La première moitié de la musique baroque se passe essentiellement en Italie.

Fin 17e début

18e siècle. Dans la première moitié 18e siècle, le style baroque s’étend sur toute l’Europe.
Entre 1660 et 1670, les différentes traditions musicales en Europe fusionne, autour des auteurs
primaires comme Bach et Haendel.
Le terme baroque désigne :
- Une invention en tant qu’étiquette
- Mais c’est également une perle à la forme imparfaite, irrégulière.
A la différence du classicisme qui est réglementé et symétrique.
Le style baroque s’est développé aux XVI, XVII et XVIIIe siècle.
Dans l’architecture baroque : Francesco Borromini (célèbre architecte italien)
Peintre baroque : Pieter Paul Rubens
Les dates conventionnelles de l’époque baroque : 1580-1760
L’art existe depuis bien longtemps, il y a une éclosion d’artistes à l’époque baroque :
changement de l’idée de l’art
Ex : David de Michel Ange / David de Bernini
Psychologie des états d’âmes à l’époque ancienne : antiquité, renaissance, époque baroque.
Les états d’âmes humains sont réglés par distribution de quatre humeurs dans notre corps ;
- L’humeur mélancolique (bile noir)

- Flegmatique (Lymphe)

- Colérique (sang)

- Biliaire (bile jaune)

