virtuosi imo ss

DMITRY SINKOVSKY IL POMO D’ORO

DMITRY SINKOVSKY
virtuosissimo

JEAN-MARIE LECLAIR| PIETRO ANTONIO LOCATELLI

JOHANN GEORG PISENDEL | GIUSEPPE TARTINI
GEORG PHILIPP TELEMANN

dmitry sinkovsky VIOLIN AND CONDUCTOR

il pomo d’oro
virtuosissimo

pietro antonio locatelli 1695-1764

concerto no.1 in d major | L’arte del violino op.3
1 Allegro – Capriccio 5’50
2 Largo 4’59
3 Allegro – Capriccio 7’16

johann georg pisendel 1688-1755

concerto in g minor JunP I.1
4 Largo e staccato 1’25
5 Allegro 3’46
6 Largo 3’56
7 Allegro 3’36

jean-marie leclair 1697-1764

concerto in d major op.7 no.2
8 Adagio 1’24
9 Allegro ma non troppo 5’18
10 Adagio 4’28
11 Allegro 5’27

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 giuseppe tartini 1692-1770
concerto in a minor ‘a lunardo venier’ D 115
12 Andante cantabile – Allegro assai 4’57
13 Andante cantabile 7’22
14 Presto 3’36

georg philipp telemann 1681-1767

concerto in b flat major TWV 51:B1
15 Largo 3’34
16 Vivace 3’27
17 Sempre piano 3’34
18 Allegro 3’22

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il pomo d’oro

SOLO VIOLIN AND CONDUCTOR DOUBLE BASS

dmitry sinkovsky marco locicero

VIOLIN I OBOE
elena davidova emiliano rodolfi
ayako matsunaga olga marulanda
heriberto delgado
BASSOON
VIOLIN II michele fattori
fani vovoni
barbara altobello
HARP
claudio rado
chiara granata

VIOLA
THEORBO AND GUITAR
enrico parizzi
daniela nuzzoli ivano zanenghi
giulio d’alessio
HARPSICHORD

