Art Appreciation Book Final Pub. 2018 1

Chapitre 1
Sciences humaines et appréciation de l’art : une introduction

« L'appréciation des œuvres d'art nécessite une
organisation
effort et étude systématique »
Dr Arbert C. Barnes
OBJECTIFS D'APPRENTISSAGE
A la fin de ce chapitre, les étudiants devraient être capables de :
1. comprendre l'importance des sciences humaines et de l'appréciation de l'art dans la vie de

chaque individu ;
2. acquérir une connaissance générale de la création et des fonctions des arts; et
3. reconnaître le but certain de l'art ainsi que sa classification et discuter de leurs
caractéristiques.
Tremplin
En guise d'activité préliminaire au sujet, l'enseignant posera aux élèves les questions
suivantes :
1. Vous considérez-vous comme une personne créative ? Si oui, pourquoi ? Si ce n’est pas
le cas, pourquoi pas ?
2. Êtes-vous plus créatif et plus productif lorsque vous vous sentez heureux ? Souffrez-vous
si vous ne l’êtes pas ?
3. Comment déterminer si un art particulier est une œuvre originale d’un artiste ?
4. Quel(s) talent(s) aimeriez-vous améliorer en tant que personne ? Pourquoi?
Saisir
Signification et importance des sciences humaines
E
tymologiquement , le terme « Humanités » vient d'un mot latin humanus qui signifie
instruit. Il fait référence à l'apprentissage d'arts tels que l'architecture, la danse, la
littérature, la musique, la peinture, le théâtre et la sculpture (Sanches, 2011). Ce sont
des branches de la connaissance qui se concentrent sur les opinions et les relations
humaines (Machlis, 2003). En tant que branche de l'apprentissage, l'œuvre d'art est considérée
comme l'objet matériel tandis que sa créativité et son appréciation sont l'objet formel (Menoy,
2009 & Marcos, et al., 2010).
De même, les sciences humaines se préoccupent davantage de la manière dont une personne
exprime ses sentiments. Ces sensations peuvent prendre la forme de manifestations faciales ou
Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 1

de mouvements corporels. Rire, pleurer, serrer les poings, courber les orteils, étendre les doigts
et croiser les bras sont des représentations des sciences humaines (Menoy, 2009).
En tant que branche du savoir, les sciences humaines explorent la condition humaine à l’aide
de méthodes analytiques, critiques ou théoriques. Ces méthodes se présentent sous la forme
d’idées et de mots qui contribuent à donner plus de sens à notre vie. De plus, les sciences
humaines peuvent également être une étude sur la manière dont un individu a documenté et traité
ses expériences, en particulier en matière de connexion avec les autres (Université de Stanford,
2016). La transmission des sciences humaines en tant que science académique est conçue pour
permettre à nos apprenants (en particulier les nouvelles générations) devenir des individus
créatifs et artistiques. Les sciences humaines aident les étudiants à se connecter avec la
communauté grâce à une exposition artistique comme des sorties dans des musées, des concerts,
des représentations théâtrales, etc. (Marcos, 2010).
Description de l’appréciation de l’art
Quand nous regardons autour de nous, nous voyons beaucoup de choses qui ont trait à l’art.
L’art peut prendre la forme de nombreux objets tels que des affiches, des peintures, des portraits,
des couvertures, etc. Les gens regardent l’art sous différentes idées sur lesquelles ils souhaitent
en savoir plus ou qu’ils étudient. L’art peut montrer des idées sur le passé, ce qui se passe
actuellement et ce qui pourrait arriver dans le futur. Cela peut également montrer du sens, de
l'amour, de l'ennui et de la créativité (Ramos, 2012). L’art peut avoir un sens en raison des
couleurs, des formes et des représentations qu’il peut créer.
L'appréciation de l'art est un moyen de motiver des idées et permet aux individus d'illustrer
leurs sentiments lorsqu'ils ont vu une œuvre d'art. Cela aide à développer des compétences de
réflexion critiques et innovantes et enseigne des qualités essentielles pour écouter, observer et
répondre à des points de vue multiples. Cela nécessite également une capacité à différencier ce
qui est apparent et ce qui ne l'est pas (Gargaro et Jilg, 2016 et Sanger, 2012).
La création des arts
Dans notre vie, nous vivons tellement de fragmentation de nos pensées et de nos sentiments.
Mais, en créant des arts, cela rassemble les choses. Nous créons simplement de l’art pour de
nombreuses raisons et nous apprécions le processus.
Le mot « art » vient du latin arti , qui signifie savoir-faire, inventivité, maîtrise de la forme,
savoir-faire. Cela comprend la littérature, la musique, la peinture, la photographie, la sculpture,
etc. Il sert de registre original des besoins et des réalisations humaines. Il fait généralement
référence aux soi-disant « beaux-arts » (par exemple, le graphisme, les plastiques et le bâtiment)
et aux soi-disant « arts mineurs » (arts quotidiens, utiles, appliqués et décoratifs). C'est le
processus d'utilisation de nos sens et de nos émotions pour réaliser des activités créatives
(Marcos, 2010). C'est une capacité humaine à rendre les choses belles (par exemple, les
bâtiments, l'illustration, le design, la peinture, la sculpture et la photographie) grâce à la
production de son imagination en fonction de la préparation, du thème, du médium et des valeurs
utilisées.

Il est important de noter que le mot artiste vient du mot français artiste et de l'espagnol
artista , qui signifie « interprète ». C'est quelqu'un qui crée de l'art qui n'est que des métiers et
des professions par lesquels différentes personnes gagnent leur vie (Goines, 2004).
L'artiste fait le plus souvent référence à ceux qui créent dans un contexte des beaux-arts tels
que le théâtre, la danse, le dessin, la réalisation de films, la peinture, la sculpture, l'écriture, la
photographie et la musique. Ce sont ceux qui utilisent leur imagination et leur habileté à
construire des œuvres pouvant être considérées comme ayant une importance esthétique. La
créativité est une caractéristique d'un artiste qui a progressé au cours de sa vie pour exprimer ses
sentiments. Ceux-ci sont tous traités en trois phases importantes à savoir : Création des
formulaires ; Création d'idées ; et Création des matériaux (Sanchez, 2011).
a. Les Créations d'idées . Les artistes sont généralement des personnes impressionnables.
Ils ont utilisé leurs expériences comme base pour créer une danse, un tableau, un poème,
une pièce de théâtre ou une chanson. Par exemple, un compositeur peut écrire une
chanson sur la romance naissante entre un homme et une femme, ou sur les douleurs d'un
cœur brisé.
b. Les créations des matériaux . L'artiste utilise différents matériaux ou médiums pour
donner forme à une idée. Par exemple, un peintre utilise des pigments ; un sculpteur
utilise du bois, du métal ou de la pierre ; un auteur utilise des mots ; et un compositeur
qui utilise des sons musicaux pour déterminer les notes.
c. Les créations de formes . Les artistes utilisent diverses formes pour exprimer leurs idées.
C'est un moyen d'expression artistique reconnu comme les beaux-arts. Cette forme est
utilisée pour expliquer la nature physique de l'œuvre d'art comme dans une sculpture en
métal, une peinture à l'huile, etc.
Fonctions des arts
Depuis le tout début, les arts font partie de l’histoire de l’humanité. Il décrit, définit et
approfondit l'expérience humaine. À l’époque préhistorique par exemple, les peuples
exécutaient des chants et des danses pour satisfaire leurs ancêtres. De même, les chasseurs
effleuraient différentes figures sur les parois des grottes pour représenter leurs expériences
quotidiennes. Les arts remplissent également plusieurs fonctions qui sont liées à leur objectif
(Menoy, 2009), à savoir :
1. Fonction individuelle - Les artistes exercent des arts en raison de la passion de leurs
formes d'art respectives. Un chanteur présente un concert gratuitement en raison de son
engagement et de son amour du chant. Par exemple, Regine Velaquez (l'oiseau chanteur
d'Asie) est connue pour sa vaste gamme vocale.
2. Fonction sociale - L'homme s'associe aux autres à travers ses performances artistiques
qui éveillent la conscience sociale. Des exemples de cette association sont le chant
choral, la danse de groupe, les expositions d'art public et d'autres pratiques.

3. Fonctions économiques – Les arts émergent comme une force puissante dans la vie
économique des gens et assument un rôle essentiel en tant que contributeur direct et
indirect aux économies des États. Un exemple en est la génération de vitalité
économique dans les régions sous-performantes grâce à l’artisanat, au tourisme et aux
attractions culturelles.
4. Fonctions politiques – L'art offre un forum pour les idées qui mèneront à l'emploi, au
prestige, au statut et au pouvoir. Pendant la période électorale, par exemple, les candidats
ont créé leurs œuvres d'art (affiches) qui expriment leur propagande, leurs programmes et
leurs opinions politiques sur la création d'une société stable.
5. Fonctions historiques - L'art est une technique essentielle pour l'enregistrement et la

préservation des informations. Il sert à documenter ou à reconstituer des personnages et
des événements historiques. La plupart des œuvres d'art exposées dans les musées, par
exemple, sont remplies d'histoires étonnantes sur les personnes les plus excellentes et les
plus créatives du monde qui nous ont apporté ces trésors. En examinant les couleurs, les
matériaux et le symbolisme d'une œuvre d'art, nous pouvons en apprendre davantage sur
l'histoire et la culture qui l'ont produite dans le passé.
6. Fonctions culturelles - L'art est l'articulation et la transmission de nouvelles informations

et valeurs. Par exemple, quand vous pensez à Manille, vous pensez probablement au Fort
Santiago, au parc Luneta et à ses églises de renommée mondiale, ou encore au célèbre
Intramuros.
7. Fonctions physiques - Les bâtiments sont conçus et construits de manière artistique pour
protéger leurs occupants et donner plus de sens à leur vie à l'intérieur. Les architectes, les
designers industriels et graphiques et les décorateurs d'intérieur partagent la
responsabilité de créer un environnement de construction qui équilibre les formes et les
fonctions.
8. Fonctions esthétiques : toute œuvre d'art est synonyme de beauté. C’est un piquant visuel
pour les intérieurs gracieusement décorés et peut faire ressortir les caractéristiques les
plus élégantes de différents éléments de décoration. Il reproduit raisonnablement des
images visuelles qui communiquent à travers des convictions fantastiques et des mots
significatifs.
But de l'art
La créativité ou l'imagination est la base première de l'art. L'art est créé lorsqu'un artiste
produit une expérience stimulante qui est considérée par son public comme ayant une valeur
artistique. L'œuvre d'art est l'expression visuelle d'une idée ou d'une expérience d'un artiste, à
travers l'utilisation d'un médium (Frank, 2011). Il permet l'expression de l'individualité de
l'artiste. Grâce à des efforts artistiques, nous pouvons partager ce qui est important pour nous

avec les autres et découvrir les valeurs et les sentiments de ceux qui partagent l’art avec nous.
Certains objectifs de l'art sont les suivants (Marcos et al., 2011).
1. Créer de la beauté – L’art est une expression de nos pensées, émotions et intuitions. Il
s’agit de la communication de concepts qui ne peuvent être fidèlement représentés par les
seuls mots. L'Artiste a considéré la nature comme l'étalon de la beauté. L'exemple de la
beauté peut être une scène de montagne enneigée, et l'art est la photographie montrée à la
famille.
2. Fournir une décoration – Les œuvres d’art sont utilisées pour créer un environnement
agréable. Il est destiné à embellir les choses pour plaire et amuser les spectateurs à travers
ses couleurs et ses motifs.
3. Révéler la vérité - Les œuvres d'art ont aidé à rechercher la vérité et ont tenté de révéler le
fonctionnement du monde. C'est une sorte de langage qui permet aux artistes d'envoyer
un message à l'âme des destinataires qui les aide à changer leurs attitudes, leur sensibilité
et leur éthique.
4. Exprimer des valeurs – Les arts peuvent éclairer notre vie intérieure et enrichir notre
monde émotionnel. Grâce aux arts, l'artiste sera encouragé à développer sa créativité, ses
défis et ses compétences en communication. Cela favorise également l’estime de soi et le
bien-être.
6. Commémorer l'expérience - L'art sert à transmettre les expériences personnelles d'un
artiste et à enregistrer son impression dans son travail.
7. Créer de l'harmonie – Un artiste utilise la composition pour mettre de l'ordre dans le
contenu diversifié de son œuvre.
Classifications de l'art
De nombreux changements dans les arts ont eu lieu au début de la période moderne. Sa
classification peut porter sur de nombreuses caractéristiques, notamment la forme, la fonction,
l'utilisation ou le contexte social. Les œuvres d'art sont classées de différentes manières, à
savoir :
1. Arts visuels – Ces arts sont les formes qui créent des œuvres principalement visuelles
(formes perçues par les yeux). L'homme peut prendre la beauté de la nature à travers un
morceau de papier afin que d'autres personnes puissent prendre le temps d'apprécier
l'image capturée. Des exemples de ces arts comprennent :
a. Peinture - Cette forme d'art visuel vise à évoquer une émotion chez les spectateurs. Il
s'agit d'une pratique consistant à appliquer des couleurs ou d'autres supports sur une
surface avec un pinceau ou d'autres objets.
b. Sculpture - Cette forme d'arts visuels caractérisée comme l'art de représenter des
objets imaginés ou observés dans des matériaux durs tels que le verre, les métaux ou
le bois en trois dimensions.
c. Architecture - Cette forme d'art nous fournit la structure physique dans laquelle nous
vivons. C’est une expression profonde de la culture humaine à une époque
particulière, et elle perdurera et nous survivra sous la forme de monuments que les
générations futures étudieront et s’efforceront de comprendre.

d. Dessin - Cette forme d'art améliore la façon dont nous voyons le monde qui nous
entoure et nous conditionne à capturer ses détails dans un support bidimensionnel.
Cela a été un élément essentiel de l’art à travers l’histoire et dans le monde de l’art
contemporain.
e. Photographie - Cette forme d'art est un processus de création de portraits en
enregistrant des rayonnements sur un support sensible aux rayonnements, tel que des
capteurs d'images électroniques ou des films photographiques.
2. Arts du spectacle – Ces arts sont les formes dans lesquelles les artistes utilisent leur
propre corps, leur visage et leur présence comme médium. Des exemples de ces arts sont
les suivants :
un. Théâtre (Drame) - Cette forme d'art utilise des artistes pour présenter l'expérience
d'un événement réel ou imaginaire devant un public en direct dans un lieu et une heure
spécifiques.
b. Musique - Cette forme d'art aide à exprimer notre humeur et à ressentir nos émotions et
nos idées. D'après une étude, différents types de musique peuvent convenir à
différentes ambiances, même si la musique classique reste recommandée comme
option musicale la plus apaisante.
c. Danse - Cette forme d'art s'exprime à travers des mouvements corporels qui impliquent
une interaction sociale, ou présentée dans un cadre spirituel ou de performance.
d. Film - Cette forme d'art nous permet d'explorer les complexités de la situation
humaine. Ceci est utilisé pour développer nos émotions, pour donner vie à l’histoire,
pour expliquer la science et pour donner vie aux œuvres littéraires.
e. Art de l'installation - La nature fondamentale de cette forme d'art est la participation
des spectateurs. Dans cette œuvre d’art, les spectateurs deviennent actifs et naviguent
dans l’œuvre dans un environnement qu’ils peuvent expérimenter visuellement. Il a
également la capacité de transmettre des informations particulières sur tout événement
marquant dans le monde et de représenter de manière interactive des problématiques
documentaires.
F. Opéra – Cette forme d'art permet de raconter des histoires à travers la musique. Ceci
est également interprété avec un orchestre complet composé des différentes sections
d'instruments de musique. Dans cette forme d'art, les chanteurs et les musiciens
interprètent une œuvre dramatique en combinant un texte (appelé livret ) et une
partition musicale.
g. Stagecraft - Cette forme d'art est un aspect technique de la production théâtrale. Cela
comprend la construction et l'agencement des décors, l'accrochage et la mise au point
de l'éclairage, la conception des costumes, le maquillage et l'achat d'accessoires, la
gestion de scène ainsi que l'enregistrement et le mixage du son.
3. Arts littéraires - Ces arts étaient centrés sur l'écriture créative et d'autres processus de
composition destinés à lire. Ceux-ci incluent la prose et la poésie (par exemple, les
romans, les nouvelles, les sonnets, les ballades, les épopées et les essais).
La valeur des arts dans le système éducatif

La connaissance et la pratique des disciplines artistiques sont fondamentales pour le
développement de l'esprit et de l'esprit des étudiants (National Art Education Association, 1994).
Les arts sont indissociables de l'éducation. Lorsque les premiers humains dessinaient des images
sur les parois des grottes, les œuvres d’art étaient un moyen d’enregistrer les expériences
humaines et de donner un sens au monde. Cela nous renseigne sur la façon dont les premiers
hommes vivaient et survivaient. Ainsi, sans compétences artistiques, personne ne peut prétendre
avoir une formation professionnelle.
Il existe plusieurs raisons pour lesquelles les arts doivent être inclus dans un système
éducatif. Il est évident que l’implication dans les arts aide les étudiants dans leur développement
académique, personnel et social. Vous trouverez ci-dessous d’autres détails sur cette affirmation.
1. Les arts valent la peine d’être étudiés car ils servent à relier notre imagination aux
questions les plus profondes de l’existence humaine.
2. Les arts sont toujours utilisés parce qu’ils aident à présenter des problèmes et des idées
pour enseigner, persuader et divertir les gens.
3. Les arts font partie intégrante de la vie quotidienne de chaque personne car ils
contribuent à façonner notre environnement spirituel, politique, économique, culturel et
social.
4. Les arts sont rafraîchissants car ils offrent des sources uniques de plaisir et étudient les
relations entre la pensée et les actions.
5. Les arts développent les attitudes des élèves car ils enseignent l'autodiscipline, renforcent
l'estime de soi, favorisent les capacités de réflexion et de créativité et valorisent l'importance
du travail d'équipe et de la coopération.
Activités de classe
a. Coups musicaux
1. Divisez la classe en quatre groupes et discutez de la façon dont la musique peut évoquer
des sentiments à travers l’art.
2. Laissez les élèves écouter une mélodie particulière. Demandez quels sentiments les
élèves pensent que le musicien essayait de transmettre. Demandez-leur de dessiner ou
d’esquisser sur un papier les émotions qu’ils entendent dans la musique. Laissez-les
choisir différentes couleurs dans la création de leur art et expliquez pourquoi les élèves
ont fait ces choix.
3. En classe, laissez les élèves partager leurs œuvres. Il est intéressant de voir comment les
élèves perçoivent le sens de la musique et comment ils expriment leurs sentiments dans
l'art.

b. Slogans artistiques accrocheurs et créatifs
Les Art-Slogans sont de puissants outils marketing qui peuvent motiver vos clients à
soutenir votre marque. Il s'agit d'un slogan ou d'une expression publicitaire que les annonceurs
créent pour exprimer visuellement l'importance et les avantages de leur produit.
Laissez les élèves faire leur art créatif pour la publicité. Laissez-les utiliser une taille de
carton ou de carton pour créer le slogan artistique. Vous trouverez ci-dessous des exemples de
slogans accrocheurs de produit/entreprise :
Choisissez l’un des slogans suivants répertoriés ci-dessous et créez-en un logo artistique.
1. Addidas - « Rien d'impossible »

2. Disneyland - "L'endroit le plus heureux sur Terre"
3. IBM - « Solution pour une petite planète »
4. FedEx Corporation - « Quand il n'y a pas de lendemain. »
5. Volkswagen - « Pensez petit »
6. Canon EOS - « Ce que nous voulons dire, c'est ce que vous voyez »
7. Nikon - « Au cœur de l'image »
8. Energizer - "Continuez, continuez et continuez"
9. Diesel Jeans - « Soyez stupide »
10. Jaguar - « Grâce, espace, rythme »
11. AT&T - « Tendez la main et touchez quelqu'un »
12. m&m - « Fond dans la bouche, pas dans les mains »
13. Coca-Cola - « Rafraîchissement à bouchon tournant »
14. Visa - « C'est partout où vous voulez »
15. Burger King – « Faites comme vous le souhaitez »
16. Kentucky Fried Chicken (KFC) – « C'est bon de se lécher les doigts »
17. Sony - « Connecter les gens »
18. NOKIA – « Connecter les gens »
19. Nike - « fais-le »
20. Poinçon : « Quand vous vous souciez suffisamment d'envoyer le meilleur »

TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Essai : Répondez aux questions suivantes ci-dessous brièvement mais précisément.
1. Vous considérez-vous comme un artiste ? Justifiez votre réponse.

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___________________________________________________________________
___________________________________________________________________

2. Quelle est l’importance des Sciences Humaines en tant que science de l’Art ?
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____________________________________________________________________
____________________________________________________________________
3. Comment une œuvre d’art est-elle réalisée par un artiste ? Discutez du processus de
production.
_____________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
4. À laquelle des catégories d’art suivantes (visuel, du spectacle, littéraire) pensez-vous

appartenir ? Pourquoi?
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______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
5. Pourquoi l’art est-il également qualifié de « Haute Culture » ?

