI-FI centres de formation.

sur notre site internet Association reconnue d’Utilité Publique

créée en 1982

diapasonmag.fr
8, rue du Château des Rentiers 75013 Paris
Tél : 01 45 83 75 56
sos.enfants@wanadoo.fr
http://www.sosenfants.org

I 123
● La Discothèque idéale de Diapason

Des versions de référence pour le piano de Chopin, les

€
symphonies de Beethoven ou la musique de chambre de
Mozart, réunies dans des coffrets méticuleusement
Tous nos coffrets sont à
PROFITEZ EN VITE !
3490
SEULEMENT
élaborés par les critiques de Diapason.

VOLUME 3 - BEETHOVEN VOLUME 18 - BRAHMS

Les symphonies / 2 intégrales L’oeuvre pour piano et concertos
Une double intégrale des symphonies : 9 choisies La perfection de l’œuvre de Brahms est éblouis-
par les critiques, 9 par les plus grands chefs. sante. Ecrasante diront ses détracteurs, galvanisante
Coffret 11 CD Réf. 406 256 protesteront ses admirateurs.
Coffret 11 CD Réf. 420 000

VOLUME 4 - MOZART
VOLUME 19 - VERDI
Les grands opéras
6 intégrales : Idomeneo, L'Enlèvement au sérail, Les grands opéras vol. 2
Les Noces de Figaro, Don Giovanni, Così fan 5 versions intégrales choisies par les meilleurs
tutte, La Flûte enchantée. + 3 heures de bonus. experts + 2 heures de bonus. Une somme sans
précédent sur l’histoire du chant verdien !
Coffret 14 CD Réf. 406 280
Coffret 10 CD Réf. 420 604

VOLUME 5 - BEETHOVEN VOLUME 22 - WAGNER

Concertos : Ouvertures, Fidelio, Messes
Les chefs-d'œuvre du génie beethovénien. Des
interprétations choisies par les critiques de Diapason
et les plus grands musiciens d’aujourd’hui.
Coffret 13 CD Réf. 406 363
Les grands opéras (vol.2)
Wagner suite et fin des grands opéras avec Les
Maîtres Chanteurs, Parsifal, les indispensable du Ring
(L’Or du Rhin, La Walkyrie, Siegfried, Le Crépuscule
des dieux). 14h30 de musique + 2h de bonus..
Coffret 13 CD Réf. 422 691

VOLUME 10 - PUCCINI VOLUME 24 - TCHAÏKOVSKI

Les grands opéras Œuvres symphoniques , concertos
Avec M. Callas, R. Tebaldi, V. de los Angeles, et musique de chambre
B. Nilsson, C. Bergonzi, J. Björling, D. Mitropoulos, De son 1er quatuor à cordes (1871) à la crépuscu-
T. Serafin, E. Leinsdorf… laire Symphonie « pathétique » (1893), voici toutes
les grandes partitions concertantes, symphoniques
Coffret 14 CD Réf. 407 395
et chambristes de Tchaïkovsk soit 14 h de musique !
Coffret 11 CD Réf. 423 616

VOLUME 25 - GOUNOD - BIZET

VOLUME 16 - WAGNER
Les grands opéras
Les grands opéras vol. 1 Retrouvez cinq chefs-d’œuvre dans leur version
4 versions intégrales choisies par les meilleurs de référence, assortis de bonus et Une heure et
experts + 3 heures de bonus. Une somme sans demie d’airs et d’ensembles détachés de 11 autres
précédent sur l’histoire du chant wagnérien ! ouvrages beaucoup plus rares de ces deux maîtres
Coffret 12 CD Réf. 418 830 de l’opéra français.!
Coffret 12 CD Réf. 424 820
 VOLUME 26 - BEETHOVEN VOLUME 29 - SCHUBERT
Musique de Chambre, vol.1 Symphonies, oeuvres chorales,
Six critiques de Diapason et quatre quatuors à lieder
cordes français se sont associés pour écrémer Les 8 symphonies,les plus belles pages chorales
la discographie des seize quatuors à cordes de et une riche anthologie de lieder pour compléter
Beethoven, mais aussi celle de ses quatuors avec les 3 grands cycles. Avec, comme toujours, des
piano, quintettes, sextuors, septuor et octuor. références consacrées, des raretés triées sur le
volet et quelques inédits en CD.
Coffret 11 CD Réf. 426 957
Coffret 10 CD Réf. 429 308

