La Peinture romantique.

 Introduction sur le romantisme

 Contexte

 La peinture romantique

 Les trois périodes :

 1770-1820 ou préromantisme

 L’Angleterre
 L’Allemagne
 La France
 L’Espagne
 1820-1850 ou l’apogée du romantisme
 La France
 L’Angleterre
 1850-1870 ou tradition post-romantique
 Caractéristique de la peinture Romantique

 Annexes

La Peinture romantique.

 Introduction sur le romantisme

Le mot « Romantisme » vient du mot « roman » ce qui désignait, au Moyen
Âge, des œuvres littéraires en vers relatant des œuvres fictives en langues
romanes.

Le romantisme est un courant culturel, pictural et littéraire qui nait à la fin

du 18ème siècle, en Europe.
Il se développe en France et en Espagne au 19ème siècle.
Les origines du romantisme s’expliquent par un triomphe de l’imaginaire
qui apparaît autour de 1800 chez divers artistes dits « préromantiques »,
qui, aux quatre coins de l’Europe, ont eu suffisamment de liberté et de
volonté individuelle pour laisser libre cours à leur expressivité
Le romantisme se caractérise par l’expression des sentiments, par
l’importance de la nature, par le goût du mystère, par l’évasion et par
l’exotisme.
Il illustre l’amour malheureux, la mort, la souffrance, la mélancolie, la
solitude et la nature.
Les grands auteurs romantiques français sont Victor Hugo, le plus grand,
Alfred de Musset, Baudelaire, le symboliste.
Les grands peintres romantiques sont Eugène Delacroix, Caspar David
Friedrich, Théodore Géricault, Francisco Goya et Joseph Mallord William
Turner.

Les romantiques revendique l’utilisation du « je » et du « moi », ils veulent

faire connaître leurs expériences personnelles et mettre de côté l’aspect
fictif depuis trop longtemps attribué aux poèmes et aux romans.

Le romantisme est caractérisé par une volonté d'explorer toutes les

possibilités de l'art dans le but d'exprimer les extases et les tourments du
cœur et de l'âme : il s’agit donc d’une rébellion du sentiment contre la
raison, autrement dit c’est la confrontation du ressenti et du personnel
contre l’esprit logique et cartésien, exaltant le mystère et le fantastique et
cherchant l'évasion et le excitation dans le rêve, le morbide et le sublime,
l'exotisme et le passé. Le romantisme joue sur les contrastes, sur
l'opposition du beau et du laid, du sublime et du grotesque. Il favorise la
liberté et le naturel en art.

Le romantisme s’étend dans plusieurs domaines tels que la poésie, le

théâtre, la musique, la peinture.

 Contexte
Le romantisme de la France du 19ème siècle est influencé par la littérature
allemande, de très bons exemples d’auteurs romantiques allemands
sont Goethe, Schiller et Novalis, mais aussi par la littérature anglaise
comme le dramaturge Shakespeare et suisse dont Jean-Jacques Rousseau
est l’un des précurseurs.

Le romantisme s’oppose à la littérature classique du 17ème siècle dont les

contraintes sont très imposantes, à savoir, la raison était omnipotente et
elle imposait ses limites à l’imagination.
Il s’oppose également aux Lumières dont les philosophes étaient jugés, par
les romantiques, comme étant trop rationalistes.

Au 18ème siècle, la France influence toute l’Europe pour ce qui est du

domaine artistique. L’Angleterre tentera de s’affranchir de cette
domination, mais la différence entre ces deux pays est importante surtout
pour ce qui est de la philosophie et de la jurisprudence.

Vers 1770, il y a d’importants changements qui commencent à apparaître

dont on peut en voir les manifestations dans le domaine de l’Art, la France
est toujours au centre de ces bouleversements.

Les découvertes et explorations de villes comme Pompéi et Herculanum

sont, pour les historiens, la date d’apparition du néoclassicisme, bien que
cette expression eût été trouvée vers 1880.
C’est donc un retour imaginatif à l’Antiquité gréco-romaine.
En architecture, ce renouveau est marqué par l’inspiration de modèles
antiques.

