La poésie

La poésie est l’art de parler c’est une forme d'expression artistique qui utilise le langage d'une
manière particulière, en jouant avec les mots, le rythme, la sonorité et les images pour
transmettre des émotions, des idées et des expériences. Elle est souvent caractérisée par
l'utilisation de structures et de figures de style spécifiques, telles que les rimes, les vers, les
strophes, les métaphores, les allégories

Les origines

L’histoire de la poésie occidentale débute dans l’antiquité grecque sous le signe d’une triple
légende : celle d’Apollon, dieu de solaire qui inspire une poésie réservé aux initiés ; celle de
Dionysos, dieu de la vigne, exprime une poésie joyeuse mais aussi tourmentée, celle d’Orphée
poète protégé des dieux, mais inconsolable de la perte de sa femme Eurydice et qui s’oriente
vers une poésie lyrique et élégiaque.

Le moyen âge : souvent chantée et parfois anonyme, la poésie est un univers tantôt rude et
guerrier (la Chanson de Roland 1070) tantôt lyrique (ballades, Charles d’Orléans)

Le XVI siècle

Clément Marot, poète officiel de François 1 er, popularise la forme fixe du sonnet
(Epîtres 1532)
A Paris Ronsard (les Odes) et Du Bellay (l’Olive)

Le rythme

Le rythme est marqué par un nombre de syllabes placées entre des accents, nous rappelle qu’à
l’origine de musique accompagnait la poésie. Sachez qu’en français, un mot ou un groupe de
mots porte un accent tonique sur la dernière syllabe ou sur l’avant-dernière si la dernière est un
e muet.

Cat alexandrin comporte quatre accents, c’est un tétramètre, typique de l’époque classique, on
dit que son rythme est binaire 

Le son de la rime

La rime est la répétition d’un même son à la fin de deux vers différents. Sa richesse est verbale :
vous parlerez de rime pauvre lorsqu’il y aura un seul élément vocalique commun :
mélancolique/harmonie ; de rime suffisante lorsqu’il y aura un élément vocalique et une
consonne en commun : « veine/haleine » enfin, de rime riche en associant trois éléments de
commun : «  éperdus/tordus »
La rime a un genre défini par une finale :

La rime féminin se termine par un e muet : mélancolie/harmonie

La rime masculine : ce n’est pas compliqué, ce sont tous les autres sons.

La poésie classique impose l’alternance entre les rimes féminines et les rimes masculines

Enfin les rimes peuvent se combiner selon trois modèles :

Les rimes plates AABB

Les rimes embrassées ABBA

Les rimes croisés ABAB

La strophe

Une strophe est une combinaison de rimes, un choix de mètre et une cohérence de sens

Les strophes les plus courantes sont :

Le quatrain 4 vers

Le quintile 5 vers

Le sizain 6 vers

Le distique (2vers) et le tercet (3 vers) , le tercet associé à un autre tercet peut donner un sizain,
comme dans le sonnet.

Les formes fixes

Le rondeau

Le rondeau est la première forme à apparaitre à la fin de XIII e : étroitement associé au chant et
à la danse (rondeau signifie danseur en rond). Il est d’abord composé d’une seule strophe
contenant un refrain puis évolue pour s’organiser un plusieurs strophes. Ce poème bref sert
surtout à l’expansion des sentiments amoureux.

La ballade

Souvent accompagné de musique(le mot vient du provençal balar, danser) est composé de trois
strophes et d’un envoi (de 4 vers) adressé au dédicataire (une personnalité ou un prince ; le
nombre de syllabes de vers (octosyllabe ou décasyllabe) détermine le nombre de vers de
chaque strophe et le dernier vers de chaque strophe et de dernier vers de chaque strophe est
identique (c’est le refrain ; principale genre lyrique au XIV et XV siècle. Cette forme est
abandonnée par les Pléiade et doit attendre le XIX siècle pour retrouver les faveurs des
romantiques (Odes et Ballades 1826) comme le rondeau , la ballade es utilisée pour exprimer
les sentiments personnels.