VOLUME 27 - TCHAÏKOVSKI
Ballet/Opéras Découvrez le dernier-né de
Cinq intégrales de légende pour les trois ballets
(Casse-Noisette, La Belle au bois dormant et Le la discothèque idéale de
Lac des cygnes), Eugène Onéguine et La Dame
de Pique. Et en complément, les plus beaux airs
et ensembles de ses opéras moins connus par la
crème du chant russe.
Berlioz, les chefs-d’œuvres
Coffret 10 CD Réf. 428 011 De l’Ouverture Les Francs-Juges
(1826) à la Marche troyenne
VOLUME 28 - MAHLER (1864) en passant par la
Symphonie fantastique, le
Les symphonies Requiem et La Damnation de
Une intégrale des dix symphonies de Mahler en
stéréophonie associant des trésors bien connus et Faust : voici le meilleur de ce que
des pépites à redécouvrir, où les derniers proches Berlioz a produit pour le théâtre,
du maître croisent quelques-uns de ses premiers le concert et l’église, par ses
et plus ardents défenseurs. Frissons garantis.
interprètes les plus illustres.
Coffret 10 CD Réf. 428 672
VOLUME 30 - Coffret 10 CD Réf. 430 538
POUR COMMANDER ET S’INFORMER
Renvoyez le bon de commande
Connectez-vous sur notre site : avec votre règlement à : 01 46 48 48 03
www.kiosquemag.com/boutique La Boutique Diapason du lundi au samedi de 8h à 20h.
59898 LILLE Cedex 9 ( paiement par carte bancaire uniquement)

BON DE COMMANDE La Boutique A retourner avec votre règlement à : La boutique Diapason - 59898 Lille Cedex 9
> J’indique mes coordonnées : (*A remplir obligatoirement) # M090 # V 1546050
La Discothèque idéale de Diapason
Vol. Réf. Qté Vol. Réf. Qté Prix unit. Sous-total Nom*:

Prénom*:
3 406 256 x 4 406 280 x = €
Adresse*:
5 406 363 x 10 407 395 x = €

16 418 830 x 18 420 000 x = €

CP*: Ville*:
19 420 604 x 22 422 691 x = €

24 423 616 x 25 424 820 x

34 €
90
= € Email :

26 426 957 x 27 428 011 x = € Votre email nous sera utile si besoin pour le suivi de votre commande.
28 428 672 x 29 429 308 x = € N° de tél : Date anniversaire :
N° de portable de préférence pour envoi de sms si problème de livraison. Pour fêter votre anniversaire.
30 430 538 x = €
 Je ne souhaite pas recevoir les offres Privilège de Diapason et Kiosquemag sur des produits
SOUS-TOTAL = € et services similaires à ma commande par la Poste, e-mail et téléphone. Dommage !
 Je ne souhaite pas que mes coordonnées postales, mon e-mail et mon téléphone soient
PARTICIPATION AUX FRAIS D’ENVOI EN COLIECO 5,00 € communiqués à des partenaires pour recevoir leurs bons plans. Dommage !
PARTICIPATION AUX FRAIS D’ENVOI EN COLISSIMO 7,90 € Offre valable France Métropolitaine valable jusqu’au 30/06/2024 dans la limite des stocks disponibles.
Conformément à l’article L 221-18 du code de la consommation, vous disposez d’un droit de rétractation de 14 jours
à compter de la réception de votre commande et vous pouvez nous retourner vos coffrets dans leurs emballages
TOTAL GÉNÉRAL DE MA COMMANDE € d’origine et sans qu’ils aient été ouverts. Les frais d’envoi et de retour restent à votre charge. Les informations
demandées sont destinées à la société REWORLD MEDIA MAGAZINES (KiosqueMag) à des fins de traitement et de
gestion de votre commande, d’opérations promotionnelles, de fidélisation, de la relation client, des réclamations, de
Je joins mon chèque libellé à l’ordre du magazine Diapason. réalisation d’études et de statistiques et, sous réserve de vos choix, de communication marketing par KiosqueMag
et/ou ses partenaires par courrier, téléphone et courrier électronique. Vous bénéficiez d’un droit d’accès,
Rapide, simple et 100% sécurisé, rectification, d’effacement de vos données ainsi que d’un droit d’opposition en écrivant à RMM-DPD, c/o service
réglez par carte bancaire sur juridique, 40 avenue Aristide Briand – 92220 Bagneux, ou par mail à dpd@reworldmedia.com. Vous pouvez
introduire une réclamation auprès de la CNIL - www.cnil.fr. Pour en savoir plus sur la gestion de vos données
www.kiosquemag.com/boutique personnelles, vos droits et nos partenaires, consultez notre politique de confidentialité sur www.kiosquemag.com.
 ÉVÉNEMENT
À GAGNER UN VOYAGE
A LONDRES
tout compris pour toute une famille avec enfant(s) :
*
transport, pension complète, parc Harry Potter, museum...