Il est important d’insister sur le fait que la sensibilité romantique ne s’est

pas créée après le néoclassicisme ni en réaction contre lui, mais en même
temps que celui-ci, dès le milieu du 18ème siècle. Cette sensibilité
romantique est caractérisée par la négation de toute moralisation au profit
de l’irrationalité.
Cette sensibilité voit d’abord le jour en Angleterre avec les poètes Edward
Young, Williams Collins et Thomas Gray ; elle s’étend à la littérature
anglaise, allemande et française.

 La peinture romantique
Le romantisme est caractérisé par une réaction du sentiment contre la
raison ; cherchant l’évasion dans le rêve, dans l’exotisme ou le passé, il
exalte le goût du mystère et du fantastique. Il réclame la libre expression
de la sensibilité et, en utilisant le ‘moi’, il affirme son opposition à l’idéal
classique.

Le romantisme en peinture se divise en trois grandes périodes : le

préromantisme, l’apogée du romantisme et le post-romantisme, mais les
dates fixées sont aléatoires.

 1770-1820 ou préromantisme

La première période appelée le préromantisme, s’étend de 1770 à 1820.

Cette période se décrit par le fait qu’elle se développe en parallèle avec le
néoclassicisme. C’est aussi à ce moment là qu’apparaissent les nouvelles
thématiques des légendes nordiques, de l’histoire moderne et du paysage
en tant que reflet de l’âme. Il y a une très grande importance de
l’Angleterre et de l’Allemagne.

Cette première période du romantisme se construit en opposition au

néoclassicisme. Celui-ci prône une beauté idéale, la vertu, le rationalisme,
la ligne, le culte de l’Antiquité classique et de la Méditerranée alors que le
romantisme défend le cœur et la passion, l’irrationnel et l’imaginaire, la
couleur, le désordre, l’exaltation et le culte du Moyen Âge et des
mythologies de l’Europe du Nord.

Pour illustrer cette opposition, voici une peinture de William Turner.

Lumière et couleur, le matin après le déluge, Moïse écrivant le livre de la

Genèse, William Turner, 1843.
Cette peinture est caractérisée par un tourbillon sensuel de couleurs et de
lumière autour d’une ombre, il s’agit d’un personnage qu’on n’aurait pas su
identifier sans le titre, c’est donc Moïse.

 L’Angleterre
À la base, le romantisme est un courant littéraire dont les œuvres vont
influencer des peintres qui vont contribuer à étendre à toute une série
d’arts ce courant.

William Blake

Biographie:

Bien que considéré comme peintre, il n'a en fait guère peint de tableaux à
l'huile, préférant l'aquarelle, le dessin, la gravure, la lithographie et surtout
la poésie. Il est l'auteur d'une œuvre inspirée de visions bibliques à
caractère prophétique. Son style halluciné est moderne et le distingue de
ses pairs bien que ses thèmes soient classiques.

Titre du tableau: Elohim créant Adam

Artiste: William Blake
Matériaux : Encre et peinture à l’eau sur toile
Année: 1795

Analyse du tableau :

Elohim est un des noms hébreu de Dieu. Cette image illustre Le Livre de la
Genèse : « Et l'Éternel Dieu forma l'homme de la poussière de la terre. »
Sur cette illustration, nous pouvons voir l’élévation d’Adam hors de la
Terre, Elohim le tire à l’aide de sa main gauche.

Pour Blake, le Dieu du Vieux Testament était un faux dieu. Il croyait que la
chute de l’homme n’avait pas eu lieu au Jardin d’Eden, mais au moment
montré ici, quand l’homme est tiré du monde spirituel vers une forme
matérielle.
  L’Allemagne

L’Allemagne subit l’influence du mouvement littéraire « Sturm und drang »

(tempête et poussée). Les adeptes de ce mouvement sont des gens qui
sont opposés au siècle des lumières; ce sera le développement d’une
grande sensibilité.

