Présentations orales (6B)

Renaissance ( Maxandre et Diego)

L’art a la renaissance :

Introduction :

L'art de la Renaissance est un mouvement artistique, culturel et intellectuel qui a émergé en

Europe au 16e et 17e siècles. Elle marque une transition importante entre le Moyen Âge et les
temps modernes. La Renaissance a donc été précédée par le Moyen Âge, caractérisé par la
féodalité, la domination de l'Église catholique et une orientation culturelle essentiellement
religieuse. Au 16e siècle, l’Europe fut frappée par la peste noire, qui tua des millions de
personnes. Cela a eu un impact dévastateur sur la société, entraînant des changements
économiques, sociaux et culturels et apportant aussi un changement de mentalité, de
nouvelles idées, connaissances et œuvres d'art.

Le courant précédant la Renaissance était appelé « gothique » et comprenait l’architecture et

l’art gothique qui met en avant tout de nature religieuse et présentait d’imposantes
cathédrales et des vitraux colorés. Les artistes de la Renaissance cherchaient à rompre avec le
style gothique et à redécouvrir les principes esthétiques de la Grèce et de Rome antiques.

L’art de la Renaissance a été fortement influencé par l’humanisme. Les villes italiennes
comme Florence, Venise et Rome furent les premiers centres de la Renaissance en Europe.
Des artistes tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël et Donatello ont émergé et créé
des œuvres d'art qui ont redéfini les normes esthétiques de l'époque. L'art de la Renaissance
s'est rapidement répandu dans toute l'Europe, influençant les artistes et les intellectuels dans
des domaines tels que la peinture, la sculpture, l'architecture, la musique et la littérature. Il a
également promu la recherche scientifique et la réforme religieuse.
Ses caractéristiques :

L'art de la Renaissance est caractérisé par plusieurs traits distinctifs majeurs qui ont redéfini
l'esthétique et la créativité artistique de l'époque. Voici les caractéristiques majeures de l'art
de la Renaissance :

- Humanisme : L'humanisme était au cœur de la Renaissance. Les artistes ont accordé

une grande importance à la représentation réaliste et idéalisée de la beauté humaine.
L'individu, ses émotions, son intellect et son corps ont été explorés de manière
approfondie dans l'art de cette époque.

 Naturalisme : Les artistes de la Renaissance ont cherché à représenter la nature de

manière plus précise et réaliste. Ils ont étudié la perspective, la lumière et l'ombre.

 Perspective linéaire : L'utilisation de la perspective linéaire a été une innovation clé de

la Renaissance. Les artistes ont ajouté plus de profondeurs.

 Mécénat : La Renaissance a été soutenue par des mécènes riches et puissants qui ont
financé les artistes et les projets artistiques. Cela a permis aux artistes de se consacrer
pleinement à leur travail et de créer des œuvres ambitieuses.

 Diversité des sujets : Alors que l'art médiéval était principalement religieux, l'art de la
Renaissance a élargi sa gamme de sujets. En plus des thèmes religieux, il a exploré la
mythologie, la littérature classique, la nature, les portraits, la vie quotidienne, et même
des natures mortes.
 Innovation technique : Les artistes de la Renaissance ont expérimenté de nouvelles
techniques artistiques, telles que la peinture à l'huile, ou des nouvelles techniques de
gravure.
 Individualisme : Les artistes de la Renaissance ont commencé à signer leurs œuvres et
à être reconnus en tant qu'individus talentueux. Cela a marqué une rupture avec la
tradition médiévale où les œuvres étaient souvent anonymes.
 Ces caractéristiques majeures de l'art de la Renaissance ont contribué à créer une ère
artistique exceptionnelle qui a laissé une empreinte durable sur l'histoire de l'art
occidental. Les œuvres de cette période sont souvent considérées comme des chefs-
d'œuvre intemporels de l'expression créative et de la recherche de la beauté idéale

Les personnages référants:

 Pour commencer par le plus grand qui de mieux que Lorenzo de Medici. Lorenzo n’est
certes pas connu comme artiste car celui-ci n’a pas fait de grandes créations. Mais Lorenzo
de Medici est avant tout un mécène. Un mécène est un statut très important et très influant
durant la Renaissance. Il était de plus l’un des plus célèbre et le plus enthousiaste. Il a aidé
de grands artistes tels que De Vinci, Botticelli et Michel Ange.