à l’infin i!
Explore

À GAGNER
UN VOYAGE
AUREZ-VO US
R
LE TICKETNDT’O
À LONDRES
+ plein d’autres cadeaux
Let’s!

?
go

G AG N A
ET D’OR
AS-TU UN TICK
OUVRE-VITE
GAGNANT? E!
TON MAGAZIN

…
Et si tu pouvais

voir futur?
Extrême
le Inoxtag à la
conquête
de l’Everest

NOUVELLE
FORMULE !
> Des jeux bizarres C’est carré
> Le tuto low-tech
> Des BD inédites
Tu ne sais
> Juste Cause, pour pas jouer
débunker au Uno !
les fake news…

RDV MAINTENANT
dans votre magazine disponible chez votre marchand de journaux
ou dans votre boîte aux lettres si vous êtes abonné.

ABONNEZ-VOUS VITE ICI !

Avant le 25 février 2024 pour recevoir
le numéro avec l’opération ticket d’or !

* Extrait de règlement : Reworld Media Magazines organise, du 01/02/24 jusqu’au 09/04/24, une loterie intitulée «ticket d’or 35 ans SVJ». Un ticket d’or sera broché dans chaque magazine SVJ
n°414 vendu par abonnement ou en kiosque. Seuls 35 tickets édités seront gagnants. L’attribution des lots se fera par tirage au sort le 22/04/2024 parmi les tickets gagnants. Le 1er lot est un
voyage d’une valeur totale de 9 000€ TTC pour les membres d’un même foyer, à Londres (séjour de 5 jours pour 4 personnes maximum : transport, hébergement, sorties museum, parc Harry
Potter en pension complète). Seules les personnes mineures à la date du tirage au sort, leurs parents/tuteurs/représentants légaux, les conjoints de ces derniers et les membres de leurs fratries
peuvent participer, sous réserve qu’ils résident en France. Ces éléments étant des conditions essentielles, les pièces d’identité, une autorisation parentale et/ou une attestation prouvant
les liens entre les participants et les mineurs seront demandées. Dans l’hypothèse où un participant gagne un ticket d’or en contravention avec les conditions de jeu précitées et prévues dans
le Règlement, son lot ne lui sera pas attribué et restera la propriété de Science&Vie Junior. Pour les participants vivant en Corse ou DROM-COM, le départ pour Londres sera pris en charge
au départ de Paris. Les gagnants seront déterminés selon les modalités prévues au règlement du concours disponible gratuitement sur le site science-et-vie-junior.fr.

