HTA

Résumé

BY NIPPO
 INTRODUCTION
L'histoire de l'humanité se dévoile comme une trame
riche et complexe, ponctuée par des moments
déterminants tels que la Renaissance, la Révolution
industrielle et le modernisme. Ces périodes
emblématiques témoignent d'une évolution
dynamique, redéfinissant notre compréhension du
monde et stimulant notre quête constante de
progrès et d'innovation.
Renaissance
1. Renaissance Italienne
La période historique qui s’étend du début du XIVème siècle
à la fin du XVIe siècle.
Elle vit un intérêt renouvelé pour les arts et la culture de
l’antiquité
Elle est considérée comme un premier moment de la révolte
de Raison contre les mythes et les servages médiévaux.

Contexte historique
La Renaissance, époque postérieure au Moyen Âge, s'est
distinguée par un renouveau artistique, commercial, et une
quête perpétuelle de perfection sous l'égide de l'humanisme.
Avant cela, l'Europe était en proie à des conflits et des
épidémies, conduisant à un repli dans la foi chrétienne. Le
système féodal, caractérisé par un seigneur dominant et ses
vassaux, prévalait, définissant une énergie collective.
La première période de la Renaissance, amorcée en Italie,
particulièrement à Florence, se distinguait par une vision
cherchant à créer un espace idéal. À Byzance, les vestiges de
l'Antiquité, dont les enseignements philosophiques, étaient
préservés. La découverte de l'Amérique et le contournement du
globe pour le commerce des épices et de la soie ont marqué ce
tournant. Les Ottomans émergent, mettant fin à l'Empire
byzantin et s'appropriant les vestiges du savoir antique. L'Italie,
avec ses petits châteaux et républiques, a accueilli les savants
grecs fuyant la crise du système féodal, attirés par la
préservation de l'héritage gréco-romain.

Caractéristiques de cette période

L'homme de cette Renaissance initiale redécouvre la beauté de
l'être humain, réhabilitant une image autrefois perçue comme
celle d'un pécheur barbare et cruel. La logique de cette période
qualifie l'homme comme une image de Dieu, surtout incarnée
dans la sculpture humaniste. Les caractéristiques majeures de
cette première période de la Renaissance résident dans la
découverte de l'homme, soulignant ses capacités et sa dignité,
le laïcisme qui encourage l'amour de Dieu à travers l'être
humain, le renouveau de l'intérêt pour les sciences, et la
découverte de nouvelles voies commerciales. Les mécènes,
riches bienfaiteurs, ont joué un rôle crucial en finançant les
artistes et en soutenant des projets novateurs, tandis que
l'invention de la perspective constituait une avancée majeure,
permettant de visualiser les projets artistiques et
architecturaux avant leur réalisation concrète. Ainsi, cette
première période de la Renaissance s'est particulièrement
distinguée par son ambition de créer un espace idéal, jetant
ainsi les bases de la modernité.
 Figures de la renaissance
Michel Ange
Michel-Ange (1475-1564) était une figure majeure de la
Renaissance italienne. Il excella en sculpture, créant des
chefs-d'œuvre tels que le "David" et la "Pietà". Sa fresque au
plafond de la Chapelle Sixtine, notamment la "Création
d'Adam", représente la vision de l'Univers du Moyen Âge qui
place Dieu au centre des préoccupations.. En tant
qu'architecte, il contribua à la conception de la basilique
Saint-Pierre. Polyvalent, Michel-Ange était également poète et
écrivain, laissant un héritage artistique et intellectuel durable.
Leonard de Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519) excella en tant qu'artiste avec
des œuvres célèbres comme la "Joconde" et "La Cène". Sa
curiosité insatiable le poussa à des études approfondies
(artiste savant) en anatomie, en science, et il fut un inventeur
visionnaire, concevant des machines et des dispositifs
innovants. Leonardo incarnait l'idéal de l'homme de la
Renaissance, un esprit polyvalent qui a laissé une empreinte
indélébile dans les domaines de l'art, de la science, de
l'ingénierie et de la pensée.
Machiavelli
Niccolò Machiavelli (1469-1527) était un penseur politique et
écrivain italien de la Renaissance. Il est célèbre pour son
œuvre majeure, "Le Prince", où il offre des conseils
pragmatiques sur le pouvoir politique, mettant l'efficacité
politique avant la moralité. Machiavelli a occupé diverses
fonctions politiques à Florence et a observé les dirigeants de
son temps pour tirer des leçons sur la gouvernance. Son
travail, bien que controversé, a eu une influence profonde sur
la pensée politique, en mettant en avant une approche
réaliste et pragmatique de la politique.
Brunelleschi
Filippo Brunelleschi (1377-1446) était un architecte et artiste
italien de la Renaissance. Il est le premier architecte dans le
sens moderne du terme, célèbre pour avoir conçu et construit
la coupole de la cathédrale de Florence, utilisant des
techniques innovantes qui ont marqué une transition de
l'architecture gothique à celle de la Renaissance. Brunelleschi
a également eu des contributions dans d'autres domaines
artistiques et a laissé une influence durable sur l'approche
scientifique de l'art et de l'architecture pendant la
Renaissance italienne.

