Pratique Des Arts - Paysages

Pratique Le meilleur hors-série paysage
Arts
• Les solutions pour un bon
des
croquis préparatoire
HS N°61
• Bien organiser son paysage
• Traduire la profondeur
• Le cas du paysage urbain
• 7 conseils pour des photos
fidèles au motif
Dessin
18 p. PRÉCIEUisS, ES
sur le croqu
bres,
les valeurs, les om
la composition et
HS N° 61 – MAI-JUILLET 2023 – BEL/LUX : 10,80 EUR - CH : 15,80 CHF - ESP/GR/ITA/PORT. CONT. : 10,80 EUR - CAN : 15,99 CAD - MAR : 112 MAD - TUN : 23 TND - DOM/S : 10,80 EUR - SÉN : 6 600 CFA
les finitions
P. 21
PRATIQUE
Le contre-jour au
service de l’œuvre 25 ASTUCES
POUR PEINDRE
EN EXTÉRIEUR
50 La nature pour modèle

Le paysage par
exercices
les valeurs avant
les couleurs
pour réussir COMMENT

PLACER DES
PERSONNAGES
Toutes les notions essentielles
Observation • Interprétation • Structure • Synthèse • Point focal •
10 EXEMPLES Perspective • Lignes de fuite • Atmosphère • Niveaux de gris •
DE RÉALISATIONS Volume • Fondus • Dégradés • Valeurs • Harmonie • Lumières •
À LA LOUPE Couleurs • Glacis • Contrastes • Empâtements…
IMPRIMÉ
EN FRANCE
L 11673 - 61 H - F: 9,90 € - RD 116 PAGES DE TECHNIQUE : gouache, pastel, huile, aquarelle, acrylique…
Couleurs aquarelles extra-fines
pour artistes
140 + 40 couleurs
L AT I O N
P E R - G RANU s de 15 ml
et tube coffrets!
RS SU es en 1/2 g o d e t s
O U L E U en 8 sé
ri choix d
grand
e
40 C i q u ‘ u n
ains
www.schmincke.de
Pour vous abonner ou contacter
le service abonnement / VPC :
• www.boutiquedesartistes.fr ÉDITO
rubrique « Abonnements »
• Ou téléphonez au 05 49 90 09 16
(00 33 de l’étranger), du lundi au jeudi
de 14 h à 17 h, le vendredi de 14 h à 16 h.
Par courrier : Pratique des Arts – Service abonnements
17, avenue du Cerisier Noir 86530 Naintré
Par courriel : abonnement@pratiquedesarts.com
Nathalie Réveillon : n.reveillon@diverti.fr
Abonnement France (6 nos/an) : 39 €
Abonnement Belgique :
Service Abonnements – Partner Press,
451, route de Lennik, 1070 Bruxelles.
Téléphone : 02 556 41 40 – Fax : 02 556 41 46
www.viapresse.be
Compte bancaire : IBAN : BE 93 2100 9808 7967
BIC : GEBABEBB
Abonnement Suisse :
Dynapresse – 38, av. Vibert 1227 Carouge/GE- Suisse
Tél. : 022 308 08 08 – Fax : 022 308 08 59 abonnements@dynapresse.ch
www.dynapresse.ch
Important ! Nous prions nos abonnés d’indiquer lisiblement sur le talon

de versement leurs noms et adresses et de spécifier que l’abonnement
est destiné à Pratique des Arts.
Pratique
Arts
RÉDACTION des
17, avenue du Cerisier Noir – 86530 Naintré
Tél. : 05 49 90 37 64 – Fax : 05 49 90 09 25 Best of
E-mail : redaction@pratiquedesarts.com
– www.pratiquedesarts.com Imprimé en France /
Directrice de la publication : Édith Cyr-Chagnon Printed in France
Directeur de la rédaction : Jean-Philippe Moine Commission paritaire :
Secrétaire générale de la rédaction : Élodie Blain 0927K83290
Assistante de la rédaction : Laure Valentin ISSN : 1263-5782
Première rédactrice-graphiste : Audrey Salé Dépôt légal à la date
Graphiste : Jean-Marc Lefort de parution
Ont collaboré à ce numéro : Alex d’Abo, Hors-série n° 61
David Gauduchon, Elsa Parra, Stéphanie Portal, Mai-Juillet 2023
Jacques Tanguy.
Publicité print, internet et branding : Frédérik Favier (06 08 74 02 59)
Partenariats / E-commerce : Sonia Seince – s.seince@diverti.fr
Directeur diffusion : Patrick Lefebvre – p.lefebvre@diverti.fr
Vente au numéro : Éric Jonard – e.jonard@diverti.fr
Contact dépositaires et diffuseurs France
uniquement : 05 49 90 37 52
Production et logistique : Gildas Martin – g.martin@diverti.fr
Présidente Diverti Éditions : Édith Cyr-Chagnon

PRATIQUE DES ARTS : Édité par DIVERTI Éditions, S.A.S.
au capital de 250 000 €, 490 317 369 RCS Poitiers,
17, avenue du Cerisier Noir, 86530 Naintré, France.
La pratique du paysage en peinture
Président CapElitis Groupe : Jean-Paul Cyr Le paysage est l’un des sujets les plus populaires dans l’histoire de l’art.
Directeur administratif et financier : Fabien Richard
Photogravure : DIVERTI Éditions Les artistes le peignent depuis des siècles, capturant les beautés naturelles
Imprimerie : BLG, Europe Sect, pôle industriel,
rte de Villey-Saint-Étienne, 54200 Toul de la Terre, les changements de lumière et les humeurs atmosphériques.
Pratique des Arts ISSN : 1263-5782 is published bimonthly, Les paysages peuvent être peints en plein air, sur le motif ou dans un atelier
6 times a year (January, March, May, July, September, November)
by Diverti Éditions c/o Distribution Grid. à partir de photos ou de croquis.
at 900 Castle Rd Secaucus, NJ 07094, USA.
Periodicals Postage paid at Secaucus, NJ. La pratique du paysage en peinture implique une compréhension de la composition,
POSTMASTER : send address changes to Pratique des Arts,
c/o Express Mag, 8275 Avenue Marco Polo, Montréal, de la couleur, de la lumière et de la texture. Les artistes doivent également comprendre
QC H1E 7K1, Canada
comment créer une illusion de profondeur et de perspective dans leur travail,
Pratique des Arts ISSN : 1263-5782 is published bimonthly, en utilisant des techniques telles que l’ombrage, le fondu et la superposition de
6 times a year (January, March, May, July, September, November)
by Diverti Éditions c/o Distribution Grid. at 900 Castle Rd Secaucus, couleurs. C’est la raison pour laquelle vous allez retrouver dans ce numéro
NJ 07094, USA. Periodicals Postage paid at Secaucus, NJ.
POSTMASTER : send address changes to Pratique des Arts, spécial, particulièrement riche, des thèmes comme : traduire la profondeur, gérer
c/o Express Mag, 8275 Avenue Marco Polo, Montréal,
QC H1E 7K1, Canada
la perspective, composer efficacement, mais aussi débuter en photo de paysage, réussir
L’envoi des textes ou photos implique l’accord des auteurs pour une ses ciels, utiliser des contrastes chaud-froid pour dynamiser vos œuvres ou encore
reproduction libre de tous droits et suppose que l’auteur se soit muni jouer avec le contre-jour… Une sélection de produits vous est également proposée.
de toutes les autorisations éventuelles nécessaires
à la parution. Actionnariat : Capelitis Groupe (50 %),
E. Cyr-Chagnon (5 %), J.-P. Cyr (5 %), Mais il y a plus! Puisque les styles de peinture de paysage varient considérablement,
F. Richard (20 %), J.-P. Moine (20 %). allant de vastes panoramiques à la concentration du sujet sur des détails tels que
Tous droits réservés pour les documents et textes
publiés dans Pratique des Arts. La reproduction des arbres, des rochers ou des ruisseaux, cette pratique permet aussi d’exprimer
totale ou partielle des articles publiés dans
Pratique des Arts sans accord écrit de la société des émotions ou des idées, telles que la beauté et la fragilité de la nature, ou encore
DIVERTI Éditions est interdite, conformément à
la loi du 11 mars 1957 sur la propriété littéraire et
les changements climatiques. C’est pourquoi vous rencontrerez, au fil des pages
artistique. Les articles et photos non retenus ne de ce numéro, des artistes qui pourront, eux aussi, vous inspirer.
sont pas renvoyés. La rédaction n’est pas responsable des
textes, illustrations et photos qui lui sont communiqués. En somme, la pratique du paysage en peinture est un domaine passionnant
Origine du papier : Autriche –
Taux de fibres recyclées : 27 % – Certification : 96 % PEFC et diversifié, offrant des possibilités infinies pour explorer la beauté de la nature
Eutrophisation : Ptot 0,009 Kg/tonne
et communiquer des idées importantes à travers l’art. Bonne lecture!
Œuvre principale de couverture :
huile de Sergueï Toutounov. J.-P. M.
Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 3

SOMMAIRE
PORTFOLIO p. 6
LE DESSIN
SHOPPING matériel pour le plein-air p. 14
LA VIE DES ARTS p. 16
CHAPITRE 1. DESSIN p. 21
▶ Exercice : p. 22
Le croquis préparatoire
▶ Exercice : p. 28
Perspective à l’usage du peintre
▶ En pratique : p. 34
Comment organiser un paysage ?
Un paysage urbain
CHAPITRE 2. COMPÉTENCES ESSENTIELLES p. 41
▶ Boîte à outils : p. 42
Débuter en photo de paysage
▶ Boîte à outils : p. 44 LES COMPÉTENCES

Peindre en extérieur en 25 astuces
▶ Boîte à outils : p. 46
ESSENTIELLES
8 points clés pour aborder le paysage
Réussir ses ciels. Couleurs et gestes
Contrastes chaud-froid
pour dynamiser un paysage
Composition alla prima
4 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

RENCO,NTRES D’ARTISTES
CHAPITRE 3. RENCONTRES D’ARTISTES p. 57
▶ Natalia Polikarpova (pastel) p. 58

Une ode à la nature à travers des paysages
aux couleurs vives et contrastées.
▶ John Wilson (huile) p. 64

Dans la brousse australienne
▶ Judith Bergerson (techniques mixtes) p. 70

Composer des paysages imaginaires
texturés et graphiques
▶ Marie-Christine Coupillaud (pastel) p. 76

Peindre la sérénité et la majesté des montagnes
CHAPITRE 4. PERFECTIONNEMENT p. 83
▶ Dossier p. 84
PERFECTIONNEMENT
7 principes pour améliorer ses paysages
▶ Méthode : Xavier Kosmalski (pastel) p. 90

Sur le motif. Réaliser deux études en parallèle
▶ Méthode : Daniel Germain (acrylique) p. 94

Réinventer les couleurs de l’automne
▶ Méthode : Peter Thomas (pastel) p. 96

Moment en sous-bois
▶ Méthode : Jacques Tanguy (acrylique) p. 98

Maîtriser le paysage par les valeurs
avant les couleurs
▶ Méthode : Eva Gohier (aquarelle) p. 104

Synthétiser un paysage
▶ Méthode : Jack Morrocco (gouache) p. 108

Lumières du Sud
▶ Méthode : Suzanne Godbout (pastel) p. 110

Le pastel à l’alcool sur Pastel Card
▶ Méthode : Thomas Kegler (huile) p. 112
Le contre-jour au service du paysage
LIBRAIRIE spécial paysage p. 114

PORTFOLIO
Le paysage
Bienvenue dans
notre portfolio de
tableaux de paysages.
Comme vous êtes des
artistes passionnés par
la nature et les grands
espaces, nous avons
pensé que vous seriez
heureux de découvrir
cette collection
de peintures
capturant la beauté
et la tranquillité des
paysages qui nous
entourent. Chacun
de ces tableaux
représente une vision
unique de la nature,
des forêts luxuriantes
aux montagnes
majestueuses en
passant par les côtes
rocheuses et les
vallées verdoyantes.
Nous espérons que
cette collection vous
inspirera et vous
transportera dans
un monde de paix
et de sérénité.
Our Daily Bread.

2006. Acrylique
sur toile, 120 x 120 cm.

en peinture
Ober-Rae Starr
Livingstone
Verses.
2006.
Acrylique
sur toile,
130 x 140 cm.
Feeling Your
Touch. 2017.
Acrylique sur toile,
24 x 48 cm.

PORTFOLIO
Olivier
De Nato
Paysage
éphémère.
Pastel,
30 x 40 cm.
Josef Kote
Claiborne Pell Newport Bridge Rhode Island.
2015. Acrylique sur lin, 102 x 152 cm.
Federico Infante
And the Day
Came.
Acrylique,
122 x 122 cm.
Claire Degans
Songe d’été. 2017.
60 x 80 cm.

Olivier
De Nato
Ondée sur
l’horizon.
Pastel, 38 x 48 cm.
Devdatta Padekar
Roman Marvel.
Huile sur toile,
27 x 24 cm.
Ian Elliot
Small Beach, Mallorca.
Huile sur toile, 50 x 50 cm. Kathleen Giles
Summer Evening,
Olcott Harbor.
Aquarelle, 38 x 56 cm.

PORTFOLIO
Charlie Hunter
The Road to Riverview Farm.
Huile sur mousseline montée sur panneau,
30 x 61 cm.
Michèle Ratel
Nénuphars sur la Seine.
Huile, 81 x 116 cm.
David Curtis
Bridge and Rooftops from the Nab.
Huile sur panneau, 40 x 30 cm.

Peter Thomas
La maison
de Sardy vue
du plan d’eau.
1987.
Pastel sur papier,
24 x 32 cm.
Philippe Lhez
Sous le Monfaucon.
2018. Aquarelle, 20 x 30 cm.
Nina Davidowitz
Summer Haze.
2012. Acrylique sur toile, 91,5 x 91,5 cm. Kim Lordier
Half Moon Bay
Spring.
Pastel sur papier
Wallis,
41 x 51 cm.

PORTFOLIO
Charlie Hunter
Bellows Falls
Rail Yard.
Peinture
à l’encaustique,
18 x 20 cm.
Vadim Sekatsk
Fantasy. 2016.
Richard Thorn
Huile sur toile,
50 x 70 cm.
Ober-Rae
Starr
Livingstone
Étude
à l’huile
dans les marais.
Françoise
Papail
Serrés les uns
contre les autres.
Huile sur toile,
40 x 80 cm.

Terri Ford
Sunset Cypress. 2019.
Pastel sur papier Uart 400
Stev’nn Hall marouflé sur panneau,
41 x 31 cm.
Wake No. 2.
Techniques mixtes, 107 x 107 cm.
Christopher
Forsey
In on the Tide,
River Dart.. 2015.
40 x 50 cm.
Christian
Eurgal
L’un contre
l’autre. Huile au
couteau, 73 x 92 cm.
Peter Thomas
La maison de Sardy vue du plan d’eau.
2017. Pastel sur papier, 28 x 28 cm.

PAYSAGE
SHOPPING Texte : Stéphanie Portal.
Spécial plein-air
Marqueur aquarelle
Colorex de Pébéo
Plus facile à transporter que
les tubes, godets ou flacons :
le marqueur. Rempli d’encre
aquarelle Colorex, il possède
une pointe pinceau polyvalente,
qui allie souplesse et précision,
et garantit un flux régulier
et homogène. Le nuancier compte
29 couleurs, mais peut s’élargir
aux 60 teintes de la gamme grâce
au système de recharge.
Prix : 3,15 € (à l’unité), 17,25 €
(set de 6), 32,50 € (set de 12)
Palette Sterling Edwards

de Nid d’Art
Cette palette ingénieuse, conçue par l’artiste
Sterling Edwards, est dotée de 22 godets
larges pour travailler avec de gros pinceaux.
Grâce à son couvercle étanche, les couleurs Trousse
(aquarelle, acrylique ou gouache) restent de voyage Léonard
fraîches et ne coulent pendant le transport. Grâce à sa coque semi-rigide,
Elle mesure 40 x 30 cm. cette trousse peut être utilisée
Prix : environ 15 € comme pot à pinceaux.
Transparente pour mieux visualiser
ses outils, imperméable, elle est
dotée d’élastiques intérieurs pour
garder les manches en place.
Prix : NC
Aquarelle extrafine Chevalet de

Bréhat de Dalbe campagne Honsell
Voici une gamme d’aquarelles de Ce chevalet de campagne en
qualité extrafine à un prix compétitif. hêtre huilé est à la fois solide
Fabriquée en France, elle compte et léger (1,5 kg). Plié, il mesure
48 couleurs vives et lumineuses, 85 cm ; déplié, il peut recevoir
à la consistance crémeuse et au des toiles jusqu’à 120 cm.
rendu brillant après séchage. Elle est Il s’incline à l’horizontale et
disponible en tubes 10 ml et en demi- se règle sans cran.
Coffret d’aquarelles godets. La marque propose également Prix : 49,50 € (prix spécial
supergranulantes des boîtes métal de 12 ou 24 couleurs.
en avril-mai : 24,50 €)
Schmincke Prix : À partir de 5,45 €
Lauréates au dernier Salon (godet) et 5,95 € (tube).
de Francfort, les aquarelles
supergranulantes permettent
d’élargir la palette colorée de l’artiste.
Chacun des 8 sets (Abysse, Galaxie,
Glacier, Forêt, Toundra, Plaine,
Désert, Volcan) est maintenant
disponible en boîte métal contenant
5 demi-godets et 5 espaces vides,
ainsi qu’un pinceau n° 5 Da Vinci.
Prix : 59 €

Carnet accordéon
de Clairefontaine
Ce carnet de voyage est dédié aux artistes
globe-trotteurs. Sous sa couverture rigide,
il renferme une feuille pliée en plusieurs pages,
parfait pour réaliser des paysages en fresque.
Son papier aquarelle blanc 300 g au grain moyen-
fin le destine à toutes les techniques humides.
Il est proposé en 4 formats : A6 (12 p.), A5 (8 p.),
7,4 x 7,4 cm (18 p.) et 14 x 14 cm (8 p.).
Prix : De 21,67 € à 27,50 €
Pocketbox
Aquarelle Koi de Sakura Set Botanique
Cette boîte au format de poche contient Duotip d’Ecoline
l’essentiel pour peindre en extérieur : 24 godets Dans la gamme Ecoline, les marqueurs
d’aquarelle, une palette amovible (à clipser à Duotips sont parfaits pour emmener sur
droite ou à gauche), deux éponges et un pinceau le motif. Remplis de peinture aquarelle
à réservoir d’eau. Le couvercle permet même concentrée et transparente, ils possèdent
d’insérer du papier format carte postale ! deux pointes (ogive fine et biseautée large)
pour tracer des lignes et colorier de
Prix : 42,90 € larges zones. Ce set botanique de 6 couleurs
a été pensé pour les sujets floraux.
Un format idéal pour un transport facile
lors de ses déplacements.
Prix : 27,90 €
Pinceau de voyage
Casaneo XS Da Vinci
Version de voyage de la gamme
Casaneo, les mini-pinceaux
Casaneo XS mesurent moins
de 10 cm. Leur fibre synthétique,
à la fois souple et nerveuse, se
Siège télescopique rapproche du petit-gris pour
Pinceau de voyage Gerstaecker une rétention capillaire optimale.
Outremer Léonard Ingénieux et facile à Disponible en 4 formes :
À son incontournable gamme de pinceaux transporter, ce siège plat (série 986, taille 10), épée
de voyage, le pincelier français ajoute télescopique peut être (série 987, taille 10), rond
sa récente série Outremer, en imitation emporté partout pour (série 988, taille 8) et Stryper
synthétique du petit-gris. peindre sur le vif. Il se (série 989, taille 8).
Dotés d’un manche court et d’un capuchon déplie pour s’asseoir et se Prix : NC
en laiton, ces pinceaux sont disponibles transporte facilement sur
en forme ronde bout pointu (n° 10 et 14) l’épaule avec sa bandoulière.
ou montés sur plume synthétique Il est réglable en hauteur
(n° 1 et 3). Une gamme végane, en fibre (44 cm maximum), léger
synthétique d’une grande souplesse, (1,15 kg), robuste (jusqu’à
rétention d’eau et finesse du trait. 150g
Prix : NC de charge), imperméable
et compact (7 cm plié).
Prix : 27,50 €
arts
Par Elsa Parra.
la vie des Photos : D. R.
Des salons pour profiter

du paysage
Festivals et salons sont une excellente occasion pour s’essayer au thème
du paysage ou conforter ses connaissances en compagnie d’artistes de talent.
Aperçu des propositions de ces prochains mois…
• Ces événements • Ces stages n’étaient pas • Le nom des • Ces artistes, et bien d’autres,
proposent aussi des encore complets au moment artistes animateurs, proposent un grand nombre
stages avec d’autres où nous écrivions ces les thèmes et de stages sur le thème du
artistes et aux lignes : sous réserve, donc, les dates sont paysage non présentés ici :
thèmes différents, qui des places disponibles lors de susceptibles de contactez et visitez les sites
n’attendent que vous! votre inscription. Faites vite! modifications! de vos artistes préférés!
Aquarelle Montgermont (35) Aquarelle

Salon d’aquarelle Méjannes-le-Clap (30)
Du 13 au 20 mai 2023
l Pasqualino Fracasso – Lundi 15 mai
8 Festival
e
« Composer et simplifier le paysage » – 80 €
> sincchfortin@orange.fr – 06 32 79 58 75
de l’aquarelle
Du 13 au 21 mai 2023
l Stéphane Langeron – Vendredi
Pastel Trèbes (11) 19 et samedi 20 mai – « La nature :
du figuratif vers une certaine
1er Salon abstraction. Arbres, rochers,
cabane, paysage etc. » – 140 €
du pastel Stéphane Langeron. Iceberg coulures.
> acc.mejannes3@gmail.com
en Occitanie Série bleue. Canson M M Artist, 29 x 39 cm.
Du 13 au 28 mai 2023 Aquarelle Pays de Bâgé (01)

l Patrice Bourdin – Du jeudi 18 au samedi
20 mai 2023 – « Osez la couleur » – 210 €
l Hélène Gaben-Laurie – Samedi 27 et
1er Festival d’aquarelle
dimanche 28 mai – « Initiation au pastel »
(paysage) – 140 € (2 j.)
Bresse et Saône
Du 17 au 21 juin 2023
> salondupastelenoccitanie.com l Anne Baron – Samedi 17 juin 2023 – « Textures du paysage,
En stage avec Patrice Bourdin mer et eau » – 70 €
Carnets Beaurepaire (38) l Anne Baron – Lundi 19 juin 2023 – « Texture du paysage,
arbres et roches » – 70 €
Week-end l Antonio Bartolo – Lundi 19 juin 2023 – « L’eau et les reflets » – 90 €
l Christiane Bonicel – Mardi 20 juin 2023
du carnet de voyage – « Paysage d’atmosphère » – 60 €
l Patrick Pichon – Lundi 19 juin 2023 – « New York »
Les 13 et 14 mai 2023
l Ilda Roussel – Mardi 9, mercredi 10 et jeudi 11 mai 2023 – – 65 € la journée/120 € les deux journées
Rando-croquis – 180 € l Patrick Pichon – Mercredi 21 juin 2023 – « Venise »
> latelierdilda.com – 65 € la journée/120 € les deux journées
> festival-aquarelle-bresse-saone.fr

l Bernard Quillacq – Jeudi 29 et vendredi 30 juin 2023 – « La lumière
dans les paysages » – 70 € (1 j.) ou 120 € (2 j.)
Pastel Gevrey-Chambertin (21) l Danièle Gouby – Mardi 27 et mercredi 28 juin 2023 – « Du croquis
Pastel en Dauphiné à l’aquarelle » (en extérieur) – 120 €
l Emmanuel Blot – Samedi 1er et dimanche 2 juillet 2023– « L’aquarelle
l Siddick Nuckcheddy – Samedi 10 juin 2023 – « Marine » – 80 €
sans dessin avec la technique du cycle de l’eau » – 140 € (2 j.) ou 80 € (1 j.)
l Carlos C, dit Karolus – Samedi 14 octobre 2023 – « Paysages
nocturnes » – 80 € > aquabec.org/stages
> pastelendauphine.com/formulaire-268-inscription-aux-stages.html
Aquarelle Oingt (69)
Pastel La Palmyre-Les Mathes (17) 1res Rencontres
Biennale de pastel internationales
en côte de Beauté d’aquarelle en Beaujolais
Du 10 au 24 juin 2023
Du 5 au 9 juillet 2023
l Patrice Bourdin – Lundi 12 et mardi 13 juin 2023 – « Paysages et/ou
l Une vingtaine d’artistes, dont Michael Solovyev, Abel Antonysamy,
marines : Oser la couleur » – Infos, tarifs et réserv. : 06 03 52 87 24
Pasqualino Fracasso, Giuliano Boscaini, Elisa Gambetti,
l Françoise Robert – Mercredi 14 et jeudi 15 juin 2023 – « Marines :
Roberto Andreoli, Anna Massinissa, Nadia Belardi, Angela Barbi,
ciel, mer et vagues » – Infos, tarifs et réserv. : 06 67 19 50 95
Adam Papke, Nicolas Lopez, Didier Brot, Violaine Abbatucci,
l Stéphane Le Mouël – Mercredi 21 et jeudi 22 juin 2023
Adrien Coppola, Michel Montigné, Jym Palfroix, Jérôme Guerry,
– « Expression Libérée » – Infos, tarifs et réserv. : 06 84 99 59 60
Gilles Brunerie et, bien entendu, Emmanuelle Germaneau,
l Nathalie Azmi – Vendredi 23 et samedi 24 juin 2023 – « Créativité
Didier Georges…
et lumière dans le paysage » – Infos, tarifs et réserv. : 06 22 58 89 19
Chaque jour, du mercredi 5 au dimanche 9 juillet 2023 – Peinture en
l Michelina Amore – Jeudi 22 et vendredi 23 juin 2023 – « La nature
plein air d’une journée avec l’artiste de son choix sur trois sites des
et la vie » (en extérieur) – Infos, tarifs et réserv. : 06 71 07 25 94
Pierres Dorées du Beaujolais, Oingt, Bagnols et Theizé – 100 € la journée
avec repas et moment convivial en fin de journée/480 € pour 5 j.
Pastel Berric et Damgan (56) > cecile.didier.georges@gmail.com
Exposition d’art
du pastel en France
Du 17 au 25 juin 2023
l Siddick Nuckcheddy – Lundi 19 juin 2023 – « Paysage » – 80 €
l Siddick Nuckcheddy – Mardi 20 juin 2023 – « Marine » – 80 €
l Sylvie Poirson – Vendredi 23 et samedi 24 juin 2023 – « Nature et/
ou eau » – 130 € (2 j.)
> artdupastelenrance.fr – secretariat@artdupastelenfrance.fr
Aquarelle Le Pouliguen (44)

Les aquarellistes
en vadrouille
Du 3 au 28 juin 2023
l Anne Baron et Dominique Riche – Samedi 10 et dimanche 11 juin
2023 – « Forêt et paysages marins » – 140 €
> gillesbrunerie@orange.fr
Aquarelle Le Bec-Hellouin (27)

Festival d’aquarelle
du Bec-Hellouin
Du 24 juin au 2 juillet 2023
l Anne Baron – Lundi 26 et mardi 27 juin 2023
– « Paysages de roches et d’eau » – 150 €
l Cao Bei An – Dimanche 25 et lundi 26 juin 2023 (1 j. 1/2)
– « Lumières et poésie (paysage) – 80 €
l Claude Carretta – Jeudi 29 et vendredi 30 juin 2023
– « Ambiances à l’aquarelle » – 120 € (2 j.) ou 80 € (1 j.) Didier Georges. Oingt vue des vignes.

la vie des arts Adam Papke.
Paysage inconnu.
Aquarelle, 76 x 56 cm.
Pastel Feytiat (87)

Festival international
de pastel de la Société
des pastellistes de France
Du 1er juillet au 27 août 2023
l Jean-Claude Baumier – Du mardi 11 au jeudi 13 juillet 2023
– « Paysage création » – 206 € (2 j.), 260 € (3 j.)
l Mireille Ledrappier – Du mardi 25 au jeudi 27 juillet 2023
– « Nature, fleurs et jardin » – 206 € (2 j.), 260 € (3 j.)
Stage des Pastellistes

de France au château de
Ligoure, en Haute-Vienne
l Jerzy Moscicki – Du mardi 8 au jeudi 10 août 2023

– « Expression classique ou ludique dans la nature morte
et le paysage » – 206 € (2 j.), 260 € (3 j.)
> festivaldupastel.com, m.clavaud@ville-feytiat.fr
et/ou samedi 22 et/ou dimanche 23 et/ou mardi 25 juillet 2023
Pastel Château de Ligoure (87) – « Brioude et ses environs » – 80 € (1 j.)
l Gilles Coutal – Vendredi 21 et samedi 22 juillet 2023
Festival international – « Aborder la technique sur un travail d’atmosphère en s’appuyant
sur la composition sur des sujets divers » – 140 € (2 j.)
de pastel de la Société l Isabelle Estrade – Vendredi 21 et/ou samedi 22 juillet 2023 – « Faire
des aquarelles lumineuses. Un tableau sans lumière est un tableau sans
des pastellistes de France vie. Personnages, animaux, paysages de neige » – 70 € par j. de stage
l Pasqualino Fracasso – Dimanche 23 juillet 2023 – « Les arbres
Du 1er juillet au 27 août 2023
et la forêt, entre gestualité et composition » – 80 € par j. de stage
l Marjorie Martin Sisteron – Du lundi 19 au jeudi 22 juin 2023
l Stéphane Langeron – Mardi 18 et mercredi 19 juillet 2023 –
– « Paysages » – 400 € (4 j.) (repas du midi compris, hébergement
« La nature : du figuratif vers une certaine abstraction. Arbres, rochers,
en pension complète possible)
cabane, paysage etc. » – 150 € (2 j.)
> pastellistesdefrance.com, pastellistesdefrance@sfr.fr
l Éric Laurent – Samedi 15 et dimanche 16 juillet 2023
– « Paysage » – 140 € (2 j.)
Aquarelle et carnets Brioude (43) l Marie-Odile Mourel – Jeudi 13 et/ou vendredi 14 et/ou dimanche 16
Biennale internationale
et/ou lundi 17 et/ou mercredi 19 et/
ou samedi 22 et/ou lundi 24 et/ou
d’aquarelle
mercredi 26 juillet 2023 – « Balade
croquée » – 30 € (3 h)
Du 12 au 26 juillet 2023 l Foroogh Namjoo – Samedi 15 et/ou
l Jonathan Kwegyir Aggrey – Mardi 18 juillet 2023 – « Paysage » – 100 € lundi 17 et/ou mercredi 19 juillet 2023 –
l Hélène Bastard – Vendredi 14 et/ou dimanche 16 et/ou mardi 18 et/ou « Nature » – 50 € (2 h)
jeudi 20 et/ou dimanche 23 et/ou mardi 25 juillet 2023 l Adam Papke – Samedi 15
– « Carnet de voyage : composition, dessin, texte et collage »– 60 € (1 j.) et dimanche 16 juillet 2023
l Vincent Besançon – Samedi 15 juillet et/ou samedi 22 juillet – « Atmosphère d’un paysage
2023 – « Aquarelle sur le vif » – 5 € (2 h) phénoménal » – 140 € (2 j.)
l Cao Bei An – Jeudi 13 et/ou vendredi 14 et/ou dim. 16 et/ou lun. 24 l Nadees Prabou – Lundi 24 juillet
et/ou mar. 25 et/ou mer. 26 juillet 2023 – « Paysage » – 80 € (1 j.) et/ou mardi 25 juillet 2023
l Isabelle Corcket – Vendredi 14 et/ou samedi 15 et/ou dimanche 16 – « Jour de pluie » – 50 € (3 h)
Joëlle Krupa. Chemin de vie.

18 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE Aquarelle, 70 x 50 cm.
l Ryszard Rogala – Mercredi 12 et/ou lundi 17 et/ou mardi 18 et/ou lundi mercredi 20 septembre 2023 – « Paysage : comment essayer de sortir
24 juillet 2023 – « Architecture et paysage » – 30 € (3 h) de la photo pour une composition plus personnelle » – 130 € (2 j.)
l Emmanuelle Roger – « Bosquets d’automne » (jeudi 20 juillet 2023) ; l Anne Larose – Mardi 19 et mercredi 20 septembre 2023
« Ciels nocturnes » vendredi 21 juillet 2023 – 85 € (1 j.), 160 € (2 j.) – « La nature dans nos landes » – 130 € (2 j.)
l Juan Marcos Solis – Vendredi 21 juillet et/ou samedi 22 juillet 2023 l Emmanuel Blot – Jeudi 21, vendredi 22 et samedi 23 septembre 2023
– « Le paysage urbain à l’aquarelle » – 5 € (1 h 30) – « L’aquarelle sans dessin avec la technique du cycle de l’eau « – 200 € (3 j.)
l Joëlle Krupa – Mardi 18, mercredi 19 et jeudi 20 juillet 2023 à Blesle – l Christine Créhalet – Jeudi 21 et vendredi 22 septembre 2023
« Matière et transparence, la nature, le lâcher-prise » – 250 € (3 j.), 180 € (2 j.) – « Atmosphère dans un paysage d’arbres et d’eau » – 130 € (2 j.)
> biennale-aquarelle.com/les-stages l Pierre Valaincourt – Vendredi 22, samedi 23 et dimanche
24 septembre 2023 – « Sublimer la lumière dans les paysages
et les marines » – 210 € (3 j.)
Aquarelle Saint-Yrieix-la-Perche (87) > landesaquarelle.com Christine Créhalet. Vegetation
18e Salon international by the River, 38 x 56 cm.
de l’aquarelle
Du 22 juillet au 20 août 2023
l David Chauvin – « Ambiance et interprétation à l’aquarelle »
– lundi 24, mardi 25 et mercredi 26 juillet 2023 – 240 €
l Alexis Le Borgne – Lundi 24, mardi 25 et mercredi 26 juillet 2023
– « Spontanéité, émotion et lumière : à travers différents sujets saisir
l’essentiel et lâcher-prise tout en poésie – 240 €
l Carlos Dos Santos Marques – Mardi 25 et mercredi 26 juillet 2023
– « Paysage urbain – perspectives, voitures et gens » – 180 €.
l Adam Papke – Samedi 29 et dimanche 30 juillet 2023
– « Paysage phénoménal » – 150 € (2 j.)
l Joëlle Krupa – Dimanche 30, lundi 31 et mardi 1er août 2023
– « Paysage et cascade » – 240 € (3 j.)
l Didier Georges – Vendredi 28 et samedi 29 juillet 2023
– « Peindre la vie – 1er jour : Paysages ou scènes de vie ; 2e jour :
Aquarelle Boissezon (81)
Portraits ou personnages » – 150 €
> salon-international-aquarelle.com, jpk1948@orange.fr
Biennale d’aquarelle
Du 16 septembre au 1er octobre 2023
– Viktoria Prischedko – Dimanche 17 et lundi 18 septembre 2023 –
Pastel Equihen-Plage (62) « Ombre et lumière » – 190 € (2 jours)
Salon de pastel
– Michel Kolsek – Mercredi 20 et jeudi 21 septembre 2023
– « Paysage et eau » – 150 € (2 jours)
des Hauts-de-France
– Dolors Bolaños - Samedi 30 septembre 2023 – « Jouer avec
les pigments et l’eau pour créer des paysages et des marines » – 80 €
Du 15 au 27 août 2023 – Sylvie Donaire – Samedi 23 septembre 2023 – « Carnets
l Françoise Bousquet – Du mercredi 16 au vendredi 18 août 2023 – Apprendre à cadrer en extérieur et à dessiner en perspective » – 30 €
– « Paysages » – 60 € la journée > boissezon.artspassion@gmail.com
> 06 20 99 85 65, patrice.coze@ free.fr
Aquarelle Sacy (51)
Aquarelle Morcenx (40)
Pinceaux passion
3e Festival Landes Aquarelle en Champagne
Du 16 au 24 septembre 2023
l Joëlle Krupa – Dimanche 17 et lundi 18 septembre 2023 – « Paysage » l Eugen Chisnicean – Vendredi 1er, samedi 2, dimanche 3 septembre
– 160 € (2 j.) 2023 – Stage plein-air « Paysages des coteaux champenois »
l Dominique Boni – Lundi 18 et mardi – 180 € (2 j.), 250 € (3. j.)
19 septembre 2023 – « Paysage urbain, > helloasso.com/associations/pinceaux-passion/evenements/
roses ou paysage boisé » – 120 € (2 j.) stage-3-jours-eugen-chisnicean
l Isabelle Estrade – Lundi 18 et mardi
19 septembre 2023 – « Faire des aquarelles Aquarelle Rochetaillée (42)
lumineuses – Personnages, animaux,
paysages de neige » – 120 (2 j.)
l Thierry de Marichalar – Lundi 18, mardi
Fête des peintres
19 et mercredi 20 septembre 2023 –
« La lumière dans l’aquarelle par un travail
et des sculpteurs
l Emmanuelle Germaneau – Mardi 5 et mercredi 6 septembre 2023 –
sur les tonalités et contrastes, basé sur « Paysages autrement et portrait » – tarif : NC
la technique plein-air » – 210 € (3 j.) > 06 77 93 81 30, gilles.labrue@gmail.com
l Stéphane Langeron – Mardi 19 et
Un paysage vu par Anne Larose.

