digital drawing ~ Technique du floutage

Danseuse bohème
Amis du jour, bonjour !

Aujourd’hui je vous propose de me suivre dans un second step by step sur la coloration d’un dessin. Le
type d’exercice que je vous présente dans cet article concerne une technique souvent utilisée par les
novices en dessin numérique : la pratique du floutage. Le principe de cette technique est de faire des
ombres douces sur la plupart des éléments qui composent votre dessin.

Bien, commençons !

Etape 1

L’ambiance ~ Les couleurs globales

L’ambiance est une chose primordiale dans un dessin. Sans ça, le dessin paraît vide et sans âme. Il faut
donc penser à l’ambiance que vous voulez faire dès le début de votre coloration (voir même lors de
l’étape du croquis).
Placez les couleurs globales du dessin. Faîtes attention à ce qu’elles se marient bien entre elles. Par
exemple ici, j’ai choisi des tons rouges/rosés qui sont contrastés par quelques notes de couleurs vertes
afin de faire ressortir le rouge.

Etape 2

La coloration de la peau

Posez la couleur de base puis sur un autre calque, avec une couleur légèrement plus foncée et rosée,
mettez les zones rouges du corps en évidence. Pas besoin d’être extrêmement précis, il suffit simplement
de ne pas oubliez de zones de rougeur. Ensuite, avec l’outil de floutage de votre choix (perso sur Paint
Tool SAI, j’utilise le pinceau water, mais un pinceau blur ferra très bien l’affaire. Faîtes tout de même
attention aux paramètres de votre pinceau !), adoucissez les différentes zones rouges et floutez-les pour
qu’elles se fondent à la peau qui se trouve juste en dessous.
Il faut faire attention avec la technique que je vous présente aujourd’hui car le rendu de la colo peut vite
donner un résultat bâclé et ce n’est pas ce que l’on souhaite. Donc, plutôt que de faire des ombres
normales, vous allez mettre en évidence la musculature de votre personnage. Essayez de doser votre
floutage afin que les muscles restent discrets. Ensuite apposez du violet pour renforcer les ombres à
certains endroits (j’en ai peut-être un peu trop mis sous les côtes, elle n’a plus d’estomac xD). Pour moi,
la lumière vient du petit pendentif, il faut donc que je place les zones d’ombre en fonction de cette source
de lumière.

Pour finir avec la peau, dans un nouveau claque en mode multiply (ou obscurcir), ajoutez une couleur
d’ambiance rose/violette sur le bas du corps.
 Etape 3
La transparence d’un tissue

Posez la couleur de base du tissu, puis à l’aide d’un outil de sélection, détourez la jambe et le tabouret
qui sont en contact avec le tissus et éclaircissez cette partie (coupez ou copiez la sélection et collez-la
dans un autre calque pour éviter les bêtises). Ensuite, grâce à un rouge/bordeaux plus foncé que la base,
suivez les plis du vêtement et floutez légèrement les ombres pour qu’elles paraissent un peu plus
douces. N’oubliez pas les ombres qui se trouvent en arrière plan, celles qui sont partiellement cachées
par la partie avant de la jupe ! Pensez également à rajouter du rouge sur la peau.
Vous pouvez ajouter sur la jupe un motif (ou le haut, vous faîtes comme vous voulez hein ! :D) mais faites
attention à la distorsion du motif et penser à l’effacer dans les plis (bon, là je l’ai pas fait lol). Il faut
également que vous mettiez votre pattern sur la partie arrière de la jupe pour appuyer la transparence du
tissu. Pour finir, renforcez les zones du vêtement qui sont situées dans l’ombre.
 Etape 4
Les plumes et les cheveux : changement de technique !

Cette fois-ci il faut montrer une différence entre la peau/les vêtements et les cheveux qui n’ont pas du
tout la même texture. Pour cela, on n’oublie un moment la technique de floutage. Après avoir appliqué la
base, avec une couleur plus foncée, placez les premières ombres tout le long de la chevelure. Il faut que
vous commencez à avoir une sensation de volume. Ensuite, renforcez les ombres avec une couleur
encore plus foncée à quelques endroits seulement.