Santa Maria del Fiore

Diamètre: 42m/
Hauteur 52 m
Illustre une réutilisation réfléchie du
vocabulaire antique ( inspiration et non
une copie) et une recherche de la
symétrie.
Alberti
Leon Battista Alberti (1406-1472) est le premier architecte de
la période moderne à avoir rédigé un traité sur l’architecture,
le De re Aedificatoria (1443-1452)3. Il est également le premier
à avoir donné une définition de la beauté architecturale.
Inspiré par les principes de Vitruve, percevait un édifice comme
un organisme humain, où la beauté résidait dans l'inhérent et
le naturel, plutôt que dans les ajouts artificiels. Convaincu de
cette vision organique de l'architecture, Alberti a élaboré une
réglementation visant à guider la construction selon des
principes harmonieux et intrinsèques. Pour lui, la véritable
beauté d'un édifice émanait de sa conformité aux lois
naturelles et à l'équilibre, reflétant ainsi la perfection
inhérente aux formes simples et épurées. Cette approche a
profondément influencé la pratique architecturale de la
Renaissance, où la recherche de l'harmonie avec la nature et
la redécouverte des canons classiques étaient au cœur de
l'évolution artistique et architecturale de l'époque.

Santa Maria Novella,

1458
Géométrie parfaite
Ordre rationnel
Proportion

Les règles qui produisent la beauté: l’harmonie, la proportion

et la symétrie.
 Humanisme en architecture
Se manifeste d’un point de vue idéologique par deux postulats
de fond:

RATIONALISME HISTORISME
Reflet d’un nouvel esprit Accueillir la leçon de l’histoire.
laïque, concret, appliqué à Dialoguer d’égal à égal avec
quantifier les valeurs l’antiquité. en même temps,
qualitatives. Brunelleschi introduit dans la ville
«universalité» médiévale ses propres objets
spatiaux en tant que reflets des
valeurs rationnelles.

La Haute renaissance 1500-2525

La Renaissance s'est épanouie au-delà de Florence pendant le
Cinquecento, marquant l'apogée de l'art de la Haute
Renaissance à Rome, Venise, et dans une moindre mesure,
Florence. À Rome, en particulier, cette période a été le point
culminant de l'art de la Renaissance, en raison des ambitions
papales visant à restaurer la ville en tant que principal centre
artistique et culturel en Italie.
Les Papes ont investi des sommes considérables pour engager
les plus grands artistes du Cinquecento, tels que peintres,
sculpteurs, et architectes, afin d'embellir le Vatican et la ville
de Rome. Cet engagement financier, bien que destiné à
magnifier l'Église, a failli la ruiner en raison des coûts élevés
associés.
 En parallèle, les tentatives des Papes de collecter des fonds
auprès de la population ont constitué une cause majeure de la
rébellion protestante. Les pressions financières exercées sur
les fidèles ont contribué à aggraver les tensions sociales et
ont été l'un des facteurs déclencheurs de la contestation
protestante qui s'est répandue à travers l'Europe.

Art de la Haute renaissance

L'art de la Haute Renaissance, à son apogée au XVIe siècle, se
caractérise par une quête de vérité, d'équilibre et de
perfection formelle. Les artistes comme Léonard de Vinci,
Michel-Ange et Raphaël ont cherché à représenter la nature
de manière réaliste en étudiant l'anatomie, la perspective et
la lumière. L'équilibre était essentiel, tant dans la composition
des œuvres que dans l'harmonie des couleurs.
Cet art ne se contentait pas de copier les idéaux classiques,
mais les assimilait de manière créative, fusionnant l'héritage
antique avec une originalité artistique. Les traités
d'architecture, notamment ceux de Leon Battista Alberti, ont
diffusé largement les principes de la Haute Renaissance,
influençant l'architecture en Italie et au-delà.
Rome, avec le mécénat des papes, est devenue le centre
névralgique de cette époque artistique, projetant son
influence à travers l'Europe. L'art de la Haute Renaissance a
ensuite voyagé dans le monde occidental grâce à la diffusion
d'œuvres, d'artistes et de traités d'architecture, laissant un
impact durable sur l'art et l'architecture de l'époque.

Dans "Biografia de Nicola V," G. Manetti indique que, face à une population
peu éduquée, l'Église à Rome cherche à renforcer son autorité. Il suggère que
l'affirmation de cette autorité par des érudits et des élites est nécessaire,
mais que des spectacles grandioses sont également essentiels pour
maintenir la foi chez une population souvent analphabète. Ces manifestations
visuelles servent à consolider des bases de foi potentiellement instables et à
préserver la conviction religieuse à long terme.
 l’architecture de cette période sert a glorifier les papes,
alors elle sort du contexte de l’humanisme parfait, et les
artistes perdent leur autonomie idéologique réelle.

BRAMANTE 1444-1514

TEMPIETTO, Rome, 1502

Centralité du temple antique.
Dimension humaine.
Représente une exploration
intellectuelle complexe.
Une synthèse des principes
universels qui s’appliquent à
l’architecture (=universalisme
politique et religieux du Pape)

Le temple tire son inspiration de modèles antiques,

présentant un corps cylindrique doté de niches et entouré
d'une colonnade toscane reposant sur un petit escalier
circulaire. Il est surmonté d'une balustrade entourant le
dôme, dont le rayon équivaut à sa hauteur.
À l'intérieur de la cellule circulaire, d'un diamètre d'environ 4
mètres et demi, se trouve un autel orné d'une statue de
l'apôtre datant du XVIe siècle. Conformément aux plans
initiaux, le temple était destiné à être intégré au centre
d'une cour circulaire qui, malheureusement, n'a jamais été
réalisée.
 SERLIO
Sebastiano Serlio, architecte de renom, a marqué l'histoire
avec ses quelques bâtiments notables, mais surtout avec sa
contribution exceptionnelle à l'architecture à travers huit
manuels publiés entre 1537 et 1575. Ces manuels, considérés
comme la "bible architecturale", ont eu une influence majeure
en France, en Italie, en Allemagne et en Angleterre.