GAGNEZ
votre s tage Participez au tirage au sort
en vous inscrivant sur le site
* fr.divertistore.com/brioude
art is t i q ue et choisissez votre stage préféré !
Et ne manquez pas le hors-série spécial par

(sortie le 12 mai chez votre marchand de journaux !)
* Réglement du tirage au
sort à consulter sur le site
fr.divertistore.com/brioude
Dessin
CHAPITRE 1
▶ Le croquis préparatoire
Mettre en place les éléments P. 22
▶ Perspective
à l’usage du peintre
Représenter un paysage
en deux dimensions :
règles et principes P. 28
▶ Comment organiser
un paysage ?
Les clés
d’une bonne composition P. 34
▶ Un paysage urbain
Les fondamentaux
du dessin d’architecture P. 38

DESSIN
COMPOSITION PROFONDEUR VOLUME PERSPECTIVE
Le croquis
préparatoire
Le croquis sur le motif est la première étape d’un paysage. Sans se perdre dans la théorie et les schémas
compliqués, Bruno Mollière, organisateur de stages, fondateur du concept Randocroquis et adepte
du « dessin plaisir », nous montre comment réaliser des dessins rapides et justes en toute simplicité.
Matériel de base B
• Carnet de croquis format
A4, 120 g minimum
• Crayons graphites HB,
2B, 9B
• Feutres noirs à pointes
Choix du sujet pour sa lumière (A)
0,1, 0,3 et 0,5 ou pour ses formes (2).
• Gomme, taille-crayon détails : vous aurez besoin de
Matériel hiérarchiser l’information et de
complémentaire beaucoup suggérer (jusqu’aux
3/4 des éléments). L’essentiel de ce que l’on doit dessi-
• Boîte d’aquarelle – Méfiez-vous des sujets « carte ner se situe au-dessus (comme ici)
de voyage (8 godets) postale » : une belle photo ne fait ou en dessous de la ligne d’horizon.
• Pinceau aquarelle de pas forcément un beau dessin. servir de base pour déterminer
type lavis et un plus fin A une perspective (bâtiments,
• Encre de Chine,
Trouver personnages). Les lignes vont,
porte-plume, plumes
DEVANT LE MOTIF, la ligne d’horizon en effet, changer d’orientation
de différentes formes
Choisir son sujet Tout est Commencez par définir la ligne (monter ou descendre) selon
bon à dessiner, du motif le plus d’horizon. En théorie, celle-ci qu’elles se trouvent en dessous
et duretés (éviter
pittoresque (Rocamadour, mont sépare la terre du ciel. En ou au-dessus de cette ligne.
plumes « calligraphie »
Saint-Michel) au plus banal pratique, elle peut être difficile à
à pointe biseautée)
(colline verdoyante), du plus situer si l’horizon est encombré Décider de
• Chiffon, eau (bocal avec épuré (plage hors saison) au plus (végétation, bâtiments) ou dans son emplacement
couvercle/bouteille), godet animé (port, marché). Portez certains cas (rue en pente). Choisissez votre emplacement
• Pinces à dessin (si vent) votre attention sur la qualité de Mieux vaut donc prendre comme (en retrait pour ne gêner
la lumière (jeu d’ombres et de référence la hauteur des yeux. personne) et votre position
• Feutres marqueurs lumières ou d’ombres portées), Pour la situer, regardez en face (debout ou assis) en pensant à
(gamme noire, gris moyen l’arrangement des formes et de vous, sans lever ni baisser votre confort autant qu’à l’angle
ou sépia) des lignes (formes géométriques les yeux. L’endroit où pointe votre de vue. Si vous avez de bonnes
• Crayons de couleur, et organiques) ou l’atmosphère regard donne son emplacement, jambes, habituez-vous à dessiner
gouache, crayons pastel du lieu (vivant, ciel orageux). qui dépend de votre taille et de debout. Sinon, prévoyez un siège
• Sac étanche pour votre position (debout, assis, pliant. Près du sol, vous pourrez
protéger les carnets Conseils couché). Cette ligne virtuelle va tirer parti d’un premier plan et
– Vous faciliterez votre couper le sujet en deux parties : de ses lignes fuyantes. Une fois
• Sac à dos pour le matériel composition et le rendu de ce qui est au-dessus et ce qui le sujet défini, ne bougez plus!
• Petit siège pliable. la profondeur en choisissant est au-dessous et vous aider Vous risqueriez de modifier en
un sujet présentant trois plans à composer votre motif, selon cours de route son point de vue
Dessins et photos : Bruno Mollière (premier, second et arrière-plans). l’importance que vous donnerez à (donc la ligne d’horizon, l’effet de
Texte et photos : Stéphanie Portal. – Attention aux sujets riches en l’un ou à l’autre. Elle va aussi vous perspective et de premier plan).

Astuce
Dessinez un cadre au
crayon sur la feuille afin
de mieux visualiser
ce que vous allez mettre
à l’intérieur. Cela permet
aussi de laisser assez de
marge autour pour aérer
et éventuellement rajouter
des éléments oubliés.
Choix d’une ligne d’horizon haute (ci-dessus) ou basse (ci-dessous).
Conseils
– Aidez-vous de mini-
Cadrer son motif croquis pour appréhender
Une fois votre ligne d’horizon votre sujet. Les petits
située, décidez où la placer sur formats (case de 5-6 cm de
la feuille en fonction de ce qu’il large) aident à poser votre
sera intéressant de mettre sujet en quelques traits
au-dessus et en dessous. en vous concentrant sur
La règle commune est de placer les principaux éléments.
cette ligne aux 2/3 haut ou bas Un bon moyen de préparer
de la feuille, mais vous restez la composition et le dessin
libre. avant d’attaquer le sujet
Définir la composition sur le grand format.
Choisir un format Une question est à se poser :
Carré, horizontal ou vertical, qu’est-ce qui me plaît dans – Il n’est pas interdit de
voire panoramique : le format ce sujet ? Qu’est-ce que j’ai rapprocher ou déplacer
s’impose généralement de envie de dessiner ? Décidez de un objet qui nous
lui-même, en fonction des l’emplacement des éléments intéresse afin d’harmoniser
éléments de la composition. sur la feuille en fonction de ce la composition.
Faites différents essais, en vous qui vous intéresse dans le motif Tout est permis.
choisi. Quel est l’élément – Quand vous placez
principal ? Dois-je le placer au les éléments sur la feuille,
aidant d’un viseur ou de l’écran nombre d’or (2/3) ou ailleurs ? faites abstraction de
d’un appareil photo. Que mettre sur les côtés ? tous les détails pour
N’oubliez pas de laisser voir votre sujet comme
Fixer une échelle une marge sur les bords un simple agencement
Travaillez approximativement pour faire respirer le dessin. de masses ou de formes.
à échelle 1, quitte à vous
rapprocher de votre sujet
ou à modifier votre cadrage.
Le report des proportions est, Une composition équilibrée
en effet, grandement facilité comporte un premier plan
lorsque la taille des motifs (végétation, cailloux),
sur le papier correspond à un deuxième plan, un centre
celle mesurée avec le crayon. d’intérêt (bâtiment)
et un arrière-plan (toits).
Le premier trait est décisif : s’il
est bien calculé et bien placé
(vérifiez que tout le sujet va
Attention rentrer dans la page), le reste
– Si votre sujet est trop loin, suivra.
vous serez obligé de zoomer
avec vos yeux (ce qui sera
fatigant à la longue) et
aurez du mal à reproduire
certains détails lointains.
– S’il est trop près, vous
ne pourrez le voir dans sa
globalité et aurez du mal
à respecter les proportions.
Vous risquez aussi de vous
focaliser sur les détails.

DESSIN
DEVANT LA FEUILLE,
Prendre les mesures
Il est important de déterminer
précisément la hauteur
des éléments du sujet. Pour
cela, tendez votre bras et prenez
les mesures de chaque motif
avec votre crayon et reportez-
les sur la feuille. Pour calculer
les inclinaisons (toits, angles de
bâtiment), faites une équerre
mobile à l’aide de deux
bandes de carton reliées par
une attache parisienne ou un
trombone, voire d’un mètre en
bois que vous plierez. Alignez
une longueur sur la verticale,
l’autre sur l’inclinaison
et reportez sur le papier.
CONSEILS
– Tracer des traits
parfaitement rectilignes
n’est pas très important.
L’ensemble sera même plus
vivant si les traits ne sont
pas droits. Retenez-vous
donc d’utiliser une règle.
– Dessiner ce que l’on voit,
pas ce que l’on sait. On sait,
par exemple, que les feuilles
d’un sapin ont des aiguilles,
pourtant, avec la distance,
on ne verra qu’une masse et Placer les ombres
non de véritables aiguilles. Une fois les formes et les lignes installées, placez quelques valeurs afin de donner vie au dessin.
Ombres, ombres portées, contrastes vont faire ressortir les éléments du dessin. C’est le moment de
mettre en valeur le centre d’intérêt du sujet : un arrière-plan foncé mettra en avant le premier plan,
un premier plan juste esquissé profitera à un second plan plus défini.
Traduire la profondeur
Pour éviter que l’effet général soit plat, on peut s’aider de différents moyens (valeurs, premier plan,
perspective atmosphérique, contrastes, récession) pour rendre ou renforcer la profondeur.
1. Par les lignes
de fuite au sol
Les lignes poussent le regard au

loin. Une rue, un chemin renforcent
l’effet de profondeur. Il faut y penser
dès la composition, en donnant de
l’importance au premier plan et en
plaçant les motifs secondaires le plus
haut possible. Il faudra ensuite bien
respecter les proportions.

3. Par la taille
des objets
La taille des objets diminue
avec l’éloignement,
telle une rangée de poteaux
ou un alignement d’arbres
dont le dernier sera plus petit
que le premier. À mesure
de l’éloignement, les troncs
seront plus petits, mais aussi
moins larges et de plus en plus
rapprochés.
2. Par les valeurs

Le travail des ombres et
des lumières va permettre
de rendre le volume et donc
la profondeur. On se servira
de la couleur à l’aquarelle,
des hachures au feutre ou au
crayon ou d’un lavis à l’encre.
Devant le sujet, repérez ASTUCE
les valeurs les plus claires
et les plus foncées (plissez On peut jouer sur l’épaisseur
du trait du feutre ou du
les yeux) et définissez les crayon pour accentuer cette
valeurs moyennes. Densifiez impression de profondeur :
vos gris (légers ou denses) épais et marqués au premier
ou vos hachures (serrées ou plan, fins à l’arrière. Disposez
croisées) pour obtenir toute toujours d’une sélection de
une gamme de gris. feutres en différentes tailles
de mine ou de crayons en
plusieurs gradations.
4. Par la perspective atmosphérique
Du fait de la présence de poussières et de gouttelettes
dans l’atmosphère, les éléments éloignés (collines,
montagnes) perdent progressivement leur couleur
initiale pour prendre une teinte plus bleutée, très proche
de la couleur du ciel. Dans un dessin en noir et blanc,
les noirs pâliront vers les gris clairs en s’éloignant vers
l’horizon.
CONSEIL
Ne perdez pas de vue le sujet
principal : plus on ajoute de la
couleur et des détails à l’arrière,
plus on rapproche les plans et
plus le sujet principal risque de
paraître noyé.

DESSIN
5. Par la netteté des objets

Même avec une excellente vue, les détails lointains ne peuvent
être distingués aussi finement que ceux qui sont proches. D’où
un dégradé de netteté, avec des contours nets au premier plan
et progressivement des contours moins précis à l’arrière-plan.
6. Par les contrastes
Pour traduire une lumière forte, n’hésitez pas à renforcer le contraste entre les surfaces exposées à la lumière et celles qui sont dans l’ombre.
Processus en 3 étapes
Contours Habillage Finitions
C’est l’étape la plus importante. Elle C’est la partie la plus amusante. Habillez C’est la phase la plus créative. Affinez
consiste à tracer le contour des éléments les arbres et buissons de feuilles, les bâtiments le travail de la lumière, des contrastes,
de la composition (silhouette des arbres, de fenêtres et balcons, les toitures de des volumes et de la matière. C’est
surface au sol, montagnes au loin, forme cheminées, les rues de feux et lampadaires, le moment de changer éventuellement
d’un bâtiment) en s’attachant à respecter les chemins de cailloux et rochers, bref, de de médium (encre, aquarelle, crayons
au mieux la perspective, les proportions tout ce que vous voyez. Évitez de surcharger de couleur). Faut-il rajouter de la
et la notion de plans et donc de profondeur. l’arrière-plan où vous vous limiterez au contour couleur, accentuer la lumière, renforcer
Cette étape est l’armature du dessin. C’est sur des objets. Faites aussi des choix : aucune les matières ? À ce stade, il n’y a
ce premier jet que vous vous appuierez pour obligation d’intégrer des fils électriques ou aucune règle. À vous de décider s’il y a
affiner votre dessin. D’où l’importance de des panneaux inesthétiques, ni de foncer des éléments qui méritent d’être affinés,
vérifier les grandes lignes avant de continuer. un poteau ou un tronc qui serait sombre. précisés ou travaillés autrement.

Quelques bases de perspective
Principe : toutes les lignes horizontales parallèles du sujet convergent vers un point
de fuite qui se trouve sur la ligne d’horizon. Les lignes verticales, elles, ne bougent pas.
Perspective
à 2 points de fuite
Sur un bâtiment à
deux faces, il y aura donc
deux points de fuite
(à gauche et à droite).
Plus une ligne est
éloignée de la ligne
d’horizon (haut des
murs), plus la pente
sera importante.
Perspective
à 1 point de fuite
Repérez votre ligne d’horizon, À SAVOIR La perspective
puis les lignes horizontales du
des personnages
– Le problème est
sujet. Il suffit alors de repérer que ces deux points L’emplacement des têtes
celles qui sont parallèles de fuite sont rarement et des pieds change
entre elles puis de les incliner dans notre cadrage. selon notre position
plus ou moins de manière Pour une perspective (debout ou assis) et donc
qu’elles puissent se rejoindre parfaite, il faudrait donc notre ligne d’horizon.
exactement sur le même prolonger les lignes hors de – Debout, toutes les têtes
point de fuite. La présence de la feuille. On pourra toutefois sont à peu près au
parallèles multiples va faciliter respecter ces points de fuite même niveau et la ligne
de manière approximative,
la tâche. afin de garder une approche des pieds remonte vers
libre et de dessiner la ligne d’horizon.
À SAVOIR rapidement et avec plaisir. – Assis, notre ligne
– Si les différents objets d’horizon se trouve
– Les lignes les plus proches à mi-hauteur des
de la ligne d’horizon sont ne sont pas parallèles,
celles dont on a le plus à chaque objet aura personnages. La ligne
apprécier l’inclinaison. Elles ses propres points de fuite. des têtes descend, celle
sont presque planes alors Simple : par exemple en des pieds monte.
qu’on a envie de les incliner. ville avec bâtiments, trottoir, – Au ras du sol, les pieds
– Les ombres portées lampadaire, abribus. sont à hauteur des yeux
Plus compliqué : devant
suivent les mêmes règles de
une vue panoramique et donc la ligne des têtes
perspective et convergent descend.
vers le même point de avec les rues (et bâtiments)
fuite que les autres lignes qui s’en vont dans
horizontales du sujet. différentes directions.
« Les ombres portées suivent les mêmes

règles de perspective et convergent vers
le même point de fuite que les autres
lignes horizontales du sujet. »

DESSIN
CONSTRUCTION POINT DE FUITE LIGNES
Perspective à
l’usage du peintre
Nature morte, intérieur, paysage : le peintre est sans cesse confronté à la perspective. Ce défi de
représenter la 3D en 2 dimensions peut tourner au casse-tête. Faisons fi de celle de l’architecte et
abordons une perspective « juste plutôt qu’exacte », afin de l’appliquer naturellement à la peinture.
Sommaire Partie 1
A La théorie
> La théorie :
la perspective à La difficulté du dessin
1, 2 et 3 points de en perspective est de
fuite. Comprendre traduire dans un plan
les mécanismes des (la feuille de papier)
différentes perspectives une construction qui
et savoir les construire. est définie dans l’espace.
> La pratique : Une gymnastique
la perspective adaptée de l’esprit qui s’appuie
à la peinture. sur quelques règles
Stéphane Prévot nous élémentaires, à
montre comment commencer par le point
de fuite, qui se trouve sur
C
caler rapidement
ses perspectives la ligne d’horizon. Voyons Dans cette rue en pente, la ligne
et les aquareller. comment les définir et d’horizon reste à hauteur des yeux.
appliquons-les à trois cas Mais si le regard reste parallèle au
de perspective. sol (qui descend), le point de fuite
sera plus bas.
B 1. La ligne d’horizon
serait compensé ; leurs lignes
Photo A (ci-dessus à gauche) : se rejoindraient alors
Dans ce point de vue moyen, sur la ligne d’horizon et non
la ligne d’horizon est située sur ce point de fuite.
à environ 1,60 m du sol.
En théorie, la ligne d’horizon
Photo B (ci-contre) : Dans ce sépare la terre du ciel. Mais en
point de vue plongeant, la ligne pratique, elle peut être difficile à
d’horizon est située plus haut situer si l’horizon est encombré
que le sol de la rue. (végétation, bâtiments, à
l’intérieur), voire inutile si le
Photo C (ci-dessus à droite) : point de vue est faussé (vue
Dans cette rue en pente, la plongeante, sol en pente).
ligne d’horizon reste à hauteur
des yeux. Mais si le regard est Mieux vaut donc prendre
parallèle au sol (qui descend), comme référence la hauteur
le point de fuite sera plus bas. des yeux. Pour la situer,
Photos et dessins : À noter : Si des bâtiments il suffit de regarder en face
Stéphane Prévot, Wim Verhelst,
Joël Simon et Stéphanie Portal . étaient construits de part et de soi, sans lever ni baisser
Texte : Stéphanie Portal d’autre du chemin, le dénivelé les yeux. L’endroit où pointe

Stéphane Prévot.
Place Plumereau, 2. La perspective
Tours. 2016.
parallèle avec 1 point
de fuite
La perspective la plus simple à
représenter est celle qui figure
un objet de manière frontale,
donc parallèle à la feuille de
papier.
Dans le cas du paysage, pensez

au chemin ou aux rails de
chemin de fer qui se rejoignent
dans la distance.
Dans le cas d’un objet auquel Ponton vu de manière frontale.

on fait face, les horizontales et Les lignes de fuite se rejoignent
verticales vont respectivement sur la ligne d’horizon.
rester horizontales et verticales,
tandis que les lignes de fuite
vont se diriger vers le point
de fuite.
le regard donne l’emplacement À retenir :

de cette ligne. Il dépend donc de – Les points de fuite se Application
votre taille et de votre position situent toujours sur la ligne avec un cube
(debout, assis, accroupi). d’horizon, ligne qui passe
à la hauteur des yeux.
Cette ligne virtuelle coupe
le sujet en deux parties : ce – La direction d’une
qui est au-dessus et ce qui en ligne horizontale (plane,
dessous. C’est sur cette ligne montante ou descendante)
que vont converger toutes les dépend uniquement de
lignes de fuite de votre motif, sa position par rapport
pour se rejoindre au point de à la ligne horizon. Avant
fuite. Ces lignes fuyantes vont de la tracer, vérifiez donc
changer d’orientation (monter toujours si elle se situe Procédé : Le ponton vu de manière frontale,
mais avec un point de fuite décalé.
ou descendre) selon qu’elles au-dessus ou en dessous. 1. Tracez la ligne d’horizon.
se trouvent en dessous ou – Pour les courbes, 2. Dessinez les horizontales et
au-dessus de la ligne d’horizon. le principe est le même : les verticales du grand carré.
elles seront convexes 3. À partir des coins, faites
Conseils au-dessus de la ligne partir les fuyantes et faites-les
– Entraînez-vous à définir d’horizon, concaves en se rejoindre au point de fuite.
la ligne d’horizon en vous dessous et droites si elles se 4. Tracez les lignes intérieures
déplaçant d’une pièce à situent pile sur la ligne. du cube en vous appuyant sur
l’autre, puis dans la rue. les lignes de fuite.
Assis, debout, la tête droite, – Une fois visualisée, On peut décaler le point de fuite
positionnez cette ligne. cette ligne peut être placée pour une vue plus intéressante
n’importe où sur la feuille et dynamique. Tant que l’objet Wim Verhelst.
– Dans la rue (avec un sol (haut, milieu, bas), selon est parallèle à la surface Le moulin à café.
plat) ou dans un intérieur : le cadrage que vous du papier, ses verticales et
Si vous êtes debout et faites souhaitez donner à votre horizontales restent droites.
1,70 m, la ligne des yeux se sujet. Pour un effet naturel, « Perspective » dérive
situera à 1,60 m du sol. elle sera située plutôt basse.
du latin perspicere
– Face à des escaliers : – Le positionnement de
Regardez les marches. Votre cette ligne est important,
qui signifie « voir
ligne d’horizon se situe à mais ne doit pas être clairement »
la hauteur de celle dont vous rigide. Vous pouvez la ou « voir à travers »
ne voyez pas le dessus. Idem modifier légèrement, selon
face à des étagères : vous l’irrégularité de la réalité. Il
(d’où le dérivé
ne devez voir ni le dessus, faudra simplement adapter « perspicace »).
ni le dessous de la planche. votre perspective à ce choix.

DESSIN
3. La perspective Application
oblique avec 2 points avec un cube
de fuite
Dès que l’objet est vu de biais,
ses deux faces s’éloignent
dans deux directions
différentes. Ici, seules les
verticales vont rester verticales,
tandis que les horizontales, Procédé :
de part et d’autre de l’arête la 1. Tracez la ligne d’horizon,
plus proche, vont se diriger vers puis dessinez l’arête la plus
l’un ou l’autre point de fuite. proche en calculant sa hauteur
avec votre crayon. En partant
Cette perspective rend des extrémités de l’arête, tracez
mieux les volumes les fuyantes de part et d’autre
et la profondeur. des points de fuite.
– Dans une nature morte, l’objet 2. Déterminer la longueur

placé en biais va donner plus de des deux lignes de la base
dynamique à la composition. et montez leur hauteur.
– Dans un paysage urbain, 3. Tracez les fuyantes à partir

les perspectives à deux points de ces quatre nouveaux points.
de fuite sont partout. 4. La perspective
4. Tracez les lignes intérieures aérienne avec
Ici, que l’angle soit saillant du cube en vous appuyant sur 2 points de fuite
ou rentré, tout part de l’arête ces lignes de fuite.
la plus proche. Plus rarement utilisée
en peinture, influencée par
La ligne d’horizon va séparer la photographie (le fameux
le sujet en deux parties : à partir grand-angle), cette perspective
de l’arête (qui sert ici de repère), permet de donner un effet aux
les horizontales au-dessus de la objets ou édifices de grande
ligne vont descendre, celles qui hauteur (église, gratte-ciel,
se trouvent en dessous monter. arbres) qui sont vus en contre-
plongée ou en plongée.
Wim Verhelst. Ici, en plus des deux points
La Jeep. de fuite des horizontales, un
troisième point fait converger
les verticales. Ce point sera
ASTUCE situé en haut (contre-plongée)
Quand on hésite, face
ou en bas (plongée).
à un bâtiment en
Bâtiment vu en biais : l’arête la plus perspective, quant au
proche est le repère à partir duquel sens à donner à ses Application
faire partir les fuyantes. lignes de fuite, il suffit
de songer à ce schéma Procédé :
simple :
– vu de dessous (le plus 1. Tracez la ligne d’horizon
souvent), l’angle forme puis l’arête la plus proche.
un accent circonflexe Tracez les fuyantes à partir
(comme dans le bâtiment des extrémités de l’arête.
de gauche)
– vu de dessus, il dessine
Que l’angle soit saillant ou rentré, un V, ou un accent 2. Posez la base puis déterminez
la logique est la même. circonflexe inversé. un troisième point de fuite
en hauteur. Reliez la base
à ce point de fuite.
3. Tracez l’angle supérieur en

vous appuyant sur les fuyantes.

Stéphane Prévot.
Comment placer des personnages

Les Halles d’Arpajon, Essonne.
Extrait d’une série d’aquarelles
sur le patrimoine rural en Île de
France, réalisée en 2006.
L’emplacement des têtes Point de vue moyen
et des pieds change selon
la position de l’observateur
(assis, debout, accroupi) et
donc du niveau de ses yeux.
Voyons deux cas de figure.
Si l’observateur est debout,

toutes les têtes vont être
à peu près au même niveau
(avec des variations selon
la taille de la figure), tandis que
la ligne des pieds va remonter
progressivement vers la ligne
d’horizon.
→ Placez la figure sur le sol,

puis déterminez sa hauteur
(avec les yeux comme repère)
par rapport à la ligne d’horizon.
Si l’observateur est assis, le C’est donc la hauteur du bassin la ligne d’horizon et celle
niveau de ses yeux va se situer qui devient le repère, avec une des pieds qui monte.
à mi-hauteur des personnages. ligne des têtes qui descend vers
5. La perspective
atmosphérique
Nul besoin de calcul pour
cette perspective qui contribue
néanmoins à créer l’idée
de distance et de profondeur.
Le phénomène est simple :
en raison de la présence
de poussières et gouttelettes
dans l’atmosphère, l’air perd
de sa pureté dans la distance.
D’où deux conséquences :
– Les éléments éloignés

(collines, montagnes,
bâtiments) perdent
de leur définition.
– Ils pâlissent
progressivement, perdant leur
teinte d’origine pour prendre
une teinte plus froide et bleutée.
Point de vue en hauteur

Plus difficile : il faut ici choisir → Posez la ligne d’horizon puis, la même taille), quel que soit
une figure comme repère à partir des pieds et de la tête leur positionnement au sol,
et déterminer les autres par de la figure-repère, tracez deux devront rentrer à l’intérieur
rapport à elle. fuyantes se rejoignant à n’importe des deux fuyantes.
quel endroit sur la ligne d’horizon.
Les autres figures (si elles font

DESSIN
Partie 2
La pratique
Mise en situation
dans les rues
de Tours
Ni géomètre, ni architecte,
Stéphane Prévot,
professeur de dessin à
Tours (Atelier Turner),
prône une perspective
intuitive et sensible,
« juste plutôt qu’exacte ».
Il nous amène dans
les rues de Tours pour 1. Le sujet
une démonstration de et le centre d’intérêt
son approche.
Devant mon sujet, je décide
du point focal qu’il va s’agir
CONSEILS de mettre en valeur (ici,
POUR TROUVER la maison à colombage), quitte
SON SUJET à laisser le reste inachevé.
Je définis le meilleur angle
> Il n’y a pas de mauvais (frontal ou de biais) et observe
sujet. Tout peut être la lumière. Je choisis de décaler
intéressant : un détail, mon centre d’intérêt pour
une ombre sur une maison, donner plus de dynamisme
une perspective avec la rue,
un cadrage. Trouvez un point à l’ensemble. On a donc un côté
de vue intéressant, même si chargé et un autre plus léger. 3. L’analyse de la perspective
le lieu ne saute pas aux yeux. Sur cette vue, on peut dégager :
> Choisissez votre jour :
préférez une journée – la ligne d’horizon (en noir),
ensoleillée, afin de bénéficier qui indique la hauteur de
d’un jeu intéressant d’ombres l’œil de l’observateur, avec,
et de lumières sur le motif. représentée par un point blanc,
> Prenez votre temps : sa position : c’est le point de
sillonnez les rues et observez fuite principal.
les lieux en gardant votre – les lignes verticales (en
carton sous le bras. Cherchez
le meilleur angle : c’est rouge), qui marquent les arêtes
parfois après coup que l’on des bâtiments et cheminées :
découvre un meilleur point elles sont toutes parallèles.
de vue que celui choisi, – les lignes horizontales 4. La pose des repères
juste à côté ou derrière. (en bleu) du bâtiment à Avant toute chose, je marque
> Éloignez-vous : collé colombages : vu de manière le centre de la feuille (centre
au monument, on le voit frontale (et donc parallèle au de mon viseur) et pose les
rarement bien. Mieux vaut premiers repères : haut, bas,
prendre du recul et jouer plan de la feuille), il donne des
lignes qui ne sont pas fuyantes ligne d’horizon. Toujours en
sur l’effet de découverte
du site, à travers un chemin, 2. Le cadrage au viseur et restent horizontales. regardant dans le viseur, je pars
une arcade, etc. Je sors mon viseur en carton : – les lignes fuyantes (en vert) du centre et place de proche
> Analysez la lumière : cela il me permet d’isoler le sujet des bâtiments vus en biais en proche toutes les verticales
vaut parfois la peine de afin de le percevoir en de part et d’autre de la rue : (les arêtes des maisons).
revenir à un moment où deux dimensions. Il élimine elles se rejoignent chacune sur Avec le crayon, je mesure leur
la lumière sur le point focal
également les motifs parasites leur propre point de fuite, situé hauteur et place des repères de
est plus intéressante. hauteur. À partir de là, je déduis
à droite et à gauche, en haut sur la ligne d’horizon.
et en bas. Je cadre donc en les fuyantes et les horizontales.
incluant le clocher et la base À noter : En théorie, il y a autant de points de fuite que de bâtiments à
de la maison. La fenêtre l’inclinaison différente par rapport au plan du tableau. En pratique, on peut
correspond à la surface à tout baser sur un ou deux points de fuite et situer les autres de manière
peindre, le centre offrant intuitive. Inutile ici de perdre du temps à chercher des points de fuite
un bon repère pour débuter. secondaires, notamment ceux qui partent hors du cadre.

5. Les grandes lignes
Mon motif est en place :
je mets le cadre de côté et relie
tous les repères. Je précise
la ligne des toits, les étages
et les fenêtres. Dans cette
ville ancienne, la rue tourne
et les maisons sont décalées. 7. La perspective atmosphérique
Inutile donc de chercher toutes L’aquarelle me permet maintenant d’apporter
les fuyantes. À partir des lignes la profondeur. Je pose un jus léger de bleu pour
principales, je suis en mesure le ciel : saturé sur le devant, désaturé dans
de situer assez d’éléments le lointain, il traduit la profondeur par un effet de
constitutifs du sujet : le reste est perspective atmosphérique. Je ne travaille pas 9. Les ombres
dessiné par comparaison. ce ciel comme dans un paysage, en remplissant J’apporte maintenant le relief grâce au travail
toute la surface : limité au centre, il sert à diriger des ombres. Avec le gris de Payne, légèrement
le regard et participe de l’ambiance. bleuté, je pose le triangle d’ombre sur le bâtiment,
ainsi que les ombres portées au sol et sur
le mur. Je tiens compte de la couleur locale et de
l’exposition pour aller vers un gris plutôt chaud ou
plutôt froid. Chaque ombre sert à mettre en valeur
la lumière.
6. Les détails
Je peux maintenant dessiner
les détails (corniches, bords
des toits, cheminées, châssis
des fenêtres, etc.) à partir
des volumes mis en place.
Inutile de trop surcharger :
mon but est d’en faire
une peinture. Pour ne pas salir
le papier, je ne marque pas 8. Les lumières et le point focal
les ombres, juste les contours La couleur me permet aussi de mettre en valeur
à peindre, tout en pensant à ce mon centre d’intérêt : la maison à colombages, 10. Les finitions
que je veux mettre en valeur. teintée d’un enduit ocre et joliment éclairée par Enfin, je pose quelques rehauts au crayon
la lumière du matin. Je passe un jus de terre (évocation des ardoises sur le toit, des briques
(Sienne naturelle et laque écarlate) sur l’ensemble sur la cheminée). Le retour du crayon (bien taillé)
du bâtiment. Quant aux autres maisons, après la couleur permet de trouver des points
leurs murs en pleine lumière sont laissés blancs. d’équilibre. Je note la référence du lieu et signe.

DESSIN
COMPOSITION ÉTUDE DES PLANS OMBRAGE
Comment organiser
un paysage?
Petit tour d’horizon des possibilités qui s’offrent à vous pour composer un paysage campagnard (champs,
arbres, petite maison ou grange, étang, chemin, ligne d’horizon, ciel…). Vous verrez comment le mettre
en scène sans recopier une photo et organiser votre dessin sur le motif pour le rendre attrayant.
vous, la tête droite, sans baisser

Schématiquement, 2 ni lever les yeux. L’endroit exact
qu’est-ce où pointe votre œil correspond à
qu’un paysage ? la hauteur de la ligne d’horizon.
Ce qui signifie que la ligne
Voici représenté ici, d’horizon se situe à la hauteur
comme un décor de des yeux. Dans ce cas, elle
cinéma, un paysage se place, bien sûr, derrière
schématique, comportant la maison, à la base des arbres.
tous les éléments Le chemin, au premier plan,
nécessaires à sa donne l’effet de profondeur
composition. Vous ou de perspective, ainsi que
retrouvez un chemin, tous les autres éléments qui
une grange, un arbre, encadrent la maison [Fig. 2].
une ligne d’horizon et, Pour la deuxième possibilité,
pour finir, la montagne imaginons que vous êtes un
et le ciel en arrière-plan. peu fatigué par une longue
Comment les mettre en promenade. Vous dessinez assis
scène? C’est le sujet de ou allongé, la ligne d’horizon
cette démo. Bien sûr, 3 se situe toujours au niveau
dessiner un paysage ne de vos yeux, mais plus bas.
relève pas de la science Le premier plan sous la ligne
exacte, mais avoir à d’horizon est beaucoup plus
l’esprit quelques règles étroit [Fig. 3].
au moment de dessiner Troisième possibilité : vous
peut vous éviter des êtes en hélicoptère ou sur
erreurs qui rendraient une colline, donc installé en
votre travail maladroit hauteur. La ligne d’horizon
aux yeux de personnes remonte d’autant, vous
averties [Fig. 1]. surplombez le paysage, mais
à moins d’intégrer un premier
plan expliquant visuellement
votre situation, le dessin
1 manque de naturel [Fig. 4].
4
Comment situer possibilités. La première,
la ligne d’horizon ? la plus courante, correspond
Sauf cas particulier – paysages au regard que vous portez
Dessins : Albina Simatova marins, de haute montagne sur le paysage en vous tenant
Texte et photos : Jean-Pierre Parlange ou urbains –, il existe trois debout. Regardez en face de

Le choix et la mise
en valeur du sujet Les erreurs à éviter !
principal 5 Évitez les points de contact
La première évidence est que maladroits. Ici, nous en
vous pouvez faire varier la avons réuni quelques-uns :
taille des différents éléments le haut de l’arbre qui touche
qui composent votre paysage. le trait de la montagne,
Suivant ce que vous mettrez au le chemin qui se termine
premier plan, suivant le cadrage dans le coin du dessin et
et suivant la composition, vous les contacts du toit avec
ne raconterez pas la même les arbres. Ce sont des
histoire et vous créerez points de détail, bien sûr,
des ambiances différentes. mais additionnés les uns
Vous abordez ici la composition, aux autres, ils perturberont
qui est l’art d’assembler de la lecture du dessin [Fig. 8].
manière esthétique les divers Autre maladresse à éviter :
éléments que vous avez une ligne d’horizon située
à votre disposition pour en milieu de feuille, ainsi
exprimer vos sentiments, pour que la montagne qui
paraphraser Henri Matisse. 6 touche presque le bord
du dessin. [Fig. 9]. Dans
le même esprit, évitez
les symétries verticales car
elles n’existent pas dans
Le premier plan n’est pas la nature [Fig. 10]. Enfin,
toujours le sujet principal. ne placez pas les centres
Vous pouvez, par exemple, d’intérêt sur les côtés du
dessiner un arbre ou n’importe dessin, en laissant un grand
quel élément au premier plan vide au milieu [Fig. 11].
simplement pour donner de
la profondeur à votre croquis et
mettre la maison en valeur. Ici,
l’arbre et le chemin conduisent
le regard à la maison [Fig. 5].
La deuxième solution est moins
élégante, mais conviendrait
parfaitement à une mise en 8
situation avec des
personnages [Fig. 6].
7 Autre possibilité:
composer votre
tableau de manière
à placer le sujet
pour qu’il occupe 9
une moitié d’image
délimitée par
la diagonale. Vous
mettez en œuvre
un équilibre entre
le plein et le vide,
mais prenez garde
tout de même à 10
équilibrer l’image. Ici,
c’est l’arbre qui fait 11
contrepoids [Fig. 7].