D’ailleurs en parlant de Michel Ange, je suis dans l’obligation de vous en parler car
j’ai un petit faible pour lui. Depuis ma visite du Vatican et de la chapelle sixtine celui si
m’épate pour ces créations à couper le souffle. Michel Ange est l’Homme de la renaissance
derrière De Vinci que je n’ai même plus besoin de présenté. Michelangelo di Lodovico faisait
tout, sculpture, peinture, architecture, poème et j’en passe. Ça statue de David est la plus
célèbre, La création d’Adam ou encore la fameuse basilique Saint-Pierre. Bref ce grand
monsieur représente bien l’humanisme. C’est à dire la capacité illimitée à se développer.
Et pour finir sur un point un peu plus scientifique, je vais vous présenter Galileo Galilei
que tout le monde connait sous le nom de Galilée. Il est surement le scientifique le plus
influent de la Renaissance et celui qui a ouvert la voie de la révolution scientifique.
Considérer comme le père de l’astronomie, Galilée est le pionnier du télescope. Il a réussi à
agrandir les objets 30 fois plus grand. Albert Einstein le surnommait aussi comme le père de
la sciences moderne.

Conclusion : En conclusion, la renaissance fut une période révolutionnaire et

transformatrice de l'histoire humaine, marquée par un renouveau artistique, intellectuel,
scientifique et social. Cette époque a été caractérisée par un retour aux idéaux de l'Antiquité
classique, encourageant l'exploration, l'innovation et ce qui a de plus important, la
redécouverte de la connaissance.

Impressionnisme (Oriane et Aleksandra)

Symbolisme (Mathis et Jack)

Art nouveau (Maxence et Nelson)

Définition de l’Art nouveau

L’Art Nouveau est un mouvement international d’art et d’architecture qui va
durer de la fin du 19 e jusqu’au début du 20e siècle ( 1920 plein essor) et qui par
un style chargé, coloré et fleuri , par des lignes et des motifs qui sont inspirés
de la Nature va redonner de l’esthétisme , de la beauté aux objets utilitaires ce
qui va être une vraie libération pour l’homme
CONTEXTUALISATION
Alors maintenant, On va se demander pourquoi apparaît ce courant ?
Alors remettons les choses dans le contexte ;
Nous sommes en pleine industrialisation ( fin du 19 ème) et nous connaissons
les dégradations sociales qu’elle a provoqué. Et bien des artistes vont critiquer
la laideur des objets qui sont issus de cette industrialisation, ils vont critiquer la
soumission des travailleurs aux machines, les paysages qui se dénaturent avec
ces usines, la loi de l’exploitation et du profit . Tout ça est critiqué par ces
artistes et ils pensent que cette industrialisation et bien, ça empêche l’homme
de s’épanouir, de devenir meilleur, d’être heureux . Alors ce sont un peu des
réactionnaires ces artistes, et donc pour lutter contre cette dégradation
sociale, ils vont défendre l’ART, le mettre en avant et redonner de la beauté
aux objets utilitaires, revaloriser le travail artisanal ouvrier tout cela en
s’inspirant de la Nature, colorée, harmonieuse, aux lignes courbées et cela
partout en Europe et même jusqu’aux Etats-Unis, c’est une vraie LIBERATION
de l’homme qu’ils veulent.

OEUVRE ARTISTIQUE 1 : SAGRADA FAMILIA

Nous avons parlé de l’Art nouveau en Belgique avec Victor Horta et maintenant
je vous propose de nous évader jusqu’en Espagne à Barcelone où se trouve la
Sagrada Família qui est une basilique géante Ses travaux ont débuté en 1882
et c’est l’architecte Antoni Gaudí, chef du Modernismo ( le modernisme
catalan qui est une petite variante de l’art nouveau en Espagne) qui lui donna
son caractère grandiose et symbolique . Elle est inachevée et est en constante
construction depuis plus d’un siècle.