Le sonnet (de l’italien sonetto , petit son) est une forme d’abord fixé par e poète Pétrarque au
XIV siècle. Puis en France par Clément Marot

Le sonnet se compose de 14 vers répartis en deux quatrains (qui développent un premier

contenu) et deux tercets (qui développe une deuxième contenu)

Les formes libres

Les formes libres du poème se réfèrent à des structures poétiques qui ne suivent pas les règles
traditionnelles et contraignantes de la versification régulière, telles que les rimes, les mètres
fixes et les schémas de syllabes. Les poètes utilisent les formes libres pour exprimer leur
créativité et leur liberté artistique, en rompant avec les conventions formelles et en explorant
de nouvelles possibilités d'expression poétique.

1. Vers libre : Dans le vers libre, il n'y a pas de schéma de rimes ou de mètre fixe. Les vers
sont généralement basés sur le rythme naturel de la parole et varient en longueur et en
structure.

2. Poème en prose : Le poème en prose ne suit pas la structure traditionnelle du vers et de

la strophe. Il est écrit en paragraphes, mais utilise toujours des éléments poétiques tels
que l'imagerie, le symbolisme et la musicalité du langage.

3. Calligramme : Le calligramme est un poème visuel où les mots sont disposés de manière
à former une image qui représente le thème du poème. Cela permet d'explorer la
relation entre le contenu et la forme visuelle.

4. Poème en versets : Le poème en versets est une forme de poésie qui utilise des vers
courts et irréguliers pour créer un rythme et une musicalité. Les versets peuvent varier
en longueur et en structure, offrant une plus grande liberté au poète.

5. Poème expérimental : Les poètes expérimentaux cherchent à repousser les limites de la

forme poétique en utilisant des techniques innovantes telles que le collage, le cut-up, le
langage non conventionnel, les jeux de mots et les associations surprenantes.
Ces formes libres offrent aux poètes une plus grande flexibilité pour exprimer leurs idées et
leurs émotions de manière originale et créative, sans être contraints par les règles strictes de la
poésie traditionnelle.

Les poèmes saturniens

Des Poèmes saturniens, entendons qu’ils sont placés sous le signe de Saturne. Ils seront donc
inspirés : il n’était pas inutile de l’affirmer alors que régnaient encore des versificateurs
parnassiens. Ils seront aussi baignés d’une rêverie douce et savante, tandis que le poète
tournera son regard vers l’intérieur. Point ou peu de récits ou d’anecdotes. Ici l’on se souvient,
l’espace d’un sonnet, sur un air de chanson grise. Tout semble simple. Tout est savant, mais
d’une technique si maîtrisée qu’elle a cessé d’être visible, au point que beaucoup s’y sont
trompés. Verlaine est un poète à la fois immédiat et difficile. Il exige donc une annotation riche
et précise, une attention à la langue et à la prosodie, alors, mais alors seulement, comme l’avait
dit à peu près Ovide : « Maintenant, va, mon Livre, où le hasard te mène ! »

Poèmes saturniens est le premier recueil de Paul Verlaine, publié en 1866. Cet ouvrage
comprend une pièce liminaire, un prologue, vingt-cinq poèmes formant quatre chapitres
(Malancholia, Eaux Fortes, Paysages tristes, Caprices) et douze autres poèmes enfin un épilogue
.Verlaine assure avoir écrit ses poèmes au lycée alors qu’il a seize ans. On note alors l’influence
de Leconte de Lisle et de ses disciplines Parnassiens dans le recueil. C’est la perfection et la
rigueur de la forme qui priment

Les poèmes de Verlaine se focalisent dans le cadre de lyrisme. Les poèmes sont souvent
élégiaques. On peut relever que les poèmes  « Nevermore » « Mon rêve familier » ou
« Chanson d’automne » sont imprégnés de symbolisme. La nostalgie de l’amour et de la rêverie
sont les thèmes principaux et l’expression des sentiments domine. C’est la planète Saturne,
surtout, qui a inspiré Verlaine. Il avoue les avoir écrits sous l’influence de cet astre.