Placez à présent les ré-hauts de lumières. Soyez plus généreux vers le haut du crâne afin de suivre la
source lumineuse. Vous allez maintenant éclaircir la chevelure là où elle est en contact avec la peau.
Pour cela récupérez la teinte de la peau et appliquez la légèrement pour que ce soit très doux. Pour finir
foncé un peu le bas des cheveux.

Imitez ce que vous venez de faire pour l’appliquer aux plumes. Sur la plume d’autruche, j’ai fait des petits
à-coups de pinceau pour montrer le côté vaporeux de la plume.

Etape 5
Les pièces métalliques
Pour le coup, il faut faire des traits francs sur les pièces métalliques. Soyez nets et essayez d’aller
toujours plus ou moins dans le même sens. Le plus important dans les pièces métalliques, ce sont les
reflets des objets alentour ; par exemple ici, le rouge des petites pierres, la peau … N’oubliez pas non
plus de mettre une lumière vive et nette également pour faire ressortir le côté brillant du métal.

Faîtes de même avec les petites pierres rouges. J’ai décidé de matifier le bracelet pour contraster avec le
reste des bijoux.

Etape 6
Les finitions
Rappelez-vous de mon dernier article, je vous avais dit que l’ambiance d’un dessin était très important.
Est-ce que vous faîtes un fond ? Ou plutôt une couleur uni ? Doit-il être foncé ou clair ? Posez-vous les
bonnes questions sur comment doit être le fond pour faire ressortir votre dessin.

Personnellement, je trouvais qu’un fond uni et plutôt foncé faisait mieux ressortir la danseuse. J’ai ajouté
du violet en bas de l’image et placé du vert lumineux là où il y a le médaillon. J’en profite pour éclaircir
quelques zones du corps là où la lumière se reflète.
Voilà, c’est terminé. J’espère que ce petit step by step vous aura plu et vous aura été utile. N’hésitez pas

à lâcher un petit com’, ça fait toujours plaisir

Madie.

- Coloration de la peau -
Paint tool SAI

Coucou ! Me revoilà pour un nouveau tuto ! Cette fois-ci je vous parlerais de la coloration de la
peau sur le logiciel Paint Tool SAI. Comme je ne suis pas une experte ni au niveau colo, ni au
niveau du logiciel, si vous avez des remarques/suggestions n'hésitez surtout pas à m'en faire part
! Sur ce, commençons !

I - Astuces pour commencer

Avant de commencer ce tuto, voici deux liens vers deux autres tutos de ce forum fait sur le
logiciel Paint Tool SAI :
-CrockChoco : PTS : 3 façons simples de faire un line [Débutant] - qui nous explique comment
faire un line propre
-Eru : [Eru's TUTORIALs] [Paint Tool SAI] - qui nous montre sa technique de colo (et donc de la
peau)

Voici une image d'un visage rappelant où placer les zones d'ombres et de lumières lorsque la
lumière viens d'en face ainsi que les rougeurs du visage.
La couleur de peau est divisée en cinq catégories : la peau blanche, la peau jaune, la peau
mat/métisse, la peau rouge et la peau noir; mais c'est une erreur. En effet, un peau d'une

catégorie peut avoir plusieurs nuances, infime soit-elle avec une autre peau de même base :

C'est ce qu'on appelle la nuance ou la demie-teinte.

Pour ceux qui débute tout juste à la tablette, quand vous faîtes vos ombres, il vaut mieux évitez
de les flouter après : faire des ombres franches est toujours mieux que de faire des ombres ratées
et floues.
Et dernière petite astuces : quelques extras (coups et blessures).
II – Colo dans un style dit « manga »
Voici un dessin fait dans un style manga dont je vais vous montrer la colo étape par étape. J'ai

nommé les différents calques que j'utilise pour que ce soit plus facile.