DESSIN
Comment organiser un paysage?
Un paysage imaginaire dessiné

Pour mettre en application ce que nous venons 13
de voir, voici un paysage qui inclut tous les
éléments que nous avons analysés. Pour corser
la démo, nous allons imaginer une nuit de pleine
lune et intégrer un élément supplémentaire :
un étang. Le but n’est pas de dessiner de
manière réaliste, aussi bien au niveau de
la lumière que des détails, mais de créer
une atmosphère romantique et impressionniste.
Le matériel :
Une gomme blanche, un cutter, différents
crayons H, HB, 2B, une feuille A4 de papier dessin
à grain fin.
1. La mise en place
des éléments, l’esquisse
Comme toujours en dessin (et en peinture d’ailleurs),
c’est l’étape la plus importante car, à ce stade,
une erreur ne se rattrape pas. Tracez les contours de
votre sujet, prenez le temps de dresser une bonne
esquisse. Pour plus de souplesse, nous travaillerons
le format en hauteur, ce qui nous laissera la
possibilité de recadrer le dessin à notre guise
lorsqu’il sera fini. Pour le cadrage définitif,
« La gomme est le négatif
nous emploierons la règle des tiers, plus simple de votre crayon :
12
que la règle d’or. L’eau occupera le tiers inférieur, l’un permet de noircir,
le sujet principal le tiers central, la lune, les crêtes
et le ciel le tiers supérieur [Fig. 12 et 13]. l’autre d’éclaircir. »
2. Détacher les 14 15 3. Précisez les détails
différents plans à la pointe du crayon
Lorsque le trait est en La technique des hachures consiste à tracer de nombreuses
place, il ne reste plus lignes parallèles proches les unes des autres, afin de créer
qu’à ombrer, en allant du un effet d’ombre. Croisées, elles forment des entrelacs de lignes
plus flou au plus précis, sur votre dessin. C’est une très bonne manière d’assombrir
du plus clair au plus une zone rapidement et facilement, tout en conservant
sombre. Pour esquisser une certaine texture dynamique à la zone concernée. Chaque
les éléments, plutôt plan est ainsi précisé sans souci du détail réaliste. Ni tuiles
qu’un crayon, nous 16 sur les toits, ni feuilles dans les arbres, juste une utilisation
utiliserons un papier judicieuse des hachures et de l’estompe [Fig. 18 à 20].
mouchoir doux à la
manière d’une estompe.
Taillez la mine HB pour
obtenir une poudre
que vous récupérez
sur le papier mouchoir. 18
Ensuite, dégradez le ciel 17 19
et délimitez la ligne de
crête de la montagne.
Couvrez pour finir
la maison, les arbres et
dégradez la surface de
l’eau. Travaillez de haut
en bas sans toucher
la feuille pour ne pas
la marquer [Fig. 14 à 17].
20

À NOTER
Dessiner les ombres, c’est aussi travailler
la lumière. En effet, plus vous noircissez
certaines zones, plus vous faites ressortir
la lumière. Quand vous travaillez le dessin
au crayon, il est bon de garder ceci à l’esprit.
Le travail d’ombrage est assez long car toute
la surface est travaillée simultanément,
aucune partie n’est aboutie séparément. Cela
vous permet de garder une vision globale
du dessin et de conserver un équilibre
[Fig. 21]. Si, au contraire, vous vous focalisez
sur un détail pour passer au suivant, vous
obtiendrez un patchwork de détails sans
unité et maladroit [Fig 22]. 21 22
4. Faire apparaître les lumières

À ce stade, le travail apparaît comme un peu gris, il lui manque des lumières franches.
Pour cela, il existe un outil un peu mal aimé, la gomme. En effet, certains vous diront
qu’il ne faut pas gommer. Mais refuser d’utiliser cet outil, c’est se priver d’un éventail de
possibilités presque aussi important que celui donné par votre crayon! La gomme est
le négatif du crayon, l’un permet de noircir, l’autre d’éclaircir. Bien taillée, une gomme
permet de réaliser des trames de lumière, de préciser des détails pour créer du clair-
obscur. À l’aide d’une gomme blanche taillée, nous faisons apparaître la lune, en évitant
de la positionner en correspondance avec un élément du dessin comme la pointe du toit
de la maison, la cime d’un arbre ou le sommet de la montagne [Fig. 23]. Puis nous ouvrons
des lumières sur le toit, ainsi que deux petites fenêtres qui font apparaître la vie. Le bord de 23
l’étang est lui aussi éclairci, avant de passer à la création des reflets sur l’eau [Fig. 24 et 25].
24
25
Pour terminer ce dessin, il sera utile d’animer

la surface de l’étang en renforçant les reflets
sombres des arbres et de tout autre détail
qui vous paraîtrait utile.
Nous avons créé un paysage imaginaire en
respectant certaines règles de composition, mais
vous pouvez aussi, si vous les avez à l’esprit, les
appliquer lors de la prise de croquis sur le motif
ou bien si vous utilisez des photographies comme
modèles. N’oubliez pas que dessiner ne consiste
pas à reproduire une réalité photographique ou
autre, mais bien à réaliser une œuvre de création. Paysage imaginaire. Crayon sur papier.

DESSIN
ARCHITECTURE OBSERVATION HIÉRARCHISATION
Un paysage urbain
Il y a deux façons d’aborder un dessin d’architecture. Par un relevé millimétré ou à main levée, en
s’appuyant sur l’observation, afin de privilégier un résultat artistique. Ce n’est pas tant le souci d’exactitude
qui me guide ici, mais une représentation libre, sans pour autant déroger aux règles de la construction.
Matériel
Mon équipement est on
ne peut plus minimaliste,
ce qui me permet d’être
très mobile et réactif,
là où le sujet m’appelle.
• Une mine de plomb 2B
insérée dans un
Sketch Pen Mont-Blanc.
Je tiens beaucoup à cet
accessoire tant pour
ses dimensions que pour Mon trait se fait volontairement
le confort d’écriture qu’il plus insistant, afin de conférer
+m’apporte. Grâce à sa à cette maison une certaine
dizaine de centimètres de primauté. Je place ensuite
long et son corps trapu, il Le sujet Ma façon de procéder n’a rien certains détails des maisons
offre une parfaite tenue. Il Ce qui m’a intéressé dans d’académique, en ce sens où qui l’entourent, en dosant la
se fait oublier et c’est toute ce panorama urbain et je m’affranchis de la règle qui pression sur la mine. Au besoin,
ma main qui travaille. historique, c’est avant tout veut que l’on évolue du général je corrige une perspective.
cette rivière qui nous guide vers le particulier, d’une vue Ma hiérarchie de niveaux
• Papier Fabriano, 640 g, naturellement au centre d’ensemble vers les détails d’information est établie depuis
qui procure un plaisir d’une composition où se trouve le début. À ce stade, je sais
très sensuel au niveau un vieux pont qui recoupe la À partir d’un point de vue choisi, exactement où je souhaite aller
de la touche. Avec son perspective des quais. L’enfilade je m’attarde tout d’abord sur et m’arrêter.
millimètre d’épaisseur, il des maisons fait penser à un jeu l’architecture de cette maison
offre par ailleurs une très de construction. En me situant (la deuxième en partant
bonne tenue en extérieur. sur un autre pont de la ville, de la gauche) – un rectangle
• Une gomme mie en amont, je bénéficie étroit entre deux cubes plus
de pain pour les rares d’un découpage 1/3-2/3 donnant imposants) – qui sera la clé de
repentirs et, au besoin, une large place au ciel. Tout ma composition. Après l’avoir
pour nettoyer la surface est là sous mes yeux, je n’ai située dans l’espace de la feuille,
du papier sans en plus qu’à raconter l’histoire de tout en ayant une vision générale,
altérer la fleur. cette rencontre architecturale, je m’attache à représenter ses
crayon en main, en m’appuyant particularités – ses trois étages
sur cette lumière douce mais coiffés de grandes fenêtres et Comme dans un jeu de
suffisamment contrastée qui met de deux lucarnes, un arbre au construction qui se met en
parfaitement en valeur le sujet. premier plan. place, je progresse de gauche
à droite, étant droitier, afin de
ne pas salir le papier. Notez que
chaque partie est traitée comme
un sujet à part entière, c’est-à-
dire que je pousse suffisamment
le travail des valeurs et
des contrastes de lumière pour
Dessins : Xavier Kosmalski. ne plus y revenir.
Texte et photos : David Gauduchon

CONSEIL
Pas de lignes de
construction ni de lignes de
fuite placées au préalable,
je travaille selon le principe
du « fil d’Ariane », qui
consiste en un aller-
retour permanent entre
l’observation attentive et
la main qui lui est reliée, tel
un sismographe. Ma mine
ne quitte quasiment pas
la surface du papier. Et avec
le support, peu de repentirs.
Après le passage de l’écluse, Toute la difficulté ici consiste à

dont la représentation demeure ne pas perdre en concentration,
complexe, la mise en place du au risque de s’écarter du sujet
pont est une étape charnière, et de la rigueur nécessaire au
ce dernier structurant principe même de construction.
ma composition en deux parties Un doute, une hésitation ?
et reliant les points de fuite Il faut alors plonger autant que
des quais. Je veille à ce de fois que nécessaire son
que la pile gauche du pont regard sur la partie concernée.
soit la plus contrastée. Pour ce genre de réalisation,
Je place succinctement le le mental est aussi important
rideau d’arbres en arrière-plan La lumière me guide, tandis que la technique.
par un enchevêtrement que ma main circule librement
de traits et de hachures plus sur le papier. Depuis le début
ou moins maqués, afin de créer de la réalisation, je m’appuie
l’illusion du volume. J’opère sur « une expérience de
par soustraction de lumière l’observation », où je procède par
et de valeur, c’est-à-dire que flashs. Je m’attarde sur l’arrière- Je veille à bien respecter
je contraste volontairement plus plan, à droite du pont, avant le sens de la lumière initiale,
le rideau d’arbres que le pont de reprendre ma progression, même si après deux heures de
qui, lui, est dans la lumière. toujours de gauche à droite. réalisation, celle-ci a tourné.
Je place succinctement C’est un principe d’abstraction
l’arbre émergé qui masque qui prévaut sur le motif.
partiellement l’arche du pont L’architecture du château en
à droite, prétexte à une écriture place, je matérialise maintenant
très déliée, source de plaisir. les maisons sur le quai.
La présence des nuages, même schématique,

participe de l’effet d’espace et de profondeur.
Tout au long de cette réalisation
« impressionniste », le travail de la lumière
et des ombres aura été déterminant.
Dessin terminé après 4 heures non-stop de
Notez la profondeur de la palette réalisation. Que du bonheur, je vous le dis !
des gris et l’étendue du jeu
graphique qui offrent un large Après avoir réservé par
registre de vocabulaire. une simple ligne les maisons
Selon un principe japonais, sur le quai de droite,
le premier trait est le meilleur, je m’intéresse aux grands plans
donc la pensée précède puis du château et à ce cylindre qui
accompagne le geste. Chaque constitue la tour du château
élément est différencié selon médiéval et son donjon en
une hiérarchie de l’information, bois du XIIe siècle. Je renseigne
l’interprétation l’emporte sur quelques ouvertures et
la volonté de représenter avec meurtrières sans oublier
exactitude chaque élément. la flèche du donjon.

R
Le Choix des Maîtres en Papier Aquarelle

100% Procédé Sans
Coton Artisanale Acide
Artist Watercolour Paper Artist Watercolour Paper Artist Watercolour Paper

The Masters’ Choice The Masters’ Choice The Masters’ Choice
Die Wahl der Meister Die Wahl der Meister Die Wahl der Meister
Le Choix des Maîtres Le Choix des Maîtres Le Choix des Maîtres
La elección de los Maestros La elección de los Maestros La elección de los Maestros
COLD PRESSED • MATT • GRAIN FIN • GRANO FINO ROUGH • RAU • GRAIN TORCHON • GRANO GRUESO
R R R
HOT PRESSED • SATINIERT • GRAIN SATINÈ • GRANO SATINADA

20 Sheets Block • 300 g/m2 • 140 lbs • 310x410 MM • 12.20x16.14 IN 20 Sheets Block • 300 g/m2 • 140 lbs • 360x510 MM • 14.17x20.07 IN 20 Sheets Block • 300 g/m2 • 140 lbs • 260x360 MM • 10.23x14.17 IN
Watercolour Block • Aquarelle • Aquarell • Acuarela • 100% Pur Coton • 100% Bütten • 100% Algodón • 20 Feuilles • 20 Bogen • 20 Hojas Watercolour Block • Aquarelle • Aquarell • Acuarela • 100% Pur Coton • 100% Bütten • 100% Algodón • 20 Feuilles • 20 Bogen • 20 Hojas Watercolour Block • Aquarelle • Aquarell • Acuarela • 100% Pur Coton • 100% Bütten • 100% Algodón • 20 Feuilles • 20 Bogen • 20 Hojas
Alvaro Castagnet
Parce que j’ai la main lourde avec mes peintures et que je suis assez
dur avec mes pinceaux, le choix de mon papier doit être 100% en
coton de très haute qualité, avec une grande capacité d’absorption
et une belle texture. Le papier pour aquarelle, Le Choix des Maitres
par Baohong, de 300 grammes convient parfaitement à mon style de
peinture à l’aquarelle.
CHAPITRE 2
Compétences
essentielles
▶ Débuter en photo de paysage

Les règles à suivre P. 42
▶ Peindre en extérieur
en 25 astuces
Les préparatifs au plein-air P. 44
▶ 8 points clés
pour aborder le paysage
Les fondamentaux P. 46
▶ Réussir ses ciels. Couleurs et gestes
Quatre ciels emblématiques p. 48
▶ Contrastes chaud-froid pour dynamiser un paysage
Coquelicots sur le motif P. 52
▶ Composition alla prima
Paysage de Haute-Provence P. 54

COMPÉTENCES ESSENTIELLES
POINT FOCAL RÈGLE DES TIERS PROFONDEUR DE CHAMP
Débuter en photo
de paysage
Prendre un paysage en photo est à première vue accessible à tous. Pourtant, le résultat
est souvent décevant à moins de respecter un certain nombre de points que voici.
Les paysages sont parmi nos composition. Nos sens en éveil, Dans les deux cas, le trépied est 3. Faire un point météo
sujets favoris. Pourtant, ils sont nous percevons dans l’image indispensable. La plupart du temps, Avant de partir sur le motif, il est
aussi parmi les plus difficiles à ci-dessous le ruissellement de l’exigence d’un arrière-plan net toujours important de faire un point
appréhender. Tout simplement l’eau, la pureté de l’air sur notre obligera à choisir une sensibilité météo. Mais une belle lumière
parce que vouloir révéler la beauté visage, le contraste du bleu du ciel Iso de 100 voire 50 et des vitesses n’est pas pour autant synonyme
d’un panorama dans le champ avec la cime du volcan enneigé. lentes (15e/s par exemple) voire un de beau temps et de grand ciel
restreint d’un cadre, qu’il soit temps de pose plus ou moins long bleu. Un ciel de pluie ou d’orage
photographique ou pictural, selon l’effet recherché. peut vous offrir des situations
peut sembler, de prime abord, incroyables, où le jeu des lumières
une gageure. Mais en faisant est poussé à son paroxysme.
preuve de patience, d’astuce et de
méthode, le paysage est l’un des
sujets les plus riches et variés qu’il
nous soit donné de traiter.
1. Trouvez le point
focal du paysage Notre conseil : Ne sortez pas
Nous avons tous pointé notre votre appareil photo tout de suite !
appareil photo vers la beauté Prenez le temps de l’observation et
d’un paysage suscitant en de la compréhension. Demandez-
nous une réelle émotion. Mais, vous ce qui vous séduit tant, En Irlande, dans le comté de Mayo,
face à notre ordinateur, qu’elle décelez les éléments constitutifs et après la pluie : un ciel d’orage gris
ne fut pas notre déception graphiques qui rendent ce paysage En Islande, les lumières du petit matin anthracite qui contraste avec le vert
offrent des palettes subtiles de gris et électrisant de la nature humide, le tout
quant au résultat. À l’évidence, si évocateur… Repérez les lignes de de bleu, des contrastes marqués qui
appuyer sur le déclencheur force, les points de fuite, les obliques gratifié par un double arc-en-ciel…
soulignent le graphisme des éléments.
par opportunisme conduit au qui donnent du caractère et du
mieux à une photographie mouvement à l’ensemble. Il sera
acceptable, mais le plus souvent toujours temps par la suite d’opter
à un rendu plat traduisant mal pour un format vertical ou horizontal
la réalité du moment. Pourquoi ? et de penser au matériel donc aux
Tout simplement parce qu’en choix techniques.
photographie comme en peinture,
une belle interprétation requiert 2. Chercher À Cuba, un coucher de soleil aux
un minimum de préparation et la bonne lumière Jardins de la reine confère au paysage
de réflexion. L’étude de la lumière est capitale et des tonalités plus chaudes et produit En Irlande, à Rock House, avant la pluie :
Pour dialoguer avec un lieu, il faut peut avoir une incidence radicale des ombres longues qui donnent de être prêt au bon moment au bon endroit !
d’abord se pénétrer de son esprit. sur l’ambiance de votre sujet. la profondeur Un ciel nuageux menaçant, un rideau de
Notre œil procède d’abord par Peut-être préférerez-vous travailler à l’image. Il est pluie qui s’avance inéluctablement, alors
un balayage global, puis s’arrête avec la lumière d’un lever de soleil intéressant d’arriver qu’un rai de lumière tente de se frayer un
sur tel ou tel détail. Il cherche dès 5 h, notamment l’été ! Peut- sur un lieu repéré ultime passage.
naturellement à se focaliser sur être préférerez-vous la lumière au préalable, afin
un point. Un point de départ qui chaude de fin de journée, quand de saisir toutes Notre conseil :
nous aidera dans un choix de le soleil commence à se coucher ? les évolutions du
déclin du soleil qui
La photographie de paysage
embrase le paysage. est affaire d’organisation et
d’anticipation. Un bon cliché est automatique, la mise au point En qualité de sujet principal,
rarement le fruit du hasard. Il
5. Du bon usage s’effectuera sur « l’infini » et, dans les yourtes se retrouvent
repose sur un repérage des lieux,
du premier plan des conditions de lumière moyenne, avancées et décalées dans une
Faut-il faire rentrer
une fréquentation régulière du votre premier plan sera flou. Préférez
systématiquement un premier
sujet choisi à différentes heures de le mode priorité-ouverture (mode A)
plan dans votre composition ?
la journée et par tous les temps. pour rester maître de votre netteté
Non, pas forcément, tout dépend
et non la subir.
de l’interprétation que vous
4. Une école souhaitez faire passer dans
Steppe de
de la patience votre image. Dans certains
Mandchourie :
En photographie, il faut être patient. Grâce à
cas, un premier plan permet de une lumière
Souvenez-vous que le soleil change
renforcer l’idée de profondeur, ambiante
selon les saisons, autrement dit
d’animer ou d’étager les différents suffisante,
composition plus dynamique qui,
ce qui peut se trouver à l’ombre une ouverture à
plans de la composition. de facto, traduit mieux l’immensité
en plein après-midi d’hiver peut f.16 (vitesse 30/s
se retrouver baigné de lumière avec l’utilisation du paysage et du ciel.
un jour d’été. Sur le terrain, il est d’un trépied)
important de s’orienter et de définir permet d’avoir
la meilleure heure d’exposition un résultat net du premier plan à l’infini Matériel
pour un sujet déterminé. et de traduire l’immensité de la steppe Gardez l’essentiel !
Mongole, dont l’effet de profondeur est l Le trépied : un accessoire
Cas pratique : En ce début de accentué par le graphisme des traces indispensable qui vous permettra
printemps, le soleil joue à cache- de pneus. de peaufiner votre cadrage et de
cache et une première série de travailler avec des profondeurs de
clichés s’avère peut intéressante. 7. La règle du tiers champs importantes qui ont pour
Sur l’île de Pâques, l’oblique en La règle du tiers est la règle de corollaire des vitesses lentes.
L’image est plate, l’avant-plan est
premier plan anime la composition composition la plus simple à mettre l Le pare-soleil évite les incidences
terne, sans intérêt. Il aura fallu de ce paysage tout en contrastes de
attendre une bonne heure pour en œuvre afin d’équilibrer votre de la lumière sur votre optique,
lumière et invite l’œil à se projeter
qu’une lumière fugace mais intense photo. Servez-vous du quadrillage source d’éclats lumineux
progressivement dans l’immensité
mette en scène ce vieux chêne au dans votre viseur (une option dont indésirables.
du grand bleu.
premier plan, dont la composition Au Brésil, lors disposent la plupart des appareils l Les focales : Si vous utilisez
ne retiendra finalement que d’une escale du marché). un réflex APS, n’hésitez pas à tester
la partie droite, le nuage s’étant sur le Rio Negro, différents objectifs. Si un grand-
déplacé entre-temps, la trouée la verticale Cas pratique : Le cadrage de angle (14 ou 20 mm) convient bien
de ciel bleu aussi. du palmier, au ces yourtes mongoles ne semble à la photo de paysage, vous pouvez
premier plan à, pas des plus judicieux. L’élément aussi opter pour un téléobjectif,
droite, répond à afin de découvrir des détails ou
l’horizontalité du des éléments graphiques.
bateau renforcée
par celle de Réglages pour le paysage
la ligne d’horizon. l Le réglage le mieux adapté
Le feu sur la plage, au centre, invite l’œil à la photo de paysage reste
à suivre les différents points lumineux le mode priorité diaphragme
qui mènent vers l’embarcation, point qui vous permettra de maîtriser
central du sujet. complètement la profondeur
Notre conseil : Face à un de champ et de choisir d’avoir
principal est trop centré et un premier plan flou ou net.
panorama, retenez que notre œil l’absence de mise en œuvre
opère, dans un premier temps, l La mesure matricielle est idéale
de la règle des tiers n’apporte pour les photos de paysage qui
un balayage global (de haut en pas de dynamique intéressante
bas, de gauche à droite) avant de permet de pondérer la lumière de
à la composition globale. la scène dans son ensemble. Vous
s’attacher à repérer tel ou tel détail Dans l’exemple ci-dessous,
sur lequel il va se fixer. pouvez aussi utiliser les autres
le cadrage est décalé vers modes de mesure de la lumière
la gauche et la limite supérieure (spot, par exemple), afin de mettre
6. La profondeur
de champ en valeur l’exposition sur une plus
Paysages La profondeur de champ, petite zone de votre composition.
de Sarthe. l Sélectionnez La balance
autrement dit, la zone perçue nette
par l’œil dépend de l’ouverture automatique des blancs.
du diaphragme choisie. C’est Cadrage vertical ou horizontal ?
un paramètre important avec lequel Selon le sujet traité, n’hésitez pas à
il faut savoir composer si vous jouer sur différents cadrages. Pour
souhaitez, par exemple, un avant- traduire l’élévation de gratte-ciel,
par exemple, le cadrage vertical
plan. Si vous faites la mise au point du premier tiers est remontée s’impose comme une évidence.
sur le plan le plus éloigné en vous jusqu’à la base des arbres
reposant sur l’autofocus de votre au troisième plan.
appareil, vos réglages en mode Texte et photos : David Gauduchon

TECHNIQUES CONSEILS EXPÉRIENCES
Peindre en extérieur
en 25 astuces
Avec le retour des beaux jours, retourner sur le motif est un vrai bonheur pour les amoureux de
la nature. Mais les initiés le savent, il s’agit d’une pratique difficile. Voici une série de 25 réflexions
émises durant mes récentes expéditions. De quoi vous préparer à peindre les belles couleurs de l’été!
pas à repeindre un sujet peint soit la construction au fusain,

auparavant, en variant le point le dégrossissage par masses
de vue ou le cadrage. Une lumière et le développement.
différente peut également suffire C’est en sachant décomposer
à obtenir une variante. qu’on sait mieux composer !
2. Avoir un but, 6. Simplifier

une intention les formes
Prenez quelques instants pour Commencez votre peinture en
réfléchir avant de peindre. simplifiant le paysage en formes
Comment allez-vous communiquer géométriques et abstraites.
votre idée ? Faites des choix. Cela vous aidera à voir la relation
Votre point focal est le cœur de entre les parties et l’harmonie
votre idée. Comment allez-vous d’ensemble.
orienter l’œil du spectateur
vers celui-ci ? Il existe plusieurs 7. Ne pas craindre
manières de le faire : lumière vive, l’échec
contraste de couleurs et/ou de La peinture en plein air est
valeurs, bords plus durs, forme un exercice qui implique de
intéressante. Chaque décision que faire des expérimentations,
vous prenez sert votre intention. de relever des défis et parfois
d’affronter des échecs. C’est
3. Bien choisir ainsi que la pratique évolue.
son motif Si vous n’échouez pas de temps
Un sujet mal choisit affaiblit en temps, demandez-vous si
considérablement une peinture. vous ne restez pas dans
Ne choisissez pas le premier 5. Décomposer pour une certaine zone de confort.
endroit venu. Faites un lent virage mieux composer
à 180° car un point de vue plus Pour progresser, il s’agit de peindre 8. Savoir
intéressant pourrait se trouver beaucoup et fréquemment. Il est mettre en valeur
derrière vous. recommandé de se concentrer Ce n’est pas la précision qui fait
davantage sur le chemin que sur la une peinture. L’art, c’est savoir
4. Apprendre à voir destination, soit sur le processus quand, quoi, où et comment mettre
le potentiel d’un sujet plutôt que sur la peinture terminée. en valeur une partie en relation
Un peintre expérimenté Bien connaître les étapes jalonnant avec l’ensemble.
1. Repeindre un sujet voit le potentiel d’un sujet. la peinture permet de peindre
en variant le point Des modifications sont plus efficacement. À l’inverse,
de vue ou le cadrage généralement à opérer pour rechercher un aspect fini peut
Dans la nature, tout n’est pas l’augmenter. Si ce potentiel est souvent nuire à l’apprentissage.
intéressant à peindre et il arrive trop faible, changez de sujet. En cause : un trop grand intérêt
que l’on ne trouve rien d’inspirant. pour les détails. Ci-dessus,
Si jamais vous séchez, n’hésitez mon processus en trois étapes, Texte et photos : Yann Hovadik

13. Varier tout éléments, leur valeur et leur 23. Privilégier
Dans la nature, la variété est reine. température lorsque vous passez l’expérience visuelle
Pour un aspect naturel, évitez du premier plan à l’arrière-plan. Une peinture est avant tout
les redondances et variez couleurs, une expérience visuelle.
espacement, taille… 20. Répartir Préoccupez-vous d’abord des
en 3 zones aspects abstraits de la peinture :
14. Varier aussi Beaucoup de peintures sont lumières, ombres, valeurs, bords,
la touche composées de trois zones : celle couleurs, espaces, textures.
La touche est davantage visible du centre d’intérêt, une zone
secondaire (valorisant le centre
d’intérêt) et une zone tertiaire
(fond).
9. Passer aux verts 21. Prendre du recul

Je lis souvent qu’il est difficile Il est nécessaire de prendre
de peindre les verts… Que nenni ! le recul nécessaire pour avoir
Je distingue deux variétés de une vue d’ensemble du sujet.
verts : le vert sapin (ou bouteille, Il vaut mieux être trop loin que
émeraude…) et le vert acidulé trop près du sujet.
(ou pomme granny). Le premier se 24. Apporter
crée en mélangeant un jaune de 22. Des détails, sa touche
cadmium moyen à du bleu outremer, mais pas partout Ne vous dites pas que ce sujet
le second à un bleu céruléum. Les détails doivent être justifiés. ne vous inspire pas, mais plutôt
Bien sûr, il faut souvent ajouter dans les zones lumineuses. N’en mettez pas partout, que vous n’avez pas su rendre
une troisième couleur, mais il s’agit Rendez-la plus discrète dans mais là où vous souhaitez attirer ce sujet intéressant, notamment
des deux mélanges de base. Je les zones sombres. le regard, notamment au niveau par votre touche.
recommande de ne pas acheter de du centre d’intérêt.
verts en tube, mais de les mélanger. 15. Trouver 25. Réfléchir
Cela réduit le nombre de couleurs le titre avant davantage en amont
sur la palette et c’est en mélangeant Nommez votre œuvre avant La plupart des peintures sont
que l’on apprend à mélanger ! de peindre. Ainsi, l’intention ratées au départ, car il n’y a pas
reste-t-elle bien en tête. assez de réflexion sur ce que
nous allons peindre et la manière
16. Esquisser dont nous allons le composer.
rapidement
Avec le vent, les nuages ne restent
pas en place. Il faut à la fois les
travailler de visu et d’après votre
imagination. Esquissez rapidement
les nuages et peignez-les à partir
d’autres environnants.
10. Bien s’exposer
Si vos peintures sont beaucoup 17. Faire des choix
plus sombres à l’intérieur qu’à Ne cherchez pas la reproduction
l’extérieur, essayez de placer votre du point de vue à l’identique.
support à peindre et votre palette Faites des choix dans la
à l’ombre et non exposés au soleil. représentation : il est impossible
de tout peindre et, quand bien
11. Adapter même cela serait possible, ce
la taille du support serait insensé. Tout n’est pas
Peindre des sujets simples sur intéressant à peindre. Effectuez des
de petits formats. Inversement, modifications au besoin. Attention,
plus le sujet est complexe, plus celles-ci doivent toujours se faire
le support à peindre doit être grand sur une base de justesse.
pour une meilleure lisibilité.
18. Ne pas oublier
12. Privilégier la météo
l’asymétrie Jetez un œil au temps, la veille.
Évitez les compositions
symétriques. Situez le centre 19. Donner
d’intérêt selon la règle des tiers de la profondeur
et privilégiez l’asymétrie Pour une meilleure illusion de
pour dynamiser votre peinture. profondeur, réduisez la taille des

COMPOSITION TEMPÉRATURE AMBIANCE LUMIÈRE
8 points clés pour

aborder le paysage
Peintre paysagiste américaine, LaVone Sterling aime rendre sa Californie dans des tons chauds
et lumineux. Elle nous livre les 8 points essentiels pour aborder un paysage… en toute sérénité.
chaleur du soleil. Le chemin similaires. La scène se définit

était ancien et à moitié dans par l’utilisation d’une seule
l’ombre d’une colline invisible. couleur, d’une forme et d’une
J’ai senti que beaucoup de ligne répétitives. Dans cette
personnes avaient emprunté peinture, les lignes verticales, dans
cette route, peut-être pour le premier plan herbeux, dirigent
un voyage ou un retour chez soi. l’œil vers le haut, reposent sur
C’était en tout cas mon sentiment. des traits horizontaux, se déplacent
Et je ne pouvais qu’espérer dans les arbres et s’arrêtent ensuite
que cela susciterait une émotion dans les maisons et descendent
similaire chez le spectateur. le chemin pour répéter le scénario.
3. Garder l’œil MATÉRIEL

du spectateur • J’utilise du papier
sur la peinture sablé contrecollé pour
Dans Taking A Moment, l’œil suit les peintures de paysage.
le chemin et finit par se reposer sur • Mes marques de
l’horizon éclairé par le soleil. L’arbre papier sont : Uart 400 g,
sombre et les buissons de chaque Ampersand Pastelbord et
Morning Sun.
côté du sentier aident à garder l’œil mon propre papier maison.
en mouvement sur toute la feuille. • Les marques de pastels
Dans There Is no There, There, que j’utilise sont : Sennelier,
1. Les règles composition sont subjectives. Elles dont le titre est une citation de Girault, Rembrandt,
de la composition ne sont là que pour nous guider. Gertrude Stein à propos d’Oakland, Great American, Schmincke,
J’ai une règle simple qui ouvre en Californie (« Là-bas, il n’y a Terry Ludwig et Blue Earth.
la voie à la composition de 2. L’ambiance pas de là-bas ») la composition • Choisir le bon papier
la plupart de mes peintures de d’une œuvre et l’harmonie des couleurs sont pour un paysage
paysage. Tout d’abord, je fais Pour moi, la peinture ressemble est très important pour
des marques de crayon sur le bord beaucoup à la méditation. le résultat final.
de ma feuille : quatre marques en Le besoin de peindre provient
haut et en bas, qui indiquent des d’un appel intérieur profond.
lignes verticales. Ensuite, je place Peut-être que l’ambiance naît
quatre marques de chaque côté du quand les autres voient mon
papier qui indiqueront des lignes travail et éprouvent leurs propres 4 La lumière pour
horizontales. Cela crée une grille émotions. Cela me rendrait en tout unifier le paysage
imaginaire. En utilisant cette grille, cas heureuse. Lorsque j’ai peint Je ne pense pas à ce qui fait
There is no There, There.
je décide où je vais mettre Long Road Home, j’ai pu sentir la un beau paysage ou même si ce
mon point focal et où je placerai que je peins sera beau. Je choisis
ensuite les lignes et les formes. mon sujet parce qu’il y a une
Tous les autres éléments, comme magie qui m’inspire et me fascine.
l’espace, l’équilibre, le mouvement, Je trouve cette magie quand le soleil
la couleur et la valeur, s’inscrivent illumine le paysage et en raison de
dans le cadre de cette conception. l’effet qu’il a sur la couleur et sur
À mon avis, les « règles » de tous les éléments. La lumière est
46 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE Long Road Home.

