YING-CHIEH WANG 王瀅絜 ARBRE NUAGE

contemporary music for erhu 二胡當代音樂

Les voi(es)x du erhu,
entre mémoire et imagination par Michèle Tosi
Détourner les instruments traditionnels de leur fonction assignée pour les
intégrer à tel ou tel autre univers musical était encore impensable en Chine
il y a une cinquantaine d’années. C’est Tōru Takemitsu, compositeur japonais
venu enseigner à Shanghai et Pékin en 1976, qui offre le premier exemple
de ce genre de « délocalisation » en incluant la lutherie de son pays (shō,
biwa, shakuhachi, orchestre de Gagaku...) au sein d’une écriture person-
nelle et contemporaine. Ainsi le erhu, vièle à deux cordes prenant part à la
musique de l’Opéra chinois, va-t-il lui aussi gagner son autonomie. Bientôt
soliste au sein de nombreux concertos, il est prisé par une génération de
pionniers – Qigang Chen, Yi Xu, Shuya Xu... - qui nous mettent à l’écoute
d’une lutherie chinoise liée intrinsèquement à la microtonalité, aux phéno-
mènes bruités, à l’énergie du geste... Autant de paramètres participant de la
culture du son des musiciens occidentaux des cinquante dernières années.
Parmi les six compositeurs réunis dans cet album, qui met le erhu au coeur
du projet et consacre son interprète virtuose Ying-Chieh Wang, quatre
d’entre eux sont chinois ou taïwanais, s’appropriant à leur manière un ins-
trument qu’ils situent entre héritage et innovation. Les deux autres, colom-
bien et français, s’y intéressent davantage pour ses qualités sonores propre-
ment dites, hors tout contexte traditionnel semble-t-il, mais la chose est-elle
vraiment possible?
Il n’est que d’écouter le erhu, qui se joue volontiers dans les grands es-
paces verts de la Chine - des images abondamment relayées sur You Tube
- pour que se profilent instantanément les perspectives sonores de l’Ex-
trême-Orient, ses couleurs, la courbure sensuelle de ses lignes et le temps
long dans lequel elles s’inscrivent. Due à la nature des cordes (à l’origine
en soie ou en boyau) et à la caisse de résonance hexagonale, qu’une peau
de serpent recouvre à l’avant, la qualité gutturale et presque cuivrée de la
sonorité, toujours entretenue par un léger vibrato (ou trémolo), confère à la
vièle chinoise une identité très forte. Son manche long et lisse favorise les
allures glissées des sons alors que les crins de l’archet adhérant aux cordes
autorisent des contacts percussifs très singuliers, véritables «  coups de glotte
» tirés d’un instrument à l’émission presque vocale parfois.
Cette dimension est exploitée par Leilei Tian dans Discours d’une larme
perdue où l’instrument traditionnel devient agent réactif entre mémoire et
imagination.
Délaissant sa fonction d’accompagnateur de l’Opéra chinois, le erhu chez
Leilei Tian est davantage « acteur », semblant imiter les inflexions vocales
des personnages au sein d’une pantomime étrange qu’il exécute avec la
guitare. Son timbre se fait plus nasal que guttural dans Ruins, une pièce
du compositeur taïwanais Wei-Chieh Lin confrontant le erhu à deux sources
sonores bruiteuses qui tendent à l’absorber. La démarche évoque celle d’un
Helmut Lachenmann, qui s’intéresse aux modes de production du son plus
qu’à sa plénitude résonnante. Les figures sonores vacillantes et fragiles du
« violon chinois  » s’estompent au profit des bruissements, grincements,
souffles et autres sons-bruits attenant au crin et au bois du erhu, une ma-
tière-source à travers laquelle le compositeur entend réinventer l’instru-
ment. Troisième pièce de cet enregistrement, Le train de la vie III de Lin-Ni
Liao est une oeuvre mixte associant le jeu live du ehru et la source électroa-
coustique qui lui confère tout à la fois aura spectrale et dimension spatiale.
Si les couleurs de la vièle, son grain sombre et les nervures rythmiques de
l’archet s’impriment sur le flux sonore, les textures y sont traitées, étirées
voire pulvérisées par les artifices de l’outil électronique. Le contexte est en-
core différent dans Aide-Mémoire C de Heng Chen où le erhu intègre cette
fois une formation de chambre, certes atypique – erhu, piano et accordéon
– mais attestant de la réactivité et de l’envergure sonore d’un instrument
éminemment ductile et virtuose : glissades vertigineuses, capacités per-
cussives et espaces saturés composent une trajectoire discontinue et une
matière obstinément frénétique où se multiplient les modes de jeux, sur le
erhu comme sur ses deux partenaires très solidaires.

Avec le compositeur colombien Juan Camillo Hernandez, les déhanche-

ments rythmiques de la danse sud-américaine qu’épouse le jeu du ehru
nous font aborder d’autres rives. L’écriture est acrobatique, jubilatoire et
émaillée d’humour dans Aquelarres qui associe l’instrument chinois à l’ac-
cordéon avec lequel il tend à fusionner. L’exploration inventive et subtile
menée sur les cordes, dans le registre des sons liminaux notamment, dé-
voile assurément d’autres facettes de l’instrument caméléon.

Enfin, c’est une musique de sons fixés, passant par les haut-parleurs, que
conçoit Christian Eloy dans Fold-in. A l’unicité du matériau – les sons du
erhu – répond le déploiement pluriel de la matière sonore soumise au
traitement des techniques électroacoustiques. Montage aphoristique, jeux
panoramiques, boucles, démultiplication de l’espace et étirement temporel 3

participent de la constellation sonore où l’identité de l’instrument-source

s’efface au gré des métamorphoses. Si la pièce nous prive, en concert, de la
présence physique de Ying-Chieh Wang, c’est l’énergie du geste et les cou-
leurs de sa palette sonore qui en fibrent l’espace, l’interprète virtuose s’étant
prêtée au jeu de l’enregistrement lors de la première phase du processus
compositionnel.
1. Leilei Tian (田蕾蕾) : Le discours d’une larme perdue (2012)
pour guitare et erhu
Oeuvre commandée par Tout Pour la Musique Contemporaine
« Dans cette oeuvre, je combine les deux instruments de manière organique
en même temps garder leurs caractéristiques spécifiques pour obtenir des
effets à la fois unifiés et contrastés. En terme du langage musical, j’essaye
également à harmoniser les nuances différentes de la culture orientale et
occidentale tout en respectant leurs propres expressions. Le discours d’une
larme perdue est un dialogue entre deux âmes et des échanges émotion-
nels entre elles. » (Leilei Tian)
Leilei Tian (田蕾蕾)
Leilei Tian est née en 1971 en Chine. Elle commence à étudier le piano à
l’âge de six ans. De 1988 à 1995, elle étudie la composition au Conserva-
toire Central de Musique de Pékin et obtient son Master. En 1997, elle part
étudier en Suède au Conservatoire de Musique de Göteborg où elle reçoit
son diplôme en perfectionnement en 2001. De 2002 à 2003, elle suit le
cursus à l’Ircam. Depuis elle s’est installée à Paris.
Elle est la lauréate des plusieurs concours internationaux prestigieux de
composition comme Concours de Besançon (France), Prix de ISCM, Concours
« Citta di Udine » (Italie), Concours du GRAME à Lyon et Concours de Gau-
deamus à Amsterdam. Lauréate de la sélection de l’Académie de France à
Rome, elle est pensionnaire à la Villa Médicis de 2012 à 2013.
Elle reçoit des commandes par les institutions de la musique, des festivals et
des ensembles et sa musique est bien reçue internationalement. Ses com-
positions sont également diffusées à la radio, sur CD et Internet. http://www.
tianleilei.org
2. Wei-Chieh Lin (林煒傑) : Ruins (2017) pour erhu et deux inter-
prètes
Oeuvre commandée par Taiwan National Center for Traditional Arts et Tout
Pour la Musique Contemporaine
En tant que compositeur taiwanais du XXIe siècle, je suis confronté à plu-
sieurs défis en écriture pour erhu. D’abord et avant tout, le erhu ne provient
pas de Taiwan, et certainement ce n’est pas un instrument que nous déve-
loppons dans notre vie quotidienne en cultivant de l’or. De plus, la propre
histoire du erhu s’accompagne de plusieurs modifications, réglages et jeux
où le technicien a été modernisé ou même occidentalisé dans une certaine
mesure. Ce qui reste est un instrument construit sur plusieurs couches de
références historiques et culturelles, semblable à un palimpseste. On pour-
rait certainement traiter l’instrument comme un objet, dont on explore les
possibilités sonores du point de vue contemporain. Peut-on continuer la
tradition de l’écriture mélodique typique du erhu chinois du siècle dernier
?…cette proposition n’est pas réalisable pour moi. Le seul moyen est de
traiter le erhu comme des ruines dont certaines « traditions » ou « fonda-
tions » sont conservées et respectées tandis que d’autres sont réimaginées
et reconfigurées. Ce qui m’a frappé comme l’apparence la plus belle et la
plus intrigante de l’instrument n’était pas le erhu lui-même, mais précisé-
ment les aspects physiques et interprétatifs de l’interaction intime entre le
joueur et l’instrument, comme le glissandi et les ornements, généralement
ajoutés pour embellir la mélodie d’une manière personnalisée et stylisée.
En se concentrant, ce qui a été considéré comme un élément décoratif, avec
la concentration que nous vibrons, d’abord à travers les cordes, puis, au bois
et enfin au corps de l’artiste, je crois que le erhu est maintenant fiable pour
vocaliser l’âme intérieure d’un héritage remanié.
(Wei-Chieh Lin / Traduction : Jean-Luc Penso)