CELLO federica bianchi

ludovico minasi
irene liebau

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 FR

virtuosissimo
par jean-michel molkhou
Dans l’esprit du public, le virtuose est une sorte de phénomène qui, tel un funambule
défiant les lois de l’équilibre, réussit des prouesses inaccessibles au commun des mortels.
On l’admire, on l’envie, on l’adule, et ce, même dans sa propre corporation. Mais dans
certains milieux, l’attribut de virtuose revêt parfois un sens un peu plus péjoratif. On le
considère comme une sorte de singe savant qui ne saurait que se mettre en avant pour
briller, sans pénétrer au cœur spirituel de la musique. Alors qu’en est-il vraiment ?
Le terme de virtuose tel qu’il est utilisé dans la langue française désigne un maître incon-
testé tant pour la technique musicale que pour la qualité artistique. Il s’agit d’un mot
emprunté à l’italien, langue dans laquelle il est en général utilisé sous forme d’un adjectif
signifiant « vertueux ». L’étymologie renvoie au mot latin « virtus », impliquant un sens
de « courage ». Son usage à propos des musiciens suggère donc ce « courage », en plus
de celui de maîtrise absolue de l’art. En mai 1940, à Nice, lors du centenaire de la mort de
Paganini, dont le nom symbolise à lui seul la virtuosité violonistique, Paul Valéry écrivait
dans son Esquisse d’un éloge de la virtuosité :
« On accuse l’interprète d’une œuvre, de faire briller ses talents aux dépens de la pureté de
celle-ci, d’en modifier les proportions, d’en charger les effets et même le sens, de manière que la
volonté écrite de l’auteur s’en trouve profondément travestie. On lui attribue un pouvoir de per-
version sur le goût du public, qu’il séduirait à la difficulté vaincue, aux prestiges de la vitesse… On
lui reproche de flatter ce qu’il y a de plus vulgaire dans la sensibilité, ou de plus facile à émouvoir
en exagérant la tendresse… en insistant sur les points faibles qui livrent l’âme… et d’y exploiter la
source des larmes. […] Pourtant le virtuose est celui qui, par excellence, donne vie et présence
réelle à ce qui n’était qu’une écriture livrée à qui que ce soit, à l’ignorance, à la maladresse, à
l’insuffisante compréhension de qui que ce soit. Le virtuose incarne l’œuvre. »
Si c’est dans le courant du XIXe siècle que les virtuoses, en tant que tels, firent leur appa-
rition dans l’histoire de la musique occidentale, à l’ère baroque existaient déjà des instru-
mentistes de très haut niveau, ainsi qu’en témoignent les œuvres réunies dans ce
disque. Au XVIIIe siècle, l’élément virtuose fut une composante importante du concerto
de soliste, ou concerto grosso, qui réservait les parties les plus difficiles aux musiciens
professionnels alors que les passages plus faciles pouvaient être exécutés par des
7
amateurs. Antonio Vivaldi, connu pour captiver son auditoire par sa virtuosité, allait
donner au genre une forme nouvelle, qui devint un modèle pour toute une génération.
C’est d’ailleurs à lui que l’on doit, vers 1712, l’idée de la cadence, plage libre laissée au
soliste pour faire état de ses talents de virtuose comme d’improvisateur. Mais c’est Pietro
Locatelli qui fut le premier violoniste compositeur à avoir mis intentionnellement la vir-
tuosité au premier plan.
Natif de Bergame mais de formation romaine, il s’installe définitivement à Amsterdam en
1729 à la suite d’une tournée en Italie du Nord et en Allemagne. Et c’est dans cette ville
qu’il publiera, en 1733, sous le numéro d’opus 3, son célèbre cycle de douze concertos
L’arte del violino, qu’il barde de vingt-quatre cadences ou « Capricci ad libitum ». À côté
de leur découpe classique en trois mouvements selon le schéma rapide-lent-rapide, les
douze concertos proposent chacun en effet de façon fort originale deux caprices pour
violon seul – souvent plus développés que les mouvements auxquels ils appartiennent –,
qui se distinguent par leur virtuosité. Probablement créé partiellement à Venise en 1727,
L’arte del violino revêt une importance historique particulière en raison de l’innovation
qu’il apporte à la technique du violon. D’une complexité sans égale à l’époque, ces
caprices traduisent une émancipation extraordinaire de la technique violonistique au
début du XVIIIe siècle, alliant un sens aigu de la mise en scène et des effets théâtraux,
tout en mettant sérieusement à l’épreuve les doigts de la main gauche comme le bras
droit de l’interprète.
Giuseppe Tartini, considéré comme le plus brillant violoniste de son temps, fut un modèle
par son style, sa technique d’archet et ses innovations, notamment en ce qui concerne
les doubles cordes. Il fit également plusieurs découvertes acoustiques, en particulier la
présence de sons résultant des sommes ou différences entre plusieurs fréquences har-
moniques. Outre des ouvrages pédagogiques, on lui doit la création d’une école supé-
rieure de violon à Padoue, où il enseignera à de nombreux futurs virtuoses parmi lesquels
Gaetano Pugnani ou Pietro Nardini. Compositeur prolixe, Tartini laisse une abondante
littérature pour violon, dont cent trente-cinq concertos et autant de sonates, parmi les-
quelles le célèbre « Trille du diable », imaginé, selon la légende, au lendemain d’un rêve où
il conclut un pacte avec le diable. Écrits pour son propre usage – rappelons qu’il occupa
les fonctions de maître de chapelle de la basilique Saint-Antoine de Padoue, et donc, à ce
titre, de primo Violino et Capo di concerto –, ses concertos, en général plus développés
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 FR
que ceux de ses contemporains, démontrent ses qualités de mélodiste. Il y fait état d’un
goût prononcé pour le cantabile, qu’il offre à la voix soliste en annonçant, surtout dans
les mouvements lents, les premières lueurs du romantisme. Ce qui fit déjà sa réputation
de son vivant.
Jean-Marie Leclair – dit « L’aîné » puisque l’un de ses frères cadets portait le même
prénom – est considéré quant à lui comme le fondateur de l’école française de violon, à
laquelle il apportera le goût italien acquis auprès de son maître Giovanni Battista Somis,
lui-même disciple de l’illustre Corelli. Violoniste au service de Louis XV puis à la cour
d’Anne d’Orange, Leclair connut une fin tragique, assassiné à Paris dans d’obscures cir-
constances. À côté d’une centaine de sonates et duos de toutes sortes, on lui doit douze
concertos pour violon, dont six sous le numéro d’opus 7, publiés en 1737, où il démontre
une habile synthèse des styles italien et français. Le second concerto, en ré majeur, en
hommage discret à Corelli, reprend la structure lent-vif-lent-vif de la sonata da chiesa
chère à son glorieux aîné. Admiré pour l’élégance de son goût comme pour son agilité
instrumentale, l’œuvre de Leclair reste encore trop méconnu et peu enregistré.
Johann Sebastian Bach était un bon, voire même un excellent violoniste, mais sans doute
pas un grand virtuose, et c’est probablement à l’intention d’un des plus talentueux vio-
lonistes de son temps – on évoque Johann Georg Pisendel – qu’il aurait composé, vers
1720, ses Sonates et Partitas pour violon seul, atteignant une complexité polyphonique
jusqu’alors inconnue. Les deux hommes s’étaient croisés à Leipzig en 1709, rencontre au
cours de laquelle Pisendel aurait présenté à Bach sa sonate pour violon seul en la mineur,
donnant peut-être au cantor l’envie de composer les siennes sans imaginer un seul
instant de quel chef-d’œuvre absolu il avait fait germer l’idée. Éminent Konzertmeister
de l’orchestre de Dresde, considéré à l’époque comme « le meilleur au monde », Pisendel
n’a laissé qu’un œuvre modeste de compositeur. C’est donc surtout grâce aux multiples
concertos et sonates que lui ont dédiés Vivaldi, dont il fut le disciple puis l’ami, Telemann
ou encore Albinoni, que le nom de Pisendel est passé à la postérité.
À l’extrême opposé, le legs de Georg Philipp Telemann – dont le parcours est parfai-
tement connu grâce à ses trois autobiographies – est d’une incroyable abondance. En
couvrant absolument tous les genres, les quelque six mille œuvres qu’on lui attribue font
de lui le compositeur le plus fécond de tous les temps. Bien qu’il affirme lui-même n’avoir
jamais été un « fort violoniste », on lui doit, outre douze fantaisies pour violon seul, pas
9
moins de vingt-six concertos pour violon, tandis qu’une autre quinzaine fait apparaître
deux, trois ou quatre violons solistes. C’est dire l’importance qu’il accordait à l’instrument.
Le Concerto en si bémol majeur TWV 51 B1, l’un des plus complexes et des plus exigeants
techniquement qu’il ait écrits, est l’une des pages qu’il dédia à Pisendel lors de leur ren-
contre à Dresde, en 1719, sans doute en reconnaissance de sa virtuosité.
En rassemblant tout l’arsenal technique élaboré par ses illustres prédécesseurs, au pre-
mier rang desquels Locatelli, Leclair et Tartini, Niccolò Paganini en établira un siècle plus
tard une synthèse unique. En puisant dans ce précieux héritage baroque, il fera faire à
la technique du violon un considérable bond en avant, qui, après lui, ne connaîtra quasi-
ment plus aucune évolution. Cette virtuosité créatrice, héroïque et flamboyante aura une
influence déterminante sur ses contemporains, d’ailleurs pas seulement violonistes, et
plus encore sur ses descendants. Mais c’est une autre histoire.