The Gathering.
6. Une boîte pour
donner une seconde
chance aux peintures !
Savoir quand une peinture est
terminée est le dilemme de
chaque artiste. Écouter la voix
intérieure qui crie « stop ! »
ne fonctionne pas toujours.
Bien sûr, j’ai des peintures que
l’élément commun et harmonieux j’ai beaucoup trop travaillées.
qui unit la couleur et la température. Beaucoup d’entre elles ont
Dans The Gathering et On A Clear fini à la poubelle. Ensuite, j’ai
Day You See See Forever, la source commencé à mettre les pastels
de lumière est similaire, même qui ne me donnaient pas entière
si la couleur locale dans chaque satisfaction dans une boîte, au
peinture diffère. Dans The Gathering, lieu de les mettre à la corbeille.
la scène se déroule dans la matinée Cela m’a donné la distance et
et l’herbe verte brille dans la lumière l’objectivité dont j’avais besoin
du soleil avec une couleur de beurre. et la peinture avait une seconde
Dans On A Clear Day You See See chance. C’était une manière
Forever, qui est également baignée simple – mais pratique – de ne pas
d’une lumière du milieu du matin, surcharger (ou de détruire) ce qui
le paysage a des touches de brun aurait pu être une bonne peinture.
et d’or riche. L’élément commun ici Mid Day Hike, par exemple, est
est la lumière. une peinture qui a été sauvée par
la boîte ! C’était une peinture de 7. Gérer à apparaître et je voulais capturer le
35,5 x 45,7 cm sur mon papier fait les changements changement sans perdre l’humeur
maison. Au moment du réexamen de lumière mystique du brouillard persistant.
de la peinture, j’ai réalisé qu’il y La lumière change rapidement J’ai d’abord pris plusieurs photos.
avait une partie qui pouvait être lorsque l’on peint un paysage Puis, en plissant les yeux, j’ai pu
sauvée. J’ai donc placé un verre en plein air. Pour faire face à cela, simplifier les formes et les dessiner
transparent de 28 x 35,5 cm sur je fais des notes sur la source, la sur le papier. Une fois le dessin
le pastel, en le déplaçant pour direction et la couleur de la lumière, terminé, j’ai passé une couche
obtenir la bonne composition. et je prends également plusieurs préparatoire d’aquarelle, en mettant
On A Clear Day You See See Forever.
Ensuite, j’ai coupé les parties de photos. Ces photos servent de l’accent sur la couleur locale. Une
la peinture qui ne fonctionnaient compléments et aident à fournir les fois cette couche de peinture sèche,
5. Le choix de pas. Ce qui restait était une détails ou les corrections dont je j’ai appliqué le pastel, d’abord
la température pièce verticale, avec un horizon pourrais avoir besoin plus tard. Je dans les zones les plus sombres.
et les ambiances surélevé et un parterre de plantes compte sur la mémoire visuelle et Pour atteindre le brouillard lointain
de couleurs du désert. Cet ajustement a celle de mes émotions pour garder et la perspective, j’ai utilisé un
L’heure du jour et les conditions réussi à renforcer la présence la représentation la plus fraîche et bâton pastel lavande Rembrandt,
météo influent sur la température de la peinture et à éliminer les la plus claire possible de mon sujet. avec une touche de vert pâle, en
de la lumière et sur l’harmonie éléments indésirables… Du coup, Dans Long Road Home, je voulais passant des glacis très légers.
des couleurs. L’ambiance, dans la j’ai décidé de la garder ! capturer la lumière qui brille sur le Ensuite, j’ai pris un bâton pâle gris
plupart de mes peintures, est celle paysage. J’ai donc commencé par clair et j’ai juste passé un voile
de la paix distillée par la nature. rapidement déposer les tons chauds transparent de couleur sur certains
C’est cette émotion prédominante vert-jaune dans les zones les plus arbres. Cette technique fonctionne
qui prévaut dans les deux pastels légères et mes plus beaux bleus bien pour suggérer l’illusion de
Morning Sun et A Morning In June. dans les zones les plus sombres. la distance.
Si je devais choisir une saison Une fois que ceux-ci ont été établis, Avec la collaboration de LaVone
préférée pour peindre, ce serait j’étais libre de poursuivre avec Sterling. Texte : Laurent Benoist
le printemps. J’adore la fabuleuse mon harmonie colorée.
sélection de verts que les pastels
secs offrent. Mes amis artistes 8. Rendre les effets
m’appellent « la reine du vert » de brouillard
et cela me fait rire ! Dans Through The Misty Fog, j’ai
utilisé le papier sablé contrecollé
Uart 400 g. J’avais peint sur la plage
près de Santa Barbara, en Californie,
mais je me suis déplacée dans un
endroit intérieur, c’était au milieu de
Mid Day Hike. la matinée et le brouillard avait tout
A Crooked Path.
humidifié. Le soleil avait commencé
Morning Sun.
ATMOSPHÈRE DÉGRADÉS VOLUMES FONDUS
Réussir ses ciels

Couleurs et gestes
Combien de fois êtes-vous resté(e) en admiration devant un ciel magnifique, avec une seule envie :
traduire en peinture ce que vous avez ressenti? Je vous propose ici, à travers les photos
de quatre météos particulières, de parvenir en quelques couleurs et gestes essentiels à rendre
ces ciels emblématiques.
Ciel d’orage Ciel ensoleillé avec

Pour ce ciel lourd et orageux, dans nuages de traîne
lequel les nuages s’accumulent, je Pour rendre une atmosphère
vais utiliser de l’outremer mélangé chaude, utilisez des couleurs
à du céruléum, du noir et du blanc. lumineuses, créez des contrastes
et évitez les tons rompus.
2. Je reprends par le haut au bleu

clair et exécute mes touches
2. Je peins les nuages du premier en diagonale. J’alterne le sens
plan en gris plus foncé et fonds les des touches d’après le mouvement
couleurs. Je les sépare par quelques des nuages.
lignes gris clair. Je n’estompe pas.
1. Je réserve une surface blanche

en haut à gauche pour la lumière. 1. En commençant par le haut, 3. Avec une brosse synthétique,
Je peins un premier dégradé de gris je pose un mélange de bleu de je peins de petits nuages ronds
bleuté, le plus foncé en bas. 3. Je pose un gris foncé à la base céruléum et d’outremer, puis au fond pour augmenter l’effet
des nuages pour assombrir rajoute du blanc directement dans de perspective.
l’atmosphère. J’étire la couleur. la couleur au fur et à mesure que
je descends vers l’horizon.
4. Je souligne quelques petites lignes 4. Avec de l’ocre jaune, je marque

de nuages foncées à l’horizon puis, le champ de sillons plus foncés
avec du noir coloré de vert de Hooker, en diagonale. J’ajoute quelques
Texte et photos : je peins la ligne de végétation. meules de paille.
Marie-Pierre Le Sellin

Ciel menaçant
Ce nuage impressionnant est
typique d’un ciel d’été avec
l’orage qui monte et la pluie qui
se profile à l’horizon. Utilisez
des couleurs pures sans trop les
mélanger, afin de créer la chaleur
d’une journée d’été.
3. Je reprends les fondus de gris

si nécessaire, croise les touches
et travaille dans la matière.
Ne foncez pas trop les nuages :
la lumière vient du dessus, même
si le soleil est caché. Ciel enflammé
Cette scène paraît presque irréelle
par les contrastes de couleurs
qu’elle nous impose.
Pour conserver cette ambiance,
osez les couleurs fortes telles
que l’orange de cadmium et
1. J’esquisse rapidement la ligne le bleu foncé. Ne fondez pas trop
d’horizon, puis la masse importante vos teintes, mais juxtaposez-les.
de ce gros nuage. Je commence par
peindre le bleu du ciel autour du
nuage. J’utilise du bleu de céruléum
en haut et la même couleur très 4. Pour la plaine, une couche
éclaircie en bas et entre le nuage uniforme d’ocre jaune et de blanc,
et l’horizon. puis un peu de vert de Hooker 2. Je pose les bleus et augmente
mélangé à du jaune figurent la dose de noir dans mon mélange
les champs au lointain. Ne travaillez pour foncer le coin de gauche.
pas dans le détail mais soignez
la perspective et le sens des haies 3. Je reprends le violet clair entre
et des champs. les nuages orangés pour
1. Je commence par l’horizon harmoniser l’ensemble. J’ai besoin
MATÉRIEL très clair avec du blanc teinté d’un peu de recul pour retravailler
de céruléum. Je travaille du clair les nuances. Je ne suis pas encore
Couleurs acrylique au foncé en montant peu à peu satisfaite des nuages orange et
de votre choix les tons. Je place d’abord les roses je pense en ajouter quelques-uns.
Crayon graphite HB et les orangés très vifs.
Gomme mie de pain
Palette (assiette
en carton)
Chiffon
Deux grands pots d’eau
Pinceaux brosses
synthétiques petit
et moyen
1 pinceau rond n° 2
Raphaël série 8404
2. Puis, sans attendre, je pose Couleurs : blanc, noir,
un gris bleuté assez foncé dans bleu céruléum, bleu
outremer, magenta,
la partie basse du gros nuage que orange de cadmium,
j’étire sur la droite. Je mélange jaune citron, vert de
du blanc dans cette couleur Hooker, ocre jaune,
et je remonte vers le sommet terre de Sienne.
du nuage en plaçant les volumes
principaux.

Réussir ses ciels
Un ciel de Charente Zoom

sur les fondus
Je n’utilise pas beaucoup
à deux moments de la journée d’eau afin de ne pas trop

délayer les couleurs et
travailler dans la matière.
Je juxtapose le jaune,
Ce petit chemin où je me promène souvent avec mon chien s’appelle l’orange et le rose. J’essuie
le chemin de Traine-Bôts (abréviation de « sabot » en charentais). mon pinceau et, à sec,
J’aime beaucoup ce nom très poétique… Un sujet simple pour je croise les touches les unes
dans les autres, de manière
deux instantanés sous des lumières différentes. à faire s’interpénétrer
MATÉRIEL les couleurs. Je n’appuie pas
car je ne veux pas enlever de
Lever de soleil Crayon graphite HB la peinture, mais seulement
Pour cet exercice, j’ai choisi de Gomme mie de pain l’étendre. Travaillez vite et,
peindre le petit chemin entre Palette (assiette si vous n’êtes pas sûr(e) de
en carton) vous, faites des essais au
les vignes qui se situe au bout préalable sur un morceau
de mon habitation. À cet endroit, Chiffon de papier brouillon.
l’horizon est dégagé et c’est là 2 grands pots d’eau
que je réalise les plus belles Pinceaux brosses
photos de ciel. synthétiques petit
et moyen
1 pinceau rond n° 2
Raphaël série 8404
2. À cette étape du travail, appliquez Palette : blanc, noir, bleu
vos couleurs en les juxtaposant, céruléum, bleu outremer,
magenta, orange de
fondez-les légèrement mais sans cadmium, jaune citron,
affiner. Travaillez rapidement. vert de Hooker, ocre
Je remonte progressivement vers jaune, terre de Sienne,
le violet puis le bleu. Rajoutez violet.
encore un peu de blanc dans
vos couleurs.
3. Lorsque le ciel est fini, je peins

le petit chemin. Le jour n’est pas
complètement levé, donc la lumière
est bleutée : je pose un mélange
de bleu de céruléum, d’outremer
et de blanc sur le chemin, puis
un mélange de vert de Hooker
et de noir pour la végétation.
Quelques touches de jaune dans
le vert éclairciront l’horizon.
1. Sur l’esquisse au crayon, je mets

rapidement en place les couleurs,
Travaillez
puis fais un deuxième passage
pour les fondus. Les couleurs
vite et, si
s’organisent en dégradés comme
sur un arc-en-ciel. Je pose en bas
vous n’êtes
les couleurs claires : jaune, orange, pas sûr(e) de
rose et y rajoute un peu de blanc
pour les rendre plus couvrantes vous, faites
et faciliter les mélanges.
Surtout dans le jaune et le rose des essais
car ces deux pigments sont
transparents.
au préalable.

Milieu de journée,
ciel nuageux Acrylique et huile
J’ai opté pour un ciel chargé de L’acrylique séchant très vite, vous pouvez ajouter un peu de médium
nuages qui est plus intéressant retardateur de séchage ou travailler avec une peinture épaisse.
qu’un ciel uni bleu. J’ai effectué Ne cherchez pas à économiser de la peinture, vos mélanges
un montage à partir de sécheraient trop vite et vous seriez obligé(e) de refaire de
deux photos. Je trace la ligne la couleur sur votre palette. Pour ceux qui posséderaient des tubes
d’horizon et j’esquisse les formes de peinture à l’huile, je conseille souvent de réaliser cette dernière
des nuages. Pour respecter étape à l’huile, afin de pouvoir travailler les fondus sans stress
la perspective dans le dessin, et tranquillement.
je place les gros nuages au premier 2. Je reprends les nuages. Attention ! Vous pouvez toujours travailler à l’huile sur l’acrylique,
plan et je diminue leur taille Je respecte leur volume en fonçant mais jamais à l’acrylique sur l’huile !
au fur et à mesure qu’ils s’éloignent le dessous et en dégradant ce gris-
dans le paysage. Cela me bleu dans le blanc du dessus. Éclaircir une couleur
permettra de créer de la profondeur Observez bien leurs formes, Lorsque vous voulez créer une couleur claire sur votre palette
dans mon tableau. certains sont ronds, d’autres plus sans en fabriquer une trop grande quantité, posez d’abord le blanc
étalés. Le dessous des nuages et ajoutez-lui progressivement de petites touches de couleur.
est plat, pensez que l’air et le vent Si vous commencez par poser la couleur à éclaircir et que
les sculptent et passent dessous, vous lui ajoutez le blanc en second, vous allez vous retrouver
ce qui leur donne cette forme avec suffisamment de couleur pour peindre plusieurs toiles !
particulière. Pour obtenir le gris Je le dis à chacun de mes cours mais, à chaque fois, plusieurs élèves
bleuté, je mélange de l’outremer et font cette erreur !
du bleu de céruléum avec du blanc
et une pointe de noir. Appliquez
le noir en dernier car il a un pouvoir
colorant très fort.
Je ne rentre pas dans
les détails. La lumière
m’intéresse davantage.
3. Une fois le ciel sec, je peins

le chemin. J’utilise du blanc
et une pointe de terre de Sienne
naturelle pour la terre au sol.
Pour l’herbe, je mélange du vert
de Hooker avec un peu de jaune
et de blanc. Par cette belle
1. Je commence par le bleu en haut journée, le soleil illumine toutes
à gauche et je continue à peindre les couleurs. N’oubliez pas que
le ciel entre les nuages. Je ne vous devez essayer de rendre
débute pas par les nuages car, l’atmosphère de la photo.
comme le support est blanc, Pour les vignes et les arbres de
j’aurais tendance à trop mettre l’arrière-plan, j’utilise de la terre
de couleur à l’intérieur pour les de Sienne et un peu d’ocre jaune.
faire ressortir sur le fond. Il faut Je pose un peu de vert foncé
laisser la lumière s’y refléter. (vert de Hooker et noir) à gauche
J’utilise un mélange de bleu du chemin pour créer un creux et
de céruléum et de blanc et j’ajoute montrer ainsi que le chemin est
de l’outremer en haut pour donner au-dessus des vignes. Cette simple 4. Le long du chemin, je pose quelques touches de terre de Sienne
de la profondeur. Une pointe de noir ligne verte y réussit très bien, sur le vert et de vert foncé pour accentuer le volume de l’herbe.
dans ce mélange rend compte de inutile de se compliquer le travail ! Je finis par quelques lignes blanches pour peindre les piquets au bout
l’aspect bleu-gris de l’horizon. des rangs de vigne, ainsi que des touches de terre d’ombre brûlée
au sol pour figurer des ombres.

TEMPÉRATURE VALEURS COULEURS TEINTES
Contrastes chaud-
froid pour dynamiser
un paysage
C’est aux mois de mai-juin, et pour quelques semaines seulement, que les champs se couvrent
de coquelicots du rouge le plus ardent. Un moment très court à saisir au pinceau, comme nous
le montre Sergueï Toutounov, que nous avons suivi sur le motif.
MATÉRIEL
Matériel
Support : planche
d’Isorel enduite et poncée.
Pinceaux : brosses plates
et rondes en soies de porc,
pinceau usé bombé en poils
de mangouste, pinceaux
ronds fins en martre.
Palette
Couleurs à l’huile :
blanc de titane, noir d’ivoire, 2. Je démarre avec le ciel : un bleu 4. Je pose les grandes masses au
bleu de cobalt imitation clair sur la ligne d’horizon, qui pinceau large, dont les poils fermes
(plus fort que le véritable), devient plus soutenu en montant. suggèrent l’herbe. J’affine valeurs
jaune citron clair et jaune
de cadmium moyen (pour Je donne une nuance plus violacée et traitement au pinceau plus fin.
la vivacité), rouge de à ce bleu et pose la colline dans Devant, le bord de la route est peint
cadmium, orange, laque de le lointain. d’un mélange ocre et de blanc.
garance foncée, vert armor
(phtalo), vert olive, vert
anglais, ocre.
5. Je pose enfin les coquelicots

au rouge vif, que je nuance avec
1. Quelques traits de crayon pour fixer 3. J’attaque les tons verts qui un ton plus clair pour les lumières.
ma composition, quelques coups demandent toujours un peu L’effet de contre-jour entraîne
de pinceau pour définir mes plans, de réflexion : température un arrière-plan clair et un premier
Texte et photos : Stéphanie Portal et je peux partir avec la couleur. et valeur se décident selon plan sombre, d’où des tons plus
Avec la collaboration la distance et le motif, d’où soutenus.
de Sergueï Toutounov
des variations vers le rouge,
le jaune ou le bleu.
6. Je reviens
sur la verdure
avec un vert
plus clair et
plus chaud
pour suggérer
une vibration
dans les arbres
et le premier
plan. Je me sers Mes conseils
d’un pinceau Les coquelicots se
abîmé pour peignent le matin :
donner cet effet l’après-midi, ils tombent.
irrégulier Il vous faut donc localiser
l’endroit à l’avance et
d’herbe et vous y rendre en début
de feuillage. de matinée.
7. Arrivé à ce stade, je retourne mon chevalet et place
le tableau au soleil. Je prends le temps d’examiner
les couleurs, plus « vraies » en plein soleil. Tout est là
(couleurs, éléments) : il me faut trouver le moyen de donner
plus de rythme à l’ensemble et choisir, parmi mille éléments,
8. Je décide ceux que je vais mettre en valeur.
de revenir sur
le principal
sujet du
tableau :
les fleurs.
Je suggère
la double Équilibrez vos tableaux
épaisseur en différenciant les coins :
des pétales par clair d’un côté, sombre
deux nuances de l’autre. Une règle
de plus, l’une fondamentale en peinture.
plus claire Pour avoir toujours
des couleurs propres,
et l’autre plus nettoyez la palette en
sombre. Sur milieu de travail.
la peinture
encore fraîche,
je dépose Recomposer
la couleur avec son tableau
légèreté, sans Une fois que tous
étaler. les éléments sont placés,
il est bon de se détacher
9. Les arbres de la copie servile de
la nature et de faire
et le village des choix : quels sont
au loin peuvent les éléments qui forment
gagner en véritablement le sujet
définition et comment les mettre
grâce au petit en valeur pour donner du
pinceau. rythme, de la vibration et
Au plan de l’intérêt au tableau ?
intermédiaire, Le but est de faire quelque
je suggère du chose de beau, donc
colza blanc, il ne faut ne pas hésiter
que j’adoucis à recomposer avec
les formes.
au doigt pour
en accentuer
la profondeur.
Enfin, quelques
nuages rendent
le ciel plus
intéressant.

POINT FOCAL LIGNES VALEURS HARMONIE COLORÉE
Composition
Texte et photos :
Laurent Benoist alla prima
C’est dans les paysages des Alpes-de-Haute-Provence que Pascal Giroud donne libre cours
à sa passion pour la peinture, lumineuse et alla prima. Peintre d’atmosphère, il nous confie
ses règles pour recomposer un paysage, s’affranchissant souvent de la ressemblance au sujet.
Un paysage des Alpes-

Ma palette de-Haute-Provence
Mes couleurs sont organisées
en arc de cercle depuis les tons
chauds vers les tons froids.
J’utilise trois blancs distincts
(tous des blancs de titane, le plus
couvrant), un pour mélanger
les couleurs chaudes, un autre
pour mélanger les couleurs 2. Le dessin au fusain
froides, enfin un troisième J’esquisse les grandes masses
pour l’élaboration des verts. de la composition au fusain.
Cela me permet de garder Comme je n’utilise pas de fixatif progressivement dans les plans.
des blancs propres pendant tout Le sujet – car la pâte a tendance à ne pas L’avantage de commencer ainsi est
le processus de travail. Ma palette Une photo prise à l’occasion accrocher sur une surface traitée que l’on peut toujours se référer au
est toujours constituée des d’une promenade sur les hauteurs au fixatif – j’évite d’avoir un trait ciel pour harmoniser ses couleurs,
mêmes teintes de bases, quel que de Noyers-sur-Jabro, un petit trop prononcé. Ce dessin me donne il demeure une sorte de référent.
soit le sujet abordé. Je ne prépare village proche de Sisteron. les grandes lignes directrices.
pas mes couleurs au préalable, La lumière du ciel d’orage est très 5. Les premiers verts
je les fabrique au fur et à mesure.
particulière. La lumière forte sur
un pan de la façade ne correspond
pas forcément à la lumière
ambiante dans le ciel. Si cela
fonctionne très bien en photo, cela
demande néanmoins d’être rectifié
en peinture. Sinon la lumière du
ciel risque de ne pas correspondre
à celle, latérale, qui éclaire le sujet.
Mon choix 3. Le point focal
de pinceaux 1. La préparation Je commence par la façade, Le seul vert déjà mélangé que
du support le point focal. Je laisse par endroits j’utilise est le vert émeraude.
Pour ce tableau, je ne Je peins sur deux supports : la toile transparaître le bois, pour apporter Les verts à la sortie du tube ne
peins qu’avec des brosses, et le panneau de médium. Chacun des textures. C’est dans cette sont jamais ceux que l’on peut
des pinceaux assez purs dans
le traitement de la touche. Les possède ses caractéristiques zone autour du point focal que trouver dans la nature. Soit je
empreintes de pinceau apportent propres et ses avantages. je déterminerai mon harmonie et procède à mes propres mélanges,
des textures, quitte à revenir Je prépare mes toiles au préalable mes températures de couleurs. soit je les romps ou les casse avec
ensuite fondre quelques touches. avec de la terre de Sienne. Pour Une fois ces problèmes réglés, des couleurs complémentaires qui
En règle générale, j’évite de les panneaux, je tire profit de je rayonne autour du point focal. l’atténueront. Lorsque je place un
prendre trop de pinceaux. J’essaie la teinte naturelle du bois. Je passe vert à un endroit de la composition,
de garder une uniformité de simplement une couche de Caparol 4. Le ciel je prends soin – pour des raisons
texture sur tout le tableau, ce qui transparent au rouleau, afin d’avoir Je commence généralement d’harmonie globale – de le disposer
contribue à l’unité d’atmosphère. le moins d’aspérités possibles. par le ciel, avant de descendre à d’autres endroits également.

Les règles que je respecte
l D’un point de vue technique, comme je peins alla prima, je n’ai pas à me
soucier de la problématique du gras sur maigre, excepté lors du premier jus
sur ma toile qui se fait à l’essence de térébenthine. Et sur lequel je superpose
ensuite un médium plus gras.
l Je suis vigilant quant à la préparation des supports, et j’affectionne
particulièrement les panneaux de bois. Je les apprête avec des enduits
acryliques, du Caparol notamment, car il est transparent et me permet de
conserver la couleur originelle du bois.
6. Le travail il n’y avait que des masses, nous l Peindre alla prima me laisse beaucoup de liberté d’action. Je mets peu
de peinture avons désormais des formes de peinture, je peux donc modifier mes teintes facilement : si une partie
Une fois le sujet posé et tous que l’œil reconnaît comme ne convient pas, je l’efface avec du white-spirit et recommence. Avec
la pratique, mon geste et ma pratique se sont libérés, la peinture me fait
les éléments en place, les ombres telles. Ce dernier interprète et moins peur et chaque toile est commencée avec moins d’appréhension.
et les lumières, le vrai travail reconstruit l’information. Peu de
du peintre commence ! Je peux détails suffisent. En réalité, ce Les trois types de composition
également laisser plus de place à sont les détails qui vont guider Lorsque je peins, j’ai recours à trois formes de composition qui se
l’improvisation. À partir de ce stade, l’œil du spectateur. Mais il ne faut succèdent. Chacune doit
je ne regarde plus le paysage en pas que chaque détail placé soit être solide car chacune
photo, mais le travail en cours. trop évident. Aussi, bien souvent, a son importance.
Pour ne pas céder à la tentation à l’aide d’une brosse sèche, je le
d’avoir systématiquement recours fonds, une fois qu’il est posé. l La composition en ligne :
à la photo, j’éteins mon ordinateur. Je structure mon sujet
Il ne faut pas dépendre de la photo. Final par des lignes représentant
Sur le motif aussi, je procède ainsi. À ce stade, à moins de voir de les masses principales
Il arrive un moment où je peux gros défauts qui nuisent à la et je vérifie si l’ensemble
même tourner le dos au motif. cohésion générale, je mets de côté est cohérent et équilibré.
mon travail. Je le laisse reposer
une nuit, afin d’avoir un regard
neuf, car au bout d’un moment, l La composition en
mon œil sature. Je termine par fonction des valeurs :
un vernis à retoucher. Cela permet Je mets en place
aussi de masquer les embus les parties sombres en
liés au séchage, les couleurs ne réservant les parties
séchant pas à la même vitesse. claires. À ce stade, je ne me
Une toile est-elle jamais vraiment préoccupe pas des couleurs,
terminée ? On pourra toujours y voir je reste monochromatique
7. Les détails des choses à modifier. Cependant, et je vérifie si l’ensemble
apportent de la vie lors de la phase finale, lorsque des lignes, des masses et
des valeurs s’harmonisent
À l’aide d’un pinceau fin, je je pose les détails, si je sens qu’ils entre elles. Ces deux étapes
réalise piquets et troncs. Le fait alourdissent le tableau, alors je sais sont fondamentales.
d’ajouter des détails donne de la que ma toile est finie.
vie au tableau. Là où auparavant
Ciel l La composition
par harmonie colorée :
Je débute souvent par
Arrière-plan le ciel car il est déterminant
pour l’ambiance générale.
Je continue par l’arrière-plan
Point focal pour descendre jusqu’au
plan intermédiaire
premier plan.
Premier plan
Faut-il peindre avec des verts déjà prêts

ou effectuer ses propres mélanges ?
Je fabrique systématiquement mes verts. J’utilise un seul vert sur ma palette
(le vert émeraude). Ce vert n’est pas exploitable seul car sa couleur naturelle
est très éloignée de celle que l’on peut trouver dans un paysage. Je m’en sers
comme base pour créer le vert désiré en ajoutant une ou plusieurs couleurs
selon la teinte voulue. Pour les verts plus froids, je pars d’un mélange de
bleus (outremer, cobalt) et de jaune (cadmium clair ou moyen).

Maître Pincelier
depuis
1793
AQUARELLE
KOLINSKY SYNTHETIQUE
Raphaël a conjugué ses 230 ans de savoir-faire

et les nouvelles technologies pour créer cette nouvelle
fibre synthétique qui imite le kolinsky à la perfection.
Excellente mémoire de forme

Grande capacité de rétention
Une pointe parfaite
Un assortiment de 6 formes, 37 références dont 1 pinceau de voyage
Repique Sabre Coudé Plat Rond Rond Pinceau

pointe fine pointe fine de voyage
effilée
www.raphael.fr Pinceaux.Raphael raphael_brushes 100%

Fait-Main
CHAPITRE 3
Rencontres
▶ Natalia Polikarpova
L’âme des paysages (pastel) P. 58
▶ John Wilson
Voyages en terres
australiennes (huile) P. 64
▶ Judith Bergerson
Paysages imaginaires
(techniques mixtes) P. 70
▶ Marie-Christine Coupillaud
La vie silencieuse
des espaces infinis (pastel) P. 76

PAYSAGE
Pastel
MA
MÉTHODE
DE TRAVAIL
J’essaie de travailler
tous les jours.
Quand je me réveille
le matin, j’imagine
mon nouveau travail
et j’y pense. Je le garde
dans ma tête jusqu’à
ce que je commence
à dessiner. Je prépare
un café, je m’assieds
derrière mon chevalet
avec une tasse de
café, je regarde une
feuille de carton
vierge et je commence
à dessiner dans
ma tête l’image à
venir en travaillant
chaque étape. C’est
pour moi le moment
le plus important
dans la création
d’un nouveau pastel.
À ce stade, il est
important de ne pas
être distraite. C’est là
que je vois mon futur
tableau mentalement.
Je travaille sur
toutes les nuances
techniques, les détails
et la séquence de
travail, pas à pas.
Je comprends où
il pourrait y avoir
des passages difficiles
et comment je
dois les résoudre
techniquement. Je ne
suis jamais pressée, à
cette étape… Je sais
qu’il s’agit des trois
quarts de la réussite
de mon futur pastel !
Et c’est seulement
quand j’ai fait tout
cela que j’allume
la musique et
que je commence
mon dessin. Le reste
est pour moi, comme
j’aime à le décrire
en plaisantant,
« une affaire de
technologie » ! J’ai
acquis cette habitude
en travaillant à
l’aquarelle dans
l’humide.
Toile d’araignée. 2022.

Pastel sur papier, 65 x 45 cm.

Natalia Polikarpova
Texte : Elsa Parra
Photos : D. R.
L’âme des paysages

Subtils et profonds, les sujets de l’artiste russe PORTRAIT
Natalia
sont autant de visions personnelles d’une amoureuse Polikarpova
instinctive de la nature et de la couleur. vit et travaille
à Belozersk,
dans la région
Pratique des Arts : Comment êtes- rimenté cette technique. Mais je fais de Vologda, en
vous venue au pastel ? confiance à mes rêves. Et je me suis Russie. Elle est
diplômée de
Natalia Polikarpova : C’est une his- dit : « J’y vais ! Le pastel l’a décidé ! » l’école d’art de
toire assez intéressante… Une his- la faculté des
toire de hasard et de désir, suivi de PDA : Et vous avez franchi le pas ? arts visuels
créativité. Une nuit, je rentrais tard et N. P. : Tout naturellement. J’ai acheté et des arts
décoratifs de
je me suis endormie dans ma voiture. une boîte de pastels secs, deux feuilles l’université
J’ai rêvé que je devais peindre au pas- de papier et j’ai réalisé mon premier d’État de
tel. Je me suis réveillée et je me suis tableau. Et au fond, j’ai senti que c’était Cherepovets.
demandé : « Et pourquoi pas le pas- mon matériau. Depuis, je n’ai jamais Entre 2015 et
tel ? » Jusque-là, je n’avais pas expé- arrêté de peindre au pastel. Je sais 2018, elle travaille comme cheffe de
l’équipe créative et enseignante dans
son propre atelier d’art à Naryan-
Mar, dans le district autonome de
Route vers la lumière. Nenets. Elle y crée une manifestation
2022. Pastel sec, 50 x 50 cm. artistique, Le relais du bien, en
2017, puis organise une exposition à
vocation caritative. Depuis 2014, elle a
participé à de nombreuses expositions
en Russie et à l’international, en
France, en Chine et au Canada.
FB : Natalia-Polikarpova
Instagram : nataly_beloart
pratiquer plusieurs techniques, dont

l’huile, l’aquarelle, acrylique, le mode-
lage en argile mais, maintenant, je ne
travaille qu’au pastel sec.
PDA : Pourquoi êtes-vous attirée par

le paysage ?
N. P. : En effet, le thème principal de
mon travail est le paysage, la nature.
Fondamentalement, je choisis des
endroits reculés, où très peu de
gens vont… Là, la nature a conservé
sa beauté et sa pureté immaculées.
J’affectionne vraiment les pierres,
l’eau et les arbres de la forêt. J’aime
les observer à différentes saisons et
les représenter dans mes œuvres.
PDA : Quels sont les défis à relever ?

N. P. : L’un des objectifs de mon travail
est d’amener le spectateur sur le thème
de la conservation de la nature à son
état brut, non affectée par l’homme. La
nature nous donne l’occasion de nous

PAYSAGE
Pastel
MON PROCESSUS CRÉATIF
PEINDRE ET EXPOSER
Je travaille sur tout le motif en EN FRANCE
même temps. Je réalise le dessin En 2022, j’ai visité la France pour la première
au crayon et pose les premières fois. J’ai participé au Salon international
zones de couleur, puis je peins de Pastels d’Opale, au Salon de pastel
au pastel une petite partie du de Saint-Aulaye et j’ai exposé à la galerie
sujet, complètement, pour Miguel Vallon, à Vichy. Cette année, je serai
avoir de l’inspiration ; ensuite, je au Salon de pastels Occitanie, à Trèbes,
complète toute la composition au Salon international de peinture et de
progressivement. Mon style et sculpture, à Vittel et, les 3 et 4 juin 2023,
j’animerai un stage à Saint-Aulaye. J’ai aimé
la France au premier regard et au premier
souffle. C’est un pays extraordinairement
beau, différent de mon pays d’origine et
très intéressant pour moi, en tant qu’artiste
et en tant que personne.
J’ai été impressionnée par tout, la nature,
les paysages, l’architecture, l’histoire et, bien
sûr, les habitants. J’ai rencontré de belles
personnes et je me suis liée d’amitié avec
des artistes pastellistes et des amateurs
de pastels. Et je suis extrêmement heureuse
de voir que ma créativité, mon style et
ma technique ont trouvé un large écho
peindre mes sujets rapidement, Mes pastels et qu’ils ont été appréciés. On me pose
dans un même élan, comme pour Mes pastels préférés, qui beaucoup de questions sur ma technique
exprimer toutes mes émotions à conviennent à ma technique, sont et on me demande des stages… J’aimerais,
la fois. Ensuite, je mets le travail des Sennelier et des Schmincke. à côté des salons et des expositions de
de côté, je l’étudie et, si je n’aime Ils sont très doux. J’utilise aussi pastel, me diriger vers l’enseignement.
pas quelque chose, je le corrige. des Rembrandt, pastels plus durs J’ai une formation artistique universitaire
L’un de mes meilleurs stimulants, dont j’ai besoin supérieure et une expérience dans
lorsque je suis au chevalet, c’est pour des détails l’enseignement de la peinture pour adultes
la musique ; je peins toujours subtils du et enfants. J’aime aussi le plein air, et en
en musique, que je choisis en paysage. J’utilise France, il est de multiples lieux attrayants
ma technique me permettent de fonction de mon humeur. Je peins peu de crayons, qui suscitent le désir de les peindre.
travailler rapidement. Je ne peins toujours debout. Pour moi, c’est préférant
pas sur toute la feuille, laissant le moyen le plus pratique. Pendant travailler
un espace libre. Cette méthode ce processus, je m’éloigne souvent avec des pastels. Je n’ai pas de
de travail, je l’avais également et regarde mon travail de loin, préférence dans ma palette de unir avec elle, de nous charger de son
lorsque je peignais à l’huile, l’étudie et corrige les inexactitudes, couleurs. Je travaille avec une gamme énergie, de ses forces et, en même temps,
à l’acrylique et à l’aquarelle ; s’il y en a. Je suis constamment large. J’aime chercher de nouvelles d’atteindre la paix, la relaxation complète.
je l’ai transposée au pastel et en mouvement. Et je vais révéler combinaisons de teintes. Ce qui C’est ce que j’essaie de transmettre dans
elle me convient bien. J’aime un secret : quand je peins, je danse ! fait que j’utilise presque toutes mes peintures. Par mon travail, je veux
travailler avec de larges touches J’ai un grand chevalet, qui a été les couleurs parce que je ne sais permettre à chacun de s’arrêter, de
et des taches de couleur, sans fabriqué spécialement pour moi. jamais où mes nouvelles recherches
trop de détails. De par ma nature regarder en arrière et de voir le monde
J’ai aussi un petit chevalet spécial vont me mener !
et mon tempérament, je dois qui nous entoure, de comprendre que
pour travailler dans la nature.
Mes supports la nature nous aime et que nous devons
Mes papiers sont d’une gamme l’aimer, en lui permettant de rester ce
plus large – Sennelier, Uart, qu’elle est et en prenant exemple surelle.
Pastelmat, Canson et Clairefontaine.
Le papier pastel teinté est un PDA : Vous aimez passionnément
élément important pour moi, peindre la nature…
qui utilise la couleur du support N. P. : Je la défends ardemment. J’aspire
comme base et partie de mes sujets. à ce que nous conservions notre envi-
Je choisis soigneusement la teinte ronnement dans sa beauté primor-
de mon papier. J’aime cette forme
d’inachèvement dans mes sujets, qui diale, que nous vivions à ses côtés et
donne au spectateur la possibilité que nous l’admirions. C’est quelque
de dessiner, de compléter le pastel chose que j’essaie toujours de repré-
mentalement, par lui-même. senter dans mes peintures. Je pense
que l’artiste devrait, dans une certaine
mesure, être responsable devant la
société, pour ce qu’il promeut dans
son travail. En 2022, en France, j’ai par-
ticipé à un ouvrage, Loup ! Où es-tu ?
Que fais-tu ? J’ai eu le plaisir de des-

À la loupe
Ma source d’inspiration
Fantaisie en tons bleu émeraude. Je suis toujours à l’écoute de ce que me dit mon âme
2022. Pastel, 35 x 50 cm. avant de commencer un pastel. J’ai entamé ce travail avec
mon expérience créative et ma technique. J’aime marcher
Il s’agit de l’un de mes pastels dans les bois, cela inspire ma créativité et me donne
préférés. Le choix du motif m’est beaucoup d’éléments pour mes futurs pastels. Le silence,
soufflé par mes promenades en le chant des oiseaux et la beauté tout autour…
forêt. Cette idée est née de mon
âme ; je savais que j’étais attirée
par le silence, la couleur pure et
la lumière chaude. J’ai donc peint
ce sujet dans un souffle, en
transmettant mon état intérieur.
La technique
employée
Rapidement, j’ai posé
quelques coups de crayon
et construit la composition.
J’ai commencé ensuite
à réfléchir au choix des
couleurs de ce pastel.
J’aime représenter dans mes
pastels le jeu et les liens
entre la lumière et l’ombre.
La couleur pure, pour moi,
est associée à des tons bleu
émeraude ; donc, la palette
de couleurs principales de
ce pastel est issue de ces
teintes. Je voulais vraiment
transmettre une ambiance
de lumière chaude, du relief,
pour attirer le regard du
spectateur ; la composition,
l’emplacement correct
de la ligne d’horizon et
la couleur contribuent à cela. La réalisation
Il y a une nette profondeur J’ai d’abord esquissé le sujet au crayon, en en dessinant les lignes principales. J’ai ensuite donné le relief, avec une lumière chaude
et une bonne harmonie et le ton principal du chemin. J’ai placé les troncs des arbres. J’ai marqué les endroits les plus sombres du feuillage et ajouté
des couleurs dans ce pastel. de grandes taches de couleur sur toute la composition. J’ai imaginé l’ensemble du sujet puis, comme à mon habitude, j’ai finalisé
une partie du tableau afin de m’en inspirer pour le travail ultérieur.
siner des loups, dans la nature, qui

d’ailleurs vivent dans ma région. Ce fut
une expérience créative intéressante
pour moi parce que je suis à 100 % une
peintre de la nature !
PDA : Peignez-vous plutôt à l’atelier

ou sur le motif ?
Silence. 2022.
N. P. : Je marche et voyage beaucoup, Pastel, 34 x 50 cm.
j’observe, je fais des croquis, je prends
des photos. Quand je me rends compte
qu’un endroit a ému mon âme, je com-
mence à penser, à créer une image. Dès
le début, cette image se crée dans ma
tête ; je dois la voir, sentir se former le
futur pastel et en imaginer la couleur
et la composition. Quand j’ai tout, je
commence à dessiner…
PDA : Comment affinez-vous, au fil

du temps, votre écriture artistique ?
N. P. : J’aime expérimenter des

PAYSAGE
Pastel
Mini-démo
techniques et des couleurs. Je me née par les paysages que j’ai vus. Ainsi,
délecte à trouver de nouvelles en souvenir de mon voyage en France,
gammes de couleurs et parfois combi- j’ai peint plusieurs paysages réalistes. Je
ner le « non-combiné ». J’aime les tona- suis perfectionniste ; j’ai une idée claire
lités très créatives, mais aussi travailler de ce que je veux en tant qu’artiste,
directement avec les couleurs des pas- donc je suis très exigeante envers moi-
tels, surtout quand je suis impression- même et dans mon travail. Et si mon
imagination ne se concrétise pas sur
le papier comme j’ai peint le paysage
HISTOIRES À SUIVRE… dans ma tête, je ne suis pas contente
Mes tableaux sont présents dans des galeries et quelques musées. de moi…
Je suis heureuse que des personnes choisissent d’accrocher l’un
de mes pastels dans leur lieu de vie. Je suis extrêmement touchée PDA : Quel est votre quotidien de
lorsque l’on m’envoie des photos de mon travail accroché, je vois peintre aujourd’hui ?
comment il s’intègre dans l’intérieur des acheteurs. Je partage N. P. : J’aime rencontrer de jeunes
toujours cette joie avec eux. Et, probablement comme pour tout
artiste, il est important pour moi que mes tableaux trouvent artistes, si désireux d’apprendre de
une nouvelle maison, qu’ils soient entre de bonnes mains, nouvelles choses, et je partage volon-
en un lieu où ils donneront une petite joie, ou une grande, tiers avec eux mes connaissances ; et
et susciteront des souvenirs de beaux moments de la vie. dans le cadre de mes expositions per-
sonnelles, j’organise toujours une réu-
nion créative et une démonstration de
mon travail au pastel. J’ai la joie d’avoir
la possibilité de peindre tous les jours,
et j’en suis reconnaissante à ma famille.
Et j’aime travailler : je ne me lasse pas
du pastel et je l’adore. C’est un grand
bonheur dans la vie de faire ce que
vous aimez !
Étape 6
Natalia Polikarpova sera en stage à Saint- Je termine le pastel, que je juge bien abouti; de
Aulaye les 3 et 4 juin 2023, sur le thème la première idée à la mise en œuvre sur papier,
« Apprenez à rêver avec la couleur ». ce travail a suivi toutes les étapes de la création
Infos et inscriptions : nataly192305@mail.ru d’un sujet au pastel telle que je la conçois.