Une fois que toute la peau a été sélectionnée, la colo va pouvoir commencer !
Et voilà ! Il ne reste plus qu’à faire la colo des cheveux, des yeux, du vêtement et pourquoi pas
faire un décors
III – Colo dans un style dit « réaliste »
Pour cette colo, je me suis aidée
d’une photo de référence car je ne
sais pas faire un dos un peu musclé
(ni musclé tout court d’ailleurs).
C’est pour ça aussi que le rendu
n’est pas si jolie que ça, mais pour
preuve que cette technique
fonctionne, le dessin de la tête de
sorcière utilisé pour ma signature
a été fait comme ci-contre
Après cela l'étape 1 de la deuxième image peut être recommencée jusqu’à ce que le résultat vous
plaise.
Il ne manque plus qu’à présent à rajouter les cheveux, vêtements et décors du dessin !
IV – AutreVoilà ! Ce tuto est terminé !
Façons simples de faire un line [Débutant]
de CrockCHOKO » 03 Sep 2015, 18:23

Hola! Me revoilà pour un tuto afin d'aider les débutants sur Paint
tool Sai !

Dans ce tuto je vais exposer 3 façons de faire un line de manière

simple. Evidemment, il y a des TONNES de techniques pour le line.
Je présente donc trois techniques que j'ai utilisées ou que j'utilise
toujours. Il est donc possible que vous fassiez vos lines d'une autre
manière. N'hésitez donc pas à expliquer comment dans les
commentaires ! o/

Voici les outils que je vais utiliser !

Pour un calque normal

1 = Stabilizer
2 = Opacité du calque
3 = Préserver l'opacité du calque (En gros, on ne peut pas dépasser
de ce qui a déjà été fait sur le calque)
4 = Nouveau calque normal
5 = Nouveau calque vectoriel
6 = Pen
7 = Min Size (voir l'effet en dessous)

Min Size a pour effet de gérer, ou non, la pression de votre stylet.

Si vous êtes à la souris, même si le Min Size est 0, cela ne
changera rien. En gros, plus on appuie sur le stylet plus le trait
sera épais et vis versa. Ici, le Min Size sera toujours à 0!
Le Stabilizer, lui, a pour but de lisser votre trait et enlever les
"zigzags" du trait. Je sais que ce n'est pas flagrant sur l'image,
mais testez, vous verrez bien Stabilizer à 0 = votre trait.
Stabilizer à S-7 = lissage maximum. En revanche, le stabilizer a
tendance à ralentir le trait et le faire partir plus loin que l'endroit
où vous arrêtez votre styler.

Pour un calque vectoriel nous utilisons plus ou moins les mêmes

outils :

L'outil Pressure permet de simuler la pression qu'aurait pu avoir

une tablette. Il suffit de cliquer sur les points du line et aller à
droite ou à gauche pour épaissir ou affiner le trait !

La première chose à faire est de prendre votre croquis et d'en

baisser l'opacité. Ensuite, tout dépend du line que vous souhaitez.
Attention de ne pas faire le line sur le même calque que le croquis
!

LINE POUR UN SPEEDPAINT A UN CALQUE

Le speedpaint étant une technique de dessin rapide (entre 30

minutes et 3heures grand maximum), il faut faire un line
rapidement. Généralement ces personnes font tout sur un même
calque, il est donc inutile de faire un line parfait puisque ce line
sera mélangé aux couleurs et qu'il disparaîtra presque entièrement
!
J'utilise personnellement n'importe quel outil mais souvent
le Crayon avec une taille de 10 et le stabilizer à maximum S-4sur
un calque normal.
(Oui, elle a la gueule en biais xD)
Comme vous pouvez le voir, je n'hésite pas à laisser des trous dans
le line, comme montré en haut à gauche. Encore une fois ce line
disparaîtra donc inutile de le faire parfaitement, ce ne serait
qu'une perte de temps.
Petite astuce : En mettant votre line de couleur et non en noir,
vous donnerez un effet très sympa à la colo quand tout sera sur le
même calque. La peau, les vêtements, tout aura un sous-ton
bleu/rouge/marron/violet !