Février 2018

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 FR
DMITRY SINKOVSKY VIOLON ET DIRECTION
Dmitry Sinkovsky, violoniste, chef d’orchestre, chanteur : une rencontre exceptionnelle de virtuosité
russe et de cantabilità italienne avec de solides compétences philologiques, mâtinée d’énergie et de
romantisme. En lui, trois disciplines musicales dialoguent avec une profonde conscience de son art
et une éblouissante virtuosité, conditions rarement réunies pour des exécutions hors pair, qui sont
toujours un cadeau pour le public, aussi bien en concert qu’en studio.
Après avoir été couronné dans les plus grands concours européens, Dmitry Sinkovsky commence sa
carrière en travaillant avec les plus prestigieux ensembles de musique ancienne tels qu’Il Giardino
Armonico, Il Complesso Barocco, Musica Petropolitana et Accademia Bizantina. En tant qu’artiste
associé, il entretient une relation privilégiée avec l’ensemble belge B’Rock, et travaille régulièrement
en collaboration avec Lucia Pianca et son Ensemble Claudiana, ainsi qu’avec le Helsinki Baroque
Orchestra.
En plus de ses activités dans la musique baroque, Dmitry Sinkovsky poursuit également une carrière
de violoniste et de chef d’orchestre classique, dans un répertoire qui va de Mozart à Berg, en passant
par Beethoven et Bartók.
Durant la saison 2012-2013, il se produit devant un vaste public en tant que chef d’orchestre dans
la tournée Drama Queens de Joyce DiDonato. Il est aujourd’hui extrêmement demandé en Europe,
en Russie, au Canada, en Asie, en Australie et aux États-Unis. En 2018, il est chef en résidence du
Seattle Symphony Orchestra, et il est régulièrement invité par le Detroit Symphony Orchestra. Parmi
les autres phalanges qu’il a dirigées, citons l’Orchestre national d’Espagne, le Sinfonietta Riga, Musica
Aeterna, la Kremerata Baltica, l’Orchestra Casa da Música Porto et le Tallinn Chamber Orchestra. Inter-
prète passionné de la musique chorale, Dmitry Sinkovsky travaille en étroite collaboration avec le
chœur Antiphonus de Zagreb. En décembre 2018, il remporte un immense succès en dirigeant Le
Messie de Haendel à Seattle. Il travaille avec des artistes tels qu’Alexeï Lubimov, Teodor Currentzis,
Alexander Roudine, Dorothee Oberlinger, Andreas Scholl, Kristina Mkhitaryan, Christophe Coin,
Martina Filjak et Skip Sempé.
En 2011, Dmitry Sinkovsky fonde son propre orchestre sur instruments d’époque, La Voce
Strumentale. L’ensemble enregistre deux disques pour naïve, Les Quatre Saisons de Vivaldi (2015) et
Bach in Black (2017).
En 2007, Dmitry Sinkovsky montre une autre facette de son talent en se produisant comme contre-
ténor sous la baguette de Michael Chance, Yana Ivanilova et Marie Daveluy. Durant la saison dernière,
il fait ses débuts dans le rôle-titre du Lucio Silla de Haendel au Festival Haendel de Göttingen ainsi
qu’au Festival de Ludwigsburg. En janvier 2019, il chante Ruggiero (Orlando furioso, Vivaldi) avec
l’Orchestre de chambre de Klaipėda, qu’il dirige lui-même. Il est également artiste invité du Théâtre
Bolchoï à Moscou.