Descartes écrit – la finalité est de plaire et

exciter en nous diverses passion pour
provoquer en nous des états d’âmes différents.
Dans les cas primitifs de bouleversements, les états d’âmes peuvent être mélangés par des
perturbations, des chocs, puis reviennent ... après la Renaissance.
Esthétique tourmentée, difficulté de recréer avec les outils ... les prodiges de l’époque
ancienne.
La musique permet d’exprimer les aspects, les passions de la nature.
Musique représentative – musique capable de représenter les passions, affects des états
d’âmes.
Monteverdi (compositeur charnière entre la Renaissance et le Moyen-âge)
Il développe le procédé de communication émotionnelle – transmettre une émotion au
public. Epoque de la basse continue (publication Rappresentatione di anima e di corpo) c’est
un opéra d'Emilio de' Cavalieri.
Le compositeur compose avec beaucoup de liberté, sans contraintes formelles. Stratégie
compositionnelle sur composition sur une basse obstinée.
Changement dans la composition de l’orchestre - nécessité de chorégraphie qui donne une
dimension globale.
Exemple : basse continue : La lamentation de la Lymphe : elle se plaint et s’abandonne, sorte
de spirale circulaire, on essaie de s’éloigner mais on ressent, la souffrance.
Le langage polyphonique est privilégié sur le langage monodique : Galilei critique ce langage,
car il se fragmente en différents images sans saisir précisément l’affect (passion).
Saisir l’affect est le plus important.
Pratiques musicales, contrapuntique abstrait – XVe, début XVIe composition qui privilégie
l’expression.
Baroque : affranchir la laideur, car c’est le VRAI.
Intro contexte :
Mouvement de réforme protestante en 1517
Situation de l’Eglise romaine en décadence.
Le pape a le pouvoir d’excommunier, si quelqu’un a un comportement
La représentation de Dieu – donner le message du Christ sur terre, mais en réalité se sont des
associations qui exploitent l’ignorance des peuples pour vivre dans le luxe avec un manque
totale de moralité, donc tous les croyants donnent de l’argent pour avoir des indulgences.
L’argent empêche tous les péchés – on adule la parole de Dieu.
Luther, on peut avoir envie de demander un rapprochement avec Dieu, sans médiation.
Luther, répond avec une thèse de 95 sentences en 1517
Evangile se développe, est imprimé en latin – évangile est impénétrable, mais Luther traduit
la Bible de l’Ancien et du nouveau Testament en Allemand.
XVIe siècle, se réapproprier le théâtre à l’ancienne, la véritable première théorisation publié
dans un texte pour architecture, Sebastian Serlio, 1545
L’exposition pour la scène pastorale
La fable pastorale est un lieu pur où le seul problème est d’ordre amoureux.
La réforme musicale n’a pas empêché la compréhension des textes.
La musique protestante est un texte pour les personnes accompagnants qui connaissent la
mélodie, les clés polyphoniques.
La contre-réforme : la réforme catholique réagit. Emploi de la spectacularité.
L’opéra est un élément de grande beauté à ce siècle. C’est un moyen de toucher l’émotion, on
transporte l’opéra dans l’église. On offre au public fidèle l’occasion de rentrer dans l’église et
d’écouter le message.
La vision protestante vise à condamner quelques une de ces formes : de spectacle
d’exhibition : l’opéra. Annulation de presque toutes les formes, celles qui restes sont privées.
L’opéra est différent de la comédie et de la tragédie ; gamme d’affects (émotions) allant de la
joie à la douleur.
On emploie souvent la musique comme fonction, celle de musique de scène, fonction de
détente, scène fermée où l’on jouie de ce qui se passe.
La fable pastorale est le genre le plus prisé dans la cours d’Italie.
L’imaginaire pastorale et le mythe d’Orphée : mythe où la musique à une fonction
fondamentale. (Orphée toujours représenté avec un instrument)
Dans le théâtre ; alternance heptasyllabe (7) / octosyllabe (8) : les 2 mélangés montre une
illusion d’une langue ordinaire.
Il pastor fido Livre de Giovanni Battista Guarini (1590) fable pastorale lyrique
Explosion de production de fable pastorale, car il y a une sensibilité.
Apparition de personnage divin : passage de la réalité au merveilleux.
Le Madrigal, genre le plus pratiqué en italien par les musiciens profanes.
Les madrigalistes sont toujours à la recherche de textes à mettre en musique.
L’Aminta (1573) modèle pour Il pastor fido
Pétrarque est le poète le plus prisé, niveau élevé de beauté de poésie.
Des extraits d’Il pastor fido ont été composés par des madrigalistes.
Le madrigal dramatique est un style vocal en polyphonie (5 voix).
(1597) L'Amfiparnaso : double parnasse, œuvre ou comédie et musique sont mêlées en une
seule œuvre. Œuvre audio-visuelle.
La comédie Madrigal ou Commedia Harmonica est un genre qui a brièvement
prospéré à partir de 1590 pendant environ vingt ans, avant les premiers opéras.
Certaines d'entre elles étaient des collections de morceaux, tandis que d'autres
utilisaient des caractères de la Commedia dell'arte et racontaient une histoire complète