Avantage(s) : Excessivement rapide (5minutes si avec peu de

détails-10min avec détails)
Inconvénient(s) : On ne peut pas faire de sélection à la baguette
à cause des trous laissés par la rapidité (mais les couleurs peuvent
être très rapidement posées s'il s'agit d'un speed)

LINE A LA SOURIS
Et oui, même si vous êtes à la souris et ne possédez pas de
tablette graphique, pas de problème Sai est simple à utiliser,
même à la souris !
Il faut commencer par ouvrir un calque vectoriel (numéro 5 de la
première image). Il vous faut alors utiliser l'outil Curve. Pour
l'utiliser, il suffit de cliquer là où nous voulons faire passer le line.
Les courbes se créent seules.

Comme vous pouvez le voir sur l'image 1, l'outil Curve ne gère pas
la pression. Il va donc falloir utiliser l'outil Pressurepour la simuler
(2). Sur l'image ci-dessus, il n'y a pas beaucoup de variations car
mon outil pressure ne fonctionne plus réellement D:

Avantage(s) : Utilisable par tous, le line peut être parfaitement

fermé et permettre l'utilisation de la baguette magique pour
sélectionner.
Inconvénient(s) : Très long et ennuyeux (Plus d'une demi-heure
pour un dessin basique ce qui fait beaucoup même si je suis très
lente)

LINE BASIQUE

Que ce soit sur un calque normal ou vectoriel, le stabilizer que

j'utilise est à S-7 et j'utilise le Pen en taille 10 ou 14.
Personnellement, je le fais sur calque vectoriel afin de pouvoir
modifier les traits qui ne me plaisent pas avec l'outil Edit en
Translate CP. Je vous conseille de tester les autres qui sont tout
aussi utiles !
Pour ce line, rien de plus simple : il suffit de redessiner
soigneusement ce que l'on a fait sur le nouveau calque ! La
pression est gérée.

Voilà à peu près ce que l'on peut obtenir. Je ne cherche jamais à

faire des lines complexes, mais certains le font très bien ! J'aime
par contre faire un contour plus épais, pour faire ressortir le perso
! (Oui, il manque des contours sur la troisième image, mon Sai a
planté ;A; et non la colo n'est pas bien xD)
Petites astuces : -Si je le fais sur calques normaux, j'aime utiliser
un calque pour chaque partie (ex : un calque pour les cheveux, un
autre pour le corps..etc) afin de facilité le changement de couleur
du line.
-Pour changer la couleur du line sur un calque normal il faut
cliquer sur Preserve Opacity (Numéro 3 sur la première image) et
tout recolorier de la couleur souhaitée !
-Pour changer de couleur sur un line vectoriel, il suffit d'utiliser
l'outil Couleur !

Avantage(s) : La précision que n'apporte par forcément l'outil

Curve, n'est pas si long que cela à faire, peut être modifié si fait
sur un calque vectoriel, permet l'utilisation de la baguette
magique
Inconvénient(s) : Savoir gérer son trait au maximum pour avoir
quelque chose de clean

Voili voilou ! J'espère que ça aidera un minimum, même si je

pense que la plupart des personnes ici savent le faire xD

LES 5 RÈGLES POUR BIEN DESSINER EN

PERSPECTIVE
rédigé parGreg 17 février 2016

Une compréhension de la perspective est primordiale pour réaliser un bon dessin en trois
dimensions. Je parle ici bien sûr d’une représentation visuelle, fidèle à la réalité.