Caspar David Friedrich

Biographie :

Friedrich, peintre singulier, solitaire et mélancolique, vit dans un atelier

dépouillé, favorable au développement d’une imagination fertile en
symboles et en métaphores visuelles. Ses paysages sobres, hautes
montagnes, étendues marines ou glacées, baignant dans une atmosphère
irréelle, souvent embrumée, parfois morbide, exprime une spiritualité
intense. La nature froide au coloris blanc, bleu, vert et brun, l’univers
immense et vertigineux prennent corps dans la précision de petites
touches minces.

Titre du tableau: Le Voyageur contemplant une mer de nuages

Artiste: Caspar David Friedrich
Matériaux : Peinture à l'huile sur toile
Année: 1817-1818
Exposition: à Kunsthalle de Hambourg

Analyse du tableau :

Premier plan : Le personnage représenté ici reste à l'extérieur du monde

qu'il contemple. Il regarde du dehors le monde dont il est exclu, ce qui
donne un sentiment d'abandon propre au personnage romantique. Caspar
David Friedrich se représente ici, c'est une forme d'autoportrait. Dans le
tableau le Voyageur contemplant une mer de nuages, on peut voir un
personnage présent au centre de la nature en position de domination,
d’autre part le personnage est en quelque sorte en position de faiblesse car
il a une canne (ou bâton). Peut être par rapport à l’ascension de la
montagne. Il contemple l’horizon et semble être seul, il apparaît qu’il n’y a
aucune autre présence humaine. D'autre part, on peut voir chez l’individu,
une solitude frappante. Enfin, il est intéressant de noter la forme de
papillon créée avec les montagnes au loin de part et d'autre du personnage
central, qui se voit ainsi pourvu d'ailes : symbole, peut-être, d'abandon et
de la fuite du temps.

Second plan : Sur ce tableau, seuls les nuages et les cheveux semblent
être en mouvement. Le premier plan est très peu éclairé, comme s’il était
abrité par des nuages ou un surplomb rocheux. Contrairement à l’arrière
plan plus éclairé. Ce tableau met en valeur le sentiment de la solitude
humaine face à la grandeur de la nature.

Arrière plan : Les montagnes représentent la terre, la position de l'homme

montre qu’il domine la vie d’ici-bas mais il y regarde avec admiration l’au-
delà, le fond de l'univers. Les rochers au milieu symbolisent la foi de
l’humain. Les montagnes au fond représentent Dieu. La « mer de nuages »
représente la grandeur de la nature à perte de vue, l’éternité de la vie
future au paradis.

 La France

La France trouve son inspiration dans les écrits de Jean-Jacques Rousseau,

madame de Staël et Chateaubriand.

Jacques-Louis David

Biographie :

Peintre d’Histoire et portraitiste néoclassique dans la lignée des grands

portraitistes français, David manifeste un tempérament fougueux. Il
s’engage dans l’histoire de France, illustre la Révolution, le Consulat et
l’Empire, tel un Fouché de la peinture. La morale, l’idéal et réalité
nourrissent son art, puissant, direct et varié, qui évolue du « rococo
néoclassique » au « néoclassicisme préromantique » et présente, à sa
maturité, le « pur » néoclassicisme, fidèle aux bas-reliefs en frise antiques.
Titre du tableau: Le Serment des Horaces
Artiste: Jacques-Louis David
Matériaux : Peinture à l'huile sur toile
Année: 1784
Exposition: à Paris, musée du Louvre

Analyse du tableau :