Retraçons cette oeuvre avec les caractéristiques du courant :

Il faut savoir que l’architecture est ici comme un langage et Gaudi a conçu un
gigantesque édifice qui crée une atmosphère de méditation dans laquelle les
chrétiens vont pouvoir se recueillir.
Alors comment s’y prend-il ce Monsieur Gaudi ?
Et bien allons d’abord à l’intérieur, on est tout de suite plongé dans un espace
immense, une immense forêt inondée de lumière ! Gaudi a conçu ici un espace
où la structure des colonnes et des voûtes imite les arbres et leurs branches
courbées à travers lesquels passent les rayons du soleil grâce à des lucarnes et
c’est tout à fait innovant On retrouve les formes courbées des branches, on est
dans la rondeur de la nature, dans l’organique de l’Art nouveau, les couleurs
sont vives, on retrouve l’innovation structurelle de l’art nouveau et cette
ambiance touche notre émotion et nous invite au recueillement, en quelque
sort à un certain épanouissement, c’est absolument grandiose.

Ensuite sortons, on dirait du gothique , très haut mais en moderne, il y a une

fusion des styles, on brise les conventions académiques, c’est bouleversant !
On peut voir les 3 façades pleines de symboles, il y a un cyprès qui est l’arbre
de la Vie, d’animaux, bref la Nature y est sculptée afin de symboliser l’éclosion
de la Vie, tout est symbole, le chrétien peut lire les façades comme une Bible à
livre ouvert et pourra développer son espace de recueillement, son
épanouissement comme le veut l’Art Nouveau
Puis regardons les tours qui se distinguent par leurs couleurs vives et des
pinacles en mosaïques aux formes tout à fait innovante, L’Art nouveau attire,
une nouvelle esthétique est née.
Expressionisme (Violette et Victoria C)

L'expressionisme est un mouvement artistique du début du 20e siècles qui a apparu principalement en
Allemagne.
Ce courant cherche à exprimer des émotions et des sensations à travers des formes et couleurs
exagérées ou déformées.
Ces émotions étaient souvent peintes en utilisant des couleurs vives et des compositions dramatiques
pour amplifier le ressenti émotionnel.
Il a laissé une empreinte durable dans l'histoire de l'art, marquant et inspirant de nombreux artistes à
travers le monde.
"Le Cri" d'Edvard Munch est considéré comme l'une des œuvres emblématiques de l'art
expressionniste.

Edvard Munch, artiste norvégien, a créé cette peinture en 1893.

Dans cette œuvre, Munch représente une figure humaine criant en se tenant les mains sur le visage

Dans un paysage qui crée une sorte d’atmosphère plutôt angoissante et chaotique grâce aux couleurs
rouge et orange.

La peinture montre l’émotion de la détresse émotionnelle.

L'œuvre a été influencée par un épisode déchirant de la vie de Munch, où il a ressenti une profonde
crise émotionnelle après la mort de son père et la maladie de sa mère. Cet événement a profondément
marqué Munch et a eu un impact important sur son art

La technique de peinture
Couleurs vives et contrastées
Ils utilisent des coups de pinceau expressifs, irréguliers et dynamiques pour créer des effets visuels
puissants.
Ils font aussi des représentations déformées et exagérée
Contraste fort entre ombre et lumière donc ils utilisent beaucoup la technique du clair-obscur

Fauvisme (Axelle et Marilys)

DEFINITION LE FAUVISME :
Le fauvisme est un mouvement artistique né en 1905. Ce courant se trouvait principalement en
France. Elle se compose uniquement de peintures. Elle est caractérisée par des couleurs énergiques
et ses représentations non naturalistes. Le nom de ce mouvement “le fauvisme” a été inventé par le
critique d’art Louis Vauxcelle. Effectivement, suite à sa visite au salon d’automne en 1905 au Grand
Palais. Une des salles présentait des tableaux de jeunes peintres qui a suscité de grandes réactions
par la “violence des couleurs” comme disaient le public. Louis Vauxcelle a donc nommé ce salon : La
cage des Fauves.

LE BUT :

Le but de ce mouvement artistique était de pouvoir s’exprimer de manière spontanée et de manière

instinctive. Les fauves voulaient créer un nouveau langage pictural mené par la couleur. Ils voulaient
de plus déclencher un électrochoc lorsque le spectateur observe leur tableau.

