Alexis GUERTIN

Fondements de l’art
520-JRF-AG, gr 01

TRAVAIL FINAL
LE CHRIST ET LA VIERGE INTERCÉDANT EN FAVEUR DE L’HUMANITÉ

travail remis à
M. Carlo Mandolini

Département d’arts, lettres et communication

Collège André-Grasset
Le 7 décembre 2023
Dans le cours de fondements de l’art, nous avons eu à analyser plusieurs courants

marquants qui ont bâti notre histoire. En parcourant les époques, j’ai vite apprécié le

courant de la Renaissance florentine, et c’est pourquoi j’ai choisi une œuvre de cette

époque pour ce travail final. L'œuvre que j’ai décidé d’analyser est Le Christ et la Vierge

intercédant en faveur de l’humanité. L'œuvre a été réalisée à Florence, vers 1490. La

toile est située dans le pavillon pour la paix Michal et Renata Hornstein, au Musée des

beaux-arts de Montréal. La salle d’exposition dans laquelle se trouve l'œuvre a des

couleurs ternes. En effet, le gris des murs fait ressortir la couleur des toiles de cette

pièce, qui sont distinctes par leurs teintes éclatantes. La sobriété de la salle d’exposition

force ainsi le spectateur à se concentrer uniquement sur les œuvres qui ornent les

murs, afin d’éviter toutes distractions.

La personne ayant réalisé cette œuvre est Domenico Ghirlandaio. Né le 2 juin 1448 à

Florence, il est l’une des figures artistiques les plus importantes de l'Italie dans les

années 1400. Celui-ci meurt de la peste le 11 janvier 1494 à Florence, sa ville natale.

Domenico Ghirlandaio est un peintre de la Renaissance florentine, dont le style se

caractérise par des couleurs vives, un jeu de perspective précis et des représentation

de scènes sacrées. À cette époque, c’était le début des pensées humanistes et des

réflexions philosophiques. Alors, la plupart des œuvres de ce courant ont un message

porteur de valeurs ou d’une morale. L’art de la Renaissance florentine est aussi

caractérisé par son envie d’assimiler des caractéristiques gothiques, qui proviennent de

l’époque byzantine. La représentation de valeurs religieuses est aussi très marquée à

travers l’art florentin à cette époque. La famille des Médicis, des marchands
aristocrates, sont ceux qui ont financé une grande partie des créations artistiques de

l’époque. Leurs croyances religieuses ont dirigé l’art florentin vers une représentation

hautement spirituelle, ce qui a poussé l’art à se répandre jusqu'à dans les églises. Nous

pouvions y retrouver des statues, des fresques gravées sur les murs et peinturées sur

les toits ainsi que des tableaux accrochés un peu partout. Voici maintenant des

événements historiques, sociaux, politiques et familiaux qui ont influencé l’art florentin

et indirectement, l'œuvre que j’analyse pour ce travail. Florence au 15e était une ville

riche et prospère pendant cette période, grâce à son commerce florissant et à son

foisonnement artistique et intellectuel dynamique. Cela a permis à plusieurs artistes de

se tailler une place parmi les plus grands noms de cette époque. Les médicis, une

puissante dynastie de riches aristocrates, ont joué un rôle très important pour la

promotion des arts et des artistes en Italie. Ils ont soutenu des artistes tels que

Botticelli, Michel-Ange et Léonard de Vinci créant ainsi un environnement propice à

l'expérimentation artistique. Tel que mentionné plus tôt, le courant humaniste a eu un

impact très important sur l’art. Étant en plein essor, la pensée humaniste met l’accent

sur l’étude de textes classiques, la connaissance de soi-même et le développement

personnel. Cela a forcé les artistes à réaliser des représentations réalistes des

humains. L’exploration d’idées philosophiques fut aussi un changement important lié à

l'humanisme. Florence était une ville fortement imprégnée de religion, et l'Église

exerçait une influence importante sur la société. La représentation religieuse était un

élément clé de l'art florentin, avec des artistes travaillant souvent sur des commandes

ecclésiastiques pour des églises et des chapelles. L'école florentine a également été

marquée par les progrès techniques, tels que la technique de la peinture à l'huile
introduite par les Flamands et l'utilisation de la perspective linéaire. Les découvertes

scientifiques, telles que la perspective linéaire de Masaccio, ont eu un impact sur l'art

florentin. Ces avancées ont permis aux artistes de représenter la réalité de manière

plus précise et réaliste.

Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l’humanité mesure 87,6 centimètres de

long par 55 centimètres de large. Le cadre doré avec des motifs circulaires représente

bien la Renaissance florentine. En effet, l’utilisation de l’or était un symbole de succès

et de richesse, et comme les Médicis étaient très fortunés, ils voulaient que le cadre de

l'œuvre représente le luxe. L'œuvre est entourée d'autres toiles de plus grande taille.

Toutefois, la peinture que j’ai choisie a le même espace réservé sur le mur. Cela la

distance des autres et lui donne une allure importante. Tel que précisé plus tôt, les murs

gris sont un choix stratégique, pour faire sortir les toiles du lot. Cela permet aussi à la

toile de susciter des réactions, sans que notre regard soit dérangé par son

environnement. C’est important qu’une toile soit représentée dans l'environnement le

plus sobre possible, pour permettre à celle-ci de transmettre son message sans

distraction. L'œuvre est accrochée pour que l’action principale soit vis-à-vis de nos

yeux. Cela permet une meilleure compréhension de l'œuvre, car l’aspect narratif nous

est présenté dès le premier coup d'œil.

Le titre de l'œuvre, Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité, est un titre

isotopique, qui nous permet de comprendre les actions des personnages de la toile.

Effectivement, dans le titre, nous avons le nom de deux personnages, soit le Christ et la
Vierge. Cela nous permet d’identifier les personnages de l'œuvre. Comme l'œuvre

représente les 2 personnages qui défendent et soutiennent l’humanité, le titre permet la

meilleure compréhension de cette œuvre. À la Renaissance Florentine, une toile était

une fenêtre sur le monde. On voulait représenter le monde tel qu’on le voyait, et dans

des représentations religieuses, tel qu’on le croyait. L’importance du titre isotopique se

fait sentir dans cet aspect de réalisme, où les peintres florentins voulaient que le public

voient l’art comme une représentation fidèle du monde. Avec un titre qui décrit la toile, il

est simple de déduire la narrativité de la toile et par le fait même, le sens de l'œuvre.

Le récit de la toile nous fait part d’une scène religieuse. En effet, le Christ et la Vierge

agissent en messagers entre l’humanité et le divin pour plaider la cause des êtres

humains. Ils démontrent donc leur soutien à la vie humaine et leur protection contre tout

jugement de Dieu. On voit la Vierge Marie qui montre à Dieu son sein qui a nourri le

Christ. Par le fait même, le Christ regarde son père, Dieu, qui gis de son halo de

lumière dans le ciel et lui montre sa blessure au flanc. La Vierge plaide la cause des

humains pendant que le Christ joue le rôle de médiateur. Dieu envoie la colombe du

Saint-Esprit pour soigner le Christ. En parallèle, le moine Bernard retranscrit la scène

sacrée, pour donner l’accès à ce texte aux riches et nobles. Cette œuvre peut aussi

représenter les difficultés de la vie humaine et la possibilité d’une réconciliation avec

Dieu. Ce message transmis au spectateur se veut porteur d’une grande morale, et veut

l’inciter à penser à sa relation personnelle avec Dieu. Dans l'œuvre, la Vierge et le

Christ sont au centre avec des humains, représentés avec une perspective inversée qui

sert à démontrer la petitesse des humains. Dieu, en haut de l'œuvre, envoie la colombe
du Saint-Esprit pour soigner le Christ. Dieu est aussi entouré d’un grand halo de

lumière, pour signifier sa puissance et son rayonnement sur le monde. Au bas de

l'œuvre, le prêtre Bernard écrit la scène. L’écriture est une grande caractéristique de la

renaissance florentine. Le drapé grec aussi était un élément significatif de cette époque

et il est représenté dans Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité. Les

auréoles au-dessus des personnages, pour signifier leur importance dans la religion,

étaient aussi très importantes. La colombe faisait partie intégrante de l’iconographie de

la Renaissance florentine et les couleurs vives étaient un signe de richesse en raison

de leur rareté, leurs prix et l’aspect royal lié à celles-ci.