Les concerts sur France Musique
VENDREDI 1er
20 h Paris, Maison
de la Radio, 17/12/23.
Haydn, Mozart, Stamitz.
Maîtrise de Radio France,
Les Ambassadeurs –
La Grande Ecurie, dir. Jeannin.
SAMEDI 2
20 h Paris, Opéra-Bastille,
23/2/24. « Finale du concours
Voix des Outre mers ».
LUNDI 4
20 h Paris, Théâtre
des Champs-Elysées, 28/1/24.
Beethoven, Brahms,
Rachmaninov, Prokofiev.
Kissin piano.
MARDI 5
20 h Paris, Maison
de la Radio, 22/2/24. Handel.
Piau soprano, Marq flûte
à bec, La Rêveuse, dir. Bolton
et Perrot.
MERCREDI 6
20 h Paris, Maison de la
Radio, 10/2/24. G. Smith,
Gorandi, Feierabend,
Reich, Ensemble Next,
dir. Ollu.
JEUDI 7
20 h Paris, Maison
de la Radio, 25/2/24.
Chostakovitch, Bacewicz.
Ott piano, Musiciens
de l’Orch. national de France.
Une publication du groupe Reworld Media
ÉDITEUR
REWORLD MEDIA MAGAZINES (SAS)
40 avenue Aristide Briand - 92220 BAGNEUX
Directeur de la publication : Gautier NORMAND
Actionnaire : Président Reworld Media France
(RCS Nanterre 477 494 371)
Tél. : 01 41 33 50 00
www.diapasonmag.fr
RÉDACTION
E-mail : initiale prénom nom@reworldmedia.com
Rédacteur en chef : Emmanuel DUPUY
Calendrier des concerts, guides :
Pierre-Etienne NAGEOTTE :
calendrier.diapason@reworldmedia.com
Directeur artistique : Stephane GUENET
Chef de rubrique – chroniqueur :
Ivan A. ALEXANDRE
Chef de rubrique (disques) : François LAURENT
LE GUIDE radio
Du 1er au 30 mars 2024
VENDREDI 8 Raucourt flûte, Orch. national orgue, Eyck thérémine, MARDI 26
20 h En direct de la Maison de France, dir. New. Maîtrise de Radio France, 20 h En direct de la
de la Radio. Bonis, Ravel, Orch. national de France, Philharmonie de Paris.
Debussy. Thibaudet piano,
VENDREDI 15 dir. Macelaru Dukas, Dutilleux,
Orch. philh. de Radio France, 20 h Paris, Maison Debussy, Ravel.
dir. Franck. de la Radio, 20/2/24. JEUDI 21 Capuçon violoncelle,
Bach. Mangova piano. 19 h 30. En direct du Théâtre Orch. national de France,
SAMEDI 9 des Champs-Elysées. dir. Macelaru.
20 h Paris, Opéra-Comique,
SAMEDI 16 Berlioz : La Damnation
7/2/24. L’Autre voyage, 20 h New York, Metropolitan de Faust. De Barbeyrac, MERCREDI 27
d’après Schubert. Opera, 9/3/24. Verdi : D’Oustrac, Teitgen, Caton. 20 h Paris, Maison
Degout, Stagg, Kilsby, La Force du destin. Davidsen, Chœur de Radio France, de la Radio, 10/2/24.
Lazreq, Ensemble Pygmalion, Jagde, Golovatenko, Howard, Orch. national de France,
Reich, Chassol. Chassol piano,
dir. Pichon. Carfizzi, Kutasi, Chœur dir. Macelaru. Ensemble Miroirs étendus,
et Orch. du Metropolitan
LUNDI 11 VENDREDI 22 dir. Monbet.
Opera, dir. Nézet-Séguin.
20 h Prague, Rudolfinum, 20 h En direct de la Maison JEUDI 28
12/2/24. Suk, Smetana/Szell,
LUNDI 18 de la Radio. Copland, Ives,
20 h Berlin, Philharmonie, 20 h En direct
Srnka. Esfahani clavecin, Orch. Gershwin/Russell Bennett,
24/2/24. Smyth, Schumann, de la Maison de la Radio.
symph. de la Radio de Prague, Barber. Redpath soprano,
Busoni. Grosvenor piano, Mozart, Beethoven.
dir. Popelka. Jehl trompette, Suchanek cor
Chœur de la Radio de Berlin, Orch. philh. de Radio France,
anglais, Orch. philh. de Radio
MARDI 12 Deutsche Symphonie- piano et dir. Emelyanychev.
France, dir. Hannigan.
20 h Kladruby, Monastère Orchester Berlin, dir. Ticciati.
SAMEDI 23 VENDREDI 29
Vltava Santini, 9/9/23. Zelenka.
Collegium Vocale 1704,
MARDI 19 20 h Paris, Théâtre des 20 h En direct de la Maison
Collegium 1704, dir. Luks. 20 h Genève, Temple Champs-Elysées, 28/2/24. de la Radio. Schönberg,