J’ai réalisé ce pastel en pensant au Salon de Saint-Aulaye
La naissance du bonheur. et à mon premier futur voyage en France. J’ai choisi en conséquence
2022. Pastel, 50 x 60 cm. la gamme de couleurs, le motif et la composition.
Étape 1 Étape 2
Je dessine un Je m’attache
plan lointain dans à tracer et à
ma composition, positionner
marqué par de correctement dans
grandes zones de la composition
couleur : la lumière la clairière éclairée
et la forêt éclairée par le soleil.
par le soleil.
Je positionne
ensuite les troncs
d’arbres et
commence à
dessiner la masse
sombre de la forêt.
Étape 3
Étape 4 Étape 5 Je continue à peindre
Je commence à Je dessine le premier plan une forêt sombre, comme
dessiner le centre de la composition, surveille pour entourer la lumière.
de la composition. également de près les transitions Puis j’ajoute quelques détails
Je traite douces de la lumière à l’ombre. dans la partie lumineuse
attentivement Ma composition est entièrement et chaude de la composition,
les transitions campée. Je suis satisfaite de qui rende celle-ci plus
douces de l’équilibre lumières/ombres et vivante et intéressante –
la lumière et de de l’emplacement des troncs m’invitant à continuer à
l’ombre et je dessine d’arbres. Je peins les branches imaginer mon sujet.
plus en détail et le feuillage fin en ajoutant
la forêt de l’arrière- un peu de ces détails pour
plan, en lui donnant donner vie au plan lointain.
de la vivacité Mais je n’abuse pas des détails :
et du naturel. ces derniers doivent rester dans
la profondeur de la composition.
J’aime le rapport entre la lumière et l’ombre,

les couleurs chaudes et froides, ainsi que la façon
dont les couleurs opposées fonctionnent
ensemble. Leur interaction donne au sujet
son équilibre, sa luminosité et son harmonie.

PAYSAGE
Huile
Murray River Gum.
Bharma Forest Victoria. 2022.
Huile sur toile, 120 x 180 cm.
John Wilson
Voyage en terres aust
Amoureux des paysages de son pays, l’artiste sillonne les routes et les airs pour trouver
les meilleurs sites à peindre. On le retrouve ainsi aussi bien en haut d’une falaise vertigineuse
qu’au bord d’une tranquille rivière. Il revient avec nous sur ses cinquante ans de peinture.

Pratique des Arts : Comment êtes- PDA : D’où votre passion pour la
vous « tombé » dans la peinture de peinture de plein air…
paysage ? J. W. : Quand j’ai compris que la pein-
John Wilson : Quand je me suis mis à la ture n’était pas si facile à maîtriser, je
peinture, il y a plus de cinquante ans, j’ai me suis inscrit à de nombreux stages et
tout essayé : chaque genre et chaque je suis tombé sur des paysagistes aus-
technique (aquarelle, acrylique, huile). traliens qui m’ont initié à la peinture
Mais j’ai rapidement compris qu’il fallait de plein air. Pour moi, c’est le must. En
que je me concentre sur un thème – le atelier, dans un environnement stable
paysage – et une technique – l’huile. et confortable, accroché à l’ordinateur
Le paysage me semblait offrir énor- ou à des photos, sans limite de temps,
PORTRAIT mément de sujets différents : déserts, les coups de pinceau sont différents.
océans, ports, rivières, montagnes. Un La peinture sur le terrain, en pleine
John Wilson est né en 1945 et a vrai terrain de jeu, où j’allais pouvoir nature, est une autre affaire. On s’ex-
grandi dans les Blue Mountains,
en Nouvelle-Galles du Sud beaucoup apprendre. Ayant grandi pose aux éléments, aux ambiances,
(Australie). Il devient musicien dans les Blue Mountains, entouré par aux saisons. On touche, on sent, on
professionnel et travaille des paysages grandioses, j’avais déjà respire la nature jusqu’à ne faire qu’un
la nuit, occupant ses journées développé une relation intime à la avec elle. On apprend à la comprendre,
à la peinture qu’il considère
d’abord comme un hobby. Mais
nature. La peindre était une continua- à saisir ses subtilités, ses complexités.
sa passion grandit et il décide tion naturelle, un rêve devenu réalité. C’est la meilleure école pour peindre.
finalement de s’y consacrer
pleinement. Il lui faudra
quatre ans pour apprendre
le métier et oser exposer ses
premières œuvres, en 1978.
Il se lie à un groupe de peintres
de plein air et se spécialise
dans le paysage australien.
Sa passion pour l’aviation de
tourisme lui permet d’accéder
à des endroits reculés auxquels
peu de personnes, et donc
de peintres, ont accès. Il est
membre de la Royal Art Society
of New South Wales et de
la Society of Mountain Artists.
www.johnwilsongallery.com
« En peinture, il n’y
a pas de raccourci,
de recette ou de
formule magique.
Chaque œuvre
est différente :
elle apporte
ses propres défis
et nécessite ses
propres solutions. »
raliennes
Texte : Stéphanie Portal
Photos : John Wilson
Leura Cliffscape. Blue Mountains, NSW.
2022. Huile sur carton, 45 x 30 cm.

Mount Marsden.
Capertee Valley,
NSW. 2023.
Huile sur carton,
50 x 60 cm.
Trois leçons apprises de mon mentor,

Les Graham PDA : Qu’aimez-vous tant dans les
paysages australiens ?
J’ai beaucoup peint avec le peintre australien Les Graham et apprécié J. W. : Il y a tellement de diversité ici :
tous ces moments passés à ses côtés. Voici ce que j’ai retenu de lui : de sujets, de couleurs, d’ambiances.
L’Australie est vraiment un monde en
1. Posez-vous des questions soi. On passe des magnifiques falaises
À mes débuts, peu sûr de moi, je lui posais beaucoup de questions : sur les couleurs que je devais et gorges de Katoomba aux zones
mettre, sur ses mélanges. Mais il ne me répondait jamais, me renvoyait à ma peinture et me rurales et sauvages de la vallée de
demandait : « Comment sont tes valeurs ; sombres ou claires ? », « Comment sont tes lignes : Megalong, des vastes étendues déser-
nettes ou floues, présentes ou absentes ? » Ces questions me faisaient réfléchir et avancer.
tiques et montagneuses de Flinders
2. Apprenez à regarder le paysage Ranges à la campagne sauvage et pré-
servée des Wild Dog Mountains. Sans
Selon Les Graham, il est important d’étudier et de comprendre son sujet pour pouvoir
le peindre avec un certain degré de conviction. Analyser les subtiles variations de valeur, parler des berges de la rivière Coxs ou
de couleur, de lumière. Comprendre les effets de perspective (atmosphérique et linéaire). du fleuve Murray, où se dressent les
Saisir les phénomènes naturels, tels le lever ou le coucher du soleil. Autant que la technique, pins majestueux et les immenses euca-
ces connaissances sont des outils indispensables pour créer de beaux paysages. lyptus dont je ne me lasserai jamais.
Grâce à mon petit avion, je peux me
3. Peignez ce que vous aimez rendre dans des lieux inaccessibles par
Les Graham pensait que l’on doit peindre pour soi-même et non pour le marché. Selon lui, quand la route, totalement sauvages et inha-
un sujet vous plaît, vous pouvez le peindre comme vous voulez. Si vous parvenez à en donner bités. L’Australie est un vaste pays de
la version la plus sincère possible, il y aura toujours quelqu’un pour l’aimer et acheter le tableau. brousse qui regorge de ces endroits où

River Gums on
Nimbo Creek.
Tumut, NSW. 2022.
personne n’est encore jamais allé et qui Huile sur carton,
ne demandent qu’à être peints ! 60 x 90 cm.
PDA : D’où vient cette fascination

pour les eucalyptus ?
J. W. : Les eucalyptus sont incontour-
nables dans le paysage australien et un
motif récurrent dans mes peintures.
Je les trouve fascinants. Comme les
humains, ils luttent pour la vie. Chacun
développe un caractère, des gestes,
une allure. Certains ont traversé les
siècles, subi sécheresses et incendies,
et sont toujours là, dignes et magni-
fiques. On les appelle alors des « vieux
guerriers ». Beaucoup ne sont pas
attrayants mais parfois, par accident, je
passe devant un vieux spécimen, m’ar-
rête, le contourne, regarde ses formes,
la lumière qui l’éclaire et je sais qu’il me
faut le peindre…
PDA : Sont-ils difficiles à peindre ?

J. W. : Peindre un eucalyptus reste un
défi. Ses mouvements sont souvent
compliqués avec ses branches tor-
tueuses et son tronc noueux. Chacun COMMENT PEINDRE LES ARBRES? l Regardez les effets l Analysez les effets de
est doté d’une structure particulière. de la lumière directe sur diffraction de la lumière :
Pour bien le peindre, il faut prendre Avant de penser forme l Étudiez les différents le tronc, les branches, la manière dont elle
le temps de l’observer : regarder ou couleur, essayez de types et espèces le feuillage. enveloppe les motifs et
comment la lumière tombe sur ses comprendre les arbres, d’arbres, afin de déceler l Observez les effets de diffuse un moiré, modifiant
branches et son tronc, comment elle leur développement, les différences entre eux. la lumière reflétée sur le tronc les lignes de contour.
se reflète et éclaire le dessous de ses leurs mouvements. Chacun Par exemple, les eucalyptus et les ombres latérales sur les Les trouées du ciel dans
branches, comment le ciel se reflète sur possède une grande odorata (box gum), branches. Ajoutez l’impact le feuillage, par exemple,
ses feuilles et passe à travers le feuil- latitude d’expressions bridgesiana (gommier de de la lumière venant du ciel, ne seront jamais aussi
et parvenir à les saisir Bridges) ou camaldulensis éclairant le haut des branches. claires que le ciel.
lage, comment la lumière rebondit sur prend du temps. (gommier des rivières).
ses zones claires et les extrémités des
feuilles. La difficulté est ensuite de cap-
turer son caractère, son individualité,
son essence.
PDA : Comment décririez-vous votre

technique ?
J. W. : Je suis les principes de la pein-
ture à l’huile traditionnelle, c’est-à-
dire que je vais du sombre au clair et
d’une matière fine à épaisse. Je com-
mence donc par les valeurs les plus
sombres avec un jus très fin et avance
vers les valeurs moyennes avec une
peinture de plus en plus consistante
jusqu’aux clairs posés avec une matière
épaisse. Avant de mettre les lumières,
je regarde la perspective atmosphé-
rique et équilibre la lumière du ciel.
En posant les clairs sur le sombre, et
non pas directement sur le blanc de
la toile, l’ensemble est plus lumineux Summer Gums
et frais. C’est une bonne méthode de Seymour Victoria.
peinture, solide, la meilleure selon moi 2021. Huile sur toile,
pour le paysage. 90 x 120 cm.

Morning Light-
Pine Mountain.
Tumut, NSW. 2021.
Huile sur carton,
80 x 90 cm.
PDA : Comment trouvez-vous votre souvent l’ingrédient magique : elle ma saison préférée, c’est sans hésita-
sujet et que recherchez-vous dans arrive parfois de manière furtive et tion l’automne. La flore australienne
un paysage ? vient éclairer une partie du paysage, se révèle alors dans toute sa richesse,
J. W. : Le plus important est d’être au le fond restant encore brumeux et une ses couleurs chaudes renforcées par la
bon endroit au bon moment. Le sujet autre ambiance se fait jour. Attraper qualité de la lumière australienne. La
le plus banal ou triste, sous le ciel le ce moment fugace est le vrai défi de pollution est si faible ici, l’air si pur, la
plus maussade, peut se transformer la peinture. lumière si forte que les couleurs appa-
en un instant. La lumière est, en effet, raissent alors dans une formidable
PDA : Suivez-vous des règles de intensité. Le paysage n’est plus qu’un
composition ? exercice de complémentaires : verts
MON MATÉRIEL J. W. : Il existe beaucoup de règles, contre rouges, oranges contre bleus.
Je voyage avec un matériel minimal : un tabouret et mais je ne suis attaché à aucune. Je
mon indispensable boîte-chevalet Jullian que j’ai achetée il y a préfère rester libre, me détourner des PDA : En cinquante ans de pratique,
cinquante ans pour 90 dollars ! formules pratiques, telle que la règle comment avez-vous évolué ?
C’était ce qui se faisait de mieux à
l’époque et elle est encore en bon d’or, et utiliser plutôt mon expérience. J. W. : Quand j’ai appris le métier de
état. Elle est comme un vieil ami, Je sais comment équilibrer une com- peintre, je décrivais ce que je voyais.
sans lequel je serais perdu. position en bougeant un arbre ou en Aujourd’hui, je recherche des choses
rapprochant trois, en adaptant leur moins tangibles : l’ambiance, l’at-
À l’intérieur, on trouve taille ou leur positionnement pour mosphère, le caractère du lieu. Donc
une sélection de couleurs à l’huile harmoniser les plans. Mais c’est mon chaque peinture est un défi, avec un
extrafines Winsor & Newton. instinct qui me guide, plutôt que des but impossible à atteindre mais duquel
Ma palette est la suivante : bleu règles établies. on peut parfois se rapprocher. Chaque
de cobalt, bleu outremer, bleu de fois que j’ai l’impression de le toucher,
céruléum, jaune citron, ocre jaune, PDA : Avez-vous une saison ou un je prends conscience de la chance que
jaune de cadmium pâle, orange de
cadmium, écarlate de cadmium, moment de la journée préférés ? j’ai de peindre. C’est ma raison d’être
garance rose véritable, vert J. W. : J’aime le petit matin, quand la là, en plein air, face à ce défi que repré-
émeraude, terre de Sienne brûlée, lumière est fraîche et vive, ou la fin sente la nature.
blanc de titane. d’après-midi, lorsque le paysage se
colore d’une lumière dorée. Quant à

Démo The Old Warrior,
huile sur toile
1. Les grandes 2. L’arrière-plan
masses L’arrière-plan
Je commence est souvent
par les grandes chargé donc
masses en posant je simplifie,
les parties les plus comme je le
sombres et en ferais pour
finissant par un portrait.
le ciel. Ainsi, Je considère
les sombres le ciel, toujours
sont propres très important
et vibrants et car il doit
la perspective montrer d’où
atmosphérique vient la lumière,
est installée. de la gauche ici.
À ce stade, Je commence
la matière est par peindre
fluide, mélangée à de l’essence de térébenthine distillée qui sèche vite et appliquée en jus les collines, puis les arbres dans le lointain et j’avance vers les arbres à
transparents, comme une aquarelle. Cela me permet de fixer ma composition et de vérifier mi-distance. Mes teintes sont froides et bleutées, mes contours flous, afin de
l’éventail de valeurs qui compte 12 niveaux. La peinture étant fine, je peux corriger le dessin. respecter la perspective atmosphérique.
3. L’arbre 4. Le sol
Je travaille l’arbre comme J’affine
si je réalisais un portrait : le traitement
je regarde le mouvement du sol herbeux
de ses branches, certaines qui se réchauffe
s’éloignent, d’autres sont en avançant
vues en raccourci. J’étudie et j’ajoute
la lumière : celle qui se pose les branches
directement sur le tronc, tombées au
les branches et le feuillage, sol. Je renforce
mais aussi celle du sol qui la lumière
se reflète sous les branches, réfléchie sur
celle du ciel qui tombe les branches et
sur les cimes. Je travaille continue sur
les branches, leur attache, le tronc noueux.
le feuillage, crée des trouées pour le ciel et atténue les dernières feuilles qui
reçoivent une lumière réfléchie.
Les arbres sont pour moi

comme des êtres humains :
chacun est unique, doté
de son caractère et de
sa gestuelle propres.
Ce vieux guerrier, âgé de
centaines d’années, ne fait
pas exception. Majestueux,
il trône au bord de
la rivière Rouge, près de
Tumut, en Nouvelle-Galles
du Sud. Voici comment j’en
ai fait le portrait.
5. Le premier plan
Je termine le premier plan,
toujours plus chaud, et
le traitement du tronc qui donne
tout son caractère au vieil arbre.
Je peux amener de la texture
grâce à une peinture plus épaisse.
Enfin, je décide d’ajouter quelques
bovins à mi-distance, afin de
donner une idée de la taille
immense des arbres.

PAYSAGE
Techniques mixtes
Judith Bergerson
Paysages Texte et photos : Stéphanie Portal
imaginaires
D
Dans son atelier au bord du fleuve Mississippi, l’artiste américaine epuis toujours, je
explore les techniques et les matières, dans des arrangements suis fascinée par les
formes, les textures,
paysagers imaginaires qui trouvent leur source dans la réalité. Chaque les contrastes et les
œuvre évolue organiquement, instinctivement, à l’image de la nature. relations que je peux
créer entre ces élé-
ments. Face à un pay-
sage, une ville ou un bol de fruits,
c’est avant tout l’interaction entre les
formes qui me passionne. C’est sur ces
bases que j’ai développé mon art et
cela m’a amené, au fil des ans, dans
des directions très différentes.
Expérimenter avec les matières

Pendant de nombreuses années,
j’ai enseigné l’art dans les écoles, ce
qui impliquait de toucher à de nom-
breuses techniques. Je me suis ainsi
familiarisée avec la peinture, le des-
sin, le collage, le design mais aussi la
fabrication de bijoux, le tissage, la
gravure (sérigraphie, taille-douce et
impression au bloc) et le batik. Je dois
donc mon intérêt pour les techniques
mixtes à cette familiarité et ce plaisir
à expérimenter ces divers médias.
Mon travail est très graphique, avec
l’ajout de la couleur et des valeurs en
couches fines et superposées, dans
une démarche inspirée du batik et/
ou de la gravure et reflétant mon
expérience en design. Je « bâtis » mes
pièces, en ajoutant des éléments au
fur et à mesure, en prenant soin de
« tisser » ces éléments entre eux pour
créer un ensemble cohérent.
J’ai adopté les techniques mixtes car
je suis une accro du matériel artis-
tique : je n’ai pas encore rencontré de
crayon, de papier, de feutre, d’encre
ou de peinture que je n’aimais pas !
J’adore me sentir libre d’utiliser tous
les moyens et matériaux possibles
et imaginables pour obtenir l’effet
MindScape 52. Acrylique et crayons de couleur sur toile, 30 x 30 cm. voulu. À part la nécessité que l’œuvre

MindScape 17. Acrylique sur toile, 30 x 30 cm.
PORTRAIT
Judith Bergerson a étudié les beaux-arts tienne sur le support et dans le temps, Mon attirance pour la nature
au St Olaf College de Northfield, Minnesota, il n’y a pas de règles. Cette liberté est Je vis dans une région connue pour
poursuivant sa formation dans plusieurs écoles essentielle pour moi. Le seul incon- sa beauté naturelle, sur les rives du
d’art et par des stages avec des artistes reconnus. vénient potentiel est qu’avec autant fleuve Mississippi, au milieu de la
Elle a enseigné dans des écoles publiques et des
ateliers privés. Elle travaille l’acrylique, le dessin, de possibilités, il peut être difficile de forêt. De plus, j’ai la chance d’avoir
l’impression, le collage et les techniques mixtes, et ne pas se laisser submerger. Mais à ce beaucoup voyagé à travers les États-
est membre de la National Collage Society. stade de ma pratique, ce problème Unis, ainsi que dans de nombreuses
www.judithbergerson.com est à peu près sous contrôle ! régions d’Europe : j’ai donc vu toutes

PAYSAGE
Techniques mixtes
LES ATOUTS DE LA SÉRIE sortes de paysages qui m’ont tou- HUIT ARTISTES QUI
l Canaliser ses idées chée. Je suis subjuguée par l’ordre M’ONT INFLUENCÉE
Une série permet d’explorer une même idée sous différents que l’on trouve dans la nature, par
angles : un sujet à développer, un matériau à expérimenter. ces vérités universelles qu’elle reflète. 1. Lyonel Feininger Je me souviens avoir vu
Je travaille ainsi souvent sur 4 à 8 tableaux en même temps, Et par le fait qu’elle soit en perpétuel son travail dans un musée quand j’étais
allant et venant de l’un à l’autre jusqu’à ce que tous changement, avec toutes les sur- enfant et avoir été fascinée par son utilisation
soient terminés. Cela me permet de faire des découvertes prises qu’elle réserve, tout en main- d’éléments géométriques comme moyen
sur un tableau, que je peux ensuite appliquer aux autres. tenant cet ordre essentiel. Même ses d’unifier la composition.
Avec cette approche, les tableaux ont généralement tous 2. Richard Diebenkorn J’admire son remarquable
les mêmes dimensions et le même support. J’aime le aspects les plus chaotiques adhèrent
à ces lois fondamentales : chaque sens du dessin et sa façon unique de construire
sentiment de continuité qui résulte naturellement du travail un tableau.
sur toute la série à la fois. couleur, chaque texture, chaque jeu
de lumière, chaque motif linéaire se 3. Bruce Dorfman Pour son sens incroyable du
l Limiter le gaspillage retrouve dans la nature. design et son utilisation créative des couleurs
Cette approche est très économique côté peinture. et des matériaux.
Au lieu de la palette traditionnelle, je mélange mes couleurs Exprimer son ressenti 4. Gunther Gerzso Il savait utiliser la couleur et a
dans de petits récipients en plastique munis de couvercles Les éléments du monde naturel sont, développé une façon unique de gérer les bords et
(récupérés à droite à gauche). Je peux ainsi continuer de créer de la profondeur avec ce qui, à première
pour moi, non seulement beaux et ins- vue, semble être des formes géométriques plates.
à utiliser n’importe quelle couleur ou mélange jusqu’à pirants, mais aussi métaphoriques. Les
ce qu’il s’épuise. Pas de déchets. 5. Charles Rennie Mackintosh Un designer
roches et les pierres représentent la
étonnant qui jouait avec l’abstraction ou
l Varier les thèmes stabilité ou l’intemporalité. Les arbres la stylisation des formes naturelles. Il savait rendre
Je choisis un titre quand je commence une série puis j’ajoute et les forêts sont une présence enve- passionnante une composition équilibrée.
des tableaux au fil du temps. À l’intérieur, je peux donc loppante, les racines établissant leur
6. Virginia Cobb J’aime son talent à manipuler
varier les tailles et les techniques. J’ai ainsi exploré les grilles lien avec la terre. L’horizon est plat, les couleurs, les formes et les textures pour créer
(série « Grid »), les couches de la terre et le passage du stable, de n’importe quel point de des compositions dynamiques, inspirées de la nature.
temps (série « Strata »), les ambiances des bords de rivière vue, le même pour tous. Il a un effet
(« River Moods ») ou les chemins forestiers (« Forest Path »). 7. George Morrison Amoureux du Minnesota,
apaisant. Le cercle (de la lune ou du il a donné des représentations abstraites du lac
soleil) est toujours présent, que nous Supérieur et de l’horizon, dans des assemblages
l Simplifier les titres puissions le voir ou non. Ainsi, bien
L’un des gros avantages du travail sériel est la facilité à titrer complexes à base d’éléments naturels (bois).
les tableaux : il suffit d’ajouter un numéro au nom de la que mon travail n’ait pas réellement J’ai eu la chance de le rencontrer et de visiter
série (« Strata 1 », « Strata 2 », « Strata 3 », etc.). Tellement de message, j’essaie d’exprimer cette son atelier sur la Rive-Nord.
plus facile que de chercher un titre astucieux à chaque fois ! unité que je ressens avec la nature et 8. Pablo Picasso Dessinateur, coloriste, collagiste,
j’espère pouvoir apporter un peu de libre-penseur. Et une énergie inépuisable !
ce sentiment au spectateur.

MindScape 39. Acrylique et crayons
de couleur sur toile, 30 x 30 cm.
MindScape 38. Acrylique, collage, graphite,

crayons de couleur sur toile, 30 x 30 cm.
MindScape 30. Acrylique, crayons

MindScape 29. Acrylique, crayons

La série « MindScape » est une série d’acryliques/

collages/techniques mixtes sur des châssis
entoilés 30 x 30 cm. L’idée était de créer
des paysages qui ne soient pas tant représentatifs
de lieux spécifiques mais générés dans mon
esprit, à partir de ma propre banque de données
mentales, afin de refléter l’idée d’un paysage.
Mon intention était que chaque pièce éveille
chez le spectateur le souvenir d’un paysage
qui lui est familier, et cela a été le cas. Pour l’un,
cela évoquera l’Alaska, pour un autre une vue
du Colorado. J’aime cette dimension universelle
que peut représenter le paysage.
MindScape 28. Acrylique, crayons de couleur,

ball clay sur toile, 30 x 30 cm.

PAYSAGE
Techniques mixtes
MindScape 25. Acrylique sur toile, 30 x 30 cm. MindScape 49. Acrylique et crayons de couleur sur toile, 30 x 30 cm.
MON MATÉRIEL
l Peinture acrylique J’utilise les acryliques Liquitex
depuis de nombreuses années et je n’ai trouvé aucune
raison de changer. J’ai quelques autres bonnes marques
(Utrecht et Golden). Ne perdez pas de temps avec
de la peinture de qualité étudiante bon marché, sauf
pour votre carnet de croquis.
l Crayons de couleur J’utilise des crayons de couleur
de qualité artiste Prismacolor depuis des années et
j’y suis habituée. Ils ont une charge pigmentaire élevée,
sont très faciles à mélanger et fonctionnent sur la plupart
des surfaces non lisses. J’aime particulièrement les utiliser
en combinaison avec les acryliques.
l Pastels à la cire Les bâtonnets Neocolor 1 de Caran d’Ache,
non soluble dans l’eau, sont de très haute qualité. Leur charge
pigmentaire est très élevée et ils sont très faciles à mélanger.
l Feutres fins Les Pigma Micron de Sakura proposent
une belle variété de tailles de mines. Indélébiles et résistant
à la décoloration, ils permettent d’écrire sur la plupart
des surfaces.
l Crayons graphite Je travaille avec une gamme complète
de crayons à dessin graphite (9B-7H) de différentes marques.
Mon crayon préféré est le graphite Stabilo 8008, délébile et
qui devient très foncé lorsqu’il est scellé avec le médium mat.
l Papiers pour collage Il peut s’agir de papiers d’artiste ou
washi du commerce, de papiers faits à la main, de journaux,
de cartes, d’essuie-tout, de papier de soie, de papier
d’emballage, de papier kraft, etc. Soit n’importe quel papier
propre et qui garantit une bonne accroche.
l Papier à dessiner Le vélin bristol de Canson est parfait
pour les dessins au crayon ou le carnet de croquis Super
Deluxe Aquabee. Je récupère aussi des cartons de bristol,
de passe-partout ou d’illustration.

CONSEILS POUR
TRAVAILLER
EN TECHNIQUES
MIXTES
1. Sélectionnez vos matériaux N’essayez pas
d’utiliser tous les matériaux à votre disposition
sur un seul tableau. Choisissez ceux qui vous
permettent d’obtenir l’effet ou l’idée souhaités.
2. Pensez à la pérennité Assurez-vous que
les matériaux sont compatibles et ne se
dégraderont pas dans le temps. Par exemple, MindScape 2.
vous pouvez utiliser de la peinture à l’huile Acrylique sur toile,
sur de l’acrylique, mais pas l’inverse. 30 x 30 cm.
Si vous ajoutez des éléments sensibles à J’ai collé
l’eau, vous devrez les sceller, les vernir ou une couche de
les encadrer. Si vous déviez de l’utilisation papiers, y compris
préconisée d’un matériau, expérimentez-le des morceaux
avant de vous engager sur le support. de carte, avec
un médium mat,
3. Sentez-vous libre Vous avez le droit puis j’ai peint et
d’utiliser un matériau ou un médium dessiné par-dessus.
juste parce que vous l’avez sous la main
ou que vous l’aimez. Inutile de justifier
intellectuellement chaque décision.
L’envie d’essayer, d’expérimenter, pour
le plaisir, est une raison suffisante.
4. Embrassez l’imprévu Soyez prêt à changer
de direction si quelque chose d’inattendu
se produit. Si des bulles ou des craquelures
apparaissent sur le papier lors d’une étape,
utilisez ces déformations dans le cadre de
la composition. Ou déchirez le morceau, collez
un papier différent ou un autre adhésif. Soyez
flexible et ouvert aux résultats inattendus.
J’ai de nombreux carnets de croquis Les éléments déclencheurs
5. Exploitez les médiums Le médium dans lesquels je fais mes petits des- L’un de mes ar tistes préférés,
acrylique mat est mon médium à tout faire,
indispensable pour coller, fixer et sceller sins et schémas, parfois très détail- Richard Diebenkorn, le dit très
la surface afin de superposer d’autres lés. Mais ces dessins restent dans le bien : « Je ne vais pas à l’atelier avec
matériaux, textures ou techniques. Les crayons carnet de croquis et ne sont jamais l’idée de “dire” quelque chose. À la
de couleur, par exemple, n’adhèrent pas bien transformés en peintures. Je les uti- place, je me mets face à la toile
sur une surface acrylique brillante. Il suffit lise simplement pour étudier ce que vierge et pose quelques touches
alors d’appliquer une couche de médium mat je vois et nourrir mon cerveau en qui déclenchent une sorte de
et, lorsqu’elle est sèche (utilisez un sèche- informations. De même, je prends dialogue. » Personnellement, je fais
cheveux), on peut travailler au crayon graphite des milliers de photos pour captu- de l’art pour le pur plaisir de créer
ou de couleur. À la fin, passez une autre couche rer les couleurs, les compositions, et une grande partie de ce plaisir
de médium pour protéger la zone. On peut les motifs, les textures qui attirent consiste à résoudre un problème
ainsi multiplier les couches à l’envi.
mon attention. Là encore, elles ne donné, comme assembler les pièces
6. Entraînez-vous La seule façon de maîtriser font que s’ajouter à ma banque de d’un puzzle. Dès que je trace le pre-
les techniques mixtes est de les pratiquer… données visuelle et mentale. mier trait, colle le premier morceau
beaucoup. Chaque tentative n’a pas besoin
d’être nouvelle ou innovante. Partez d’une idée de papier, je suis face à des ques-
(des pages de livre avec ajout d’aquarelle, Oscillation entre figuration tions et à des choix. Je dois trou-
de stylo et d’encre) et réalisez une douzaine et abstraction ver une solution et procéder étape
de pièces. Ou deux douzaines. Le dernier Bien que mon travail soit très stylisé par étape : en additionnant, sous-
essai sera toujours meilleur que le premier. et peu réaliste, je ne le considère trayant, superposant, bougeant les
Observez ce qui se passe à chaque tentative pas comme abstrait. Je joue avec les éléments. Je m’amuse beaucoup,
et améliorez la suivante grâce à cette nouvelle couleurs, les textures, les formes, les souffre parfois, surmonte les inévi-
connaissance. motifs de la nature comme des élé- tables frustrations (quand cela me
7. Adoptez quelques règles Tous les éléments ments de la composition, non pré- prend plus de temps que je ne le
de base (dessin, valeur, couleur, ligne, cisément figuratifs, mais familiers voudrais). Je pousse la réflexion dans
contraste) s’appliquent également au travail en tant que tels. J’inclus souvent tous les sens, interagis avec la pièce.
en techniques mixtes. un élément reconnaissable, afin C’est ce voyage qui devient l’étape
8. Acceptez les erreurs Soyez prêt à jouer de fournir une accroche, quelque la plus satisfaisante du processus.
et à échouer. Les échecs sont inévitables chose de concret auquel le spec-
et font partie de l’acte créatif. tateur intimidé par l’abstraction
puisse se raccrocher.

PAYSAGE
Pastel
Marie-Christine Coupillaud
La vie silencieuse
Propos recueillis
par Alex d’Abo
Photos : D. R.
des espaces infinis

Aussi douée pour le piano que pour la peinture, Marie-Christine Coupillaud s’exprime avec la sensibilité
d’une artiste totale. Si les Pyrénées lui offrent des défis picturaux au quotidien, leur majesté est aussi un
appel à une démarche introspective. Une paysagiste émerveillée par la grandeur d’une nature sacrée.
Mer de nuages. 2014. Pastel sur papier, 19 x 42 cm.

PORTRAIT Je suis née à Libourne et,
Pratique des Arts : Avez-vous tou- mes trois filles m’ont longtemps tenue
après des études à Bordeaux,
jours voulu être une artiste ? éloignée de toute pratique artistique.
je m’installe dans la région Marie-Christine Coupillaud : Née dans
paloise. Passionnée de le Sud-Ouest, à Libourne, près de Saint- PDA : Comment avez-vous été initiée
peinture et de musique Émilion, région baignée par une lumière au pastel ?
classique, je prends des particulière, j’ai grandi à Bordeaux. Au M.-C. C. : Beaucoup plus tard, quand
cours d’aquarelle et m’initie
à l’huile avant de découvrir fil des promenades dans les forêts j’ai eu un peu de temps libre, j’ai repris
le pastel sec, ma technique environnantes, la beauté des lieux, le mes pinceaux en m’initiant à l’aquarelle
de prédilection depuis silence habité et la lumière jouant à et à l’huile. C’est en me procurant par
une vingtaine d’années. cache-cache avec les grands pins m’ont curiosité une petite boîte de pastels
Inspirée par la nature et
particulièrement par les
délivré une évidence : « Un jour, je serai secs que j’ai eu le coup de foudre pour
montagnes voisines, je me peintre et je peindrai la lumière. » À ce médium! J’ai alors délaissé les autres
spécialise dans l’art paysager l’époque, mes loisirs se partageaient techniques pour m’y consacrer. Ayant
et animalier. J’expose déjà entre pinceaux et piano, c’était ma pris connaissance, dans Pratique des
régulièrement dans les salons façon d’exprimer mes émotions et mon Arts, du Festival international de pastel
internationaux de pastel,
notamment ceux de la Société émerveillement. Toutefois, je ne pen- de la Société des pastellistes de France,
des pastellistes de France. sais pas pouvoir en faire un métier. Par j’ai effectué deux stages animaliers et
www.pastelliste-coupillaud.com la suite, mes études de médecine, mon paysages à Feytiat, puis j’ai travaillé seule
déménagement à Pau et l’éducation de dans mon atelier.
PDA : Pourquoi le pastel est-il votre

technique de prédilection ?
M.-C. C. : Tout d’abord, le fait de travail-
ler avec les doigts, sans intermédiaire,
augmente la sensation d’être dans le
tableau et le paysage que l’on peint : la
vision intérieure coule directement des
doigts sur le papier ! Il y a la sensation
que l’on peut traduire toutes les tex-
tures, selon la dureté ou la tendresse
des bâtonnets, la façon dont on les
tient et les utilise. C’est magique et sans
fin ! L’éclat des pigments presque purs
est incomparable. Toutes les nuances et
jeux sont possibles : superposition, jux-
taposition, traits acérés ou caresse d’un
voile de poudre. C’est une technique
difficile à maîtriser, mais source d’un tel
bonheur !
PDA : Parmi vos thèmes préférés, il

y a les paysages de montagne. Pour
quelles raisons ?
M.-C. C. : Habitant près de Pau, je suis
à proximité des Pyrénées. Les randon-
nées accessibles procurent des thèmes
variés et grandioses : pics, alpages, cas-
cades, abîmes et ravins, tous enchan-
teurs et offerts à la vue du randon-
neur ! J’ai tout de suite été séduite par
ces grands espaces à la pureté absolue,
l’épais silence, les sommets hautains et
majestueux, points de rencontre entre
ciel et terre, gardiens de royaumes
inaccessibles. Les peindre est un vrai
défi : soudain, le paysage prend une
autre dimension ! En outre, le passage
à la verticalité correspond à une plon-
gée en soi-même. La montagne oblige
à lever les yeux, porte à l’élévation et
en même temps à l’introspection pour
atteindre ce qu’il y a de plus profond en

PAYSAGE
Pastel Pour peindre la brume, il faut avoir un geste léger qui effleure et caresse un paysage « déjà monté »
dessous, en faisant attention à ne pas l’effacer. J’emploie des pastels très tendres, comme les Schmincke,
dans des tons clairs et chauds au soleil, et froids à l’ombre. Sans cesse en mouvement, la brume module
le paysage en introduisant du mystère et sert de trait d’union entre les différents plans.
Le froid de la neige
est rendu par l’emploi de
couleurs froides, comme
le bleu clair ou le violet
clair, plus sombres à
l’ombre. Même au soleil,
l’ajout sur ces tons froids
d’une touche de jaune,
orangé ou rose clairs ne la
réchauffera pas. Le travail
en plusieurs couches,
pour rendre l’épaisseur du
manteau neigeux, permet
ces différentes nuances.
Au sommet un soir. 2016.