J’attache une importance capitale à l’apprentissage de la perspective, que je considère

indispensable dans une formation au dessin.
Je dessine depuis l’âge de 6 ans et je peux vous assurer que les connaissances que j’ai acquises,
bien plus tard, en terme de perspective ont bouleversé ma façon d’observer et de retranscrire une
scène par le dessin.
Bien entendu, je n’ai pas eu la chance de toutes les obtenir d’un seul coup, ça a plutôt été un long,
mais amusant apprentissage qui m’a poussé à réaliser ce premier article aujourd’hui.
Ce petit préambule me permet d’insister sur l’importance que j’accorde à partager avec vous la
synthèse de l’ensemble de mes connaissances, mais aussi le point d’honneur que j’attribue à la
perspective dans cette formation.

La perspective qu’est ce que c’est?

La perspective est l’art et la technique permettant de représenter un objet en 3Dimension sur une
surface plane. (Exemple une feuille de papier, un mur, un écran…)
Elle vous permettra de dessiner non seulement de l’architecture, des paysages, mais aussi de
l’anatomie ou encore des objets de la vie quotidienne… C’est un moyen certain de réaliser
correctement des dessins d’observation, mais un outil encore plus puissant pour réaliser des dessins
provenant de votre imagination.
Sans perspective, vos dessins paraitront plat et ne pourront exprimer qu’une seule face des choses.
Vous pourrez, à l’aide d’ombre et de lumière, donner à vos réalisations en 2Dimensions une
impression de volume, mais vous serez tout de même limité à la représentation d’une seule face à la
fois.

1- La perception humaine
C’est indéniable, l’être humain voit le monde en 3 Dimensions. Notre perception est donc soumise à
la perspective.
Il existe différents types de perspectives (axonométrique, isométrique, conique…) qui sont autant de
moyens techniques de représenter un objet en trois dimensions. La perspective conique est celle
qui nous intéresse le plus ici, car elle imite au mieux la perception que nous (être humain) avons d’une
image.
Contrairement aux animaux ou certains insectes qui peuvent voir à 360°, l’être humain possède un
champ visuel d’environ 220°.
-Champ visuel
Ce champ de vision est divisé en plusieurs parties:

– La vision binoculaire d’environ 60°et propre aux deux yeux, occupe un angle global de 120° et
confère à l’être humain une perception plus ou moins précise de son environnement proche ou
éloigné.
-La vision monoculaire ( 95°-110°) liée à un seul œil, et qui ajoute environ 50° de vison
supplémentaire de chaque côté pour ainsi former un angle global de 220°. Néanmoins, cette partie du
champ visuel offre une vison plus déformé et comprimé de l’environnement, mais permet cependant
à l’être humain de détecter rapidement les mouvements.

-cône de vision
On parle aussi de perceptive conique, car le champ visuel ne forme pas simplement un demi-cercle
avec des angles de perception différents, mais bien un cône qui s’oriente en fonction du regard.
Ce cône ne forme pas réellement un cercle parfait de perception, mais en dessin on a coutume de le
simplifier ainsi.
Ce cône visuel représente ce que vous voyez, alors il semble normal de comprendre que si vous
bougez votre regarde de quelques centimètres, votre cône de vision suivra ce mouvement et avec
des changements considérables dans votre dessin.

Ce que nous pouvons observer dans la réalité:

Quand je parle de perspective avec un enfant, je lui demande toujours d’observer ce qui l’entoure.
Sur cette photo d’une maison, on remarque que l’arrête la plus proche de l’observateur, nous semble
plus grande que celle que nous voyons tout au bout. Et pourtant dans la réalité nous comprenons
qu’elles ont la même taille. Si nous construisons la façade principale de cette maison et que nous
projetons la ligne du sol et celle du commencement de la toiture, nous pouvons constater qu’elles
finissent par se rejoindre en un seul point
 De plus si on réalise la même opération avec les
ouvertures, les marches d’escalier, ou tout autres
lignes horizontales de l’image, nous remarquerons
que ces lignes convergent elles aussi vers le même
point.
C’est ce qu’on appelle
un point de fuite. Toutes les
lignes parallèles dans la
réalité sont perçues par nos
yeux commefuyantes vers
un même point.
Maintenant, comment
placer ce point de fuite?
Non , il n’est pas question de le placer n’importe où sur votre image. La construction d’une perspective
s’additionne avec un autre phénomène que nous pouvons aussi observer et qui s’appelle la ligne de
vision ; ou plus communément ligne d’horizon.
Malgré le fait que la terre soit ronde, nous avons tous pu observer en regardant la mer qu’une ligne
parfaitement droite semble marquer l’horizon. Nous pourrions dire que cette ligne « imaginaire »
constitue la limite entre la mer et le ciel, mais pas seulement, car nous la retrouvons aussi dans la
seconde photographie sous la forme d’une ligne horizontale, qui ici, montre la rive opposée du lac.
Cette ligne n’est pas toujours aussi visible lorsque nous regardons une rue ou à l’intérieur d’un
bâtiment, mais il est important de savoir la retrouver et la retracer.
C’est bien entendu sur cette ligne que se trouvent le ou les points de fuite, vers lesquels nos
lignes horizontales convergent. Mais nous reviendrons sur ce point plus tard.

2- La ligne d’horizon
Horizon et ligne de vision, son positionnement sur votre image?
Que çe soit dans la réalité, sur un dessin ou même sur une photographie, nous sommes en mesure
d’influencer le positionnement de notre ligne de vision. Comme son nom l’indique, la ligne de vision
dépend du regard de l’observateur.
Elle est placée en fonction de la hauteur d’où nous prenons notre photographie par rapport au cadre
de notre image. Nous remarquons entre autres que sur la première image, deux tiers du dessin sont
réservés au sol et un tiers seulement est réservé au ciel. Dans la seconde nous voyons qu’avec une
ligne placée au milieu de l’image, la proportion sol et ciel est équivalente. Et enfin dans la dernière, il
ne reste plus qu’un tiers pour le sol alors que deux tiers sont réservés au ciel.
1/ ligne de vision haute. Regard à hauteur du feuillage. Impression d’être en hauteur.
2/ ligne de vision au milieu. Regard à hauteur d’homme.

3/ Ligne de vision basse. Regard plus proche du sol.

Le choix du positionnement de la ligne d’horizon détermine, dans un premier temps d’où

est observé la scène. Dans un second temps, elle permet de focaliser l’attention sur un point précis
du dessin.
En conclusion, la première chose à faire quand vous dessinez une scène (paysage, personnage,
architecture…), c’est tracer une ligne d’horizon pour déterminer la hauteur et le positionnement de
l’observateur.

3- L’orientation et le cadrage d’une image

Ligne d’horizon et changement d’angle
Non, nous n’allons pas parler de mathématique ici, mais vous allez comprendre ce qu’il en est en
regardant ces trois cas de figures.

A– Sur cette première image, la ligne de vision est parfaitement au milieu de notre cadre et
l’appareil photo est parallèle au sol. Toutes les verticales sont alors perpendiculaires à la ligne
d’horizon et parallèles entre elles.