de Saint-Gervais, 9/10/23. Moussorgski : Boris Wagner. Kopatchinskaja
MERCREDI 13 Tallis, Byrd. Morrison, Godounov. Roslavets, Brenciu, violon, Orch. philh. de Radio
20 h En direct de la Maison Lewandowska sopranos, Timoshenku, Scandiuzzi, France, dir. Peltokoski.
de la Radio. Bach, Pärt, Potter alto, Getchell, Hobbs, Kissin… Maitrise des
Janulyté, Mozart. Park violon, Tortise ténors, Sjollema Hauts-de-Seine, Chœur
SAMEDI 30
Desmons alto, Orch. philh. baryton, Nosek basse, de l’Opéra nat. du Capitole, 20 h New York,
de Radio France, dir. K. Poska. Gli Angeli Genève, basse Orch. national de France, Metropolitan Opéra, 23/3/24.
et dir. MacLeod. dir. Poga. Gounod : Roméo et Juliette.
JEUDI 14 Sierra, Bernheim, Liverman,
20 h En direct de la Maison MERCREDI 20 LUNDI 25 Ballentine, Walker,
de la Radio. Sinnhuber, 20 h Paris, Maison de la 20 h Paris, Philharmonie, Hankey… Chœur et Orch.
Chostakovitch, Beethoven. Radio, 10/2/24. Smith, Muhly, 17/3/24. « Finale du concours du Metropolitan Opera,
Tetzlaff violon, Poncelin de Campo, Reich. Apkalna La Maestra ». dir. Nézet-Séguin.
Chef de rubrique (hi-fi) : Vincent COUSIN Directeur de la publicité (disques, concerts, PRÉ PRESSE / PHOTOGRAVURE
Rédacteur : Jean-Christophe PUCEK festivals, instruments) : Etienne GANUCHAUD Chef de service : Sylvain BOULARAND
Rédacteur – Secrétaire de rédaction : Directrice de clientèle hi-fi, Club hi-fi :
Loïc CHAHINE
FINANCE MANAGER
Olivia MORENO Géraldine PELLERIN
Secrétariat : Laetitia BONIS-DATCHY Assistante de publicité : Christine AUBRY
VENTE AU NUMÉRO
Ont collaboré à ce numéro : Vincent Agrech, MARKETING Responsable marché : Siham DAASSA
Jérôme Bastianelli, Bertrand Boissard, Chef de produit : Giliane DOULS
N° ISSN : 1292-0703
Roxane Borde, Pascal Brissaud, Adrien Cauchie,
ABONNEMENT : Commission paritaire : 0220 K 87093
Gérard Condé, Simon Corley, Isabelle Davy, Dépôt légal :
Tél. : 01 46 48 47 60
Frédéric Degroote, Paul de Louit, Camille De Rijck,
Du lundi au vendredi de 9h à 19h février 2024
Benoît Fauchet, Sylvain Fort, Jean-Philippe et le samedi de 9h à 18h (prix d’un appel local). Prix de vente : 8,90 €
Grosperrin, Bertrand Hainaut, Thomas Herreng, E-mail : formulaire sur www.serviceabomag.fr Date de parution :
Jean-Claude Hulot, Christophe Huss, Courrier : Service Abonnement Diapason 23 février
Anne Ibos-Augé, Martine Kahane, Marc Lesage, 59 898 Lille Cedex 9
Julia Le Brun, Rémy Louis, Denis Morrier, Prix de l’abonnement France 1 an (11 numéros) :
Hugues Mousseau, Laurent Muraro, Pierre 64,90 €. Dom-Tom et étranger : nous consulter
Rigaudière, Kevin Roger, Guillaume Saintagne, A compter du 1er mai 2021, le prix des
Gilles Saint Arroman, Charles Seinecé, Affichage Environnemental
abonnements mensuels à l’offre Diapason d’or CD
Clément Stagnol, Patrick Szersnovicz, + CD Indispensables passera au maximum Origine du papier Allemagne
Taux de fibres recyclées 0%
Roger-Claude Travers, Didier Van Moere. à 7,30 € TTC et le prix des abonnements
trimestriels passera au maximum à 21,90 € TTC Certification PEFC
DIRECTION ÉDITION Impact sur l’eau Ptot 0,016kg/tonne
Editeur : Germain PÉRINET FABRICATION
Editeur adjoint : Charlotte MIGNEREY Directeur des opérations industrielles :
Bruno MATILLAT
PUBLICITÉ Chef de fabrication : Daniel ROUGIER
Directeur exécutif régie : Imprimeur : Maury Imprimeur, ZI Route d’Etampes,
Elodie BRETAUDEAU FONTEILLES BP 12, 45331 Malesherbes Cedex
I 127
● livres