au moyen d'un ensemble de trois à cinq voix. Les deux principaux compositeurs
étaient Adriano Banchieri et Orazio Vecchi, tous deux contemporains de Monteverdi.
L’œuvre est jouée en Commedia dell’arte, par des personnages très répandus en Italie du
Nord. (Personnages populaires, jeune amoureuse, docteur)
Caractère : alternance de langues différentes.
Un madrigal est un genre fait pour être exécuté dans une dimension domestique.
Il y a une dédicace dans l’Euridice de Jacopo Peri.
(La manière de chanter la pièce de théâtre avait déjà été modifié pour être chanter par une
personne de l’Antiquité).
L’expérimentation a eu des applaudissements grâce à l’encouragement. Peri a essayé de faire
quelque chose de plus avec l’Euridice : attire par sa nouveauté, caractère émotionnel envoyé
au public.
G. Caccini (1600 à Florence) fait une plus longue dédicace. Il a un égo, plus de conscience,
plus de considération : hors de mesure.
Il parle toujours à la première personne « moi, j’ai fait », il revendique l’invention du style du
chant avec accompagnement de la basse continue.
Peri n’existe pas pour Caccini.
La représentation a lieu en octobre, mais imprimé en février à Florence, l’année commence le
25 Mars, l’année est décalée.
Peri a planté son drapeau sur la nouvelle découverte de l’opéra.
Il interdit la partition avec une lettre dans l’Euridice.
L’avancée du poète : essaye de refaire la fusion entre le chant et le texte, pour avoir le
caractère du théâtre ancien. Témoignage ancien, accompagnement du texte avec une manière
de déclarer proche du chant.
Déclamation chanté parlé selon les affects : Cavalieri : locution : « recitar - cantando » -
déclamer en chantant.
La Dafne / l’Euridice : présentation de l’essaie de ce que peut faire le chant à cet époque ; état
de l’art à travers l’expression du chant.
2e chose : idée de trouver une manière d’expression mixte entre déclamer et chanter, ce n’est
pas une ligne, ça varie, passage plus chanté / plus parlé.
A Rome, représentation d’un sujet sacré : Représentation de l’âme et du corps (sept 1600).
Privilégier la partie spirituelle et plier la partie charnelle.
La partition est publiée après la représentation de l’Euridice.
Il y a des lettres qui expliquent plusieurs côtés esthétique.
Question pratique, sur l’organisation de la représentation.
Pour avoir de l’émotion et communiquer l’émotion au public, le chanteur doit exprimer
clairement les mots. Le texte peut être accompagné par des gestes, des mouvement : jeu de
l’acteur.
La partition ne permet pas en pratique ce que la théorie demande.
Galilei : Un traité où il donne des suggestions : déclamation et autres selon les affects à
exprimer.
Peri cite en partie ces concepts, reprend les concepts de Galilei.
Le passage d’un affect à un autre opposé est très efficace pour la réjouissance du public.
Toujours contraster les affects.
Caccini publie son propre Euridice, puis, Les nouvelles musiques, ou il y a une dédicace. Il
revendique tout type d’invention moderne, ne cite jamais ses amis de recherche, souligne sa
priorité dans son invention avec une arrogance sans précèdent : « c’est moi ».
Il se prétend l’inventeur de la basse continue, historiquement, c’est faux, c’est un des premier
à l’employer.
A Florence, en 1600, on voit la présentation de l’opéra Euridice.
Ottavio Rinuccini en est le poète, le parolier, Peri et Caccini ont composé la musique.
Le 6 octobre 1600 ; naissance du genre de l’opéra.
Monteverdi est un des pionnier du genre de l’opéra. Le musicien qui conjugue le théâtre et la
musique.
Un groupe de compositeur se réunissent pour discuter de la possibilité de restaurer le théâtre à
l’ancienne avec la présence de chant, et en même temps, restaurer la forme musicale, pour les
affects émotionnels sur le public.
Camerata Fiorentina : Ce groupe est composé de Caccini, Striggio, Cavalieri, Malvezzi, Peri
et Strozzi.
Vincenzo Galilei publie en 1581, à Florence Dialogue de la musique ancienne et de la
musique moderne : questions techniques, questions esthétiques.
Il reconnait que la musique de son époque n’a pas d’effet provoqué sur le public.
Lors d’une fête, (le mariage de Marie de Médicis), Peri compose une nouvelle pièce. C’est
une nouveauté pour le public international. Dans les fêtes de mariage, il y a des aristocrates,
des ambassadeurs. L’Euridice
Plusieurs aspects pour plaire au public, captiver.
C’est un sujet mythologique, une histoire qui vise à donner une interprétation moderne du
théâtre ancien. Ensuite le dialogue chanté-parlé n’est pas possible, c’est un sujet
mythologique supposé avoir des personnages sur scène qui chantent, il y a des chanteurs par
excellence.
Comment toucher un spectateur à travers différentes manières de moduler les genres ?
(Comment faire à l’époque moderne ce que Orphée faisait dans la narration mythologique).
Pour l’Euridice, entre Peri et Caccini, la composition était destinée à Peri. Mais il avait, mais
il avait besoin de bons chanteurs, il a donc demandé à Caccini s’il en connaissait. Mais la