Le tableau est en effet très figuratif. Les personnages sont très importants dans la

compréhension de l'œuvre et leurs expressions aident également à la transmission du

message. Effectivement, bien que l’arrière-plan soit bien détaillé, l’attention du

spectateur est dirigée vers les personnages. L’aspect figuratif de l'œuvre a un gros

impact sur la réception de celle-ci, car ce sont les personnages qui démontrent la

morale de l'œuvre. La représentation réaliste des humains montre les émotions des

personnages. Le Christ a un visage très expressif qui signifie qu’il est déterminé à

défendre la cause des êtres humains. La Vierge, elle, a un regard doux, plein de

compassion qui démontre sa position face aux conditions de vie de l’humanité. Ces

expressions faciales aident énormément à comprendre le message de l'œuvre et l’utilité

de ces deux personnages marquants.

Dans Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité, le peintre a voulu

représenter un moment éternel. En effet, l'œuvre cherche à démontrer la constante

présence du Christ et de la Vierge dans le combat de la vie des humains. L’artiste a

décidé d’utiliser de la lumière divine qui vient de Dieu pour représenter la dimension

éternelle et spirituelle de la toile. Sur cette œuvre, il n'y a presque aucune instance de

mouvement. Il y a Dieu qui tend la main pour envoyer la colombe et la Vierge qui

console les humains, mais rien qui veut démontrer que les personnages sur la toile sont

en mouvement. Cela ne fait qu’accentuer l’aspect éternel de la temporalité de la toile,

car les personnages ne sont pas en train de bouger ni de sortir du cadre. Ils semblent

fixes et figés, ce qui nous démontre que ce tableau est une scène intemporelle.

Le cadrage de l'œuvre Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité est très

important. En effet, rien ne donne l’indice qu’une action se passe hors du cadre, il est

donc fermé. Un cadrage fermé dirige l’attention du spectateur sur les éléments de la

toile et lui impose ce qu’il doit penser en regardant l'œuvre. Le cadrage fermé montre

aussi l’importance des personnages, car comme ils ne regardent pas hors champ, ils

semblent ancrés dans l’action de l'œuvre. Ainsi, nous réalisons qu’il n’y a rien

d’important qui se passe à l'extérieur du cadre. Comme ce sont des personnages

religieux, le fait de ne pas mettre un cadre ouvert pousse l’idée que la religion est mise

de l’avant. Cela s’explique par la volonté de représenter la religion comme un monde

meilleur.
La lumière dans l'œuvre est une caractéristique très présente. Effectivement, la lumière

est naturelle, pour bien faire ressortir l’arrière-plan de l'œuvre. Comme l’une des

caractéristiques de l’art florentin est de représenter le monde tel qu’il est, la lumière

naturelle accentue l’effet de réalisme. Cela montre au spectateur un paysage réaliste

dans l'œuvre. Cela montre aussi l’envie que l’art soit une véritable fenêtre sur le monde.

La lumière provient du halo de lumière autour de Dieu. Cette lumière permet de

représenter l’importance du clergé dans l'œuvre et de démontrer que la religion

catholique est puissante. Aussi, dans l'œuvre, comme il fait jour, on peut comprendre

que c’est un moment heureux et positif. De plus, comme la source de lumière est Dieu,

le spectateur comprend vite que Dieu est le chemin à suivre et est essentiellement

important dans la vie de la population.