Rossini dans le texte

Rossini à la lettre par Grégoire Ayala. Premières Loges, 442 p., 25 €.
Notre Rossini de chevet, c’est le « mode
d’emploi » de Chantal Cazaux (même édi-
teur). Nous aimons aussi la brève synthèse
de Jean-Philippe Thiellay (Actes Sud).
Grégoire Alaya adopte un autre parti : voici
une monographie complète qui, en quelque
quatre cents pages, plonge au cœur de la vie
et de l’œuvre, à partir de multiples docu-
ments, notamment issus de la correspon-
dance – d’où le titre du livre. Il sera donc
question de tous les opéras, fussent-ils
moins connus, voire mineurs, mais aussi
de cantates, celles écrites à l’occasion du
Congrès de Vérone, par exemple, ou celle
« pour le baptême du fils du banquier
Aguado », sans parler évidemment des
Péchés de vieillesse.
Historien archéologue, l’auteur ne se veut
pas musicologue, il n’analyse pas la musique,
il la décrit. Fort bien au demeurant : ce
connaisseur entretient une profonde inti-
mité avec les partitions. L’homme Rossini
est là aussi, humain trop humain, porté sur
le beau sexe et la bonne chère autant que
sur des intérêts âprement défendus, proprié-
taire d’un patrimoine patiemment aug-
menté, traversant les régimes, allergique
au désordre, « ni combattant exalté, ni mili-
tant idéaliste, ni artiste engagé, ni franche-
ment royaliste ».
Parler de Rossini revient également à parler
de tout un arrière-plan, historique et cultu-
rel, à évoquer l’histoire de l’Europe quand
il est en fonctions au San Carlo, à Paris ou déchue. N’est-il plus alors qu’un créateur sta-
au Liceo musicale de Bologne : rien de tout tufié, vestige d’un autre temps ? Quitte à
cela n’échappe à Grégoire Ayala. Partout où nous surprendre un peu, l’auteur voit au
il passe, cette Europe fête Rossini comme contraire dans les années 1855-1868 le che-
le compositeur le plus célèbre de son temps, min « vers un nouveau langage », ultime
dont le salon accueillera le Tout-Paris. Il faut étape d’un itinéraire en perpétuelle quête de
être vu chez lui, « grand corps malade, souf- régénération. De quoi nous rappeler, s’il en
frant, perclus », sur lequel veille Olympe était besoin, que cet admirateur fervent de
Pélissier, demi-mondaine devenue épouse Mozart et de Haydn, mais aussi de Mendels-
respectable après la mort d’une Colbran sohn, de Bach… et de Rameau, fut toujours
abandonnée à son sort lamentable de diva un moderne. Didier Van Moere

nom n’avait accompli un travail exemplaire d’édition

Vibrant hommage
Olivier Greif, d’éclat et de douleur sous la direction de Brigitte
François-Sappey et Etienne Kippelen. Euterpe n° 39/40, 106 p., 22 €.
A commander sur lesamisdelamusiquefrançaise.com
Bouleversante pour les uns, anachronique pour les autres
(de plus en plus rares), la musique d’Olivier Greif (1950-2000)
jouit d’une reconnaissance qui ne permet plus de la traiter
de haut comme un mirage dans l’impasse
de la postmodernité. Les lignes ont bougé
avec le temps : presque toutes ses œuvres
majeures ont bénéficié d’enregistrements
fidèles. Et si l’auteur des Chants de l’âme
partage le sort de compositeurs davantage
soucieux de susciter l’émotion que
l’admiration, la musicologie n’est plus aussi
fermée (sourde ?) à ce qui touche ;
elle va jusqu’à en faire un sujet d’étude.
Une grâce, refusée de leur vivant à Puccini,
Massenet, Rachmaninov ou Poulenc.
Car les œuvres d’Olivier Greif, longtemps
marginales, sont désormais jouées jusque
dans les conservatoires supérieurs
et, naguère à l’index, font l’objet
de mémoires, voire de thèses. Destinée
inimaginable si l’association qui porte son
et de diffusion non seulement des partitions mais encore
de tout ce qui peut contribuer à sa juste perception, tant
pour les interprètes que pour les auditeurs fascinés et/ou
désorientés face aux horizons qui s’ouvrent devant eux.
Le Rêve du Monde (Aedam Musicae, 2013), émouvant recueil
de témoignages d’amis ou d’interprètes, premier volet
d’un triptyque éditorial dont le Journal (même éditeur) forme
le cœur toujours palpitant, trouve son
pendant sous la forme, inattendue,
d’un numéro double (39/40) de la revue
Euterpe dont le titre, D’Eclat et de douleur
suffit à suggérer le ton. Il s’agit pourtant
de la publication des actes du colloque
Olivier Greif qui s’est tenu à Paris en 2021
mais, hors le relevé minutieux des archives
et la question du postmodernisme, peut-on
évoquer sans émotion « La spiritualité avant
toute chose », « La chanson dans l’œuvre
d’Olivier Greif », « Le génie de l’enfance »,
« Le Requiem », « Le Concerto Durch Adams
Fall » ? Clé de voûte de l’association (dont
Philippe Hersant assure la présidence)
Brigitte François-Sappey a signé le texte
éponyme, le plus intimement sensible.
Gérard Condé