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Ses principales activités pour 2019 comprennent des concerts avec Julia Lezhneva et La Voce
Strumentale, des tournées avec B’Rock, ainsi que d’autres concerts à travers le monde ; mais aussi
le Triple Concerto de Beethoven et un programme Haydn-Mozart-Beethoven avec Musica Viva à
Moscou, avec sa partenaire de prédilection à la scène, Julia Lezhneva.
En compagnie des acteurs Elizaveta Boyarskaya et Anatoly Bely, Dmitry Sinkovsky se produit en tour-
née, depuis 2018, dans les pays russophones en tant que chanteur, violoniste et comédien, dans 1926,
un spectacle conçu autour de Pasternak, Tsvetaïeva et Rilke, dans une mise en scène d’Alla Damsker.
Parmi ses nombreux enregistrements, citons les Concerti per violino « Per Pisendel » (Vivaldi Edition),
le premier enregistrement mondial des concertos pour violon de Tietz et de Rosetti avec le Pratum
Integrum Orchestra (Caro Mitis), plusieurs disques de musique de chambre comme les Sonates en
trio de Telemann avec Erik Bosgraaf (Berlin Classics) et Fantasies and Fairy Tales de Schumann avec
entre autres Aapo Häkkinen (Naxos).
Dmitry Sinkovsky est professeur au Conservatoire d’État de Moscou et directeur artistique du festival
Orlando Furioso de Dubrovnik. Il a étudié le violon au Conservatoire de Moscou avec Alexander Kirov,
et la direction d’orchestre à l’Académie de musique de Zagreb (classe de Tomislav Fačini). Il joue sur
un violon de Franceso Ruggeri (1675) prêté par la Jumpstart Jr. Foundation.

IL POMO D’ORO
Il Pomo d’Oro est un orchestre fondé en 2012, qui se consacre tout particulièrement à l’opéra mais
se fait également entendre dans des exécutions instrumentales de formations variées. Ses musiciens
comptent parmi les plus éminents dans le monde pour l’interprétation authentique sur instruments
d’époque. Il Pomo d’Oro est fréquemment invité par les plus prestigieuses salles de concert d’Europe
(entre autres le Wigmore Hall, la Philharmonie de Berlin, le Théâtre des Champs-Élysées) et, durant la
saison 2018-2019, il est orchestre en résidence au Barbican Centre de Londres ainsi qu’à la Fondation
Gulbenkian de Lisbonne.
Dès 2012, Il Pomo d’Oro attire l’attention de la critique avec ses premiers enregistrements, auxquels
participent des artistes de premier plan tels que le violoniste Dmitry Sinkovsky et trois contre-
ténors différents, Max Emanuel Cenčić, Franco Fagioli et Xavier Sabata. Par la suite, Il Pomo d’Oro
entame une collaboration avec la romancière américaine Donna Leon et la mezzo-soprano suédoise
Ann Hallenberg, avec les enregistrements de Venetian Gondola (2013) et Agrippina Airs (2015),
loués par la critique et couronnés par de nombreux prix. En 2015, un nouvel enregistrement d’Arie
napoletane, avec le contre-ténor Max Emanuel Cenčić et le chef d’orchestre Maxim Emelyanchev,
révèle au public un répertoire baroque napolitain méconnu, dont plusieurs morceaux apparaissent
pour la première fois au disque. La même année, Il Pomo d’Oro enregistre Giovincello avec le jeune

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 FR
violoncelliste français Edgar Moreau (ECHO Klassik 2016), et entame une collaboration durable
avec la mezzo-soprano américaine Joyce DiDonato, lauréate des Grammy Awards et consacrée
Meilleure chanteuse de l’année par un ECHO Klassik en 2017 avec son enregistrement d’airs d’opéra
intitulé War and Peace. Ce programme a également fait l’objet de tournées aux États-Unis et en Europe.
La saison suivante, l’orchestre participe à de nombreux enregistrements : l’album solo d’Ann Hallen-
berg Carnevale 1729, Opera Prologues du XVIIe siècle, avec la jeune soprano italienne Francesca
Aspromonte sous la direction d’Enrico Onofri, et le nouveau récital de Franco Fagioli dans des airs de
Haendel, dirigé par Zefira Valova.
Il Pomo d’Oro s’est illustré dans le répertoire instrumental aussi bien que dans l’opéra. De Haydn,
l’ensemble a enregistré les concertos pour violon (avec Riccardo Minasi), clavecin (Maxim Emelyany-
chev) et cor (Johannes Hinterholzer), ainsi que des concertos pour violon de haute virtuosité, signés
Locatelli, Tartini et Pisendel, avec Dmitry Sinkovsky. En 2018, Il Pomo d’Oro entame une collaboration
avec le violoniste japonais Shunsuke Sato pour l’enregistrement des concertos de Bach. L’ensemble
a également enregistré cinq opéras en version intégrale, avec des solistes de renommée mondiale :
Tamerlano de Haendel, Catone in Utica de Vinci (ECHO Klassik 2016), Partenope (avec Karina Gauvin
et Philippe Jaroussky) et Ottone de Haendel, ainsi que le premier enregistrement mondial de La
Doriclea de Stradella. Un nouvel enregistrement du Serse de Haendel, avec Franco Fagioli et une
distribution prestigieuse, a conclu la saison 2017.
Il Pomo d’Oro a commencé l’année 2018 par une tournée avec Franco Fagioli pour son programme
d’airs de Haendel, et un concert pour les débuts parisiens du jeune contre-ténor polonais Jakub Józef
Orliński, suivi de son premier enregistrement en tant que soliste, Anima sacra. Un peu plus tard la
même année, l’orchestre a collaboré avec la soprano Emőke Baráth et le chef Francesco Corti pour
des enregistrements consacrés à la musique de la compositrice vénitienne Barbara Strozzi. Le public
a pu l’entendre également dans une version de concert d’Arianna in Creta de Haendel, au Händel
Festpiele de Halle, avec Karina Gauvin dans le rôle-titre, dans le Stabat Mater de Pergolèse dirigé par
Speranza Scappucci, et dans plusieurs concerts avec Edgar Moreau et Francesca Aspromonte.
La saison 2018-2019 a vu démarrer une nouvelle tournée de l’ensemble Il Pomo d’Oro avec deux
opéras de Haendel, Serse et Agrippina, suivis d’un enregistrement avec Joyce DiDonato. La saison
inclut également une tournée européenne à l’occasion de laquelle on peut entendre des œuvres
de Leonardo Vinci interprétées par Franco Fagioli et des concerts avec Shunsuke Sato, Jakub Józef
Orliński et Francesca Aspromonte. Début 2019, Il Pomo d’Oro a effectué une tournée en Asie et au
Moyen Orient avec Joyce DiDonato.