Pastel sur papier, 42 x 52 cm.
Geste léger
Peindre les rochers nécessite un geste plus appuyé, souvent en touches
verticales et en juxtaposant les couleurs. Pour les crêtes et les arêtes, je prends
des pastels plus durs comme les Rembrandt. Ombres et lumières se travaillent
ou plus appuyé?
en même temps, et les creux avec les mêmes tons augmentés de carmin, violet,
outremer foncés, mélange qui fait vibrer la couleur, contrairement au noir pur.
Les zones d’ombre doivent être traitées avec bienveillance et respect : tout à
l’heure, la course du soleil les révélera et elles doivent se tenir prêtes !
Tous ses conseils pour peindre la brume,
les rochers et le froid de la neige. nous : c’est un tremplin vers j’essaie de traduire tout cela avec mes
nos images intérieures. propres couleurs qui sont révélatrices
de ma démarche intérieure.
Son artiste préféré PDA : Comment choisissez-vous votre
sujet ? PDA : Quels sont les secrets d’une
Sans conteste, le maître pastelliste Richard M.-C. C. : Lors de mes randonnées en bonne composition ?
Heitz. C’est un fascicule de ses pas à pas et montagne, une vue ou une scène peut M.-C. C. : Tout d’abord, selon le sujet
ses superbes peintures lumineuses qui m’ont accrocher mon regard et me séduire. Je choisi, il faut déterminer le format de
confortée dans l’idée que le pastel sec était prends plusieurs photos et, de retour à la feuille : horizontal, il donnera une vue
la technique qui me convenait : c’est de cette l’atelier, je m’approprie le sujet, je note linéaire et ample. Vertical, il augmentera
façon que je voulais peindre! Je l’ai retrouvé les sensations qui ont conduit à mon la sensation d’élévation ou de domina-
aux stages de Feytiat, où j’ai suivi ses ateliers émerveillement : je suis encore là-haut, tion. Autrement dit, il faut savoir ce que
animaliers et paysagers. avec le froid de la neige en hiver, la l’on veut montrer dès que l’on cadre,
dentelle mouillée des brumes, l’odeur mais sans centrer le sujet pour éviter
piquante de l’herbe drue en été… Et tout statisme et en éliminant tout ce

« La montagne nous
qui est inutile à la narration. Le peintre rideaux d’arbres, permet d’atteindre denses. Ce support permet aussi l’ajout
doit orchestrer le regard du spectateur : brumes voya- d’une couche plus légère à la fin, pour les
son œil doit trouver des chemins pour geuses… Enfin, ne ce qu’il y a de plus brumes et les pointes vives de lumière.
visiter la totalité du tableau sans en sor- jamais oublier que profond en nous : c’est Ses dimensions, modulables jusqu’à
tir. Un tableau se lit comme un livre : c’est la lumière qui un tremplin vers nos 80 x 60 cm, permettent toutes les
le peintre doit faire découvrir l’histoire est maîtresse : elle approches. Une certaine lenteur m’aide
petit à petit. Pour que le spectateur règne sur la com- images intérieures. » à construire ce dialogue entre ma vision
entre dans le paysage, on évite de bar- position et, par et la réponse sur le chevalet. La terre
rer la route dès le premier plan : pas des zones fortement contrastées, fait de Sienne, à la fois neutre et chaude,
de troncs d’arbre ou autres barrières… circuler le regard. convient très bien à mes paysages de
Ne pas hésiter à construire le tableau montagne, où le bleu domine. Mes pas-
sur des formes géométriques : pour PDA : Quel est votre matériel de tels préférés sont les Unison Colour, qui
mes paysages de montagne, je divise prédilection ? ont une belle palette de bleus-violets
souvent la feuille en trois plans. Ceci M.-C. C. : Je travaille quasi exclusive- et une grande richesse de tons inter-
pour donner une sensation d’immen- ment sur du Pastel Card (Sennelier). Son médiaires, ni trop durs ni trop tendres,
sité sur un format réduit, en reliant si grain en relief permet un travail lent et et les Schmincke, très tendres, avec leurs
possible entre elles des lignes direc- l’accroche autorise plusieurs couches pigments purs et lumineux, littérale-
Feux de neige. 2015. Pastel
trices naturelles : chemins, ruisseaux, de pastel pour un rendu de textures sur papier, 65 x 85 cm. ment « de la lumière en poudre ». Ils me
Feux de neige.
Pastel sur papier,
65 x 85 cm.

COMMENT
RENDRE
L’IMMENSITÉ
D’UN PAYSAGE
DANS
UN FORMAT
RÉDUIT?
Le défi de peindre
les montagnes est de révéler
la beauté et l’immensité de
ces paysages grandioses dans
un format réduit. La beauté
fraye avec l’immensité.
Dans Le pré aux brumes
et Dans l’air immense,
le lumineux silence, par
exemple, si l’on ne voit qu’une
petite partie du paysage,
on devine qu’il se prolonge
au-delà de la feuille et dans
toutes les directions. L’espace
n’est pas bloqué, rien ne
vient limiter ces étendues,
l’air circule et la composition
en trois plans reliés par
des espaces flous et brumeux
permet cette impression
de distance et d’immensité.
Pourtant, les montagnes
à l’arrière-plan restent
imposantes, immenses, et
disent leur monumentale
présence.
Pris sur le vif. 2016. Pastel sur papier, 65 x 85 cm.

Cette œuvre est un instantané de la tourmente qui se déchaîne sur les hauts sommets, servent pour les dernières couches. Je tel. Les moutons apportent une note de
avec ma palette préférée de bruns, oranges, jaunes, bleus et violets. Le mouvement réserve les Rembrandt et les Girault pour douceur, de calme et de sérénité dans
des touches de pastel, orientées à droite dans le ciel et à gauche sur les rochers en pente, les détails très acérés, comme des arêtes ce monde hostile, et rappellent que
suggère la ronde infernale qui relie le ciel et la terre, parsemant au gré du vent violent rocheuses, les pattes ou cornes des l’homme n’est pas loin. Tous ces ani-
des éclats de lumière. La soudaine bourrasque malmène les nuages et bouscule la neige
en brumes poudreuses sur les roches impassibles. C’est aussi ce contraste que j’ai voulu petits animaux… Je n’emploie les crayons maux augmentent le caractère naturel
montrer. Attention en bas : risque d’avalanche ! pastel que pour l’esquisse initiale. Je n’uti- de mes paysages : ils sont chez eux et
lise jamais ni blanc ni noir purs, préférant apportent un supplément de vie.
les tons foncés qui font vibrer la couleur
et les blancs légèrement teintés pour PDA : Quel trait de caractère vous aide
PIANO ET PASTEL, les brumes et la neige… Après tout, les au quotidien dans votre pratique ?
DEUX PRATIQUES ARTISTIQUES cristaux de neige renvoient la couleur M.-C. C. : Il y a, bien sûr, la grande sen-
QUI SE RÉPONDENT du soleil et du paysage environnant !… sibilité commune à tous les artistes,
Au départ, il y a l’écoute. Mais il n’y a pas d’écoute sans silence : il Le Pastel Card garantit la bonne tenue et une intuition qui me fait lire dans
faut faire le silence en soi pour que se révèle la beauté des choses. du pastel et je ne fixe qu’à la fin avec un le monde fini des formes et des cou-
C’est l’émotion silencieuse qui, face au piano comme devant fixatif spécial pastels secs (Talens). leurs, une autre réalité, impalpable mais
le chevalet, est nécessaire à la justesse du jeu sur les touches et au présente. La beauté de la nature m’ha-
chant mélodieux des couleurs sur le papier. Au piano, les doigts PDA : Vous aimez également repré- bite et moi, j’habite le paysage, j’entre
dessinent la texture de la musique, ils la sculptent par les nuances senter des animaux dans ces paysages dans le tableau. Et c’est ma capacité à
de volume et de pression sur les touches, tandis que se déroule naturels. Quel message voulez-vous imaginer qui me fait raconter une his-
le paysage intérieur créé par la mélodie et l’émotion qu’elle suscite. faire passer ? toire. J’essaie alors de saisir, dans mes
Sur le papier, les mains et les doigts, prolongés par les bâtonnets
de pastel, vont aussi sculpter la matière pour exprimer ma vision M.-C. C. : Lors de mes randonnées, couleurs, l’irruption permanente de
intérieure chargée d’émotion. J’ai besoin d’écouter de la musique même si je ne vois pas d’animaux, je l’éternité dans un moment éphémère.
lorsque je peins, cela m’aide à traduire cette vision, à interpréter sais qu’ils sont là et qu’ils peuvent « Car c’est là, entre le plus extrême
le paysage et à dévoiler ses secrètes splendeurs. En fait, ce ne sont apparaître à tout moment : vautours, dehors, et le plus intime dedans, que
plus les doigts mais les pensées qui jouent sur les touches du piano choucas, marmottes, isards… Parfois, je se tient l’atelier du peintre », comme le
et font danser les couleurs sur le papier. ne figure que la trace de leur passage dit si bien Sylvie Germain dans Ateliers
dans la neige avec une touche de pas- de lumière (Desclée De Brouwer, 2004).

À la loupe
Un sujet défi
Dans l’air immense, le lumineux silence, 2017. Un milieu très inhospitalier, la haute
Pastel sur papier, 77 x 97 cm. montagne enneigée, accueille à ses
pieds la vie et au final inspire le calme et
la sérénité. Un contraste des plus séduisants
qui ne demandait qu’à être mis en forme !
Plongée Des plans symboliques Jeu de Lois d’échelle Un message d’infini

et contre-plongée Le tableau se divise en trois plans : contrastes Dans ce paysage qui « Immensité » car l’air circule
La vue en plongée sur l’alpage le premier est un plateau, un alpage total pourrait être désertique, de haut en bas du tableau :
au premier plan montre de où les moutons sont bien détaillés pour il y a de la vie : un vol à droite, un abîme suggéré par
Dans ce tableau, de choucas, faune
minuscules moutons écrasés les plus proches. C’est un milieu connu j’ai joué de tous des rochers qui s’enfoncent
par les deux autres plans qui et familier, où l’homme et l’animal habituelle des Pyrénées, dans la brume, à gauche, entre
les contrastes : à mi-chemin du tableau.
occupent la presque totalité peuvent vivre. Le plan intermédiaire, grandeur/petitesse, sommets et rochers, un passage
du tableau. Le spectateur, noyé de brumes, est une région Si leur distance par s’ouvre vers la lumière, où
désert hostile et glacé rapport à l’alpage semble
en se projetant sur le plateau de transition, incertaine et inquiétante. des montagnes/prés s’engouffrent les oiseaux.
vert, peut ressentir On pressent déjà l’inconnu et ses les préserver, on sent La « lumière » puissante,
verts accueillants leur insignifiance vis-à-vis
cette fragilité. L’arrière-plan, probables difficultés, comme le suggèrent et habités, immobilité venant de la gauche, s’infiltre
en contre-plongée, met les roches affleurantes. L’imposant arrière- des monstres rocheux. dans les interstices, ricoche
des sommets/ Les moutons sur la prairie
l’accent sur le sujet majeur : plan dévoile le sujet royal : la montagne mouvements sur les crêtes, fait scintiller
ces montagnes géantes qui, invaincue que roches, abîmes, neiges remplissent l’espace au gré les ombres et inonde le paysage
des oiseaux et de leurs déplacements.
malgré leur éloignement, ont et brouillards rendent impitoyable et des moutons, d’une bruine dorée. Messagère
le dernier mot et dominent inaccessible. Pour relier ces trois plans, Petites taches au d’infini, elle donne aux couleurs
couleurs chaudes loin, ils sont détaillés
bêtes et humains. Ce point de les brumes franchissent tous les obstacles (roux, orangés, citron/ leur intensité et aux formes
vue oblige le regard à s’élever et, impertinentes, caressent les moutons, et reconnaissables en leur plénitude. Le « silence »
couleurs froides s’approchant : l’homme
du pré vers les cimes à l’assaut comblent les dangereux abîmes et (bruns, bleus-violets des montagnes inhabitées est
du ciel, en s’appuyant au s’envolent vers les sommets pour rejoindre n’est plus très loin et accentué par le vol rythmé
et carmin)… se rassure à ce paisible
passage sur un vol de choucas les nuages. Le regard du spectateur, lui, des oiseaux et le troupeau
indifférents. circule à sa guise. spectacle. des paisibles moutons.

CHAPITRE 4
Perfectionnement
▶ 7 principes pour améliorer ses paysages
Techniques et conseils pratiques P. 84
▶ Sur le motif au pastel.
Réaliser deux études en parallèle
Observer, analyser et synthétiser P. 90
▶ Réinventer les couleurs de l’automne
Composer par les valeurs P. 94
▶ Moment en sous-bois
Sur le motif en forêt de la Double P. 96
▶ Maîtriser le paysage par les valeurs
avant les couleurs
Principes et démonstrations P. 98
▶ Synthétiser un paysage
L’épure jusqu’à l’abstraction P. 104
▶ Lumières du Sud à la gouache
Scène de vie dans le Midi P. 108
▶ Le pastel à l’alcool sur Pastel Card
Tombée du jour
sur l’îlot de Contrecœur P. 110
▶ Le contre-jour au service du paysage
Marine au soleil couchant P. 112

PERFECTIONNEMENT
SYNTHÈSE INTERPRÉTATION FORMES LIGNES
7 principes
pour améliorer
ses paysages
Champion des cours en ligne, Johannes Vloothuis a imaginé une méthode qui s’adresse
à tous les artistes, quel que soit leur médium. Il développe ici une série de principes destinés
à créer une « mélodie visuelle » dans le paysage.
Alors que je n’étais qu’un artiste 1. Simplifier les motifs

émergeant, j’analysais du sujet
les peintures des artistes Les peintres de paysages ont
que j’admirais de manière un tas d’astuces pour traduire
anatomique, tel un étudiant en l’idée ou le sentiment provoqué
médecine. J’essayais de trouver par la vision, en trois dimensions,
des dénominateurs communs d’une nature imposante
expliquant l’envoûtement créé et grandiose transposée
par leurs compositions. En fait, en une représentation à
ces artistes ne copiaient pas deux dimensions et de petite taille
la nature ou des photos : ils les sur le support. La première étape
utilisaient comme tremplin pour à franchir est de reconnaître
développer une idée répondant les pièges de notre vision, que
à leur vision de la nature et, l’on regarde une scène sur nature
par là même, créer leur propre ou sur une photo.
« mélodie visuelle ». J’ai compris
avec les années qu’une copie Comment lire
de photo ne donne jamais son sujet…
une bonne peinture. Twilight’s Fading Song. Aquarelle
Sur cette photo des chutes de
Une peinture est réussie lorsque sur papier grain fin, 30 x 40 cm. Yellowstone (voir ci-contre),
l’imagination du spectateur la végétation persistante paraît
s’éveille, que ce dernier entre plate et monochrome. Les arbres
dans la peinture et la fait sienne, sept stratégies que les peintres aux formes triangulaires courent
lui apportant son propre univers, peuvent utiliser pour éviter en lignes rigides et parallèles.
sa propre histoire, sa propre idylle. ces pièges et créer leur propre La cascade ressemble à un rideau
En résumé, l’interprétation d’une vision de la réalité, idéalisée ou de douche, trop blanche,
scène n’est pas ce qui est, mais rêvée. Des visions qui déclenchent rectangulaire, froide.
le message que l’artiste souhaite l’intérêt du spectateur en jouant
transmettre à son public. sur les formes, les lignes de … et l’interpréter
Après avoir enseigné à contour, les dégradés de couleurs l Les formes : Au lieu de regarder
des milliers d’élèves durant et de valeurs, afin de guider chaque motif (arbres, rochers,
des sessions en direct et analysé l’œil du spectateur à travers herbes) de manière séparée,
leurs peintures, j’ai repéré la peinture. Représentée telle quelle, cette scène ne groupez-les en des masses
les pièges courants dans lesquels donnera pas une belle peinture. Il faut, compactes.
tombent les aspirants artistes. ici, aller au-delà de la réalité et, au lieu de
Texte : Stéphanie Portal copier ce que l’on voit, essayer d’interpréter
Et de là, j’ai identifié Photos : D. R. le paysage.

2. Dessiner des lignes Pourquoi
agréables à l’œil éviter certaines lignes
Imaginez votre peinture comme Il existe deux types de lignes,
une symphonie : pour créer fréquentes dans la nature mais qu’il
une harmonie, il faut des lignes vaut mieux éviter ou modifier en
de contour agréables aux formes peinture, quel que soit votre style :
asymétriques. Les belles lignes l Les lignes régulières sur
donnent de belles formes qui lesquelles l’œil glisse : ondulées,
raviront l’œil du spectateur. droites ou parallèles, ces
lignes ne laissent pas assez de
temps au regard pour assimiler
l’information visuelle et y appliquer
sa propre idée.
l Les lignes répétitives et
monotones : les lignes ondulantes
et zigzagantes ennuient ou
agacent l’œil, le faisant décrocher
de la peinture.
l Le peintre a intérêt à faire varier
et à modifier certaines lignes
My Daily Walk. Huile sur panneau préparé,
28 x 35 cm. Ici, j’ai accentué les lignes en de son paysage, afin de ralentir
saillie au niveau des arbres (sur le haut et le regard du spectateur et le faire
les côtés) pour ralentir le regard. Au sol, j’ai entrer dans la scène.
utilisé un effet d’escalier pour la rencontre l L’œil a besoin de variations
des arbres et des buissons avec l’herbe
ou l’eau. La ligne des arbres forme ainsi
dans la direction et le débit de
un espace négatif qui envoie le regard vers la ligne. Chaque variation ou
Lower Yellowstone Falls. Pastel sur papier préparé, 30 x 30 cm. l’arrière-plan et la montagne, accentuant saillie, chaque creux ou bosse agit
Ici, la cascade est plus vivante grâce au bouillonnement de l’eau, à la grandeur
des rochers et à un étagement clair des plans.
la profondeur et l’étagement des plans. comme une note aiguë ou grave
dans une mélodie. Ou comme
le violon qui, accompagnant
l Les masses : Exagérez la taille CONSEILS le chanteur, aide à entendre la
des rochers et des montagnes afin variation des notes de ce dernier
de leur donner plus de grandeur l Lorsque vous êtes tenté sans les dominer. La peinture
(effet falaise). d’ajouter un élément, doit reposer sur une composition
demandez-vous pourquoi. simple qui valorise les lignes
Si celui-ci n’a pas d’utilité
l Les contours : Créez des lignes dans la composition, harmonieuses et les formes
de contour asymétriques il vaut peut-être mieux Sur cette photo, il y a une ligne ondulée en variées, fortes en caractère plutôt
pour varier les formes (rochers le laisser de côté : il ne haut (arbres) et une ligne droite en bas (sol). qu’en détail.
de droite et de gauche). manquera pas. Si vous peignez ces arbres tels quels, l’œil
glissera sur les lignes, sans s’y accrocher.
l Afin de focaliser l’œil
l La profondeur : Accentuez du spectateur, gardez
la profondeur et le mouvement le premier plan et les côtés
dans l’eau par un jeu de dégradés de la peinture plus discrets,
de bleus (couleur et valeur). en éliminant tout effet
de texture et en évitant
l L’arrière-plan : Au lieu d’un plan d’y accumuler des détails
parasites. Concentrez
net, enveloppez l’arrière-plan dans l’action et l’attention vers
le brouillard. le centre de la composition.
l Les arbres : À la place
d’une lignée d’arbres droite
et régulière, créez des décalages.
un support pour communiquer
l Le ciel : Donnez du mouvement une idée, une histoire,
au ciel en faisant ressortir une impression du lieu.
la touche du pinceau. Au lieu de peindre de simples
arbres ou rochers de manière
l L’eau : Exagérez l’écume, afin détaillée, attachez-vous à ce
de rendre le mouvement de l’eau qu’ils représentent pour vous.
plus vivant. Essayez d’exprimer le mouvement Carmel Mission. Aquarelle sur papier grain fin, 30 x 40 cm.
et la vitalité de la nature. Dans cette aquarelle, j’ai cassé de nombreuses lignes : celle des buissons devant le mur en
l Pensez votre peinture comme pierre, celles des fleurs qui débordent du toit, celles des pierres de la tour et des tuiles des toits.

PERFECTIONNEMENT
Comme nous tressaillons quand 4. Accentuer
le soprano atteint une note aiguë la profondeur
puis redescend lentement vers L’impression de profondeur et de
un registre plus bas, une peinture distance sur une surface plate reste
qui contient des hauts et le défi suprême de l’artiste. Une
des bas acquiert de la force, de représentation bi-dimensionnelle
la puissance. Alors que l’apparition d’une scène tri-dimensionnelle
timide d’un bémol ou d’un dièse est, par définition, artificielle. Nous
n’apportera rien à la mélodie, nous reposons pour cela sur des
de même une seule bosse ne saura techniques factices qui traduisent
animer une ligne de contour plate. cet effet visuel. Si la succession
des plans et la perspective
atmosphérique en sont les plus
CONSEILS courantes, il en existe d’autres.
l Attention aux lignes
parallèles et concaves, Comment donner
ainsi qu’aux formes l’illusion de la
géométriques qui tri-dimensionnalité
manquent d’esthétisme. l Contours : Dans la nature, à
l Les arbres regroupés en l’exception de ceux des nuages
une masse paraîtront mieux Sunrise in Gloucester. Aquarelle sur papier grain fin, 30 x 40 cm. et de l’eau en mouvement,
dessinés si vous variez Les rochers au premier plan forment un bloc aux contours variés. La silhouette obtenue les contours ne sont pas flous mais
les hauteurs. devient une forme abstraite intéressante, que l’artiste peut diviser ensuite en plus petites
nets. Dans une peinture toutefois,
formes, sans aller pour autant dans le détail. Le spectateur prêtera peu attention à ce qui
l Quand vous dessinez se passe à l’intérieur de chacune de ces zones et peut imaginer les détails par rapport
un contour, pensez à la masse générale.
aux espaces négatifs
ainsi créés. 3. Créer des formes que la forme générale ne
asymétriques puisse ressembler à un carré
séduisantes ou un rectangle.
La nature est impressionnante l Les arbres à feuilles caduques
Comment ralentir par sa grandeur et sa majesté. ont une forme générale ovoïde :
la lecture du paysage Le souci, toutefois, est qu’elle ils rentrent donc dans un ovale
Les lignes rapides ou monotones comporte beaucoup de formes et non dans un rond.
peuvent être remplacées par symétriques que nous ne Vérifiez que la hauteur est
des lignes de contour agréables remarquons pas. Lorsque l’on supérieure à la largeur.
et dynamiques, qui ralentiront réduit des rochers de la taille l Faites varier la forme de chaque
la lecture du paysage. Ces lignes d’une voiture à quelques arbre afin d’éviter toute répétition
pourront être soutenues par centimètres sur le support, visuelle.
des touches expressives la symétrie de ces formes
et enlevées qui agiront comme s’impose de manière évidente…
la baguette du chef d’orchestre. et ennuyeuse, les formes CONSEILS
l Les lignes ondulantes sont paraissant alors artificielles. l Pour juger si une forme
formées de nombreux creux L’artiste va donc devoir modifier est bien dessinée,
et bosses. On pourra à son gré certaines formes et silhouettes, regardez-la dans
exagérer les saillies. afin de les rendre plus agréables à un miroir. Si le reflet
Ces lignes donnent une apparence l’œil, sans dénaturer l’idée du lieu. semble similaire, il est
gracieuse, par exemple sur fort à parier que la forme
manque d’intérêt. Il en est Le pont, point focal de la composition, The Everl
une lignée d’arbres, sur Mode d’emploi de même pour la totalité est traité avec des contours nets,
des vagues ou dans les nuages. l Identifiez et redessinez de la peinture. Les parties tandis que les arbres derrière sont
l Les lignes en escalier les formes de la nature, tels droite et gauche doivent plus flous. Au premier plan, les herbes
dessinent un tracé plus haché que les arbres trop ronds, rouges et texturées s’opposent au
être différentes. fond plus bleuté et lisse, suggérant
et irrégulier avec des sections les rochers trop carrés et les cimes l Impossible d’avoir un effet de distance.
qui montent et qui descendent. montagneuses trop triangulaires. des formes ennuyeuses à
Cet effet est utilisé quand la l Montrez seulement quelques l’intérieur d’une ligne de After the Rain. Huile
mer rencontre les rochers, pour masses en fusionnant des arbres contour bien dessinée. sur panneau préparé, 40 x 50 cm.
les nuages (cumulus), les contours et les buissons. Faites de même Par défaut, de belles Ici, le second plan est en pleine
d’une montagne ou pour éviter avec les rochers. lignes de contour créent lumière. Je me suis attaché à créer
des formes tridimensionnelles avec
des lignes droites sur des troncs l Diversifiez la hauteur des formes asymétriques le feuillage des arbres et j’ai forcé
d’arbres ou des bâtiments. et la largeur des feuillages intéressantes. la saturation des verts. Mais leurs
d’un groupe d’arbres, en particulier contours sont plus flous que l’arbre
les persistants. du premier plan, texturé. Dans le ciel,
j’ai donné du mouvement aux nuages,
l Rendez les rochers isolés afin de leur octroyer de la présence
asymétriques, de manière et de suggérer la profondeur.

on peut établir un contraste
entre contours flous et nets, afin
de signaler au spectateur l’effet
de distance. Ainsi les éléments
proches seront nets et ceux
plus distants flous. Pensez donc
à toujours flouter les contours
des feuillages et des collines à
l’arrière-plan.
l Ombres : Travaillez les formes
At the Edge of the Rockies. Pastel sur papier
d’apparence ronde ou cubique en préparé à l’enduit texturé, 28 x 35 cm.
ajoutant une ombre latérale. C’est Dans la nature, la neige située dans l’ombre prend
ce qui rend les buissons, les arbres, des tonalités gris bleuté qui, si elles sont copiées,
les nuages et les rochers donneront un résultat plat et ennuyeux. Je n’hésite
donc pas à renforcer ces bleus à l’aide de violets
tridimensionnels. et à ajouter des touches colorées des éléments
l Couleur : Augmentez environnants (orange, rose), qui intensifient
la saturation colorée au premier l’impact du premier plan.
plan, par opposition à l’arrière-plan,
plus fade et bleuté. l La neige est rarement d’un blanc
l Texture : Accentuez les effets pur : elle reflète toutes les couleurs
de texture au premier plan, en des éléments qui l’entourent.
opposition au fond qui sera plus l Dans un paysage, les verts
lisse et fondu. paraissent souvent proches.
Variez vos verts en tenant compte
de la lumière et des ombres
et en jouant sur la température.
l Pour rendre les arbres
persistants plus vivants, ajoutez-
leur de la Sienne brûlée et de l’ocre.
l L’œil est généralement attiré par
les couleurs chaudes, qu’il faudra
ensuite équilibrer avec quelques
couleurs froides.
l Pensez à varier les teintes sur
Little Davis Falls. Huile sur panneau, 28 x 35 cm. un même motif (pour une peinture
Les rochers sont souvent vus comme gris et bruns. Mais dans la peinture, ils peuvent moyenne, cette variation colorée
se parer d’orange ou de violet, voire d’autres couleurs choisies par l’artiste. Ici, des touches se fait au moins tous les 3 cm).
de violet dans les zones sombres égayent l’atmosphère générale.
Beach Street in Rockport. Aquarelle
5. Varier et exagérer la neige blanche ni les arbres sur papier, grain torchon, 30 x 45 cm.
Les variations de vert sur l’arbre principal
les couleurs verts. Vous pouvez les enrichir sont irréalistes, mais rendent ce dernier plus
La nature nous étonne et nous d’autres nuances et d’autres agréable à regarder et renforcent sa présence
captive, non seulement par couleurs. L’ajout de bleu clair dans au premier plan. De même, l’herbe montre
son immensité mais aussi par les ombres d’un arbre, par exemple, de belles modulations de verts. Quant à
la maison, sa façade blanche est réchauffée
les sensations qu’elle provoque, simple reflet de la lumière du ciel, par les rouges environnants et les ombres
éveillant tous nos sens. lui apportera de la présence. portées sont enrichies de reflets colorés.
lasting Bridge. Pastel sur Canson mi-Teintes, 30 x 40 cm. On entend le grondement d’une
cascade, le chant des oiseaux
dans le lointain, le craquement
des feuilles sous nos pas.
On sent le vent qui souffle dans
nos cheveux ou dans les feuilles
des arbres. Or le peintre est limité
au visuel : par quels moyens
peut-il compenser cette perte
de sensations et parvenir à
capter l’attention du spectateur ?
Par la couleur.
Comment attirer
le regard par la couleur
l Les rochers et les arbres
n’ont pas besoin d’être gris,

PERFECTIONNEMENT
The Light in the Storm. Huile sur toile, 22 x 30 cm.
Le regard est ici transporté à l’intérieur du paysage grâce à un dégradé de couleurs
(des violets aux bleus, du chaud au froid) et de valeurs (du sombre au premier plan au clair
vers l’arrière-plan). Le phare et la maison semblent loin, non seulement par leur taille,
mais aussi par ce dégradé progressif sur les rochers et l’eau.
comme reflet lumineux dans Comment donner

les ombres violacées, afin de du rythme
renforcer leur effet. à sa composition
l Appliquez les dégradés l Étudiez le sujet pour identifier
sur les surfaces planes (murs les formes qui présentent
de bâtiment, falaises ou plat des similitudes dans leurs lignes
des rochers), mais aussi ou leurs tailles, en tenant compte de
sur des surfaces horizontales la réduction du motif sur le support.
(champ ou surface enneigée). l Assurez-vous que les
arbres possèdent des tailles et
7. Éliminer des largeurs différentes, comparés
les répétitions aux arbres adjacents. Peignez-les
visuelles en les assemblant en un seul bloc.
Une répétition de formes ou de l Pour éviter les redondances,
motifs peut créer une harmonie, prenez en compte l’espace
telle une rythmique accompagnant environnant, en particulier
une mélodie. À condition d’apporter les espaces négatifs.
des variations dans la ligne, la taille l Redéfinissez la taille
et la couleur des formes, ainsi des montagnes.
que dans les distances entre elles. l Réduisez le nombre de
Sinon, la répétition est insipide crevasses dans une falaise.
et les redondances gênantes. l Évitez de définir toutes
l Le peintre peut, ici encore, faire les pierres d’un mur. Quelques-
appel à sa licence artistique et unes suggéreront les autres.
changer ce qu’il voit sur le sujet ou l Plus vous dessinez de rochers,
la photo, afin de créer un rythme plus vous risquez de répéter
plus dynamique. leurs formes.
San Juan Capistrano Mission. Aquarelle sur papier, grain fin, 28 x 35 cm.
Cette peinture montre des dégradés intéressants de couleurs : à la fois sur les surfaces
verticales (murs blanc et ocre, muret) et horizontales (sol, eau). J’ai aussi inclus
des dégradés de couleurs chaudes à l’intérieur des ombres projetées.
6. Dégrader une quelconque combinaison

les valeurs de couleurs (de chaud à froid ou
et la température le contraire) ou de valeurs (de
Les créateurs de films d’animation sombre à clair ou l’inverse). Même
sont adeptes des changements rarement présents dans la nature,
de couleur, de température et les dégradés sont utiles à l’artiste
de valeur pour retenir l’attention pour capter l’attention. Étude. Huile sur panneau, 25 x 25 cm.
des enfants. À l’évidence, ils ont l Servez-vous des dégradés de Il est difficile de ne pas répéter les formes des arbres persistants, généralement alignés.
compris quelque chose. Ce quelque valeurs pour provoquer un effet L’astuce est de les rassembler en une grande masse et de prendre conscience de leur taille,
chose est le dégradé. de distance et ainsi renforcer largeur et volume respectifs, uniques.
l’étagement des plans.
Pourquoi et comment l Utilisez les dégradés progressifs
utiliser des dégradés de couleur et de température pour Johannes Vloothuis remercie Cynthia Mcilwain
l Les dégradés consistent séduire l’œil du spectateur. et Alice Castelein pour leur assistance
à changer graduellement l Placez des couleurs chaudes dans la préparation de cet article.

Démo Dans cette aquarelle d’un paysage hivernal,
Delightful Thawing j’ai tenté d’appliquer les 7 principes que nous venons de voir.
2 Je dessine le sujet avec

un crayon graphite HB. J’ai
modifié le cours du ruisseau
afin de le faire apparaître en
bas du tableau et de guider
ainsi le regard du spectateur.
J’ai coupé la composition en
haut pour garder un arrière-plan
montagneux assez flou. J’ai ensuite
1 La photo de référence montre un paysage comportant posé du liquide à masquer pour
trois plans distincts : un important premier plan de neige, préserver les zones de neige en
traversé par un ruisseau zigzaguant et doté de beaux pleine lumière. Après avoir mouillé
jeux d’ombre et de lumière, un second plan composé de le ciel, j’ai posé les couleurs dans
végétation diverse et, enfin, un arrière-plan de montagnes un dégradé coloré.
enneigées et/ou tapissées de sapins.
3 Tant que le ciel est encore 4 Je pose un lavis

humide, je peins les arbres, gris sur le premier
dont les contours se diffusent plan, en variant
sur le papier et s’adoucissent, les teintes, afin
indiquant ainsi l’effet de distance. de faire écho
Ceux situés dans le lointain sont aux couleurs
regroupés en une seule masse. chaudes de
La ligne des arbres est trop l’arrière-plan.
régulière sur la photo : je n’hésite Je reviens avec
pas à la casser en apportant un gris plus
des variations de creux et de soutenu pour
bosses. J’introduis également les ombres
des gradations de couleur et de sur la neige.
température dans ma peinture.
5 Au lieu du bleu glacé et des valeurs sombres du

ruisseau visibles sur la photo, je traite l’eau avec
un ocre chaud, que je refroidis progressivement à
mesure que je me dirige vers l’arrière-plan.
6 Un arbre nu se trouve sur la photo. Mais ajoute-

t-il quelque chose à la composition ? Je ne dois
pas le poser pour la simple raison qu’il figure
sur la photo. Au final, je décide de le garder car
il permet d’animer le premier plan qui, sinon,
serait trop statique. Il me permet aussi de casser
la symétrie droite/gauche, que j’ai repérée
en regardant mon œuvre dans un miroir.
Delightful Thawing.
Aquarelle sur papier, grain fin, 28 x 35 cm. Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 89
PERFECTIONNEMENT
ACUITÉ VISUELLE RAPIDITÉ D’EXÉCUTION ANALYSE ET SYNTHÈSE
Sur le motif
Texte et photos :
David Gauduchon
au pastel
Avec la collaboration
de Xavier Kosmalski Réaliser deux études en parallèle
Tel un photographe, Xavier Kosmalski joue de son œil comme d’un déclencheur et se lance un nouveau
défi, artistique autant que sportif : réaliser deux études simultanément afin de repousser les limites
de son acuité visuelle et de sa capacité d’analyse et de transcription par la synthèse du geste.
Côté pastel
Sur le motif, j’essaie toujours de
ne pas trop me charger. J’emporte
évidemment mes boîtes de pastels
composées de différentes marques
selon leur texture. Si je trouve
une belle gradation de couleurs
dans la marque Sennelier, j’utilise
aussi les pastels artisanaux de
mon ami José Daoudal. Ce chimiste
de formation n’en est pas moins
un pastelliste passionné. J’ai
défini plusieurs choix de teintes
personnelles avec sa collaboration
étroite. J’apprécie beaucoup
« l’onctuosité gourmande »
Ma surprise est grande de rencontrer un autre peintre qui est et la qualité chromatique de
déjà à son affaire. Le paysage fait la part belle à un ciel bleu azur ses bâtonnets, dont le format
et aux scintillements de la rivière bordée de grands arbres. est adapté à mes besoins,
Je le salue et continue mon chemin sans le déranger.
du sur-mesure, en somme !
Le ou les sujets?
Mon matériel de pastelliste à l’épaule, je me balade
sur les bords d’un chemin de halage, l’humeur
vagabonde mais l’œil en alerte. La lumière est
généreuse ce matin et met en valeur une nature qui
fleure bon le joli mois de mai. J’avoue avoir du mal
à me décider, tant les propositions de sujets sont
nombreuses. Mon regard est soudain attiré par ces frondaisons et leurs ombres
sur ce sentier qui offre une belle profondeur. De prime abord,
Côté face, côté pile! le traitement de ce sujet n’est pas facile, tant la masse des verts
qui le composent est dominante.
Je me retourne vers cette vallée qui offre un
beau sujet panoramique. J’hésite ! Je dois me décider avant que la progression du soleil n’altère la qualité
des contrastes. Format horizontal pour le premier sujet (le sentier ci-dessus) ou vertical pour le second
(la vue sur la vallée) ? Je pose ma boîte de pastels au sol, sors mes panneaux de médium qui me servent de
table de travail. Finalement, je prépare deux formats. Mon choix est fait, je décide d’embrasser les deux sujets
du même point de vue. Côté face, côté pile !