______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
______________________________________________________________________
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Type de correspondance : Faites correspondre la colonne A avec la colonne B. Écrivez la lettre

de la bonne réponse dans la case prévue avant chaque élément.
Colonne A Colonne B
1. C'est le processus d'agencement des éléments de manière àa. Pierre

ce que vous puissiez utiliser vos sens et vos émotions.
2. Une science qui s'intéresse à la pensée, aux sentiments et b. Création d'idées
aux relations humaines.
3. Il est composé de minéraux et peut être divisé en types de c. Culturel
matériaux en fonction de leur formation.
4. C'est un trait de caractère qu'un artiste s'est développé au d. La photographie
cours de sa vie pour exprimer ses sentiments.
5. Cela signifie « savoir-faire ». e. Création de matériaux
6. Il s’agit d’une personne qui s’est engagée dans une ou F. Sculpture
plusieurs activités parmi un large éventail d’activités liées à la
création artistique.
7. Un processus artistique dans lequel un peintre peint un g. Création de formulaires
tableau à partir d’une scène où la plupart des gens ne pensent
pas que la beauté existe.
8. Une phase de création artistique dans laquelle l'artiste h. La créativité
utilise des matériaux pour donner forme à son idée.
9. C'est un moyen de communication avec l'inconnu créé etje. Sciences humaines
utilisé par les peuples anciens.
10. C'est là que les artistes ont développé différentes formes j. Danse
pour exprimer les idées sur lesquelles ils travaillent.
11. C'est un type d'art qui marque un médium bidimensionnel. k. Artiste
12. C'est un type d'art qui signifie une œuvre d'art en trois l. Dessin
dimensions.
13. C'est une forme d'art de mouvement rythmique du corps. m. Arti
14. Une fonction de l'art qui exprime des idées et des valeurs. n. Adoration
15. C'est un art de créer des images en enregistrant des o. Art
rayonnements sur un support sensible aux rayonnements.
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Évaluation : Dans vos propres mots, discutez brièvement des concepts suivants répertoriés ci-
dessous.

1. Sciences humaines
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________
2. Art
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
3. Stagecraft
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________
4. Création artistique
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________
5. Objet de l’art
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________
6. L'art visuel
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
7. Arts performants
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
8. Arts littéraires
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________
9. Éducation artistique
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
10. Arts créatifs

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
Chapitre 2
Arts et métiers esthétiques

« Le beau est dans la nature et on le rencontre dans les
formes les plus diverses de la réalité. Une fois trouvé, il
appartient à l’art, ou plutôt à l’artiste qui le découvre.
-Gustave Courbet
1. expliquer la différence entre les arts esthétiques et l’artisanat ;

2. identifier les types d'arts et d'artisanat ;
3. discuter des principes de compréhension de la composition artistique ; et
4. énumérer les fonctions motivées de l'art.
suivantes :
1. Quelle est la relation entre l’Art et l’Artisanat ?

2. L’Art est-il le reflet de nos valeurs ? Soutenez votre réponse.
3. La compétence artistique est-elle acquise ou naturelle ?
4. Pourquoi l’Art est-il considéré comme « un personnage distinct et un reflet de la société »
?
5. Selon vous, quels sont les matériaux nécessaires à la création d’une œuvre d’art
fonctionnelle ? Expliquer.
Saisir
La différence entre les arts esthétiques et l’artisanat
U
l'esthétique vient du mot grec eisthesis qui signifie « perception ». Il s'agit d'une
branche de la philosophie consacrée à l'étude de l'art et de la beauté utilisée au XVIIIe
siècle par Alexander Baumgarten, philosophe allemand. Ce terme fait également
référence aux principes régissant la nature et l'appréciation de la beauté, notamment
dans les arts visuels (Rader, 1979).
D’un autre côté, le terme « artisanat » vient d’un mot allemand Kraft qui signifie « pouvoir »
ou « capacité ». Il est généralement employé dans les branches des arts décoratifs ou dans la
pratique artistique associée. Cela implique également l’application de compétences humaines à
travers l’utilisation d’une main. Il tend à produire des choses à des fins humaines diverses et à
exhiber leur beauté autour d’un but extérieur à l’objet lui-même (Dutton, 1990).
Les arts et l'artisanat ont débuté au 19 e siècle en Europe sous la forme d'une réforme du
design et d'un mouvement social motivé par William Morris. Cela implique des activités liées à

la fabrication d’objets qui nécessitent une combinaison de compétences, de rapidité et de
patience.
William Morris, né le 24 mars 1834 à Walthamstow, en Angleterre,

était connu pour ses motifs, notamment sur les tissus et les papiers
peints. En tant que partisan des idéaux socialistes, Morris pensait qu'un
designer devait avoir les compétences de n'importe quel média pour
produire des dessins mêlant des motifs complexes de fruits, de fleurs et
de feuillages. Il est décédé le 3 octobre 1896 à l'âge de 62 ans à Londres,
en Angleterre.
Types d'arts et d'artisanat
Les artistes peuvent avoir des compétences et des capacités de Figure 1. William Morris (1834-1896)
perception uniques, mais ce sont aussi des personnes qui ont des besoins
et la motivation nécessaire pour y répondre. Créer différentes œuvres d'art acceptées par le
public peut conduire à l'acceptation et à la reconnaissance sociale d'un artiste. Leurs œuvres d'art
ont été utilisées pour créer des environnements agréables. Les arts et métiers ont différents
types, à savoir : le bois textile, le métal, le papier ou la toile, et l'artisanat végétal.
Artisanat textile . Le mot textile vient d'une expression latine texere qui signifie « tresser »
ou « construire ». Ceux-ci font également référence à tout métier dans lequel vous travaillez
avec du tissu, du fil ou du design de surface. Il utilise des fibres végétales ou synthétiques pour
créer des objets pratiques ou décoratifs. Ceux-ci incluent les éléments suivants :
1. Point de croix – Le point de croix peut également être une forme de soulagement naturel
de la douleur. Il s'agit d'une forme populaire de broderie à fils comptés dans laquelle des
points en forme de X dans un motif carrelé ressemblant à une trame sont utilisés pour
former une image.
2. Crocket - Il s'agit d'un processus de création de tissu à partir de fils, de fils ou d'autres
brins de matériaux à l'aide d'un crochet.
3. Couture - Il s'agit de l'artisanat consistant à attacher ou à attacher des objets à l'aide de
points réalisés avec une aiguille et du fil.
4. Tissage - Il s'agit d'une méthode de production de tissus dans laquelle les fils sont
entrelacés à angle droit pour former un tissu ou un tissu.
5. Frivolité - Il s'agit d'une technique de fabrication artisanale, en particulier de dentelle
durable construite par une série de nœuds et de boucles.
6. Fabrication de chaussures - C'est le processus de fabrication de chaussures.
7. Dentelle- C'est un tissu ajouré, motif de trous ouverts dans l'ouvrage, réalisé à la machine
ou à la main.
8. Macramé – C'est une forme de fabrication textile qui nécessite très peu d'outils et juste
quelques connaissances pures en matière de nouage de base.
9. Chapellerie – C'est la conception et la fabrication de chapeaux.
10. String art – Il s’agit d’un arrangement de fils colorés enfilés entre des points pour
former un dessin géométrique abstrait.

Artisanat du bois. Ceux-ci font référence à une compétence liée aux bois, notamment pour
se frayer un chemin à travers les bois ou pour chasser, piéger, etc. Cela concerne également les
modes de vie de subsistance avec des implications de chasse-cueillette (Horace, 1906). Ceux-ci
incluent les éléments suivants :
1. Menuiserie- Il s'agit d'un métier spécialisé dans la découpe, le façonnage et l'installation

de matériaux de construction lors de la construction de bâtiments.
2. Marqueterie - C'est l'art et l'artisanat consistant à appliquer des morceaux de placage
(fines tranches de bois) sur une structure pour former des motifs décoratifs.
3. Tournage sur bois – C’est une forme de travail du bois utilisée pour créer des objets en
bois.
4. Sculpture sur bois - C'est une forme de travail du bois consistant à former une figurine
ou des objets en bois à l'aide d'un couteau ou d'un ciseau.
5. Armoires - C'est une compétence consistant à fabriquer un meuble en forme de boîte
avec des portes et des tiroirs pour ranger divers objets.
6. Rembourrage - C'est le travail de construction de coussins et de meubles de couverture.
Artisanat en métal . Ceux-ci font référence à l’art d’exécuter des conceptions artistiques en
métal à des fins à la fois pratiques et esthétiques. Ces arts sont conçus pour des objets décoratifs
ou des objets fonctionnels qui nous sont bénéfiques et utiles à tous. Ces ouvrages sont en bronze,
en argent, en or, en étain, en cuivre, en plomb, en laiton et en fer. Ceux-ci incluent les éléments
suivants :
1. Bijoux- C'est une forme de parures personnelles, telles que des broches, des bagues, des
colliers, boucles d'oreilles et bracelets.
2. Coulée de métal - Il s'agit d'un processus par lequel un matériau liquide (bronze, cuivre,
verre, aluminium et fer) est versé dans un moule contenant une cavité creuse de la forme
souhaitée, puis laissé se solidifier.
3. Sculpture soudée - C'est une forme d'art dans laquelle la statue est réalisée à l'aide de
techniques de soudage.
Artisanat en papier ou en toile . Il fait référence à un tissu uni extrêmement durable utilisé pour
fabriquer des sacs à dos, des tentes, des chapiteaux et d'autres articles durables. Ceux-ci incluent
les éléments suivants :
1. Reliure – Il s’agit du processus d’assemblage physique d’un livre à partir de feuilles de

papier pliées ou dépliées ou d’un autre matériau.
2. Fabrication de cartes – Il s’agit d’une technique artisanale pour produire des cartes de
vœux.
3. Collage - C'est une technique où l'œuvre d'art est réalisée à partir d'un assemblage de
différentes formes, créant ainsi un nouvel ensemble.
4. Origami – C'est un art culturel japonais du pliage du papier.
5. Papier mâché - Il s'agit d'un matériau composite constitué de morceaux de papier ou de
pâte, parfois renforcés de textiles, liés par un adhésif.
6. Scrapbooking – Il s’agit d’une méthode permettant d’organiser, de préserver et de
présenter l’histoire personnelle et familiale sous forme de livre.

7. Estampage en caoutchouc - Il s'agit d'un artisanat dans lequel un certain type d'encre
composée d'un colorant ou d'un pigment est appliqué sur une image ou un motif sculpté,
moulé, gravé au laser ou vulcanisé sur une feuille de caoutchouc.
Artisanat de plantes – Il s’agit de compétences utilisant des parties de plantes comme support.
Ceux-ci incluent les éléments suivants :
1. Fabrication de chariots de maïs – Il s'agit de la fabrication de formes et de figures

(appelées « chariots ») à partir de paille (comme l'orge, l'avoine et le blé).
2 . Design floral – C’est l’art d’utiliser des matières végétales et des fleurs pour créer une
composition agréable et équilibrée.
3. Artisanat de fleurs pressées – consiste à sécher des pétales de fleurs et des feuilles dans
une presse à fleurs pour les aplatir et exclure la lumière et l'humidité.
Principes de compréhension de la conception et de la composition artistiques
Les principes artistiques sont créés en combinant des éléments artistiques. Les artistes
utilisent des principes d'organisation pour développer des formes qui informent. Parmi les
principes fondamentaux de l’art figurent l’harmonie, la variété, l’équilibre, le mouvement,
l’emphase, la proportion et le rythme . Qu'il s'agisse d'analyser ou de composer une œuvre d'art,
il faut avoir une compréhension complète de la façon dont les principes de l'art sont créés (Elsen,
1981).
Le principe d'harmonie . Lorsque tous les éléments de l’art interagissent bien dans une œuvre
d’art, l’harmonie visuelle est atteinte. Ceci est accompli en utilisant des types similaires de
formes géométriques, de lignes ou de couleurs dans une œuvre d'art pour créer une composition
unifiée. De même, utiliser diverses couleurs froides ou chaudes contribuerait à produire une
œuvre d’art harmonieuse.
Le principe de variété . Une composition stable démontrera également le principe de variété.

Cela se fait en utilisant différentes couleurs, lignes et formes dans une œuvre d’art pour faire
ressortir les zones clés. Les artistes peuvent utiliser cette idée pour diriger le regard du
spectateur vers un endroit de l'art qu'il souhaite mettre en valeur.
Le principe de l'équilibre . Il fait référence à la symétrie des forces visuelles opposées. Il est
créé dans une œuvre d’art lorsque les couleurs, les formes ou les textures se combinent
harmonieusement.
Le principe du mouvement . C'est la façon dont un œil se déplace à travers une œuvre d'art.
Dans cette œuvre d'art, notre œil remonte à travers le motif de la surface ondulante de l'eau
jusqu'aux deux pagayeurs. Un artiste crée un mouvement visuel pour diriger le regard vers le
point central de l’œuvre d’art.
Principe d'accentuation . Cela fait référence à la nécessité pour un artiste de créer un point focal
au sein d’une œuvre d’art. Ce point artistique est une partie essentielle d'une œuvre d'art et le
regard du spectateur doit être attiré vers cette zone.

Principes de proportion . Ce principe est créé lorsque les tailles des éléments d’une œuvre d’art
sont combinées harmonieusement. L'artiste essaie généralement de faire en sorte que toutes les
parties d'une composition soient liées logiquement les unes aux autres pour représenter la forme
humaine dans les proportions appropriées.
Principe du rythme . Il fait référence à l’utilisation d’un motif visuel dans une œuvre d’art. Les
modèles d'une œuvre d'art sont créés en répétant certaines couleurs, lignes ou formes dans des
zones spécifiques. Il peut également être utilisé pour former diverses textures au sein d’une
œuvre d’art.
Fonctions motivées de l'art
Les objectifs motivés de l’art sont des actions intentionnelles et conscientes de la part de
l’artiste. L'art peut apporter un changement politique ou commenter la vie dans une société. Il
peut également véhiculer une propagande spécifique, ou simplement comme une forme de
communication (Holly, 2002). Les principales fonctions motivées des arts sont les suivantes :
a. L'art pour jouer. L'art peut chercher à susciter une certaine émotion, à détendre ou à
divertir le spectateur.
b. L'art pour guérir . L'art est utilisé par les art-thérapeutes, les psychothérapeutes et les
psychologues cliniciens comme art-thérapie. Le produit final est une méthode de
guérison, à travers des actes créatifs.
c. L'art pour le changement politique. L’une des fonctions essentielles de l’art du début du
XXe siècle a été d’utiliser des images visuelles pour provoquer des modifications
législatives.
d. Art pour la propagande (Commercialisme ). L’art est utilisé pour influencer
délicatement les idées ou les humeurs populaires.
e. L'art pour communiquer . L'art a un but, dirigé vers un autre individu. Par exemple, le
graphisme est une forme d’art de communication dans laquelle l’artiste exprime ses
émotions, ses sentiments et ses humeurs.
_____________________
a. Spectacle de talents
Dans cette exposition, les élèves découvriront plusieurs activités créatives et réfléchiront à la
manière dont l'art peut être utilisé comme forme de communication et comme moyen d'exprimer
ses pensées et ses sentiments.
Consignes :

1. Préparez les élèves à mettre en valeur leurs talents (soit en danse, en chant, en poésie ou dans
tout ce à quoi ils peuvent penser). Les concours de talents visent à montrer quelque chose
dont les étudiants sont fiers.
2. Dites aux élèves que la présentation des talents peut se faire individuellement, en binôme ou
en groupe.
3. Offrez un rôle alternatif à ceux qui ne souhaitent pas jouer, comme être responsable de la
musique et des effets sonores, être annonceur ou accessoiriste.
3. Donnez-leur suffisamment de temps pour la répétition. Préparez la musique et les accessoires
si nécessaire. Établissez des règles concernant les costumes appropriés si nécessaire.
4. Présentez chaque artiste et son talent par leur nom avant de monter sur scène. Si les élèves
jouent le rôle d’annonceurs, aidez-les autant que possible.
Remarque : L'enseignant doit préparer des discussions de suivi avec les élèves lors de la
prochaine réunion .
Questions guides pour la discussion et le partage :
1. Qu’avez-vous ressenti en jouant sur scène ? Qu'est-ce qui s'est bien passé?
2. Le spectacle de talents vous a-t-il fait du bien ? Pourquoi et pourquoi pas ?
3. Que feriez-vous différemment la prochaine fois ? Seriez-vous prêt à jouer à nouveau ?
4. Quel était le rôle de votre rôle dans l'émission de talents que vous préférez ?
5. Qu'avez-vous appris en participant au concours de talents ?
_____________________
b. Ouvrages d'art
Laissez les élèves apporter à la classe n’importe quelle œuvre d’art (comme la peinture, le
dessin, la composition littéraire, la sculpture et autres) et demandez-leur d’expliquer en quoi
consiste cet art. En classe, discutez de l’importance du talent dans la vie de chaque être humain.
__________________
c. Artisanat de fleurs pressées
Matériaux nécessaires
1. Cure-dents
2. Colle à bois
3. Récipient pour contenir la colle
4. Fleurs pressées (toutes presses séchées à l'air faites maison ou achetées ; presses à micro-
ondes ; ou méthode traditionnelle de pressage dans les livres)

Instructions
1. Disposez les fleurs pressées sur le papier, mais ne collez rien.

2. Versez une petite quantité de colle dans un plat ou un récipient peu profond pour un accès
facile.
3. Commencez à coller les fleurs sur la couche inférieure de la composition.
4. Retournez la fleur pressée de manière à ce que la colle soit vers le bas et placez délicatement
la fleur sur le papier.
5. Appliquez une pression sur la fleur et maintenez pendant quelques secondes. Répétez le
processus jusqu'à ce que toutes les fleurs soient fixées.
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Essai : Répondez brièvement aux questions suivantes.
1. Tous les arts expriment-ils la beauté ? Justifiez votre réponse.

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2. Quand peut-on dire qu’un artisanat est réalisé grâce à l’application de l’intelligence humaine ?
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3. Comment l'Art et l'Artisanat sont nés au 19ème siècle ? Expliquer.

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4. Devons-nous suivre une scolarité formelle pour devenir un artiste professionnel ? Pourquoi ou
pourquoi pas?
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5. Quelle est la contribution de William Morris dans le domaine des arts et de l’artisanat ?
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TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Identification : Identifiez les questions suivantes dans la colonne B. Écrivez votre réponse dans
l'espace prévu sous la colonne A.
Colonne A Colonne B
1. C'était un philosophe allemand qui a utilisé pour la première fois le
mot « esthétique » au XVIIIe siècle en Europe.
2. Il a développé les Arts and Crafts en tant que réforme du design et
mouvement social au cours du 19 e siècle.
3. Il fait référence à l'utilisation de la répétition visuelle au sein d'une
œuvre d'art.
4. C'est le processus de fabrication de chaussures.
5. Il s’agit d’une méthode de production de tissus dans laquelle deux
ensembles distincts de fils sont entrelacés à angle droit pour former
un tissu.
6. Il s'agit d'un art traditionnel japonais du pliage du papier.
7. Il fait référence à des souvenirs typiques qui comprennent des
photographies, des médias imprimés et des œuvres d'art.
8. Un principe qui concerne l’équilibre des forces visuelles opposées.
9. Il s'agit d'une forme de travail du bois utilisée pour créer des objets
en bois sur une machine-outil appelée tour .
10. Il s’agit d’une conception artistique qui utilise des matières
végétales et des fleurs pour créer une composition agréable et

équilibrée.
chapitre 3
L'histoire de l'art occidental
"L'histoire de l'art s'intéresse aux œuvres d'art
et aux personnes qui les ont créées" .
Susan Vreeland
1. décrire l'histoire de l'art dans la civilisation préhistorique ;

2. discuter des arts médiévaux en Europe ;
3. identifier les artistes célèbres d'Europe occidentale; et
4. analyser les peintures les plus courantes en grec classique
En guise d'activité préliminaire au sujet, l'enseignant interrogera les élèves sur leur
perception de l'image ci-dessous.

H
historiquement parlant, l’instinct humain de créer de l’art est universel. L'art est une
approche d'un être humain pour communiquer ses croyances et exprimer des idées sur
ses expériences. Il fournit également des informations précieuses sur les cultures
passées et existantes. Cela nous aide à comprendre comment les autres ont vécu et ce
qu’ils valorisent (Fondation Annenberg, 2017).
L’histoire de l’art reflète les vestiges de la civilisation, l’étude des œuvres d’art et la vie des
artistes éclairent beaucoup sur notre passé commun. Cela nous aide à découvrir, authentifier qui
a fabriqué un objet d'art particulier (Meyer, 2009). Cela nous a également permis d'apprécier le
développement stylistique et reconnu des pratiques artistiques à grande échelle et dans une large
perspective historique.
L’histoire de l’art couvre également toute l’histoire de l’humanité depuis la préhistoire. L'art
est le produit de la connexion émotionnelle et intellectuelle de l'homme avec le monde. Il visait
également à produire un message qui soit provoquerait une conscience inexplicable dans le cœur
de ses téléspectateurs, soit inciterait à la sagesse parmi les esprits curieux. Leroi-Gourhan (1967)
énumère trois domaines principaux d'expression du sentiment associés aux premières périodes de
l'humanité qui peuvent enrichir notre compréhension des débuts de l'art comme les impressions
psycho-physiologiques ; Magie-religieuse ; et techno-économique .
L'art dans la civilisation préhistorique
Le terme « préhistorique » fait référence à la période précédant l’histoire écrite. Plus

précisément, l'écriture s'est développée dans l'ancienne Mésopotamie avant 3000 avant notre ère,
cette période inclut donc la culture visuelle (peintures, sculpture et architecture) réalisée avant
cette date (Zucker, 2015). Les plus anciennes formes d'art décoratif reconnues provenant
d'Afrique remontent à 100 000 avant notre ère.
L'art préhistorique comprend quatre périodes principales : l'âge de pierre, le néolithique,

l'âge du bronze et l'âge du fer. Les objets restants de cette période sont de petites sculptures et
des peintures rupestres. À cette époque, différentes formes d’art étaient créées et exécutées en
signe de communication ou d’adoration envers la divinité. Cette pratique montre à quel point les
facteurs culturels et religieux ont peu joué dans le développement des formes d’art qui ont rendu
la société antique si célèbre jusqu’à nos jours.