Les cinq ordres architecturaux, transmis de génération en

génération, sont devenus un ensemble incontournable
enseigné dans les manuels du XVIIe et du XVIIIe siècle,
souvent illustrés en début de cours. Cette approche raffinée
incarnait la sagesse antique de l'art de construire.

Bien que Vitruve ait omis de mentionner un cinquième ordre

dans ses descriptions, Alberti a ajouté l'ordre composite,
mêlant le corinthien et l'ionique. Toutefois, c'est Sebastiano
Serlio qui a consolidé l'autorité légendaire des ordres
architecturaux pour une longue période grâce à ses manuels
influents, qui ont façonné la compréhension et l'application de
ces ordres.

En parallèle, Serlio a joué un rôle crucial dans l'évolution des

théâtres pendant la Renaissance italienne. Il a introduit l'idée
que la taille de la salle influence la forme parfaite du théâtre,
contribuant ainsi à l'expansion de ces lieux de divertissement.
En intégrant la perspective centrale dans la conception
théâtrale, il a fusionné les principes du vrai théâtre classique
avec l'art de la Renaissance. Serlio a laissé un héritage
durable dans les domaines de l'architecture et du théâtre,
influençant profondément la manière dont ces disciplines
étaient comprises et pratiquées à son époque et au-delà.
 CLASSICISME
Au cours du XVIe siècle, le classicisme de la Renaissance s'est
diffusé à travers l'Europe, marquant une période de
redécouverte et d'émulation des idéaux artistiques,
philosophiques et architecturaux de la Grèce et de Rome
antiques. L'Italie a servi de berceau à ce mouvement, avec des
mécènes, des institutions éducatives, et des artistes
favorisant l'étude des œuvres classiques. Les voyages, les
échanges culturels, l'imprimerie, les traités architecturaux, et
l'influence des cours royales ont tous contribué à la
propagation rapide de ces idéaux. Les réformes religieuses et
les changements dans la Contre-Réforme ont également joué
un rôle, utilisant l'art classique pour exprimer des idéaux
spirituels.
Alors, on verra par la suite 2 mouvements ayant 2 messages
et objectifs différents :

MANIERISME
Michel Ange (génie de sens)
Rupture avec les principes
classiques.
Cherche à exprimer
l'individualité et à susciter une
réponse émotionnelle chez le
spectateur.
ACADEMISME
Andrea Palladio
Basé sur les principes classiques de
l'Antiquité, en mettant l'accent sur la
maîtrise technique, la clarté, et l'ordre.
mettant en avant la perfection idéale
et la représentation idéalisée du
monde.

BAROQUE CLASSICISME

NEO-CLASSICISME
Palladianisme
2. Maniérisme et académisme
1. MANIERISME 1525-1600
Le maniérisme, un style artistique du XVIe siècle, se présente
comme une fusion de continuité et de rupture, caractérisée par
des transformations géométriques, des déséquilibres et des
tensions, mêlant normes antiques et contradictions formelles.
Selon M. Tafuri, l'architecture maniériste s'insère dans la
laïcisation de l'art européen, justifiant le recherché et le
démoniaque comme expression de la vie universelle. Ce style,
avec ses supercheries visuelles, a remis en question les normes
de la Renaissance, et les artistes flamands ont contribué à sa
diffusion en Europe du Nord. Michel-Ange(1475-1564), pionnier
du maniérisme, a introduit des éléments novateurs tels que
l'ordre géant, un grand pilastre s'étendant de bas en haut sur
une façade. Sa conception de la façade de la basilique Saint-
Pierre de Rome en est un exemple notable, il a marqué le
maniérisme par des constructions d'une grande plasticité,
articulant les parois avec des éléments saillants, des pilastres,
des niches, des fausses fenêtres, des corniches et des
entablements ornés. Ses édifices étaient conçus tel un
organisme humain, caractérisés par un dynamisme accentué, des
mouvements internes et des axes invitant au déplacement. Sa
liberté imaginative se manifestait dans l'invention de formes et
d'ornements, marquant ainsi un mépris des règles de proportion
et d'agencement respectées par ses contemporains.
Chapelle MÉDICIS S.Pierre
1520- 1534

Dimension humaine
 Caractéristiques du maniérisme
Travail sur le vocabulaire antique pour étonner, obtenir des
effets d’une grande plasticité.
La forme prime sur la fonction : licence importante par
rapport à la grammaire des ordres.
Jeux formels : rupture d’équilibre, solécismes par rapport au
vocabulaire antique.
Deux figures emblématiques Michel-Ange (1475-1564) grande
inventivité toujours maîtrisée Giulio Romano ou Jules Romain
(1499-1546) jeux audacieux sur le déséquilibre