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virtuosissimo
by jean-michel molkhou
For the audience, the virtuoso is a phenomenon, a tightrope walker defying the laws
of gravity and achieving feats inaccessible to common mortals. He is admired, envied,
hero-worshipped, even among his own peers. Yet the word ‘virtuoso’ can have a rather
more pejorative meaning in certain quarters, where he is regarded as something like a
performing monkey, one who can only flourish under the limelight, and cannot penetrate
to the spiritual heart of the music. But is that really so?
In definition and usage, the word ‘virtuoso’ means an unchallenged master not only in
the field of musical technique, but also that of artistic quality. The original word is gen-
erally used in Italian as an adjective meaning ‘virtuous’, its etymology deriving from the
Latin ‘virtus’, a noun implying ‘courage’ as well as ‘strength’. So applying it to musicians
suggests the quality of bravery, in addition to the absolute mastery of one’s art. Writing
in Nice in May 1940 on the centenary of the death in that same city of Niccolò Paganini,
whose name is a byword for violinistic virtuosity, the French poet Paul Valéry comment-
ed in his Esquisse d’un éloge de la virtuosité:
‘The interpreter of any work stands accused of making his own talents shine at the expense of its
purity, of altering its proportions, distorting its effects and even its meaning so as to gravely mis-
represent the author’s written intention. We attribute to the interpreter the power of perverting
the taste of the audience, seducing it by overcoming difficulties, dazzling it with the technique
of sheer velocity… We reproach him with flattering the most vulgar of our sensibilities, those
most easily moved by an exaggerated display of tenderness… with picking away at the mind’s
treacherous weaknesses… with exploiting the source of tears. […] Nevertheless, the virtuoso is
somebody who – to a perfect degree – gives life and a real presence to what was a mere manu-
script at the mercy of all, subject to the ignorance, clumsiness and poor understanding of all and
sundry. It is the virtuoso who puts flesh on the work.’
It was in the course of the 19th century that virtuosi as such made their appearance on
the western musical scene; yet the baroque era had already produced instrumentalists
of extremely high standard, as the works collected on this CD can testify. By the eight-
eenth century the virtuoso element was an important component of the baroque solistic
concerto, the concerto grosso, which reserved the most difficult parts for professional