Les peuples anciens représentaient souvent leurs visions du monde et leurs croyances à
travers des images visuelles. L'art a émergé avec l'apparition et la dispersion d'hommes
entièrement modernes à travers l'Afrique, l'Asie, l'Australie, l'Amérique et l'Europe. Les
peintures, sculptures, gravures et poteries sont des expressions de la beauté et de systèmes
sociaux et spirituels complexes. L'art préhistorique comme les animaux sont les sujets de
prédilection des chasseurs, des bergers et des éleveurs.
L'art préhistorique est un système symbolique qui fait partie intégrante de la culture qui le
crée (Honour et al., 2005). De nombreux archéologues ont identifié l'art de l'âge de pierre, à
savoir : les pétroglyphes (gravures et gravures rupestres) ; pictogrammes (images graphiques,
symboles) ; sculpture ancienne (statues totémiques, sculptures en ivoire) ; et les arts
mégalithiques (spectacles ou toutes autres œuvres associées à la formation des pierres).
L'art rupestre européen le plus ancien est la grotte El

Castillo (grotte du château) en Espagne. Cette grotte a été
découverte en 1903 par Hermilio Alcalde del Río, un
archéologue espagnol. Certains archéologues affirment que
les œuvres d'art situées à l'intérieur de cette grotte sont
probablement une création de l'Homo neanderthalensis.
Des pochoirs à main, des claviformes ( formes de massue )
et des disques fabriqués en soufflant de la peinture sur le
mur de la grotte d'El Castillo datent d'au moins 40 800 ans, Figure 2. Peinture rupestre d'El Castillo, Espagne
ce qui les rend plus anciens que ceux de la grotte Chauvet,
dans le centre de la France, qui date d'environ 39 000 ans ( Kwong, 2012). Parmi les autres sites
de peintures rupestres anciennes en France figurent Lascaux, la grotte de Cussac, Pech Merle, la
grotte de Niaux et Font-de-Gaume.
Outils en pierre pour la création artistique
La pierre est formée en fonction de la composition des minéraux qu’elle contient. Il est
classé comme croissance minérale, sédimentaire, métamorphique et volcanique. Roches
sédimentaires façonnées par le dépôt et la compression de particules. D’un autre côté, les roches
métamorphiques ont changé à cause de températures et de pressions extrêmes. Les roches
volcaniques proviennent du magma igné en fusion (Prindle, 1994).
Les outils faits de sons étaient les instruments grâce auxquels l'homme primitif se
développait et progressait. Toute la culture humaine est fondée sur l’ingéniosité et l’intelligence
de nos premiers ancêtres pour créer des outils sophistiqués qui leur permettent de survivre. Les
premiers outils en pierre ( éolithes - dont on pense aujourd'hui qu'ils sont produits naturellement
par des processus géologiques tels que la glaciation) et d'autres types de matériaux organiques (
bois, os, ivoire et bois de cerf ) datent d'environ deux millions d'années. Les outils humains les
plus anciens étaient un simple broyeur de pierre, comme ceux découverts à Olduvai George en
Tanzanie. De nombreux paléoanthropologues (personnes qui étudient les origines et les
prédécesseurs de l'espèce humaine actuelle) ont confirmé que l'homme paléolithique produisait
quatre types d'outils pour créer un art, à savoir : les outils en galets (avec un seul bord aiguisé
pour couper ou hacher) ; axes); Outils en flocons ; et outils à lame .

Outils de galets (hachoir à galets). Il s’agit d’un premier appareil de coupe et considéré comme
le type d’outil le plus ancien fabriqué par l’homme. L'outil contient une pierre arrondie frappée à
quelques coups avec une pierre similaire utilisée comme marteau, ce qui a créé une crête
dentelée qui servait de lame à découper.
Outils bifaciaux . Il s'agit d'un outil en pierre préhistorique avec deux faces ou côtés. Ces outils
peuvent être de forme ovale, triangulaire ou en amande et caractérisés par une symétrie axiale.
Le tranchant peut être droit ou dentelé et est utilisé comme couteau, pioche, grattoir ou arme. La
technique était distinctive de la tradition de la hache à main de la période paléolithique inférieure
et de la culture acheuléenne.
Outils en flocons . Ce sont des outils manuels utilisés à l’âge de pierre. Ils sont généralement
formés en écrasant un petit ou grand fragment puis utilisé comme outil. Les noyaux et les éclats
pourraient servir d’outils en pierre. Les nouveaux éclats étaient très tranchants, mais devenaient
rapidement émoussés lors de l'utilisation et devaient être à nouveau affûtés par un écaillage
supplémentaire, un processus appelé « retouche ».
Outils à lame . Il s'agit d'un outil en pierre créé en frappant un éclat long et étroit à partir d'un
noyau de pierre. Cette procédure de taille de la pierre et de création des lames est appelée
réduction lithique. Après avoir ébréché les lames, elles étaient intégrées à des outils plus gros,
tels que des lances.
Arts médiévaux en Europe
L’art primitif du monde occidental couvre une vaste gamme de temps et de lieux sur 1000
ans. Plus précisément, l’art médiéval en Europe est né de la culture artistique de l’Empire romain
et des pratiques iconographiques de l’église des premiers chrétiens (Oliquiano, 2012). Ces
sources se sont mélangées à la culture artistique « barbare » influente de l’Europe du Nord pour
créer un héritage créatif extraordinaire. L'art médiéval représenté dans la peinture piétiste (art
religieux) est exposé dans des céramiques , des fresques et des mosaïques, des orfèvres et des
orfèvres , des vitraux, des manuscrits enluminés, de la ferronnerie, de la tapisserie et de
l'héraldique dans les églises.
a. Manuscrits enluminés (enluminure) - Il s'agissait de textes religieux colorés qui utilisent

souvent l'or et l'argent comme caractéristique principale. Le terme éclairer est le mot
latin « éclairer » qui signifie orner ou éclairer . C'est l'embellissement d'un manuscrit
aux couleurs vives. L'artiste qui a réalisé ces impressionnantes œuvres d'art sur des
manuscrits enluminés s'appelait Illuminateurs .
b. Travail du métal - Les métallurgistes étaient très compétents dans la création d'objets
religieux pour la décoration des églises. Les experts en art du bronze ont produit de
magnifiques bijoux, sculptures et même des portes d'églises.
c. Orfèvre et Orfèvre - C'étaient d'excellents artistes qui créaient de nouvelles formes de
bijoux. L'église médiévale exigeait d'employer des orfèvres et des orfèvres dans l'église
pour produire du e2222 avec de petits morceaux de verre coloré, de pierre ou d'autres

matériaux. Les premiers chrétiens utilisaient des mosaïques sur les plafonds et les murs
de leurs églises et cathédrales.
d. Peintures - Les artistes experts en iconographie utilisent la fresque et la peinture sur
panneaux à thème religieux pendant la période médiévale. La fresque est réalisée
principalement sur des revêtements muraux ou des plafonds. De même, Panel s est une
peinture qui apparaît sur plusieurs morceaux de bois assemblés. Il en est de même pour
les Icônes de l'art byzantin.
e. Tapisserie de Bayeux - C'est une broderie en laine colorée. Il se compose de huit longues
bandes de lin écru, cousues ensemble pour former un panneau continu de 230 pieds de
long et 20 pouces de haut.
f. Céramique - Il s'agissait de marmites, de bocaux et de pichets façonnés à la main.
g. Vitrail – Il est généralement appliqué exclusivement aux fenêtres des églises, châteaux et
cathédrales médiévales. Il crée la principale forme d'art où de petits morceaux de verre
sont disposés pour former des images ou des motifs qui sont maintenus ensemble.
h. par des bandes de plomb et soutenu par un cadre dur.
i. Héraldique - C'est la manière de concevoir les armoiries et les insignes. Des spécimens
d'armoiries ont été travaillés à l'aide de broderies, de papier, de bois peint, de pierre et de
vitraux.
Artistes célèbres en Europe occidentale
Les grands artistes ont introduit le progrès des arts au cours des périodes intermédiaires. À
cette époque, les artistes se sont éloignés des influences du style artistique byzantin et se sont
développés vers l’art visuel gothique. Les peintres et sculpteurs médiévaux ont été les fondateurs
du mouvement vers un plus grand réalisme qui a culminé avec le style artistique de la
Renaissance. Les artistes les plus célèbres de la période médiévale étaient Donatello, Giotto,
Leon Battista Alberti, Cimabue, Filippo Brunelleschi, Fra Angelico et Lorenzo Ghiberti.
1. Donatello (également connu sous le nom de Donato di Niccolo di Betto Bardi). Il est né
en 1386 en Italie. Il était le fils de Nicolo di Betto Bardi, marchand de laine à Florence. Il
a appris la fabrication des métaux et d'autres substances connues sous le nom de
métallurgie . Ses œuvres d'art les plus célèbres comprennent David, Marie-Madeleine, la
Madone, Salomé, Zuccone et Saint-Marc, Saint-Jean l'Évangéliste et Saint-Georges et le
Dragon. Il a également inventé une technique connue sous le nom de schiacciato (relief
peu profond), qui permet d'obtenir des effets de profondeur spatiale. Il décède le 13
décembre 1466.
2. Giotto di Bondone . Il est né vers 1266 dans le village de Vespignano, Florence. Il était
le fils de Giorgio Vasari, un petit agriculteur. Il a travaillé avec d'autres artistes pour la
cathédrale de San Francesco à Assise et a commencé à y peindre un cycle de fresques
avec des scènes de l'Ancien et du Nouveau Testament. En 1300, il fut invité par le pape
Benoît XI à Rome pour peindre une mosaïque au-dessus de l'entrée de la basilique Saint-
Pierre. Il décède le 8 janvier 1337 à Florence.
3. Leon Battista Alberti - Il est né à Gênes le 14 février 1404 en Italie. En tant qu'architecte,
il fut engagé par le pape Nicolas V pour la rénovation du palais papal et du pont romain
d'Acqua Vergine. Il mourut à Rome le 25 avril 1472.

4. Giovanni Cimabue - Il est né à Florence en 1240. Il consacrait tout son temps à
envelopper ses papiers et ses livres de photographies de chevaux, de maisons, de
personnes et d'autres choses diverses qu'il imaginait. Il a réalisé des mosaïques ainsi que
des peintures, parmi lesquelles les fresques de scènes du Nouveau Testament dans l'église
supérieure de Saint-François d'Assise. Il mourut en 1302.
5. Filippo Brunelleschi - Il est né en 1377 à Florence, en Italie. Il était le fils Brunellesco Di
Lippoo, un avocat italien et sa mère était Giuliana Spini. Il était sculpteur et orfèvre dans
l'un des ateliers florentins. Il décède le 15 avril 1446.
6. Fra Angelico (également connu sous le nom de Beato Angelico, qui signifie «
Bienheureux Angélique ») - Il est né en 1395 à Florence, en Italie. En tant que peintre,
ses œuvres d'art les plus célèbres comprennent la peinture de l'Annonciation, de la
Madone et des Saints et de la Transfiguration du Christ .
7. Lorenzo Ghiberti - Il est né en 1380 à Florence, en Italie. Il fut admis à la Guilde de l'Or
et commença son apprentissage d'orfèvre en 1392. Il commença les travaux des portes est
du baptistère de San Giovanni. Les portes en bronze (connues sous le nom de « Portes du
Paradis ») comportaient 10 panneaux représentant des scènes de l'Ancien Testament. Il
mourut en 1445.
Peintures les plus courantes en grec classique
À l’époque classique, la plupart des peintures ont été découvertes sur des panneaux, des
tombes et des vases. Il représente des symboles naturels avec des chefs-d'œuvre dynamiques sur
des scènes de bataille, des personnages mythologiques et des scènes du quotidien. Il révèle
également une compréhension de la perspective linéaire et de l'illustration naturaliste (Rayos,
2018). Les peintures familières en grec classique sont les suivantes :
a. Peinture de vase de Kertch
Le vase de Kertch est une poterie à figures rouges nommée d'après l'endroit où elle a été
découverte. Les motifs les plus courants étaient des scènes de la vie de femmes, des êtres
mythologiques ou une histoire ou un événement mythique. Ce type de peinture utilisait une
technique connue sous le nom de polychromie qui combinait de manière artistique différentes
couleurs, notamment la plus brillante. Les formes que l'on retrouve couramment sont :
a. Kratère (c'est un bol utilisé pour mélanger le vin et l'eau)

b. lebesgamikos (un récipient avec des poignées hautes et un couvercle utilisé pour
transporter le bain nuptial)
c. lekanis (un bol bas avec deux anses horizontales et un petit pied large)
d. pelike (un récipient à vin)
b. Peinture sur panneau
La peinture sur panneaux était particulièrement célèbre pour la réalisation de magnifiques

retables. Ce type de peintures est exécutée sur des panneaux plats de bois ou de métaux qui

peuvent être soit une petite pièce unique, soit plusieurs planches réunies. La plus ancienne
peinture sur panneau connue est le panneau Pitsa (daté entre 540 et 530 avant notre ère).
c. Peinture de tombe/mur
La peinture funéraire ou murale populaire de la période classique utilise la détrempe (à base

d'eau) ou l'encaustique (cire) comme méthode de fresque. Les couleurs de ce type sont
fabriquées avec des teintures en poudre broyées dans de l'eau pure, séchées et fixées avec du
plâtre pour devenir une partie durable du mur.
____________
Activité en classe
a. Façonner le rocher
Imaginez comment les hommes préhistoriques étaient capables de créer des œuvres d'art
partout dans les grottes. Créez votre style d’art rupestre en utilisant une pierre comme toile de
travail et une autre pierre comme support pour créer une œuvre d’art.
Matériaux:
1. Roche plate (n'importe quelle forme)

2. Pierres (avec arêtes vives)
Procédure:
1. À l’aide de la roche aux arêtes vives, grattez la roche plate avec le motif souhaité.
2. Mettez du vernis à l'aide d'un mélange de colle blanche diluée avec de l'eau pour
conserver votre plan sur la pierre.
3. Le dessin de la roche doit imiter le caractère d’une œuvre d’art préhistorique.
4. Vous pouvez également utiliser des motifs qui affichent l'identité de votre région de la
ville.
b. Mosaïque dans un bois
Les Grecs fabriquaient pour la première fois des mosaïques dans l’Antiquité. Cet art de
créer des images avec un assemblage de petits morceaux de verre coloré, de pierre ou d'autres
matériaux était généralement utilisé en noir et blanc dans le sol et les allées. Qu'ils soient

triangulaires ou carrés, les galets sont appliqués avec du mortier ou un autre adhésif pour créer
des mosaïques de sol et de murs.
Matériaux:
1. Feuille de bois
2. Tuiles colorées
3. Crayon
4. Flotteur à coulis
5. Essuie-tout
6. Vaporisateur
7. Éponge
8. vinaigre blanc
9. Gants
Procédures:
1. Créez votre mosaïque décorative en esquissant un motif sur un morceau de bois plat
(taille d'une bande de coupon longue).
2. Sélectionnez votre carrelage et enveloppez-le dans un linge. À l'aide d'un marteau, cassez
la tuile. (Remarque : le port de lunettes de sécurité pour protéger vos yeux est nécessaire).
3. Rassemblez vos carreaux cassés en catégories de couleurs.
4. Collez chaque pièce individuellement et insérez-la dans votre dessin.
5. Étalez le coulis à l'aide d'une taloche à coulis.
6. Laissez le coulis devenir stable pendant 20 minutes.
7. À l’aide d’une éponge et d’eau, essuyez délicatement l’excédent de coulis.
8. Vaporisez du vinaigre blanc pour éliminer la poussière de coulis à l'aide d'une serviette
en papier ou d'un chiffon.
c. Éclaire-moi
À l'époque médiévale de Rome, le vitrail était utilisé et constituait l'un des éléments
marquants de chaque cathédrale construite en utilisant le symbolisme chrétien.
Matériaux:
1. Grande bouteille en verre vide
2. Marqueur permanent noir
3. Peinture acrylique
4. Pinceau
5. Colle blanche
6. Eau
7. Bougie
Procédures:

1. Sélectionnez un design pour votre bougeoir en bouteille « vitrail » qui présente un
symbolisme médiéval essentiel. Vous pouvez utiliser les thèmes, motifs et modèles qui
font la publicité de votre région ou de votre ville.
2. Tracez votre motif à l'extérieur de la bouteille à l'aide du marqueur noir permanent.
3. Colorez votre motif avec de la peinture acrylique.
4. Redessinez votre dessin avec un marqueur noir pour rendre le contour précis et précis.
5. Appliquer un vernis composé de colle blanche diluée dans de l'eau.
6. Placez la bougie lumineuse à l’intérieur de la bouteille et allumez-la pour voir l’effet
vitrail.
_________________
Analyse de la peinture
Faites des recherches sur l’histoire significative des arts occidentaux suivants et discutez des
valeurs que vous en avez tirées.
de Panneaux Pitsa de la Grèce

archaïque
TEST DE CHAPITRE

Nom : _____________________________________ Note : ________________
Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Essai
1. Comment décrivez-vous l’art en tant que document culturel ?

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2. Selon vous, quels sont les objectifs de l’art dans l’Antiquité en Europe ?
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3. Pourquoi les arts anciens se trouvent principalement dans les grottes ? Quelles sont leurs
valeurs significatives ?
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______________________________________________________________________________
4. Quelle est l’importance de la pierre au Paléolithique ? Expliquer.

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5. Quel héritage artistique aimez-vous le plus dans l’Europe ancienne ? Expliquer.

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TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Type de correspondance : Faites correspondre les colonnes A à B. Écrivez la lettre de la bonne

réponse dans la case prévue à cet effet avant chaque élément.
Colonne A Colonne B
1. C'est un moyen de communiquer des croyances et un. Artefacts
d'exprimer des idées sur l'expérience humaine.
2. Il fait référence à l’époque précédant l’histoire écrite. b. Pictogrammes
3. Il s'agit d'un matériel archéologique composé de petites c. Arts mégalithiques
sculptures et de peintures trouvées dans des grottes.
4. Il fait référence aux gravures et gravures rupestres. d. Céramique
5. Cela s’applique aux images picturales ou aux symboles. e. Polychromie
6. Il s’agit de statues totémiques et de sculptures en ivoire. F. Hachoir à galets
7. Il s'agit des pétroformes ou de tout autre ouvrage associé g. Sculpture
à la formation des pierres.
8. Il s'agit d'une forme de club et de disques réalisés en h. Fresque
soufflant de la peinture sur le mur de la grotte d'El
Castillo.
9. Ils étaient façonnés à la main et produisaient des je. Biface
casseroles et des bocaux.
10. Il s'agissait de textes religieux agrémentés de couleurs j. Pitsa
vives et comportant souvent l'utilisation d'or et d'argent.
11. Il s’agit d’un outil de coupe primordial et considéré k. Claviforme
comme le type d’appareil le plus ancien fabriqué par
l’homme.
12. Cet outil peut être de forme ovale, triangulaire ou en l. Manuscrits enluminés
amande et caractérisé par une symétrie axiale.
13. Il s'agit d'une méthode permettant de peindre des m. Préhistoire
pigments à base d'eau sur un plâtre fraîchement appliqué,
généralement sur des surfaces murales.
14. Elle est connue comme la première peinture sur n. Pétroglyphes
panneau de la période archaïque entre 540 et 530 avant
notre ère.
15. C'est la combinaison de différentes couleurs, o. Art
notamment la plus brillante, de manière artistique.

Chapitre 4
L'art et l'artisanat philippins
"La curiosité pour la vie sous tous ses aspects, je
pense, reste le secret des grands créatifs"
– Léo Burnett
1. comprendre les formes d'art précolonial de l'archipel ;

2. identifier les célèbres instruments de musique indigènes des Philippines ;
3. démontrer ses connaissances sur l'importance de l'artisanat artistique philippin ;
4. déterminer les matériaux artisanaux courants et le travail artisanal traditionnel aux
Philippines ; et
5. reconnaître l'importance des Philippine GAMABA Awards et de leurs lauréats.
Tremplin
En guise d'activité préliminaire au sujet, l'enseignant animera l'une des activités ci-dessous :
1. Divisez la classe en cinq groupes. Laissez chaque groupe composer un poème ou une
chanson de quatre vers en hommage aux grands artistes philippins contemporains dont
nous avons parlé dans cette leçon. Ils peuvent l’écrire dans la langue ou le dialecte de leur
choix et les laisser partager leur composition en classe.
2. Laissez les élèves créer un chef-d’œuvre (un dessin, une danse, une pièce de théâtre, une
chanson ou toute autre vision artistique qu’ils pourraient imaginer). Leur interprétation
doit montrer le nationalisme ou la promotion d'un art traditionnel philippin. Laissez-les
partager leur chef-d’œuvre en classe.
3. Laissez les élèves citer au moins trois fêtes célébrées dans leur région/commune/ville.
Laissez-les énumérer les différentes activités mises en avant dans ces festivals. Laissez-
les partager cela en classe.
Saisir
L
comme dans tout autre pays, l’art a influencé la vie des Philippins et les choses qui les entourent.
Les arts philippins reflètent une société philippine avec diverses influences culturelles et
traditions des peuples malais tels que les Chinois et les Indiens. Les traditions islamiques ont été
introduites aux îles Philippines au 14ème siècle.
De même, l’Europe et les États-Unis ont intensément influencé les artistes philippins.
Cependant, tout en s'inspirant de formes occidentales, les œuvres de musiciens, peintres et
écrivains philippins sont imprégnées de thèmes distinctement philippins. En exprimant la
richesse de la culture de l'archipel dans toute sa diversité, les artistes philippins ont contribué à
façonner un sentiment d'identité nationale. De nombreuses traditions culturelles malaises ont
perduré jusqu'à cette époque malgré la domination étrangère. Les musulmans et les groupes
tribaux maintenaient des traditions distinctes en matière de danse, de musique et de sculpture.
Les arts indigènes aux Philippines sont le fruit d’un travail d’amour et de patience. Les
sculptures complexes sur bois, métal, pierre ou verre sont le produit des mains habiles et de
l'esprit imaginatif des différentes tribus de l'archipel. Instruments de musique autochtones
comme la flûte, les tambours, les bâtons de pluie, les guitares indigènes et les cloches faites de
bambou, de peau d'animal, de graines et de coquillages. La manipulation minutieuse de ces
matériaux produit des sons et des instruments uniques utilisés principalement dans les danses et
rituels tribaux (Ramirez, 1999).
Formes d'art précoloniales dans l'archipel
Les arts de l'archipel philippin ont eu leur passé et ont continué à se développer grâce à de
nombreux artistes modernes. Avec leur contexte différent en termes d'histoire, de style, de
symboles culturels et de significations, ces œuvres d'art sont représentées (Estrella, 2017). Voici
quelques formes d'art connues aux Philippines :
Agung . C'est un instrument de musique de l'ensemble Kulintang qui est joué par une ou deux
personnes selon son nombre. En utilisant un batteur rembourré de caoutchouc, cet instrument est
joué à la fois sur le bossage/bouton et sur la face du gong.
Banog-banog . C'est une danse qui représente des chasseurs protégeant leurs poulets du faucon
affamé.
BlitB'laan . Il s'agit d'une danse de parade nuptiale des Bilaan de Davao del Sur imitant les
oiseaux pendant la saison des amours. Les femelles se mettent en sécurité en enfouissant la tête
sous leurs ailes (à l'aide du malong), mais les mâles agressifs les suivent partout où ils vont.
Canao . Il s'agit d'une danse rituelle exécutée lors de fêtes ou de célébrations autochtones dans
les hauts plateaux des Cordillères, dans la région de Luçon, aux Philippines. C'est un symbole de
triomphe ou d'attente de récoltes abondantes.
Gangsa . C'est un instrument de musique indigène des tribus Bontoc de Kalinga, Ifugao dans les
régions montagneuses (la Cordillère) du nord des Philippines.