2. ACADEMISME 1550-1600
Au début du XVIe siècle, l'Italie a été le théâtre de troubles
politiques et religieux, atteignant leur apogée avec le sac de
Rome en 1527 par les troupes de Charles V. Ce cataclysme a
profondément marqué le milieu artistique, forçant la dispersion de
l'école de Bramante et Raphaël, emblématique de la Haute
Renaissance. Cette période a engendré le maniérisme, un
mouvement artistique caractérisé par une esthétique complexe et
une déformation des formes classiques, en réaction aux
traumatismes vécus. Le maniérisme a perduré jusqu'à la fin du
XVIe siècle, moment où le style baroque a émergé comme une
réaction significative, introduisant des changements notables
dans les formes artistiques et architecturales en Italie. Ce
contexte a jeté les bases de l'académisme en architecture, un
mouvement artistique prédominant du XVIIe au début du XXe
siècle. Issu de la redécouverte de l'architecture classique romaine
pendant la Renaissance italienne, l'académisme a été consolidé
par les académies d'art et d'architecture du XVIIe siècle,
établissant des règles rigides telles que la symétrie et la
proportion. Né en réaction aux excès du maniérisme et du
baroque, l'académisme visait à réinstaurer l'harmonie et l'ordre
inspirés des principes classiques de la Renaissance.
 ANDRÉA PALLADIO
Andrea Palladio (1508-1580), est une figure pivotale de
l’académisme. Fortement influencé par les idées d'Alberti et
s'inscrivant dans la lignée de Fra Giocondo et Serlio, il cherche à
renforcer l'approche rationnelle de l'architecture et façonner les
principes et les normes enseignés dans les académies d'art et
d'architecture. Bien que son admiration pour le modèle romain
soit justifiée par l'analyse des ordres et des formes préexistants,
Palladio va au-delà en explorant des combinaisons spatiales dans
la pratique. Deux idées centrales résument son approche :
premièrement, l'architecture a un objectif clair, celui d'améliorer la
vie humaine, et deuxièmement, il existe des règles pour créer un
bâtiment de qualité, considérant l'architecture davantage comme
un métier que comme un art luxueux. Palladio souligne que
l'architecture va au-delà de la simple fourniture de toits et de
murs, estimant qu'elle devrait encourager des états d'esprit
positifs chez les individus. Il identifie trois vertus psychologiques
que l'architecture peut favoriser : le calme, l'harmonie et la
dignité. Ainsi, Palladio attribue à l'architecture un rôle significatif
dans la promotion du bien-être mental et émotionnel des
individus, allant au-delà de sa fonction utilitaire première.

Villa Barbaro 1550-1560

L’une des ambitions de l’architecture de Palladio était de donner plus de dignité

à des parties de la vie qui avaient été, injustement, considérées comme indignes.
Et qui, à ses yeux, n’avait pas le prestige qu’ils méritaient bien.
 Règles de PALLADIO
Ils devraient être symétriques.
Il devrait y avoir trois, cinq ou sept ouvertures d’un côté
– pas un nombre paire.
Les chambres doivent avoir une forme géométrique
simple, la longueur doit être de trois cinquièmes de la
largeur et la hauteur des trois cinquièmes de la largeur.

Quelques œuvres

VILLA ROTANDA TEATRO OLIMPICO

1ere période de la renaissance

La renaissance au service des commerçants
N.B 1400

1500
2me période de la renaissance
La renaissance au service des papes
1525

1600-1900
3me période de la renaissance
La renaissance au service des rois
3. Renaissance française
Italianisme
Contexte historique
La période étudiée marque une transition significative dans
l'histoire française, caractérisée par la conclusion de la Guerre
de Cent Ans (1337-1453) et l'avènement des guerres d'Italie
(1449-1559). Après des années de conflits intenses entre les
dynasties rivales pour le trône de France, l'attention se tourne
vers l'Italie, où les rois français cherchent à étendre leur
influence en conquérant le royaume de Naples et le duché de
Milan, des territoires considérés comme des héritages
légitimes.
Sous les règnes de Charles VIII et Louis XII, à partir de 1495,
un événement majeur se produit avec l'installation à Amboise
d'une colonie d'artistes italiens. Cette collaboration artistique
marque le début d'un mouvement qui transformera le paysage
artistique et architectural français. Alors que la structure
architecturale reste profondément enracinée dans la tradition
française, les éléments décoratifs adoptent une esthétique
italienne distincte.
La transition artistique est particulièrement visible dans
l'architecture, passant de l'arc ogival et du naturalisme
gothique à l'utilisation du plein cintre et à des formes plus
souples, incorporant des motifs antiques stylisés. Les guerres
d'Italie ne sont pas seulement des conflits militaires, mais
également des catalyseurs culturels qui introduisent la France
à la Renaissance italienne, marquée par une approche plus
humaniste et une redécouverte des arts classiques.

GOTHIQUE

RENAISSANCE
 Cette période voit également l'émergence d'une sophistication
accrue dans la vie quotidienne, témoignant de l'influence
italienne sur la vie sociale et culturelle en France. Les
descriptions détaillées de costumes et d'intérieurs reflètent un
raffinement croissant, soulignant une aspiration à un mode de
vie plus élégant et luxueux.
L'impact de ces événements, souvent désigné par le terme
"Italianisme", représente bien plus qu'une simple
transformation artistique. Il incarne une période où la France,
grâce aux guerres d'Italie, a été exposée à un nouveau courant
culturel et artistique, marquant ainsi le début d'une ère de
changement et d'innovation dans le paysage artistique et
social français.

Les chateaux de la loire

Pendant la période de guerre, les rois de France se réfugièrent
dans les châteaux de la vallée de la Loire pour y trouver
protection. En parallèle, des artistes italiens, fuyant les conflits,
vinrent en France, apportant avec eux l'influence de la
Renaissance. Les rois français, fascinés par cette époque
artistique italienne, cherchèrent à reproduire son éclat dans la
décoration des châteaux. Cette rencontre entre la noblesse
française et les artistes italiens en exil créa une fusion
culturelle unique, marquant un tournant dans l'histoire
artistique française et léguant un héritage qui transcende les
frontières et les époques.