Cette œuvre de commande du comte d’Angiviller, directeur des Bâtiments

du roi Louis XVI et fervent amateur de peinture d’Histoire, exalte du
morale, l’héroïsme, et illustre le moment décrit par l’auteur latin Tite-Live
où trois frères, les Horaces, prêtent serment à leur père avant d’aller
combattre les trois Curiaces, lors du conflit entre Albe et Rome. Ce tableau
remporte un triomphe et s’inscrit comme le manifeste du néoclassicisme :
l’univers est viril, héroïque, vertueux ; la géométrie linéaire, construite en
verticales et en horizontales, prend le pas sur l’univers féminin, tout en
courbes, du rococo. Tous les éléments se réfèrent à l’archéologie antique :
la composition en bas-relief et centrée, l’architecture, les drapés, le modelé
vigoureux et sculptural des hommes. Le décor est laconique, l’anecdote
absente, le moment dramatique, les héros austères et courageux ; la
couleur est franche, la lumière froide, la touche lisse. La pureté des lignes
et l’harmonie du groupe des sœurs rappellent le classicisme de Poussin.

 L’Espagne

Ce pays peut se vanter, d’avoir, déjà à l’époque, un très grand nom du

romantisme : Francisco Goya. Il est un des peintres les plus puissants et
visionnaires.

Francisco Goya

Biographie :

Goya, homme des lumières, « visionnaire » moderne et humain, impulsif et

rebelle aux conventions, témoigne dans son œuvre d’un renouvellement
surprenant allant du rococo aux œuvres « noires ». Son art est lié à
l’histoire de son pays et à sa vie intime. Maitre du portrait, du décor, des
cartons de tapisseries, graveur à l’égal de Dürer et de Rembrandt, il passe
de la réalité au fantasme, du jovial au tragique, d’une peinture colorée et
lumineuse à la monochromie et aux teintes sombres. Son écriture, toujours
stylisée, montre une facture lisse ou brossée.

Titre du tableau: Famille de Charles IV

Artiste: Francisco Goya
Matériaux : Peinture à l'huile sur toile
Année: 1801
Exposition: à Madrid, Prado

Analyse du tableau :

La Famille de Charles IV, 1800, huile sur toile, 2,80x3, 36m, Madrid, Prado.
Puisant son inspiration dans la composition des Ménines de Velázquez, ce
tableau royal unit les vérités psychologiques et physiques : la prétention,
l’incapacité, la présence fantoche d’un roi inquiétant de dégénérescence,
les toilettes ridicules qui soulignent la laideur de la reine et de la sœur du
roi, la joliesse et la fraicheur innocente des enfants, la beauté de la jeune
princesse portant son bébé. La légèreté du rendu des drapés brossés et
transparents, qui se détachent, aériens, dans un espace sobre, marque la
filiation de Goya à Velázquez. Cette œuvre est révélatrice du talent de
portraitiste du peintre. Du visage le plus cruellement représenté à la
beauté la plus pure, il témoigne de son « humanisme révolutionnaire ».
=> Portraitiste de la cour d'Espagne, Goya (qui s'est lui-même représenté
de manière ironique dans le coin gauche du tableau) a adopté une
composition volontairement figée, interdisant tout effet de profondeur.
Étonnants de suffisance et de fatuité, les membres de la famille des
Bourbons d'Espagne sont alignés dans des poses inélégantes et
faussement solennelles qui soulignent la vacuité de leur pouvoir. Médiocre
souverain, dominé par sa femme Marie-Louise de Parme et par l'amant de
celle-ci, Godoy, Charles IV devait bientôt être détrôné par Napoléon.

 1820-1850 ou l’apogée du romantisme

La seconde période commence vers 1820 et se termine aux alentours de
1850, elle est appelée l’apogée du romantisme. L’Angleterre et l’Allemagne
ne sont plus les pays les plus puissants au niveau romantisme pictural à
cette époque, ils cèdent la place à la France. Ce fait s’explique par la
situation de tourments sociaux et politiques que connaît ce pays : au
moment de la restauration, la société se sent en crise. Un écrivain, homme
religieux et politique va très bien qualifier le désarroi de la population ;
Lamennais : Le mal du siècle.

 La France

On peut citer Eugène Delacroix mais aussi Théodore Géricault, élève de

Pierre-Narcisse Guérin. On sent l’influence de son professeur, mais aussi de
Rubens et de Caravage.