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 EN
musicians, while the easier passages could be performed by amateurs. Antonio Vivaldi,
who famously captivated the audience with his virtuosity, went on to give the genre a
new form that became a model for an entire generation. And it was he too who, around
1712, invented the cadenza: a free space for the soloist to show his talents of virtuosity
and improvisation. However, the first violinist-composer who consciously placed instru-
mental virtuosity in the foreground was Pietro Locatelli.
Born in Bergamo but musically educated in Rome, after touring northern Italy and Ger-
many Locatelli established himself permanently in the city of Amsterdam in 1729. Here
in 1733 he published his celebrated set of twelve concertos, Op.3, L’arte del violino, pro-
viding the set with twenty-four cadenzas, or ‘Capricci ad libitum’. In a highly original
stroke, into each of the twelve concertos, with its classical three-movement fast-slow-
fast structure, he inserted two caprices for solo violin – often more developed than the
movements they belong to, and standing out through their sheer virtuosity. Probably
partly composed in Venice in 1727, L’arte del violino takes on a particular historical im-
portance through its novel approach to violin technique. Of unrivalled complexity at the
time, these ‘caprices’ represent a remarkable emancipation of the technical possibilities
of the violin at the beginning of the 18th century, displaying an acute sense of drama and
theatrical effects, while seriously putting to the test the fingers of the performer’s left
hand, as well as his right arm.
Giuseppe Tartini was considered the most brilliant violinist of his time, imitated for his
style, his bowing technique and his innovations, particularly his use of double-stopping.
He also made several new discoveries in the field of acoustics, most notably combination
tones, i.e. the summation tones or difference tones that can be heard when harmonics
are sounded together. Apart from treatises, he founded a specialized violin school in
Padua, where he taught numerous virtuosi of the future generation, including Gaetano
Pugnani and Pietro Nardini. A prolific composer, Tartini left an extensive repertoire for the
violin, including thirty-five concertos and as many sonatas, one of which is the famous
‘Devil’s Trill’, which according to the legend came to him the day after a dream in which
he had concluded a pact with the devil. His concertos were written for his own use –
bearing in mind that being maestro di capella at the Basilica of Saint Anthony of Padua
meant that he was also its solo violinist and leader (‘primo violino e capo di concerto’).
His concertos are in general more advanced than those of his contemporaries, displaying
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his powers as a melodist. He shows a definite partiality for the cantabile melody that
he gives to the soloist, and particularly in the slow movements we can hear the first
glimmers of romanticism. For these reasons he was greatly celebrated even during his
own lifetime.
For his part, Jean-Marie Leclair ‘the Elder’ (so-called because one of his younger brothers
used the same forename) is considered the founder of the French school of violin-play-
ing, to which he brought the Italian style he had learnt from his teacher Giovanni Battista
Somis, a disciple of the illustrious Corelli. A violinist in the service of Louis XV, then at
the court of Anne of Orange, Leclair had a tragic end, murdered in Paris in mysterious
circumstances. Besides around a hundred sonatas and duos of all kinds, he composed
twelve concertos for the violin that show a skilful synthesis of Italian and French styles.
Six of these belong to his Opus 7, published in 1737. The Concerto No.2 in D major, in a
discreet homage to Corelli, takes up the slow-fast-slow-fast structure of the sonata da
chiesa that had been so dear to the older Italian master. Admired at the time for its taste-
ful elegance and instrumental agility, the music of Leclair is today still far too little-known
and largely unrecorded.
Johann Sebastian Bach was a good, even an excellent violinist, though evident-
ly not a great virtuoso, and it was probably for one of the most talented violinists of
his time – Johann Georg Pisendel – that around 1720 he composed his Sonatas and
Partitas for solo violin, achieving a previously unimagined polyphonic complexity. The
two men had met in Leipzig in 1709: in the course of their meeting Pisendel presented
Bach with his Sonata in A minor, perhaps giving the cantor the idea of composing his
own sonatas, without Pisendel ever having any notion of the absolute masterworks he
had inspired. Pisendel was the celebrated Konzertmeister of the orchestra at Dresden,
at that time considered ‘the best in the world’, yet as a composer he left behind only a
small amount of music. That his name has passed into posterity is mainly thanks to the
many concertos and sonatas dedicated to him by Vivaldi (whose disciple he was, later
becoming his friend), as well as by Telemann and Albinoni.
At the opposite pole to Pisendel we have Georg Philipp Telemann, whose career is ex-
tremely well-known thanks to his three autobiographies, and who left a musical legacy
of incredible magnitude. There are about six thousand works attributed to him, covering
absolutely every genre, making him the most prolific composer of all time. He admitted
16
 EN
he had never been a ‘strong violin player’; even so, besides twelve fantasies for solo vi-
olin he composed no less than twenty-six solo violin concertos, with another fifteen for
two, three or four violins, showing the importance he attached to the instrument. The
Concerto in B flat major TWV 51 b1, one of the most complex and technically demanding
Telemann ever wrote, is among the works he dedicated to Pisendel in 1719 after their
meeting in Dresden, doubtless in recognition of Pisendel’s virtuosity.
A century later, Nicolo Paganini was to establish a unique synthesis of the combined
technical arsenal built up by his illustrious predecessors, the foremost of whom were
Locatelli, Leclair and Tartini. In drawing on that precious baroque heritage, Paganini
would advance the technique of violin-playing by such leaps and bounds that after him
it could scarcely evolve any further. This creative, heroic and flamboyant virtuosity would
have a determining influence on his contemporaries – not just the violinists – and even
more so on later composers. But that is another story.
February 2018