Attaques de la guerre

Les châteaux de la Loire

 Château d’Amboise
Le château d'Amboise marque un tournant majeur en
devenant le premier château à adopter des éléments italiens
tout en préservant sa structure médiévale. Située sur un
plateau surplombant la Loire, la forteresse médiévale subit
d'importants travaux de modernisation, mobilisant environ 178
tailleurs de pierre, 60 ouvriers, charpentiers, couvreurs, et
autres artisans.
Pendant cette période, le roi entreprend une campagne en
Italie et découvre la Renaissance italienne à Naples, ce qui
provoque un choc culturel majeur. Auparavant, le roi résidait
dans des forteresses médiévales, mais cette expérience
italienne le pousse à adopter une architecture plus moderne
et raffinée.
Le château d'Amboise devient alors un exemple de château
confortable et prestigieux, fusionnant une structure médiévale
avec une décoration inspirée de la Renaissance italienne. Les
motifs symétriques issus de l'Antiquité, des fenêtres plus
grandes pour permettre davantage de lumière, des fenêtres
croisées, des balcons et d'autres éléments de luxe
caractérisent cette nouvelle approche.

Décoration prestigieuse et
raffinée.
Motifs symétriques inspirés
de l’antiquité.
Fenêtres plus grandes pour
plus de lumière.
Des balcons, bâtiment de
luxe pour la plaisance et le
plaisir.

Une forteresse médiévale

Contrairement aux châteaux médiévaux de l'époque, le château
d'Amboise devient un lieu de pouvoir et de résidence,
représentant le goût du roi pour l'élégance et le plaisir. En plus
des rénovations, le roi ordonne la construction de deux tours
cavalières exceptionnelles, bien que la troisième ne soit pas
achevée. Ces tours ont une dimension exceptionnelle,
permettant aux chevaux et aux attelages de relier la ville aux
terrasses du château, ajoutant une dimension pratique à
l'aspect esthétique du château. Ainsi, le château d'Amboise
devient un symbole de la transition entre le médiéval et le
Renaissance, incarnant la fusion réussie de deux époques
distinctes dans l'architecture et le style.

Château de Blois
Résidence favorite des rois de France
Le château de Blois, situé dans la vallée de la Loire, a été la
résidence préférée des rois français pendant une période
significative. Sous le règne de Louis VIII, une transformation
artistique majeure a eu lieu, marquant la transition entre le style
gothique et la Renaissance. Louis VIII a fait appel aux meilleurs
artistes italiens de l'époque pour orner le château de Blois de
splendides éléments architecturaux.
Cette période a également vu
l'introduction novatrice de jardins
associés à la résidence royale, les
considérant comme des lieux de vie
plutôt que simplement des espaces
dédiés à la chasse et à la nourriture.
Pour la première fois en France, des
terrasses et des loggias ont été
construites, offrant un plaisir esthétique
même en temps de guerre. L'utilisation
de pierre blanche taillée a prévalu,
adoptant ainsi une structure italienne,
caractérisée par un style fleuri.
Sous le règne de François Ier, le château de Blois a atteint son
apogée. François Ier, en dépit du système féodal en place, a
réussi à centraliser le pouvoir royal sur l'ensemble du royaume.
Il a compris que la grandeur d'un château était un symbole de
puissance, et Blois devait être à la hauteur de cette vision. Pour
embellir encore plus le château, François Ier a invité Léonard de
Vinci à contribuer à ses projets artistiques. Leur relation
personnelle a ajouté une dimension particulière à l'influence
italienne sur l'architecture et l'art du château de Blois.

Jardin du château de Blois François 1er (Roi bâtisseur)

Ainsi, le château de Blois représente l'harmonie entre les styles
artistiques français et italiens, témoignant d'une époque où
l'art, la politique et la vie quotidienne coexistaient dans un
cadre majestueux.

Château de Chambord
Le Château de Chambord, considéré comme le chef-d'œuvre de
son époque, incarne une majesté sans pareille. Sa construction,
postérieure à la fin des conflits entre seigneurs, le distingue
des forteresses médiévales pour s'élever en tant que château
idéal. Arborant un style français caractérisé par de vastes
ouvertures, des décorations élaborées et des tours qui, loin de
remplir une fonction défensive, servent davantage à orner
l'édifice.
 Au cœur de cette œuvre architecturale, on trouve un escalier à
double hélice conçu par le génie artistique de Léonard de Vinci.
Cet escalier, véritable prouesse technique, ne se contente pas de
relier les étages, mais incarne également l'ingéniosité de l'époque
et devient un symbole du raffinement artistique et de la grandeur
intellectuelle de la Renaissance.

Château de Chambord Escalier a double vice

Le Château de Chambord déroge aux normes conventionnelles en

reposant sur des pilotis, ajoutant ainsi une dimension particulière
à son histoire. Cette particularité structurelle n'est pas
simplement esthétique, elle révèle également la menace
potentielle que représente l'eau environnante, donnant au
château une aura de résilience face aux éléments.
Contrairement aux forteresses médiévales qui étaient entourées
de remparts imposants, Chambord n'en possède pas. C'est avant
tout un château de loisirs, conçu pour le plaisir et la magnificence
plutôt que pour des besoins militaires. Cette absence de remparts
renforce l'idée que le Château de Chambord, avec sa structure en
forme de croix, incarne la transition entre la fonction défensive
des châteaux médiévaux et l'expression artistique et symbolique
du pouvoir royal propre à la Renaissance. Ainsi, Chambord demeure
une icône architecturale, témoignant de l'évolution des édifices
forts vers des résidences somptueuses et emblématiques de leur
époque.
 Fontainebleau en Ile de France
Fontainebleau, dont la première pierre du palais a été posée en 1135,
marquent une étape significative dans la transformation de
Fontainebleau, passant d'un château fort à une demeure royale. Ce
château de chasse des rois, entouré d'une vaste forêt, accueille la
cour pendant deux mois par an. François Ier, conscient du pouvoir de
la culture, a influencé la conception de ces galeries au 16ème siècle,
les dotant d'espaces privés tels que les loggias et des couloirs de 60
mètres sur 6 mètres pour relier différents espaces.