Théodore Géricault

Biographie :

Douze années d’activité suffisent à Géricault, artiste passionné, charmeur

et sensible, pour imposer son art. ses œuvres ont la fougue du cheval, son
sujet de prédilection. Ses sujets d’actualité, profondément mûris, d’un
réalisme scientifique, illustrent la violence de la vie contemporaine. Il fait
l’éloge du corps, privilégie la forme et la composition, dans une facture
onctueuse ou lisse, brune et ocre rouge. S’il incarne le génie romantique
par ses sujets et l’expression dramatique de son œuvre, sa technique et
son style restent classiques.

Titre du tableau: Le radeau de la « méduse »

Artiste: Théodore Géricault
Matériaux : Peinture à l'huile sur toile
Année: 1819
Exposition: à Paris, Louvre

Analyse du tableau :
La frégate la Méduse fait naufrage en 1816. Un radeau transporte pendant
treize jours des matelots dérivant sur la mer. Géricault exploite ce fait
divers contemporain et tragique. Il choisit de figer la scène au moment où
l’espoir pointe à la vue d’un sauvetage possible. La construction
faussement réaliste de cette grappe humaine (morts et survivants
enchevêtrés), figée dans l’instant pathétique, incarne le romantisme. En
revanche, la composition pyramidale, le modèle académique des corps, les
rapports d’ombres et de lumière, les couleurs terreuses sont de tous les
classicismes (antique, renaissant, XVIIe siècle et davidien). Comme pour
l’officier, l’historien J. Michelet y voit un art engagé, un symbole du
naufrage politique de la France.

 L’Angleterre

A cette période la peinture romantique se caractérise par les paysages, la

lumière et les couleurs. Plusieurs peintres se sont illustrés parmi lesquels
John Constable et William Turner.

Joseph Mallord William Turner

Biographie :

Peintre et aquarelliste misanthrope et ambitieux, Turner a deux

préoccupations majeures : rivaliser avec les maîtres du passé et les artistes
vivants, et transcrire son sentiment de la nature à partir des sujets
d’actualité. Il privilégie le paysage et octroie à la lumière un rôle pré
pondérant, qui confère à ses œuvres la dimension du rêve, en annulant le
dessin et les contrastes d’ombre et de lumière. Sa peinture évolue d’un
métier classique et illusionniste aux teintes tonales et à la couleur intense
dans une pâte maçonnée, puis à un tourbillon de couleurs et de lumière,
parfois « informel ».

Titre du tableau: Pluie, vapeur et vitesse. Le Great Western Railway

Artiste: Joseph Mallord William Turner
Matériaux : Peinture à l'huile sur toile
Année: 1844
Exposition: à Londres, National Galerie
Analyse du tableau :

Cette toile représente une locomotive passant sur le pont de chemin de

fer .La lumière colorée et brûlante sert à transmettre l’émotion plus qu’à
transcrire la réalité observée et vécue. Pour réaliser cette œuvre, Turner
s’installe sur la plate-forme de la locomotive, lancée à pleine vitesse. A
partir de ses notes, de ses croquis, le peintre élabore le tableau dans son
atelier. L’air et la fumée du train impalpables, se matérialisent sur la toile
par des empâtements. Les éléments solides, le pont et le train, s’évaporent
dans une atmosphère irréelle, romantique : « C’était sans doute une
pochade d’une furie enragée, brouillant le ciel et la terre d’un coup de
brosse, une véritable extravagance, mais faite par un fou de génie. »,
s’extasie Théophile Gautier (histoire du romantisme, 1872).

 1850-1870 ou tradition post-romantique

La dernière période se situe entre 1850 et 1870 et est appelée tradition

post-romantique. Cette période représente l’affaiblissement du romantisme
et l’installation du maniérisme. Cependant, il subsiste encore une certaine
perpétuation du romantisme à une époque dominée par le réalisme et ce
dans de nombreux domaines.