128 I
Bach point mort
Jean-Sébastien Bach par René Belletto. P.O.L., 110 p., 14 €.
A mi-chemin entre essai et carnet de notes émaillé de force
citations, le Jean-Sébastien Bach de René Belletto, scénariste
et auteur de romans policiers réputé, fait parfois songer, dans
sa forme comme dans sa concision, aux Petits traités de Pascal
Quignard. Vingt-sept chapitres pour dessiner les contours
mouvants de la relation à un compositeur « homme et femme
– et enfant », « contraint de s’engendrer lui-même fantomati-
quement et réellement ».
Au fil des lignes, l’affection de l’écrivain pour son sujet est
patente, les questions posées à l’œuvre qu’il nous laisse infinies,
car toujours renouvelées. Belletto n’hésite d’ailleurs pas à va-
rier les angles d’approche, convoquant des repères familiers
à qui s’intéresse au Cantor (Vivaldi, Mozart, Mendelssohn,
Debussy) mais s’échappant aussi vers des territoires inatten-
dus, comme la guitare et le flamenco – cette quinzaine de pages
constitue d’ailleurs le moment le plus réussi du livre.
En ce qui concerne Bach lui-même, nous sommes en revanche
loin du compte. Libre à chacun, bien sûr, d’exposer sa vision
du compositeur ; encore faut-il qu’elle soit étayée. Non, L’Art
de la fugue n’est pas ina-
chevé, pas plus que Vor
deinen Thron tret’ ich
hiermit BWV 668 publié,
complet, à sa suite – la
musicologie regarde d’ail-
leurs la Fuga a tre soggetti
comme au mieux un com-
plément du recueil, ce
qu’estimait déjà Gustav
Leonhardt. « Bist du bei
mir » n’est pas signé Bach
mais Stölzel ; prétendre
que le Cantor « invente » la
stéréophonie est faire bien
peu de cas de la polycho-
ralité vénitienne, de même
que l’exemple d’un Tobias
Hume ou d’un Anthony
Holborne bat en brèche l’assertion selon laquelle « ce n’est
qu’après Bach que les compositeurs, à commencer par ses fils,
se mettront à parler pour ainsi dire explicitement d’eux-mêmes
dans leurs œuvres. » Il est établi à présent qu’Anna Magdalena
ne mourut pas « dans un dénuement total », que l’oubli du Cantor
après sa mort est une légende. On fait grâce, enfin, des suppo-
sitions numérologiques ici convoquées, tant l’expérience
montre avec quelle prudence on doit s’y rallier.
Ce cumul d’erreurs ne fait paraître que plus risible la diatribe
finale de l’auteur contre « une certaine catégorie d’interprètes
qui, faute d’une vérité intérieure propre et distincte, [...] usent
d’instruments imités des instruments d’époque, jouent selon
des traités musicaux d’époque [...] » Coincé entre approxima-
tions et préjugés d’un autre temps, ce Jean-Sébastien Bach reste
trop souvent au point mort. Jean-Christophe Pucek