FONTAINEBLEAU GALERIE FRANÇOIS 1ER

Galeries de Francois 1er

La singularité de ces Galeries réside dans leur caractère choquant
pour l'époque, car elles sont exclusivement dédiées à la mythologie
grecque, délaissant tout langage religieux. Les représentations de
corps féminins dénudés et les allégories mythologiques sont
intégrées dans un programme politique qui vise à souligner la
puissance du roi. Les murs des galeries sont ornés de tableaux et de
tapisseries à la manière de l'art italien, et les artistes privilégient des
scènes inspirées de l'antiquité et de la nature, évitant toute allusion
au religieux. Ainsi, les Galeries de François Ier sont le reflet d'une
vision politique et artistique novatrice, mettant en avant la culture et
la puissance du roi à travers une représentation audacieuse du corps
humain et de la mythologie grecque.
 Le Louvre
La Renaissance Classique s'illustre magnifiquement au Louvre à
partir de 1527, lorsque François Ier, souhaitant faire du Louvre sa
résidence principale à Paris, mandate l'architecte Pierre Lescot
pour donner vie à un palais moderne dans l'esprit de la
Renaissance. Durant le règne de François Ier, le donjon est
abattu, mais le chantier reste inachevé à sa mort. Cependant,
son fils Henri II prend le relais, décidant de poursuivre les
travaux et de maintenir sa confiance envers Lescot. En quelques
années seulement, l'architecte érige la prestigieuse aile
centrale, qui abrite notamment la célèbre salle de bal.
L'aile centrale du Louvre, par son agencement architectural et le
succès qu'elle rencontre, devient rapidement un manifeste de
l'architecture de la Renaissance française. Elle témoigne de la
fusion entre l'esthétique classique et la modernité de l'époque,
représentant une rupture avec les structures médiévales. Ainsi,
le Louvre sous la Renaissance Classique s'affirme comme un
joyau architectural, reflétant les aspirations artistiques et la
vision novatrice de la royauté française de l'époque.

La COUR CARRÉE du Louvre, est une

façade virtuose avec trois avant-
corps ornés de frontons. L'utilisation
ingénieuse de l'antique, les
variations des baies et les sculptures
de Goujon créent un équilibre
harmonieux.

AILE LESCOT est une pièce

maîtresse du Louvre, alliant
la grandeur artistique à une
signification politique.
Caractéristiques de la renaissance Française
classique
L'architecte, une figure importante à la cour royale,
s'engage dans un jeu formel et la quête d'un style
distinctement français.
Exploration des notions de proportions, de symétrie et
l’usage des ordres architecturaux, notamment à travers
des innovations comme la colonne française à tambours
introduite par Philibert de L'Orme.
Le jeu sur la grammaire des ordres s'exprime également
dans la combinaison de l'horizontalité et de la verticalité,
avec une emphase particulière sur les travées verticales.
Une préférence pour un décor délicat en bas-relief
émerge, soulignant l'importance accordée aux sculpteurs
dans le processus créatif.
Les tours d'angle traditionnelles sont remplacées par des
pavillons, et malgré des toitures hautes, une rupture
subtile est introduite dans leur configuration.
4. Baroque
Contexte historique
La période du Baroque, émergée juste après la Renaissance et
née à Rome, est caractérisée par un profond sentiment de doute.
Les savants et humanistes, aspirant à atteindre un idéal spirituel,
sont déconcertés par la découverte que la Terre n'est pas le
centre du monde, remettant en question une conception
profondément religieuse de la société qui sacralisait l'homme.
Cette remise en question engendre des doutes existentiels,
remettant en cause la nature même de l'existence.
Ces nouvelles mentalités s'expriment déjà dans le maniérisme,
précurseur du Baroque, où le doute est concrétisé. Des penseurs
comme Descartes encouragent à admettre et accepter le doute,
avec le fameux "Cogito". Le pluralisme intellectuel émerge,
soulignant que l'existence humaine a pour but de réfléchir (une
idée auparavant peu tolérée).
Le Baroque, transcendant plusieurs domaines artistiques tels que
l'architecture, la peinture, la sculpture et la musique, devient une
expression visuelle et émotionnelle du doute. Le terme "Baroque",
signifiant une perle de forme irrégulière en portugais, suggère
l'étrangeté de cette période. Les œuvres baroques, influencées par
les guerres et les échanges culturels, se caractérisent par des
structures exagérées, des scènes figées idéales et des
compositions mettant en avant les émotions humaines.

Pendant la période baroque, le libre arbitre

émerge comme un thème clé dans la
réflexion artistique et philosophique, offrant
une réponse aux questions soulevées par le
Libre arbitre doute et les changements intellectuels de
l'époque. L'art et la pensée baroques
célèbrent la capacité de l'homme à exercer
son libre arbitre, même dans un monde en
mutation.
Dans l'architecture baroque, on observe des bâtiments courbés
et des structures exagérées, notamment en réponse au sac de
Rome qui a instillé la peur de construire des églises
conventionnelles.