Wei-Chieh Lin (林煒傑)
Né à Taichung, Taiwan, a étudié avec Tien-Lien Wu et Milton Babbitt. Il a reçu
des commandes de nombreux ensembles de musique de son pays et de
l’étranger, parmi lesquels  l’Orchestre Symphonique National de Taiwan,
l’Orchestre Philharmonique de Taipei, le Formosa Quartet, l’Ensemble In-
tercontemporain (France), l’Orchestre Philharmonique de Radio France, le
Nouvel Ensemble Moderne (Canada), Alarm Will Sound (USA), l’ensemble
Phoenix (Suisse), l’ensemble Meitar (Israel), l’ensemble Blauer Reiter (Al-
lemagne), l’ensemble Vertixe Sonora (Espagne), le Moscow Contemporary
Orchestra (Russie), et Klangforum Wien (Autriche). Ses œuvres ont été ré-
compensées par le Gaudeamus Muziek Prize (2011, mention honorable), le
prix de création artistique et littéraire du ministre de l’éducation de Taiwan
(2010), le National Taiwan Symphony Composition Award for distinctive
commission (2011), et le concours de composition symphonique national
de Taiwan (troisième place). Lin a participé à de nombreux festivals dont Do-
main Forget (Canada), l’Asian Composers League Music Festival, le festival
Manifeste/Acanthes (Ircam, Paris), le festival Voix Nouvelles de Royaumont,
et l’académie d’été de Darmstadt (Allemagne). (Traduction : Jean-Luc Penso)
3. Lin-Ni Liao (廖琳妮) : Le train de la vie III – WE (2012) pour erhu
et électronique
Commande de l’Orchestre chinois de Taipei dédiée à la soliste de erhu Ying-
Chieh Wang.
Le erhu est un violon chinois qui a pour l’origine le « huqin », petit violon
chinois utilisé pour accompagner les chants dans l’opéra du nord de Chine.
Le erhu tient dans l’orchestre chinois la même place que le violon dans l’or-
chestre occidental. La compositrice s’attache à dépasser un langage tradi-
tionnellement connu dans un discours vocal et mélodique d’un répertoire
classique qui restreint le registre et la nature de l’interprétation.
A travers l’observation (vocale) du langage original du erhu, les quatre élé-
ments musicaux sélectionnés sont basés sur les différents niveaux de son et
d’harmonique stable/instable et pur/bruité.
La partie électroacoustique est composée avec l’échantillonnage du erhu
enregistré par Ying-Chieh Wang dans la tessiture originale et la transposi-
tion de la quinte juste, du septième mineur et du neuvième majeur. Cette
écriture électroacoustique est proche de la notion d’orchestration et évolue
avec des sonorités contemporaines. (Lin-Ni Liao)
Lin-Ni Liao (廖琳妮)
Formée par Yoshihisa Taira, Allain Gaussin et Philippe Leroux, sa musique
est issue de la synesthésie à la lumière évoquée la notion du noble silence
et la respiration profonde. Ses oeuvres sont à la recherche d’une fusion mu-
sicale et philosophique entre le temps et l’espace, entre la gtuelle physique
et musicale, entre le visuel et l’auditif.
Sa musique a été interprétée par les ensembles Cairn, Multilatérale, Proxi-
ma Centauri, L’instant donné, Meitar, Quatuor Osmose, Arsenale… dans les
différentes salles françaises telles que la Cité de la musique, Centre Pompi-
dou, Musée du Quai Branly etc. dans différents festivals comme Ircam Mani-
Feste, Extension à Paris, Why Note à Dijon et Asian Composers League (ACL).
Lin-Ni Liao est docteure en musicologie et chercheuse associée à l’Institut
de Recherche en Musicologie (Université Paris-Sorbonne, CNRS), auteure
de trois livres et d’une dizaine articles autour de l’analyse du langage musi-
cal, de l’identité et de l’héritage culturel de la musique contemporaine en
Asie, et le féminisme dans le domaine de création en Extrême-Orient. Elle
est également directrice artistique TPMC (Tout Pour la Musique Contempo-
raine) à Paris. https://paris-sorbonne.academia.edu/LiaoLinNi
4. Heng Chen : Aide-mémoire C (2017) pour erhu, accordéon et piano l’atteindre. Je conçois le rapport entre les deux instruments comme une mo-
Oeuvre commandée par Taiwan National Center for Traditional Arts pour le projet saïque, un collage de figures sonores dans l’espace-temps. Cette euphorie est
Mentor and Partnership Program Dès qu’un objet apparaît dans un récit, nous parfois contrastée avec de moments plus statiques, ces passages sont dessinés
pourrions dire qu’il se charge d’une force particulière, qu’il devient semblable avec un lyrisme lugubre. Cette pièce a été écrite pour Pierre Cussac et Ying-
au pôle d’un champs magnétique, au nœud d’un réseau de rapports invisibles. Chieh Wang. Le travail en collaboration avec les musiciens a été indispensable
Le symbolisme d’un objet peut être plus ou moins explicite, mais il n’est jamais pour l’écriture de la pièce. (Juan Camilo Hernandez Sanchez)
absent. Dans un récit, pourrait-on dire, tout objet est objet magique. » Italo Cal-
vino
Pour enfiler les perles de velours, on a le fil et l’aiguille. Pour suturer la plaie du Juan Camilo Hernandez Sánchez
pain coupé, on a la mayonnaise. Pour décorer la baignoire avec de la mosaïque, Né à Bogota, Colombie, en 1982, après un parcours dans les musiques tra-
on a le silicone; néanmoins, de cette façon, on y perd souvent nos ongles. Alors, ditionnelles, le jazz et le rock il étudie la composition avec Jean-Luc Hervé et
pour rendre hommage à l’esprit de bravoure de C ; on a six fragments musi- Philippe Leroux. En 2010 il obtient un master au CNSMDP sous la direction de
caux. (Heng Chen) Stefano Gervasoni et Luis Naón. Il a obtenu plusieurs prix de composition (Mi-
nistère de la Culture de Colombie en 2001, Triennale de musique de Cologne
Heng Chen (陳珩) est né à Taipei en 1990. Après des études de piano et en 2010 et Auditorium National de Musique de Madrid). Ses œuvres ont été
de violon jusqu’à l’âge de dix-huit ans, il a obtenu sa licence de composition interprétées en France (Festival MUSICA, forum SIMC), en Allemagne (ZKM),
à l’Université Nationale des Arts de Taipei (TNUA) auprès de Hwang-Long Pan au Mexique, au Brésil, la Colombie, le Chili, les États-Unis entre autres. Des
et Ling-huei Tsai. Depuis 2013, il vit à Paris. Il a d’abord poursuivi ses études ensembles tels que l’ensemble Cairn, L’instant donné, L’ensemble Abstraï, Le
au Conservatoire Régional de Boulogne-Billancourt auprès de Jean-Luc Hervé, balcon et le KNM de Berlin ont joué ses pièces.
tout en étudiant l’orchestration avec Pierre Farago et l’éléctroacoustique avec (Juan Camilo Hernandez Sanchez) http://jucahesa.webs.com
Yan Maresz. Actuellement, il suit les cours de composition auprès de Gérard
Pesson au CNSMD de Paris. Il a suivi aussi l’enseignement de Chinary Ung,
Joel Hoffman, Deqing Wen et Kee Yong Chong en master class et académies 6. Christian Eloy : Fold-in (2017) pour musique acousmatique
musicales. Il est auteur de plusieurs œuvres dont de la musique scénique. Elles Oeuvre commandée par Taiwan National Center for Traditional Arts et Tout Pour
ont été créées et reprises à Taïwan, Séoul et Paris. la Musique Contemporaine
Fold-in est une pièce acousmatique dont les sons proviennent intégralement
5. Juan Camilo Hernandez Sanchez : Aquelarres (2012) pour erhu et de cet instrument très populaire en Asie, appelé parfois violon chinois, le erhu.
accordéon Lors des prises de son, quelques caractères de cet instrument se sont immédia-
Oeuvre commandée par Tout Pour la Musique Contemporaine tement imposés : un grain de son très présent, une forte énergie, un timbre très
Il y a dans Aquelarres une exploration de la continuité, du flux permanent d’in- marqué, le sustain de l’archet très long et très dense, un registre de nuances
formation. Le caractère global représente l’épuisement, ou plutôt un besoin de large et des modes de jeu très variés. Le revers de ce fortcaractère est que nous
avons là une instrument très identifiable, parfois connoté, dont les gènes trans-
paraissent dans toutes les manipulations.
Le fold-in (pliage), fait référence aux techniques utilisées en littérature, avec
les permutations, par William S. Burroughs et Brian Gysin dans les années
cinquante et soixante dont l’ouvrage The Third Mind réunit ces diverses expé-
riences. Ces techniques font évidemment penser aux techniques de montage
de la musique concrète naissante puis de l’électroacoustique avec l’élaboration
d’un vrai langage issu de ces manipulations élémentaires ; on pensera aussi à
ces diverses expériences d’œuvres collectives et de cadavres exquis pratiquées
dans les années soixante par les studios expérimentaux français.
J’ai donc retenu ces caractères forts de l’Erhu (grain du son, sostenuto, timbre,
pizzicato, etc.) en gardant les morphologies, les allures et autres critères Schaef-
feriens, pour ensuite construire le discours dans une relative simplicité de
montage et de mixage, y compris ces procédés semblables au pliage. (Christian
Eloy)
compenseront une cinquantaine d’œuvres dans le domaine électroacoustique,
instrumental, vocal et pédagogique.
Il est publié chez Billaudot, Fuzeau, Lemoine, Combre, Jobert, Notissimo et
Questions de tempéraments. Ses travaux musicologiques sont publiées au PUF
(France), Johnston Ed (Irlande), MIT Press (US), dans Le Mensuel littéraire et
poétique (Belgique) et chez Confluences (France).
Sa discographie compte des pièces sur une dizaine de références (monogra-
phique ou compilation) chez Ina GRM, IMEB, Sonorities, Octandre, etc.
http://pagesperso-orange.fr/christian.eloy/