Côté support
J’emploie du papier contrecollé Pastelmat, qui offre
une très belle qualité d’accroche et permet des
touches énergiques et la superposition de couches.
Son toucher est remarquable et donne de très beaux
effets de fondu. Sa solidité est également un plus
en extérieur. Pour mon confort de travail, je fixe
la feuille avec du ruban papier gommé sur un panneau
de médium.
Je travaille la plupart du temps debout en calant

mon support entre la main gauche et le bas-ventre.
La rigidité du panneau médium, alliée à sa légèreté,
me permet de travailler avec une grande mobilité J’ai toujours avec moi du papier essuie-tout,
et une liberté de gestes. Je privilégie la vitesse afin de conserver mes pastels propres,
d’exécution, donc le travail en énergie. notamment après une phase d’estompage.
3 Le premier fond en place, je me retourne et change de matrice visuelle

et de format. J’ai recoupé une feuille de Pastelmat 50 x 70 cm, afin d’obtenir
un format horizontal de 25 x 70 cm. Quelques minutes d’observation
1 À ce stade, je fais fi 2 Après avoir opté pour un format attentive pour m’imprégner du sujet et prendre de nouveaux repères.
des considérations liées à vertical 32 x 24 cm, je traduis
la couleur. En plissant les yeux, mon « impression sur nature »
je m’appuie sur les contrastes par des masses de verts et de
de lumière et les lignes de fuite gris bleuté moyens, afin de poser
qui me permettront de dessiner ensuite les ombres qui feront
mentalement l’architecture du sujet chanter les tons lumières.
et son mouvement d’ensemble.
À noter
À ce stade,
j’évite de tomber
dans le piège
des détails. Ce
serait l’impasse 4 Je pivote à 90° et je reprends mon format vertical. Après avoir placé
assurée ! succinctement quelques tons lumière, j’estompe l’ensemble, afin de lier
les différentes parties de la composition. J’obtiens un fond coloré qui révèle
une première « empreinte impressionniste ».

PERFECTIONNEMENT
Réaliser deux études en parallèle
« Travailler sur deux sujets en même temps oblige à faire preuve de capacité
d’analyse et de vitesse d’exécution. Cette démarche est
mentalement intéressante et fait appel à une concentration totale. »
5 Travailler 7 Changement de
deux sujets sujet : je reprends,
simultanément là aussi, le dessin
est, à mes yeux, des troncs
est source et branches
de plaisir principales qui
démultiplié. apportent du
Cette approche mouvement avec
m’offre une base de
également gris très foncé
le loisir de et du brun pour
deux traitements inférer du volume.
différents. Progressivement,
Je pose le ciel je fais appel à
et la rivière une plus large
en aplats en gamme de verts,
dégradés, du plus du moins vers
foncé vers le plus le plus lumineux
clair, afin de afin de travailler,
créer un effet de par touches,
profondeur. le jeu de la lumière
dans le feuillage.
Notez qu’à ce Mon œil circule
stade, ma palette et accompagne
est la même pour mon geste sur
les deux sujets. l’ensemble de
la composition.
6 Avec une teinte

sombre, je précise
le graphisme
des arbres.
Je privilégie ici
le travail en couches
et ne fais appel à
l’estompe au doigt
que ponctuellement
pour ménager 8 Progressivement, j’apporte des nuances colorées, je m’attarde sur
des passages entre les contrastes lumineux. Chaque élément du paysage se révèle par l’action
deux plans. du modelé et le trait qui se fait de plus en plus précis. À ce stade, j’utilise
des éclats de pastel qui permettent d’apposer certains niveaux d’information.

9 A contrario, j’utilise
toujours des touches assez
larges pour placer les tons
lumière, ici des verts
tendres très lumineux, qui
font « crépiter » l’ensemble.
L’effet de profondeur est
accentué par l’utilisation
d’un blanc, que je casse
légèrement en le fondant
aux teintes environnantes.
12 Bientôt 50 minutes de réalisation. J’appose les finitions en saisissant

deux promeneurs qui viennent vers moi. D’un côté, une pointe de rouge
en guise de clin d’œil à cet illustre Corot répond aux teintes orangées qui
réchauffent le premier plan. Sur l’autre étude, je décide finalement de
représenter mon voisin, le peintre, qui est toujours en cours d’exécution.
La peinture à l’huile serait-elle plus difficile ?
10 Après avoir travaillé la partie gauche du sujet, je m’intéresse

maintenant aux premiers plans. Je continue à préciser certaines formes,
ici le feuillage des arbres, en apportant plus de subtilité dans les nuances.
Avec quelques touches de brun, je délimite la berge.
Chemin de halage
ombragé. Pastel
sec sur Pastelmat,
24 x 32 cm.
11 À ce stade, j’appose les premiers détails, tout en restant dans

la suggestion, ici les poteaux du champ qui soulignent la courbe du L’ami peintre.
chemin. Avec la même teinte lumière, je souligne la lumière incidente Pastel sec sur
sur la rive d’en face où s’élève un joli mouvement des arbres. Pastelmat,
25 x 70 cm.

PERFECTIONNEMENT
NIVEAUX DE GRIS ÉTUDE DES LUMIÈRES VALEURS
Réinventer les couleurs

de l’automne (acrylique)
Réfléchir en noir et blanc avant de transposer en couleur, voilà ma méthode! Je vous propose
de me suivre de l’étude à la réalisation d’un tableau aux couleurs de l’automne.
Nuancier : préambule
Le matériel à la palette
l Une toile format 10 F Il serait évidemment plus simple
(55 x 46 cm) de reproduire la photo couleur,
l Du gesso celle dont mon tirage noir et
l Un brumisateur blanc est issu. La contrainte, pour
l Acryliques de différentes moi, fait partie de la création :
marques (Amsterdam, Sennelier, la recherche d’une image originale
Aquatech). Mes critères sont avec des couleurs inédites !
simples en rapport avec Le travail de la palette est essentiel.
ma technique au couteau. Il faut Les couleurs, en sortie de tube,
que les couleurs soient riches en sont pour moi toutes suspectes.
pigment avec une bonne tenue Je peins par mélanges en
à la lumière. La pâte doit être Ma démarche recherchant des ambiances
plutôt ferme, c’est important pour Au fil des années, le carnet à colorées inédites. Je fabrique
la pratique du couteau. dessin est devenu indispensable à souvent au préalable un petit
l Palette : terre de Sienne mon travail. Je réfléchis sur la lumière nuancier de gris colorés en
naturelle, terre de Sienne avant de penser la couleur! couleurs rompues. Il me semble
brûlée, terre d’ombre naturelle, Pour que le charme d’un tableau se
blanc de titane, bleu de Prusse, commencer, trouve dans l’intervalle, plus que
violet rouge foncé, rouge de je recadre sur les couleurs proprement dites !
quinacridone, vert de vessie, une photo, Pour débuter mon nuancier, j’utilise
vert olive clair, jaune azo foncé, un tirage noir trois teintes : un bleu de Prusse,
blanc de titane. et blanc, une terre de Sienne naturelle
l Couteaux : deux couteaux à à l’échelle du châssis sélectionné. et un violet rouge foncé.
peindre. J’en possède quelques- Je réalise d’après la photo
uns achetés au rayon bricolage. un dessin en noir et blanc au
J’apprécie la marque Liquitex stylo-bille. Le décor est simplifié,
pour la grande variété de modifié quelque peu, j’ajoute
sa gamme ! deux personnages. Autour de
l Pinceaux : brosse en soies l’arbre, sur les sous-bois, je pose
de porc ronde usagée, retaillée une série de gris optiques plutôt
par mes soins, brosse plate foncés. Sur l’environnement, le
synthétique. traité est plus nuancé. Les éléments
intermédiaires : sol, reflets, rochers
Le sujet sont moins marqués avec l’arbre
C’est simplement le spectacle au centre. Ils servent la lumière Ces trois couleurs d’orientation
naturel d’un arbre magnifique en générale! Je souhaite conserver primaire (bleu, jaune, rouge)
automne au milieu d’un paysage le rapport clair/obscur de la photo constituent la base de mon premier
posé sur un miroir d’eau. de base. Chaque couleur à sa propre essai. Je mélange ces teintes
valeur, les gris sur mon dessin au avec un peu de blanc de titane
Texte et photos : Daniel Germain stylo sont transposables en couleur. pour obtenir des gris colorés.

Mise en œuvre de
la toile étape par étape
2 Lorsque je commence une toile,

je pense à la place de la lumière,
au rapport de contrastes. Je réalise
une mise en valeur sur l’ensemble du
J’enduis une toile au gesso. paysage. Je pose sur la palette une
Le lendemain, la toile est prête. noix de terre d’ombre naturelle diluée 6 Pour apporter de la profondeur
Je prépare un jus orangé à base en lavis. J’applique sur les sous-bois, au paysage, je place sur le décor,
de terre de Sienne brûlée. en partie haute, une valeur sombre. 5 Avant d’entamer la réalisation à droite autour des personnages,
Je recouvre la toile en totalité. Sur la partie basse, mon intervention au couteau, je sélectionne une série de contrastes plus francs.
est plus nuancée (valeur moyenne sur mes spatules, une ou deux, de Je dispose des touches de lumière en
les rochers, la prairie et le plan d’eau). différentes formes, (choisies en rythme, clair/foncé, sur les rochers
fonction du graphisme général et les reflets. Sur la partie haute, tout
du motif.) J’aime la matière, en conservant son caractère sombre,
les empâtements. Pour ne pas je reviens zébrer le sous-bois avec
manquer de peinture, je fabrique un brun foncé ambré plus lumineux.
mes teintes en quantité. Avec À gauche, je renforce le caractère
une gamme étroite de teintes froid de cette zone avec des touches
chaudes claires, je peins l’arbre gris bleuté sur les sapins. Je travaille
par touches grasses. À l’inverse, en camaïeu de gris bleu. Pour finir,
sur la forêt, j’applique une je place entre les arbres quelques
gamme étroite de teintes froides trouées de lumière orangée
bleutées foncées. conflictuelles.
1 Avant tout, je place quelques

repères pour l’échelle et
les proportions des éléments. Dans
la foulée, avec une brosse imbibée 3 À ce stade, la mise en valeur
de brun, je trace l’arbre d’un seul manque de contraste. Avec un lavis
tenant. En haut à droite, j’esquisse plus foncé, je reviens peindre
sur la pente une série de troncs en l’arbre et son feuillage (de droite à
rythme, de différentes longueurs… gauche, dans le sens de l’éclairage,
L’emplacement des sous-bois ! en conservant la lumière en
Plus bas, à l’extrême gauche, je réserve sur la partie périphérique
place le petit sapin à plateaux et des branches éclairées).
les rochers sur le rivage. Je termine
par les deux personnages à droite
sur le chemin.
4 Avec une brosse plate, je pose

les premières masses colorées sur
l’arbre et la partie basse du paysage.
Placées à proximité, mes études
orientent mes choix colorés.
Je travaille avec trois teintes en
mélange (jaune azo, vert olive clair,
terre de Sienne brûlée). À l’arrière-
plan, à gauche sur le fond, je pose
quelques touches de gris bleutés
sur les branches de sapin, combinés
avec des gris colorés brun-violet.

PERFECTIONNEMENT
MASSES CONTRASTES TONALITÉS PLEIN-AIR
Moment en sous-bois
au pastel
Le Périgord pourpre de Peter Thomas regorge de prétextes à interprétation sur le motif.
C’est en bordure de la forêt de la Double que l’artiste choisit de poser son chevalet,
au milieu d’un petit chemin bordé de chênes et d’acacias.
Affiner les masses

Le matériel La modulation des verts me permet
l Mon chevalet de campagne, de jouer aussi sur les contrastes.
léger et repliable, équipé Lumineux ou très denses, foncés,
d’un réceptacle pour ils traduisent ces très beaux clairs-
les bâtonnets de pastel obscurs. Les premières masses
l Une sélection, constante sont affinées ; chaque nouvel
pour mes paysages, d’environ apport de pastel vient moduler
90 pastels de marques différentes le précédent. Quelques traits de
(Rembrandt, Sennelier, Le cadre Les premiers blocs fusain redessinent ou resituent
Schmincke…) Après quelques pas dans la forêt, Les premiers repères colorés au un tronc, une branche : mon dessin
l Feuille Canson Mi-teintes® j’ai choisi la perspective pastel apparaissent : ils servent n’est pas figé.
gris fumé, 50 x 65 cm. de ce chemin ombragé pour avant tout à situer les valeurs.
les beaux contrastes de lumière J’évite cependant d’être d’emblée
qu’elle propose. Le feuillage joue trop fort, trop épais, si je dois
avec les rais de lumière, les troncs éclaircir par la suite. J’utilise
structurent le point de vue et la tranche du pastel pour poser
la distance. Je tourne le dos au soleil, ces repères de manière franche.
mais la clarté du jour va évoluer : Au chair clair, je marque déjà
il est un peu plus de 16 heures, quelques points de lumière,
l Parmi ma sélection de j’ai environ une heure devant moi. qui, le soleil déclinant, bougeront
couleurs pour les paysages, très vite…
je dispose d’une grande base
de Rembrandt : douces,
CONSEIL
souples, ces couleurs permettent TRAVAILLER SUR LE MOTIF,
un premier apport de pastel UN EXERCICE PARTICULIER
modéré sur le papier, qui dans un Peindre à l’extérieur,
premier temps, évite la saturation c’est un peu capturer
du support et autorise plus les meilleurs moments
sur une période de temps
de liberté dans les couches nécessairement courte,
successives – ma manière en raison du changement
de travailler. Il sera plus facile L’esquisse de lumière. La mémoire est
ensuite de moduler avec Je trace au fusain les grandes Les contrastes très sollicitée : les zones
des pastels très tendres, tels lignes du motif sans m’attarder Ils sont rapidement marqués par de clarté et d’ombre
les Schmincke dans les tons clairs sur les détails, puisqu’il s’agit du gris-bleu dense dans l’ombre. sont mouvantes, elles
ou les Sennelier pour les foncés. avant tout d’éviter les erreurs de Le tableau doit être « riche », s’accentuent ou déclinent
Par exemple, une base de vert composition, de distance. avancer rapidement dans l’apport selon le moment de
sombre posée en Rembrandt À cette étape, une mauvaise de tons se répondant. La relative la journée. Voici un bon
accueille parfaitement le blanc de interprétation pourrait homogénéité de la lumière, à exercice d’entraînement :
placez-vous, avec
Schmincke. L’inverse est presque compromettre la suite. Par exemple, gauche, tranche avec les forts votre chevalet, dos au motif
impossible à obtenir… j’évite de faire partir des lignes contrastes des troncs à droite. Pour et obligez-vous à observer
vers les coins de la feuille. Je situe équilibrer, j’appuie les lumières pour et à mémoriser !
Avec la collaboration de Peter Thomas. les grandes masses, marque faire ressortir les branches en forme
Texte et photos : Elsa Parra. les verticales, en appuyant très peu. d’arche au-dessus du chemin.

Ma palette Le papier
La modulation Constituer une palette qui J’utilise presque
des couleurs me satisfasse m’a pris au moins systématiquement du Canson®,
Je choisis un vert moyen pour cinq ans. Elle se compose qui me permet de revenir sur
la large zone de feuillage. Dans aujourd’hui de quelque mes choix en effaçant, et ce
chaque vert, je saisis la tonalité 90 pastels. Couleurs chaudes, plus facilement que d’autres
qui le distingue, afin d’enrichir froides, mélange de jaunes et supports, tels le Pastel Card.
le sujet : il faut un peu exagérer De plus en plus précis de verts… je connais presque Une teinte grise assez douce,
par cœur l’emplacement de chaude, convient bien aux
sa perception et, par exemple, Je suis au cœur de la seconde chaque nuance, ce qui m’évite de paysages, où dominent bien
bien faire ressortir le bleu présent étape de création : à la première perdre du temps et me permet évidemment les verts. J’utilise
dans un vert. Je continue à veiller phase de construction du sujet, de trouver le « bon » pastel le côté lisse, car la face
aux distances, par le rapport entre assez rapide, succède cette phase rapidement. Un peu comme rugueuse s’engorge de pastel.
les clairs et les sombres, les troncs d’expression, de précision où les touches d’un clavier pour Le format 50 x 65 cm est
assurant une grande partie de s’exprime mon style. Je continue un pianiste aguerri ! Les nuances la taille de papier maximale
la perspective. à travailler dans le détail au fur sont parfois très proches, pour travailler assis et bien
et à mesure sans perdre les valeurs évidemment, et difficiles appréhender le cadre choisi
déjà établies ; je continue à à discerner en considérant d’un sujet. Je place sous
modeler mon sujet, accentuant ici, uniquement les bâtonnets. mon support de composition
Je conseille à mes stagiaires un « coussin », composé d’au
apportant là plus de texture. de tracer un trait des couleurs moins cinq feuilles : l’accueil du
proches sur un papier, pour geste est ainsi beaucoup plus
mieux les distinguer, savoir agréable, en souplesse, le trait
Les dernières touches de quoi ils disposent et ce exempt de la texture du bois.
J’affine les détails qui vont aider qui pourrait leur manquer, afin
à donner l’impression de l’espace de créer leur propre palette.
Un peu de texture et l’ambiance du lieu. Je poursuis
Je commence à préciser dans la précision sans perdre
les textures, appuyant davantage l’essentiel : l’impression que me
le pastel. Les blocs deviennent plus procure cette scène, le ressenti
précis, le feuillage plus complexe… de ce lieu que magnifie la force
Quelques troncs d’acacias des contrastes. Il ne reste plus
plus fins contribuent à renforcer qu’à s’interrompre une fois le point
l’effet de distance et donnent d’équilibre atteint, un moment
du rythme. Je renforce les taches crucial que l’expérience permet
de lumière, comme le vert très de saisir… au bon instant.
soutenu du feuillage. Je reprends
le chemin au fusain pour accentuer
son mouvement.
CONSEIL
DES PHOTOS
POUR MÉMOIRE
Par précaution, je prends
quelques photos du sujet,
pour rappel. Plusieurs
raisons à cela : le temps
peut changer, m’obligeant
à replier rapidement
le chevalet, et les prises
Le lendemain… de vues me permettent aussi
Je reviens sur les lieux à la même de retourner au tableau
heure pour retrouver la lumière à tête reposée, à l’atelier,
et les valeurs vues la veille et qui entre deux séances. Mais
ont inspiré le choix du motif. le mode « automatique »
Procéder en deux séances est des appareils numériques
presque une nécessité : au-delà a tendance à fausser
d’une heure d’observation, le regard les contrastes et
les couleurs, donnant
sature. La phase de composition un aspect général assez
demande une certaine dose neutre et fade… J’essaie de
d’énergie : les lignes doivent pallier ce défaut en capturant
être absolument correctes, d’abord la lumière du ciel
le terrain parfaitement préparé avant de saisir le sujet.
avant de façonner les détails.

PERFECTIONNEMENT
TEMPÉRATURE RÈGLES CHROMATIQUES MATRICES
Maîtriser le paysage
par les valeurs
avant les couleurs
Sujets à émotions se prêtant à une construction méthodique de formes, de lumières et de couleurs,
les paysages offrent la liberté de s’exprimer en prenant le parti de placer la créativité de l’artiste
au-dessus du respect topographique des lieux. Mais encore faut-il respecter certaines règles
techniques simples et efficaces. Mode d’emploi…
dans les détails et m’éloigner de repère les chemins de valeurs

S’approprier Le respect l’essence du paysage. La valeur est qui vont, par paliers, du sombre
le paysage des valeurs du sujet le seul élément que je m’interdis au clair. Ce travail de valoriste me
Pour appréhender une scène Personnellement, pour asseoir de modifier par la suite pour conduit parfois à rejeter un modèle
de paysage, je vais sur place ultérieurement mes couleurs, respecter au mieux la lumière du parce que l’échelle des valeurs est
pour ressentir l’atmosphère qui il m’est indispensable de passer modèle. Je note les valeurs de insatisfaisante : trop centrée entre
se dégage : la force du vent, par cette analyse des valeurs, chaque zone majeure, identifie 4 et 7, pas assez haute de 1 à 7, pas
les éclairages, l’immensité du c’est-à-dire par le niveau de la valeur des tons des objets et assez basse de 4 à 10.
lieu… Je prends des photos et clarté des couleurs. Les valeurs
les complète par des recherches s’évaluent sur une échelle qui va
sur Internet. L’histoire du site, de 1 (le noir) à 10 (le blanc). LA RÉALISATION DE LA PEINTURE
son évolution, son rôle dans Le noir Le blanc EN PHASE 1
l’écosystème local entrent dans
ma démarche d’appropriation du Toutes mes toiles de lin sont préparées avec du gesso
sujet. Je réalise un dessin sommaire 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 pour les opacifier et les rigidifier.
pour résumer l’état d’avancement Ensuite, j’applique un ton de valeur entre 4 et 7, que je passe
de ma réflexion. Cette étape initiale Lorsque je m’inspire d’une photo, sur toute la toile à la brosse. Ainsi les couleurs que je poserai
est, en quelque sorte, mon plan je la désature pour appréhender par la suite s’appuieront sur un ton de valeur moyenne qui
de route. Je sais ce que je veux la distribution/répartition des valeurs peut être la dominante de l’œuvre.
faire de ce paysage et j’ai des idées du modèle. J’observe la luminosité,
plus précises pour traduire son intensité, sa hauteur Ma palette en phase 1
les sentiments qu’il m’inspire. et son orientation. Cette analyse Ma palette, pour le premier passage
toute simple révèle la valeur de des couleurs, est très minimaliste.
tous les objets de la scène. Elle Elle ne comporte que les primaires
J’apprécie m’indique notamment l’emplacement et un blanc de titane. Avec ces
et l’empreinte (forte ou faible) des quatre couleurs monopigmentaires,
toujours d’être ombres, très intéressantes pour mon objectif est de colorier le paysage
guidé par définir le volume des objets. avec des tons comportant les
six couleurs de base, à savoir les
la hiérarchie De plus, l’observation d’un paysage
en valeurs m’ouvre des horizons
trois primaires et les trois secondaires.
C’est un défi vivifiant qui me guidera et
des valeurs. pour simplifier voire synthétiser
certaines zones contiguës de
m’amènera à égayer ma mise en scène.
même couleur. Une profusion

Texte et photos : Jacques Tanguy de couleurs pourrait me perdre

Je commence par poser les valeurs de niveau 1, puis 2… pour finir par LA RÉALISATION DE LA PEINTURE
celles de niveau 10. C’est-à-dire que je commence par les tons les plus EN PHASE 2
foncés pour finir par les tons les plus clairs. Je fais des choix de tons Pour singulariser mes paysages et leur apporter une dimension
qui me viennent à l’esprit soit de façon réfléchie (respecter la gestion poétique, je complète ma palette avec de nouvelles couleurs,
des échos, par exemple) soit de façon spontanée sans prendre en dont trois secondaires monopigmentaires.
considération la réalité des paysages. Toutes les autres couleurs sont aussi monopigmentaires et je les
utilise sous forme de glacis pour ne pas modifier les valeurs établies
À ce stade, je ressens une liberté d’action maximale en raisonnant préalablement lors de la phase 1. Les pigments sont aquarellés
essentiellement sur le respect des valeurs. Si j’envisage ultérieurement avec un peu d’eau.
de changer une couleur, je le ferai sans difficulté ni crainte, toujours en Leur emploi
préservant la valeur. Ma seule contrainte est de mettre dans une zone, me permet de
par exemple, de valeur 4 un ton de valeur 4 qu’il est aisé (avec un peu rapprocher ou
d’expérience) de réaliser avec cette palette réduite. de contraster
des tons en
La matrice des valeurs/couleurs (voir ci-dessous) montre la richesse valeur et/ou
des tons que l’on peut obtenir pour décrire un paysage sans compter en couleur ou
les innombrables combinaisons de mélanges des pigments. Je vais aussi encore de flouter
pouvoir concevoir des tons saturés avec les primaires comme des tons des objets.
rompus avec les complémentaires (qui sont aussi de fait des primaires). J’enrichis
J’élabore mes terres (de Sienne, d’ombre brûlée…), fréquemment utilisées progressivement
dans les paysages avec ces trois primaires. mon œuvre
d’une diversité
de tons.
Je dynamise
mes paysages, en superposant à ma peinture de la phase 1 de légers
accidents. Je le fais avec toutes sortes d’outils, comme le couteau,
l’éventail, l’éponge, des pochoirs… L’application de ces instruments produit
des formes « étranges », dont je ne maîtrise pas toujours le résultat.
Cela apporte souvent de belles surprises. Intense émotionnellement,
cette étape me pousse à l’audace. Mes paysages en sont bonifiés.
En général, je respecte certaines règles chromatiques pour que

mes réalisations de paysages soient entre rêve et réalité.
Les règles chromatiques

à respecter pour les paysages
l Les tons chauds sont au premier plan et les tons froids au second plan.
l Les objets du premier plan sont de couleur plus vive,
plus détaillés et découpés.
l Les tons du fond sont chargés d’un peu de bleu/violet grisé.
l Les objets au loin deviennent flous et fondus.
l Les contrastes de valeurs et de couleurs s’atténuent
La matrice des valeurs/couleurs progressivement au loin.
Au sein d’une valeur (cf. une colonne de la matrice des valeurs/couleurs),
le passage d’un ton à un autre (une colonne du tableau) se fait vite si Sans modifier les valeurs, je gère les transitions entre les objets
la valeur initiale est déjà juste. Je constate ainsi progressivement si la pose (plan d’eau, arbres…) en jouant sur des effets optiques.
de mes valeurs est bonne et si l’ensemble des tons fait chanter l’ensemble
par sa diversité des couleurs. Les paysages ont cette particularité de Comment modifier la perception d’un élément
proposer tous les contrastes possibles avec la possibilité de les combiner. Sans toucher au ton d’un élément, on peut modifier la perception qu’il
renvoie en modifiant ce qui l’entoure. Parmi les solutions, celles qui
Les différents types de contrastes consistent à
Une fois cette phase initiale entourer l’objet
terminée, je prends une photo d’une couleur
désaturée de ma peinture plus claire ou
pour m’assurer que le rythme plus sombre
et la répartition des valeurs doivent être
sont satisfaisants. Au besoin, prudemment
je refais quelques tons pour envisagées car
répondre à un meilleur elles touchent
équilibre chromatique. aux valeurs.

PERFECTIONNEMENT
Maîtriser le paysage par la couleur et les valeurs
Des exemples d’acryliques à la loupe

La forêt de
Paimpont
La source d’inspiration
La forêt de Paimpont, située dans
le centre armoricain, est le berceau
de nombreuses légendes celtes.
Le processus créatif
Dans ce tableau, j’ai voulu que
l’atmosphère soit diaphane et semi-
transparente. Les arbres sont habillés
de couleurs grisées chaudes
(orange) et froides (violet) pour créer
des contrastes apaisants de couleurs.
Quelques ombres courent sur le sol et
dévoilent la topographie des lieux.
Elles témoignent d’un climat ensoleillé.
Pour le ciel, j’ai créé un serpentin de
lumière, entre sol et le haut des arbres
pour dynamiser la scène et lui donner
de la profondeur.
La forêt de Paimpont.
2022-23. Acrylique,
73 x 92 cm.
La côte
à Tréguier
La côte de Granit rose de Tréguier est riche
de petites plages de sable bien cachées
derrière des landes sauvages.
Ce mariage réussi m’invite à peindre
une scène paisible, où il fait bon vivre.
Pour rappeler la présence du granit dans
ce paysage, j’ai mis, sous l’horizon, quelques
rochers. La végétation du premier plan
très vigoureuse renforce la profondeur de
la scène et l’harmonie des bleus. Pour tonifier
l’ensemble, un orange soutenu sur la plage
vient s’opposer au bleu grisé de l’océan.
La côte à Tréguier.
2022-23. Acrylique,
81 x 100 cm.

Les tons clairs sont principalement dans la partie haute au contact de la lumière.
Les découpages en « dentelles » des tons colorés sont réalisés avec la technique Le marais salant de la presqu’île
dite du travail en négatif. C’est une technique très précieuse qui consiste, pour de Guérande. 2022-23.
les arbres, à définir la forme d’une zone de couleur en la travaillant avec les tons
qui gravitent autour. J’apprécie particulièrement l’émotion qui se dégage de
Acrylique, 73 x 92 cm.
ce travail minutieux, musical et poétique.
La forêt
de
Fougères
La forêt domaniale de Fougères
est située en Ille-et-Vilaine.
Elle est constituée principalement
de hêtres et de chênes
impressionnants. Elle s’étend
sur 1 500 hectares. Sa végétation
abondante et multicolore parfois
sauvage m’a donné l’idée, arrivé
Le marais salant
devant un chêne imposant,
de traduire cette puissance dans
les feuilles de l’arbre.
J’ai établi une ligne d’horizon très
de la presqu’île
basse pour mettre en valeur le
feuillu des arbres. Pour pigmenter
la scène, j’ai mis cet imposant
de Guérande
végétal sur un plan incliné pour La photo sujet
renforcer la verticalité du tronc.
Les feuilles marient des tons très
grisés, notamment ceux au niveau
des arbres situés sur l’horizon,
et des tons très saturés.
La forêt de Fougères. 2022-23.

Le chemin de Loudéac
Les nombreux chemins de randonnée de Loudéac sont apaisants et se laissent
parcourir agréablement, encadrés par une flore riche d’espèces végétales.
Le processus créatif La source d’inspiration
Je me surprends, en Le marais salant de la presqu’île de Guérande est un paysage
marchant, à concevoir grandiose, façonné par la main de l’homme depuis des siècles.
des mosaïques de Sur 2 000 hectares, les salines se succèdent, entretenues
couleurs nées de par les paludiers.
mon imagination.
Les dessins Le processus créatif
des ombres m’aident Ce qui me captive, au-delà de l’immensité du site,
à donner l’illusion c’est la sensation de marcher sur l’océan et de respirer
du chemin raviné. un air salin renforcé par un léger vent humide.
Les arbres du fond Je traduis ces impressions par des herbes folles hautes
sont éclairés par en couleur. Elles longent les bassins et viennent apporter
le ciel, ce qui donne une animation et une verticalité qui donnent une
de la profondeur à composition équilibrée.
ce chemin fuyant.
Le chemin de Loudéac.
2022-23. Acrylique, 73 x 92 cm.
PERFECTIONNEMENT
Maîtriser le paysage par la couleur et les valeurs
Le chaos granitique
de Trégastel. 2022-23.
Le chaos granitique
de Trégastel
La photo sujet Usés et déformés par l’érosion à la fois de la
mer (lors des dernières glaciations), du vent
et des eaux pluviales, les rochers granitiques
des côtes d’Armor présentent des formes
étranges et originales. À Trégastel, le gros
rocher rose granitique sommital, presque
en lévitation dans l’air, me fascine. S’agit-il
d’une fiction ou d’une réalité?
Pour faire ressortir le gigantisme de la scène, je joue sur la perspective linéaire,
en l’occurrence la taille du personnage près de sa barque. Pour les tons, j’ai joué
sur des camaïeux de violets/roses avec des complémentaires d’un orange timide.
Le lac
de Guerlédan
Plus grande étendue d’eau de Bretagne, le lac de
Guerlédan s’étire sur 12 km au cœur de la Bretagne.
Son parcours est une invitation au calme et à la détente.
J’en profite pour libérer mon énergie en me livrant
à un bain de couleurs.
Étape par étape, mon interprétation vagabonde du
paysage me livre des couleurs et des valeurs parfois
contrastées (jaune/violet) ou au contraire très proches.
Je fais attention à bien gérer les échos pour que
la végétation et l’eau soient en étroite union. La barque
et les pêcheurs sont fondus dans le paysage. Ils sont
présents pour renforcer la dimension bucolique du lieu.
Bord de mer à Erdeven.

2022-23. Acrylique, 60 x 73 cm.
Bord de mer à Erdeven

À Erdeven, un pays de plages, de dunes et de mégalithes, j’ai voulu traduire mes impressions
par une composition associant étroitement la vie paisible menée dans un cadre alliant
essences d’arbres et océan.
Les tons grisés renforcent ce climat de quiétude. Comme souvent, pour animer le plan
Le lac de Guerlédan.
2022-23. Acrylique, 65 x 81 cm. d’eau, je joue sur des contrastes de valeurs qui vont du très sombre au très clair par paliers
successifs plaisants à élaborer. C’est ce que j’appelle un chemin de valeurs.

Les plateaux
de Gourin.
La cascade
2022-23.
Acrylique,
73 x 60 cm.
d’Huelgoat
Ce site est impressionnant par le nombre de chutes
d’eau disséminées à travers un amoncellement
de blocs granitiques de toutes tailles et de toutes
formes. Venant d’une rivière qui descend des monts
d’Arrée, sur une longueur de quelques centaines
de mètres, la cascade descend de 200 à 110 mètres
avec un bruit assourdissant.
J’ai perçu comme un beau défi le mariage des oppositions entre la légèreté de
l’eau et les lourdes masses de granit. La végétation sauvage apporte un grain
de folie à l’ensemble. J’ai décidé de couvrir le fond de la toile d’un violet de
valeur 5 en éclairant toutes les surfaces d’eau avec une valeur de 7, 8. Le violet
me permet de mettre en valeur les rochers qui seront de couleurs tirant sur
sa complémentaire orange, mais de valeur entre 1 et 3.
Les plateaux Je commence à peindre tous les volumes de niveau de valeur 1 en rouge et
de Gourin
violet pour les premiers plans et en bleu et vert pour les seconds plans.
Comme les sombres concernent uniquement le minéral, je vois ainsi tout de suite
que la composition que m’offre la nature est excellente. Je ne vais me consacrer
aux couleurs qu’en montant par paliers de valeurs vers le blanc.
Autour du Faouët bordés au nord par les montagnes noires, La phase 2 de ma démarche me conduit à
et à l’est par la vallée du Blavet, les plateaux de Gourin utiliser principalement le couteau, que je passe
sont parmi les plus boisés du Morbihan. Ils sont traversés sur le violet des chutes d’eau et sur la plupart
par des cours d’eau sauvages. des rochers. La présence d’un gesso posé
préalablement sur la toile en épaisseur facilite
Le processus créatif : J’ai voulu résumer ces paysages la réalisation des éclaboussures bienvenues qui
par les éclairages d’une journée brumeuse, un arrière-plan simulent le bouillonnement des chutes d’eau.
très grisé, et des reflets feutrés sur le plan d’eau. La brosse à dents participe aussi à cette illusion.
Je finis l’arrière-plan de la toile par de la végétation

dans les tons dominants de la toile. Les rochers du premier plan par leur couleur
et leur masse apportent un contraste visuel fort par rapport au reste de la scène.
Portrait
Jacques Tanguy,
scientifique de La cascade
formation, a été d’Huelgoat.
initié à la peinture 2022-23. Acrylique,
par deux maîtres 73 x 60 cm.
coloristes,
Monique Baroni
(ex. présidente
d’honneur du Salon
d’Automne) et Arlette
Le More (Académie de Port Royal). Il a ensuite
fait les Beaux-Arts de Rennes, avant d’exercer
sa passion dans l’ouest de la France, où il trouve
ses sources d’inspiration.
Jacques Tanguy est aussi l’auteur d’un livre aux
éditions d’art Ulisse intitulé Maîtriser la couleur –
une méthode simple et efficace. Accessible aux peintres débutants
comme aux coloristes confirmés, sa méthode permet de maîtriser
l’art des couleurs, tout en encourageant la créativité.
160 pages – Disponible dans toutes les grandes enseignes et sur
notre site divertistore.fr (réf 10567-2575).
www.tanguy-jacques.bzh

PERFECTIONNEMENT
CROQUIS DE MASSES HARMONIE COLORÉE STRUCTURE
Synthétiser un
paysage à l’aquarelle
Traiter un paysage en synthèse jusqu’aux frontières de l’abstraction afin de toucher à l’essentiel
– la quintessence des formes et de l’harmonie colorée –, vaste programme! Ce travail d’épure
passe par tout un processus d’analyse et de préparation qui conditionne le temps de l’action.
Laissez-vous guider par Eva Gohier et vous ne serez plus habité(e) par la peur du vide.
Phase 1. La pose des dessous, l’affirmation des formes

Support
J’ai opté pour un papier Arches
300 g, 100 % coton, dont j’apprécie
le caractère sensuel allié à une
résistance intrinsèque. Le choix
du support est fonction de son
tempérament. Il influe directement
sur le geste peint et le rendu des
couleurs. Je n’hésite pas à tester
de nouveaux papiers pour élargir
mon registre plastique. Je tends
mon papier, légèrement humidifié,
sur une planche de bois, en le
fixant avec des bandes de kraft 3 J’observe les premières
adhésives repositionnables. interactions de l’eau. Je structure
progressivement par les lumières
avant d’introduire des bleus
plus soutenus en jouant sur
la fusion des pigments. Par le jeu
des mélanges optiques, j’anticipe
1 Après avoir humidifié le papier sur les verts.
Arches, 100 % coton, je passe
un voile de bleu turquoise
transparent. Grâce aux études
Spalters de choix préalables, j’ai une idée mentale
Malgré les dimensions modestes précise du sujet, même si, avec
du support (30 x 40 cm), j’utilise l’aquarelle, le résultat peut
des spalters de grande taille (50 à m’échapper partiellement. Je force
100 mm). C’est le meilleur moyen ponctuellement la pigmentation
de ne pas être tentée de s’attarder du ciel. Simple prise de repères.
sur les détails en privilégiant 2 Dans l’humide, je reviens
un travail en aplat. Ils autorisent avec des lavis de bleu indigo sur
un large champ d’expression les masses les plus sombres.
graphique, selon qu’on les utilise Je fais une repasse sur le ciel, afin
sur leur tranchant, leur plat ou leur de jouer sur les deux qualités de
pointe. Mais c’est la combinaison bleu (chaud/froid) et créer un effet 4 Arrêt sur image. À ce stade,
de ces différents modes opératoires spatial. Avec un ocre jaune rabattu aucune urgence. Je prends
qui permet toutes les audaces. Avec la collaboration d’Eva Gohier. d’une pointe de bleu, je pose le temps d’observer et d’analyser
Texte et photos : David Gauduchon quelques valeurs intermédiaires. les réactions du papier.