Parmi les poèmes saturniens

 La planète Saturne

Les planètes jouent un rôle sur nos existences. Dès leur naissance, elles influencent les
hommes, les planètes décident alors de la destinée des êtres. Elles rythment nos vies, Elles nous
sont favorable ou néfastes en fonction des périodes. La planète qui est la plus terrible et
saturne, l’astre des maladies. Elle contrôle l’humour noir, la mélancolie. Elle est aussi symbole
de la mort. Verlaine se dit né sous son signe. Il reprend donc la tradition poétique de l’écrivain
pour qui mélancolie et création artistique sont intrinsèquement liées.
Les "Poèmes saturniens" sont le premier recueil de poésie publié par le poète français Paul
Verlaine en 1866. Le titre du recueil fait référence à Saturne, la planète associée à la mélancolie
et à la tristesse dans l'astrologie. Les poèmes présentent une tonalité sombre et mélancolique,
reflétant les émotions et les expériences personnelles de Verlaine. Elles ont été bien accueillies
par la critique et ont établi la réputation de Verlaine en tant que poète symboliste. Ce recueil
préfigure les thèmes et le style poétique qui caractériseront son œuvre ultérieure, notamment
dans son recueil suivant, "Fêtes galantes". Les poèmes de Verlaine continuent d'être étudiés et
appréciés pour leur sensibilité, leur musicalité et leur exploration des émotions humaines les
plus profondes.

Mon rêve familier : où Verlaine évoque un rêve récurrent qui le hante et lui apporte du
réconfort dans sa solitude. "Chanson d'automne" est un autre poème emblématique du recueil,
célèbre pour ses vers mélancoliques et sa description évocatrice de la nature en automne.

Le poète démiurgique
Le poète démiurgique est un concept qui trouve ses origines dans la philosophie de Platon et a
été développé par d'autres penseurs par la suite. Il fait référence à un poète considéré comme
un créateur ou un artiste qui possède un pouvoir créatif semblable à celui du démiurge, un
concept platonicien représentant le créateur suprême.

Selon Platon, le démiurge est un être divin responsable de la création de l'univers, donnant
forme et ordre à la matière préexistante. Dans ce contexte, le poète démiurgique est celui qui,
par la puissance de son imagination et de sa créativité, donne naissance à des mondes fictifs et
crée des réalités poétiques. Il modèle et structure ses idées pour donner vie à des œuvres
artistiques.

Le poète démiurgique est souvent associé à des qualités telles que la vision, l'inspiration, la
maîtrise des mots et la capacité à donner forme à des concepts abstraits. Il est considéré
comme un créateur qui transcende le réel et transforme la réalité par le pouvoir de l'art. Les
poèmes créés par le poète démiurgique peuvent être perçus comme des créations originales
qui influencent et transforment la perception du monde.

Dans certaines interprétations, le poète démiurgique est également considéré comme un guide
spirituel ou un prophète, capable de révéler des vérités profondes et d'éveiller des émotions et
des réflexions chez les lecteurs.

L'idée du poète démiurgique a influencé de nombreux mouvements littéraires et artistiques,

notamment le romantisme et le symbolisme, où les poètes cherchaient à exprimer leur vision
personnelle du monde et à créer des univers poétiques uniques. Des poètes tels que William
Blake, Percy Bysshe Shelley et Arthur Rimbaud sont souvent associés à cette notion de poète
démiurgique.

La poésie engagée est un genre de poésie qui se caractérise par un engagement politique, social
ou philosophique de la part du poète. Elle vise à exprimer des idées, des convictions et à
susciter une réflexion critique chez le lecteur. La poésie engagée peut aborder une variété de
sujets, tels que les injustices sociales, les inégalités, la guerre, l'oppression, l'environnement,
etc.

L'objectif principal de la poésie engagée est souvent de défendre des valeurs humanistes, de
dénoncer des problèmes de société ou d'encourager le changement. Elle peut être un moyen
puissant de donner une voix aux opprimés, de critiquer le pouvoir en place ou d'exprimer des
revendications collectives.

De nombreux poètes engagés ont marqué l'histoire de la littérature. Par exemple, Pablo
Neruda, poète chilien et lauréat du prix Nobel de littérature, a utilisé la poésie pour exprimer
ses convictions politiques et sociales, notamment dans son recueil "Chant général", qui aborde
des thèmes tels que la lutte des travailleurs et la révolution.

Parmi les exemples notables de poètes engagés incluent Aimé Césaire, qui a défendu la cause
de la négritude et l'émancipation des peuples colonisés dans son recueil "Cahier d'un retour au
pays natal", ainsi que Mahmoud Darwich, poète palestinien qui a écrit sur l'occupation et
l'identité palestinienne.