Christian Eloy
Né à Amiens où il fait ses études musicales au Conservatoire régional en flûte
traversière, musique de chambre et écriture, ensuite au CNSMD de Paris, il tra-
vaille en orchestre professionnel, se perfectionne en direction d’orchestre, puis
devient professeur et directeur d’une école de musique pendant plusieurs an-
nées avant sa rencontre avec la musique électroacoustique, Ivo Malec, François
Bayle et le GRM (Groupe de Recherches Musicales).
Il est en charge du département de composition en musique électroacoustique
au Conservatoire de Bordeaux pendant vingt-cinq ans et des ateliers du GRM
à Paris pendant dix-sept ans. En 1990, il met en place l’association de compo-
siteurs Octandre qui sera le pilier d’une intense activité artistique à Bordeaux.
Christian Eloy est aussi le cofondateur et directeur artistique jusque 2012,
du SCRIME (Studio de Recherche et de Création en Informatique et Musique
Electroacoustique) à l’Université de Bordeaux. Plusieurs prix internationaux ré-
The voice(s) of the erhu,
between memory and imagination by Michèle Tosi
Diverting traditional instruments from their assigned role to include them
in this or that musical universe was unthinkable in China some fifty years
ago. It was Tōru Takemitsu, a Japanese composer who came to teach in Shan-
ghai and Beijing in 1976, who offered the first example of this instrumen-
tal “relocation“, by including his country’s lutherie (shō, biwa, shakuhachi,
Gagaku orchestra) in his personal and contemporary composing style. Thus
the erhu, the historic two-stringed fiddle of the Chinese Opera, came to gain
its autonomy. Quickly becoming a solo instrument in many concertos, it is
prized by a generation of pioneers - Qigang Chen, Yi Xu, Shuya Xu - who
have led us to hear Chinese strings as intrinsically linked with micro-tonality,
sound effects phenomena, and gestural energy – so many of the parameters
which have defined the sound culture of Western musicians in the last fifty
years.
The erhu is the heart of this project, which consecrates the talent of its virtuo-
so performer Ying-Chieh Wang. Among the six composers brought together
on this album, four are Chinese or Taiwanese, each appropriating in their
own way an instrument that is placed between heritage and innovation. The
other two, Colombian and French, are more interested in the actual sound
qualities of the erhu, outside of any traditional context, which leads us to
question if this separation is really possible.
The sound perspectives of the Far East – the colors and the long, sensual cur-
vature of its lines – are instantaneously evoked in hearing the erhu, which
is idyllically played in the vast green spaces of China, images of which are
abundantly found on YouTube. Due to the nature of the strings (originally
in silk or gut) and to the hexagonal sound box, which is covered at the front
in snakeskin, the resulting guttural and almost coppery sonorous quality,
which is always maintained by a slight vibrato (or tremolo), gives the erhu a
very strong identity. Its long and smooth neck favors quick, sliding sounds,
while the adhering contact of the horse hair bow to the strings allows for
distinctive, percussive effects - true “glottal stops” by which the instrumental
sometimes becomes almost vocal.
This vocal dimension is exploited by Leilei Tian in Discours d’une larme per-
due in which the traditional instrument becomes a reactive agent between
memory and imagination. Giving up its role as accompaniment in Chinese
opera, here the erhu is more “actor,” seeming to imitate the vocal inflections
of the characters in a strange pantomime that is performed along with guitar.
Its tone is more nasal than guttural in Ruins, a piece by Taiwanese composer
Wei-Chieh Lin, which confronts the erhu with two sound effects sources that
tend to absorb it. The approach evokes that of Helmut Lachenmann, who is
interested in the modes of sound production rather than its resonant abun-
dance. The wavering and fragile voice of the “Chinese violin“ fades in favor
of rustling, creaking, breathing and other sounds generated by horsehair
bow and erhu wood, source material through which the composer intends
to reinvent the instrument. Le train de la vie III by Lin-Ni Liao, the third piece
on this recording, is a mixed work combining live playing of the ehru with
electroacoustic source material which gives the instrument both a spectral
aura and a spatial dimension. If the colors of the erhu, its dark grain and the
rhythmic veins of the bow, are imprinted on the flow of sound, the textures
there are treated, stretched, even pulverized by the artifices of the electronic
tool. The context is still different in Aide-Mémoire C by Heng Chen, where
the erhu now combines with a chamber formation -erhu, piano and accor-
dion – certainly atypical, but attesting to the reactivity and the sonic scope
of an eminently ductile and virtuosic instrument: vertiginous glissades, per-
cussive capacities, and saturated spaces compose a discontinuous trajectory
and obstinately frenetic material in which the modes of playing multiply, on
the erhu as well as on its united partners.
With the Colombian composer Juan Camillo Hernández Sanchez, the rhyth-
mic swaying of South American dance married with the ehru takes us to
other shores. The composing in Aquelarres, in which the Chinese instrument
merges with the accordion, is acrobatic, jubilant and enamored with humor.
The inventive and subtle exploration carried out on the strings, most no-
tably in the register of liminal sounds, unquestionably reveals other facets
of the chameleon-like instrument. Finally, music of fixed sounds playing
through speakers is conceived by Christian Eloy in Fold-In, in which plu-
ral deployment of sound material subjected to electroacoustic techniques
responds to the uniqueness of the base material - the sounds of the erhu
itself. Aphoristic montage, panoramic games, loops, space reduction and
temporal stretching participate in a sound constellation where the identity
of the source instrument disappears following its metamorphoses. If the
piece deprives us of the physical presence of Ying-Chieh Wang in concert,
her gestural energy and the colors of her sound palette are interwoven into
the space as the virtuoso performer was recorded during the first phase of
the compositional process.