Domenico Ghirlandaio est un peintre reconnu pour la précision du trait dans ses

peintures. En effet, comme le réalisme est de mise à cette époque, un disegno fort était

très important. Sur les personnages, on peut voir des fines lignes contours, qui aident à

les séparer du décor et à les faire ressortir de la toile. Sur les habillements, le disegno

est particulièrement fort sur le drapé grec. On peut facilement remarquer tous les plis de

leurs habillements. La précision du trait permet aussi de bien montrer les émotions des

personnages. Effectivement, comme le trait est très précis, nous pouvons remarquer

comment les personnages se sentent dans la toile. Comme la Renaissance florentine

est caractérisée par le début de la pensée philosophique, le disegno joue un énorme

rôle dans la représentation des émotions des personnages. On peut ressentir la

détresse dans le regard du Christ, qui essaie à tout prix de sauver le sort de l’humanité.
On ressent aussi, grâce au disegno, la sérénité de la Vierge lorsqu’elle protège les

humains au centre de la toile. Domenico Ghirlandaio voulait représenter les états d’âme

des personnages. Le disegno est aussi présent dans l'arrière-plan du tableau. Le

château et les montagnes sont bien identifiables grâce à la précision de leurs traits. Par

contre, plus on s’éloigne dans le décor, plus le disegno est faible. Ça aide donc à

ajouter de la profondeur à la toile. L’impact du disegno est donc remarquable par son

habileté à faire ressortir les personnages et leurs émotions, ainsi que par sa capacité à

bien représenter l'arrière-plan pour bien nous situer.

Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité ne présente aucune trace

de non finito. Effectivement, la toile a été réalisée dans son entièreté, sans laisser

d’endroits qui ne sont pas terminés. Nous pouvons le remarquer en observant de près

l’arrière-plan et les personnages. L'arrière-plan représente des montagnes, un village et

le ciel. Les montagnes, bien que certaines soient peu détaillées, sont peintes dans leur

entièreté. Le village aussi est très bien détaillé dans son entièreté. Le ciel est composé

d’un dégradé qui passe du bleu clair au gris, présageant que le peintre avait bel et bien

fini l'œuvre. Pour les personnages, aucune partie semble délibérément non terminée,

en raison du fort disegno et des couleurs vives. Le finito de la toile n’est pas dû au

hasard. À la Renaissance florentine, il est important que l'œuvre représente le monde

tel qu’il est, et que la pensée de l’artiste n’influence pas l’exécution de la toile. Il est

donc certain que le finito de la toile est dû au réalisme omniprésent à Florence à cette

époque. Cela aide le spectateur à pouvoir observer la toile sans ressentir un certain

malaise, une sorte de dérangement mental à la vue d’une toile avec du non finito.
Dans cette peinture, les couleurs jouent un rôle très important dans l'identification de

l’époque et la compréhension de la narrativité de l'œuvre. À la Renaissance florentine,

les couleurs sont vives, car elles représentent la richesse et la haute société. Ce sont

les Médicis qui contrôlent l’essentiel de l’art italien à cette époque, alors le financement

ne manquait pas pour la création artistique. Nous pouvons remarquer ces couleurs

dans l'arrière-plan, qui est constitué d’un bleu très clair et d’un vert clair aussi. Le rouge

de la toge du Christ fait est aussi une couleur vive. De plus, comme les couleurs vives

sont représentés par les facettes religieuses de l'œuvre, il est facile de dire que les

teintes claires peuvent signifier l’importance de la religion à la Renaissance florentine et

italienne. La couleur est donc naturelle, car les teintes des peaux, des habits et de

l'arrière-plan reflètent la réalité et le vrai monde.

Pour ce qui est de la texture, elle ne joue pas un très grand rôle dans l'œuvre. On peut

dire que la toile est lisse et donc très peu texturée. Comme le réalisme est de mise à

cette époque, il ne fallait pas être capable de percevoir les coups de pinceaux. Comme

une toile devait agir en fenêtre sur le monde, il ne fallait pas que le public soit confronté

à une représentation réaliste, exactement comme l'œil humain perçoit les choses. Je

suis donc prêt à affirmer que l'œuvre à une absence de texture, dû à une obligation de

réalisme lié à cette époque.