Parmi . Il s'agit d'une danse ethnique parmi les Tigwahanon Manobos de la province de
Bukidnon et exécutée pendant la période des récoltes. Ce type de danse montre un couple, avec
leurs corps et leurs bras légèrement pliés vers l'avant, imitant le mouvement d'un couple flirtant
parmi des singes.
Kadal j'étais . Il s'agit d'une danse exécutée respectivement par les tribus T-boli et Tausug qui
imitent un repas de singes en éliminant les lentes et les poux les uns des autres. Une variante de
cette danse consiste à imiter un singe qui s'assoit par erreur sur une fourmilière et est attaqué par
des fourmis en colère sur tout son corps.
Kashawing . C'est un rituel chez les Maranaos et il est pratiqué pour assurer une bonne
récolte.
Kinabua . C'est une danse rituelle parmi les tribus Mandaya du nord de Mindanao. Ce type de
danse dépeint l'utilisation par les faucons de chansons douces pour attirer la poule et les poussins
qui sont transformés en repas.
Mamankar . Il s'agit d'une danse de guerre Bontoc exécutée pendant la saison des plantations et
une récolte abondante.
Homme-manok . C'est une danse exécutée à Vigan, Ilocos Sur. Ce type de danse imite les
oiseaux dans lesquels des couvertures tribales représentant le plumage coloré des coqs sauvages
sont exhibées par les guerriers qui ont l'intention d'attirer l'attention de la jeune poule.
Mayvanuvanua . Il fait référence à un rite sacrificiel pratiqué au début de la saison de pêche

estivale parmi les pêcheurs de mataw de l'île Batanes. Ce type de danse est un acte d'invitation
à capturer avec succès la dorade.
Mumbai . C'est un terme local qui fait référence au « diseur de prières » parmi les Ifugaos du
nord de Luzon. Ces prières sont exécutées lors des funérailles, des mariages, de Thanksgiving et
d'autres célébrations. Ceci est offert à la divinité suprême, Maknongan.
Ngilin . Il s'agit d'une danse culturelle exécutée au sein de la tribu Kalinga lors des rituels de
mariage et d'autres célébrations comme le budong (pacte de paix). Ce type de danse est joué
pour simuler les interactions romantiques ou paisibles d'un coq et d'une poule.
Pagdiwata. Il fait référence à un rituel pratiqué au sein du groupe ethnique du nord et du

centre de Palawan. La cérémonie a lieu à diverses occasions, notamment lors de récoltes
abondantes et de mariages.
Pangalay (également connu sous le nom de Sea Gypsies). C'est une danse indigène des Badjao
exécutée lors des mariages et autres rassemblements sociaux. Ce type de danse met l'accent sur
l'agilité du haut du corps, le rebond rythmique de l'épaule et l'agitation alternée simultanée des
bras étant le mouvement essentiel.

Sampak . C'est une danse de guerre exécutée par la tribu Mandaya. Ce type de danse nécessite
une excellente habileté dans le maniement d’un bouclier, d’une lance et d’une épée.
Sautez . Il s'agit d'une danse rituelle exécutée par une tribu masculine Talaanding présentant son
savoir-faire en matière de style et d'art pour combattre son adversaire. Cette danse rituelle est
aussi une offrande à leur magbabaya (dieu).
Talip . C'est une danse de cour chez les Ifugao. Ceci a lieu lors de la célébration de l' intaneg
(mariage). Dans cette danse, l'homme piège une femme avec une jolie couverture à placer sur
ses épaules galbées.
Instruments de musique autochtones célèbres aux Philippines
Aérophones . Il fait référence à tout instrument de musique qui produit du son sans utiliser de
cordes ou de membranes. Voici quelques exemples :
a. Baliing - Flûtes à nez des Apayao

b. Bansik - Flûte en bambou du Négrito
c. Kaleleng - un long tube de bambou du Bontoc
d. Bulungudyong - Flûte verticale et longue du B'laan
e. Kalaleng - Flûte en bambou du Tinggian
f. Lantoy – Flûte à nez du Mangyan
g. Palandag (Palendag) – Flûte de la vallée des lèvres du Bagobo
h. Paldong et Tongali – Flûtes de la vallée des Lip du Kalinga
i. Pulalo – Flûte de la vallée des Lip du Mansaka
j. Sahunay - Pipe à anche (clarinette) du Tausog
Chordophone s. Il fait référence à tout instrument de musique qui émet un son au moyen de
cordes tremblantes tendues entre deux points. Voici quelques exemples :
a. Faglong - Instrument à deux cordes ressemblant à un luth du B'laan

b. Kolitong – Guitare en bambou des Kalingga
c. Kudlong - Luth de bateau à deux cordes du Bagobo
d. Kudyapi - Luth de bateau à deux cordes du Maranao
e. Kulit-en – Guitare du Tinggian
f. Pas-ing – Guitare de l’Igorot
g. Serongagandi – un tube de bambou décoré du Maranao
h. Saludoy –Guitare en bambou des T'boli
Idiophone . Il fait référence à tout instrument de musique qui produit du son principalement par
la vibration de l'instrument, sans utiliser de cordes ou de membranes.
a. Afiw – Harpe à mâchoires du Bontoc

b. Agung - Gong à bossage du Maranao
c. Balingbing – Buzzer en bambou du Kalingga
d. Bangibang – Bar à percussions de l'Ifugao

e. Gabbang – Xylophone en bambou du Tausog
f. Kinaban – Harpe à mâchoires du Hanunoo
g. Kubing – Harpe à mâchoires de l'Ata et du Maranao
h. Kulintang - Xylophone en métal du Maranao
i. Kumbing – Harpe à mâchoires du Manobo
j. Palipal – Clapet en bambou de l'Ifugao
k. Tagutok – Grattoir en bambou décoré du Maranao
l. Tanggunggu – Carillon Gong du Kalagan, B'laan, Manuvu, Bagobo
m. Tongkaling - Cloches à pellets ou cloches crotales du B'laan
Membranophone. Il fait référence à tout instrument de musique qui produit du son au moyen
d'une membrane vibrante étirée. La plupart des membranophones sont des tambours, tels que :
a. Dabakan - Tambour en forme de verre du Maranao

b. Gandang – Tambour cylindrique à double tête du Maranao
c. Libbit – Tambour conique des Ifugao
d. Sulibao – Tambour conique de l'Ibaloy
Importance de l’artisanat artistique philippin
Les Philippines regorgent de ressources naturelles dispersées dans toutes leurs îles. L'artiste
philippin a utilisé des parties d'arbres, de plantes et d'autres ressources naturelles comme
matières premières et les a transformées en outils ou instruments simples mais utiles. Ce type de
travail est appelé Artisanat Artistique (parfois appelé artisanat ). Bien que ce type d'art évolue
de temps en temps, il est toujours impératif de continuer et est préservé pour les raisons
suivantes :
1. Il promeut notre héritage culturel grâce à l’utilisation de matériaux indigènes.

2. Cela montre la créativité et l’ingéniosité supérieure d’un individu.
3. Cela a encouragé les producteurs à produire davantage de matières premières.
4. Cela génère de l’emploi.
5. Il a développé des valeurs de persévérance et de résilience.
Matériaux artisanaux courants
Chaque famille philippine possède des produits artisanaux comme des paniers, des balais,
des plumeaux et d'autres meubles. De même, les accessoires comme les boucles d'oreilles, les
bracelets, les colliers et autres vêtements fabriqués à partir de produits indigènes tels que les
perles, les coquillages et les graines. Cela montre clairement que notre industrie artisanale
bénéficie du patronage des Philippins.
Les artisans philippins les transforment en accessoires, sacs, ensembles de canapés en

bambou, paniers, armoires, vêtements, abat-jour, décoration murale et autres. Voici les
matériaux typiques nécessaires à la fabrication de l’artisanat philippin :

a. Abaca ( Musa Textilis ) - C'est une herbe arborescente qui ressemble au bananier. Il est
durable et teint en différentes couleurs.
b. Bambou ( BambusaSpinosa ) - Il est destiné à l'industrie du meuble en raison de sa
résistance et de sa durabilité. C’est également un matériau précieux pour la confection
de paniers et de chapeaux.
c. Buri ( CoryphaElata )- C'est un palmier dont sont extraites trois sortes de fibres, à savoir
le buri, le raphia et le jusqu'à . Il peut être simplement teint et tissé sous de nombreuses
formes. La feuille de buri est le matériau le plus flexible utilisé pour fabriquer des
chapeaux, des boîtes et autres articles de fantaisie.
d. Caragumoy ( Pandanus Simplex ) - Il est gris verdâtre en séchant et est utilisé
traditionnellement dans la fabrication de sacs, paniers, chapeaux et nattes.
e. Noix de coco ( CocosNucifera ) - C'est le palmier le plus utilisé aux Philippines. Sa côte
de coco est utilisée principalement comme matériau artisanal pour la fabrication de
paniers et de balais (tingting). Les coquilles de coco sont utilisées pour fabriquer des
articles tels que des boutons, des tirelires, des abat-jour, des épingles et autres.
f. Kalas - C'est un sous-produit du palmier buri. Localement, le terme « kalas » (qui
signifie « desserrer ») fait référence aux brins desserrés d'une corde buri. Il crée un
motif rustique inhabituel avec des caractéristiques distinctes de son matériau d'origine
lorsqu'il est tissé artistiquement.
g. Cuir - C'est un matériau créé par le tannage de peaux d'animaux comme les carabaos, les
chevaux, les serpents, les alligators, les chèvres, les lézards et autres.
h. Pandan-Dagat ( PandanusTectorius ) - C'est une variété de pin à vis abondamment
distribuée le long des plages de sable et des broussailles côtières des Philippines.
i. Rotin ( Calamus Maximus ) - C'est le matériau le plus flexible utilisé dans l'industrie
manufacturière et on sait qu'il s'étend jusqu'à des centaines de mètres de long.
j. Herbiers marins ( RhynchosporaCorymbosa ) – C'est un type d'herbe présente dans les
eaux peu profondes salées et saumâtres. Les tiges sont nettement triangulaires et les
feuilles sont larges et longues.
Artisanat traditionnel aux Philippines
Voici quelques objets artisanaux présents dans les différentes régions des Philippines :
1. Bijoux (régions du centre de Luzon, du sud de Luzon et de Mindanao). Cet artisanat se

trouve principalement dans la région centrale de Luçon, principalement dans la province
de Bulacan. Vous pouvez également en trouver dans les régions de Mindanao, mais dans
le sud, vous pouvez même vous procurer de puissantes amulettes en laiton et d'autres
accessoires.
2. Artisanat métallique (régions du sud de Luzon et de Mindanao). Ce type d'artisanat se
trouve dans la région du sud de Luzon, en particulier dans la province de Batangas. Un
artisanat en métal très populaire qui est localement et internationalement considéré
comme une excellente source de couteau portable s'appelle Balisong . Les armes
traditionnelles en laiton, en bronze et en or sont également abondantes sur l'île de
Mindanao.
3. Pots et bocaux (région d'Ilocos). Les pots et bocaux connus sous le nom de burnay se
trouvent explicitement dans la province d'Ilocos Sur. Ces créations sont réalisées à partir

d'argile de qualité A selon une méthode pratiquée par les locaux depuis l'époque
précoloniale.
4. Tissus (régions de Mindanao). Ces tissus sont tissés de façon traditionnelle, par
entrelacement de fils à l'aide d'une machine manuelle appelée métier à tisser . L'un des
matériaux courants dans cette région est appelé malong , qui est historiquement utilisé
comme jupe et parfois comme couverture.
5. Sculptures sur bois (régions de la Cordillère et du sud de Luzon). Fantastiques
sculptures sur bois produites par les Ifugao dans la région nord des Cordillères. Souvent,
ces sculptures sur bois représentent leurs dieux indigènes. D'excellents ustensiles de
cuisine comme des bols et des ustensiles en bois se trouvent dans cette région.
Prix GAMABA philippins
Les Ga wad sa Ma nlilikhang Ba yan Awards ou GAMABA sont un prix qui récompense les
artistes folkloriques et autochtones qui restent fidèles à leurs traditions. Ce prix est géré par
la Commission nationale de la culture et des arts (NCCA) par l'intermédiaire du Comité
Gawad ng Bayan. Il a commencé comme un projet du Rotary Club philippin Makati-Ayala
mais a été adopté par le gouvernement philippin en 1992 et est devenu une institution grâce à
la loi de la République 7335.
Ce prix vise à soutenir et motiver ces artistes à préserver leur patrimoine artistique pour
les générations présentes et futures. Ces artistes sont reconnus comme le trésor national
vivant immatériel du pays.
Pour devenir Trésor National Vivant, le candidat doit posséder les qualifications
suivantes :
1. Doit être un occupant d'une communauté culturelle autochtone/traditionnelle n'importe où

aux Philippines qui a préservé les coutumes, croyances, rituels et traditions autochtones et
a syncrétisé tous les éléments externes qui l'ont influencé.
2. Doit être impliqué dans une tradition d’art populaire existante et documentée depuis au
moins 50 ans.
3. Doit avoir interprété ou produit de manière constante, sur une période significative, des
œuvres de qualité supérieure et distinctive.
4. Doit acquérir une maîtrise des outils et des matériaux nécessaires à l'art, et doit avoir une
réputation établie dans l'art en tant que maître et auteur d'œuvres d'une qualité technique
extraordinaire.
5. Doit transmettre et transmettra aux autres membres de la communauté leurs talents dans
l'art populaire pour lequel leur groupe est traditionnellement connu.
Lauréats et nominés GAMABA
1. Ginaw Bilog (1993). Originaire de Mindoro oriental qui aide fidèlement à préserver
l'écriture Hanunuo Mangyan et leur poésie Ambahan.

2. Masino Intaray (1993). Originaire de Palawan qui a partagé de manière exemplaire ses
compétences dans un ensemble de musique basale ou gong. C'est un musicien et chanteur
épique (Kulilal et Bagit).
3. Samaon Sulaiman (1993). Un Maguindanao de Mama SaPano qui a fait preuve d'un
talent artistique et d'un dévouement exceptionnels envers son instrument de prédilection,
le Magindanao kutyapi.
4. Lang Dulay (1998). Une T'boli du lac Sebu, dans le sud de Cotabato, pour ses
compétences dans le tissage du tissu abaca ikat connu sous le nom de t'nalak .
5. Salinta Monón (1998). Une Tagabawa-Bagobo de Bansalan, Davao del pour avoir
pleinement démontré ses aspects créatifs et expressifs du tissage Bagobo abaca ikat
appelé inabal .
6. Alonzo Saclag (2000). Un Kalinga de Lubuagan pour sa maîtrise de la danse Kalinga et
des arts du spectacle.
7. Frédéric Caballero (2000). Un Panay-Bukidnon de Calinog, lloilo pour sa maîtrise du
chant de la tradition épique de Central Panay, le Sugidanon .
8. Uwang Ahadas (2000). Un Yakan de Lamitan, Basilan pour sa dextérité à jouer des
instruments de musique Yakan tels que l' agung, le gabbang, le tuntungan et le
kwintangan .
9. Darhata Sawabi, (2005). Un tisserand de Parang, dans la province de Sulu, pour avoir
contribué à préserver l'art du « tissage Pissyabit ».
10. Eduardo Mutuc (2005). Un Kapampangan du centre de Luzon pour faire revivre le métal
ou la forge de Plateria qui est à l'époque coloniale espagnole.
11. Haja Amina Appi (2005). Une Sama de Tandubas, Tawi-Tawi, pour avoir partagé ses
compétences en matière de tissage de tapis avec la communauté autochtone Sama.
12. Teófilo García (2012). Un fabricant de casques de San Quintin, Abra, Casquepour son
savoir-faire dans la fabrication de Tabungaw.
13. Magdalena Gamayo (2012). Un maître tisserand de Pinili, Ilocos Norte pour son savoir-
faire en tissage connu sous le nom d'Inabel.
14. Yabing Masalon Dulo (2016). Un maître tisserand de Polomolok, South Cotabato pour sa
contribution au tissage Ikat.
15. Ambalang Ausalin (2016). Un maître tisserand Yakan de Lamitan, Basilan pour ses
compétences en tissage Tennun.
16. Estelita Tumandan Bantilan (2016). Un maître tisserand B'laan de Malapatan, Sarangani
pour avoir préservé les compétences de tissage Igem.
17. Whang-od (2017). Un tatoueur traditionnel ( mambabatok ) de Buscalan, Tinglayan,
Kalinga.
Autres artistes philippins célèbres et leurs œuvres
1. Ang Kiuko (Peinture : La Crucifixion)

2. Diosdado Lorenzo (Peinture : Natures mortes)
3. Fernando Cueto Amorsolo (Peinture : Portrait des Présidents - M. Quezon, M. Roxas et
S. Ozmeña)
4. Guillermo Tolentino (Sculpture : Oblation et Monument de Bonifacio)
5. Hernando Ocampo (Peinture : Le contraste)

6. Juan Luna (Peinture : Spoliarium)
7. Napoléon Abueva (Sculpture : Harpon allégorique)
8. Salomon Saprid (Sculpture : Tikbalang)
9. Victorio Edades (Peinture : Les Bâtisseurs)
10. Vicente Rivera (Peinture : Supplication)
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Essai:
1. Comment décrivez-vous les arts autochtones aux Philippines ?

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2. Qu'est-ce qui différencie les arts philippins des autres arts du monde ?
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3. Si vous êtes un artiste philippin, quel genre d’art aimeriez-vous développer ? Pourquoi?

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4. Qu'est-ce que les Prix GAMABA ?