Les poètes prophètes

Les poètes prophètes sont des poètes qui, à travers leur œuvre, semblent prédire ou anticiper
des événements futurs ou offrir des visions profondes de la société et de l'humanité. Le terme
"prophète" est utilisé ici dans un sens poétique et symbolique, plutôt que dans son sens
religieux traditionnel

Ces poètes ont souvent la capacité de saisir les tensions, les changements et les aspirations
profondes de leur époque. Leurs écrits peuvent révéler des vérités universelles et des vérités
cachées, fournissant des perspectives nouvelles et provocantes sur le monde.

Un autre exemple est le poète français Arthur Rimbaud, qui a écrit des poèmes énigmatiques et
visionnaires tels que "Le Bateau ivre" et "Une Saison en enfer". Rimbaud a été salué pour sa
capacité à capter les pulsions de la modernité et à explorer des territoires inconnus de
l'expérience humaine.

Un poète visionnaire
Un poète visionnaire est un poète qui est capable de percevoir et de transmettre des visions
profondes et transcendantales à travers son travail. Ces poètes ont souvent une sensibilité
particulière à l'égard du monde et des expériences humaines, et ils cherchent à exprimer ces
perceptions d'une manière poétique et évocatrice.

Les poètes visionnaires sont souvent caractérisés par leur imagination débordante, leur
utilisation de symboles et de métaphores puissants, ainsi que par leur exploration de thèmes
spirituels, mystiques et métaphysiques. Leurs poèmes peuvent proposer une nouvelle
perception de la réalité, remettre en question les normes établies et offrir une perspective plus
large sur l'existence.

Un exemple est le poète français Charles Baudelaire, dont les recueils "Les Fleurs du mal" et
"Les Paradis artificiels" sont considérés comme des œuvres visionnaires. Baudelaire explore des
thèmes tels que la beauté, la modernité, la sensualité et la décadence, et ses poèmes révèlent
une vision sombre et complexe de la condition humaine.

Les neuf muses

Les neuf muses sont des divinités de la mythologie grecque qui représentent les arts et les
sciences. Elles sont généralement considérées comme les inspiratrices des créateurs et des
artistes. Voici les noms et les domaines associés à chaque muse :

1. Calliope - La muse de l'éloquence épique et de la poésie épique.

2. Clio - La muse de l'histoire.

3. Érato - La muse de la poésie lyrique et de la poésie amoureuse.

4. Euterpe - La muse de la musique et de la poésie lyrique.

 5. Melpomène - La muse de la tragédie.

6. Polymnie - La muse de la rhétorique, de la poésie sacrée et de l'harmonie.

7. Terpsichore - La muse de la danse et de la chorégraphie.

8. Thalie - La muse de la comédie.

9. Uranie - La muse de l'astronomie et de l'astrologie.

Chaque muse était censée offrir son inspiration spécifique aux artistes et aux penseurs dans son
domaine d'expertise. Les muses étaient souvent invoquées par les poètes et les écrivains pour
les guider et stimuler leur créativité. Elles sont également souvent représentées dans l'art et la
littérature, symbolisant l'inspiration et l'expression artistique.

Les mythes

Le mythe de Pygmalion est un récit de la mythologie grecque qui met en scène un

sculpteur chypriote du nom de Pygmalion. Selon le récit le plus célèbre, rapporté par Ovide
dans les "Métamorphoses", Pygmalion était un artiste talentueux qui avait une profonde
aversion pour les femmes en raison de leur comportement immoral. Il décida donc de sculpter
une statue de femme parfaite à laquelle il donna le nom de Galatée.

Le mythe de Pygmalion est souvent interprété comme une allégorie de la puissance créatrice de
l'art et de la transformation de l'amour. Il met en évidence le pouvoir de l'artiste de donner vie
à ses créations, ainsi que la capacité de l'amour à donner naissance à une nouvelle réalité.

Le mythe d'Orphée est un récit légendaire de la mythologie grecque qui met en scène un poète
et musicien exceptionnel du même nom. Orphée était réputé pour son talent musical
exceptionnel et sa voix envoûtante, capable de charmer les dieux et les mortels. Son histoire
est étroitement liée à celle d'Eurydice, son épouse bien-aimée.