La technique utilisée par Domenico Ghirlandaio est l’huile et la détrempe sur bois. Ce

choix n’est pas le fruit du hasard. Au contraire, cette technique permet de transmettre
plusieurs idéologies de la Renaissance florentine à travers la peinture. Je vais d'abord

vous expliquer en quoi consiste cette technique de peinture. Cette façon de peindre

implique premièrement l’application d’une couche d’huile sur du bois. Ensuite, la

peinture utilisée est diluée dans un médium comme l’eau, ce qui donne le nom de

détrempe. La couche d’huile permet de nourrir et protéger le bois pour le garder en

bonne condition. Elle permet aussi d’ajouter un effet de luminosité à l'œuvre. Pour ce

qui est de la détrempe, elle permet de jouer avec des effets de transparence et de

profondeur. Comme la peinture est diluée, elle est moins opaque, ce qui permet de

mieux jouer avec les perspectives. Nous pouvons remarquer cela avec la perspective

des montagnes. Plus on s’éloigne de l’action principale, plus le décors est transparent.

Cela s’appelle de la perspective chromatique. Le fait que la peinture soit diluée aide

aussi sur l’aspect des textures. Effectivement, comme la peinture est plus liquide, il est

donc plus difficile de voir les couches et les coups de pinceau sur la toile, rendant ainsi

la texture est lisse et non rugueuse. Cette technique reflète encore une fois l’envie de

réalisme avec les perspectives, la luminosité et même la texture de la toile.

La dimension spatiale de l'œuvre est un élément important dans la compréhension de

Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité. Effectivement, dans cette

toile, il n'est pas question de non-lieu. Nous sommes bien au courant de l’endroit où

nous nous trouvons. L'arrière-plan nous aide à nous situer dans le temps et dans

l’espace. Les montagnes à perte de vue et le ciel bleu nous indique qu’il fait bon y vivre

et que l’endroit est bien entretenu. Le château et le village avoisinant nous démontrent

la richesse et le luxe de cette région. C’est aussi de l’architecture typiquement florentin

avec les notions de symétrie, de proportion, de régularité et d'équilibre des motifs. Il est

donc plus facile d’identifier de quelle époque et de quelle région provient cette toile.

Maintenant, avec la portion plus rapprochée de l'œuvre, on peut encore apercevoir

l’envie de régularité et de motif dans le plancher à carreau orange. On peut aussi le voir

sur la petite scène sur laquelle se trouve les personnages principaux du récit, avec les

carrés qui semblent sculptés et répétitifs. Cet effet spatial aide grandement le public à

se situer dans l’espace et dans le temps où se déroule le récit de la toile.

Domenico Ghirlandaio est reconnu pour la toile Le Christ et la Vierge intercédant en

faveur de l'humanité, mais ce n’est pas la seule œuvre qu’il a réalisée. Celui-ci a

grandement contribué à l’art de la renaissance. En effet, plusieurs de ses œuvres sont

reconnues à travers le monde comme des piliers de la Renaissance florentine. L'œuvre

Nativité, qu’il a réalisée en 1492, par exemple, a un style très similaire à l'œuvre que j’ai

analysée. Il y a encore de la perspective chromatique et la représentation de

montagnes. Le disegno est encore une fois très fort, surtout dans les vêtements des

personnages. Dans la toile Adoration des Bergers, qu’il a peint en 1485, on voit encore

une fois une superbe perspective chromatique avec des montagnes et des forêts. Les

couleurs vives ont moins d’ampleur, mais le disegno est encore une fois très fort sur les

personnages et sur l'arrière-plan. Dans l'œuvre Sainte Barbe, qui a été réalisée en