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5. Pensez-vous que le « tatouage » en tant que forme d’art devrait être encouragé ? Pourquoi et
pourquoi pas ?
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TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Sélection : sélectionnez la bonne réponse parmi les choix proposés. Entourez uniquement la
lettre de la bonne réponse.
1. Lequel des éléments suivants n'appartient pas à une race malaise ?

a. Chinois b. Philippin c. Américain d. Indien
2. Il fait référence à tout instrument de musique qui produit du son principalement en faisant
vibrer un corps d'air.
un. Aérophones b. Idiophone c. Membranophone d. Aucune des réponses ci-dessus
3. La guitare Bamboo du Kalingga.
un. Paldong b. Koliting c. Pulalo d. Sahunay
4. Un maître tisserand Yakan de Lamitan, Basilan.
un. GinawBilog b. Lang Dulay c. AmbalangAusalin d. Salinta Monón
5. Il s’agit d’une variété de pin vissé abondamment répandue le long des rivages des Philippines.

un. Pandan-Dagat b. Kalas c. Artisanat en métal d. Herbiers marins
6. Il fut le peintre de la « Crucifixion ».
un. Guillermo Tolentino b. Napoléon Abueva c.Vicente Rivera d. AngKiuko
7. Un Hanunuo Mangyan de Mansalay, Oriental Mindoro qui a fidèlement aidé à préserver
l'écriture Mangyan.
un. Yabing Masalon Dulo b. Napoléon Abueva c. GinawBilog d. Samaon Sulaiman
8. C'est la flûte verticale et longue du B'laan.
un. Bulungudyong b. Serongagandi c. Gabbang d. Afif
9. C'est l'un des palmiers les plus remarquables des Philippines, après la noix de coco.
un. Caragumoy b. Buri c. Abaca d. Pandan-Dagat
10. Connu comme le maître tisserand de Pinili, Ilocos Norte.
un. Teófilo García b. Guillermo Tolentino v. Magdalena Gamayo d. HajaAminaAppi
11. Il était la sculpture de « l'Oblation » et du « Monument de Bonifacio ».
un. Napoléon Abueva b. Guillermo Tolentino v. VictorioEdades d. AngKiuko
12. Un mambabatok ou tatoueur traditionnel de Buscalan, Tinglayan, Kalinga.
un. Yabing Masalon Dulo b. DarhataSawabi v. Whang-od d. Eduardo Mutuc
13. C'est un tambour conique des Ifugao.
un. Libbit b. Dadabuan c. Gangang d. Sulibao
14. C'est un tambour conique des Ibaloy.
un. Libbit b. Dadabuan c. Gangang d. Sulibao
15. Il a été récompensé pour sa maîtrise de la danse Kalinga.
un. Alonzo Saclag b. Teófilo García c. Frédéric Caballero d. Eduardo Mutuc
Chapitre 5
Peintures
« Chaque artiste plonge son pinceau dans son âme, et
peint sa propre nature dans sa propre nature
dans ses photos »
Henry Wards Beecher
1. identifier les éléments de la Peinture;

2. montrer l’importance de la roue chromatique ;
3. transmettre une idée sur le symbolisme et la signification des couleurs ; et
4. démontrer une connaissance des médiums de la peinture et de leurs caractéristiques
Tremplin
En guise d'activité préliminaire au sujet, l'enseignant animera l'activité ci-dessous :
Analyse du tableau : Analysez le tableau ci-dessous et répondez aux questions suivantes :
(Crédit photo : l'auteur est propriétaire de cette

photo)
1. Que vous dit personnellement le tableau ?
2. Quel lien voyez-vous entre le sujet et la technique utilisée ?
3. Quelle est votre réaction subjective face à cette œuvre d’art ?
4. Selon vous, quelle est la signification culturelle et le contexte de l’œuvre d’art ?
Saisir
Éléments de peinture
P
La peinture est un style de création d'une expression en appliquant des couleurs sur une
surface plane ou sur tout support comme la toile, l'argile, le verre, le papier, les murs,
les feuilles, le papier ou le bois. L'abstraction ou la composition, le dessin et d'autres
esthétiques peuvent servir à manifester l'intention expressive et conceptuelle des artistes (Mayer,
1970). Il s’agit d’un dialogue tacite et pour la plupart méconnu, où la peinture parle
silencieusement en masses et en couleurs, et où l’artiste répond par ses humeurs. La peinture
enregistre le geste le plus délicat. Il indique si le peintre était assis, debout ou accroupi devant la
toile (Elkins, 1998). Il est chargé de contenu narratif, de symbolisme ou d’émotion.
Une belle peinture n’est pas faite par une ressemblance photographique, mais plutôt par une
bonne composition. Pour l'artiste, l'harmonie de son œuvre dépendra du choix de dispositifs
appropriés, propres au médium et de l'utilisation de certains principes pour les relier. Un style
unique émerge lorsqu'un artiste reconnaît sa préférence personnelle pour les éléments de
conception dominants et met consciemment ou inconsciemment l'accent sur ces éléments

dominants (Ocvirk et al., 2008 ; Gatto, 2000). Les aspects significatifs du tableau sont la ligne, la
couleur, la texture, la perspective, les formes et les symboles (Nohay, 2018).
Ligne . C'est l'élément le plus simple du tableau. Il comporte un marquage continu réalisé par
un point mobile pour définir la forme et peut contourner les zones à l'intérieur de ces contours. Il
peut suggérer un mouvement (vertical, horizontal, diagonal et courbe). Chaque ligne a sa
signification : ligne verticale stress action, force, dynamisme ; les lignes horizontales signifient
sérénité, calme, stabilité ; la ligne diagonale exprime la tension, le mouvement ; les lignes
courbes font apparaître douceur, souplesse, douceur.
Couleur. Les artistes ont utilisé les couleurs pour transmettre des sentiments et des
ambiances dans leur peinture. C'est le résultat des longueurs d'onde des lumières réfléchissant les
objets. Il est composé de trois qualités distinctes telles que la teinte, la saturation et la valeur.
La teinte n'est que le nom de la couleur. Le rouge, le jaune et le bleu sont les couleurs primaires.
Leur mélange qui produit les couleurs secondaires est le vert, l'orange et le violet.
Texture. Il fait partie des conceptions à deux et trois côtés et se distingue par ses propriétés
visuelles et physiques perçues. Il est utilisé pour décrire la sensation ressentie par une œuvre
tridimensionnelle au toucher. Dans les modèles bidimensionnels, comme la peinture, cela peut
faire référence à la « sensation » visuelle d'une œuvre (Isaac, 2017).
Perspective. C'est une technique artistique permettant de créer une illusion de trois
dimensions avec de la profondeur et de l'espace. Son véritable objectif est de créer un point de
vue pour le public qui
communiquera le mieux sur le
sujet et servira son message
particulier.
La perspective est la
même chose que le « point de vue » et la « position ». C'est ce qui donne l'impression qu'un
tableau a une forme, une distance et un aspect « réel » (Evans, 2002). Il est projeté selon ses
niveaux à savoir : premier plan, plan intermédiaire et arrière-plan.
Le premier plan est le plan visuel qui apparaît le plus proche des spectateurs.
En revanche, le juste milieu est la partie située entre le premier plan et la
partie qui s'appelle l' arrière-plan . Le premier plan d’une composition est le
plan illustratif qui apparaît le plus proche du spectateur, tandis que l’arrière-
plan est le plan d’une composition perçu le plus loin du spectateur. Le juste
milieu est le plan illustratif entre le premier plan et l’arrière-plan. L'ampleur
de ces éléments est souvent associée à la domination dans une image. Le
premier plan est souvent le plus dominant en raison de la plus grande taille perçue des objets
illustrés.
Formes. C'est un élément de la peinture qui permet d'exprimer des idées. Cela aide à
interagir et à évoquer indépendamment l’agitation, l’énergie utile, la direction, etc. Il peut s’agir

de cercles, de rectangles, d’ovales ou de carrés. Il s'agit d'une zone avec une limite définie créée
par une variété de couleurs, de valeurs ou de textures des zones adjacentes.
Symboles. Les artistes incluent souvent dans leurs peintures

des objets symboliques qui ont une signification particulière ou un
message particulier. Il est utilisé pour exprimer des idées telles que
la mort, l'espoir, la vie, etc.
La roue chromatique et ses catégories
Les couleurs jouent un rôle fondamental dans nos vies et dans

la façon dont nous réagissons à notre environnement. C'est la
propriété perceptuelle visuelle correspondant chez l'homme aux
catégories appelées bleu, vert, rouge et autres. Il existe deux types
principaux, les couleurs chaudes et froides.
De manière significative, une roue chromatique (également connue sous le nom de cercle
chromatique) est une représentation visuelle des couleurs disposées en fonction de leur relation
chromatique. Il s'agit d'une forme de cercle divisée uniformément en 12 segments qui affichent
des couleurs différentes en fonction de leur valeur pigmentaire. Il montre également la relation
entre les couleurs primaires, les couleurs secondaires et les couleurs complémentaires. D'autres
couleurs peuvent également être classées en fonction des éléments suivants :
Couleurs complémentaires . Ces couleurs sont opposées les unes aux autres sur la roue
chromatique. Parce qu’ils sont opposés, ils ont tendance à paraître vivants lorsqu’ils sont utilisés
ensemble. Lorsque vous associez des couleurs complémentaires, chaque couleur semble plus
visible. Des exemples de ces couleurs sont le rouge et le vert.
Couleurs analogues . Ces couleurs sont placées les unes à côté des autres sur la roue
chromatique. Ils ont tendance à paraître agréables ensemble car ils sont étroitement liés.
L'orange, le jaune-orange et le jaune sont des exemples de couleurs analogues.
Couleurs neutres . On les appelle parfois « tons de terre ». Ces couleurs n’apparaissent
généralement pas sur la roue chromatique. Les couleurs neutres comprennent le noir, le blanc, le
gris et parfois le marron et le beige.
Couleurs chaudes. Ces couleurs sont composées d’orange, de rouge, de jaune ou d’une
combinaison de ceux-ci. Les couleurs du coucher de soleil donnent une sensation de luminosité
et de chaleur.
Couleurs froides . Ces couleurs sont composées de bleu, de vert, de violet ou d’une
combinaison de ceux-ci. Ces couleurs vous font penser à des choses fraîches et paisibles, comme
le ciel d’hiver et les étangs immobiles.
Symbolisme et signification des couleurs primaires

Les couleurs peuvent affecter nos actions et nos émotions ainsi que la façon dont nous
réagissons à diverses personnes, choses et idées. De nombreuses études et écrits ont été réalisés
sur la couleur et son impact sur notre vie quotidienne.
Couleur rouge. Ceci est considéré comme le plus chaud de tous les types de couleurs. Il est
le plus choisi par les extravertis et l’un des meilleurs choix parmi les hommes. C'est une couleur
associée à la chaleur ardente et à la chaleur et qui a un fort symbolisme sur la vie et la vitalité. Il
est également essentiel à la vie humaine car :
un. Cela augmente l’enthousiasme et l’intérêt.

b. Cela donne plus d'énergie.
c. Cela renforce l’action et la confiance.
d. Cela nous protège des peurs et des angoisses.
Couleur bleue. C’est la couleur la plus calme, comme celle du ciel et de l’océan. C'est la
couleur de l'inspiration, de la sincérité et de la spiritualité et souvent la couleur choisie par les
conservateurs. Cette couleur est importante pour la vie humaine car :
un . C'est un signe de calme et de détente.

b. Il ouvre le flux de communication.
c. Cela élargit notre perspective dans l’apprentissage de nouvelles informations.
d. Cela implique la solitude et la paix.
Couleur jaune. Cette couleur est considérée comme la plus facile à reconnaître. C'est un
symbole de créativité et de vitalité intellectuelle. Il symbolise également la sagesse, le bonheur et
apporte conscience et clarté.
La couleur jaune est vitale à la vie humaine car :
un. Cela nous aide à prendre des décisions.

b. Cela nous soulage du burn-out, de la panique, de la nervosité, de l’épuisement.
c. Il aiguise notre mémoire et nos capacités de concentration.
d. Cela nous protège de la dépression .
Médiums en peinture
Il existe différents médiums dans les peintures utilisées aujourd’hui. Il permet de décrire les
éléments qui lient les couleurs dans la peinture (Martin, 2004). Voici des exemples de méthodes
utilisées en peinture :
1. Huile - C'est le type de peinture à séchage lent qui se compose de particules de pigment
en suspension dans des huiles siccatives telles que l'huile de lin, l'huile de pavot, l'huile
de carthame et l'huile de noix.

2. Pastel – C'est un support artistique sous la forme d'un bâton ou de crayons de couleur. Il
se compose d'une couleur pure en poudre et d'un liant. Le pastel sec peut être classé en
pastels tendres, pastels pan, pastels durs et crayons pastel.
3. Acrylique – Il s’agit d’une peinture à séchage rapide contenant une suspension de
pigments dans une émulsion de polymère acrylique qui devient résistante à l’eau une fois
sèche.
4. Aquarelle – C'est le support sur lequel les peintures sont constituées de couleurs en
suspension dans un véhicule soluble dans l'eau. Il est généralement transparent et semble
lumineux car les pigments sont déposés sous une forme relativement pure avec quelques
types de charges obscurcissant les couleurs des pigments.
5. Encre - C'est un liquide qui contient des couleurs et des colorants et qui est appliqué sur
une surface pour produire une image, un texte ou un dessin. C'est pour dessiner avec un
pinceau ou un stylo.
6. Encaustique – Il s’agit de cire d’abeille chauffée à laquelle sont ajoutées des teintures
colorées. La pâte est ensuite appliquée sur une toile à base de bois.
7. Fresque – Il s’agit de l’un des nombreux types de peintures murales connexes, exécutées
sur des murs, des plafonds ou tout autre type de surface plane. Le terme fresque vient du
mot italien « affresco » qui signifie « frais ».
8. Gouache – Il s’agit d’une peinture à base d’eau composée de pigments et d’autres
matériaux conçus pour être utilisés dans une technique de peinture opaque.
9. Émail – C'est une peinture qui sèche à l'air pour obtenir une finition durable,
généralement brillante et solide. Il est utilisé pour le revêtement de surfaces extérieures
ou autrement soumises à des variations de température.
10. Peinture en aérosol – C’est le type de peinture qui est livrée dans une bataille scellée
sous pression et libérée en un fin spray.
11. Tempera – Il s’agit d’un médium de peinture permanent à séchage rapide composé de
pigments colorés mélangés à un liant soluble dans l’eau.
Classifications des styles de peinture
Une partie du désir en matière de peinture, en particulier au 21e siècle, réside dans la variété
des styles artistiques disponibles. Le style en peinture a deux sens : il peut faire référence aux
éléments visuels, techniques et méthodes distinctifs qui caractérisent l'œuvre d'une personne, et
peut faire référence au mouvement ou à l'école associé aux artistes. Ces classifications incluent
les styles suivants :
un. Styles occidentaux
Abstraction . C'est un art de la peinture qui ne tente pas de représenter une représentation
précise d'une réalité visuelle mais utilise plutôt des couleurs, des formes, des formes et des
marques gestuelles pour obtenir son effet. Il peut être formé en réduisant le phénomène
observable, généralement pour ne conserver que les informations pertinentes pour un objectif
particulier.
Expressionnisme . On parle parfois de réalisme émotionnel . Dans ce style, les artistes

cherchaient à exprimer un sens ou une expérience émotionnelle plutôt qu’une vérité physique.

baroque . Il se caractérise par un dynamisme (une sensation de mouvement), qui est augmenté
par des effets extravagants (par exemple, des courbes prononcées, une décoration riche). Parmi
les peintres baroques les plus importants figurent le Caravage, Rembrandt, Rubens, Velazquez,
Poussin et Vermeer.
Impressionnisme . Il s'agit d'un type d'art présentant le sujet réel en mettant l'accent sur
l'impression laissée dans la perception de l'artiste, en particulier l'effet de la lumière sur l'objet
utilisé comme sujet.
Modernisme. Il se caractérise par un rejet prudent des styles du passé et met plutôt l’accent
sur l’innovation et l’expérimentation des matériaux et des techniques pour créer de meilleures
œuvres d’art.
b. Styles modernes
Réalisme . Il s’agit d’un style de peinture pratiqué avant l’invention de l’appareil photo, dans
lequel les artistes représentaient des paysages et des humains avec autant d’attention aux détails
et à la précision que possible. L'objectif premier de l'artiste est de décrire avec autant de
précision et de vérité que possible ce qui est observé.
Symbolisme . C'est un art qui représente le sujet de manière symbolique. Par exemple, le tableau
« Spolarium » de Juan Luna représente les souffrances du peuple philippin aux mains des
Espagnols. De nombreuses œuvres d'art incluses par certains écrivains qui couvrent l'ère
symboliste ont été réalisées au milieu du siècle, voire avant.
Fauvisme . Il fait référence à l'art qui utilise des couleurs primaires brillantes ou un éclairage
coloré sur des sujets tels que des images pour mettre l'accent sur le confort, la joie et les loisirs. Il
vient du mot français fauves, qui signifie « bêtes sauvages » (ce nom fait référence à un petit
groupe de peintres parisiens qui exposaient des œuvres remarquables par l'utilisation audacieuse
et expressive de la couleur pure).
Cubisme . Il s'agit d'une forme d'abstraction dans laquelle l'objet est d'abord réduit en cubes puis
aplati en formes bidimensionnelles. Il a été considéré comme le mouvement artistique le plus
influent et le plus puissant du XXe siècle à Paris, créé par Georges Braque et Pablo Picasso.
Surréalisme . C'est un type d'art dans lequel l'artiste crée des peintures oniriques remplies
d'objets mystérieux. C’est le contraire de l’abstraction qui tente de représenter l’esprit conscient
par des moyens non conventionnels.

a. Activité Find Me ( Crédit photo : http://www.blacksunsoftware.com/illusion.html )
Laissez les élèves trouver et encercler les objets cachés dans les tableaux ci-dessous.
Combien de visages humains voyez-vous

sur cette image ?
Saurez-vous retrouver tous les visages cachés

dans cette image ?
Pouvez-vous voir ce qui est caché dans cette

b. image ?
Peinture
Laissez les élèves dessiner/peindre n’importe quel objet sur une toile (n’importe quelle
taille), en utilisant différents supports et couleurs. Donnez-leur suffisamment de temps (jours)
pour terminer leur œuvre. Demandez-leur de montrer à la classe leurs résultats et d’expliquer
leur signification et leur signification.
TEST DE CHAPITRE

Nom : _____________________________________ Note : ________________
Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Essai : Répondez brièvement aux questions suivantes ci-dessous.
1. Quelles sont les différences entre les peintures à l'huile et acryliques ?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
2. Selon vous, quels sont les avantages de la peinture dans nos vies ?
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
3. Quelles sont les couleurs secondaires ? Comment se forment-ils ?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
4. Quel est le véritable objectif de la perspective dans l’art ? Expliquer.

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
5. Pourquoi la ligne est considérée comme l’élément le plus important en peinture ? Soutenez
votre réponse.
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
TEST DE CHAPITRE

Nom : _____________________________________ Note : ________________
Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Identification : Identifiez les éléments suivants répertoriés ci-dessous. Écrivez votre réponse
dans la case prévue à cet effet devant chaque numéro.
1. C'est un marquage continu réalisé par une pointe mobile.

2. Il dérive du spectre de la lumière
3. C'est le contraire de l'abstraction qui tente de représenter l'esprit
conscient par des moyens non conventionnels.
4. Il s’agit d’un type de peinture présenté dans un récipient sous
pression scellé.
5. Il s’agit de la pratique consistant à appliquer des couleurs ou un
autre support sur une surface plane.
6. Il s'agit d'une zone avec une limite définie créée par une variété de
couleurs, de valeurs ou de textures des zones adjacentes.
7. Cela fait référence à quelque chose qui a une signification
particulière ou un message spécial.
8. C'est une forme d'abstraction dans laquelle l'objet est réduit à des
cubes.
9. Un art dont les traits typiques sont de présenter le monde
uniquement d'un point de vue subjectif, en le déformant radicalement
pour que l'effet émotionnel évoque des humeurs ou des idées.
10. Il s'agit de l'œuvre d'art obtenue dans laquelle les peintures sont
constituées de pigments en suspension dans un véhicule soluble dans
l'eau.

Chapitre 6
Sculpture
"La sculpture est le meilleur commentaire
qu'un peintre puisse faire sur la peinture"
Pablo Picasso
1. discuter de l'origine de la sculpture ;

2. reconnaître l'importance de la sculpture;
3. démontrer des connaissances sur le type, le médium et la technique de la sculpture ;
4. démontrer une capacité à faire de la sculpture;
Tremplin
En guise d'activité préliminaire au sujet, l'enseignant posera aux élèves les questions suivantes :
1. Pourquoi les sculptures sont-elles réalisées puis exposées dans des bâtiments ou des
espaces publics ? Quelles histoires ou quels messages ces sculptures peuvent-elles nous
raconter ?
2. La sculpture est-elle meilleure que la peinture ? Pourquoi?
3. Si vous conceviez vous-même une sculpture en relief, quelle histoire raconteriez-vous ?
4. Imaginez que vous regardez une statue. Comment le décrivez-vous ? L’apparence de la
surface du matériau influence-t-elle vos sentiments ou vos pensées ? Comment?
Saisir
L'origine de la sculpture
S
La culture vient du mot latin sculpere qui signifie « sculpter ». Les outils utilisés en
sculpture sont variés et évoluent au fil de l'histoire. Elle engage nos sens différemment
des peintures car elle occupe l’espace comme une masse tridimensionnelle à travers la
sculpture, le moulage, le modelage ou l’assemblage de matériaux (Sheldon, 1968).
Elle a cherché à produire des œuvres d'art aussi permanentes et travaille des matériaux durables
et coûteux tels que le granite de bronze, le calcaire, le marbre et la pierre. Plus rarement, des
métaux précieux comme l'or, l'ivoire, le jade et l'argent étaient utilisés pour les œuvres
chryséléphantines. Des matériaux plus courants et moins coûteux étaient également utilisés pour
une consommation plus large, comme les métaux moulés, la céramique, le verre et les bois durs.