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DMITRY SINKOVSKY VIOLIN AND CONDUCTOR
Dmitry Sinkovsky, violinist, conductor, singer: an exceptionally rare meeting of Russian virtuosity and
Italian cantabilità with profound philological competence, flavoured by energy and romanticism. In
him, three musical disciplines dialoguing with a deep musical awareness and astonishing virtuosity
are the very seldom united conditions behind outstanding performances which are always a gift for
the audience, both live and in recordings.
Having won awards at the major European competitions, Dmitry began his brilliant career working
with the most prestigious early music ensembles, including Il Giardino Armonico, Il Complesso Baroc-
co, Musica Petropolitana and Accademia Bizantina.
As an associate artist, he has a special relationship with the Belgian ensemble B´Rock and enjoys a
long-term collaboration with Luca Pianca and his Ensemble Claudiana, as well as with the Helsinki
Baroque Orchestra.
In addition to his activity in Baroque music, Dmitry maintains his profile as a classical violinist and
conductor with a repertoire ranging from Mozart to Berg, from Beethoven to Bartók.
In the 2012/13 season Dmitry was introduced as conductor to a wide audience in Joyce DiDona-
to’s Drama Queens tour. Today he is much in demand, performing extensively in Europe, Russia,
Canada, Asia, Australia and the USA. In 2018 he was resident conductor of the Seattle Symphony Or-
chestra, and he is regularly invited by the Detroit Symphony Orchestra. Among the other orchestras
he has conducted are the Orquesta Nacional de España, Sinfonietta Riga, MusicaAeterna, Kremerata
Baltica, Orchestra Casa da Música Porto and Tallinn Chamber Orchestra. A passionate interpreter
of choral music, Dmitry works closely with Antiphonus Choir Zagreb. In December 2018 he enjoyed
great success conducting Handel’s Messiah in Seattle. He works with such artists as Alexei Lubimov,
Teodor Currentzis, Alexander Rudin, Dorothee Oberlinger, Andreas Scholl, Kristina Mhkitaryan, Chris-
tophe Coin, Martina Filjak and Skip Sempé.
In 2011 Dmitry founded his own orchestra on period instruments, La Voce Strumentale. The ensemble
has released two CDs on naïve, Vivaldi´s Four Seasons (2015) and Bach in Black (2017), and performs
at the major international festivals and concert halls. Critics have emphasised the unique sonority of
the splendid string section – each musician bringing his or her personality – and the great homoge-
neity of sound that overwhelms the audience.
In 2007 Dmitry decided to pursue his talent as a countertenor as well, under the guidance of Michael
Chance, Yana Ivanilova and Marie Daveluy.
Last season, he made his debut in the title role of Handel’s Lucio Silla at the Internationale Hän-
del-Festspiele Göttingen and at the Ludwigsburger Schlossfestspiele. In January 2019 he sang Rug-
giero in Vivaldi’s Orlando furioso with the Klaipėda Chamber Orchestra conducted by himself. He is
also a guest artist of the Bolshoi Theatre in Moscow.

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Highlights of 2019 include concerts with Julia Lezhneva and La Voce Strumentale (Zaryadaye Hall
and the Great Hall of the Conservatory in Moscow, Schleswig-Holstein Musikfestival, Kissinger Som-
mer, Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, Sion Festival), tours with B’Rock, and other concerts
worldwide, including Venice, Munich, Detroit, Seattle, Helsinki, Dubrovnik, Cologne, Budapest as well
as Beethoven´s Triple Concerto, and a Haydn-Mozart-Beethoven programme with Musica Viva in
Moscow featuring his regular stage partner Julia Lezhneva.
Together with the actors Elizaveta Boyarskaya and Anatoly Bely, since 2018 Dmitry has appeared on
tour in Russian-speaking countries as singer, violinist, and actor in 1926, a breathtaking performance
piece focusing on Pasternak, Tsvetaeva and Rilke, directed for the stage by Alla Damsker.
Among his many recordings are Vivaldi´s Concerti per violino V ‘Per Pisendel’ in naïve’s Vivaldi
Edition (Diapason d’Or), world premiere recordings of violin concertos by Tietz and Rosetti with the
Pratum Integrum Orchestra (Caro Mitis) which were highly praised by the musical press, and cham-
ber music CDs featuring Telemann trio sonatas with Erik Boosgraf (Berlin Classics) and Schumann’s
Fantasies and Fairy Tales with Aapo Häkkinen and others (Naxos).
Dmitry is a professor at the Moscow State Conservatory and artistic director of the Orlando Furioso
Festival in Dubrovnik. He studied the violin at the Moscow Conservatory under Alexander Kirov, and
conducting at the Zagreb Music Academy under Tomislav Fačini.
He plays a violin by Francesco Ruggeri (1675) loaned by the Jumpstart Jr. Foundation.

IL POMO D’ORO
Il Pomo d’Oro is an orchestra founded in the year 2012 with a special focus on opera, but equally
committed to instrumental performance in various formations. Its musicians are among the finest to
be found worldwide for authentic interpretation on period instruments. Il Pomo d’Oro is a frequent
guest at the leading concert halls in Europe (Wigmore Hall, Berlin Philharmonie, Théâtre des Champs-
Élysées among others) and in the 2018/19 season it is orchestra in residence at both the Barbican
Centre (London) and the Gulbenkian Foundation (Lisbon).
Already in 2012, Il Pomo d’Oro attracted the critics’ attention with its first recordings, featuring world-
class soloists such as the violinist Dmitry Sinkovsky and three different countertenors, Max Emanuel
Cenčić, Franco Fagioli and Xavier Sabata. Later on, Il Pomo d’Oro began its collaborations with the
American writer Donna Leon and the Swedish mezzo-soprano Ann Hallenberg, respectively with the
recordings Venetian Gondola (2013) and Agrippina Arias (2015). All of these releases won critical praise
and several awards. In 2015, a new recording of Arie Napoletane came out, starring the countertenor
Max Emanuel Cenčić with the conductor Maxim Emelyanychev, and featuring several world premiere
recordings from the undiscovered Neapolitan Baroque repertory. In the same year, Il Pomo d’Oro