I 129
 la playlist de ma vie
PAR VINCENT AGRECH
Justin Taylor
claveciniste
Le premier disque
dont vous vous souvenez
Celui de mon premier choc en scène quand
j’avais cinq ou six : un spectacle de derviches
tourneurs accompagnés par le groupe rom
Taraf de Haïdouks, durant lequel je n’avais pas
voulu bouger de ma chaise pendant près de cinq heures ! Du
coup, mes parents m’avaient acheté le CD après le concert. Eux-
mêmes n’étaient pas musiciens, mais curieux de tous les arts,
ils m’emportaient dans leur besace sans que je me fasse prier.
Le disque qui vous a décidé
à devenir musicien
Dans la voiture, avec mon père, nous entendons
l’Allemande en la mineur de Rameau par
Alexandre Tharaud – je devais avoir neuf ans.
Je trouve ça incroyable ; nous ne connaissions
pas ce compositeur ; on court acheter le disque. J’apprends qu’on
appelle ce répertoire musique baroque, que la pièce n’est pas
destinée au piano, et pousse la porte de la classe de clavecin du
conservatoire d’Angers. Tharaud m’a mis au clavecin ! J’étais très
fier de le lui raconter quand il m’a gentiment demandé une petite
participation instrumentale à son disque « Versailles ».
Le disque que vous avez
le plus écouté
Parce qu’il est une madeleine de Proust :
© JEAN BAPTISTE MILLOT
le Concerto pour flûte et harpe de Mozart par
Rampal et Laskine. On n’échappe pas à la pre-
mière version de son enfance, même si elle n’est
pas historiquement informée ! Son naturel et son exubérance
valent bien l’exotisme du vibrato…
130 I
Le disque que vous écoutez
quand tout va mal
Mozart encore, le Concerto pour piano no 23
par Murray Perahia et l’English Chamber
Orchestra. Pour cette merveilleuse consola-
tion du deuxième mouvement, où les vents
semblent prendre le piano dans leurs bras pour le réconforter.
Avant l’élan irrésistible du troisième mouvement qui nous
remet dans l’énergie de la vie.
Le disque idéal pour faire l’amour
L’étreinte de Poppée et Néron, bien sûr, éveil
des sens, langueur et sensualité inouïs. J’ai
dans l’oreille la très belle version récente de
Sonya Yoncheva et Kate Lindsey sous la direc-
tion de William Christie.
Le disque à faire découvrir
à ses enfants
Il me tarde de guider l’oreille de ma petite fille
de neuf mois vers les Nocturnes de Chopin par
Maria-João Pires, leur douceur, leur ten-
dresse, l’équilibre idéal entre intimité, effer-
vescence, et déjà l’alternative entre se complaire dans le spleen
ou affronter la vie. Comme Perahia, comme Tharaud aussi,
Pires fait partie de ces pianistes qui ont l’art de transcender la
nature du clavier pour conquérir l’immatérialité du son par le
phrasé et le legato.
Le disque qu’on ne s’attend pas
à trouver chez vous
Le secret commence un peu à s’éventer grâce
à des amis bien intentionnés ! Une compil
d’ABBA. Pour ce plaisir extraordinairement
communicatif de faire de la musique en scène.
C’est mon côté vintage…
Le disque à passer
pour votre enterrement
Dans une autre vie, si le temps devait manquer
dans celle-ci, je rêverais de jouer de la viole
de gambe pour me plonger dans le répertoire
anglais pour consort. Le disque Gibbons de
François Joubert-Caillet et L’Achéron, empreint de mélancolie,
d’interrogations, articulant l’extrême simplicité et la com-
plexité polyphonique, se prête à la méditation sur l’existence
à laquelle j’aimerais inviter mes proches qui resteront.
 FIIO R9 | 1 490 €
Le tout-en-un de référence
• DAC 32 bits / 768 kHz, DSD et MQA
• Lecteur réseau Android intégré
• Forte puissance de 7 300 mW

FLASHEZ LE CODE
POUR EN SAVOIR PLUS

DU LUNDI AU SAMEDI, 9H30-13H ET 14H-18H30 WWW.SON-VIDEO.COM LES MAGASINS SON-VIDÉO.COM

Pour découvrir et tester le meilleur
de la hi-fi et du home-cinéma.
 SOUNDS FOR THE SENSES

*Le son au service des sens

Dual : platines vinyles manuelles et automatiques depuis 1907

Distribution des marques Brinkmann, DUAL, DS Audio, EmmLabs, Gryphon,

Ideon Audio, Meitner, Merason, Moonriver, Nagaoka et Revival Audio
Informations et revendeurs sur www.fusion-acoustic.com