La sculpture est depuis longtemps l’une des formes les plus populaires des beaux-arts et l’une des
plus belles représentations de l’humanité. Il était également utilisé pour représenter des
préoccupations sociétales, telles que la moralité, la politique et la religion (Witcombe, 1997).
Pendant de nombreuses années, la sculpture a rempli de nombreux rôles dans la vie humaine. Par
exemple, la première sculpture a été réalisée pour fournir une aide magique aux pisteurs, pour
représenter des dieux et pour espérer rendre immortels leurs anciens rois.
Le but le plus courant de la sculpture dans l’Antiquité est associé à la religion. Différentes
images, comme un objet fabriqué par l'homme vénéré pour l'esprit, sont familières dans de
nombreuses cultures. L'une des sculptures les plus anciennes découvertes est une statuette en
ivoire, datant d'environ 30 000 avant notre ère, provenant d'une grotte de Hohlenstein-Stadel, en
Allemagne, appelée Löwenmensch (qui signifie « lion-humain »). Cette statue de la période
paléolithique mesure environ 12 pouces de hauteur et représente une figure humaine avec un
visage félin.
Une autre pièce de sculpture très emblématique et célèbre est « le Sphinx » d’Égypte. Cette
sculpture représente une image du pharaon Khafre et fait partie d'un complexe funéraire pour le
pharaon. La sculpture égyptienne et tout l'art égyptien reposaient sur la croyance en une vie après
la mort dans laquelle le corps de leur souverain (le pharaon) était soigneusement préservé et
enterré avec quelques biens avec lui pour subvenir à ses besoins pour toujours. Les Égyptiens
combinaient souvent les caractéristiques de diverses créatures pour symboliser des idées. Par
exemple, la tête du pharaon Khafré est ajoutée à la figure courbée d'un lion pour former le Grand
Sphinx. Ce type de chef-d’œuvre suggère la combinaison de l’intelligence humaine et de la force
animale. Le Grand Sphinx d'Égypte est une énorme sculpture en grès mesurant 240 pieds. Long
et 65' pieds. Haut.
Importance de la sculpture
La sculpture est une régénération perceptive de la réalité grâce à l'utilisation d'une forme
tridimensionnelle. En tant qu'œuvre d'art spécialisée, son objectif est d'illustrer un concept en
formant un équivalent visuel. La forme étant la caractéristique dominante des sculptures, le
corps humain et les animaux en ont été le sujet principal. Ils sont construits en utilisant le
bronze, l’argile et l’ivoire comme médiums.
De même, la réalisation de sculptures vise à exprimer des opinions religieuses, personnelles

et politiques. Ce type d’œuvre d’art vise à créer un sentiment de patriotisme, de fierté, de
grandeur et de respect spirituel. Les statues et sculptures ont toujours fait partie intégrante des
musées et de l’histoire de l’art. Ils deviennent de plus en plus populaires comme objets de
décoration dans les maisons privées et les bureaux. Les sculptures et les miniatures sont
également devenues plus populaires en tant qu’objets de décoration et, à long terme, comme
investissements artistiques précieux.
Types de sculptures

Buste . Un buste est une représentation sculptée et peinte de la partie supérieure de la figure
humaine comme la tête, le cou, les épaules, la poitrine ou la poitrine.
Statuette . Une statue est une sculpture grandeur nature ou de plus grande taille représentant une
personne ou un animal, en métal, en pierre ou en bois. La statue la plus haute du monde est le
Bouddha du Temple du Printemps , mesurant 128 mètres, dans le Henan, en Chine.
Architectural . La sculpture architecturale est une classification universelle utilisée pour décrire
une conception structurelle telle que des bâtiments, des ponts, une chambre funéraire et d'autres
grands projets. Il s'agit d'une marque de matériaux comprenant de la pierre sculptée telle que la
pierre brune, la fonte, la tôle de zinc pressée à la machine, la terre cuite, le béton et d'autres
fournitures architecturales.
Médium et techniques
Les techniques de sculpture ont pour objectif d'apporter un soutien pratique et technique à
travers plusieurs procédures. Ces processus sont soit additifs (matériau ajouté), soit soustractifs
(matériau retiré ou découpé). Les sculptures utilisent principalement quatre techniques de base,
à savoir :
Sculpture . Il s'agit d'une procédure dans laquelle les artistes découpent des objets jusqu'à
atteindre la forme souhaitée. Différents outils sont utilisés, en fonction des matériaux à sculpter
et de la statue vers laquelle le travail a progressé.
a. Sculpture sur pierre - C'est un type de sculpture qui demande de la patience et de la

planification. Il s'agit d'une activité de façonnage de morceaux de pierre naturelle brute
grâce à l'utilisation d'outils manuels essentiels comme un marteau et un burin.
b. Sculpture sur bois – C'est l'art de façonner des objets en bois à l'aide d'outils de coupe.
Cela se fait à l'aide d'un couteau à découper spécialisé (utilisé pour couper ou lisser le
bois), d'une scie trancheuse (utilisée pour couper des morceaux de bois), d'un ciseau
(utilisé pour tracer des lignes et de nettoyer des surfaces planes) et d'une gouge (utilisée
pour sculptant des creux, des ronds et des courbes amples).
Casting . Le moulage est une méthode par laquelle un matériau liquide est généralement versé
dans un cadre ou un motif contenant une cavité creuse de la forme souhaitée, puis laissé durcir. Il
en existe deux types, à savoir :
a. Coulée de verre - Il s'agit d'une activité de façonnage de morceaux de pierre naturelle

brute grâce à l'utilisation d'outils manuels essentiels comme un marteau et un ciseau.
b. Coulée en barbotine - Il s'agit d'une technique de production en série de poteries, en
particulier pour les formes difficiles à réaliser au tour.
Moulage . Le moulage de la sculpture est un processus additif. Il s'agit du travail manuel de

matériaux souples ou plastiques (comme l'argile et la cire) pour les construire ou les façonner
afin de créer une forme.

Assemblage . L'assemblage est un processus additif consistant à rassembler et à assembler
différents matériaux pour créer une œuvre d'art assemblée. Un exemple d'assemblage est le
réseau de tubes en acier inoxydable soudés et sablés de Martin Puryear dont les joints sont liés
entre eux par des brins d'argent et de bronze breveté.
Termes de base de la sculpture
un. Armature - Il s'agit d'un cadre en forme de squelette utilisé pour soutenir la construction en
papier mâché, généralement en fil de fer rigide.
b. Assemblage - Il s'agit d'un assemblage artistique tridimensionnel de divers matériaux, souvent
provenant de chutes, de déchets ou de divers objets naturels ou fabriqués par l'homme.
c. Base - C'est la partie de l'œuvre sur laquelle repose la sculpture.
d. Artisanat - C'est une compétence avec laquelle on utilise des outils et des matériaux pour
produire de l'art.
e. Plâtre de Paris - C'est une excellente poudre blanche qui durcit lorsqu'elle est mélangée à
l'eau.
F. Autoportant – Il s’agit d’une méthode lorsqu’une sculpture est destinée à être vue de tous les
côtés.
h. Manipulation - Il s'agit d'un processus de mise en forme d'un objet par un ouvrier qualifié.
je. Réplique – Il s’agit d’une reproduction précise d’une œuvre d’art.
_____________
a. Galerie de sculptures
Première partie : Création de la sculpture humaine
Procédures:
1. Divisez la classe en 5 à 6 groupes. Dans chaque groupe, un ou deux étudiants sont « l’argile »
et d’autres sont les « sculpteurs ».
2. Les sculpteurs « sculptent » leurs modèles dans les statues de leurs styles. Les sculpteurs
peuvent physiquement déplacer leurs modèles dans une position différente.
3. Les sculpteurs peuvent prêter attention même aux petits détails comme la position des
doigts ou l’expression du visage du modèle.
4. Une fois les sculptures terminées, elles gèlent. Si la position est difficile à tenir, la «
sculpture » peut se détendre, puis se repositionner lorsque le « tour » arrive.
Deuxième partie : Visite de la galerie
5. Une fois que tous les artistes ont terminé leur œuvre, l’enseignant fera faire à la classe une «
visite de la galerie ». Les spectateurs se rendent devant chaque œuvre et l'artiste qui l'a
réalisée s'avancera et expliquera son chef-d'œuvre à la classe.

b. Sculpture en argile
L’argile est un matériau facile à utiliser et conventionnel utilisé pour réaliser des sculptures.
Un four peut être utilisé pour durcir le matériau mais ce n'est pas nécessaire.
Instructions:
1. Prenez une photo ou dessinez l'objet réel que vous allez sculpter devant vous.
2. Assurez-vous d'avoir le matériel nécessaire pour construire une sculpture. Vous aurez
besoin de pâte polymère, de papier d'aluminium, de fil métallique et d'outils de sculpture.
Vous pouvez acheter ces fournitures dans un magasin d’art/artisanat.
3. Commencez à construire la charpente porteuse de votre objet dans laquelle vous
appliquerez l'argile. Vous pouvez réaliser cette structure de support en froissant 18
pouces de papier d'aluminium. Cela servira de plate-forme de base. Si vous sculptez un
animal ou un être humain, l’aluminium peut servir de base au corps. Façonnez le bas pour
qu'il apparaisse comme le torse du corps.
4. Coupez des bandes de fil et insérez-les dans le papier d'aluminium. Le fil sera placé à un
endroit où un support est nécessaire. Par exemple, vous pouvez utiliser le fil comme
mains et jambes. Pliez le fil pour façonner les appendices.
5. Vous pouvez choisir d'ajouter de l'argile au fil si vous souhaitez des appendices fins. Si
vous souhaitez des attaches épaisses, ajoutez plus de papier d'aluminium, puis ajoutez
l'argile.
6. Coupez le bloc d'argile. Pétrir l'argile jusqu'à ce qu'elle devienne flexible. Appliquez
l'argile sur la feuille de câblage. Assurez-vous que l'argile s'applique en douceur et couvre
toutes les taches. Utilisez vos doigts pour comprimer l'argile.
7. Utilisez des outils de sculpture en argile pour ajouter des fonctionnalités à votre
sculpture. Ajoutez des traits du visage et leurs détails.
8. Façonnez et ajoutez des pieds à votre sculpture avec de l'argile.
9. Mettez votre sculpture dans un four. La plupart des petites sculptures peuvent être mises
au four à 275 degrés pendant environ 30 minutes.
c. Sculptures de savon
La sculpture sur savon est une façon de créer des sculptures à partir d’un pain de savon.
Contrairement à la sculpture sur bois, qui est plus dangereuse et ne doit être réalisée que par des
personnes qualifiées, tout le monde peut profiter des créations sculptées à partir de savon. La
sculpture de savon créative peut ensuite être exposée ou utilisée comme savon.
Outils requis :
Savon en barre
Crayon
Outil de sculpture (couteau, lame de coupe, cuillère, bâton de popsicle)
Journal

Instructions:
1. Choisissez un pain de savon. Une barre plus grande est plus facile à tenir et donne plus
de matière à travailler dans la zone bien couverte. Les outils que vous utiliserez pour
sculpter le savon sont des crayons, des bâtons d'artisanat (ceux qui ressemblent à des
bâtons), des cure-dents et éventuellement une fourchette ou d'autres outils (selon le
design que vous avez en tête).
2. Choisissez un outil à utiliser. Des bâtons de glace, des couteaux ou des cuillères en
plastique peuvent être utilisés comme de simples outils de sculpture. Commencez par
tenir doucement le savon dans votre main libre, en veillant à ne pas le tenir trop fort,
sinon vous pourriez l'écraser ou le surchauffer.
3. À l’aide de votre crayon, dessinez très légèrement les principales parties de votre dessin
directement sur le savon. Vous pouvez également utiliser un marqueur permanent à
pointe fine, bien que certains types de marqueurs puissent être absorbés par le savon.
Décidez du design particulier que vous souhaitez réaliser.
4. Prenez l'un de vos bâtons de bricolage et, en effectuant des mouvements doux mais
fermes, commencez à gratter de petites portions du pain de savon.
5. Au fur et à mesure que vous commencez progressivement à donner au savon la forme
souhaitée, utilisez des cure-dents, des fourchettes ou d'autres articles ménagers pour créer
une œuvre ou une surface détaillée.
6. Pour lisser les aspérités de votre savon, utilisez vos doigts. La chaleur de votre corps
servira à ramollir le savon, facilitant ainsi la création d'une surface lisse.
7. Une fois que vous avez terminé votre sculpture de savon, rangez-la dans un endroit frais
et sec.
d. Devoirs:
1. Demandez aux élèves de dresser une liste et de dessiner des exemples de sculptures qu’ils
voient chez eux ou dans leur communauté. Demandez-leur d'écrire une description concise de
la sculpture (forme, dimensions, ce qu'elle représente ou qui elle représente et pourquoi elle a
été réalisée).
2. Demandez à vos élèves d'identifier les sculptures publiques de la région ou du centre-ville.
Quand et pourquoi ces sculptures ont-elles été réalisées ? Que nous disent-ils ? Comment les
gens réagissent-ils à leur égard ? Font-ils une différence pour la région environnante ?

TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Essai : Répondez aux questions suivantes de manière concise.
1. Pourquoi la sculpture est-elle considérée comme l’une des formes les plus populaires des
beaux-arts ? Expliquer.
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___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
2. Quelles sont les interprétations communément exprimées en sculpture ?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
3. Si vous êtes sculpteur, quelle technique et quel médium préférez-vous ? Pourquoi?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________

4. Quels sont les objectifs d’un artiste lorsqu’il crée une sculpture ? Expliquer.
__________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________
5. Expliquez comment la sculpture est associée à la religion et à l'armée ?

__________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Identification : Identifiez les éléments suivants répertoriés ci-dessous. Écrivez la bonne réponse
dans l’espace prévu avant chaque chiffre.
1. Il s’agit d’un petit groupe de figurines féminines de Vénus trouvées

dans toute l’Europe centrale.
2. Il s'agit d'un processus soustractif par lequel la matière est
systématiquement éliminée de l'extérieur.
3. C’est une forme de travail du bois à l’aide d’outils de coupe.
4. C'est un objet fabriqué par l'homme et vénéré pour l'esprit qu'il
représente.
5. C'est une sculpture en ronde-bosse représentant une ou plusieurs
personnes ou
animaux.
6. Il s’agit de la copie ou de la reproduction exacte d’une œuvre d’art.
7. Il s'agit d'une représentation sculptée ou moulée de la partie

supérieure d'une figure humaine représentant la tête et le cou d'une
personne.
8. C'est un type de sculpture dans lequel des objets sont suspendus et
équilibrés dans les airs.
9. Il désigne la partie de l’œuvre sur laquelle repose la sculpture.
10. C'est le mot latin de sculpture qui signifie « sculpter ».
Chapitre 7
La photographie
« La photographie est une manière de ressentir, de
toucher, d’aimer. Ce que vous avez filmé est capturé
pour toujours… il se souvient de petites choses,
longtemps après que vous ayez tout oublié.
Aaron Siskind
A la fin du chapitre, les étudiants doivent être capables de :
1. reconnaître l'histoire et l'importance de la photographie;

2. apprécier le « rôle du tiers » en photographie ;
3. discuter des types de photographie ;
4. démontrer une compréhension des composants et fonctionnalités essentiels d’une
caméra ; et
5. afficher une capacité à faire de la photographie
Tremplin

suivantes :
1. Pourquoi les gens prennent-ils des photos ?

2. Pensez-vous que la photographie de nu est une expression artistique ou une expression
sensuelle ? Pourquoi ou pourquoi pas?
3. Pensez-vous qu'une personne doit posséder du talent pour capturer l'émotion et
l'expression dans une image ? Pourquoi ou pourquoi pas?
4. Croyez-vous à l’expression « Une photo vaut mille mots ? Pourquoi ou pourquoi pas?
Saisir
L'origine de la photographie
T
Le mot photographie vient de deux mots grecs photos ou phos , pour « lumière » et
graphe , pour « lignes » ou « dessin ». Par conséquent, la photographie est décrite
comme l’art de créer ou de dessiner des images durables en enregistrant la lumière à
l’aide d’un film photographique ou d’un capteur d’image (Spencer, 1973). Il a été
inventé pour la première fois par Sir John Herschel lors d'une conférence devant la Royal Society
de Londres, le 14 mars 1839. Il est devenu un puissant moyen de communication et un mode
d’expression visuelle qui touche la vie humaine de nombreuses manières (Eder, 1945).
Importance de la photographie
Nous avons toujours voulu reproduire le monde qui nous entoure, en commençant par les
dessins rupestres, en passant par la peinture sur toile et finalement jusqu'à l'invention de la
photographie. Nos photographies racontent tellement de choses sur qui nous sommes en tant
qu'individus. Il raconte ce que nous trouvons beau, fascinant, drôle, délicieux, significatif,
inspirant. Cela nous permet de mettre en valeur notre style, nos intérêts, nos relations et nos
aventures, pour marquer le passage du temps. La photographie a été utilisée dans la publicité,
dans les livres, les magazines, les journaux, à la télévision et dans la recherche pour transmettre
des informations et faire la publicité de produits et services.
L'ère numérique de la photographie
Jusqu’à nos jours, la photographie était une forme d’art assez problématique à entretenir. On
peut avoir des appareils photo avec des objectifs différents, une mise au point manuelle et des
réglages compliqués. Cependant, avec l’avènement des appareils photo numériques, toute cette
complexité a disparu. Les appareils photo numériques ont une manière différente de sauvegarder
les images. Au lieu d'utiliser un film, il utilise un capteur pour enregistrer les images sur une
carte mémoire numérique ou sur un stockage interne ((Tolmachev, 2010 ; Ma, 2017).
La photographie numérique est l'art de manipuler et de produire des images numériques. Il

utilise des photodétecteurs électroniques pour capturer l'image focalisée par l'objectif. L'image

capturée est stockée sous forme de fichier informatique prêt pour le traitement numérique, la
visualisation et la publication.
La technique photographique est née entre le début et le milieu des années 1600. Tout a
commencé avec le prédécesseur de la caméra, connu sous le nom de camera obscura (un mot
latin qui signifie « pièce sombre »). C'était une boîte dans laquelle, lorsque la lumière traversait
le trou d'épingle, elle formait une image sur le verre. Les artistes célèbres de la Renaissance
qui utilisaient l'obscura étaient Léonard de Vinci et Michel-Ange.
Dans les années 1820, Joseph Niepce, un scientifique français améliore la lithographie , une
méthode de technique d'impression qui repose initialement sur l'immiscibilité de l'huile et de
l'eau. Joseph a découvert un moyen de copier des gravures sur verre en utilisant divers matériaux
(principalement du bitume, un asphalte réagissant à la lumière). Lorsque la lumière traversait le
papier, elle brûlait une image dans du bitume sombre, ce qui créait une image presque identique
à l'originale.
En 1900, la photographie devient accessible à tous. Sa renommée a commencé avec George

Eastman , fondateur de la société Eastman Kodak. Le premier appareil photo ouvert au public fut
le Kodak n°1.
Le 17 octobre 1969, Willard Boyle et George Smith des Laboratoires Bell ont inventé le
dispositif à couplage de charge (CCD), un type de capteur utilisé pour capturer une image en
captant la lumière et en la traduisant en données numériques.
En décembre 1975, la première tentative enregistrée de construction d'un prototype

d'appareil photo numérique a été réalisée par Steven Sasson , ingénieur chez Eastman Kodak.
Cet appareil photo pesait 9 livres et peut enregistrer des images en noir et blanc sur une cassette.
Pour visualiser les photos, les ingénieurs de Kodak ont dû développer un écran unique. Il a pu
capturer une image de 0,01 mégapixel (10 000 pixels) et a mis 23 secondes pour enregistrer une
copie sur la bande.
En 1988, le premier véritable appareil photo numérique capable d'enregistrer des images
sous forme de fichier informatisé a été produit par le Fuji DS-1P. Au cours de cette année, les
premières normes JPEG et MPEG ont été fixées. Ces normes ont mis en place un format
universel permettant de stocker des images (JPEG) et des vidéos (MPEG) sous une forme
compressée pouvant être enregistrée sur une carte mémoire interne de 16 Mo.
En 1990, le modèle Dycam est devenu le premier appareil photo numérique disponible dans
le commerce. Elle a également vendu le Logitech Fotoman. Il utilisait un capteur d'image CCD
(Charge Couple Device), stockait les images numériquement et se connectait directement à un
ordinateur pour les télécharger (Said, 1990).
Composition de la règle des tiers
L'un des principaux facteurs qui différencient une superbe photographie d'une photo
ordinaire est la composition, ou la façon dont les objets/sujets sont placés dans la photo. La règle

des tiers est une excellente technique de composition pour rendre les photos plus dynamiques et
plus excitantes. C'est aussi une règle de composition pour la peinture et la photographie.
La règle des tiers est également connue comme la ligne directrice qui s'applique au
processus de composition d'images visuelles comme dans la peinture, les dessins et les
photographies (Meech, 1991). L'instruction propose que l'image soit visualisée comme divisée en
neuf parties égales par deux lignes horizontales équidistantes et deux lignes verticales
équidistantes, et que ces éléments de composition essentiels soient placés le long de ces lignes.
Les partisans de la méthode affirment qu'aligner un sujet sur ces points crée plus de composition,
d'énergie et de tension (Peterson, 2003).
La règle des tiers affirme qu'une image est plus agréable lorsque ses sujets se trouvent en
équilibre le long de lignes imaginaires qui divisent verticalement et horizontalement l'image en
tiers. Elle s'applique en alignant un sujet avec les lignes directrices et leurs points d'intersection,
en plaçant l'horizon sur la ligne supérieure ou inférieure (Krages, 2005).
De même, l’utilisation de la règle des tiers permet de produire des images bien équilibrées et
agréables à regarder. De plus, comme vous devez disposer les éléments par rapport aux bords du
cadre, cela permet de se débarrasser du syndrome des petits sujets entourés d'un vaste espace.
Types de photographie
La photographie est l’un des passe-temps favoris dont beaucoup d’entre nous rêvaient. Une
photographie vaut certainement mille mots et a le pouvoir de transmettre une toute nouvelle
signification à une condition particulière. Différentes images sont réalisées pour partager ses
caractéristiques uniques de sélectivité, d'instantanéité et de crédibilité (Barrett, 2007). Il existe
plusieurs types de photographie et donc plusieurs types de photographes. Les différents types de
photographie nécessitent des techniques variées et les types de photographes utilisent leur talent
dans leur domaine d'expertise méticuleux. Voici quelques styles de photographie standards qui
occupent une place importante dans le monde créatif.
Photographie aérienne – Il s’agit de la prise de photographies du sol depuis une position élevée.
Elle s'acquiert grâce à l'utilisation d'une caméra spécialisée montée comme sur des avions à
voilure fixe, des hélicoptères, des drones, des ballons, des cerfs-volants, des parachutes, etc.

Astrophotographie - Elle se concentre entièrement sur la prise d'images depuis l'espace. Ce type
peut varier des planètes aux étoiles ou à toute autre configuration intéressante.
Photographie commerciale - Il s'agit d'un travail photographique réalisé à des fins

commerciales, comme des brochures et dépliants d'entreprise, des menus dans des cafés et des
restaurants, des publicités dans des magazines, du marchandisage et du placement de produits. Il
en existe différents types tels que :
a. Photographie publicitaire - Ce type de photographie est utilisé pour mettre en valeur un

produit, un service, une marque ou un individu, dans la publicité imprimée (telle que les
magazines, les journaux, les dépliants, etc.).
b. Photographie d'architecture et d'intérieur - Cette photographie est utilisée pour capturer

des images de structures et de beauté d'un espace intérieur dans lequel les photographes
utilisent des techniques d'éclairage pour attirer les clients.
c. Photographie automobile - Cette photographie est utilisée par les constructeurs
automobiles et les concessionnaires pour promouvoir des voitures neuves ou existantes,
sensibilisant ainsi la clientèle potentielle aux caractéristiques et aux avantages d'une
voiture.
d. Photographie culinaire – Cette photographie est une catégorie spécialisée de
photographie commerciale utilisée pour capturer des images de diverses cuisines et
menus dans un style attrayant.
e. Photographies de bijoux - Cette photographie est utilisée pour mettre en valeur de belles
images de bracelets, colliers, bagues et autres bijoux.
f. Photographie journalistique - Cette photographie est l'art de prendre des photos
considérées comme attrayantes et associées à des sujets d'actualité, pour étayer l'actualité
ou le reportage.
g. Photographie de produit – Cette photographie est utilisée pour capturer d’excellentes
images afin de représenter de manière attrayante un produit dans la publicité. Cela inclut
parfois des personnes dans le cadre du produit. Cela incite les gens à voir quelqu'un qu'ils
connaissent ou un visage qui est sympathique à un produit.
h. Photographie sportive - C'est un type de photographie utilisé pour rédiger des actualités
sportives, en utilisant d'excellents appareils photo qui prennent des photos nettes des
joueurs en action.
Photographie d’art – Elle fait référence à des images hautement créatives qui ont une influence
abstraite. Ces photographies peuvent être égales à l'expression d'un artiste sur la peinture.
Photographie médico-légale – Elle est également connue sous le nom de photographie de scène
de crime , dans laquelle le travail du photographe consiste principalement à capturer des images
pour une représentation précise de la scène du crime.
Photographie de tête – Ce type de photographie se concentre principalement sur le visage de la

personne. Ceci est également connu sous le nom de photos d'identité judiciaire .

