Université libanaise

Faculté des beaux - arts et architecture ii

Département de l’architecture

Etudes Comparatives
SAMAR NAHED

Hiba El Mouallem | Comparaison de deux tableaux | 17/04/2023

2022-2023
Tableau 1 :

Titre du tableau : Le Parasol dans le Jardin

Artiste: Frederick Carl Frieseke

Année: 1913

Taille du tableau : 81,3 cm de haut sur 65,4 cm de large

Technique de peinture : Huile sur toile

PAGE 1
Artiste :
Le cerveau derrière la belle peinture est Frederick Carl Frieseke. Notre artiste
est né à Owosso, Michigan, d'un fabricant de briques et de sa fidèle épouse. Il a
passé une grande partie de son enfance à travailler dans l'épicerie de son oncle,
après le lycée, il a étudié pendant un à Chicago Art Institute avant de déménager
à New York en 1895 pour étudier à l'Art Student's League. Pendant son séjour à
New York, il a travaillé comme illustrateur, vendant des dessins animés qu'il
avait dessinés au New York Times, Puck et Truth. Il a affirmé qu'il aurait peut-
être tronqué son éducation artistique s'il avait mieux réussi dans ces efforts. Il a
poursuivi ses études, s'inscrivant à l'Académie Julian à Paris, étudiant avec
Jean-Joseph Benjamin-Constant et Jean-Paul Laurens, et recevant les
critiques de James McNeill Whistler. Au cours de l'été 1905, il passa au moins un
mois dans la colonie d'art de Giverny où il est tombé amoureux de son
environnement et des beaux paysages que la campagne française impliquait.
Sept ans avant de passer son premier été à Giverny, Frieseke avait rencontré
l'amour de sa vie, Sadie, officiellement connue sous le nom de Sarah Ann
O'Bryan, et ils se sont mariés en octobre après son retour de Giverny. Il a
ensuite loué la maison voisine de Claude Monet à Giverny et a passé tous les
étés de 1906 à 1919 à Giverny avec sa femme et sa fille qui allait bientôt naître.
Frances Frieseke est née en 1914 et était la fille unique du couple. La maison
Giverny des Friesekes et le jardin qu'ils y ont créé figuraient souvent dans ses
peintures, et sa femme posait fréquemment pour lui. Il a également gardé un
autre studio à proximité sur la rivière Epte. Beaucoup de ses nus en plein air y
ont été peints. En vieillissant, il peint davantage sa propre vie, y compris sa
femme et sa fille.

Frederick Carl Frieseke était un peintre impressionniste américain connu pour

ses peintures lumineuses et vibrantes de scènes de la vie quotidienne, de nus
féminins et de jardins luxuriants. Il a grandi dans le Michigan et a étudié à l'Art
Institute of Chicago avant de poursuivre sa formation à l'école des Beaux-Arts
de Paris, où il a étudié sous la direction de Jean-Léon Gérôme.

Après avoir été exposé à l'impressionnisme en France, Frieseke a adopté une

palette lumineuse et une technique de peinture en touches rapides qui
caractérisent son style impressionniste. Il est surtout connu pour ses peintures
de nus féminins dans des intérieurs ou des jardins, où il utilisait souvent des
motifs floraux et des couleurs vives pour créer une atmosphère chaleureuse et
sensuelle.

PAGE 2
Description du tableau :
Le tableau « Le Parasol dans le jardin » évoque le plaisir serein d'un été dans la
campagne française. Le décor est le jardin de la maison des Friesekes à
Giverny, à proximité de la maison et des jardins du vénérable peintre
impressionniste Claude Monet. La femme assise est la femme de l'artiste, Sadie,
et le jardin était sa création spéciale. Frieseke la dépeint comme une femme de
loisir cultivée dont la lecture est interrompue par l'arrivée d'un ou plusieurs
visiteurs, car c'est notre approche qui détourne Sadie de son livre et l'incite à
nous fixer d'un regard interrogateur. Quel que soit le petit drame qui pourrait
résulter d'une rencontre aussi distinguée, il est pleinement éclipsé par le
dynamisme du jardin, et en particulier par le parasol japonais qui pimente la
scène avec des couleurs tourbillonnantes.

Analyse du tableau :
Frieseke a utilisé une technique de peinture impressionniste, caractérisée par
de petites touches de couleur vives et lumineuses, qui se fondent
harmonieusement pour créer une atmosphère estivale douce et légère. Le
jardin lui-même est représenté avec des couleurs vives et des motifs floraux,
avec des buissons et des arbres touffus créant un cadre intime et romantique
pour la scène centrale.

Le jardin dans lequel elle se détend est sa propre création qu'elle entretient et
entretient avec amour pendant les étés. Dans le tableau, Frieseke dépeint Sadie
comme une femme de loisir sophistiquée dont la lecture est interrompue par
l'arrivée d'un visiteur. En conséquence, elle lève les yeux vers nous, les
spectateurs, avec un regard interrogateur. Malgré la petite interaction sociale
qui se déroule en arrière-plan, l'ambiance joyeuse du jardin, en particulier les
couleurs tourbillonnantes du parasol japonais, occupe une place centrale dans
le tableau.

PAGE 3
Tableau 2 :

Titre du tableau : Femmes avec un parasol

Artiste : Claude Monet

Année : 1875

Taille du tableau : 100 cm de haut sur 81 cm de large

Technique de peinture : Huile sur toile

PAGE 4
Artiste :
Claude Monet est l'un des plus grands peintres français du XIXe siècle,
considéré comme le père fondateur de l'impressionnisme. Il est né le 14
novembre 1840 à Paris et a passé son enfance à Le Havre, une ville portuaire de
Normandie.