B– En changeant simplement l’angle de mon appareil (en regardant vers le haut par exemple) nous
remarquons que la ligne d’horizon descend. Toutes les verticales semblent alors converger vers
un même point qui se trouve beaucoup plus haut, hors du cadre.
C– Dans ce dernier cas de figure, nous allons orienter non plus notre appareil vers le haut, mais vers
le sol. C’est l’effet inverse qui est alors observable. La ligne d’horizon remonte dans notre cadre, et
les verticales convergent non plus vers le haut, mais vers un point tout en bas.
Ce simplement changement d’angle induit des modifications considérables dans vos perspectives.
La ligne d’horizon n’est pas simplement modifiable en changeant de hauteur, mais aussi en changeant
d’angle. Le changement d’angle influencera aussi vos lignes verticales. C’est ce que nous appelons
dans plusieurs domaines liés à la manipulation d’image (photographie, dessins, cinéma…) la
plongée (figure C) et la contre-plongée (figure B).
Quand vous dessinez une scène, vous devez constamment réfléchir au positionnement de
l’observateur, et questionner le placement de votre cadre.
La ligne d’horizon est en réalité fixe. C’est votre regard qui la positionne autrement. Une ligne de vision
n’est pas obligatoirement parallèle à votre cadre. Il suffira de pencher la tête sur le côté pour qu’elle
ne le soit plus.
Remarque:
La construction d’une image se fait par rapport à un cadre que nous appellerons, tout simplement
le cadrage. Ce cadre correspond, pour le dessin à une feuille de papier, ou aux bordures de vos
photos pour la photographie. Ce cadrage vous permet de vous focaliser sur une scène en particulier.
Vos points de fuite, ou ligne d’horizon peuvent néanmoins se retrouver hors du cadre. Mais la
construction de votre perspective reste la même. Rien ne vous empêches de scotcher une feuille
supplémentaire, ou d’agrandir votre format Photoshop pour aller chercher votre ligne d’horizon et donc
vos points de fuites.
 4- Placement du ou des points de fuite
Ligne d’horizon et point de fuite, quelle est la prochaine étape?

Une fois notre ligne d’horizon tracée,( comme sur l’image ci-dessus) il ne nous reste plus qu’à placer
nos points de fuites.
Les points de fuites concernant les horizontales sont toujours, et j’insiste toujours, placés sur la
ligne d’horizon. Que vos perspectives possèdent 1 ou 30 points de fuites différents, ils seront toujours
positionnés sur cette ligne.
L’inverse est aussi possible: pour retrouver une ligne d’horizon il suffit de trouver les points de fuites
et de les relier entre eux.

5- Particularités de la perspective
Face visible et face cachée, au dessus et en dessous.

Sur cette perspective à un point de fuite nous pouvons remarquer d’autres propriétés importantes.
Voici une scène comportant plusieurs volumes placés à distances et hauteurs variables.

Nous pouvons observer plusieurs choses sur ce dessin:

-Premièrement, tous les objets placés au dessus de la ligne de vision laissent apparaitre leurs faces
du dessous. Étant donné que la ligne de vision représente le regard, alors nous serons en mesure
de voir le dessous de chaque objet. Comme quand vous regardez vers le haut dans votre salon, vous
pouvez observer votre plafond.
-À l’inverse, les objets en dessous de la ligne de vision laisseront apparaitre leurs faces de dessus.
Nouvel exemple: orientez votre regard vers votre plancher et observez le dessus du plancher et de
votre canapé.
-Tout objet placé à droite du point de fuite laissera apparaitre sa face de gauche et tout objet se
trouvant à gauche montrera sa face de droite.
Ces quatre particularités sont valables pour les perspectives à 1, 2 ou 3 points de fuite.
Remarque:
Les volumes qui coupent la ligne de vision ne laissent apparaitre ni la face du dessus ni celle de
dessous. Ceux qui sont alignés dans l’axe du point de fuite ne montrent ni la face de droite ni
celle de gauche.
Ces propriétés sont visibles à l’œil nu, pour peu que vous trouviez les points de fuite. Surtout,
pas d’inquiétude si votre volume peut paraitre plat lorsque vous vous approchez de la ligne de
vision. Une feuille de papier placée pile sur la ligne de vision apparaitra comme une ligne toute
plate.
Merci beaucoup d’avoir pris le temps de lire cet article! J’espère sincèrement qu’il vous a plu autant
que j’ai pris plaisir à l’écrire.
Laissez-moi simplement un message en dessous dans les commentaires pour me dire si vous
connaissiez déjà ou non ces 5 règles de la perspective!
À bientôt!

Univers végétal

HERBE : similaire à un touffe de cheveux, il est possible de peaufiner la chose pour obtenir une herbe
plus mature.
BRANCHE ET ARBRE
 NIVEAU
D’OMBRE

Pour tous les éléments cylindriques (notamment les troncs) il est

important de jouer avec les effets ombres/lumières.