Macrophotographie – Ce type de photographie concerne des images en gros plan d’un sujet
spécifique. Il est couramment utilisé principalement pour capturer des détails sur des organismes
ou sur la nature qui peuvent ne pas être visibles à l'œil nu.
Photographie de nature – Elle englobe toutes les formes de photographie dont le sujet principal
a quelque chose à voir avec la nature. Il se concentre sur les paysages, la faune, la vie sous-
marine et végétale telles qu’elles sont dans leur environnement naturel.
Photographie de nu – Il s’agit de la représentation du corps humain sous sa forme nue.
Photographie de portrait – Il s’agit de capturer l’humeur d’une personne, en mettant l’accent

sur son visage et son expression.
Photographie de nature morte – Il s’agit de capturer des objets sur l’appareil photo qui sont
délibérément regroupés pour créer une composition particulière. Cela nécessite que le
photographe possède une excellente technique d’éclairage.
Photographie de rue – Il s’agit de capturer des images franches de lieux publics ou même de
personnes dans leur élément naturel. Cela nécessite du photographe la capacité de se mêler aux
gens et de réaliser les meilleurs clichés.
Photographie de voyage – Il s’agit de capturer des images d’un paysage, de traditions et de

coutumes particulières ou même de personnes de différents endroits.
Composants et fonctionnalités essentiels d'une caméra
Les appareils photo sont des appareils utiles et utilisés dans le seul but de capturer des
images fixes, que ce soit pour les loisirs ou pour la sécurité. Toute caméra possède des éléments
fondamentaux qui sont essentiels à son fonctionnement (Dachis, 2001). Certains composants et
fonctionnalités essentiels d’une caméra sont les suivants :
1. Ouverture - Il s'agit d'une ouverture dans laquelle la lumière passe et peut être ajustée
pour contrôler la quantité de lumière qui atteint le capteur d'image.
2. Flash intégré - Il est utilisé pour capturer une photo de vues faiblement éclairées. Il peut
se déclencher automatiquement dans certains modes.
3. Corps . C'est le boîtier de la caméra.
4. Bouton de sélection du point AF - Il est utilisé pour sélectionner la position pour définir
la mise au point (le collimateur AF) pendant la prise de vue AF.
5. Griffe flash - Il s'agit de la section du haut de l'appareil photo utilisée pour fixer un flash.
6. Objectif - C'est l'œil de l'appareil photo.
7. Monture d'objectif - C'est la section permettant de connecter l'objectif interchangeable au
boîtier de l'appareil photo.
8. Index de monture d'objectif - Il s'agit d'une marque d'alignement sur l'objectif et sert de
base lorsque vous fixez ou retirez un objectif.
9. Bouton de déverrouillage de l'objectif - C'est un bouton utilisé lorsque vous souhaitez
déconnecter l'objectif.

10. Prise de vue Live View (commutateur de prise de vue vidéo) - Il est utilisé pour activer
ou désactiver la fonction Live View.
11. Bouton MENU - Il est utilisé pour afficher le menu permettant de régler les différentes
opérations de la caméra.
12. Touche multi-contrôleur - Elle est utilisée pour se déplacer entre les éléments du menu
ou pour déplacer l'affichage agrandi vers un point différent pendant la lecture de l'image.
13. Retardateur - Il est utilisé pour retarder le temps entre la pression sur le déclencheur et la
prise du sujet par l'appareil photo.
14. Bouton de déclenchement – C'est le bouton que l'on trouve sur de nombreux appareils
photo utilisés pour prendre des photos.
15. Vitesse d'obturation - Indique l'intervalle de temps pendant lequel l'obturateur est ouvert.
16. Oculaire du viseur - Il est utilisé pour visualiser l'image du sujet que vous souhaitez
capturer.
un. Règle des tiers

Une image peut être divisée également par deux lignes verticales et deux lignes horizontales.
En général, les quatre interactions de ces lignes seront l'endroit le plus excitant pour le(s) sujet(s)
principal(s). Les quatre lignes et leurs intersections sont les points d'intérêt, et c'est là que vous
devez placer votre sujet pour créer plus d'équilibre dans vos photos.
Appliquez la règle des tiers dans ces images ci-dessous en y mettant le quadrillage en
mettant l'accent sur les sujets. ( Crédit photo : l'auteur est propriétaire de toutes les photos ci-dessous )
b . Visite photographique du campus
Après avoir donné les théories de base de la photographie, la classe fera une visite à pied du
campus de l'école et devra prendre des photos illustrant divers concepts tels que la règle des tiers,

l'exposition diurne standard, la profondeur de champ et le contre-jour, etc. Une fois les images
capturées imprimées, la classe créera un tableau d’affichage et identifiera les photos qui ont suivi
les directives photo appropriées.
c. Reportage photo
Laissez les élèves créer un essai photographique qui raconte une histoire significative sur la
vie de l'élève représentée par des photographies. L'article doit contenir au minimum 5 et au
maximum 10 images qui doivent être montées sur un tableau d'illustration. Les élèves écriront
des légendes pour chaque photo.
TEST DE CHAPITRE

Nom : _____________________________________ Note : ________________
Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Analyse de l'image : Regardez attentivement l'image. Faites-en votre titre et expliquez votre
réflexion à ce sujet. ( Crédit photo : l'auteur est propriétaire de l'image ci-dessous ).
Titre: ________________________________________________________________________
Réflexion:
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Chapitre 8
Musique
« La musique a le pouvoir de former le caractère
et devrait donc être introduit dans le
Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général l’éducation des jeunes.Pages » | 69
Aristote
1. reconnaître l'origine et l'importance de la musique ;

2. apprécier le rôle de la musique dans nos vies ;
3. discuter des éléments essentiels de l'écriture de chansons ;
4. démontrer une compréhension des différents genres musicaux ;
5. démontrer une compréhension de la classification des instruments de musique ; et
6. afficher une capacité à composer des chansons.
Tremplin
suivantes :
1. Parmi les chanteurs internationaux, nationaux et locaux, quel style préférez-vous ?

Pourquoi?
2. En tant qu'artiste, quel(s) instrument(s) considérez-vous comme le meilleur pour participer
à un concert musical ? Pourquoi?
3. Expliquez ce dicton : « La musique est la voix harmonieuse de la création ; un écho du
monde invisible.
Saisir
L'origine et l'importance de la musique
T
Le mot « musique » vient du mot grec mousike, qui signifie « art des muses ». C'est
l'art d'arranger les tons de manière ordonnée pour produire une composition unifiée et
continue. Les éléments communs de la musique sont la hauteur (qui régit la mélodie et
l'harmonie), le rythme (et ses concepts associés de tempo, de mesure et d'articulation),
la dynamique et les qualités sonores du timbre et de la texture .
Pour de nombreuses personnes de cultures différentes, la musique fait partie intégrante de
leur mode de vie. C'est un art qui rassemble les sons d'une manière que les gens aiment. La
plupart des musiques incluent des personnes chantant avec leur voix ou jouant d'un instrument de
musique, comme la batterie, le piano, la guitare et autres.

Lorsque la musique est écrite sur une portée, les hauteurs (tonalités) et leur durée sont
représentées par des symboles appelés notes. Ces symboles sont placés sur les lignes et dans les
espaces entre les lignes. Chaque position indique quelle tonalité doit être jouée. Plus la note est
haute dans la portée, plus la hauteur du ton est élevée. Plus les notes sont basses, plus la hauteur
du ton est basse.
La musique peut également être écrite, en les

nommant comme dans le solfa « Do, Re, Mi, Fa, Sol,
La, Si/Ti, Do ». Le tableau suivant montre comment
chaque note est représentée dans la notation
standard ou les accords. Cette notation a été faite
pour rendre le cours sur les notes de musique simple
et facile à lire.
Quel est le rôle de la musique dans nos vies ?

L’art et la musique sont des fonctions humaines fondamentales et des éléments essentiels de
la vie humaine. Sans musique, notre vie est perdue, incertaine et probablement incapable
d'exprimer nos émotions (Galindo, 2003). D'après des études, la musique peut être un bon
moyen d'aider notre imagination à atteindre de nouveaux sommets. Il touche notre âme et nous
permet d'exprimer différentes humeurs et émotions. Cela inspire les gens et nous permet d’entrer
en contact avec nos sentiments d’une manière unique. Elle permet à notre corps et à notre esprit
de rompre avec la monotonie de la vie.
De même, la musique peut enflammer l’esprit. Il peut inspirer des sentiments humains ordinaires
et combler le fossé entre les cultures. Elle touche notre être émotionnel et fait apparaître des
émotions parfois difficiles à articuler. Cela peut être notre journée heureuse ou excitée.
Les éléments de la musique
La musique est un art très utile qui trouve son origine dans la nature et a été adopté par
l’humanité comme moyen d’expression. Il a le pouvoir d’influencer les aspects émotionnels et
psychologiques du comportement. Il comporte des éléments majeurs, à savoir :
1. Harmonie (du grec harmonia, signifiant « joint ou accord ») – fait référence à la
verticalisation de la hauteur. On pense souvent qu’il s’agit de l’art de combiner des
hauteurs en accords. Ces accords sont généralement organisés en modèles ressemblant
à des phrases appelés progressions d'accords .
2. Clé - C'est ce qu'on appelle la tonalité, un principe de composition musicale selon lequel
à la fin du morceau il y a un sentiment d'achèvement en revenant à la tonique.
3. Mélodie (du grec melodia , qui signifie « chanter » ou « chanter ») - Il fait référence à
l'air d'une chanson ou d'un morceau de musique.
4. Hauteur - Il fait référence à la propriété perceptuelle qui permet d'ordonner les sons sur
une échelle liée à la fréquence, soit en relative bassesse, soit en hauteur.
5. Rythme- Il vient du mot grec rythmos, qui signifie « tout mouvement récurrent régulier
». C'est la structure du son dans le temps et les battements de la musique.

6. Tempo- Il s'agit de la vitesse (lente ou rapide) d'un morceau de musique donné.
7. Texture – Cela fait référence à la façon dont les matériaux harmoniques sont combinés
dans une composition. Elle peut être monophonique (une seule ligne mélodique),
polyphonique (deux ou plusieurs lignes mélodiques) et homophonique (la mélodie
principale accompagnée d'accords).
8. Timbre - Il fait référence à la qualité du son (tonalité) qui distingue une voix ou un
instrument d'un autre.
Les essentiels de l'écriture de chansons
La chanson est une composition pour une ou plusieurs voix, interprétée en chantant. Les
instruments de musique peuvent accompagner une chanson ou non, comme dans le cas des
chansons cappella. Il peut s'agir d'un chanteur solo, d'un duo, d'un trio ou d'un ensemble plus
large impliquant plus de voix. Les chansons comportant plus d’une voix par partie sont
considérées comme des œuvres chorales. La plupart des techniques d'écriture de chansons
concernent ce que vous devez faire pour réussir. Vous trouverez ci-dessous les éléments
essentiels communs à l’écriture de chansons (Kamien, 1997).
Disposition . L'arrangement en musique est considéré comme une reconceptualisation d'une
œuvre préalablement composée. Il comprend l'ordre dans lequel les sections de musique sont
placées (par exemple, intro-couplet-refrain-couplet-refrain) et l'organisation de l'instrumentation,
du chant ou d'autres parties de la musique qui composent la chanson.
Battement et rythme . Le rythme est la vitesse ( tempo ) de la chanson qui amène l'auditeur à se
sentir rapide ou lent. D’un autre côté, le rythme est le rythme produit par les différents
instruments tels que la basse, la batterie et la guitare.
Accords (progression d'accords ) . Il fait référence à tout ensemble harmonique de hauteurs
utilisé pour accompagner la mélodie de la chanson. Il se forme lorsque plusieurs hauteurs (notes
sur un instrument de musique) sont placées ensemble sur une portée (une partition). Il existe
différentes variétés, notamment les accords augmentés, les accords majeurs, les accords mineurs,
les accords diminués, les accords de septième et les accords napolitains.
Concept (histoire) . Toutes les chansons ont une histoire ou un concept. En règle générale, le
titre de la chanson transmettra l'essence de cette idée d'histoire et les mots (paroles) exposeront
cette idée.
Genre et style . Le genre de la chanson, comme la pop, le rock ou la country, est établi par le
rythme de la chanson. La qualité de la chanson s'écarte du genre, comme la musique alternative,
hip-hop, punk rock ou autre.
Longueur . La durée d'une chanson est toujours prise en compte, en fonction de son utilisation.
Ils peuvent être plus courts ou plus longs, mais c'est la durée typique des arrangements musicaux
d'aujourd'hui.
Paroles . Ce terme vient du mot grec lyrikos , qui signifie « chanter sur la lyre ». Il décrit un
concept de thème qui rime dans les sections musicales.

Mélodie . La mélodie est l'harmonie de la chanson que vous jouez ou chantez. C'est la ligne
principale de la musique que vous créez et la base de la chanson.
Sections de chansons . Les chansons sont divisées en sections ou composants tels que l'intro, le
couplet, le refrain, le pont, les breaks principaux , etc.
Les différents genres musicaux

Participer à un événement musical avec des personnes passionnées par la musique et
appréciant le même genre de chansons et de sons peut être une bonne expérience. Les genres
peuvent parfois être une manière agréable de travailler avec d’autres personnes et de faire
découvrir à de nouveaux fans la musique que vous produisez.
La musique est une forme d'art et un son organisé. Il exprime nos émotions de manière
harmonieuse et agréable. Différents genres de musique aident à apaiser l'âme perturbée dans le
développement de la concentration et nous encouragent à vivre notre vie avec joie. Certains
types de musique sont les suivants :
Musique classique . La musique classique est une forme de composition sophistiquée car elle
nécessite des compétences telles que l'apprentissage de la capacité de se coordonner avec d'autres
musiciens.
Musique folklorique. Ce type de musique reflète les émotions des gens ordinaires. La
musique culturelle et la musique populaire sont les deux sous-genres de la musique folklorique.
Funk .Cette musique est devenue connue à la fin des années 1960. Le funk a fait du rythme
l'élément le plus important tout en minimisant la mélodie.
Musique hip-hop . La musique hip-hop inclut toujours l'utilisation d'un instrument tel que la
basse, la batterie, la guitare, le piano, le violon et le violon. Dans ce type de musique, la basse
est l'instrument principal. Cela peut être utilisé à différentes intensités pour exprimer des
sentiments de colère ou de fierté.
Jazz . Des rythmes complexes et forts présentent ce type de musique. Les principaux instruments
utilisés pour ce type de musique sont le cornet, la trompette ou le violon.
Méta-Musique . Il s'agit d'un type de musique dans lequel la mélodie est influencée par la
structure des chansons (appelée « musique d'information »).
Musique d'opéra . Ce genre combine fantastiquement art théâtral et invention musicale et est
joué explicitement devant un large public.
Musique rock . Ce genre musical nécessite que le chant soit accompagné de basse, de batterie et
de guitare. Parfois, le piano, le synthétiseur, le saxophone, la flûte, la mandoline et le sitar font
également partie de ce genre pour un impact plus profond. Ce type de musique comporte
plusieurs sous-genres, comme le hard rock, le metal rock et le rock progressif.

Musique techno . Ce genre est également connu sous le nom de musique de type fusion . Il s'agit
d'une forme de musique de danse électronique basée sur des styles de musique afro-américaine
comme l'électro jazz et le funk .
Musique de transe . Ce type de musique est généralement joué dans les club-houses. Ceci se
caractérise par un tempo rapide et des battements répétitifs.
Classification des instruments de musique
Un instrument de musique est un outil adapté ou créé pour produire des sons musicaux. Il a été
principalement conçu pour imiter les sons naturels à des fins rituelles. Leur tessiture vocale le
classe souvent en comparaison avec d'autres instruments tels que les suivants :
un. Instruments alto

1. Saxophone alto - Il fait partie de la famille des saxophones à vent inventée en 1841 par
Adolphe Sax, un concepteur d'instruments belge. C'est un type d'appareil principalement
utilisé dans les compositions classiques.
2. Cor d'harmonie - Il s'agit d'un instrument en cuivre composé d'environ 12 à 13 pieds de
tube enroulé dans une bobine avec une cloche évasée.
3. Cor anglais (également connu sous le nom de coranglais ) – C'est un instrument à vent à
anche double de la famille des hautbois.
4. Alto - C'est la voix médiane de la famille des violons et entre le violon et le violoncelle.
C'est un instrument à cordes frottées.
b . Basses
1. Contrebasse – C’est l’instrument à cordes frottées le plus grand et le plus grave de
l’orchestre symphonique moderne.
2. Guitare basse – Il s’agit d’un instrument à cordes avec un manche et un diapason plus
longs, avec quatre à huit cordes. Il se joue principalement avec les doigts ou le pouce, en
cueillant, en pinçant, en giflant, en frappant, en tapotant ou en frappant.
3. Saxophone basse – C'est l'un des plus grands membres de la famille des saxophones graves,
généralement soutenu sur un support pendant qu'il est joué.
4. Tuba – C’est l’instrument de cuivres le plus grand et le plus grave. Le son est produit en
faisant vibrer les lèvres dans un embout buccal de grande taille en forme de coupe.
c. Instruments barytons
1. Basson – Il s’agit d’un instrument à vent de la famille des anches doubles. Il se joue en
pressant l'anche entre les lèvres et en soufflant pour faire sonner l'instrument.
2. Saxophone baryton – C’est l’un des plus grands membres de la famille des saxophones et
c’est le saxophone le plus grave.

3. Clarinette basse – Elle est régulièrement jouée dans des orchestres symphoniques, des
ensembles à vent, occasionnellement dans des fanfares, et joue occasionnellement un rôle solo
dans la musique contemporaine.
4. Violoncelle (violoncelle) – C'est un instrument à cordes frottées et parfois pincées. Il a un
corps en bois creux avec deux ouïes et quatre cordes couraient le long du corps et du manche.
5. Cor de baryton - Il s'agit d'un instrument à vent constitué d'un tube en laiton (généralement
de longueur variable) soufflé à l'aide d'un embout en forme de coupe ou de tuyau.
d. Instruments soprano
1. Flûte – C’est un instrument à vent qui produit du son grâce au flux d’air provenant du trou
doté d’un jeu de clés élaboré.
2. Violon – C'est un petit instrument à cordes, généralement doté de quatre cordes accordées
en quintes parfaites.
3. Saxophone soprano - C'est un instrument à vent utilisé comme instrument solo et de
chambre dans la musique classique ou dans un orchestre ou un orchestre.
4. Trompette – C'est l'instrument de musique qui est généralement joué en soufflant de l'air à
travers les lèvres fermées pour produire un bourdonnement.
5. Clarinette - Il s'agit d'un type d'instrument à vent doté d'un tube cylindrique droit avec une
cloche évasée et un bec à anche unique.
6. Hautbois - Il s'agit d'un instrument à vent doté d'un bec à double anche, d'un corps tubulaire
mince et de trous arrêtés par des clés.
7. Piccolo - C'est l'instrument à vent aigu utilisé dans les orchestres et les fanfares militaires
e. Instruments ténor
1. Trombone - C'est un instrument de musique dans lequel le son est produit lorsque les lèvres
vibrantes du joueur font vibrer la colonne d'air à l'intérieur de l'appareil.
2. Saxophone ténor – C'est un instrument à vent de taille moyenne qui est très présent dans les
groupes de jazz et qui est l'une des voix essentielles d'un concert ou d'une fanfare.
3. Guitare - Il s'agit d'un instrument de musique à cordes avec une touche frettée, des côtés
généralement incurvés et six ou douze cordes, jouées en pinçant ou en grattant.
________________
un. Thérapie musicale

Laissez les élèves écouter ou chanter la chanson intitulée « Lead Me Lord » de Gary
Valenciano et demandez-leur de partager leur réflexion sur le sens de la chanson.
Conduis-moi, Seigneur
Conduis-moi par la main et aide-moi à affronter le soleil levant
Réconforte-moi à travers toute la douleur que la vie peut apporter
Il n'y a aucun autre espoir sur lequel je puisse m'appuyer
Conduis-moi, Seigneur, conduis-moi toute ma vie
Passe à côté de moi

Marche à mes côtés sur les routes solitaires auxquelles je pourrais être confronté
Prends mes bras et laisse ta main me montrer le chemin
Montre la façon de vivre dans ton cœur
Tous mes jours, toute ma vie
Tu es ma lumière
Tu es la lampe à mes pieds
Tout le temps, mon Seigneur, j'ai besoin de toi là
Tu es ma lumière; Je ne peux pas vivre seul
Laisse-moi rester près de ton amour qui me guide
Tout au long de ma vie
Même si parfois je préfère suivre mon chemin
Écoute-moi, je prends la bonne direction
Prends ta route
Conduis-moi Seigneur et ne me quitte jamais
Tous mes jours, toute ma vie
Tu es ma lumière
Tu es ma lumière; Je ne peux pas vivre seul
Tout au long de ma vie
Tu es ma lumière
(Tu es ma lumière)
(Je ne peux tout simplement pas vivre seul)
Tout au long de ma vie, tout au long de mes jours
Alors conduis-moi, oh Seigneur
b. Composition de la chanson
Divisez la classe en quatre groupes. Demandez-leur de composer une chanson illustrant la
vie des élèves ou n’importe quel thème (focus). Les compositions peuvent être en anglais, en
tagalog ou dans n'importe quel dialecte philippin. Que cette chanson soit présentée en classe avec
les critères suivants : Mélodie, Battement et Rythme, ainsi que Durée.

c. Fabrication d’instruments de musique improvisés
Les différents instruments de musique produisent des sons de manières très différentes, mais
tous tirent parti de certaines des propriétés fondamentales de la musique.
Laissez les élèves produire une variété de sons intéressants et agréables (instrument à cordes,
à vent ou à percussion). Réservez une période de cours (environ 45 minutes) pour chaque
activité/discussion, et une période de cours pour terminer les conversations, conclure, rédiger des
feuilles de travail et renforcer les termes et concepts. Si vous disposez d'une période plus longue
et d'un espace de travail plus vaste, vous souhaiterez peut-être aménager chaque expérience
comme un « poste de travail » et demander aux groupes d'étudiants de se déplacer d'un poste à
l'autre.
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Essai:
1. Quelle est l’importance de la musique dans nos vies ? Expliquer.