Translation: Maria Aragon


1. Leilei Tian (田蕾蕾): Le discours d’une larme perdue (The dis-
course of a lost tear 2012)
for guitar and erhu
Work commissioned by Tout Pour la Musique Contemporaine
In this work, I endeavor to combine the two instruments in an organic man-
ner, while at the same time keeping their specific characteristics in order
to obtain both a unified and contrasted effect. In terms of the musical lan-
guage, I try to harmonize different nuances of both Eastern and Western
culture while totally respecting their own expressions.
Discourse of a Lost Tear is a dialogue between two souls and the emotional
exchanges between them.
Leilei Tian (田蕾蕾)
Leilei Tian was born in 1971 in China. She studied composition at Central
Conservatory of Music in Beijing where she received her master’s degree.
She continued her studies at the Conservatory of Music in Gothenburg,
Sweden. In 2002, she began a one-year course for electroacoustic music at
IRCAM, and has been living in France ever since.
Tian the winner of several prestigious international awards, including first
prize in the Besançon Composition Competition (France), Citta di Udine
Contemporary Music Contest (Italy), Gaudeamus Competition in Ams-
terdam, Composition Competition of GRAME in Lyon, and ISCM Cash Young
Composer’s Award of World Music Days in Zürich. From 2006 to 2008, she
was the composer-in-residence of Contemporary Music Center in Sweden
(CoMa). In 2012, she was selected by the Academy of France for a one-year
residency at the Villa Medicis in Rome.
Her compositions have been widely performed and well received internatio-
nally, as well as being heard on radio, CD, and internet. www.tianleilei.org
2. Wei-Chieh Lin (林煒傑): Ruins (2017) for erhu and two perfor-
mers
Work commissioned by Taiwan National Center for Traditional Arts et Tout
Pour la Musique Contemporaine
As a Taiwanese composer in the 21st century, I’m confronted with several
challenges in writing for the erhu. First and foremost, erhu does not origi-
nate from Taiwan, and certainly it’s not an instrument that we grow up with
in our culture or daily life. Furthermore, the erhu’s own tradition has gone
through several modifications, where the tuning and playing techniques
have been modernized or even Westernized to some extent. What
remains is an instrument built on several layers of historical and culture re-
ferences, similar to a palimpsest or ancient architecture. One could certain-
ly treat the instrument as an object, explore its sonic possibilities from the
contemporary perspective, or one could continue in the typical Chinese erhu
tradition of melodic composition from the last century...neither of which are
possible for me. The only way is to treat the erhu as a sort of ruins, where
certain “traditions” or “foundations” are kept and respected, while others
are reimagined and reconfigured. What struck me as the most beautiful
and intriguing aspect of the instrument was not the erhu itself, but preci-
sely the physical and interpretive aspect of the intimate interaction between
the player and the instrument, such as glissandos and ornaments, typically
added to embellish the melody in a personalized or stylized manner. By
focusing on what was once considered a decorative element, along with the
concentration on vibration, first of the strings, then of the wood and finally
of the body of the performer, I believe the erhu is now able to vocalize its
inner soul within a reimagined heritage. (Wei-Chieh Lin)
Wei-Chieh Lin (林煒傑)
Lin Wei-Chieh was born in Taichung, Taiwan in 1982 and has studied with
Ting-Lien Wu and Milton Babbitt. He has received commissions from a
number of music groups at home and abroad, including National Taiwan
Symphony Orchestra, Taipei Philharmonic Orchestra, Formosa Quartet, En-
semble Intercontemporain (France), Orchestre philharmonique de Radio
France, Le Nouvel Ensemble Moderne (Canada), Alarm Will Sound (USA),
Ensemble Phoenix (Switzerland), Ensemble Meitar (Israel), Ensemble Blauer
Reiter (Germany), Ensemble Vertixe Sonora (Spain), Moscow Contemporary
Orchestra (Russia), and Klangforum Wien (Austria). His works have been re-
cognized with Honorable Mention at the 2011 Gaudeamus Muziek Prize,
2010 Literary and Artistic Creation Award of Taiwan Ministry of Education,
2011 National Taiwan Symphony Composition Award for distinctive com-
mission, and the third place in the National Taiwan Symphony Composition
Competition. Lin has participated in music festivals including the Domain
Forget in Canada, Asian Composers League Music Festival, Manifeste/Acan-
thes@Ircam, Voix Nouvelles in Royaumont, and Darmstadt Summer Course
in Germany.
3. Lin-Ni Liao (廖琳妮): Le train de la vie III – WE (2012) for erhu
and electronics
Work commissioned by Taipei Chinese Orchestra and dedicated to the erhu
soloist Ying-Chieh Wang
Le train de la vie III – WE is the third part of an electroacoustic series, after Le
train de la vie I – LR (2010) for electroacoustic and Le train de la vie II – Doris
(2010) for guitar and electronics.
The erhu is a Chinese violin originating from the huqin, a small Chinese
violin used to accompany the principal melody of singers in the opera of
northern China. The erhu holds the same place in the Chinese orchestra
as the violin in the Western orchestra.
In WE, Liao focused on going beyond the traditional language of the vocal
discourse and melodic character of a classical repertory which restrict the
register and the nature of musical interpretation.
Through the vocal observation of the original language of erhu, the four
musical elements are based on different levels of sound and harmonics –
stable/unstable, pure/with sound effects.
The electroacoustic part of the piece was created by sampling a recording of
Ying-Chieh Wang playing ehru in the original range and with a transposi-
tion of the perfect fifth, seventh and ninth major minor. This electroacoustic
writing approaches the concept of orchestration and evolves with contem-
porary sounds. (Lin-Ni Liao)
Lin-Ni Liao (廖琳妮)
After graduating from the National Taiwan Normal University, Lin-Ni Liao
continued contemporary composition studies with Yoshihisa Taïra, Allain
Gaussin and Philippe Leroux. Her music comes from a perceptual pheno-
menon of synesthesia when light evokes the meditative practice of noble
silence and profound breathing. Her works focus on the musical and philo-
sophical fusion between time and space, physical and musical gesture, and
the visual and the auditory.
Her music has been performed by Taipei Music Forum Percussion, Ensemble
Cairn, Proxima Centauri, Multilatérale, L’instant donné, Arsenal, Quatuor de
Saxophone Osmose, Meitar, and the Contemporary Chamber Orchestra of
Taipei at such venues as the Cité de la Musique, Pompidou Centre, Musée
du Quai Branly and in festivals across France such as Ircam ManiFeste, Exten-
sion de La Muse en Circuit in Paris, Césaré in Reims, CIRM in Nice, GRAME in
Lyon, Why Note in Dijon, and the Asian Composers League (ACL).
Doctor in Musicology, Liao is currently a research associate at the Musicology
Research Institute (IReMUS Paris-Sorbonne CNRS) as well as artistic director
of TPMC (Tout Pour la Musique Contemporaine) in Paris. Her research fo-
cuses on the analysis of music, identity, and cultural heritage in contempo-
rary Asian composition, with an emphasis on women’s studies in this field.
https://paris-sorbonne.academia.edu/LiaoLinNi
4. Heng Chen (陳珩): Aide-mémoire C (2017) for erhu, accordion and
piano
Work commissioned by Taiwan National Center for Traditional Arts for the projet
Mentor and Partnership Program
I would say that the moment an object appears in a narrative, it is charged with
a special force and becomes like the pole of a magnetic field, a knot in the
network of invisible relationships. The symbolism of an object may be more
or less explicit, but it is always there. We might even say that in a narrative any
object is always magic. - Italo Calvino
To string pearls, there is needle and thread; the woundof cut bread is sutured
with mayonnaise; mosaic pieces are adhered to the bathtub with silicone, which
often results in damaged finger nails. So then, to pay homage to the dauntless
spirit of C (Italo Calvino), there are six musical fragments. (Heng Chen / Transla-
tion: Taiwan National Center for Traditional Arts)
Heng Chen (陳珩)
Heng Chen was born in 1990 in Taipei where he was introduced to music in ear-
ly childhood. He studied violin under the tutelage of Bao-Shan Lin, I-Tsung Wu,
and An-Hsiang Kao. He also studied piano with Hui-Ling Wang, Ben-Chuang
Liu, and Li-Ying Hwang. In addition to Western instruments, Chen also trained
in erhu, guqin, pipe organ, luogu music, and xiqu vocals. When attending the
music program at the Affiliated Senior High School of National Taiwan Normal
University, Chen began his studies of composition and music theory under the
guidance of Hsiao Ching-Yu. He then earned a bachelor’s degree in compo-
sition with instruction from Hwang-Long Pan and Ling-Huei Tsai at the Taipei
National University of the Arts. Chen continued his studies in Paris at the Re-
gional Conservatory of Boulogne-Billancourt, where he studied composition
with Jean-Luc Hervé, orchestration with Pierre Farago, and electroacoustic
composition with Yan Maresz. He is currently enrolled at the Paris Conservatory
(CNSMDP) where he studies composition with Gérard Pesson. Chen has worked
with Chinary Ung, Joel Hoffman, De-Qing Wen, and Kee-Yong Chong in aca-
demic workshops and courses. His compositions and music for choreography
have been performed in Taiwan, Seoul and Paris, and he has collaborated with
the Taipei Chamber Singers, as well as choreographers Pin-Wen Su and Marcus
Leung. Chen has also worked in theater performances and produced music for
short films.
(Translation: Taiwan National Center for Traditional Arts)
5. Juan Camilo Hernandez Sanchez: Aquelarres (2012) for erhu and
accordion
Work commissioned by Tout Pour la Musique Contemporaine
Aquelarres is an exploration of continuity, of the permanent flow of informa-
tion. The global character represents exhaustion, or rather a need to reach it.
I see the relationship between the two instruments as a mosaic, a collage of
sound figures in space-time. This euphoria is sometimes contrasted with more
static moments; these passages are drawn with bleak lyricism. This piece was
written for Pierre Cussac and Ying-Chieh Wang. Working in collaboration with
the musicians was indispensable for the writing of the piece.
(Juan Camilo Hernandez Sanchez / Translation: Maria Aragon)
Juan Camilo Hernández Sánchez
Born in Bogota, Columbia in 1982. Hernandez Sanchez began playing tradi-
tional music, jazz, and rock which led him to avant-garde music composition.
He studied composition with Jean-Luc Hervé, Philippe Leroux, Stefano Gerva-
soni and Luis Naón. His work often represents a fragmented musical situation,
where sound parameters are treated independently, rendering a complex mo-
saic. His pieces have been played in music festivals in Europe, the Americas,
and Asia, by ensembles such as L’instant donné, Ensemble Caïrn, Ensemble
Abstraï and the KNM Berlin. He also participated in multimedia projects at ZKM
and Royaumont Abbey. His work has received several awards (Mincultura 2002, director of a music school, before his meeting with electroacoustic music, Ivo
Köln Trienale 2010, BBVA 2012). In 2012 and 2013 he took part in the Ircam Malec and GRM (Groupe de Recherches Musicales) at Radio France in Paris. He
Cursus for composers in Paris. was head of the electroacoustic composition department of the Conservatory
In 2014 he wrote a music theatre piece within the ICElab residency organised of Bordeaux for 25 years and also in charge of the GRM workshops in Paris for
by the International Contemporary Ensemble. The work Letría was premiered 17 years. Christian Eloy was the co-founder and artistic director of the SCRIME
by Arditti Quartet for their first performance in Bogotá in 2015. The ensemble research and creation studio at the University of Bordeaux. He is the winner of
Le Balcon premiered Vernacula Bailante for 21 musicians and electronics at the the François de Roubaix Prize, an award for poetry and music in the European
Festival Berlioz in 2016. (Translation: Maria Aragon) http://jucahesa.webs.com community. He has composed over fifty pieces including instrumental, elec-
troacoustic, vocal, and pedagogical works. His scores have been published by
6. Christian Eloy : Fold-in (2017) for acousmatic music Billaudot, Fuzeau, Lemoine, Combre, Questions de Tempéraments, Notissimo
Work commissioned by Taiwan National Center for Traditional Arts et Tout Pour and Jobert. Other publications at PUF (France), Johnston Ed. (Ireland), MIT Press
la Musique Contemporaine (US), Le Mensuel Littéraire et Poétique (Belgium), and Confluences (France).
The Fold-in refers to techniques used in literature in the fifties and sixties, with http://pagesperso-orange.fr/christian.eloy
permutations, by William S. Burroughs and Brian Gysin, the work of the latter,
The Third Mind, combines these different experiences.
These techniques naturally bring to mind the techniques for editing concrete
music in its beginnings, then for editing electroacoustic music with the deve-
lopment of a true language arising from these elementary manipulations; the
diverse experiences of collective works and exquisite corps practiced in the six-
ties by French experimental studios (GRM, GMEB) are also brought to mind.
I have, therefore, retained these strong characters of the erhu (tone, sostenuto,
timbre, pizzicato etc.), keeping the morphologies, the “allure”and other Schaef-
ferian criteria, in order to construct the discourse
in a relative simplicity of editing and mixing, including processes similar to
fold-in. (Christian Eloy)