Eglise WIES en BAVIERE

Église Saint-Charles-aux-
Quatre-Fontaines

En peinture, des artistes comme Le Caravage captent l'homme

dans toutes ses nuances, explorant les ombres et la lumière
pour détailler les émotions réelles

Caracteristique:
-Capturer plusieurs émotions.
-Contraste de l'ombre et la
lumière pour mettre en valeur
ces émotions et créer des
effets dramatiques.
-Dynamisme et mouvement.
-Realisme et details (surtout
du corps humain).

La Flagellation Du Christ
 Caractéristiques
Magnification de l'individu : Le Baroque célèbre l'individualité,
mettant en avant l'importance de l'individu dans son rapport au
monde et à la spiritualité. Cette mise en valeur de l'individu
s'exprime à travers l'art qui cherche à refléter la diversité des
expériences humaines.
Dichotomie de l'homme baroque : Le caractère baroque de l'homme
est complexe, marqué par une dualité. D'une part, il est individualiste
et extraverti, s'engageant activement dans le monde matériel et
social. D'autre part, il nourrit une foi ardente dans l'au-delà, ce qui
crée une tension palpable entre la vie terrestre et la spiritualité.
Tension dans l'architecture : Cette dualité de l'homme baroque se
manifeste dans l'architecture baroque par un état de tension
perceptible. Les courbes, ellipses et paraboles utilisées dans
l'architecture reflètent cette inclination profonde de l'individu à la
recherche d'un système qui puisse encapsuler la totalité d'un monde
insaisissable et infini.
Courbes et ellipses : Les formes courbes, ellipses et paraboles ne
sont pas seulement des éléments décoratifs, mais des expressions
visuelles de cette recherche existentielle. Elles symbolisent
l'aspiration profonde de l'homme baroque à comprendre et à
embrasser la complexité du monde qui l'entoure.
Respect de la fonction dans l'architecture : L'ordonnance du plan
architectural découle directement du rôle fonctionnel de chaque
édifice. Cette approche met en avant la clarté et la logique, mais elle
est souvent interprétée avec une touche de dramatisme et de
grandeur propre au Baroque.
Univers nouveau : Le Baroque se caractérise par un engagement
délibéré envers la création d'un univers nouveau.
Expression de l'unité spatiale dans les églises : Les églises sont des
espaces privilégiés pour l'expression de l'unité spatiale baroque.
Quelle que soit l'atmosphère recherchée – qu'elle soit sereine,
dramatique ou tragique – les édifices religieux baroques réussissent
à capturer et à exprimer cette unité à travers l'utilisation habile de
la lumière, de la couleur et de la forme architecturale.
Aménagement des Espaces publiques
Le Pape Sixte Quint a laissé une empreinte durable sur Rome
dans cette période en entreprenant des réformes urbanistiques
audacieuses. Son objectif était de créer un réseau urbain
interconnecté reliant foyers, édifices et places. Les voies
principales étaient marquées par des obélisques, servant d'axes
verticaux et ajoutant une dimension monumentale. La
construction de fontaines emblématiques a contribué à
l'esthétique de Rome. Sous la supervision de Domenico Fontana,
un réseau de voirie rigide et systématique a été réalisé, avec des
voies rayonnantes organisées autour de foyers significatifs. Ces
initiatives ont transformé le paysage urbain de Rome, mêlant
fonctionnalité et esthétique dans la vision audacieuse du Pape
Sixte Quint.

Exemples:
Les colonnades de la Place
Saint-Pierre, conçues par Gian
Lorenzo Bernini, incarnent
l'urbanisme baroque avec
leurs bras tendus du Christ sur
la façade de la basilique,
symbolisant l'interaction entre
spiritualité et architecture.
Place St-Pierre de Rome

La Fontaine des Quatre

Fleuves, créée par Bernini en
1651, est le point central de la
Place Navona. Elle représente
les quatre principaux fleuves
des quatre continents connus
à l'époque.

La Place NAVONA
La Place d'Espagne est marquée par
l'emblématique escalier monumental,
érigé entre 1723 et 1726 par Francesco
De Sanctis. Connue comme le Grand
Escalier, il relie l'église de la Trinité-
des-Monts en haut de la colline à la
place en contrebas, créant une
impression théâtrale et majestueuse
qui reflète l'approche monumentale
caractéristique du baroque. Place de l’Espagne, Rome

Rococo
Le Rococo, un style artistique émergeant au XVIIIe siècle, trouve
son origine dans le terme français "rocaille", faisant référence à
une décoration caractérisée par des coquillages, des petits
cailloux, des grottes et des pavillons destinés aux jardins. Ce
style marque le déclin du baroque, particulièrement sous le règne
de Louis XV en France, où il se développe entre la fin du règne de
Louis XIV et la période de Louis XV, avant de se répandre à
travers l'Europe.
Entre 1730 et 1745, le Rococo s'affirme avec des artistes se
consacrant à la décoration des espaces et à l'aménagement des
représentations et des fêtes de cour. Le style Rococo se
caractérise par son élégance gracieuse et spirituelle, illustrant
une imagerie délectable, insouciante, voire volontairement
dépaysante.

Place Saint Petersburg

Quelques caractéristiques distinctives du Rococo incluent :

Dorure : L'utilisation abondante

de feuilles d'or ou d'ornements
dorés, apportant une sensation
de luxe et de raffinement.
Motifs floraux et courbes : Les
éléments décoratifs mettent en
avant des formes florales, des
courbes sinueuses et des motifs
délicats, créant une atmosphère
légère et délicate.
Couleurs pastelles : Les teintes
douces et pastelles, telles que
les roses, les verts tendres et
les bleus pâles, prédominent
dans la palette du Rococo.
Abondance des détails
décoratifs: L'ornementation
excessive caractérise le Rococo,
avec une profusion de détails
décoratifs, que ce soit sur le
mobilier, les murs ou les objets
d'art.