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
2. Quelle musique originale de Pinoy (OPM) aimez-vous le plus ? Pourquoi?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
3. Quelle musique originale étrangère (OFM) aimez-vous le plus ? Pourquoi?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
4. En tant que musicien, de quel(s) instrument(s) de musique aimeriez-vous jouer ? Pourquoi?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________

5. Si l'on vous donne l'opportunité de participer à un concours de chanson, quel thème (axe) de la
chanson aimeriez-vous développer ? Pourquoi?
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
_________________________________________________________________________
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________
Type de correspondance : faites correspondre la colonne A à la colonne B. Écrivez la lettre de

la bonne réponse dans la case prévue avant chaque élément.
Colonne A Colonne B
1. Cette musique est caractérisée par un tempo rapide et des un. Paroles
battements répétitifs des percussions.
2. C'est un appareil créé pour émettre des sons musicaux. b. Musique
3. Il décrit un concept ou un thème qui rime en phrases c. Remarques
rythmées dans les sections de musique.
4. Il est connu comme le membre le plus petit et le plus aigu de d. Accords
la famille des instruments à cordes.
5. C'est l'art d'arranger les tons dans une séquence ordonnée e. Transe
pour produire une composition unifiée et continue.
6. Cela fait référence à la bassesse ou à la hauteur relative que F. Tuba
nous entendons dans un son.
7. Il se forme lorsque plusieurs hauteurs sont placées ensemble g. Pas
sur une portée.
8. Il est connu comme l’instrument de cuivres le plus grand et h. Violon
le plus grave.

9. Il fait référence aux symboles des emplacements et à leur je. Tempo
durée inscrits sur une portée.
10. Cela concerne la vitesse d’un morceau de musique donné. j. Instrument de
musique
Chapitre 9
Drame
« Le véritable objet du drame est l'exposition du caractère
humain ».
Thomas Bibington Macaulay
1. reconnaître l'origine et les éléments d'un bon drame ;

2. démontrer des connaissances sur les types de drames ;
3. apprécier les avantages du théâtre et le rôle de l'artiste ;
4. identifier les formes de drame; et
5. démontrer une capacité à faire un drame sur scène.
Tremplin
En guise d'activité préliminaire au sujet, l'enseignant demandera aux élèves de visionner un

film dramatique et de les laisser analyser le film en répondant aux questions suivantes :
1. Quel est le titre de l’histoire ?

2. Qui sont les personnages principaux de l’histoire ?
3. De quoi parle l’histoire ?
4. Quelle est l’ouverture de l’histoire ?
5. Quelle est la fin de l’histoire ?

Saisir
L'origine et les éléments d'un bon drame
T
Le terme « drame » vient du grec drao , qui signifie « faire » ou « agir ». Il est
interprété par des acteurs et actrices à la radio, à la télévision ou sur scène devant un
public. Souvent, cela se combine avec de la musique et des danses (Clark, 1965 ;
Banham, 1998).
Le drame est une pièce de théâtre qui se joue. C'est le reflet de la vie quotidienne des gens. Il
montre comment les gens vivent avec sérieux ou humour une période mouvementée de leur vie.
Il combine les arts de l'acteur, de l'auteur, du réalisateur, du designer et autres (Bain et al., 1973).
Le théâtre consiste à écrire la scène destinée à être interprétée par les artistes devant un
public. Le scénario se compose de dialogues, des mots prononcés par les acteurs et des
indications scéniques indiquant comment et où les acteurs bougent et parlent. Dans un drame,
l’artiste doit commencer avec des personnages complets, riches, intéressants et suffisamment
différents les uns des autres pour créer une bonne histoire.
Les personnages attachants sont au cœur de tout bon drame. Les personnages doivent être
réalistes, même s’ils se trouvent dans une situation incroyable. Nous devrions pouvoir
sympathiser ou interagir avec les personnages principaux, même si nous ne les aimons pas
nécessairement.
Un bon drame est quelque chose de cool que nous avons toujours voulu regarder. C'est
quelque chose qui fait appel à nos émotions, qui développe un personnage approprié et qui nous
donne envie de revenir pour le prochain épisode pour découvrir ce qui va se passer ensuite.
Le théâtre est une forme de divertissement préférée de nombreuses personnes. Voici ses
éléments :
1. Public . Le public est le public du théâtre auquel l’écrivain a toujours pensé lorsqu’il a
écrit sa pièce. Le rôle du public est d'assister à la production et d'encourager les acteurs
par leurs applaudissements et leur appréciation.
2. Dialogue. Le dialogue est une technique dans laquelle le dramaturge utilise deux ou
plusieurs personnages pour engager une conversation entre eux. Il comporte deux parties
: le dialogue intérieur (les personnages se parlent et révèlent leur personnalité comme un
monologue ) et le dialogue extérieur (une simple conversation entre deux personnages
d'une pièce).
3. Terrain . Il fait référence à l'ordre des événements ou à l'histoire qui se sont produits
dans une pièce. Ce que font les personnages, comment ils interagissent, le cours de leur
vie tel que raconté par l'histoire et ce qui leur arrive à la fin, constitue l'intrigue.

4. Mise en scène . Il fait référence aux aspects techniques de la production théâtrale, qui
comprennent la conception des costumes, l’éclairage, la conception scénique, la
machinerie scénique, le son et le maquillage.
5. Convention. Il fait référence à la technique d'actions établie par le réalisateur aux acteurs
pour créer l'effet dramatique souhaité.
6. Genres . Il fait référence aux types d'actes utilisés dans un drame pour montrer le
développement émotionnel et relationnel de personnages réalistes.
7. Caractérisation . C'est la capacité d'un écrivain à opposer le protagoniste à un

antagoniste. Le protagoniste est le personnage principal d’une histoire tandis que
l’antagoniste est l’opposition.
Autres éléments dramatiques
Les éléments dramatiques sont au centre de tout drame. Ils peuvent être utilisés isolément et
sont manipulés par un artiste pour un résultat spectaculaire. Voici les autres éléments
dramatiques :
Point culminant . C'est le point culminant de tension dramatique ou de conflit dans une histoire
ou une pièce de théâtre. Sans le point culminant, une histoire manquera d’excitation ou de sens
global.
Conflit . C’est un élément essentiel de l’écriture dramatique et scénaristique. C’est un

ingrédient essentiel de toute représentation dramatique. Cela peut être entre deux ou plusieurs
personnages, ou un seul (conflit intérieur). Cela peut être verbal (physique) ou non verbal
(psychologique).
Contraste . L'utilisation de variations dans une pièce de théâtre est un moyen utile d'attirer
l'attention du public. Sans une utilisation judicieuse du contraste, une performance est terne et
manque de tension. Un exemple frappant de contraste est une scène triste suivie d’une scène
heureuse.
Concentrez-vous . Il est utilisé de manière interchangeable avec les termes concentration et

engagement pour aider l'interprète à représenter des personnages crédibles. Cela suggère
également la mémorisation des mots, des mouvements, des gestes et nécessite de canaliser
(concentrer) toutes les énergies de l'interprète pour atteindre les objectifs donnés d'un
personnage.
Langue . C'est le scénario écrit qui permet de réaliser n'importe quelle performance. L'utilisation
de mots dans la performance peut être verbale (vocale) ou non verbale (langage corporel). Il
peut également être chanté ou scandé comme moyen majeur de communiquer l’histoire du drame
aux téléspectateurs.

Humeur . Il fait référence à l’émotion ou au ton d’une performance à travers une combinaison
de plusieurs mises en scène et éléments dramatiques qui fonctionnent harmonieusement les uns
avec les autres. L’ambiance de production est liée à des sentiments courants tels que la colère, le
désir, la frustration ou la pitié. Cela peut également passer par l’éclairage, le son, le mouvement,
le décor, le rythme, le contraste ou le conflit.
Rythme. Il fait référence à la vitesse et au timing (battement ou tempo) de la pièce qui

suivent l'état émotionnel d'un ou plusieurs personnages de la pièce.
Du son . C'est un moyen de créer une atmosphère ou une ambiance dans une pièce de théâtre.
Les petits accessoires produisaient parfois des effets sonores pouvant être utilisés en direct lors
d'une représentation.
Espace . Il fait référence à l'utilisation pratique de l'espace disponible utilisé par les acteurs,
comme ramper, se pencher, s'asseoir ou se coucher.
Symbole . Il fait référence aux objets ou décors et accessoires utilisés dans les représentations
théâtrales. Ils sont destinés à susciter un concept ou une émotion dans l’esprit du public.
Tensions . Cela peut parfois être similaire au terme conflit. La tension se forme lorsque le public
anticipe des résultats spécifiques dans l’intrigue de l’histoire. Le développement de la tension
suit généralement l’avancement de l’intrigue, menant au point culminant.
Calendrier . Il fait référence aux phases dramatiques ou à la synchronisation des mouvements et

des gestes des différentes parties de la production pour un effet théâtral.
Types de drame
1. Tragédie : Il s'agit d'une simulation d'une action sérieuse, complète et d'une ampleur
absolue dans une pièce de théâtre. Il représente généralement la chute du protagoniste.
2. Comédie : Il s'agit d'un type d'œuvre dramatique au ton amusant et humoristique, avec
une fin généralement joyeuse.
3. Jeu de problèmes – Il s’agit d’un type de drame qui traite de manière réaliste de questions
sociales controversées. Il expose les maux sociaux et stimule la réflexion et la discussion
de la part du public.
4. Farce -C'est une comédie qui tourne autour d'événements impossibles et exagérés.
5. Fantastique – Ce type de drame est souvent romantique et contient des éléments du
surnaturel, de la magie, des sociétés secrètes et de la vengeance.
6. Mélodrame - Il s'agit d'une œuvre dramatique dans laquelle l'intrigue est conçue pour
susciter des émotions fortes et prime sur une caractérisation détaillée.
Le drame d’intérêt historique
1. Drame antique – Le drame existait dans les cérémonies religieuses pour le culte des
différents dieux.
2. Drame médiéval - Il traitait d'histoires bibliques et de mystères allégoriques.

3. Drame de la Renaissance – Au cours de cette période, les dramaturges grec et romain ont
été imités en Italie, en France, en Allemagne et en Angleterre. Les masques et les
costumes deviennent également populaires à cette époque.
4. Drame moderne – c'est au cours des deux dernières décennies du 19 e siècle et de la
première moitié du 20 e siècle que l'on a assisté à une grande variété de tendances dans
une pièce de théâtre. La fantaisie romane, le symbolisme, l'expressionnisme,
l'impressionnisme, la comédie et le drame poétique ont atteint de nouveaux sommets au
cours de cette période.
Avantages du théâtre et rôle de l'artiste
Le théâtre est une forme d’expression de soi qui existe dans toutes les cultures du monde. En
tant que compétence unique en soi, c’est un sujet abordé dans de nombreux collèges et
universités. En tant que discipline polyvalente, le théâtre peut s'intégrer à d'autres domaines du
programme sous forme d'activités. Ainsi, en incorporant ces activités dans le programme, les
élèves peuvent jouer le jeu. Il doit disposer d'un équipement technique dans son expression
faciale, son équilibre corporel, ses gestes, sa voix et ses actes secondaires qui lui permettent
d'interpréter le personnage (Putatunta, 2012). Les autres avantages du théâtre sont les suivants :
1. Il développe l'imagination, la créativité et des modes de pensée flexibles.

2. Il favorise la concentration, la concentration et la capacité à prêter attention aux détails.
3. Il permet de maîtriser le langage corporel, mêlant mouvements corporels et expressions
faciales, couplé au langage parlé pour se transmettre.
4. Cela aide à explorer les sentiments, les valeurs intérieures et les pensées.
5. Il développe la capacité d’interagir et de travailler avec les autres.
6. Cela aide à développer la confiance en soi et l’estime de soi.
Formes dramatiques
Les formes dramatiques sont composées de structures spécifiques qui définissent,

différencient et façonnent la manière dont elles sont explorées. Souvent, ses formes sont l'
improvisation, le mouvement, le travail scénique et la parole.
a. Mouvement
1. Clown - C'est l'acte qui dessine des mouvements et des gestes exagérés basés sur des
compétences, pour créer de l'humour pour les spectateurs.
2. Danse e- C'est l'exécution d'une série d'actions créatives, libres et exploratoires exécutées
avec ou sans musique.
3. Travail du masque - Il s'agit de l'exploration du mouvement à l'aide d'un masque pour
mettre l'accent sur l'expression physique du corps.
4. Mime - C'est une pantomime agissant sans paroles et par l'expression du visage, le geste
et le mouvement.
5. Combat sur scène - Il s'agit d'un mouvement chorégraphié conçu pour simuler des
combats entre acteurs.
6. Tableau - Il s'agit d'une scène silencieuse et immobile créée par des acteurs pour attirer
l'attention sur le thème central du drame.

b. Improvisation
1. Le personnage dans Rôle - C'est une personne qui joue un rôle dans une situation
particulière.
2. Drame d'improvisation - Il s'agit d'un style de théâtre spontané dans lequel il n'y a pas de
scénario et les scènes sont créées sans préparation préalable.
3. Jeu de rôle – C'est une activité dans laquelle les individus assument des identités autres
que la leur.
4. Histoires spontanées - Il s'agit d'une activité d'échauffement verbal au cours de laquelle
des récits sont rédigés.
c. Discours
1. Travail choral – Il s’agit du discours ou du chant d’ensemble.

2. Monologues - C'est un long discours d'un seul personnage.
3. Radio Drama - Il s'agit d'un drame destiné à être écouté plutôt que regardé.
4. Reader's Theatre - Il s'agit d'un spectacle créé par des acteurs à travers la lecture d'un
scénario.
5. Récitation - Il s'agit de la présentation orale d'une œuvre scénarisée qui implique souvent
des ballades, des monologues et des comptines.
6. Paysage sonore - C'est l'utilisation de divers sons qui se chevauchent pour créer une
atmosphère
7. Narration - Il s'agit de raconter des histoires à un public.
d. Travaux de scène
1. Création collective - Il s'agit d'un processus collectif d'écriture d'un scénario original
2. Docudrame - C'est l'utilisation de dispositifs dramatiques pour illustrer une situation
réelle à travers la performance
3. Marionnettes - Il comprend une grande variété d'accessoires qui donnent vie à presque
tout par des mains humaines pour créer un spectacle.
4. Théâtre d'histoire - Il s'agit d'une production théâtrale d'une histoire existante où les
personnages racontent chaque ligne de l'histoire.
a. Créer une publicité

Il s'agit d'une activité fantastique qui peut très bien fonctionner pour les étudiants en art
dramatique, mais elle pourrait également être intégrée à tout cours impliquant de la publicité ou
de la prise de parole en public (Bradford, 2017).
Instructions:

1. L'instructeur doit organiser la classe en groupes de quatre ou cinq. Ensuite, l'instructeur
informe les groupes qu'ils ne sont plus de simples étudiants, mais qu'ils sont des
gestionnaires de publicité de premier ordre et très performants.
2. Expliquez que les responsables de la publicité savent comment utiliser une écriture
réaliste dans les publicités pour faire vivre au public toute une série d'émotions.
Demandez aux participants de donner des exemples de publicités dont ils se
souviennent. Les publicités les ont-elles fait rire ? Ont-ils inspiré l’espoir, la peur ou la
colère ?
3. Demandez-leur de créer un script commercial de 30 à 60 secondes avec plusieurs

personnages. La publicité doit générer une émotion spécifique pour convaincre les
téléspectateurs.
4. Après le processus d'écriture, accordez aux groupes cinq à dix minutes pour s'entraîner à
réaliser la publicité.
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________

Essai:
1. Quand peut-on dire que le drame est bon ?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
2. Quel est le rôle du dramaturge dans une production théâtrale ?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
3. Si vous êtes écrivain, quel type de drame allez-vous écrire ? Pourquoi?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
4. Quelle est la différence entre le drame ancien et le drame moderne ?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
5. Donnez au moins deux avantages du théâtre et expliquez chacun brièvement.

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
TEST DE CHAPITRE
Nom : _____________________________________ Note : ________________

Cours/Année : ________________________________ Date : ________________
Horaire: ______________________________

Sélection : Sélectionnez la bonne réponse parmi les choix proposés. Entourez la lettre de la
bonne réponse.
1. C’est un type de drame qui implique des complications ridicules ou hilarantes sans égard aux
valeurs humaines.
un. Tragédie c. Farce

b. Mélodrame d. Docudrame
2. Un numéro qui dessine des mouvements et des gestes exagérés, pour créer de l'humour pour le
public.
un. Danse c. Demander du travail
b. Tableau d. Clowneries
3. Il s’agit d’agir sans paroles mais uniquement par l’expression du visage, les gestes et les
mouvements.
un. Mime c. Combat sur scène
b. Danse d. Tableau
4. Il s'agit d'une activité dans laquelle les individus assument des identités autres que la leur.
un. Théâtre d'histoires v. Jeu de rôle
b. Fantaisie d. Personnage dans le rôle
5. Il fait référence au discours ou au chant d’ensemble.
un. Paysage sonore c. Raconter des histoires
b. Drame radiophonique d. Œuvre chorale
6. Il s’agit d’un élément dramatique assemblé dans le but explicite de voir une pièce de théâtre.
un. Terrain c. Convention
b. Public d. Mise en scène
7. Il s’agit d’une pièce dans laquelle le personnage central est vaincu par une menace ou un
désastre écrasant.
un. Tragédie c. Coïncidence
b. Ironie dramatique d. Tension
8. Il s’agit d’un élément dramatique qui est souvent utilisé de manière interchangeable avec les
termes concentration et engagement.
un. Rythme c. Se concentrer
b. Calendrier d. Espace
9. Il s'agit de raconter des histoires à un public.
un. Récitation c. Climax
b. Conflit d. Raconter une histoire
10. Les éléments suivants, sauf un, sont des éléments conventionnels du drame :
un. Contemporain c. Réalisme B. Drame chinois d. Drame grec

Art Appreciation Book Final Pub. 2018 1

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Chapitre 1

Sciences humaines et appréciation de l’art : une introduction

A la fin de ce chapitre, les étudiants devraient être capables de :

1. comprendre l'importance des sciences humaines et de l'appréciation de l'art dans la vie de

Signification et importance des sciences humaines

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 1

Description de l’appréciation de l’art

La création des arts

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 2

Fonctions des arts

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 3

5. Fonctions historiques - L'art est une technique essentielle pour l'enregistrement et la

6. Fonctions culturelles - L'art est l'articulation et la transmission de nouvelles informations

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 4

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 5

La valeur des arts dans le système éducatif

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 6

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 7

1. Addidas - « Rien d'impossible »

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 8

Nom : _____________________________________ Note : ________________

Essai : Répondez aux questions suivantes ci-dessous brièvement mais précisément.

1. Vous considérez-vous comme un artiste ? Justifiez votre réponse.

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 9

4. À laquelle des catégories d’art suivantes (visuel, du spectacle, littéraire) pensez-vous

5. Pourquoi l’art est-il également qualifié de « Haute Culture » ?

Nom : _____________________________________ Note : ________________

Type de correspondance : Faites correspondre la colonne A avec la colonne B. Écrivez la lettre

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 10

Nom : _____________________________________ Note : ________________

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 11

10. Arts créatifs

Arts et métiers esthétiques

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 12

A la fin de ce chapitre, les étudiants devraient être capables de :

1. expliquer la différence entre les arts esthétiques et l’artisanat ;

1. Quelle est la relation entre l’Art et l’Artisanat ?

La différence entre les arts esthétiques et l’artisanat

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 13

William Morris, né le 24 mars 1834 à Walthamstow, en Angleterre,

Types d'arts et d'artisanat

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 14

1. Menuiserie- Il s'agit d'un métier spécialisé dans la découpe, le façonnage et l'installation

1. Reliure – Il s’agit du processus d’assemblage physique d’un livre à partir de feuilles de

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 15

1. Fabrication de chariots de maïs – Il s'agit de la fabrication de formes et de figures

Principes de compréhension de la conception et de la composition artistiques

Le principe de variété . Une composition stable démontrera également le principe de variété.

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 16

Fonctions motivées de l'art

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 17

Questions guides pour la discussion et le partage :

c. Artisanat de fleurs pressées

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 18

1. Disposez les fleurs pressées sur le papier, mais ne collez rien.

Nom : _____________________________________ Note : ________________

Essai : Répondez brièvement aux questions suivantes.

1. Tous les arts expriment-ils la beauté ? Justifiez votre réponse.

3. Comment l'Art et l'Artisanat sont nés au 19ème siècle ? Expliquer.

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 19

Nom : _____________________________________ Note : ________________

Appréciation de l’art pour le nouveau programme d’enseignement général Pages | 20

A la fin de ce chapitre, les étudiants devraient être capables de :

Nom : _____________________ Note :

Nom : _____________________ Note :

Nom : _____________________ Note :

Nom : _____________________ Note :

Nom : _____________________ Note :

Nom : _____________________ Note :

Nom : _____________________ Note :

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