REMISE DANS LE CONTEXTE :

Pour se remettre dans le contexte historique du fauvisme, il a été marqué par de nombreux
changements sociaux, politiques et même artistiques. Au début du 20ème siècle, la société
européenne était en plein changements, avec par exemple l’émergence de nouvelles idées et formes
d’expression artistiques. Les artistes fauves ont donc rejeté plusieurs techniques traditionnelles de
l’art, de la représentation pour se diriger vers des couleurs vives avec des formes simplifiées pour
exprimer leurs sentiments, émotions. Ils ont aussi commencé à travailler dehors, ils s’inspiraient de
ce qu’ils voyaient en visitant, voyageant,..

Malgré que le fauvisme soit un courant qui n’a pas duré très longtemps, de 1904 à 1908, celui-ci a
quand même eu beaucoup d’inspirations, impacts, influences de plusieurs peintres différents ainsi
que courants. Ce mouvement est donc le résultat d’un grand nombreux d’influences artistiques.

LES INFLUENCES, INSPIRATIONS :

- Beaucoup de fauves qui sont donc les peintres du fauvisme ont été inspiré et influencé par
un grand peintre, Gustave Moreau. Il a même été l’inspiration du mouvement. Moreau était
donc un peintre symbolique qui a enseigné à l’Ecole des Beaux-Arts à Paris, il a d’ailleurs
enseigné à plusieurs peintres du fauvisme comme Henri Matisse.
- Une autre influence d’un peintre très connu, Vincent Van Gogh qui est un néo-
impressionniste. Lui, il a inspiré les artistes avec sa façon de peintre comme les effets de
tourbillon, la puissance de ses couleurs généralement pures ainsi que de la manière dont il
peignait avec directement le tube de peinture sur la toile.
- Le courant impressionnisme a aussi créé un impact sur le fauvisme notamment grâce au
peintre John Peter Russell qui a appris à Henri Matisse à se servir des couleurs vives et
impressionnistes plutôt que les couleurs terres qui utilisait.
- Et encore d’autres sources inspirantes comme par exemple certaines œuvres fauves sont
inspirées de sculpture africaines avec la simplicité des traits, préférant l’expressivité aux
détails.

LES PERSONNAGES PRINCIPAUX :

On retrouve plusieurs artistes du fauvisme mais trois d’entre eux sont les principaux représentants
et sont même ceux qui ont créé ce courant.

1. L'un des plus connu est Henri Matisse (1869-1954) un peintre mais aussi un sculpter, un
dessinateur, un graveur français. C’était surtout le chef de ligne du fauvisme. Suite à une
 appendicite à l'âge de 20ans, il va devoir rester aliter et c’est à ce moment-là qu’il va
commencer à peintre et à y prendre gout. Ensuite, il va aller étudier aux Beaux-Arts où de
nombreux célèbres peintres vont lui enseigner l’art. Matisse va être influencé par Van Gogh,
Moreau et même par l’impressionnisme. Il va grâce à cela, peintre à sa manière, avec des
couleurs vives, en s’inspirant et en mélangeant tous ce qu'il a appris.
2. Un autre peintre français, André Derain (1880-1954) qui est l’un des représentants du
fauvisme. Il a toujours voulu être peintre et c’est en entrant dans une école d’art qui était
dirigé par un peintre symbolique qu’il commencera à affirmer son style grâce aux influences
de Van Gogh et du néo-impressionnisme. Il va par la suite, faire connaitre ces tableaux au
grand public qui sont simplifiés, avec des couleurs vives. Mise à part les peintures, Derain a
aussi sculpter et dessiner de nombreuses choses.
3. Enfin, le denier représentant de ce courant qui est également un peintre français, Maurice
de Vlaminck (1876-1958). C’est l’un des peintres les plus violents du fauvisme, il va s’inspirer
de la manière de peintre de Van Gogh. Aussi ce n’est seulement un artiste fauve mais il est
aussi connu dans le cubisme.

LE DEVELOPPEMENT ET L’IMPACT QU’A EU LE FAUVISME :

Le mouvement est apparu en France mais s’est petit à petit développé dans quelques pays d’Europe.
Le style du fauvisme a aussi énormément évolué en utilisant de nouvelles techniques, c’était d’abord
juste l’utilisation de couleurs pures puis ensuite les formes, les sujets, ...