Enveloppe du bâtiment classique et intérieur Rococo : un contraste

distinct observé dans l'architecture de l'époque. Souvent, à
l'extérieur, les bâtiments adoptent une façade sobre et classique,
caractérisée par une élégance plus modérée et des lignes épurées.
Cependant, une fois à l'intérieur, le style Rococo prend le dessus,
avec une profusion d'ornements, de courbes délicates, de couleurs
vives et de détails décoratifs excessifs. Cette dualité d'apparence
souligne la tendance du Rococo à privilégier la décoration
extravagante et l'élégance raffinée à l'intérieur des édifices, tout
en maintenant une apparence extérieure plus sobre et classique.
 Conclusion sur le style baroque
Le style baroque, considéré comme le dernier grand "style"
universel de l'art européen, a marqué l'architecture et les arts
visuels de manière significative. Apparaissant à une époque
caractérisée par des systèmes autoritaires centralisés,
l'architecture baroque incarnait la grandeur et la puissance des
institutions qui la commanditaient. Les formes dynamiques, jeux
de lumière et d'ombre étaient des manifestations visuelles de
ces structures de pouvoir.
Ainsi, l'architecture baroque était une représentation physique de
la splendeur des cours royales, de l'Église et d'autres pouvoirs
centraux. Chaque œuvre d'art baroque était conçue comme un
microcosme symbolique de l'univers, où les éléments étaient
interconnectés, créant une continuité ininterrompue, rappelant
un organisme vivant. L'héritage du baroque transcende les
disciplines artistiques, laissant derrière lui un témoignage visuel
riche et influent de la grandeur, de la complexité et de l'ordre
cosmique.

Baroque vs classique

BAROQUE
Passion (émotion avant tout)
dynamicité a travers un jeu sur
les espaces concaves et
convexes pour animer façades
et plans.
Unification de l'espace a travers
l'interpénétration des volumes
(souvent courbés)
Formes ondulantes et décor
(parfois) exubérant.
Classicisme
Rationalité
dynamicité par la clarté et
hiérarchisation des volumes
travaillés en profondeur (avants-
corpus, ressaut..)
Unification de l'espace a travers
l’équilibre et l’harmonie entre les
volumes
Lignes droites orthogonales et
sobriété du décor.
Châteaux de Versailles
Le Château de Versailles, emblème du courant classique, illustre
clairement les caractéristiques de cette période architecturale.
Construit pour accueillir jusqu'à 1000 personnes, le château
symbolise le pouvoir monarchique et l'autorité centralisée de
Louis XIV. Contrairement au style baroque, inspiré de la
Renaissance, Versailles adopte une utilisation simple des
éléments antiques, tandis que l'intérieur, notamment la Galerie
des Glaces, arbore des traits baroques.

Extérieur Intérieur

Les principaux architectes du château incluent Louis Le Vau,

premier architecte, suivi de Jules Hardouin, son élève, ainsi que
Le Brun, sculpteur, et Le Nôtre, paysagiste des jardins.

Jardin Sculpture
Cependant, malgré leur contribution exceptionnelle, ces artistes
seront rejetés par l'aristocratie, provoquant un déclin de la
profession d'architecte au profit des ingénieurs.
Versailles ne se limitait pas à être un simple château, mais était
le symbole central de la société de cour à l'époque de l'ancien
régime. La domination du Roi sur le pays s'étendait naturellement
sur sa maison et sa cour. Les membres de la cour,
majoritairement logés à Versailles, possédaient également des
résidences à Paris. Cependant, la taille et le décor de ces
maisons étaient déterminés non pas par la richesse personnelle,
mais par le rang social et l'obligation de "représenter".
Les logements destinés aux différentes classes sociales
reflétaient des symboles distinctifs. Par exemple, les habitations
des travailleurs étaient caractérisées par la "symétrie, la solidité,
la commodité et l'économie". Donc, Ce qui pouvait sembler
luxueux de nos jours était en réalité une nécessité dans une
société aussi structurée. Les dépenses somptuaires, souvent
perçues comme luxueuses, étaient en fait des moyens essentiels
d'affirmation sociale dans une société où la compétition
constante pour le statut social était prédominante.
La vie sociale tournait largement autour de la cour de Versailles.
Le château n'était pas simplement une résidence, mais le lieu où
se déroulait la vie sociale de l'élite. La cour de Versailles
représentait un microcosme de la société, avec ses codes de
conduite, ses rituels et ses jeux de pouvoir minutieusement
organisés. Ainsi, la société de cour à Versailles incarnait
pleinement la hiérarchie sociale et le pouvoir politique de
l'époque.

Classicisme
Le classique repose sur un modèle cartésien, privilégiant la
logique, tandis que le baroque adopte un empirisme
expérimental. L'architecture classique, langage du pouvoir
monarchique, impose une supériorité politique et intellectuelle.
Les ordres et la mesure, essentiels au classicisme, reflètent une
rationalisation qui domine la pensée de l'époque.
Ainsi, le classicisme s'appuie sur la rationalisation,
l'universalisation et la clarté, avec le roi imposant sa vision. Les
architectes sont tenus de suivre des règles strictes, créant un
clivage avec les ingénieurs.
Le classicisme peut se résumer donc à la clarté, l'élégance,
l'ordre, l'idéal recherché, la perfection, l'expression de la
puissance et l'équilibre des formes. En revanche, le baroque
privilégie les mouvements courbes et dynamiques, créant une
esthétique plus expressive et dramatique.

Bonne chance