 Caractéristique de la peinture Romantique

Il y a une réelle mise en évidence de la sensibilité, celle-ci est marquée par
l’utilisation du « moi » et dans ces œuvres, il y a l’évocation de sentiment
amoureux.

Il y a une communion avec la nature, les poètes romantiques mettent en

valeur l’immensité, l’infini, le mouvement, le désordre à travers l’évocation
de paysages tourmentés et mélancoliques comme la montagne, la mer ou
encore des scènes d’orage et de tempête. La nature est souvent associée à
une consolatrice et à un refuge contre les malheurs personnels et la bêtise
de la société. La nature peut, de par sa splendeur, symboliser la puissance
divine.

Une seconde communion se fait avec l’humanité, le romantique est

insatisfait, ce qui le pousse à agir dans le but de transformer le monde et
ainsi à l’amélioration du sort de l’humanité.

L’art romantique permet la libération de l’art, ce qui veut dire qu’il souhaite
se libérer des obligations du classicisme (du 17ème siècle), de ce fait le
drame romantique rejette les règles de tragédie classique telles que l’unité
de temps de lieu et d’action.

L’esprit romantique définit le « mal du siècle » en décrivant certains

aspects tels que l’inquiétude, l’ennui, l’analyse de soi-même, l’incapacité
d’agir, l’égoïsme, la complaisance à la tristesse et à la mélancolie, le
sentiment de malaise et d’insatisfaction.
Le romantique est quelqu’un de complexe se révoltant contre le monde et
la société. Il a l’impression d’être rejeté du monde dans lequel il ne trouve
pas sa place et doute de son action, qu’il juge impuissante.

De plus, l’amour est le thème le plus important, il est à la fois heureux et

contrarié, lorsque le romantique évoque la trahison du sentiment
amoureux, il est possible de retrouver dans ses œuvres une part de
solitude et de mélancolie.

Le romantique se sent comme étant un être à part, différent de ses

contemporains. Il agit avec démesure, sans prendre en compte les
conséquences éventuelles, il aime sans retenue aucune, mais il s’aperçoit
qu’il fait l’objet d’un destin malheureux.

Dans le romantisme, l’imagination se développe à plusieurs niveaux. Dans

celui de l’espace, il y a un réel intérêt pour les pays étrangers, le Nouveau
Monde, les pays orientaux et méditerranéens. Mais aussi, au niveau du
temps, par exemple, les romantiques s’intéressent au Moyen Âge.

Les romantiques pensent que la vie est éphémère et que le temps nous
fuit, de ce fait, ils prennent souvent pour thème celui du temps, celui lié
aux rêves et aux souvenirs.

Les genres autobiographiques viennent à la mode, tels que les récits

personnels, les mémoires et les journaux intimes.

 Annexes

Les auteurs romantiques célèbres.

 Victor Hugo

Alfred de Musset
 Charles Baudelaire

Les peintres romantiques célèbres.

 Eugène Delacroix

Caspar David Friedrich

Théodore Géricault
 Francisco Goya

Joseph Mallord William Turner

Pompéi.
 Herculanum.

Sources :

http://dilbert.free.fr/art_peinture/romantisme.html

http://fr.wikipedia.org/wiki/Romantisme

http://fr.wikipedia.org/wiki/Peinture_romantique

http://membres.lycos.fr/coursdeseconde/romantisme.html

http://www.fluctuat.net/5848-Histoire-de-la-peinture-romantique

http://www.fluctuat.net/5849-Origines-du-romantisme

http://www.fluctuat.net/5850-Le-romantisme-allemand
http://www.fluctuat.net/5852-Le-romantisme-a-l-anglaise

http://www.fluctuat.net/5853-Le-romantisme-en-France

http://www.fluctuat.net/5854-Suite-et-fin-du-romantisme

http://www.cineclubdecaen.com/peinture/analyse/classique/romantisme.ht
m

http://www.picturalissime.com/art_romantisme.htm

http://www.inha.fr/colloques/document.php?id=1539