La période du fauvisme est considérée comme un moment fondateur et ‘transitoire’ dans le

développement de l’art moderne. Les artistes ont commencé à se questionner sur le rôle de la
couleur sur les peintures.

Aujourd'hui, de nombreux artistes utilisent les couleurs vives et audacieuses des œuvres fauves mais
aussi certains utilisent toujours la manière de peintre avec des coups de pinceaux pas précis. Il y a
même des artiste fauves contemporains comme Philip Tyler et Fred Ingrams qui gardent cette
tradition fauve donc s’inspirent des paysages, travaillent en plein air.

Le fauvisme a aussi eu une grande influence sur le cubisme, qui est le courant qui va le suivre. Les
artistes ont été influencé par la liberté expressive du fauvisme ainsi que les couleurs vives et es
formes simplifiées.

LES CARACTERISTIQUES ;

Les fauves jouent énormément avec les couleurs. Effectivement, ce courant est connu pour la
violence des couleurs. Les peintres utilisent des couleurs purs. Ce qui signifie qui ne créer aucun
contraste/dégradé avec les couleurs.

De plus, les Fauves représentent le plus souvent leurs paysages avec des couleurs autres que celle de
la réalité.

Ils appliquent la peinture par taches ou pas aplats.

Les fauves préfèrent capter l’émotions qu’il ressentent de leur sujet plutôt que de simplement
représenté la réalité. En peignant des portraits, des paysages et des nus. Les paysages ont été
longuement représenté par les “Fauves” car entre 1906 et 1907, ces peintres voyageaient beaucoup.

Cubisme (Lena et Owen)

Si je vous parle de Pablo Picasso, vous pensez au peintre espagnol connu dans le monde
entier. Mais pensez-vous à tout ce qu’il a apporté dans le domaine de l’art ? En plus d’être
talentueux, il est aussi l’un des co-fondateur du cubisme. Ce mouvement de 1908 à 1916 est
défini comme « Un courant artistique, né au début du XXème siècle, dans lequel les sujets
sont représentés sous des formes géométriques ». Le principe est de montrer le réel sans le
mimétiser et sans tomber dans l’abstrait. Ce serait mentir que de dire que seul Picasso a
contribué au développement du cubisme. Il y a deux autres peintres qui sont primordiaux.
D’une part, Paul Cézanne artiste français et précurseur de l’art moderne. D’autre part,
Georges Braque, autre co-fondateur français. Il a participé au mouvement impressionniste,
fauviste et puis cubiste.

Ce mouvement artistique a ses racines dans le postimpressionnisme. En effet ces deux

mouvements avaient trois grandes similitudes. Premièrement, le rejet de la peinture
académique, ces courants n’étaient appuyés sur aucune perspective ou modelage.
Deuxièmement, les peintures étant représentatives, même si parfois elles semblent être à la
barrière de l’abstrait, les sujets restent reconnaissables. Troisièmement, les pinceaux
cassés permettent de créer des formes avec des zones de couleurs au lieu de lignes noires
simples. Cette technique est utilisée par les deux courants artistiques.

Il y a aussi deux grandes différences. Tout d’abord, le sujet car les peintures cubistes étaient
souvent des portraits alors que les œuvres impressionnistes mettaient principalement en
avant des paysages. Ensuite, les couleurs variaient vraisemblablement. Les cubistes
utilisaient une palette de tons monochromes alors que les impressionnistes utilisaient plus
de couleurs différentes.

Il faut aussi savoir que le cubisme a eu 3 phases différentes. Le cubisme cézanien en 1907
initié par Paul Cézanne, se focalise sur les formes géométriques et les couleurs. Le cubisme
analytique principalement exercé par Pablo Picasso à partir de 1909 mets l’accent sur des
couleurs plus neutres comme le brun, le gris, le noir… Il utilise aussi les trompes l’œil et le
papier collé. Picasso aime créer un jeu entre l’illusion et la réalité. Le cubisme synthétique
débute en 1913 dont les principaux peintres sont Picasso et Braque. Cette phase est
considérée comme l’aboutissement du courant. L’idée reste la même mais les couleurs
vives se font plus régulières. Picasso va intégrer les matériaux naturels dans ses œuvres en
ajoutant par exemple du sable à sa peinture.