Christian Eloy
Born in Amiens, France in 1945. Eloy studied flute, chamber music, conducting
and composition at the Regional Conservatory of Amiens and then at the Paris
Conservatory (CNSMDP). He was a flutist in a professional orchestra, then the
推薦序 | 二胡 - 穿梭於記憶與想像之間的聲音
撰文 Michèle Tosi
翻轉傳統樂器的既定功能，再將其融入其他不同的音樂領域，此
種作法在五十年前的中國仍然令人匪夷所思。1976年曾到上海和
北京教書的日本作曲家武滿徹 (TORU TAKEMITSU 1930-1996) 為此種「
外移」的跨界音樂類型提供了首例，將日本笙、日本琵琶、尺八
和雅樂等日本傳統樂器融入其個人的音樂創作中。此後，在中國
戲曲音樂中擔任伴奏的各類弓弦樂器逐漸獲得獨立地位，而二胡
這項樂器很快地在眾多協奏曲中得以獨當一面，深受陳其鋼、許
舒亞和徐儀等前衛作曲家世代的青睞，透過這些作曲家們展現了
中國弦樂器在聆聽本質上與微分音、噪音現象和音樂型態能量有
密切的關連，這些音樂的基本元素都和近五十年來西方音樂家致
力探索的聲音文化不謀而合。
這張以二胡為創作重點並由二胡演奏家王瀅絜詮釋的專輯，共收
錄六位作曲家的作品。其中四位來自中國和臺灣的作曲家，他們
將二胡視為介於傳統與創新之間的工具，以各自的方式表現之；
而另外兩位來自哥倫比亞以及法國的作曲家似乎跳脫了一切傳統
脈絡，僅對二胡音色本身的特質感興趣，也引發我們去思考這樣
的分離之可行性。
在YOUTUBE等影片分享網站上，經常可以看到二胡展現在中國遼闊
草原詩情畫意的音響色彩，綿延細緻的旋律線條喚起人們對於遠
東聲響的想像。由於琴絃的材質(起初是絲絃或羊腸絃)和前方繃覆
蛇皮的六角形共鳴箱，這種帶有抖音(或顫音)，如喉音近乎宏亮的
音色特質，賦予了此種中國弦樂器強烈的識別性。長且光滑的琴
桿有利於以馬尾製作的弓毛拉出滑音，在兩絃之間的弓毛可製造
出極特殊的擊樂效果，有時極類似於人聲，可謂名副其實的「振
動聲門」。
田蕾蕾在《淚之語》中發揮了上述面向，傳統樂器在這裡穿梭於
記憶與想像之間。在此二胡脫離了傳統戲曲中的配角伴奏功能，
更像是一位「主角」演員，好像在這齣和吉他共同演出的奇特默
劇中，模仿角色的嗓音變化。
在臺灣作曲家林煒傑的《古墟》中，二胡的音色鼻音多於喉音，
二胡和兩種噪音音源對照並列，最後噪音逐漸吸收了二胡的聲
音，此方法令人想起德國作曲家拉亨曼 (HELMUT LACHENMANN 1935)
，他關注於聲響的模式而非大量的共鳴效果。隨著簌簌細聲、咯
吱咯吱聲、喘息聲，和利用木尺、缽、琴弓和二胡木質部位製造
的其他噪音逐漸增強之際，二胡的微弱顫音樂句逐漸變弱消失，
林煒傑希望透過此種音源素材，賦予二胡全新的樣貌。
第三個作品是廖琳妮的《浮生III》，結合二胡現場演奏和電子音
樂，電音同時賦予作品光譜般的氛圍和空間感。若說二胡的音
色，藉由琴弓印記陰鬱的顆粒聲響和節奏骨架刻畫音的流動性，
作品的聲音結構同時也經過電音技術處理將聲音原型進行延伸甚
至解構。
陳珩的《備忘錄C》其情況又不同了，這一次二胡成為室內樂其中
一員，這個由二胡、鋼琴和手風琴組成的三重奏，當然是非典型
的，不過此作品證明了此種可以隨心所欲變化的精湛樂器，的確
擁有靈活的對話能力和宏亮的音色。令人眼花繚亂的滑音、敲擊
力道和飽滿空間感，三者構成間斷的軌跡和頑固狂熱的素材，無
3
論在二胡或在其他兩個團結一致的夥伴合作樂器上，都可創造多
元的演奏手法。
至於哥倫比亞作曲家桓．卡密羅．艾南德．桑切 (JUAN CAMILLO HER-
NANDEZ SANCHEZ) 的《神秘的聚會》(AQUELARRES) 則結合了二胡和擺
腰扭臀的南美舞蹈節奏，把聽眾帶往另一個世界。此曲使用了二
胡和手風琴，兩者幾乎融為一體，展現出雜技的、興高采烈的、
處處充滿幽默的音樂風格。針對琴絃的創意細微探索，尤其在難
以聽見的微弱音上，確實揭露了此款變色龍樂器的其他面向。
最後一首是克里斯帝安‧埃洛伊 (CHRISTIAN ELOY) 的電子音樂作品《
折疊》(FOLD-IN)，是藉由王瀅絜預錄的二胡聲音原型所創作，二胡
獨特的聲音呼應了經過電音技術處理的多元音響，透過:格言式的
剪輯、全方位的演奏、重複循環播放、時間的延伸與壓縮，這些 田蕾蕾駐羅馬的美第奇別墅為期一年。此奬項是法國歷史最
元素構成了一個龐大的音景世界，在這裡原本樂器的音源，隨其 為悠久和著名的國家藝術獎學金。
不停地轉化變形而逐漸交融消失。在音樂會上播放此作品時，演
奏者並未現身，儘管如此，作品以王瀅絜的演奏原音作為創作基 田蕾蕾創作了大量不同型式和體裁的音樂作品，並不斷收到
礎，她充滿能量的姿態以及聲音調色盤般的演奏音色，是實或虛 世界著名音樂團體，組織及演奏家的創作委約。其作品在全
的交織充滿整個會場空間。 球許多重要的國際音樂節中發表演出，其中有巴黎Agora音樂
節、法國里昂音樂節、意大利的威尼斯音樂節 、英國哈德
斯費爾德音樂節、阿姆斯特丹高狄阿姆思音樂節, 北歐音樂
郭昭澄，李明晏，陳惠湄 譯 節, 亞洲音樂節等。她的音樂也在許多國家廣播電台播放，
並出版錄製了多張CD。
http://www.tianleilei.org
1. 田蕾蕾 (Leilei Tian) : 淚之語 (Le discours d’une larme perdue
2012) 為二胡和吉他而作
TPMC 巴黎現代音樂協會委託創作 2. 林煒傑 (Wei-Chieh Lin) : Ruins (古墟 2017) 為二胡與兩位演
作品試圖在保留兩個樂器各自的特性的同時將它們有機地結 出者
合在一起，達到既對比又統一的效果。在音樂語言方面，也 國立傳統藝術中心與TPMC巴黎現代音樂協會委託創作
在尊重各自不同的表達方式同時，將東西文化的不同色調和 作為21世紀的臺灣作曲者,要為二胡這項樂器創作時,必須面
諧地融合在一起。《 淚之語 》表達的是兩個靈魂之間的對 對許多的困難跟挑戰。首先,二胡不是臺灣本土的樂器, 在
話和情感交流。 我們成長的文化環境以及日常生活中,並不是經常能聆聽到
的。此外,二胡的傳統經歷了許多的改革,如定弦跟演奏方式
田蕾蕾 (Leilei Tian) 等都已經現代化並趨於西化。所以二胡的本質是由許多不同
1971年生於中國江蘇。六歲開始學習鋼琴 , 1988年至1995 層次的文化及歷史建構而成的遺蹟,類似古老的建築經歷各
年就讀於中央音樂學院作曲系，獲得藝術學士及碩士學 個時代用不同的方式修建或是古籍的重寫本。當然我們可以
位。1997年赴瑞典哥德堡音樂學院繼續深造，2002年至2003 把二胡當作一個物件,用當代的角度來面對並探索其聲音的
年就讀於巴黎IRCAM電子音樂研究院為期一年的大師班。 可能性,或者延續上一個世紀中國典型二胡的寫作方式……
  但這些都是我無法接受的。唯一的方法是把二胡當作古墟,
田蕾蕾曾榮獲法國國際交響樂作曲比賽首獎，義大利 Città 留住某些可尊重的「傳統」或「基礎」,並將其他部分重新
di Udine 國際作曲比賽 第一名，法國國家音樂創作中心作曲 設計配置。令我感到最美麗且最有意思的部分,並不是二胡
大賽首獎，世界音樂節青年作曲家大獎，瑞典室內音樂奬 這項樂器本身,而是演奏者與二胡之間精巧親密的互動以及
等。2012 至 2013 作為法國學術院授與的羅馬大獎獲奬者， 個人詮釋,例如滑音跟裝飾音,這些通常是以個性化或風格化
的方式添加到旋律中。當整曲關注於以前被認為是裝飾的元 此次為二胡與電子音樂所創作的為二胡演奏家王瀅絜量身定作
素,再加上聲音的振動,首先通過弦,然後到木頭,最後到表演者的 的第一個器樂與電子音樂作品，也是演奏家企圖走向現代音樂
身體,我相信二胡現在終於能夠在一個重新想像的傳統中,唱出 演奏的第一步。
內在的靈魂。 此作品將呈現作曲家為獨奏樂器寫作的一貫特色:在探索器樂
新音響的同時，以極簡的語法深刻描繪樂器在聲音姿態的本
林煒傑 (Wei-Chieh Lin) 質，同時展現演奏者個人獨特的音樂語彙及其細微的肢體語
1982年出生於台中市,曾師事吳丁連及比爾頓‧巴比特 (Milton Bab- 言。
bitt) 等教授。其作品曾受許多國內外樂團委託創作,包括國立
臺灣交響樂團、台北愛樂管絃樂團、法國現代樂集 (Ensemble 廖琳妮 (Lin-Ni Liao)
Intercontemporain)、法國廣播樂團、加拿大蒙特婁新現代樂團 (Le 作曲曾受教於陳玫琪，呂文慈和曾興魁老師，畢業於國立臺灣
Nouvel Ensemble Moderne)、美國 Alarm Will Sound 交響樂團、瑞士 師範大學音樂系，2001年赴法學習作曲與音樂學。在器樂作曲
鳳凰樂團 (Ensemble Phoenix)、以色列米塔樂團 (Ensemble Meitar)、 主要師事 Yoshihisa Taira, Allain Gaussin, Philippe Leroux; 電子音樂作
德國慕尼黑藍騎士樂團 (Ensemble Blauer Reiter)、西班牙眩暈之聲 曲則啟蒙與受教於 Philippe Leroux. 她的音樂主要受到光影聯覺
樂團 (Ensemble Vertixe Sonora)、俄羅斯莫斯科當代音樂團、維也 (synesthesia light-sound) 與默照的影響，作品多在探索聽覺與視覺 
納現代樂團 (Klangforum Wien)、及福爾摩沙弦樂四重奏等。作品 - 肢體與呼吸 - 空間與時間 對於演奏家和聽/觀眾對於聲音內在
曾獲2011年荷蘭高迪阿姆思音樂節佳作、2010年教育部文藝創 的感知。