Monet a commencé à peindre dès son plus jeune âge et a étudié l'art à Paris, où
il a rencontré d'autres artistes comme Auguste Renoir, Frédéric Bazille et
Alfred Sisley. Ensemble, ils ont formé un groupe d'artistes qui cherchaient à
capturer l'effet de la lumière naturelle sur les couleurs et les formes.

Au début de sa carrière, Monet a travaillé dans un style réaliste, mais il a

rapidement évolué vers l'impressionnisme. Il a commencé à peindre en plein
air, utilisant des couleurs vives et des coups de pinceau rapides pour capturer
l'atmosphère et la luminosité de la nature. Il est connu pour ses séries de
peintures, notamment celle de la cathédrale de Rouen et des nymphéas de son
jardin de Giverny.

Au cours de sa vie, Monet a connu des succès et des échecs, des périodes de
pauvreté et de reconnaissance. Il a voyagé en Europe, en Afrique du Nord et en
Asie, cherchant de nouvelles inspirations pour son art. Monet est décédé le 5
décembre 1926 à l'âge de 86 ans, laissant derrière lui un héritage artistique
majeur et influent.

Aujourd'hui, les oeuvres de Monet sont considérées comme des chefs-d'oeuvre

de l'art moderne et sont exposées dans les plus grands musées du monde,
comme le Musée d'Orsay à Paris, le Metropolitan Museum of Art à New York et
la National Gallery à Londres.

PAGE 5
Description du tableau :

Le tableau représente une femme se promenant dans un champ avec un

parasol blanc, probablement l'épouse de l'artiste, Camille Monet.

La femme est vue de dos, portant une robe longue avec un chapeau assorti et
une ombrelle. Elle est debout sur une colline, avec un paysage verdoyant
derrière elle comprenant des arbres, des fleurs et un ciel bleu clair. Elle tourne
légèrement la tête vers la gauche, donnant l'impression qu'elle observe quelque
chose dans le paysage.

La composition est dynamique et équilibrée, avec la femme et le parasol à

droite de la toile et le paysage verdoyant à gauche. Les coups de pinceau sont
rapides et libres, créant un effet de mouvement et de lumière sur la robe de la
femme et le sol. La palette de couleurs est lumineuse et vibrante, typique de
l'impressionnisme.

Analyse du tableau :

Le parasol est un élément significatif de la peinture. À l'époque de la création de

cette oeuvre, l'ombrelle était un accessoire populaire pour les femmes de la
haute société, qui l'utilisaient pour se protéger du soleil et de la chaleur lors de
leurs promenades. L'utilisation de cet accessoire dans la peinture ajoute une
touche de modernité et de réalisme.

Monet a utilisé des coups de pinceau rapides et libres pour créer l'effet de
lumière et d'ombre sur la robe de la femme et le sol. La palette de couleurs est
lumineuse et vibrante, typique de l'impressionnisme. Le ciel bleu clair et les
nuages blancs sont également peints avec des coups de pinceau distincts,
reflétant les variations de la lumière dans la nature.

En somme, "Women with a Parasol" est une oeuvre emblématique de Monet, qui
capture l'atmosphère et la luminosité de la nature de manière dynamique et
spontanée, tout en offrant un aperçu de la vie quotidienne de l'époque.

PAGE 6
Comparaison des 2 tableaux :
"La femme avec un parasol" de Claude Monet et "Le Parasol dans le Jardin" de
Frederick Carl Frieseke sont deux peintures impressionnistes qui représentent
des femmes avec des parasols dans un environnement extérieur. Bien qu'elles
partagent des similitudes, il existe également des différences significatives
entre les deux oeuvres.

En termes de similitudes, les deux peintures mettent en valeur l'utilisation de

l'ombrelle comme accessoire à la mode pour les femmes au XIXe siècle. Les
femmes représentées dans les deux tableaux portent également des robes
longues assorties à leur chapeau et à leur parasol. Les deux artistes ont
également utilisé des couleurs vibrantes et lumineuses pour représenter l'effet
de la lumière naturelle sur les couleurs et les formes.

Cependant, il y a aussi des différences significatives. Tout d'abord, la

composition des deux peintures est différente. Dans "La femme avec un
parasol" de Monet, la femme est vue de dos, tandis que dans "Le Parasol dans
le Jardin" de Frieseke, la femme est vue de face. De plus, le fond dans "La
femme avec un parasol" est un paysage verdoyant, tandis que "Le Parasol dans
le Jardin" représente un jardin clôturé avec des arbustes et des fleurs.

En ce qui concerne la technique picturale, Monet a utilisé des coups de pinceau

rapides et libres pour capturer l'effet de la lumière naturelle sur la robe de la
femme et le sol, tandis que Frieseke a utilisé une technique plus précise avec
des coups de pinceau plus lisses pour représenter les motifs floraux et les
textures des robes.

En fin de compte, les deux peintures sont de magnifiques représentations de

l'effet de la lumière naturelle sur la nature et la mode féminine au XIXe siècle.
Monet et Frieseke ont chacun leur propre style distinctif, mais ils ont tous deux
réussi à capturer l'atmosphère et la luminosité de la nature d'une manière qui
continue d'inspirer les amateurs d'art et les artistes aujourd'hui.

PAGE 7