Pour continuer cette présentation, je vais vous énoncer les 4 caractéristiques fondamentales
de ce courant. Tout d’abord, les perspectives multiples qui opposent le cubisme à la
renaissance et qui ont fait évoluer la perspective linéaire de celle-ci à une représentation en
deux dimensions. Les artistes cubistes représentaient les sujet sous différents angles en
utilisant pour ce faire des ombres et la bidimensionnalité. En outre, les formes géométriques
sont évidemment une caractéristique importante de ce courant artistique. Pour accéder à la
représentation multidimensionnelle qu’ils voulaient tant obtenir, les artistes peintres

devaient déconstruire leurs sujets en formes géométriques tels que le cube ou les sphères
pour après les rassembler. Cette méthode a pour but de développer les volumes. De plus,
comme dit précédemment, le début du cubisme est aussi caractérisé par des tons
monochromes comme le gris, le noir, l’ocre pour mettre en avant la structure et la forme du
sujet. Les couleurs vives seront utilisés plus tard dans le mouvement. Enfin, l’une des
dernières caractéristiques est le plan d’image aplati. Les artistes utilisaient la superposition
pour que tous les sujets soient visibles sur le tableau. Picasso va alors inventer le principe
du collage et Braque le principe du papier collé.
Petite information supplémentaire, ce mouvement n’est pas resté uniquement dans le
domaine de la peinture mais a aussi atteint la sculpture et la littérature. (voir image
PowerPoint)
Ce courant artistique s’achève pendant la Première Guerre mondiale. Le cubisme était
considéré comme une forme d’internationalisme alors qu’après la guerre il y avait une
volonté nationaliste.
Nous allons poursuivre avec l’analyse de 2 œuvres d’arts.
La première est "Les Demoiselles d'Avignon" peinte en 1907 par Pablo Picasso. Cette
peinture est considérée comme l'une des œuvres les plus importantes du cubisme. Cette
peinture marque le début du mouvement et représente un tournant majeur dans l'histoire de
l'art moderne. On voit, au centre de cette œuvre, cinq femmes nues. Elles sont représentées
de face, leurs corps sont fait de formes géométriques comme des triangles, des losanges et
des formes angulaires. Cette déconstruction est typique du cubisme, qui cherche à
représenter les objets et les sujets sous différentes formes en même temps. Le reste de la
peinture est composé avec des formes dont on ne distingue pas de prime abord le sens. On
peut aussi remarquer que cette œuvre représente bien la limite entre le réel et l’abstrait
expliqué précédemment. Car Les femmes sont reconnaissables mais le fond est assez
abstrait. On peut aussi observer que Picasso s'est inspiré de l'art africain et ibérique, pour
créer les visages et les masques des femmes dans la peinture. Il faut aussi savoir que dans
cette œuvres les femmes sont souvent interprétées comme des prostituées, ce qui ajoute
une dimension sexuelle à la peinture. Cela a pu faire ressortir un côté dérangeant de
l’œuvre en raison des expressions faciales et des corps.
La deuxième peinture est "Violon et raisin", réalisée en 1912 par Pablo Picasso et qui est
emblématique du cubisme, montrant un violon et une grappe de raisin déconstruits en
formes géométriques. Le titre de l'œuvre indique clairement les objets que vous pouvez
observer. Même si cela semble abstrait on arrive quand même à voir ce qui nous est
représenté. On voit le violon et la grappe de raisin en formes géométriques comme les
cubes, les cylindres… Il y a aussi une superposition qui donne du relief aux éléments. Nous
pouvons aussi noter qu’il y a plusieurs angles différents qui sont utilisés comme expliqué
plus tôt. Cela joue sur une représentation de la réalité avec la bidimensionnalité. On peut
conclure qu’un des buts de la peinture cubiste est de faire réfléchir le spectateur sur l’œuvre
qu’il admire. Car le fait que ça ne soit ni complètement réel ni complètement abstrait
perturbe un peu l’esprit. Même si le sujet reste reconnaissable, on doit quand même être
concentré pour le voir.
Pour conclure, ce qu’il faut retenir de cette présentation tient en 4 phrases. Le cubisme est
un courant artistique présenté par 3 peintres fondamentaux. Il a été influencé par
l’impressionnisme et est reconnaissable par ses formes géométriques, sa bidimensionnalité,
les collages et ses tons monochromes. Le cubisme a connu trois phases qui ont révélés
trois cubismes légèrement différents. Ce mouvement s’est étendu à la sculpture et à la
littérature avant de petit à petit disparaitre pendant la Grande Guerre. Maintenant il ne reste
plus qu’à savoir si le cubisme a eu une influence sur l’hyperréalisme. Mais cela n’est pas à
nous de vous le dire.
Hyperréalisme (Hugos et Julia)