作獎、國立臺灣交響樂團2010及2011「鼓勵創作委託」及國立 作品於法國國家文化與音樂電台 (France Culture, France Musique) 現
臺灣交響樂團2012作曲比賽第三名等。期間參與多項現代音樂 代音樂節目中多次播出，並由多個現代音樂樂團: 十方樂集, 台
節活動: 如加拿大遺忘之域音樂節 (Domain Forget)、臺灣亞太音 北人室內樂團, ensembles Cairn, Proxima Centauri, Multilatérale, L’instant
樂節、法國 IRCAM 的 Manifeste/Acanthes 音樂節、法國洛約蒙新音 donné, Meitar, L’arsenale, Blauer Reiter, Quatuor de Saxophone Osmose 等，
樂節 (Voix Nouvelles in Royaumont),及德國達姆城夏季音樂班 (Darms- 於 La Cité de la Musique, Pompidou Center, Musée du Quai Branly, IRCAM Ma-
tadt Summer Course) 等。 ( 翻譯: 國立傳統藝術中心) niFeste Festival-Academy, WhyNote Festival, Extension Festival, Césaré (Reims),
CIRM (Nice), GRAME (Lyon), International Music Council, Asian Composers
League…演出。
3. 廖琳妮 (Lin-Ni Liao) : 浮生III (Le train de la vie III – WE, 2012) 為 廖琳妮於2011年獲得巴黎索邦第四大學 (Université Paris-Sorbonne)
二胡與電子音樂而作 音樂學博士，著有近二十篇現代音樂分析專文，三本專書出
臺北市立國樂團委託創作 版，現為Institut de Recherche en Musicologie法國音樂學研究中心研
浮 生(Le train de la vie)系列作品是在2010年開始暨第一個為電子音 究員 (Université Paris-Sorbonne, CNRS-UMR 8223)，同時為 TPMC (Tout
樂 (Electroacoustique music) 所寫的 LR (2010) 及第二個為法國現代 Pour la Musique Contemporaine) 巴黎現代音樂協會音樂總監。
音樂吉他演奏家 Christelle Séry 與電子音樂所寫的 Doris (2010) 之 https://paris-sorbonne.academia.edu/LiaoLinNi
後所展開的連篇系列。
4. 陳珩 (Heng Chen) : 備忘錄 C (Aide-mémoire C, 2017) 為二胡， 5. 桓．卡密羅．艾南德．桑切 (Juan Camilo Hernandez Sanchez) :
手風琴與鋼琴而作 神秘的聚會 (Aquelarres, 2012) 為二胡與手風琴而作
國立傳統藝術中心「音樂人才培育-大師門徒與夥伴計劃」專 TPMC巴黎現代音樂協會委託創作
案委託創作 在Aquelarres裡存在著持續性的探索、一股不間斷地流動信息。
「某件物品一但出現在敘事裡,便被賦予一股特殊的力量, 像是 整體的性格呈現出竭盡之美，一種達到極致需求的狀態。我將
磁場的兩極,或像無形的網路關係中的環節。物體的象徵意義 兩樣樂器間的關係想像成一項聲音表情在空間與時間中的拼貼
也許並不很明確,但總是存在的。我們甚至可以說, 任何物件在 藝術。欣喜但卻有時與極靜止的時刻形成對比，所有片段都是
敘事中必定具有神奇的魔力。」─ 伊塔爾‧卡爾 維諾 (Italo Calvi- 以淒美的歌調來描繪。
no) 我不知道他有什麼含意為串起絲絨般的珍珠,我們用針線;為 在作曲過程中與音樂家的合作是不可或缺的重要元素，這首作
縫合麵包被切開的傷口,我們用美乃滋;裝飾家裡的馬賽克小浴 品是為 Pierre Cussac 和王瀅絜而作。( 翻譯: 彭詩雅)
缸,我們用矽利康,往往卻把自己的指甲也賠上──這樣說吧, 用
六個連續的段落,致C與他大無畏的精神。 桓．卡密羅．艾南德．桑切 (Juan Camilo Hernandez Sanchez)
1982年出生於哥倫比亞首都波哥大。他與 Jean-Luc Hervé 及 Phi-
陳珩 (Heng Chen) lippe Leroux 學習作曲。2010年，他獲得巴黎高等音樂院作曲碩
陳珩1990年生於台北。自幼習琴,小提琴曾師事林柏山、吳怡宗 士文憑，師從 Stefano Gervasoni 與 Luis Naón。他的作品著重於碎
及高安香老師;鋼琴曾受王惠玲、劉本莊及黃麗瑛教授指導。 裂的音樂現象，借著不同聲響層次的獨立操縱，拼貼出豐富
除西洋樂器啟蒙外,求學過程曾選修二胡、古琴、管風琴、鑼 且瘋狂的聲音意象。他的作品在歐洲，美洲和亞洲的音樂節
鼓樂及戲曲唱腔等。國立師大附中音樂實驗班就讀期間,始隨 上演奏，諸如 L’instant donné, Ensemble Caïrn, Ensemble Abstraï 和柏
蕭慶瑜教授修習理論與作曲,並於國立台北藝術大學在學期間 林 KNM。艾南德．桑切參與了德國新媒體藝術中心 ZKM 和法國
受潘皇龍教授、蔡淩蕙副教授指導。畢業後赴法,於法國國立 Royaumont Abbey的多媒體計畫，近年來獲得數個重要獎項，如 :
布洛涅-比揚古國立音樂學院取得作曲專業文憑,師事尚-呂克・ Mincultura (2002)，KölnTrienale (2010)，BBVA (2012) 。並在2012年和
埃爾維 (Jean-Luc Hervé),並隨皮耶・法哈果 (Pierre Farago)、楊・瑪 2013年，他獲選為巴黎現代電子音樂研究中心 IRCAM Cursus 作曲
黑許 (Yan Maresz) 學習管弦樂法及電子音樂; 現就讀巴黎國立高 家。
等音樂舞蹈學院作曲班,師從傑哈・貝松 (Gérard Pesson)。曾參與 2014年，由美國 International Contemporary Ensemble 所組織的 ICElab
秦納利‧翁 (Chinary Ung)、喬爾・霍夫曼 (Joel Hoffman)、溫德青及 駐村計畫，艾南德．桑切在此期間創作音樂劇場作品，在 2015
鍾啟榮等作曲家之短期課程。他的音樂作品與舞蹈音樂設計作 年由 Arditti Quartet 弦樂四重奏首演於波哥大首演。2016年，他
品曾在臺灣、首爾、巴黎等地演出,並曾與台北室內合唱團,編 為二十一位音樂家所創作的 Vernacula Bailante 由巴黎現代樂團 Le
舞家蘇品文、梁弘卓等藝術家及團體合作。曾參與劇場演出及 Balcon 首演於 Berlioz 音樂節。( 翻譯: 彭詩雅)
參與短片配樂等,並希望能嘗試跨領域之多元題材間的媒合創 http://jucahesa.bandcamp.com
作。
6. 克里斯帝安‧埃洛伊 (Christian Eloy) : 折疊 (Fold-in 2017) 為唯
聲音樂而作
國立傳統藝術中心與 TPMC巴黎現代音樂協會委託創作
這首題獻給二胡演奏家王瀅絜的作品於2017臺灣國際音樂節中
首演。《折疊》是一首唯聲音樂作品,其聲響來自於亞洲常見
樂器「二胡」,別名又稱中式小提琴。錄音時,二胡展現了其樂
器的獨特性:充滿能量的音調、顯著的音色、綿延不間斷的拉
弓、寬廣的音域及多樣的演奏技法。從另一個角度來看,此種
鮮明的特色也讓二胡的聲音極有辨識度,有時也能製造絃外之
音的效果,這項樂器的獨特本質透過各種演奏技法表露無遺。
《折疊》的創作發想來自於文學家威廉‧布洛斯 (William S. Bur-
roughs) 與布萊恩‧蓋辛 (Brion Gysin) 在1950至 1960 年代合著的《
第三意識》(The Third Mind) 中的書寫排列方式。一開始,我將這些
技巧應用於具象音樂的剪輯, 之後再用於電聲音樂的處理,透過
這些基礎做法發展原創性的音樂語彙,也加入1960年代法國實驗
性錄音作品,藉以轉換不同的樂段氛圍,感受多樣的聲響經驗。
因此,為了建構精煉的音樂對話,我利用類似「摺疊」的手法,簡
化剪輯與混音,同時保留二胡的強烈音樂性格(音調、持續音、
音色、撥奏等),並維持其充滿「誘惑力」的音樂性,及其它謝弗
(Pierre Schaeffer) 為具象音樂定出的準則。最後,感謝瀅絜演繹這
些寶貴的樂音。( 翻譯: 國立傳統藝術中心)
克里斯帝安‧埃洛伊 (Christian Eloy)
出生於法國亞眠 (Amiens),先後於亞眠音樂院及巴黎國立高等音
樂舞蹈學院學習長笛、室內樂、指揮及作曲。他曾擔任職業
樂團長笛演奏及音樂學校校長,後來在巴黎的法國 廣播電台接
觸到電子音樂,並認識作曲家伊夫‧馬萊克 (Ivo Malec) 和巴黎法國
廣播公司的GRM音樂科技研究中心。他擔任波爾多第三大學電
聲作曲系系主任並負責GRM音樂科技研究中心的工作坊長達25
年。他也是波爾多第三大學電子音樂中心SCRIME的共同創辦人,
並曾任藝術總監。他曾獲歐洲德魯貝音樂獎的肯定。迄今創
作超過五十首樂曲,包含器樂、電聲、聲樂及教學作品等。樂
譜已由 Billaudot、Fuzeau、Lemoine、Combre、Questions de Tempéra-
ments、Notissimo 及Jobert 等出版社發行。其它作品則於 PUF(法
國)、Johnston Ed. (愛爾蘭)、MIT Press (美 國)、Le Mensuel Littéraire et
Poétique (比利時)、 Confluences (法國)出版。
( 翻譯: 國立傳統藝術中心) http://pagesperso-orange.fr
Ying-Chieh Wang erhu