condition était qu’il donnait ses chanteurs s’ils chantaient les composions de Caccini pour la
pièce, le prologue et la présentation de la pièce.
Il s’agit de noce donc ça ne doit pas être plus formelle que ça ne l’est déjà.
Euridice est promise en mariage à Orphée, mais elle meurt. Orphée s’en lamente, il va donc
sauver sa femme qui est en Enfer. (Contrat à respecter). Euridice survit, ils sortent des Enfers.
Mais Orphée ne doit surtout pas regarder sa femme, mais Orphée se retourne et Euridice
disparait, elle meurt. Orphée est tué sur son chemin.
Dans l’histoire à Florence, personne ne meurt.
Nouveau style, style récitatif, fait pour représenter les états d’âmes.
Chant durchkomponiert : chant composé du début à la fin, pas de partie reprise comme ABA.
Nouveauté : chant chanté de manière très libre avec des accélérations et des ralentissements,
oppression de l’acteur, passions, émotions, il est poussé à accélérer ou ralentir.
Le chanteur est accompagné de la basse continue (clavier + viole de gambe) les accords de la
basse continue sont sonnants ou dissonants : justifié par le texte : le public est habitué.
Naissance de l’opéra le 6 octobre 1600 (redite)
En 1605, comédie, l'Aurora ingannata (publié en 1608, de Giacobbi), série d’intermèdes liés,
constitue une véritable forme d’opéra. A l’époque, les publications ont comme fonction
principale de laisser un témoignage et laisser une marque pour souligner l’importance de
l’événement.
En 1606 il composa, Il carro di fedeltà d'amore, musique de Quagliati.
Personnage allégorique ou mythique et musicien : Apollon, Carrillon et Orphée.
Personnage historique : L’Amour et la Renommée.
En 1607, lors du carnaval de Mantoue, le duc de Mantoue demande à Monteverdi de
composer une pièce dans un nouveau style représentatif.
L’Orfeo : drame lyrique.
Le final se passe entre la terre et l’enfer. L’accompagnement est prévu par les trombones,
symbole sacré pour l’église.
La favola d’Orfeo est une musique variée, véritable triomphe sonore instrumental.
2 lignes de chant possible d’Orphée : chant syllabique et le chant fleuri. Dans l’Orféo il y a un
type de notation avec une liste d’instrument que l’on retrouve dans différentes pages pour des
passages important. Ce sont des partitions d’accompagnement pour donner des indications
instrumentales, quand il y a changement instrumental, clavecin remplacé par l’orgue.
Le message chante, la basse continue est réalisé par différents instruments, la nouvelle est
dans une atmosphère sombre de la mort, l’accompagnement qui change permet cela. On a une
fonction illustrative affective, très particulière ; l’orgue est lié traditionnellement à l’église, il
y a une connotation sacrée.
Le chant de prière (point contail) est un strophique, un système d’entrainement. Le 1 er vers
rime avec le 2nd vers de la strophe suivante etc.
Monteverdi emploie toutes les possibilités données pour l’évolution musicale de l’époque :
contrepoint, compositions instrumentales pures, 2 chœurs homorythmiques, 1 duo.
Dans la première de l’histoire de l’opéra, le mariage publics avait un public invité par le
seigneur, un public d’aristocrate. C’est quelque chose d’extra citadin, : public qui sort de la
cité pour des évènements exceptionnels, avec des aristocrates. La participation se fait par
invitation et non par billet.
L’Arianna de Monteverdi : différents états d’âme à travers Ariane dans la lamentation. C’est
une lamentation déchirante où l’interprète joue dans la douleur, le désir de revanche, dans la
nostalgie, la tendresse, le souvenir et la résiliation.
Cette lamentation est copiée, recopiée, circule... Elle est détachée du reste de la partition.
Dans les années 1610/1620, toutes les maisons possèdent une copie de la lamentation.
Le rôle d’Ariane est destiné à une jeune chanteuse mais elle meurt, elle est alors remplacée
par Virginia Rampori, actrice de la cour de Mantoue, (partie déclamative plus importante que
la partie vocale).
La mort de la femme de Monteverdi lui permet de sortir toute sa douleur, sa tristesse dans la
plainte d’Ariane.
Monologue : Ariane reproche à Thésée son abandon. Elle veut une revanche, une vague, une
tempête sur le navire de Thésée, mais elle arrête car elle l’aime encore. A force de se confier,
elle en souffre.
Pour des raisons commerciales, Monteverdi publie cette lamentation dans d’autres partitions.
Elle est faite pour être exécutée librement, exécuté avec le temps des affects (émotions).
La mission est accomplie avec l’Arianna : il y a une expression des passions et des états
d’âmes, pour la musique, le mélange verbal et musical, pour émouvoir le public.
Le lamento d’Arianna est la seule partie qu’il nous reste, et c’est un moment particulièrement
miraculeux.
Rappel : l’opéra est une manière de montrer aux autres la puissance politique, la puissance est
omniprésente pour impressionner.
Le succès de l’Arianna fait que la musique de Monteverdi est spiritualisée et devient la plainte
de Madelaine.