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recorded Giovincello with young French cellist Edgar Moreau, which won an ECHO Klassik Award
in 2016. Later in the year, Il Pomo d’Oro started its collaboration with the Grammy Award-winning
American mezzo-soprano Joyce DiDonato – voted ‘Best Singer of the Year’ at ECHO Klassik 2017 –
with her solo recording In War and Peace, a programme that also toured in the USA and Europe.
The subsequent season has seen the orchestra involved in several recordings: Ann Hallenberg’s solo
album Carnevale 1729, Opera Prologues of the 17th century starring the young Italian soprano Franc-
esca Aspromonte and conducted by Enrico Onofri, and Franco Fagioli’s new recital album Handel
Arias, conducted by Zefira Valova.
Il Pomo d’Oro has been active in instrumental as well as operatic recording. It has also record-
ed Haydn concertos for violin (Riccardo Minasi), harpsichord (Maxim Emelyanychev) and horn
(Johannes Hinterholzer) and virtuoso violin concertos by Locatelli, Tartini and Pisendel with Dmitry
Sinkovsky as soloist. In 2018 Il Pomo d’Oro began its collaboration with the Japanese violinist Shun-
suke Sato, recording Bach violin concertos. The orchestra has also recorded five complete operas
starring world-class soloists: Handel’s Tamerlano, Vinci’s Catone in Utica (ECHO Klassik Award 2016),
Handel’s Partenope (featuring Karina Gauvin and Philippe Jaroussky), Handel’s Ottone, and a world
premiere recording of Stradella’s La Doriclea. A new recording of Handel’s Serse, with Franco Fagioli
in the title role and a stellar cast, concluded the 2017 season.
Il Pomo d’Oro began 2018 on tour with Franco Fagioli and his Handel Arias programme and playing
for the Paris debut recital of the young Polish countertenor Jakub Józef Orliński, followed by his first
solo recording, Anima Sacra. Later in the year, the orchestra collaborated with the soprano Emőke
Baráth and the conductor Francesco Corti in recordings showcasing the music of the Venetian com-
poser Barbara Strozzi. At the same time, it continued its concert activity with a concert performance
of Handel’s Arianna in Creta at the Händel Festpiele with Karina Gauvin in the title role, the Pergolesi
Stabat Mater conducted by Speranza Scappucci, and several concerts featuring Edgar Moreau and
Francesca Aspromonte.
The 2018/19 season saw Il Pomo d’Oro touring two Handel operas, Serse and Agrippina, followed by
a recording starring Joyce DiDonato. In addition, its season included a European tour showcasing the
music of Leonardo Vinci with Franco Fagioli (followed by a recording) and concerts with Shunske
Sato, Jakub Józef Orliński (with a new recording for issue soon) and Francesca Aspromonte. In addi-
tion, at the beginning of 2019 Il Pomo d’Oro toured Asia and the Middle East with Joyce DiDonato in
the programme In War and Peace.

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IL POMO D’ORO
discography

bach in black
Violin Concertos BWV 1052, BWV 1056 and BWV 1041,
arias ‘Erbarme dich’, ‘Es ist vollbracht’, ’Agnus Dei’ from Mass in B minor
With La Voce Strumentale

vivaldi
Le quattro stagioni,
arias ‘Cessate, omai cessate’, ‘Gelido in ogni vena’
With La Voce Strumentale

Concerti per violino V ‘Per Pisendel’

With Il Pomo d’Oro

Concerti per due violini e archi I

With Riccardo Minasi, Il Pomo d’Oro
RECORDED 1 - 6 SEPTEMBER 2016, VILLA SAN FERMO, LONIGO (ITALY)
PRODUCERS GESINE LÜBBEN AND GIULIO D’ALESSIO
SOUND ENGINEER, EDITING AND MIXING JEAN-DANIEL NOIR

RECORDING SYSTEM– PYRAMIX

MICROPHONES NEUMANN, DPA, SANKEN, SE ELECTRONICS, AKG
PREAMPLIFIER AND CONVERTER MERGING TECHNOLOGIES CUSTOMIZED
RECORDED AND EDITED USING PYRAMIX

NAÏVE CLASSIQUE PIERRE-ANTOINE DEVIC, AURÉLIA RIPPE, JOHANN AUDIFFREN

BOOKLET SUPERVISOR CLAIRE BOISTEAU
ARTWORK ÉLISE BELKAÏD

FRENCH TRANSLATION MICHEL CHASTEAU

ENGLISH TRANSLATION JOHN THORNLEY

WWW.IL-POMODORO.CH

COVER © MARCO BORGGREVE

INSIDE PHOTOS DMITRY SINKOVSKY © MARCO BORGGREVE ; IL POMO D’ORO © RIBALTA LUCE STUDIO

MADE IN FRANCE
OP 30576
3 2016 GESINE LÜBBEN, GIULIO D’ALESSIO & © 2019 NAÏVE, A LABEL OF BELIEVE GROUP
OP 30576