Ying-Chieh Wang a reçu une éducation en musique classique occiden-

tale et a étudié le piano, le violon et la composition. A l’âge de huit ans,
elle commence l’étude du erhu. Diplômée de l’Université de la Culture
Chinoise avec un master en musique chinoise, elle obtient son master
en erhu dans la même université. Elle a été première soliste du Taipei
Chinese Orchestra. Depuis 2012, elle a été invitée à jouer dans différents
festivals en Allemagne, en France, au Royaume-Uni et en Chine. Elle est
intervenue comme soliste avec Regensburg Philharmonic Orchestra,
Ensemble KNM-Berlin (Allemagne), Hong Kong Sinfonietta, Shanghai
Chinese Orchestra, Chinese Traditional Orchestra of Jiangsu Performing
Arts Group (Chine), National Chinese Orchestra Taiwan, Taipei Chinese
Orchestra and the Kaohsiung Chinese Orchestra Kaohsiung City Chinese
Orchestra (Taiwan) etc. Elle a participé à plusieurs projets internationaux
importants pour son instrument comme : le répertoire contemporain
du erhu organisé par TPMC Paris (France 2012-2017), MAFIA ensemble
pour l’art de l’improvisation (Taiwan 2012- ) et PAN project (America and
Canada 2015- ). Elle a été Artiste en résidence à la Cité Internationale
des Arts de Paris (France 2017) et musicienne sélectionnée par le Centre
National des Arts Traditionnels de Taiwan pour Mentor and Partnership
Program (2016-2017). Elle est la fondatrice et directrice artistique du
Yushuyachi Ensemble.
(Traduction : Jean-Luc Penso)
https://injei.wordpress.com
Fanny Vicens accordéon
Pianiste et accordéoniste, Fanny Vicens mène une carrière internationale comme
soliste et chambriste. Membre de l’ensemble Cairn depuis 2016, elle a été l’invitée
d’une trentaine d’ensembles parmi lesquels l’Intercontemporain, l’Ensemble Mo-
dern, 2e2m ou l’Instant Donné. Au contact des compositeurs de son temps, elle en-
tretient une réflexion sur l’identité sonore de l’accordéon, dont la constitution d’un
riche répertoire faisant appel à l’électronique ou la réalisation du premier accordéon
microtonal en France se font l’écho. Elle apparaît dans des projets interdisciplinaires,
collaborant avec la chorégraphe Maud le Pladec ou au sein du duo XAMP avec Jean-
Etienne Sotty.
Elle transmet au sein de l’ESM Bourgogne-Franche-Comté son engagement pour le ré-
pertoire contemporain et l’interprétation historiquement documentée des répertoires
pour claviers. Des enregistrements témoignent de cet engouement, dont l’album solo
Schrift paru chez Stradivarius. Lauréate des Fondations Banque Populaire et Menuhin,
elle est diplômée des Musikhochschule de Trossingen (Allemagne), Lucerne (Suisse),
de l’université Paris-Sorbonne et du CNSMDP. www.fannyvicens.com
Jennifer Hymer piano
Jennifer Hymer a étudié le piano classique et contemporain à l’université de Berkeley
(Californie) et au Mills College. Elle vit en Allemagne depuis 1996 et actuellement à
Hambourg. Hymer est connue pour ses projets développant les possibilités d’inter-
prétation du piano grâce aux modes de jeu étendus, l’utilisation de l’électronique
ainsi que l’utilisation de pianos miniatures comme le toy piano ou le piano à pouce
africain (appelé également Kalimba ou M’bira). Elle a travaillé avec de nombreux com-
positeurs qui ont écrit des pièces pour son répertoire. Elle a une profonde expérience
de l’interprétation pianistique et a montré son talent lors de nombreux festivals et sur
de nombreuses scènes. Elle a joué au Mexique, en Estonie, à Tel Aviv, en Amérique
du Sud. Elle a sorti un album en 2010 appelé Ceci n’est pas un piano sous le label
Ambitus avec des pièces de Tan Dun, Manfred Stahnke et George Hajdu. Hymer est
également membre et directrice artistique de la section hambourgeoise du GEDOK,
une organisation artistique féminine germano-autrichienne.
Elle a fondé le « Non-Piano/Toy Piano Weekend » (www.nonpiano-toypia-no.de/home/)
en 2014. La quatrième édition aura lieu en automne 2017. (Traduction : Jean-Luc
Penso) www.jenniferhymer.de
Christelle Séry guitare
Elève des guitaristes Ako Ito et Henri Dorigny au CNR de Nice, elle étudie ensuite au
CNSM de Paris (Diplôme de Formation Supérieure, 1er prix en guitare, musique de
chambre, et Certificat d’Aptitude en pédagogie).
Une expérience précoce de la scène et de multiples rencontres artistiques l’orientent
vers le répertoire contemporain, le spectacle vivant, les musiques improvisées et am-
plifiées. Entre pages acoustiques et pages électriques.
Elle explore les possibilités expressives de son instrument et du geste instrumental
à travers l’élaboration de programmes singuliers tout d’abord pour guitare classique
seule, puis pour guitare et électronique (oeuvres mixtes), et pour guitare électrique
en créant un nouveau répertoire solo (oeuvres de Liao, Pattar, Naegelen, Momi).
Guitariste de l’Ensemble Cairn depuis sa fondation en 1997, elle joue aussi réguliè-
rement avec l’Ensemble Intercontemporain et dans des festivals tels que Manifeste,
Why Note, Archipels, Présences, Musica, Täge für Neue Musik, Voix Nouvelles, Festival
d’Automne, Ars Musica, MusicForum (Taipei), Inter/action (Bangor-UK), Spring Festival
(Tokyo), Printemps des arts de Monaco, Journées électriques du GMEA, Le bruit de la
musique.
En solo ou en ensemble, elle créé des oeuvres de Jérôme Combier, Gérard Pesson,
Akiko Murakami, Frédéric Pattar, Thierry Blondeau, Carlos Sandoval, Marco Suarez-Ci-
fuentes, Lin-Ni Liao, Juan-Camilo Hernandez-Sanchez, Noriko Baba, Christopher Tra-
pani, Arturo Fuentes, Frédérick Martin, Claire-Mélanie Sinnhuber, Leilei Tian, Facundo
Llompart, Mathieu Bonilla, Lucas Fagin, Pierre-Yves Macé.
Sa folie douce l’entraîne vers des chemins pluridisciplinaires: Set pour 7 femmes de
François Raffinot, K Lear de Marie Montegani, Territoires de l’âme de Jonathan Pon-
tier, Doux Mix et Léger Sourire, Up to 1970 de Serge Adam, Le Nerf de Guillaume
Malvoisin, Etude de fesses du Projet Bloom, Le Gouffre d’en haut de Françoise Toullec,
Journal d’une apparition...http:/www.christellesery.fr
Ying-Chieh Wang erhu