Pop art (Nathan et Victoria R)

Street art (Sam et Colombine)

Le street art

Le street art est une forme d'expression artistique qu’on peut retrouver principalement dans
les espaces publics, tels que les rues, les murs d'immeubles, les ponts et les tunnels.
Contrairement à l'art traditionnel, le street art est éphémère et s'adresse directement au public
sans nécessiter d'entrée dans un musée. Il englobe une variété de styles et de techniques,
notamment la peinture murale, le graffiti, les pochoirs, les installations, les affiches, et plus
encore. Le street art est souvent utilisé pour transmettre des messages sociaux, politiques,
culturels ou personnels.

Le street art a commencé au moment des mouvements de contre-culture et des manifestations

à partir des années 1960 aux Etats-Unis. Le premier mouvement s'apparentant à l'art de rue
est le « Graffiti writing » lancé par deux artistes de Philadelphie, Cornbread et Cool Earl. Les
artistes de rue ont cherché à échapper aux contraintes des galeries d'art traditionnelles et à
atteindre un public plus large en utilisant les rues comme leur toile. Ce mouvement a été
influencé par des artistes tels que Jean-Michel Basquiat, Keith Haring et Banksy, qui ont
contribué à populariser celui-ci.
Pour certain,le street art remonte à bien plus longtemps que ca, au XX e siecle

Les principales caractéristiques

1. Accessibilité
Le street art est accessible à tous, sans frais d'entrée. Il peut être apprécié par un large public,
indépendamment de l'âge, du statut social ou de l'éducation artistique.
2. Éphémère
Contrairement à l'art traditionnel, le street art est souvent éphémère en raison des conditions
météorologiques, de la réglementation urbaine ou du vandalisme. Cette nature éphémère lui
confère une dimension unique et temporaire.
3. Messages engagés
De nombreux artistes de rue utilisent leurs œuvres pour véhiculer des messages sociaux,
politiques ou culturels. Le street art devient ainsi un moyen de donner une voix aux
préoccupations de la société.
4. Diversité de styles
Le street art englobe une grande variété de styles, des graffitis colorés et abstraits aux
pochoirs complexes en passant par les installations sculpturales. Cette diversité rend chaque
œuvre unique.
5. Interaction avec l'environnement
Les artistes de rue tiennent compte de l'environnement urbain dans lequel ils travaillent. Ils
intègrent souvent des éléments architecturaux, des fissures dans les murs ou d'autres
caractéristiques urbaines dans leurs œuvres.
6. Polémique et débats
Le street art suscite souvent des débats sur la légalité, l'esthétique et la pertinence. Certains le
considèrent comme de l'art pur, tandis que d'autres le voient comme du vandalisme.

Analyse des œuvres :

Keith Haring,we the youth

En 1987 ; le peintre Keith Haring réalise cette œuvre dans un quartier peu aisé financièrement de
Philadelphie avec l’aide de 14 autres lycéens. Il aura pris des mois a choisir son endroit idéal pour la
réaliser. Bien que l’on dit que le street art est éphèmere ,cette peinture ci se trouve encore sur ce
mur contrairement à ce qui était prévu de base. Le message qu’il souhaite faire passer est un
message d’éspoir.On le retrouve dans les personnages symbole de Keith Haring.ils se touche entre
eux et meme chaques personnages du dessous en soulève un autre.

Art povera (Tanguy et Valentine)