Du croquis à l’étude colorée
Pour s’essayer à une interprétation synthétique, il convient de
ne pas brûler les étapes, a fortiori lorsqu’on débute. À partir
d’un travail d’observation sur le terrain, « mémorisé » par des photos,
je multiplie les croquis de masse et de lumière, afin de m’imprégner
de l’architecture même du sujet. Cette approche par un dessin de
structure me permet progressivement d’opérer par décantation,
jusqu’à obtenir une forme d’épure. Imprégnée de mon sujet, je trouve
plus facile ensuite de « lâcher prise », de tenter de le dépasser afin
d’en offrir une interprétation toute personnelle. Dans un second
5 Plus on avance dans temps, je multiplie les études colorées, afin d’arrêter une harmonie
la concentration et le renforcement de base. Je veille à limiter mon choix de teintes.
des teintes, plus il convient d’être
vigilant. Je prépare quelques
mélanges, afin d’enrichir ma base
de bleu et de jaune. Je module
mes aplats et matérialise la présence 7 À partir d’une base chaude,
de la mer sur différents plans. composée de terre de Sienne,
d’orange transparent et d’indigo, je
travaille des teintes intermédiaires
qui vont me permettre de moduler
les ombres, de leur apporter de
la profondeur et du mouvement.
Le travail dans l’humide, avec
sa dimension mystérieuse, opère.
6 Le sujet est en place sur le

plan structurel. Je m’attache
maintenant à enrichir sa gamme
chromatique, sans trop rentrer
dans les détails. Toute la difficulté
réside dans cet équilibre mouvant
entre la description et le non-
dit. La frontière est ténue. C’est 8 Arrêt sur image. Le graphisme
une question d’appréciation et de est indissociable de la couleur.
prise de risques. Le dessin est nécessaire. Il est
sécurisant, voire gratifiant par
la beauté de ses lignes. Il doit
cependant rester sous-jacent, afin
de ne pas tomber dans le piège
du « trop dessiné ». Là n’est pas
mon propos.
« Laisser faire et
contrôler, la pratique
de l’aquarelle repose
sur une dualité
constante qui induit
une tension,
celle qui fera battre
le cœur de l’œuvre
en gestation. »

PERFECTIONNEMENT
Synthétiser un paysage
Phase 2. La gestion des masses et de l’harmonie colorée

À noter :
Travailler debout
Je travaille en station debout
en faisant face à mon
support qui, lui, est posé sur
une table de travail. Cette
position permet de libérer
le geste, tout en conservant
le recul nécessaire. Pendant
la conduite de l’aquarelle,
je n’hésite pas à m’emparer
du support, afin d’accompagner
les pigments ou d’interagir sur
leur circulation.
9 Je privilégie un travail en valeur ou en prolongeant certains

plutôt qu’en couleur, laquelle se effets de fusion. Il importe
montre parfois trop séduisante, d’utiliser un spalter propre
avec le risque de se perdre dans et convenablement humidifié, afin
des recherches d’harmonies de ne pas créer d’auréoles. 13 Je reviens avec des valeurs
hasardeuses. Je ressens toutefois moyennes et chaudes pour
le besoin de définir un point focal structurer les différents plans.
que je pressens au premier plan. Avec des lavis de bleu turquoise ou
Dans l’humide, j’appose un orange d’indigo, je donne plus de présence
transparent. J’apporte quelques à la mer étale et au ciel que
vibrations sur différents plans. j’envisage plus prégnant. Ici ou là,
je souligne quelques lumières.
11 Arrêt sur image. Je reviens

avec des aplats de bleu pour
foncer à nouveau les ombres.
Il est important de bien connaître
les réactions de son papier pour
anticiper le rendu au séchage.
Il faut veiller à ne pas boucher
la lumière intrinsèque.
Astuce
Deux spalters valent mieux
qu’un ! J’opère toujours avec
deux spalters, généralement
de même taille. L’un me permet
de véhiculer les pigments,
l’autre me sert de réservoir 12 Depuis le début, je sais 14 Il faut accepter l’imprévu.
d’eau, afin d’ouvrir des blancs, que cette partie gauche de l’aquarelle est aussi force
par exemple. la composition va être la plus de proposition. Le repentir
délicate à traiter. Dans les études est toujours délicat avec
préalables, mon regard s’est cette technique. Je ressens
10 À l’aide de mon second heurté au manque de clarté et toutefois le besoin d’atténuer
spalter, je tente de contrôler à la faiblesse du motif, un arbre une auréole malencontreuse.
certains aplats de couleur. Je les sur un promontoire rocheux. Ce que je fais, dans l’humide, avec
structure en retirant du pigment Je réfléchis à la manière de un torchon propre. Aux grands
dépasser cette difficulté. maux les grands moyens !

Phase 3. L’augmentation des contrastes
16 Je m’apprête à poser
le lavis final, afin d’exalter
le jeu des contrastes. Je trouve
les valeurs tonales de l’ensemble
un peu trop sur le même niveau.
C’est une étape cruciale. Si
j’échoue dans la conduite du bleu
foncé que je m’apprête à apposer
sur la partie sommitale du ciel, 17 Je retiens mon souffle. Je fais 18 Je contraste le ciel, puis
je peux condamner ma réalisation. appel à Chopin, dont les Nocturnes reviens sur la partie gauche
15 Même si la gestion du détail J’humidifie, dans un premier temps, sont magnifiquement interprétées de la composition, que l’on ne
n’est pas à proprement parler la zone concernée. par David Fray, pour me donner comprend pas bien au niveau
la priorité, mon intuition m’invite un peu de courage. Je me jette du dessin. Matérialiser la forme
à poser le mât de ce voilier au à l’eau – ou plutôt dans l’eau sans la dessiner précisément,
premier plan. Avec la tranche de – et je verse généreusement tel est le défi. J’essaie de redonner
mon spalter et un peu de bleu, je ma préparation de bleu foncé, de la structure au rocher
le suggère, tout comme je reviens que je tente immédiatement en le contrastant et en ouvrant
légèrement sur le dessin de de maîtriser. quelques blancs.
la coque.
Pour aller plus loin
Non loin de chez moi, j’aime me rendre à l’étang dit de la Morinière, qui
me nourrit d’un large registre de propositions selon les points de vue,
la lumière de l’instant et la saisonnalité. Sur des formats 35 x 50 cm et
40 x 60 cm, j’ai engagé un travail, toujours motivé par le principe de
synthèse, qui aboutit à des interprétations différentes qui tendent, pour
certaines, vers l’abstraction. Mais à bien y regarder, cette dimension
n’est-elle pas dans notre nature même ?
19 Final.
L’équilibre
chromatique me
satisfait, tout
comme
la partie droite de
la composition,
que je trouve
dynamique.
C’est un sujet
qui m’intéresse
et que je vais
reprendre
dans une autre
interprétation,
en mettant
à profit les
enseignements
de cette première
version.
Impressions
marines.
2019. Aquarelle,
35 x 50 cm.

PERFECTIONNEMENT
CONSTRUCTION ÉTUDE DES MASSES TOUCHES
Lumières du Sud
à la gouache
Le peintre écossais Jack Morrocco a une passion pour les lumières du sud de la France. Paysages
et scènes de vie sont transcendés par ses couleurs saturées et sa touche impressionniste. Le temps
d’une halte à l’ombre de platanes séculaires, il nous dévoile son savoir-faire qui fait la part belle
à une forme de spontanéité, qui n’en repose pas moins sur un véritable sens de la composition.
En quête de
vibration colorée
On me pose souvent la question
suivante : « Pourquoi ne
peignez-vous pas les paysages
d’Écosse ? » Aussi belle soit-elle, 3. J’essaie de progresser sur
la lumière de mon pays ne l’ensemble de la toile en précisant
m’offre pas un tel rayonnement, les valeurs tonales. Je renforce les
je parlerais même d’exubérance 1. Après avoir opté pour un format zones les plus claires et les plus
de la couleur, comme si elle 50 x 76 cm, je m’attache à sombres afin d’étalonner leur écart-
était sortie tout droit des tubes. la préparation du fond, qui doit être type et de fixer l’amplitude de la
J’aime par-dessus tout ces bien nourri. Je n’applique pas moins lumière. J’établis mon point de
contrastes forts, puissants, ces de quatre couches acrylique, fuite et pose la ligne d’horizon avec
tons qui vibrent sous la chaleur en imprimatur, tout en respectant un ton gris bleuté. Remarquez
parfois écrasante de la pleine les temps de séchage, raison comment le sens de la touche
journée. Plus qu’un coloriste, pour laquelle je prépare plusieurs 2. Toujours en jus très dilués, participe de la construction par
je me définis vraiment comme toiles en même temps. Pour finir, je m’attache à placer les principales masses colorées.
un peintre de la lumière, je passe une couche de peinture masses d’ombre et de lumière
en quête de cette « vibration à l’huile, en jus dilué à l’essence avec une gamme chromatique 4. Je précise l’alignement
colorée » poussée à son de térébenthine, en choisissant très restreinte : brun, vert, gris des platanes et leur ombre portée,
paroxysme, si chère à Cézanne. une tonalité verdâtre appliquée bleuté, rompus avec du blanc et tout en développant la gamme
avec une brosse large. du jaune. La composition ne doit des verts du feuillage. Les touches
pas en être moins juste, même si successives sont volontairement
Le sujet les repentirs sont bien entendu très schématiques. C’est par
J’adore les scènes de vie qui possibles. Tout repose sur la qualité leur juxtaposition et superposition
s’offrent à moi sur les places de l’observation préalable et que l’idée de volume se met en
ombragées des villages du sud « Remarquez de l’analyse, donc sur les choix qui place. Je positionne le kiosque sur
de la France. J’aime suivre du comment le sens en découlent. la droite de la composition.
regard le dessin de la lumière et de la touche
ses contrastes, saisir les couleurs participe aussi
chantantes aux accents de terroir.
Ah, si je pouvais peindre aussi de la construction
les bruits et les odeurs… par masses colorées. »
Avec la collaboration de
Jack Morrocco. Texte et photos :
David Gauduchon

Mon matériel
J’utilise principalement les huiles
extrafines Winsor & Newton,
7. Je précise le niveau d’information ainsi que les couleurs Jackson’s
des personnages, tout en restant et les Van Dyck de chez Ferrario.
allusif. Pour les besoins de la Pour certains mélanges,
composition, j’ajoute deux figures. notamment ceux à base de
Je place une femme en robe bleue blanc et de noir, j’emploie aussi
sur le côté gauche des arbres, qui la Griffin de Winsor & Newton,
répond à l’orangé du personnage qui contient une résine alkyde,
de droite. Je valorise les couleurs pour son temps de séchage
5. Je diminue l’apport de la térébenthine afin de valoriser le travail en pâte, saturées, les contrastes entre plus rapide.
notamment dans les accents de lumière. Je précise les valeurs foncées dans les passages « ombre et lumière ».
le feuillage et la zone de lumière au sol avec un blanc sorti du tube. Je détaille J’ajoute un kiosque dans Ma palette
les lignes de construction, verticales et horizontales, au pied des arbres et la continuité du premier, puis Comme vous pouvez le
du kiosque, pour lequel je joue sur trois teintes : vert tendre, brun, gris bleuté. quelques détails dans son enfilade : constater, je suis un peintre
J’affine ma palette avec des gris violacés que je fais dialoguer entre les différents parasols et chaises sont un prétexte particulièrement désordonné.
plans, et fais apparaître les trouées de ciel bleu à travers les feuillages. à placer des touches de couleur. Je ne nettoie jamais
mes brosses ni ma palette,
6. Tout en respectant l’échelle, que je racle de temps en temps
je suggère quelques personnages, pour avec une lame de couteau.
accentuer l’idée de mouvement et faire « J’essaie de traduire Lorsque j’ai besoin d’un
vibrer les couleurs complémentaires. l’idée de la chaleur mélange et que je n’ai plus de
En progressant en pâte et en privilégiant et de la fraîcheur place sur ma palette, j’opte
les teintes chaudes et intenses, pour un morceau de carton que
je monte la portée chromatique toute relative je jette ensuite. La vie est trop
de la toile en veillant à respecter que l’on trouve sous courte et j’ai tant à peindre !
ses grands équilibres de construction. les frondaisons. »
8. À ce stade de
finition, je suis
dans la délectation
de la couleur et
de la lumière, que
j’ajuste ici ou là
en en accentuant
l’intensité. J’essaie
de traduire l’idée
de la chaleur
et de la fraîcheur
toute relative que
l’on trouve sous
les frondaisons.
Je pousse la magie
des contrastes,
des lumières
rayonnantes, ce
miroitement parfois
aveuglant propre
aux paysages et
scène de vie du sud
de la France.

PERFECTIONNEMENT
TECHNIQUE ÉTUDE DES LUMIÈRES COULEURS
Le pastel à l’alcool
sur Pastel Card
La pastelliste québécoise Suzanne Godbout, de passage en Normandie, nous fait le plaisir
de peindre un sujet qui lui est cher : l’îlot de Contrecœur, au Canada. Coloriste non pas
d’instinct mais « par amour de la couleur », elle a choisi une lumière de coucher de soleil.
Voici sa technique particulière du pastel à l’alcool sur… Pastel Card.
5. Les tons clairs

Matériel Je pose les clairs. Le papier étant
Pastel Card gris clair, 40 x 40 cm. d’un gris pâle, je me concentre sur
Pastels de toutes sortes : les valeurs encore plus claires. J’ai
texture tendre et moyenne choisi un rosé chaud afin de disposer
(Ludwig, Girault, Great American, de trois roses distincts : rose foncé
Unison), plus dure pour l’esquisse tendance bleue, rose moyen tendance
et les détails (Caran d’Ache). rouge, rose clair tendance jaune.
Pinceau, alcool à 90° dans
un pulvérisateur de voyage.
3. L’alcool
1. Le dessin Je pulvérise de l’alcool sur
Je place les motifs avec un crayon la couche de pastel et laisse
pastel terre d’ombre (Derwent), sécher. La couche est ainsi
en posant tout d’abord mes renforcée et, plus foncée, elle
horizontales (ligne d’horizon, donnera de la profondeur aux
plan d’eau), puis en disposant sombres, faisant ainsi vibrer
les éléments : arbres, massifs. les couleurs froides.
Il s’agit avant tout de régler 6. Les sombres
les proportions, tout en sachant que 4. Les tons moyens extrêmes
toute correction est possible car Avec Maintenant que les trois valeurs sont
le crayon est facilement recouvert. le fuchsia installées, je reviens avec un ton très
Sujet d’un ton sombre : un violacé type aubergine.
Il s’agit de l’îlot de Contrecœur, inférieur, Ces quatre teintes forment la base
au Québec, qui m’est très je cherche de l’harmonie colorée, avant la pose
familier. Je le connais sous toutes les valeurs des couleurs locales.
ses lumières et l’affectionne moyennes.
tout particulièrement lors Cette teinte intermédiaire, que
des couchers de soleil. L’occasion je place dans les dégradés, sert de
pour moi de me lâcher avec couleur de transition. Je la mouille
des couleurs chaudes et vives, avec l’alcool et laisse sécher.
qui parlent à nos émotions, tandis
que le dessin, la composition,
les contrastes et les valeurs 2. Les grandes masses
s’adressent à notre intelligence Je pars sur une base fuchsia en 7. Le ciel
et à notre mémoire. deux tons qui donnera de beaux Je cherche le mouvement au moyen
reflets sur les arbres et l’eau. Avec le de touches spontanées et de nuances
Avec la collaboration de ton supérieur, je dessine les grandes (violet, mauve, orangé) qui donnent
Suzanne Godbout. masses sombres, me servant de l’impression du vent et des nuages.
Texte et photos : Stéphanie Portal la pointe et du talon du bâtonnet, Je floute certains contours pour
selon la direction des motifs. suggérer le côté vaporeux des nuages.
15. L’eau 17. Les herbes
Je travaille maintenant l’eau éclairées
et l’écume, à l’aide des mauves Certaines herbes sont éclairées
et orangés du ciel. Il s’agit par la lumière orangée du ciel.
de rendre cette zone plus Je reprends donc deux valeurs
intéressante et vivante. Je tiens d’orangés déjà présentes dans
compte des zones à l’ombre et le ciel et les pose sur la base verte,
8. Le soleil de celles plus en lumière. tout en légèreté, par petits traits
J’amène une nuance plus chaude aléatoires, sans pression.
pour attirer l’œil vers la gauche de 16. Les herbes
la peinture, suggérant la présence à l’ombre
du soleil hors cadre, diffusant 12. Les herbes Au vert clair et rompu, je traite
son aura colorée en dessous Pour les herbes à l’ombre, les herbes au second plan,
de la ligne d’arbres. à contre-jour, j’opte pour par petites touches. Je renforce
un vert turquoise, assez les ombres à la base des herbes
lumineux, qui complémente avec des tons sombres, et sur la rive
bien le fuchsia. Je nuance avec opposée, sur la partie sombre de
trois tons différents, procédant l’eau, avec des bleus et verts grisés.
par petites touches.
18. L’arrière-plan
bleuté
Je reviens sur l’arrière-plan, afin de
faire reculer cette bande d’arbres
9. La ligne d’arbres dans la distance. À l’aide de bleu et
J’atténue justement cette ligne de gris-bleu, je frotte le pastel avec
d’arbres à l’horizon en la bleutant légèreté, afin de laisser transparaître
légèrement avec un gris-bleu. la base fuchsia.
Il s’agit de l’éloigner, selon
le principe de la perspective 19. Le premier plan
atmosphérique, et de la faire passer 13. Le feuillage chaud J’atténue le premier plan avec
derrière les grands arbres. Je vais ensuite vers des verts plus un mauve, afin de diriger l’œil sur
chauds (kakis) pour travailler le centre de la composition. Je réduis
le volume des arbres. Je pense aux la base fuchsia, notamment sur
branches de devant et de derrière, les côtés, afin qu’aucune couleur vive
m’aidant de tons complémentaires n’attire le regard vers les périphéries.
pour faire avancer et reculer
les plans : verts grisés et violacés Avant la tombée
derrière, verts chauds devant du serein.
10. Le clocher (rompus à cause du contre-jour) 2019. Pastel,
Je positionne le clocher, afin et quelques verts lumineux pour 40 x 40 cm.
de ne pas l’oublier. Sans aller amener un peu de lumière dans
dans le détail, je le fais ressortir les ombres.
de la végétation avec un mauve
clair et redessine sa forme
avec le crayon graphite.
11. Le feuillage froid

Je choisis un vert moyen froid pour 14. Les trouées
le feuillage peu éclairé (aplats dans de lumière
différentes directions) et le premier Je reviens dans le feuillage avec
plan. Je continue avec une valeur un beau bleu afin de suggérer
plus sombre de vert, puis refroidis les des taches dans le ciel, visibles
ombres avec un bleu violacé sombre à travers des trouées dans
et un outremer. Le défi est de faire vivre le feuillage. Je continue avec
l’arbre, de dégager sa personnalité, ce bleu au premier plan pour
comme pour un personnage. des reflets du ciel sur l’eau.
PERFECTIONNEMENT
TRAVAIL EN GLACIS ÉTUDE DES CONTRASTES EMPÂTEMENT
Le contre-jour au service
du paysage (huile)
La lumière inonde les tableaux de Thomas Kegler : d’admirables couchers de soleil sur l’océan
qui laissent à peine passer un peu de l’éclat de l’astre. L’artiste revient pour nous sur la réalisation
d’une peinture à l’huile et nous explique comment réussir un bel effet de contre-jour.
Du croquis à l’œuvre finie, il livre ici quelques secrets…
3. Le transfert
Matériel sur la toile
Pinceaux : Rosemary & Co. Avec la plus grande précaution
Peintures : Huile aux pigments et en respectant au maximum
naturels Rublev. les lignes de l’étude, je transfère
Médiums : Oleogel et Impasto le dessin sur la toile préalablement
Rublev. préparée. Celle-ci est teinte avec
Toiles : Lin de la marque une terre d’ombre diluée avec du
Claessens de qualité portrait, qui
correspond à un grammage très fin.
Diluant : Gamsol (médium
inodore).
Vernis : Gamvar.
Gamsol. Sans attendre que ce

mi-ton sèche, j’applique la feuille
1. Réaliser je la transfère sur un papier en de papier sur la toile et je trace
une miniature plus grand format. En utilisant les lignes directrices. La pression
Au départ, il y a une petite une structure en étoile, j’essaye de exercée avec le crayon permet
esquisse, la plupart du temps de garder une trace qui me guide
réalisée sur le vif. Souvent, dans le travail de peinture.
je réalise une série de petits
dessins, c’est une façon pour 4. Exécuter
moi de m’assurer que j’ai exploré une grisaille
les différents angles de vue. La terre d’ombre est à nouveau
Je veux que ma composition soit utilisée pour réaliser un lavis.
parfaite et il est très rare que Je travaille les volumes à l’aide
Couleurs : cela soit le cas au premier jet. d’une grosse brosse. Pour cette
Les 5 indispensables Dès l’esquisse, j’essaye de prendre étape de la peinture, il ne faut pas
de ma palette : une décision relativement trouver une harmonie chercher à saisir les détails. Au
– blanc & noir à la couleur. Ici, j’opte pour une entre les différents éléments contraire, il faut essayer d’oublier
– rouge de cadmium dominante violette et jaune. qui composent la toile. le rendu final et se concentrer sur
– orange de cadmium J’étudie les lignes de force et la composition et la relation entre
– jaune indien 2. Passage les intersections. C’est un les différents plans. C’est pour moi
– violet au grand format processus long et minutieux. une étape cruciale : si, à mes yeux,
L’esquisse bien en tête, la composition ne fonctionne pas
Avec la collaboration de Thomas Kegler.
112 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE Texte : Arnaud Dimberton
Portrait
je préfère arrêter à cette étape accepter les glacis. Je combine Le contre-jour Né en 1970, Thomas Kegler
plutôt que de me lancer dans mes pigments avec le médium. pour créer l’émotion est un artiste autodidacte,
une peinture laborieuse qui risque Les détails sont peints avec Pour produire des œuvres qui transportent peintre classique, qui vit
d’aboutir à quelque chose qui ne des pinceaux fins. les spectateurs dans un univers onirique dans la région ouest de
me convient pas. et enchanteur, Thomas Kegler utilise New York. Ses sujets de
7. Empâtement la technique du contre-jour. En effet, prédilection sont les natures
et matière la lumière arrive toujours à l’arrière des mortes, les paysages et
Entre chaque glacis, je laisse la sujets centraux, du côté opposé à celui par les portraits. Ce goût pour
peinture sécher. Il faut comprendre lequel on regarde la toile. L’effet produit les peintures anciennes l’a
qu’à chaque fois que vous recouvrez permet de mettre en avant des éléments amené à étudier les recettes
de la composition. Le contre-jour ajoute des vieux maîtres, et il
un élément de mystère et de drame. consacre sa carrière à l’étude
de ces techniques. Thomas
Impératifs pour réussir Kegler est un enseignant
un effet de contre-jour passionné par le partage
l Les couleurs les plus hautes de des connaissances. Il a ainsi
5. Bloquer votre gamme chromatique doivent toujours réalisé un documentaire afin
les couleurs se situer à la limite de la lumière et du de partager sa passion pour
Les masses colorées sont début du paysage en contre-jour. Les objets les techniques classiques
fixées. Il s’agit de la tonalité éclairés par l’arrière devront être peints et la peinture en plein
générale de la toile. Là encore, la toile d’un glacis, vous altérez dans une gamme chromatique très basse. air. Pour lui, la peinture
j’utilise une brosse assez large. les valeurs et les températures l Travaillez le contraste car, sans lui, l’effet est une opportunité pour
Ces couleurs sont grisées et des couleurs. Pour donner de contre-jour est faible. Plus la lumière célébrer la beauté de
un peu plus claires que dans l’impression que le bateau est noyé enveloppe la zone de contrastes, où hautes la Création et tout son œuvre
la version finale. Je réalise ensuite dans la masse du soleil, j’ajoute et basses lumières se rencontrent, plus l’effet est traversé par un sentiment
une série de glacis qui transformera des notes orangées sur la coque. de contre-jour percute le regard. Des astuces religieux exacerbé.
la tonalité de cette couche Le côté tranchant d’un couteau aussi simples que de placer une zone www.thomaskegler.com
de peintre est idéal pour créer de très claire à côté d’une zone très sombre
l’empâtement. Cette technique accentuent cet effet d’éclairage par l’arrière.
permet de créer des zones l Placez des objets de façon asymétrique.
d’accroche pour le regard. Avec Peignez une petite masse à côté d’une grande.
une petite brosse usée, je tire En plus de créer des variations, vous jouerez
des bandes dans le bas de la toile sur les tonalités claires et sombres, et l’effet de
pour retirer de la matière et donner contre-jour en sera d’autant plus puissant.
l’illusion des vaguelettes.
8. Œuvre
inférieure. En procédant de cette terminée
façon, je peux jouer sur la valeur Au terme de
chromatique de l’ensemble et ainsi plusieurs jours de
renforcer l’effet de contre-jour. travail, la peinture
est enfin terminée.
6. Des glacis et J’ai ajouté de
des détails nombreux petits
Avant de commencer le travail détails et j’ai
en glacis, je laisse la toile retravaillé le ciel
complètement sécher. Grâce au pour lui donner
solvant, c’est assez rapide, comptez plus de présence.
deux ou trois jours. Première L’effet de contre-
étape importante, il faut huiler la jour me semble
surface sèche avec de l’Oleogel de bon. Il ne me
Rublev. Cela permet au lin de mieux reste plus qu’à
signer (le plus
discrètement
possible) et à
trouver un bel
encadrement.
Eventide, Psalms 141 :8.
2015. Huile sur toile
de lin, 35,5 x 45,7 cm.

LE COIN
LECTURE La Librairie de PRATIQUE DES ARTS
Voici une sélection de nouveaux livres présentant vos artistes et techniques préférés. Pour commander,
deux solutions : commandez sur papier libre et envoyez un chèque à l’ordre de Diverti Éditions Web
à Pratique des Arts – Service clients – 17, avenue du Cerisier noir – 86530 Naintré Directement sur
ou, plus simple encore, rendez-vous sur le site www.divertistore.com rubrique « BEAUX ARTS». votre téléphone, accédez
à notre boutique en flashant
Pour trouver les livres sur le site, tapez leur référence dans la recherche. le QRcode ci-dessus.
Livres & DVD Corie Herо Mni NOUVEAU

Peindre les paysages à l’aquarelle
Représentez tout ce que vous voyez grâce aux modèles en pas à pas
Joële Krupa NOUVEAU illustrés et aux paysages donnés en exemple : du champ de lavande
à celui de blé, du brouillard qui se lève sur la montagne aux embruns
L’aquarelle au fil de l’eau – LE DVD vidéo qui frappent un phare, en passant par ce chemin de campagne
La démonstration en vidéo est la manière la plus efficace ou cette lisière de forêt qui attendent sagement l’œil de l’artiste.
d’apprendre à peindre : dans ce film de 1 h 30, Joëlle vous 20 modèles à reproduire, des photos étape par étape, des conseils
présente une master-class pour réaliser un paysage de pour une jolie composition.
rivière, avec une méthode pédagogique structurée, avec pour 128 pages – 19 x 22,5 cm – Éditions Massin.
travaux principaux l’eau, la fluidité, le mouvement, l’émotion. ■ RÉF. 3716 – 19,90 € TTC.
Durée : 1 h 30 – Chapitrages – Auto-édité.
■ RÉF. 3868 – 25 € TTC. Stéphane Prévot NOUVEAU
La Loire, de Nantes à Orléans
sur les pas de William Turner
Partez pour un voyage en bord de Loire à travers les
Gaëtane Nicoulin-Béchir NOUVEAU aquarelles de Stéphane Prévot, diplômé des Beaux-Arts
de Nancy et des Arts décoratifs de Paris. Sensible à
Aquarelle – Fleurs des champs l’œuvre de William Turner (1775-1851), il souhaite refaire
Avec ses créations tout en finesse, dans le style « loose », son voyage de Nantes à Orléans. Simple randonneur ou
Gaëtane vous propose également un processus créatif explorateur curieux, il voyage pour réaliser ses rêves.
original où l’observation et l’interprétation vous permettront de 128 pages – 21 x 27 cm – Éditions Magellan & Cie.
développer votre propre style. Prenez pour modèle ces fleurs ■ RÉF. 3848 – 25 € TTC.
qui poussent naturellement dans les champs, les prairies
et les jardins sous l’ensemble des climats tempérés.
96 pages – 20,5 x 25,5 cm – Éditions Un dimanche après-midi. Agnès Goyet
■ RÉF. 3916 – 24,50 € TTC.
Compostelle pas à pas
Carnet aquarellé sur le chemin de Saint-Jacques
Pascal Gauthier NOUVEAU Découvrez le voyage post-confinement à Compostelle d’Agnès Goyet,
qui vous fait tout partager à travers de magnifiques illustrations
Pastel sec – Paysages figuratifs et abstraits aquarellées. Elle vous donne des conseils, adresses précieuses
Le pastel sec est une méthode reconnue pour la richesse de ses et astuces qu’elle a pu acquérir au cours de son aventure.
pigments, mais elle est plutôt difficile à utiliser. Pascal Gauthier, Son trajet : Le Puy-en-Velay jusqu’à Cahors, en passant par
peintre autodidacte, confie dans cet ouvrage ses pensées, conseils Aumont-Aubrac et Conques, soit au total presque 400 km.
et pratiques acquis au fil de sa carrière. Vous pourrez également 224 pages – 16 x 20 cm – Éditions Akinomé.
découvrir la beauté de l’Allier, département de son enfance, à travers ■ RÉF. 3714 – 24,90 € TTC.
ses œuvres. Ce livre vise à encourager tous les pastellistes à trouver
leur propre voie à travers la pratique des paysages au pastel sec.
128 pages – 21 x 28 cm – Ulisse Éditions.
■ RÉF. 3824 – 20,90 € TTC.
Mitchel Albala
Peindre des paysages
Julie e Pli о NOUVEAU
De nombreux exercices permettent de mettre en pratique les
démonstrations pas à pas et de s’approprier certains outils avec une
approche originale (le calque pour comprendre les lignes de force,
Dessiner le paysage travailler la composition d’une image avec des papiers découpés…).
Lignes et couleurs : de la mer à la ville Ce manuel de peinture de paysage aborde des notions essentielles
Comme dans un workshop, Juliette Plisson vous embarque dans propres à ce thème (la simplification, les valeurs, le cadrage, la
une promenade dessinée, des bords de mer de Noirmoutier aux quais profondeur, la couleur, etc.). Au sommaire : 10 exercices fondamentaux,
des fleuves citadins, pour vous apprendre à construire l’espace en 45 peintres contemporains, et 80 œuvres commentées.
utilisant différents médiums. À partir d’exposés rapides des notions 176 pages – 21 x 29 cm – Eyrolles Éditions
fondamentales et de nombreux exercices, elle revisite et transmet
■ RÉF. 3590 – 25 € TTC.
ce processus au cœur de la création : ressentir, observer, élaborer.
160 pages – 21 x 24 cm – Eyrolles éditions.
■ RÉF. 3850 – 24 € TTC.
S. Baraldi
Marie Bdо NOUVEAU Dessiner les paysages
Qui n’a jamais souhaité pouvoir, en quelques coups de crayon,
Paysages à l’aquarelle rendre l’atmosphère d’une ruelle, d’un petit village, d’un paysage ?
Couleurs, valeurs, composition, perspective, lumière, choix des Pratique et facile d’accès, ce livre s’adresse à ceux qui veulent
éléments, techniques spécifiques… tous les paramètres à prendre en apprendre, étape par étape, à dessiner la nature : paysages de forêt, de
compte sont expliqués étape par étape, avec de nombreux exemples, campagne, aquatiques, vues architecturales, ciels… Vous apprendrez
des exercices et des modèles décomposés pas à pas. Cet ouvrage ainsi à observer, à tracer une perspective, à jouer sur les tonalités,
vous accompagnera durablement : à mesure que vous progresserez, à esquisser, à crayonner, à croquer sur le vif. De nombreux modèles
vous y puiserez de précieux conseils pour affiner votre pratique. vous permettront de faire en un temps record des progrès étonnants.
160 pages – 22 x 25 cm – Mango éditions. 160 pages – 21 x 30 cm – De Vecchi Éditions.
■ RÉF. 3853 – 24,95 € TTC. ■ RÉF. 3547 – 15,90 € TTC.

65 000 PRODUITS
18 MAGASINS
100% BEAUX-ARTS
+ DE 1500 PAGES
À VOTRE SERVICE VOS MAGASINS 100% BEAUX-ARTS
8H-19H DÉCOUVREZ
LUN-SAM NOS PROMOTIONS Bordeaux
Lille
Nantes
Île de Nantes
sans interruption DU MOMENT GRÂCE Lyon presqu’île Paris XI
À CE QR CODE Lyon Paris XIII
Marseille Nice
Metz Rennes
Montpellier Strasbourg Gare
Mulhouse Strasbourg
Nancy Toulouse
www.geant-beaux-arts.fr
TOUT POUR L’ARTISTE Société Famie depuis 70 ans

Pratique Des Arts - Paysages

Transféré par

Informations du document

Copyright

Formats disponibles

Partager ce document

Partager ou intégrer le document

Options de partage

Avez-vous trouvé ce document utile ?

Ce contenu est-il inapproprié ?

Droits d'auteur :

Formats disponibles

Pratique Des Arts - Paysages

Transféré par

Droits d'auteur :

Formats disponibles

Pratique Le meilleur hors-série paysage

50 La nature pour modèle

pour réussir COMMENT

Important ! Nous prions nos abonnés d’indiquer lisiblement sur le talon

Présidente Diverti Éditions : Édith Cyr-Chagnon

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 3

LA VIE DES ARTS p. 16

CHAPITRE 2. COMPÉTENCES ESSENTIELLES p. 41

▶ Boîte à outils : p. 44 LES COMPÉTENCES

4 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

▶ Natalia Polikarpova (pastel) p. 58

▶ John Wilson (huile) p. 64

▶ Judith Bergerson (techniques mixtes) p. 70

▶ Marie-Christine Coupillaud (pastel) p. 76

▶ Méthode : Xavier Kosmalski (pastel) p. 90

▶ Méthode : Daniel Germain (acrylique) p. 94

▶ Méthode : Peter Thomas (pastel) p. 96

▶ Méthode : Jacques Tanguy (acrylique) p. 98

▶ Méthode : Eva Gohier (aquarelle) p. 104

▶ Méthode : Jack Morrocco (gouache) p. 108

▶ Méthode : Suzanne Godbout (pastel) p. 110

LIBRAIRIE spécial paysage p. 114

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 5

Our Daily Bread.

6 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 7

8 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 9

10 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 11

12 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 13

SHOPPING Texte : Stéphanie Portal.

Palette Sterling Edwards

Aquarelle extrafine Chevalet de

14 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

la vie des Photos : D. R.

Des salons pour profiter

Aquarelle Montgermont (35) Aquarelle

en Occitanie Série bleue. Canson M M Artist, 29 x 39 cm.

Du 13 au 28 mai 2023 Aquarelle Pays de Bâgé (01)

16 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

Aquarelle Le Pouliguen (44)

Aquarelle Le Bec-Hellouin (27)

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 17

Pastel Feytiat (87)

Stage des Pastellistes

l Jerzy Moscicki – Du mardi 8 au jeudi 10 août 2023

Joëlle Krupa. Chemin de vie.

18e Salon international by the River, 38 x 56 cm.

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 19

Et ne manquez pas le hors-série spécial par

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 21

COMPOSITION PROFONDEUR VOLUME PERSPECTIVE

22 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 23

Les lignes poussent le regard au

24 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

2. Par les valeurs

Pratique des Arts- Spécial PAYSAGE 25

5. Par la netteté des objets

6. Par les contrastes

26 Pratique des Arts-Spécial PAYSAGE

« Les ombres portées suivent les mêmes