le mythe d'Orphée est souvent interprété comme une histoire sur le pouvoir de la musique et
de l'amour, ainsi que sur les limites de la condition humaine. Il explore la quête désespérée de
l'amour perdu et les conséquences tragiques de la transgression des limites imposées par les
dieux. Ce récit a inspiré de nombreux artistes et auteurs à travers les siècles, et il est souvent
utilisé comme symbole de l'aspiration humaine à la transcendance et à l'éternité.
Le mythe d'Orphée est étroitement lié à la poésie et à la musique, car Orphée lui-même était
considéré comme un poète et musicien exceptionnel. Son talent musical et poétique était si
puissant qu'il était capable de charmer les dieux et les mortels, et même de calmer les forces de
la nature

Dans le mythe, la musique et la poésie d'Orphée sont présentées comme des forces
transcendantes qui ont le pouvoir de toucher les cœurs et d'influencer le monde qui l'entoure.
Sa musique est si belle et envoûtante qu'elle parvient à amadouer les divinités infernales et à
persuader Hadès de libérer temporairement Eurydice.

Le mythe d'Orphée est étroitement lié à la poésie et à la musique, car Orphée lui-même était
considéré comme un poète et musicien exceptionnel. Son talent musical et poétique était si
puissant qu'il était capable de charmer les dieux et les mortels, et même de calmer les forces de
la nature.

Dans le mythe, la musique et la poésie d'Orphée sont présentées comme des forces
transcendantes qui ont le pouvoir de toucher les cœurs et d'influencer le monde qui l'entoure.
Sa musique est si belle et envoûtante qu'elle parvient à amadouer les divinités infernales et à
persuader Hadès de libérer temporairement Eurydice.

Le mythe souligne également l'aspect émotionnel et expressif de la poésie et de la musique. La

douleur et le chagrin d'Orphée pour la perte d'Eurydice sont si profonds qu'ils se manifestent à
travers ses chants et ses lamentations, atteignant les dieux eux-mêmes. Sa poésie est
imprégnée d'une émotion intense qui résonne avec les auditeurs et les transporte dans son
propre tourment.

Cependant, le mythe met également en garde contre les dangers de la poésie et de la musique.
Lorsque Orphée se retourne pour regarder Eurydice avant d'avoir atteint la lumière du monde
des vivants, il transgresse les limites imposées par les dieux et perd ainsi la chance de la
ramener à la vie. Cela souligne la fragilité de l'artiste et sa propension à être consumé par la
passion, ce qui peut entraîner des conséquences tragiques.

Côté pile : le légende dit qu’il chantait si bien sa poésie en s’accompagnent de sa lyre( origine
du lyrisme) que les fauves le suivent en cortège et que les arbres s’inclinaient sur son passage

Le mythe d'Apollon met donc en évidence l'importance de la poésie et de la musique dans

la société et la culture grecques, ainsi que leur capacité à communiquer avec le divin. Apollon
représente l'idéal de l'artiste inspiré, capable d'exprimer des émotions profondes et de
communiquer des vérités universelles à travers la poésie et la musique.

De nombreux poètes de l'Antiquité se sont inspirés d'Apollon et lui ont rendu hommage dans
leurs écrits. Il était considéré comme le protecteur des poètes et leur source d'inspiration. Ainsi,
le mythe d'Apollon et la poésie sont étroitement liés, chacun enrichissant l'autre dans la culture
et la tradition grecques.

Le mythe de Dionysos est également associé à la poésie, bien que d'une manière différente
de celle d'Apollon. Dionysos est le dieu grec du vin, de l'extase, de la fête et de l'ivresse. Son
mythe est souvent lié à l'inspiration poétique et à l'expression artistique débridée.

Dionysos est considéré comme un dieu de la transe et de l'extase, et ses adorateurs, appelés les
Ménades ou les Bacchantes, participaient à des rituels orgiaques et à des célébrations
déchaînées. Dans ces rituels, la poésie, la danse et la musique jouaient un rôle central. Les
adeptes de Dionysos, dans un état de transe, exprimaient leurs émotions et leur inspiration à
travers des chants, des hymnes et des danses débridées.

Le mythe de Dionysos souligne également la dualité de la poésie, qui peut être à la fois
exaltante et destructrice. Dionysos est souvent représenté comme un dieu à la fois bienveillant
et féroce, capable d'inspirer la créativité, mais aussi de provoquer la folie et la dévastation.

La poésie associée à Dionysos représente donc une forme d'expression artistique qui explore
les aspects les plus sombres et les plus intenses de la nature humaine. Elle célèbre la libération
des inhibitions et l'exploration des émotions et des instincts les plus profonds.