1473, le style est un peu différent. Bien que la perspective soit exactement comme celle

des autres, et qu’il y ait une représentation de la nature très présente, le disegno se fait

moins ressentir dans les visages des personnages. Il y a beaucoup moins de précision

dans les émotions des personnages, ce qui rend difficile la lecture du message de
l'œuvre. Les couleurs sont aussi moins vives que dans Le Christ et la Vierge

intercédant en faveur de l'humanité. Après ces analyses, j'ai pu remarquer quelques

récurrences dans les toiles de Domenico Ghirlandaio. Les couleurs sont éclatantes pour

représenter la richesse et la royauté. Les personnages sont présentés sur plusieurs

niveaux, sans surcharger la toile. Cela fait que l’action se déroule de haut en bas, de

gauche à droite, exactement le sens de lecture des humains occidentaux. Cette

répartition des personnages facilite la compréhension du récit et la rétention du

message. La caractéristique narrative qui caractérise la majorité des œuvres de

Domenico Ghirlandaio est l’aspect religieux. Dans chaque toile, il y a une représentation

de valeurs religieuses. Comme on peut le remarquer dans l'œuvre Nativité, on est en

présence de la scène de la naissance de Jésus. C’est un moment clef dans la religion

catholique. La toile Adoration des Bergers explique un récit biblique dans lequel les

bergers protègent leurs bêtes lors d’une longue nuit, avec Jésus dans son enfance et la

Vierge Marie pour les aider. Pour la toile Sainte Barbe, on voit Sainte Barbe ayant

vaincu l’ennemi, qui gît sous son pied. Un humain se met alors à ses pieds, à genoux,

pour la remercier. Il y a donc une représentation religieuse. Cette immense

représentation de la religion catholique peut être expliquée par la grande contribution

des Médicis, qui contrôlent alors une grande partie de l’art en Italie et qui sont très

religieux. En plus de tout cela, dans chaque œuvre, on voit une montée des valeurs

humanistes. Cette époque est caractérisée par les courants de pensées

philosophiques, qui forcent les peintres à représenter les personnages avec beaucoup

d'émotions. Les toiles étaient comme une fenêtre sur le monde. Cela se voit dans
toutes les toiles de cette époque, très explicitement dans celles de Domenico

Ghirlandaio.

Pour conclure, je crois que l’art de Domenico Ghirlandaio a grandement influencé

l’histoire de l’art. Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité est un bon

exemple d'œuvre de la Renaissance florentine grâce aux nombreuses caractéristiques

frappantes qui correspondent à cette époque. L’humanisme a aussi grandement

influencé l’art et bien que la religion soit très présente à cette époque, la philosophie de

ce courant a aussi mis des nouvelles normes qui ont été longtemps respectées dans

l’histoire de l’art.

3638 mots
 BIBLIOGRAPHIE

1 Ouvrages de références

Domenico Ghirlandaio. (2018, 23 mai). Dans Encyclopedia.com.

https://www.encyclopedia.com/people/literature-and-arts/european-art-1599-biographies
/domenico-ghirlandaio

Qu'est-ce que la renaissance italienne?. (2020, 26 février). Dans BeauxArts.com.

https://www.beauxarts.com/grand-format/la-renaissance-italienne-en-3-minutes/

Chapitre V. La Renaissance florentine. (2015). Dans cairn.info.

https://www.cairn.info/les-medicis--9791021010727-page-117.htm

2 Ressources numériques

Des changements dans l’art. (2012). Des changements dans l’art.

https://www.grandpalais.fr/fr/article/des-changements-dans-lart#

Musée des Beaux Arts de Montréal. «Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de
l'humanité», dans MBAM, https://www.mbam.qc.ca/fr/oeuvres/23803/
 ANNEXE DES PHOTOS

figure 1 figure 2 figure 3

Le Christ et la Vierge intercédant en faveur de l'humanité, 1490

figure 4 figure 5 figure 6

Nativité, 1492 Adoration des bergers, 1485 Sainte Barbe, 1473