Erhu virtuoso Ying-Chieh Wang was born in Taipei, Taiwan. Her music studies
began in the Western classical tradition, with piano, violin, and composition,
then she moved to traditional Chinese music and erhu. She graduated with a
major in Chinese music from the Chinese Culture University in Taipei, where
she also obtained a master’s degree in erhu performance. She served as the
concertmaster of the Taipei Chinese Orchestra. In 2012 she began her solo
career, collaborating with artists from various fields and establishing erhu as
a solo instrument in diverse and non-traditional contexts. She has frequently
been invited as a guest soloist and has performed with ensembles such as Re-
gensburg Philharmonic Orchestra in Germany, Ensemble KNM in Berlin, Hong
Kong Sinfonietta, Shanghai Chinese Orchestra, Chinese Traditional Orchestra
of Jiangsu Performing Arts Group, National Chinese Orchestra Taiwan, Taipei
Chinese Orchestra, and the Kaohsiung Chinese Orchestra. She has also collabo-
rated with the improvisation group MAFIA Ensemble, and was the feature artist
of the French contemporary music association TPMC’s Erhu Contemporary Re-
pertory project. Wang was chosen by the Taiwan Music Institute for its Innova-
tive Mentor and Partnership program. She was awarded a residency at the Cité
Internationale des Arts in Paris by the Ministry of Culture in Taiwan. Currently,
she is a member of the Pan Project Ensemble, an ensemble featuring traditio-
nal instruments from Chinese, Korea, and Japanese cultures. Additionally, she
serves as the artistic director of the Yunshuyachi Ensemble in Taiwan.
https://injei.wordpress.com
Fanny Vicens accordion
Fanny Vicens is a leading international pianist and accordionist, with recognitions
by the Banque Populaire Foundation and Yehudi Menuhin’s Live Music Now. From
2003 to 2014, she studied performance, pedagogy, and musicology at the University
of Paris-Sorbonne, the Paris Conservatory (CNSMDP) and the Trossingen University of
Music in Germany, and the Lucerne School of Music in Switzerland.
She has performed at worldwide venues and has been invited to perform with over
thirty ensembles including Cairn Ensemble, Intercontemporain, Ensemble Modern,
2e2m, NEC, and l’Instant Donné. She also appears as a piano and accordion soloist
with prestigious orchestras. Her repertoire not only reflects her commitment to
contemporary music, but also her lively interest for historically-informed performance
of 15th -18th century keyboard music, a specialty she teaches at the ESM in Dijon.
Fanny has premiered works by many composers, with whom she reflects on the accor-
dion’s sonic identity, including an extensive repertoire with electronics. She recently
collaborated on the construction of the first quarter tone accordion in France with duo
XAMP. She has won awards at the Bechstein Piano Competition and the Deutscher
Hochschulwettbewerb and her work has been supported by DAAD, Kunststiftung BW,
Mécénat Musical Société Générale and the Iris Marquardt Foundation. www.fannyvi-
cens.com
Jennifer Hymer piano
Jennifer Hymer was trained as a pianist for classical and contemporary music at the
University of California at Berkeley and Mills College. She moved to Germany in 1996
and is currently based in Hamburg. Hymer is noted for her projects expanding the
possibilities of piano performance by focusing on extended techniques, the use of
electronics as well as performance on miniature pianos, such as the toy piano or the
African thumb piano, which is also known as kalimba or m’bira. She has been working
with a number of composers, who have written pieces for her repertoire. She has rich
experience in piano performance and has presented her talent at numerous festivals
and venues. She has held concerts in Mexico, Estonia, Tel Aviv, and South America. In
2010, she released an album called Ce n’est pas un piano under the brand of Ambitus
with pieces by Tan Dun, Manfred Stahnke, and Georg Hajdu. Hymer is also a member
and musical director of the Hamburg branch of GEDOK, a German/Austri- an women’s
art organization.
She founded the Non-Piano/Toy Piano Weekend in 2014. The fourth edition is sche-
duled to take place in fall, 2017. http://www.jenniferhymer.de/home
Christelle Séry guitar
Séry began studying guitar with Ako Ito and Henri Dorigny in Nice and then at the
Paris Conservatory (CNSMDP) with a first place in classical guitar and chamber music,
and certificate in pedagogy. She has also won prizes at international classical guitar
competitions in Lempdes, Bath, and Tokyo.
Séry began performing at a young age, and this, combined with her music education
and collaborative experience with many different performing artists, inform her focus
on the rich contemporary repertoire for guitar, including improvised and amplified
music.
Guitarist for Ensemble Cairn since its founding in 1997, she also regularly plays with
the Ensemble Intercontemporain and l’Itinéraire, as well as in festivals such as Agora
(Ircam-Centre Pompidou), the Paris Autumn Festival (Musée d’Orsay, Cité de la Mu-
sique), Why Note, Archipels, Clip & Clap (Louvre), Musica, Täge für Neue Musik, Voix
Nouvelles, Ars Musica, Musiques de notre temps, Music Forum of Taipei, INTER/ ac-
tions of Bangor (UK), and Tokyo Spring Festival.
She performed in collaborative shows of written and improvised music, poetry, theatre
and dance, such as l’Atelier du Plateau fait son cirque, Tangos slams et coplas by Mi-
guel Angel Sevilla, Set pour 7 femmes by François Raffinot, several shows directed by
Ludovic Montet, K Lear by Marie Montegani, Territoires de l’âme by Jonathan Pontier,
Doux Mix et Léger Sourire, Up to 1970 Miles by Serge Adam, Le Nerf by Guillaume
Malvoisin. Since 2014, she has played in different projects directed by Laurent Dehors
(Tous Dehors big band, Une petite histoire de l’Opéra, Chanson Politique, Bal des an-
nées 20).
www.christellesery.fr
王瀅絜 (Ying-Chieh Wang) | 二胡 斯學院 (Mills College) 學習古典與當代音樂的鋼 琴演奏,1996年遷往德
王瀅絜出生於臺灣臺北，二胡演奏家，雲樹雅集團長。自幼學習鋼 國。海默擅長在作品中擴充鋼琴演奏的可能性,她把焦點放在技巧的
琴、小提琴、二胡及理論作曲，接受紮實的西方古典音樂教育，而後 擴張和電子裝置的使用, 以及使用迷你鋼琴演奏,如玩具鋼琴和稱為 ka-
轉往中國傳統音樂領域學習發展，畢業於中國文化大學藝術研究所音 limba 或 m’bira的非洲拇指鋼琴。她曾與許多作曲家合作,並由作曲家為
樂演奏組。曾任職臺北市立國樂團擔任二胡首席，2012年起為獨立演 其量身創作曲目。她的演出經歷豐富,曾於多個音樂節與場地演出,也
奏家，積極與各領域藝術工作者接觸及合作，製作具有主題性、融合 曾在墨西哥、愛沙尼亞、特拉維夫與南美洲舉辦音樂會。2010年由德
不同藝術元素的二胡獨奏會，多次以獨奏家身份受邀於國內外音樂 國Ambitus唱片發行《這不是鋼琴》(Ce n’est pas un piano) 個人專輯,收錄譚
活動及藝術節擔綱演出，合作過的樂團包括：德國雷根斯堡愛樂交響 盾、曼佛瑞 德‧史坦克 (ManfredStahnke)、吉奧格‧哈吉杜 (Georg Hajdu) 等
樂團、柏林KNM現代樂團、香港小交響樂團、上海民族樂團、江蘇民 作曲家的作品。海默是德國與奧地利女性藝術組織GEDOK漢堡分會的
族樂團、臺灣國樂團、臺北市立國樂團、高雄市國樂團等，足跡遍及 會員及音樂總監。2014 年，她成立「非鋼琴/玩具鋼琴音樂週末」(Non-
英、美、德、法、中、韓等國。參與不同類型計畫：法國TPMC巴黎現 Pi- ano/Toy Piano Weekend, www.nonpiano-toypia- no.de/home/),今年秋天即將邁
代音樂協會新二胡計畫(2011-)、MAFIA 即興跨域藝術(2012-)、PAN Project 入第四屆。 (翻譯: 國立傳統藝術中心)
東亞民族音樂計畫 (2015-)，獲選臺灣音樂館TMI大師門徒與夥伴計畫 www.jenniferhymer.de
之演奏家 (2016-2017)，獲選文化部第十七屆文化人才出國駐村及交流
計畫--駐法國巴黎西帖國際藝術村之藝術家 (2017). injei.wordpress.com 克莉絲黛拉‧塞伊 (Christelle Séry) │ 吉他
曾於尼斯音樂院受業於吉他演奏家 Ako Ito 和 Henri Dorigny，隨後進入國
立巴黎高等音樂院學習（獲高等演奏文憑，吉他專業第一名，室內樂
芬妮‧維森斯 (Fanny Vicens) | 手風琴 以及教學法證書）。
手風琴與鋼琴演奏家芬妮‧維森斯是同輩音樂家當中的佼佼 者,曾獲巴 源於早年的舞台經驗以及與不同類型表演藝術家的接觸，塞伊在演奏
黎大眾銀行基金會與斯圖加曼紐因基金會獎項肯 定。2003至2014年 曲目上傾向於現代作品、表演藝術以及即興音樂..等領域。 塞伊透過
間曾到巴黎第四大學、巴黎國立高等音 樂舞蹈學院、德國特羅辛根音 古典吉他與電子吉他，探索吉他與其音樂語言間所有可能的表達方
樂大學 (Musikhochschulen of Trossingen) 和瑞士琉森等地深入研究表演、教 式，在發展古典吉他一系列的現代新作品後，目前則是在電子吉他的
學和音 樂理論。她對自己演奏的曲目有深刻的瞭解,青少年時期便 開 演奏法中，發展她個人的全新獨奏曲目 (如作曲家 Liao, Pattar, Naegelen,
始在國際舞台演出。她的曲目不僅反映了她對當代音樂與 新創作品 Momi)。
首演的重視,也反映她對十五至十八世紀鍵盤音樂 復古歷史演出的高 自1997年Cairn室內樂團成立以來，塞伊也經常與 Intercontemporain 現代
度興趣。她曾在許多國家的重要場地舉行 獨奏會並參與室內樂團演 室內樂團及其他專業演奏團體在世界各大音樂節中演出，如： Mani-
出,至今累積與三十多個歐洲團體 共同演出的經驗;她曾為多位作曲家 feste, Why Note, Archipels, Présences, Musica, Täge für Neue Musik, Voix Nouvelles, Fes-
擔任新作首演,也能演奏許多電子音樂曲目,最近在法國參與打造第一 tival d’Automne, Ars Musica 等國際音樂節。
個四分音手風琴 的計畫。她的作品獲德國學術交流總署 (DAAD)、巴 塞伊不僅發表過許多現代吉他獨奏或重奏作品，她也成為今日眾多現
登—符滕州藝術基金會 (Kunststiftung Baden-Württemberg) 、音樂家贊助協 代作曲家為其量身創作的傑出演奏家，如：Jérôme Combier, Gérard Pesson,
會 (Mécénat Musical Société Générale) 及艾 莉絲‧馬瓜特基金會 (Fondation Iris Akiko Murakami, Frédéric Pattar, Thierry Blondeau, Carlos Sandoval, Marco Suarez-Ci-
Marquardt) 支持。 fuentes, Lin-Ni Liao, Juan-Camilo Hernandez-Sanchez, Noriko Baba, Christopher Tra-
(翻譯: 國立傳統藝術中心) www.fannyvicens.com pani, Arturo Fuentes, Frédérick Martin, Claire-Mélanie Sinnhuber, Leilei Tian, Facundo
Llompart, Mathieu Bonilla, Lucas Fagin, Pierre-Yves Macé 都是她的合作過的作曲
家。塞伊一路走來對藝術的瘋狂，讓她開啟了一條多元藝術之路，今
珍妮佛‧海默 (Jennifer Hymer) | 鋼琴 天她的合作對象也因此遍及各個不同藝術領域。(翻譯: 吳幸秋) www.
美國鋼琴家,目前居住於德國漢堡市。曾就讀柏克萊加州大學和密爾 christellesery.fr
YING-CHIEH WANG 王瀅絜 ARBRE NUAGE
Fanny Vicens accordion, Jennifer Hymer piano Christelle Séry guitar

1. Le discours d’une larme perdue 淚之語 (2012) Leilei Tian 田蕾蕾 1971
for guitar & erhu 10’28
2. Ruins 古墟 (2017) Wei-Chieh Lin 林煒傑 1982 for erhu and two performers 15’33
3. Le train de la vie III - WE 浮生III (2012) Lin-Ni Liao 廖琳妮 1977
for erhu and electronics 11’59
4. Aide-mémoire C 備忘錄 C (2017) Heng Chen 陳珩 1990
for erhu, accordion and piano 13’52
5. Aquelarres 神秘的聚會 (2012) Juan Camilo Hernandez Sanchez 1982
for erhu and accordion 10’21
6. Fold-in 折疊 (2017) Christian Eloy 1945 for acousmatic musique  8’10 Artistic direction: Lin-Ni Liao

Recording & Editing: Forum Music Auditorium 十方樂集 (Taipei, Taiwan - 2. & 4.)
& Comédie Nation (Paris, France - 1. 3. 5.)
Sound Engineer: Monica Gil Giraldo (2. & 4.) & Sylvain Thevenard (1. 3. 5.)
Mixing & Mastering: Alexis Baskind

Presentation: Michèle Tosi

(p) & (c) l’empreinte digitale empreinte.digitale.log@gmail.com Calligraphy: Yung-Shan Tsou

Tout Pour La Musique Contemporaine (France) & Yunshuyachi Ensemble 雲樹雅集 (Taiwan) 2017
www.empreintedigitale-label.fr - ED13253 - ligne éditoriale photos & création graphique Catherine Peillon